In the hole

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3 arte contemporáneo 9 artes visuales 24 artefactos 30 arteramente 32 artualidad 42 artesiano 50 articulo 52 artimaña 58 artificial 63 artistas 68 arteismo 72 artists, the 74 artista

Inicio estas reflexiones con animo de recogerlas en un nuevo libro de ensayos, hoy 11 de enero de 2012.

Aunque esto trate sobre asuntos de artualidad, en un momento temprano incorporé algunos textos escritos con anterioridad cuando ello me pareció oportuno.

Dos meses después, el 11 de marzo, lo doy por terminado.

Durante este tiempo he gozado de una situación efímera en el acceso a internet a través de fibra óptica, ello subyace en el contenido.

Luego, el 21 de diciembre, dio comienzo “el principio del mundo”.

Ahora, a punto del verano de 2013, interpreto el humilde valor de In the hole como, simplemente, un diario personal durante sesenta días de un año cualquiera de principios del siglo XXI y procedo a colgarlo en Issuu.

(…) El problema psíquico del hombre moderno es una de esas cuestiones inconmensurables, precisamente a causa de su misma modernidad.

El hombre moderno es el hombre que acaba de llegar a serlo y un problema moderno, un problema que acaba de surgir y cuya respuesta se esconde todavía en el futuro.

Debo decir que el hombre a quien llamamos “moderno”, el que vive en el presente mas inmediato, se encuentra sobre una cumbre o al borde del mundo, con el cielo encima, debajo, la humanidad entera con su historia que se pierde en las brumas primigenias, y, delante, el abismo de todo el futuro.

Los hombres modernos –mejor dicho los que viven en el presente inmediato-, son pocos porque su existencia exige la conciencia mas alta, la conciencia mas intensa y vasta, con un mínimo de inconsciencia, pues solo es enteramente actual quien es plenamente consciente de su existencia como hombre.

Quien alcanza esta conciencia del presente, es, por fuerza, un solitario.

En todos los tiempos, el hombre moderno ha sido un solitario, pues cada uno de sus pasos hacia esa conciencia mas alta y mas amplia, le va alejando de la participación mística primitiva y arrancándole de la inmersión en el inconsciente colectivo.

Solamente para este hombre han palidecido los mundos de etapas de conciencia ya pretéritas.

De esta suerte, se ha vuelto antihistórico en el sentido mas profundo y con ello se ha alejado de las masas que viven exclusivamente de ideas tradicionales.

Reconocerse moderno, es declararse voluntariamente en bancarrota, es hacer voto de pobreza y de continencia en un nuevo sentido.

Pero esta antihistoriedad no pasa de ser una simple infidelidad al pasado, cuando no ha sido reemplazada por una actitud creadora.

Negar el pasado y no tener conciencia mas que del presente, seria pura futilidad.

El hoy solo tiene sentido cuando esta colocado entre el ayer y el mañana.

El hoy es un proceso, un transito que se aleja del ayer y se encamina hacia el mañana.

Quien así siente el hoy, puede llamarse “moderno” (…)

Estas palabras fueron escritas a principios de la década treinta del siglo pasado...

Carl Gustav Jung, Problemas Psicológicos actuales Me han revelado un grafico que expresa “como” y “lo que” siento en el presente.

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Hice, para comprenderla mejor, este otro grafico de la Vía Láctea en 1989.

Los científicos, por intuición y deducción, saben que, oculto en su centro mismo, contiene un agujero negro que por su misma definición no puede ni podrá ser visto nunca.

El hombrecito solitario es uno cualquiera de los artistas contemporáneos mas cotizados.

Encima, cuatro rayas de cielo.

Debajo, el mundo de las imágenes producidas por la humanidad parece colapsarse por su propio peso en un agujero negro.

Yo trabajo, como artista, en el interior de ese “objeto” y es por tanto lógica mi invisibilidad mediática.

Si este fuese un “moderno” viaje de vuelta me sentiría tentado de usurpar la frase de Roy Batty a la hora de su muerte, pero no lo es.

La frase que me corresponde interpretar es la de David Bowman, … Oh, dios mío, esta lleno de estrellas !

Con ello y casi sin querer ya ha salido “esa” palabra nada “moderna” y sin embargo necesaria para expresar el misterio espiritual.

Pudiera parecer que no aprecio la producción moderna del arte contemporáneo, no es así, me dispongo a mostrar precisamente lo contrario en dos bloques.

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UNO David Hockney inaugura el próximo día 17 su exposición en la Royal Academy of Arts de Londres, el cartel que la anuncia incluye una frase explicita …

Todos estos trabajos están hechos por el artista, personalmente El maestro dice bien porque sus palabras se corresponden exclusivamente a su propia obra.

Estos últimos años he sido profundamente conmovido por dos obras de arte, muy distintas entre si, y sin duda realizadas por equipos humanos bajo la dirección del artista.

Round Rainbow, Olafur Eliasson, 2005 5 arte contemporaneo 3

Recientemente, ese portentoso prometeo que es Miquel Barceló ha realizado dos titánicas obras sobre la realidad natural, la capilla marina en cerámica para Mallorca y la bóveda espeleológica en resinas para Ginebra. Entiendo la estrategia de tu arte y aprecio el interés científico tecnológico de las investigaciones que abres con estos retos estimulantes.

El problema es que transcurridos más de dos tercios de mi vida he llegado a pensar que es un poco pretencioso y propio del Complejo Erre el argumento de quién la tiene más grande.

Una hoja de mimosa sensible que se mueve cuando la tocas con los dedos.

Una pequeña rana blue jeans que a pesar del peligro tóxico de su piel no resistes a coger para verla de cerca y millones de otras experiencias minúsculas que emiten sensaciones intensas, irradian belleza y misterio.

Te recuerdo dejando caer colillas que se integraban en la materia sobre la cúpula invertida sobre libros que hiciste para Barcelona y los comentarios sobre una pintura mía, himno a la alegría, a finales de los años ochenta.

Te aprecio como artista. Te ruego que aceptes mi comentario como una reflexión intelectual que pretende ser muy sencilla.

Con Olafur Eliasson, no he cruzado palabra alguna, lo he tenido a centímetros, en el coctail de la Fundació Miró, pero ese ha sido mi máximo acercamiento a su persona.

Si Miguel era ambicioso en sus acercamientos al mundo subacuático y al interior de la Tierra, Olafur lo es más en su captura de la estrella madre. Su sol artificial en la sala de turbinas de la Tate dió en la diana del éxito mediático. La escala de la pieza semeja en tamaño a los intentos fálicos de los colosos de Rodas.

Hay otra obra suya, en cambio, más íntima y con una inspiración en la naturaleza aparentemente menor (que de cerca podría ser un cristal de cuarzo y de lejos unas gotas de lluvia) que me emocionó poderosamente.

Entrar en el espacio round rainbow produce paz.

Si los líderes religiosos no estuviesen ocupados en sus intereses terrenales se habrían dado cuenta de que esta obra debiera ser multiplicada en serie y distribuida por todo el planeta como habitáculo de espiritualidad y reflexión.

8 de febrero de 2009

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The tree of life, Terrence Malick, 2011

El violento contraste de opiniones vertidas sobre la pelicula de Malick está demasiado proximo en el tiempo para extraer conclusiones, pero parece demostrar empiricamente la coexistencia de distintas razas humanas que se son extrañas.

Las dos obras citadas en imagen tienen movimiento inherente, su contemplación requiere una detenida dedicación de nuestro propio tiempo personal.

Una de ellas lleva incrustada audio, la otra conlleva tres dimensiones.

Las dos remueven el misterio espiritual, son, a mi entender transcendentes y producen necesidad de meditación, son terapéuticas.

Ambas surgen de la observación de la naturaleza “divina” de la compleja realidad que nos envuelve.

Otro artista pintor, que subscribiría la frase de Hockney, y que sigue batallando, sabiéndose perdedor de antemano, en capturar la realidad natural es el maestro Antonio López.

La película de Victor Erice documentó la santidad y la locura de tal empeño.

Recientemente una critica “moderna”, de un medio de comunicación impreso y “moderno” también, comparaba su éxito ante las masas con la visita de Benedicto XVI a Madrid.

Un arrojado comentario que confunde, sin precedentes, el culo con las témporas.

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DOS Hay otros pintores que hacen sus obras personalmente y que trabajan probablemente en el mismo black hole que yo. Son también invisibles por ello.

Recientemente he conocido a dos de ellos, uno trabaja en Ciudad de México, tiene 41 años y el otro en Logroño, 44 años.

Fijé mi atención en una determinada obra de cada uno, luego caí en la cuenta de que tenían algo en común, estaban retratando dioses.

De nuevo el misterio espiritual. Las reproducciones, como siempre, poco tienen que ver con la realidad cromática de sus oleos.

El Jesús del madero, Ulises Licea, 2011

Hefesto, Juan Jose Rencoret, 2009

Al principio había mucha intuición en mi trabajo, ahora, con la edad, todo va siendo mas consciente. Intento, eso si, mantener la rebeldía y dedico mas y mas esfuerzo personal.

Es mi modesta ofrenda de tiempo al colectivo que pervive en este agujero.

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Siempre estuve interesado en las claves de nuestra evolución como seres humanos. Que si bajamos del árbol, que si comimos carne, que si enterramos a los muertos e hicimos arte de nuestros pensamientos simbólicos…

Cuando vi este capitulo de esta serie maestra quedé estupefacto (ya van 6 visionados, camino de igualar mi mayor repetición Kubrick, 2001).

La nueva clave son los ojos o la mirada, que es lo mismo.

Carpolesters halló refugio en las ramas de árboles de hoja ancha que además de darle frutos le protegían del alcance de Diatrimas y Hienodontes que señoreaban el suelo buscando comida. antepasado Carpolesters h. 65 M. años / h. 50 M. años

En estos “precisos millones de años”, después de los dinosaurios, se registró la mayor actividad continental de sucesos cataclísmicos.

El resultado : la Tierra entera es cubierta de densas selvas de árboles frutales.

En este dosel continuo y esférico adquirimos la destreza del Solonius que necesitaba ver en tres dimensiones (estereoscopia) para saltar de rama en rama sin pisar el suelo. antepasado Solonius h. 50 M. años / h. 30 M. años

El planeta milagroso II Shigeromi Mizumo, 2005 Capitulo 5, Evolucionar para sobrevivir, la ley del mas fuerte Masatoshi Kanedo y Hideki Taduke Cooproduccion de la NHK en asociacion con National Film Board of Canada, The Science Chanel, Tele Images International y France 5 9 artes visuales 1

Septum Postorbital Oseo y Fóvea

antepasado Catopitecus h. 30 M.años / (...)

Nuevos cataclismos encogen el edén y evolucionamos hacia la agudeza visual que nos proporciona ese hueso semiesférico que estabiliza el ojo para que la fóvea envíe al cerebro información mas precisa y estable sobre la localización del alimento que escasea.

Catopitecus, con esas nuevas propiedades, recolectaba en las selvas que un día poblaban el actual desierto del Sahara.

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Hab铆a que desarrollar mas destrezas ante la escasez de frutos y aprender a distinguir las hojas mas tiernas y digestibles de las otras.

