CreArte 4

Revista virtual de los alumnos de Taller de Diseño Gráfico 1 Facultad de Comunicaciones - Universidad Peruana de Ciencias Aplicadas Año 3, Número 4.

Ciclo 2010-2

HITCHCOCK • FELLINI KUBRICK • GORDON LEWIS ALLEN • SPIELBERG MIYAZAKI • ALMODÓVAR RAIMI • CAMERON KUSTURICA • BURTON TARANTINO

Julio Cรกceres

LUCES, CÁMARA... ¡REACCIÓN!

D

espués de tres números dedicados al mundo del arte y del diseño, era hora de hacer un cambio, ¿no? Y como el profesor es un tirano, entonces decidió dedicar el trabajo de este ciclo a una de sus grandes pasiones: el cine. Afortunadamente, la respuesta del alumnado fue positiva... o por lo menos aparentaron bien. No les quedaba otra, mua, ja, ja. ¿Qué tenemos entre manos, entonces? Pues una selección de los mejores directores que alguna vez han plasmado sobre la pantalla sus fantasías, pesadillas, sueños y alucinaciones. Y a un grupo de alumnos que han hecho eco de este talento y han demostrado, con el suyo propio, que el universo audiovisual puede ser tambièn trasladado al mundo bidimensional de una hoja de papel, en plena euforia 3D y bajo el reinado del BluRay.

La clase de Taller de Diseño Gráfico 1 de este ciclo ha sido gratamente divertida y altamente creativa, con un despliegue parejo de trabajo donde la consigna fue una sola: pasarla bien aprendiendo. Y habrá sido la buena onda o la alineación de los astros, pero el resultado final es más que alentador. La experiencia será repetida en la próxima edición donde, por supuesto, cambiaremos la mirada y apostaremos por otra tanda de visionarios del fotograma en movimiento.

Solo resta tomar asiento, coger un puñado de canchita, el vaso de gasesosa (de plàstico y con hielo, por favor), atender a los créditos iniciales y sumergirse en el mundo de esta nueva edición de CREARTE, hecha con pasión, cariño y muchas lágrimas. Mismo Cinema Paradiso.

El profe

TALLER DE DISEÑO GRÁFICO 1

Ciclo 2010-2. Sección H406 Portada: Melanie Cumbay

Luis Beraún - Julio Cáceres Gustavo Canahualpa - Pablo Carrillo Nelly Cayaca - Rafael Contreras Melanie Cumbay - Diego Guerrero Mauricio Guevara - Frances Melendez Cynthia Morales - Berenice Suárez Renzo Torres

LA V DE H

el Reconocido director Rodó 23 largometrajes en sus quince primeros años y ya en ellos quedó definido su estilo fuertemente visual lleno de golpes de efecto. en años posteriores logró consgrarse como uno de los mejores directores de la historia y es considerado como el padre del suspenso gracias a su magistral obra psicosis.

VENTANA HITCHCOCK Por Julio Cáceres

N

ació en Londres el 13 de agosto de 1899. Sus padres poseían un negocio de frutas y verduras, lo cual no estaba nada relacionado con lo que él luego amaría.

Hitchcock estudió en un colegio jesuita. En 1919 la Famous Player-Lasky abrió una sucursal británica y fue ahí donde encontró su primer trabajo como rotulista. Cuatro años después, Michael Bacon creó una nueva compañía y Hitchcock se desempeñó multifacéticamente en ella fue rotulista, guionista, director de arte, ayudante de dirección, etc. Es en ese momento que conoce a Alana Reville, con la quien se casará a finales de 1926. En ese mismo año dirije su primera película: El jardín de la alegría. Sin embargo, no será hasta su tercer largometraje donde definirá un estilo auténticamente hitchcockiano.

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Ascenso como director

En 1929 filmó La muchacha de Londres, su primera película hablada. A partir de 1934 empieza a rodar una serie de películas de suspenso que le dan fama mundial y que fueron su pasaporte a Hollywood,donde luego sería conocido como el padre del suspenso. La mejor película de su etapa británica ésta sería, sin duda, Los 39 escalones.

“Hay algo mas importante que la logica: es la imaginacion.”

Dirección en Usa

En 1939, año de su traslado a América, Rebeca ganó el Oscar a mejor película.

Los años 50 supondrían su segundo gran periodo. En 1954 y con el rodaje de La ventana indiscreta, una de sus películas favorita, comienza a trabajar con la Paramount, será la primera película en la que colabore con James Stewart. Un año después Alfred Hitchcock se nacionalizó norteamericano.

Psicosis

En 1960 se filmó Psicosis, el cual es uno de sus mas conocidos trabajos por la intensidad y golpes de susto que esta logra provocar. Con esta película logra consgrar su carrera al ser considerada como uno de los clásicos del cine. Cada escena muestra un enfoque diferente y es tomada en cuenta como una de las peliculas de horror mas efectivas.

Últimos años de vida

Su última película la dirigió en 1976 bajo el título de La Trama. Un año antes de morir, 1979, recibió un homenaje del American Film Institute y es curioso señalar que aunque sus películas fueron galardonadas, Hitchcock nunca recibió un Oscar como mejor director. Solo pudo conseguir cinco nominaciones y una estatuilla honorífica en 1967 concedida en memoria de Irving Thalberg. En 1980 falleció en Los Angeles.

Nominaciones al Oscar • • • •

Oscar a mejor director 1940 Oscar a mejor director 1944 Oscar a mejor director 1945 Oscar a mejor director 1954

“El cine no es un trozo de vida, sino un pedazo de pastel.”

Películas más importantes Hitchcock con su estilo logra hacer complices a los espectadores por su estilo cinematográfico. Haciendo uso de bromas macabras y entradas fuertes que logran captar toda la atención.

39 escalones (1935)

Rebecca (1940)

La ventana indiscreta(1954)

Vértigo (1958)

Psicosis (1960)

Los pájaros (1963)

Frenesí (1972)

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Berenice Suรกrez

fellini Por Berenice Suรกrez

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Las obsesiones de Fellini, las Federico Fellini nace en Rímini en 1920.

Considerado uno de los artífices de la modernidad cinematográfica, altera en su obra las reglas de la narración y reconcibe el cine con absoluta libertad.

El sello de Fellini es la exteriorización del mundo propio que logra desencadenar en sus filmes, es su mayor sello. En ellos, brotan sus miedos y sus fantasías, y el espectáculo tiende a sobrepasar lo real, pero también lo cotidiano; se movió entre la realidad y la fantasía, entre el artista y el bufón.

El Satir

icón

A

lo largo de su carrera cinematográfica, Fellini ha hecho grades obras, entre las que se destaca Amarcord, un retrato de infancia y juventud probablemente autobiográfico ubiendo en la Italia fascista de los años 30, donde aparecen las obsesiones que marcaron su obra: la religión, el sexo y la voluptuosidad de la mujer.

8 1/2 fue su novena película, pero el director no creyó que llegara a ser una película completa y de ahí su título. Es una obra maestra que nos habla de la crisis de creatividad de un director, encarnado de nuevo por el alter ego de Fellini, con una banda sonora de esas que pasan a la historia.

El dibujante de sus sueños: Fellini comienza a interesarse

por el psicoanálisis y empieza a plasmar en un cuaderno dibujos sobre sus sueños. Estos dibujos no son meros esbozos sino verdaderas obras de arte en la utilización del color, y en ellos se nota la maestría del director con el lápiz: algunos dibujos son impresionantes.

Al director le gustaban las mujeres “ricas en femineidad animal”. Tanto en sus sueños como en sus sibujos abundan las mujeres gigantes, de cuerpos suntuosos y piernas abiertas, como la célebre estanquera de Amarcord.

