Revista Contraste

CONTRASTE 23

Musas

o Artistas:

el rol de la mujer en la historia del arte.

Noviembre 2022 Santa Fe, Argentina

Revista de Arte y Diseño

EDITO-

EDITORIAL

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Nació en Coira, Suiza,en 1741 pero creció en Schwarzenberg, en Vorarlberg (Aus tria), de donde era oriunda su familia. Su padre, Johann Josef Kauffmann, era po bre y un pintor mediocre, pero aparente mente muy bueno enseñando a su precoz hija. Gracias a su madre, Cleophea Lutz, aprendió varios idiomas y desde peque ña leía sin cesar y mostraba un destacado talento para la música.1 Pero destacó so bre todo con la pintura, al punto que, ya con doce años, su fama de buena pintora atrajo a obispos y nobles que posaban para ella. En 1754 su padre se la llevó con él a Milán, viajes a Italia que se repitieron pos teriormente y de mayor duración: en 1763 y 1764 visitó Roma. Y de Roma marchó a Bolonia y Venecia, siendo festejada en to dos los lugares a los que iba tanto por su talento como por su encanto personal. En agosto de 1764 Johan Winckelmann escri bió desde Roma a su amigo Franke men cionando la excepcional popular pintora.

STAFF

Universidad Nacional del Litoral

Facultad de Arquitectura, Diseño y Urbanismo

Licenciatura en Diseño de la Comunicación

Visual

Taller de Diseño III – Cátedra Gorodischer

Proyecto Final Revista

Alumna:

Fiorella Cornaglia.

Cuerpo docente:

Prof. Titular: Arq. DG. Horacio

Gorodischer

Prof. Adjunto:

LDCV Lud. Silvia Torres Luyo

Jefes de Trabajos Prácticos:

LDCV. Mariana Oliva

LDCV. Gabriel Juani

LDCV. Darío Bergero

Pasantes en Docencia: Ignacio Simarro y Victoria Cina. Los textos de las notas –excePtuando el cuerpo de la noticia, que utiliza texto simulado– son elaborados por la cátedra para la correcta realización del proyecto. Estos son desarrollados a partir de artículos de diferentes autores, por los docentes y los propios alumnos del taller 3.

4 | Staff y Sumario

SUMARIO

Innovación y Tecnología Irrupción del Criptoarte

Personajes Sergio DeLoof

14

22 28

04 10 20 24 32

Sociedad y Cultura

Musas o artistas: el rol de la mujer en la historia del arte

Línea del tiempo El afiche is not dead

Misceláneas Variedades

Eco-diseño Toallitas reutilizables

Tendencias Duddle Tipografía Revivir la egipcia

En pocos meses, los NFTs han trastocado el mundo del arte digital hasta tal punto que muchos artistas ya no conciben su trabajo sin ellos.

6 | Innovación y Tecnología

IRRUPCIÓN ARTE

DELCRIPTO

Los NFT son el nuevo modo de coleccionismo en activos digitales únicos que viene a desbancar viejas tradiciones en la transacción de arte y el consumo de última generación, planteando otro paradigma en el sector cultural.