Para ello nos dotamos del reconocimiento del tercer color en la f贸vea precerebral.

Vision Dicromatica

Vision Tricromatica

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Expresion Facial exclusiva de los mamiferos simios reconocimiento de las intenciones del otro Orden Social

Los primates nos dotamos de musculatura especifica para la cara, de esta forma reconocimos las intenciones de los otros congéneres de la manada y nos organizamos en pequeñas sociedades jerárquicas.

Finalmente los Homo mejoramos nuestra convivencia social y nos permitimos mirarnos a los ojos los unos a los otros “civilizadamente”.

Y ya no hemos dejado de mirar las cosas, de reproducirlas por las artes visuales y de estudiar…

Las células neuronales de la retina son la vía de entrada para el proceso de la información de lo que vemos.

Hay unos dibujos preciosos de Ramón y Cajal en este empeño fechados en 1892.

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aparicion del Blanco de los ojos. solo los simios homo han convenido aguantarse la direccion de la mirada

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Celula de Purkinje en un caso de demencia precoz Santiago Ramon y Cajal, 1899 El día 20, viajé a la Rioja a ver a mi madre y estar unos días con ella.

Llamó mi atención un librito que habia comprado sin duda por el título “El mundo visto a los ochenta, impresiones de un arteriosclerótico” de Santiago Ramon y Cajal (Editorial Maxtor, 2008).

La comunidad científica internacional tiene muy bien fijado a don Santiago.

En las neurociencias hay un antes y un después de su tránsito vital.

Por mi parte, hace años que caí en la cuenta de sus enormes cualidades artísticas en los campos de la fotografía y el dibujo.

Siempre “vi” una paradójica coincidencia entre sus dibujos de sinapsis cerebral y las obras fantásticas de Kandisnsky y quizás de algún Miró.

He cogido este librito con gran curiosidad y sorpresa.

Parte segunda, los cambios del ambiente físico y moral, capítulo XIII, La degeneración de las artes (…). “Apresurémonos a declarar (y esta verdad ha sido ya notada por Manclair) que España es una de las naciones menos infestadas por la lepra del arte moderno. (…) No hemos caído aún, repetimos, por fortuna 14 artes visuales 6

Primera acuarela abstracta Vasily Kandinsky, 1910 en España en las idioteces deliberadas de Picasso en su primera manera (pueriles, simbolizaciones geométricas) de Delaunay, Matisse, Carvá, Chirico (caballos de tiovivo), Kundesky (manchas caóticas indescifrables, inferiores a los dibujos del hombre cuaternario), Citroen (ciudades de terremoto), Metziingler (caballos de juguete y mujeres de cartón), Ernest (fantasias delirantes donde se funden monstruosamente mujeres descabezadas y palomas), Cenzane y otros muchos idólatras de lo feo o arbitrarios embadurnadores de lienzos al acecho de fáciles e incautos clientes” (…).

Este libro (tercera edición) se imprimió en Madrid en 1939, año de “la victoria”.

Refleja un nacionalismo europeo diferencial y en el párrafo transcrito hay al menos tres nombres mal escritos o erratas…

Los tiempos que corren tienen, para mi, una extraña correlación con los años 30 del pasado siglo (ya lo comenté respecto al diario de V. Klemperer desde Alemania). No son palabras de un idiota sino de alguien que se expresa con la libertad y las limitaciones propias de la antesala de la muerte.

26 de febrero de 2009 15 artes visuales 7

Debo confesar que el origen de esta “entrada” está en dos hechos concretos y recientes, una visita a Madrid el noviembre pasado y, a raíz de ello, la búsqueda en Internet de la acepción semántica de la palabra “picasiano” (que la araña ortográfica de World se empeña en escribir con una sola ese) Afirmo también que comienzo a encontrar “un método” para acercar mis elucubraciones mentales (espantosamente rápidas y efímeras) en un sistema de exposición mas pausado y que desearía fuese mas eficaz y útil a “los demás”.

El sistema no es “razonable” y sí interactivo semiótica y semánticamente.

Imágenes, textos y visiones personales (del presente, pasado y ensoñación del futuro). Se llaman unas a otras en una actividad literaria que solo sabría describir como poética.

El tecleado del palabro despectivo en Google no encontró acomodo en la RAE, a cambio me llevo a Colombia, y de la mano del doctor Luis Jaime Sánchez, a Jung y a la “lipotimia” que le producía Picasso.

(…) Se busca lo feo, lo enfermizo, lo grotesco, lo incomprensible y lo frívolo, no para expresar, sino para encubrir.

Pero esta veladura no atañe al que algo busca, sino que es como una niebla fría que se extiende, encubridora, sobre ciénagas desoladas, sin designio, como un espectáculo que puede prescindir del espectador.

En el uno puede conjeturarse qué es lo que quisiera expresar, en el otro qué es lo que no puede expresar…

Así, Picasso empieza con las pinturas, aun objetivas, en el azul, el azul del resplandor lunar y el agua, el azul Tuat del averno egipcio.

Muere y transita al mas allá, su alma, cabalgando en un corcel.

A él se aferra la vida cotidiana y una mujer, con un niño, se le acerca admonitoria.

Lo mismo que el día, es la noble hembra para él, lo que psicológicamente se designa como el anima clara y el anima oscura.

Esta, la oscura, le aguarda, expectante, en azul albor, despertando en él un patológico vislumbre.

Con el cambio de colores, penetramos en el Averno.

La objetividad está condenada a muerte, lo que encuentra expresión en la pavorosa obra maestra de los adolescentes prostituidos tuberculoso-sifilíticos.

El tema de los prostíbulos, se inicia con el ingreso en el mas allá, donde se reúne con algunos de esos seres, como alma descarnada.

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Me estoy refiriendo a esa personalidad en Picasso que sufre el destino infernal, a ese ser humano que no se enfrenta con lo diurno sino que, fatalmente se encara con la tiniebla, que obedece al ideal de lo Bueno y lo Bello reconocidos, sino a la demoníaca fuerza de atracción de lo feo y lo malo que, en el hombre moderno, cobra una plenitud anticristiana y luciferina y crea un ambiente de fin de mundo, velando la claridad meridiana, la vida del Día, con nieblas del Hades, infectándola con letal descomposición y reduciéndola, finalmente, como a un Seísmo, a fragmentos, a grietas, residuos, harapos, escombros y conjuntos inorgánicos…

Frente a las múltiples facetas Picasianas que de tal modo mueven a confusión, apenas me atrevo a aludir a ello.

Por eso daré cuenta en primer termino, de lo que mi material de estudio revela.

El transito al Hades, no carece de finalidad, no es un puro precipitarse titánico y destructor, sino una “Katabasis ein Antron”, un descenso al antro, pleno de sentido, un ascenso al Averno, de la iniciación y del conocimiento secreto.

La peregrinación a través de la Historia psíquica de la Humanidad, tiene por fin restaurar al hombre como conjunto, despertando el recuerdo de la sangre.

El descenso a la Madre, sirve a Fausto para erguir al feo humano, pecadoramente integro, a Paris y a Elena, aquellos seres a los que el extravío, al hacerles caer en lo unilateral, les hizo incurrir en el olvido del presente.

Este ser humano, está contrapuesto al ser humano actual, que es el que sólo actualmente es así, mientras que el otro es el que así era siempre.

De modo que en mis pacientes, se sigue a la Katabasys y Katalysis el reconocimiento del contraste de la Naturaleza Humana y de la necesidad de los dobles contrapuestos en conflicto.

Por eso, a las vivencias de locura, suceden, en la disolución, figuras que representan la conjunción de los dobles contrapuestos : claro-oscuro, arriba-abajo, blanco-negro, masculino-femenino.

En las ultimas pinturas de Picasso, se advierte con bastante claridad el motivo de la conjunción de los contrarios con su opuesto inmediato.

Hay un cuadro, (hendido, ciertamente, por numerosas líneas de fractura) en el que se llega observar la conjunción del anima oscura y del anima clara.

Los colores acres, inequívocos, incluso brutales del ultimo periodo, responden a la tendencia del inconsciente a reducir, por la violencia, el conflicto de los sentimientos (...)

Carl Gustav Jung, Realidad del alma, 1934 17 artes visuales 9

Matador Luis Miguel Dominguin Pablo Picasso, 1897

Modelo Carlos Sáenz de Tejada, 1918

Añoro esos tiempos en los que grandes investigadores de otras áreas se atrevían a hablar de la aparición del nuevo “patrón artístico”, que como “el metro” está en Paris.

Expondré ahora mi versión “artisticamente incorrecta”.

Estoy convencido de que “el gran pintor” sufrió el síndrome Holden Caufield, razonable y sano fenómeno para un muchacho de 17 años.

La ficción literaria quedo ahí, congelada para siempre, la realidad humana siguió actuando hasta los 92 años.

Arriba, las imágenes hablan solas, dos retratos académicos sujetos a la disciplina de San Fernando, en Madrid.

Pablo tenia entonces esos 17 años exactos y Carlos 21.

En mi reciente estancia en la capital visité dos de sus museos…

El de ABC, donde se exponía una enésima exposición “sesgada” de Carlos Sáenz de Tejada, aquella que se corresponde a sus trabajos sobre la moda en su prolongada estancia en Paris.

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Quizás un día se muestre su linealidad cronológica. Sus luces y sus sombras “lo hacen muy humano”, precisamente por sus duras contradicciones.

No acabo de entender porque importamos exposiciones y libros de “arte propagandistico” alemán, ruso y chino y no nos atrevemos a hacer lo mismo con “lo nuestro” sin complejos.

Mi observación no es en absoluto ideológica, mas bien formal.

Parece un síntoma claro de que España mantiene infectada la herida aparentemente invisible bajo la capa de democracia (juicio a Garzon 24/01/12).

Dediqué otra jornada al CARS, necesitaba conocer de primera mano las actuaciones que Borja Villel estaba realizando en su colección permanente y que tantas paginas habían ocupado en los medios de comunicación de los últimos tiempos.

Dispuse recorrer, por orden numérico, todas sus salas.

El préstamo de “los Goyas” como prolegómenos a la paleta de “los Solanas” es una tesis interesante y creíble. El problema puede surgir de la elección ideológicamente monocromática del discurso.

Este pais ignoró y despreció a Picasso durante toda su vida. Solo Barcelona, que abrió, por la propia voluntad del artista, el primer museo que lleva su nombre en 1963, tiene algo que ver con su persona. Su obra publica para el colegio de arquitectos corrobora este hecho.

A Madrid, como capital del estado español, le corresponde, por voluntades escritas en documentos, la custodia del Guernica desde que llegó del MOMA newyorkino en 1981, literalmente su lugar era el Prado y no el CARS (?).

Y eso es todo, en mi estancia en la capital en los años 70 y todavía en mis visitas a primeros de los 80, era normal y común usar la palabra “picasiano” para significar lo feo, estrambótico e improcedente.

La difusión de los datos de las transacciones sobre “picassos” de los últimos 30 años han hecho el milagro de los jueves, que diría Berlanga… donde dije diego digo digo.

El pasado año el Museo Picasso de Barcelona hizo un estudio y exposición monotemática sobre la pintura Ciencia y Caridad, 1897, cuando Pablito no se había transformado en Holden todavía y miraba a los maestros académicos de provincias como Enrique Paternina, del mismo pueblo, por cierto, donde yo vine a este mundo, Haro.

