Revista Archivo

Santa Fe, Argentina

Edición n° 26

$1500

archivo

ARTE&DISEÑO

Musas o artistas: el rol de la mujer en la historia del arte

«El ojo selecciona, excluye, organiza, discrimina, asocia, clasifica, analiza, construye. Nada se ve desnudamente o desnudo.»

[Goodman, 1976]

LOS RESPONSABLES DE ESTA EXPERIENCIA

archivos experimentales y sensitivos

Archivo es una revista de arte y diseño que plantea el acceso a una investigación experimental a partir de la cual se desencadena una diversidad de interpretaciones visuales. La realidad es un disparador de experiencias que permite ser interpretada en capas que reflejan estadios mentales, sensaciones y procesos. Esta investigación visual genera narrativas que interactúan con el espectador, golpean su mirada y lo incitan a transformarse en un intérprete activo e inmerso en un entramado de ideas y conceptos. Por tanto, la revista pretende descomponer lo visual desde lo sensitivo para dar lugar a la construcción de submundos, ante los cuales el ojo mira cargado de un saber.

pensar en nuestros lectores

Fernández Ayelén

Universidad Nacional del Litoral Facultad de Arquitectura, Diseño y Urbanismo

Licenciatura en Diseño de la Comunicación Visual

Taller de Diseño III – Cátedra Gorodischer

Proyecto Final Revista

Alumna:

Fernández Ruberto Ayelén Ailín

Cuerpo docente:

Prof. Titular: Arq. DG. Horacio Gorodischer

Prof. Adjunto: LDCV Lud. Silvia Torres Luyo

Jefes de Trabajos Prácticos:

LDCV. Mariana Oliva

LDCV. Gabriel Juani

LDCV. Darío Bergero

Pasantes en Docencia:

Ignacio Simarro

Victoria Cina

Los textos de las notas -exceptuando el cuerpo de la noticia, que utiliza texto simulado- son elaborados por la cátedra para la correcta realización del proyecto. Estos son desarrollados a partir de artículos de diferentes autores, por los docentes y los propios alumnos del taller 3.

Las imágenes son extraídas de diversos bancos y su utilización responde únicamente a un objetivo pedagógico y proyectual.

Año 2022

Santa Fe, Argentina

16

INNOVACIÓN&TECNOLOGÍA

La irrupción del criptoarte

PERSONAJES

Sergio De Loof

SOCIEDAD&CULTURA

Musas o artistas: el rol de la mujer en la historia del arte

22

LÍNEA DEL TIEMPO

El afiche is not dead

MISCELÁNEAS

Videojuegos, exposiciones y muestras, playlists, libros y películas

Alejandra Pizarnik

POEMA ILUSTRADO 30 36

“Venus milk” de Honey&Prue

FOTOGRAFÍA MODA

Lo masculino del ayer

40 46

Universo de sentido: la identidad del “malquerer”

El diseño, los memes y las redes

CINE

MÚSICA ACTUALIDAD 50

Euphoria: citas a la historia del arte

IRRUPCIÓN DEL CRIPTOARTE

Los NFT son el nuevo modo de coleccionismo en activos digitales únicos que viene a desbancar viejas tradiciones en la transacción de arte y el consumo de última generación, planteando otro paradigma en el sector cultural.

La irrupción del ‘blockchain’ está democratizando el acceso a la música producto de la descentralización. Beneficios para emergentes y consagrados. El criptoarte aparece como un nuevo escenario que involucra intereses artísticos, tecnológicos, financieros y sustentables. Para hacer un paralelismo con algún advenimiento tecnológico, político y cultural de similares magnitudes en el pasado, se suele comparar con la aparición de la web. Si nos remontamos a aquel entonces, existen varios registros de entrevistas de la época donde se intenta dar innumerables explicaciones sobre el impacto que tendría y la manera en que afectaría nuestra vida diaria. Con el diario del lunes es fácil detectar que tal vez la dificultad radica en tratar de lograr una comprensión técnica del asunto. Haremos entonces un intento para, a través de nuestra experiencia, bajar

la cuestión a tierra a través de conceptos básicos. Hoy, la mayor fortaleza del criptoarte radica en la blockchain, una tecnología descentralizada, es decir, que no responde a una autoridad única y que permite almacenar datos de una manera casi imposible de falsificar. Permite certificar la propiedad y autenticidad de activos digitales como los tan renombrados NFTs.

