portafolio historia del arte catalina masias by Catalina Masias Merello

PORTAFOLIO

HISTORIA DEL ARTE UNIVERSIDAD DE LIMA CATALINA MASIAS MERELLO 20201209

422

PROFESOR: MARIA DE LA PALOMA CARCEDO MURO DE MUFARECH

Facultad de Ingeniería y Arquitectura Carrera de Arquitectura - Área de medio ambiente y recursos naturales 2021-1

TABLA DE CONTENIDO Páginas

1-6

COMENTARIO DE UNA OBRA CG2 - CG3

7-12

MESOPOTAMIA Y EGIPTO CG2 - CG3

13-20

GRECIA,ROMA, PALEOCRISTIANO y BIZANTINO CG2 - CG3

21-30

EDAD MEDIA Y RENACIMIENTO CG2 - CG3

31-38

BARROCO NEOCLÁSICO Y ROMANTICISMO CG2 - CG3

39-48

40-50 51-52 53-54

TRABAJO FINAL CG2 - CG3

> REFLEXION FINAL > DATOS PERSONALES > INFORMACIÓN DEL CURSO

CRITERIOS RIBA CG2 Conocimiento adecuado de las historias y las teorías de arquitectura y las relacionadas al arte, la tecnología y las ciencias humanas. CG3 Conocimiento de las bellas artes, como una influencia sobre la calidad del diseño arquitectónico.

COMENTARIO DE UNA OBRA CG2- CG3 Descripción: Elegir una de las obras de arte brindadas y comentrarla siguiendo las preguntas establecidas en el encargo. Objetivo: Familiarizarnos con el análisis de una obra, pienso que las preguntas fueron claves para permitirnos relacionar con la pintura y ver mas aya de lo literario.

PREGUNTA #1

¿POR QUÉ ELEGISTE ESA DIAPOSITIVA (FOTO O CUADRO)?

Elegimos esta diapositiva ya que a los tres nos llamó la atención el poder relacionar esta obra con la situación que estamos viviendo actualmente. Al evaluar las tres imágenes, esta tuvo distintas interpretaciones por cada uno de nosotros, y es por ello que nos pareció interesante el poder analizarla y explicarla a más detalle. Además, esta obra llamó nuestra atención ya que a primera vista rápidamente la relacionamos con el “amor prohibido” pero después de discutir y leer acerca de la gripe española, nuestra interpretación giro inconscientemente y relacionamos la pintura con la pandemia actual. Esta variedad de interpretaciones, logró que tengamos una conversación profunda en la cual intercambiamos puntos de vista y profundizamos nuestras ideas, lo interesante es que había palabras claves que se repetían en nuestras distintas perspectivas y estas eran: el poder que tiene el amor y la pandemia.

PREGUNTA #2

¿QUÉ INTERROGANTES TE PRODUJO CUANDO LA OBSERVASTE, QUÉ TE RECORDÓ Y PORQUÉ

La circunstancia en la que las personas se encuentran, al ser muy poco convencional nos causó muchas preguntas. Al ver la imagen nos preguntamos, ¿Qué será lo que el Renee Magritte quisiera contar a través de esta? Luego, al leer la descripción de la imagen nos dimos cuenta que esta fue pintada algunos años después de una pandemia, lo cual resolvió algunas de nuestras dudas, como por ejemplo: ¿porque es que tienen un pañuelo en el rostro?, pero a la misma vez surgieron otras interrogantes, como: ¿El pañuelo representará que el beso es algo prohibido dado a las circunstancias e injusticias sociales de la época?, o ¿El beso representa que el amor es más fuerte que un virus ?. Con respecto al pañuelo que les cubre el rostro también nos preguntamos: ¿El pañuelo estará representando un tipo de protección como la mascarilla que usamos en la actualidad? o por otro lado, ¿El pañuelo tendrá como propósito ocultar el rostro e identidad de las personas?.

PREGUNTA #3

¿QUÉ CREES QUE EL AUTOR QUISO TRANSMITIR CON ELLA? ¿EN QUÉ SE INSPIRÓ?

Pensamos que el autor se inspiró en la pandemia vivida causada por la gripe española, el pañuelo era la manera que utilizaban para protegerse. Tras discutir distintas opiniones e ideas, concluimos que el artista. Al analizar la situación en la que el artista vivía, pudimos concluir que quiso transmitir los eventos recientes y la situación por la que muchas personas pasaban en ese entonces. La obra arte, al ser pintada 8 años después de la gripe española, muestra a dos personas besandose. Sin embargo, estas tienen pañuelos cubriendo sus caras lo cual es una directa comparación con el uso de mascarillas en los 1920 's. Asimismo, incorporó el uso de estas durante la época junto a el acto de besarse.

PREGUNTA #4

CUÁL ES EL CONTEXTO SOCIAL QUE CREES INFLUENCIÓ AL ARTISTA EN SU EJECUCIÓN

Es evidente que esta pintura fue inspirada por el contexto social de aquella época. El artista fue influenciado por la situación por la que muchas personas pasaban en 1928. De alguna manera, presenciamos el efecto de la separación entre las clases sociales, donde el amor de algunas personas era considerado “prohibido” a través de muchas personas. Al no pertenecer al mismo grupo, no era común que las personas de diferentes situaciones económicas o sociales estuvieran juntas. De otro modo, después de la gripe española, una pandemia del año 1920, es claro que el artista pudo tomar como inspiración las consecuencias que esta trajo. Al tener que usar mascarillas durante esta época, esta pintura se vuelve una representación de la situación por la que algunas personas pasaban.

PREGUNTA #5

¿CREES QUE ENTENDERÍAS ESA OBRA HOY EN DÍA SI NO CONOCIERAS LA PROBLEMÁTICA DE LA PANDEMIA DEL COVID-19?

Al ver la pintura por primera vez, los tres logramos interpretar la obra de distinta manera, Concordamos que por un lado, esta pintura se asimila a la pandemia actual y al saber en el contexto que fue pintada, 8 años después de la gripe española, pensamos que en ese entonces también fue relacionada con esta. En la coyuntura, al estar obligados a seguir los métodos de protección y distanciamiento, nos ha parecido extraño ver a personas reunidas en películas o imágenes de años anteriores. Ya que conocemos la problemática de esta pandemia, las sabanas cubriendo los rostros de las dos personas fueron relacionadas con el uso de mascarillas. Sin embargo, en una situación hipotética donde no tengamos conocimiento de la pandemia actual, interpretariamos esta pintura como una crítica a las situaciones e injusticias sociales que han estado presentes a lo largo de la historia. Como el amor prohibido, dos personas que no deberían estar juntas, a causa de los diferentes estratos sociales y el racismo. Si no nos encontráramos en esta situación de la pandemia, la higiene y el impedimento de ver a otras personas por el virus no hubiera sido lo primero que se nos hubiera ocurrido al interpretar esta obra.

PREGUNTA #6

CONCLUYE TU COMENTARIO EXPLICANDO “PARA CONOCER UNA OBRA DE ARTE HAY QUE CONOCER EL MOMENTO HISTÓRICO Y SOCIAL EN QUE FUE HECHA”. PUEDES COMENTAR UNA O TAMBIÉN COMPARAR DOS O LAS TRES A LA VEZ. COMO MEJOR CREAS QUE PUEDES HACER EL COMENTARIO