En BCN se demostró que la raya XIX PRADO / XX CARS no era real en España, tan peculiar en estas cosas y en otras…entonces y ahora.

Volvamos al “Sofidú”. La intro del cine en el museo era necesaria y debemos felicitarnos de que la dirección lo haya considerado ejecutable.

Ahorraré incidir en el inmenso gasto que debe suponer la inadecuada elección arquitectónica que se tomó en su día, un continente-hospital con infinitas habitaciones, decisión absurda como la de instalar el MNAC de Barcelona en una neogótica construcción efímera de una exposición universal de otros tiempos.

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Guernica, Pablo Picasso, 1937 Mas alla de que no fuese juridicamente probado, Picasso y Apollinaire fueron detenidos y acusados como culpables sospechosos, del robo de “La Gioconda� en el museo del Louvre en 1911 en Paris.

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El Generalisimo Franco, Carlos SĂĄenz de Tejada, 1939 Holden Caulfield era ya mayorcito, tenia 30 aĂąos, pero seguia con sus trastadas de Peter Pan. Me he introducido en la sala madre del C.A.R.S para perpretar la mia en Madrid.

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apuntes en el museo del prado Pablo Picasso, 1897

La esquina inferior izquierda de este dibujo debe corresponderse con Velazquez paleta en mano, pero no puedo dejar de ver en ella a The Phantom, una locura pues Lee Falk no lo había creado todavía.

Picasso murió conservando activo su carnet del Partido Comunista.

Dejó, según San Google, 13.500 pinturas, 100.000 grabados y obra grafica, 34.000 ilustraciones para libros, 300 esculturas y una variada y numerosa descendencia.

Su caso parece documentar la inexistencia de los fantasmas o espíritus que caminan interactuando de nuevo en la realidad.

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logo marca del monovolumen c 3 picasso Citroen, 2009

Renault Citroen lanzó su Xsara Picasso en 1999, el C4 Picasso y el C4 Grand Picasso en 2007 y el C3 Picasso en 2009.

El registro, sin comprobar la fecha de cierre del dato, del primer modelo arroja la cifra de 1.260.000 unidades vendidas, los otros tres coches siguen vendiéndose en la actualidad.

Una ojeada a las ultimas pinturas de Picasso vendidas en subastas (1989 /51,9 Millones $), (2004 /104,1 M.$), (2006 /95,2M.$), (2010 /106,5 M.$) En 2011 Christie´s y Sotheby´s aseguran haber vendido el 82% de los lotes Picasso ofrecidos al mercado por un valor de 352.838.304 $.

Me pregunto que haría el “idiota” muchacho que “descendió al averno” si volviese a la vida…

Quizás sugiriese subastar el Guernica para salvar del desahucio a un puñado de afectados por el bombardeo de hipotecas basura sobre el pueblo español…

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placa mensaje del Pioneer X, Carl Sagan, 1972 Este grafico es una joya de síntesis. El artefacto que lo transporta está detallado en su escala en comparación con los seres humanos que lo construyeron.

Resulta ridículo que en su momento resultase escandalosamente polémico por la desnudez de la pareja. Así de complejos son los símbolos.

La nave Pioneer X abandono el sistema solar en 1983.

El ultimo contacto con ella fue en 2002, probablemente agotó su “pila”.

Los incomprendidos misterios gravitacionales del universo estaban desviando su orbita prevista.

papiro de Ani, detalle de Sata h. 3.262 a.

Desconocemos pues si la botella que contiene este bello mensaje a sido destruida por encontrarse con “algo”, o se dirige a un destino desconocido y distinto de Aldebarán, donde debiera llegar en 1.690.000 años.

24 artefactos 1

La “historia” semántica hebrea, adoptada por el cristianismo como “viejo testamento”, otorgó un rol extraño a la hembra.

Tanto los tetragramas YHVH y DIOS, como su criatura Adán, eran machos de pelo en pecho, parecía “lógico” pues culpar a Eva del desencuentro y el castigo posterior que correspondería a la especie Sapiens.

La deriva, “precavidamente” misógina, del catolicismo romano se dotó posteriormente de eficaces y autenticas obras maestras semióticas de la iconología simbólica.

En su primer papel de desnudez carnal, la mujer era la culpable de todo.

En el segundo, con ropajes resplandecientes, la mujer vencía al fin toda tentación pisando literalmente a la inofensiva culebra (dotándola del antídoto mágico para el caso de que la serpiente fuese venenosa y pudiera morder los pies desnudos) Eva, la serpiente y la muerte Hans Baldung Grien, h. 502 a.

la inmaculada Concepcion Peter Paul Rubens, h. 384 a.

25 artefactos 2

vibora, Alberto Villaverde, 1986

En mi infancia, las mujeres repetían oralmente el mantra... “mucho cuidado si os encontráis con la víbora, su picadura os puede matar al instante”.

Los hombres, en cambio, nos adiestraban en la brutalidad necesaria para la re-acción física.

Tres veces me encontrado con esta pequeña criatura.

En aquella infancia perdida, en el sendero que conducía al manantial, mi primo y yo la matamos a pedradas.

En los años ochenta, sobre una piedra calentándose al sol, la observe detenidamente y seguí mi camino.

Ya en el siglo XXI y en compañía de mi hija, entre las piedras del muro de la barbacoa de unos amigos, nuestro anfitrión la cogió con las tenazas del asado y la arrojó a las llamas.

En dos ocasiones he tenido enormes boas sobre mis hombros aprendiendo su frialdad, su fuerza, su inocencia y la necesidad de valorar cuidadosamente el equilibrio que necesita su peso deslizante.

26 artefactos 3

No deja de tener su gracia que los mercaderes usurparan su nombre en el mismo momento en el que el Pioneer partía al encuentro de vida inteligente.

Hoy tenemos Euros, una moneda pitón que nos atenaza entre sus poderosos anillos mientras otras especies occidentales, Libras y Dólares intentan destruirla para competir a solas con la oriental Yuanes.

Las muy diversas especies de la familia de los Ofidios van siendo aniquiladas sobre la faz de su propia tierra (arrinconadas por la codicia humana) pero copiamos su morfología para crear artefactos mecánicos inteligentes para las mas diversas utilidades.

Muestro un ejemplo de “buenas intenciones”, la serpiente bombero, pero las hay mas oscuras y peligrosas en los criaderos militares de los ejércitos. robot Anna Konda, SINTEF, 2006/2010

27 artefactos 4

ara単a de jardin, Maneus diadematus?

Killerbarbie, 2008

28 artefactos 5

robot araña Fraunhofer IPA, 2011

(…) Hay una cosa más que es exclusiva de las mitocondrias.

A diferencia del ADN de los cromosomas del núcleo, que se hereda de los dos progenitores, las mitocondrias solo se heredan de uno de ellos: la madre. (…) Bryan Sykes, Las siete hijas de Eva, 2001 Es complejo de resumir pero parece científicamente demostrado que los hombres somos como una raya de trazos discontinuos, las mujeres, en cambio, poseen esa línea continua mitocondrial hasta el pasado mas remoto.

Siempre pensé que “el miedo” a las serpientes y las arañas nos era suministrado con la leche materna. Un voluntarioso empeño en la protección y conservación de la especie ante peligros silenciosos en una vida en entornos naturales.

Nuevas asignaciones semánticas a las antiguas palabras inventadas para definir el reino animal hacen que aquel mundo esté dejando de tener sentido real.

Nuestra evolución camina por senderos nunca transitados anteriormente.

Solo queda confiar en las mutaciones genéticas necesarias para que el código mitocondrial de las madres pueda seguir aportando la información necesaria para sobrevivir ante las nuevas amenazas, ya sean conceptuales o tecnológicas.

Lo que parece seguro es que la “pareja” de Sagan habría cambiado de aspecto formal a su llegada a Aldebarán.

29 artefactos 6

Humpty Dumpty Kim Dotcom ha sido bajado del muro el 20 de enero de 2012

(…) Los últimos intentos por elevar la fisiognómica a ciencia procedieron de la antropólogía criminal.

En este sentido, destaca la famosa obra de Lombroso, El hombre criminal a cuya edición francesa de 1895 pertenecen los grabados de esta pagina.

Julio Caro Baroja, La cara, espejo del alma, 1987 Acababa de nombrar a esos animales que trajinan en la Red y el FBI cae sobre los domadores de arañas de Megaupload.

No es casual la inmediata distribución de imágenes “inculpatorias” del “gordo”, sus mansiones y aviones, sin duda habían sido previamente analizadas y programadas por el departamento de imagen de la agencia norteamericana.

Don Julio dedico su libro al estudio antropológico de este tema de la fisonomía.

Los dibujos del “Lombroso” retratan a un violador de Ravenna y a un ladrón condenado 13 veces en Milan. A su lado, Warren Anderson en la puerta de su casa de Long Island en una foto de 2002 distribuida por Greenpeace.

Es la ultima foto conocida con “esa cara” del personaje, desaparecido de escena.

El era el manager de Union Carbide en la India cuando se produjo la catástrofe de Bhopal 19/N/1984.

El atentado 11/S/2001 de N. York causó 2.973 muertos, la explosión de U.C. en Bhopal unos 15.000 y mas de 600.000 afectados.

Union Carbide pertenece a Dow Chemical, multinacional norteamericana que es uno de los once patrocinadores de los juegos olímpicos de Londres, este año.

Puestos a ver, creo que prefería películas piratas del pasado que acontecimientos deportivos del futuro.

Seguro que Mr. Anderson acudirá al estadio con bombin.

30 arteramente 1

31 arteramente 2

Ignoro si la foto de Julio Verne en una playa de Inglaterra, fue tomada antes o después del 2 de septiembre de 1859 pero quiero imaginarlo, allí sentado en la arena, esperando ver las auroras boreales que entonces se producían hasta la zona ecuatorial.

La “fulguración de Carrington”, como se la conoce, fue una mas que notable explosión solar que deformó completamente el campo magnético terrestre en esa precisa fecha.

Toda la energía eléctrica usada entonces quedó afectada.

Se provocaron cortocircuitos, incendios y la rotura del sistema de telégrafos que comunicaba Europa con Estados Unidos.

Los periódicos contaron que se podía leer por la noche con la sola luz que producían las “auroras”.

Apenas dos meses después Charles Darwin presentaba al mundo la primera edición de su libro El origen de las especies.

32 artualidad 1

Pongámosle banda sonora al “año Carrington”…

Johannes Brahms (26 años) ha estrenado su Concierto para piano y orquesta nº 1, el 22 de enero, Giuseppe Verdi (46 años) Baile de mascaras, el 17 de febrero, Héctor Berlioz (56 años) Las troyanas, ya después de la deflagración el 4 de noviembre, y Richard Wagner (46 años también) ha terminado Tristán e Isolda, aunque todavía se demore seis años en ponerla en escena.

Napoleón III encargó la escena del harén a Dominique Ingres en 1848, la pintura fue entregada en 1859 y devuelta al autor porque disgustaba a la emperatriz.

El artista siguió trabajando en ella durante cuatro años más hasta ser finalmente terminada y aceptada.

