Catálogo Nuevo Diseño Italiano

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el nuevo dise単o italiano Triennale Design Museum

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FUNDACIÓN CENTRO CULTURAL PALACIO LA MONEDA Presidente Roberto Ampuero Espinoza Ministro Presidente Consejo Nacional de la Cultura y las Artes

ÁREA ADMINISTRATIVA

Vicepresidente Drina Rendic Espinoza Miembro del Directorio Nacional Consejo Nacional de la Cultura y las Artes

Gerente de Administración y Finanzas Micaela Thais Santa Cruz

Directora Ejecutiva Alejandra Serrano Madrid

ÁREA DE EXPOSICIONES Y MEDIACIÓN Secretario Alan Trampe Torrejón Subdirector Nacional de Museos Tesorero Abdullah Ommidvar Farhadi Gerente General Arauco Films Directores Consejeros Germán Guerrero Pavez Director de Asuntos Culturales Ministerio de Relaciones Exteriores

Coordinadora Área de Exposiones Gloria Cortés Aliaga Productora de Exposiciones María Elena del Valle Yrarrázaval Encargada de Investigación y Contenidos Daniela Berger Prado Encargada de Extensión Asunción Balmaceda Delest

Antonia Lehmann Scasi-Buffa Arquitecto

Conservadora Florencia Achondo Villaseca

Andrés Benítez Pereira Rector Universidad Adolfo Ibáñez

Coordinador Programa de Mediación Alex Meza Cárdenas

Gaspar Galaz Capechiacci Profesor Titular Escuela de Arte Pontificia Universidad Católica de Chile

Productor de Mediación y Extensión Jorge González Meza Asistente Programa de Mediación Romina Salas Rojo

Nuestros agradecimientos a don Álvaro Covacevich

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ÁREA DE COMUNICACIONES Y MARKETING Coordinadora de Comunicaciones Viviana Salas Bordali Diseñadora Paola Irazábal Gutiérrez Encargado de Prensa Alejandro Barrientos Rojas Periodista Redes Sociales Sandro Sassi Vergara Asistente de Comunicaciones Claudio Silva S.

ÁREA TÉCNICA Luis Ortega Manzo Daniel Silva Bastías

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FONDAZIONE LA TRIENNALE DI MILANO

Directorio Claudio De Albertis, Presidente Mario Giuseppe Abis Giulio Ballio Renato Besana Ennio Brion Flavio Caroli Angelo Lorenzo Crespi Carlotta de Bevilacqua Alessandro Pasquarelli Comité de auditores Emanuele Giuseppe Maria Gavazzi, Presidente Alessandro Danovi Salvatore Percuoco Director general Andrea Cancellato Comité Científico Claudio De Albertis, Presidente Silvana Annicchiarico, Design, Industria y Artesanía Edoardo Bonaspetti, Artes Visuales y Nuevos Medios Alberto Ferlenga, Arquitectura y Territorio Eleonora Fiorani, Moda Asuntos generales Maria Eugenia Notarbartolo Franco Romeo Biblioteca, documentación y archivos Tommaso Tofanetti Claudia Di Martino Paola Fenini Elvia Redaelli Departamento de proyectos Laura Agnesi Roberta Sommariva Laura Maeran Carla Morogallo Violante Spinelli Barrile Alessandra Cadioli

Servicios técnicos Alessandro Cammarata Cristina Gatti Franco Olivucci Luca Pagani Xhezair Pulaj Servicios administrativos Paola Monti Marina Tuveri Prensa y comunicaciones Antonella La Seta Catamancio Micol Biassoni Marco Martello Dario Zampiron Asociado de artes y ciencia Fondazione Marino Golinelli

Triennale di Milano Servizi Srl Directorio Mario Giuseppe Abis, Presidente Giulio Ballio Andrea Cancellato, Director ejecutivo Organismo supervisor Maurizio Scazzina Servicios técnicos Marina Gerosa Servicios administrativos Anna Maria D’Ignoti Isabella Micieli Marketing Valentina Barzaghi Olivia Ponzanelli Caterina Concone

FONDAZIONE MUSEO DEL DESIGN

Consejo de Administración Arturo Dell’Acqua Bellavitis, Presidente Maria Antonietta Crippa Carlo Alberto Panigo Anty Pansera Directorio de síndicos Salvatore Percuoco, Presidente Maria Rosa Festari Andrea Vestita Director General Andrea Cancellato Comité Científico Arturo Dell’Acqua Bellavitis, Presidente Silvana Annicchiarico Mario Bellini Anna Calvera Pierre Keller Alessandro Mendini

Triennale Design Museum Director Silvana Annicchiarico Productor de actividades del museo Roberto Giusti Investigación Marilia Pederbelli Colecciones y archivos del diseño italiano Giorgio Galleani Departamento de proyectos Maria Pina Poledda Prensa y comunicaciones Damiano Gullì Actividades infantiles del Triennale Design Museum Michele Corna Logística Giuseppe Utano Laboratorio de restauración, investigación y conservación Barbara Ferriani, Coordinadora Rafaela Trevisan

SOCIOS INSTITUCIONALES

UNIVERSIDAD DEL DESARROLLO Rector Federico Valdés Lafontaine Secretario General Gonzalo Rioseco Martínez Vicerrectora Académica de Pregrado Concepción Florencia Jofré Manieu Vicerrector Académico de Pregrado Santiago Juan Eduardo Vargas Duhart Vicerrector de Postgrado e Investigación Sergio Hernández Ollarzú Vicerrector de Innovación y Desarrollo Daniel Contesse Strauss Vicerrector Económico Pablo Vargas Rodríguez

FACULTAD DE DISEÑO Decano Alejandra Amenábar Figueroa Directora de Pregrado Mención Diseño Gráfico Rosario Díaz Spoerer Director de Pregrado Mención Diseño de Ambientes y Objetos Ian Tidy Venegas Director de Pregrado Mención Diseño Digital Alejandro Pantoja Sánchez Director de Pregrado Diseño Concepción Francisco Del Despósito San Martin Directora de Extensión y Educación Continua María Bernadita Brancoli Poblete Subdirector de Extensión y Educación Continua Fernando Ananía Mendoza Coordinadora Plan Común María José Williamson Aspillaga

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EL NUEVO DISEÑO ITALIANO 6 Diciembre 2013 - 30 Marzo 2014 Centro Cultural Palacio de La Moneda

Organización y Producción en Chile Organización Centro Cultural Palacio La Moneda Centro Cultural Palacio La Moneda Triennale Design Museum Alejandra Serrano Madrid, Directora Ejecutiva Facultad de Diseño Universidad del Desarrollo Micaela Thais Santa Cruz, Gerente de Administración y Finanzas Curatoría Gloria Cortés Aliaga, Coordinadora Área de Exposiciones Silvana Annicchiarico María Elena del Valle Yrarrázaval, Productora Andrea Branzi Daniela Berger Prado, Encargada Investigación y Contenidos Comité Seleccionador Viviana Salas Bordali, Coordinadora de Comunicaciones Silvana Annicchiarico Paola Irazábal Gutiérrez, Diseñadora Andrea Branzi Luis Ortega Manzo, Jefe Área Técnica Alba Cappellieri Arturo Dell’Acqua Bellavitis Florencia Achondo Villaseca, Conservadora Carmelo Di Bartolo Pablo Brugnoli Errázuriz, Asesor Museográfico Anna Gili Facultad de Diseño Universidad del Desarrollo Stefano Maffei Cristina Morozzi Alejandra Amenábar Figueroa, Decano Mario Piazza María Bernadita Brancoli Poblete, Directora de Extensión y Dirección Continua Diseño de la Exposición Fernando Ananía Mendoza, Andrea Branzi Subdirector de Extensión y Educación Continua junto a Pelayo Covarrubias Correa, Alessandro Biamonti Director de Relaciones Institucionales Daniele Macchi Diseño Gráfico 46xy studio, Milano Mario Piazza junto a Letizia Abbate Marco Basti

Organización y Producción en Italia Triennale Design Museum Silvana Annicchiarico, Directora junto a Roberto Giusti, Productor Damiano Gullì, Prensa y Comunicaciones Marilia Pederbelli, Investigadora Maria Pina Poledda, Departamento de Proyectos Coordinación y Gestión Italia/Chile Triennale Design Museum Bárbara Pino Ahumada, Account Manager

Iluminación Doce volts EDICIÓN CATÁLOGO EN CHILE Dirección de Arte Mario Piazza Diseño Gráfico Letizia Abbate Marco Basti 46xy studio Adaptación del Diseño en Chile Paola Irazábal Gutiérrez Edición Daniela Berger Prado Bárbara Pino Ahumada Traducción José Miguel Neira Impresión Ograma

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ORGANIZAN:

colaboran:

Agradecemos el aporte del Grupo Fiat por el pr茅stamo de su modelo 500, para esta versi贸n de la exposici贸n en Chile.

Índice

12 Cartas de Presentación 17 Claudio De Albertis El Nuevo Diseño Italiano 18 Arturo Dell’Acqua Bellavitis Creatividad y Diseño 20 Silvana Annicchiarico Un Nuevo Mapa del Diseño Italiano 22 Andrea Branzi Siete Grados de Separación 26 Carmelo Di Bartolo Las Dos Velocidades del Diseño 28 Cristina Morozzi Diseños Homeopáticos 30 Anna Gili Diseño y Mujeres 32 Stefano Maffei Las Aflicciones de los Diseñadores Jóvenes 35 Alba Cappellieri Nuevos Talentos para Nuevas Joyas 37 Mario Piazza Un Diseño Gráfico con Mochila

Roberto Ampuero Ministro Presidente Consejo Nacional de la Cultura y las Artes

Qué duda cabe de que Italia es uno de los pocos países del mundo que ha logrado llegar al pináculo del desarrollo de las bellas artes y todas sus disciplinas asociadas. Históricamente hemos sido testigos de que la cultura itálica, arraigada desde la antigüedad, ha sido la más lúcida a la hora de conectar el pasado con el presente, virtud que les ha permitido generar una amplia visión de futuro que es, a su vez, única y fiel a sus tradiciones. La inigualable maestría del diseño italiano reúne todas estas cualidades que le han permitido, no sólo destacar en la escena internacional, sino también marcar tendencias y ser líderes del resto del mundo.

Hoy en Chile tenemos el privilegio de presenciar la exposición El Nuevo Diseño Italiano, que da cuenta de lo más representativo, innovador e incluso rupturista en esta disciplina durante las últimas décadas. Esta muestra del Triennale Design Museum de Milán, que incluye los trabajos de más de 130 destacados diseñadores de ese país, ya ha itinerado con gran éxito por las ciudades de Madrid, Estambul, Beijing, Nantou, Bilbao y, este año, se presentó en las Galerías Cannery de la Universidad Academia de Arte, San Francisco, a raíz de la celebración de “2013-El Año de la Cultura Italiana en Estados Unidos”. Tenerla en nuestro país es, sin duda, una enriquecedora instancia de encuentro con exponentes del diseño del más alto nivel de todo el mundo.

Impulsar activamente una agenda que acerque a Chile al diseño italiano, el que presenta un armónico y envidiable balance entre industria, territorio e identidad, ha sido una tarea que el Área de Diseño del Consejo Nacional de la Cultura y las Artes se ha propuesto y que está logrando por medio de pasos concretos. Prueba de ello es que durante los últimos tres años este vínculo se ha vuelto algo tangible con hitos que nos enorgullecen, como nuestra creciente participación en el SaloneSatellite de Milán, exposiciones asociadas al diseño –entre las que destaca la muestra del atelier Mendini en el Centro Cultural Gabriela Mistral (GAM), que contó con gran protagonismo de maestros diseñadores y empresas Italianas– y la visita a nuestro país del reconocido experto en esta materia, Marco Montemaggi.

El acercamiento que he mencionado e iniciativas como la actual exposición que tenemos, forman parte de una calle de doble vía en la cual nuestros diseñadores encuentran inspiración y conocimientos para perfeccionar su oficio, además de oportunidades para dar a conocer sus creaciones en una posición de privilegio dentro de la arena internacional.

Queremos que nuestros artistas puedan convivir y aprender con creadores que, desde el otro lado del Atlántico, nos dan muestra de nuevas tendencias que no olvidan sus sólidos orígenes; y que ellos den a conocer sus creaciones desde una posición de privilegio de la arena internacional; queremos acortar las fronteras entre dos mundos que hoy se juntan para hacer posible que el diseño viva, se muestre y evolucione.

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Alejandra Serrano Madrid Directora Ejecutiva Centro Cultural Palacio La Moneda

Por primera vez llega a Chile la exposición El Nuevo Diseño Italiano, un destacado conjunto de piezas seleccionadas por Triennale Design Museum de Milán, a través de su directora, Silvana Annichiarico, y Andrea Branzi, ambos destacados curadores de la muestra. Una propuesta rupturista y cautivante de proyectos que reflexionan sobre los procesos de producción y la materialidad de variados productos, dando cuenta de una escena con una creatividad sin límites.

Es el trabajo de 133 diseñadores italianos jóvenes con 288 proyectos, reunidos en esta exposición que ya ha visitado Madrid (2007), Estambul (2010) Beijing y Nantou (2012), Bilbao (2013) y, recientemente, las Galerías Cannery, de la Universidad Academia de Arte, San Francisco, en el marco de la celebración de “2013- El año de la cultura italiana en Estados Unidos”.

Hoy, en su parada en Santiago de Chile, El Nuevo Diseño Italiano abre los horizontes no sólo de diseñadores, arquitectos y artistas, sino que también de consultores e investigadores en áreas tan variadas como el food design [diseño de alimentos] o el diseño gráfico. Es una inédita propuesta la que llega a nuestro país, que se desvincula de la tradición italiana de los grandes maestros del diseño para crear nuevos escenarios, donde tienen cabida nuevas formas, mercados y economías.

En la era de las tecnologías y de la globalidad, la muestra emerge como una panorámica particular, ya que da cuenta de las complejas relaciones que surgen de las transformaciones económicas, sociales, y políticas desde mediados del siglo XX hasta nuestros días. Una muestra que nos invita a mirar el diseño a partir de otras perspectivas; la creatividad joven asociada a las problemáticas actuales, como son el medio ambiente y el uso eficiente de los recursos cuya transversalidad traspasa toda barrera geográfica y cultural.

Esta es una muestra atrevida, única y multifacética. En ella encontraremos obras de producción propia y otros objetos de producción en serie. Descubriremos el diseño de muebles, joyas y otros accesorios, como también productos gráficos, industriales, de iluminación y sonido, entre otros muchos y asombrosos elementos. Todo ello da cuenta de nuevos procesos de creación, que pueden también ser colectivos, transversales y asociativos, elementos claves para el desarrollo de una nueva comunidad de diseñadores, productores y consumidores.

El diseño, parte de nuestra vida cotidiana, sigue un dinamismo y evolución sorprendentes, en los que la belleza, la creatividad y la funcionalidad convergen. Esta cotidianidad llega a nuestro espacio, con innovación y elementos interactivos pensados para el disfrute de toda la familia.

Queremos invitarlos a vivir una experiencia que busca promover y valorar la nueva creatividad que surge en la cuna del diseño del Viejo Continente.

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Marco Ricci Embajador de Italia en Chile

Es para mi motivo de gran satisfacción ver inaugurada una muestra de particular prestigio, que presenta algunas de las más bellas realizaciones del Design Italiano de las últimas décadas.

La exposición El Nuevo Diseño Italiano es fruto de la colaboración entre la Triennale di Milano, la Universidad del Desarrollo y el Centro Cultural Palacio La Moneda. Luego de su primera presentación en la Triennale di Milano en el año 2007, fue inaugurada en diversas ciudades de Europa, Asia y Estados Unidos, obteniendo una apreciación unánime tanto por lo valioso de los proyectos expuestos, como por la trascendencia cultural que éstos tienen en el marco de la producción artística italiana contemporánea.

Estas obras de arte aplicado a la tecnología y a la producción industrial tienen en común con las expresiones históricas del arte italiano esa búsqueda de lo bello en toda circunstancia y en toda expresión de vida, lo que representa un rasgo característico del ‘made in Italy’.

Las piezas que componen la muestra son testimonio de un momento de la evolución de la economía y sociedad italianas, que ha marcado y transformado el modo de vivir de los italianos en el período crucial en que hemos visto enraizarse en nuestro país la cultura de la modernidad.

A partir de los productos en serie de los años cuarenta y cincuenta, se pasa al modernismo riguroso y funcional de los sesenta y setenta, y a las experimentaciones formales y productivas que, desde los años ochenta y noventa, llegan hasta el nuevo milenio, pasando por objetos rodeados de un halo de mito, o por una pátina antigua, que saben de historia y ya pertenecen al canon occidental.

Con certeza, esta importante iniciativa constituirá un significativo y creciente momento de diálogo entre Italia y Chile. Deseo expresar mis agradecimientos y mi más vivo aprecio a quienes, en ambos países, colaboraron en la organización y el éxito del evento.

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Alejandra Amenábar Decano Facultad de Diseño Universidad del Desarrollo

La exposición El Nuevo Diseño Italiano, comisariada por Silvana Annicchiarico y Andrea Branzi, es el resultado de un minucioso trabajo realizado por el experimentado equipo de La Triennale di Milano, uno de los museos de diseño más importantes a nivel mundial. Luego de una reunión, hace casi tres años, con el presidente de la Fondazione Museo del Design, Arturo Dell’Acqua, supimos de su existencia y nos pareció relevante que se hiciera presente en nuestro país.

En la actualidad, el debate principal en Italia en torno al diseño se centra en cuál es el rol que deberían tener los jóvenes diseñadores en la sociedad. Esto último trae, inevitablemente, las comparaciones con los grandes maestros del siglo XX que generaron, en gran medida, el prestigio del diseño italiano a nivel mundial.

Hoy el mundo ha cambiado, y los jóvenes diseñadores italianos están buscando nuevos caminos para obtener resultados tan significativos como sus antecesores, pero con una mirada diferente: la mirada del siglo XXI. Es aquí donde surge una gran oportunidad. Si bien no tenemos la historia de Italia y el contexto local en el área de la industria es significativamente menos desarrollado, tenemos a nuestro favor que el mundo de hoy está más conectado, por lo tanto las nuevas generaciones se ven enfrentadas a desafíos similares. El mercado, a nivel global, exige cada vez más productos que logren satisfacer sus necesidades. De este modo, poder contemplar y experimentar esta muestra nos sitúa frente al futuro y permite hacer frente a la necesidad de incorporación del diseño en los procesos y en la generación de valor, ya que probablemente existan pocas disciplinas tan creativas, que pueden transformar la realidad y mejorar la productividad como el diseño; una herramienta clave para el desarrollo y la innovación.

Nuestra misión como Facultad es masificar el diseño, acercarlo a las personas, mostrar su valor para que su labor sea entendida y generar puentes para la unidad de distintas áreas. Un ejemplo de esto fue nuestra participación en la organización de las dos últimas Bienales de Diseño, las cuales tuvieron por objeto dar a conocer el desarrollo y crecimiento que ha tenido la disciplina tanto a nivel local como global. Por ello, consideramos trascendente ir más allá y dar a conocer de manera masiva las experiencias de países desarrollados en diseño, como es el caso de Italia, que ha logrado promoverlo y difundirlo, fortaleciendo una imagen país potente, con énfasis en el valor agregado de su industria.

Agradecemos a nuestros socios del Centro Cultural Palacio La Moneda y a La Triennale di Milano, quienes junto a la Facultad de Diseño de la Universidad del Desarrollo, hicieron posible que este proyecto se haya convertido en una realidad.

Los invitamos a recorrer esta muestra, a ampliar su mirada y dar cuenta del aporte que el diseño puede tener para el desarrollo cultural y social de nuestro país.

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El Nuevo Diseño Italiano Claudio De Albertis Presidente, La Triennale di Milano

Nunca antes en la historia el diseño había disfrutado de la inmensa popularidad que ahora posee en todos los campos, desde la comunicación hasta la educación, con universidades y escuelas de diseño que proliferan alrededor del mundo.

También podemos ver, año tras año, que surgen más "semanas del diseño" en numerosos países, las artes convergen con mayor intensidad y aparecen más calificaciones como "hoteles de diseño", "restaurantes de diseño" y "alimentos de diseño", entre tantas otras.

Es posible que no estemos prestando suficiente atención al hecho de que el diseño es el resultado de una investigación científica, cultural y tecnológica desarrollada por individuos y empresas. Si bien a veces trabajan de empíricamente, lo hacen de manera conjunta en la creación de productos (los cuales pueden ser intangibles) que ayudan a mejorar la vida de todas las personas, cada día. Productos que duran "para siempre" -es decir, que duran hasta que a alguien se le ocurre algo mejor en términos de rendimiento, calidad, costo, belleza y otros factores.

En parte, esta explosión de interés en el diseño no es sino el resultado del éxito y la expansión de mercados que exigen constantemente productos bien hechos y bien diseñados. La Triennale di Milano, a través del Triennale Design Museum, ha intentado comprender los cambios que han traído consigo los jóvenes que han ingresado a esta profesión en un país como Italia, reconocido universalmente como el líder de este fenómeno.

Primero, se reveló que no solo en Italia, sino también en otros países, la profesión más apetecida por los jóvenes es la de diseñador.

En segundo lugar, quedó clara la relación que los jóvenes han podido y querido establecer con la historia del diseño italiano y sus "maestros" - quienes siguen siendo personajes de significativa influencia e incluso de una extraña presencia,

que es superior a la que existe en cualquier otro país. Esto los ha llevado a comprometerse con su profesión de manera mucho más profunda que la exigida a sus colegas de otras partes del mundo.

El tercer resultado, y probablemente el más interesante, aborda la relación con las tecnologías de la comunicación y con las oportunidades e innovaciones que ahora están disponibles para el mundo del diseño. En efecto, hemos visto la proliferación de productos independientes y una nueva forma de artesanía y creación, ya sea por decisión propia o por necesidad, en personas jóvenes que desean tener un mayor grado de autonomía y control sobre su proceso creativo. Buscan también oportunidades de producción en un sistema económico que pende de un hilo, en parte debido a la crisis y en parte por el hecho de que las industrias italianas no poseen el tamaño para competir a nivel internacional y seguir el ritmo de los nuevos desafíos del diseño que presentan las generaciones más jóvenes.

El Nuevo Diseño Italiano es un evento que disfruta de gran éxito y ésta, su tercera edición, se realiza bajo la dirección de Silvana Annicchiarico. La muestra es una fiel panorámica de la situación actual, en la que se ilustran las características de la nueva generación del diseño italiano a través de una exposición diseñada por uno de sus grandes maestros, Andrea Branzi, la cual fomenta la interacción, dando pie a distintas preguntas.

Demuestra, además, que un museo como el Triennale Design Museum es capaz de observar la historia, examinar el presente y mostrar el camino hacia el futuro.

La vitalidad de La Triennale di Milano, que se ha mantenido fiel a su misión durante ochenta años, se puede ver claramente en este trabajo de análisis y representación, sin alabanzas a los santos del pasado y con la disciplina e impulso de lo más refinado del diseño italiano.

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Creatividad y Diseño Innovación: los procesos formativos Arturo Dell’Acqua Bellavitis Presidente, Triennale Design Museum

En un mercado fuertemente homólogo, como en el que se desenvuelven las empresas de hoy, a los profesionales se les exige encontrar nuevas soluciones para estimular nuevos deseos de consumo, entregar razones válidas que sean la base del acto de comprar un producto y multiplicar las oportunidades de diálogo con los consumidores. Ya no basta con crear el bosquejo de un producto con un lápiz y pasteles o con una herramienta digital. El mundo de hoy exige la formación de especialistas capaces de leer correctamente las señales de la calle y transformarlas en soluciones exitosas en relación a los valores y códigos que conforman la identidad de una empresa.

Los responsables de la educación de estos futuros diseñadores deben aplicar un método de enseñanza que estructure la creatividad de los estudiantes, fomentando su evolución desde el simple talento artístico a la habilidad de estudiar los procesos de innovación. Es a través de ellos que las nuevas ideas se crean y se transforman en valor económico.

Si comparamos la historia industrial de posguerra en Italia con el desarrollo de la experiencia de diseño del país -es decir, el diseño de los llamados "maestros"-, podemos ver una relación muy fuerte entre el modelo de desarrollo organizacional local (el distrito industrial), la especificidad de los bienes, la especialización de la producción y la actividad de diseño. En los sistemas empresariales del distrito italiano existe un claro enfoque de exploración y una perspectiva de conexión con el diseño en los procesos de innovación de los productos. Esto ha operado como un facilitador del sistema de diseño, el que ha hecho uso del conocimiento local para desarrollar nuevos procesos y artefactos.

Tanto el sistema económico como del diseño italiano se han desarrollado activamente a través de un proceso de interacción, llegando a ser lo que hoy son a través de complejos mecanismos de aprendizaje social. Esto ha traído como resultado el rasgo inconfundible de la innovación de productos que muchos en Italia y el extranjero conocen como creatividad. Con el establecimiento de un entorno específico para la formación en diseño, varios enfoques han evolucionado para convertirse, en los últimos treinta años, en un conjunto de disciplinas interconectadas que dialogan

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continuamente. Dentro de estas disciplinas es posible identificar varias macro-áreas que fomentan algunos aspectos específicos del rubro, según su bagaje cultural y el contexto social en el que se desarrollaron.

En sus praxis educativas y actividades de investigación, los distintos departamentos y escuelas han analizado de qué manera el diseño industrial es la disciplina que aborda el diseño y la evaluación de los productos industriales.

Además, han integrado disciplinas de diseño (derivadas de sus orígenes arquitectónicos y artísticos) con temas relacionados a la tecnología y la administración. Esto ocurre en un entorno educativo que considera las dificultades propias de los procesos de transformación de los sistemas de producción, en los cuales la innovación de los productos se integra con los resultados de investigaciones desarrolladas en Italia y el resto del mundo. A su vez, esto permite evaluar desde el punto de vista teórico, crítico e histórico las suposiciones y consecuencias de las actividades de diseño que buscan alcanzar un objetivo específico: valorar las identidades locales en la producción local, donde los participantes buscan constantemente elementos que les entreguen una ventaja competitiva y sean sustentables, no solo desde el punto de vista medioambiental.

Explicar el diseño hoy, implica explicar la complejidad de la sociedad contemporánea. Es fundamental dejar en claro la necesidad de una capacitación diversificada, en la que disciplinas que no suelen relacionarse con el diseño (como economía, ciencias sociales, ciencias informáticas, psicología cognitiva, entre otras) tengan cierta influencia y contribuyan a la definición y evolución de un proyecto, a su estrategia de mercado y a la presentación del producto final.

Desde esta perspectiva, el curso de Diseño de Vestuario del Politecnico di Milano parece realmente innovador.

En él, los estudiantes de Diseño participan durante un año de la clase de Economía Empresarial de la Università Commerciale Luigi Bocconi, trabajando además con el enfoque sociológico de la Università Cattolica. Por un lado, el curso fomenta la capacidad de imaginar, innovar, inventar y diseñar; por otro, lleva al estudiante a considerar estos elementos de manera estratégica para que lo que era solo un sueño en un comienzo, pueda transformarse en realidad. Por

tanto, gracias a la original aproximación de los contenidos del curso, el proceso de capacitación se expresa a través de una renovación continua de los perfiles que refleja los constantes cambios del mercado laboral.

Además del núcleo histórico de industrias italianas en las que surgió el diseño de productos -aquellas ligadas mano a mano con el alma de la economía nacional: madera y mobiliario, vestuario, mecánica y textiles-, se han materializado nuevas alternativas relacionadas con las tecnologías, diseño estratégico, diseño de servicios, comunicaciones, ingeniería de usabilidad, diseño de alimentos y diseño de las experiencias olfativas y auditivas.

En el mundo profesional de hoy, la figura tradicional del diseñador que es responsable no solo de diseñar el producto, sino también de empacarlo y promocionarlo, ha sido reemplazada por un conjunto de personas con roles especializados. Esto se debe tanto al aumento de la variedad de tecnologías de representación y diseño avanzado como a la amplia gama de medios de comunicación. Dejando a un lado las filosofías y metodologías de trabajo utilizadas, los docentes de los nuevos profesionales del mundo del diseño deben sobre todo ayudar a sus estudiantes a comprender la importancia de todos los aspectos que conforman la compleja realidad de la sociedad y el sistema en el que deberán desempeñarse.

La enseñanza tiene por objetivo convertir a los estudiantes en profesionales capaces de responder a esta necesidad, quienes deben hacerse cargo de renovar continuamente sus perfiles de trabajo para alinearse con los cambios del sistema de la moda, y por lo tanto, del mercado de trabajo.

Como consecuencia, en los últimos años, la figura del diseñador de vestuario se ha visto acompañada por la del director de diseño (responsable de la imagen general de una marca), el gerente de producto (quien realiza un seguimiento a una línea de productos y se relaciona con la oficina de marketing y el departamento creativo), el gerente comercial (quien decide qué productos se deben agrupar dentro de una misma marca y coordina y administra las adquisiciones a nivel global), el gerente de contabilidad (responsable del sistema contable, cada vez más sofisticado), el gerente de tienda (quien dirige los puntos de venta, toma

nota de las tendencias y las comunica al departamento creativo de la empresa) y el gerente de retail (quien se encarga de la distribución).

Todos estos cargos se enmarcan dentro de contextos muy estructurados y se comunican con las áreas encargadas de la concepción, el desarrollo, la producción, la comunicación y los servicios. Ello es posible gracias a una capacitación interdisciplinaria.

Las experiencias de educación y formación que ofrece el Departamento de Diseño del Politecnico di Milano (pionero en Italia) han demostrado cuán esencial resulta combinar los elementos básicos del diseño (metodología, técnica y operación) con habilidades que no se suelen considerar parte del diseño (científicas, tecnológicas, ingenieriles, económicas, administrativas, críticas, antropológicas y sociológicas), pero que contribuyen activamente a la administración creativa del proyecto, sus estrategias de marketing y comunicaciones.

La creatividad emocional y una administración rigurosa deben conformar un todo sólido y unificado. Solo de esta manera se podrá navegar en un mercado global compuesto por consumidores cada vez más informados.

En cuanto a la disciplina del diseño de interiores, debemos considerar que hoy se consideran "interiores" todos los espacios en los que un ser humano habita u ocupa parte de su tiempo: casas, oficinas, hoteles, áreas de recepción, hospitales, tiendas, medios de transporte, áreas de servicios públicos, e incluso no-lugares, como espacios no definidos en los que se enfoca el proyecto de diseño.

Los departamentos de Arquitectura y Diseño del Politecnico di Milano han decidido abordar sus cursos de manera diferente: el primero prioriza la importancia de la relación entre el proyecto y su entorno, mientras que el segundo considera el diseño como un acto inventivo que agrega algo a la realidad que ya existe, en una falta de previsión metodológica que no es compatible con la idea del diseño como un acto que busca cambiar la realidad; en su lugar, lo guía hacia un horizonte de orden y lógica. Este enfoque ha permitido al diseño italiano desarrollar un original modelo de operación basado en la capacidad de dialogar espontáneamente con las pequeñas y medianas empresas.

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Un Nuevo Mapa del Diseño Italiano Silvana Annicchiarico Directora, Triennale Design Museum

De vez en cuando, nos podemos encontrar, a veces inadvertidamente, en los vestigios de lo nuevo, poniéndonos un par de viejos anteojos usados, adoptando puntos de vista que pueden ser probados y examinados, pero que muchas veces no son capaces de captar las transformaciones que están ocurriendo. El Nuevo Diseño Italiano es una exposición cuyo objetivo principal es evitar este error. Es decir, busca no caer en la trampa de comprimir necesariamente lo nuevo dentro de lo conocido. Intenta no enmarcar el presente con los paradigmas conceptuales y teóricos que han permitido leer e interpretar el pasado.

El Nuevo Diseño Italiano es más que nada la continuación y el término de la exposición Il paesaggio mobile del design italiano que se realizó en La Triennale di Milano en febrero de 2007.

Aquella muestra, pionera en muchos aspectos, surgió a partir de una clara ruptura metodológica. Si bien podría estar sujeta a debate, fue una ruptura consciente y explícita: la convicción que para formarse una idea de los nuevos escenarios y prácticas del diseño italiano, era mejor no basarse fundamentalmente en las intuiciones, decisiones y sugerencias de un curador elevado a la figura de semidiós, sino comenzar con una consulta colectiva que permitiera crear un mapa detallado del mundo cambiante y complejo al cual se estaba enfrentando.

Como resultado, a modo de construcción de una red social, participaron asesores, empresas e instituciones y se solicitaron postulaciones. Se retomó y sistematizó el trabajo invaluable de las nominaciones que se había desarrollado en años anteriores, obteniendo material de revistas de comercio y del SaloneSatellite de manera constante.

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Se realizaron consultas a maestros del diseño, investigadores y expertos y se entablaron diálogos con escuelas, universidades y centros de formación. Finalmente, el comité seleccionador encabezado por Andrea Branzi -un Maestro que se mostró especialmente interesado en la investigación de los procesos desarrollados por las generaciones que lo sucedieron- analizó todas las nominaciones y las completó con la información de la que ya disponía. Posteriormente, se realizó la selección de los diseñadores -tanto individuos como grupos-, a quienes se invitó a formar parte de la exposición.

El mapa no solo consideraba el diseño de mobiliario, sino que analizaba un área mucho más amplia para identificar todos los nuevos sectores -desde los alimentos hasta las comunicaciones- en que el diseño había ingresado durante los últimos años. No solo estuvieron presentes diseñadores de productos tradicionales, sino también profesionales que trabajaban en la web, en gráficos, vestuario y textiles, además de redactores, diseñadores de joyas, diseñadores multimedia y otros que trabajaban con imágenes digitales, estilo y narrativa.

En otras palabras, había diseñadores de todo tipo: no solo diseñadores-arquitectos, sino también directores de arte, consultores, coordinadores comunicacionales y diseñadores encargados de realizar investigaciones y experimentos.

En un país como Italia, que sigue siendo básicamente gerontocrático y que no hace mucho para promover un recambio generacional, nos pareció que cada vez era más necesario entregar espacio, voz y visibilidad a la creatividad joven de Italia, alejándonos del cliché de que el diseño dejó de existir cuando el siglo XX llegó a su fin. El primer

resultado de este trabajo fue la creación de una base de datos, disponible para las actividades institucionales del Triennale Design Museum, como también para empresas, instituciones y todo el sistema de diseño.

Por razones obvias, éste era un mapa parcial e incompleto.

Sin embargo, fue precisamente esto lo que nos estimuló a implementar esta base de datos y a mejorarla constantemente a lo largo del tiempo. El Nuevo Diseño Italiano surgió de este trabajo continuo por implementarla y completarla. Su resultado es un mapa lleno de creatividad italiana joven que se extiende hasta el día de hoy.

Después de visitar Madrid (2007), Estambul (2010), Beijing y Nantou (2012), y Bilbao (2013), El Nuevo Diseño Italiano pasó por San Francisco y llega hoy a Santiago con una selección actualizada de 288 proyectos de 133 diseñadores. La selección abarca un panorama realmente multifacético. Desde diseño de mobiliario a diseño de comunicaciones, pasando por food design, diseño web, diseño de joyas y diseño gráfico, todos se combinan en una visión amplia y orgánica del proceso creativo del diseño.

Los objetos de la muestra comprenden desde aquellos producidos en masa hasta pequeñas autoproducciones, que en ocasiones se acercan más al concepto de artesanía. Sin embargo, el contraste entre la producción independiente y la producción en masa no es un punto fundamental de esta exposición. Muy por el contrario: son precisamente la autoproducción, la experimentación y la investigación las que en realidad dan energía y vida a la industria, la que a su vez fomenta la experimentación.

Este enfoque se basa en la convicción de que el diseño

contemporáneo se encuentra en un modelo totalmente distinto del que dominó durante la época de los "Maestros". Por aquellos días, la cultura del diseño buscaba crear productos terminados y funcionales, mientras que hoy, habiéndose transformado de alguna manera en una "profesión masiva", el diseño genera procesos, más que productos, y surge principalmente como una forma de autorrepresentación de la capacidad del diseñador de imaginar, crear e innovar.

Los nuevos diseñadores de hoy no son ni herederos ni pupilos de los Munaris, Magistrettis y Castiglionis. Son algo diferente. Si insistimos en pensar en ellos como "pequeños" maestros, no hacemos más que forzarlos a ser parásitos de paradigmas del siglo XX que ya simplemente no tienen validez. Esto sería no hacer justicia para con sus diversas originalidades y todo el sistema de diseño. Para encontrar una ruta en medio del complejo y cambiante mundo del nuevo diseño italiano, conformado más por trabajo en equipo y movimientos horizontales que por individualidad y acciones verticales, la nostalgia por una era dorada que ya tuvo su tiempo no tiene cabida.

Lo que se necesita es una nueva capacidad para explorar, arriesgarse e incluso perderse, solo para volver a encontrar la ruta.

La exposición El Nuevo Diseño Italiano es un intento de avanzar en esa dirección.

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Siete Grados de Separación Andrea Branzi

El problema que tenemos hoy no es cómo juzgar el diseño actual, sino cómo entenderlo. No es definir cómo debe ser, sino explicar cómo es en realidad.

Debemos analizar el trabajo de los jóvenes diseñadores italianos como un fenómeno singular y autónomo; un fenómeno que no tiene continuidad con lo que ocurrió durante el siglo pasado, sino solo una vaga relación con eventos históricos que ya quedaron atrás. No es mejor ni peor que los trabajos anteriores; simplemente, es diferente.

La manera en que funciona y las normas que lo regulan se deben analizar desde una perspectiva renovada. Si queremos estudiar la actualidad con objetividad, debemos abandonar la creencia de que todo lo relacionado con el diseño se definió en el siglo XX. No solo ha cambiado la economía, sino también la política y la tecnología, junto con los motivos que dan origen a los proyectos. Muchos creen que el diseño de hoy es un fenómeno que se ha degenerado y transformado en una especie de desastre antropológico, como resultado del colapso vertical de la ética de los proyectos y de la estética de la forma. Si eso fuera cierto (y no lo podemos descartar como posibilidad), consideraría que este es un fenómeno digno de atención, ya que un desastre de esa magnitud no pudo haber ocurrido por mera casualidad.

Quisiera intentar comprender por qué se produjo este cambio y cuáles son sus efectos más deslumbrantes (y positivos). Enumeraré entonces los Siete Grados de Separación que pueden existir en su origen.

1. – El diseño como una profesión atractiva para las masas La primera sorpresa es que, a pesar de la crisis, la cantidad

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de diseñadores, escuelas, universidades, ferias y salas de exhibición están aumentando exponencialmente en todo el mundo. La cantidad de instituciones que imparten clases de diseño (y vestuario) y la cantidad de alumnos no solo están aumentando en los países industrializados (donde existen tradiciones de diseño y relaciones profesionales establecidas), sino especialmente en los países en vías de desarrollo, donde la industria aún no termina de establecerse por completo. Este curioso hecho surge debido a que el diseño se ha transformado en uno de los factores más importantes del crecimiento en las nuevas y viejas economías de todo el mundo. Su rol no es únicamente resolver problemas relacionados con la estética, sino también inventar nuevos productos, nuevos mercados y economías. Es por esto que la demanda de trabajo de diseño está aumentando en todos los sectores industriales, lo que a su vez está transformando al diseño en la profesión atractiva para las masas por excelencia, del siglo XXI. 2. – Del proyecto a la innovación Muchos consideran que esta profesión es una máquina infernal productora de cesantes y preguntan antagónicamente "¿Cómo esperas crear cien mil Achille Castiglionis?" La respuesta es la siguiente: "Comparar la actualidad con la era de los Maestros es un error: nadie necesita más obras maestras, es decir, productos definitivos; lo que necesitan son estrategias de innovación que puedan generar procesos continuos de creación de nuevos productos, servicios, promociones y comunicaciones.

