Catártica: Septiembre '22 by Catártica Revista

Septiembre2022Vol.8

Morir o no morir Bajo la sombra del Condor Versiones AGC La media vuelta Fernando Salas Puta Partenogénesis Ernesto Ocaña Bruno Sánchez Rossanna Huerta 4 6 8 11 13 En portada: Guagnelli, Antonella (2022) Collage Digital de intervenciones a Las Meninas de Velázquez

En índice: Piezas de la muestra Madrid Meninas Gallery 20 24 28 32 36 Eventualmente, todos los peces van a morir No, no… Escucha esto Lo que había olvidado de mí Victor Rivera Rossanna Huerta M.I. Flores Nachón Un sonido cromático Marcos González “Foreman" Xenofilia Ernesto Ocaña

PAl mirar el trabajo de reconocidos artistas como Diego Velázquez (1599 - 1660), no me parece extraño que más de una persona quisiera entrar en la línea de pensamiento e inspiración que llevo al artista a realizar semejante trabajo, preguntarse sus objetivos, técnicas y aún más interesante, su procesocreativo.Porlotanto,alhablardeunodeloscuadros másvisitadosdentrodelMuseodePrado,Lasmeninas(1656) probablemente, la obra más conocida del artista, podemos destacar que la aparente simpleza de la escena representada, la naturalidad con la que los 11 personajes interactúan, y su estratégica, pero suelta pincelada pueden definirse como todo menos elementos sencillos, pues en ellos recae la composición de la obra y el camino hacia el ilusionismo, que fue una de las metas de la pintura europea de la edad modernayqueVelázquezlograexitosamentedesarrollar.

VERSIONES VERSIONES A.G.C

Mucho podríamos adentrarnos a seguir hablando de este gran óleo, pero es evidente que pesar de toda la información que explique su significado e incluso indague acerca de los personajes, colores y detalles que la caracterizan, la explicación técnica e historia no parece saciar la curiosidad de los varios ojos que la admiran, pues sus características, que incluso hoy en día siguen impresionando, como lo es el manejo de la luz y el enfoque de diferentes planos de atención, más que apaciguar la curiosidad incitan al público aintentarconvertirseenpartedelaobraysercapacesdedar su propia versión, por ello, no es de asombrar que Las meninas sea una de las obras con mayor número de representaciones, yporlotantopodemosobservaryanalizar desdedistintosojos,pincelesycuerpos.

El retrato de la familia del rey Felipe IV (1605 – 1665) logró convertirse en más que solo un cuadro destinado para el despacho de verano del rey, en el Palacio Real Alcázar de Madrid, principalmente por el ímpetu de Diego Velázquez en comprobar el valor y la importancia de su trabajo como pintor, mostrando la capacidad de la imagen para comunicar y dándose un poco de protagonismo al añadir su retrato ejerciendo con fervor su profesión. Su invención, creatividad y la innovadora manera de presentar el retrato, al igual que su divertidojuegodeperspectiva,dondeparecequelosretratados observanalpúblico,mientrasqueelespejosituadoalfondodel cuadro devuelve la imagen de los reyes Felipe Austria, quienes, con nosotros, ven la escena extremo de la sala, han incitado a artistas a recrear significado. Desde la primera exhibición pública incluso un poco antes, Las meninas influyeron personajes como Francisco de Goya (1746 – 1828), primera persona en reproducir el cuadro en aguafuerte (1785), hasta la amplia serie de Meninas, 1957) de Pablo Picasso (1881 - 1973), Manolo Valdés (1942) o la distorsionada versión Figgis (1972), que con un poco de atención pueden junto con varios elementos de otros cinco artistas, collagedelaportada.

Velázquez, D., (1656), Las meninas, Óleo MuseodelPrado Equipo Crónica, (1970), LAS MENINAS, lienzo,FundaciónJuanMarch RancinanG.,(2009),Afterlasmeninas,fotografía Audouin, P., (1799), Las Meninas: la familia primer plano con la Infanta Margarita Velázquez de pie pintando a la izquierda, reflejadosenelespejoalfondo,grabado Figgis, G., (2016) Las Meninas After Velázquez, sobre Matisse,lienzoS.,(2001)LasMeninasdelaserieBackin5Minutes

“Fracasé una vez, fracasé diez mil y aún así alzo mi copa hacia el cielo.”

Fernando Salas

Son el fracaso y soledad amigos que parecen hermanos. Quien aplaude el fracaso se regocija del suyo propio, quien lo acompaña quieredejarloenelpasado,quienloentiendesabequeesmejorirse.Es lasoledadlamásciertacompañía,ysuausenciaesunconsuelodeunas pocashoras.Sonyesysomos.

Lapérdidaeselutópicohallazgodelprincipioyelfinaldeuncírculo. El paraíso perdido, que ahora perdemos por nuestra voluntad. Un futuro que nos imaginamos como los presos se imaginan la libertad, más en su potencial que en su posibilidad. Parece una mentira el final, negados a creer en él hablamos de lo absurdo que sería. No tiene porque acabarse el amor, no hay por qué despertar un día y sentirse desgraciado, no tiene sentido que esté lloviendo a esta hora. Y sin Aembargo.ladistancia es el único catalizador del cambio, la única prueba de que,siexisteotrolugar,estuvimosahíalgunavez.Laúnicaevidenciade que un día quisimos son las heridas que quedaron, los huecos, el lado izquierdo de la cama donde dormía el otro, descubrirse molesto sin saber por qué. Apurarse a vestir la desnudez. Acostumbrarse a tener queverparaservistodespués.Encambiotú.

L A M E D I A V U E L T A

Eselnombreeliniciodeltodo.Haceunmomentoeraunaposibilidad remotayahoraes.Ahoraeres,ahorasomos,ahoraestás.Alguienmuere cuando muere tu nombre. Tu apodo, como te dice quien te quiere. Muere también algo en quien usa un nombre único y de pronto se queda sin nada que nombrar, la palabra al aire, el diminutivo, un susurro que escapa de sus labios, que descansa en un suspiro que se extinguealapagarlaluz.

Entender el fracaso como una potencia, como una posibilidad alojada ya en un pasado infinitamente lejano, inalcanzable, incomprensible incluso.Elfracasocomounafuerza,unaira,unarabia,unaimpotencia, unatristeza,unengaño,unaesperanzaenmediodeunterrenobaldío.

