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T E C N I C Oy GRAFICO
EL DIBUJO TECNICO Y LA TECNOLOGIA DEL MOMENTO El dibujo Técnico es el lenguaje gráfico utilizado en actividades industriales, para efectuar la comunicación de ideas que encierran un contenido tecnológico. Se define como lenguaje gráfico, debido a que la comunicación que se ha de transmitir, se efectúa por intermedio de representaciones, esquemas y simbologías que se depositan o imprimen sobre una superficie de papel de dibujo o telas. Fundamentalmente el Dibujo Técnico tiene dos objetivos principales; en primer término, comunicar la información en un momento dado y en segundo término, registrar la información para ser utilizada en cuanto sea necesario. Es una característica muy importante del Dibujo Técnico, que la información depositada pueda ser leída e interpretada por cualquier persona ligada a las actividades industriales y productivas, e incluso siendo aquellas de diversas nacionalidades. El Dibujo Técnico es un lenguaje de tipo universal. El Dibujo Técnico nació con la tecnología, y se ha desarrollado junto con ésta. Nació con la necesidad de comunicar ideas que encerraban un contenido técnico, de tal forma que aquellos que fabricaban los dispositivos, los ejecutasen tal cual habían sido gestados. Las exigencias actuales en los procesos constructivos e industriales, han hecho de Dibujo Técnico un instrumento de comunicación indispensable en las actividades productivas industriales hoy en día.
EL DIBUJO TECNICO Y LA TECNOLOGIA DEL MOMENTO
Se pretende la adquisici贸n de unos conocimientos, vocabulario, recursos y destrezas
CARACTERISTICA DEL DIBUJO ARTISTICO "Cualquiera puede ser dibujante, pero no cualquiera puede ser un buen dibujante", es un dicho muy conocido entre los artistas, esto es debido a que quien quiera dibujar, debe conocer muy bien no solo las técnicas y procedimientos de dibujo sino su entorno y cada elemento que hay en él, por esto mismo hay que ser muy observador, pero sobre todo paciente, pues no todo dibujo sale a la primera. Entre los elementos que se debe dominar para ser un dibujante artístico están los siguientes.
Proceso en el dibujo artístico Apunte: es el dibujo rápido que se usa para captar y recordar las características de lo que se va a dibujar después Boceto: es la prueba del dibujo en un papel aparte. Encajado: son las líneas generales que se trazan en el papel definitivo que sirven como base del dibujo. Línea: es el dibujo de los contornos. Se dibuja primero lo más general y después el detalle. Valorización: para conseguir más realismo y volumen, se sombrean las zonas más oscuras. Color: un dibujo puede llevar color, El color se puede aplicar con varias técnicas: acuarela, tinta, lápiz de color, ordenador Correcciones: Eliminar, añadir o resaltar cosas, mejorar contrastes y colores.
LAS TECNICA DE TRAZADO Para lograr un buen trazo se debe: 1. Colocar el lápiz con una inclinación aproximada de 60º hacia la dirección del trazo. 2. Girar el lápiz durante todo el recorrido, a fin de que la punta se mantenga afilada y se desgaste uniformemente. - Trazado de líneas horizontales Para trazar líneas horizontales a mano alzada, el lápiz debe moverse de izquierda a derecha. El movimiento se realiza en una sola ejecución. - Trazado de líneas verticales Para trazar líneas verticales a mano alzada, el lápiz debe moverse de arriba hacia abajo. El movimiento se realiza en una sola ejecución. - Trazado de líneas oblicuas Para el trazado a mano alzada de líneas oblicuas inclinadas a la derecha, el trazo se realiza hacia arriba.