Las mujeres de Fellini parten de estereotipos, pero al mismo tiempo son poderosas y generan miedo en los hombres.

“La prostituta es el contrapunto esencial de la mamma italiana: igual que la madre nos alimenta y nos viste, la puta nos inicia en la vida sexual”.

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que soñó y las que construyó

Amarco

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La Estr

ada

La Estr

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Casano va

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Asímismo, la mayoría de sus dibujos se convierten en anédotas por la vinculación que tienen con los rodajes, algunas de las cuales han pasado como iconos del séptimo arte, La Dolce Vita fue filmada en blanco y negro, pero a través de la pintura Silvia como la Vía Láctea se desvela que era el azul el color del vestido de Anita Ekberg en plena Fontana di Trevi. Él se inspiró en lo soñado, pero también en lo vivido. En la escena final de La Dolce Vita, el monstruo marino estuvo inspirado en el que Fellini vio de niño en la triste Italia de la posguerra. Él necesitaba creer en milagros de la naturaleza y en apariciones marianas.

La palabra paparazzi fue introducida en la película La Dolce Vita.

Uno de los personajes es fotógrafo de las noticias de nombre Paparazzo. Fellini tomó el nombre del Italiano, palabra del dialecto para un particularmente ruidoso mosquito.

Nine: Música, chicas y un poco de Fellini

Penélope Cruz en la película Nine

El director estadounidense Rob Marshall cuenta con un musical que es un digno remake de 8 ½.

La historia cuenta la vida de Guido, un director de cine que atraviesa una crisis creativa. En la planeación para su próxima película, él se encuentra en un punto en el que comienza a cuestionarse por todo aquello que le ha acontecido, siendo parte importante las mujeres que han formado parte de su vida, desde su madre y sus musas hasta sus amantes.

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Cynthia Morales

STANLEY KUBRICK

un fotógrafo ajedrecista en el cine

El fotógrafo, guionista, productor y director de cine Stanley Kubrick es considerado uno de los cineastas más influyentes del siglo XX gracias a su precisión técnica, perfeccionismo y estilización, su buen manejo de la perspectiva y el marcado simbolísmo que se ve en sus películas.

Por: Cynthia Morales Manco

Stanley Kubrick (1928-1999)

VIDA. Stanley Kubrick nació en Nueva York, en un barrio del Bronx, en una familia de clase media-alta de origen judío. Desde su juventud tuvo un gran interés por la fotografía, la cual practicaba con la cámara réflex que le regalaron sus padres. Entre sus otros intereses se encontraba la música jazz y el ajedrez. Los tres pasatiempos mencionados serán parte fundamental durante su carrera como director.

Fue el gusto y afán que sentía hacia la fotografía lo que le permitió conseguir un trabajo en una revista llamada Look, en la cual realizo reportajes fotográficos a las estrellas más importantes del momento.

A partir de ello es que comenzó a construir su reputación profesional.

Además, fue la melomanía de Kubrick la que le permitió durante su carrera como director estar siempre en contacto y discutir acerca de los temas relacionados con la banda sonora de sus películas, escogiendo en varias ocasiones, personalmente, piezas de música clásica.

LA NARANJA MECÁNICA A partir del libro que le regaló Terry Southern, Kubrick decidió filmar la adaptación de La Naranja Mecánica (1971), la cual no solo presentó innovaciones en el aspecto técnico como, por ejemplo, el uso de lentes más rápidos, cámaras ligeras de mano, los micrófonos Sennheiser Mk. 12 o usando nuevos tipos de equipos en la iluminación, sino que la música fue otro elemento que también destacó, empleando obras como la Sinfonía Nº 9 de Beethoven.

Sin embargo, la ultraviolencia que se presenciaba en la película causó tal controversia y conmoción en el público que, en 1973, fue cancelada su exhibición en las salas de cine del Reino Unido. Ganó dos Globos de Oro y recibió cuatro nominaciones al Óscar.

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En cuanto al ajedrez, se puede decir que fue lo que pulió su perfeccionismo y una frialdad profesional característica de él como director.

Este juego se puede ver homenajeado en algunas de sus películas.

Falleció en Inglaterra el 7 de marzo de 1999 a los 70 años de edad.

INICIOS. A la edad de 23 años realizó su primera filmación: Day of the Fight (1951), hecha a modo documental y con una duración de 13 minutos, la cual tuvo que financiar con sus propios ahorros.

Este film fue comprado por la RKO, quien lo contrató para que filmara otro documental de 9 minutos llamado Flying Padre. Su último documental, el cual duró 30 minutos, fue The Seafarers, que fue también su primer trabajo a color.

EL primer largometraje que realizó fue Fear and Desire (1953), película que costó al rededor de 13 mil dólares que obtuvo a partir de préstamos de sus familiares. Con las pocas ganancias que consiguió con su primera película, financió El Beso del Asesino (1955), la cual llamó la atención de un productor de la NBC, James B. Harris, con quien

Spartacus - 1960

Lolita - 1962

Dr. Strangelove - 1964

2001: Una Odisea del espacio - 1968

La Naranja Mecánica - 1971

El Resplandor - 1980

Ojos bien cerrados - 1999

trabajaría más adelante en diferentes proyectos. Juntos se asociaron en una productora y gracias a ello se realizó la película Atraco Perfecto (1956), la cual atrajo la atención de personajes como el jefe productor de la MGM. Firmaron un contrato con Kirk Douglas y se filmó Senderos de Gloria (1957).

un largometraje de 141 minutos que solo posee 40 minutos de diálogo y también la primera película de Kubrick sin narrador.

A partir de una obra que le regalaron de Anthony Burgess, decidió realizar La Naranja Mecánica (1971).

Barry Lyndon fue su siguiente película, realizada en 1975 y basada en la noDouglas contrató a Kubrick vela de William Makepeapara sustituir al direcce, y luego realizó The Shitor Anthony ning (1980) Mann en la Desde su juventud basada en la dirección de tuvo un gran interés obra de SteE s p a r t a c u s por King, la fotografía, phen (1960), pe- la quien no quecual practicaba lícula que dó satisfecho con la cámara réflex con el trabaganó varios premios de que le regalaron sus jo de Kubrick Entre sus debido a las la Academia padres. otros intereses se v a r i a c i o n e s y fue un éxito comercial. encontraba la música que hubieLuego, en jazz y el ajedrez. ron en la tra1962, reama. En 1987 lizó la película que tamse filmó La Chaqueta Mebién tuvo mucho éxito: tálica, donde se trata el Lolita, basada en la novetema de la guerra de Vietla de Vladimir Nabokov. nam y la cual también es En 1964, en medio de la adaptación de una novela.

Guerra Fría y la crisis de los misiles cubanos, filFinalmente, la última mó Dr. Insólito o: cómo película de Kubrick, que aprendí a dejar de preocufilmó antes de morir, parme y a amar la bomba. fue Ojos Bien Cerrados (1999), protagonizada NACE UN ÍDOLO. Alpor Tom Cruise y Nicole canzó lo más alto de su Kidman, y que contó carrera como director con con un presupuesto de la película 2001: Una Odi65 millones de dólares. sea del Espacio en 1968, la cual tuvo un presupuesto de 5.5 millones de dólares que después llegó a los 10 millones. Esta obra fue premiada y muy reconocida por los efectos especiales empleados. Es

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Melanie Cumbay

Lo horrible va mรกs allรก de lo que puedes creer

HERSCHELL GORDON LEWIS

Escrito & disenado por Melanie Cumbay Reyes

Herschell Gordon

Lewis

El Padre del cine Gore

N

acido el 15 de junio 1926 en Pittsburgh, Pensilvania, Herschell es el hombre que creó lo que hoy conocemos como “películas gore”, un cine que se deleita en mostrar sangre en generosas raciones a todo color.