Un token no fungible (TNF, también conocido por la sigla NFT, en inglés, Non-Fungible Token) o vale no fungible1 es un activo digital encriptado. Se trata de un tipo especial de token criptográfico que representa algo único. Los tókenes no fungibles no son, por tanto, intercambiables de forma idéntica. Esto contrasta con criptomonedas como el Bitcoin, y muchos tókenes de red o de utilidad que son fungibles por naturaleza. Las 4 principales características de los NFT es que son únicos, indivisibles, transferibles y con la capacidad de demostrar su escasez en el mundo digital. El mercado del arte y las criptomonedas. Los NFT también han sido objeto de críticas, principalmente respecto a su alto coste energético y la huella de carbono asociada a la validación de transacciones en la cadena de bloques (o en inglés, Blockchain), así como por su frecuente uso en estafas virtuales. Otras críticas se refieren a la verdadera utilidad de establecer un comprobante de propiedad en un, a veces extralegal, mercado no regulado.El arte es un área de uso temprano para los NFT y cadena de bloques en general, debido a su capacidad de proporcionar prueba de autenticidad y propiedad de la obra de arte digital o reproducible, que de otra manera tendría que lidiar con la posibilidad de reproducción masiva y distribución no autorizada a través del internet. Plataformas como Superrare o Nifty Gateway que utilizan la cadena de bloques de Ethereum, se han especializado en las transacciones mercantiles del arte digital, a través de la venta, la reventa. Revolución en el mundo del arte. En febrero de 2021 inició un hype con el trabajo Everydays. The first 5000 days del artista digital estadounidense Beeple, que fue la primera obra de arte NFT en ser listada en Christie’s, una de las principales casas de subastas. Unos días después, el meme animado de Nyan cat había sido vendido en un sitio de internet por 600 000 dólares estadounidenses (USD). En un análisis originalmente publicado en el revista de arte en línea Artishock, y posteriormente republicado en el blog de crítica de arte de Colombia esfera pública, los autores calculan los costos económicos de participación en el mercado de arte de los NFT, advirtiendo que las nociones de descentralización (en las que se excluyen el Servidor en el que se aloja el NFT, los servicios pagos de internet y la aplicación web que permite al usuario alojar sus NFT en el servidor) de la cadena de bloques y acceso equitativo, que sostienen el entramado del nuevo mercado de arte, están aun lejanas para los creadores latinoamericanos, a razón de factores tales como acceso a la in-

Los derechos de autor

En una disputa casi inédita, una corte de Singapur le reconoció a una persona sus derechos como propietario de un token no fungible (NFT). Se trata del N°2162 de la reconocida colección Bored Ape Yacht Club. Como consecuencia, se habilitaron así diversas medidas para protección del token, como la prohibición de su venta. La Justicia singapurense intervino en una disputa por la propiedad de un NFT entre dos personas. El activo digital había sido colocado como colateral en un préstamo, y un desacuerdo entre las partes llevó a que ambos reclamen su propiedad. La decisión del juez ante esto fue reconocer la propiedad del NFT a su dueño «original», es decir a quien solicitó el préstamo y lo usó como colateral. La otra persona (cuyo nombre de usuario en el marketplace Opensea es cheffpierre) tiene prohibido colocar el token a la venta, algo que ya había hecho. De todos modos, permanece con el NFT en su poder.

Nuevo avance del arte

En una disputa casi inédita, una corte de Singapur le reconoció a una persona sus derechos como propietario de un token no fungible (NFT). Se trata del N°2162 de la reconocida colección Bored Ape Yacht Club. Como consecuencia, se habilitaron así diversas medidas para protección del token, como la prohibición de su venta. La Justicia singapurense intervino en una disputa por la propiedad de un NFT entre dos personas. El activo digital había sido colocado como colateral en un préstamo, y un desacuerdo entre las partes llevó a que ambos reclamen su propiedad. La decisión del juez ante esto fue reconocer la propiedad del NFT a su dueño «original», es decir a quien solicitó el préstamo y lo usó como colateral. La otra persona (cuyo nombre de usuario en el marketplace Opensea es cheffpierre) tiene prohibido colocar el token a la venta, algo que ya había hecho. De todos modos, permanece con el NFT en su poder.

Si la vida digital incluye finanzas, economía, foros, videojuegos y redes sociales, el paso hacia una vida artística 2.0 era apenas cuestión de tiempo.

fraestructura, devaluación de la moneda local (que hace costoso el pago de las transacciones dentro del Ethereum, y la adquisición de software de creación digital), unidos a la falta de una divulgación amplia en educación de arte digital.1920 En los primeros días de abril de 2021 diferentes medios de prensa reportaron una caída promedio en los precios de los NFT de alrededor del 70 %. Al mismo tiempo, varias obras de criptoarte presentadas por casas de subasta recaudaron cifras millonarias a los pocos minutos de iniciar, así mismo un pixel de color gris fue vendido en un millón de dólares.

¿Qué pasa con la obra material?

En Latinoamérica los primeros artistas en incursionar en el mercado de los NTF son el ilustrador chileno Alberto Montt quien vendió su viñeta Viernes Santo de su serie Dosis diarias a través de la plataforma OpenSea y el escultor colombiano Joaquín Restrepo quien vendió Intimus; su primera obra con NFT por 0.71 ETH que equivale a 1,700 dólares a través de la plataforma Foundation.app. En España, el primer NFT subastado en el país fue OLEA Genesis, de Solimán López. Aunque ya había criptoartistas españoles como Javier Arrés vendiendo sus obras como NFT en 2019. Entre los criptoartistas europeos, han destacado Javier Arrés o Zigor, quien creó la colección de WillyRex. Este último agotó su colección en segundos.