LAS TECNICA DE BOCETO Para lograr un buen boceto se debe: 1. Buscar el tipo de lienzo que deberíamos usar. 2. Se toma un lápiz de calibre suave 3. Se observa el modelo a dibujar 4. Detenidamente e identifica en el las simplicidades que lo componen, Es decir: cada uno de los elementos del modelo son una forma geométrica, y entre ellos hay una relación de proporciones. 5. Ancla esto a tu cabeza y con el lápiz de manera muy suave, trata de llevarlas al papel, haciendo tanteos, no te preocupes por rayones, sigue sondeando de manera rápida hasta encontrar la geometría deseada y la relación entre las formas. 6. Luego haces los contornos de las sombras del modelo, y detalla un poco (ojos, nariz, boca etc.) 7. Seguidamente procedes a detallar sobras y todo lo demás.
LAS TECNICA DE TRAZADO En un sentido general, la perspectiva es la representación de la profundidad sobre una superficie de dos dimensiones. Es la forma que han desarrollado los artistas para conseguir una imagen en dos dimensiones del mundo tridimensional que habitamos. Esto puede conseguirse utilizando diversas técnicas, una de ellas es la perspectiva lineal.
ELEMENTOS PRINCIPALES DE LA PERSPECTIVA Hay artistas que en la pintura y en el dibujo logran hacer este efecto de lejanía de los objetos. Para ello, utilizan diferentes tipos de líneas: Líneas paralelas, van una al lado de la otra y, aunque sigan en un plano, nunca se encontrarán. Líneas oblicuas, son líneas que parten de puntos distintos una al lado de la otra, pero que en su recorrido se encontrarán en algún punto. Líneas convergentes, partes de dos partes distintas para luego encontrarse en un punto. Líneas divergentes, parten de un mismo punto a distintas direcciones. Con la unión de estos tipos de líneas podrás lograr efectos interesantes ya que la perspectiva consiste en representar las cosas como se ven. El punto es un elemento importante dentro de la perspectiva porque las líneas pueden partir de un punto a otro. Para lograr la perspectiva se mezclan los diferentes tipos de líneas y el punto, aunado al cambio en el tamaño de los objetos.
TIPOS DE PERSPECTIVA Perspectiva lineal: Consiste en que las líneas paralelas que van de más cerca a más lejos, convergen en un punto de fuga, lo que crea una ilusión de profundidad. La perspectiva aérea: Perfecciona la perspectiva lineal, representando la atmósfera que envuelve a los objetos, esfumando las líneas convergentes, eliminando los límites de forma y color, lo que da una impresión muy real de la distancia. Perspectiva paralela: Se llama perspectiva paralela a la que consta de un solo punto de fuga que además deberá estar justo frente a nosotros o desviado solo ligeramente; lo más simple de representar en perspectiva paralela es, por ejemplo, un cubo. Perspectiva oblicua: Se llama así a la que dispone de dos “puntos de fuga” de las diagonales del objeto, los cuales se encontrarán como es lógico sobre la Línea del Horizonte (recordad que corresponde a nuestro “punto de vista”). Perspectiva invertida: Es el punto de fuga está situado adelante, al exterior del cuadro. Perspectiva de importancia: Es un método de representación que permite resaltar a un personaje con relación a otros sobre el mismo icono.
ALBERTO DURERO Alberto Durero Núremberg, 21 de mayo de1471-Núremberg, 6 de abril de 1528) es el artista más famoso del Renacimiento alemán, conocido en todo el mundo por sus pinturas, dibujos, grabados y escritos teóricos sobre arte. Ejerció una decisiva influencia en los artistas del siglo XVI, tanto alemanes como de los Países Bajos, y llegó a ser admirado por maestros italianos como Rafael Sanzio. Sus grabados alcanzaron gran difusión e inspiraron a múltiples artistas posteriores, incluyendo los nazarenos del siglo XIX y los expresionistas alemanes de principios del siglo XX. Como era habitual en la época, al concluir sus estudios realizó un viaje, que lo llevó a diversas ciudades de Alemania y a Venecia (1494), ciudad a la que regresaría entre 1505 y 1507 y en la cual recibiría las influencias de Mantegna y Giovanni Bellini, además de asimilar los principios del humanismo. Previamente había contraído matrimonio y abierto un taller en su Nuremberg natal, donde se dedicó a la pintura (Retablo Paumgärtner) y sobre todo al grabado. A esta época pertenecen las series de grabados El Apocalipsis, La Gran Pasión y la Vida de la Virgen, convencionales en cuanto a temática pero revolucionarios por lo que se refiere a su concepción y su complejidad técnica. Las figuras, plenas de expresividad, son esculturales y están definidas por una multitud de detalles. La minuciosidad es precisamente uno de los rasgos destacados del estilo de Durero, carácter que es probable que heredara del oficio paterno. Después de su segunda estancia en Italia, pintó algunas obras de grandes dimensiones como El martirio de los diez mil, en las que incorporó la riqueza del colorismo veneciano en composiciones de gran dinamismo y repletas de figuras. También por entonces pintó las figuras de tamaño natural de Adán y Eva, pieza clave de su creación artística.