Una dinámica y energía que permita a la industria enfrentar la competencia internacional y los nuevos

mercados globalizados". Ciertamente, la profesión en la que los diseñadores jóvenes se desempeñarán, solo está parcialmente ligada al diseño de productos. Más que nada, realizarán un trabajo similar al de los directores de arte, consultores estratégicos, comunicadores, promotores e investigadores. La tarea multifacética de producir innovación implica ir redefiniéndose constantemente.

3. – Una modernidad endeble El modelo general de la modernidad ha cambiado durante la última década. Mientras la cultura del diseño del siglo pasado intentaba encontrar soluciones definitivas que se hubieran estudiado a la perfección y que fueran completamente funcionales, lo que se busca hoy son las soluciones reversibles, los sistemas elásticos y los modelos que sean temporales e incompletos. En una sociedad que sobrevive a base de un proceso de constante redefinición (incluso en el mundo de la política), todo lo que sea perfecto, inflexible y definitivo representará un peligro, fragilidad, un gran riesgo. Es así como hoy escuchamos hablar sobre una modernidad endeble, carente de códigos formales pero capaz de modernizarse continuamente mediante la activación de fuentes de energía difusas que transforman el diseño centralizado de los proyectos en una especie de proceso enzimático en el que contribuyen decenas de personas. En otras palabras, una modernidad sólida y concentrada ha dado paso a una modernidad difusa y endeble. Si bien es menos reconocible, es más profunda y compartida.

4. – Diseño industrial (y más) Las transformaciones de la industria que comenzaron en

la década de 1970 con la introducción de los aparatos electrónicos y los robots en las fábricas, produjeron dos economías distintas: una economía industrial tradicional, cada vez más protegida y restringida (con salarios y relaciones con los sindicatos), y una nueva economía social, caracterizada por las marcas independientes, el emprendimiento en masa y el trabajo en equipo.

El diseño que practican los jóvenes profesionales ha pasado a formar parte de este último fenómeno social, en cuanto a que solo satisface parcialmente las necesidades precisas de la industria. Con frecuencia, es una actividad espontánea en la cual el objetivo del joven diseñador es sentirse satisfecho consigo mismo y confirmar su habilidad de imaginar cosas nuevas y diferentes, ya sea un producto, una empresa, un servicio o información. Por lo tanto, el adjetivo "industrial", que siempre ha ido de la mano con la definición del diseño, ya no es tan preciso como antes: ya no logra circunscribir un área de una sociedad en la que todo es industrial (incluso los objetos hechos a mano), donde todos, de alguna manera, se promocionan de manera industrial, y donde no existen espacios técnicos ni creativos que no hagan referencia a esta definición ya desgarbada y pasada de moda.

5. – La ciudad inmaterial Este curioso estado gaseoso del diseño contemporáneo, su naturaleza endeble e invasiva, es la viva encarnación de un fenómeno que no se debe juzgar dentro de los límites de la disciplina. En realidad, describe una condición metropolitana (y existencial) de lo que es completamente nuevo. Hoy en día, una ciudad ya no está representada por un sistema de arquitecturas especializadas y rígidas, sino por

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un flujo ininterrumpido de bienes, productos, servicios e información (y, por ende, diseño) que se desplaza a través de los contenedores del pasado y transforma sus usos, desdibuja sus límites y renueva sus imágenes; ahora, las cualidades urbanas están definidas principalmente por la calidad de su universo, por esta estructura inmaterial que se modifica, se transforma, crea un sistema territorial y ya no produce catedrales. En esta nueva dimensión urbana, el diseño (ya sea de interiores, estratégico, de servicios o de comunicaciones) describe una aparente actividad intersticial y compleja. Sin embargo, en realidad es fundamental para el funcionamiento de la ciudad contemporánea y para la satisfacción de la demanda continua de una renovación de los usos.

6. – El tema de la estética A menudo los nuevos diseñadores son considerados una generación de hedonistas jóvenes y sin compromisos políticos. De hecho, ni siquiera podríamos compararlos con las generaciones de 1969 o 1976. En ese período, la política se asociaba con una militancia absoluta y constituía una categoría cultural por sí sola. Esa era (junto con sus desastres) terminó definitivamente. Tal vez haya llegado el momento de evaluar las cosas de manera menos esquemática. Para ello, debemos considerar que la era de las revoluciones (como la llaman los historiadores) quedó en el pasado, junto con la idea de que las soluciones unitarias permiten cambiar el rostro de la sociedad de una sola pasada. En el mundo actual, las transformaciones ocurren lentamente e inician procesos complejos que abarcan no solo materias económicas y reformas salariales: la sociedad ya es consciente de la calidad del entorno, de los temas estéticos y de los derechos civiles. Como bien lo dijera el poeta ruso Joseph Brodsky (Premio Nobel de Literatura, 1987), el colapso de la Unión Soviética se debió más a errores estéticos que políticos: fue una crisis ambiental

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la que gatilló una profunda refutación ética en todos los niveles de la sociedad soviética. Los diseñadores jóvenes ven que el mundo que los rodea es feo y está lleno de errores. Por lo tanto, intentan cambiarlo de inmediato y comienzan por diseñar una nueva silla, un jarrón o un juguete. En este sentido, su trabajo multifacético es imposible de administrar y parece no seguir un rumbo fijo; es el resultado de un proyecto político espontáneo que intenta germinar estrategias de reforma a partir de la idea de que la estética es el problema político más grave que depara el futuro, en cuanto a que este sistema o deja de ser feo o está destinado a provocar un colapso social y una refutación política.

7. – Política molecular Esta práctica política ocurre sin la presencia de una teoría.

Se desarrolla junto con una praxis silenciosa que coincide con el comportamiento de un conjunto creciente de personas. Éstas reaccionan de manera imaginativa ante una necesidad estética, creativa e incluso política que se puede definir como débil pero generalizada, en el sentido de que sus acciones siguen una estrategia molecular, una especie de energía enzimática que no produce cambios traumáticos, sino transformaciones graduales.

El clima histórico al que pertenece esta generación está tipificado por la decisión de implementar grandes transformaciones a partir de lo infinitamente pequeño (el diseño), lo aparentemente superfluo y las estructuras que dejaron de ser adecuadas. Después de cien años de modernidad, que ha teorizado megaproyectos y reformas inconmensurables, finalmente ha llegado una era en la cual las transformaciones comienzan en los subsistemas, las microestructuras y las economías de menor escala.

Podemos encontrar un buen ejemplo en el trabajo de un Premio Nobel de la Paz, el economista bangladesí Muhammad Yunus, quien ha sacado a 170 millones

de personas de la miseria a través de la creación de microcréditos de bajos montos.

El siglo XXI nos enseña de que no son solamente los planes estructurales de gran alcance los que son capaces de crear cambios, sino también las economías de pequeña escala. No solo megaproyectos urbanos, sino también jarrones de flores.

Estos Siete Grados de Separación revelan que el mundo de los nuevos diseñadores no es tan simple, no es tan inocente.

No fue hace mucho tiempo que la cantidad de diseñadores en Milán no superaba los veintitantos y las empresas que les daban trabajo se podían contar con los dedos de una mano. Aunque aquel mundo era más sencillo que el actual, logró producir verdaderas obras maestras.

Actualmente, esa cualidad y esos resultados brillan por su ausencia. En su lugar, vivimos en una especie de Nashville, donde todos cantan pero nadie puede grabar las canciones.

Personalmente, intento defender la endeble originalidad de esta nueva generación y su comportamiento extravagante.

Logran que las empresas más importantes produzcan objetos inútiles y, al mismo tiempo, producen las cosas más indispensables, como si se hubiera creado un circuito absurdo en el que los empresarios crean objetos sin sentido y los diseñadores jóvenes se abren paso para ofrecer sus consejos de modestia y prudencia, los que caen en oídos sordos. Se ha bajado el tono y las señales son cada vez menores y más delicadas, hay menos elementos políticos y más comprensión privada. El tema del estilo dejó de existir y ya no se pueden reconocer los distintos idiomas: están todos inmersos en una especie de océano de plancton, en una "semiósfera" que se renueva en cada primavera (durante el Salone) pero nunca cambia.

Aunque parezca que todas las ideas ya se han inventado y diseñado, se siguen vendiendo sofás, sillones, lámparas, mesas y sillas, como si los límites del desarrollo (y el

mercado) no existieran en este sector del comercio. Por lo tanto, no pareciera que estuviéramos hablando acerca del nuevo diseño, sino de una metáfora filosófica (y tal vez sea así): son varios los fenómenos físicos que parecen tener más que ver con un cierto estado mental, una condición literaria que se desarrolla discretamente y de la que los teóricos, críticos e historiadores aún no hablan.

Da la impresión de que el diseño adoptó una forma femenina en todo el mundo, independientemente del sexo del diseñador: es efímero, delicado y sensible, tiene poca testosterona pero mucha inteligencia. Esta nueva generación de diseñadores (casi sin diseños por hacer) me recuerda a los primeros cristianos (aunque sin la religión), por la serenidad con la que han derrocado las densas jerarquías del imperio pagano. Ellos también viven una especie de refundación del mundo que parte de cero, desde lo más mundano, lo superfluo, lo autobiográfico y lo inútil. Representan un mundo nuevo, aunque no tienen planes ni manifiestos. Toman pedazos del mundo anterior para hacer sus tazas de café. Lo trágico, lo épico o lo magnífico les son totalmente ajenos. La desaparición de la metafísica se ha transformado en una especie de inocencia sonriente, donde el proyecto "no entrega respuestas... porque no hay preguntas". Ven la tecnología como una realidad entretenida, que produce sorpresas y resultados inesperados. La ausencia de un código ético reconocible hace imposible agrupar los proyectos individuales y encontrar en ellos una dirección o un sentido en común, como sí ocurría en el pasado. Pero dos más dos nunca es cuatro, simplemente sigue siendo dos más dos.

Es como la marcha de Nino Rota que se escucha al final de 8½ de Fellini, donde los actores simplemente caminan por la pasarela sin entregarnos realmente un final para la historia.

Aunque pensándolo bien, Achille Castiglioni (conocido como Cicci) también hizo lo mismo.

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Las Dos Velocidades del Diseño Diseño: entre la investigación y la industria Carmelo Di Bartolo

La característica que distingue a toda actividad de investigación, cualquiera sea su sector, es su lentitud: una investigación toma mucho tiempo, ya que en su propia naturaleza existe la posibilidad de definir y redefinir sus objetivos de acuerdo con la información que se obtiene durante el proceso, además de cambiar los métodos y herramientas según lo que se vaya descubriendo en el camino.

Por otro lado, la industria se dedica a buscar objetivos dictados por el mercado y la competencia: establece para sí metas definidas que tiene que alcanzar dentro de ciertos límites temporales. La naturaleza de la producción la encamina inexorablemente a cambios rápidos, más aún en el mundo actual donde los desafíos se enfrentan en mercados globales que priorizan la velocidad de reacción, la instantaneidad de las comunicaciones y la mejora continua. El diseño, debido a su propia naturaleza, siempre ha cumplido el rol de intermediario entre las actividades de investigación e industria. Su razón de ser es tomar las contradicciones que existen en las fuerzas que participan durante la creación de los objetos, y transformarlos en una serie de aspectos positivos que terminarán plasmados en sus productos finales. Esto se asemeja a la composición geométrica del crecimiento de los organismos naturales, la cual no solo les entrega una apariencia determinada, sino también características estructurales y funcionales. En sus formas más avanzadas, el diseño también hace esto: garantiza la composición de las fuerzas que participan (funciones, capacidad de producción y consumo) y representa el punto en el cual la industria construye sus productos.

En sus relaciones con la investigación, la función del diseño es metabolizar los resultados de modo tal que se puedan transferir al mundo real y las oportunidades se conviertan en productos y servicios.

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Una composición cada vez más complicada Hoy en día, para lograr esta función es necesario superar una serie de obstáculos cada vez más complejos: la industria (no solo el aparato de producción, sino también el conjunto de funciones financieras y económicas regidas por dinámicas específicas e inevitables) ha aumentado fuertemente la velocidad de sus ciclos de producción y consumo, hasta llegar al punto en que la renovación se produce cada seis meses (como ocurre, por ejemplo, en el mundo del vestuario) y se ha generado un aumento en términos de la emulación entre competidores, lo que da como resultado una creciente uniformidad de los bienes.

La función del diseño como mediador se ve perjudicada por estas condiciones. Cada vez le es más difícil traducir las ideas y los escenarios que surgen de la investigación en objetivos de producción que sean comprensibles para las empresas.

Los variados y estructurados proyectos que abundan en las investigaciones ya no cuentan con la comprensión suficiente de la industria, cuyos objetivos se deben cumplir en períodos más cortos, ni de las autoridades públicas, quienes en un intento por aumentar su eficiencia utilizan los métodos operativos de las empresas.

La situación general de los objetos hechos por el hombre está por tanto caracterizada por la presencia de fragmentos independientes, resultado de la miríada de intervenciones realizadas para responder a interpretaciones diferentes e inevitablemente parciales del mundo real.

Para vencer a la competencia, estos fragmentos obtienen la ayuda de los medios para fomentar su aceptación de parte del público, sin haber considerado jamás cómo lidiar con los problemas de fondo; el equilibrio "ecológico" general del sistema de producción y consumo.

Investigación y capacitación La capacitación, tradicionalmente cercana a la investigación como medio de transmisión, también se ha tornado hoy demasiado rápida como para comprender las leyes del diseño y los métodos de progreso: el sistema educativo del diseño ha preferido adoptar la misma y vertiginosa velocidad de la producción.

La capacitación ya no logra entregar los instrumentos necesarios para deconstruir el mundo real, para fragmentar los problemas y reordenar estas piezas a fin de crear soluciones completamente nuevas (no solo en términos de innovación tecnológica y de materiales, sino también en cuanto a la forma en que se usan para aumentar su potencial). Demasiado apresurados, los procesos formativos de hoy tienden a producir profesionales capacitados para explotar las ventajas de los materiales y procesos, en lugar de enseñar a reordenar las piezas de manera creativa. Están capacitados para usar herramientas e instrumentos, pero les es difícil trabajar sin esos elementos. El diseño está condicionado por las herramientas que se utilizan, solo innova la piel de los objetos y usa los productos como un medio ante la necesidad de transformar las cualidades de un material o las necesidades estéticas de los consumidores contemporáneos en una adquisición. Su función básica está estrechamente ligada al enfoque de la investigación (guiado por el objetivo del conocimiento) en la reducción del período de formación y, por lo tanto, se ve trágicamente perjudicada.

Diseño y complejidad Aunque esta tendencia afecta a todo el mundo del diseño, influye especialmente en Italia, donde tradicionalmente el diseño de solución de problemas se ha considerado menos importante que el diseño como medio para aumentar la percepción de calidad del producto (a través del tratamiento

de los materiales, las terminaciones, finalmente la imagen que se superpone a la identidad).

Como una decisión cultural que llega al punto de celebrar la autorreferencia, el diseño suele adaptarse a la estética y la percepción, además de identificarse con la producción de belleza. Solo adopta una dimensión transversal para convertirse en el "diseño de experiencias"; es decir, un proyecto con varias modalidades de percepción coordinadas. Los enfoques que suelen explotar las perspectivas más remotas del diseño a partir de su impacto inmediato en la audiencia (como la Administración en Diseño, una planificación integrada para el desarrollo estratégico muy desarrollada en el mundo anglosajón) suelen tener problemas para encontrar aceptación y en Italia simplemente pasan a ser indicadores de tendencias culturales. Ante esta tendencia general, realizar investigaciones en la actualidad implica más que nunca enfocarse en el diseño de complejidades: el diseño lleva a cabo una investigación en la que destaca su naturaleza transversal y su capacidad para formular las preguntas adecuadas; a su vez, éstas le permiten obtener respuestas para producir un diseño coherente con la complejidad de las expectativas con las que se concibió.Vale la pena mencionar que la misma simplicidad que se exige a los productos de hoy (y que resulta fundamental por motivos económicos y culturales), no es un resultado inmediato ni espontáneo, sino la consecuencia de una buena administración de las complejidades y una mediación concienzuda, cuya premisa indispensable es la investigación.

Una apertura al mundo ajeno a la disciplina como antídoto para la autorreferencia de los productos; la capacidad de explorar nuevos campos del conocimiento; y la intuición para saber cuándo y cómo aprovechar las posibilidades disponibles para transferir ideas, técnicas y procesos, son las piedras angulares de una investigación que, en el contexto del diseño contemporáneo, resulta absolutamente fundamental.

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Diseños Homeopáticos Cristina Morozzi

La evaluación paralela de los nuevos sistemas de diseño y vestuario en Italia revela que en realidad pertenecen a planetas diferentes y distantes. La transgresión de las barreras disciplinarias, la migración cultural y las influencias recíprocas que se pueden distinguir en muchos proyectos de la nueva generación de holandeses, británicos y franceses no son evidentes en el nuevo diseño en Italia. El lenguaje inteligente y evolucionado de la nueva camada de las casas de moda se aleja mucho de su apagada y discreta contraparte, conformada por los diseñadores jóvenes. Los nuevos estilistas crean para estimular el deseo en la imaginación del consumidor. Los nuevos diseñadores crean como respuesta a las insignificantes necesidades del diario vivir.

La nueva generación de diseñadores holandeses, quienes crecieron en la escuela "seca" de Droogs (la palabra "droog" significa "seco" en holandés), como Marcel Wanders y Tord Boontjie, utilizó tecnologías avanzadas para producir efectos decorativos robados del tejido y el trabajo a crochet, con lo que se reinstauró una dimensión femenina y de fábula. Tomaron prestados elementos del vestuario para que sus trabajos de diseño fueran más atractivos. Junto con el conocido estilista inglés Alexander McQueen, Boontjie creó los sillones Moroso en base a sostenes strapless y faldas acampanadas (2005). Moooi Boutique, el proyecto que Marcel Wanders presentó en el año 2006, se relaciona más que nada con el trabajo de sastrería. La idea (que B&B ya había concebido en 1984 cuando pidieron a Gianfranco Ferré que vistiera muebles de Paolo Nava) es producir una variedad de "atuendos" para un mueble de forma neutra.

Lo que es notable es el hecho de que la "ropa" (entre la que

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había un modelo de seda plisada, uno con dobladillos de plumas de cigüeña, otro en damasco dorado y aún otro más con trenzas provenzales) no fue diseñada por un estilista, sino por un diseñador: Wanders, quien no tuvo ningún problema para dárselas de modisto y personalizar y dar glamour a un sencillo producto.

En Italia, el país que construyó su reconocimiento internacional y su éxito económico a base del diseño puro y rigoroso, parece inapropiado fornicar con el vestuario, el medio de lo que no tiene valor intrínseco, del lujo y de los efectos especiales por excelencia. Los nuevos diseñadores prefieren alejarse, como si temieran contagiarse de estos vicios o desviarse del buen camino. Es posible que de modo subconsciente quieran mantenerse separados y encerrarse en una pieza con buen aislamiento sonoro para no escuchar el rugido del mundo del vestuario, donde pueden tocar su delicada melodía.

En Amberes, el 21 de septiembre de 2002 se inauguró el Momu, un museo dedicado al vestuario. Su objeto de estudio se considera un proyecto en proceso. Se centra en los estilistas flamencos, quienes están bien conectados y se apoyan mutuamente, creando una escuela belga con un estilo reconocible. En Milán, aparentemente el museo del vestuario contemporáneo se alojará en el Castello Sforzesco como corolario de la historia de los trajes. Mientras Amberes ubica el vestuario en la esfera de la investigación de diseño, Milán hace hincapié en la naturaleza anticuada de sus exposiciones.

Los climas culturales y didácticos contribuyen a generar esta separación y a la creación de un límite que no conviene infringir. Entre estas dos áreas diferentes (vestuario y diseño),

existe una especie de tierra de nadie: la tierra del diseño para las personas (accesorios, dispositivos y adornos) que no se incluye en la lógica del sistema del vestuario y que solo roza el sistema del diseño. Se trata de un territorio en el cual los proyectos son poco convincentes y casi siempre inútiles, donde se toman prestados materiales de otras esferas para crear productos alternativos y objetos que son juguetes para quienes sufren del síndrome de Peter Pan. Son diseños basados en la deconstrucción, el desarmado y el rearmado para crear nuevos tipos de bienes ornamentales que son tan simples como sofisticados. Su visibilidad queda a merced de fragmentos de sentido, transformaciones y renacimientos.

Sus creadores son los pupilos ideales de Munari: "crean algo a partir de algo". Sus diseñadores analizan objetos de la vida diaria no según su funcionalidad, sino según lo que podrían llegar a ser y qué otros usos podrían tener. Toman prestados elementos del pasado para transformar el presente y no usan tecnologías, sino sus manos y su creatividad. El idioma que usan se acerca al de las ilustraciones, las historietas y el manga, es tan simple y cándido como el de los blogs. No hace preguntas ni ofrece respuestas; cuando mucho, genera una efímera sonrisa. Estos son diseños intersticiales, diseños que caen en las grietas del sistema, corroen su superficie refinada y hacen rechinar sus uñas en su organización compacta. Son diseños homeopáticos que, gota a gota, destilan su débil mensaje ético y crean pequeñas grietas en el denso orden de la matriz de bienes. Es por ello que su destino, por ahora, yace en las tiendas de los museos de arte y diseño, desconectados de los mecanismos de distribución tradicionales y sentenciados por su misión a vagar en el exilio.

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Diseño y Mujeres Anna Gili

Varias veces he intentado aclarar mis pensamientos acerca del diseño desarrollado por mujeres. Es una tarea más bien complicada. Aún me pregunto si existe una forma de diseño que tenga características femeninas y qué es lo que esto significa. Claramente, son diseños formulados por mujeres; sin embargo, si vamos un poco más allá, también resulta claro que un diseño expresado en códigos femeninos bien puede haber sido elaborado por un hombre.

La única respuesta para este dilema es intentar definir las diferencias entre los enfoques que adoptan ambos sexos. A continuación presento algunos parámetros de referencia que elaboré para interpretar el diseño de las mujeres.

Visión – Creatividad – Vitalidad – Empirismo – Percepción – Espiritualidad Con "visión" me refiero a lo que viene antes del diseño. Es decir, la tensión ética, poética y estética que según algunos científicos es innata y que para otros es un componente cultural adquirido. La visión femenina es caótica, pues se conecta con la vida y sigue nuestro ritmo vital. La visión femenina produce temor, pues no se manifiesta de manera lineal, cuesta comprenderla y controlarla, está ligada al misterio y no se expresa mediante procesos mentales lógicos ni racionales.

Visión – Creatividad – Vitalidad – Empirismo – Percepción – Espiritualidad La creatividad es un elemento que existe en muchos seres humanos. Las personas creativas pueden trabajar

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en cualquier sector, desde el arte hasta la política. La creatividad se puede ejercer en un contexto cultural donde los estímulos creativos que derivan de factores de identidad y autonomía pueden generar una reacción y ser canalizados. ¿Son las mujeres más creativas que los hombres? Tal vez, pero solo porque están menos condicionadas por su rol social.

Visión – Creatividad – Vitalidad – Empirismo – Percepción – Espiritualidad La vitalidad en el diseño se puede distinguir por la energía que puede suscitar y desplegar. Un diseño que se centra en la vida no invierte su energía en la lógica del poder y el rendimiento, y basa su investigación en la idea de transmitir más que de conquistar territorio. Esto es esencial, pues promueve sus ideas a través de actos de amor.

Visión – Creatividad – Vitalidad – Empirismo – Percepción – Espiritualidad En este punto, la palabra "empirismo" tiene tanto un valor filosófico como científico. La investigación y las etapas de la ruta del diseño de la mujer no ocurren a través de la adquisición de roles preconstituidos, sino a través de la experiencia (que puede ser negativa o positiva).

Inevitablemente, la experiencia trae como resultado la comprensión de eventos. Es por ello que de vez en cuando nos detenemos a cuestionar y alterar nuestra ruta.

Visión – Creatividad – Vitalidad – Empirismo – Percepción – Espiritualidad La palabra "percepción" hace referencia a todas las especies animales que poseen un sentido de percepción más refinado que el humano. Resulta claro que la percepción es más activa en las mujeres que en los hombres, por motivos sociales, culturales y biológicos. La percepción del paso del tiempo y los cambios que trae consigo requiere una introspección y capacidad de distanciarse del mundo contingente. Generalmente, los hombres carecen de esta habilidad.

La percepción del espacio que nos rodea implica estar en armonía con él. Los animales han conservado esta condición por motivos de supervivencia. Nosotros solo pensamos en la capacidad de sentir una amenaza o la cercanía de un depredador; los animales son capaces de sentir e identificar un peligro de manera inmediata, a través de múltiples señales que se originan dentro y fuera de sus cuerpos. La percepción de las necesidades de un individuo o de una comunidad no es una habilidad indispensable para producir un diseño, sin embargo, indica que el diseño se está desarrollando para alguien o algo que conocemos.

Visión – Creatividad – Vitalidad – Empirismo – Percepción – Espiritualidad A través de la práctica y la investigación de nuestra forma de ser, la visión del diseño se integra gradualmente con el contexto que nos rodea y con el tipo de comunicación con el entorno cultural al que hacemos referencia.

Las empresas llaman a esto su "misión", pero en este caso tiene un carácter más espiritual que comercial. Si bien hoy en día existen lenguajes del diseño que están muy evolucionados, solo logro sentir el significado de la palabra "diseño" cuando puedo distinguir que hay una conciencia.

Los estilos son fenómenos agresivos que dicen juzgar o demoler un ejercicio de investigación, llevado a cabo por una persona o por un grupo, solo para responder ante la demanda de superficialidad que exige un mercado, considerado el parámetro de referencia más importante.

Es posible que esta serie de consideraciones contribuya a una comprensión más profunda de este tema. La observación detallada de los proyectos realizados por mujeres en esta exposición me sugiere que esta secuencia de puntos está casi siempre ausente de sus diseños. Resulta más evidente en los proyectos relacionados con el cuerpo, como la joyería y los accesorios, pero no es tan visible en los diseños de mobiliario u objetos. Creo que es algo que merece un análisis más acabado. No es ningún misterio que el feminismo está pasando por un período de transformación ideológica, en el cual ha abandonado su retórica política y sus eslogans; sin embargo, aún no ha definido una dirección para su diseño.

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Las Aflicciones de los Diseñadores Jóvenes Cómo transformar la creatividad que existe en un solo capital social y vivir mejor Stefano Maffei

El genio es un uno por ciento de inspiración y un noventa y nueve por ciento de transpiración Thomas Edison, en Harper’s Monthly, 1932

Queremos hablar acerca de la creatividad, esa enzima mágica que hace florecer las ventas de una empresa, el atractivo de los bienes en los que se basa la economía global del siglo XXI. Es el tema más comentado en muchas administraciones locales, áreas metropolitanas e instituciones involucradas en la promoción de la cultura y el comercio. En estos lugares, el debate trata la clase creativa que definió Richard Florida, o las industrias creativas típicas del modelo anglosajón.

Sin embargo, nunca se acuerdan de nosotros, una raza de personas malditas demasiado apegadas a los objetos desconocidos, donde sí existe la creatividad de la que tanto hablan estas organizaciones, aunque hasta hace poco no se reconocía ni estimulaba.

Pero partamos de nuevo. Partamos en Italia y pasemos por Milán.

Démosle un vistazo a la historia, a la historia reciente, a la historia de Italia en la posguerra. La historia en la que se desarrolló nuestro diseño. Veamos la historia de nuestra disciplina.

Durante mucho tiempo, Italia se ha considerado el país del diseño. Tal vez debiéramos decir que ha sido considerado el país en el cual las empresas y la capacidad de los diseñadores han permitido a la diaria existencia materializar en qué conversación se habla sobre el diseño, una relación virtuosa que conectaba en un todo nuestras tradiciones de las artes decorativas y la arquitectura con nuestra producción artesanal, en una unión feliz que existió entre la acción

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industrial y la filosofía del diseño. En paralelo, se desarrolló de manera totalmente espontánea y autoorganizada lo que llamamos un sistema de diseño, situado muy particularmente en el área de Milán-Lombardía.

Era una tierra de abundancia, una cornucopia creativa compuesta por profesionales, empresas, eventos, revistas, ferias y escuelas, que giraba en torno a las ideas, los procesos y los productos de la actividad del diseño. Nuestro modelo de desarrollo económico, basado en las especializaciones de producción de los distintos distritos industriales, se vio nutrido por este sistema y dio pie al fenómeno conocido como "Hecho en Italia".

En este histórico desarrollo participó una generación de diseñadores y maestros. Con un amplio dominio de la escena, en términos del diseño de los productos más populares, y logrando una alta visibilidad tanto del público como de la crítica, los maestros invadieron el lado mediático de la disciplina a nivel nacional e internacional. A través de la creciente popularidad de estos individuos, el diseño italiano pasó a ser un fenómeno nacional representativo y comunicativo.

Milán se transformó en una de las capitales del diseño, lo que Branzi ha bautizado como un "distrito de la innovación". Se concibió un evento oficial para celebrar este fenómeno: la Fiera, el Salone, luego el Fuori Salone y el SaloneSatellite. Todos ellos fueron medios genuinos para canalizar la creatividad de los nuevos diseñadores, creatividad que necesitaba un una válvula de escape, una manera para visibilizarse y comunicarse. Pero mientras en la ciudad oficial solo existía la posibilidad de vivir en un territorio de redes, habilidades y recomendaciones personales, más allá del horizonte se producían intentos por coordinar la ambición y el deseo que los diseñadores jóvenes sentían. Fuera de

este caldo primordial surgió OPOS, allá por 1991, uno de los primeros vehículos del Fuori Salone y la primera vez en Italia en que se expresó apoyo por la creatividad en el diseño.

OPOS fue una iniciativa privada que nació de la pasión y el apoyo financiero de Alberto Zanone, un diseñador de vestuario y empresario de la industria de la moda cuya motivación privada era, y sigue siendo, la defensa de la expresión y el trabajo experimental de los diseñadores jóvenes italianos. En quince años de actividad, OPOS entregó su apoyo a muchos proyectos de investigación conceptual, concreta y de vanguardia. No solo identificó y seleccionó nuevos diseñadores, lenguajes, formas y objetos, sino además fue pionera de varias líneas de investigación (reutilización, asuntos relacionados con la ecología, reflejos de objetos de la vida diaria, entre otras).

La credibilidad que esta experiencia obtuvo entre los diseñadores jóvenes de Italia y el extranjero permitió que OPOS fuera una incubadora reconocida y de facto para los diseñadores que durante varios años representaron el futuro de la visión del diseño italiano. Estos son solo algunos de los muchos diseñadores que pasaron por OPOS: Francesco Argenti, Miki Astori, Enrico Azzimonti, Walter Becchelli, Fabio Bortolani,Tiziano Bono, Alessandro Busana, Alessandro Casinovi, Carlo Contin, Luisa Corna, Lorenzo Damiani, Odoardo Fioravanti, Lorenzo Gecchelin, Giulio Iacchetti, Leftloft, Tommaso Maggio, Ilaria Marelli, Luca Nichetto, Donata Paruccini, Matteo Ragni, Francesco Rota, Gianmaria Sforza, Paolo Ulian, Massimo Varetto, Joe Velluto, Marco Zito, Studio X, A4A y 99IC; esto, sin incluir a algunos de los diseñadores extranjeros que participaron de esta experiencia: Samuel Accocéberry, Jorg Boner/N2, Marti Curro Claret, Susan Elo, Emmanuel Gallina, Mark Krusin, Ariel Lipschitz, Philippe Nigro, Marre Moerel, Ernest

Pereira, Ana Mir Prieto, Martin Ruiz de Azua, Marco Sousa Santos, Ilka Suppanen/Snowcrash, Jordi Pigem de Palol y muchos más.

La historia de Esterni ha seguido un camino paralelo.

Creada en Milán en 1995 por Beniamino Saibene, Lorenzo Castellini y Carlo Giuseppe Gabardini con el objetivo de mejorar y plasmar cultura en espacios urbanos de uso público, su accionar se extendió para incluir diversos eventos, servicios y objetos que, con cierto "ánimo" comunicativo y gráfico, ofrecían una nueva visión de la ciudad y el diseño, en la que la idea de una actitud contracultural y situacionista, consciente de las necesidades públicas, surgió con fuerza.

Sus oficinas en Città Studi en Milán se convirtieron en una especie de fábrica en la que alrededor de una veintena de personas trabajaban constantemente: comunicaciones, marketing, promoción, financiamiento, prensa, archivos, relaciones públicas, entretenimiento, vestuario y logística.

Así se crea una red de artistas, músicos, profesionales, artesanos, pensadores, observadores y críticos de todo el mundo. ¿Qué tienen en común estas dos experiencias?

En el mundo en que trabajan OPOS y Esterni, todo se mueve muy rápido.Van apareciendo continuamente culturas y contraculturas de consumidores, nuevas formas sociales y nuevos estilos de vida. El diseño como disciplina se ha transformado en un fenómeno social global. Es como un idioma rudimentario, nuevo y globalizado, que se habla y utiliza en todas partes y del que existen diversos dialectos regionales, escuelas, estilos, modelos de exportación y modelos de comunicación. En un mundo así, ya no basta con la calidad de las ideas, personas, intuiciones comunicativas ni iniciativas independientes. Se necesita

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algo más que inspiración. Como bien lo dijera Thomas Edison, también se necesita transpiración.

Si consideramos los variados métodos de promoción y apoyo del diseño en cada país, vemos cómo intentan fomentar visiones, personalidades, estilos y lugares a través de eventos, acciones y comunicaciones a escala internacional. Claramente, esto no ha ocurrido en Italia. Debido a que los llamados a la unidad nacional se han transformado en la receta favorita para resolver todos los problemas, no queremos volver a sugerirla.

Ya la escuchamos lo suficiente en todas las asambleas en las que se habla de nuestro país y de su incapacidad por construir una respuesta colectiva ante los desafíos que presenta el cambio en el mundo contemporáneo.

Al menos, no queremos que sea nuestra única sugerencia. De hecho, estamos un poco cansados del viejo y conocido mito de la construcción de equipos (tomen nota: cada uno se vale por sí mismo), en el que nuevamente el deseo y la energía que abundan en el nivel inferior y que claman por un canal de expresión terminan diluyéndose.

Proyectos enormes, miles de iniciativas, una sinergia deslumbrante... pero ninguna idea novedosa y actual.

Una especie de alarde de actividad que, salvo un par de excepciones, se ve limitada por la escasa habilidad de leer la compleja fenomenología del diseño contemporáneo desde dentro y por la dificultad para traducir estas lecturas en acciones concretas. Existe una falta de comunicación con los personajes principales, los diseñadores jóvenes, quienes son un

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recurso importante, un depósito nacional de creatividad e inteligencia que se debe proteger.

Todo es muy patrimonialista, invariable e inflexible, a causa de las actitudes burocráticas. No existe iniciativa que se escape de las rígidas categorizaciones impuestas por procesos que generalmente de creativos no tienen mucho. En pocas palabras, probablemente debiéramos preguntarnos qué hizo posible que situaciones como OPOS y Esterni funcionaran a pesar de todas las dificultades que debieron enfrentar.

Si tomamos en cuenta que produjeron resultados, tal vez debiéramos desarrollar este tipo de proyectos, que logran funcionar solos o al menos lo intentan.

Lo que falta en Italia es una visión estratégica realmente sólida, incisiva e integrada de una sola entidad (como la del Design Council en Gran Bretaña) y una ayuda oportuna y continua para las personas que se pueda administrar con un enfoque ascendente (como las iniciativas de microcréditos para financiar a los jóvenes talentos creativos). ¿Qué estamos esperando? La riqueza social y cultural, el tejido de ideas y experiencias, las redes de esta profesión que lograron entregar valor al sistema de diseño italiano se están debilitando….

Tratemos de cambiar nuestra perspectiva.Volvamos a comenzar desde nuestro valioso nicho de capital social y cultural. Tratemos de ver el mundo con los ojos, la cultura, las necesidades y los valores de los diseñadores jóvenes.

Tratemos, de una vez por todas, de comenzar desde abajo.

Nuevos Talentos para Nuevas Joyas Alba Cappellieri

"Una joya es un objeto precioso, un objeto excepcional, algo que tiene valor pero no siempre un precio", escribió Bruno Munari en 1978, destacando la separación que existe entre los valores artísticos y económicos intrínsecos del mundo de la joyería. El valor también es el factor que sustenta la discusión terminológica que distingue las definiciones de adorno, bisutería, joyería y sus diversas ramificaciones: joya de la suerte, joya de diseñador, pieza exclusiva, joya política y muchas otras.

Por lo tanto, una joya es un objeto precioso. Sin embargo, ¿cuáles son los elementos en los que se basa su valor?

Claramente, la nobleza de sus materiales no es uno de ellos: resulta obvio que éstos determinan el valor comercial de una pieza, pero son históricamente irrelevantes para su valor artístico. Podemos tomar como ejemplo la primera bisutería de Francia del siglo XVIII o las joyas de la década de los sesentas, que utilizaban materiales modestos, pero que están dotadas de un alto valor simbólico y artístico. Por otra parte tenemos la exclusividad del objeto, factor necesario para la percepción tradicional de una joya como un lujo tangible pero insuficiente para determinar su valor. Munari sugiere que el valor de una joya reside en la "contribución de su creador", donde radica el mensaje cultural que le entrega valor al objeto.

De las diversas contribuciones a la joyería, esta exposición se propone destacar la del diseñador, concebido como la persona que "se arriesga con la idea" y posteriormente, en la que es la mayor diferencia entre las bellas artes y las artes aplicadas, se enfrenta al desafío de la producción.

En el caso de la joyería, la producción no es necesariamente fabricación en masa, sino tal vez una serie pequeña o mediana; sin embargo, la capacidad de reproducción de un objeto es un criterio fundamental del diseño.

Dentro de los distintos tipos de bienes, la joyería destaca ya que el diseño es un proceso que se practica poco pero que está muy inflado debido a sus referencias a la estética minimalista que hoy está tan de moda. Más que una tendencia de estilo, el diseño es la respuesta formal, funcional, tecnológica, de rendimiento y de producción ante la exigencia de una empresa por innovar. Es una pena que exista un cortocircuito entre las empresas y los diseñadores de joyería, el cual hace que su relación sea difícil. No cabe ninguna duda de que esto se debe a una deficiencia en la

formación (la cual se enfoca esencialmente en la joya y su diseño, sin abordar los problemas de producción), a la total indiferencia de las asociaciones de profesionales y a la desconfianza instintiva que existe entre ambas partes.