El bebedor de absenta de Edoudard Manet fue rechazada en el Salón de Paris de 1859.

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fragmentos superior derecho y lateral izquierdo, correspondientes al sol y las auroras boreales. cuatricomia pintura acrilicos 1986 En el año de las dos paginas pasadas también intervino Carl Marx con su prefacio a la “critica de la economía política”.

Acumulados, nombres y referencias, dilaciones e influencias, no parecen sino negar el Chronos 1859 y consagrar el Kayros para diferirlo al futuro?.

El tiempo no parece razonable, mas bien una dimensión fluctuante cuyos contornos no pudiesen ser definidos jamás.

Porque pinté una protuberancia solar y formas de auroras boreales cuatricomicas aquel año?.

Sinceramente no tengo ni idea.

Porque un solo año se me hizo “largo” y desconfíe de las predicciones científicas?.

Tampoco tengo respuesta alguna.

Daba el reloj las doce…y eran doce golpes de azada en tierra… … ¡Mi hora! –grité-… El silencio me respondió: -No temas; tú no veras caer la ultima gota que en la clepsidra tiembla.

Dormirás muchas horas todavía sobre la orilla vieja, y encontrarás una mañana pura amarrada tu barca a otra ribera.

Antonio Machado 34 artualidad 3

EL SOL REINICIA SUS MOTORES (DE NUEVO) El satélite espacial Soho (NASA y ESA) que orbita, desde 1995, nuestro planeta observando fijamente a nuestra estrella madre, acaba de mandar la noticia junto a la prueba gráfica de su aviso.

Después de su etapa tranquila, la meteorología solar inicia, con la primera tormenta en la zona “polar superior”, su primera mancha solar del nuevo ciclo de máxima actividad que durará ¿cómo siempre? once años.

Los científicos auguran la máxima potencia de las explosiones para 2012. Así es que nos esperan, de nuevo, lluvias de partículas que harán las delicias de los satélites de localización y telecomunicaciones, afectará a las instalaciones eléctricas terrestres, reducirá los paseos espaciales de los astronautas por riesgo de radiación mortal y moverá masas de turistas a visionar las auroras boreales más espectaculares 4 de enero de 2008 El 07/08/08 a las 9’30h anónimo dijo (…) “Una pena que hayas enmudecido, era muy interesante… En fin” (…).

Aunque las estadísticas inciertas arrojan 1.365 visitantes a este blog, nunca antes había recibido una nota comentario en el espacio que a tal efecto ofrece Blogger.

Así que vuelvo a empezar pensando en ti, anónimo apreciador, una nueva tanda de verborrea semántica.

Primera contradicción: rompo pues el silencio prometido el 01/05/08 ocho meses después.

Segunda: crédulo con la información mediática reflejé el 04/01/08 el supuesto inicio de un ciclo solar de máxima actividad.

La tozuda realidad parece haber contradicho la atrevida predicción.

El Sol va a su bola.

1 de enero de 2009

Este proyecto de libro se va transformando, sin pretenderlo previamente, en un diario de acontecimientos. La poética hibrida se autoalimenta.

Inca Atalanta Facebook me informó, prácticamente en directo, que el anuncio de hace cuatro años era exacto y que había comenzado la secuencia prevista de grandes explosiones solares.

Sino he entendido mal, el asunto es complejo, correremos mas riesgos de exposición en función de nuestra orbita, en primavera y en otoño.

El año chino del Dragón es también el de las apocalípticas interpretaciones de los calendarios de piedra Mayas. Veremos integrados lo que suceda en adelante…

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De momento, el fenómeno anunciado por los científicos solo ha originado imágenes bellísimas.

El color de la foto del Sol esta obviamente filtrado para poder ver algo, el color de las auroras terrestres que se produjeron es tan real como increíble.

Spaceweather, el Sol, explosion del 23 de enero de 2012

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laTierra, al norte de Norruega 17 horas 40´despues

Bjorn Jorgensen

Stephan Hoglund

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Wikipedia Listado de los avances en la electricidad antes del efecto Carrington.

Resulta prácticamente imposible contabilizar los avances científico tecnológicos producidos por la humanidad “desarrollada” desde 1859.

La huella es visible en las imagenes que la NASA obtuvo a mediados de los años noventa.

Estas fotografías, hechas de cientos de fragmentos fueron obtenidas por tres de los cuatro satélites DMSP, que operan en órbitas polares de poca

altitud y tienen la capacidad única de detectar de noche bajos niveles de infrarrojo VNIR. Evidencian que una grandísima parte de la humanidad, que permanece a oscuras, no se vería afectada de los inconvenientes previsibles si llegase finalmente a producirse una nueva gran deflagración Carrington.

Estos inocentes “olvidados” solo verían terrorifica belleza en los cielos.

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En “aquella fecha” Nikola Testa cumplia 3 años y Thomas Edison 12, los visionarios inventos del primero aparecen “ocultados” bajo la agresiva y eficaz practica de los negocios del segundo.

El tiempo dirá que sucedió realmente en el siglo XX...

Hoy nosotros, los que habitamos el “mundo rico”, mantenemos encendidas las lucecitas del árbol de navidad las 24 horas de los 365 días del año, nos produce una escapista sensación de felicidad inconmensurable.

Nuestra mutación digital nos tiene absortos y desconcertados, los cambios superan probablemente nuestra humana comprensión.

Apenas seducidos por un nuevo concepto-invención lo adoptamos como nave al futuro.

Confieso que “lo ultimo” me deslumbra, siempre caigo en la tentación, almaceno elepés de vinilo, cintas de cassete, de betacam, de vhs, cedés de dvd, etc…

He tenido que tirar magnetoscopios, televisores, ordenadores, impresoras y dispositivos cuya obsolescencia estaba programada de antemano.

En realidad soy tonto, en 1988 fui invitado al MacWorld europeo en Ámsterdam, allí se me explicó el concepto de entropía (a río revuelto ganancia de pescadores).

Ahora “me venden” lo próximo, la realidad aumentada en los dispositivos móviles…

El concepto anterior, las cloud computing, parece que fue forjado en un articulo en Wired en octubre de 2006 titulado las fabricas de información.

Tan deprisa están sucediendo las cosas.

Hay nubes publicas, privadas e hibridas, yo mismo utilizo varias de las primeras.

Tienen poca contestación pero la tienen.

The Times compara la computación en nube con los sistemas centralizados de los años 50 y 60, en los que se limitaba tanto la libertad como la creatividad, numerosos expertos respaldan esta teoría.

Richard Stallman, cree que el cloud computing es “simplemente una trampa destinada a obligar a más gente a adquirir sistemas propietarios, bloqueados, que les costarán más y más conforme pase el tiempo.”

Uno piensa que los fabricantes de nubes habrán previsto cubrir sus negocios con gigantescas jaulas Faraday, inventadas por cierto en 1832 aunque parece no fueron usadas en 1859.

Mike Wills, 1983 High on a causeway the group paused to stare Looking out across great bubbling tanks Where billowing clouds were cooked up with great care, The numbered and ordered in banks (...)

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fuente Wired: Ute Kraus, Universität Hildesheim, Space Time Travel, background image of the milky way: Axel Mellinger La palabra que titula la entrada anterior esta obviamente inventada, pretendía hacer lo mismo en esta, que estupido!, había olvidado la rica semántica oral de mi infancia rural.

Quería significar que profeso la ideología de la artesanía.

Una broma con Descartes y cartesiano.

Recuperada la memoria con el diccionario, pozo a través del cual el agua fluye a la superficie de forma continua y sin ayuda, mi intención primera se ha enriquecido poderosamente por arte de magia.

Este compendio de reflexiones se llama en el agujero. Homenajeé a Saúl Bass en la portada, ahora he encontrado esta visualización bellamente actualizada.

Artesiano : camino a través del cual la iconografía fluye a la superficie con la exclusiva ayuda de la artesanía.

Esta concienciación tardía no presupone la negación de lo conceptual, de Marcel Duchamp para acá, mas bien es tan solo la constatación de un hecho real.

En mi caso ha supuesto un considerable aumento de uso del tiempo, antes tenia prisa en obtener resultados, ahora me dejo mecer por la lentitud del proceso que exige la exploración con el color no reproducible por medios mecánicotecnológicos 42 artesiano 1

invenciones maravillosas pero demasiado pragmáticas y muy parcas en sus recursos, cuatro para el CMYK y tres para el RGB. En este palabro hay también una reivindicación “marxista”, no tengo claro si en su acepción don Groucho o don Carlos, en responsabilizarme unipersonalmente de mi propio trabajo con sus “atributos simbolicos” de sangre, sudor y lagrimas. mis manos con los utensilios para elaborar artesanalmente las obras en “Forma, color i temps” con el cuter de los fotomontajes ... un cuarto de siglo despues en “Alexia” con el pincel de los oleos.

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UN AUTISTA SOBREVUELA MADRID El neurólogo Oliver Sacks editó “An Anthropologist on Mars. Seven Paradoxical Tales” (Alfred A. Knopf, New York) en 1995.

El libro fue editado en español dos años después, que es cuando quedé atrapado por sus bellas palabras (tiernamente humanas, debiera decir) y los casos clínicos de los personajes que describía, con autorización de sus pacientes, con nombres y apellidos.

Había una sensibilidad e interés especial en aquellos personajes con resultados artísticos insólitos y extremadamente raros. Uno de ellos era Stephen Wiltshire.

El doctor Sacks conoció su caso en 1987, cuando el muchacho tenía 13 años.

El dibujo de su casa en City Island, New York, está fechado en un día, con nieve, de febrero de 1988.

Lo acompañó en algunos viajes a sitios tan dispares como Rusia o los desiertos de Arizona, lo observó dibujando metrópolis como New York, San Francisco o Londres y, hasta donde delata el libro, estuvo vinculado a él durante 6 años… (…) “Entre los casos de autismo clásico, el 50 por ciento de quienes lo padecen son mudos, jamás hablan, y el 95 por ciento lleva una vida muy limitada. Stephen, en cierto sentido, ha escapado a estas estadísticas, en parte por medio de su arte, en parte en virtud de aquellos que han asumido la responsabilidad de apoyarle.

El talento y el arte, sin reconocimiento ni apoyo, no son suficientes” (…) (…) “Margaret Hewson, Chris Marris y otros han desempeñado un papel esencial a la hora de apoyar y alimentar su talento, y han hecho posible que lleve su actual vida creativa” (…)

Hay mucho respecto y mucho afecto anglosajón y culto en estos personajes que han acompañado a Stephen en ese peligroso viaje desde los 3 años, trastornado por la muerte de su padre en accidente de moto, hasta sus primeros dibujos sexuales y la interpretación de It’s Not Usual, de Tom Jones, que consigue que Sacks, asombrado, apunte en su libreta (en grande y en mayúsculas) (…)“EL AUTISMO DESAPARECE”… Era como si, durante un breve intervalo, hubiera estado realmente vivo” (…)

Este fin de semana, este hombre tan especial ha viajado, a sus 34 años, a Madrid Ha paseado en (su vehículo favorito) helicóptero por la ciudad reteniendo detalles ópticos de su morfología urbana y los ha trasladado a un enorme lienzo ubicado en el Palacio de Deportes de la capital.