El hombre que casi conoció a Michi Panero, Nacho Vegas

Quiencreevuelveatierrafirme.Necesitasentirlaarenabajosuspies,mirar su cuenta de banco, verse al espejo, saber que todavía es quien cree. Duele muchoperder,dueleperderseaunomismo,perderalotro,sertiradoafondo perdido, duele que los demás puedan ver lo que perdiste pero no qué perdiste, que nadie jamás pueda ni deba ni quiera ser tú, mirar con tus ojos, querercontucorazónycreercontufe.

Schmitz, Boris. (2014) Gazes. @borisschmitz

Entender la vida como una puerta que abre y cierra, que el aire azota, una puertaquesegolpeanoparaabrirsesinoparaversihayalguienadentroque abra, entender una puerta incluso como su ausencia, una no-puerta, un límite imaginario pero cierto. Solo con el corazón se puede ver bien. Lo esencialesinvisibleparalosojos.

Mucha valentía hay en lo nuevo. No tantos pueden con eso, buscan algo con qué compararlo, una historia donde se hable al respecto, un conocido que ya lohayavivido,recargarseenalgomásquesupropiafe,queyafuedefraudada tantas veces. Otras veces no hay más remedio que el entusiasmo, una emoción fingida. Tan pocas tienen pasión, tanto y tan pronto la perdemos; lo que era un refugio se vuelve apenas una sombra hecha de palos enfrente del mar.Serásiempremásfácilestarfueraqueadentro.Máshayparatienlaespera que en el encuentro, en el calor que imaginamos del deseo que en el fuego que ha de consumarse. Más hay para ti en el vacío y su posibilidad, las cosas siempre pueden cambiar y pronto lo harán, más pronto de lo que crees. Pero hayqueserbuenoeneso:hayquecreer.

Se construye para que los demás lo tiren a pedazos. Se pone una piedra donde ya se había puesto otra, porque las ideas no se pueden encimar. Se edifica,selevanta,seinaugura,seaplaude,seabretodoslosdíashastaquese quiebra. Hasta que se termina eso que levantó, inauguró, aplaudió y creyó. Quien no cree naufraga e invita a naufragar, a navegar sin rumbo, a mirar el sol,lasaves,asentirelviento,aolvidarelpuerto,atirareltimónporlaborda sitodoesunidad.

PARTENO GÉNESIS PUTA

Ernesto Ocaña

Alberta es enorme, grasosa; lenta se arrastra por el piso esponjoso. Sus pechos masivos que antaño eran el vicio único del hombre repugnan ahora a todo quién no es ciego. Sus caderas amplias guardan la tristeza de más de una vida, sus labios deformes color carmesí han besado a Lucifer en persona. Alberta es una puta vieja, por lo mismo es una puta barata y las putas baratas se quiebran la espalda buscando el pan de cada día. Berta, mi tierna ponzoñosa Berta — dice el viejo Alejandro ¿Cuánto hiciste hoy? Y Berta incapaz de hablar y con sus meniscos a punto de reventarle extiende su mano y la coloca sobre de su cabeza. ¿Solamente cinco Berta? Quizá sea hora de jubilarte mi pequeñaydepravadacabecitablanca.

Las putas retiradas, cuenta Caronte, son putas muertas,sonlasancianasolvidadasdelacalle. Berta sale y se repliega a su cuarto con su pequeña muda, progenie de la inexperiencia. La muda es muy hermosa; menuda, tierna y jugosa que incluso sus alaridos de muda sueltan una voz dulce, un aullido sereno. Su padre murió eones atrás pero quizás se halle longevo, quizá yazga exitoso o pobre y mugriento pues de él sólo se tiene por seguro su adulterio. Un cliente más de Berta o su primer proxeneta, nada más y nadie menos. Y Berta abraza a su muda tiernamente porque sus ojos de recientes cataratas no ven a nada más con cariño, pero la joven de perenne afoníalaignora.

Lamudaesunaputitajovenylasputasjóvenes sobre todo cuando bellas son valiosas y muy caras. La muda lleva practicando este oficio desde hace dos años, pero nació para ser una ramera, siempre lo ha sido, lleva en su carne el aliento de Rahab, la gran ramera de Babilonia. Esa noche, las paredes de ladrillo fracturado cubiertas de yeso barato se llenan de lasciva humedad.Hacendelpisodemaderauntablero esponjoso como si fuese corcho. El suave corcho esconde como un tierno aliado los pesados pasos de Berta y a la muda que ansía soltarse del busto latiente de su madre. Ni siquiera la noche las ve salir del precario prostíbulo.Bertabuscaba

ser algo más que una vieja y sucia prostituta, la niña degollada que habita su sórdido pecho aún guarda esperanzas, pero con su dócil ignorancia de otros contextos encontró sólo lugar como matriarca en otro burdel, una suerte de madre para las más recientes Magdalenas. Mi querida Alberta diceÁlvaroconloqueparecegenuinocariño Debiste haber venido hace años, ese antiquísimopatánnosuponuncaapreciarte, dice Álvaro con archivado deseo — Siempre fuiste una mujer con clase, una joya entre guijarros y esquineras. Álvaro, — murmura Berta con su endémico cansancio — Antes tengounasólacondición,concédelayserétuya, nopiensopermitirqueHelenasigaestecamino de mendigar sin pudor alguno — Así será Alberta, no tenía pensada otra cosa, — dice mientras poseído por Hefesto acaricia esos senosrepugnantes.

Texto inspirado en el mito de Electra.

Lamudasearrancaloscabellosensuinocuaprisióndecolorrosa,sintaconesniligueros,sin labialescarmesíporqueesuncuartoparajovencitasqueaúnposeeninocencia.Ellasabeque el lugar donde una criatura duerme debe ser del color de su alma. No duerme, no habla, piensaenlanocheobscuraenquenopuededecir“teamo”ogritar“teodio”yporesopráctica el sexo con angustia y da la espalda a su progenitora. Alejandro la amaba profundamente, casi tres veces por semana; la amaba con la dulce sinceridad de alguien que sólo busca tu cuerpo. Fue él quien le dio ese viejo osezno de peluche. Y es ese osezno de felpa y fieltro su únicafamilia,suhijo,hermanoyamante.

¿Qué es eso que los hombres ven en la muda que los llena de mórbida adrenalina, de un éxtasis tanatológico? — Se pregunta Tártaro. Cómo si en ese momento en que arrullan sus caderas al unísono Hades pudiera llevarlos con una sonrisa en su rostro. Dijo una monja con irónica casualidad, es la misantropía que lleva en los ojos; cristo me guarde, yo también le poseería. La muda, que carga el alma de una puta vieja, camina en este nuevo suelo de concreto,ligeraysilenciosacomoencorcho,confiereasuspieseldondesumutismo.Yentra al cuarto de Álvaro, donde duerme la infernal súcubo que le otorgó la vida repugnante. Pero estatiernaypequeñacriaturanoesunaasesina,eselosodepeluchequiénasfixiaasumadre entre sueños al mismo tiempo que Helena sufre de un placer casi sexual, seguido de dulce melancolía.HécateyPerséfonehanbienvenidoalosoasureino.Ensuembelesoyfuriacorre la muda con su oso a su cuarto y hace trizas el foco caliente entre su puño gentil, el mundo quedaenpenumbras,separeceahoramásasusantiguos aposentos. YDiossusurra mientras mirasuspechosconomnisciencia—Yapuedesllorarmipequeñamudamaldita.