Herschell Gordon Lewis se graduó en Periodismo en una universidad de Illinois y sus primeros trabajos fueron como profesor de Lengua en una escuela. Posteriormente se dedica a la Publicidad. En esta nueva etapa de su vida se traslada a Chicago, donde comienza a filmar spots publicitarios, trabajo por el cual conoce al productor David F. Friedman. Juntos fundan una compañía independiente, Mid-Continent Film, y comienzan a filmar películas nudies.

Pero Lewis no se conformaba con ser uno más de los cineastas nudies e incursionó en un nuevo género: el gore (nunca antes practicado en films). Una noche, mientras veía un film de gángsters, Lewis pensó que no era real que los tipos murieran llenos de balazos sin soltar gota alguna de sangre.

El foco se enciende y el gore nace como género. Por este motivo, Herschell Gordon Lewis es considerado como pionero y padre del cine gore.

El gore llega al cine En 1963, con David F. Friedman como productor, filma en aproximadamente una semana y con un presupuesto que rondaba los cuarenta mil dólares —si es que no

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“Cuando estrenamos Blood Feast ofrecíamos bolsas para vomitar con la inscripción: “necesitarás esto para ver Blood Feast” ¡La gente vino al cine sólo para conseguir las bolsas!”

H. G. Lewis

menos— la primera entrega del cine gore: Blood Fest. La película se anuncia como algo nunca antes visto y obtuvo un éxito notable. A pesar de la escasa calidad artística del film, el nombre de Lewis comenzó a sonar con fuerza en los circuitos cinematográficos. Las críticas que obtuvo esta película no fueron nada buenas; sin embargo, esto no desanimó al cineasta, quien no abandonó el género durante mucho tiempo.

Nace “La Favorita” Tras realizar algunas nudies más, entre las que destacan BOIN-N-G y Scum of the Earth, Gordon Lewis empieza a rodar de nuevo un film gore y el resultado fue el mítico 2000 Maniacs, por el que el director siente un especial cariño. Si bien no obtuvo las mismas ganancias como las de Blood Feast estas se le asemejaron mucho.

Con dos películas, que a cambio de poca

Una noche, mientras veía un film de gángsters, Lewis pensó en que no era real que los tipos murieran La última entrega como dupla llenos de balazos sin En 1964 la dupla Lewis-Friedman soltar gota alguna de rueda Color Me Blood Red, la misma que genera ciertas rencillas entre los sangre. inversión le habían retribuido generosas ganancias y que ya eran consideradas de culto, Lewis continúa explotando el género al que debía su fama.

amigos y se separan. Lewis continúa filmando y rueda A Taste of Blood, The Gruesome Twosome, The Wizard of Gore y The Gore Gore Girls, por citar sólo las de género. Tras esta última cinta —la que dicen es la más salvaje de las realizadas por él—, Lewis comienza a sufrir una serie de reveses económicos que acaban con su carrera cinematográfica.

Desde entonces no volvió a dirigir ninguna cinta hasta el año 2002, cuando se reunió con David Friedman y dirigió el remake de Blood Feast: Blood Feast 2: All U Can Eat. Actualmente, con 84 años, sigue dedicándose a la Publicidad y se dice que nadie ha escrito más libros y artículos sobre el tema. Internet Marketing: tips, tricks and tactics es su título más reciente. Sin duda, Herschell Gordon Lewis tiene un trayectoria respetable que vale la pena conocer.

EL GORE Es un género cinematográfico que define a las películas que emplean gran cantidad de sangre, vísceras y mutilaciones.

El primer director que utilizó la palabra gore fue su fundador, el norteamericano Herschell Gordon Lewis. La única intención de este y de los primeros cultivadores del género era causar fuertes sensaciones a los espectadores.

La posterior utilización del gore por parte de nuevas generaciones de realizadores originó una nueva denominación, atribuida a George A. Romero: splatter.

Frances MelĂŠndez

mujeres Comedia sexo y

W

tanatofobia

N E L L A Y D O O

Más que un director neoyorquino En su corta época universitaria, un profesor le dijo que debería ver a un psiquiatra debido a su bajísimo rendimiento y que, probablemente, iba a tener problemas para encontrar trabajo en el futuro. Veinticuatro años después, Woody Allen termina Annie Hall y gana su primer Oscar.

Allan Stewart Königsberg, más conocido como Woody Allen, nació en Brooklyn, Nueva York, el primero de diciembre de 1935.

Allen es uno de los directores y guionistas más respetados de la era moderna del cine. Allen proviene de una familia judía, lo que fue una inspiración para las películas que realizó.

Su carrera como humorista comenzó a los 16 años de edad. En 1952, se dedicaba a escribir chistes para algunos columnistas de periódicos. Allen ingreso a la Universidad de Nueva York,

pero uno de sus profesores le comento que él no era “material de universidad” y que necesita ayuda psiquiátrica porque le parecía que no tendría mucha suerte en encontrar trabajo.

En 1968 rueda su primera película, Take the money and run. Al comienzo, ninguna productora quería financiar sus proyectos, pero después del éxito que tuvo esta primera película, no costó mucho encontrar a alguien que siga pagando sus películas. En 1970, Allen firma un contrato con United Artists y, de esta manera filma

Algunas musas de Woody...

Diane Keaton

Mia Farrow

Penelope Cruz

Bananas, su segunda película. Siete años después, Woody Allen realiza Annie Hall. Esta película lo lleva a conseguir un Oscar, pero no acudió a la ceremonia porque, según él, se olvido.

En 1979, el comediante realiza la película que lo haría famoso como director. Manhattan esta filmada a blanco y negro, es una comedia romántica y es considerada como un clásico del cine. Esta película contiene tomas en, como

Scarlett Johansson

el mismo nombre lo dice, lla gran manzana, en Manhattan.

Woody Allen es un personaje interesante y excéntrico. Este director es conocido por su clara afición a las mujeres.

En distintas ocasiones ha mostrado que su reconocido trabajo se debe a sus musas de inspiración. En algunos casos, Allen ha tenido relaciones sentimentales con sus llamadas “musas”. Este es el caso de Louisse Lasser, Diane Keaton

y Mia Farrow, quienes se han visto involucradas con el famoso director, incluso Lasser llego a ser su segunda esposa.

En 1977, premio al Mejor director por Annie Hall.

Luego, en 1977, premio al Mejor guión original por Annie Hall.

Gracias a su talento y a sus musas logró ser ganador en distintas ocasiones:

A estos premios se le agregan otros por Manhattan, Broadway Danny Rose, Hannah y sus hermanas, maridos y mujeres, entre otros. Estas peliculas fueron premiadas por BAFTA.

En 1986, premio al Mejor guión original por Hannah y sus hermanas.

“Sleeper”, otra película donde aparece Diane Keaton.

“Manhattan”, clásico del cine.

Annie Hall, la primera película ganadora del Oscar de Woody Allen. En ella actúa una de sus musas, Diane Keaton.

Frases celebres: • “El sexo sin amor es una experiencia vacía. Pero como experiencia vacía es una de las mejores.”

• “Sólo existen dos cosas importantes en la vida. La primera es el sexo y la segunda no me acuerdo.”

• “En realidad, prefiero la ciencia a la religión. Si me dan a escoger entre Dios y el aire acondicionado, me quedo con el aire.”

• “No le temo a la muerte, sólo que no me gustaría estar allí cuando suceda.”

• “¿Existe el Infierno? ¿Existe Dios? ¿Resucitaremos después de la muerte? Ah, no olvidemos lo más importante: ¿Habrá mujeres allí?”