Antes, los artistas que trabajaban con soportes digitales tenían verdaderas dificultades para comercializar su prducto porque no podían distinguir el original de una copia. Con la inclusión de los NFTs se puede confirmar la autenticidad de las obras de manera democrática y descentralizada.

La aventura del coleccionismo alcanza un nuevo “territorio”, un espacio virtual donde el arte busca expandir fronteras.

¿Por qué pagar por algo que puedo tener gratis? Las NFT se pueden usar para representar activos en el juego, como parcelas digitales de tierra, que son controladas por el usuario en lugar del desarrollador de videojuegos. Las NFT permiten que los activos se negocien en mercados de terceros sin el permiso del desarrollador del juego.En octubre de 2021, el desarrollador Valve prohibió las aplicaciones que utilizan la tecnología cadena de bloques o NFT para intercambiar valor o artefactos de juego desde su plataforma Steam. A lo largo de finales del 2021 y principios del 2022, los juegos denominados juega para ganar basados en criptomonedas empezaron a adquirir mala fama debido a la multitud de proyectos que, en cuestión de días, resultaba ser estafas de NFT en las cuáles la liquidez de la criptomoneda se desplomaba a niveles mínimos, un fenómeno denominado en inglés rug pull, ‘tirón de alfombra’. Sonado es el caso de un proyecto de juego NFT basado en Minecraft llamado Blockverse. Solo dos días después de que lanzaran a la venta una colección de diez mil NFT, que se agotó en apenas ocho minutos, los desarrolladores del juego desaparecieron con el dinero de los compradores. El servidor en Discord y el sitio oficial del proyecto fueron cerrados. Los estafadores se dieron a la fuga con más de 3 millones de dólares, sin ser encontrados nunca.

Fotografía tomada para Calcarmi Studio, como agradecimiento del Museo de Arte Moderno.

De Loof Sergio

El rey del under nunca muere

Una obra ambulante, un alquimista que transformaba el cotolengo en arte contemporáneo, un príncipe-mendigo del under de los ochenta, noventa y más acá. Sergio De Loof, que pasó sus últimos años fumando en la cama, no temía a la mue-rte sino al olvido: antes que un velorio mediocre, su último deseo fue que sus cenizas sean arrojadas en Río de Janeiro. Su obra fue él mismo: una vida contra toda etiqueta, contra todas las caretas..

¿Sentiste hablar de mi?

Sergio De Loof fue un artista autodidacta y multifacético. Escenógrafo, diseñador, pintor, fotógrafo y ambientador, durante el contexto de posdictadura fundó refugios de artistas y espacios culturales como Bolivia Bar (1989), las discotecas - restorán El Dorado (1990), el Sheiq (1992) Morocco (1993) y la discoteca Ave Porco (1994),2Club Caniche (1995), Café Remis Paris (1998), El Diamante (2003), Pipi-Cucú (2004). Su obra asume que el hecho estético se evidencia aún en los entornos de la cotidianidad, hasta de aquello que las sociedades clasifican como consumo barato, descartable o desechable. Desde esa perspectiva, en sus Fashion Happenings desfilaban modelos no convencionales que vestían prendas realizadas en materiales alternativos, basura o ropa donada.3 Entre ellos se destacan Latina Winter by Cotolengo Fashion (1989), Encantadores vestidos4(1990), Cualquier Chanel (1994), Laguna (1997), Torta de Barro (1998), Guau! (2000), Winter (2001), La Comadreja (2002), El Viento (2009) y Joya Gato (2015).5 En agosto de 1989 presentó su primera colección de indumentaria en el Garage Argentino. Se trató de Latina Winter by Cottolengo Fashion. El artista creó y diseñó la colección recurriendo a retazos y prendas de segunda mano del Cotolengo Don Orione en Pompeya. En