Es importante conocer el momento histórico de una obra de arte ya que, gracias a la época y el contexto puedes lograr relacionar lo que está sucediendo con la pieza artística. Cada persona interpreta una obra de arte de distintas maneras dependiendo de con que lo relaciona, dónde se encuentra y que está pasando en su vida en ese momento. Para analizar el contenido de la obra, es importante saber la época y el momento histórico y social en el que fue hecha ya que cambia la manera de interpretar la obra de arte. En primer lugar, la imagen “A” creada por un artista anónimo es un buen ejemplo para demostrar la importancia del momento histórico y social en la que fue realizada la obra. A primera vista, al ver la imagen podemos notar que es la famosa pintura de Da Vinci; “La última cena”. Sin embargo, esta ha sido intervenida y modificada, así asemejándose a una de las soluciones de la aglomeración en espacios cerrados gracias a la manera en la cual el artista ha acomodado a los participantes de esta, haciendo referencia a las reuniones de zoom. Nosotros, al haber vivido esta pandemia y al habernos adaptado a la situación, al saber que la imagen fue creada en el año 2020 podemos concluir que el propósito de esta fue hacer una simulación de las tan cotidianas reuniones de zoom hoy en día. Por otro lado, La obra de arte realizada por el artista francés Jacques-Louis David “La muerte de marat” es un gran ejemplo para entender cómo cambia la interpretación de una obra al conocer el contexto histórico. Se sabe que este artista (dio vida) al arte neoclásico que está relacionado con el arte del imperio de la antigua Grecia y roma y estas pinturas recuerdan la antigüedad, pero usualmente transmiten temas de la época en cuando es realizada la obra de arte. Esta obra fue empezada cuatro años después que inició la revolución francesa y se trata de un evento políticamente importante de ese tiempo. La muerte de Jean-Paul Marat, un periodista radical de la época, amigo de David fue asesinado por haber fundado un periódico en el cual denunciaban a causantes de la revolución francesa y a más. Por ser amigo de este controversial político tuvo el encargo de documentar la escena de muerte a través del arte. Podemos notar que al no saber el contexto histórico de la obra hubiéramos interpretado que esta pintura era una clase de suicidio.

IMAGEN A

IMAGEN B

MESOPOTAMIA Y EGIPTO CG2 - CG3 Descripción: Realizar dos dibujos a mano: un Zigurat de Mesopotamia, (El de Ur, Sumeria) y un templo egipcio, (El de Jonsù en Karnak). Además comentarlos siguiendo las indicaciones y realizar un breve comentario sobre lo que ha querido explicar Gombrich en el fragmento brindado. Objetivo: Aprender mas acerca de Mesopotamia y Egipto, al mismo tiempo leer la lectura de Gombrich, la cual nos dará conocimiento para poder aplicar al comentar acerca de la historia del arte.

DIBUJO #1

ZIGURAT DE MESOPOTAMIA, UR

DIBUJO REALIZADO POR EL GRUPO

Fecha de Ejecución: Fundado 2050-2030 AC Cultura: Elevado en honor al dios “nanna” (luna), cultura Sumeria Ubicación geográfica: Nasiriyah, Iraq (hoy en día llamado Dhi Qar) Materialidad: Ladrillo de barro, adobe (ladrillos secados al sol) y ladrillos cocidos. Usos de las diferentes áreas de cada edificación: Fueron templos comunes para los Sumerios, no se realizaban actos públicos o ceremonias sino “se les consideraba la morada de los dioses”. Gracias al Zigurat la gente podía estar cerca a sus dioses. COMENTARIO: El nombre Zigurat viene del verbo acadio zaqaru, lo cual significa "construir en alto". Su propio nombre hace alusión a su arquitectura, ya que este ZIgurat está conformado por una base cuadrada y sobre está, distintos niveles escalonados, incluso pueden llegara tener hasta 7 pisos y este sería el lugar indicado para un templo. Como menciona la lectura "Arte Egipcio", los zigurats estaban construidos por muros gruesos y lisos, donde predomina el Macizo. Fue construida en forma de pirámide y el suelo arcilloso permitía construido de barro y más tarde ladrillo.

DIBUJO #2

TEMPLO JONSÙ EN KARNAK

DIBUJO REALIZADO POR EL GRUPO

Fecha de Ejecución: Fue construido bajo el reinado de Ramsés III (1184-1153 a.c) Cultura: Fue dedicado al dios lunar Jonsu, que es parte de la triada tebana con Mut y Amón Ubicación geográfica: Se ubica en la región de Tebas, capital del Imperio forma parte del gran recinto religioso de Karnak.

Nuevo

Materialidad: Se utilizaron sillares de roca caliza, perfectamente cortados y encuadrados, se realizaron numerosas tallas, desde la avenida de los esfinges, hasta los capiteles y relieves del interior Usos de las diferentes áreas de cada edificación: Lasála Hipetra: Un portico de libre acceso con columnas y sin cubierta, donde se depositan las ofrendas - Sala Hipostila: Reservado para sacerdotes, esta cubierto en celosías para permitir la entrada de luz, con un gran numero de columnas - Sala de la Barca: Alberga la estatua del Dios y la barca que serviría para sacar al Dios en procesión COMENTARIO: El Templo de Jonsu tuvo como proposito ser una idea y representación del mundo y la vida, en relación al contexto cultural. Las columnas se relacionan con la flora del país, ya que simbolizan la fertilidad. Estas proporcionan protección, ya que sin ellas el techo caería sembrando la destrucción del suelo. La matiz de luz a lo largo de las salas jerarquiza y divide los espacios y a la vez enfatiza el aspecto misterioso de las ceremonias.

COMENTARIO

Según nuestra propia interpretación, Gombrich quiere comunicar su asombro acerca de el parecido entre las distintas construcciones, estatuas, pinturas, formas arquitectónicas y más de la cultura egipcia. También afirma que todo lo que se encuentra dentro de un mismo lugar con a la misma cultura, tiempo y religión va a evidentemente tener un gran parecido. El texto de Gombrich menciona en la página 10 que "el estilo egipcio fue un conjunto de leyes estrictas que cada artista tuvo que aprender en su más temprana juventud", esto significa que ellos regulan ciertas pautas para realizar obras de arte, lo cual lleva a crear un mismo estilo o uno sumamente parecido. Además, debido a esto los egipcios seguían algunos de los patrones que sus ancestros utilizaban, por ejemplo las formas piramidales y los distintos materiales usados en la construcción (eg: ladrillo). En el fragmento, Gombrich menciona que "Es muy difícil explicar con palabras lo que crea un estilo". Consideramos que a pesar de que todo tenga un estilo similar hay influencias de diversas culturas, por ejemplo del mediterráneo y del oriente ya que aprendieron distintos conocimientos que se plasmaron en el estilo egipcio. Finalmente también es esencial reconocer que dentro de la cultura egipcia hay mucha influencia que viene de la religión. Es por esto que hay esculturas y pinturas con formas de dioses o animales y estas también están presentes en estructuras arquitectónicas, logrando crear un mismo estilo.

BIBLIOGRAFIA

Gombrich, E.H. (2007) Arte para la eternidad: Egipto, Mesopotamia, Creta. En: La Historia del Arte. Pp.55-73. Londres: Phaidon Press Limited Morante López, F. y Ana María Ruiz Zapata (1997) Tema II Arte Egipcio” En: Análisis y Comentario de la Obra de Arte: estudio de obras de pintura, arquitectura y escultura, pp 31-39. Editorial Edinumen. Madrid. España Ziggurat of Ur – Smarthistory. https://smarthistory.org/ziggurat-of-ur/

(n.d.).

Smart

History.

Comentario Templo de Khonsu (Jonsu) en Karnak. (2015). Aula de Historia. https://www.auladehistoria.org/2015/12/comentario-templode-khonsu-jonsu-en.html

GRECIA,ROMA, PALEOCRISTIANO y BIZANTINO CG2 - CG3 Descripción: Comentar y criticar, los elementos formales y hacer un comentario sobre las esculturas y edificios brindados. Hacerlo según la lectura de “Análisis y Comentario de una Obra de Arte” de Morante y Ruiz Zapata sobre cada uno de los estilos artísticos representados y otras lecturas brindadas por la profesora. Objetivo: Aprender en detalle acerca de la escultura romana y griega y por otro lado acerca de la arquitectura paleocristiana y bizantina. Además aprender a citar las lecturas y a utilizarlas para potencializar el análisis formal.

Tabla de contenido Páginas

1y2

2y4

E1 ESCULTURA Escultura Romana "Augusto de prima porta" y escultura Griega "Laocoonte y sus hijos".

E2 ARQUITECTURA Basílica Paleocristiana Y iglesia de Santa Sofía en Estambul, Turquía

ESCULTURA ANALISIS FORMAL: ESCULTURA ROMA Y GRECIA

Objetivo: En este trabajo se va a analizar la escultura romana y griega de una manera formal, hablando específicamente acerca de las dos imágenes mostradas inferiormente. ESCULTURA ROMANA

La escultura representa una postura de mando/militar. E.j. La mano representa el liderazgo/orden.