Mauricio Guevara

Steven Spielberg

Creador innato “Me gusta el olor del filme”

por Mauricio GUEVARA MORALES

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El rey Midas de Hollywood Steven Allan Spielberg (18 de diciembre de 1946) es un director, guionista y productor de cine estadounidense. En una carrera que abarca más de seis décadas, las películas de Spielberg han cubierto muchos temas y géneros, destacando principalmente: la ciencia ficción. En los últimos años, sus películas comenzaron a abordar temas como el Holocausto, la esclavitud, la guerra y el terrorismo. Es considerado uno de los cineastas más influyentes en la historia del cine.

S

u primer trabajo profesional en la televisión llegó cuando fue contratado para hacer uno de los segmentos para el episodio piloto de Gallery Night en 1969.

Realizó algunas producciones de bajo presupuesto que no alcanzaron algún tipo de ruido en el campo cinematográfico, pero Spielberg no sabía lo que se aproximaba desde las profundidades.

COMIENZA EL ÉXITO A pesar de que no era su primera opción, los productores de Tiburón, una película de suspenso-terror basada en la novela de Peter Benchley sobre un tiburón asesino enorme, llamaron a Spielberg para realizar la tarea. La película parecía encaminada hacia el olvido ya que el proceso de filmación fue muy complicado, pero Tiburón fue un gran éxito de taquilla, ganando tres premios Oscar. Es considerada un clásico del cine.

Rechazaría dirigir Tiburón 2, King Kong y Superman.

Luego se reuniría nuevamente con el actor Richard Dreyfuss para trabajar en una película sobre ovnis. Esta sería Encuentros Cercanos del Tercer Tipo (1977). Esta película le daría a Spielberg su primera nominación al Oscar en la categoría de Mejor Director.

A continuación, Spielberg se unió su amigo, el creador de Star Wars, George Lucas, en una película de acción y aventuras, Los cazadores del Arca Perdida, la primera de las películas de Indiana Jones, un arqueólogo aventurero, interpretado por Harrison Ford. Después, Spiel-

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2

berg volvería al género de ciencia ficción con ET el extraterrestre., historia de un joven extraterrestre que es abandonado en la tierra accidentalmente, donde es acogido por una familia que lo cuida mientras él busca la forma de volver con los suyos. Esta película se convirtió en la más taquillera de todos los tiempos y fue nominada a nueve premios de la Academia, incluyendo Mejor Película y Mejor Director.

Mas tarde filmaría la secuela de Indiana Jones: Indiana Jones y el templo de la maldición (1984). Al año siguiente, Spielberg lanzó El color púrpura, una adaptación de la novela de Alice Walker, ganadora del premio Pulitzer.

Después de dos incursiones en películas dramáticas dirigió la tercera película de Indiana Jones: Indiana Jones y la última cruzada (1989).

LOS NOVENTAS En 1991, Spielberg dirigió Hook, sobre la historia de un adulto Peter Pan interpretado por Robin Williams, quien regresa a Neverland. En 1993, Spielberg volvió

“

La gente ha olvidado como decir una historia. Hoy las historias carecen de un medio o un final. Ellas usualmente tienen un inicio que nunca termina de iniciar

”

“

Premios y condecoraciones Cada año que pasa, cada uno de nosotros somos una diferente persona.

No creo que se permanezca siendo el mismo a lo largo de la vida.

”

•

Premios Oscar:

Mejor Director: - La lista de Schindler (1994) - Rescatando al soldado Ryan (1997) Mejor Película: - La lista de Schindler (1994) •

Globos de oro:

Mejor Director: - La lista deSchindler (1994) - Rescatando al soldado Ryan (1997)

al género de aventuras con la versión cinematográfica de la novela de Michael Crichton Jurassic Park, historia de un parque de atracciones con dinosaurios reales creados genéticamente. Esta película revolucionaría los efectos especiales. La próxima película de Spielberg, La lista de Schindler (1994), basada en la verdadera historia de Oskar Schindler, un hombre que arriesgó su vida para salvar a 1.100 judíos del Holocausto, le daría su primer Oscar a mejor director.

Dirigiría dos películas en 1997: Amistad, basada en una historia real acerca de una rebelión de esclavos africanos y El mundo perdido: Jurassic Park 2, que no tendría la misma acogida que la primera parte. Al año siguiente, realizaría un exitoso film sobre la Segunda Guerra Mundial, llamada Rescatando al soldado Ryan, sobre un grupo de soldados de EE.UU enviados a rescatar a otro soldado. Esta película protagonizada por Tom Hanks fue un gran éxito de taquilla, recaudando más de 481 millones dólares en todo el mundo y fue el film más taquillero del año en la taquilla de América del Norte. Spielberg ganó su segundo Oscar por su dirección.

SIGLO XXI En 2001, rodó Inteligencia Artificial, una película futurista de un androide humanoide que buscaba amor. Al año siguiente rodaría Atrápame si puedes y Minority Report, protagonizada por Tom Cruise, historia sobre un capitán de la policía de Washing-

Mejor Película - Drama: - E.T el extraterrestre (1983) - La lista de Schindler (1994) -Rescatando al soldado Ryan (1997) •

Premios Bafta

Mejor Director: - La lista de Schindler (1994) Mejor Película: - La lista de Schindler (1994)

ton DC en el año 2054. En 2004 filmaría La Terminal con Tom Hanks. Al año siguiente dirigió una adaptación moderna de la Guerra de los Mundos protagonizada por Tom Cruise y Dakota Fanning. La película fue otro éxito de taquilla, pero no tuvo la aceptación esperada.

Ese mismo año dirigió Munich, sobre los acontecimientos después de la masacre de Munich en 1972.

La película recibió elógios de la crítica, pero malos resultados en los EE.UU. Esta fue, probablemente, la película más controvertida de Spielberg hasta la fecha. La película recibió cinco nominaciones al Oscar, incluyendo Mejor Película y Mejor Director.

Finalmente dirigió Indiana Jones y el Reino de la Calavera de Cristal, que terminó de filmar en octubre de 2007, pero que fue estrenada en mayo del 2008. En el 2009 dirigió Old boy, y para este año prepara una película biográfica del presidente estadounidense Abraham Lincoln y una película llamada War house.

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Rafael Contreras

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a . . . por: Rafael Contreras MelĂŠndez

Cuando un niĂąo se da cuenta que el mundo donde vive estĂĄ mal hecho, se convierte en un defensor de la paz y la inocencia.

Hayao Miyazaki es co-fundador y actual director de los Studios Ghibli, uno de los estudios de animación más galardonados de Japón. Sus películas de anime son consideradas como espléndidas, imaginativas, emotivas y extensamente elogiadas por todo el mundo del cine.

El Director Hayao Miyazaki

H

ayao Miyazaki nació el 5 de enero de 1941 en TokioJapón. Cuando niño, su madre padeció una terrible enfermedad que la postraría a una cama durante nueve años, lo cual marcó su niñez y gran parte de su adolescencia. La guerra también le alcanzaría en esta etapa de su vida. Su padre y su tío dirigen una sociedad que fabrica timones para aviones. Muestra rápidamente una gran pasión por la aviación y, más tarde, por el dibujo. En 1963, provisto de un título de economista, entra en la Toei Animation, el estudio más importante de Japón con el cargo de intercalador (encargado de dibujos entre movimientos).

Ahí conoció a Isao Takahata amigo incondicional con el que sigue trabajando hoy en día.