Es un hecho que en la cultura de excelencia italiana los diseñadores de joyería tienen dificultades para crear una identidad propia y, por lo tanto, obtener visibilidad y reconocimiento. Esto a pesar de la calidad de sus productos y la creciente demanda que existe de las escasas empresas que comprenden el valor estratégico de la innovación en el diseño. Es por eso que escasean los diseñadores que bordeen los cuarenta años y que hayan desarrollado una experiencia profesional lo suficientemente significativa como para contribuir a El Nuevo Diseño Italiano. Entre ellos, Massimiliano Bonoli, Fabio Cammarata, Sandra Dipinto, Manuela Gandini, Stefania Lucchetta, Stefano Marchetti, Ivana Riggi, Barbara Uderzo y Annamaria Zanella, junto con la colección Souvenir d’Italie de Benedetti, representan la pluralidad de los lenguajes artísticos, técnicas, tradiciones y formas de innovación de lo mejor de la cultura de la joyería italiana, que comienza con los logros de los maestros de la escuela de Padua -Pinton, Babetto y Pavan-, elaborados y reinterpretados por Stefano Marchetti y Annamaria Zanella, entre otros. Mientras Barbara Uderzo y Stefania Lucchetta experimentan con las posibilidades tecnológicas, Souvenir, Manuela Gandini y Fabio Cammarata representan los valores tradicionales de la joyería en el corazón de las complejas formas del diseño contemporáneo. Al mismo tiempo, Sandra Dipinto e Ivana Riggi se inspiran en el vestuario para concebir joyas como accesorios y trabajan con los valores creativos ligados al área local, con materiales innovadores como plexiglás y goma.

Dentro de esta variada producción, el hilo que une a todos es el deseo firme de observar lo tradicional desde la perspectiva de la innovación, los materiales, las técnicas de producción e incluso desde la producción misma. Son joyas cuyo valor radica en sus diseños (en este caso, sinónimo de calidad), ya que, como Enzo Mari solía decir, "la calidad de un diseño depende del grado del cambio cultural que provoca, por más pequeño que sea".

La joyería renueva su existencia en los jóvenes diseñadores que expanden sus interpretaciones y crean nuevos estilos artísticos. Este es también el caso de las joyas tradicionales.

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Esto se puede ver en las piezas de Stefano Marchetti, que emiten suaves vibraciones. Los delicados filamentos de sus prendedores son el resultado de complejas técnicas de trabajo en vidrio, como micromosaico, que combina con técnicas de origen japonés: Mokumè Gane y Parqué Mokumè.

Ivana Riggi también ha producido una reinterpretación de tradiciones que se remonta al imaginario siciliano y lo libera del exceso de decoraciones. Es así como nacen sus marionetas, que reinterpretan las pupi sicilianas y para las que la investigación formal se une a la industrialización de la pieza. Mientras Ivana Riggi reimagina el folclor siciliano, la colección Souvenir de Benedetti reinterpreta la gran tradición del arte y la arquitectura de Italia a través de la joyería. Obras maestras, como la Primavera de Botticelli, el boceto de Depero para Vanity Fair y el rosetón de la Catedral de Milán, han sido fuentes de inspiración para las jóvenes diseñadoras Cristina Novati, Marianna Manto y Linda Migliore, mientras que Gaspare Buzzati y Alice Giudici se han inspirado en los planos de ciudades italianas y en la forma de bota de la península italiana. La fineza de la colección Souvenir es una contribución interesante e inteligente al tema de los souvenirs contemporáneos y disfruta de un diálogo imaginario con las obras de Manuela Gandini, quien hizo de la industrialización el punto inicial de sus joyas, tal como la investigación tecnológica encuentra en Stefania Lucchetta a una de sus más convencidas expositoras. "Me gustan las máquinas", dice la diseñadora de Vicenza. Para diseñar sus anillos Sponges usó el software Design Studio, el que produjo un modelo STL virtual a partir del cual se generó el anillo con resina biocompatible, en lugar de la resina epoxi que se usa con

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frecuencia en la estereolitografía. De esta manera, el anillo es un producto terminado.

Fabio Cammarata experimenta con materiales innovadores: a la combinación tradicional de metal y piedras preciosas, agrega materiales menos nobles como la madera, para crear joyas con cierto aire de informalidad. Un contraste de materiales es el objeto de la investigación apasionada y sofisticada de las obras de Annamaria Zanella. Nacida en el valle del Po en 1966, Zanella transforma los colores y materiales en formas esculturales. En su prendedor Leaf de 2004, por ejemplo, combina de manera inesperada y exquisita la aspereza del yute con la suavidad del oro, la fragilidad del yeso con la solidez del diamante, cuya transparencia está saturada en negro.

"Es una hoja de nuestra era, diseñada por la contaminación, en la cual los cuatro puntos de luz de los diamantes, también negros, transmiten una sensación de alivio y esperanza."

Del mismo modo, las joyas en goma de Sandra Dipinto constituyen la nueva frontera de los adornos del vestuario. Sus coloridos prendedores de aves y animales son accesorios icónicos y cinéticos para el mundo contemporáneo que no solo siguen e interactúan con la prenda, sino también con nuestros ánimos y las estaciones.

Tal como las alegres joyas de Uderzo, que nos llevan a la raíz latina de la palabra, iocum, juego, que está ligada a gioia, alegría. Las joyas son ornamentos preciosos que están formados por la unión de distintas alegrías y que desde los más remotos de los tiempos nos han conectado con la alegría y el placer. Usar una joya es entonces una manera de adornarnos con alegría.

Diseño Gráfico con Mochila Mario Piazza

La nueva escena del diseño gráfico, presagiada ya en la década de 1980, desciende directamente de la revolución tecnológica, con todos los méritos y defectos que esto significa. La llegada de metodologías y herramientas drásticamente innovadoras, junto con el crecimiento de los medios digitales, ha abierto las puertas del mundo profesional a personas con diversos niveles de capacitación y ha dado pie a un universo de lenguajes visuales que se ha distanciado profundamente del diseño gráfico tradicional de Italia.

La globalización del conocimiento, la movilidad de la experiencia, la difusión de las redes y la facilidad de la interacción virtual, además de la estructuración de las sendas de capacitación, han sido los motivadores por excelencia tras el dinamismo de los diseñadores gráficos jóvenes. Tanto ellos como el gran ejército de diseñadores visuales reconocen que las nuevas tecnologías y los nuevos procedimientos del diseño ofrecen la posibilidad de disfrutar de una zona de plena de libertad, emancipada y antagonista de la tradición, de carácter funcionalista y con raíces en los diseñadores gráficos de Milán. La ruptura con el pasado queda reflejada en el debate, tal vez engañoso, entre el uso o no de un computador; es un debate que en realidad oculta una aceptación distinta del significado del diseño.

La extensa tradición del diseño gráfico en Italia rechaza las herramientas nuevas y las limita a un rol pasivo, externo a la dinámica del diseño. También tilda a la nueva expresividad de ser una farsa sin cimientos culturales, un conjunto decorativo de efectos que se aplican sin criterio según lo que ofrezcan los software más populares del momento.

Sin embargo, la nueva generación de diseñadores gráficos ve en la tecnología de última generación el nacimiento de un léxico libre y obstinadamente anárquico que se resiste a rendirse ante los métodos y las formas del pasado, impidiendo así el desarrollo de un estilo o una escuela italiana. El nuevo diseño gráfico se opone a la cuadrícula, un enfoque que al principio es ingenuo e infantil, pero que le permite ponerse a prueba ante todos los aspectos del diseño, desde el universo tipográfico hasta la manipulación de imágenes, pasando por las técnicas de elaboración de éstas, el uso de multimedia y la dirección.

Seguramente, ahora que ha transcurrido algo de tiempo y que existe un mayor equilibrio crítico, alguien podría decir que la verdad se encuentra en un punto intermedio;

sin embargo, la revolución extraña y sin forma del "diseño gráfico digital" ha dejado de lado los prejuicios y ha abierto el proceso del diseño a nuevos métodos. La nueva escena del diseño gráfico no se detiene a observar las escuelas formales del pasado que asignaban importancia al diseño y el gusto italiano, sino que observa hacia delante, de manera discontinua y en masa.

Al contrario del diseño industrial, las enseñanzas de los maestros no se basan en modelos, no son puntos de partida ni presuposiciones de filiación, tal vez a excepción de la figura "oblicua" de A.G. Fronzoni, un experimentador tan aislado como inflexible y una anomalía dentro de la anomalía de los diseñadores italianos. Se ha regresado al inicio: no hay necesidad de hacerlo, no te arrepientas de seguir el camino del éxito que ya transitaron los maestros.

Los modelos están en otro lugar. Distantes y cercanos al mismo tiempo. El intercambio de información se produce de manera inesperada, la lectura de revistas innovadoras como Octavo, Eye, Emigre, Fuse y Ray Gune entrega el fertilizante, la visita a sitios y blogs promueve la construcción de una comunidad más amplia en la que los individuos se pueden reconocer a sí mismos y aprender de los demás.

En un principio, todos estos procedimientos apuntan a desarrollar la exploración continua del área de expresión personal del individuo, una identidad dinámica y cambiante. Éste es un proceso vertiginoso y contagioso, cuya naturaleza no enjuicia, sino que es intensa y apasionada.

Traerá como resultado una gran apertura de mente y una verdadera democratización del arte del diseño gráfico.

Representa la ruptura de la mentalidad de museo, con la cual la funcionalidad y racionalidad de la era moderna esquematizaron los comportamientos y los códigos lingüísticos. Los primeros pasos en esta dirección se dieron en las décadas del sesenta y setenta, con la temporada de "utilidad pública", una noción teórica aprendida y fuertemente ideológica que se relacionaba con una nueva área de operadores visuales unidos por un espíritu vanguardista y extremista.

Al contrario de esta primera ruptura, la nueva generación se concentra exclusivamente en los lenguajes expresivos y en obtener sus valores a partir del área artística, no del área asociada con la noción del diseño. Su investigación es experimental y su actividad continua, sin temor a

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la autorreferencia. Generan revuelo, no desean un estilo permanente, estable ni de autor, y avanzan de manera abrupta, con una dosis de audacia juvenil que facilita el uso e intercambio de lenguajes y distintas culturas visuales.

Es un enfoque contagioso. Las revistas de diseño y diseño gráfico, de las cuales han aparecido múltiples durante los últimos años, observan y toman nota de estos novedosos métodos para hacerse un lugar en el mercado y en la efervescencia creativa que existe. Registran el cambio de actitud y los desarrollos de lo que ya es una multitud de seres humanos, son testigos de una situación en la que los creadores no obtienen más que una especie de estatus u olvido genérico debido a la proliferación de los lenguajes visuales.

La figura del diseñador como un maestro carismático y objeto de devoción ha sido reemplazada por situaciones de trabajo indistinguibles en el campo del diseño cuyo uso y objetivo principal es la investigación lingüística. Mientras el funcionalismo, disfrazado como teoría del diseño, consolidó los valores de la simplicidad lingüística y la necesidad de transmitir y comunicar la organización racional de la información (asuntos que son muy estratégicos para el modelo de desarrollo industrial), el nuevo diseño gráfico se presenta como un campo de investigación experimental. Es un lugar en el cual se realiza experimentación y su contexto es, por sobre todo, autorreferencial.

Los nuevos lenguajes existen en relación con los contenidos y el campo del diseño gráfico.Ven al diseño gráfico como su sujeto y a ellos mismos como el modelo preferido, en oposición a la formalización de los contenidos del diseño racional y constructivo, al que consideran inflexible y atrapado en una forma sin carácter y poco definida. Aún con el desarrollo de la tarea investigativa de la innovación permanente, el diseño gráfico está preparado para limitar su rol en relación a la industria y los requisitos de las

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comunicaciones corporativas. Para ello, se restringe al trabajo en nichos, pues los considera una feliz excepción en un mercado que se basa en la suposición de ser parte de la experimentación lingüística. Es por esto que las áreas y experiencias más importantes poseen un diseño gráfico "interno" por el que son reconocidas, no por cómo comunican sus mensajes. Los únicos lugares donde se pueden ver "ejercicios" del nuevo diseño gráfico son las revistas de esa materia, de música o cultura.

El concepto de "ejercicios" es esencial para comprender la transformación que está ocurriendo en el nuevo diseño gráfico. Este término se debe entender como un desafío complejo cuyo objetivo es inventar una solución estructural, formal y temática que satisfaga y supere los requisitos de un proyecto. La idea es que el resultado y el objetivo de las etapas de planificación solo se capten dentro de esta esfera, en la que la invención del lenguaje compite o incluso se abstrae de los contenidos que se van a comunicar y transmitir. La tecnología ha permitido que este proceso sea "fácil" y "cercano". La experimentación con los atributos del diseño gráfico, la manipulación y los intercambios con "otras" culturas y lenguajes se convierte en una cosa de la vida diaria, una rutina del ejercicio de los nuevos gráficos.

Todo esto hace del diseño casi un estilo de vida, una práctica que ya no se separa del diario vivir, que ya no se ejecuta en un lugar protegido y consagrado, sino que se elabora como resultado de una iteración continua y difusa. Es en este contexto donde la nueva generación ha encontrado mercados y canales en áreas innovadoras, donde predomina esta conformidad de intenciones: la escena musical, el campo editorial y la industria que crea nuevos universos imaginarios para los consumidores (los nuevos medios, desde las estaciones de televisión temáticas hasta el cine digital), el público y el mundo de las organizaciones sin fines de

lucro. Esta desarticulación también es representativa de una configuración territorial que adopta múltiples formas. El diseño gráfico ya no solo existe en Milán. Tal vez Milán ya ni siquiera sea un estándar de calidad. El nuevo diseño gráfico es policéntrico: construye polos importantes en lugares sorprendentes y estimula el crecimiento de paradigmas visuales en los que la dimensión antropológica se convierte un factor generativo. La cultura material (el denso núcleo de la Italia mediterránea) participa de manera impetuosa con los modelos pragmáticos del norte de Europa.

Las secciones escritas se transforman en el tema central del diseño. Son dispositivos peculiares, axiomas originales. Solo a través de la observación de esta configuración magmática es posible reconocer y tal vez identificar nuevos individuos y diseñadores, como el grupo que creó el encarte Lettera en la revista Abitare o la red policéntrica bien representada por AIAP (la Asociación de Diseñadores Gráficos de Italia), los primeros que intentaron sistematizar y dar visibilidad a esta nueva generación de diseñadores gráficos; como las experiencias críticas y teóricas que se han desarrollado en torno a la serie "Scritture", publicada por Stampa Alternativa, y la revista Progetto Grafico; o los "territorios autónomos" del diseño gráfico en el sur de Italia (Andria, Matera, Cosenza, Palermo, Cagliari), los que ya dejaron de ser catedrales en el desierto para convertirse en delicados sensores de venas creativas inesperadas.

De esta manera, y sintiéndose central para la producción de universos imaginarios, el nuevo diseño gráfico ha desechado la búsqueda de un estilo o una marca de autor, para desarrollar una acción que, aunque tal vez más anónima y estandarizada, puede determinar los estilos visuales del futuro. Es un diseño gráfico que observa el mundo pero que establece su propio territorio: es un diseño gráfico que lleva su mochila al hombro, listo para partir.

Salmistraro Elena

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The Lankies’s family - 2012 - Autoproducción

Estos accesorios para el hogar están torcidos intencionalmente, son altos y desproporcionados para enfatizar el concepto de la autoproducción.

Representan puntos de vista diferentes, la manera en que observamos los objetos y cómo pensamos y vivimos.

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Experimental sequence carafes - 2013 - Ceramiche Puzzo

Todas las jarras son concebidas como experimentos y pruebas de color que se catalogarán y numerarán a través de la asociación de un nombre y un color con cada una. Al elaborarlas con un molde, tienen imperfecciones intencionales.

Elena Salmistraro es diseñadora de vestuario y productos; vive y trabaja en Milán, Italia.

Se licenció en Politecnico di Milano en 2008, y en septiembre de 2010 creó su marca de vestuario y diseño con el nombre Alla’s. En septiembre de 2009, junto al arquitecto Angelo Stoli fundó Alko_studio, una colaboración que reúne arquitectura y diseño. Trabajó como diseñadora de productos e ilustradora para varias empresas del sector, como Okinawa, Zest Design,

el nuevo diseño italiano

DISEÑO DE PRODUCTO

13Ricrea, Rivaviva, Misuraca&Sammarro, Alla’s, entre otras. Los intereses de Elena varían desde el diseño de vestuario hasta el diseño de productos y su filosofía presta especial atención al mundo de la sustentabilidad ambiental.

Para sus creaciones, emplea materiales simples, naturales y ecológicos, como papel, cartulina, madera, Jacroki, cuero ecológico, cerámica, fieltro y distintos tipos de desechos.

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Schiavi Fabrizio 1

MTR2245 - 2004 - Expanded Music

Concepto para la portada de un álbum de música dance cuyo título era Italo X-perimento.

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MTR2216 - 2004 - Expanded Music

Portada de un álbum cuyo título es Call me Mr. Telephone, donde la palabra “teléfono” se asocia con los peligros de la contaminación electromagnética.

Es uno de los primeros ejemplos de una portada informativa.

Fabrizio Schiavi nació en Piacenza en 1971 y se licenció de Diseño Gráfico en el Istituto d ’ Arte di Parma en 1989.

Es diseñador gráfico, diseñador web y diseñador tipográfico. Su trabajo se caracteriza por una investigación estética y un contenido que con frecuencia se concreta en la forma del diseño conceptual. Después de trabajar por tres años como artista gráfico para la compañía discográfica Expanded Music, en 1998 fundó su propio estudio, FSD (Fabrizio Schiavi Design) en Piacenza.

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DISEÑO gráfico

Trabajó para Ferrari, C.P. Company, Mandarina Duck, Philip Morris, MTV, Nike, la revista Abitare, Stone Island, Fabbrica d’Armi Beretta y muchas otras empresas. Desde 1994 ha diseñado y producido fuentes tipográficas, las que se pueden adquirir directamente en su sitio o a través de diversos distribuidores internacionales. Su trabajo ha aparecido en numerosas publicaciones internacionales.

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abitare sans - 2013 - Abitare magazine

Fuente diseñada para una alta legibilidad.

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SYS - 2002

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Fuente diseñada para un uso amplio y de alta legibilidad (desde directorios telefónicos hasta mapas).

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DISEÑO gráfico

CP COMPANY - 2000 - C.P. Company

La fuente institucional diseñada para el sistema de identidad de la casa de vestuario C.P. Company.

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Schieppati Luca

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CICLò - 2005 -

Autoproducción

Es un medio de propulsión humana que brinda una nueva solución conceptual para los sistemas de ayuda para caminar. Se debe entender en el marco del biotransporte con un diseño moderno que lo hace accesible y práctico para su uso urbano.

Luca Schieppati nació en Italia en 1979. Después de la secundaria, se licenció de Diseño Industrial en el Politecnico di Milano. Es profesor en el Istituto Europeo di Design y la Accademia Galli en Como, donde enseña gráfica computacional y diseño gráfico. Ha participado con algunos de sus proyectos en importantes festivales de diseño nacionales e internacionales, como Milano Made in Design, Beijing y Shanghai, el Festival della Creatività en Florencia e Il segno dei designers en Milán. En 2007, una creación de su proyecto Ciclò ingresó al Triennale Design Museum. En 2010, presentó

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Ciclotte en el Salone del Mobile en Milán, en la Maison&Object en París, en la Biennale di Venezia y en 100% Design en Londres, en el que obtuvo 7 premios internacionales. Desde 2006, tanto él como su estudio han trabajado en diseño, ofreciendo un nuevo perfil profesional capaz de crear una interpretación estética moderna que combina arte, diseño y vestuario.

El trabajo en equipo le permite moverse libremente entre el diseño y la ingeniería, el diseño de interiores y exposiciones, la comunicación visual y las imágenes.

DISEÑO DE PRODUCTO | INVESTIGACIÓN en diseño

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Sforza Gianmaria 2

TWIST&TASTE - 2007 - DMK, Gruppo Sintesi

Cuchillería para comida china, pero con otra función adicional: es una novedad para habitantes de oriente y más fácil de usar para los habitantes de occidente. Un plato pequeño para degustar los sabores de la cocina occidental. Con un ligero movimiento de la muñeca, los condimentos se deslizan por el resorte, goteando desde el centro y humedeciendo la comida.

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BABELE (LIBRERIA DA VIAGGIO) - 2010 - Rudi Rabitti

Cajas multicapa de 12 mm con diversas formas y profundidades, puestas y colgadas una sobre la otra, envueltas con una cinta de cuero curtido naturalmente. Se puede desarmar fácilmente y cada gaveta se puede guardar dentro de otra, para acomodarse dentro de una maleta. Pesa menos de 12 kg y se puede enviar directamente a su destino.

Gianmaria Sforza es arquitecto profesional, periodista y curador independiente. Desde 2001 ha enseñado diseño arquitectónico y arquitectura de paisajes en el Politecnico di Milano.

Su trabajo combina métodos y formas de arquitectura y diseño que redefinen las reglas y las condiciones de los espacios abiertos. Éste se enfoca en el diseño como respuesta para identificar los lugares y como conexión con la calidad de la vida de sus habitantes.

el nuevo diseño italiano

DISEÑO DE PRODUCTO

El estado de los espacios no construidos -es decir, el paisaje- es la principal inspiración de su práctica. Sus proyectos varían desde los paisajes hasta los objetos de uso personal, para sugerir nuevos patrones de conducta y consumo. Ha participado en competencias nacionales e internacionales de ideas, diseño y diseño arquitectónico. Sus obras se han expuesto en varias ocasiones. Algunos de sus proyectos fueron comercializados y ahora son productos disponibles en el mercado.

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Sironi Brian

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Precaria - 2013 -

Autoproducción (prototipo)

La lámpara se origina a partir del encuentro de dos volúmenes delgados hechos de mármol que se apoyan entre sí, en una especie de equilibrio inestable. El volumen en forma de L invertida sirve como base y contiene la tira de luces LED, la superficie rectangular se puede mover para ajustar y dirigir la luz, como un difusor de luz móvil.

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ELICA - 2009 - Martinelli Luce

Se inspira en las formas puras de las lámparas ícono del pasado, como Atollo, Eclissi, Cobra. Tiene por objetivo ser una lámpara eterna que también puede transformarse en un ícono. Con un tamaño acorde a los principios de la sección áurea, ningún detalle técnico queda a la vista; el brazo de la lámpara funciona como interruptor y al girarlo, la lámpara se puede encender y apagar. Cuando la lámpara está apagada, se asocia una respuesta acústica con el movimiento del brazo.

Brian Sironi nació en Seregno, Italia, en 1977. Se licenció del Politecnico di Milano con un título en Diseño Industrial y comenzó a colaborar con arquitectos, diseñadores y artesanos profesionales como carpinteros, herreros, escultores en madera y tapiceros. Formado en el corazón de Brianza, su experiencia es tanto práctica como académica con una fuerte conexión con el área local, un elemento integral de sus diseños italianos cosmopolitas.

En 2007, Brian continuó su formación en los Estados Unidos y, a su regreso a Italia, fundó su propia firma, Studio Brian Sironi. En su trabajo, se enfoca en la conexión entre el objeto y el usuario, la forma y la función, mientras busca

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DISEÑO DE PRODUCTO

la forma en su estado más puro. Su objetivo es mejorar la vida diaria de las personas, aunque solo sea en algunos detalles pequeños, unos gestos simples o a una gran escala al agregar algo extraordinario e inesperado a cada objeto.

Ha recibido prestigiosos premios internacionales: el premio IF Gold Award (2010), dos premios Good Design Award (2011 y 2012) y el premio Red Dot Design Award (2011).

Su proyecto más importante es la lámpara Elica fabricada por Martinelli Luce, galardonada con el ADI Compasso d’Oro en 2011.

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Soave Stefano

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Return - 2013 -

Autoproducción

Un candelabro metálico de dos elementos. La vela esculpe su propia forma, estructura y posición.

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Nonò - 2010 - Alma Design

El nombre está conformado por dos negaciones: Silla NO y taburete NO. Este asiento permite que las personas se apoyen en un semiasiento y sitúa parcialmente el peso corporal en éste durante una espera temporal.

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Morelife - 2012 - Viola1956

Una serie de botones diseñados para perdurar. Con su eje, el botón se mantiene alejado de la prenda y no del hilo, como sucede habitualmente.

Stefano Soave nació en Manerbio (BS) el 16 de septiembre de 1987. Después de completar sus estudios iniciales como artista gráfico en publicidad, asistió al Machina Lonati Fashion and Design Institute en Brescia, donde se licenció en 2009 con su proyecto NONò (silla NO, taburete NO). Éste fue publicado más adelante en Internet y en varias revistas de la industria, con lo que obtuvo un enorme éxito en todo el mundo. En 2010, Alma Design fabricó y presentó NONò en el Salone Internazionale del Mobile y el 17 de abril

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DISEÑO DE PRODUCTO

recibió el premio especial Il Design Dello Stupore en la competencia Young & Design de 2010. A esto le siguió en 2010 el premio anual Good Design Award del Chicago Athenaeum Museum. En 2011, presentó su pequeña Mesa montada en el Salone del Mobile, nuevamente con Alma Design, y más tarde fue invitado para representar el talento italiano en una nueva campaña de publicidad para Alitalia. Actualmente trabaja en el diseño de productos y de marca en Brescia, cooperando con un número de empresas del sector.

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Sommella Valerio

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Semai - 2013 - Vistosi

Minù - 2013 - United Pets

con Alberto Saggia Una familia de lámparas de vidrio soplado en una jaula de alambre metálico.

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Caja de arena para gatos con una manija de acero inoxidable.

Happy family - 2011 - United Pets

Juguetes de látex para mascotas.

Valerio Sommella nació en Cortona (AR) en 1980. Estudió Diseño Industrial en el Politecnico di Milano, donde se licenció con honores en 2004.

Comenzó su carrera profesional en el estudio de Stefano Giovannoni, el que dejó en 2007 cuando se unió al equipo de Marcel Wanders en Ámsterdam.

En 2009, se trasladó a Milán y abrió su propio estudio, donde trabajó con

el nuevo diseño italiano

DISEÑO DE PRODUCTO

varios tipos de proyectos, que varían desde muebles a iluminación, hasta equipos electrónicos, productos y accesorios para consumidores para tiendas minoristas de gran escala.

Alterna el diseño con la enseñanza en varias universidades y escuelas de diseño.

sommella valerio

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Sonnoli Leonardo

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ATOM - 2005

El afiche reversible se creó para la conferencia sobre la historia y el uso de las cartas en el diseño, que se realizó en Liubliana (Eslovenia) en el año 2005.

Leonardo Sonnoli nació en Trieste en 1962 y vive y trabaja en Rimini. Como diseñador gráfico, en la actualidad es socio del estudio Tassinari/Vetta, que se concentra principalmente en la identidad visual de instituciones públicas y empresas privadas, en especial en el mundo de la cultura.

Sus trabajos incluyen la identidad visual de la 50a Biennale di Venezia, la coordinación del área de recepción en el Palacio de Versailles, una instalación tipográfica en el Palazzo Grassi en Venecia para la Fundación François Pinault y la comunicación para las exposiciones de Punta della

el nuevo diseño italiano

DISEÑO gráfico

Dogana y el Palazzo Grassi en 2011 y 2012, las ilustraciones para el New York Times y la identidad visual para el Napoli Teatro Festival Italia 20082010 y Artissima 2012. Desde el año 2000, forma parte de AGI, Alliance Graphique Internationale, y actualmente es presidente de la sección italiana. En 2011, se le otorgó el Compasso d’Oro. Dicta clases en ISIA, Urbino y la RISD (Escuela de Diseño de Rhode Island) y contribuye a Il Sole 24 Ore.

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POSTER FOR KAZUYO SEJIMA-RYUE NISHIZAWA. SANAA - 2005

El afiche, diseñado para la exposición realizada en Vicenza por los arquitectos Kazuyo Sejima y Ryue Nishizawa - Sanaa, interpreta desde un punto de vista tipográfico las transparencias que caracterizan sus trabajos.

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LETTEREMIX - 2006

Un volumen producido para la exposición dedicada a Leonardo Sonnoli en la galería Expa de Palermo en 2006. El libro, que incluye los aportes de Cinzia Ferrara, recopila una selección de los trabajos diseñados y exhibidos entre 1997 y 2006.

4

EMPTYPENESS - 2004

Afiche para una exposición y conferencia de Leonardo Sonnoli en Ningbo (China).

el nuevo diseño italiano

DISEÑO gráfico

sonnoli leonardo

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Studio Fm Milano

1

AB. A Playlife story - 2013 - Electa

Libro ilustrado que narra la historia de la marca Playlife a través de la figura de su fundador, Alessandro Benetton.

2

Coat of arms - 2013 - Ermenegildo Zegna

Rediseño del escudo de armas original de los condes de la familia Zegna, utilizado en importantes eventos y como respaldo gráfico de ropa seleccionada.

Barbara Forni y Sergio Menichelli fundaron Studio FM Milano en 1996.

En el 2000 se les unió Cristiano Bottino como socio.

El estudio se especializa en diseño gráfico y comunicación visual en diversas áreas, como el vestuario, diseño industrial, arquitectura, cultura e instituciones, y la industria.

Clientes nacionales e internacionales: Altagamma, Arclinea, Benetton, Boffi, Brioni, BTicino, Cassina, Electrolux, Ermenegildo Zegna, Gianfranco Ferrè, Hachette Rusconi, Instituto Tecnológico de Massachusetts, NDIA (Nuevo Aeropuerto Internacional de Doha), el grupo RCS, Sergio Rossi,

el nuevo diseño italiano

DISEÑO gráfico

Tecno, Technogym, Valentino, Versace y Victorinox (Künzi).

Exposiciones: Multiverso en Turín (2008), 20a International Biennale of Graphic Design, Brun (2002) y ADI Design Index (2000 y 2005).

Publicaciones: Ètapes, Progetto Grafico, Abitare, Idea Magazine, Logos Design, Domus, Web Design Navigation (Taschen), etc.

Premios: European Design Award entre 2008 y 2012, Miembro de European Design Leaders desde 2012. Enseñanza: ISIA (Urbino), IUAV (San Marino), NABA (Milán), Politecnico di Milano, IED (Milán), Scuola Politecnica di Design (Milán) y SUPSI (Lugano).

studio fm milano

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3

Frame - 2012 - Refin

El proyecto reinterpreta los valores visuales contemporáneos de la decoración tradicional de la cerámica en enchapado, típica del área de Sassuolo en Italia.

4

RASSEGNA/NUOVI ORIENTAMENTI DELL’ARCHITETTURA 2005 - Editrice Compositori Diseño gráfico de la revista de arquitectura Rassegna.

el nuevo diseño italiano

DISEÑO gráfico

studio fm milano

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Studio Ghigos

1

PANCHINA A DONDOLO - 2009 - Autoproducción

Una banca para exteriores se cruza con una silla mecedora tradicional para entregar una atmósfera hogareña a la ciudad. Su estructura es de madera pintada, hecha de tablas.

El grupo Ghigos (Davide Crippa, Barbara Di Prete, Francesco Tosi) se conformó en 1998 como un lugar para la interacción y el intercambio de habilidades; desde entonces han trabajado en una investigación extensa, derribando los límites entre las disciplinas como una nueva forma de lograr conocimientos críticos y de diseño. El grupo ha creado exposiciones, instalaciones y proyectos que han dejado su marca en competencias nacionales e internacionales, los que han aparecido en publicaciones italianas líderes. Ghigos, que se convirtió en un estudio en 2004, se distingue por su naturaleza interdisciplinaria, abordando cada proyecto

el nuevo diseño italiano

DISEÑO DE PRODUCTO

en una escala diferente: desde exposiciones hasta gráficos y desde diseño hasta arquitectura, siempre con una inspiración artística. En 2010, MAXXI en Roma y MoMA en Nueva York seleccionaron a Ghigos Ideas para que participara en YAP 2011 y, durante el verano, se exhibieron las obras de los cinco estudios seleccionados tanto en MoMA como en MAXXI. En 2011 fue uno de los nueve estudios seleccionados para los talleres internacionales organizados por Expo 2015 y por el Politecnico di Milano para el diseño preliminar del Grupo del arroz en la Expo 2015, que albergará a diversos países, entre ellos, Camboya, Cuba y Vietnam.

Studio Ghigos

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Studio Natural

1

titus - 2010 -

Autoproducción

Bote salvavidas con motor, grande como una tabla de surf: su cuerpo principal está hecho de material sintético fresado y pintado, mientras que sus detalles (estabilizadores, controles, manijas) son el resultado de un prototipo rápido y un ensamble manual.

Studio Natural es una agencia creativa fundada por Marco De Santi y Alessandro Paoletti. Como diseñadores industriales y gráficos han adquirido gran experiencia, desde el diseño de montaje hasta el diseño de productos, mediante la comunicación gráfica y web. Estas esferas diferentes comparten una raíz en común, el diseño como la aplicación de un proceso creativo.

el nuevo diseño italiano

Studio Natural cree en el poder del profesionalismo y en la idea de que cada proceso requiere de habilidades y personas especiales.

Es de este modo que conforma equipos personalizados para cada trabajo, con personas que interactúan y trabajan en conjunto para garantizar el éxito del proyecto.

DISEÑODEDEPRODUCTO PRODUCTO| INVESTIGACIÓN en diseño DISEÑO

studio natural

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Studio Paolo Bazzani 1

DOMO - 2009 XIX Biennale dell’Artigianato Sardo Diseño gráfico.

2

WOMENSWEAR FW 2013/14 INVITATION - 2013 - Antonio Marras

Diseño gráfico.

3

Kenzo 40 years book - 2010 - Rizzoli USA

El libro es la celebración de los 40 años de carrera de la marca Kenzo, desde sus comienzos con Kenzo Takada hasta el 2010 con los diseños de Antonio Marras.

Hecho a base de páginas plegables, con un hermoso elemento emergente que muestra la Torre Eiffel con el paisaje de un abanico tradicional japonés.

Paolo Bazzani nació en Felonica (Mantua) en 1965. Asistió a ISIA Urbino desde 1984 hasta 1988, donde Michele Provinciali fue uno de sus maestros. Después de ganar experiencia en MID-design Milano, trabajó con varias agencias de publicidad (G&R Pubblicità S&H, Young&Rubicam y Pubblicis) hasta que estableció su propio estudio, Studio Elica, en 1995.

La pequeña firma tuvo gran aceptación en revistas y libros de la industria, como Novum Gebrauchgraphic, European Regional Design Award, ADCI Annual y ADI Design Annual. Desde 2003, el estudio que lleva su nombre ha participado principalmente en diseño gráfico y dirección de arte para empresas de vestuario. Paolo ha sido un amigo cercano de Antonio Marras

el nuevo diseño italiano

DISEÑO gráfico

desde comienzos de 1990 y aún trabaja junto a él en la imagen gráfica y las escenografías para las exposiciones de vestuario de las colecciones para mujeres y hombres, y la línea I’M Isolamarras. Cuando Antonio Marras asumió el cargo de director creativo de Kenzo en 2003, Paolo estaba a cargo de la dirección de arte de los eventos para presentar las colecciones para mujeres y hombres de la marca francesa entre 2003 y 2011. Paolo también fue el responsable del libro que publicó Rizzoli New York para celebrar el 40º aniversario de la marca. También diseña escenarios para eventos y producciones teatrales. Equipo del Estudio Bazzani: Rosadea Angiolla, Eloise Morandi y Francesca Pasini.

estudio paolo bazzani

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Studiopepe

1

DePadova - 2011

Diseño de vitrinas.

2

MAX&CO

- Christmas 2012

Diseño de vitrinas.

Studiopepe es un estudio de diseño que se fundó en Milán en 2006. Adopta un enfoque visionario y multidisciplinario para el diseño de interiores, los estilos, las escenografías y la asesoría creativa y de estilo.

Arianna Lelli y Chiara Di Pinto, las fundadoras y directoras de arte de Studiopepe, se licenciaron de diseño en el Politecnico di Milano.

Al formarse en una base sólida en diseño de interiores y con gran impacto emocional de su investigación ecléctica, Studiopepe ha llevado a cabo proyectos de diseño para conceptos de filmación iconográficos de importantes revistas internacionales e instalaciones site-specific para sus marcas de diseño principales.

el nuevo diseño italiano

DISEÑO de interiores

Studiopepe desarrolla un enfoque hecho a la medida que se basa en la observación, el análisis y la intuición, preocupándose de cada aspecto del proyecto; desde el desarrollo de la imagen para aconsejar sobre conceptos de catálogos y el diseño de salones de exposición, hasta site-specifics y eventos de diseño.

Su filosofía se basa en un enfoque conceptual inspirado en lo inesperado y en una amplia experiencia iconográfica y visionaria, que genera resultados únicos en su tipo. Su atención a los detalles y la emoción que pueden generar en las personas son aspectos fundamentales de sus proyectos.

studiopepe

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Studio Pierandrei Associati

1

My lane - 2010 - MADEexpo

Un centro para las áreas urbanas verdes.

2

The creative garden - 2010 - Fuori Salone Milano

Oficina temporal.

Pierandrei Associati es una oficina de arquitectura con sede en Milán que se enfoca en la arquitectura y el diseño de productos y de interiores. Durante las dos primeras décadas de su trabajo, Pierandrei Associati ha expandido continuamente su experiencia internacional. Todos sus proyectos son medios para mejorar el bienestar de las personas, crear oportunidades para el crecimiento, y fomentar y prever las nuevas actitudes y tendencias. Los socios son motivados por la pasión y el pensamiento independiente, y el equipo adopta un enfoque holístico que considera la arquitectura y el diseño como parte de un sistema complejo que incluye los aspectos emocionales, sociales, comunicacionales y económicos. Todos los proyectos de PA muestran una

el nuevo diseño italiano

DISEÑO de interiores

investigación constante de conocimientos e innovación: una curiosidad apasionada por lo contemporáneo y su complejidad de crecimiento, que PA combina con investigaciones exhaustivas de las tendencias sociales y su conducta. Todas las obras de Pierandrei Associati muestran una actitud abierta con la coexistencia de diferentes culturas y disciplinas, en que la tecnología, la comunicación, la ciencia y el arte ayudan a mejorar la experiencia del usuario en espacios y artefactos diseñados según PA. En 2010, PA fue seleccionado por el ADI Design Index en Italia y ganó el Red Dot Award (Alemania) y el premio Best Design Award (Estados Unidos). En 2011, PA también obtuvo el primer lugar en el US Award 2010 por el mejor diseño de interiores.

Studio Pierandrei Associati

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Studio Temp

1

We Are The Gang - 2009/ 2012 - Coffee.n.Television

Diseño gráfico.

2

All Blood of Watermelon - 2011

3

Catálogo y diseño de la exposición.

Catálogo.

Estudio Temp (Marco Fasolini, Fausto Giliberti, Guido Gregorio Daminelli) es un estudio de diseño gráfico fundado en Bergamo en 2007. Se concentra en todas las formas del papel impreso: libros, revistas, catálogos, identidad visual, ilustraciones y afiches. Temp también diseña y administra sitios

el nuevo diseño italiano

Alessandro Dal Buoni - 2010 - Wonder Room

DISEÑO gráfico

web y tiene actividades paralelas como talleres, exposiciones y obras de producción independiente. Desde 2008, algunos miembros del estudio han trabajado con una revista de arte contemporáneo y la empresa de publicidad de Milán, Mousse Magazine & Publishing.

studio temp

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Studiocharlie

1

Nicchia - 2013 - XYZdesign

Las líneas definen el volumen. Lo que antes fue un espacio hecho en la pared (un nicho), ahora es un volumen agregado al espacio de la habitación.