Tal era su fama que fue nombrado pintor de corte del emperador Maximiliano I (1512); también Carlos I lo reclamó. De Maximiliano realizó retratos de carácter, animados por la riqueza y variedad de las texturas, que rivalizan en perfección con los Autorretratos, quizá lo más conocido de su obra pictórica. Alberto Durero gustó de retratarse a sí mismo desde la temprana edad de trece años y mantuvo siempre esta costumbre, reflejo del nuevo interés renacentista por el hombre, y en especial el artista. Sin embargo, son los grabados las realizaciones en que dio una muestra más cabal de su genio; destacan los de 1513-1514, sobre temas imaginativos y que permiten varios niveles interpretativos: El caballero, la muerte y el diablo , San Jerónimo en su estudio y la triste Melancolía I, su obra cumbre como grabador, que constituye una compleja alegoría sobre las dificultades con que tropieza el artista en la realización de su obra creativa. Durante los últimos años de su vida, Durero se centró en la ejecución de un retablo para su ciudad natal:Los cuatro apóstoles. Esta obra, de grandes dimensiones e intenso colorido, refleja el trabajo de toda una vida, en particular los numerosos estudios que había hecho sobre las proporciones y la monumentalidad de la figura humana. Se recuerdan también como obras de un maestro alguno de sus dibujos de plantas y animales, así como las acuarelas pintadas por puro placer a partir de paisajes que había contemplado durante sus viajes, y los dibujos de gentes y lugares de los Países Bajos, que constituyen un testimonio histórico inapreciable. Erasmo de Rotterdam le dedicó la mejor alabanza que un humanista podía hacer de un pintor, al definirlo como el «Apeles de las líneas negras».
LA MELANCOLIA
LA APOCALIPSIS
LAS TECNICAS DEL GRABADO EN MADERA Y COBRE El grabado en madera es una técnica de grabado que experimentó un gran apogeo en el siglo XIX. Hay diferencias esenciales de características entre un grabado en madera y una xilografía. Mientras que una xilografía se realiza sobre una plancha de madera blanda usando gubias u otros elementos de corte, en un grabado en madera el artista realiza la "matriz" "esgrafiando" un bloque de madera con un buril en lugar de usar las mencionadas herramientas de corte, llegando a crear un dibujo muy sofisticado (dentro de lo posible), produciendo por lo general un resultado de trazo más grueso. Los grabados en madera son generalmente pequeños y alcanzan una escala de grises con gran "eclosión".
DIFERENCIA FUNCIONAL CON LA XILOGRAFIA Funcionalmente en la variedad de grabado en madera, se utiliza la impresión en relieve, en la que se aplica la tinta a la cara del bloque y se imprime usando una presión relativamente baja. Por el contrario, tanto en xilografía como en el grabado ordinario, se usa una placa como matriz y se imprime por el método de huecograbado, donde la tinta llena los "valles" del grabado, depositándose luego sobre el papel al prensarlo. Como resultado, además de conseguirse un blanco sobre negro distintivo, las impresiones hechas con grabados en madera se deterioran a una velocidad mucho menor que los hechos con xilografía o con placa de cobre.