Miyazaki fue ganando más responsabilidades en sus primeros años de trabajo, lo que le lleva a colaborar con Isao Takahata en los anime Heidi, Marco, Ana de las Tejas Verdes y La abeja Maya para el estudio Zuiyô Enterprise en los setenta, más tarde se convertiría en Nippon Animation. En 1978 dirige su primera serie Conan el niño del

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futuro y en 1979 su primera película: El castillo de Cagliostro, la única que no es considerada del Studio Ghibli.

A continuación seguirán veinte años de trabajo durante los cuales subirá todos los escalones dentro de la profesión (animador, guionista, realizador, p r o ductor) hasta acceder a la independencia total en 1985 con la creación de Studio Ghibli. Cuando entra en la Toei, Miyazaki tiene 22 años y en el país impera la moda de las series largas de televisión. Los empleados del estudio son enormes y Miyazaki se siente pisoteado por este gigantismo. Con su compañero Isao Takahata sueña con guiones sutiles, capaces de divertir tanto a padres como a hijos.

En 1968, colaboran en Horus, príncipe del sol, que por su narración marca un antes y un después en el mundo de la animación nipona. En 1971, Miyazaki y Takahata abandonan la Toei. Miyazaki tiene varios empleos en diferentes productoras, siem-

(1988)

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(2001)

pre con el mismo objetivo: hacer largometrajes. Pasarán ocho años antes de crear Arsene Lupin y El Castillo de Cagliostro (1979).

Después deja temporalmente los dibujos animados para firmar un manga en siete entregas, Nausicaä, el valle del viento, que es su primera creación original relevante. En la historia, que narra el combate de una princesa que vive en un planeta consumido por la industria, encontramos dos elementos que se repetirán en sus películas: el pacifismo y la ecología. Es el gran giro de su ca-

“Miyazaki nos muestra un mundo de ficciones conde los temblores de lo humano achechan.”

rrera. Así nace Studio Ghibli (patronímico elegido por Miyazaki en memoria a un avión de caza italiano). En la actualidad, Ghibli tiene en su haber casi dos decenas de películas, de las cuales Miyazaki ha dirigido la mitad; entre las que destacan Princesa Mononoke y la galardonada El viaje de Chihiro que obtuvo un oscar a mejor película animada en el 2001 (hasta la fecha es la única en formato anime y la única de lengua no inglesa).

La mirada de un niño viejo

L

a obra de Miyazaki es rica en contenido y en simbolismos por lo que sus proyecciones no solo están dirigidas a los niños. En realidad, está dirigida a los jóvenes y adultos que mientras crecen se ven obligados a

(2004)

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separarse de la inocencia y, por lo tanto, según esta perspectiva, del verdadero sentido de la vida.

La mirada de un n i ñ o que no c o m prende por qué la gente tiene que crecer, abandonar los juegos para estrellarse de bruces contra un mundo que está mal hecho: fue construido por los adultos, con guerras, caprichos, injusticias, explotación, egoísmo. Sin embargo, Miyazaki no le da la espalda a este mundo si no que lo pinta y adorna –pero no para falsearlo– con historias asombrosas que se convierten en gritos: Despierta, vive.

Sus historia son recordatorios de que el mundo está mal hecho, que si actuamos para salvar a los que queremos no siempre seremos recompensados, quizás lo contrario; que los niños también sufren las consecuencias de las guerras; que el progreso no se maneja con la cabeza, sino con ego; que las brujas se pueden arrepentir o que los buenos también hacen cosas malas; que siempre hay varias perspectivas; que hay espíritus en todos lados; y que el amor, el verdadero, se basa en la inocente idea de querer proteger a alguien. Lo que Hayao Miyazaki nos muestra es un mundo de ficciones donde los temblores de los humano acechan. Un mundo tan simple de ver que hasta un niño lo entiende, pero que un adulto prefiere ignorar.

Studios Ghibli スタ

ジオジブリ

Estudio de animación japonés de gran renombre que cuenta con películas de enorme importancia en la industria cinematográfica.

Fundada en 1985, en la actualidad el estudio es dirigido por Miyazaki junto con su colega y mentor Isao Takahata. En un comienzo, Tokuma era la compañía "madre" del Estudio Ghibli, pero hace unos años cedió a la gigante occidental Disney los derechos de video y distribución de varias películas; entre ellas La Princesa Mononoke (1997) y El Viaje de Chihiro (2001).

Debido a la fama de los estudios se abrió en las afueras de Tokio el Museo Ghibli. Este fue inaugurado en 2001. El museo está ubicado en Mitaka, al oeste de la capital japonesa.

31

Pablo Carrillo

TODO SOBRE PEDRO

PA-69

ยกร TAM

E!

Un reporte de Pablo Carrillo

¡MATADOR! S

Pedro Almodóvar Caballero, director de cine, nació en Ciudad Real, España. Con 61 años de vida tiene muchas condecoraciones y reconocimientos.

PREMIOS

e crió en medio de una Los Goliardos. Con ayuda de algunos familia de arrieros y amigos reunió 3000 € y así pudo rodar su con una fuerte presen- primera película: Pepi, Luci, Bom y otras chicia femenina a su alrededor; cas del montón. Junto a su hermano Agusesta podría ser la respuesta a la tín, en el año 1985, fundó la compañía gran importancia que le da a las productora El Deseo. Entre sus promujeres en sus películas. Su ba- ducciones estuvieron La ley del deseo, chillerato lo estudió con los pa- Mujeres al borde de un ataque de nervios, dres salesianos y franciscanos en ¡Átame!, Tacones lejanos. Estas producCáceres capital. Aquí fue donde se ciones tuvieron cierta repercusión a aficionó con el cine. A los 22 años nivel internacional, sobre todo en se fue a Madrid para estudiar cine, Francia. Colores intensos, vida sapero no pudo porque la Escuela de turada, mujeres exaltadas y realidaCine se había cerrado. Tuvo muchos des exageradas, eso y mucho más empleos, uno de ellos de oficinista de engloba el cine de Almodóvar.

Telefónica. Formó parte del Representa una realidad margigrupo teanal y con una abundancia de tral elementos provocadores y escandalosos como las drogas, la prostitución, ho-

mosexualidad y, sobre todo, escenas de sexo. Con el paso de los años, sus guiones se volvieron más coloristas.

Dentro de las películas de Almodóvar, se puede apreciar claramente una mezcla de lo tradicional y lo transgresor. Además, es característico que utilice una estética muy a lo punk y a lo cutrelux; es decir, usa excesivamente los colores vivos, con mucho brillo, fuertemente saturados y con el contraste en su máximo esplendor. Por otro lado, es muy habilidoso en su papel de guionista; la mayoría de sus historias trabaja muy bien los personajes femeninos. A pesar de ser un gran director reconocido a nivel mundial, en su país tiene muchos detractores que lo acusan de difundir estereotipos equivocados de los españoles. Por ejemplo, los españoles son homosexuales, drogadictos, travestis, etc. jor director

e Cannes al m

(1999)

Óscar a mejor película extranjera (1999)

Óscar a m

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Cannes

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original (2

002)

(2006)

í en “Nac ala m una ra Espaa pa ente époc ro realm l e e ña, p ena para bu ine.” c 34

a llen á t s e asa as Su c ntigu a s a fí togra de fo

Sus p elíc más f amosa ulas sobre s: Tod mi ma o ¡Átame dre; Vo ! l mala e ; Tacones leja ver; du n la; La fl cación; Carn os; La et or de m i secre rémuPepi, L uci, to; del mo Bom y otras Kika; c ntón; H able co hicas Matad ne or, En tre tin lla, ieblas...

de su padre y de su madre

o Fabi ó a rm o Junt ara, fo l “Alam ca McN o musi amara”. cN uet res el d ar y M s céleb am ne óv mod cancio movida á, en am Tien o de la ser m n a a r dent ña: Voy e, y Sus drile it to m wn.