Arte Espectáculo con bellas historias de amor humano detrás.

El trazo sigue siendo exactamente el mismo que los dibujos que Oliver Sack reproducía cuantiosamente en las páginas de su libro.

3 de febrero de 2008 44 artesiano 3

Stephen Wiltshire dibujando de memoria y a escala Nueva York tras sobrevolar la ciudad durante 20 minutos, 1 de noviembre de 2009

George Widener, otro artista autista nacido en 1962, es capaz de recordar numeros precisos desde h. 2192 a. y de augurar el dia exacto de la semana en el que cae cualquier fecha de los proximos 80.000 dias...

Su patio artesiano son los almanaques numericos.

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Mi pretensión artesiana es una locura, vamos!, al menos de difícil comprensión como lo son los superpoderes de Stephen, George y otros tantos desconocidos a los que debiéramos apoyar por nuestro propio bien.

Debiera precisar que no se sale del agujero por el camino de entrada, parece que ello es imposible. Sugiero que la salida de iconografía (fuente natural) esta al otro lado, quizás este extraño suceso suceda en el cerebro y sea el precisamente quien ordene luego a las manos a actuar.

Veamos otro caso raro… Los Googlenautas van acumulando datos sobre Daniel Urrabieta Vierge, sus portentosos dibujos van emergiendo a la luz e incluso se cita cada vez mas el ictus cerebral que sufrió.

Lo que me resulta extraño es que nadie se pare a reflexionar lo extremadamente difícil que debe resultar para un artista seguir haciendo obra después de eso.

El artista español (Madrid, 1851 – Boulogne Sur-Seine, 1904) fue reconocido en vida con los máximos premios y honores profesionales en Paris, ciudad donde desarrolló su dilatada carrera.

Desde que Gustav Doré publicase su Quijote ilustrado en 1863, esta obra estaba considerada como la más famosa y considerada de la ilustración literaria.

A principios de 1893, Vierge recibe en su estudio a los editores neoyorquinos de Scribner Publishing Co. que han venido a Europa a encargar un nuevo Quijote ilustrado que supere en lo posible al de Doré.

Don Daniel acepta el reto y durante los próximos once años que le quedaban de vida, se pone a ello con “pasión española”.

Hay una gran diferencia entre los dos libros, Doré ilustró un Quijote romántico y “virtual” embellecido por la estética del dibujo del claroscuro y alimentado de la fantasía desbordante del texto de Cervantes.

Vierge, en cambio, lo primero que hace es viajar inmediatamente a España y sumergirse en el territorio real de la ficción, en su estancia y viajes a caballo entre posada y posada, realiza infinidad de apuntes del natural tanto de la geografía física, natural y arquitectónica, como de la humana y animal que habitaba esas tierras y que por no haber sufrido todavia la evolucion moderna, conservaba los mismos registros que habia conocido físicamente Cervantes cuando escribía las aventuras de su ingenioso caballero.

Vierge aporta verosimilitud con rigor periodístico, casi fotográfico, a las andanzas del caballero de la triste figura.

Once años, insisto, estuvo luego Don Daniel manejando “su documentación” para ejecutar las 261 composiciones que ilustraron las 1.607 paginas que conformaron los cuatro volúmenes (1.150 ejemplares numerados, 165 para el mercado ingles y 985 para el norteamericano) de la primera edición de esta obra acaecida entre los años 1906 y 1907, tres años después del fallecimiento de su autor.

1 de noviembre de 2005 46 artesiano 5

Hasta aquí todo parece extraordinario y mas o menos “normal” Su vida profesional comenzó a su llegada a Paris en 1870, con 19 años, como artista de prensa, su primera firma en Le Monde Illustré representa un conflicto en Murcia entre Carlistas y Liberales.

Años después, unido por una gran amistad a su protector V. Hugo, Daniel había participado la tarde y la noche en la fiesta de su aniversario, cansado se retira a casa a elaborar el documento que debe entregar al día siguiente...

80 cumpleaños de Víctor Hugo Le Monde Illustré, 27/julio/1881 Esa noche sufre un accidente vascular cerebral agudo en el hemisferio izquierdo.

Al despertar descubre horrorizado que no puede hablar ni mover las extremidades derechas: tiene una hemiplejia.

U. Vierge tenia en ese momento 30 años, podemos entender porqué se sumió en una profunda depresión aunque superase la fase aguda de su enfermedad en contra de todas las estadísticas de su época.

Después de tres años oscuros, su determinación consiguió adiestrar a su mano izquierda para que siguiera dibujando como lo hacia antes la derecha.

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El fin de la época victoriana coincide con la masiva emigración de ingleses a EEUU, Canadá y Australia y también con la vida y producción de algunos artistas artesanos que interpretan de nuevo el antropomorfismo.

Uno de mis favoritos es Beatrix Potter nacida en 1866. Su primera publicación se produce en 1902.

El deterioro de su vista clausuró su obra en 1930 y su vida se apagó 13 años mas tarde.

Es curioso que otro artista, Louis Wain y su obra hayan perdurado mas por criterios clínicos que por su calidad artística…

Louis Wain, 1860 - 1939 gatos del antes y el despues

Resumo el caso, desarrolló su vida profesional especializándose en dibujar gatos en actitudes humanas.

A los 57 años le diagnosticaron un brote esquizofrénico.

Apenas siete años después su familia decide su internamiento en una clínica donde permanece cuatro años hasta su traslado a otro hospital.

Murió a la edad de 79.

Esta cruel enfermedad no le impidió seguir pintando gatos con sus manos, simplemente su obra se vio alterada formalmente en gritos cromáticos y puntiagudos de desesperación.

Debo confesar que manejé la posibilidad de clausurar esta entrada con la obra de otro artista, el fotógrafo español actual David Nebreda, enfermo esquizofrénico paranoide, pero no puedo con su sufrimiento, me sobrepasa.

Me alegra, no obstante, que la producción artística le sirva de alguna manera de terapia para sobrellevar su desgraciada vida.

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escultor neolitico Zdenek Burian, 1905-1981

autorretrato Diego Velazquez, 1599-1660

autorretrato Johannes Vermeer, 1632-1675

autorretrato Francisco de Goya, 1746-1828

autorretrato Norman Rockwell, 1894-1978

probando la camara oscura David Hockney, 1937 49 artesiano 8

Autos sacramentales: El gran teatro del mundo Los seres vivos mas ancianos que he conocido y abrazado son dos arboles, un haya proxima a la peña de Roldan, en Huesca y un drago en Icod de los vinos, en Tenerife, ambos tendrian alrededor de los 800 años.

La vida, parece, se generó en penosas condiciones en un escenario rojo, sobrevivió bajo otro blanco y disfrutó del de color verde que nos hizo posibles antes de la dieta carnivora.

1 Set de rodaje de 2001 en algun dia entre 1966 y 1967, una friolera de 5.000 vatios en busca de la luz natural.

2 Aspecto del protoplaneta Tierra h.4.600 M. a.

Choque con otro y expulsion de la Luna h. 4.533 M. a.

Nuevo bombardeo de meteoritos h. 4.000/3.800 M. a.

Aparicion de la vida h. 3.800/3.500 M. a.

3 La Tierra “bola de nieve” h. 750/580 M. a.

4 y 5 La Tierra de los antepasados Solonius h. 50/30 M. a.

6 y 7 Imagenes en alta resolucion obtenidas por la NASA a traves del satelite SUOMI NPP en el mes de octubre de 2011, presentadas al publico el 25 de enero y el 3 de febrero de este año respectivamente.

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autorretrato de William Hogarth pintando a la musa de la comedia, 1757 Estampa de protesta contra la casa de subastas, a la izquierda, que inunda el mercado con obras antiguas de temas religiosos y mitologicos en su mayoria falsificadas.

A la derecha, la casa estudio del propĂŹo Hogarth en Leicester Fields, donde el artista pretende vender sus pinturas a pesar de esa masiva y fraudulenta competencia.

la batalla de los cuadros, 1745 52 artimaĂąa 1

Hogarth, no obstante, tuvo cierto éxito en su campaña y consiguió vender 19 cuadros por un total de 500 libras.

El grupo de La sociedad de los artistas (el propio Hogarth, Reynolds, Ramsay, Hayman, Paine y otros) pretende luchar contra la moda dominante, en la Inglaterra de su época, de comprar obra por el hecho de ser antigua y extranjera.

Es el tiempo del “Gran Tour” donde las clases adineradas dedican sus recursos y su tiempo a viajar al continente “histórico”.

El mono representa al “connaiseur”, critico económicamente involucrado en el mercado de los coleccionistas aristocráticos y los nuevos ricos.

La sombra oculta la evidencia de que las tres plantas están muertas, la apariencia dice que el experto cuida amorosamente esas especies exóticas y valiosas.

Podría representar a Robert Bragge, el gran especialista que simbolizaba todo lo que el artista odiaba del comercio artístico.

La especulación, una vez implantada la dictadura de la moda, causaba la masiva falsificación y la escalada de precios: enormes beneficios ajenos a los artistas.

En la otra estampa, también de 1761, Hogarth representa alegóricamente la falsificación por envejecimiento artificial de una obra fraudulenta.

Esta zona oscura del siglo de las luces cobra paradójicamente actualidad (en su reverso opuesto) en este siglo de las tinieblas llamado ventiuno.

portada del catalogo de la exposicion de la sociedad de artistas en Spring Gardens, 1761

el tiempo ahumando una pintura 53 artimaña 2

La lucha del Hogarth artista la libran hoy los críticos.

Desde mi glocalidad admiro la nitidez del discurso anglosajón.

La diferencia “cualitativa”, propia de la edad de ambos conductores, suma en los dos documentos y aclara lo sucedido en los últimos 40 años.

En 2008, los rodajes de Hughes y Lewis en New York coincidieron con la muerte de Rauschemberg y en la visita común a ciertos lugares y personas cuya “fisiognomica” aclara su identidad de ávidos monetaristas.

El ejercito del “amor al arte” esta compuesto en la actualidad por un conglomerado corporativo de especuladores, casas de subastas, coleccionistas, galeristas, marchantes y manipuladores de museos que, con la colaboración de algunos productores de arte fabricado en serie como los coches, dispararon una dinámica que se autoalimentó de “mucho y cada vez mas caro”.

Confío en que la tesis de Lewis (la burbuja estalló en 2009) sea cierta, la visión entristecida de Hughes (la destructora riada florentina en blanco y negro) es menos esperanzadora.

Haré un pequeño inciso local. Cuando Hughes visita el MOMA se detiene ante la placa de los ilustres del museo y comprueba que el nombre de Alfred Barr (autentico padre fundador) ha desaparecido desplazado por poderosos promotores con nombre de dinero.

Hace apenas tres años visitaba el MACBA de Barcelona acompañado de uno de sus padres fundadores. Me detuvo orgulloso ante “la placa” para mostrarme su nombre y entristecidos comprobamos que había sucedido exactamente lo mismo: goma de borrar memoria de los nuevos ricos.

El libro Museos y centros de arte contemporáneo en España, editado por Rosa Olivares / Exit en diciembre del pasado año, contiene un listado de 103 referencias.