No puedo evitar reirme con estos comentarios, lo lamento. Al parecer la pintura y el arte morirán a manos de la inteligencia artificial. La imagen hecha por Jason Allen llamada “Teatro de La Ópera Espacial” ha ganado el premio de la Competencia Anual del Estado de Colorado y el público está sumamente ofendidoporelhechodequehayautilizadounprograma deinteligenciaartificial para crearlaimagenqueobservamos.

¡Lapinturahamuerto!¡Elartistahamuerto!¡Elartenoesarte!

Rossana Huerta Moriro nomorir,

esa es la cuestión

¿Será porque es considerado un insulto para los artistas que dedican horas y horas a la realización

A primera instancia, y considerando las circunstancias, es una imagen cautivadora que nos adentra a un mundo ficticio. No obstante, la cantidad de detalle que se puede apreciar en las orillas del portalestanintrincadoquenocreoqueunamanonovatahubierapodidolograrsinayudaexterna. ¿Acaso fue un error utilizar una herramienta/aparato tal y como la inteligencia artificial? En mi consideración, la respuesta sería “no, no fue un error”. El NY Times entrevistó al artista y en ningún momentoélocultóelmedioporelcuálserealizólapieza,losjuecespodíanobservarydeterminarsi eraválidasuentrada.Yno,nolequitóelpremioaalguienconuna“pinturareal”dadoqueentróen lacategoríadeartedigital(Roose,2022).

Habrágentequeseguiráobsesionadaconla“pureza”delarte,ynotendremosmaneradecambiar suopinión.Loquesipodremosescuestionarnosloqueentendemosdelarte,alfinaldeldíaescomo un juego que el ser humano ha utilizado desde hace miles de años por diferentes motivos. La discusiónesabsurda,lapinturanohamuertoynomorirámientrassigahabiendounpúblicoquela observe.Dejemosnuestrosprejuiciosyconcepcionessobrelasbellasartesendondedebendeestar, enelsigloXIX,enelaquíyahoranonossirven.

Roose,K.(2022)AnAIGeneratedPictureWonanArtPrize.ArtistsAren’tHappy.NY https://www.nytimes.com/2022/09/02/technology/ai-artificial-intelligence-artists.htmlTimes

—. Nada les gusta a los críticos conservadores, si una pintura es hiperrealista la tachan de excesiva, si es no-mimética la llaman hamparte, y si está hecha con herramientas digitales, no es arte. Y de seguro me preguntarán: ¿Entonces qué es arte? Es todo y nada al mismo tiempo. Nunca podremos definir el arte que se crea ahora con los mismos criterios que se tenían hace 20 años, mucho menos con aquellos de hace 200 años. Lo bello del arte es que a cada uno de nosotros le damos nuestra propiadefiniciónbasadoennuestrasubjetividad.

Ahora bien, si lo vemos desde el punto de vista de Arte de nuevos medios, Allen se ha vuelto no sólo un artista sino un programador y un literato. No sólo ha diseñado una serie de instrucciones a seguirparaqueelsoftwarepudieraplasmarlaimagenquehabíaplaneadosinoquehalogradounir dos artes, las letras y la plástica. La forma en cómo funciona Midjourney es ingresando palabras para que la inteligencia artificial genere la imagen basándose en la información proporcionada. Es un paso más hacía la transmedialidad, Allen ha comentado que fueron varios intentos lo que tuvo quehacerparaquelaimagenproducidafueratalycomolaobservamos.Variosintentosdedistintos textos, es decir, adentrarse al mundo de las letras que mejor pueda describir su visión. Prosa, verso, haiku,cualquieradeéstastendráunnuevoespacioenestatendencia.

Seamos honestos, la herramienta que utilizó (Midjourney) la podríamos catalogar en el mismo conjunto que Photoshop, Illustrator o incluso Canvas, herramientas que muchos artistas utilizan para todo tipo de piezas. Al final del día, la máquina no genera ninguna imagen a menos que el usuario siga ciertos pasos, por lo que, a mi parecer, es como utilizar un pincel más sofisticado. Además, no es la primera vez que observamos este tipo de comentarios. Remontemonos a la creación de la cámara fotográfica, los críticos apuntaba a la completa muerte del arte, ya no necesitaremosdelospintoresdadoquetendremosusuariosdelafotografía—enestecasomeniego ausarlapalabrafotografoporquelacámaraaúneraconsideradounaparatocientífico,noartístico

BAJO LA SOMBRA DEL CÓNDOR

BrunoSánchez

susnecesidades,perosisedestacaenmalafán por su inclemencia impudorosa al momento de atacar. En parvada emboscan a su presa; generalmente recién nacidos, unos confrontan fútilmente a la madre para que descuide a su cría que es quien padece el ataque como tal al ser atravesada múltiples veces por picos avorazados arrancándole la carne viva hasta mucho después de morir. No son domables como las águilas o halcones, ni adaptables a ambientes ajenos como los cuervos, son organizados e inteligentes como sus pares, pero usan sus habilidades con salvajes codiciosa, esperando la cruenta oportunidad parasaciarseasímismoysinmás.

ntes de explorar la metáfora del título, sería útil conocer su literalidad. El cóndor; conocido mejor como <<buitre>>, es un ave carroñera, es decir, que se alimenta de la carne de sus presas, generalmente aún vivas. La razón principal que caracteriza su desdén popular, a diferencia de otras aves carroñeras como el águila (representada históricamente como símbolo patrio) o el cuervo (empleada como inspiración literaria), es la crudeza del ataque hacia sus presas,lacualnosorprendedadolanaturalezade

El plan tuvo como fin desestabilizar y hasta diezmar toda identidad democrática de América Latina, imponiendo por medio de golpes de estado y aislamiento económico, dictaduras militares rayando en el fascismo, las cuales llevaban a cabo terrorismo de estado dejando incontables muertos, desaparecidos y exiliados. Sometiendo estos países irrumpidos como experimentos vivos de las primeras ideas germinantes del neoliberalismoacambiodebeneficiarsedela excesiva privatización de las necesidades básicas como servicios de mérito y así facilitar la apropiación y explotación de recursos naturales de la región para su descontrolada producción para, casi exclusivamente, el mercado norteamericano, que aquel plan para descuartizar vivo a casi todouncontinentesellamara“PlanCóndor”.

laimposicióndeldictadormilitarautoritario Augusto Pinochet, de extrema derecha, como el suceso más conocido y emblemático del plan Cóndor, aunque en realidad el plan fue oficialmenteimplementadoen1975,dosaños despuésdelgolpe.