NATURALISMO: Retratan a la persona tal y como es. E.j. Nariz no perfilada En un inicio la escultura estaba PINTADA.

RITMOS "DEAMBULATORIOS" La posición de pies se encuentra en el intervalo de un paso a otro. Así como la escultura " HERMES Y DIONISIO".

El infante a su pie derecho representa una A LA VICTORIA. Es mas pequeño y esta bajo sus pies.

(31a.c-siglo4d.c) Figura 1: " Augusto de Prima Porta

Escultura GRUPAL: Más de una persona en ellas. Roma: 2 personas Griega: 3 Personas

BULTO REDONDO > Se pueden ver por atras y adelante (multiplicidad de puntos de vista) Mayor DINAMISMO: La escultura inmortaliza el MOVIMIENTO. Las personas se encuentran realizando un movimiento. JERARQUÍA > La persona del medio "El sacerdote" se le protagoniza a través del tamaño, postura y musculos.

Representa una escena de un mito (mitológica) y en esta resalta la tragedia y el enfrentamiento. ESCULTURA GRIEGA

Representa la violencia de lucha de gladiadores

Serpientes de mar = venganza

COLOR NATURAL: Mantiene color material

el del

IDEALIZADOS > Los "personajes" son representados con cuerpos "perfectos"

Figura 2: "Laocoonte y sus hijos"

Los artistas (Agesander of Rhodes, Athenodoros of Rhodes, y Polydorus of Rhodes): consiguieron transmitir efectos de gran fuerza dramática> "la naturaleza tal cual es, fuese alegre o dolorosa, bella o fea o, incluso, trágica"

Creada en periodo Helenístico

ESCULTURA COMENTARIO: ESCULTURA ROMA Y GRECIA

Objetivo: En este trabajo compararemos las distintas semejanzas y diferencias de la escultura griega y la escultura romana, Haciendo referencia a los textos de Gombrich (2007) y Morante y Ruiz (1997).

IMAGEN 1: " Augusto de Prima Porta

Cómo menciona Gombrich (2007), el arte Griego del periodo Helenístico pierde la conexión con la religión, ya que esta se enfoca en dramatizar situaciones para crear un mayor impacto en el receptor. En este específico caso Gombrich (2007) menciona que esta estatua fue hecha basada en el contexto del gigante caballo de troya. Como este plan no funcionó y no pudieron acabar con los troyanos, estas serpientes marinas simbolizan la venganza: ingresan Troya y matan al sacerdote y a sus dos hijos. Como vemos en la estatua de bulto redondo, según Morante y Ruiz (1997), esta enfatiza la musculatura del sacerdote; idealizando el cuerpo humano, además transmite efectos de gran fuerza dramática, es decir representa "la naturaleza tal y como es, dolorosa y trágica. Por otro lado, Según Morante y Ruiz (1997), la escultura romana está influenciada por la escultura griega. Además, mencionan que "la influencia llega a través de la importación de obras de arte y por el desarrollo del coleccionismo", Morante y Ruiz, (1997). La composición de la estatua y el movimiento de la escultura "Laocoonte y sus hijos" (Figura 2) está influenciada por la influencia Helénica, sin embargo no en su totalidad por la escultura "Augusto de prima porta" (Figura 1) ya que esta no destaca por el movimiento, únicamente en el dinamismo (movimiento entre un paso y otro). Esta no es representada con mucho movimiento, a diferencia de la escultura Griega. Finalmente según Morante y ruiz (1997), Esta estatua representa mucho el realismo, es decir las facciones del rostro humano son tal y como son en vida real, por ejemplo se evita perfilar nariz o rostro en general.

ARQUITECTURA ANALISIS FORMAL: ARQUITECTURA BASÍLICA PALEOCRISTIANA Y IGLESIA DE SANTA SOFIA EN ESTAMBUL.

Objetivo: En este trabajo compararemos las distintas semejanzas y diferencias de la escultura griega y la escultura romana, Haciendo referencia a los textos de Gombrich (2007) y Morante y Ruiz (1997)

ATRIO

NAVES LONGITUDINALES > parte central mas elevada

Donde habían dos torres, ahora solo hay una > esta mira hacia la Entrada

MUROS LISOS > No tienen decoración

BAPTISTERIO > Luego se convirtió en mausoleo

IGLESIA DE SANTA SOFIA ESTAMBUL

Figura 1: " basílica Paleocristiana de San Pedro en el Vaticano"

MEDIA CÚPULA

PILARES

CÚPULA CENTRAL

ÁBSIDE ATRIO Puerta principal

BAPTISTERIO Figura 4: "Iglesia de Santa Sofia Estambul, Turquia"

BASÍLICA PALEOCRISTIANA

NARTEX

TESTERO

ARQUITECTURA COMENTARIO: ARQUITECTURA BASÍLICA PALEOCRISTIANA Y IGLESIA DE SANTA SOFIA EN ESTAMBUL,

En esta parte hemos analizado 2 plantas arquitectónicas total totalmente distintas. Ambos tipos, La Planta cruz griega y la planta Longitudinal, han sido la esencia de la arquitectura hasta el siglo 15. Es por ello que es importante analizarlas y estudiarlas, ya que siendo arquitectos estarán presente a lo largo de nuestra carreras. En primer lugar, Según Morante y Ruiz (1997), tenemos una planta longitudinal (Imagen 4), Según lo investigado y estudiado en clase sabemos que se da por la parte occidental, es decir lo que antiguamente era Roma. Por otro lado tenemos una planta de cruz griega que se da mas en la parte oriental (Constantinopla). La basílica de San Pedro es la mas importante desde aquella época hasta hoy en día y la iglesia de Santa Sofía, ubicada en Estambul Turquía fue la iglesia mas importante de la cristiandad hasta el siglo 15. Según Morante y Ruiz (1997) Esta fue derrumbada por los musulmanes, "Se derrumbó por completo durante un posterior terremoto el 7 de mayo de 558". Ambas plantas arquitectónicas destacan y son un claro ejemplo de ambos tipos de arquitectura, es decir son dos conos (Iconos) de la arquitectura; cruz Griega (centralizada) y la longitudinal. En adición la imagen 4, La iglesia de Santa Sofía Según Morante y Ruiz (1997), es arquitrabado y la imagen 3 (San Pedro) es abovedado, ya que está lleno de cúpulas.

REFERENCIAS

EDAD MEDIA Y RENACIMIENTO CG2 - CG3

NOTA: 10/10

Descripción: Elegir entre la pintura del Matrimonio Arnolfini de Jan van Eyck o La escuela de Atenas de Rafael Sanzio. Analizar la pintura teniendo en cuenta los elementos formales y hacer un comentario teniendo en cuenta lo aprendido en clase según Morante López y Ruiz Zapata (1997) y lo leído en Gombrich (2007). Además, tanto de la arquitectura románica como de la gótica, realizará una análisis y poner encima de cada dibujo las partes de las plantas, cortes y alzados. Objetivo: Aprender acerca de la pintura y arquitectura de la edad media y renacimiento. Aprender el nombre de las distintas artes de la arquitectura y a continuar aprendiendo cómo citar y relacionar las lecturas al análisis.