dad hasta los 90, de la Francia aristocrática, pasando por Chanel y vestimenta típicamente mexicana al tipo look de la modernidad noventista, sello del estilo joven de aquellos años posdictadura. Además desfilaron modelos vestidos de soldados que presentaban golpes y usaban muletas, una reivindicación a las entonces recientes heridas abiertas que había sufrido nuestra sociedad, como consecuencia de la participación en la Guerra de Malvinas. En línea con el diseño de autor que empezaba a desarrollarse en Argentina con fuerte impacto en marzo de 1989, durante la Primera Bienal de Arte Joven, De Loof creó una estética de diferenciación y subjetividad extrema, contrapuesta a la uniformidad de la indumentaria que proponían las grandes marcas de ropa. Un autodidacta del conurbano. Fue De Loof quien gestó una nuevo estilo de transición entre el underground nihilista de los 80 y la posmodernidad noventista, una sensibilidad que luego tuvo su repercusión en las estéticas artísticas de un espacio de arte como Belleza y Felicidad e incluso en los ámbitos de otro lenguaje artístico, como el de la música, en el de la banda de rock alternativo Babasónicos.} Por invitación de Victoria Noorthoorn realiza el desfile El viento en la apertura de la 7ma Bienal de Porto Alegre.

“No soy diseñador de moda ni artista, SOY TODO”

Ave Porco y Morocco

Morocco fue un restaurante y club nocturno que abrió sus puertas 1993 en la calle Hipólito Yrigoyen al 851, a cargo de la sociedad presidida por Diana Ruibal y como sucursal del famoso club del mismo nombre de la ciudad de Madrid. La versión local de Morocco tenía tres pisos con un estilo de ambientación distinto en cada uno. Sergio De Loof realizó la decoración del piso principal inspirado en las obsesiones latinas del cine de Hollywood de los años cincuenta. El subsuelo fue decorado por el arquitecto Sergio Lacroix. La cocina del restaurante, sumamente sofisticada, estaba a cargo del chef Paul Azema. La cantante española Alaska, representante de la “movida” madrileña, tenía un rol como hostess del lugar. Morocco fue uno de los primeros espacios de la noche en incorporar los vips y las presentaciones de los DJ Cristian Trincado, Diego Ro-k y Carla Tintoré. El lugar cerró en 2001 y es recordado por su pared de mayólicas de

“Yo no fui under, no me vestía de negro, lo mío eran los colores flúo, rosa, celeste, verde...”

hay gente que se come a otra.

“En la naturaleza no hay malas ni buenas personas,

Exposición Sergio De Loof: “¿Sentiste hablar de mí?”, inaugurada el 28 de noviembre en el Museo de Arte Moderno de Buenos Aires, que constituye la primer retrospectiva de este artista y recorre sus más de tres décadas de trayectoria.

estilo marroquí que De Loof y Ruibal encontraron en una casa de demolición. Ave Porco fue una disco y club nocturno que abrió en 1994 en la avenida Corrientes 1984 a cargo de Marcia Amoroso y Jorge Pizarro. El espacio se dividía en dos zonas, “Ave”, al frente y “Porco”, al fondo. Sergio De Loof, con la colaboración de Beto Botta y Kito Rojas, realizó la mítica barra principal que combinaba trencadis y objetos reciclados de los más diversos incrustados en cemento. Además de bailar al ritmo de la música techno y tropical, los habitués de Ave Porco podían asistir a muestras de arte, desfiles y a los shows teatrales de Alejandro Urdapilleta y Humberto Tortonese, entre otros artistas del under de los ochenta, ya para ese entonces de culto entre la juventud “moderna”. Ave Porco cerró sus puertas con la década, el 31 de diciembre 1999, con acción colectiva sumamente significativa: la ruptura de su barra y el reparto público sus pedazos.

Papel glacé, papel crepe, papel de regalo y de empapelar, cinta scotch y hojas de la revista Vogue son los materiales con los que Sergio De Loof sorprendió en Encantadores vestidos, un desfile de catorce trajes femeninos y uno masculino que recreaban la moda cortesana.

“El camino es el ARTE, eso te lleva a la belleza, al amor y al brillo. Todo está escrito.”

O te dejás comer o te salen garras”

Autor: Manuel Zabala

MUSAS O ARTISTAS

EL ROL DE LA MUJER EN LA HISTORIA DEL ARTE

Las mujeres han sido protagonistas de infinidad de obras de arte a lo largo de la historia. Han sido las modelos y las musas quienes se mostraban en muchos de los cuadros más importantes de todas las épocas, como las señoritas de Avignon, las majas, la Mona Lisa, las venus o las prostitutas de Toulouse-Lautrec. Mientras algunas mujeres se dejan ver en las paredes de los museos, ¿qué pasa con aquellas que fueron silenciadas en la historia del arte?