En lo peculiar de este país, la cifra habla mas de la especulación inmobiliaria y de la corrupción y vanidad de la clase política que de cualquier otra cosa.

Nada vuelve a tener que ver con los artistas artesianos.

Robert Hughes autor y conductor del documental La maldicion de la Mona Lisa

Ben Lewis autor y conductor del documental La burbuja del arte contemporaneo 54 artimaña 3

14 de enero de 1963, Washington

22 de noviembre de 1963, Dallas

18 de octubre de 1973, New York Robert Rauschenberg enfrentandose a Robert Scull en Sotheby´s Volvamos al efímero periodo Camelot… A principios de los años sesenta eclosiona el arte pop norteamericano.

Tanto Rauschenberg como Warhol manejan en sus obras los hechos mediáticos de moda: la llegada de La Gioconda a los EEUU y el asesinato de J.F.Kennedy.

Según Hughes, el segundo sigue al primero, pero lo que resultará relevante será la producción masiva “fabricada” por Warhol frente a la artesiana elaboración personal de Rauschenberg.

La compra “a precio de comida” de Robert y Ethel Scull de la obra de los nuevos artistas norteamericanos esconde un oscuro plan desarrollado en dos fases…

1/El préstamo de un Rosenquist al MET con el consecuente e inmediato efecto de revaloración que supone exponerlo en uno de los mejores museos del mundo (con 5.000 años de historia humana) y 2/La subasta de 50 obras de su colección donde el Johns White map adquiere la dudosa etiqueta de “obra mas cara jamás pagada de un artista norteamericano” 55 artimaña 4

Rauschenberg y Rosenquist intentaron formular una legislación que protejiese los derechos de autor, consiguieron incluso que fuese aprobada por el Senado norteamericano, desgraciadamente nunca fue aplicada: el beneficio monetario de los especuladores les pertenece exclusivamente a ellos.

Los villanos de este cómic se pasean inocentemente por estos dos documentales.

Casas de subastas como Sotheby´s y Christie´s Asesores como Thea Westreich y Etha Wagner Directores de museos como Tom Krens a quien debemos el honor de haberle comprado la franquicia del Guggenheim de Bilbao (vean y escuchen el parlamento del Lendakari aquella ventosa tarde de la inauguración) Millonarios como el especulador inmobiliario de Los Ángeles Eli Broad, paladín de Jeff Koons Agencias publicitarias, coleccionistas y galerías como White Cube (cuya acumulación de Hirts almacenados fue filtrada por Ben Lewis a la prensa), Jay Joplin y Larry Gagossian que compraron porcentajes de la calavera de diamantes y pujaron en la famosa subasta “sin intermediarios” para mantener su inversión.

José y Alberto Mugrabi, padre e hijo, ávidos coleccionistas de Jackies y Monalisas de Warhol y que poseen 800 obras suyas (el 9% de su producción) y son amigos de Abbi Rossen (1% mas del mercado) Etc, etc…

Imaginemos que un emperador de la moda poseyese un puñado de Gustav Klimt´s. Su jugada maestra consistiría en reventar los precios en una nueva adquisición, pongamos por caso 175 M.$. Su fortuna quedaría automáticamente aumentada al descontar del gasto la revalorización obtenida en “las piezas ocultas” de su colección.

Algunos dicen que el arte de hoy funciona imitando y así critica la decadencia, yo creo que es solo decadente y punto.

No tiene función critica, es parte del problema.

El mundo del arte copia la cultura del entretenimiento movida por el dinero y obsesionada con los famosos. La misma fijación por la fama.

La misma obediencia a los medios de masas que atrapan nuestra atención con sus ruidos y flashes.

Robert Hughes La programación y desarrollo de una “campaña” es un proceso lento, busca acumulación de dinero y se autoexime de los devastadores efectos que tal propósito pudiera producir: un continente de plástico en el océano, por ejemplo.

Dentro de cien años los libros sobre pintura de finales del siglo XX solo recordaran a Jackson Pollok, Andy Warhol, Donald Judd y Damien Hirts.

Charles Saatchi.

Francamente, dios estaba muy distraído viendo anuncios en el eje occidental Londres-Nueva York esos días del inicio del tercer milenio después de su hijo.

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james rosenquist

robert rauscheberg

jasper johns

roy lichenstein

Nadie sabe si el futuro dispondrá de “publicidad”, hoy por hoy se dan mas y mas discursos morales que prevén que será prohibida por la ley de la fuerza.

Mister Saatchi abrió su galería de arte en 1985, allí expuso obra de artistas americanos como Warhol, Sol Lewitt y Koons.

A principios de los noventa creó “su marca” YBA. El tiburón en formol de Hirts fue expuesto en su galería en 1991.

A veces pienso que esta “pieza” tiene el diabólico don de la ubicuidad, Hughes la observaba triste en 2008 en el MET neoyorquino.

damien hirts

andy warhol

jeff koons 57 artimaña 6

Meditando sobre el salto a la abstracción que supone la decoración geometricomatematica islámica en el siglo VIII frente a la figuración precedente del cristianismo del imperio romano oriental bizantino, Collins funde el plano con la abstracción de Jackson Pollock.

Una brillante idea, pero solo una de las varias posibles.

Mattew Collins autor y conductor de los documentales This is modern art, 1998 y This is civilization, 2009

No me refiero a ese indiscutible y “misterioso” momento de la historia del arte (probablemente transcendente) sino al traslado simbólico de aquel al presente mas o menos inmediato.

Tanto la imagen como el párrafo anterior se corresponden a un determinado momento de la segunda serie documental de este “otro conductor de opinión anglosajón”.

Mis actuales días transcurren en una experiencia Wiki, un deslumbramiento que me lleva del Equipo Thinkingspain a Lalulula TV y a través de ellos a recuperar de nuevo la ilusión en la comunicación humana.

En Esto es arte moderno, Mattew “parecia” demostrar sensibilidad y delicadeza ante los artistas ancianos a los que entrevistaba y “creo” que se emocionaba sinceramente viendo anochecer dentro de un James Turrel.

Diez años después, en Esto es civilización, hace gala de la misma libre asociación de ideas sin prejuicio alguno (síntoma de inteligencia aguda).

Supongo que la madurez, nunca suficiente, le hace volver al pasado para explicar el presente y lo consigue con una factura formal extraordinaria.

Cita a San Pablo como ideólogo inductor de la aversión al arte grecorromano como una estrategia para la implantación del cristianismo.

Y dice bien, contaré ahora “mi particular caída del caballo” En 1967 tenia 13 años y coleccionaba cromos del álbum El mundo de la pintura.

Cuando conseguí el correspondiente a Warhol quede deslumbrado y corrompido.

AU, 1973

Zoom, 1976

Star, 1979

Vibraciones,1980 58 artificial 1

Expongo algunas pruebas de mi “delito”, al fin de al cabo deben estar archivadas en los armarios de las hemerotecas (?).

En 1982 viaje a Madrid a su primera exposición Pistolas, cuchillos y cruces en la galería Fernando Vijande.

En 1989 adquirí su catalogo antológico del MOMA y en 1996 asistí a la retrospectiva que montó la Fundació Miró en Barcelona.

En ese preciso momento caí en la cuenta de lo engañado que había estado hasta entonces, o quizás me había hecho mayor y ya no podía creer en los reyes magos?.

Pero volvamos al Islamismo abstracto… no es ninguna tontería comparar las manipulaciones formales de las religiones con la historia del arte.

Sin la Reforma del S.XVI no habría pintura anglosajona civil y sin la Contrarreforma no existiría el barroco latino, por ejemplo.

El Islam tiene otros aspectos “menos decorativos” y no por ello “menos transcendentes”.

Pongamos por caso el consejo de ancianos (hemos formulado la palabra gerontocracia para desautorizarlo), en ello coincide con la mayoría de las creencias (con otros dioses distintos a Alá) de las poblaciones “indígenas” humanas por toda la Tierra.

Los años sesenta en Nueva York y los noventa en Londres son dos momentos clave para la imposición engañosamente trascendente del consejo de jóvenes (efebocracia) y su dictadura de la moda.

Los hilos ocultos de esta nueva formula están obviamente diseñados y movidos por viejos hipócritas y avaros agnósticos.

El dilema real es el uso del tiempo, mas ralentizado para los primeros y atrozmente veloz para los segundos. Sigo hablando solo de arte formal, o eso creo.

Otro aspecto del momento abstracto Islámico, quizás el mas relevante y misterioso, es la profesión de fe en las matemáticas y la geometría.

El área de arte occidental de la música parece tenerlo mas claro, podemos enumerar Bach, Satie, Glass y no necesitar muchas mas palabras.

Utilizare ahora una metáfora cuántica: nos reproducimos casi en progresión geométrica, el año pasado éramos siete mil millones.

Podría decir 11, pero me quedaré en el familiar 7, seriamos pues siete grupos de mil millones de personas compartiendo el espacio tiempo con siete ideologías irreconciliables en guerra perpetua las unas contra las otras.

Las siete se saben poseedoras de “la verdad” y pretenden imponersela a las otras.

Collins tiene su razón en su asociación abstracta (1)Islam/Pollock (por mas de que yo no consiga ver matemática alguna en el pintor norteamericano).

Imaginemos ahora otras tres posibilidades ideológicas (2) Islam/Clarke-Kubrick, (3) Islam/Escher y (4) Islam/Mondrian.

Las (5), (6) y (7) las dejo a su libre asociación.

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juguete de Thinkgeek, 2010

Al margen de que se corresponda a la verdad objetivo/numérica, la red esta llena de sorprendentes efectos de influencia de esta película tan vieja como 44 años.

Rascacielos de cristal, cintas de VHS y hasta discusiones legalistas sobre el formato del iPhone de Apple.

Pareciera que la combinación matemática (los tres primeros números al cuadrado) que idease Arthur Clarke para el instrumento del centinela y jardinero del cosmos (dios?) y que fue ordenado construir físicamente en sus tres dimensiones (1x4x9) por Stanley Kubrick para el rodaje de su film, tuviera poderes mágicos o áureos.

En realidad, el apoteosis de la idea geometrica sucede en la segunda parte, cuando se multiplica exponencialmente en Júpiter para generar las condiciones de vida en Europa.

Lastima que su visualización audiovisual no soporte la comparación con su precuela.

(2) de como los numeros abstractos de la creacion humana pueden encarnarse en sucesivas aplicaciones comerciales.

Allá va la hipótesis (3) Me consta que el JMF (Joven Maestro Flamenco) M.C.Escher 1892/1972, hizo al menos dos intentos previos, Ocho cabezas, 1922 y Estudios de la división regular del plano con animales imaginarios, 1926, antes de “su revelación” en Granada y Córdoba aquel fatídico año para los españoles.

Portentoso xilografo, sus obras anteriores son mayoritariamente figurativas sin mas, un tanto oscuras, esotéricas, fantasmales y siniestras, eso si.

Su encuentro con la matemática y geometría islámicas resultó trascendente para el desarrollo de su obra posterior, asumiendo nuevos retos, desde la bidimensión hasta la tridimensión imposible de sus cintas de Moebius que tanto fascinan a la comunidad científica del presente.