Convertir una obra en NFT permite que los escépticos no puedan ampararse bajo la idea de que el original seguía siendo en formato tangible.

En pocos meses, los NFTs han trastocado el mundo del arte digital hasta tal punto que muchos artistas ya no conciben su trabajo sin ellos.

Las obras digitales, por su propia naturaleza, pueden ser copiadas y replicadas infinitamente. Los NFT no eliminan ese riesgo, pero generan un registro digital único que autentifica la propiedad de una versión concreta de una obra digital.

La iniciativa es un primer paso para abrir el juego a esta nueva tecnología, aprender juntos y analizar el mercado local. Para el equipo elegido, la experiencia propone la co-creación, composición y lanzamiento de un NFT en la tecnología blockchain. Cada miembro del equipo podría entonces contar con la propiedad intelectual de la pieza creada y con regalías e iguales porcentajes.

REVOLUCIÓN

Todo indica que estamos frente a un nuevo escenario de acción, con una tecnología que desembarca con un discurso de democratización del acceso al arte, producto de la descentralización. Un cambio ya en marcha que se extiende por grupos de Telegram, Twitter y Discord a una velocidad que no hemos visto antes. Para un colector comprar una pieza o un coleccionable de CriptoArte,

puede ser divertido e incluso muy rentable ya que representa un activo que puede o no estar apalancado en una obra material, pero que sin duda verá incrementar su valor en virtud de múltiples factores, como por ejemplo las mismas leyes del mercado, el storytelling del CriptoArtista, la comunidad que lo impulsa, la originalidad de la obra, el apalancamiento en la obra material, o como sucedió con una obra de Banksy , titulada ‘Morons’ , donde la obra es filmada en tanto era quemada por un grupo de entusiastas del arte y la tecnología. Hoy la obra no existe físicamente, sino solo en formato NFT por lo tanto se traslada el valor de la obra física quemada al NFT que perdurará eternamente, en tanto la obra material antes de ser quemada fue valuada en 95000 dólares. Para un CriptoArtista, vender una pieza como CriptoArte, puede significar un importante ingreso económico y representar una manifestación política.

La escasez es lo que le otorga más valor a la obra. La destrucción de la pieza en físico garantizar aún más la originalidad.

EN EL MUNDO DEL ARTE

¿Qué pasa con la obra material?

El intercambio se hace sin intermediarios y con un bajo coste en la transacción. Este concepto nace de la necesidad de proteger la autenticidad del arte digital y de la facilidad que existe a la hora de duplicar cualquier archivo digital, porque el valor de una obra de arte digital reside en las mismas características que una obra de arte tradicional: su autenticidad, exclusividad y propiedad. Para preservar estos tres aspectos en el arte digital, han surgido los Non Fungible Tokens (NFT), activos digitales que representa una cantidad de dinero, que se almacena en una arquitectura blockchain, y que contienen toda

Uno de los temas que más debate genera entre defensores y críticos de los NFT es la cuestión de qué es lo que realmente compra alguien cuando adquiere un NFT. La digitalización de una pintura hace que sea fácilmente reproducible simplemente guardando una imagen en un disco duro. El mundo del coleccionismo de obras de arte está experimentando una verdadera revolución de la mano de conceptos para muchos aún desconocidos como el blockchain. Esta tecnología ha hecho posible el criptoarte, un fenómeno en auge entre coleccionistas e inversores que empieza a despuntar en nuestro país. El blockchain es una tecnología revolucionaria que hace posible al autor de una obra venderla en formato digital sin que pueda ser copiada o pirateada y se le ha denominado NFT. Además, el intercambio se hace sin intermediarios y con un bajo coste en la transacción. Este concepto nace de la necesidad de proteger la autenticidad del arte digital y de la facilidad que existe a