El Museo del Prado se marcó hace justo un año un tanto (con décadas de retraso, todo sea dicho) cuando dedicó por primera vez en sus dos siglos una exposición dedicada en exclusiva a una mujer. La pintora flamenca barroca Clara Peeters fue la encargada de romper el tabú del patriarcado artístico. Para muestra, un botón: en la pinacoteca nacional hay obra de más de 5.000 hombres y tan solo de 53 mujeres. De las cerca de 8.000 pinturas catalogadas (expuestas y en los almacenes), solo cuatro de artistas mujeres se exhiben. La Historia del Arte la han protagonizado infinidad de féminas. Han sido las modelos y musas. Las protagonistas de algunos de los cuadros más importantes de todas las épocas. Ahí están las señoritas de Avignon, las majas, la Mona Lisa, las venus, las bailarinas de Degas o las prostitutas de Touluse-Lautrec. Son solo algunos ejemplos evidentes porque mientras las mujeres se dejan ver en las paredes de los museos, muy pocas son las que firman los lienzos que cuelgan de ellas gracias a la sociedad. Las eternas olvidadas bajo un seudónimo. Cuenta Manuel Jesús Roldán en ‘Eso no estaba en mi libro de Historia del Arte’ (Almuzara) que la concepción decimonónica de la mayoría de los manuales del tema las excluyeron aunque hubiera mujeres retratistas de Corte, escultoras de cámara o pintoras religiosas. “Han sido silenciadas y su rescate del olvido, afortunadamente recuperado en los últimos años, merece todos los empeños”, escribe en esta obra que recopila ‘anécdotas’ artísticas como aquellas obras cumbres del arte que en su momento fueron rechazadas y censuradas, los primeros selfis hechos al óleo, las facetas más escabrosas de algunos creadores y, sobre todo, recupera el nombre y la historia de varias de las artistas más importantes pero aún así olvidadas. “Su existencia fue ciertamente reducida en muchas épocas, pero hay un buen número de nombres de mujeres que, en cada etapa de la historia, alcanzaron una fama y un reconocimiento público que fue posteriormente silenciado”, escribe Roldán. La idea de crear un espacio solo para ellas. Mujeres que no aparecen en los libros de arte ni suenan en el imaginario colectivo por culpa, apunta, del concepto de Historia del Arte procedente del siglo XIX, “centuria en la que se vetó especialmente la independencia creadora de la mujer por la moral burguesa reinante, relegó al género femenino a una condición hogareña casi exclusiva, marcando un canon casi exclusivamente masculino en las primeras publicaciones dedicadas al Arte”. Una discriminación que, además, se estandarizó cuando se crearon los grandes museos europeos. Tampoco

¿Cuántas de ellas quiza nunca conozcamos?

“Una vez más, se vuelve a la cuestión de cómo se relaciona el trabajo, especialmente cuando se trata de exposiciones. ¿Es una exploración en profundidad o es superficial? ¿La atención se centra en el descubrimiento o en el arte en sí? El arte no se puede divorciar de su contexto. Es importante preguntarse por qué el trabajo de una artista no se reconoció en gran medida, pero debemos impulsar la conversación más allá, porque se trata de lo que hacemos con él ahora. ¿Se están organizando exposiciones significativas? ¿Están recibiendo cobertura de prensa y, cuando lo hacen, los escritores se involucran críticamente con el trabajo? Estas son solo algunas de las cosas que debemos considerar”.

A la sombra de Pollock: Florine Stettheimer, primer autorretrato desnuda.

Artistas como Angélica Kauffman, Marie Loise Elisabeth Vigée

Lebrun, Luisa Roldan Artemisia

Gentileschi, Berthe Morisot, Mary

Cassatt o Marie Bracquemond son reivindicadas en la actualidad.

ayudó la visión de muchos grandes hombres del arte que se despacharon con opiniones similares a la de Renoir: “la mujer artista es sencillamente ridícula”. ¿El resultado? Un visión androcéntrica del arte que ha borrado a muchas pioneras que merecen un lugar destacado en nuestras conciencias artísticas. Empezando por Ende, considerada la primera pintora de la historia, una copista encargada de iluminar códices en el siglo X que ya firmó entonces “Ende pintrix et Dei aiutrix” (Ende, pintora y sierva de Dios) el manuscrito del ‘Comentario al Apocalipsis del Beato de Liébana’ o por Hildegarda de Bingen, una monja. Benedictina que fue pionera en el campo de la música, la literatura y la pintura y que ya fue silenciada en su propia época.