Fundado en 2002 por Gabriele Rigamonti, Carla Scorda y Vittorio Turla, Studiocharlie crea objetos con un aspecto gráfico particular, como imágenes en el espacio. Ellos ven el diseño como una actitud, independiente del área en que se aplique. Uno puede dibujar en un papel usando líneas y colores, del mismo modo que uno dibuja sobre el acero, usando ángulos y cortadores láser, o en telas con hilos y tejidos. Son los dibujos con materiales y línea en el espacio los que crean formas. Es esencial, desde el comienzo, una comprensión absoluta en la elección de los instrumentos y materiales.

el nuevo diseño italiano

DISEÑO DE PRODUCTO

Permanecer fiel a la idea original a fin de transmitir la misma emoción a través del objeto real requiere de una atención meticulosa a los detalles; es decir, mostrar cómo el pensamiento que se transforma en objeto mantiene la pureza y la esencialidad del acto creativo. Estas son imágenes que adquieren la forma material para compartirlas.

El estudio diseña para Atipico, Billiani 1911, Boffi, Lanificio Leo, Lema, Made a Mano y Vittorio Bonacina.

studiocharlie

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Studioxdesigngroup

1

CHINESE LOOK GIOIELLO ORTOTTICO - 2005 - Autoproducción

Chinese Look es una crítica a la paranoia actual que lleva a los occidentales a mirar con impotencia el advenimiento del futuro de China. Una joya que se puede usar para obtener las características que más se manifiestan en oriente, pero también es un instrumento de corrección visual que permite observar el mundo con una mirada "china", para así ayudar a enfrentar el hipotético nuevo orden. Chinese Look fue producido para OPOS para la exposición Made for China.

Estudio X es un equipo multidisciplinario dirigido por Lara Rettondini y Oscar Brito. Produce proyectos conceptuales que van más allá de los límites tradicionales que existen entre el arte, el diseño y la arquitectura. Sus obras se distinguen por un enfoque crítico basado en un análisis constante de cultura contemporánea que investiga los fenómenos urbanos, sociológicos, económicos, políticos y basados en los medios. Un representante de

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DISEÑO de joyas

esta investigación es el concepto Mandaring de Mandarina Duck, Circuit Box presentado en la Tokyo Designers Week; y Sandwichman, un video presentado en Quotidiana, en el Kassel Documentary Film & Video Festival, en Witte de With en Róterdam, y en Platform Garanti en Estambul; todas las obras recibieron importantes distinciones internacionales.

studioxdesigngroup

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Tankboys

1

D’estate in Campo - 2007 - Comune di Venezia

Afiche.

2

Innovetion Valley Magazine - 2009 - Fuoribiennale

Diseño gráfico.

3

Dap Studio, Total Living - 2012 - 22publishing

Diseño gráfico.

Tankboys es un estudio de diseño gráfico independiente con sede en Venecia, fundado por Lorenzo Mason y Marco Campardo en 2005.

Se licenciaron en la Facultad de Diseño de IUAV en Venecia y desde entonces, nunca han dejado de trabajar juntos. Tankboys se encarga del arte y la comunicación, enfocándose principalmente en los proyectos impresos y editoriales. Con los años, han trabajado para clientes como

el nuevo diseño italiano

DISEÑO gráfico

Foscarini, Rotaliana, Pallucco, Pitti Immagine, Biennale di Venezia, Circuito Off, Skira, Havaianas, Moleskine, Beyond Entropy Foundation, Teatro Stabile del Veneto Carlo Goldoni, Comune di Venezia, Teatro Fondamenta Nuove, Retrosuperfuture, A plus A Gallery, Jarach Gallery, Delsin Records y Fuoribiennale. En 2009, crearon la editorial independiente Automatic Books, que se especializa en libros de artistas.

Tankboys

PÁG.145

Tonti Stefano

1

Biennale del Disegno di Rimini

- 2013

Identidad visual.

2

FAR - 2011 - Fabbrica Arte Rimini

Identidad visual.

3

Museo Internazionale delle Ceramiche di Faenza (MIC) - 2012

Afiche.

Stefano Tonti nació en Rimini en 1964. Como diseñador gráfico, trabaja principalmente para instituciones y eventos artísticos y culturales. Su imagen gráfica para el Teatro Municipal de Rimini y el premio internacional Ilaria Alpi de periodismo fueron seleccionados para dos ediciones de Compasso d’Oro. Su obras han sido exhibidas en bienales, incluidas las de Brun, Sofía y Teherán,

el nuevo diseño italiano

DISEÑO gráfico

y en el Poster Museum en Hoorn, Países Bajos, en el Contemporary Art Museum en Estambul, en el Industrial Design Center en Beijing, en el Museo d’ Arte Moderna en Roma, en el Krasniy Oktober Cultural Center en Moscú y en varias ocasiones en el Triennale Design Museum. Además, ha publicado en revistas de diseño, libros y sitios web de todo el mundo.

Tonti Stefano

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Tortoioli Ricci Marco

1

ME EMU - 2013 con Bcpt_associati Diseño gráfico.

Nacido en Perugia en 1964, Marco Tortoioli Ricci estudió en ISIA en Urbino, donde fue alumno de Michele Provinciali y Alfred Hohenneger. Desde 1989 hasta 1992, fue director de arte del Studio Dolcini Associati en Pesaro. En 1993, se encargó de la imagen mundial de la marca Listone Giordano y fundó el estudio BCPT Associati di Perugina, que se concentra en la creación de los sistemas de identidad y diseño. Sus proyectos fueron seleccionados para las ediciones 2001, 2004, 2005 y 2008 del ADI Design Index. Entre sus

el nuevo diseño italiano

DISEÑO gráfico

clientes se encuentran Mondadori, Regione Umbria, Università degli Studi di Perugia, Apple Italia, Cassa Risparmio di Pesaro, Comune di Perugia, Teatro Stabile dell’Umbria, Festival dei Teatri di Santarcangelo di Romagna, Tagina Ceramiche, Poltronova, Nemo, futuro laboratorio de exploración. En 2002, creó la cooperativa CoMoDo, Comunicare Moltiplica Doveri, que se dedica a la comunicación social. Marco es profesor del curso de metodología en ISIA en Urbino.

Tortoioli Ricci Marco

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2

BCC

- 2012 - Banca di Credito Cooperativo Veneto

con Bcpt_associati Identidad visual.

el nuevo diseño italiano

DISEÑO gráfico

Tortoioli Ricci Marco

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Total Tool

1

Ottagono Valori Identitari Del Nuovo Artigianato 2008/ 2013 - Confartigianato Nazionale, Roma Proyecto de investigación, educación y comunicación destinado a redefinir la artesanía en sus relaciones con el mercado.

2

Design Cuvée Kit - 2009/2011 -

Contadi Castaldi, Franciacorta

Kit para catar vino.

Giulio Ceppi es arquitecto y diseñador, doctor y profesor en Politecnico di Milano. Es el fundador y director del Master en Business Design de la Domus Academy. Trabaja en el diseño sensorial y material, los nuevos desarrollos tecnológicos y las estrategias de identidad.

Desde 1990 hasta 1997 coordinó el Centro de Investigación Domus Academy y desde 1998 hasta 2000 fue asesor de diseño ejecutivo en Phillips Design.

También ha realizado talleres y conferencias en más de 25 países y ha escrito varios ensayos sobre diseño y cultura de diseño.

el nuevo diseño italiano

DISEÑO gráfico

Es el director administrativo de Total Tool, una empresa estratégica de visión y diseño con sede en Milán y Buenos Aires. Trabaja con prestigiosas empresas, entre ellas, Auchan, Autogrill, Averna, Comune di Venezia, Confartigianato, Festo, Ikea, Illy Caffè, Mitsubishi, Motorola, Nestlè, Nissan, PepsiCo, Pirelli RE, Unilever, SaporitiItalia, Viacom y 3M. Total Tool fue seleccionada para el premio Compasso d’Oro en 2005 y 2008, e ingresó al Salón de la Fama de ICSID en 2007.

total tool

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Uderzo Barbara

1

GLUCOGIOIELLO, BIG RED GIUGGIOLE - 2004 - Autoproducción

2

Collar. Poof sabor frutilla, broche con esferas rojas.

1

GLUCOGIOIELLO, CANDY CHAIN - 2004 - Autoproducción

Regaliz puro, un meteorito en cada collar.

2

Collar. Malvaviscos, broche con perlas de madera.

Barbara Uderzo vive en Creazzo (Vicenza) y en Milán, donde abrió un estudio con forma de gota en 2010. Desde 1990, después de estudiar en la Accademia di Belli Arti in Venice, comenzó a crear joyería contemporánea.

Sus artículos únicos, creados a través de la investigación y la experimentación, han sido publicados en revistas y libros, y exhibidos en diversas galerías de arte y museos internacionales, como el Triennale Design Museum, Kunstgewerbemuseum en Berlín, el Victoria and Albert Museum en Londres, el Museo degli Argenti en Florencia y el Mart Rovereto.

el nuevo diseño italiano

GLUCOGIOIELLI, UNO è VERO - 2004 - Autoproducción

GLUCOGIOIELLO, LISA’S JEWELS - 2007 - Autoproducción

Collar. Esferas de dulces revestidos, broches de cristal de roca.

También trabaja con diseñadores líderes, diseñando y creando prototipos para nuevas colecciones de joyas. Desde 1999 ha acompañado sus obras artísticas y de diseño con la enseñanza en escuelas de diseño.

Su inspiración no solo emerge en el metal, sino también en la madera, el plástico, el papel, la cera y las sustancias comestibles como el chocolate, el hielo y la nieve. Usa técnicas artesanales y tecnologías industriales.

DISEÑO DE JOYas | Food Design

Uderzo Barbara

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Ulian Paolo

1

CARDBOARD VASE - 2012 - Corraini Edizioni

La forma de las jarras de cerámica es el resultado del modelado manual de tubos de cartulina corrugada que habitualmente se usan para envolver botellas y jarras.

2

FINGER BISCUIT - 2004 - Prototipo para la exposición Pappilan Bolzano - Milan No tiene que sostener la galleta en sus manos, sino que debe usarlo como un dedal y probarlo en un bocado único con su crema favorita.

3

Pentole + piatti - 2012 - Biennale dell’ Artigianato Sardo

Estos tres tipos de platos se pueden usar como tapas en sus ollas y también para cocinar o mantener los alimentos calientes.

Paolo Ulian estudió en la Accademia di Belle Arti en Carrara y se licenció de Diseño Industrial en el ISIA en Florencia. En 1990, su proyecto de tesis ganó el Design for Europe Award en Kortrijk, Bélgica.

A fines de 1990 se unió al estudio de Enzo Mari como asistente y trabajó con él hasta 1992. Desde entonces, se ha dedicado a la experimentación y ha participado en numerosas exposiciones grupales en Italia y en el extranjero. En el 2000, participó en SaloneSatellite, donde obtuvo el premio Design Report Award. Ha colaborado con Droog Design y algunas empresas

el nuevo diseño italiano

italianas como Driade, FontanaArte, Danese, Zani&Zani, Coop, Azzurra Ceramiche, Skitsch Officinanove. Durante el Salone del Mobile 2009 Beppe Finessi curó su primera exposición en solitario en Careof-Viafarini en la Fabbrica del Vapore en Milán. La exposición terminó en las páginas de la revista francesa Intramuros, que también le dedicó la portada de la edición de agosto. En enero de 2010, el Triennale Design Museum presentó su segunda exposición, curada por Enzo Mari. En 2011, obtuvo el primer lugar en diseño social promovido por ADI.

DISEÑO DE PRODUCTO | Food Design

ulian paolo

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4

Doily - 2011 - Danese

5

El comprador puede "extender" el disco de acero cortado con láser de maneras diferentes, asumiendo éste las funciones de una cesta para frutas, un plato o una bandeja.

6

Arianna - 2013 - Zava Illuminazione

ANELLO-SPAZZOLINO DA DENTI - 2005 - Autoproducción

Si se usa en el dedo meñique, es un anillo. En algunas ocasiones, como en un restaurante o en un bar, puede cambiarse al dedo índice para usarlo como cepillo de dientes de emergencia.

7

MAT-WALK - 2002 - Droog Design

con Caterina Di Michele Una lámpara parecida a una cuchara en la que se puede enrollar el cable eléctrico, lo que permite llegar a todas las esquinas de la habitación y aún más allá.

el nuevo diseño italiano

DISEÑODEDEPRODUCTO PRODUCTO| Food Design DISEÑO

Tapete para baño con zapatillas integradas para realizar pequeños movimientos en el baño.

ulian paolo

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Valtolina Francesco

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rivistastudio.com

1

PADIGLIONE DANESE - 2011 - Biennale di Venezia

Identidad de diseño.

2

MIART - 2013

Concepto y dirección de arte.

Francesco Valtolina nació en Milán, bajo el signo de Virgo, en 1977.

Director de arte y diseñador gráfico, sus obras se basan en un enfoque multidisciplinario y en una enorme curiosidad. Imparte clases en Editorial Design en ISIA, Urbino, y realiza talleres y congresos en varias instituciones públicas y privadas. Desde 2008, como director de arte de Mousse, la revista y editorial de arte contemporáneo con sede en Milán, ha trabajado con

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DISEÑO gráfico

artistas internacionales, escritores, fotógrafos y colectivos, en la concepción y creación de proyectos, libros y publicaciones de comunicación visual. En 2011, se lo incluyó en Graphic Design Worlds, una exposición del Triennale Design Museum, curada por Giorgio Camuffo. En 2012, diseñó el informe anual para Pirelli. Sus obras han sido presentadas en revistas y publicaciones de diseño gráfico.

Valtolina Francesco

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Venezia Vittorio

1

POLIPIXEL - 2008 - Meritalia (prototipo)

Sillón elaborado con capas de poliuretano flexibles que se cortan controladas de manera numérica y con un acabado con goma en spray.

Este sillón se concibió para mantener las geometrías intactas.

Sus forman parecen ser el resultado de una construcción de Lego o de la composición hecha mediante píxeles que parece incómoda por sus formas puntiagudas.

Vittorio Venezia nació en Palermo en 1980, donde se licenció de Arquitectura.

Fue seleccionado y obtuvo premios en numerosas competencias nacionales e internacionales, y su trabajo se ha exhibido en el Triennale Design Museum y el Louvre en París. Vive en Milán, donde trabaja con varias empresas de diseño, incluidos Meritalia y Laura Meroni Design Collection. Entre los

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DISEÑO DE PRODUCTO

distinciones que obtuvo, ganó premios en la competencia de Bombay Sapphire en 2004 y el premio Lucky Strike Junior Award en 2006. En 2007, se le otorgó la Prime Cup del Triennale Design Museum y en 2008, Grand Prix Emile Hermès. Además de su trabajo de diseño, es profesor adjunto en el curso de Vanni Pasca sobre la historia del diseño en la Università di Palermo.

Venezia Vittorio

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Vercelli Davide

1

CARDANO - 2001 - Rubinetterie Ritmonio

Un mezclador para lavaplatos de cocina con una llave flexible de dos ramas, con una extensión total de 320 mm. La llave alcanza cada esquina del lavaplatos y el aireador giratorio le permite dirigir el chorro de agua para mantener sus manos desocupadas.

El control se puede ubicar de manera independiente con respecto a la llave.

Davide Vercelli nació en 1966 en Varallo (VC). Se licenció de Ingeniería e ingresó al diseño después de un período de investigación en el Politécnico de Turín.

Siempre ha sido un amante de la cultura del diseño, y los métodos con que las estrategias de tecnología, producción, comunicación y marketing se combinan para generar un producto. Con el transcurso de los años ha trabajado en un gran número de proyectos con empresas de diferentes sectores de negocios: iluminación, objetos domésticos, radiadores, tapicería y muebles para baños.

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DISEÑO DE PRODUCTO

Desde 1999 hasta 2007, desarrolló el concepto de empresa de Ritmonio y se transformó en su espíritu creativo. En 2010, fundó los muebles de la marca Liberostile para la que produce mesas y objetos complementarios. Ha sido ganador de varios premios internacionales: cinco selecciones para el ADI Design Index, dos para el Compasso d’Oro, dos premios en la competencia Young & Design, primer premio en IDA (International Design Awards) y el Good Design Award. Es miembro del Osservatorio Territoriale Permanente per il Design.

Vercelli Davide

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Zaven

1

Nodo - 2011 - Autoproducción

2

Un candelabro modular. Gracias al movimiento de sus brazos independientes, Nodo puede sostener varias velas y cambiar dinámicamente la forma de la luz que emiten.

Fundado en 2006 por Enrica Cavarzan y Marco Zavagno, Zaven es un estudio de diseño dedicado a la investigación en comunicación, diseño y arte. Ubicado en el antiguo distrito industrial de Marghera, frente a la laguna de Venecia, Zaven trabaja en diseño gráfico, de productos e instalaciones.

La capacidad de generar cooperación entre los talentos creativos en diferentes campos es una característica distintiva que también ha llevado al éxito de Zaven más allá del mundo del diseño.

Sus clientes incluyen Atipico, Ca’ Foscari Università, FontanaArte, Fondazione

el nuevo diseño italiano

DISEÑO DE PRODUCTO

220V - 2006 - If

El poste eléctrico antiguo cambia a un tubo de acero y se transforma en un colgador de abrigos original en este prototipo presentado en el Salone del Mobile de Milán 2006.

Claudio Buziol, Fondazione Sandretto Re Rebaudengo, Fondazione Sindika Dokolo, HelloVenezia, IUAV Università di Venezia, the Biennale di Venezia, Lineabeta, Miniforms, Nike Italia, Pimar, Red Bull, Replay Jeans y Secondome. Con Ana María Bresciani lanzó el proyecto editorial Monos, que produce monografías académicas en el mundo de la filosofía y arte. www.monoseditions.com Zaven promueve el proyecto Something Good, un colectivo de diseño y comunicación.

zaven

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Zetalab 1

Piano City Milano - 2013

Afiche.

2

Smemoranda 2014 - 2013 - Gut Edizioni

Identidad de marca.

3

Uovo Kids - 2012

Identidad visual.

Zetalab es un estudio de diseño que se fundó en Milán en 2000. Trabaja en comunicación visual usando varios medios, abordando proyectos complejos de manera sistemática y apasionada con habilidades multidisciplinarias.

Se especializa en identidades visuales flexibles, proyectos editoriales,

el nuevo diseño italiano

DISEÑO gráfico

empaques, videos y escaparates. Trabaja para instituciones y empresas como Moleskine, Smemoranda, esterni, RCS y La Triennale di Milano. Enseñar es una pasión: algunos miembros de Zetalab enseñan periódicamente en el Politecnico di Milano e IED.

Zetalab

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4

milano film festival - 2012 - Esterni

Identidad visual.

5

store - 2012 - Moleskine

Tienda emblemática en Roma.

el nuevo diseño italiano

DISEÑO gráfico

Zetalab

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Zito Marco

1

POSA - 2013 - Bosa

Reloj de pie con caja para objetos.

2

MOBI My Own Brush Interchangeable - 2012 - Pennelli Tigre

La única brocha del mundo con cabezal intercambiable y mango ergonómico.

Marco Zito nació el 16 de febrero de 1966. Arquitecto, se licenció bajo la supervisión de Vittorio Gregotti en el IUAV en 1994. Desde 1996 ha impartido clases de diseño industrial en la Facultad de Diseño y Arte de IUAV Venecia.

Profesor invitado del Centro de Diseño Industrial de Montevideo (Uruguay), el San Marco Center de Kigali (Ruanda), el IMC, Industrial Modernization Center de El Cairo (Egipto). Es un miembro experto del observatorio para el proyecto ADI. BEDA Reg. Su estudio, en Venecia, se especializa en el diseño de productos, el diseño de interiores y la arquitectura. Design Index ADI 2004, seleccionado por Steelon, producción de Viabizzuno. Con

el nuevo diseño italiano

DISEÑO DE PRODUCTO

publicaciones en el Anuario de diseño de 2004 de Tom Dixon. Premiado con el trofeo al diseño de innovación 2005 Batimat, París; el diseño de sistema iluminado Lettere, producido por Viabizzuno. Design Index ADI 2007, selección por lettere, producción de Viabizzuno. Ganador de la competencia de Matitalia por un lápiz para celebrar el 150o aniversario de la unificación de Italia, con L’unità producido por Fila. Proyectos con Foscarini, Agape, Salviati, Olivetti, Lavazza, Plust, Deltacalor, Coin, Electrolux, Casamania, Danieli Group, Fila, Viabizzuno, Bosa y Saba. Publicaciones en Abitare, Domus, Casabella, Intramuros, Wallpaper, Interni, Ottagono, Diid y The Plan.

Zito Marco

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WIRELESS - 2003 - Techimpex

Tostador para fuego que explota el calor de la cocina común a través de una placa de acero inoxidable con orificios que garantiza la difusión del calor.

Las tostadas no entran en contacto con la placa, gracias al tenedor de acero inoxidable con un encaje de teca que evita las quemaduras.

4

ORTO - 2003 - Autoproducción

Utensilio para el hogar dedicado a la actividad de recoger, elaborado de madera para resaltar el origen antiguo del objeto o en fibra de vidrio que, como las cañas de pescar, usa el mecanismo telescópico. La pinza manual pequeña toma la fruta, para que así caiga dentro de la red pequeña. Es una reinterpretación de las formas vinculadas con la tradición rural a través del empleo de tecnologías industriales.

5

el nuevo diseño italiano

DISEÑO DE PRODUCTO

diapason - 2001 - Agape

Zito Marco

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Zorzenoni Matteo

1

In-Lay - 2013 - Somethinggood

2

Hay una ranura para el plato tallada en el elemento principal, la que permite a los usuarios colocar y quitarlo fácilmente gracias a la manija que sobresale de su forma principal.

Matteo Zorzenoni nació en Treviso en 1978. Su estilo, que lo ha convertido en uno de los diseñadores italianos más prometedores, se basa en un estudio constante de los materiales y el descubrimiento de su potencial inesperado, lo que le permite crear vidrios concretos, estructuras en video y mesas en metal líquido. Sus obras han sido seleccionadas por algunas de las exposiciones más importantes, como las de MAXXI en Roma, Biennale Design Saint-Étienne, London Design Festival, la Biennale di Architettura en Venecia y el Centre Georges Pompidou.

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DISEÑO DE PRODUCTO

Crystalball - 2013 - Sartori Marmi e Myver

La colección une la fragilidad del elemento principal con el recuerdo de un juego para niños, las burbujas mágicas que fueron un culto en la década de 1990. Las bases pequeñas en el mármol sostienen las grandes esferas de pírex para así crear un desequilibrio visual entre lo lleno y lo vacío, entre la fragilidad y la resistencia.

Ha impartido clases en Universidad de Arquitectura IUAV en Venecia, y actualmente trabaja con IED Madrid y realiza talleres para el Domaine de Boisbuchet -Vitra Design Museum-. Después de adquirir experiencia considerable como asesor para Fabrica desde 2006, actualmente ayuda a Jaime Hayon en la dirección de la sucursal italiana del estudio, mientras comunica su investigación en el mundo de la artesanía de alta calidad y la creación de proyectos nuevos con clientes como Cappellini, Mercedes Benz, Replay, Benetton, Alcantara, Bosa Ceramiche, Miniforms y Somethingood.

Zorzenoni Matteo

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zpz partners

1

Orto nursery, Children Centre in Tokyo - 2007 - 2010 Takadanobaba, Shinjuku, Tokio con DARC. Centro de Niños para infantes hasta 5 años, con guardería, centro para niños pequeños, espacios sociales, instalaciones para familias.

2

Nursery - 2011 - Gruppo Cariparma Crédit Agricole

Guardería para niños de la empresa.

ZPZ Partners se fundó en 1998 como una firma con experiencia en arquitectura, diseño de interiores e investigación. Diseña instalaciones y estructuras que son innovadoras en términos de concepto y forma, desde el diseño de metaproyectos hasta la administración de construcción, con una mirada cercana al diseño arquitectónico sustentable.

Los socios adjuntos son Claudia Zoboli y Michele Zini, arquitectos.

Los proyectos principales, en Italia y en el extranjero (Tokio, San Francisco, Moscú, Londres, Seúl, Dubai), varían de arquitectura (escuelas, escuelas preescolares, centros para niños pequeños, hospitales, tiendas minoristas,

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hoteles) a diseño de interiores, sistemas de muebles, exposiciones y maquetación. La actividad también incluye la imagen y el diseño de la imagen corporativa (Motorola, Unilever/Algida, Fap, Atlas, Vodafone), diseño de visión. ZPZ Partners es director artístico de PLAY+.

Michele Zini ha sido profesor contratista en la Facultad de Diseño, Politecnico di Milano, desde 1998 y profesor de Domus Academy Master Courses en en Diseño y Urban Management desde 1995 hasta 2002.

Domus Academy Research Centre y Reggio Children fueron y son socios en la investigación extensiva.

INVESTIGACIÓN DISEÑO DE INVESTIGACIÓN en diseño | DISEÑO DE INTERIORES

Zpz Partners

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Zup Associati

1

Annual Report - 2010 - Elica Group

Dirección de arte.

ZUP (Marco Fagioli, Andrea Medri, Lucia Roscini) es un laboratorio que diseña, desarrolla y crea sistemas de identidad. Su método de trabajo se diseñó para superar cada problema desde un punto de vista global, desde la convicción de que ya no tiene sentido pensar en términos de diseño gráfico, industrial y arquitectónico, sino solo en términos de estilo, volúmenes y formas.

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DISEÑO gráfico

zup associati

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isbn: 978-956-8529-36-9 Registro de Propiedad Intelectual: Reservados todos los derechos de esta edición, ©Fundación Centro Cultural Palacio La Moneda y ©Triennale Design Museum, 2013, Santiago de Chile.

Reservados los derechos de los textos y fotografías de este catálogo, ©Triennale Design Museum.

Catálogo editado con motivo de la exposición El Nuevo Diseño Italiano, en el Centro Cultural Palacio La Moneda, Santiago de Chile.

Diciembre 2013 a Marzo de 2014.

Faggiano Sandra

1

Aria di frutta - 2013 - Autoproducción

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ARCHEOLOGIE metropolitane contemporanee 2013 - Autoproducción

Un frutero como juguete infantil, hecho con componentes de ventiladores en desuso y elásticos.

3

Un objeto poético de la vida diaria elaborado con concreto.

Idra - 2011 - Autoproducción

Jarrón-humidificador hecho con tubos de cobre reciclados.

Sandra Faggiano se graduó de Arquitectura en la Universidad de Pescara en el año 2006, cuando se especializó en Gráfica y Diseño. En el año 2010, abrió BOUTIQUEStudio, una oficina de diseño arquitectónico que trabaja en diseño y producción independiente en el campo del ecodiseño. Premios obtenidos desde 2009: primer lugar, InVITA LE Tue Idee 2012; ganadora de DESIGNABILE 2013; primer lugar en el Festival Ricrea 2012; tercer lugar en la Venice Design Week 2011; segundo lugar en Crazy Time 2011; y primer lugar en el concurso Made in Cardato 2011. Nominaciones y menciones especiales: Made in Macef, Young Design Awards, Be Eco2010, Greennews,

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DISEÑO DE PRODUCTO

My Panton Chair, Pelle+2011, Active LAb y Pelle+2012; exposiciones, ferias y eventos: OpenDesignItalia, Módena 2010; Expocasa, Turín 2010; Artò, Turín 2011; Casaidea, Roma 2012; Young Wood, Turín 2012; Up-designer Selection, Florencia 2012; Rifiuti in cerca d’Autore, Salerno 2012; RigenerART, Milán 2013; Selfportrait3, Lecce 2013; Fuorisalone 2010, Via Tortona 12; Fuorisalone 2011, Nhow Hotel y Ventura Lambrate; Fuorisalone 2012, Nhow Hotel, Naviglio Pavese y Spazio Asti 17; Fuorisalone 2013, Nhow Hotel, Palazzo Isimbardi, Galleria Viale Lucania y Archivio Sacchi.

faggiano sandra

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Fioravanti Odoardo

1

Zoomart - 2009 - Palomar

Un pequeño monóculo para aumentar con elegancia la visión artística personal. Una herramienta para descubrir todos los detalles que usualmente quedan fuera del alcance del ojo humano: detalles de lienzos, frescos, arquitectura, monumentos, y muchos otros.

2

Frida - 2008 - Pedrali

Diseñada mediante una nueva técnica de enchapado que permite crear formas complejas con una superficie delgada. Esta es la primera silla elaborada con la unión de este tipo de enchapado delgado con una estructura de madera sólida.

Odoardo Fioravanti se graduó de Diseño Industrial en la Facultad de Diseño del Politecnico di Milano. Desde 2003 ha trabajado como diseñador industrial y ha experimentado con diseño gráfico y de exposiciones. Sus proyectos han recibido prestigiosos galardones de diseño. Ha impartido clases en diversas academias y escuelas de diseño: Politecnico di Milano, IUAV, Domus Academy, Istituto Marangoni, NABA, SPD Scuola Politecnica di Design y HEAD Genève. Sus objetos han formado parte de variadas exposiciones internacionales. En el año 2010, el Triennale Design Museum organizó una exposición de sus obras, bajo el nombre Industrious Design.

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DISEÑO DE PRODUCTO

En el año 2011, obtuvo el 22.do premio ADI Compasso d’Oro por su silla de madera Frida de Pedrali. También trabaja como periodista independiente para revistas de diseño, en las que explora y modifica los límites del diseño como disciplina.

Desde 2006, Odoardo Fioravanti Design Studio ha desarrollado proyectos para varias empresas, como Abet Laminati, Ballarini, Casamania, COOP, Desalto, Eurochocolate, Flou, Foscarini, Gardesa, Guardini, Incotex, Mesa, Normann Copenhagen, Olivetti, Omnidecor, OPOS, Osama, Palomar, Pedrali, Pinetti, Pircher, Segis, Telecom Italia, Vibram y Victorinox Swiss Army.

fioravanti odoardo

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3

PIDGIN - 2005 - Opos- Incotex

Broche diseñado para funcionar como intermediario entre la mecánica funcionalista de los sistemas de enganche y el refinamiento del mundo de la elegancia en el vestir. Un gancho metálico cerrado por una espátula de cerdas permite que exista una unión sencilla que no gasta la hebilla de los pantalones.

4

BATTIPANNI - 2005 - Coop

Es un nuevo sacudidor de alfombras conceptual, equipado con un asa que facilita su uso, evita su caída y permite sostenerlo en el brazo para quedar con las manos disponibles.

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DISEÑO DE PRODUCTO

fioravanti odoardo

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Formafantasma

1

AUTaRCHY - 2010 - Autoproducción

Una colección de productos funcionales, duraderos y sostenibles que han sido calibrado según las necesidades de la raza humana: este es el espíritu con el que se concibió el proyecto Autarchy. Una idea que fue el resultado de un embargo autoimpuesto: una comunidad produce los objetos que necesita por sus propios medios y solo con sus propios recursos, a través de una mezcla de harina y desechos agrícolas.

2

MOULDING TRADITION - 2010 - Autoproducción

Objetos creados con mayólica sin esmalte, vidrio, papel, encaje de algodón y cuerda. Son copias de jarrones del siglo XVII con el rostro de un hombre africano, una transposición de la Cabeza del Moro, inspirados por el barroco de Caltagirone, sus cerámicas y sus tradiciones.

Andrea Trimarchi (1983) y Simone Farresin (1980), dos diseñadores italianos radicados en Eindhoven en los Países Bajos, conforman Studio Formafantasma.

La colaboración entre ambos comenzó durante sus licenciaturas en diseño de comunicaciones, donde ilustraron libros y revistas. Su interés en el diseño de productos se desarrolló durante su maestría IM en la Design Academy Eindhoven, de la que se graduaron en julio de 2009 con una tesis en artesanía popular tradicional siciliana.

El trabajo de Formafantasma explora algunas temáticas como el rol del diseño en la artesanía popular, la relación entre tradición y cultura local, miradas críticas a

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DISEÑO DE PRODUCTO

la sustentabilidad y la importancia de los objetos como conductos culturales.

Identifican su rol como un puente entre artesanía, industria, objeto y usuario y buscan estimular un diálogo más crítico y conceptual mediante su trabajo de diseño.

Los trabajos de Formafantasma han pasado a ser parte de las colecciones de Droog Design, Galleria Rossana Orlandi en Milán, Moss Gallery en Nueva York, Nodus Rugs, Dilmos Gallery, Libby Sellers Gallery, Textile Museum in Tilburg, el Stedelijk Museum Den Bosch, MUDAC, el Chicago Art Institute y el Fendi and Vitra Design Museum.

formafantasma

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Gandini Manuela 1

trapezio - 2008 - Manuganda

Anillo de plata y obsidiana negra.

2

Binario - 2010 - Manuganda

Collar.

Manuela Gandini nació en Alessandria en 1962 y actualmente vive y trabaja en Milán. Se graduó de Ciencias de la Información en la Università degli Studi di Milano en 1988 y al año siguiente comenzó a trabajar para empresas del sector informático. Entre 2000 y 2004 continuó estudiando las técnicas de orfebrería, diseño y joyería, modelado en cera y diseño 3D. En 2004, comenzó su producción bajo la marca Manuganda y en 2005 abrió Manuganda en Milán. Desde entonces, ha participado de exposiciones y ferias tanto en Italia como el extranjero. Su gran pasión es la experimentación constante con nuevas técnicas y materiales, y el objetivo de su trabajo es crear joyas que permanezcan en el tiempo y que no estén sujetas a la influencia de las modas pasajeras. Sus joyas son exploraciones de forma y son notables por el nuevo diseño italiano

DISEÑO de joyAS

su estilo contemporáneo, las combinaciones puras de sus materiales, colores y terminaciones, sus técnicas de producción innovadoras y la precisión de su elaboración. Mediante la combinación de sus investigaciones con una producción en la que se utilizan metales preciosos, logra enfocarse en materiales como la goma, el acero, el titanio, el nylon y el aluminio. Además, experimenta con diversas técnicas de producción que usan modelado 3D, como el prototipado rápido, cortes fotoquímicos y por agua, y el moldeado en caliente de metales. Ella se encarga de diseñar cada uno de los elementos de la colección y sigue meticulosamente cada etapa de la producción, con lo que crea una mezcla de tecnología, diseño y elaboración precisa para un público no convencional. gandini manuela

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Gatto Gionata 1

urban buds - 2009 - Autoproducción

Un jardín de vegetales sobre ruedas para instalarlo en espacios desocupados, terrazas o espacios entre edificios. Urban Buds representa una parte del origen de quienes cultivan alimentos, lo que lo transforma en un símbolo cultural y favorece el intercambio de materia prima entre los habitantes de un área urbana.

Los materiales utilizados son aluminio, kenaf (una fibra natural) y "Recycletherm", patentado por Manifattura Mariano.

2

AGRICOLA - 2013 - Enkev

Una serie de productos de diseño que se basan en criterios de bajas emisiones de CO2 y en el uso de los recursos locales disponibles. Los productos están elaborados a partir de desechos provenientes de la producción y el consumo de frutas, vegetales y cereales.

Gionata Gatto (1982) es un diseñador italiano que actualmente vive y trabaja en Eindhoven, Países Bajos. Siguió el programa de Licenciatura de Diseño Industrial en el IUAV de Venecia y posteriormente se graduó en la Maestría del Hombre y la Humanidad en la Academia de diseño de Eindhoven.

La propuesta de diseño de Gionata revela su profundo interés en los sucesos de actualidad y busca generar ideas que puedan impulsar cambios en el comportamiento de la sociedad contemporánea. Su trabajo abarca una amplia gama de temas, como el consumo de energía, la contaminación

el nuevo diseño italiano

ambiental y el intercambio cultural; su resultado son objetos que pueden propiciar diálogos y reflexiones acerca de esos tópicos.

A través de la apertura de Studio Atùppertù, se ha concentrado en aplicar esos estudios en varios proyectos de diseño producidos de manera independiente para empresas y en instalaciones para museos y eventos.

Sus obras se han exhibido en varias galerías y eventos, como Spazio Rossana Orlandi, Sotheby’s, Maison&Object, La Triennale di Milano, el Tijdelijk Museum y Van Abbemuseum.

DISEÑODE DEPRODUCTO PRODUCTO| Investigación en diseño DISEÑO

gatto gionata

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Gilbertini Ilaria

1

cherubini - 2009 - Lavazza

Conjunto de cucharas de café con un agujero en el extremo que permite introducirlas en un anillo y guardarlas como las llaves del reino de los cielos. Una apertura en el anillo, protegida por dos pequeñas tapas de goma, permite sacar las cucharas de manera muy sencilla.

Ilaria Gibertini nació en Parma el 30 de enero de 1970. Se graduó del Istituto d’ Arte di Parma y estudió Comunicación y Diseño en la Università del Progetto en Reggio Emilia. En la oficina profesional de la escuela, trabajó en diseños para Barilla, Lagostina, Max Mara, Merci (complemento de Abitare) y Comix. En 1993 pasó a ser una profesional independiente, transitando entre los proyectos de diseño y el diseño gráfico.

Creó diseños para Artista Visitatore, Coop, Gruppo Coin, Lavazza,

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DISEÑO DE PRODUCTO

Mandarina Duck, Nemo (Cassina), Outlook Zelco, Pantone Universe – Le vie del cotone, Rosenthal y United Pets.

Sus trabajos han formado parte de exposiciones y competencias internacionales, como La Fabbrica Estetica: la dernière génération du design italien (París, 1993), la Biennale dei giovani artisti dell’Europa e del Mediterraneo (Roma, 1999) y D come Design - La mano-la mente-il cuore (Turín, 2008).

gibertini ilaria

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Giolito Roberto

1

FIAT TREPIùNO - 2004 - Fiat con Fiat Auto Advanced Design Además de tener un largo total que no supera los 3,3 metros, se creó de modo tal que fuera espacioso, que ofreciera una amplia vista lateral, un capó muy corto y que sus voladizos casi no superaran las ruedas. El capó se dobla en los costados, mientras que una parrilla "omega" se ubica en la parte frontal, carente de máscara y adornos adicionales. Se prestó gran atención a los detalles sin dejar de lado la simplicidad, el atributo principal del nuevo vehículo.

Nació en Ancona en el año 1962 y estudió Diseño en Roma. Comenzó a trabajar en diseños de automóviles y se dedicó a los autos conceptuales de FIAT. Su primer diseño de un vehículo urbano experimental, llamado Downtown, se presentó en Ginebra en 1993. En la muestra suiza también se incluyeron otros de sus diseños, como Fiat Zic, Fiat Ecobasic y Fiat Trepiùno, este último un auto conceptual que posee referencias al ícono más famoso de la empresa, el antiguo Fiat 500. Estuvo a cargo del proyecto Fiat Multipla en

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Investigación en diseño

su totalidad, desde las primeras fases del concepto hasta las comunicaciones del producto, lo que le permitió hacerse un nombre tanto dentro como fuera de la empresa. Diseñó el nuevo Fiat 500, el cual fue recibido con gran éxito.