Fueapropiadoqueelplandelsecretariodeestado de EE. UU. Henry Kissinger ideó y coordinó en cooperación con los servicios de inteligencia (oficiales y extraoficiales) de Argentina, Bolivia, Brasil, Chile, Paraguay y Uruguay con el fin de perseguir y “erradicar” cualquier individuo, conjunto o símbolo asociado con la izquierda, afiliada o no a la URSS, a todo aquello que aparentara tener tintes rojos de socialismo y comunismo…omásbien,enrealidad,todoaquely aquello que afectara por medio de una mayor independencia política y económica no unánimemente alineada a los intereses económicos de EE. UU, aún por más vano e intrascendente que hubieran sido dichas “consecuencias”paralosestadounidenses.

SibienlainjerenciapolíticadiscretadeEE.UU.en América Latina antecede por mucho la creación de plan mismo, este oficializó, ya de manera indiscreta, el presente intervencionismo característico estadounidense como política de estado con intereses pura y meramente económicosparasaciarseasímismoysinmás. Erróneamente, pero igual con mucha conveniencia, se adjudica el golpe de estado de Chileel11deseptiembrede1973que,conaviones de combate británicos y personal de la CIA en el sitio, irrumpieron en las principales ciudades militares y paramilitares entrenados por EE. UU., para luego bombardear el palacio presidencial donde murió el presidente democráticamente electoSalvadorAllende,unsocialistaypermitió

Sin embargo, el modus operandi de Chile fue usado de manera similar en los demás países que se ejerció, por lo que fue bajo ese contexto, atestiguando en primera mano la presente impotencia de la población ante un poder ajeno en todo aspecto al de la mayoría y con un futuro incierto y minado avecinando en la región, que surgió esta pintura.

PLAN CÓNDOR

Lágrimas de Sangre, de Oswaldo Guayasamín, 1973.

Uno de los nombres más considerables al referirse sobre la voz del indigenismo, lucha de clases e intervencionismo en América Latina durante el siglo XX, luchas políticamente intimadas que fueron expresadas en el mundo del arte siendo él parte del gremio; parte del sistema, aunque mutuamente incómodo por su activa protesta y participación popular en movilizacionesdelaizquierdaproletaria;enuna época que aquellos movimientos aún tenían pulso. Esto, a la par de varios intelectuales de renombre del gremio como el poeta Pablo Neruda, el compositor Víctor Jara, el músico Ángel Parra y los pintores Rufino Tamayo y José ClementeOrozcoquienfuerasumentor.

Fueel1rodediezhijosdelmatrimonioentresupadreindígenakichway su madre mestiza, creció en la ruralidad urbana de la ciudad de Quito, Ecuador, en 1919. Desde niño, descubrió su interés artístico al dibujar caricaturas de sus amigos y profesores y al pintar paisajes en cualquier lienzo disponible para él con el fin de venderlos en la principal plaza de la ciudad. Logra entrar a la Escuela de Bellas Artes de Quito a estudiar pintura y arquitectura. A la par de sus estudios sucede la “guerra de los cuatro días”, un levantamiento civil entre el gobierno liberal y el bando conservador opositor, enfrentamiento que provocó miles de muertes en la capital, entre ellos su mejor amigo frente a él, resultando en su primeragranobra“Losniñosmuertos”.

OSWALDO GUAYASAMÍN

Los niños muertos, de Oswaldo Guayasamín, 1941

EN 1942 16

expresionismo.Pablo

A los 23 años, realizó su primera exposición en Quito, la cual causó gran escándalo por su marcado carácter de denuncia social. La crítica del momento la denunció como un enfrentamiento a los dogmas impartidos por la Escuela de Bellas Artes a tal nivel que pudo haber coartado su carrera, sin embargo, fue por esa primera exposición fatídica que fue descubierto por quien sería su patrocinador por años, Nelson Rockefeller. Con ese apoyo fue que viajó a EE. UU. para después residirenMéxicocomoasistentedeClementeOrozco. Fue así como Guayasamín logró concretar las intenciones de crítica plasmadas en sus obras como un discurso que aunó la fuerza delatemática indígena, delosmovimientos proletarios y lasrealidadesdeinjusticiasquecadavezseiríanagravandomás a la par de su obra. Esto igualado a su interpretación de las vanguardias modernistas de principios de siglo, especialmente elcubismoyel

Neruda y Oswaldo Guayasamín se conocieron en 1943, en México, por medio de Diego Rivera. Cada vez que Guayasamín iba a Chile, visitaba a Neruda, y viceversa. En una de sus exposiciones, en 1970,yapasadoeltriunfoelectoraldeAllende,Nerudaleyóeldiscurso “EntradaaGuayasamín”,presentándoloalfinaldiciendo:

“Presento,yesmuchohonorparamí,aestepintorgerminativoy esencial,segurodequesuuniversopuedesostenerse,aunquenos amenacecomounderrumbecósmico.Pensemosantesdeentraren supintura,porquenonosseráfácilvolver…”.

Retrato de Neruda, 1962

Víctor Jara fue torturado y fusilado por el ejército en las primerassemanasdeladictadura.

Ángel Parra fue detenido en los días posteriores, pero logró ser liberado un año después, vivió exiliado en Francia continuando consutrabajodiscográfico.

Pablo Neruda recibiendo el Premio Nobel de Literatura, 1971.

A Pablo Neruda le fue otorgado el premio Nobel de literatura en 1971 por «una poesía que con la acción de una fuerza elemental da vida al destino y los sueños de un continente». En 1973, días después del golpe, Neruda murió de manera súbita, presuntamente envenenado por agentes de la dictadura. La misma noche de su muerte, el ejército entró a su casa en la Isla Negrayquemótodossuslibros.