Esposas y artistas en la sombra

Mucho más que musas, esposas, mecenas o apoyos esenciales en la vida de sus esposos artistas. Eso han sido muchas mujeres a lo largo de la historia y que han permitido que el mundo fuera más rico y mejor gracias a esos libros, pinturas, fotografías, películas, canciones y cualquier actividad artística que desarrollaran sus parejas. Y a pesar de pertenecer a un tiempo que las dejaban en la sombra ellas también crearon belleza y reflejaron el mundo en diferentes expresiones artísticas usadas. La cultura y las artes continúan en su tarea de arrojar luz sobre esas mujeres invisibilizadas. La escritora y editora irlandesa Katie McCabe lo plasma de manera ejemplar en el libro Más que una musa. Relaciones creativas que eclipsaron a las mujeres, editado por Garbuix Books. Katie McCabe desvela en Más que una musa “las complejas relaciones románticas que dejaron a las mujeres a la sombra, y a su trabajo anónimo o infravalorado”. En estas páginas brillan mujeres creadoras y talentosas como la fotógrafa Dora Maar, la editora de cine pionera y colaboradora de Hitchcock Alma Reville o la pianista de jazz Lil Hardin Armstrong, grandes mujeres destacadas.

Autor: Arturo Pérez Reverte

Revindicandolas en su lugar en la sociedad. Roldán recopila el nombre de 14 mujeres imprescindibles de la Historia del Arte que no se queda en las más conocidas como Frida Kahlo o Camille Claudel. El nombre de Sofonisba Anguissola quizás sea uno de los que más puedan sonar porque es la única mujer cuyas obras se pueden ver en las colecciones del Prado. Esta pintora renacentista cosechó muchos éxitos en su época. Miguel Ángel alabó su obra, Giorgo Vasari la incluyó en su diccionario con 133 biografías de artistas (todos hombres menos la escultora Properzia de Rossi y su mención), se hizo famosa en Italia, Van Dyck la retrató y fue pintora de la Corte de Felipe II (un retrato suyo del monarca está en el Prado), sin embargo como era mujer no podía firmar sus obras, motivo por el cual muchas fueron atribuidas a hombres. ‘La partida de ajedrez’ es uno de los pocos cuadros que tiene su rúbrica, pero otras como ‘La dama del armiño’ hoy siguen generando debate sobre si es obra de su mano. Mujeres, arte y poder.

También en la Italia del siglo XVI Lavinia Fontana fue una cotizada retratista, pero no solo por su reconocimiento sino que se convirtió en pintora oficial de la Corte del Papa Clemente VIII y también trabajó para el Palacio Real de Madrid. Quizás es la pintora más exitosa del Renacimiento y el Barroco, una pionera que realizó cuadros de desnudos de hombres y mujeres (en la época los estudios de anatomía estaban vetados para las mujeres) y en la conciliación: su marido dejó el trabajo para ocuparse de la casa y sus 11 hijos mientras ella sustentaba la economía familiar con sus pinturas. Mientras que ambas nacieron en ambientes artísticos, la vida de Judith Leyster fue complentamente distinta. Esta artista holandesa del XVII era hija de un cervecero y la pintura apareció como un oficio necesario para sobrellevar las penurias económicas de la familia. Influida por Rembrandt, Vermeer, Frans Hals, su maestro, y la pintura caravaggista apenas hay una cincuentena de obras conservadas de ella porque dejó el arte cuando se casó, pero hoy sigue observándonos directamente a los ojos desde la Galería Nacional de Arte de Washington mientras pinta un violin.

Autor: María Martin

“Han sido silenciadas y su rescate del olvido, afortunadamente recuperado en los últimos años, merece todos los empeños”

¿El resultado? Una visión androcéntrica del arte que ha borrado a muchas pioneras que merecen un lugar destacado en nuestras conciencias artísticas.