la información referente a la obra de arte digital de forma totalmente segura y transparente, de manera que no se puede intercambiar. Con los NFT, las obras de arte digitales se pueden vender como objetos únicos, ya que, a pesar de que su archivo se puede duplicar, es posible verificar su originalidad y propiedad gracias al blockchain. Por este motivo, se guarda la identidad del artista original, el propietario actual, el valor original o las transacciones a lo largo del tiempo, entre otros. El cripto arte está estrechamente relacionado con las criptomonedas y los mercados.

la hora de duplicar cualquier archivo digital, porque el valor de una obra de arte digital reside en las mismas características que una obra de arte tradicional: su autenticidad, exclusividad y propiedad.

¿QUÉ

PASA CON LA OBRA MATERIAL?

La razón por la cual algunos artistas queman obras de arte es porque se trata de una forma de transitar al arte digital a través de los NFTs y porque, convirtiéndola en items virtuales, perdurará para siempre, “inmortalizándola”. Segura y transparente, de manera que no se puede intercambiar. Con los NFT, las obras de arte digitales se pueden vender como objetos únicos, ya que, a pesar de que su archivo se puede duplicar, es posible verificar su originalidad y propiedad gracias al blockchain. Por este motivo, se guarda la identidad del artista original, el propietario

Si la vida digital incluye finanzas, economía, foros,videojuegos, y redes sociales, el paso hacia una vida artística 2.0 era apenas cuestión de tiempo.

Antes, los artistas que trabajaban con soportes digitales tenían verdaderas dificultades para comercializar su producto porque no podían distinguir el original de una copia. Con la inclusión de los NFTs se puede confirmar la autenticidad de las obras de manera democrática y descentralizada.

LA EXCLUSIVIDAD, SIEMPRE LA EXCLUSIVIDAD

Con los NFT, las obras de arte digitales se pueden vender como objetos únicos, ya que, a pesar de que su archivo se puede duplicar, es posible verificar su originalidad y propiedad gracias al blockchain. Por este motivo, se guarda la identidad del artista original, el propietario actual, el valor original o las transacciones a lo largo del tiempo, entre otros. El cripto arte está estrechamente relacionado con las criptomonedas. En los mercados de cripto arte, no se utilizan euros o dólares, sino que se paga con monedas virtuales, como Ethereum (ETH) o Solana (SOL), a cambio de obras digitales únicas y auténticas. Algo que se hace a través de subastas. Lo cierto es que todo esto no sería posible sin el blockchain, una base de datos distribuida que se utiliza habitualmente para la compraventa de criptomonedas, pero que, sin embargo, tiene muchas más aplicaciones, como los contratos digitales o smart contracts, los cuales se basan en la legalidad que ofrece contrato.

En este caso, cuando un artista digital vende su obra, se crea un contrato digital que vincula el token NFT a la obra en cuestión, así como la transacción en criptomonedas y las partes implicadas. Asimismo, este contrato digital se almacena dentro del ecosistema blockchain, por lo que es imposible que todo esto se modifique de forma fraudulenta. Por el contrario, es muy sencillo comprobar si las obras son auténticas o no. Los volúmenes de negociación en el mercado de tokens no fungibles (NFT), peer-to-peer OpenSea, el mayor marketplace de cripto arte de la red, han aumentado en más de un 12% en 2021. Y es que cada vez son más las personas que se animan a coleccionar arte digital, ya sea para apoyar a los artistas digitales que más les gustan.

por ANDRÉ RICARD

Los avatares NFT están orientados a la comunidad y tienen un valor intrínseco: representan una forma de identidad digital.

encriptado

Obra original “El grito” de Edvard Munch

Una vez se tenga el arte en digital, se debe declarar la obra como única. El artista puede declarar ambas obras como legítimas ya que una física y la otra es digital.

¿Por qué pagar por algo que puedo tener gratis?