Los ejemplos de sus contemporáneos más arriba son todos chilenos conunaintención, supintura máscélebre“Lágrimas de sangre”; creada en su etapa artística apropiadamente llamada “La era de la furia”, no solo fue creada como un arranque de frustración tras el golpe de estado, sino también como un proceso de luto para Allende, Neruda y Jara, tres de sus grandes amigos que murieron a los pocos días del golpe y a causa de la “correcciónideológica”queelnuevorégimenimpuso.

deshumanizada.Laoperación

cóndor dejó de ser secreto de estado hace tiempo, pero eso quiere decir que nopuedaseguirejerciéndose,nimuchomenos seguir viviendo sus consecuencias. La ucronía de América Latina es incierta, con o sin injerenciadeEE.UU.peroapesardeque,enun caso hipotético, si el experimento socialista latinoamericano hubiera seguido su camino planificado y este hubiera fracasado, el único consuelo entonces seria saber que su destino estuvo en manos de las multitudes en nuestras calles y no en manos de un reducido grupo en unescritorioatantospaísesdedistancia.

Igualdedestacablequeelcontextoeslapintura en sí. El filósofo Cicerón dijo que el rostro es una imagendelamenteconlosojoscomointérpretey a pesar de que el sujeto en la obra se cubre la mayoría del rostro, son sus ojos los que expresan lo que no se puede conjugar, la mirada de la impotencia, a diferencia de las demás obras de esta misma era, “Lágrimas de sangre” resalta porque es la única que no está pidiendo, ni rogando o protestando, es una reacción de que no hay nada que pueda hacer más que mirar, observar incapaz; tal vez al cielo de septiembre, mientras sus decisiones aún no tomadas y su destino aún no escrito, perdían toda validez por quien nunca le dedicó una mirada, eso es lo que mira, su temerosa derrota. El temor es la esencia de la obra, desde los dedos torcidos en descreimiento desembocando en ascenso hacia los fijos ojos anonadados y el fondo negro, sin claridadalgunadeloqueseviene.

Mural a la Patria, Oswaldo Guayasamín, 1988

Guayasamín dedicó su trabajo a los retratos de índole social usualmente ilustrando el peso de la pobreza, la injusticia, el autoritarismo y el racismo sobre la destrucción del individuo. Los trabajos de esa era podrían interpretarse como ilustraciones de protesta mostrando la realidad que la vista de la responsabilidad política no alcanza a observar o decide ignorar. Daba énfasis a aquellos temas priorizando las manos como representación del proletariado, los inocentes o simplemente histeria o desesperación anónima, colocando los presuntos ademanes en primer plano como si el sujeto estuviese pidiendo, rogando o protestando al momento que el espectadorestápresente,pideclemencia.

A esta atmósfera le contribuyen los matices empleados, fríos y monocromáticamente oscuroscontrazoapulsorectoqueresaltanlos gestos de la desesperación. La exposición de la crudeza emocional de esos rostros es la forma en que Guayasamín demuestra cómo el hombre ha sido arrojado a la locura o al dolor debido a una sociedad cada vez más

DURANTE LA "ERA DE LA FURIA"

Agente de la CIA, 1988 Palacio presidencial de Chile

dependencia de completamente simétrica. Regresando tantito a la ornitología, el cóndor, tras su vida de dictar a propio juicio la muerte, la suya termina presuntamente “suicidándose” pues; al igual que los humanos, son animales que dependen de la socialización. Podría ser un final anticlimático e injusto, pero la poética resolución de esta se presenta al comprender la acción que derrota a tal depredador: el cóndor termina con su propia vidacuandoseesdemasiadoviejaparaseguircazandooesabandonadaentotalsolitud.

La operación como tal y la intromisión estadounidense en la región es de conocimiento público y cultura popular, a pesar de pasar desapercibido, o mas bien evitado, por la industria mainstream hollywoodense. Es por eso, y con necesaria razón, que le corresponde a los latinoamericanos hacer el principal énfasis en la memoria,directayabstracta,denounevento,sinodeunaseriededecisionesajenas a la voluntad y los menesteres de la mayoría popular con el fin de equilibrar una guerra de ego destinada a culminar “triunfante” pero a un gran costo que, al largo plazo, las consecuencias de sus acciones terminarán consumiendo a quien provocó las causas, como el urovoros comiéndose a sí mismo hasta el fin de su propia

Laparadoja.impuesta

Uno de los últimos trabajos de Oswaldo Guayasamín fue hacer el gran mural multi histórico y cultural en el renovado congreso ecuatoriano, donde no pasó por alto la oportunidad y conveniencia histórica, de evocar una última remembranza a los constantesespectadoresdecasasesión.

Hace poco murió Alec John Such, uno de los miembros fundadores de Bon Jovi. Cuando me enteré, me encontraba en el transporte público, agotado y desconcertado. La verdad es que no le di mucha importancia. Después de todo, tenía muchas cosas en qué pensar y, además, desde 1994 había sido reemplazado por Hugh McDonald. Aunado a ello, existe entre el ámbito musical la mala creencia de que los bajistas son la parte vulnerable de una banda; la parte quizá menos mediática y reconocible dentro de una canción. Algo que, por supuesto, han desmentido bandascomoIronMaiden,RedHotChilliPeppersylos mismos Beatles, ni se diga de canciones como ‘Under Pressure’deQueenyDavidBowie.

Victor Rivera

LO QUE HABÍA OLVIDADO DE MÍ

En algún momento, el vagón se detuvo en la estación Niños Héroes, y el caso poco a poco comenzó a relacionarse con todo. Y es que él había sido parte de la que fue mi banda favorita durante mucho tiempo, y cualquiera puede figurarselarelevanciadeesto.Mesentídepronto nostálgico al recordar la primera vez que vi un video en vivo de la banda. Había escuchado algunas canciones en la radio y habría visto el video de ‘Bad Medicine’ seguramente por VH1, pero nunca miré nada como eso. Era un concierto de 1985, en donde la banda tocaba canciones de su primer y segundo álbum, como ‘Tokyo Road’, ‘Only Lonely’, ‘In and Out of Love’, ‘Get Ready’, pero sin duda nada ni nadie me preparó para Realmente,‘Runaway’.

Mi instante fue ese, ver a Richie Sambora, interpretando ‘Dry County’, siendo el único guitarristadelabanda,enunaépocaendonde el“hacerruido”eralomásimportante.Alos16 añosmesabíadememoriaalgunosdesusriffs, e incluso descargué programas de creación de tablaturas y partituras esperando poder comprender con glam metal la teoría musical: los intervalos, las progresiones, las armonías, todo,sinsiquierahabertomadoclasesnunca.

cuando uno escucha esos discos después de casi cuarenta años, es posible que no sienta nada. La primera canción será, si acaso, muy buena, pero a la cuarta querrás dejar de escuchar. Y no es que sean malas canciones, sino que es también el momento el que es capaz de definirinstantesentuvida.