Tabla de contenido Páginas

1y2

2, 4 y 6

E1 PINTURA Pintura Gótico-Flamenca

E2 ARQUITECTURA Arquitectura Románica y Gótica

PINTURA ANÁLISIS FORMAL: ARTE GOTICO Objetivo: En este trabajo investigaremos sobre las cualidades de la pintura "El matrimonio Arnolfini" y como este se diferencia al arte de siglos anteriores, haciendo referencia al texto de Morante y Ruiz (1997). LA PINTURA DEL MATRIMONIO ALNOLFINI DE JAN VAN EYCK

Autor: Jan Van Eyck Fecha: 1433 Asunto representado: El matrimonio Arnolfini Técnica: Óleo Soporte: TABLA DE MADERA (Panel de roble)

Factura > Pincelado delgado visto en los detalles(e.j. textura en las prendas)

Textura > Vemos la ropa arrugada, el pelo del perro y las grietas en la pared

Color > Los colores usados son oscuros y apagados son usados

Luz > La luz que proviene de la ventana se ve reflejada en la lámpara

Composición >Lineal Lo podemos dividir en dos porque es simétrica. Muy armoniosa- Primer plano: mujer y perro Segundo plano: hombre - Tercer plano: espejo (la profundidad) lámpara (al centro de la habitación)

Perspectiva > Perspectiva aérea (espejo es lo central y da profundidad) Vemos la pintura desde dentro de la habitación A pesar de ser de la gotica donde no hay mucha perspectiva aqui si se ve la perspectiva aerea (caballera) Formas de Expresion > Si bien ambos están al mismo nivel, el hombre esta viendo deferente la mirada de la mujer es dirigida hacia abajo

FIGURA 1 --- FUENTE: WIKIMEDIA COMMONS EL MATRIMONIO ARNOLFINI, DE JAN VAN EYCK (1433)

Línea > Pintura en base a líneas (mucho dibujo) y luego se utiliza color

El matrimonio Arnolfini es una pintura figurativa cuya función es satisfacer el pedido de esta pareja con el significado de representar su matrimonio en una pintura. En cuanto a su contexto histórico, esta es una pintura flamenca que se da en Flandes en el norte de Europa, como visto en la figura 2. Como dice Morante y Ruiz (2007), en esta época se pintaba mucho en tabla, lo cual es algo que se dejara en el futuro. Nos presenta un matrimonio entre dos personas acomodadas, por lo que se ve en sus prendas de vestir y el ambiente en el que están. La diferencia entre esta pintura y las pinturas del sigo anterior, es que pasan de ser pinturas religiosas a una pintura totalmente burguesa, mostrando un acto que es un rito pero sin mostrar ni un símbolo de la religión. El artista, con este cambio pictórico ocurriera se alejo de la religión. Creemos que lo que influyó en el artista este cambio pictorico fue el hecho que en el periodo romanico habia una sociedad rural, mientras que en Flandes en 1433, esta en una ciudad rica y comercial, por lo cual la burguesia es representada en su pintura mediante la habitación, las prendas de vestir, etc.

PINTURA COMENTARIO MATRIMONIO ARNOLFINI DE JAN VAN EYCK Objetivo: En este trabajo investigaremos sobre las cualidades de la pintura "El matrimonio Arnolfini" y como este se diferencia al arte de siglos anteriores, haciendo referencia al texto de Morante y Ruiz (1997).

FIGURA 1 --- FUENTE: WIKIMEDIA COMMONS EL MATRIMONIO ARNOLFINI, DE JAN VAN EYCK (1433)

FIGURA 2 --- FUENTE: WIKIPEDIA COMMONS MAPA DE LOS PAISES BAJOS EN EL SIGLO 15

De acuerdo a Gombrich (2007), la pintura (Figura 1) representa los esponsales entre los Arnolfini. En tanto a la forma de expresión, vemos a la mujer recién desposaba poniendo su mano derecha en la mano izquierda de Arnolfini, y esta colocando su mano derecha sobre ambas manos, lo cual demuestra la senal del matrimonio en la pintura. Como menciona Gombrich (2007), Arnolfi llamo a Jan van Eyck como testigo de esta union, la perosna presenta en el momento de esta union. Morante y Ruiz (1997) menciona que durante este periodo la pintura gótica alcanza su carácter de arte independiente. Esto hace alusión a que los artistas (pintores) se desprendieron de un modelo fijo y comenzaron a explorar y desarrollar su propio estilo, de acuerdo a lo que ellos querían o sus clientes ordenaban. Salieron a la luz distintas manifestaciones de la pintura, y se adquiere un desarrollo de la pintura sobre vidriera, pintura de manuscritos y cómo visto en "El matrimonio Arnolfini", la pintura sobre tabla.

Según Morante y Ruiz (1997), a pesar de que en esta época recién se comenzó a presenciar la perspectiva, el color fue un elemento que ayudó en este proceso y este era normalmente representado como un elemento "subjetivo y lleno de contenido simbólico". En tanto a la perspectiva, aparece la preocupación por el espacio pictórico a partir del XlV. Se tantean los ejes de profundidad y los puntos de fuga. Además, las formas de expresión de las personal en estas pinturas reflejan un nuevo ideal estético orientado hacia un naturalismo idealizado y expresivo, como expresado por Morante y Ruiz (1997). Podemos ver cómo los artistas en este periodo trajeron un gran cambio al arte mediante la pintura gótica, especialmente en lo que estas pinturas representaban, como la burguesía en una sociedad nueva, rica y comercial como la de Flandes, vista en el mapa de la Figura 2.

ARQUITECTURA ANALISIS FORMAL: ARQUITECTURA- ROMÁNICO

Objetivo: En este trabajo se van a analizar de manera formal, las partes de las plantas y cortes tanto de la arquitectura románica.

ARQUITECTURA- ROMÁNICO

EDAD MEDIA - SIGLO XI Y XII

PLANTA (CRUZ LATINA) - IGLESIA ROMANA

GIROLA

CORTE - IGLESIA ROMANA

ABSIDIOLO

CLARISTORIO TRITORIO

CUBIERTA DE MADERA Alta y fortificada

CRUCERO TRANSEPTO

PILARES CRUCIFORMES

ARCOS DE MEDIO PUNTO

NAVE CENTRAL

NAVE TORRE NAVE LATERAL FIGURA 3 --- FUENTE: WIKIPEDIA COMMONS

NAVE LATERAL

CONTRA FUERTE

FIGURA 4 --- FUENTE: WIKIPEDIA COMMONS

MATERIALES: - Piedra, sillería, madera, ladrillo, calicanto, etc SISTEMAS ARQUITECTÓNICOS: - Más dinámica frente a la griega, más estática. - El arco, la bóveda y la cúpula son más utilizados que en la arquitectura de grecia - Maciza y robusta ELEMENTOS CONSTRUCTIVOS: - Soportes > Muro liso es el principal soporte, este se refuerza con estribos - Cubiertas > Eg: de madera, bóveda de cañón reforzada con arcos fajardos y cúpulas - Arcos > De medio punto ELEMENTOS DECORATIVOS: - Estructuras pesadas, macizas y oscuras - Ornamental > interior y exterior - Internamente > pintura mural al fresco - Exterior > cantidad de escultura relieve y alto relieve y muy pocas - Arquitectura basada en la horizontalidad, en excepción de las columnas verticales VALORES PLÁSTICOS: - Nada te quita la visual del edificio > Nada es muy alto a los alrededores - La cabecera de la planta presenta ábsides semicirculares - Interior: ambiente direccional - El altar es el "protagonista" - plantas de tipo basilical o central

ARQUITECTURA ANALISIS FORMAL: ARQUITECTURA- GÓTICO

Objetivo: En este trabajo se van a analizar de manera formal, las partes de las plantas, cortes y alzados, de la arquitectura gótica.

ARQUITECTURA- GÓTICO PLANTA IGLESIA GÓTICA

CABECERA

PRESBITERIO

ELEVACIÓN CATEDRAL GÓTICA

TRIFORIO

AGUJA O CHAPITEL

GABLETE

CAPILLA RADIAL

DETALLES IGLESIA GÓTICA

ARCO OJIVAL NAVES PILAR

PINÁCULO

TRANSEPTO

GALERÍA DE ARCOS OJIVALES

ROSETÓN

PÓRTICOS FIGURA 5 --- FUENTE: WIKIPEDIA COMMONS

FIGURA 6 --- FUENTE: WIKIPEDIA COMMONS

FIGURA 7 Y 8 --- FUENTE: WIKIPEDIA COMMONS

MATERIALES: - Piedra de sillería, Mármol, Metal, etc. SISTEMAS ARQUITECTÓNICOS: - Abovedada ELEMENTOS CONSTRUCTIVOS: - Soportes > pilares fasciculados - Cubiertas: Bovedas de cruceria (nervaduras y paneles de relleno) - estribos y arbotantes que sostienen las bóvedas - Arco > Ojival ELEMENTOS DECORATIVOS: - Pesadas y decoraciones - Aparecen rasgos escultóricos y pictóricos con carácter naturalista - Vidrieras > ventanales de colores > luz especial en el interior - Hablantes > crean relación con lo vertical VALORES PLÁSTICOS: - Vanos más pequeños - Mayor tendencia a la horizontalidad - Estructuras en grande escala - No son necesariamente simétricas pero si proporcionales - Exterior > 2 torres laterales al frente que sobresalen, es decir son mas grande que la nave central (Figura 6)

ARQUITECTURA COMENTARIO Y CONCLUSIÓN: ARQUITECTURA- ROMANICO Y GOTICO

Objetivo: En este trabajo compararemos las distintas semejanzas y diferencias de la arquitectura románica y gótico. Haciendo referencia a los textos de Gombrich (2007) y Morante y Ruiz (1997).