Suck get do

e dre, qu Su ma murió en 1999, aparece en algunas de sus películas

Jo Sab a q un ina u í n se a can tie n ll c ro ama ión q e “Y se ue Alm r una o qui ec od óva hica r”

Cecilia Roth

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La presencia de la mujer en el cine de Almodóvar es muy importante, aquí algunas actrices muy ligadas a él:

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Luis BeraĂşn

Sam Raimi POR LUIS BERAÚN

“No me gustan los espectáculos, no me gustan los shows, yo solo quiero trabajar íntimamente con mis actores”

S

am Raimi nació el 23 de octubre de 1959 en Franklin, Míchigan. Es director de cine estadounidense que empezó a aficionarse por la realización a los 13 años de edad gracias a una primitiva cámara de video que tenía un amigo suyo. * Sus inicios

Raimi rodó dos secuelas de este film: Evil Dead II, una especie de remake alocado y ultra-gore de su predecesora, y Evil Dead III: Army of Darkness, un film más cómico que terrorífico.

Su filmografía incluye Ola de crímenes, ola de risas, coescrita con sus amigos Joel e Ethan Coen; Darkman, Rápida y mortal, Un plan sencillo, Entre el amor y el juego, A lo largo de su trayecto- P r e m o n ición y la ria como realizador, Sam taquillera Raimi ha creado una gran saga de variedad de películas que Spider van de la comedia de tor- man. tazos al terror más gore.

Raimi comenzó su carrera como director con filmes de terror de bajo presupuesto como, se pon 1990, Raimi también dría decir el estilo con trabajó para la telel cual se lo reconoce, evisión, como productor la trilogía The Evil Dead. de series como Hércules los viajes legendarios y En 1981 escribió y dirigió Xena: la princesa gueruna de las obras más inrera. Más conocido acnovadoras del género tualmente por ser el de fanta-terror: The Evil director de la saga de Dead, una acertada comSpider-Man. binación de humor negro, terror sobrenatural y el gore más brutal.

E

2 38

* Sus logros

C

omo actor ha participado en pequeños papeles en películas como Thou’ Shall Not Kill, Espías como nosotros, Maniac Cop, Muerte entre las flores, El gran salto o Los Picapiedra, así como en alguna que otra producción para televisión.

En líneas generales, Sam Raimi se hizo mundialmente conocido por la película spiderman, ya que batió récord de taquillas en el año de su estreno; por lo que después de tres años ya había una trilogía de tan exitosa película.

Sin embargo, Raimi no se caracteriza por hacer películas de ciencia ficción, debido a que desde sus inicios en la pantalla grande se caracterizó por realizar films de terror muy sangriento, por el cual se creó una imagen en cuanto a su personalidad.

* Filmografía 1981 The Evil Dead

1985 Crimewave 1987 Evil Dead II 1990 Darkman 1992 Evil Dead III Army of darkness 1995 Rápida y mortal 1999 Entre el juego y el amor 2000 Premonición 2002 SpiderMan 2004 SpiderMan 2 2007 SpiderMan 3 2009 Drag me to Hell

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3

Gustavo Canahualpa

Por: Gustavo Canahualpa

“La industria cinematográfica se trata de decir ‘no’ a la gente y dejar que te den un ‘no’ por respuesta.”

A los 56 años mas que un maestro en efectos especiales es un constructor de sueños que sigue deslumbrando con sus visionarias ideas

J

ames Cameron es uno de los directores y productores de cine más influyentes de los últimos 50 años. El canadiense ha mostrado una amplia versatilidad para posicionarse entre las personas que más influyen en el mundo. James Cameron no solo realiza películas o documentales sino que es un constructor de sueños. James deslumbra con su infinita imaginación, ya que esta le permite construir realidades ficticias, personajes fantásticos, realidades alternas e imaginar el futuro.

Desde Pirañas 2 hasta Avatar, él no se limita a reinventar las tecnologías de Cine. La ficción en el cine es para el espectador un pilar de donde parten pensamientos no solo pensamientos reflexivos sino constructivos. Es decir, de una fantasía el hombre crea más fantasías y la ficción de Cameron es muy rica en contenido. No se trata de mostrar efectos espaciales, luces y animaciones 3D sino existe un buen argumento para aplicarlos. De Cameron me encantan tres películas que son imperdibles los días que estoy solo y quiero ver una buena película de ciencia ficción.

El primero es Alien, el regreso (1986). A Cameron le encargan rodar la segunda parte del primer film del 1979, para esta película no solo debía innovar con sus tecnologías de filmación sino construir una historia que complementara el argumento incompleto que Dejo “El octavo pasajero”. En el film, Cameron destaca con sus tiros de cámara, sus planos aberrantes con cámara en mano y creando un ambiente tétrico, húmedo y oscuro que envuelve la guarida de las criaturas. Más allá de los trabajos del director de arte, Cameron construye planos que le dan valor a las actuaciones, los efectos especiales y la escenografía. Aliens II presenta un eje de las tomas ordenado pero no por ello está ausente el sentido de intranquilidad, ya que la película se desarrolla con un grupo de soldados y científicos en su afán de huir de la estación infectada de Aliens.

El mensaje de la película muestra que el hombre es vulnerables y que a nivel de especies no somos los más fuertes. Otro idea que Cameron plantea con Aliens , es el riesgo de colonizar el espacio ,

creyendo que no existe un riesgo. De la escena de la nave “Sulaco” se muestra una especie de incubadoras para humanos que los mantienen en estado de criogenia para que ,dormidos, puedan vivir muchos más años. Esto alimenta la idea de la búsqueda de la vida eterna o la inmortalidad humana.

Cameron y su lucha con las maquinas Otra de las películas, en la que admiro el talento de Cameron, es Terminator

Portada de la película Terminator de 1984

I y II (1984-1991).

Cameron expone unas técnicas en efectos especiales realmente impresionantes y nunca antes vistas para esa época.

Era excitante ver cómo el Terminator perseguidor mimetizado de policía se derretía en una especie de masa metálica y cómo transformaba partes de su cuerpo en objetos. Las inserciones metálicas del Terminator guardián (Arnold Schwarzenegger), el esqueleto metálico y el cráneo robótico son una increíble muestra de los aportes de Cameron a la ciencia ficción. Pero, realmente, el concepto de la película es el que hace que este film tenga tantos adeptos. La idea de que los humanos van a ser desplazados por las máquinas, no solo aterroriza, sino que interesa. Pensar que un día, el hombre va a ser sustituido por las mismas computadoras que ellos crean. Esta es una Idea no solo de Cameron sino de una serie de teóricos y psicólogos

como Jon Searle y Marvin Minsky.

Es más, en la cinta la realidad de los humanos está reducida a resistir los ataques del ejército de las maquinas y el mundo se ha divido en dos facciones: las máquinas y la resistencia humana.

IMAX inminente Finalmente, Avatar es el film de James Cameron que más gusta. Este filmsfue producido íntegramente en calidad digital 3D Imax, un formato especial que Cameron produjo mediante 7 años de trabajo e investigación. Además, las interpretaciones de actuación no fueron opacadas por la tecnología sino mimetizadas entre los actores reales y los personajes ficticios a través de un programas especial CGI que capta los movimientos del cuerpo y los recrea en sus afines en 3D. El mundo en el que nos sumerge James es impactante. Pandora es un planeta tan biodiverso como el planeta Tierra, lleno de especies y de un ecosistema dotado de árboles gigantes y animales enormes. Los paisajes son de ensueño y el ambiente está dotado de una gran calidad visual. Pero el verdadero trabajo de 7 años está presente en el exotismo de los Navi(especie extraterrestre con cualidades antropomórficas) y la cultura del clan Omaticaya. Cameron fue tan exigente con esta película que para los Navi creó un propio lenguaje.