Recuerdo especialmente el placer que me producía escuchar la distorsión en las guitarras,eloverdrivedelestiloochenteroque también me acercó a bandas como Def Leppard, Warrant, Poison, Whitesnake, Van Halen y muchas otras. Sin embargo, fue el pianista, David Bryan, quien sin saberlo me enseñó a tocar el piano. Tomé algunas clases durante esos años, pero mi inmadurez no me dejó apreciarlas. Después, ya cercano a los 18, enamorado del solo de rock and roll que profesaba ‘Wild in the Streets’, comencé a ver videos, tutoriales, y a pagar por clases particulares esporádicamente. También escuchaba mucho lo que otros decían y despuésloreplicaba.

Tomaba la misma línea que utilizo para llegar al trabajo y durante algunos meses me bastó con aprender progresiones sencillas de canciones como ‘Always’ y ‘Bed of Roses’. Pero aún no llegaba a mi meta. En la universidad me sentía extraño, pues mientras todos discutían una y otra vez sobre la granaventura deGilgamesh, losArgonautas, elraptodeEuropa, lasconquistas delCidylasnovelas de caballería, mi mente cada vez más traducía todo en música, en cifras, acordes y resoluciones. De pronto, no sólo la música popular fue mucho comenzóasermásinteresante.

Guardé mi colección de discos de Bon cajón debajo de mi cama y mi escritorio comenzó ataviarse de partituras de Scarlatti y adentraba poco a poco a Mozart, Haydn según yo, ya le había entendido, hice la hacia Beethoven, Chopin y Liszt. Así, de irrespetuosa, comencé a aprender todo, de enlaqueyoentendía,sinmaestro,sinpartituras, técnica. Eso sí, mi memoria trabajaba a

2 años como pianista, tomé algunos meses clases de teoría musical, pero maestro para practicar y sin piano propio. después hice el examen para entrar a la Facultad Música de la UNAM. La prueba fue dividida partes: la teórica y la práctica. Algunos amigos que habían hecho la primera prueba, llevaban incluso más tiempo que yo estudiando, la pasaron. Como yo sí lo pasé, pensaba que especie de dotado: sin maestro, sin conocimientos previos, y un mérito extra: hacerlo joven pocotiempo.

No obstante, cuando hice el examen práctico, cambió.Niñosde12añosllevabanlasmismas queyo,perolasinterpretabanperfecto.Podían a primera vista, y yo apenas podía seguir lecturas ejercicios básicos. Por supuesto que no me tampoco volví a intentarlo. Supe entonces realmenteestabaubicado.

Cuandoacelerado.cumplí

Tardé poco tiempo en reponerme, pero abandoné las rutinas de estudio de más de 8 horas. Sin una motivaciónclaraparaseguirtocando,comencéacrearmispropiascancionesy,varadoenloquelas nuevas generaciones llaman “crisis de los veinte”; la vida puso frente a mí la música de Fito Páez.

Con él me identificaba mucho: un músico preso de su tiempo, que no es técnicamente un dotado, pero que tiene una mente distinta, con ideas que en ocasiones lo rebasan. De ahí también que la Cuando eso pasó, no supe cómo fue, me di tan joven como otros, ya no era tan listo de lo único que quiero hablar. Me hice sobrepasado.Mimotivaciónparaaprendermúsica puedodeciresqueahorapuedoescuchar música, y me imagino tocándola frente a mi que son las personas que sí están sentadas en el vagón y que esperan a que siga avanzando. Siento que la música ha definido mi la misma manera en la que avanza un de metro: a veces el movimiento es y en ocasiones el camino es corto, pero quellas, las muy contadas, en donde todo y me detengo a pensar, y a disfrutar de recuerdos, y avanza una estación sólo para detenerseenlasiguiente,hastaelfindelcamino. Disfrutar cada uno de estos paseos es duro, la cotidianeidad no resulta placentera para nadie, música puede perder su ímpetu y su pero lo que le dio cada canción a cada momento de mi vida es lo que hoy atesoro, esos

¿Es posible sentir nostalgia por las cosas que no conoces y los lugares en los que nunca has estado? ¿Reconocer aquello que nohabitaenlamemoriayevocarenelalma rostros inéditos? ¿Se puede extrañar el recóndito impenetrable o añorar los amores que perdimos por nunca conocer? Alguna vez, hace un largo tiempo, tuve un profesor de filosofía que lo aseguraba, y buscaba capturarlo mediante la fotografía, pretendía atrapar el ethos del déjà vu a través de su cámara para forzarlo en la miradalascivadelagente.

Ernesto Ocaña

AlteridadIndulgente

Eso hacemos con la vida extraterrestre, pueden ser al igual que en E.T. (1982) o Lilo & Stitch (2002) amigos misteriosos de biología fantástica, pueden dar vida a las ansiedades sociales como los invasores post-terroristas de la Guerra de los Mundos (2005) de Spielberg o los Transformers (2007) psicopáticos de Michael Bay, o pueden habitar el espacio mecánico entre la sensualidad y la violencia como los Xenomorfos diseñados por H.R. Giger para Alien (1979). Asignamos naturaleza humana a alienígenas, espíritus y demonios, entes que muy probablemente no existen, al mismo tiempo tendemos a reemplazar la humanidad de culturas y personas que muy definitivamente ya tienen una propia con otra existenciasmáscaprichosas.

El misterio de lo foráneo y lo desconocido es sinónimo de sus múltiples posibilidades. La vida alienígena toma tantas formas en nuestra cultura e imaginación que la posible vida bacteriana en las lunas de júpiter parece aburrida en comparación. La conclusión de los misterios siempre decepciona nuestras expectativas, y por ello nos cerramos ante las sublimes posibilidades de la realidad, preferimos nuestra versión complaciente de las cosas. Pero al igual que los rostros que habitan nuestros sueños, lo foráneo en nuestra mente toma la forma quimérica de deseos ya conocidos. Lo desconocido, mientras se mantenga como tal, suele ser indulgente con nuestrosvicios,anhelosycaprichos.

Lo cierto es que siempre buscamos relacionarnos con lo desconocido, pero en vez de buscar conocerlo para intimar con ello, lo idealizamos para poseerlo. La Roma Antigua al invadir y destruir el mundo griego se enamoró tanto de él, que su cultura desapareció dentro de su obsesión y su identidad se transformó en imitación. Existe un rumor que navega por internet que asegura que los rostros que vemos en los sueños son siempre vestigios de los que vemos en el día a día, y que es imposible inventar rostros al dormir. No es algo que en realidad podamos comprobar con tecnología actual, probablemente nunca sea posible. Sin embargo, de acuerdo con nuestros conocimientos actuales del funcionamiento neurológico, lo más probable es que al igual que la mayoría de las cosas que consideramos humanas, los rostros en sueños sólo son mezclas de los elementos que se ya se refugiabanennuestramente.

