CreArte 2

Revista virtual de los alumnos de Taller de Diseño Gráfico 1 Facultad de Comunicaciones - Universidad Peruana de Ciencias Aplicadas Año 2, Número 2. Ciclo 2009-2

TOULOUSE LAUTREC ART NOUVEAU • BAYER RODCHENKO • ECKERSLEY LUSTIG • THOMPSON TOMASZEWSKI FUKUDA PSICODELIA SPIEKERMANN MCCOY SAVILLE

Segundo round

U

làpiz para bocetear dibujos sobre un papel. Sin embargo, a pesar de algunos casos de histerismo manejables, todos los alumnos sacaron adelante este proyecto y, como ya es costumbre, no han defraudado.

Conocido es el hecho de que los temas de Diseño Gráfico provocan en muchos periodistas mucha urticaria y poca emoción profesional. Ello es entendible en tanto muchos de nosotros (formados en la vena periodística) somos poco diestros en el arte del dibujo y nos causa fobias y pesadillas pensar siquiera en la posibilidad de coger un

La nueva edición de CREARTE vuelve a preocuparse por dar a conocer el trabajo de algunas de las escuelas y personajes claves en la historia del arte en general. En esta ocasión, desfilan por estas páginas reseñas sobre el Art Nouveau y la psicodelia, así como artículos de interés que revisan los aportes de Toulouse-Lautrec, Peter Saville, Katherine McCoy, Tom Eckersley, Shigeo Fukuda, Bradbury Thompson, Alexander Rodchenko y Alvin Lustig, entre otros grandes del diseño.

El profe

n año después de la primera edición, llega este nuevo trabajo de los alumnos del Taller de Diseño Gráfico de la Universidad Peruana de Ciencias Aplicadas. Y para otorgarle algo de interés al asunto, en esta oportunidad la clase ha estado conformada en su mayoría por alumnos de la Carrera de Comunicación y Periodismo, lo que le da otra tónica al trabajo editorial y una mayor rigurosidad al momento de encarar los textos.

TALLER DE DISEÑO GRÁFICO 1 Ciclo 2009-2. Sección H406 Profesor: César Pita Portada: Inglet.com Fernando Alayo - Ximena Araujo Roxana Cobos - Alicia Farfán Kriss Fuentes - Carlos Fuertes Andrea Gamero - María del Pilar García Martín Guillén - Edgar Huamán Claudia Pinto - Steffani Rebatta Melissa Villafranca

Criado

Fuentes

Kriss GĂŠnesis

HENRI-TOULOUSE LAUTREC es uno de los principales innovadores en la historia del arte. Su 1.50 mts de estatura y su enfermedad genĂŠtica nunca fueron impedimentos para desarrollar un talento que ha sido reconocido mundialmente.

Por: Kriss Fuentes Criado

Nació en una familia aristocrática en el sur de Francia en 1864. Su padre, el conde Alphonse, fue un notorio excéntrico conocido por todos los tipos de comportamientos impredecibles: de lavar sus calcetines en el río-algo inaudito para un aristócrata-, cazar a caballo con trajes estrafalarios, entre otras muchas cosas. Su hijo nunca llegó a ser muy cercano.

H

enri sufría de una enfermedad genética que impedía que sus huesos sanen correctamente. Esto se debió a que sus padres, siendo primos, contrajeron nupcias para mantener la “pureza de sangre”. Entre los doce y catorce años se rompió las piernas y por la malformación genética que tenía, ambas dejaron de crecer, mientras que al resto de su cuerpo siguió creciendo normalmente.

VIDA BOHEMIA En su adolescencia, Lautrec tuvo el honor de convertirse en estudiante del artista Fernand Cormon, cuyo estudio estaba ubicado en la colina por encima de París, en Montmartre.

Cuando se graduó del estudio de Cormon, Lautrec se entregó plenamente a la vida bohemia, y pasó gran parte de su tiempo bebiendo y de juerga - y constantemente dibujando

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“Ambassadeurs: Aristide Bruant.(1892) Uno de los famosos carteles.

- en los cabarets, pistas de carreras, y los burdeles. Estos lugares fueron más adelante sus fuentes de inspiración para sus tan famosos carteles.

de la historia del arte son las bailarinas del Moulin Rouge Louise Weber (La Goulue) y Jane Avril, y el cantante de combate y empresario Aristide Bruant.

ARTE INNOVADOR

Las innovaciones técnicas de Lautrec en litografía en color crearon una mayor libertad y una nueva inmediatez en el diseño de carteles. Sus carteles de los bailarines y personalidades en el cabaret Moulin Rouge, son de renombre mundial y han inspirado incontables imitaciones. Su vida ha inspirado numerosas biografías de exactitud variable.

Adaptando la moda de estilo japonés (composición asimétrica, las zonas planas de color) que luego invadió el arte francés el también creciente arte de los carteles, Henri creó miles de obras de arte, tanto para hacer memoria de sus amigos y hacer publicidad a sus sedes. Entre las personas cuyas imágenes forman parte

A lo largo de su carrera, que duró menos de 20 años, Toulouse-Lautrec, creó 737 cuadros, 275 acuarelas y grabados y 363 carteles, 5.084 dibujos, algunos trabajos de cerámica y vidrio de colores, y un número indeterminado de obras perdidas.