Al ver estas dos imágenes podemos notar que son dos construcciones romanas que fueron realizadas durante los siglos XI y XII. Morante y Ruiz (1997) afirman que la arquitectura de estas construcciones es la “manifestación artística más importante”(pagina 124) ya que los romanos fueron constructores muy reconocidos y sus obras han desafiado el pasado del tiempo. Los materiales que utilizaban eran la piedra, el mármol debido a la influencia griega y usualmente era colocado como revestimiento, También se usaba el ladrillo y el hormigón. El hormigón era un material sumamente importante en sus construcciones ya que tenia ciertas ventajas, como su resistencia , garatura y la rapidez al construir. La apariencia con la construcción en hormigón no era muy agradable por eso realizaban un recubrimiento utilizando la piedra y el mármol en el exterior. Los elementos constructivos utilizados en la construcción románica eran los soportes, el arco de medio punto y las cubiertas. En la primera imagen, la planta de la iglesia es basílica lo que significa que forma una cruz latina donde la cabecera muestra un abisme semicircular y a los costados vemos las demás naves. También notamos las bóvedas de cañón que fueron agregadas con el propósito de soportar grandes muros y pilares que son unidos por los arcos de medio punto.

Estas tres imágenes muestran catedrales e iglesias góticas. . La arquitectura gótica se realiza en piedra, con sillares bien tallados y ligaduras metálicas afirmadas con plomo. Según Morante y Ruiz (1997) tiene tres elementos básicos que son el arco apuntado el cual es seguro y menos estático a comparación que él de medio punto y con una posibilidad de transformación. Luego el segundo elemento básico es la bóveda de Crucería , compuesto por un esqueleto de nervaduras que son “cuatro arcos que delimitan el tramo y dos que se cruzasen diagonal”. Ademas se construye en cuatro puntos lo que permitirá crear grandes vanos en los muros implementando variedad de tipos. Luego están los soportes , estos manejan los empujes de las bóvedas que son de dos tipos interiores(pilares fasciculados) y exteriores (estribos o contrafuertes y arbotantes). En la primera imagen que es una planta notamos claramente una planta de cruz latina, con crucero poco marcado al exterior y varias naves. En la segunda imagen vemos que la fachada de la catedral contiene un rosetón lo cual representa a un simbolismo que sugiere a Cristo a causa de los rayos del sol que ingresan a la catedral. Finalmente en la tercera imagen observamos los detalles de una iglesia gótica donde notamos el arco ojivas y pilares, estos representan los nervios. El arco tiene una forma de punta de flecha que gracias a su forma vertical logra elevar la altura del edificio.

La arquitectura románica fue creada durante el siglo XI y XII. Esta fue la arquitectura que simbolizo el primer gran estilo en la Edad Media y las intenciones que querían lograr era la altura y luminosidad. Utilizaban el hormigón para realizar sus constricciones por la rapidez y eficacia del material pero ademas les importaba cómo se veían las construcciones por fuera. Es por eso que recubrían el exterior con mármol y piedra , También utilizaban los mosaicos y vitrales para decorar el interior. La arquitectura gótica fue creada en Francia entre 1150-1200, se caracteriza con estructuras de gran magnitud y las plantas son parecidas a las del estilo románico. Esta arquitectura es conocida por las innovaciones técnicas las cuales hicieron posibles realizar construcciones ligeras y esbeltas con materiales como la piedra, las mamposterías elásticas, metal y plomos entre otros materiales. Al analizar estos dos tipos de arquitectura puedo decir que tiene ciertas semejanzas pero los dos tienen diferentes intensiones arquitectonicas a los romanos les interesaba más el material usado en la fachada y los detalles por fuera. Y el estilo gótico trabaja más el detalle del arco y los pilares para así lograr la intención esbelta y ligera que tienen sus construcciones.

REFERENCIAS

BARROCO NEOCLÁSICO Y ROMANTICISMO CG1 - CG2 Descripción: Analizar y comentar las pinturas figuras brindadas: barroco neoclásico y romanticismo. Señalar su autor estilo y fecha de ejecución, además realizar un análisis formal de ambas las obras. Para el análisis formal utilizar la lectura de Morante y Ruiz (1997) y comentar por qué las características formales hacen que se encuadren en los estilos. Objetivo: . Conocer mas acerca del barroco, neoclásico y romanticismo y apender a analizarlas, teniendo en cuenta y citando las distintas lecturas.

Tabla de contenido Páginas

1y2

3Y4

E1 PINTURA BARROCO Y NEOCLASICISMO-PINTURA

E2 PINTURA ROMANTICISMO PINTURA

PINTURA ANÁLISIS FORMAL: BARROCO Y NEOCLASICISMO

Objetivo: En este trabajo se va a analizar la pintura del Barroco Y del neoclasicismo de una manera formal, hablando específicamente acerca de las dos imágenes mostradas inferiormente. EL DESEMBARCO DE MARÍA DE MEDICIS EN EL PUERTO DE MARSELLA FIGURAS MITOLÓGICAS: Glorifican el momento

PERIODO: Barroco

MEDIDAS: 3.94 X 2.95 metros

FECHA: 1621-1625

DINAMISMO: Movimiento y líneas curvas

ARTISTA: Pedro Pablo Rubens

COLOR: El color pr.edomina sobre las líneas. Los detalles no son observables si nos acercamos mucho a la detalle

SOPORTE: Sobre tela

Características específicamente de Rubens:

TÉCNICA: Óleo

MUJERES: Piel blanca y figura natural HOMBRES: Piel un poco mas oscura y cuerpo un poco idealizado.

GÉNERO: Tema Historico LA MUERTE DE MARAT

PERIODO: Neoclásico

MEDIDAS: 1.63 X 1.25 metros

FECHA: 1793

CUCHILLO: Representa que fue asesinado LOCACIÓN: Tina > dado que enfermedad lo requiere

ARTISTA: JacquesLouis David

LA LÍNEA (Dibujo): Las líneas predominan frente al colro y delimitan los objetos

SOPORTE: Lienzo

LUZ: Resalta y delimita lo importante, es clara y difusa

TÉCNICA: Óleo

LA CARTA: ‘Es suficiente que yo sea muy desafortunada para tener derecho a tu benevolencia’

GÉNERO: Tema Histórico

Fuente: https://es.wikipedia.org/wiki/La_muerte_de_Marat

PINTURA ANALISIS FORMAL: BARROCO Y NEOCLASICISMO

Objetivo: En este trabajo compararemos las distintas semejanzas y diferencias de la pintura del Barroco Y del neoclasicismo, Analizando el contexto histórico-artístico y político en el que ambas obras.