Como resultado, Giolito (gerente del Estudio de Diseño Avanzado de Fiat Automobili, creado para fomentar el cambio e introducir variables que influyan en las funciones que se introducen durante el proceso de desarrollo) fue ascendido al cargo de director de estilo de Fiat.

giolito roberto

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Giopato&Coombes 1

hula hoop - 2004 - Industreal

Una serie de elementos apilables: si se apilan algunos, se puede obtener un enfriador de vinos; si se usa todo el juego, cubren la clásica botella de vino vacía. De esta manera, la botella se convierte en un jarrón para una flor. Los elementos cambian: si se giran o se cambia su posición, el aspecto del jarrón varía.

2

BIRD ON A WIRE - 2009 - Autoproducción

Un producto moldeado en cerámica que contiene una fuente fluorescente típica de una lámpara de oficina.

Este tipo de producto, en combinación con el ícono de algunas aves que se posan en un cable de electricidad, cristaliza la imagen en esta instalación permanente.

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pedrito - 2006 - Industreal

Creada para la exposición temática Dream, es un reposa ollas de alta resistencia creado por filtros tridimensionales aplicados a la materia, los que dibujan un agradable juego de sólido y vacío.

Cuando se conocieron en la universidad en Londres, Cristiana Giopato y Christopher Coombes comenzaron sus carreras creativas. Después de regresar a Italia, Cristiana finalizó sus estudios en el Politecnico di Milano y comenzó a trabajar para Makio Hasuike. Se graduó en el año 2002 y comenzó a colaborar con Patricia Urquiola, para quien trabajó hasta 2006 en diversos proyectos relacionados con la arquitectura y el diseño. Christopher,

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DISEÑO DE PRODUCTO

después de graduarse en la Brunel University en el año 2001, se mudó a Milán y comenzó a trabajar con George Sowden y Sebastian Bergne.

Desde 2006 han trabajado juntos en varios proyectos en los que convergen sus visiones del diseño. Han trabajado con clientes como Lema, Living Divani, Frag, Fiam Italia, Livit, Industreal, Guzzini and Habitat, Miniforms, Glass Idromassaggio, Varaschin y F.lli Boffi.

Giopato&Coombes

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Gnocchi Alessandro y Spagnolo Luca

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picchio - 2009 - Autoproducción

Un calendario elaborado a partir de dos anillos poligonales de madera, uno con 31 lados y el otro con 28. El lado interior del anillo más grande coincide en tamaño con el lado exterior del más pequeño, lo que permite girar un disco dentro del otro.

2

the times - 2013 - Viceversa

Una familia de objetos diseñados para poner sobre cualquier mesa.

Todos comparten el mismo formato que juega con las proporciones y los tamaños.

Alessandro Gnocchi y Luca Spagnolo trabajan de manera intermitente en proyectos para empresas y marcas de diseño italianas.

Alessandro Gnocchi nació en Varese en 1981. Se graduó de Diseño Industrial en el Politecnico di Milano. Después de trabajar como asistente en un estudio de diseño de Milán, abrió su propio estudio en 2011 para concentrarse en proyectos de mobiliario y en sectores relacionados con los productos de consumo. Con un gran interés en la elaboración de los objetos, intenta formular ideas de manera sencilla e intuitiva, supervisa con detalle los procesos de producción y expresa un gran respeto por la forma y la función.

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DISEÑO DE PRODUCTO

Luca Spagnolo nació en Brunico en 1981 y vive y trabaja en Milán. Fue también allí donde se graduó de arquitectura de interiores en el Politecnico di Milano.

Después de pasar un breve período en el estudio de Giulio Iacchetti y Matteo Ragni, comenzó a trabajar para el arquitecto Umberto Riva. Después de esta experiencia crucial, decidió enfocarse en el diseño de productos. Desde el año 2009, trabaja con otros estudios de diseño y, de manera independiente, para diversas empresas del sector. La simplicidad de sus ideas y formas son el resultado de una búsqueda constante por soluciones originales.

Gnocchi Alessandro y Spagnolo Luca

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Graffeo Monica

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lazy mary - 2005 - Disguincio

Es una pequeña reposera tanto para exteriores como interiores. Las formas de las superficies permiten que el propio peso de la persona la ayude a encontrar su posición más cómoda.

2

chips - 2011 - Italamp

Lámpara con sombrero.

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cu - 2005 - Kristalia

Es un objeto que posee dos posiciones de uso: en la posición en "c", funciona como una especie de mesa de comida para dejarla cerca de un sofá o una cama; en la posición de "u" invertida, pasa a ser un taburete.

Monica Graffeo nació en Pordenone en 1973. Después de asistir a un colegio secundario experimental, obtuvo un diploma y recibió una maestría en diseño en la Scuola Italiana Design de Padua en 1986. Comenzó a trabajar primero con Fausto Boscariol y luego con Gabriele Centazzo de Valcucine.

En 1998, comenzó su actividad como profesional independiente, trabajando principalmente con Kristalia. Durante ocho años, entre 1996 y 2004, impartió clases en la Scuola Italiana Design. Desde 2008 ha supervisado la dirección de arte de Geelli y, a partir de 2012, de Rexa Design. En el año 2001, su silla Free, producida por Kristalia, se publicó en la colección Design Italiano de

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DISEÑO DE PRODUCTO

estampillas y en 2003, sus unidades de asiento Boum, también producidas por Kristalia, obtuvieron el primer premio en Young & Design. En 2004, su silla Mints, producida por Arflex, obtuvo el segundo premio en Young & Design y en 2005, su reposera Lazymary, producida por Disguincio, fue seleccionada dentro de los diez mejores diseños en la feria Promosedia y ganó el Good Design Award. LazyMary, CU y Sgased fueron parte de La Triennale di Milano 2007 en la exposición de diseño joven italiano. Steps_B, producida por Lago, fue seleccionada para el ADI Design Index 2009 e Inattesa, producida por Martex Office, fue seleccionada para el ADI Design Index 2011.

Graffeo Monica

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Grandi Diego 1

Rimini Chair - 2011 -

Autoproducción

Una silla que nos traslada a imágenes y momentos de tiempo libre, un proyecto basado en acciones simples: la combinación de un marco de metal con una tela crea un objeto informal, una pequeña instalación al aire libre.

2

moiré - 2005 - Lea Ceramiche Colección de estudios Moiré es el resultado de un proceso de arenado sobre una base de porcelana de gres.

Las geometrías del dibujo crean juegos visuales que forman evocaciones estéticas originales.

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Monday’s - 2009 - Skitsch

Una almohada que guarda un secreto: un saco de dormir o una frazada.

Diego Grandi es un arquitecto y diseñador que vive y trabaja en Milán, donde en el año 2002 abrió DGO_Diego Grandi Office, una empresa de diseño que ofrece servicios de consultoría de productos, interiores y diseño.

Su interés en los aspectos visuales y exteriores del diseño lo llevaron a estudiar las cualidades epidérmicas de los materiales y sus posibles formas de implementación e interacción.

Esta investigación sobre nuevos modelos vivientes observó el comportamiento y los hábitos del día a día, lo que guió su inspección de las

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DISEÑO DE PRODUCTO

superficies y las cualidades internas de los diseños bidimensionales.

Algunas de las empresas para las que ha diseñado y con las cuales trabaja son Abet Laminati, Casamania, DuPont, Ferrino, Fritz Hansen, Guzzini, Lea Ceramiche y Skitsch.

Sus proyectos han sido seleccionados para eventos, premiaciones y exposiciones internacionales, como la exposición Quali cose siamo en el Triennale Design Museum, el Good Design Award del Chicago Athenaeum Museum y el ADI Design Index.

Grandi Diego

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Gumdesign

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L’ASTEMIO, L’EQUILIBRATO, LO SMODATO - 2009 - Gianni Seguso

Tres copas diferentes que se presentaron en Venicedesignweek 2010, asociadas con tres tipos de bebedores: el abstemio, el razonable y el bebedor desmedido. Un juego que se basa en el vino y en la identificación de su catador: la copa representa un agujero que se ubica en distintas alturas. Para cada bebedor, su propia copa...

2

SWISS IN CHEESE +

Una nueva tipografía para la competencia internacional de creatividad Swiss in Cheese +. Una tipografía gráfica fundamental, Helvetica, muy cercanamente relacionada con Suiza, se transforma en una versión perforada que refleja la imagen del queso emmental.

Gumdesign trabaja en el campo de la arquitectura, el diseño industrial, las artes gráficas y la dirección de arte para empresas y eventos.

Algunos de sus clientes son la Biennale di Venezia, Bormioli Rocco, De Castelli, De Vecchi, Fiat, F.lli Guzzini, Il Casone, Invicta, Jannelli&Volpi, Lagostina, Lavazza, Martinelli Luce, Massimo Rebecchi, Max&Co, Mercedes-Benz, Mirage, Museo Pecci, Napapijri, Nastro Azzurro, Red Bull Italia, San Pellegrino, Serafino Zani, Swarovski Italia, Up Group, Vilca y Yoox. Han recibido numerosos galardones, como el primer premio en la competencia internacional de creatividad Swiss in Cheese, el primer premio en la competencia de arquitectura por Marinella di Selinunte, el primero premio en la competencia nacional Manifesto per

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il Carnevale di Torre del Lago Puccini y el segundo premio (2012) y cuatro menciones especiales en la competencia internacional Young & Design. Desde el año 2008, han supervisado la dirección de arte de Upgroup en Cambiovaso, donde hasta ahora han participado treinta diseñadores internacionales y que se ha seleccionado para el ADI Design Index 2009 y el Compasso d’Oro. Ambos se desempeñan en el sector universitario, donde realizan charlas abiertas, talleres y actividades conjuntas con la Libera Università di Bolzano, Cried en Milán, IED en Florencia y Roma, la Universidad de Pisa y Celsius en Lucca, la Facultad de Arquitectura en Génova y la Facultad de Ingeniería en Trento.

DISEÑO DE PRODUCTO | DISEÑO GRÁFICO

gumdesign

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Habitsmln

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mini mini - 2009 - Luceplan

Lámpara colgante de aluminio con una forma pura, una línea simple que juega con la luz en el espacio. Es el resultado de una investigación de la síntesis formal: la fabricación especial del cuerpo ofrece la mayor continuidad formal con el cable, que pasa a ser parte integral del producto.

Innocenzo Rifino y Diego Rossi formaron Habits en el año 2004. Su trabajo es crear visiones que interpretan las tecnologías a través de diseños y prototipos en los cuales la razón y la imaginación dan pie a innovaciones que tienen un impacto en la cultura material. El bagaje profesional de sus fundadores es variado: robótica, iluminación, diseño de interacción e influencias de Japón. A partir de estos elementos surgieron los primeros diseños de Luceplan que llegaron al mercado: Zeno (mención honrosa en Compasso d’Oro 2004), Agave, Supergiù (Design Plus 2006). En el año 2012, el estudio abrió una nueva empresa, Digital Habits, la cual se enfoca en la investigación, el diseño y la producción de objetos electrónicos de vanguardia.

Hoy en día, la empresa trabaja principalmente en las áreas de la iluminación,

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DISEÑO DE PRODUCTO

aparatos domésticos, mobiliario y electrónica de consumo; además, trabaja en el campo de la identidad corporativa, el diseño visual y de interacción, el diseño de interiores y la decoración. Sus mercados se ubican en Europa, Medio Oriente, Hong Kong y Japón. El proyecto encuentra sus raíces en un bagaje cultural de investigación y curiosidad natural, en un interés por la innovación tecnológica y sus aplicaciones, y especialmente en la experimentación, los modelos de estudio y los prototipos que exploran el potencial de los productos futuros. La empresa ha sido reconocida con algunos de los más famosos premios internacionales. Innocenzo Rifino y Diego Rossi realizan actividades académicas en las universidades más importantes de Italia.

Habitsmln

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Giulio Iacchetti 1

batlò - 2008 - Ib Rubinetterie

Encuentra su inspiración en el contenedor de líquidos por excelencia: la botella. El extremo del grifo coincide perfectamente con el cuello, lo que permite tener un control natural y fluido del agua.

2

Magneto - 2011 - Foscarini

El proyecto se centra en un imán esférico que combina dos elementos simples: una barra de apoyo con una base circular y una fuente de luz LED compacta, similar a una linterna o a un micrófono, que ofrece la mayor versatilidad de ángulos y movimientos a lo largo de la barra.

3

Affi - 2012 - Internoitaliano

Un taburete de madera sólida ensamblada mediante procesos sencillos de carpintería. Estructura de madera de haya, asiento de nogal o haya.

Su ranura central no solo permite transportarla fácilmente, sino también permite observar el patrón que crean sus patas.

Giulio Iacchetti es diseñador industrial desde 1992 y ha trabajado para diversas marcas, como Abet Laminati, Alessi, Danese, Elica, Foscarini, Globo Ceramiche, Jannelli&Volpi, Hastens, Magis, Meritalia, Moleskine y Pandora Design. Su trabajo es notorio por el estudio y la creación de nuevos tipos de objetos, como Moscardino, el juego de cuchillería biodegradable y multipropósito diseñado con Matteo Ragni para Pandora Design y que recibió el premio Compasso d’Oro en 2001. En el año 2009, recibió el premio de los premios a la innovación por el proyecto Eureka Coop, con el que

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llevó el diseño al comercio retail de gran escala. El premio fue entregado por el Presidente de la República de Italia. En mayo del mismo año, La Triennale di Milano abrió una exposición individual de sus obras, llamada Giulio Iacchetti. Oggetti disobbedienti. Siempre atento a las dinámicas de relaciones entre los mundos de la manufactura y el diseño, en noviembre de 2012 inauguró Internoitaliano, una "fábrica sin muros" de muchos talleres artesanales en los que produce mobiliario y accesorios inspirados por el estilo de vida italiano.

DISEÑO DE PRODUCTO | Food Design

Iacchetti Giulio

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HAPPY DICE - 2010 - Skitsch

Se lanzan los dados. Una reinterpretación contemporánea de un juego milenario que, con una sutil ironía, se burla del destino. Los seis lados del dado ya no contienen un signo, sino seis caras con distintas expresiones.

4

Uselen - 2011 - Alessi

Abrecartas de acero, inspirado por el colibrí. La extensión de su pico equilibra la proporción de su cola, la que se usa como abrecartas.

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Tombino - 2012 - Montini

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Molletta - 2005 - Coop

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BISCOTTI - 2002 - Ti Voglio

con Matteo Ragni El trabajo del diseño se ha enfocado casi completamente en las terminaciones de las superficies de las tapas de alcantarillado.

El objetivo era evitar un tipo de operación que involucrara una mera decoración gráfica.

Cada tapa de alcantarillado intenta contar una historia. La que contiene huellas de aves se usa en parques públicos y jardines.

el nuevo diseño italiano

Colgador de ropa monomaterial; el paquete incluye 12 unidades.

DISEÑODEDEPRODUCTO PRODUCTO| Food Design DISEÑO

La forma peculiar de la galleta y el patrón de su textura reflejan sus cualidades y el rango de sus ingredientes.

Iacchetti Giulio

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Ildoppiosegno

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Brain or heart that is the question - 2011

2

TRUCIOLO - 2009 - Autoproducción

Cm Italia Chemical Machining Un sacapuntas plástico para sacar punta a lápices de chocolate y para decorar una amplia gama de postres. El sacapuntas está elaborado en una sola pieza y la hoja también es parte de ella.

Para lanzar una moneda al aire con sentido o sensibilidad, con el cerebro o el corazón.

3

CIOCCOANIMALETTI 2009 - Autoproducción Animales creados con distintos tipos de chocolate; ofrecen distintos sabores y colores: el proyecto partió con Cioccomucca y su familia no deja de crecer...

Carlo Dameno y Monica Ferrigno se graduaron de Diseño Industrial en Milán y se conocieron en el Centro de Investigaciones IED, donde trabajaron durante seis años en proyectos para Lego, Unilever, Coca Cola, Gillette, Fiat, Hyundai, Lavazza y Bosch, entre otras marcas. Luego, sus caminos se separaron: Carlo trabajó como consultor en el estudio Aroundesign y posteriormente en Design Innovation, y también dictó conferencias en IED en Milán y Madrid, la Scuola Politecnica y IULM. Por su parte, Monica trabajó como diseñadora en Gio Style y luego en F.lli Mariani, donde supervisó el departamento de arquitectura y diseño, y dictó conferencias en la Accademia di Brera y el Politecnico di Milano.

Se reencontraron en el año 2007 e inauguraron Ildoppiosegno. Este nombre (que literalmente significa "el signo doble") enfatiza la identidad dual del el nuevo diseño italiano

estudio: una que se dedica a la investigación y otra al diseño y la gráfica.

La investigación implica estar siempre al día respecto de las últimas tendencias y las novedades en cuanto a materiales y tecnologías, además de visualizar escenarios y desarrollar conceptos de amplio alcance. El diseño de producto implica su desarrollo a partir de las instrucciones básicas y hasta su primera ingeniería, con modelos de verificación y prototipos. El área gráfica involucra principalmente las interfaces, donde el resultado estético no puede dejar de lado una mejora de su uso. El deseo de prestar atención constante a la investigación los llevó a abrir Spazio 75cm: un laboratorio dentro del estudio que colabora con universidades y empresas pero que no interactúa con los clientes, lo que le permite ser un espacio de libertad absoluta.

DISEÑO DE PRODUCTO | Food Design

Ildoppiosegno

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jekyll & hyde

1

elio e le storie tese - bellimbusti balneari live 2010 - Hukapan Identidad visual para la banda de rock de Italia Elio e le Storie Tese.

2

elio e le storie tese - Studentessi

3

2008 - Hukapan

2007 - Hukapan

jekyll & hyde es un estudio de diseño gráfico y comunicaciones visuales que se estableció en Milán en el año 1996, a manos de Marco Molteni y Margherita Monguzzi.

Cada proyecto se verifica e implementa con objetivos, planificaciones y métodos claros. Todos ellos son el resultado de una interacción cercana con el cliente y la formulación de conceptos claramente definidos.

el nuevo diseño italiano

elio e le storie tese - emozioni fortissime

DISEÑO gráfico

Lo que conjuga la creatividad del estudio es su capacidad para combinar distintas formas visuales según el caso específico y producir resultados que siempre son innovadores y distintivos. El estudio trabaja para empresas italianas y multinacionales en diversos sectores, desde la tecnología a la música, pasando por el diseño y el arte contemporáneo.

jekyll & hyde

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JoeVelluto (JVLT) Studio

1

Imboh - 2013 - DesignBottega

Tapizado y personalizable (con mesa, brazo y respaldo), construido con materiales sustentables (telas y madera) y muy fácil de desechar.

2

Blowing Machine - 2013 - Corraini Edizioni con E. Antonello y A. Fabbian Auto de juguete de madera que se puede mover a través del poder del soplido.

JoeVelluto (JVLT) es un estudio de diseño y comunicaciones ubicado en Vicenza. En la competencia Opus Under 35 del año 2002 presentó su primer proyecto oficial, RosAria, una corona-rosario elaborada a partir de un envoltorio plástico de burbujas, el que no tardó en ingresar en varias colecciones permanentes de diseño tanto en Italia como en el extranjero.

Algunos de sus hitos más importantes son: en 2005 presentó el libro Salefino: nuovi sapori dal design italiano, Editrice Abitare Segesta; en el año 2006, con C. Morozzi, lanzó el proyecto de comunicación Nazionale Italiana Design, junto con la nueva marca CoincasaDesign; en 2011, este proyecto recibió una mención honrosa del jurado internacional en la 22a

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DISEÑO DE PRODUCTO

edición del premio ADI Compasso d’Oro; desde 2006 ha estado trabajando en proyectos visuales e instalaciones. En el año 2008 llegó el proyecto Saver de Coroitalia, mencionado en el ADI Design Index. En noviembre del mismo año, el estudio presentó el manifiesto-exhibición UseLess is More, la primera interpretación del concepto de Adesign, que heredó su nombre a un libro distribuido por Corraini. En 2011 llegó funcooldesign, una exposición individual curada por Oliviero Toscani en el Triennale Design Museum, en Milán. Actualmente, JoeVelluto (JVLT) trabaja con diversas editoriales y en dirección de arte, además de dictar conferencias en universidades e institutos de diseño.

JoeVelluto (JVLT) Studio

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3

SAVER - 2006 - Coro

Una solución alternativa para las duchas. Es un cabezal de ducha universal para botellas PET que permite salir del baño y usarla al aire libre, como en un bote, en la playa, en un campamento, etc.

Saver se elaboró con PP, en un molde a inyección, y puede incluir un conjunto de toallas de playa y sandalias.

4

sapone da bucato - 2005 - Coop

Una nueva interpretación del jabón de Marsella que, gracias a su forma, se puede poner en la clásica escobilla de plástico.

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DISEÑO DE PRODUCTO

JoeVelluto (JVLT) Studio

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Lagranja

1

uto - 2005 - Foscarini

Lámpara multiuso (de piso, colgante y de muro) para exteriores e interiores.

Un producto poco convencional, concebido con el fin de combinar dos elementos que suelen estar desconectados: el cable y el difusor.

Está elaborado con goma de silicona con una protección de policarbonato.

2

key - 2006 - SANTA & COLE

Un estacionamiento para bicicletas que es lúdico y juvenil, con formas simples y dinámicas, diseñado para entregar un significado a un elemento urbano que hasta ahora había quedado en el olvido. Esencialmente, es un tubo de aluminio con una cubierta de poliuretano de alta densidad y una base de aluminio troquelado.

Lagranja se inauguró en Barcelona en 2002, a manos de Gabriele Schiavon (Padua, 1973) y Gerard Sanmartì (Barcelona, 1974). Su intención era desarrollar ideas y ofrecer visiones y soluciones que destacaran por sus cualidades creativas, ya sea en el diseño, la arquitectura o las instalaciones.

Sus obras están caracterizadas por diseños que nunca son autorreferenciales y por una idea del diseño que no tiene límites conceptuales y que transita por distintos marcos operacionales. Esta convicción llevó a Lagranja a intercambiar ideas y trabajar con varias marcas líderes del diseño para crear

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DISEÑO DE PRODUCTO

tanto espacios de retail como instalaciones y exposiciones en museos. Por ejemplo, el estacionamiento para bicicletas producido para Santa & Cole, ganador galardones como el Premio Red Dot 2008; la lámpara Uto para Foscarini; la silla Ring para Gebrüder Thonet Vienna; y el Espai Gaudí, El Museo de la Vida y las Obras dedicado al arquitecto catalán, que se ubica en el ático de La Pedrera. En 2009 recibieron el prestigioso Premio Ciudad de Barcelona, un importante reconocimiento al liderazgo del estudio en la cultura de esta metrópolis.

Lagranja

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Lambri Marco

1

piaggio mp3 - 2006 - Piaggio

Las dos ruedas frontales de PIAGGIO MP3 redefinen el concepto de estabilidad dinámica. El eje frontal con sus dos ruedas independientes ofrecen mayor estabilidad en las curvas, sin dejar de lado las proporciones y los tamaños similares a los de un scooter GT normal.

Marco Lambri nació en Cantù (CO) en 1967 y se graduó de diseño en el Politecnico di Milano. Entre 1995 y 2001 trabajó como profesional independiente en los campos de la arquitectura y el diseño de conceptos y productos. Entre 1998 y 1999 trabajó en la Advanced Design University en Fiat Auto; entre 1999 y 2001 fue diseñador adjunto en el Lancia Style Centre; y entre 2001 y 2004 fue jefe de diseño en el Alfa Romeo Style Centre. A partir de 2004, estuvo a cargo del Piaggio Style Centre para las

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marcas Piaggio, Gilera y Vespa, para quienes diseñó varios modelos. Entre ellos, destaca un prototipo llamado Piaggio USB (Urban Sports Bike) que se presentó en la EICMA en el año 2009. Este diseño exploraba el concepto del transporte urbano del futuro, el cual combinaba ecología, diversión, seguridad y conectividad en una solución innovadora para el transporte del tercer milenio. Piaggio MP3 ha sido uno de sus diseños más importantes, el scooter de tres ruedas que revolucionó el mercado.

DISEÑO DE PRODUCTO | Investigación en diseño

lambri marco

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Lanzavecchia Francesca

1

LINGERIE BRACE _ FROM THE PROJECT PROAESTHETIC SUPPORTS 2008 - Autoproducción Corsé médico termoformado de polietileno con botones y cierres elásticos.

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POCKET BRACE _ FROM THE PROJECT PROAESTHETIC SUPPORTS 2008 - Autoproducción Corsé médico termoformado con cierres metálicos.

3

our chair - 2009 - Autoproducción

Asiento para dos personas con estructura de arce y cubierta de lycra removible y reemplazable.

Francesca Lanzavecchia nació en Pavia en 1983. Se graduó de Diseño de Productos en el Politecnico di Milano. Hunn Wai nació en Singapur en 1980 y estudió Diseño Industrial en la National University of Singapore.

Lanzavecchia + Wai es una sociedad creativa. Esta colaboración comenzó en Holanda, en la Design Academy Eindhoven, donde ambos completaron

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DISEÑO DE PRODUCTO

su Maestría en Diseño Conceptual bajo la supervisión de Gijs Bakker, cofundador de Droog Design. Lanzavecchia se centra en las relaciones entre los objetos y el cuerpo y alma humanas, siempre prestando atención a las tendencias del futuro. Por otro lado, a Wai le fascina la interacción y la fusión de materiales, formas y significados.

Lanzavecchia Francesca

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Leftloft

1

Documenta (13) - 2012

100-notes-100-thoughts es una serie de 100 cuadernos compuestos por partes de cuadernos, ensayos, colaboraciones y conversaciones entre los que contribuyeron al evento.

Leftloft es una empresa de diseño gráfico independiente que se inauguró en 1997 en Milán. Sus socios fundadores, Andrea Braccaloni, Francesco Cavalli, Bruno Genovese y David Pasquali se conocieron en el Politecnico di Milano cuando estudiaban Arquitectura y Planificación Urbana. El estudio abrió una oficina en Nueva York en el año 2009 y ahora trabaja con un equipo de diseñadores, cada uno de los cuales se especializa en un campo distinto, desde la identidad de marca al diseño web. Leftloft ha desarrollado proyectos a nivel local e internacional y ha colaborado con algunas de las empresas e instituciones más importantes de Italia. Han trabajado con Pirelli,

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DISEÑO gráfico

Moleskine, Corriere della Sera, Mondadori, Documenta, Eni, Politecnico di Milano, Triennale Design Museum, Inter Football Club, Gufram, Pedrali, Gribaudo/Feltrinelli, Emergency, Kiehl’s, Castello di Rivoli, Autostrada Pedemontana Lombarda, Slowear, De Agostini, Toshiba y Hangar Bicocca.

Además, los socios imparten clases de diseño en el Politecnico di Milano, Bovisa. Leftloft es miembro de la AIAP, la Asociación Italiana de Diseño para la Comunicación Visual, el Bureau Europeo de Asociaciones de Diseño (BEDA), ASSOLOMBARDA Lombardy Business Corporation y TDC Type Directors Club.

leftloft

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Ci Vediamo A San Siro 2011-2012 - Inter Football Club Campaña de invitación.

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Moleskine - 2004

Identidad visual.

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La Città Nuova. Oltre San’Elia 2013 - Villa Olmo, Como Diseño de identidad visual para exposición.

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DISEÑO gráfico

Leftloft

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Leo Emilio S.

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armonic

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Tejido con efecto tridimensional y propiedades elásticas, elaborado 100% en lana virgen y sin fibras elásticas artificiales. Esto es posible gracias al estudio de un punto específico que enfatiza las propiedades de torsión de un hilo de lana creado con una herramienta de fines del siglo XIX.

3

ludusludus

Es una estera creada con un estilo de diseño listo para usar. Está creada a partir de la combinación de una red plástica de una obra en construcción con un género de 100% lana merino. LudusLudus viene desarmada y empaquetada de manera esencial. Al armarla, el usuario participa de la dimensión recreativa que es esencial en el concepto del objeto.

DINAMISMI MUSEALI 2004-2006 Festival de concepto moderno fundado en 1998 como una herramienta cultural innovadora de Sheep, el modelo de administración de Lanificio Leo, adoptada para renovar los valores de marca de la fábrica textil más antigua de la región de Calabria. En 2001, el proyecto DM permitió a Lanificio Leo ser uno de los finalistas del prestigioso galardón Guggenheim Impresa e Cultura y recibir el premio Cultura di Gestione.

Emilio Salvatore Leo nació en Soveria Mannelli (Catanzaro) en 1974 y se graduó de Arquitectura. Actualmente, trabaja como diseñador y como director de arte para Lanificio Leo, la fábrica textil más antigua de Calabria, donde participa de las dinámicas de desarrollo aplicadas a la tradición y los aspectos territoriales de los suburbios de la ciudad, para combinar las potencialidades intrínsecas de los procesos artesanales con un enfoque orientado en el diseño.

En 1997, a través del grupo de diseño Esclamation-d (en el que participan no solo varios diseñadores, sino también asociaciones culturales y cooperativas

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Investigación en diseño

sin fines de lucro que funcionan en Calabria), comenzó a participar en la creación de una cultura de diseño aplicada a la administración corporativa.

Uno de los resultados importantes de esta táctica fue la invención del modelo de administración Sheep, el cual reconfiguró las actividades empresariales de Lanificio Leo; además, con su Dinamismi Museali alcanzó la final de la quinta edición del Guggenheim Enterprise and Culture Award, además de obtener el premio Gestione di Cultura 2001. En 2009, Emilio obtuvo el premio Toyp Italia Business de Junior Chamber International.

Leo Emilio S.

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LL design

1

Rocca Malatestiana di Cesena

2

2013 - Aidoru associazione

2010-2011

LL design crea identidades, logos, afiches, productos editoriales y proyectos de comunicaciones, principalmente para eventos artísticos, sociales y culturales. LLdesign supervisa cada etapa del proceso creativo, desde el concepto a la producción, y usa ilustraciones, impresiones, técnicas mixtas, poesía visual, diseño de exposiciones, diseño de productos y textiles (con un enfoque especial en los temas medioambientales); además, investiga

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Teatro Comunale di Bologna

DISEÑO gráfico

nuevas posibilidades de interacción entre palabras e imágenes. LLdesign afirma que el objetivo principal de la comunicación es transmitir un mensaje claro e inmediato: por lo tanto, busca las soluciones más simples para los problemas más complejos, ofrece un enfoque innovador para los problemas de la vida diaria y crea nuevos estilos, formas y emociones para el arte.

LL design

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Lorenzo Concetta

1

il - 2009 - De Vecchi Milano 1935

Material: Plata 925. Un salero de plata, producido principalmente a través de la técnica de dibujo desarrollado por los maestros orfebres De Vecchi de Milán. Esta técnica enfatiza la suavidad de la plata: su maleabilidad crea nuevas formas de luz en la superficie del objeto, lo que le permite interactuar con la sal y desplegar sus cualidades preciosas.

Concetta Lorenzo nació en Sestri Levante (Génova) en 1974, donde estudió en la Facultad de Medicina hasta 1998. Posteriormente, recibió un grado de Máster en Diseño de Interiores en la Scuola Politecnica di Design en Milán.

En 2006, comenzó a trabajar en diseño industrial; sin embargo, también ha participado en actividades de diseño de interiores, instalaciones y diseño gráfico. Aparte de su trabajo como diseñadora, también imparte clases en la Facultad de Diseño Industrial del Politecnico di Milano y en la Academia NABA en Milán, en proyectos internacionales.

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DISEÑO DE PRODUCTO

Ha participado en numerosos talleres y competencias, en conjunto con el Simone Micheli Studio, Riccardo Blumer, la revisa CODE, Hermès y Ceccuzzi Gioiellerie. A partir de 2007 y hasta el día de hoy, ha trabajado intensamente con los estudios de diseño, las empresas y las galerías más importantes, como Superego Editions, De Vecchi, Lavazza, Ritzenhoff, BODINO Art of Friends, BESPO, Society6, Zazzle, Erre Studio, Seves, Anna Gili Design Studio, Galleria Tingo en Milán y la Galleria Scagliola y Maison D’Italie en París.

Lorenzo Concetta

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LS graphic design 1

Mamoli Robinetteria - 2013

Dirección de arte para las comunicaciones corporativas y la identidad de los productos Mamoli Robinetterie.

2

Teatro dal Verme - 2010

Afiche para las cuatro lecciones acerca del mundo contemporáneo y su filosofía, que dictó Emanuele Severino en el Teatro dal Verme en Milán.

3

Cavalli e Cavalieri 2013 - MAN - Museo d’Arte Contemporanea della provincia di Nuoro Cavalli e Cavalieri es una exposición curada por Lorenzo Giusti y Alberto Salvadori, dedicada a la obra del escultor Marino Marini. El museo presentó las obras de ocho artistas de video contemporáneos, junto a la exposición principal.

LS graphic design es un estudio independiente de diseño gráfico de Italia, fundado en 2006 por Marta Bernstein, Alberto Cantone y Paolo Ciampagna.

Desde entonces, han trabajado y colaborado con una amplia variedad de clientes, desde ONG e instituciones públicas hasta empresas internacionales.

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DISEÑO gráfico

Trabajan en proyectos de diversas disciplinas, como ediciones, exposiciones, señalética, sitios web e identidades de marca, con una pasión por el detalle y las impresiones.

LS graphic design

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Lucchetta Stefania

1

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DIAMOND RING - 2009 - Autoproducción

CRYSTAL 82 - 2009 - Autoproducción

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Anillo de estelita. Forma parte de la colección Crystal, una edición limitada.

Stefania Lucchetta nació en Bassano del Grappa (Vicenza). Después de realizar sus estudios clásicos en la educación secundaria y de obtener experiencia en la Accademia di Belle Arti en Venecia, se graduó de Artes con máximos honores y obtuvo una especialización en Historia del Arte en la Università Ca’ Foscari en la misma ciudad. En el año 2004, completó su Maestría en Diseño Industrial en la Scuola Italiana Design en Padua. Es miembro del ADI desde 2005.

A partir de 2002, ha experimentado con técnicas y materiales innovadores y,

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DISEÑO de joyAS

DRAGO NECKLACE - 2003 - Autoproducción

Collar caracterizado por módulos dobles tridimensionales, que hacen recordar la figura de un dragón.

junto con productos diseñados especialmente para su producción industrial, también crea colecciones de joyería de edición limitada en materiales como poliamidas, resinas, titanio y estelita.

Su joyería se ha expuesto en museos internacionales, como La Triennale di Milano, el Kunstgewerbemuseum en Berlín, el Museo MACRO Testaccio en Roma, el Yorkshire Sculpture Park en Wakefield (Reino Unido) y el Museum of Art and Design de Nueva York.

Lucchetta Stefania

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Magini Emanuele

1

LAZY FOOTBALL - 2010 - Garagedesign

Fútbol para flojos: el emblema de la pasión que el diseñador siente por el fútbol, expresada de manera hogareña y sedentaria.

El asiento está hecho mediante una extrusión metálica y el arco es una red de hilo sintético.

Emanuele Magini nació en Arezzo. En el año 2003, participó en la 11th Biennial of Young Artists of the Mediterranean en Atenas.

Después de completar sus estudios en la Academia Bezalel en Jerusalén, se gradó de diseño industrial en el Politecnico di Milano con una tesis sobre los aspectos semióticos de las vacaciones. Ha trabajado en varias empresas de arquitectura y diseño, donde se ha visto involucrado en proyectos nacionales e internacionales para clientes como Casinò di Campione d’Italia, Acqua Valverde, Campari, Banca Sella y Citroen.

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DISEÑO DE PRODUCTO

Ha trabajado en diseño escenográfico con Disney Italia y ha impartido conferencias sobre el modelado tridimensional computarizado en instituciones privadas. Sus diseños han ganado prestigiosas competencias nacionales e internacionales, como el Good Design Award del Museum of Architecture and Design de Chicago, el premio IF al diseño de producto y el ADI Design Index.

En 2010, inauguró Magini Design Studio. Es académico de la material en el Politecnico di Milano y ha trabajado con varias empresas, como Heineken, Seletti, Bormioli Rocco, Campeggi, Gruppo Sintesi y Fiera di Verona.

Magini Emanuele

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Mangia Elia

1

Paon - 2013 - Ligne Roset

Diseñada para ofrecer una luz direccional y sobria, también es una sutileza de espejo.

Elia Mangia estudió en el Central Saint Martins College of Art and Design en Londres y en el Istituto Europeo di Design en Milán.

Desde el año 2001, ha trabajado con varios estudios de diseño y con la Facultad de Diseño Industrial del Politecnico di Milano.

Entre 2003 y 2006, fue diseñador adjunto en el Studio Norguet en París. Ha

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DISEÑO DE PRODUCTO

sido parte de diversas exposiciones en Italia, Estados Unidos y Francia. En 2007, abrió su propio estudio en Milán. En él, trabaja en diseño industrial y de interiores para clientes como Bosa, Cir SpA, Dilmos, Foundry, Gaggia, Ligne Roset, Nespresso, Saeco, Schiffini y Skitsch, entre muchos otros. A partir de 2008, ha impartido clases de diseño en el Istituto Europeo di Design en Milán.

Mangia Elia

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Marchetti Stefano

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spilla - 2008 - Autoproducción

Broche de oro y acero oxidizado.

2

spilla - 2008 - Autoproducción

Broche de oro y plata.

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ring - 2004 - Autoproducción

Anillo de oro y plata.

Stefano Marchetti nació en 1970, donde estudió joyería en el Istituto Selvatico y luego en la Accademia di Belle Arti en Venecia. Sus intereses principales radican en el campo de la investigación para la joyería contemporánea.

Entre los premios que ha recibido se cuentan el Talentepreis y el Bayerischer Staatpreis, Múnich 1994; Fonds National d’Art Contemporain, Francia 1998; el Premio Italiano de Joyería 2009; y el Art Fund Collect, Londres 2011.

Durante varios años, dictó el curso de joyería en el Istituto d’Arte en Padua; también impartió diversos talleres y conferencias, como los de la Akademie für Gestaltung, Múnich 2008; SOFA, Park Avenue Armory,

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DISEÑO de joyas

Nueva York 2010; Hong Kong Design Institute 2011; Odeo del Teatro Olimpico, Vicenza 2011; Salone Magliabechiano della Biblioteca degli Uffizi, Florencia 2011; y Polidiseño en el Politecnico, Milán 2012. Sus obras están presentes en diversas colecciones, como las del Musée des Arts Décoratifs, París; el Landesmuseum Joanneum, Graz; el National Museum of Scotland, Edimburgo; el Museum für Kunst und Gewerbe, Hamburgo; el Schmuckmuseum, Pforzheim; MAD, Nueva York; el Museo degli Argenti, Palazzo Pitti, Florencia; y el MIMA, Middlesbrough. Sus obras también se han exhibido de manera individual y grupal en Italia y todo el mundo.

Marchetti Stefano

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Marelli Ilaria

1

BRANCH - 2009 - Coro

Una colección de muebles para exteriores elaborados con acero y resina epoxi para exteriores: sombrilla, mesas y mesitas, sillas y pequeñas butacas, con un "vestuario" intercambiable, inspirados por la estilización de las huellas naturales de los árboles.

Ilaria Marelli, arquitecta y diseñadora, abrió ilaria marelli studio, su taller de ideas, en el año 2004. Se dedica a la dirección de arte y al diseño de productos, de interiores y de exposiciones.