Cada uno de los carteles de Toulouse Lautrec es digno de nota. El aspecto más impresionante es que cada obra es diferente, su tono, el color, el método y los detalles se distinguen de los demás.

Esta corriente aparentemente inagotable de la creatividad comercial ayudó a Toulouse-a diferenciarse del resto de los artistas cartelistas del siglo XIX. “The parlor at rue des Moulins” (1894) sido descrito como simpática y desapasionada.

JANE AVRIL, LA MUSA

Después de una vida de productividad, y el libertinaje, Lautrec sufrió un colapso mental y física y murió a la edad de 37 años.

“Bruant at the Mirliton”

INDIVIDUALIZANDO LOS GRUPOS Su deuda con los impresionistas, en particular, con los pintores más figurativos como Manet y Degas, es evidente. Se destacó en la captura de las personas en su entorno de trabajo, con el color y el movimiento de la noche chillones presente la vida, pero el glamour despojado de distancia. Fue maestro en la captura de escenas de multitudes. Su tratamiento de la temática de su obra, ya sea como retratos o escenas de la vida nocturna parisina, ha

Aunque las exposiciones de su obra no fueron bien recibidas en vida, está actualmente representado en los principales museos de Francia y los Estados Unidos. Muchos de sus bocetos y algunas pinturas se encuentran en el museo Lautrec, en su nativo Albi.

Otras pinturas se encuentran en el Instituto de Arte de Chicago y en el Museo de Arte de Filadelfia.

“The Englishman at the Moulin Rouge” (1892)

L

a bailarina del cabaret más famoso de Francia fue, sin duda la mujer favorita de Toulouse Lautrec.

Apareció en la mayoría de las obras que el artista realizó cuando retrataba el Cabaret de Moulin Rouge.

Algunas investigaciones apuntan que Jane Avril podría haber sido la amante del autor durante varios años.

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Casas

García

María del Pilar

En el plano de la arquitectura, el Art Nouveau se desarrolló en las construcciones y la decoración. Se caracterizó por el alejamiento de la proporción y el equilibrio simétrico. Las edificaciones realizadas estaban marcadas por la altura y la anchura, así como las formas onduladas y sinuosas en su estructura. Se evidencia el uso de las formas de organismos naturales que se sobreponen a las estructuras funcionales.

Respecto a la ambientación, los interiores se vuelven más claros y sencillos por el énfasis a la continuidad espacial que da la unidad estilística entre los detalles y el contexto. El alumbrado dentro y fuera de las piezas es el ejemplo más claro de esto.

Casa Tassel Víctor Horta 1893

De igual modo, las fachadas empezaron a tomar mayor valor como elemento decorativo, expresando las características del estilo de manera más evidente.

El Art Nouveau en el mundo En la actualidad, las principales muestras de esta corriente son legado de Víctor Horta y Antonio Gaudí en la arquitectura, de Alphonse Mucha en las ilustraciones y de Henri Van de Velde, entre otros, en los trabajos de ornamentación.

Horta, de Bélgica, se caracteriza porque sus diseños tienden a una integración con el ambiente, desarrollando formas que interpretan tensiones en motivos decorativos abstractos, ligeros y ondulantes. La Casa Tassel, ubicada en Bruselas, refleja claramente el estilo del Art Nouveau.

Actualmente se le considera como la primera obra moderna libre de derivaciones historicistas.

Casa Batlló - Antonio Gaudí 1905

Gaudí, de España, dejó una extraordinaria arquitectura considerada única en el mundo por su fantasía y libertad. Algunos de sus trabajos fueron la casa Batlló, donde se aprecia formas orgánicas tales como huesos, formas de calaveras en la fachada, etc., el parque Güell, la Pedrera, y la Iglesia La Sagrada Familia.

Mucha, por su parte, logró realizar las primeras obras de publicidad acercándola al arte. Se convirtió en el realizador de propagandas para comerciantes ricos y adaptó sus casas a esta nueva moda artística que denotaba buen gusto, cultura y sobretodo fortuna.

ART NOUVEAU

Van de Velde creó mobiliario decorativo. Sus muebles tenían líneas de fuerza que brotaban de la estructura misma y recurría a las curvas, que no eran usadas solo por el valor ornamental. El escritorio en forma de mariposa es la muestra de su trabajo.

...el arte nuevo

por María del Pilar García Casas

Surgió para cumplir con las necesidades de un público que buscaba lo especial; sin embargo, fue abandonado con la misma fuerza con la que empezó tras haber sentado las bases para una revolución artística.

Mobiliario Henri Van de Velde

Su reinado efímero fue respuesta de un inapropiado proceso de maduración que dependió del dictamen público.

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E s un movimiento artístico de carácter complejo e innovador. Nació a fines del siglo XIX y se fue construyendo hasta las primeras décadas del siglo XX durante la Belle Epoque de Europa y Estados Unidos, lugares que ya habían alcanzado un cierto grado de desarrollo industrial.

Es una tendencia modernista y decorativa -netamente ornamental- que se presentó en todas las manifestaciones de las artes aplicadas.

No obstante, resaltó en la decoración, la mueblería (que se convirtió en arte pese a su uso común), la arquitectura y el diseño gráfico.

El Art Nouveau

Es conocido por distintos nombres según diferentes países. Algunos son Modernismo, Jugendstil, Sezession, Modern Style, Liberty o Floreale, entre otros. Sin embargo, en cada país, su proceso se expresó con características distintivas.