La Figura 1, "El Desembarco de Maria de Medicis en el Puerto de Marsella" y la Figura 2, "La Muerte de Marat" son dos pinturas de dos épocas totalmente diferentes, con mas de 170 años de diferencia. En la Figura 1 vemos una obra pintada con un estilo el cual tiene mucho movimiento, profundidad y representa muchos elementos mitológicos e históricos. Como dice Morante López, F. y Ana María Ruiz Zapata (1997), en el Barroco las lineas pierden importancia en la delimitación de los contornos, al utilizarse una linea subjetiva y sin continuidad. Ruben no utiliza tanto la linea, sino con las pinceladas gruesas le da forma y color a la pintura, visto en la Figura 1. En adición, según Morante López, F. y Ana María Ruiz Zapata (1997), la técnica del óleo sobre lienzo en caballete es técnica utilizada en los 1620's. También vemos representado un evento, donde se mezclan temas mitológicos al igual que la historia de Francia y como menciona Gombrich (2007), las mujeres debajo son representadas desnudas para asimilar las ideas de la mitología. Mientras que la Figura 1 mostraba complejidad, vemos que la Figura 2, llamada "La Muerte de Marat", no lleva las mismas características. Esta pintura es muy simple, al tener un fondo vacío, plano y oscuro, nuestra atención es llevada a la única figura que interesa en la pintura; Marat junto a una caja y cubierto en una tela. Como dice Morante López, F. y Ana María Ruiz Zapata (1997), un aspecto de la pintura Neoclásica es que no se representan grandes espacios desarrollados en profundidad, para así darle un enfoque a la figura principal. Además, según Morante López, F. y Ana María Ruiz Zapata (1997),el estilo Neoclásico busca que la composición tenga claridad, equilibrio y orden, lo cual es representado en la Figura 2. Según Gombrich (2007, pg. 485), esta pintura muestra el momento en el que uno de los lideres de la Revolución francesa, Marat, fue asesinado en el baño por una joven fanática. David pinto este suceso porque Marat era muy importante para la causa y ademas, fue asesinado mientras trabajaba metido en su baño.

PINTURA ANÁLISIS FORMAL: ROMANTICISMO PINTURA

Objetivo: En este trabajo se va a analizar y clasificar ambas obras pictóricas, señalando su autor estilo y fecha de ejecución. Ambas imágenes son del periodo del romanticismo. LA LIBERTAD GUIANDO AL PUEBLO MEDIDAS: 2.60× 3.25 metros

PERIODO: Romantici smo

COLOR: Predomina el color a la línea. Si lo miras desde cerca puede parecer un borrón.

FECHA: 1831 ARTISTA: Eugène Delacroix

TRANSMITE: Expresa sentimientos través de creatividad

SOPORTE: Lienzo

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TEMA: Revolución política

TÉCNICA: Óleo GÉNERO: Tema Histórico

LA BARCA DE LA MEDUSA

PERIODO: Romantici smo

MEDIDAS: 4.91 × 7.17 metros

FECHA: 1831

LUZ: Ayuda a darle carácter efectista y teatral > intensifica las emociones

ARTISTA: Théodore Géricault

TEMA: Desastres > personajes parecen moribundos

SOPORTE: Lienzo TÉCNICA: Óleo

TRANSMITE: Expresa sentimientos través de creatividad

GÉNERO: Tema Histórico

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El superviviente cirujano de la Fragata, Henry Savigny.

PINTURA ANÁLISIS FORMAL: ROMANTICISMO PINTURA

Objetivo: En este trabajo compararemos las distintas semejanzas y diferencias del Romanticismo. Analizando el contexto históricoartístico y político en el que ambas obras.

La principal figura pionera de la pintura romántica, La obra ¨La libertad guiando al pueblo (1831)¨ relata los hechos sucedidos en julio del 1830 lo cual unió al pueblo . y. b u r g u e s í a c o n t r a e l a b s o l u t i s m o d e C a r l o s X . E s t a o b r a e s l a p r i m e r a o b r a q u e representa las masas revolucionarias, Representan La república francesa levantada en armas con la diosa Atenea, Ya que es una mujer dura, con personalidad. Estas características dan a entender que este estilo es ante todo una forma de sentir y transmitir algo. Según Morante y Ruiz (1997, Pg.226) una manera de transmitir esto es a través de la luz ya que "se cuidan sus gradaciones, dando con frecuencia, un carácter efectista y teatral". Luego la Figura 4 es una obra hecha por Théodore Géricault (1791-1824), Este pintor fue también conocido por ser una figura pionera de la pintura romántica. La obra que estamos viendo de llama ¨La barca de la medusa¨ Esta obra captura el momento en el que un grupo de náufragos perciben una vela en el horizonte, lo cual dice que la fragata no los recogerá. Según menciona Según Morante y Ruiz (1997) en el periodo del romanticismo se buscaba expresar los sentimientos, esto se realizaba a través de figuras realista, a través de estas podíamos entender sus sentimientos por ejemplo a través de una mirada emotiva. ¨ Si bien Morante y Ruiz (1997) menciona que durante este periodo se cultivan diversas técnicas en este caso: La libertad guiando al pueblo¨ es una pintura en lienzo usando el óleo, que representa la revolución que sucedió en Francia a fines de julio la cual llenó completamente las calles de Paris en el 1830.La causa de la revolución fue por la burguesía contra los decretos del rey Carlos X de la supresión de libertad de prensa en un intento fracasado por mantener el poder de la monarquía. Analizando la composición de esta obra notamos un esquema piramidal que tiene su vértice en la mujer, lo que simboliza la libertad. Luego notamos en un lado un moribundo en diagonal que lleva los colores de la bandera lo cual significa como se encontraba el país antes de la revolución y en la base los muertos que representan la balsa de la medusa y los restos de la barricada. La obra ¨La barca de la medusa (1818-1819)¨Relata lo sucedido en el naufragio frente a las costas de Senegal. Lo que sucedió fue que el capitán y sus oficiales abandonaron el barco y dejaron a la tripulación en medio del océano. Al igual que la obra de la figura 3 es hecha en lienzo usando el óleo, La composición de esta escena es construida en diagonal extendido a la izquierda donde se ubica un hombre alzado por sus compañeros que ondea la camisa con mucha esperanza de ser rescatados. Como Según Morante y Ruiz (1997) menciona en esta época se sigue empleando la perspectiva tradicional, sin embargo esto se hace a través de la luz y el color para así crear profundidad. En el otro extremos vemos a otros hombres moribundos sin esperanza , esto se llama composición en aspa donde se contrastan dos puntos diferentes de la situación.

REFERENCIAS

Morante López, F. y Ana María Ruiz Zapata (1997) > El Arte Barroco En: En: Análisis y Comentario de la Obra de Arte: estudio de obras de pintura, arquitectura y escultura. pp., 175-198. Editorial EDINUMEN. Madrid. Tema XIII > El Arte de la Segunda Mitad del XVIII al XIX. En: Análisis y Comentario de la Obra de Arte: estudio de obras de pintura, arquitectura y escultura. pp., 199-214. Editorial EDINUMEN. Madrid. >Tema XV La pintura del romanticismo En: Análisis y Comentario de la Obra de Arte: estudio de obras de pintura, arquitectura y escultura. pp., 225-232 Editorial EDINUMEN. Madrid Gombrich, E.H. (2007) La Historia del Arte. Editorial Phaidon Press Limited. London

EVALUACIÓN FINAL CG2 - CG3 Descripción: Elegir una pintura perteneciente al impresionismo y otra al expresionismo las cuales representan un mismo tema (dentro de las opciones de temas). Hacer un trabajo académico con una extensión máximo 1500 y 2000 palabras (entre 3 y 5 páginas). Este deberá seguir la estructura del el análisis de una obra pictórica por morante y ruiz. Esta comparación deberá contener referencias. Objetivo: Aprender a escribir un ensayo en el cual se comparen y analizen obras arquitectonicas. Además aplicar la estructura de un análisis pictórico profundo como el mostrado en la lectura de Morante y Ruiz y además utilizar referencias durante todo el análisis para detallar.