Cameron Taquillero Avatar consiguió en su primer fin de semana 77 millones de dólares tan solo en Estados Unidos. Se estima que en la película se invirtieron 300 millones pero las ganancias han sobrepasado las estimaciones esperadas, al grado que James Cameron ha optado por una secuela y una posible trilogía.

“Siempre he intentado ir al límite, pero esta vez fue difícil. Así que tuvimos que presionar más fuerte. Yo compararía la experiencia de realizar Avatar con saltar de un acantilado y montar el paracaídas mientras vas cayendo.”

Jake Suli y Neytiry ,dos de los fantasticos Navi de la película Avatar

Diego Guerrero

E M I R

Un repaso por la carrera, vida y obra de esta figura del cine moderno Por

Diego Guerrero 45

K U S T U R I C A

eL GENIO YUGOSLAVO El único director yugoslavo que ha ganado un Oscar, tres Palmas de Oro y un César.

Con un curriculun de más de 30 años de carrera en la industria del cine.

SIN NICOTINA. Kustarica junto a The No Smoking Orchestra.

Emir

Kusturica es un director de cine y músico que nació el 24 de noviembre de 1954 en Sarajevo, en la República Socialista Federal de Yugoslavia (hoy Bosnia Herzegovina). Después de un impresionante trabajo cinematográfico, se convirtió en uno de los más creativos directores del cine durante

las décadas del ‘80 y del ‘90, luego de finalizar en 1979 sus estudios en la distinguida Academia de Artes Interpretativas (FAMU). En 1981 tuvo un auspicioso debut en el cine con ¿Te acuerdas de Dolly Bell?, film con la cual ganó ese año el premio León de Oro en el Festival de cine de Venecia.

En 1985, con Papá está en viaje de negocios, ganó la Palma de Oro en el Festival de Cine de Cannes, cinco premios yugoslavos y fue nominada

a los premios Oscar por la categoría Mejor Película En Lengua Extranjera.

Tanto ¿Te acuerdas de Dolly Bell? como Papá está en viaje de negocios fueron realizadas con la colaboración de Abdulah Sidran, un importante escritor y poeta bosnio contemporáneo quien escribió el guión para ambas películas con muchos elementos autobiográficos.

En 1989, Kusturica fue aún más aclamado por la película Tiempo de gitanos, una

Películas

(Guernica, 1978)

46

(Papá está en viaje de negocios, 1985)

(Tiempo de Gitanos, 1985)

(Sueño de Arizon

profunda pero mágica mirada dentro de la cultura gitana y la explotación de sus jóvenes.

Así, Kusturica siguió realizando grandes películas de renombre dentro de la siguiente década, incluyendo su debut en Estados Unidos, con la comedia de humor absurdo El Sueño de Arizona (1993), y volvió a ganar la Palma de Oro en 1995 con la épica comedia negra Underground. En 1998, Kusturica ganó el León de Plata a la mejor dirección en el Festival de Cine de Venecia por Gato negro, gato blanco, una desaforada comedia farsesca ambientada en un campamento gitano en las riberas del Danubio. Luego, en el año 2000 en la película La viuda de San Pedro, dirigida por Patrice Leconte, Kusturica hace su segunda aparición como actor con solo un par de líneas. La primera la hace en Underground, donde aparece unos segundos como comprador de armas.

Siglo XXI En 2001 dirige Super 8 Stories, un típico documental “en el camino” sobre la gira y vida de los músicos de Emir Kusturica & The No Smoking Orchestra. Este film, ofrece una hilarante visión detrás de las bambalinas y rebosa de material sobre intimidades, pequeños matices a ser “leídos entre líneas” y detalles de los “pequeños placeres” de

“

na, 1993)

“

En el film el buen ladrón del 2002 (...) interpreta a un guitarrista eléctrico (...) tocando riffs de Jimi Hendrix.

(Underground, 1995)

LA PELA DEL

10 E

ra raro que una leyenda tan grande como Diego Maradona no haya sido inmortalizado por una película pero fue Emir Kusturica el que se encargaría de explicar lo que Maradona representa para el

as sus facetas de jugador.

CRACKS. Maradona en tod

mundo y el hombre que hay detrás de esa representación.

Para ello, recopiló los sucesos sobresalientes de su vida (su infancia en Villa Fiorito, su carrera como jugador, el “Gol del Siglo”, sus problemas con las drogas) y acompaña

sus protagonistas. Después, en el film El buen ladrón del 2002, dirigido por Neil Jordan, Kusturica interpreta a un guitarrista eléctrico y experto en seguridad que está constantemente tocando riffs de Jimi Hendrix. En 2004, Kusturica y su film La vida es un milagro, concerniente a la guerra civil yugoslava, recibieron el Premio de la Educación Nacional de Francia.

La vida es un milagro será utilizada, como una herramienta educativa a nivel nacional, en conjunto con un CD-ROM instructivo destinado a incitar el análisis y el debate entre estudiantes. No obostante, en el año 2005 ganó el Premio

(Gato negro, gato blanco, 1995) (La vida es un milagro, 2004)

al astro en sus actividades entre los años 2005 y 2007, su experiencia como presentador de televisión en “La Noche del 10” y su militancia política junto a Fidel Castro, Evo Morales y Hugo Chávez para regalarnos una obra maestra.

Europeo de Arquitectura Phillipe Rotthier por su proyecto de ciudadela étnica Drvengrad (Pueblo de madera) ubicado sobre el monte Zlatibor en Serbia. El premio es dado cada tres años por la Fundación para la Arquitectura de Bruselas (Bélgica) y es una de las más prestigiosas distinciones belgas y europeas en el campo de la arquitectura.

Finalmente, en el Festival de Cine de Cannes del 2005 ofició de Presidente del Jurado y en el 2008 realizó Maradona por Kusturica, documental dedicado al famoso futbolista Diego Armando Maradona.

(Prométeme ésto, 2007)

(Maradona, 2008)

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Renzo Torres

TIM

BURTON ”La gente me ha dicho: O tienes mucha confianza en ti mismo o estás completamente loco”.

Por: Renzo Torres

“Se creen que soy raro y Helena tiene fama de vestir fatal (…) Así que tenemos fama de raritos en el barrio. Pero esto siempre me ocurre desde que era pequeño. No importa lo que haga, lo que diga, me etiquetan de príncipe de las tinieblas.”

La carrera de Tim Burton fue temprana y llena de una suerte casi increíble, pero es su talento y originalidad lo que ha calado hondo en Hollywood. Tim Burton comenzó a dibujar desde que era muy pequeño, aprendiendo en el California Institute of the Arts, estudiando la animación después de habérsele concedido la beca de Disney, en donde finalmente encontró un puesto de trabajo. Aunque él encontró que el tipo de películas de Disney en las que trabajó (The Fox and the Hound 1981) poco tenian que ver con su propio estilo, en Disney lo dejaron tener la libertad para trabajar en sus propios proyectos personales. Paul Reubens (aka Pee-Wee Herman) lo vio y decidió que Burton, aún en sus mediados 20 años, sería la persona ideal para dirigir su primer largometraje, Pee-wee´s Big Adventure (1985).

Un gran (y sorprendente) éxito de taquilla, que condujo además a la comedia sobrenatural

50

Beetlejuice (1988), que de igual manera le proporcionó las rienda en la costosa Batman (1989). Aunque fue su película menos personal, fue una de sus películas más acertadas, y le dio una fuerza sin precedentes en Hollywood que admiraba su originalidad y arriesgado trabajo hasta el momento.