Este estilo tiene como base las ideas de John Ruskin y el Arts and Crafts Movement de William Morris, que buscaba democratizar la belleza para que se encuentre hasta en los objetos más cotidianos.

Características No buscaba imitar los estilos dominantes de la época, sino crear una identidad de lo urbano y lo moderno. Surgió como reacción contra la industrialización y la tecnología del inicio del nuevo siglo.

En el diseño gráfico se caracteriza por las líneas torcidas y estructuras asimétricas de sus composiciones. De igual modo, la inspiración en la naturaleza llevó a que este estilo recurriera a elementos orgánicos como plantas, flores y hojas de formas redondeadas y a insectos como mariposas y arañas para dar más dinámica, vida y armonía al diseño, evitando que sean simples adornos. Igualmente respecto a animales como el pavo real por su relación con lo bello y exótico, entre otros.

Otra de sus características fue la tendencia al uso de la imagen femenina, de la cual se aprovechaba las ondas del cabello y los pliegues de la ropa para crear movimiento mediante ondas. A las musas del Art Nouveau se las mostraba sofisticadas y con un aire de melancolía que llamaba a la sensualidad.

Respecto al color, se usaban tonos vívidos resaltando los cálidos.

De igual modo, los elementos poseían cierta luz. En conjunto, se tenían imágenes planas pero ornamentales que daban belleza usando pocos medios, asociados al espíritu lúdico, el misticismo y la fantasía.

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Sylvanis Essence - Alphonse Mucha 1899

No buscaba imitar los estilos dominantes de la época, sino crear una identidad de lo urbano y lo moderno.

En el plano de la arquitectura, el Art Nouveau se desarrolló en las construcciones y la decoración. Se caracterizó por el alejamiento de la proporción y el equilibrio simétrico. Las edificaciones realizadas estaban marcadas por la altura y la anchura, así como las formas onduladas y sinuosas en su estructura. Se evidencia el uso de las formas de organismos naturales que se sobreponen a las estructuras funcionales.

Respecto a la ambientación, los interiores se vuelven más claros y sencillos por el énfasis a la continuidad espacial que da la unidad estilística entre los detalles y el contexto. El alumbrado dentro y fuera de las piezas es el ejemplo más claro de esto.

Casa Tassel Víctor Horta 1893

De igual modo, las fachadas empezaron a tomar mayor valor como elemento decorativo, expresando las características del estilo de manera más evidente.

El Art Nouveau en el mundo En la actualidad, las principales muestras de esta corriente son legado de Víctor Horta y Antonio Gaudí en la arquitectura, de Alphonse Mucha en las ilustraciones y de Henri Van de Velde, entre otros, en los trabajos de ornamentación.

Horta, de Bélgica, se caracteriza porque sus diseños tienden a una integración con el ambiente, desarrollando formas que interpretan tensiones en motivos decorativos abstractos, ligeros y ondulantes. La Casa Tassel, ubicada en Bruselas, refleja claramente el estilo del Art Nouveau.

Actualmente se le considera como la primera obra moderna libre de derivaciones historicistas.

Casa Batlló - Antonio Gaudí 1905

Gaudí, de España, dejó una extraordinaria arquitectura considerada única en el mundo por su fantasía y libertad. Algunos de sus trabajos fueron la casa Batlló, donde se aprecia formas orgánicas tales como huesos, formas de calaveras en la fachada, etc., el parque Güell, la Pedrera, y la Iglesia La Sagrada Familia.

Mucha, por su parte, logró realizar las primeras obras de publicidad acercándola al arte. Se convirtió en el realizador de propagandas para comerciantes ricos y adaptó sus casas a esta nueva moda artística que denotaba buen gusto, cultura y sobretodo fortuna.

Van de Velde creó mobiliario decorativo. Sus muebles tenían líneas de fuerza que brotaban de la estructura misma y recurría a las curvas, que no eran usadas solo por el valor ornamental. El escritorio en forma de mariposa es la muestra de su trabajo.

Mobiliario Henri Van de Velde

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Vilcapoma

Fuertes

Carlos Enrique

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La Torre

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Steffani Yolanda

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TOM ECKERSLEY

Zapata

Villafranca

Melissa

Un Dise単ador De Portada

Escribe: Melissa Villafranca Z.

A

lvin Lustig fue un diseñador gráfico estadounidense cuya habilidad para combinar colores, dibujos abstractos y tipografías en distintos libros y revistas de los años 40, lo convirtieron en un hombre adelantado a sus tiempos.

los cuales, tiempo después, Lustig utilizaría como base de sus primeros trabajos.

“Yo Nací Moderno”

Alvin Lustig

A

lv i n Lustig nació en la localidad de Denver, Colorado en 1915. Creció, a palabras de él, en una familia con poca inclinación a las actividades culturales; por eso, desde pequeño, evadía ir a clases para asistir a lecciones de magia. Su habilidad para dibujar y percebir a la perfección los espacios tridimensionales, le hicieron pensar que, tal vez, el arte estaba en su futuro.

En 1931, logra ingresar a la Escuela de Arte de Los Ángeles en donde permaneció sólo un año pues creía que él podía aprender mucho más de manera independiente.