El intercambio se hace con un bajo coste en la transacción. Este concepto nace de la necesidad de proteger la autenticidad del arte digital y de la facilidad que existe a la hora de duplicar cualquier archivo digital, porque el valor de una obra de arte digital reside en las mismas características que una obra de arte tradicional: su autenticidad, exclusividad y propiedad. Para preservar estos tres aspectos en el arte digital, han surgido los Non Fungible Tokens, activos digitales que representa una cantidad de dinero, que se almacena en una arquitectura blockchain, y que contienen toda la información referente a la obra de arte digital de forma totalmente segura y transparente, de manera que no se puede intercambiar. Con los NFT, las obras de arte digitales se pueden vender como objetos únicos, ya que, a pesar de que su archivo se puede duplicar, es posible verificar así su originalidad.

“NO

///EL REY DEL UNDER NUNCA MUERE

Una obra ambulante, un alquimista que transformaba el cotolengo en arte contemporáneo, un príncipe-mendigo del under de los ochenta, noventa y más acá. Sergio De Loof, que pasó sus últimos años fumando en la cama, no temía a la muerte sino al olvido: antes que un velorio mediocre, su último deseo fue que sus cenizas sean arrojadas en Río de Janeiro. Su obra fue él mismo: una vida contra toda etiqueta, contra todas las caretas.

UN AUTODIDACTA DEL CONURBANO

Una Historia del Trash Rococó presenta su carácter beligerante, su manera no tradicional de producir y exhibir arte y el carácter efímera de gran parte de su obra. Desarrollando un estilo lumpen-glam, que tiene algo de vintage pero sin nostalgia sino como una estética del reciclaje como ecología de la belleza recargada del descarte, la poética de Sergio De Loof se convirtió en un raro exponente de la posvanguardia local, donde la moda, el diseño, la performance, la literatura y otras tantas cosas se mezclan con una vitalidad, un informalismo y una libertad muy infrecuente ubicada entre el chic y el shock. Desde una complicidad absoluta, Miguel Mitlag acercó el ojo a De Loof a fines de los 90, para capturar en plena expansión. su particular sensibilidad y su pensamiento

elíptico y descentrado. Aliado con un movimiento que en aquellos años atravesaba su mejor momento, como la re-galería “Belleza y Felicidad”.

De Loof prepara muestras, fiestas, desfiles, un concurso de ikebana, un espectáculo basado en el Werther de Goethe, edita la revista Wipe y ejecuta algunas performances especialmente para la cámara, para seguir tratando de demoler toda frontera que disocie la vida del arte.

¿SENTISTE HABLAR DE MÍ?

De Loof era una especie de príncipe mendigo que pasó los últimos años como un clochard, buscando apoyo económico para sus desmesurados proyectos. Artistas plásticos cercanos donaron obra para una es-

tengo errores ortográficos, soy asi!!!!

En los 90, De Loof editó su propia revista “Wipe”, junto a Alfredo Visciglio y Paulo Russo.

mendigo

SOY DISEÑADOR DE MODA NI ARTISTA, SOY TODO”

“EL CAMINO ES EL ARTE, ESO TE LLEVA A LA BELLEZA, AL AMOR Y AL BRILLO. TODO ESTÁ ESCRITO.”

pecie de subasta en la galería Cosmocosa, donde se juntaron 26 mil dólares y, luego, Amalia Amoedo le organizó la muestra “Trucha”, con la que sumó 30 mil dólares más. Todo estaba destinado a un nuevo lugar que De Loof llamaba La Guillotina y que definía como “una obra de arte en la que pudieras sentarte a comer una papa hervida”. La idea no llegó a concretarse. Mientras las redes se llenan de anécdotas de quienes lo conocieron mucho o apenas, una estampa lo define y a su legado, la de un artista inclasificable. Era el creador inquieto -decorador, diseñador de arte, impulsor de movidas culturales, ambientador, en el sentido más amplio de la palabra- con un estilo reconocible: barroco, recargado, irónico, su trash rococó. Decía que lo suyo era crear una moda hermosa para pobres y feos. Y por ahí andaban sus musas: por encontrar la belleza en lo que nace predestinado a ser lo contrario.Jugaba con los materiales en trajes, creaciones, películas o espacios arquitectónicos donde mezclaba imágenes que remitían a palacios reales.

por MANUEL ZABALA

#reseña

Batato Barea

Nacido con el nombre de Salvador Walter Barea, el 30 de junio de 1961, en Junín, provincia de Buenos Aires. Fue actor, performer y clown esencial de la escena under de los años ochenta. Él mismo se definía como clown travesti literaria.