ESCUDOS DE SOMBRAS Eduardo Manostijeras (1990), fue otro gran éxito, y estableció una relación fructuosa con Johnny Depp. ´Batman Returns´ (1992) fue una película más oscura que la original, una reflexión de cuánta libertad creativa había ganado Burton (sin embargo en Warner Bros no estuvieron contentos con el

resultado final).

Y aunque Ed Wood (1994), su tributo cariñoso a la vida y trabajo del legendario peor director de todos los tiempos Edward D.Wood, Jr., fue un desastre de taquilla, le propició algunos de los mejores premios de su carrera, y sugiere que continuará deslumbrando por muchos años más.

ESPIRALES AL EXITO Miles de ideas, en ocasiones, incomprendidas y llenas de complejos. Es Tim Burton el hombre que, a diferencia de nosotros, sí entiende a los monstruos y nos los muestra tal como son en su bizarra imaginación. Y es en esta dramatización en la que nos enamoramos de su fantasía.

“La mayoría de películas de monstruos no son películas de miedo.

Y si no, son intrusos.

Nunca he visto a Frankenstein, a King Kong o a la criatura del lago negro como los malos.

Eran los buenos.

Siempre eran los humanos los que les jodían. Para mí, el malo de la película era el que se disfrazaba con un traje de plástico y mataba al monstruo.

Me hacía llorar cuando pasaba.”

FILMOGRAFÍA • • • • • • • • • • •

Edward Scissorhands (1990) Batman Returns (1992) Ed Wood (1994) Mars Attacks! (1996) Sleepy Hollow (1999) Planeta de los Simios (2001) Big Fish (2003) Charlie y la Fábrica de Chocolate (2005) Corpse Bride (2005) Sweeney Todd (2007) Alicia en el País de las Maravillas (2010)

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Nelly Cayaca

ODERNO M T S O P E IN C L EL PADRE DE

O N I T N TARA $

IS M EN IA C N LE IO V LA Y S LA U LAS PELICULAS SON PELIC A IC ET T ES N IO T ES U C A N U LO O S CINTAS ES

Escrito y Dise単ado por Nelly Cayaca Rivera

QUENTIN TARANTINO$ ¿GENIO O LOCO? ¿MÁQUINA AUTOPROMOCIONAL O DISEÑADOR DEL CINE DEL FUTURO?

Para Quentin Tarantino la violencia en el cine significa estética, tanto sonora como visual, es que el aclamado cineasta se ha forjado un estilo cinematográfico que lo distingue y lo coloca como un personaje que muchos consideran de culto.

T

odo lo que conforma su manera de dirigir películas nace de su profunda cinefilia. Una afición que adquirió muy joven, viviendo junto a su madre soltera y alimentándose de cientos de películas, devorando títulos para alimentar la semilla de cinéfilo que fue creciendo.

Influenciado por manifestaciones culturales de diversa índole, sin im portar su procedencia o reputación, se fue forjando su particular sueño:

triunfar en Hollywood.

Quentin Jerome Tarantino nació el 27 de marzo de 1963 en Knoxville, Tennessee. El nombre Tarantino hace referencia al personaje de Burt Reynolds (Quint Asper) en la serie televisima del oeste “Gunsmoke”.

La interpretación le llamaba la atención y siempre se esforzó en estudiar arte dramático, aprender para conocer todas las incógnitas y también lograr, como consecuencia, una experiencia valiosa para plasmar historias y pod- er dirigirlas en un futuro.

Tenía claro que se quería dedicar al cine, aunque no tuviera mucha idea de como conseguirlo y ni qué camino tomar.

Su ingesta compulsiva de películas le fue forjando como un cinéfilo obsesivo, de gran memoria y de gusto tan diverso, capaz de disfrutar viendo películas clásicas, pero también títulos infames, de serie Bo cintas que nunca llegaron a ser demasiado conocidas, pero de las que sabía extraer un aprendizaje.

Su barrio en la ciudad de Torrance era una mezcla de blancos y negros por lo que

estuvo expuesto a una gran variedad de influencias cinematográficas y de culturas populares. Por ejemplo, las películas de artes marciales.

A los 22 años encontró un segundo hogar en Video Archives, en Manhattan Beach, lugar en el que fue un asiduo cliente, donde sus grandes conocimientos en películas antiguas le fueron muy útiles.

Un buen día se lanza a realizar su primer proyecto. Con más ilusión y entusiasmo que medios, se pone a rodar una historia planteada por su amigo Craig Hamann (compañero de clase de interpretación) y finalmente escrita por el propio Tarantino. Esta primera obra, titulada ‘My Best Friend’s Birthday’ supuso el primer encuentro serio con el

proceso de creación de una película y como tal, sólo fue el descubrimiento de todas las dificultades existentes para llevar a cabo una película sin apenas presupuesto y tener que rodar con amigos, cuando disponían de tiempo. Contaba la historia de Mickey (interpretado por el propio Hamann), al que su novia lo deja sólo en el día de su cumpleaños y su amigo Clarence (Tarantino) le prepara una fiesta inolvidable. Todo, curiosamente, en clave de comedia.

La película quedó olvidada pero fue el incentivo de su siguiente creación, el guión de ‘Amor a quemarropa’ (‘True Romance’), que sería su primer guión en condiciones y el primero que consiguió encontrar recompensa. Tras la desilusión de su primer trabajo, fue su agente Cathryn James la que le sugirió que se dedicase a la escritura, que era donde más brillaba su talento y se dejase de experimentos en la realización.

Fue duro, pero lo captó y se puso manos a la obra.

A su agente le encantó el guión y se puso a moverlo entre las productoras, aunque las respuestas recibidas invitaban al pesimismo, tras varios rechazos. Demasiada violencia para los ejecutivos de Hollywood. Ante esto Tarantino señala que la violencia seduce, hay que asumirlo. Es totalmente gráfica y por eso se utiliza tanto. El cine de violencia y de acción es el cine por excelencia. La cámara se inventó para

besar y matar.

Tarantino escribió en 1991 Reservoir Dogs, con la intención de que fuera el proyecto más minimalista que se pueda imaginar: la historia de un atraco a mano armada en la que el robo tiene lugar fuera de la pantalla, páginas y páginas de diálogo que necesitan un sólo plató. Dogs fue todo un éxito, primero en el Festival de Cine de Sundance y después en todo el mundo.

De repente Tarantino estaba de moda,. En

1994 llegó “Pulp Fiction”, una película de ficción interpretada por John Travolta y Uma Thurman.

Tras tres años de descanso, Tarantino escribió y dirigió “JackyBrown” en 1997, un embrollo policíaco inspirado en la novela de Elmore Leonard, Rum Punch. Pam Grier logró estar nominada tanto a los Globos de Oro como a los premios SAG por su actuación en

el papel principal, y el coprotagonista, Robert Foster, fue nominado al Premio de la Academia en la categoría de Mejor Actor Secundario. Completaban este reparto único Samuel L. Jackson (nominado también para un Globo de Oro), Robert De Niro, Bridget Fonda y Michael Keaton.

El primer objetivo profesional de Tarantino era ser actor y ha seguido interpretando papeles en sus propias películas como en las de otros, como en Jackie Brown, Reservoir Dogs, Pulp Fiction, The Man From Hollywood, Four Rooms, Abierto hasta el amanecer, Destiny Turns on the Radio y Girl 6 de Spike Lee. Durante los cuatro años que pasaron entre el estreno de Jackie Brown y la producción de Kill Bill, Tarantino trabajó duro en el guión de una película bélica, Inglourious Basterds.