Al poco tiempo, conoce al arquitecto californiano Richard Neutra el cual le permitió acceder a toda su colección de libros sobre arquitectura y diseños modernos,

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Las nuevas direcciones del diseñador

A

sus 21 años, él y otros artistas de la época como Saul Bass y Louis Danziger, pertenecieron a la Sociedad de Los Ángeles para los Diseñadores Contemporáneos pero, ante la falta de apoyo, esta terminó por disolverse.

La situación llevó al diseñador a realizar trabajos independientes centrados, básicamente, en figuras geométricas abstractas y tipografías ornamentales. En 1937, logra conseguir el dinero para trasladarse a su propio estudio y conoce a James Laughlin, director de la compañía de publicaciones “New Directions”, fue este quien le ofreció trabajo en dicho lugar en donde Lustig se catapultó a la fama como un artista gráfico contemporáneo.

A lo largo de su trayectoria en la compañía, realizó cerca de 115 portadas de libros de bolsillo, entre los que destacan obras como las de Henry Miller, Virgina Wolf, DH Lawrence ó James Joyce. Empezó a definir un estilo propio: la composición de varias imágenes colocadas con unidad en una sola pieza, así como el correcto uso de la tipografía y el logro de un perfecto sincretismo entre el arte y la poesía.

La meta principal del diseñador no fue el de crear estimulantes visuales que impulsaran la compra del libro; por el contra rio, él buscaba cambiar la visión del arte gráfico creando dibujos personificados para cada una de las publicaciones.

Sin embargo, tiempo después, se percató que su destino final no se encontraba en la compañía de Laughlin, pues él aspiraba algo más y sabía que aquellos anhelos no los podía alcanzar en un lugar como California; es así que decide mudarse a la ciudad de New York en 1941 en donde logra convertirse en el editor de la revista “Look” puesto que desempeña hasta su posterior regreso a Los Ángeles en 1946.

El arquitecto innovador

D

espués de su regreso, Lustig dejó a un lado su trabajo de diseñador gráfico para enfocarse, paralelamente, en su otra pasión: la arquitectura y el diseño de interiores.

Lorca. Tres Tragedias

Williams. Sueño de amor

Lawrance. El hombre que murió.

Forster. La habitación con una mirada.

Forster. La jornada más larga.

Williams. 27 vagones llenos de algodón y otros juegos.

Carther. Cinco Historias.

Reader. El niño verde

“Dar una mirada fresca y libre a las ideas preconcebidas sobre lo verbal, lierario y moral, es el primer paso para tener como resultado un arte moderno”

Alvin Lustig

Cuestión de Versatilidad

L

os trabajos de Alvin Lustig siempre se han destacado por su versatilidad, es decir, por la facilidad que han tenido para adaptarse a todo contexto. Sus diseños pueden ser tan contemporáneos en estos tiempos como lo fueron hace 50 años. Por este motivo, las ofertas laborales nunca dejaron de faltarle y Lustig jamás repetía alguno de sus trabajos o los hacía de forma similar.

Alvin Lustig en su oficina. Los Ángeles

Lustig diseñaba sus propias sillas, mesas, lámparas, cojines y muebles, lo que brindaba a su departamento un ambiente único y vanguardista. Asimismo, muchos de sus destacados clientes obtenían mucho más que una buena idea para la portada de su libro ó revista, pues Lustig les decía hasta que tipo de lámpara usar para obtener una mejor luz ó que tipo de muebles comprar para un mejor aprovechamiento del espacio.

En 1950, realizó el afiche para el primer gran mall norteamericano: The Northland Shopping Center en Detroit y, en 1952, crea la secuencia de apertura para el personaje de caricaturas, “Mr. Magoo”. Para 1953, decide diseñar afiches para las “Girls Scouts of America”, en donde ya se aprecia un elemento de realismo: el uso de las fotografías de las niñas pertenecientes a este grupo.

Por otro lado, empezó a dictar clases universitarias en The Black Mountain College en Carolina del Norte y apoyó en el departamento de diseño de la Universidad de Yale.

También, a partir de 1951 hasta 1955, trabaja portadas para “Noonday Press”, lo cuales dejaron atrás sus dibujos abstractos, hechos en sus èpocas de “New Directions”, para darle prioridad al uso de las

tipografías, econtradas en libros ingleses y alemanes, que el mismo pudiera dibujar y rediseñar.

El legado Lustig Desde 1950, Lustig empezó a padecer de diabetes la cual, en 1954, fue la responsable de su ceguera. Sin embargo, el hecho de estar ciego no le impidió seguir dictando cátedra e, inclusive, el seguir trabajando para importantes frmas.

Después de decidir su retiro, convoca a una pequeña cena a todos sus clientes para informarles la noticia y darles opciones para llevar sus trabajos a otros diseñadores; la mayoría, permaneció con él. Su esposa, Elaine Lustig Cohen, dice que pudo continuar con su arte debido a indicaciones precisas que brindaba a sus asistentes.

Alvin Lustig fallece en 1955 dejando trabajos que definen todos los parámetros de un buen diseño. También demostró que teniendo una visión personal del mundo, combinada con elementos básicos del arte moderno y el diseño gráfico, pueden dar como resultado un producto que perdure en el tiempo y, por supuesto, pueda ser aceptado y reconocido dentro de la gran esfera pública.