A su alrededor, los límites de la moda, el teatro y el arte se disolvían con irreverencia, atravesados por el humor y el escándalo.

De Loof continuó con la tradición Duchampiana del ready made utilizando una obra de arte existente reinterpretada a partir de una intervención.

“YO NO FUI UNDER, NO ME VESTÍA DE NEGRO, LO MÍO ERAN LOS COLORES FLÚO, ROSA, CELESTE,VERDE…”

“EN LA NATURALEZA NO HAY MALAS NI BUENAS PERSONAS,HAY GENTE QUE SE COME A OTRA. O TE DEJÁS COMER O TE SALEN GARRAS.”

SOCIEDAD&CULTURA

Las mujeres han sido protagonistas de infinidad de obras de arte a lo largo de la historia. Han sido las modelos y las musas quienes se mostraban en muchos de los cuadros más importantes de todas las épocas, como las señoritas de Avignon, las majas, la Mona Lisa, las venus o las prostitutas de Toulouse-Lautrec. Mientras algunas mujeres se dejan ver en las paredes de los museos, ¿qué pasa con aquellas que fueron silenciadas en la historia del arte?

¿EL RESULTADO? UNA VISIÓN ANDROCÉNTRICA DEL ARTE QUE HA BORRADO A MUCHAS PIONERAS QUE MERECEN UN LUGAR DESTACADO EN NUESTRAS CONCIENCIAS ARTÍSTICAS.

En los últimos tiempos, los estudios feministas nos han hecho ver la realidad con otros ojos. Investigadores (o quizás deberíamos decir investigadoras) de los más variados campos del saber se han preocupado por la situación de la mujer y de su historia, ofreciendo un nuevo enfoque y presentándonos una realidad hasta hace poco desconocida. Cosas que hasta ahora nos parecían incuestionables de repente ya no nos lo parecen tanto. Así, por ejemplo, cuando nos acercamos a la historia del arte no podemos evitar preguntarnos: dónde están las mujeres.

LAS ETERNAS OLVIDADAS BAJO UN SEUDÓNIMO

En un primer momento, lo primero que pensamos es que no se conocen las mujeres artistas simplemente porque no las hubo. En una sociedad tradicional en la que la mujer quedaba relegada al ámbito doméstico y a las labores de crianza, no eran pocas las

dificultades con las que se encontraba una mujer que quisiera algo diferente. En efecto, la sociedad transformaba a las mujeres en esposas y madres y esperaba que ellas cumplieran su papel con obediencia y sumisión. Sin embargo, hubo excepciones, hubo mujeres que lograron superar esas barreras, desarrollar una profesión y dedicarse a su vocación, aunque en ocasiones eso les supuso tener que renunciar a otras muchas cosas. Entonces, si ciertamente hubo casos de mujeres creadoras, ¿por qué no se las conoce? Porque las mujeres no solo han tenido que enfrentarse a la sociedad machista de su tiempo, sino también a la sociedad machista de los tiempos que las siguieron y en esa lucha ya no han salido tan vicotoriosas (al menos hasta hace poco). El arte de las mujeres simplemente ha sido ignorado. La razón principal para ello es que se ha considerado, sistemáticamente, un arte inferior.

Las mujeres artistas siempre han sido vistas como copistas e imitadoras, pero no como creadoras. Cuando se pensaba en el arte de

Mujeres que no aparecen en los libros de arte ni suenan en el imaginario colectivo por culpa del concepto de Historia del Arte procedente del siglo XIX.

las mujeres se pensaba en el arte femenino como una categoría en sí misma. Es decir, por un lado estaba el arte de los hombres y por otro el de las mujeres.