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copia de los mosaicos de la Alhambra, 1936 estudio de la division regular del plano con reptiles, 1939

Maurits Cornelis Escher elaborando artesianamente una version de Whirlpools, 1957 61 artificial 4

composicion con superficie roja, amarillo, negro, gris y azul Piet Mondriaan, 1921

autopsia numerica de la pintura en la red Jorgitooo

Y la numero (4) Otro JMF, que detestaba España porque su excesiva exposición al sol le impedía apreciar adecuadamente los colores, (brillantísima observación, por cierto) y al que su estricta educación calvinista ya le había despojado de la figuración para experimentar la trascendencia, Pieter Cornelis Mondriaan 1872/1944.

Dudo que sintiese el mas mínimo interés por la abstracción decorativa islámica, y sin embargo inicia un ascético camino propio a la abstracción matemática y geométrica del color.

Con Mondriaan sobran las palabras, su cromo también me deslumbró en la infancia, su influencia llegó a obsesionarme en una época de mi vida, en los años ochenta.

Los resultados, salvo escasas excepciones, resultaron frustrantes y fallidos, demasiado difícil trascender con tan poco.

Acabo de contar el numero de veces que he utilizado el vocablo trascendente en esta entrada y van 7, que casualidad?

Tiene razón Collins cuando compara el arte con la religión pero me temo que soy pueblerino como Cocodrilo Dundee Hughes.

Pueblerino, nostálgico y hueso duro de roer (algunas de las lindezas que le dedican por atreverse a exponer sus ideas con libertad) Su descreimiento de lo que ha venido en llamarse arte contemporáneo y su firme posicion son producto de su verdadero amor al arte.

No es probable que lea nunca mis palabras pero no puedo sino enviarle un cariñoso abrazo que le arranque una sonrisa secreta que no vea nadie.

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La entrada anterior hablaba de cuatro de siete posibilidades de analis critico ante una misma observacion. Todas igualmente validas en principio.

Segun esta contabilidad marciana los artistas debieran tambien poder ser agrupados “cuanticamente” en 7 o 11 especies.

Pasadomañana voy a comprobar mi intuicion de que solo 2 especies concretas estan involucradas en “el mercado del arte contemporaneo”, y que las otras 5 o 9 han sido excluidas deliberadamente en un ejercicio de ocultación interesado y premeditado.

Studio Battaglia, Sandro Biffignandi, Gian Battista Bertelli, Sergio Borella, Genni Buccheri, Ottavio Cengic, Svetozar Domic, Bruno Faganello, Natale Fedeli,Ivo Gattin, Ezio Gigliori, Cristina Greppi, Aldo Marcuzzi, Don J. Makela, Bruno Pennisi, Amedeo Petralia, Phamtang, Rudolph Sablic, Giogio Scarato, Alberto Trincia, Emilio Uberti, Giancarlo Zucconelli…

Sirva este listado de artistas “desconocidos” como mi tributo de agradecimiento a la especie que llamaré nº 11.

Son el grupo de artistas de la enciclopedia ilustrada Cosa fanno gli animali, editada en español por Bruguera y que me acompaña activa desde hace 43 años.

Este proyecto editorial fue redactado desde EEUU en su parte semántica pero su excelente semiótica en color es italiana como indican los nombres.

El dibujo de abajo corresponde a la pagina 84 del primer tomo, como no hay forma de identificar al autor concreto de una imagen determinada, entre las muchísimas que habitan en esta obra, he optado por citar exclusivamente a la tropa.

El texto que le corresponde, describe a Viki como uno de los antropoides pintores conocidos entonces. Se describe como mezclaba y aplicaba sus pinturas con los dedos, su sensibilidad y las tendencias a las que obedecía cuando creaba las formas y colores, y que sus telas alcanzaban altas cotizaciones.

Viki y una de sus obras, 1969 63 artistas 1

pintura de Samantha

pintura de Congo

El próximo 9 de marzo se inaugura la exposición Arte por Animales en el Grant Museum of Zoology, University College London. (fuente: Wired) El director del centro, Jack Ashby, plantea una pregunta al publico…

Que es arte?

Samantha es un gorila, Congo y Bakhari chimpances.

La pintura de Congo fue vendida en 2005 por 20.000 $ en la exposición comisariada por Desmond Morris.

pintura de Bakhari

(…) El ingles básico se compone de unos mil vocablos. Muchos chimpancés dominan un repertorio lexicográfico que pasa del 10 % de esta cifra.

Aun cuando hace unos cuantos años habría parecido un tema de cienciaficción sin conexión alguna con sucesos reales, no considero improbable que a la vuelta de unas pocas generaciones de chimpancés en posesión de ese acervo lingüístico se den a conocer las memorias de la historia natural y la vida mental de un chimpancé publicadas en ingles o en japonés, quizás con la mención “según el testimonio de” a renglón seguido del nombre del autor.

Si los chimpancés son criaturas que tienen conciencia de sus actos, capaces de realizar abstracciones, ¿por qué no poseen lo que hasta hoy se ha dado en llamar un estatuto de los “derechos humanos”? ¿Qué grado de inteligencia ha de alcanzar un chimpancé para que su muerte se catalogue jurídicamente como asesinato? ¿Qué otros rasgos debe incorporar para que los misioneros religiosos le consideren apto para ser objeto de catequización? (…)

Carl Sagan, Los dragones del edén, 1977 64 artistas 2

imagen de campaña de la organizacion Preserve Planet difundido por Facebook, 2012 Supongo que este precioso niño con la cara pintada de rojo pertenece a una de las escasas tribus aisladas de la cuenca del Amazonas.

Esta decoracion artistica y efimera del cuerpo contrasta notablemente con nuestra moda occidental de exhibir ostentosamente “tatoos” perdurables.

Cuando he visto, esta mañana, a este artista anónimo de Vanuatu me he acordado inmediatamente de Joan Miró 1893/1983. No es fácil encontrar palabras suyas que descodifiquen su leguaje abstracto, pero las hay…

Cuando a los 31 años pintó Paisaje catalán en su estudio de Paris, recordaba su estancia en la masía de Mont-Roig cuando tenia 18 y los médicos recomendaron su retiro allí para superar un alto proceso febril .

Su estado debió agudizar sus sentidos, muchos años mas tarde descifró algunos de los signos de aquella pintura relacionados con el olfato, un avión que le sobrevuela y cuyo olor de queroseno quemado le alcanza, el dulzón aroma del algarrobo, el humo del tabaco de alguien que fuma en pipa cerca de él, etc.

dibujo en la arena en Vanuatu (arhipielago de islas en la Melanesia) significado del autor: un pajaro de cabeza roja se baña en unas cascaras de coco mientras salpica a otros pajaros y se mira en el espejo del centro de la figura. Documeltal de la Unesco, 2012 65 artistas 3

laboratorio duchamp En enero de 1985, con el video Forma, color i temps (producido por la Fundación La Caixa) recién masterizado bajo el brazo, viajé a Madrid a entrevistarme con Juana de Aizpuru, entonces directora de la feria ARCO. Me embargaba la ilusión de estrenarlo allí.

La señora Aizpuru me comunicó que ello resultaba inviable, no había ningún sistema de proyección audiovisual contemplado por la organización.

Ahora, acabo de regresar de nuevo de Madrid. He recorrido, estos días de carnaval, las cuatro ferias de arte que coinciden allí en la actualidad: ARCO 31, FLECHA 21, ARTMADRID 7 y JUSTMAD 3.

Mi cabeza perdió los números entre los centenares de galerías y los miles de artistas concentrados, mis pies doloridos el calculo de los metros de moqueta ferial recorridos.

Definitivamente vivimos tiempos de hipercultura (palabra concepto acuñada por Victor Klemperer en sus diarios 1933-1941 durante el ascenso nazi en Alemania) Me limito ya a decidir lo que me gusta y lo que no, sin mas.

la expulsion al surrealismo

Por tamaño y respetuosa escenografía expositiva con artistas y visitantes, me quedo con ARTMADRID. 66 artistas 4

Entre los pajares encontré algunas agujas doradas en los pintores Daniel Sueiras y Gonzalo Rueda y en los escultores Samuel Salcedo y Gerard Mas.

la invencion de la pintura

En la galería Val i 30, una de aquellas Meninas de cartón piedra de Equipo Crónica, vestida de Guernica (fue la destrucción de esta serie de esculturas pintadas en un incendio provocado contra la galería de Madrid que las exponía en 1978 lo que decidió mi traslado a Barcelona) me señaló la pared con los oleos de Antonio Gadea.

Cuando he llegado a casa he buscado en su web las seis pinturas reproducidas aquí faltando, como siempre, a la verdad cromática.

Pecaría de cacofonía si intentase escribir en palabras por que me gusta tanto el metalenguaje figurativo de Antonio, que los dioses le protejan y la fuerza le acompañe!

midas o la invencion del cubismo

argo custodia el rebaño vanguardista

hermes, promotor de francis bacon 67 artistas 5

Mi memoria flaquea y debo corroborar los datos y actualizarlos a menudo.

Las imagenes de esta pagina, las cuatro, son fotografias reales del Crater Roden, en Sedona, desierto de Arizona, el proyecto vital de James Turrell.

Fijemonos en la foto de satelite, el puntito blanco a la derecha del punto grande central es el “portal este� al mundo del artista.

Una pequeĂąa escalera exterior ascendente conecta sin interrupcion con la descendente que se aprecia en las fotos inferiores.

Una vez abajo, podemos tomar asiento en la bancada circundante y mirar el continuo cambio ritmico/cromatico de nuestra atmosfera, si tuvieramos los atributos opticos de Superman podriamos ver pasar el satelite atravesando el agujerito de vision.

68 arteismo 1

Chillida contó que tuvo “este sueño” en 1985. Segun los ultimos datos publicos, sus heredereros y el Gobierno Canario alcanzaron el acuerdo de los 75 M.€ en enero de 2011, 20 dias despues del cierre de Chillida Leku por insostenibilidad economica. Imagen virtual de Jesus Uriarte (01/02/08) Parece que después de trece largos años (y desgraciadamente fallecidos sus promotores, el arquitecto José Miguel Fernández y el escultor Eduardo Chillida, 1924/2002), el gobierno canario aprobó hoy la realización de esa megaescultura inversa, hecha de vacío, que será el “Monumento a la tolerancia” en las entrañas de la montaña volcánica de Tindaya en Fuerteventura.

Recuerdo haber coincidido con Don Eduardo varias veces en la Barcelona preolímpica, descalzos sobre la arena de la playa, en el chiringuito de la Mari en la Barceloneta, aquella simpática mujer con espectaculares delantales blancos con puntillas impecablemente almidonados. El olor de las gambas a la plancha. El sonido de aquel argentino desdentado que cantaba y tocaba su guitarra entre las mesas de madera extendidas en la playa. Recuerdos nostálgicos.

No sé si Chillida conocía la obra del norteamericano James Turrell, 1943.

En 1979 compró un volcán inactivo en Arizona para esculpir, en sus entrañas, su proyecto Crater Roden ,un mundo de vaciados que permanece “in working”, secreto y custodiado hasta su conclusión y abertura al público presumiblemente en 2011.

Si el gobierno canario anuncia hoy el comienzo del proyecto de Chillida para el 2009 es hasta posible que ambos vacíos artificiales se inauguren en las mismas fechas?