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Orbegozo

Alayo

Fernando Javier

aBCDeFGHIJKLm n O P Q R S TU V W X Y Z aB C D eF G H I J K Lm n O P Q R S TU V W X Y Z a B C D eF G H I J K Lm nO P Q R S TU V W X Y Z a B C D eFGHIJKLm nOPQ R S TU V W X Y Z a B C D e F G H I J K Lm nO PQ R S TU V W X Y Z a B C D e F G H I J K L m n O P Q R S TU VWXYZaBCDeFGH I J K L m n O P Q R S TU V WXYZaBCDeFGHIJ K L m n O P Q R S TU V W XYaBCDeFGHIJKL e a e e e単 en a e a m e na L P DR

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Cuando llegó la expansión de la fotografía, la tipografía y el color, ningún diseñador logró hacer lo que Bradbury Thompson pudo…

A su manera, expandió los límites de la página impresa e influenció el diseño de una generación entera de diseñadores artísticos.”

(Communication Arts Magazine, abril de 1999)

aCIÓ en eL añO 1911 en TOPeKa, KanSaS. Se GRaDUÓ en 1934 De La UnIVeRSIDaD De WaSHBURn, en La CUaL ReaLIZÓ SU PRImeR DISeñO ReVOLUCIOnaRIO: “THe ICHaBOD”. eSTe PeRSOnaJe eRa La maSCOTa De La UnIVeRSIDaD Y nO eRa máS QUe Una CaRICaTURa BURLeSCa SOBRe ICHaBOD WaSHBURn, Un COmeRCIanTe nORTeameRICanO QUIen Le DaBa eL nOmBRe a SU UnIVeRSIDaD.

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a INICIOS De LOS añOS CUaRenTa, THOmPSOn DeSaRROLLa SU CéLeBRe aLFaBeTo 26. JUnTO a PaUL BaKeR CReÓ eSTe COnCePTO TIPOGRáFICO PaRa SImPLIFICaR eL SISTema CORRIenTe De aLFaBeTO, Ya QUe eRa DIFÍCIL DIFeRenCIaR LaS LeTRaS maYÚSCULaS De LaS mInÚSCULaS en La enSeñanZa eSCOLaR. PaRa eSTo, UTILIZÓ LaS LeTRaS mInÚSCULaS De La a, e, m Y n COn La FUenTe SIn SeRIFa BaSKeRVILLe, PUBLICa DO POR

C F K S IJ W IJ V IJ V

PRIm e Ra V e Z en eL

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1938.

n O P Q R S TU V W X aBCDeFGHIJKLm nO R S TU V W X Y Z a B C D e F JKLm nOPQ UnO De LOS aRTISTaS GRáFICOS máS InFLUYenTeS DeL SIGLO XX, COnSIDeRADo eL “PaDRe DeL DISeñO en La ReVISTa mODeRna”, BRaDBURY THOmPSOn DeSTaCÓ POR La VeRSaTILIDaD De SUS CReaCIOneS, aSÍ COmO POR eL USO DeL COLOR Y SUS DIFeRenTeS GamaS, LOGRanDO ReVOLUCIOnaR LO QUe HaSTa eL mOmenTO Se USÓ COmO ImaGen ImPReSa.

R S TU WXY ZaB CDe FGHI J em e a a a a en e a K L m n enn a O Pe QaRe a é a e n na em ea a an a á a ea e aZ nae B e aC e aD a ae a F TU V W Xea Y en a e a m e a n e n n e e m J K L m na nOa P Q R S T m n a e a ma e a e n ea W X Y Z a Bne eneCeen Dmae F ne ama e e a a mJ K L m n nO P Q Rn eSee n m e en men e eñ m a a namen a eFa W X Y Z aa B C Da e JKLm nOPQRS WXYZaBCDeFGHI por: aLaYO FeRnanDO

WESTVACO

1939, P ZÓ TR B J R W STV CO I SPIR TIO S, U DITOR D L POC QU PL B PL CH S TIPOGR FIC S D RT ILUSTR CIÓ QU P DÍ PR ST D S L S G CI S D PUBLICID D Y US OS. U QU CO TÓ CO U PR SUPU STO LI IT DO HÍ, THO PSO TR TÓ D UTILIZ R LOS T RI L S DISPO IBL S FOR S U V SY DIF R T S. LOGRÓ CO V RTIR U TR DO QU S H BÍ I PR SO I CO PL TO U L TO D DIS O I PROVIS DO P R OR T R L R VIST .

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Peña

Gamero

Andrea de Fátima

EL PADRE DEL CARTEL POLACO Por: Andrea Gamero

Sรกnchez

Cobos

Roxana

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ukuda Shigeo

Osado al momento de crear ilusiones 贸pticas, Fukuda parece hacer magia en cada uno de sus dise帽os y esculturas.

Por: Roxana Cobos S.

IMAGINACIÒN Y SENTIDOS Considerado entre los diseñadores japoneses como el más conocido, Shigeo Fukuda fue, sin duda, un brillante creador de ilusiones ópticas que nació en Tokio en 1932. Escultor, diseñador gráfico y de carteles logró con sus trabajos ser uno de los más trascendentes personajes en los últimos 40 años.

Para el mundo conocedor de su obra, Fukuda lleva correctamente el título de comunicador visual y gracias a que fue el primer diseñador japonés en ingresar al Art Directors Hall of Fame su carrera pudo expandirse rápidamente.