Ofrece dirección de arte para colecciones y diseño de productos para empresas internacionales, como Tivoli Audio, Zanotta, Cappellini, Cassina, Fiam, Orizzonti, Horm, Casamania, E&Y, Coro, Bonaldo, Coin e Invicta. Crea diseños de exposiciones e instalaciones para el mundo del vestuario y el diseño; desde 2006, ha sido directora de arte de un pabellón en Pitti Moda, además de diseñar tiendas conceptuales e interiores para familias. En todos

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DISEÑO DE PRODUCTO

estos proyectos, coordina el proyecto desde la etapa de concepto hasta su finalización.

Interesada en los aspectos sociales y culturales del diseño, promovió el primer proyecto de copropiedad de Italia y ha trabajado con Poli.design en el área de la investigación aplicada. A partir del año 2002, ha sido profesora asistente de diseño de proyectos y diseño de servicios en el Politecnico di Milano.

En 2007, el Ministerio de Patrimonio Cultural la nombró miembro del primer Consiglio Italiano del Design y en 2008 fue reconocida con el premio MILANODONNA.

Marelli Ilaria

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Mirri Miriam

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you - 2011 - Alessi

Infusor de té.

Miriam Mirri nació y estudió en Boloña, pero hoy reside y trabaja en Milán.

Aplica su creatividad en diversas disciplinas artísticas: desde la comunicación y los gráficos hasta el diseño de objetos de arte. De hecho, son los objetos los que fascinan a Miriam: objetos que cuentan historias y transmiten mensajes.

En sus comienzos, trabajó con Nigel Coates en Londres, con la Università del Progetto-Studio en Reggio Emilia y con Stefano Giovannoni en Milán. En el año 2000, comenzó a trabajar de manera independiente y a colaborar

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DISEÑO DE PRODUCTO

con las empresas más innovadoras de los sectores del diseño, mobiliario y estilos de vida. Algunas de ellas son Alessi, Barilla, Bassetti, Bysteel, Gruppo Coin, Henkel y Seiko. Miriam diseña objetos que capturan la imaginación del público: objetos para la mesa y la cocina, accesorios para animales, criaturas diurnas y nocturnas, relojes y accesorios de diseño de interiores.

En 2012, se aventuró en la producción independiente como inspiración para experimentar con distintos aspectos del diseño.

mirri miriam

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bonton - 2001 - United Pets con Ilaria Gibertini Es un objeto pequeño que contiene bolsas sanitarias para perros.

Se puede ubicar en la correa como un colgante. En el año 2006, Amsa in Milano lo usó de manera experimental como un objeto promocional.

3

giotto, max - 2006 - Euro3plast

Recipientes con orejas grandes, inspirados por artistas famosos.

Giotto es una figura masculina. Max (Ernst) es una figura vertical inspirada por los coloridos tótems de los aborígenes de Norteamérica.

La serie completa consta de tres piezas.

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DISEÑO DE PRODUCTO

mirri miriam

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Morello Bruno

1

Lettere con carattere: senza con/senso 2012 - Triennale Design Museum Catálogo de la exposición en La Triennale di Milano, Milán 2012.

Edición numerada.

Bruno Morello es diseñador gráfico y diseñador de arte. Comenzó su carrera a comienzos de la década de 1990 en Graphiti Studio, Florencia, con Andrea Rauch y Stefano Rovai, y ha trabajado de manera independiente desde 1993. Ha sido miembro de la AIAP (Asociación Italiana de Diseño para la

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DISEÑO gráfico

Comunicación Visual) desde el año 2000. Trabaja con editoriales, museos e instituciones culturales. Sus obras se han publicado en diversos libros y revistas de diseño gráfico; además, han formado parte de exposiciones y bienales internacionales.

morello bruno

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Moreschi Chiara 1

Panvolo - 2011 - Autoproducción

Pala para migas y alimentador para aves.

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cipì - 2009 - Outlook Zelco

Cipì es un tope de puertas de PVC, pero también se puede poner alrededor de la manilla para usarlo como un bloqueador de puerta. Formalmente, hace recordar la síntesis entre ambas funciones y destaca la forma de "ocho" de los bloqueadores de puertas tradicionales, en combinación con una pequeña base.

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Juego de jardinería que consta de un pequeño azadón, un rastrillo y un plantador de bulbos. Son tres herramientas pequeñas, diseñadas de modo tal que se puedan apilar.

De hecho, cada una se obtiene a partir del corte de una lámina de metal, que luego se dobla para formar una estría y así entregar más resistencia a la superficie.

cut - 2012 - Autoproducción

Un conjunto de boles de cerámica, cuyos bordes se cortan y doblan para formar un asa, sin que sea necesario agregar materiales.

Chiara Moreschi nació en Savona, en el año 1981. Estudió en la Facultad de Diseño del Politecnico di Milano y ha trabajado en el campo del diseño industrial desde 2005. Después de varias experiencias profesionales, abrió su propio estudio en Milán a fines del año 2008.

Colabora con varias empresas, trabajando en el diseño de productos y exposiciones y ofreciendo consultoría en proyectos gráficos.

Ha dictado conferencias y cursos en diversas escuelas de diseño, como el Politecnico di Milano, la Universidad de San Marino, el Istituto Marangoni, la NABA y la Académie Libanaise des Beaux-Arts en Beirut.

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DISEÑO DE PRODUCTO

orticolae - 2010 - Lefel

Sus proyectos han sido seleccionados en varias exposiciones italianas e internacionales. En 2011, Persol la seleccionó para la campaña titulada A Work of Persol, en la que participaron artistas y diseñadores de todo el mundo. Chiara diseñó Beauty is Never Useless, una obra que pasó a formar parte de la colección privada de arte de Persol y que se exhibió públicamente en Art Miami en el año 2011.

Algunos de sus clientes son Persol, Pinetti, Corraini, Waypoint, Max & Co., TobeUs, P & V Lighting, Outlook Design Italy, The Shard, Lefel, United Pets, Frascio y Magppie.

moreschi chiara

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N!03 [ennezerotre] 1

Museo storico dell’età veneta. Il ‘500 interattivo - 2012 Palazzo del Podestà, Bergamo Museo interactivo.

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acciaio - 2013 Museo Nazionale della Scienza e delle Tecnologia Leonardo da Vinci, Milano Exposición interactiva.

3

Memoriale Garibaldi - 2012 Forte Arbitucci, Isola di Caprera Museo interactivo.

N!03 abrió en 2003 como un estudio de producción de video y multimedia, cuando varios profesionales de distintas áreas del diseño visual y sonoro decidieron unir fuerzas.

Se organizó como un laboratorio de investigación visual enfocado principalmente en el diseño de ambientes multimedia interactivos.

El estudio se interesa fuertemente por la creación de ambientes y sets de videos -sean interactivos o no- los que permiten transmitir un gran poder evocativo y en los cuales los sonidos envuelven a los visitantes y capturan su atención. La imágenes de los videos, junto con los sonidos y los diseños

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DISEÑO de interiores

arquitectónicos y espaciales, se investigan para crear nuevas oportunidades de comunicación e interacción con el público. Esto se logra a través de una estructura muy precisa que, puede estar abierta a muchas interpretaciones.

Este rasgo específico de la investigación de N!03 se sustenta en el uso de herramientas tecnológicas discretas que permiten al público tener una relación más directa con las imágenes.

En el año 2011, el proyecto Rossa. Immagine e comunicazione del lavoro 18482006 obtuvo el Premio ADI Compasso d’Oro

.

N!03 [ennezerotre]

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A NOI FU DATO IN SORTE QUESTO TEMPO 1938-1947 - 2010 Torino, Archivio Di Stato-Sezioni Riunite / Carpi, Ex Campo Fossoli / Roma, Palazzo Del Quirinale Paisaje interactivo para la exposición Terra. Materia e simbolo.

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ROSSA - IMMAGINE E COMUNICAZIONE DEL LAVORO, 1848-2006 - 2007 / 2008 - CGIL Città Della Scienza, Napoli / Palafuksas, Torino Exposición interactiva dedicada a la iconografía obrera y la historia de los sindicatos.

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DISEÑO de interiores

N!03 [ennezerotre]

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Nichetto Luca

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Deck - 2013 - De Padova

Una colección de sillas que combina la resistencia del mobiliario de exteriores con la elegancia de los asientos de interiores para crear objetos que se acomodan a todos los ambientes.

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Fresnel - 2012 - Italesse

La superficie decorativa tridimensional deriva de un lente Fresnel, cuyas secciones de anillos concéntricos diseñadas para su uso en faros permiten irradiar más luz y así ayudar a la navegación de los barcos.

Luca Nichetto nació en Venecia en 1976. Diseñador industrial, en 2006 lanzó su propia oficina de diseño, Nichetto&Partners, en Porto Marghera (Venecia, Italia), la cual se especializa en diseño industrial y consultoría de diseño.

Comenzó su carrera en 1999, con el diseño de sus primeros proyectos en vidrio de Murano para Salviati. Fue en ese mismo año cuando comenzó su colaboración con Foscarini, como diseñador de productos y como consultor de investigación de nuevos materiales y desarrollo de productos. Hoy en

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DISEÑO DE PRODUCTO

día, Nichetto colabora con una amplia variedad de empresas italianas e internacionales. Durante su carrera ha trabajado como director de arte para varios eventos de diseño internacionales y ha recibido numerosos premios internacionales. En 2011 abre una segunda oficina en Estocolmo, Suecia.

Luca Nichetto fue invitado de honor de IMM Cologne para crear su propia visión de la casa perfecta para el proyecto Das Haus-Interiors de Stage 2013.

Nichetto Luca

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jerry - 2005 - Casamania by Frezza con Carlo Tinti Luz que se puede ver y tocar: Jerry es una lámpara que se puede apoyar, colgar o enganchar a otros objetos. Está hecha de silicona y se puede usar tanto en interiores como en el exterior.

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tam-beau - 2006 - Coproducción con Amat (prototipo)

Pandero diseñado y elaborado en Milano Sound Design Fair, 2006.

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DISEÑO DE PRODUCTO

Nichetto Luca

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Oldani Davide

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DURONI, CRESTE DI GALLO, PASTA DI SALAME E LATTE ACIDULATO

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COSCIA D’ANATRA ALLA MARENGO CON GAMBERO AL VAPORE

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CIPOLLA CARAMELLATA, PARMIGIANO CALDO E FREDDO

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PIATTO LAND - 2005 - D’O

Land surge como solución para un pequeño problema que ocurre cuando comemos: cómo terminar de tomar una sopa sin levantar el borde del plato. Esto explica la inclinación del fondo del plato.

Davide Oldani nació en Milán y es uno de los chefs más reconocidos e interesantes de la escena internacional. Pasó muchos años aprendiendo el arte de cocinar con algunos de los mejores chefs del planeta. Después de estudiar en una escuela de administración hotelera, comenzó a trabajar inmediatamente para Gualtiero Marchesi, luego con Albert Roux en Le Gavroche en Londres, con Alain Ducasse en Le Louis XV en Montecarlo y con Pierre Hermé en Le Fauchon en París. Es consultor y gerente de alimentos y bebidas para un grupo francés; además, ha contribuido a promover la cocina

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italiana de Gualtiero Marchesi tanto en Japón como en Estados Unidos.

Cuando regresó a Milán en 2003, ganó una apuesta que había hecho consigo mismo cuando abrió su propia trattoria, llamada D’O. Los excelentes comentarios que recibió de los críticos gastronómicos lo hicieron merecedor del premio Ambrogino D’Oro en el año 2008. Además de trabajar como chef, Davide Oldani también ha publicado tres libros: Cuoco Andata e Ritorno en 2008, La Mia Cucina Pop en 2009 y, un año después, POP La Nuova Grande Cucina Italiana. También diseña vajilla para Schonuber Franchi y Lavazza.

Food Design | DISEÑO DE PRODUCTO

oldani davide

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Paganin Barbara

1

tubipora - 2010 - Autoproducción

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Este broche de titanio está inspirado en el tubipora, el esqueleto del coral órgano que posee tubos calcáreos paralelos.

Barbara Paganin nació en 1961. Artista veneciana, estudió Metales y Joyería en el Istituto Statale d’Arte y Escultura en la Accademia di Belle Arti, ambos en Venecia, donde actualmente reside y trabaja. En 1987 enseña Diseño y Planificación en el Istituto Statale d’Arte Pietro Selvatico en Padua y, desde 1988, se desempeña como profesora de Diseño profesional y Planificación para el arte de los metales y la joyería en el Istituto Statale d’Arte en Venecia (ahora llamado Nuovo Liceo Artistico M. Guggenheim). En 2002, dictó una conferencia en la Masterclass del Royal College of Art en Londres.

Durante 15 años ha participado de exposiciones grupales e individuales

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DISEÑO de joyas

sfumarure - 2012 - Autoproducción

Broche de plata oxidizada, polimetilmetacrilato, turmalina y ópalo amarillo.

(en Italia, Bélgica, Gran Bretaña, Portugal, Luxemburgo, Alemania, Austria, Holanda y Estados Unidos).

Sus obras forman parte de las colecciones permanentes de muchos museos, como el National Museum of Scotland en Edinburgo, el Cooper Hewitt Museum y el Metropolitan Museum de Nueva York, el Musée des Arts Décoratifs en París, el Musée des Beaux-Arts en Montreal, el Fine Arts Museum de Boston, el Museum Boijmans Van Beuningen de Róterdam y el Victoria and Albert Museum en Londres.

Paganin Barbara

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Palmeri Lorenzo

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In ginocchio da te - 2011 - Danese

Un pequeño espejo de deseos; ubicado irónicamente a nuestros pies, parece que nos quisiera preguntar algo.

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Home (is where i want to be) - 2013 - Ernst Knam

Diseño arquitectónico de chocolate.

Lorenzo Palmeri, arquitecto, trabaja en los campos del diseño, la arquitectura, la dirección de arte, la docencia y la producción y composición musical. Dos de sus mentores han sido Bruno Munari e Isao Hosoe, con quienes trabajó durante muchos años. Como director de arte, trabajó en diversos proyectos comerciales, como Milanosoundesign (con Giulio Iacchetti); 16 Designer per Invicta, 2007; DesignRe (con Giovanni Pelloso); Lefel (proyecto de diseño para la editorial Feltrinelli), 2009-2010; Arthemagroup desde 2010; y Stone

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Italiana desde 2012. Comenzó a dictar conferencias en 1997 en algunas de las escuelas de diseño más famosas del país y del mundo. En el mundo de la música, ha compuesto bandas sonoras para obras de teatro e instalaciones.

Preparativi per la pioggia, su primer disco de canciones, se lanzó en el año 2009 y cuenta con invitados de gran prestigio, como Saturnino en el bajo y Franco Battiato. Actualmente, está preparando su nuevo disco y trabaja en varios proyectos de diseño y arquitectura.

DISEÑO DE PRODUCTO | Food Design

PALMERI Lorenzo

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PARAFFINA SLAPSTER - 2006 - NOAH GUITAR, Italia

Equipada con un asa, introduce un nuevo elemento en la base de las cuerdas. Este slapster altera el sonido a través de la acción del codo y la mano del músico, lo que permite explotar su expresividad espontánea.

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DISEÑO DISEÑODE DEPRODUCTO PRODUCTO| Food Design

Palmieri Lorenzo

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Papuli Daniele

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Cartodendro - 2010 - Autoproducción

Esta es la formación y clasificación de los nuevos diseños morfológicos, concebidos para escritorios o puestos. Se construyó en volúmenes lamelares con varios tipos de papeles livianos escogidos por sus características particulares.

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talea - 2007 - Autoproducción

Edición limitada hecha a mano por el autor.

Jarrones con estructura lamelar con capas de vinilo e interior metálico.

Daniele Papuli nació en 1971 en Maglie, Puglia. Después de graduarse de escultura en la Accademia di Belli Arti di Brera, se fue a Milán, donde trabaja actualmente.

Comenzó a esculpir en el año 1991, cuando creó sus primeros artefactos en piedra, madera y yeso. En 1995, el papel pasó a ser el material predilecto para sus obras y éstas se comenzaron a exponer en galerías de arte. Su investigación constante del material y la experimentación con otros elegidos

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DISEÑO DE PRODUCTO

por sus características destacadas, lo llevaron a crear interconexiones constantes entre la escultura, el diseño, las instalaciones y el diseño escenográfico para casas de moda famosas, ferias y exposiciones. En 2011 inaugura cuatro instalaciones que interactúan con danza en la exposición individual Le Géant de Papier, en Flux Laboratory, la fundación para el arte.

Sus obras ahora están en colecciones públicas y privadas en Italia y el extranjero, y además ha publicado en el área del arte en papel.

Papuli Daniele

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Paruccini Donata 1

Yin-Yang - 1998 - Autoproducción

Capa delgada de contrachapado. Mediante un ensamblado, se convierte en un frutero.

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fly - 1999 - Alessi

Un chinche de acero inoxidable que, a través de su forma de mosca, renueva el escritorio de manera irónica.

A pesar de su pequeño tamaño, se prestó mucha atención a los detalles para que tuvieran facetas poéticas y naturales.

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label - 2004 - Autoproducción

Chocolate.

Donata Paruccini nació en 1966 en Varedo, cerca de Milán, donde actualmente reside y trabaja. Pasó su niñez y sus años formativos en Cerdeña, para luego trasladarse a Florencia, donde estudió Diseño Industrial en el ISIA, donde se graduó en 1990 junto a Jonathan De Pas. Entre 1994 y 1997, trabajó con Andrea Branzi y, al mismo tiempo, realiza su propia práctica de diseño. Entre 1996 y 2004, participó regularmente en actividades culturales, exposiciones y competencias organizadas por Opos. En 2007, pasó a ser

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miembro del Consiglio Italiano del Design establecido por el Ministerio de Patrimonio Cultural.

Ha participado en numerosas exposiciones grupales, como las de la generación de Jóvenes diseñadores italianos. En 2010, La Triennale di Milano organizó una exposición individual de su obra. Dicta conferencias de diseño de producto en la NABA en Milán. Alessi, Basile Arteco, ENO, Morellato, Nodus, Pandora Design y RSVP han producido sus diseños.

DISEÑODEDEPRODUCTO PRODUCTO| Food Design DISEÑO

paruccini donata

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Bottoni in madreperla - 2003 - Autoproducción

Botones en madreperla.

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deluxe - 2005 - Pandora Design con Fabio Bortolani Irónico juego de cuchillería plástico, decorado con patrones imperiales, diseñado con Fabio Bortolani y exhibido en la exposición Usa & getta of Pandora, 2000, y producido en el año 2005.

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tagliere pieghevole - 1999 - Luisa delle Piane

Es una bandeja plegable de madera y plástico.

Creada para la exposición Pane fresco de la Galleria Luisa delle Piane.

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DISEÑO DE PRODUCTO

PARUCCINI DONATA

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Perri Edoardo 1

P.TO.T. - 2013 - Falegnameria Agostini

Tres personajes distintos con ruedas, que representan los Pitoti más populares. Los Pitoti son las figuras que se tallan en roca en el alto valle alpino de Valcamonica, en la región lombarda del norte de Italia.

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metrò - 2007 - Wip

Para niños de entre seis meses y cuatro años, esta silla de paseo posee un marco ultraliviano y una hamaca que se puede intercambiar y personalizar.

Su sencillo mecanismo de apertura y cierre está patentado y su asiento ergonómico cuenta con la certificación correspondiente. Se puede cerrar con una mano y está diseñado de modo tal que su uso sea muy fácil en cualquier situación.

Edoardo Perri es director creativo de la agencia de diseño Whomade y fundador de Todomundo Fair Design. Después de graduarse de Diseño Industrial en el Politecnico di Milano, se armó de un currículum internacional con el concepto y la coordinación de estrategias y proyectos creativos para empresas e instituciones, donde desarrolló nuevos conceptos, productos y servicios.

Un apasionado del arte y la intercultura, afinó sus habilidades conceptuales en la Gerrit Rietveld Academie antes de pasar a dictar conferencias en la Design Academy Eindhoven, la Creative Academy y la Academia NABA en Milán. Junto con su trabajo como diseñador, docente y director de arte, también promueve investigaciones y proyectos en el campo de las nuevas

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DISEÑO DE PRODUCTO

industrias creativas y las nuevas profesiones artísticas e innovadoras. Durante los últimos diez años, ha desarrollado talleres de diseño en Asia, África, Europa y Sudamérica, en colaboración con ONG internacionales, gobiernos y una gran red de artesanos y productores. Crea conceptos y diseños para diversas marcas italianas y siempre ha estado atento a las más recientes tendencias sociales y culturales, para así desarrollar soluciones innovadoras que enfrenten los constantes cambios del mundo contemporáneo. En 2007, fundó Whomade.it, una agencia consultora para marcas de diseño y avantcraft con un alto valor humano agregado. Esta agencia sigue estando a su cargo, junto con su colega diseñador Dario Riva.

Perri Edoardo

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Pezzini Gabriele

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MATCH RADIO - 2001 - Areaplus

Pequeña radio portátil con antena, caracterizada por un producto moldeado en aluminio que funciona como tapa para las baterías y, al mismo tiempo, define el aspecto estético del objeto.

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moving - 2004 - Maxdesign

Elaborado mediante un moldeado por rotación, es un taburete que asemeja un balde; en este producto, el aspecto simbólico coincide perfectamente con su función: el asa de metal es un elemento fundamental, pues se debe usar para moverlo. Es apilable y liviano y está disponible en varios colores.

Gabriele Pezzini, diseñador y teórico del diseño, estudios de en Fotografía del Art Institute y un grado en Diseño del Istituto Superiore di Disegno Industriale en Florencia. En sus primeros años como diseñador adjunto y gerente de diseño para la empresa francesa Allibert, obtuvo mucha experiencia en el desarrollo y la gerencia de productos. Después de abrir su propio estudio en Milán, comenzó a trabajar en proyectos de investigación diseñando y organizando exposiciones por varios años. Fue a través de estas experiencias que desarrolló su teoría sobre cómo se perciben los objetos y cómo interactúan con nuestra vida diaria. Sus diseños exploran la relación entre el objeto y el usuario y nos ofrecen una nueva perspectiva.

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DISEÑO DE PRODUCTO

Su investigación en diseño ha traído como resultados exposiciones, publicaciones y conferencias en universidades e instituciones. Como director de diseño de la empresa francesa Hermès, cargo que ostentó hasta hace poco, reforzó su experiencia en la industria -combinando vestuario y diseño, lujo y esencia- y desarrolló productos que hoy son puntos de referencia en el diseño internacional. Recientemente, colaboró con Enzo Mari en la exposición Che Fare en París y ha publicado dos libros con Archibooks: Meteorite Looking Far Watching Closely, acerca del proceso creativo (París 2012) y Project/Meta-Project, donde explora un paradigma del diseño (París 2013).

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wired - 2003 - Maxdesign

Liberada de formalismos innecesarios, esta silla apilable se puede elaborar mediante la optimización de los procesos tecnológicos de soldadura electrónica que se usan en la producción de accesorios domésticos, como coladores y torres para CD. Su estética es el resultado de un equilibro entre factibilidad industrial y funcionalidad.

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plag-in - 2005 - Viabizzuno

Pertenece a una serie de productos diseñados para el evento de investigación The Future of Manufacturing, desarrollado con el apoyo de la empresa estadounidense DSM Somos y, por ende, parte del catálogo de Viabizzuno.

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Water pot - 2001 - Drk Group

Llave con espacio para cepillo de dientes.

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DISEÑO DE PRODUCTO

Pezzini Gabriele

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Piano Design

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serra - 2003 - Smeg

Objeto decorativo de acero inoxidable y vidrio, capaz de recrear tres microclimas distintos (tropical, desértico y templado), caracterizado por su aspecto refinado y su tecnología de vanguardia.

Dentro de él, pueden crecer varios tipos de plantas, desde orquídeas hasta bonsáis.

Piano Design se fundó en 1996 con el nombre Piano Design Workshop. Desde sus inicios, ha trabajado en el campo del diseño industrial. Durante sus primeros tres años, trabajó con importantes empresas italianas e internacionales. Trabaja en distintos campos del diseño: diseño de iluminación, mobiliario urbano y mobiliario doméstico. En 1998, obtuvo el Compasso d’Oro por Nuvola, un

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DISEÑO DE PRODUCTO

dispositivo de iluminación de exteriores, y el Good Design Award en el año 2000, por un juego de cuchillería. Algunos de los clientes del estudio son iGuzzini Illuminazione, Hackman (de Finlandia), Smeg (para quienes creó Serra domestica), Fusitel, Ideal Standard, Ceramica Dolomite y Curvet.

A partir del año 2000, adoptó el nombre Piano Design.

Piano Design

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Pichler Sylvia

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Sponge Boat - 2013 - Zilla

Esponja artificial y asa de cuero.

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HOOD NeCKELACE - 2005 - Zilla

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Pink Squared - 2013 - Zilla

Cartera de mano brillante.

Sylvia Pichler nació en Bolzano, donde vive y trabaja como estilista para Zilla, que percibe el espíritu de la época de manera ecléctica y estética. El concepto de la marca se enfoca en el estudio y el procesamiento de la materia prima. A través de las más finas tradiciones artesanales del norte de Italia y Alto Adige, todas sus creaciones están caracterizadas por la contemporaneidad de su estilo y forma.

Después de estudiar arquitectura, decidió seguir su vocación: combinar sus habilidades manuales con su gran pasión por el vestuario y las carteras en particular. Fue así como inauguró la marca Zilla en el año 2005.

Con una combinación de materiales innovadores, como el aluminio y la película

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satinada que se usa en la fotografía, y otros más convencionales, como piel de pitón y gamuza, crea carteras con las formas geométricas más puras y armónicas.

Todas sus creaciones están influidas por el tipo de material que utiliza. Gracias a la espectacular manufactura italiana, las carteras Zilla representan lo mejor del diseño contemporáneo.

Después de todo, son "casas móviles" para las mujeres de todo el mundo.

Desde 2007, Sylvia Pichler ha diseñado y elaborado lámparas de mesa de estilo clásico con terminaciones frágiles de cinta de embalaje. Estas lámparas de cinta están disponibles en Skitsch.

DISEÑODEDEPRODUCTO PRODUCTO| DISEÑO DE VESTUARIO DISEÑO

Pichler Sylvia

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Ponzini Angela

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24 ore - 2009 - Autoproducción

Un lugar para las bolsas de basura, separadas por tipo. Una lámina de polipropileno se dobla para sostener las asas de tres bolsas en las que se depositan papel, vidrio y plástico. Sus dos manillas permiten trasladar todas las bolsas al mismo tiempo. Cuando no está en uso, vuelve a adoptar su forma plana original, la que se puede colgar como una pintura o apoyar en una pared.

Angela Ponzini nació en Milán en 1981, donde se graduó con Andrea Branzi en el Politecnico. En 2005, creó una línea de accesorios bajo la marca Gin.a.

Diseñadora de interiores, en el año 2008 participó en Prime Cup con sus diseños Mr Oscar y Domitilla para Arredamenti 3G. También expuso en el Triennale Design Museum y posteriormente en La Triennale Tokyo y Ex-Gil en Roma. Ha trabajado con Giorgetti y Studio Bellodias en el diseño de interiores e interiores temporales.

Para Kitplastic, diseñó la marca de joyería Sebach con Andreas Boccone, a partir

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DISEÑO DE PRODUCTO

de materiales de desperdicio, y la colección Masterpiece junto con su empaque.

Durante un tiempo, trabajó con Fondazione Eni Enrico Mattei (FEEM) y con el Politecnico di Milano, donde actualmente cursa sus estudios de doctorado en diseño de interiores. Es miembro del comité organizador de Dismettiamola!, un evento-exposición sobre los desechos que se realizó en paralelo al Salone del Mobile en Milán en el año 2009. Presentó el proyecto 24Ore en la misma exposición, a favor de la recolección selectiva de desechos.

Ponzini Angela

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Presta Aldo 1

redesigncalabria - 2009-2013 Cosenza Identidad visual.

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zonafranca - 2011-2013 Rubbettino Editore Serie editorial.

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museo del presente - 2013 Cosenza Identidad visual.

Aldo Presta es diseñador, director creativo y gerente de diseño, desarrollo y planificación de proyectos editoriales y de diseños de comunicación visual.

Trabaja para instituciones culturales, universidades, administraciones públicas y locales, empresas y asociaciones.

Durante años ha formado parte del debate sobre los aspectos teóricos y culturales de la profesión de diseñador en la AIAP, la Asociación Italiana de Diseño para la Comunicación Visual, de la cual es miembro del directorio nacional. Participa de actividades docentes y de investigación, y

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DISEÑO gráfico

es responsable de la investigación sobre diseño de comunicaciones en el laboratorio de Filosofía del Lenguaje de la Universidad de Calabria.

Sus obras y proyectos se han expuesto en el Museum of Political Posters en Mons; en la Galerie Moravska, Brun; y en el Musée de la Publicité en París.

También se han seleccionado para formar parte de exposiciones como Afiches Italianos Modernos en el Ogaki Poster Museum, Japón; Triennale of Political Poster en Mons; y la Biennial of Graphic Design en Brun, República Checa.

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Ragni Matteo 1

leti - 2008 - Danese

Una lámpara sujetalibros, objeto híbrido que une para siempre dos mundos que generalmente coexisten: la luz y la lectura, las lámparas y los libros.

Cada uno implica el otro.

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Bottiglia 80esimo - 2012 - Campari

La botella diseñada por el artista futurista Fortunato Depero con nuevas ropas. El patrón geométrico usado como textura nos trae el espíritu esencial del futurismo y la deconstrucción de la forma en las partes que lo constituyen.

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La Romantica / La Sportiva / La Berlina - 2008 - TobeUs

Un juguete ecológico, elaborado con madera de cedro, que es tanto un proyecto de diseño como un proyecto de vida.

Matteo Ragni se graduó de Arquitectura en el Politecnico di Milano. En el año 2001, recibió junto con Giulio Iacchetti el ADI Compasso d’Oro por su cuchador desechable y biodegradable Moscardino, la que ahora es parte de la colección permanente de diseño del MoMA, Nueva York. Obtuvo el premio Wallpaper Design Award 2008 con Leti, una lámpara de mesa-sujetalibros producida por Danese. En ese mismo año, fundó TobeUs, una marca de autos de juguete hechos a mano con madera en Italia. Hoy en día, junto con sus actividades como diseñador, imparte clases y trabaja como arquitecto y director de arte.

Recientemente, Corraini publicó Camparisoda: l’aperitivo veloce futurista: da Fortunato Depero a Matteo Ragni y Wallpaper Celebrations. En el año 2012, recibió

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DISEÑO DE PRODUCTO

el codiciado Premio Nacional a la Innovación, el premio de los premios, otorgado por el Presidente de la República de Italia en la Fundación Cotec, por su diseño de gafas de madera y aluminio llamado W-eye. La editorial Hachette dedicó un volumen a Matteo Ragni en la biblioteca I Protagonisti del Design (2012).

Además de trabajar como diseñador, dicta conferencias en varias universidades internacionales y se desempeña como director de arte y arquitecto. Algunos de sus clientes son Alpi, Bialetti, Biò Fireplace, Caimi Brevetti, Campari, Coop, Corian Dupont, Danese, De Vecchi, Fiam, Guzzini, Jannelli & Volpi, Lavazza, Lorenz, Mandarina Duck, Moleskine, Pandora Design, Pinetti, Piquadro, Plank, Poltrona Frau, Samsung, Suisse Lagenthal, United Pets y W-eye.

ragni matteo

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moscardino - 2000 - Pandora Design con Giulio Iacchetti Concebido para combinar las funciones del tenedor y la cuchara, este objeto sintetiza en una sola pieza dos de los elementos esenciales para comer. Los dientes del tenedor se convierten en el mango de la cuchara, la que a su vez se transforma en el mango del tenedor, en una relación perfecta de reversibilidad. Pequeño y apto para que lo usen los niños, este objeto está elaborado con Mater-bi, un material bioplástico completamente biodegradable que proviene del almidón de maíz.

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patch - 2004 - De Vecchi 1935

¿Cómo podemos controlar las páginas de un libro que se suelen cerrar cerca del dedo pulgar? Simple: equipando el pulgar con una prótesis específica. Patches es un pequeño objeto con alas, un anillo para sujetar las páginas, un accesorio eficiente para los fanáticos de la lectura.

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w-eye - 2010 - Ma-Wood

W-Eye son las primeras "gafas de interior" en contrachapado.

Estas gafas están elaboradas en una sola pieza, sin bisagras ni uniones.

Están moldeadas, talladas y terminadas a mano, con gran cuidado y atención. Se venden en un paquete que se convierte en un bonito lugar para exhibirlas en la casa... para así no perderlas de vista.

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DISEÑO DE PRODUCTO

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Raimondi Malerba Marcantonio

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Sending Animals - 2013 - Seletti

Un reflejo excéntrico de los animales y sus formas, una investigación de las relaciones entre el hombre y la naturaleza.

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piantama - 2010 - Autoproducción

Lámpara de escritorio metálica, en combinación con un bloque de madera en bruto.

Marcantonio Raimondi Malerba nació en 1976 en Massa Lombarda, Italia.

Asistió a la escuela de arte y, posteriormente, a la Academia de Bellas Artes.

En cuanto terminó sus estudios, comenzó a trabajar con arquitectos en diversos proyectos públicos y privados. Pronto comenzó a crear elementos de

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DISEÑO DE PRODUCTO

diseño únicos, mientras trabajaba como escultor. Estas dos sendas estaban destinadas a cruzarse; es por eso que sus diseños están complementados por conceptos artísticos.

Raimondi Malerba Marcantonio

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Riggi Ivana

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The kind lady y The good knight 2011 - Elementi Colgantes ajustables.

Ivana Riggi nació en 1972. Como arquitecta, ingresó al sector de la joyería en el año 2006 con el diseño de la colección Elementi. En 2008, se especializó en diseño de joyería contemporánea en el Politecnico di Milano.

Ha trabajado con Roberto Giannotti.

Sus obras han sido parte de diversas exposiciones individuales en Italia y el extranjero, como VicenzaOro, New Directions Hall, Contemporary Jewels in Stark en Berlín e Italia: La Verdad de los Materiales en Shangái. En 2009, fue una de las 60 diseñadoras internacionales seleccionadas para la exposición Gioielli di Carta y, al año siguiente, fue una de las 32 participantes de Titani preziosi. Ambos eventos se realizaron en el Triennale Design Museum, con

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DISEÑO de joyas

la curatoría de Alba Cappellieri. En 2010, creó el diseño de escenografía para el largometraje Un uomo nuovo. En ese mismo año, A&B Editrice publicó su libro Anisette e gli altri. En 2011 llegó Oltre il progetto. Ricordando, conversando, riflettendo su architettura e design, libro publicado por EDA, Aracne Ed., Roma. También escribió un texto breve para el arquitecto Tobia Scarpa en Tobia Scarpa Between Wolves and the Abyss R.G. Ed. Treviso. Ha escrito para la revista en línea Oltrepensiero y ha sido la corresponsal de diseño en Italia para 4amagazine. Trabaja con el portal Archimagazine, dedicado a la cultura del diseño y editado por docentes e investigadores universitarios.

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rnd_lab

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RND_TIME - 2001 - Progetti

Reloj azaroso, flexible y modificable que se puede adaptar a varios contextos y que puede estar sujeto a la alternancia de momentos, eventos, ánimos y estaciones del año. Permite interpretar el flujo del tiempo según su propia estética, ubicándose sobre unidades numéricas minimalistas y (des)organizándolas según un principio personal de lógica y estética.

Es un reloj dinámico y modificable que, según los deseos y necesidades individuales, logra que una superficie sea sensible y, por ende, excepcional.

RND_LAB es un grupo de diseño fundado en el año 2000 por Stefano Mandato (Cosenza, 1977), Chiara Rolfini, Alberto Sala (Milán, 1973) y Umberto Tolino (Busto Arsizio, 1976). El estudio experimenta e innova mediante la incorporación de influencias teóricas y abstractas con otras más concretas.

Es un taller virtual que se centra en el desarrollo y el fomento del pensamiento colectivo para crear un crecimiento potencial que nunca se puede definir en el presente. En términos del diseño, el estudio generalmente ofrece sugerencias y no productos, las cuales se enmarcan en un camino lleno de ideas, significado y emociones que varían constantemente. Desde 2001, Stefano ha impartido conferencias en el Politecnico y en el consorcio POLI.design. También ha sido

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DISEÑO DE PRODUCTO

director de diseño de comunicaciones en Total Tool Milano desde el año 2000, diseña para 3M, Unilever, Viacom, Whirlpool, Pirelli, Pininfarina y Luceplan.

Lo han seleccionado dos veces para el Compasso D’Oro (2002 y 2003).

Alberto es docente de la Facultad de Diseño del Politecnico di Milano y ha trabajado con el departamento INDACO de la Facultad de Diseño en el sector de la comunicación visual y la arquitectura temporal. Umberto ha dictado conferencias sobre la comunicación visual desde el año 2001 en el Politecnico di Milano y ha sido seleccionado dos veces en el ADI Design Index para el Compasso d’Oro. Chiara imparte conferencias en el curso Cultura visual y elementos gráficos, también en el Politecnico.

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Ruschetti Andrea 1

PUPZ - 2006 - Ludiko by Faro con Gabriele Zago Los PupZes representan una mutación o desviación de los Pups. Si se aprietan, presionan o amplían, se convierten en accesorios originales: frazadas, cubrecamas y cubiertas de sofá con un aspecto lúdico.

Después de graduarse de Administración de Empresas, Andrea Ruschetti trabajó en adquisiciones en Alessi SpA entre los años 2000 y 2003. En 2003, comenzó a trabajar con La Nuova Faro Srl -un fabricante de juguetes de Italia-, donde lanzó Ludiko en 2004. Este laboratorio de investigación y desarrollo se dedica a la cultura del juego y explora el verdadero significado de "jugar, jugando y jugador" a través de la creación de objetos, imágenes, videos, performances e instalaciones.

En 2005, creó el proyecto de diseño de juguetes Pups.it, por el cual recibió

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el reconocimiento internacional en el mundo del arte y diseño, además de pasar a ser parte del catálogo del MoMA. En el año 2008, creó y promovió Pups in Town, un festival urbano dedicado a la cultura contemporánea de los personajes. En 2010, a la cabeza de la Associazione Culturale Mastronauta, que él mismo fundó en el año 2001, promovió el proyecto de residencia para artistas en C.A.R.S. (Cusio Artist Residency Space) y en 2011 abrió la Residencia Ludiko para diseñadores de juegos y jugadores multidisciplinarios.

ruschetti andrea

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4P1B design studio 1

A-PERDERE - 2013 - Autoproducción

La idea en la base del proyecto es crear un método de moldeado que haga posible proporcionar cierta geometría sin tener que retirar la pieza del molde.

4P1B es un design studio que se establece en Milán en 2008, cuyo trabajo gira en torno a la idea de que todo es diseño.

Sus actividades son variadas y van desde el mundo del mobiliario al de la iluminación, pasando por el diseño de escaparates y tiendas.

Esto significa que 4P1B funciona en diferentes sectores, y desarrolla

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soluciones para la producción en masa, al mismo tiempo que experimenta con objetos de edición limitada.

En el núcleo del trabajo de 4P1B se encuentra un método de diseño y una búsqueda constante de soluciones innovadoras, en términos de forma, función y atractivo comercial.

DISEÑO DE PRODUCTO | Investigación en diseño

4P1B

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Adami Massimiliano

1

Alba - 2013 - Serralunga

Floreros de polipropileno moldeado realizados con una técnica experimental. Cada pieza es única.