El orientalismo como la vida alienígena está lleno de posibilidades y todas son por lo menos ligeramente deshumanizantes. Aladdín (1992) ejemplifica perfectamente la estética del orientalismo árabe, los palacios de proporciones imposibles rodeados de abyectapobreza,laopulenciaremarcadaporunamiseria que sólo sirve para contextualizar el lujo con mayor claridad. La lectura orientalista describe sin analizar, es además nunca rígida, se adapta a las necesidades. Las mujeres de oriente pueden ser creaturas seductoras de bocas silenciosas, estómagos y extremidades desnudas, liberadoras y liberadas de pudor; también pueden ser seres sumisos, infantilizados, ignorantes e ignorados, necesitados de salvación. La misma dualidad está presenteenIndiayenJapón,enlasFilipinas,enelCairo, en Hong Kong y en Seúl. Son lugares al mismo tiempo exóticos y alienantes, magnificentes y opresivos, repugnantes y humildes, aparentemente reales e innegablementeimaginados.

No creo poder sentir nostalgia por lo desconocido o lo foráneo, a menos que lo reinterprete a través del fetiche. El Orientalismo es el término que engloba todos los estereotipos del mundo oriental como contraparte de los supuestos valores de Occidente, representa el escapismo cultural a través de la cosificación de la lejana otredad. Nuestra cultura de herencia global está plagada de orientalismo y en ningún otro lado es más claro que en el cine, Mulán (1998), Indiana Jones y los Cazadores del Arca Perdida (1981), Isla de Perros (218), La Momia (1999), o Memorias de una Geisha (2005) son ejemplos de la diversidad artística del estereotipo. La interpretación orientalista de lo foráneo no permite la intimidad, sólo la objetivación y por tanto es imposible sentir nostalgia por lo desconocidomientrasnodejedeserlo.

rasgo tan humano que quizá es inevitable, nos enamoramos de lo que no conocemosporqueasípodemos reinventarlo a

La Xenofilia es una imposibilidad, no podemos amar con verdad aquello que desconocemos, que no hemos aceptado y que no ha tocado nuestra intimidad. La cosificación de lo ajeno no proviene necesariamente de la maldad o la manipulaciónsinousualmentedelaignorancia posiblemente intencional. El orientalismo gentil de Wes Anderson en Viaje a Darjeeling (2007) es por ejemplo inocente antes que perverso, Danny Boyle aprendió con ¿Quién quiere ser millonario? (2008) que la crítica social es más sencilla cuando ni siquiera conoces a la sociedad que buscas criticar. Hablamos de una xenofobia cortés, galante e incluso heroica, de un prejuicio que hace excepciones cuando puede obtener algo a

Así como los rostros en sueños, no puedo conformar nuevas ideas, sólo reinterpretar las que ya tengo, la única manera de experimentar loinsólitoesalentrarencontacto conello.Uno o dos años después de presentar su primera exhibición de fotografía sobre la nostalgia de lo desconocido, ese profesor se fue a vivir a Japón como siempre había querido, con un libro de Murakami bajo el brazo, una mente llena de esperanzaydelirioensucorazón.

Escambio.un

nuestro antojo. Así se enamoran de México los turistas que visitan Cancún y no salen de su hotel, así se enamoran las redes sociales de lahumildad y gentileza de Keanu Reeves, así se enamoran los adolescentes huraños de las bandas coreanas o las subculturas japonesas, así nos enamoramos de ese vecino que vemos a veces en el gimnasio y que, para no romper nuestrocorazón,planeamosnuncaconocer.

MarcosGonzález“Foreman"

GilbertoAcevesNavarro GilbertoAcevesNavarro

La mayoría de las veces, escribir sobre el trabajo de uno mismo es difícil, dada la facilidad con la que se comienza a divagar acerca del quehacer diario. Es que tal idea brinca a aquella otra, de pronto se quiere volver al inicio y seguir la línea de otra idea…, lo mismo ocurre al pintar, aquella manchaqueseacabadecubriralparecereramuybuena,sinembargo,desbalancealacomposición yyaquesetapóconotramancha,quizádebiónocubrirseporqueahíestabaelcuadro.Muchodemi proceso es así, idas y vueltas. Comienzo imaginando algo, luego se dibuja, después a pegar papeles ¿Valdrá la pena hacerlo en una escala mayor? ¿Será puro acrílico…, con óleo…, y también con aerosol?¿Directoalóleo?Volvamosalpapel.

“Para pintar se necesita usar todo lo que tienes adentro y arrojarlo lejos de ti. Cualquier idea sobre tu capacidad, velocidad, profundidad, es pura necedad. Eso no vale, lo que importa es sorprenderte con una emoción y encontrarteenotroplaneta...”

Mi trabajo, desde que terminé de estudiar artes visuales en la UNAM, ha sido puramente pictórico., Ccomencé explorando desde el paisaje urbano y escenarios cromáticos los alcances discursivos de la pintura figurativa, ya que en aquellas piezas se denuncia a través de los personajes la ficción de la era moderna y digital, el lento avance hacia ese futuro idílico lleno de bienestar que, sin embargo, aún no llega para la mayoría de la sociedad, así como la uniformidad delosindividuosapartirdelcapitalismo. Posteriormente, esos paisajes se redujeron a meras composiciones matéricas y abstractas de pequeño formato, en las cuales, a partir de la acumulación de pinturaenelsoporte,segeneróunareflexiónpersonal acerca de la disciplina pictórica como ejercicio de memoria y conocimiento, así como una metáfora acerca de la construcción personal que funciona a partirdelaacumulacióndeexperienciasyasícóomola pinturaseconformadelaacumulacióndegestossobre el soporte. Posteriorormente a la eése proceso de exploración entre la pintura “figurativa” y “abstracta”, mi proceso se ha convertido en un ir y venir conjugando ambos lenguajes, citando canciones que suenan mientras me encuentro manchando cuadros o dibujando, usando fotografías de mi archivo en laos que retraté edificios viejos, derruidos y grafiteados, ya quemeinteresaesecarácter deabandono dentrodela ciudad., Aquello que hace ruido ante lo pulido, cromadoybienvistoesloquemellamalaatención.