30 de enero de 2008 69 arteismo 2

Second Wind fué un encargo privado de la Fundacion Montenmedio (NMAC) en 2006... tres años despues, James Turrell fuera y dentro de su obra.

Me resisto a comprobarlo pero no se si han transcurrido meses o años desde que asocié su nombre al de Chillida a raíz del vacío escultural en el cráter Roden.

Ahora este elegante norteamericano está en España, en Vejer de la Frontera, Cádiz, inaugurando su obra “second wind”.

Al parecer “los chirigotas” son más sensibles al minimalismo que “los chicharreros” (…) “La luz es la materia prima de la obra y, por tanto, cada día se renueva.

El show (45’) se repite al amanecer y al atardecer y adquirirá distintas texturas dependiendo de lo que pase ahí fuera: nubes, lluvia, estrellas, pájaros…” (…) “Vendo cielo azul y aire de colores. Nada tangible, pero yo, a diferencia de los agentes financieros que han provocado la crisis, voy con la verdad por delante” (…)

El marco escultural/arquitectónico construido para estas meditaciones es sobrio y moderno.

Me hace recordar al Stonehenge neolítico y al Panteón romano de Apolodoro.

La obsesión del ser humano por observar (recurriendo a la magia de las proporciones numéricas de las matemáticas y la geometría), la belleza y el misterio de la naturaleza parece no abandonarnos…

Este asunto actualizado hoy por la obra y las palabras de J. Turrel lleva milenios con nosotros.

28 de mayo de 2009 70 arteismo 3

No parece científicamente demostrable que tengamos dentro la genética cultural acumulada, pero ahí están los filósofos escépticos clásicos, Epicuro, Lucrecio y Democrito, griegos como Aristóteles traídos por árabes como Averroes, anglicanos deístas como Hobbes y Hume, prerrevolucionarios clave como el barón d´Holbach… hasta que habló Zaratrusta Nietzsche para declarar la muerte de Dios.

Podemos practicar ateismo, laicismo, descreismo, materialismo, monismo, agnosticismo, mecanicismo, secularismo, utilitarismo, naturalismo... (sorprendente variedad de nombres para negar lo mismo) y sin embargo necesitar “el misterio”, la trascendencia y una moral ética clara en estos tiempos precisos.

Dios no esta en los templos de las religiones, ni se le espera tampoco.

Usando la “anticuada” cifra del año pasado, hay siete mil millones de dioses diferentes dentro de cada uno de nosotros.

El cilindro semiesférico recubierto de basalto de Turrell en Vejer es formalmente una estupa (tesoro de reliquias budista). Es probable él mismo no practique fe alguna pero ha regalado a España el templo mas hermoso.

La Rothko Chapel de Houston,Texas es un templo ecuménico (para cualquier creencia), encargado por John y Dominique De Menil al artista en 1964.

Fue inaugurada en 1971, un año después de la muerte por suicidio del ateo Mark Rothko, 1903/1970.

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fairground programe Robert W.Paul, Birt Acres, Thomas Edison, William K.L.Dickson, 1896

programme l´affaire Dreyfus George Melies, 1899

Cuando el FBI cambio las reglas del juego del cine en Internet descubrí esta filmoteca de la que todos los europeos debiéramos sentirnos orgullosos.

Esta mañana he comprobado, una vez mas, la eficacia de Weinstein (distribuidor de The Artist en USA) en el manejo de la compleja maquina hollywoodiense de los Oscar.

He visto la película de Hazanavicius, me sorprendió su formato cuadrado, el sonido del vaso contra la mesa como metáfora inversa de la sordera y me gustó mucho la interpretación del o los? fox terrier.

No quiero ser irónico, colgué el link a Europa Film Treasures en Facebook el 28 de enero pronosticando la lluvia de oscars, no obtuve siquiera un “me gusta” entre mi modesto grupo de “amigos” y decidí esperar hasta hoy para reflexionar sobre nuestra “opinión mediatizada”.

Hay cientos o miles, no las he contado, de películas aquí, restauradas y de acceso gratuito. En mi opinión la realidad supera, una jodida vez mas, a la ficción.

Seis ejemplos al azar…

Las ferias de atracciones “frikis” existían de verdad, un niño boxea contra un canguro en Inglaterra o en EEUU? Aunque los escenarios estén deliciosamente pintados a mano, G.Melies usa el cine para incidir en el “j´accuse” de E.Zola tan solo un año después.

Estos “programas” de varios rollos de un minuto en un mismo paquete conceptual son un preludio del cortometraje y el largometraje.

Hay un español, S.Chomon, maestro absoluto del trucaje y el stop motion (la araña fabrica un cilindro y luego corta las monedas en rodajas) y creador de imágenes y situaciones surrealistas veinte años antes de Buñuel.

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Esta película de J.Ford contrasta coches con caballos y vaqueros del oeste con ricos diletantes neoyorkinos. Dos mundos que chocan, no me extraña que optara después por los centauros del desierto.

Difícil de visualizar su tiempo real, este film de A.Korda transcurre entre los imperios Otomano y Austrohungaro y ayuda a imaginar ciertas cuestiones formales al menos.

La señorita Piquer (que tengo entendido había grabado la primera película sonora de 11´ en 1923) borda el papel de racista visceral en esta obra de B.Perojo.

Este es el año del triunfo apoteósico del Cantor de Jazz sonoro. La peli es de baile, su titulo francés “Le danceur de Jazz” y es muda, en blanco y negro y cuadrada.

Las tres ultimas han adquirido duración y dramaturgia en sus historias.

No en vano entre Griffith,1915 y Einsenstein, 1925 el invento se había hecho adulto.

Cine de artistas con la rica diversidad de las culturas terrestres lejos todavía del ávido y desertizador monopolio industrial de Hollywood que todo lo hecha en la lobotómica promoción masiva de sus productos.

Hablo sobre la fabricación en serie y sus métodos, que nada o poco tienen que ver con “los artistas”, norteamericanos o de cualquier otro país.

l´araignée d´or Segundo de Chomon, 1909

bucking broadway John Ford, 1917

az aranyember Alexander Korda, 1918

el negro que tenia el alma blanca Benito Perojo, 1927 73 artists, the 2

Llevaba días sin estímulos para seguir.

Esta mañana al consultar Facebook he sabido que EL ARTISTA nos había dejado veinticuatro horas antes.

Jean Giraud ha agotado su handicap numero 73, la entrada de su pelota en el hoyo ha sido celebrada con alborozo en el no-mundo colectivo.

Su obra literaria (semántica y semiótica) cambió para siempre la iconografía del siglo XX e hizo posible el transito al presente espaciotemporal.

El pasado fin de semana hubo otra gran explosión solar, produjo auroras al norte de los EEUU. Hoy Google luce un lacito negro, hay algo extrañamente egipcio en la exaltación de la cultura de la muerte en la red.

En 1978 hice mi primer viaje a Paris, pienso que el coche lo conducía Andreu Martín, a bordo Luis García, Pepe Robles y yo mismo, pienso también que Enric Sió, que vivía allí, debió mediar y fuimos recibidos por Moebius no recuerdo bien si en una librería o en Humanoides Associes.

Los neurólogos nos previenen sobre ciertos recuerdos que al ser importantes, volvemos a ellos una y otra vez, cambiando y moviendo las cosas del cajón en cada ocasión que lo abrimos de nuevo.

He ido a la biblioteca y ahí estaba el ejemplar de la edición no vendible (en papel amarillo) de Les yeux du chat de Jodorowsky-Moebius, 1978.

Si recuerdo su perfecto español mejicano/francés cuando hablaba con Luis.

Habíamos estado con dios y era muy amable.

Ahí está Astronomía Pirata,1980 como documento de nuestra devoción.

Luego, por la noche he visto por You Tube Arzak Rhapsody en su totalidad, mañana intentaré ordenar cronologicamente mis ideas.

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1962, curiosa coincidencia en Paris, se funda el movimiento Panico (Jodorowsky, Arrabal y Topor) y Jean Giraud comienza a publicar la historia del teniente Blueberry en Navajo en la fortaleza.

1974, se funda Humanoides Associes y nace la publicación Metal Hurlant, duraría hasta 1987.

1975, Jodorowsky inicia su proyecto para la versión cinematográfica de Dune, Moebius que acaba de empezar a publicar Arzach en Metal H., se une a el en el visualizado de hasta 3.000 dibujos para la película. El proceso dura cinco años y acaba en fracaso “industrial”.

D. Linch hace su versión en 1984, todo el mundo sabe que renegó posteriormente de ella, Dune parece maldita por alguna extraña razón.

Moebius y Jodorowsky reciclarían gran parte del material en la saga El Incal.

1979, se estrena Alien de R.Scott, donde los diseños de Giraud son la clave de la supervivencia de la vida humana ante la aportación de otro artista abominable de cuyo nombre no quiero acordarme.

1982, Moebius estrena su primera película de animación Los maestros del tiempo (observad el huevo Yin y Yan que lleva el niño), al artista chamánico de los desiertos mexicanos se incorpora al pensamiento oriental Iso-Zen, otra forma de consciencia cósmica de los seres humanos.

No ha podido participar en Blade Runner por falta de tiempo, aunque R.Scott reconoce la deuda con su The long tomorrow, y si llega a atender sus compromisos con Tron.

1988, ha colaborado con G.Lucas en los diseños de Wilow , los “estudiosos” remontan esta armonía creativa al Imperial probe droid del Imperio contraataca,1980 y se extiende al planeta Coruscant desarrollado en los capítulos I y II de la serie estrenados en 1999 y 2005.

Este año se estrena el film de animación japonés Akira en cuyo guión ha intervenido Jodorowsky y que es reconocido por Moebius como una moderna epopeya.

1989, ha creado para ambos lados del globo, en Japón en la versión animada de Little Nemo y en Usa en The Abyss.

El mal como concepto es necesario “dramáticamente” para enfrentarlo al bien que se quiere ensalzar. Moebius es elegante y abstracto en estas visualizaciones siempre ondulantes, maleables y crecientes amenazadoramente.

Praderas carnívoras verdes en el desierto B o color negro que se escapa de la habitación e invade el color de Slumberland en una solución formal aparentemente simple que resulta aterradora.

1991, Chauchemar Blanc, 1997,El quinto elemento, 2005, Thru the Moebius strip (3d chino)…He obviado su inmensa bibliografía dibujada, me he centrado en su influencia sobre el cine fantástico donde inoculó misterio y belleza positiva.

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Arzak avanza por el museo de la ciudad perdida, capitulo 7 de 14 de Arzak Rhapsody, 2002 Han transcurrido nada menos que 27 años desde que esta paradoja, que habita el desierto B y que domina la flauta, la magia y la tecnología, montase por primera vez su pterodactilo banco en papel. Ahora es audiovisual al fin.

exposición Miyazki-Moebius en l´hotel de la monnai, marzo de 2004 La bondad y excelencia de estos dos magos blancos influye de forma global a la creación iconografica y literaria de la humanidad. Ambos viven ajenos a la rapiña de Holywood y mantienen su independencia desde sus respectivas culturas locales

dos aspectos de la exposición de Jean Giraud en la fondation cartier pour l´art contemporain, octubre de 2010 77 artista 4