PINTURAS - PAISAJE ESAYO: IMPRESIONISMO V.S EXPRESIONISMO

IMAGEN A: IMPRESIONISMO

IMPRESIONISMO NOMBRE DE LA OBRA: El Paseo (La Promenade) ARTISTA: Claude Monet FECHA: 1875 SOPORTE: Lienzo TÉCNICA: Óleo MEDIDAS: 100 x 82 cm FUENTE:

WIKIPEDIACOMMONS, https://www.museothyssen.org/en/collection/artists/mor isot-berthe/psyche-mirror

IMAGEN B: EXPRESIONSIMO

EXPRESIONISMO NOMBRE DE LA OBRA: El grito ARTISTA: Edvard Munch FECHA: 1863 - 1944 SOPORTE: Sobre lienzo TÉCNICA: Óleo MEDIDAS: 91 x 74 cm FUENTE:

WIKIPEDIACOMMONS, https://www.agefotostock.es/age/es/detalles-foto/bellasartes-schmidt-rottluff-karl-1884-1976-spiegel-cuadro-1915pintura-al-oleo-cm-nueva-galeria-nacional-berlinaleman/INH-538460

SINOPSIS Abstract/Resumen /Sinopsis En el texto presentado a continuación analizaremos y compararemos una pintura de cada movimiento artístico: Impresionismo y Expresionismo. Ambos movimientos destacan y son conmemorados por sus diversas características y distintos propósitos. En este caso escogimos la obra “El paseo (La promenade)”, fue pintada en el año 1875 por el artista francés Claude Monet. Esta pertenece al impresionismo y demuestra el realismo y movimiento retratado a través de la luz, color y pincelada corta. En contraste escogimos para el expresionismo la famosa obra “El grito” realizada por el artista Edvard Munch. Esta obra resume el mayor propósito del arte expresionista. Este era romper los esquemas y concentrarse en expresar emociones y sentimientos, tal y como el rostro del grito junto con el controversial color del cielo cuentan la historia detrás de la pintura. Para contrastar y comparar ambas pinturas hemos utilizado el esquema de análisis de la obra pictórica dado en clase de las autoras Morante López y Ruiz Zapata, explicando cómo las características pictóricas del impresionismo y del expresionismo se observan en cada una de las pinturas. Dentro de este esquema hemos utilizado información que leímos en los distintos libros brindados por la profesora y la universidad.

PALABRAS CLAVE: Impresionismo, Expresionismo, “El paseo (La promenade)”, Claude Monet, “El grito”, Edvard Munch

METODOLOGÍA: La metodología que se ha realizado ha sido la revisión de la bibliografía reciente. Hemos utilizado las distintas fuentes brindadas por la cátedra y la universidad. Hemos leído y estudiado y luego evaluado ambas pinturas contrastandolas y comparándolas con el conocimiento aprendido.

IMPRESIONISMO - EXPRESIONISMO INTRODUCCIÓN

El arte impresionista y expresionista son dos maneras diferentes de pintar y desarrollar un estilo pictórico. Estos tipos de arte varían en la manera en la que el artista se expresa y su el movimiento artístico que transmite. El Impresionismo es un movimiento artístico basado en lo visual y es el resultado de la impresión que el artista tiene del lugar o situación que está pintando al aire libre, se pinta solo la manera en la que el artista percibe el ambiente figurativamente. Por otro lado, el Expresionismo es un movimiento artístico que incorpora lo que el artista está sintiendo, de manera figurativa o no figurativa. A continuación analizaremos y compararemos una pintura de cada movimiento artístico. En este caso escogimos la obra “El paseo (La promenade)”, fue pintada en el año 1875 por el artista francés Claude Monet, la cual pertenece al impresionismo. Por otro lado, para el expresionismo escogimos la famosa obra “El grito” realizada por el artista Noruego Edvard Munch. ANÁLISIS

DESCRIPCIÓN Asunto representado En primer lugar la obra “El paseo (La promenade)”, fue pintada en el año 1875 por el artista francés Claude Monet. Según menciona Morante y Ruiz (1997), Este fue uno de los principales pintores impresionistas, los cuales en un inicio alarmaron al público por su estilo tan antieconómico en torno a la técnica y temática. Además Morante y Ruiz (1997) menciona que durante esta época los paisajes rurales y urbanos eran muy frecuentados, en en esta obra puntualmente se retrata a la mujer e hijo del artista, donde el paisaje predomina especialmente el cielo y aire. Por otro lado, hablando acerca del expresionismo, podemos decir que así como Morante y Ruiz (1997, pg 271), menciona “la obra se convierte en un vehículo de comunicación entre los sentimientos del pintor y el público”. “El grito” realizada por el artista Edvard Munch representa la angustia y tragedia de la vida del artista. Es un mensaje universal que va mas allá del sexo, raza y nacionalidades del ser humano. Es una obra de arte en la cual todos pueden sentirse identificados ya que según Bolaño, (2017) esta pintura representa al ser humano moderno en un momento de angustia profunda y desesperación existencial

Técnica

Analizando las obras en torno a su técnica, podemos ver que la obra “El Paseo (La Promenade)” fue realizada durante el periodo imperialista. Esta obra requiere ser vista desde una distancia para entender la impresión del artista ya que como Morante y Ruiz (1997, pg 235) afirma que la pincelada característica de este periodo es “suelta, corta, en forma de coma y rápida” ya que de esta manera se puede captar un momento concreto, lo visto por el artista en ese preciso momento, ya sea afectado por la luz, sombras o reflejos. Al ser representadas de esta manera, la imaginación o simbología no tienen lugar en este nuevo estilo artístico para la época, ya que es un movimiento más realista en comparación al Expresionismo. Ya que la obra “El grito” pertenece al movimiento expresionista, como menciona Rocamora García Iglesias, C. (2000, pág 39), se caracteriza por la distorsión y exageración con el propósito de crear un efecto emocional. Como podemos ver en la imagen se crea mucho movimiento y esto llama la atención a través de las pinceladas y el color anaranjado vibrante. Además la expresión del hombre, llama la atención y cumple su propósito de transmitir sus sentimientos. Soporte La primera obra fue pintada sobre lienzo utilizando óleo. Esto demuestra que el uso de estos se extiende a lo largo de la historia del arte. De la misma manera Como menciona Rocamora García Iglesias, C. (2000, pág 39), la obra «Grito», la obra maestra que habla acerca de “la culminación de la ansiedad, el miedo y la alienación, su propio universo dominado por el terror” es también pintada sobre lienzo utilizando óleo.

ELEMENTOS FORMALES Factura, Linea, Luz y Color Como podemos notar ambas pinturas muestran que no se utilizaban líneas y contornos para delimitar a los objetos y personajes, en contraste ambos cuadros son realizados con pinceladas que junto al color son quienes le dan forma a los distintos elementos. Como menciona Morante y Ruiz (1997) por un lado tenemos a la Imagen 1, la cual tiene una pincelada corta y da la sensación de tener una textura pastosa. En adición esta está conformada por tonalidades frías, jugando con los azules del cielo y verdes del jardín. Estos colores definidos y puros son comunes en el arte impresionista, como podemos ver en la separación de los elementos en “El Paseo”, como dice Ballesteros Arranz (2014).

También, es evidente que el tipo de luz es natural y que la intensidad y contraste es casi nula. Está según lo interpretamos tiene como propósito retractar el momento tal y como el artista lo vivió: fresco, con movimiento, luz natural y al aire libre, ya que como lo afirma Morante y Ruiz (1997 pág. 235) “El color está en relación directa con la luz”. Por otro lado según menciona Morante y Ruiz (1997) la imagen 2 está conformada por pinceladas largas y textura lisa y mate. Por más que en esta predominan los colores cálidos como el naranja del cielo, los colores fríos juegan con este para crear el balance perfecto. En este caso la luz viene por parte del color vibrante del cielo, lo cual logra protagonizar. Perspectiva y composición En el impresionismo tal y cual menciona Morante y Ruiz (1997) se continúan haciendo pinturas figurativas y realistas, tal y como la obra “El paseo (La promenade)”. Esta es una perspectiva que utiliza recursos técnicos como una variedad de planos, en este caso vemos que la mujer está en primer plano lo cual la vuelve protagonista y atrás se encuentra su hijo en un segundo plano. La composición, muestra una sencilla y clara distribución de las figuras como mencioné anteriormente. Por el otro lado tenemos a la pintura expresionista “El grito” que como podemos ver utiliza la baranda del malecón/muelle para dar la profundidad. Como mencionan Morante y Ruiz (1997) la distribución de las figuras es simple, ya que coloca en primer plano al único protagonista.