Flores, María (2022) Eventualmente, los peces van a morir [Obra digital realizada a partir de Dall E Programa de IA]

EVENTUALMENTE, todoslospecessevanamorir

Inteligencia artificial y el camino que lleva a la muerte del arte M.I. Flores Nachón

"Estamos viendo cómo se desarrolla la muerte del arte ante nuestros ojos"

Allen, Jason (2022) Théâtre D’opera Spatial [ Obra digital realizada a partir de Midjourney Programa de IA]

Ya se pueden contar con los dedos de una mano las vecesquehededicadoartículosaladiscusióndel¿qué es arte? y aún está lejos de terminar la conversación. Recientemente el gremio dió un vuelco con la agitada confrontación a partir de la obra Théâtre D’opera Spatial (2022) de Jason Allen. Ganadora de un primer lugar en la Feria Estatal de Colorado dentro de la categoría de arte digital. La obra recibió una cantidad inconmensurable de comentarios negativos al ser descrita como una producción mediante inteligencia artificial.

Citadirectadeusuariosentwitter.

Laproducciónartísticasehavistodeslindadadeloscampostradicionalesdelaimagenyseenfrenta a lo que estudiosos conservadores llaman La Muerte del Arte. Desde los planteamientos hegelianos, se ha entendido el arte a partir de etapas. La primera siendo la Simbólica, con manifestaciones ligadas directamente a un sentido cultual y ritual, religioso. Una segunda etapa, conocida como Clásica,entendidaapartirdeungiroantropomorfoquecentratodalaimagenapartiryatravésdel hombre. La tercera etapa conociéndose como la Romántica, en la que el hombre se enfrenta a su propiafinitud.Elserhumanoentiendesumuerteytomaconcienciasobresuestanciaefímera.

Allen, productor de Théâtre D’opera Spatial, defiende su imagen como arte. Y sin caer en las repeticiones etimológicas, arte es técnica. Me uno a la defensa de Allen, y más aún con su argumento de las más de 80 horas, 900 imágenes y alteraciones que buscó para llegar al resultado final. La obra fue el resultado de la unión de conceptos, frases, oraciones, variaciones y ediciones en PhotoShop, realizadas a partir de la mente inspirada de Allen, en conjunto con un programa generador de imagen de inteligenciaartificial.

Jasongusto.

El arte se despega de la imagen. La imagen no es más que una envoltura de contenido racional, ligado al espíritu del tiempo y el sistema de pensamiento del mundo. Sin entender lo anterior, no se entiende el arte, y su apreciación y agrado se ven diezmados. El arte se convierte no en algo que ver, sino en algo que entender, y el emparejamiento de ambas partes. Con los vuelcos, giros y cambios en las etapas de la producción artística, se considera que la manifestación que se ha asemejadoalconcepto,yanoesarte.

Ejemplos como Una y Tres Sillas (1965) por Joseph Kosuth, Jenny Holzner con Men Don’t Protect Us Anymore (1990), o cualquiera del recién fallecido Hermann Nitsch pionero del AccionismoViennésdemuestranqueelarteva másalládeunaimagen,desafiandoinclusolos cánones de belleza, y logran componer arte a partir de formulación de oraciones y conceptos. Sin embargo, se nos ha demostrado que el entendimiento no es compatible con el

Holzner, Jenny (1990) Men don't protect us anymore

Nitsch, Hermann Performance

Kosuth, Joseph (1965) Una y Tres sillas

Danto,ArthurC,andElenaNeermanRodríguez.AfterTheEndOfArt.

Se habla de una falta de creatividad por parte de Allen, quien se ha autoproclamado como un no-artista, sin embargo, encuentro fallas en el argumento después de detenerme a pensareltiempoqueconllevatansolosentarmeaescribiruna oración congruente, y mucho más tomando en cuenta lo complicado que resulta hacer que esta oración congruente sea estéticamente agradable y emparejada con la imagen que tengoenmente.

Por último, quiero cerrar con un comentario esperanzador y uno irónico; recordemos que de todo fin, hay un inicio. De la Muerte del Arte existe un renacer y este es nada más y nada menosqueladefinicióndelaobraporsímisma.Elproductor es quien decide si su obra es o no, producción artística. Por otro lado, me parece que la obra de Jason Allen es verdaderamente interesante, desde su proceso de producción, hasta su culminación y su velo estético. Es una pieza bellísima de apreciar, incluso a partir de una pantalla. Nos quejamos del arte feo,nosquejamosdelartebello.Enfin,nadanoscomplace.

Degas, Edgar (1868) La Violación [Óleo sobre tela]

Sería necesario definir el arte para poder juzgar si este ha muerto o si se trata de algo más lo que ha llegado a su fin. El arte, cómo siempre nos repitió la profesora Laurence LeBouhellec, escapa de su definición. Si nuestra definición de arte se limita a una pintura histórica narrativa de una escena bélica, ¿por qué negaríamos las obras de Hermann Nitsch? Si analizamos el contenido y la manera de pensar, no hay diferencia alguna entre ambas. Por proponer otro ejemplo, Jenny Holzer, en esencia, no produce algo ajeno a La Violación (1868) de Edgar Degas. El arte se ha ajustado al espíritu del tiempo y al sistema de pensamiento del mundo. Parte de esta transformación de la imagen tiene que ver con la tecnología, provocando un replanteamiento artístico y tecnológico que escapadelosestilos.

Hegel,GeorgWilhelmFriedrich,andAlfredoBrotónMuñoz.LessonsonAesthetics.Akal,2007.

Se habla de una Muerte del Arte cuando realmente debería hablarse de una Muerte de la Historia del Arte porque no es la producción artística lo que ha cesado, sino que es la forma de clasificación del arte que se ha vuelto obsoleta por el hecho de queelobjetoarteahorasehadeshechodesuenvolturavisible,y sehacubiertodeuncontenidomásconceptual.

No, no… en serio, escucha este álbum: Shuffle Drones. Es uno de esos álbumes que te hacen viajar por el tiempo, te inspiran o te sacan las lágrimas que tenías atoradas desde hace un pardesemanas.

Esto se debe a que cada canción está diseñada para unirse a la siguiente y que parezca que la segunda canción sigue siendo parte de la primera, creando así lo que parecería un loop

No, no… Escucha esto

Noinfinito.esmúsica

clásica, no es sonido blanco, lo mejor que podría describirlo es orquesta ambiental sin ningún fin y sin ningún inicio. Utilízalo para disruptir tus hábitos de escucha eimaginartemilmundosnuevos.

Esunálbumdetrececancionesquefácilmente son trece minutos o 13,000 minutos de combinaciones entre cada una de las canciones.

Rossanna Huerta Romero

ÁlbumDisfrutadisponibleenSpotifyyYoutube

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