A

unque se sabe muy poco de su vida personal, Shigeo Fukuda recibió sus conocimientos acerca del diseño y el arte en la Universidad Nacional de Bellas Artes y Música de Japón, nociones que posteriormente, en 1966, lo llevaron a ganar el primer lugar en un concurso realizado en Checoslovaquia. Tanto su habilidad como su creatividad comenzaron a reconocerse a medida que el tiempo pasaba llevándolo a adornar, en 1997, un sinnúmero de carteles para la conocida Expo de Montreal (ópera, ballet, teatro y otras actividades culturales).

La versatilidad de su trabajo siempre tuvo la capacidad de llevar al público desde el mundo bidimensional a lo tridimensional, de los objetos a los reflejos, de las luces a las sombras y envolver en un diseño que juega con los sentidos y la imaginaciòn. Influenciado profundamente por Takashi Kohno, uno de los pioneros japoneses en el diseño gráfico que pretendía tener objetivos distintos y controvertidos, Fukuda adopta esa tendencia visualmente estimulante convirtiéndola en su sello personal que contrariamente a los estilos de expresión occidentales, demuestra más un lado emocional que racional traspasando las barreras culturales y lingüísticas.

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ILUSIÓN: PARTE IMPORTANTE Para algunos una especie de mago, para otros un pícaro o un artista de la imaginación, Shigeo Fukuda encuentra su máximo reconocimiento en el campo del ilusionismo donde, con sus trucos ópticos, logra meternos en la realidad de lo irreal y nos deleita con la imposibilidad de resolver lo que nuestros ojos ven y nuestra razón se niega a entender. El ilusionismo que aplica al diseño consiste en generar la ilusión de que algo imposible o extraño está ocurriendo. Puede realizarse al hacer desaparecer o transformar diferentes elementos con el fin de romper la lógica Su trabajo debía reflejar los ideales a los que apoyaba y repudiaba en ellos a aquellas cosas que consideraba injustas.

Para muchos hablar de Fukuda es hablar de esculturas maravillosas, mágicas o tramposas que vistas desde direcciones diferentes pueden proyectar desde un violinista hasta una enorme moto de carreras.

Aunque la muerte lo ha sorprendido hace menos de un año, Fukuda no pasará al olvido por el simple hecho de haber creado maravillas en el campo del diseño y el ilusionismo, imágenes combativas que han logrado captar la atención y la reflexión del mundo entero, h e c h o que lo ha c o n s a g ra d o como el maestro de las ilusiones ópticas.

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“cada diseño cuenta con 30% de dignidad, 20% de belleza y el 50% de lo absurdo”

Tang

Farfán

Jazmín Alicia

Nacida a mediados de los años 60’s cuando la población joven de los Estados Unidos se encontraba sumergida en una oleada hippie consumista de drogas, colores, amor y paz. El movimiento psicodélico logra adaptarse al entorno de aquella época en el arte, la moda, la música y la vida en general.

Por Jazmín A. Farfán Tang

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UNA APUESTA POR LO DIFERENTE

El arte psicodélico es el resultado del consumo y la experiencia psicodélica provocada por ácidos: drogas alucinógenas como el LSD o la marihuana, ocasionando en las personas la alteración de la percepción del tiempo y el sentido de la realidad. Se basaba en patrones y modelos de caleidoscopios a los que se implementaban colores brillantes que hacían grandes contrastes. La tipografía era gruesa y con poco espacio entre sus letras. Además, se notaba un trabajo minucioso en detalles y estilización. Eran empleadas distintas formas, pero la más destacada era la curva, pues daba una sensación de movimiento a toda la gráfica y, a veces, se utilizaba la técnica del collage.

UNA REVOLUCIÓN LLENA DE MÚSICA Y COLOR Esta técnica alcanza su punto máximo en la segunda mitad de los años 60’s y primera de los 70’s por medio de las llamativas carátulas de los discos, los posters de conciertos en colores brillantes,

revistas, comics, luces, murales, etc.

Estos elementos los empleaban los músicos idolatrados de esa época como Jimi Hendrix, The Beatles, Pink Floyd, The Doors, Janis Joplin, entre otros, pues estaban de “moda” durante el movimiento hippie.

Este movimiento representa notoriamente la contracultura, pues destaca como diferente dentro de una sociedad regida por lo oficial llevada por una misma forma de pensar. Este nuevo arte se distingue al chocar con lo establecido en la comunidad. El término “psicodelia” fue inventado por el psiquiatra británico Humpry Osmond para describir los efectos de aquellas drogas basándose en los significados de las palabras griegas “psyché”, alma, y “délomai”, manifestar.

Es decir, lo que Osmond intenta decir es que significa la “manifestación del alma” definiéndolo

como “claro,

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eufónico e incontaminado por otras asociaciones”.

UNA HERENCIA PARA LA ACTUALIDAD Sin embargo, luego de aquel apogeo va perdiendo una considerable notoriedad debido a que otros movimientos, así como sucedió con este, se impusieron.

Actualmente, se puede apreciar su influencia en la realización de publicidades, video-clips o la música ligada a lo electrónico. Los populares raves toman como base algunos elementos de la psicodelia como los colores o la tipografía, pero los adaptan a otros modelos, ya no es más el arte de los años 6 0 ’s , pero el significado es el mismo.

representantes psicodélicos

Algunos representantes del arte psicodélico son Alex Grey, cuyas imágenes producen toda clase de sensaciones y provocan la meditación; Ernst Fuchs, quien empleaba el “mixed technique” dando un efecto que asimilaba a una joya; Martina Hoffman, conocida por retratar a diosas y resaltar la belleza y poder de las mujeres embarazadas; entre otros.