2

Fossile Moderno - 2004 - Meritalia

Unidad de almacenamiento construida mediante el ensamblado de distintos objetos plásticos en espuma de poliuretano. El conjunto unido se divide en secciones y los objetos se transforman en compartimentos contenedores que poseen formas inesperadas.

Massimiliano Adami estudió diseño en el Istituto Statale d’Arte di Monza y la Facultad de Diseño del Politecnico di Milano.

Los experimentos con materiales y métodos de producción, con un alto grado de destreza manual, han situado a su trabajo en el límite entre el arte y el diseño, mientras acopla y alterna el diseño con la producción independiente.

Sus obras se han expuesto en las galerías de diseño más importantes del

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DISEÑO DE PRODUCTO

mundo, como la Moss Gallery en Nueva York, la Phillips de Pury Gallery en Londres y la galería Rossana Orlandi en Milán. Adami ha creado diseños para Alcantara, Cappellini, Design/Miami Fendi, Meritalia, Molteni Imbottiti, Poltrona Frau, Refin Ceramiche, Serralunga y Zerodisegno.

En 2009, La Triennale di Milano incorporó su Fossili Moderni en la colección permanente del Triennale Design Museum.

Adami Massimiliano

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Alajmo Massimiliano

1

Gomitelli - 2013

Una reinvención irónica de la producción tradicional de la pasta italiana.

Massimiliano Alajmo, el chef más joven en poseer tres estrellas en la calificación Michelin en el mundo, es reconocido (tanto por sus clientes como por sus colegas) por su genial interpretación de los sabores tradicionales italianos.

Nacido 1974, Massimiliano nació con una curiosidad innata por lo culinario y lo cultural. Junto con su hermano Raffaele, es parte de la quinta generación de chefs independientes y dueños de restaurantes de la familia Alajmo.

En Le Calandre, los clientes pueden experimentar su cocina conceptual y

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Food Design

juguetona en un contexto multisensorial. Platillos clásicos, como su cappuccino de sepia o su arroz al azafrán con polvo de regaliz, se sirven en platos y cristalería diseñada por los hermanos Alajmo y producida por artesanos italianos de renombre.

Massimiliano supervisa las cocina de los otros restaurantes (Ristorante Quadri y La Montecchia) y bistrós Alajmo (Il Calandrino, abc Quadri y abc Montecchia).

Alajmo Massimiliano

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Arabeschi di latte

1

À la ronde - friendship cup - 2010 - Autoproducción

Una taza de la amistad personalizada, típica de Val D’Aosta, una región en el sur de Italia. Un gran bol de madera, con muchas pequeñas boquillas para que cada persona pueda beber de él un café especial. Este objeto tradicional se vuelve el protagonista de un ritual social, al tiempo que crea vínculos entre amigos y extraños.

Arabeschi di Latte es un estudio de Food Design (diseño de alimentos), fundado por Francesca Sarti en 2001. Con sedes en Milán y Londres, Arabeschi di Latte ha explorado el mundo de los alimentos, su fascinación y su poder para crear relaciones, difuminar los límites entre los alimentos y el diseño, y ayudar a moldear el significado actual de ambos conceptos.

Durante más de diez años, Arabeschi di Latte ha creado y exhibido una variedad de productos relacionados con alimentos, tales como cafeterías "pop-up", representaciones y talleres, utilizando alimentos como su medio para investigar las condiciones culturales, las tradiciones y los ritos alrededor del mundo.

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Food Design

Los alimentos no se consideran como un objeto accesorio, sino como algo que puede usarse para comunicar. Junto con esta investigación, el estudio proporciona innovadores servicios de asesoría en diseño de alimentos para eventos de marcas y proyectos especiales. Entre los proyectos recientes se encuentra la instalación interactiva Pasta Herbarium para la exposición De Etende Mens, con una selección realizada por Marije Vogelzang en el Designhuis de Eindhoven; Kitchen Library para el Fuori Salone 2013; el taller Pasta Power de ECAL en Lausanne, al igual que fructíferas colaboraciones con Studio Toogood, Designmarketo, Apartamento y asesorías para Fendi y Discipline Design.

Arabeschi di latte

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Aricò Antonio 1

Swing Chair - 2012 - Autoproducción

Esta es una silla que evoca una situación romántica: la sensación de mecerse y columpiarse en el exterior, llevada al interior.

Al encontrarse en el interior, esta silla columpio se transforma en una "marioneta" doméstica. La silla imita sutilmente los movimientos o el carácter del cuerpo y puede tomar tanto una postura solemne como una divertida.

2

Bonjour Bajour - 2012 - Autoproducción

Una lámpara que nos recuerda la tibia sensación de una taza de desayuno.

Como el té o el café, la taza Bonjour Bajour ayuda a despertar suave y calmadamente.

Antonio Aricò nació en 1983. Se graduó en el Politecnico di Milano y la Alta Scuola Politecnica.

Su obra ha sido expuesta en toda Europa: en DMY en Alemania, el Salone del Mobile de Milán, en la exposición Wabi Sabi en Turín, en el Design Centrum

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DISEÑO DE PRODUCTO

Kielce en Polonia y en Maison & Objets en Francia. Antonio Aricò continúa trabajando para clientes como Barilla, desarrollando diseños para productos de cerámica, madera y tela, y trabajando en proyectos de investigación y desarrollo, además de trabajar con empresas de diseño como Seletti.

Aricò Antonio

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Arslan Dodo

1

OTTO - 2009 - Autoproducción

Un asiento flexible y envolvente como una cinta, fabricado en fibra de vidrio y espuma de poliuretano con un soporte de acero inoxidable.

Dodo Arslan nació 1970 en Milán, donde vive y trabaja. Fue seleccionado por Taschen para ser parte de Design Now! Eco-design to design-art: 90 de los principales diseñadores y empresas manufactureras orientadas al diseño del mundo, y para ediciones limitadas de arte y diseño. Ganador del premio Young & Design y el Arts Directors Club Mini Design Award.

Antes de inaugurar su estudio, Arslan trabajó en Studio & Partners para Deutsche Post, British American Tobacco y Zumtobel Staff, por lo que ganó el premio Design Plus; y en Continuum para empresas como Motorola, Hewlett Packard, Elan y Samsung, por lo que ganó el

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DISEÑO DE PRODUCTO

Good Design Award y el KIDA Grand Prize. Trabaja con empresas de mobiliario e iluminación como Alias, Arketipo, Axo Light, Guzzini y spHaus. En Milán, el Triennale Design Museum le ofreció una muestra individual, donde ilustró su método de diseño a través de sus creaciones más trascendentes. Sus productos se han exhibido en distintos eventos, como Italian Design on Tour, una muestra realizada en Nueva York; Las Vegas, Shanghái, Bombay, Berlín y Londres. Realiza cursos y talleres en Departamentos de Diseño de Italia, Argentina, Brasil, Chile, Croacia, Egipto, Reino Unido, España y Suecia.

Arslan Dodo

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Asili Stefano 1

Collezione Cocco - 2010 Museo Etnografico Regionale della Sardegna Identidad visual.

2

METROCAGLIARI - 2008 Cagliari Marca y aplicación en el tren ligero de Cagliari.

3

Trame e Tessuti - 2011 - AIAP Design Per, Cagliari

Identidad visual para la Semana Internacional del Diseño Gráfico.

Stefano Asili nació en Cagliari, en 1963. Se graduó de física en 1987 y actualmente estudia para obtener un doctorado en arquitectura. Miembro de AIAP y BEDA, además es socio de la agencia de comunicaciones Asili&Boassa. Asistió a la escuela de Armando Milani y Massimo Vignelli, en

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DISEÑO gráfico

Francia, y creó la imagen corporativa de importantes instituciones públicas y privadas. Dictó clases de comunicación visual en el Istituto Europeo di Design y, en la actualidad, dicta clases de diseño gráfico en la Escuela de Arquitectura de la Universidad de Cagliari.

Asili Stefano

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Azzimonti Enrico 1

BUD FOOD - 2013 - Autoproducción (prototipo)

Empaque para comida callejera, para Expo Milano 2015: Feeding the Planet, Energy for Life (Alimentar al planeta, energía para la vida).

Enrico Azzimonti nació en 1966 y estudió en el Politecnico di Milano, donde se graduó de Arquitectura en 1993. Luego de recibir un Máster en Diseño y Gestión, creó su estudio de diseño, que también está involucrado en el diseño arquitectónico e industrial. Sus obras de arte se han expuesto en concursos y exposiciones internacionales, y han sido reseñadas en Italia y el mundo.

Además, han sido seleccionadas en tres ediciones del International Design Yearbook y para el Adi Design Index del año 2007. Algunas de sus obras se exhiben actualmente en la colección permanente del Museu de les Arts

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DISEÑO DE PRODUCTO

Decoratives en Barcelona. Ha realizado talleres en universidades italianas, como IUAV de Venecia, IUAV de San Marino, La Sapienza de Roma y el Istituto Marangoni de Milán. Desde 2006, Azzimonti ha impartido clases en el Istituto Europeo di Design de Milán, donde, junto con sus alumnos, ha trabajado poniendo a prueba diseños para Green Cross y empresas como Campingaz, Coleman, Tecnoargilla y TVS. Entre sus clientes se encuentran TVS, Lavazza, Fratelli Guzzini, Pavoni Italia, Coop, JVC, Diamantini&Domeniconi, Bilumen, Risoli, Bosa y BLM.

Azzimonti Enrico

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Azzimonti Enrico

2

3

SINUS - 2002 - Autoproducción

TABLA DE LAVAR - 2004 - COOP

con Jordi Pigem Una interpretación moderna de la tabla de lavar convencional.

Fabricada en plástico, con un compartimento para el jabón y de tamaño compacto, se transporta fácilmente y se adapta a cualquier tipo de lavabo.

Una jaula que es innovadora tanto en su diseño como en sus materiales: simplemente es una burbuja de vidrio con perforaciones.

4

LE BATEAU II - 2006 - Autoproducción

5

18.10 - 2005 - Mario Fernando

con Jordi Pigem

con Jordi Pigem

Reinvención de un objeto comestible para transformarlo en una forma juguetona: la golosina con forma de botecito, que luego se hunde y, como resultado, endulza la bebida.

Rediseño de una botella tradicional a través del uso de nuevas tecnologías.

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DISEÑO DE PRODUCTO | Food Design

Azzimonti Enrico

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Baldereschi Alessandra

1

Sillón FildeFer - 2011 - Alessandra Blabereschi Design Studio

La barra de hierro se utiliza como lápiz grafito y las líneas curvas crean un efecto de tapizado capitoné.

Después de estudiar en la Escuela de Arte, Alessandra Baldereschi recibió un Máster en Diseño Industrial de la Domus Academy. En 2001, se le otorgó una residencia en Japón, donde trabajó con empresas del distrito Gifu en diseños de vajilla de cerámica. Al volver a Italia, comenzó a trabajar con empresas como Swatch Bijoux, Fabbian Illuminazione, Moss NYC, Dilmos, De Vecchi, Chimento, Coin Casa Design, Skitsch, entre otras, en ámbitos variados como joyería de moda, iluminación y mobiliario. Baldereschi participó en el SaloneSatellite de Milán en 2002, 2003 y 2004.

Sus series experimentales Bosco, de asientos y alfombras fabricados de

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DISEÑO DE PRODUCTO

musgos y hojas naturales son actualmente parte de la colección Dilmos Edizioni. Ha realizado exposiciones en la Bienal Saint Étienne, Inside Amsterdam, el Seul Design Festival y la Moss gallery de Nueva York. En 2007, su sillón Soufflé fue elegido por Milano Made in Design en Pekín y Shanghái, y, en 2009, Li Edelkoort la eligió para Le Piantine para la exposición GLASS en DesignHuis, en Eindhoven. En 2010, AD Spagna la mencionó como uno de los diez mejores diseñadores de la nueva generación.

El estudio de diseño de Alessandra trabaja actualmente para una serie de marcas en el sector.

Baldereschi Alessandra

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Baldereschi Alessandra

2 BAD GIRL - 2009 - Skitsch

Cada bolso es una vida, cada bolso contiene objetos que trazan su personalidad. En el caso de este bolso de tela multipropósito, se imaginó que revelaría oscuros secretos. A través de su superficie bordada a mano, es el vestuario ideal de una chica mala.

4

Florigraphie - 2012 - Seletti

Alessandra Baldereschi se inspiró en el milenario lenguaje de las flores, en que cada flor tenía un significado especial, y seleccionó diferentes flores que contienen un mensaje específico para un regalo personalizado.

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DISEÑO DE PRODUCTO

Baldereschi Alessandra

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Basei Gabriele

1

EPOCA - 2013 - Autoproducción

Una colección poco convencional que reinterpreta el auténtico esquí de antaño de los Juegos Olímpicos de Invierno de 1920 a 1950. Fabricado a mano en las más famosas regiones para esquiar en los Alpes, Epoca aumenta el valor de los materiales típicos, como la madera, y destaca las habilidades artesanales locales.

Gabriele Basei nació en la provincia de Belluno, el 17 de febrero de 1989.

Su contacto cercano con la naturaleza, las montañas y las manualidades, combinados con su gran interés en la tecnología, influenciaron su trasfondo cultural y lo animaron a asistir al Politecnico di Milano, donde estudió

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DISEÑO DE PRODUCTO

diseño industrial de productos. El encuentro de Basei con la producción independiente lo llevó a Epoca Ski, lo que resume todo su interés en los deportes invernales, la madera y los artefactos de época, redescubiertos y reinterpretados de manera moderna y tecnológica.

Basei Gabriele

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BenedettiEdizioni

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Urbania - 2010 - BenedettiEdizioni con Gaspare Buzzatti El concepto de esta joya se basa en la idea de recuperar el legado geográfico personal, como reacción a la radical desorientación de nuestra era. El plano de la ciudad vieja, que que es el centro de las ciudades italianas, fascina por la belleza de su arquitectura. Tan compleja como esencial, alimenta un espíritu de pertenencia.

BenedettiEdizioni, una marca Benedetti, se estableció con la idea de ingresar al mundo del ornamento personal. No solo fue un socio de diseño clave para la creación de objetos, sino además una parte de un movimiento más preciso: la joyería moderna. La vasta experiencia adquirida por Benedetti

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DISEÑO de Joyas

como proveedor de servicios de metalistería (en especial el mecanizado fotoquímico) y más, ayudó a producir una combinación perfecta de creatividad en los diseñadores y un deseo de explorar ideas y soluciones innovadoras y el mundo del procesamiento de pedidos con plazos ajustados.

Benedettiedizioni

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Berloffa Thomas

1

Muse - 2012

Dirección de arte.

Diseñador por oficio, Thomas Berloffa es un diseñador gráfico especializado en diseño web, diseño de stands y exposiciones, diseño artístico y de productos.

Desde el 2001, ha recibido numerosos premios en el campo del diseño gráfico y de páginas web. Ha sido seleccionado tres veces para el ADI Design Index y recibió una mención honrosa en la Vigésima versión del premio ADI Compasso d’Oro. Berloffa es un profesional versátil, ha sido responsable del diseño de eventos institucionales realizados en más de 20 países, entre otros, La Triennale di Milano, PROMOS (Cámara de Comercio de Milán) y la ADI (Asociación de

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DISEÑO gráfico

Diseño Industrial). Se desempeña además como director artístico Biennial of Young Artists from Europe and the Mediterranean y la Galleria d’Arte Moderna di Torino, GAM y trabaja para varios editores musicales y la industria cinematográfica.

En 2010 comenzó a trabajar como académico invitado e instructor en el Istituto Europeo di Design, en el programa de Máster de Diseño Internacional.

Desde 2012 trabaja con la artista Marina Abramovic, seleccionando el diseño gráfico y marcas de su nuevo proyecto, el Marina Abramovic Institute, en la ciudad de Nueva York.

Berloffa Thomas

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Biamonti Alessandro

1

3KG - 2006 Attese Biennale di Ceramica nell’Arte Contemporanea Pesas que se pueden llenar con agua o arena. Fueron creadas como piezas únicas, una de cada color, para la Biennale di Ceramica nell’Arte Contemporanea de Albisola, y luego se incluyeron como una serie limitada en el catálogo de las ediciones de la Biennale.

Alessandro Biamonti nació en San Remo (Imperia) en 1970; se especializó en Diseño Industrial y Comunicación Multimedia. Luego de graduarse, cofundó un estudio de diseño en Valencia, España, para luego volver a Milán, donde actualmente es asesor de empresas e instituciones, además de desempeñarse como diseñador. Se encuentra especialmente interesado en los aspectos teóricos y experimentales

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DISEÑO DE PRODUCTO

del diseño de interiores. En la actualidad es investigador y académico en el Politecnico di Milano, donde coordina el equipo del Lab.I.R.Int (laboratorio de innovación e investigación de interiores). Biamonti es autor de ensayos y artículos, y su investigación se ha presentado en varias conferencias en países como Finlandia, Noruega, España, Francia, Portugal y Corea.

Biamonti Alessandro

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Biscaro Giorgio

1

OFFSET STOOL - 2010 - Autoproducción (prototipo)

Taburete de varias capas de madera de haya curvada. La técnica de producción permite lograr un ahorro importante en términos de procesamiento, ya que reduce el desperdicio y optimiza el ensamblaje.

El taburete desarmado ocupa un espacio muy pequeño.

2

WITCHCRAFT - 2010 - Autoproducción (prototipo)

Silla con una estructura en metal tubular soldado, pintada con colores pastel, con asiento y respaldo de sorgo. Aprovecha la técnica de manufactura tradicional empleada en la fabricación de escobas. La flexibilidad de las fibras permite que el respaldo se doble, lo que la hace naturalmente anatómica.

Giorgio Biscaro nació en Vercelli. Posteriormente se trasladó a Treviso, donde se graduó en la IUAV en 2002.

Inmediatamente después, comenzó a trabajar con Foscarini y posteriormente con Nuovostudio, Neinver y Disenia. En 2007 fundó su propio estudio y trabajó para Foscarini como diseñador adjunto. En 2009 y 2010 se hizo conocido ante la prensa y el público en el SaloneSatellite.

En 2011 representó al diseño italiano durante la celebración del aniversario número 150 de la Unificación de Italia, en Turín, y Giulio Iacchetti se refirió a él en Interni como el diseñador con mayores posibilidades de volverse su

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DISEÑO DE PRODUCTO

heredero artístico. En 2012, junto con Studio Zaven y Matteo Zorzenoni, fundó Something Good, una editorial de diseño, y dejó Foscarini para ser director de arte en FontanaArte. En 2013 presentó, junto a la empresa con sede en Corsico, una colección totalmente renovada, lo que produjo un vigoroso e histórico cambio de rumbo en una de las empresas de diseño más duraderas de Italia.

Entre sus clientes se encuentran Slide, Miniforms, Crate&Barrels, Bosa Ceramiche, Maison203 y CB2. Biscaro ha dictado clases y talleres en el Politecnico di Milano y la IUAV.

Biscaro Giorgio

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Biscaro Giorgio

3

Bundled - 2012 - Autoproducción

Fabricado a partir de un conglomerado especial de algodón, que normalmente es rígido y firme, y suele emplearse para aislar electrodomésticos o para llenar espacios en elementos de plomería. Al humedecer la fibra, esta se vuelve fácil de doblar, con un comportamiento similar al del cuero, fácil de moldear, doblar, perforar o modificar de otra manera. Sin embargo, una vez seca, se encoge un poco y recobra su firmeza original o incluso la supera.

4

YaLog - 2012 - Autoproducción

La madera, utilizada en hornos para fabricar moldes, aparece a través del artículo, transfiriendo su aspereza a la superficie de vidrio.

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DISEÑO DE PRODUCTO

Biscaro Giorgio

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Bonaguro Giorgio 1

Roots Vases - 2013 - Novavitrex

Estos objetos ambivalentes combinan las líneas simples con una forma icónica.

Un cilindro de vidrio transparente exterior se une a un elemento interno de vidrio de color, que representa las raíces de una flor.

Giorgio Bonaguro nació en Italia en 1977. Después de estudiar ingeniería mecánica en Módena, asistió a la Scuola Politecnica di Design de Milán, donde realizó un Máster en Diseño Industrial y Diseño de Interiores. Tras ser parte de algunas oficinas de diseño en Milán, actualmente trabaja con el diseñador italiano Francesco Faccin. También ha trabajado en el departamento de prototipos del estudio Michele De Lucchi y con el diseñador y crítico Marco Romanelli.

Bonaguro también se encuentra creando sus propios proyectos personales en los campos del diseño de productos, el diseño de interiores, el diseño de envases y la iluminación.

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DISEÑO DE PRODUCTO

Bonaguro Giorgio

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Bonapace Denise

1

SCIARPA GUANTO - 2006 - Punto5 - Collezione àmano con Giovanni Maria Conti, Stefano Burani, Francesca Botta, Pierluigi Anselmi Formado por un rectángulo y dos guantes de lana tejidos. El artículo se adapta al cuerpo, definiendo su forma y transformándose a sí mismo.

Las diversas posibilidades de empleo incentivan a un uso dinámico del accesorio.

Denise Bonapace se graduó en el Politecnico di Milano. Como diseñadora, explora la relación entre el cuerpo y la vestimenta. En su perspectiva, la moda es el lenguaje del diseño aplicado al cuerpo y a la persona. Su enfoque se basa en las prendas vistas como objetos, y los objetos vistos como prendas: el cuerpo se vuelve un soporte para comunicar la ropa, la cual es una prótesis

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relacional que se vuelve una prótesis del cuerpo. Bonapace ha sido asesora de algunas empresas de diseño italianas, además de trabajar en sus propios proyectos experimentales. Desde 2006, dicta clases sobre diseño de tejidos en el Politecnico y en NABA de Milán.

DISEÑO DE PRODUCTO | DISEÑO DE VESTUARIO

Bonapace Denise

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3

Dialogues 05 - 2013 - Maglificio Letterio, Guida

El lenguaje del cuerpo se vuelve el lenguaje del atuendo.

Seis artículos tejidos para una colección que habla de intercambio: uno prohíbe, otro grita, uno lleva a la acción, otro acompaña de la mano, otro abraza fuerte y otro besa.

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DISEÑO DE PRODUCTO | DISEÑO DE VESTUARIO

Bonapace Denise

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Bottura Massimo

1

CHEESECAKE DI RICOTTA

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PANE, SARDE E MEDITERRANEITà

2

Massimo Bottura nació en Módena en 1963 y ciertamente es uno de los nuevos embajadores de "Made in Italy" en el mundo. Comenzó a satisfacer su pasión por la cocina en 1986, cuando compró una vieja trattoria. Es chef y propietario de la Osteria Francescana en Módena, y discípulo de Alain Ducasse. Bottura dejó el pasado totalmente de lado sin traicionar su cultura italiana. Cada receta es fruto de una idea, un juego de palabras que resume su respeto por la comida italiana tradicional, sazonada con un giro atrevido. Siempre ha buscado los mejores productores y artesanos para su comida e ideas, al tiempo que promociona sus productos,

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Food Design

MILLEFOGLIE DI PARMIGIANO E ACQUA DI FRAGOLE

aplicando técnicas de vanguardia para crear entusiasmo. Su restaurante posee dos estrellas Michelin y está en el sexto lugar de la lista de los 50 mejores restaurantes del mundo, patrocinada por S. Pellegrino; un resultado que no sido igualado por ningún otro chef italiano. Es miembro del consejo del Basque Culinary Center, la escuela de gastronomía internacional fundada por Ferran Adrià. Massimo disfruta hablar sobre su cocina, como en el video We Are The Revolution (Somos la revolución), una reflexión sobre el proceso creativo, una narrativa poética que incluye jazz, influencias artísticas y el territorio local.

Bottura Massimo

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el nuevo diseño italiano

Food Design

4

MAGNUM DI FOIE GRAS

5

LA PARTE CROCCANTE DI UNA LASAGNA

6

UOVO AL PROSCIUTTO

Bottura Massimo

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Busana Alessandro

1

B-SIDE - 2005 - Autoproducción

¿Tenedores o palillos? B-SIDE permite comer, por un lado, de acuerdo con la tradición occidental, y por el otro, de acuerdo con la cultura oriental. El uso expresa su cultura de origen o muestra la voluntad de abrirse a sí mismo a nuevos estilos de vida.

2

SPAZIO TEMPO - 2010 - Autoproducción

Su nombre insinúa su significado: es un instrumento especial para medir tiempo y espacio…

Alessandro Busana se graduó de Diseño Industrial en la Scuola Italiana Design, y luego se especializó participando en talleres Rollerblade, Fila, Whirlpool, Alfa Romeo, Chicco, Roncato y Alessi. Desde 2004 ha trabajado en un enfoque creativo del diseño de productos, al participar en exposiciones de vanguardia en Italia y el extranjero (incluyendo, en Nazionale Italiana Design, Openhouse, Wonderful Water World, Made For China, DISCOVERING

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Food Design

Temporary Museum for New Design, STUF…just things? La Triennale di Milano).

Ha publicado en las principales revistas de comercio. En 2009, fundó hOle Designstudio, un centro de desarrollo e investigación de conceptos. que crea productos para algunas de las empresas más prestigiosas de Italia y el mundo, como Normann Copenhagen, Pedrali, Roche Bobois, Plust collection, Smooth Plane y Stuf, entre otras.

Busana Alessandro

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Bussetti Pier

1

SPOON SHOCK, NOTORIUS’ SPARK - 2002-2003

2

OSTRICA AL CIOCCOLATO E OLIO EXTRAVERGINE D’OLIVA

Locanda Mongreno, Torino Spoon Shock se creó, por primera vez, entre 2002 y 2003.

Es un tipo de "miniaperitivo" relleno con partes líquidas y crujientes, elementos comestibles y partes de licor. Notorius’ Spark es el nombre que se le da a estas cápsulas de colágeno comestibles, que se pueden comer después de Spoon Shock y de forma separada.

3

SGRUNCHIES

Los sabores ahumados -amargos- y yodados.

4

RISOTTO CON ASPARAGI E FONDUTA Menú Hard

Los Sgrunchies son tentempiés crujientes que se sirven al comienzo de una comida. Su nombre onomatopéyico proviene del sonido que produce su crujido.

Pier Bussetti nació en Chivasso (TO) en 1968 y estudió en el Istituto Alberghiero “G. Colombatto” de Turín, donde se desencadenó su entusiasmo por la administración futura de su propio restaurante, una pasión que se ha reflejado en su experiencias de capacitación en Italia, Francia, EE. UU., Japón y España.

En 2007 inauguró, junto a su socia histórica Rosanna Basso, el restaurante Locanda Mongreno en Turín, que pronto alcanzó reconocimiento como uno de

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Food Design

El Menú HARD representa la interpretación del chef de la cocina Piedmont tradicional: el menú está formado por 8 miniporciones dobles y cada plato está formado por una porción de una comida tradicional y una porción pequeña del mismo plato reinterpretado, servido en la misma vajilla.

los mejores, no solo de la ciudad, sino de toda la región. En 2009, el restaurante se trasladó al Castello di Govone, que solía ser una residencia real de la familia Savoy, y en el proceso el castillo pasó a llamarse Ristorante Pier Bussetti. Además de sus actividades, asesor de alimentos y restaurantes, dicta clases en el Istituto Professionale Alberghiero di Stato y en el Istituto d’Arte Applicata e Design (IAAD) en Turín, donde lleva a cabo el curso Alimentos y Diseño.

bussetti pier

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Caccavale Elio

2

NEUROSCOPE - 2010

El objetivo del proyecto es lograr una nueva relación entre el laboratorio y el espacio hogareño, al incorporar los procesos científicos complejos en la vida diaria. En su interior tiene una pequeña pantalla conectada con las células del laboratorio.

1

MYBIO DOLLS - 2005

MyBio Xenotransplant Boy y MyBio Xenotransplant Pig ejemplifican la "transferencia" de un órgano del animal al hombre. Los muñecos MyBio son un conjunto de juguetes inspirados en los híbridos biológicos producidos mediante biotecnologías y exploran las respuestas éticas, sociales, culturales y personales a lo que es "extraño" y "diferente".

3

COMEHUMO (Mascotas utilitarias) - 2005

Un dispositivo de filtrado que permita al usuario fumar frente a una mascota, sin dañarla debido a las consecuencias del tabaquismo pasivo.

Elio Caccavale nació en Nápoles en 1973. Estudió Diseño de Productos en la Glasgow School of Art y obtuvo su Máster en el Royal College of Art de Londres. Es director del curso MSc Product Design y académico del Máster de Interacciones de Diseño en la misma institución. Ha trabajado como investigador en el Policy, Ethics and Life Sciences Research Centre en la Universidad de Newcastle, en la Escuela de Ingeniería de Sistemas de la Universidad de Reading y en el Instituto de Ingeniería Biomédica del Imperial College de Londres. Desarrolla su propia investigación de diseño, además

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Investigación en Diseño

de explorar la ciencia, la bioética y las tecnologías avanzadas con el fin de estudiar sus efectos en el futuro. Sus obras se han exhibido en numerosos museos, entre otros, el MoMA de Nueva York (como parte de la Colección Permanente), el Science Museum de Londres, el National Taiwan Museum of Fine Arts y The Israel Museum. Fundó el Elio Caccavale Design Studio, que se enfoca en el diseño de productos y la interacción entre una amplia variedad de campos. Entre sus clientes se encuentran Mattel, LG Electronics, Dmagic Mobile China y PBJ Japón.

Caccavale Elio

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Caccaviello Brunella

1

LACE COLLECTION 2005 - Flos ad Florem Una nueva mirada a dos diseños clásicos del encaje de bolillos para crear un broche: una hermosa y delicada flor, iluminada con decoraciones de cristal Swarowski, similares a gotas de rocío, que parece haber capturado el momento exacto en que se abre.

2

NET COLLECTION 2006 - Flos ad Florem La ligereza y la transparencia de la geometría de la red, junto con el refinamiento y la resistencia del hilo en el algodón semiencerado, crean un tubo tejido que se modela y adapta a si mismo de acuerdo a las formas metálicas que incorpora.

Nacido en Nápoles en 1968, Brunella Caccaviello es el Administrador y Director Creativo de Flos ad Florem, una marca de joyería de lujo, fundada en 2005, que utiliza exclusivamente las habilidades manuales de artesanos.

Las referencias de la marca son la bijoux de couture francesa, los ornamentos personales hechos a mano, no su valor, si no la destreza utilizada en ellos.

Las joyas de la empresa se venden en todo el mundo, en tiendas departamentales y de alta costura como Yoox.com, Colette en Paris, Takashimaya y Noble en Tokio, EC One, Feathers, Kabiri and Selfridges & Co.

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DISEÑO DE JOYAS

en Londres, Harvey Nichols en Hong Kong, Belinda y Dilettante en Australia, y Donatella Pellini en Milán. Brunella ha diseñado colecciones de accesorios para los atelieres de Emilio Pucci, Alberta Ferretti, Fontana di Trebbia, Mario Valentino, Mos Milano, Ernesto Esposito y Lerre. Ofrece asesoría artística a empresas y revistas, como Vogue Gioiello y Vogue Pelle, y ha sido asesora de moda de Pitti Immagine para la exposición Uniforme. Ordine e Disordine y el libro Total Living. Es directora de actividades de proyecto en los cursos de maestros de diseño de vestuario y diseño de accesorios en la Domus Academy.

CACCAVIELLO BRUNELLA

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Cammarata Fabio

1

Andante con moto - 2005 - Autoproducción

Lámina de hierro enchapada en oro, marco de alambre soldado de 18 quilates.

2

Rosamaro - 2006 - Autoproducción

Collar, oro de 18 quilates, plata, lámina de oro de 24 quilates, con incrustaciones de raíces de zarza coloreadas, poliéster.

Fabio Cammarata nació en Caltanissetta en 1963 y se graduó de arquitectura en Palermo. Luego se trasladó a Milán, donde decidió centrarse en la joyería luego de trabajar con varias prestigiosas marcas italiana de moda, como Gianfranco Ferré y Diego Della Valle. Tiene un taller en el campo, en la Brianza, donde crea artículos exclusivos, diseñados especialmente para sus clientes, además de crear joyas y accesorios para importantes estilistas, como parte de su trabajo de asesoría en diseño. Desde 1995 dicta clases

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DISEÑO de joyAS

de diseño de joyería en la Domus Academy de Milán y desde 2010 está bajo contrato en la Creative Academy de Milán. Se han dedicado varias monografías a su creatividad, entre ellas un volumen de Silvana Editoriale; y su trabajo se puede encontrar en los principales museos internacionales, como el Museo Kunstgewerbe de Berlín y el Museo di Arti Decorative Pietro Accorsi en Turín. En 2007, la ciudad de Padua dedicó una exposición individual a su comprometida investigación del diseño de joyería.

Cammarata Fabio

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Cedroni Moreno

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LABEL - 2006

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A PORTION OF VENTRESCA IN A CAN - 2003 - Moreno Cedroni

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SCATOLA PER USO SETTIMANALE - 2005

La ventresca es la mejor parte del atún, tanto porque constituye solo un 8% de su peso total y porque es la parte con mayor contenido graso y con más sabor. Se utilizan atunes de aleta amarilla, con un peso que varía de los 80 a los 100 kg, por lo tanto el peso de la ventresca es de aproximadamente 3 kg.

Se hornean a baja temperatura, hasta que el centro del producto alcanza los 60°.

Moreno Cedroni nació en Ancona en 1964. Solo tenía 20 años cuando abrió su restaurante La Madonnina del Pescatore y recibió su primera estrella Michelin en 1996, seguida de un sol Veronelli en 1999 y, en 2000, Tres Tenedores de Gambero Rosso. El mismo año inauguró su bar Clandestino Susci Bar en Baia di Portonovo, Ancona; y en 2001, publicó su primer libro, Sushi & Susci. En 2003, su talento creativo fue responsable de la primera charcutería de pescado, llamada Anikò, que se ubica en Senigallia, y Officina, un taller experimental certificado por la CE destinado a la producción de charcutería y conservas de pescado, además de jaleas,

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Food Design

mermeladas y salsas. En 2005, fue patrocinador de celebridades de Barilla para Francia, Suecia y Grecia. En 2006 presentó su nuevo libro "Multipli di Venti", que narra sus dos décadas de historia profesional. El mismo año recibió su segunda estrella Michelin y, en 2008, ganó el Premio Swedish Kungsfenan Seafood, por su profesionalismo y técnica en el manejo de este material crudo, su creatividad y su capacidad al infundir su cocina con tradición e innovación. En 2010 se asoció con Moschino e inauguró una versión metropolitana de Clandestino Susci Bar en las instalaciones de la Maison de Milán.

Cedroni Moreno

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Celestino Cristina

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Atomizer - 2012 - Studio Attico

Estas formas, inesperadas en la mesa, describen a grandes rasgos una nueva expresividad gestual en torno a la comida. Verter condimentos se vuelve un ritual delicado, íntimo y cuidadosamente llevado a cabo.

Cristina Celestino nació en Pordenone en 1980. En 2005 se graduó con las calificaciones más altas de Arquitectura en la IUAV de Venecia.

Trabajó con varias oficinas de arquitectura, como la del arquitecto Carmassi en Florencia, antes de centrar su atención en la arquitectura y el diseño de interiores, colaborando con Sawaya y Moroni, entre otros.

Se trasladó a Milán en 2009 y el siguiente comenzó a producir su propio mobiliario y lámparas bajo el nombre Attico, en los cuales combina los volúmenes puros con experimentación y materiales, en conjunto con recuerdos inolvidables y emociones.

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DISEÑO DE PRODUCTO

Estos artículos fueron creados por talentosos artesanos locales, e implementan procesos industriales de producción de pequeña escala, para lograr abundancia de detalles.

Como coleccionista de artículos de la historia del diseño italiano, basa su trabajo en la observación y la experimentación. Todos sus diseños revelan un enfoque en la geometría y la disciplina, juntos en un giro sutil de las formas tradicionales que, a través de leves cambios inventivos y variaciones en escala, modifican la importancia del objeto, dotándolo de un nuevo significado.

Celestino Cristina

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Chiappini Cristina 1

CALENDARIO- 2012 - CALENDARIO INA ASSITALIA Ilustraciones de Cristina Chiappini y Giulia Flamini Un calendario inspirado por las fábulas de Esopo.

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zoo polItica

- 2013

Ilustración de Cristina Chiappini y Giulia Flamini International Festival of Poster and Typography Design; Polonia.

Cristina Chiappini es diseñadora gráfica y de medios, además de directora de arte. Comenzó su carrera profesional en 1989. Su agencia trabaja en distintas áreas de la comunicación visual: diseño de eventos y exposiciones, identidad corporativa y de marcas, diseño editorial y de información, diseño web y de interacción, campañas sociales, identidad de canales de TV y animación gráfica para televisión. Sus proyectos revelan su interés y compromiso en el campo de la dignidad y la sexualidad femenina.

Fue designada por el Ministerio de Patrimonio Cultural para ser parte del Consiglio Italiano del Design, el consejo italiano del diseño, en 2007.

Fue vicepresidente (2006-2009) de AIAP, la Asociación Italiana para el

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DISEÑO gráfico

Desarrollo de la Comunicación Visual y ha sido curadora de eventos y exposiciones internacionales en el campo de la comunicación visual. Dicta clases como académica en diseño gráfico y de medios en la Università di Roma, Università degli Studi della Repubblica di San Marino, IUAV de Venecia, la IUAV de la Universidad de Venecia, la Accademia di Arte de Roma, el Taller de Maestros en Italia para la Escuela de Artes Visuales de Nueva York.

Sus proyectos se han presentado en exposiciones internacionales en Bilbao, Taiwán, Beijing, Moscú, Roma, Milán y Estambul, y se han publicado en importantes revistas internacionales, como Phaidon Area 2, Eye y étapes.

Chiappini Cristina

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Chiari Mariavera

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Giulio - 2012 - Autoproducción

Plato de cerámica con un riel para un tren de juguete.

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ESPRESSO - 2000 - Autoproducción

Tazas de café de cerámica esmaltada con superficie exterior blanca e interior en 25 colores, inspiradas por la forma de las tazas de café desechables. Cada taza de café tiene una cuchara de cerámica esmaltada del mismo color del interior. En la superficie externa de las tazas y en las cucharas, la única decoración es el sello "ESPRESSO" que señala la urgencia de un paquete de correos.

Mariavera Chiari nació en 1971, en Milán, donde estudió en el Politecnico.

Después de trabajar durante varios años con el arquitecto Cino Zucchi, inauguró su propia agencia en Milán, donde trabaja como arquitecto y diseñadora. En 2000, creó la marca mv% elaborando piezas excepcionales completamente a mano. Estos objetos están pensados para la mesa y el hogar, como tazas de café, mesitas y boles con lunares que se desarrollan desde la experimentación continua en diferentes tipos de arcilla y formas, además de

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DISEÑO DE PRODUCTO

la investigación de los usos tradicionales de la cerámica. Chiari ha exhibido su trabajo en el Salon Maison&Objet de París desde 2002, y en 2003 fue seleccionada para participar del concurso internacional Cup: The Intimate Object, en Indiana (EE. UU.). Exhibió en el SaloneSatellite 2004 y 2005, y en 2004 ganó el premio a la "Mejor interpretación del sabor contemporáneo" por su exposición en Villa Panza, en Biumo. La colección mv% está a la venta en muchas tiendas de Europa, EE. UU. y Japón.

chiari mariavera

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Cibic Matteo 1

Domsai - 2012 - Bosa-monotono

Cada cactus tiene su propio domo, hecho y soplado a la medida, que lo diferencia de los otros.