Al que se le atribuia unas características propias, así, por ejemplo, el arte hecho por las mujeres era considerado dulce, suave, sensible, sentimental, etc., por el hecho de estar realizado por una mujer. Se creía que el arte hecho por mujeres tenía más en común entre sí, a pesar de la distancia temporal que las separaba, que con los creadores de su tiempo.

Pero ¿no influiría en todo esto las barreras impuestas por los hombres a las mujeres artistas? Lo cierto es que una mujer, una vez había decidido desarrollar su carrera artística, se encontraba con ciertas barreras insalvables. Por ejemplo, aunque podían acceder a las escuelas para formarse.

LO HEGEMÓNICO Y UNIVERSAL

Hasta finales del siglo XIX tenía vedado el acceso a las clases de desnudo (excepto en alguna escuela particular). Privada de esta formación, la mujer se veía forzada a abandonar temáticas tan importantes como la mitológica y la histórica y limitarse al paisaje, los bodegones, las flores y el retrato. De este modo, los géneros considerados más importantes y los que permitían que un artista fuera considerado un genio, quedaban exclusivamente en manos de los hombres. Debemos asumir que la historia en general es una historia de hombres construida por hombres, que simplemente ha ninguneado a la mujer. Considerada inferior, la mujer parece que no merecía pasar a los canales de esta historia netamente excluyente.

“HAN SIDO SILENCIADAS Y SU RESCATE DEL OLVIDO, AFORTUNADAMENTE RECUPERADO EN LOS ÚLTIMOS AÑOS, MERECE TODOS LOS EMPEÑOS”.

ENTRE OTRAS COSAS, LA VISIÓN DE

MUCHOS

GRANDES HOMBRES DEL ARTE QUE SE DESPA -

CHARON CON OPINIONES SIMILARES A LA DE RENOIR NUNCA AYUDÓ: “LA MUJER ARTISTA ES SENCILLAMENTE RIDÍCULA”

Esposas y artistas en la sombra por Arturo Pérez Reverte

Los estudios feministas nos han hecho ver la realidad con otros ojos. Investigadores de los más variados campos del saber se han preocupado por la situación de la mujer y de su historia, ofreciendo un nuevo enfoque y presentándonos una realidad hasta hace poco desconocida. Cosas que hasta ahora nos parecían incuestionables de repente ya no nos lo parecen tanto. En un primer momento, lo primero que pensamos es que no se conocen las mujeres artistas simplemente porque no las hubo. En una sociedad tradicional en la que la mujer quedaba relegada al ámbito doméstico y a las labores de crianza, no eran pocas las dificultades con las que se encontraba una mujer que quisiera algo diferente. En efecto, la sociedad transformaba a las mujeres en esposas y madres y esperaba que ellas cumplieran su papel con obediencia y sumisión. Sin embargo, hubo mujeres que lograron superar esas barreras, desarrollar una profesión y dedicarse a su vocación, aunque en ocasiones eso les supuso tener que renunciar a otras muchas cosas. Las mujeres no solo han tenido que enfrentarse a la sociedad machista de su tiempo.

DARLE ROSTRO A LA CENSURA

Se comenzaron a desarrollar los estudios de género, que cuestionaron la historia del arte dominada por una visión patriarcal.

ARTISTAS COMO ANGÉLICA KAUFFMAN, MARIE

Artistas sin musas: nuevas mujeres

Durante siglo XIX, se acuñó el término “nueva mujer” para referirse a un fenómeno en el cual las mujeres habían decidido tomar un papel más activo en la sociedad de la que eran indudablemente parte y en el ámbito laboral al que querían acceder, le pesase a quien le pesase. Este nuevo sentir, creó una actitud que se tradujo en que algunas mujeres decidiesen despojarse de la etiqueta pasiva de musa y modelo y quisieran ser mujeres artistas. Tomaron las riendas, o los pinceles y cinceles, y se convirtieron en la parte creativa de la ecuación. La voz, la mirada, el legado. Las artistas no tenían miedo de retratar a la mujer tal y como era: un ser viviente.