FORMAS DE EXPRESIÓN Por un lado tal y como mencionan Morante y Ruiz (1997) el realismo retrata la importancia de los temas cotidianos tratados a modo objetivo sin idealizaciones. Esto quiere decir que la forma de expresión en este caso era figurativa y naturalista y realista, ya que está retrata más el preciso momento y no se enfoca tanto en ropajes clásicos y pesados. El “Grito” es también una forma de expresión figurativa, a través del rostro del protagonista Como menciona Rocamora García Iglesias, C. (2000), nos muestra la ansiedad y el miedo y le transmite esas emociones al público. Como podemos ver en este periodo no se centran tanto en el ropaje y detalles. Sino el mayor propósito era representar las emociones.

CONCLUSIÓN “El paseo” por Claude Monet, evidentemente representa el impresionismo al expresar aspectos del ambiente tal y como son vistos por Monet, de manera muy realista. Además, vemos como las figuras en la pintura se ven claramente y sin alteración alguna, como la mujer en contraste con el pasto, o la diferencia entre el paraguas verde y el cielo. Esto es gracias a la pincelada corta que se aplica y también la clara y pura distinción entre los colores. Por otro lado, “El Grito” por Edvard Munch es una pintura que se aleja de una percepción realista de nuestro alrededor. Podemos ver una exageración en la expresión del hombre en la pintura, al igual que el ambiente en el que se encuentra. Ya que, según León F.M (2018), el color anaranjado intenso del cielo y las “nubes nacaradas estratosféricas” fueron causadas por la erupción del volcán Krakatoa en 1883, visto por Munch como un grito de la naturaleza. Esta pintura no es una representación de lo que Munch está viendo, sino una expresión de lo que él siente y se imagina en el momento, usando pinceladas largas y texturas lisas, como dice Morante y Ruiz (1997). Según Morante y Ruiz (1997 pág. 271) “El expresionismo es más que un estilo, es una actitud ante la pintura, marcada por un espíritu de rebeldía y oposición a todo lo establecido”. Esto significa que los artistas optaron por el estilo expresionista ya que querían transmitir sus sentimientos al público para que ellos puedan sentirse identificados. Comienzan a expresar las angustias del ser humano que llevan a ser pinturas dramáticas, pesimistas y críticas lo cual hace que salgan de ciertas casillas establecidas y sea por un gran periodo un estilo criticado por las autoridades.

Nosotros nos identificamos con la corriente expresionista, ya que es una corriente en la cual el artista puede transmitir sus sentimientos con el público. Es interesante como a traves de una pintura puedes sentirte relacionado con ella y interpretarla de tu propia manera. Además hoy en día las pinturas expresionistas tratan los mismos temas del arte hoy en día y es por eso que para nosotros no son temas prohibidos como eran en ese entonces.

REFERENCIAS Referencias Bolaño, E. (2017). El grito arte.com/obras/el-grito

Edvard

Munch.

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https://historia-

Ballesteros Arranz, Ernesto (2014) El Impresionismo. En: Historia Universal del Arte y la Cultura. Editorial Digital Titivillus Lectulandia Morante López, F. y Ana María Ruiz Zapata (1997) Tema XVI Las Artes Plásticas en la Segunda Mitad del XIX. En: Análisis y Comentario de la Obra de Arte: estudio de obras de pintura, arquitectura y escultura. pp. 233-248. Editorial EDINUMEN. Madrid. -Tema XIX Las Artes Plásticas en el Siglo XX En: Análisis y Comentario de la Obra de Arte: estudio de obras de pintura, arquitectura y escultura. pp., 269- 308. Editorial EDINUMEN. Madrid Rocamora García Iglesias, C. (2000). Munch y el expresionismo alemán. Arbor, 165(649), 33-50. https://doi.org/10.3989/arbor.2000.i649.951 León, F. M. (2018). El cielo en “El grito” de Edvard Munch y las nubes nacaradas. Meteored. https://www.tiempo.com/ram/450401/el-cieloen-el-grito-de-edvard-munch-y-las-nubes-nacaradas/

REFLEXION FINAL El curso de historia del arte fue muy interesante y informativo. Además lo considero esencial para tener un conocimiento general acerca de la evolución de la arquitectura a lo largo de los años. Las lecturas brindadas en clase fueron sumamente esenciales para brindarnos mayor conocimiento acerca de cómo analizar a detalle y así poder crear un análisis concreto y bueno. Puedo notar la evolución de mi mejora a lo largo del ciclo, ya que al ver mis trabajos veo un progreso continuo. Pienso que para lograr esto fue esencial la ayuda de la profesora y asistir a asesorías. Pienso que mientras mas disfrutes el curso y mas te mates en el, se te hace mas interesante y así puedes aprender mucho mas. Considero que el nivel de enseñanza y los métodos empleados por la profesora fueron excelentes y por ello ahora soy una persona mas culta, con mas conocimiento de historia del arte que se que lo aplicare en mi carrera como arquitecta y en un futuro como profesional.

SOBRE MI Me llamo catalina y estudie en el colegio Markham College en lima Perú. Me considero una persona artística, que ve cualquier material y oportunidad para crear algo diferente e interesante. Decidí estudiar la carrera de arquitectura porque quiero poner en practica toda mi creatividad y lograr que esta llegue a muchas personas. Tengo como propósito formarme como arquitecta y luego destacar creando estructuras que transmitan quien soy, logrando tener una conexión especial con cada uno de los usuarios. Busco destacar como persona y en lo que hago, no busco quedarme en lo común por más perfecto que sea, siempre busco mas. Arriesgarme a cosas nuevas y probar de todo, aprendiendo de la practica, experiencias y equivocándome también. Creo en que donde mas se aprende es de la practica y experimentar es la mejor manera de superarte y lograr cosas unicas.

CV DATOS DEL CONTACTO EMAIL Merellomasias.c@gmail.com TELEFONO 997 215 000 FECHA DE NACIMIENTO 02/09/02 DIRECCION: Malecón pazos, Barranco

Programas Autocad 2018 Revit 2018 Adobe Illustrator Adobe Photoshop Educación 2003-2015 Primaria Colegio MARKHAM 2003-2015 Secundaria Colegio MARKHAM 2003-Actualidad Pre-grado Universidad de Lima Idiomas Inglés español Intereses diseño Dibujar y Pintar Cocina Medio Ambiente Surf, Skate, Correr, Functional Baile (Flamneco)

INFO DEL CURSO NOMBRE DEL CURSO ESTADÍSTICA SECCIÓN 322 NOMBRE DE LA PROFESORA JESSICA CLEOFÉ MUÑOZ GRADOS FLORES SUMILLA El curso de estadística es una asignatura teórico-práctica orientada a que los alumnos aprendan a utilizar con propiedad métodos y técnicas estadísticas descriptivas e inferenciales, como herramientas de apoyo en el proceso de análisis y la toma de decisiones. El contenido es: Nociones básicas, clasificación, tabulación y presentación de datos, medidas de posición y variación, nociones de probabilidad, variable aleatoria y distribuciones de probabilidad, teoría del muestreo, estimación de parámetros, prueba de hipótesis, análisis de regresión y correlación. II. OBJETIVO GENERAL Aprender a utilizar las técnicas estadísticas descriptivas, así como los métodos inferenciales básicos con el apoyo de programas de computadoras que permitan realizar un análisis eficiente de la información para la toma de decisiones. III. OBJETIVOS ESPECÍFICOS 1. Aprender a identificar los conceptos básicos de la estadística en contextos relacionados con la arquitectura; para recolectar, clasificar, tabular y presentar datos resumidos, con la aplicación de competencia matemática y uso de las TICs. 2. Habilidad para investigar los estadígrafos de tendencia central, dispersión, posición y de forma correspondiente a un conjunto de datos de fuentes secundarias relacionados con casos de aplicación en la arquitectura. Página 2 de 4 3. Desarrollar la competencia en el tratamiento los conceptos, teoremas de probabilidad, modelos probabilísticos discretos y continuos en contextos problemáticos en el campo de la arquitectura. 4. Aprender a identificar los criterios básicos de selección de una muestra probabilística apropiada en una investigación con la finalidad de realizar inferencias estadísticas en problemas o casos académicos válidos en el área de gestión inmobiliaria.