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Hi-fido - 2010 - Autoproducción

Un altavoz de audio que utiliza las propiedades acústicas de la cerámica para difundir sonido de alta calidad con un sistema de reflejo de bajos.

La conexión por cable hace posible reproducir música desde cualquier tipo de dispositivo.

Matteo Cibic es diseñador de productos y se dedica a la solución creativa de problemas. Le encanta inventar nuevos productos al trabajar con artesanos que se interesan en la experimentación con diferentes materiales y técnicas de producción. El proceso creativo de Matteo a menudo se inspira en elementos básicos, como ideas que vienen de formas antropomórficas, cualidades de materiales y de su conocimiento y estudio de los mecanismos de producción.

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DISEÑO DE PRODUCTO

Dichos elementos lo ayudan a buscar nuevas soluciones técnicas y métodos que pueden transformarse y utilizarse para crear nuevos objetos. Uno de los aspectos destacados de los productos de Matteo es que a menudo contienen funciones ocultas e inesperadas, lo que crea interacción con el usuario.

Es uno de los fundadores de la marca de vestuario 10A y es asesor y director creativo de empresas de diseño internacionales.

Cibic Matteo

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Ciboh

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SUICIDE DRESS - 2010 - Autoproducción

Leotardos de lycra, en un conjunto de kits para suicidio, destinados a personas desesperadas que dignifican su acción lanzándose a los animales.

Este colectivo fue fundado en Milán en 2003 por tres jóvenes mujeres: Silvia Barna, Natascia Fenoglio y Alessandra Pallotta (que solo tuvo una breve permanencia en el grupo), que deseaban investigar el potencial de las comidas y sus ingredientes. En 2006 inauguraron el espacio Ciboh, que cerró sus puertas en enero de 2009. El colectivo exhibió sus obras en varios eventos, como la Fondazione Sandretto Re Rebaudengo (2004) y la Breadbox Gallery en Perth, Australia; en 2005, en la exposición de Turín

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Food Design

La sindrome di Pantagruel; en 2008, en la 7th Shangai Biennale y, en 2009, en la Sofia Design Week en Bulgaria. Entre sus recientes actividades de enseñanza se encuentran Lividesign, un taller para el Salone del Mobile de NABA, y la Cappellini Temporary Store en Milán el 2007, mismo año en que también inauguraron los cursos de food design Profumo y Gusto de Ciboh, en el departamento de vestuario de NABA.

Ciboh

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Ciffo Alessandro 1

LUCEMOLLE CORALLO - 2005 - Autoproducción distribuido por Dilmos Candelabro completamente fabricado de silicona acética pura, estampado en frío y acabado con boquilla.

Disponible en varios colores.

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LUCEMOLLE tipico - 2006 - Autoproducción distribuido por Dilmos Candelabro completamente fabricado de silicona acética pura, estampado en frío y acabado con espátula.

Alessandro Ciffo nació en Biella en 1968, pero no tuvo un acercamiento al mundo del diseño y los materiales plásticos hasta 1997. Es sin duda un caso de autoaprendizaje y autoproducción. Alessandro incursionó en el mundo del diseño a través de su experiencia con la escuela de diseño Dilmos del Cracking Art Group, con sede central en Biella. Su desarrollo está respaldado por su investigación del potencial de la silicona, que expresa completamente sus emociones. Con la notable destreza técnica que ha adquirido de un

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DISEÑO DE PRODUCTO

diligente proceso de prueba y error, elabora artefactos que son difíciles de clasificar, ya que son una fusión de arte y diseño. Color vívido, blanco total, negro absoluto: la silicona se transforma en materia poética en un par con la cerámica, las palabras o el preciado mármol. En 1997 produjo su primera colección: XXI Silico. Ha participado en muestras individuales y grupales en Italia y el extranjero, entre otras, una exposición en el Museo Plart de Nápoles.

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CLS Architetti

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DESIGN SHOP Museo Bagatti Valsecchi 2013 - Milán

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concepto de tienda pinko 2013 - Milán

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galería de arte lia rumma 2009 - Milán

Giovanna Cornelio, Massimiliano Locatelli y Annamaria Scevola fundaron CLS Architetti en 1993. Davide Agrati se unió a ellos en 2005. Desde el comienzo han trabajado en diseño, en varios sectores diferentes: hogares privados, salones de exposición y tiendas, así como también en el diseño de nuevos edificios. En una escala menor, el estudio diseña mobiliario a medida, en el caso de proyectos individuales, y en mayor demanda para empresas. Su contribución con Tecno llevó a la colección de edición limitada de una serie de recipientes y mesas, al mismo tiempo que diseña accesorios para el hogar para la marca Skitsch. Entre los concursos que ha ganado se encuentra uno que fue lanzado por la Ciudad de Milán como proyecto para la restauración y nuevo desarrollo del complejo histórico el nuevo diseño italiano

DISEÑO de interiores

Piazza XXV Aprile de Milán. La oficina participó en la IX Biennale di Venezia, Metamorph, en la sección Noticias del Interior. En la 13a Mostra Internazionale di Architettura, en Venecia, se le solicitó a la agencia para presentar su proyecto de fábrica de calzado IRIS en el pabellón italiano, como uno de los 60 mejores proyectos italianos de arquitectura. Algunas de las actividades de diseño destinadas al sector de tiendas minoristas involucran la gestión de imagen corporativa, de las oficinas a los salones de exposición, y de las tiendas a las vitrinas.

Entre los nuevos proyectos arquitectónicos se encuentra la construcción de la galería de arte contemporáneo Lia Rumma de Milán, un edificio residencial en la misma ciudad y la fábrica de calzado IRIS. cls architetti

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Cogo Silvia 1

BORSA IN FELTRO, LÍNEA MOOZ - 2005 - Civico 31

Robado del mundo de los bombones, este bolso para caminar, hecho de fieltro, con costuras bordadas, parecidas a trazos de caligrafía, se encuentra disponible en originales combinaciones cromáticas.

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BORSA IN corda, LÍNEA MOOZ - 2005 - Civico 31

Bolso creado envolviendo una cuerda alrededor de un molde.

Cada vuelta, cada puntada es cosida a mano.

Silvia Cogo nació en Padua in 1976. Se graduó de Diseño Industrial en ISIA, Faenza, con una tesis en colaboración con Mandarina Duck.

Trabaja como diseñador de productos y director de arte en Civico31, Génova, una agencia de comunicación y diseño integrado, Pianegonda Gioielli, Argenterie Greggio, Alberta Salotti Pacific Forniture y Artesia International Slate Company.

Desde 2008 ha dictado clases sobre la metodología del diseño en SIA, Faenza, y desde 2011, ha realizado talleres temáticos en escuelas y academias de diseño en Finlandia, España y Bulgaria.

Durante los últimos tres años, ha vuelto a su investigación de nuevos

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materiales, creando una colección de accesorios, que incluye bolsos de mano, calzado, joyas y cerámica de producción independiente bajo la marca Gritty.

Desde 2001, ha tenido gran reconocimiento luego de su participación en varios concursos nacionales e internacionales. Entre estas se encuentra el Koizumi International Lighting Design Competition, Concorso Macef, Concorso Cefla, Concorso Guzzini, Ilpo SpA Poliuretani, Inda SpA Arredobagno, y Red Bull y fue finalista en el concurso Young & Design en el Salone del Mobile de Milán 2006 con su proyecto Noha, una unidad tapizada realizada en conjunto con Alberta Salotti Pacific Forniture.

DISEÑO DE PRODUCTO | DISEÑO DE VESTUARIO

cogo silvia

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Contin Carlo

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MEDITERRANEO - 2002 - Autoproducción

Es un acuario de "dos habitaciones" para carpines, que representa un desarrollo de la pecera de vidrio tradicional.

Carlo Contin nació en Limbiate (Monza e Brianza) en 1967. En 1998 inauguró su agencia de arquitectura y diseño de interiores, luego de pasar varios años como empresario del sector de la fabricación de mobiliario. Desde 1999, cuando debutó como diseñador con una exposición de sus primeras obras en el SaloneSatellite, ha trabajado con algunas de las principales empresas

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DISEÑO DE PRODUCTO

italianas de diseño, además de participar en muchas exposiciones en Italia y alrededor del mundo. En 2010, en el Triennale Design Museum presentó Intervenciones en la Esfera Doméstica, una exposición individual. Carlo Contin trabaja con Adentro, Coop, Cappellini, iGuzzini, Fambuena, Le Fablier, Legnoart, Meritalia, MoMA de Nueva York, Mogg y Sphaus.

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SNAKE - 2006 - Meritalia

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Mesa de café metálica, equipada con varias cubiertas y una estructura articulada que permite que adopte distintas formas y se adapte a los espacios y usos más variados.

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DISEÑO DE PRODUCTO

SPUGNA DA CUCINA - 2005 - COOP

Esponja abrasiva con ranura multipropósito que permite engancharla del cuello de la llave, lo que facilita la limpieza de los cubiertos.

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Corna Luisa Lorenza

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Cloth Bags - 2004 - Autoproducción

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SERVIZIO PER OSPITI SGRADITI (omaggio a Bruno Munari) - 2006 Autoproducción

Una colección de bolsas hechas con mopas. La etiqueta revela el uso ineludible del material. Sin embargo, romper la bolsa debe considerarse positivo: el final de un objeto se vuelve el comienzo de una nueva fase al transformar su uso.

Luisa Lorenza Corna estudió en el Politecnico di Milano, luego el curso de Diseño en Central Saint Martin’s School of Art and Design e Historia del Arte en Goldsmiths College, ambos en Londres. Se quedó en la ciudad para trabajar por algunos años antes de trasladarse a Milán, donde trabajó para Phaidon Press y los estudios Why Not Associates y GrafCo3. Su trabajo se ha incluido en varias

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DISEÑO DE PRODUCTO

Servicio de té que oculta un insecto falso. Está impreso en el fondo de tazas y platos y solo aparece cuando se acerca el objeto para utilizarlo.

exposiciones y eventos, como la Biennal Internationale Design Saint-Étienne, en Francia, en 2003; el Degree Show de 2006 realizado en la Mall Gallery de Londres; la exposición OPOS Transformer en el Salone del Mobile de Milán en 2006, y en el festival Sydney Design del mismo año. Desde 2010 es investigadora en la Jan Van Eyck Akademie en Maastricht. Vive en Holanda e Italia.

corna luisa lorenza

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Cos Antonio

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POINTS DE VUE - 2013 - Cosllection distribuido por Autoproduzioni Italiane Este es un espejo existencialista. Multiplica nuestro rostro al reflejarnos a "nosotros mismos" en muchas pequeñas versiones de "mí mismo".

Nuestro “Yo” : el resumen de nuestra vida, para cada uno de nosotros.

Vidrio plateado compuesto de 50 microlentes grabados.

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Scarpetta - 2009 - Editrice Compositori

A partir de la definición en italiano y su traducción (Scarpetta: zapato liviano, // (fig. fam.) fare la -, limpiar el plato con un trozo de pan), el diseñador corta con el cuchillo algunas formas de zapatos en pan blanco rebanado, con un mínimo desperdicio de pan.

Antonio Cos nació en Estrasburgo, Francia, en 1975. Estudió Diseño Industrial en la Escuela Raymond Loewy, en Francia y continuó en la ISIA de Florencia.

Después de trabajar con la empresa Santachiara y el departamento de estilo de Fiorucci, exhibió su trabajo en el SaloneSatellite de Milán en 2002, el año en que comenzó como profesional independiente. Desde 2003 ofrece servicios de asesoría a varias empresas. Es profesor visitante en el ESAD en Reims, en la École Supérieure de Design Rhône-Alpes de la Martinière-

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Diderot de Lyon, en el centro de diseño Raymond Loewy de La Souterraine, de NABA, en Milán, en el Istituto Marangoni de Milán y en el IED de Turín.

Ha creado diseños para empresas italianas y extranjeras como Bormioli Rocco, Bosa, Caterpillar, Coop Italia, Erreti, Giannini, Guzzini, Habitat, Invicta, Nestlé Waters y Nomacorc. En 2009 fundó Cosllection para producir artículos experimentales de manera independiente.

DISEÑO DE PRODUCTO | Food Design

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TRIPOD - 2002 - Prototipo

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Un paraguas, equipado con un soporte metálico, que se mantiene de pie por sí mismo.

Cuando está abierto, con su nariz de tridente que nos recuerda a símbolos tribales, parece ser agresivo, casi un arma. Cuando está cerrado, cabeza abajo y con los pies en el suelo, se vuelve útil y elegante.

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DISEÑO DE PRODUCTO | Food Design

BARCHETTA - 2002 - Cosllection

En el estudio del diseñador, la botella de Bordeaux se torna en variadas formas y funciones: de ser un objeto industrial se transforma en una escultura.

Entonces se crea un soporte para sushi con forma de botella, una reminiscencia de la tradición japonesa.

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Costanzo Simona

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ESSERINI - 2000 - Esserini

Se llaman Esserini (pequeñas criaturas, N.d.T.), ya que no son ni marionetas ni juguetes, sino pequeñas criaturas. Cada uno de ellos contiene un corazón de piedrecilla de río.

Actualmente, hay 19 tipos a la venta, cada uno de ellos caracterizado por su historia, escrita exactamente al mismo tiempo que se diseñaron, es decir, instintivamente, sin pensar en un argumento preciso, sino que dejando que la mano y las palabras fluyan sin el miedo de cometer un error. A través de sus historias, cada criatura ha adquirido características psicológicas que son similares a las nuestras. Es posible enamorarse a primera vista de los Esserini o decidir ser elegido por ellos, mediante una prueba disponible en el sitio web www.esserini.it. Los Esserini son elaborados a mano en Italia y se oponen a todo tipo de esclavitud, tanto física como mental. También están en contra del miedo: el miedo a ser uno mismo.

Simona Costanzo nació en Milán en 1969, donde se graduó de gráficas publicitarias en la Scuola del Castello Sforzesco, fundada por Bruno Munari. Trabajó para el CRT Centro de Investigación Teatral de Milán, durante la temporada de prosa 1994-1995, cuando se estudiaba una nueva imagen, y comenzó una sociedad con la Compagnia Giorgio Barberio Corsetti. De 1995 a 2000, trabajó tanto para el Teatro Stabile di Parma, donde creó la imagen para varias temporadas de espectáculos de prosa

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DISEÑO DE PRODUCTO

y música, y para Meeting Europeo dell’Attore del Teatro Festival Parma.

Diseñó todas las gráficas de la reseña literaria cuatrimestral de Palazzo Sanvitale. En 2000, inauguró su estudio de diseño gráfico Contatto, donde trabajó en el diseño de Esserini, cuyo nombre deriva del hecho de que no son muñecos o juguetes, sino que contienen un corazón de piedrecilla de río. Desde 2008 a 2009 trabajó con la agencia Qubic Communications de Parma, donde vive.

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Cracco Carlo

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QUADERNO DI MARE - 2005

Son láminas de pescados y mariscos cocinados (jibia, sepia, corales de vieira, camarones sicilianos, vieiras, pólipos, etc.) que se presentan en un libro de ejercicios, separadas por un acetato que evita que las distintas láminas se mezclen entre sí (o sus sabores). El libro puede guardarse en el refrigerador a 4° y tiene una duración de 8 a 10 días. El pescado se muele y esparce entre dos láminas de papel y se cocina a 70°. A través de un procesamiento como este, el gusto y el sabor se potencian y permite hacer una ensalada, pasta o canelones. También se puede freír.

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Marinara in foglie con verdure croccanti - 2005

Las láminas se cortan de forma irregular y se sirven con vegetales, aceitunas, tomate cristalizado y mariscos cocinados.

Carlo Cracco nació en Vicenza in 1965. Asistió al Istituto Professionale Alberghiero de Recoaro Terme y en 1986 trabajó en el restaurante Gualtiero Marchesi de Milán (el primer restaurante italiano en recibir tres estrellas Michelin). Luego se trasladó al restaurante La Meridiana, en Garlenda (que pertenece a la cadena Relais & Chateaux), al Louis XV, y posteriormente

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Food Design

al Hotel de Paris, donde trabajó con Alain Ducasse, y al Lucas Carlton con Alain Senderens.

A su regreso a Italia, Gualtiero Marchesi lo convocó a trabajar en la inauguración del restaurante L’Albereta, donde permaneció durante tres años. Inauguró su propio restaurante, Le Clivie en Piovesi d’Alba, Piemonte,

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NUVOLE D’ALBUME COLORATE CON SARDE - 2006

El blanco, coloreado con azafrán (amarillo), espinaca (verde), tinta de jibia (negro), blanco (natural), se cocina en una sartén y se "encierra" para que forme una nube.

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INSALATA RUSSA CARAMELLATA - 2004

Es una ensalada rusa clásica encerrada en un disco de caramelo salado. Se puede comer con los dedos, su base es la misma de la tabla de cortar que se usa en la cocina (pero es negra), tallada, realizada por Matteo Baronetto, la mano derecha de Cracco.

y en 2000 aceptó la invitación de la familia Stoppani -propietarios de Peck en Milán- para supervisar la apertura del restaurante Cracco – Peck (2001).

Este último ofrece recetas tradicionales milanesas preparadas con un estilo moderno.

Desde su inauguración, el restaurante ha recibido diversos reconocimientos

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internacionales, entre ellos, dos estrellas Michelin, 18.5/20 de Espresso y 3 tenedores de Gambero Rosso. Desde 2007 Carlo Cracco ha sido el único propietario del restaurante, que es reconocido como uno de los 50 mejores en el mundo. Entre sus publicaciones se encuentran L’utopia del tartufo bianco y La quadratura dell’uovo.

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Ctrlzak 1

Transubstantia Paganus - 2013 - Autoproducción

Vajilla creada a partir del pan santo: la transfiguración del cuerpo de Jesús en objetos. Un comentario sobre el consumo en masa y una falta de valores a través de la profanación de la hostia como sustancia alimenticia.

CTRLZAK Art & Design Studio trabaja a nivel internacional en el campo del arte y el diseño. El estudio fue fundada por Thanos Zakopoulos (Grecia) y Katia Meneghini (Italia). Cuenta con un equipo multidisciplinario y su visión creativa no se limita a un sector en particular, lo que quiere decir que puede desarrollar proyectos que varían desde el diseño de objetos e interiores, hasta instalaciones de arte específicas del lugar. CTRLZAK utiliza instrumentos cognitivos y

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semióticos a través de todo el proceso creativo. De este modo obtiene formas que van más allá de los valores estéticos comunes. El enfoque creativo del estudio interacciona con su escenario cultural, medioambiental y social. Sus objetos e interiores enfatizan los aspectos concernientes a la memoria y la historia del lugar donde se vuelven a contextualizar, con gran atención en los detalles que destacan su valor simbólico, aunque nunca dejando de lado su función.

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Dall’Olio Manuel 2

HAIR DEFENSE - 2008 - Agencia Life, Longari, Loman Agency

Empaque.

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YOC BOX - 2009 - Agencia Admcom

Envío directo por correo, promoción independiente.

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WORLD MOVING IDEAS - 2008 - Pershing

Calendario.

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Andy Warhol 1960/80 - 2013 - Orea Malià y Galería Rosini Gutman

Diseño de identidad visual para exposición.

Manuel Dall’Olio comenzó su carrera en 1994 como artista gráfico. Trabajó para artistas, museos, editoriales y marcas internacionales, mientras desarrollaba un enfoque multidisciplinario sobre la comunicación. Junto con

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DISEÑO gráfico

otros diseñadores italianos y extranjeros, en 2003 fundó una de las primeras redes interdisciplinarias de experimentación visual en Italia. En 2011 inauguró, junto a su esposa, la agencia de comunicación visual Dina&Solomon.

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Damiani Lorenzo

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Freccia - 2013 - Zava di Zavarise Franco

Una lámpara de mesa con iluminación que se manifiesta así misma como un injerto de dos unidades distintas: hay una fuerte sensación de una fusión de elementos que normalmente estarían desconectados.

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H2O - 2004 - Autoproducción

Lavabo plástico.

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Plissé - 2007 - Cappellini

Bol de cerámica elaborado al verter engobe en una bolsa de plástico.

Lorenzo Damiani nació en 1972. Se graduó de arquitectura en el Politecnico di Milano. Trabaja en diseño de mobiliario y productos y ha colaborado con varias empresas, como Campeggi, Cappellini, Ceramica Flaminia, Montina, Illy Caffè, IB Rubinetterie, Diamantini & Domeniconi, BBB EmmeBonacina y Lavazza. En 2009, el Triennale Design Museum presentó una exposición

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individual de su trabajo, titulada: Ma Dove Sono Finiti gli Inventori? Lorenzo Damiani, selección de Marco Romanelli. En 2012 se realizaron otras dos exposiciones: Lorenzo Damiani: Senza Stile, selección de Giovanna Castiglioni, en la Fondazione Achille Castiglioni y Catch Me If You Can, selección de Silvana Annicchiarico, en La Triennale di Milano.

DISEÑO DE PRODUCTO | Food Design

Damiani Lorenzo

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FEL3 - 2004 - Coop

Los cortes simples crean una almohadilla de fieltro de distintos tamaños dentro de un elemento nuevo.

La capa adhesiva es el elemento de conexión entre varios anillos. La parte restante se puede usar después, lo que permite que el elemento adhesivo se aproveche totalmente. Patentado por el autor.

1

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CADEAU - 2003 - Illy Caffè

Una galleta redonda con un calado que permite insertarla en el borde de la taza de café, lo que evita que se remoje en café. Se concibió con el fin de ofrecerla como regalo en bares, restaurantes y cafeterías.

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DISEÑO DE PRODUCTO | Food Design

Damiani Lorenzo

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Deepdesign

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Pagelight - 2012 - Autoproducción

Un marcador de libro reciclado con un LED que funciona a batería, ideal para la lectura nocturna.

La luz funciona a través de de las hendiduras de la tarjeta y se dobla fácilmente.

Matteo Bazzicalupo y Raffaella Mangiarotti se graduaron con honores de arquitectura en el Politecnico di Milano.

Se conocieron en 1995 en la oficina editorial de Modo, la revista establecida por Alessandro Mendini. Después de algunos años de trabajo independiente, fundaron el estudio deepdesign, que ha creado diseños de portadas y escenarios innovadores en variados sectores, desde el empaque de alimentos

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DISEÑO DE PRODUCTO

a electrónicos de consumo, pasando por el mobiliario y los cosméticos.

Entre sus clientes se encuentran Barilla, Castelli Haworth, Coca Cola, Coin, los Juegos Olímpicos de Invierno de Turín 2006, Coop, Daimler Chrysler, Giorgetti, Glaxo SmithKline, JVC, Kitchen Aids, Kraft Suchard, Kimberly Clark, Imetec, Mandarina Duck, NEC, Panasonic, RSVP, San Lorenzo, Serralunga, Smeg y Whirlpool Europa.

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Flat Piano - 2006 - Autoproducción

El piano se integra perfectamente en el mobiliario hogareño.

El teclado electrónico se encuentra debajo de una gran superficie de vidrio blanco que, gracias al nuevo amplificador miniaturizado (de marca Feonic), transforma la superficie plana completa en una caja armónica, lo que brinda, por lo tanto, un efecto tridimensional al sonido. Es una mesa donde se puede tocar o escuchar música, cenar o trabajar.

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WINDS - 2007 - Autoproducción (prototipo)

Secador de cabello que es producto de la observación de los movimientos de los brazos de los peluqueros. La boquilla de ventilación se integró a la estructura para poder sujetar el secador con el brazo derecho en posición vertical y dejando que el aire salga por la parte inferior.

Han ganado premios en una serie de concursos: Young & Design (1996, 1997, 1999, 2000), Cosmopack (1995, 1996), Esaedro (1997), ID Award (2004, 2009), Selezione Compasso d’Oro (2005, 2006) y el Green Dot Award (2009). Han dictado clases en múltiples escuelas de diseño a nivel internacional.

Raffaella es investigadora en la Facultad de Diseño en el Politecnico di Milano.

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DISEÑO DE PRODUCTO

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dandelion - 2006 - Tecnodelta

La lámpara, similar a un diente de león, la flor que desaparece con un soplido, se sujeta con un soporte delgado y flexible y parece mecerse en el aire.

El cuerpo luminoso está formado por una esfera compuesta de de flautas de policarbonato que esparcen la luz producida por los LED.

Muchos de sus diseños se han publicado en importantes periódicos y libros.

La lámpara Dandelion ingresó a la colección permanente de Arquitectura y Diseño del MoMA de Nueva York. En 2010, el Triennale Design Museum montó una exposición individual de su trabajo: L’anima sensibile delle cose.

deepdesign

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Deganello Carmine

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PORTA FIORI - 2010 - Autoproducción

Una pala, un vástago y dos baldes del soporte para botellas de agua componen un contenedor doméstico para la recolección separada de residuos que resulta inesperado y original, aunque esté hecho de objetos comunes ya presentes en el hogar o que se pueden comprar en tiendas de bricolaje, lo que lleva al redescubrimiento de las habilidades manuales.

Carmine Deganello nació en Nápoles en 1974 y trabaja en Milán como diseñador de productos e interiores. Se graduó en ISIA de Florencia y desde 2002 ha viajado entre Italia y los EE. UU. Ha trabajado con el estudio Gaetano Pesce en Nueva York, el estudio Aldo Cibic en Milán, y con Pablo Designs en San Francisco, para quienes produjo recientemente Solis, una lámpara de suspensión hecha de tela. Emplea un enfoque realmente empírico y basado en procesos que encuentra sus cimientos en su investigación experimental

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DISEÑO DE PRODUCTO

de la materia. Su obra en materiales y el pensamiento sobre cómo impulsan el proceso creativo son una característica de su método creativo, como puede apreciarse en Valveola, una lámpara de cerámica de suspensión que se presentó en la Biennale di Ceramica de Albisola en 2006. Su producción más reciente, parte del proyecto Diseño de recesión se presentó en las muestras del Salone del Mobile 2009 y 2010 shows, y ahora es parte de la colección permanente del Museo MAK de Viena.

DEGANELLO CARMINE

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Deppieri Andrea

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Yankie - 2013 - Tête de bois

Este cómodo accesorio cotidiano, que toma inspiración del elemento arquitectónico de las estructuras de protección solar “brise soleil” y del trabajo con listones y juntas de madera, busca crear formas que se curvan a lo largo de una cuerda, crean un accesorio único para la cabeza.

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Tête de bois - 2013

Empaque.

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Saint-Tropez - 2013 - Tête de bois

Andrea Deppieri nació en Venecia en 1981. Poseedor de un trasfondo en el mundo en el diseño y la moda, sumado a su pasión por ellos, se graduó de Arquitectura en la IUAV de Venecia en 2006.

Después de obtener experiencia en un varias agencias de arquitectos, se centró en el diseño aplicado a la moda, trabajar como diseñador para Diesel, antes de independizarse y trabajar con Ralph Lauren y Benetton, entre otros.

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Desde 2009 se ha desempeñado como asesor creativo de 55DSL, la marca de ropa juvenil casual de Diesel. A principios de 2012 fundó Newton & Son, una rama de la oficina de diseño y gráfica que su padre, artista gráfico y diseñador creativo, fundó en 1986. La oficina trabaja en variadas disciplinas: arquitectura y diseño interior, diseño gráfico e industrial, administración creativa e identidad de marca.

DISEÑO DE PRODUCTO | DISEÑO DE VESTUARIO

deppieri andrea

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Designtrip

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POPSY - 2006 - Silicone Zone, Hong Kong

Molde de silicona para paletas heladas, cuya elasticidad permite retirar las paletas con mucha facilidad.

Los palitos se pueden colocar fácilmente en “ranuras” de broche, centrándolos en el eje vertical de la paleta helada.

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DRIP STRAINER - 2006 - Silicone Zone, Hong Kong

Drip es el primer colador de silicona que ahorra espacio con un mango de acero que aprovecha la flexibilidad del material para aplanar el objeto.

Se encuentra en tres tamaños diferentes: grande para pasta, mediano para arroz y pequeño para té. En 2007, ganó el Premio de Diseño Red Dot.

Designtrip es una oficina establecida en 2004 como producto de un encuentro entre Nunzia Paola Carallo y Jacopo Romano Grandis.

Nunzia Paola Carallo (con un grado de arquitecta obtenido en Florencia y un máster en diseño industrial en la Domus Academy) contribuyó en Designtrip con su considerable experiencia internacional en el Sudeste asiático, ya que trabajó durante dos años (1994-1995) en el Taipei Design Center Milano, otros dos años (1996-1997) en Japón, y colaboró en empresas en China, Hong Kong y Taiwán.

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DISEÑO DE PRODUCTO

Los productos para la mesa y la cocina, para el baño, iluminación, textiles y alfombras diseñados por Carallo pueden encontrarse a la venta en las tiendas más importantes y exclusivas de Japón.

Jacopo Romano Grandis (Istituto Europeo di Design, Milán) trajo a Designtrip la experiencia que acumuló en empresas de diseño y estudios en Milán, trabajando en electrónicos de consumo y productos de mobiliario.

Designtrip ofrece a las empresas sus habilidades y servicios, mientras supervisa cada etapa del proyecto.

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Di Renzo Leonardo

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MAROLIO - 2001 Ass. Naz. Città Del Pesce Di Mare e Ass. Naz. Città Dell’olio Afiche de la kermesse de mariscos y aceite de oliva en el pueblo de Térmoli.

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A/R - 2005 - Arti Grafiche Meroni / Aiap

Contribución para el proyecto de agenda 2005, el viaje con la ayuda de otros 26 diseñadores italianos.

Leonardo Di Renzo nació en Andria (BT) en 1967 y estudió diseño gráfico en el Istituto Europeo di Design de Roma. En 1994 fundó el estudio gráfico Artefatti que se especializa en diseño gráfico destinado a empresas públicas y privadas. En 2000 cofundó Artefatti Ad&P, una agencia de comunicaciones que se centra en el diseño de marcas, la identidad

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DISEÑO gráfico

corporativa y la publicidad. Dicta clases en el taller de diseño gráfico del curso universitario de diseño industrial del Politecnico de Bari. Sus obras han sido seleccionadas por Eulda, Aiap y Artlab para obtener el Compasso d’Oro. Su obra ha sido expuesta en el Budapest Design Week y el Poster Museum en Hoorn, Holanda.

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Di Renzo Leonardo

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BRAND FOR JUBILEE HOTEL CLUB - 2004

Reformulación de la marca para aplicaciones dentro del club y en productos comerciales.

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PACKAGING - 2000 - Masseria Barbera

Etiquetas y empaques para artículos de procesado de alimentos hechos a mano de la Masseria.

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BROCHURE - 2000 - Tarallino d’Oro

Página interna con los elementos fundamentales del proyecto.

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DISEÑO gráfico

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Dipinto Sandra 2

Parrot - 2010 - Autoproducción

Broche de PVC.

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White Parrot - 2012 - Autoproducción

Broche de PVC.

Sandra Dipinto nació en Nápoles. Se graduó en 1993 en el ISD Istituto Superiore di Design con las más altas calificaciones. Dipinto se aleja de la tradición con el uso de materiales alternativos, especialmente PVC, y crea formas inusuales, a veces, tridimensionales. Sus creaciones se apartan del cuerpo central para invadir el espacio que las rodea, al tiempo que revela su deseo de romper con los moldes del pasado y su firme creencia en las nuevas ideas. Sus soluciones conceptuales y formales toman forma en una atmósfera impregnada de una necesidad de cambio y renacimiento cultural. Su colaboración con la agencia de Rossana Buriassi en Milán, desde 1999, ha sido especialmente importante.

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DISEÑO de joyAS

Esta colaboración involucra la creación de accesorios originales para estilistas como Valentino, Dolce & Gabbana, Armani Privé, Thierry Mugler, Prada, al igual que para Coccinelle, Guerriero, Alessandro de Benedetti y otros. En 2008 lanzó su colección de accesorios Dipinto, elaborados con materiales innovadores, de acuerdo con lo cánones del diseño contemporáneo.

En Diciembre de 2009 presentó su primera exposición individual, PVC Petits Vaniteux Cadeaux, selección de Maria Pia Incutti, en el Museo PLART de Nápoles, el primer museo de Italia dedicado a la investigación y la innovación en diseño plástico y objetos artísticos.

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Dolcini David

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PINOCCHIO - 2010 - Riva1920

Taburete de cedro ajustable cuya principal característica es la ironía.

Su diseño se basa en la relación entre volúmenes cónicos y proporciona al artículo una iconografía precisa, al mismo tiempo que comunica la doble forma de las dos posiciones del asiento.

David Dolcini nació en Italia, cerca de Milán. Su visión y enfoque del diseño proviene de una gran variedad de experiencias educacionales y profesionales en el extranjero durante varios años.

Después de terminar sus estudios en el Politecnico di Milano en 2004, se introdujo en el mundo del diseño como administrador de proyectos en Luceplan. Luego de ganar experiencia en China, donde trabajó para A00 en Shanghái, volvió a Italia e inició su propia oficina en 2007.

Algunas de sus obras han sido seleccionadas para exposiciones en Italia y

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DISEÑO DE PRODUCTO

el extranjero: Modefabriek en Amsterdam, Design Festival Ludz en Ludz, Polonia. En 2009 su sistema de mobiliario MOD, diseñado para Galassia, fue seleccionado para el premio I.DOT. En 2012 inauguró una nueva oficina en Valencia, España.

David Dolcini Studio trabaja principalmente en interiores, diseño industrial, diseño de exposiciones, gráficas, dirección de arte y comunicación.

Trabaja con Arlex Italia, Fabas Luce, GAL, Galassia, ITF Design, Illuminati, NOVA Lamp, Ravamec, Riva 1920, Teys, Toss.B y Zilio A&C.

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dotdotdot

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CULTURA ELEVA - 2008 - Galería Plusdesign

Librero que trastorna el modelo de comportamiento en el espacio de la vivienda dedicado a un ritual hogareño establecido: la lectura. Esta invención armoniza con la fortaleza expresiva de la tarea y la función de la cultura: una torre para la persona intelectual.

dotdotdot se fundó en 2004 en Milán. Crea eventos que siempre se caracterizan por la interacción cercana con el espacio donde se desarrollan.

El estudio mezcla el arte, la arquitectura, el diseño de exposiciones y el diseño general, al mismo tiempo que los vincula con nuevas tecnologías y medios y explora simultáneamente el límite entre la representación, la experimentación y el evento. Siendo capaz de satisfacer todos los requerimientos de diseño de un proyecto, gracias a la variedad y exhaustividad de sus habilidades, dotdotdot considera que la investigación y la experimentación son elementos y principios fundamentales para la creación de actividades multidisciplinarias.

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DISEÑO DE PRODUCTO

El estudio ha participado en exposiciones y eventos tales como Manifesta 7 en 2008, la 10a Biennale d´Architettura di Venezia en 2006 y Shanghai Biennale 2004. dotdotdot gestiona la creación de diseño de exposiciones, pabellones y puestos para importantes empresas como BMW, Citroen, Rolex, Leaceramiche, Valcucine, Tiscali, Platinum Guild International, Aquafresh, Pinko, Pitti Immagine, Nespresso, Inter Football Club, RAI Educational y Diesel, con un alto nivel de tecnología, estableciendo una interacción cercana con el cliente en proyectos en los que la arquitectura, el escenario y el diseño se mezclan con el arte y la poesía.

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esterni

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Milano Film Festival

10 días y 10 noches de cine independiente de todo el mundo, invitados internacionales y una ciudad que se transforma.

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Public Design Festival

Un festival que reúne a arquitectos y diseñadores, instituciones, empresas y ciudadanos en torno al tema del espacio público.

esterni es una empresa cultural que, desde 1995, diseña espacios y servicios para comunidades grandes y pequeñas. También promueve y organiza encuentros, además de crear campañas de comunicación.

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INVESTIGACIÓN en diseño

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Isto è uma praça - 2012 Guimarãe, Capital europea de la cultura Un vacío urbano transformado en un nuevo espacio público para la ciudad y sus ciudadanos.

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INVESTIGACIÓN en diseño

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fabioriccardo

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PIP - 2009 - Autoproducción

Simplificación visual y estructural de la pipa, pensada para un público objetivo joven que no pone atención a la moda, sino a quien le interesa obtener un producto durable, perpetuo, elegante y sólido.

Es ergonómico y se puede sujetar fácilmente gracias al tamaño del hornillo de madera de limón.

Su uso se ve beneficiado por la longitud y el metacrilato de la cánula, que permite enfriar el humo.

Fabio Schiavetto y Riccardo Furlanetto siempre han tenido espíritus creativos y entusiastas. Sus intereses han evolucionado en el campo del diseño de mobiliario, iluminación y suministros, con varios experimentos y asociaciones.

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DISEÑO DE PRODUCTO

La curiosidad y el deseo los han llevado a explorar el lenguaje de los objetos, y a investigar la relación entre el hombre y el objeto mediante la creación, en sus proyectos, de una sofisticada combinación de funcionalidad y simplicidad de expresión.

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Faccin Francesco

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Carry-on - 2013 - Officinanove

Esta es una carretilla real: un regreso a las cosas simples, funcionales, en las que la humanidad, la voluntad y el esfuerzo físico juegan un papel fundamental.

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Paneluce - 2013 - Autoproducción

Es un híbrido. Dos objetos que comúnmente se encuentran en la mesa, una cesta de pan y un candelabro, se unen para formar un centro de mesa que contiene pan y emite luz.

Francesco Faccin nació en Milán en 1977. Después de estudiar en el Istituto Europeo di Design, comenzó a trabajar en la oficina de Enzo Mari en 2003.

Mientras tanto, comenzó su actividad como diseñador independiente con empresas italianas y extranjeras. Desde 2004 ha creado proyectos de producción independiente con pequeño tiraje. Trabaja estrechamente con artesanos y supervisa en persona cada etapa del desarrollo de los productos.

En aquellos años también trabajó con el creador de modelos y luthier Francesco Rivolta. En 2007 participó por primera vez en el SaloneSatellite con su mesa Quadrato, que se produjo y luego fue seleccionada para la colección de Cosmit.

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DISEÑO DE PRODUCTO

En 2009 conoció a Michele De Lucchi y continúan trabajando en conjunto hasta el día de hoy. En 2010 participó en el SaloneSatellite una vez más y, junto con Alvaro Catalan de Ocòn, ganó el premio Design Report en 2010. En 2012, Liveinslums NGO lo invitó a diseñar mobiliario para Why Not Academy de Nairobi. En 2012 creó el diseño interior del restaurante 28 Posti de Milán, e hizo que el mobiliario fuera elaborado por reclusos de la prisión de Bollate en Milán, con la ayuda de Liveinslums.

Trabaja con empresas italianas y extranjeras, como Saeco, Danese, Miniforms, Bolia, Valsecchi1918 y Officinanove, entre otras.

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133 diseñadores. 288 proyectos.

Diseño de mobiliario, diseño de interiores, diseño visual, food design, diseño web, diseño de vestuario, diseño de joyas, diseño gráfico y multimedia.

Una mirada amplia y multifacética al diseño italiano contemporáneo.