MUJERES, ARTE Y PODER

Desde luego no son pocas las revisiones de la historia que podrían hacerse. Durante la mayor parte de la historia de la humanidad, a las mujeres no se les permitió practicar el arte de la misma manera que los hombres, lo que genera lógicamente que haya muchos más “antiguos maestros” que “maestras”. Uno de los libros más vendidos y estudiados con respecto a la historia del arte, de E. H. Gombrich, asignado a los estudiantes de arte de todo el mundo, menciona a lo largo de casi 700 páginas sólo a una mujer artista. “¿Dónde está Artemisia Gentileschi?

¿O Frida Kahlo? ¿O O’Keeffe?”. La desproporción a favor de lo masculino se refleja también en las colecciones de los museos, pese a que en los últimos años las mujeres representan el 70% del cupo en las facultades de arte. los museos también son cómplices de este círculo vicioso.

cambiar el discurso

En la historia del arte existieron algunas mujeres que debieron cambiar su identidad para abrirse espacio en las artes.

EL AFICHE IS

La necesidad de expresar mensajes de manera gráfica ha estado siempre presente. A lo largo de la historia, el cartel se encuentra vinculado al movimiento y realidad de las ciudades, como un fiel reflejo de la realidad social, política y cultural en la que se encontraban sumergidos sus habitantes. Además, su evolución va de la mano de las necesidades de comunicación de cada momento y se ha ido desarrollando al mismo ritmo que los movimientos artísticos y sistemas de impresión.

Un estilo deudor de las estampas japonesas, tan de moda en la época: figuras enormemente expresivas pese a estar trazadas con un mínimo de líneas, escenas llenas de vida.

Revolucionó el sector con sus coloridos anuncios, ilustrados con figuras femeninas en su mayoría y dotados de un atractivo nunca visto hasta el momento en la publicidad. De hecho, fue el primero en utilizar a la mujer como reclamo comercial.

Tras el proyecto Bauhaus, los artistas crearon carteles modernistas con tipografía atrevida y bloques de color, presentando poca ornamentación y se centran en formas equilibradas y abstractas.

LÍNEA DEL TIEMPO

JOOST SCHMIDT

LÍNEA DE TIEMPO

1960

VICTOR MOSCOSO

El diseño psicodélico utiliza el expresionismo gráfico a través de figuras abstractas, líneas fluidas, formas curvas y tipografías deformadas y líquidas, haciendo alusión al consumo de drogas alucinógenas.

2000 - HOY NENAD CIZL

Hoy existen diversas tendencias estilísitcas de corta duración que se suceden unas a otras. A pesar de la creciente digitalización, los carteles hoy en día tienen un lugar firme en nuestra estructura de material publicitario y se consideran una de las formas de publicidad más efectivas.

1990

PAULA SCHER

Se estilaba la utilización de espacios poco ortodoxos, mezclando pesos de fuente y empleando tipos de letra poco comunes e históricos. La información se construye de una manera dinámica y expresiva.

LÍNEA DEL TIEMPO

VIDEOJUEGOS

EXPOSICIONES&MUESTRAS

PODCASTS

LIBROS PELÍCULAS

Una cosa es el ojo. Otra cosa distinta es la mirada. El ojo ve. La mirada mira. Viendo, el ojo se distrae y se hace vulnerable. La mirada domina. El ojo es receptor de sensaciones luminosas.

La mirada es activa: busca, escudriña, exige y contempla; absorbe información emociones y valores. Y también los expresa: emite. (...) el trabajo del ojo es esta ambivalencia continua del ver y el mirar.

Joan Costa

Taller de Diseño III – Cátedra Gorodischer

Proyecto final revista

Fernández Ruberto, Ayelén Ailín

Bergero, Darío 2022

https://issuu.com/ayeafr/docs/fernandez-ayelen_entregafinal_prc_2022