> Técnica para pintar mezclando distintos pig-

mentos de todo tipo de sustancias como aceite de linaza, yema de huevo y tempera.

PSICODELIA EN EL PERÚ Pablo Amaringo es un shaman peruano de Pucallpa que se espeliazaba en curaciones por medio de hierbas nativas medicinales. Un día, tras beber la exótica planta “ayahuasca”, experimentó visiones coloridas que lo iniciarían a realizar sus diversas pinturas.

Altamirano

Araujo

Ximena Fernanda

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ltam A o j au a Ar n e Xim Por:

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Este diseñador nació el 30 de mayo de 1947 en Alemania, estudió historia del arte en la Universidad Libre de Berlín.

A hora es arquitecto de información, diseñador de fuentes tipográficas y autor de libros y artículos sobre tipografía, con los cuales conmociona literalmente a sus lectores, por la facilidad de sus argumentos, la gran calidad de imagen visual y el lenguaje utilizado. Algunos de sus diseños tipográficos son: FF Meta, ITC Officina, FF Info, FF Unit, Nokia Sans, Bosch Sans et al.

Un sueño hecho realidad: nace Metadesign Entre los años 1972 y 1979, trabajó como diseñador gráfico independiente en Londres, en donde aprendió, grandes

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norme capacidad de comunicación y persuasión: características más resaltantes del famoso diseñador y tipógrafo, Erik Spiekerann, que lo convierten en un gran orador, gracias a las cuales conecta rápidamente a la audiencia a la que se dirige, quienes no dudaràn en hacer preguntas, ni en prestar total atenciòn. Es por ello, que no hay conferencia, reunión o coloquio sobre diseño gráfico o tipografía que no cuente con su presencia, pues esta es de gran importancia y eficiencia.

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“La tipografía siempre será importante es lo que vemos cuando hablamos”

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técnicas de diseño gráfico, antes de retornar a Berlín y fundar MetaDesign con dos socios.

La creación de su empresa MetaDesign culmina uno de sus más grandes sueños profesionales, esta fue fundada en el año 1979, esta firma combina la perfección racionalista y posmodernista, puesto en práctica en correlación con la identidad de las demás corporativas contemporáneas del diseño, es por ello, que esta firma es considerada una de las más prestigiosas del mundo, cuya sede principal se encuentra en Alemania y sus demàs oficinas en Berlín, Londres y San Francisco.

Los clientes de la firma para la cual el trabajaba incluyen a Adobe Systems, Apple Computer, Audi, Hewlett Packard, IBM, y Nike, con oficinas en Berlín, San Francisco, y Zúrich.

Primera fundidora digital Con el pasar de los años, en 1989 dio vida a la primera fundidora digital y distribuidora independiente de fuentes a las que denominó FontShop internacional(FSI)en Berlín junto a su entonces esposa Joan Spiekermann. Una de las caracteristicas principales de esta fundidora digital es que produce la biblioteca de la tipografía de FontFont y FSI, extensamente es considerada la referencia impresa más comprensiva en tipografías digitales.

Compartiendo sus conocimientos Este diseñador trata de compartir sus conocimientos, pues trabaja como profesor honorario de la Academia de Artes de Bremen(Academy of Arts in Bremen).

Además de ser vice presidente del consejo alemán de diseño (German Design Council),presidente de la Sociedad Internacional de Diseñadores Tipográficos (International Society of Typographic Designers),Berlín, Londres y San Francisco, estos lugares se han convertido en su lugar de refugio, en donde vive y trabaja diseñando publicaciones (como la revista The Economist), sistemas complejos de diseño (como el diseño corporativo de Bosch y DB, German Railways) y más tipografías. Su nueva firma de diseño se llama UDN United Designers Network.

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Por: Claudia Pinto Tantaleán Sobre su información personal, no es sencillo encontrar datos; no obstante, la búsqueda no es –ciertamente- imposible. Nacida en agosto del 1945 en Decatour, Illinois, McCoy comenzó su carrera desde joven. Su primer contacto con lo que vendría a ser su futuro fue en un viaje familiar, cuando llegó al Museo de Arte Moderno en New York. Más adelante, en la Universidad de Michigan, estudiaría diseño industrial. Poco después de egresar, comenzó a trabajar en Unimark International como diseñadora gráfica. De igual forma, trabajó con Chrysler Corporation’s Corporate Identity Office tanto como con Omnigraphics of Boston, y un estudio publicitario de Detroit llamado Designers and Partners.

Algo sobre su carrera En 1971, creó junto a su esposo, Michael McCoy, la asociación McCoy & McCoy, una consultoria de diseño; al mismo tiempo, se introdujo en la cátedra al ejercer, nuevamente junto a su esposo, como co-presidenta en la Academia Cranbook de diseño de posgrado encargándose del programa dedicado al diseño gráfico.

Estoy realmente agradecida " de tener una base en diseño industrial porque en diseño gráfico aún no se enseña mucho de metodología conceptual otra que el "¡Ah!" El método de a intuición: tienes tu brainstorm, obtienes tu idea y luego le das forma.