Entre otras cosas, la visión de muchos grandes hombres del arte que se despacharon con opiniones similares a la de Renoir nunca ayudó: “la mujer artista es sencillamente ridícula”.

Fotografía tomada y editada por Fiorella Cornaglia.

EL AFICHE IS

La necesidad de expresar mensajes de manera gráfica ha estado siempre presente. A lo largo de la historia, el cartel se encuentra vinculado al movimiento y realidad de las ciudades, como un fiel reflejo de la realidad social, política y cultural en la que se encontraban sumergidos sus habitantes. Además, su evolución va de la mano de las necesidades de comunicación de cada momento y se ha ido desarrollando al mismo ritmo que los movimientos artísticos y los sistemas de impresión.

“Manten la calma y sigue adelante” creado por producido por el gobierno de Reino Unido en 1939. Afiche realizado con el objetivo de subir la moral a la socieda.

“Victory 1945” del artista Shigeo Fukuda, del año 1967. Cartel pacifista, con la que se ganó la bienal de Varsovia del año 1972.

El afiche “HOPE” de Barack Obama es una imagen diseñada por el artista Shepard Fairey, que se volvió sinónimo de la campaña presidencial de Obama en 2008.

22 | Línea del tiempo

NOT DEAD

Autor:

Afiche de la película “Escuadrón Suicida” del 2016. Creados especialmente para el filme, haciendo refe- rencia a cada uno de los personajes.

Afiche de la película “Escuadrón Suicida” del 2016. Cartel creado por Paula Scher para The Public Theather.

Afiche informativo del evento “Festival de Animación Berlín” del 2022. Representativo de las tendencias de diseño del año 2022.

Ítalo Martínez

VARIE DADES

LIBROS

Soy una tonta por quererte” de Camila Sosa Villada. El nuevo construye un universo travesti actuante y policromático. La autora de da el siguiente paso en su carrera como escritora para explorar, en nueve cuentos, una variedad de subgéneros, registros y personajes.

VIDEOJUEGOS

Stray es un juego de aventuras desarrollado por BlueTwelve Studio y publicado por Annapurna Interactive. Anteriormente conocido como HK_Project, el juego fue lanzado el 19 de julio de 2022.

Stardew Valley es un videojuego indie de simulación de granja desarrollado por Eric “ConcernedApe” Barone y publicado por Chucklefish Games.

24 | Misceláneas

PODCASTS

Estirando el chicle. Podcast de comedia presentado por Carolina Iglesias y Victoria Martín.

EXPOSICIÓNES Y MUESTRAS

La Bienal de Arte Joven es un concurso donde las y los jóvenes creadores de Santa Fe y la región muestran sus producciones en seis campos artísticos, como proyectos visuales y audiovisuales, de artes escénicas, letras, música y producciones híbridas.

PELÍCULAS

“Yo antes de ti” película de drama/ romance del 2016. Directora: Thea Sharrock.

Las famosas charlas TED han llegado al mundo de los podcasts. Todos los jueves Gerry Garbulsky, el curador de TED en Español, nos trae una nueva y fascinante charla de los principales oradores en lengua española sobre todos los temas.

Estirando el chicle

TED en Español

Estudió Bellas Artes en Pensilvania, en la escuela de arte Tyler de Elkins Park.Allí fue alumna de Seymour Chwast, con quien se casó en 1973. Posteriormente se trasladó a Nueva York y se inició en el mundo profesional encargándose de la maquetación de la sección infantil de la editorial Random House.

Su siguiente contrato vino dado por la compañía CBS Records,4 donde fue contratada para trabajar en su departamento de publicidad y promociones, y de ahí pasó a trabajar en Atlantic Records, ejerciendo como directora de arte. Un año después de su marcha, CBS volvió a contratarla también como directora de arte para que se encargara del departamento de portadas. Permaneció durante ocho años, diseñando algunas portadas que se han convertido en iconos de la cultura musical.

6 DE OCTUBRE 1948

DISEÑADORA GRÁFICA Y ARTISTA AÑOS

72

PAULA SCHER EEUU

Materia: Taller de Diseño III.

Cátedra: Gorodischer.

JTP: Juani, Gabriel.

Alumna: Cornaglia, Fiorella.

LDCV - FADU - UNL

Año: 2022.

CONTRASTE