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Otro mérito adquirido es el ser ex presidenta y miembro de Industrial Designers Society of America. Asimismo, fue presidenta del American Center. Luego fue –nuevamente en el cargo- presidenta del panel de la NEA Design Arts Fellowships Grant en los ochentas.

Uno de sus más destacados trabajos fue como productora de televisión pública de un documental dedicado al futuro de onda: Japan Design.

51 Algo sobre los premios Junto con su esposo, McCoy ha recibido numerosos premios como el recibido por el Centro de Diseñadores, la medalla AIGA,premios de la ID Magazine, de impresiones, interiores y por parte de la Fundación Japonesa de Diseño. Además, ha recibido otra medalla por parte del American Institute of Graphic Arts –en reconocimiento a su labor de cátedra-, un premio por parte de Chrysler en pos de la “Innovación en Diseño” y otro laurel por parte de Industrial Designers Society of America Educación.

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Algo sobre su arte Avalándome de palabras suyas, puedo afirmar que Katherine McCoy es una tipógrafa estrella. Su arte no consiste en crear solamente estilos para el abecedario, sino que utilizar este mismo como herramienta y volverlas imágenes útiles para dar un mensaje, trasmitir emociones y creas sentimientos en la gente.

Muchos hablan maravillas de su carrera como diseñadora y su laborioso trabajo como catedrática pero McCoy es algo más que muchos premios y una genialidad para la creación de imágenes vendedoras.

Es, también, una mujer con visión de artista. Ella

busca enseñar que el ABC puede expresar más que una imagen o una secuencia de las mismas.

Además, propone una revaloración del uso del texto en los diseños de tal forma que los ubica como estrictamente necesarios y únicos en la composición.

La ubicación, el orden, colores y estilos de tipografía que adapta, cada uno cuenta y el extremo cuidado en cada una de las elecciones es notorio e innovador. Se basa en técnicas que bordean las técnicas utilizadas en la arquitectura para la organización de sus proyectos, al mismo tiempo que transmite mucha información en pocos carateres.

El reto para un diseñador " gráfico es convertir los datos en información y la información en mensajes con significado.

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Como mencionamos anteriormente, su trabajo ha sido recopilado en ciertos museos y agregando a los anteriormente mencionados podemos mencionar al Museo de New York, el Museo Británico de Diseño y el Museo de Arte Moderno de San Francisco.

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NO ME INTERESA EL DISEÑO GRÁFICO POR: MARTÍN ADÁN

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desde hace 25 años, Peter Saville viene construyendo el imaginario de un buen número de amantes de la música a través del diseño de cubiertas de discos para grupos como Joy Division, New Order, George Michael, Roxy Music, Peter Gabriel, OMD y Suede, entre otros.

SAVILLE considerado unos de los diseñadores mas talentosos de su generación, Saville ha sabido ganarse la admiración de todo tipo de publico. en medio de una rebeldía ante lo común, peter es catalogado como un artista glamoroso, excentrico, casi casi una superestrella pero no del cine ni del futbol, sino del diseño gráfico. nació en manchester en el año de 1955, “usar el proyecto de estudió en el Mancomunicación de un cliente como chester Polytechnic donde se formó un lienzo para manifestar las ideas y donde conoció a propias es inapropiado” otros artistas que nutrieron su concepto matriz sobre diseño. a partir de ahí por una cuestión de suerte tuvo un encuentro con Tony Wilson, a quien le mostró un libro sobre tipografia y quedó encantado, con lo que recibe su primer trabajo: un cartel para factory club. es ahí que se vuelve socio y funda Factory Records, donde en el año de 1979 realiza su primer éxito unknow pleasures una portada para el disco de Joy Division.

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Desde su punto de vista, en la actualidad nos encontramos en un momento cultural de consumo rápido y arbitrario, en el que la obsesión por la moda en el diseño gráfico y la tipografía acelera a los diseñadores hasta su desaparición. Los lenguajes gráficos se transmiten extensa y rápidamente, se copian tanto que la gente se aburre muy pronto de ellos. En un panorama así, la salida –menos problemática y más coherente con lo que actualmente piensa, para sus inquietudes creativas ha sido embarcarse en proyectos de auto encargo, como el titulado Waste Paintings, una se-

rie de “pinturas píxel”, manipuladas con Photoshop y que parten de su propio trabajo realizado durante dos décadas, al que somete a un proceso de “trituración”, algo que continúa, sin duda, en la línea de uno de los recursos que le hizo famoso ya en los años ochenta: la apropiación, cuando, de manera irreverente, comenzó a tomar imágenes conocidas y a emplearlas en sus diseños. sin duda este fue el caso de la cubierta del disco Power, Corruption and Lies (1983) de New Order para la que utilizó un fragmento del cuadro Rosas de Fantin-Latour, realizado en 1890

“Veo una cantidad horrible del diseño que se hace en este momento que se permite demasiados excesos. No es arte, y no es diseño de comunicación, es sólo una gráfica de papel pintado”.

ARTISTA VERSATIL Poseedor de un estilo minimalista y abstracto, sus trabajos se caracterizan por ser muy adelantados para su época lo cual permite camuflarse muy bien con el arte contemporáneo. Un artista que se mueve en el mundo de la moda, música y publicidad es conciente del verdadero propósito del diseño: comunicar y no simplemente adornar. Pues bien, considerado como un outsider, le resulta complicado adaptarse a cualquier estructura u orden.

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