Revista virtual de los alumnos de Taller de Diseño Gráfico 1 Facultad de Comunicaciones Universidad Peruana de Ciencias Aplicadas Año 4 , N° 6, Ciclo 2011-II
2011-II: Ciclo de Grandes Directores F. W Murnau Luis Buñuel Francois Truffaut Wim Wenders Lars Von Trier Guillermo Del Toro
Buster Keaton Blake Edwards Ford Coppola John Waters David Fincher Robert Rodríguez
Escena 1, Toma 6,
¡ROD
Este es el último número de la revista CreArte dedicada al cine, y resume de Este ciclo hemos querido dar cabida a representates un tanto disímiles para (sin que ello implique una propuesta facilista y convencional) y discursos autor y uno que otro ingrediente de color.
Desde los tintes expresionistas que quedan marcados en la obra de F.W. M de ese gran autor llamado Luis Buñuel hasta llegar a los malabares inexpres descuidar el humor elegante de Blake Edwards, la introspección y la nouve ppola. Y no podíamos descuidar la poesía de carretera que forma parte de la la fantasía de Guillermo del Toro y el postmodernismo hecho imagen en la un homenaje a un cineasta un poco desatendido pero que sin embargo ha basura y una actitud que está dominada por el do it yourself y el “hago lo q
¿Se habrán divertido los alumnos del Taller de Diseño Gráfico 1 de este cic sudor, lágrimas, pesadillas, imprecaciones, insultos, malos ratos, desvelada y tratativas debajo de la mesa (pero sobre todo altas dosis de empeño y de cr siguiente película.
Equipo de PRODUCCIÓN TALLER DE DISEÑO GRÁFICO 1 Sección PU-45 Profesor: César Pit a Por t ada: Nat alia Málaga Equipo: Carlos Álvarez Ingrid Bravo Josselyn Ferreyra Luis A. Jimenez K e ll y M o n t e a g u d o Helena Sánchez
Carla Baños Mar tín Espinoz a Diana Hidalgo N a t a li a M á l a g a Fabiola Romero D a n i e l a Ta ir a
DANDO! manera siempre lúcida los principales aportes de algunos de los nombres más grandes del séptimo arte. lograr un producto equilibrado que dé en la yema del gusto tanto a los amantes del cine más “comercial” que pueden ser considerados hasta bizarros y tirados de los pelos, pasando por la comedia, el cine de
Murnau, con su juego de inclinaciones, luces y sombras; pasando por la pesadillesca alucinación onírica sivos de un tal Buster Keaon (para muchos, un tipo más grande que el mismísimo Charles Chaplin), sin elle vague de un autor tan personal como Francois Truffaut y la impronta magnífica de Francis Ford Coa filmografía de Wim Wenders, el panfleto incendiario y provocador del danés Lars Von Trier, la poética de figura de Robert Rodríguez, sin descuidar el toque personal de David Fincher. Y como cereza del pastel, a regalado buenos momentos de cine gracias a sus imágenes chocantes, personajes ridículos, estética que se me pega la regalada gana”: el genial John Waters.
clo? Eso es siempre difìcil de saber. Aunque la prueba son estos trabajos que a base de empeño, sangre, as, altas dosis de cafeína, recordatorios de mi vieja, oraciones al Altísimo, intentos de suicidio, sobornos reatividad), son presentadas al público en general. Mientras tanto, seguimos rodando lo que será nuestra
El profe
Ahora los vampiros prefabricados están de moda. Los vemos en el cine comercial de los últimos años pero también, sin duda, son una figura emblema del cine de las últimas décadas. Pero no se puede hablar de cine de terror - y mucho menos de vampiros- si no hablamos de Nosferatu (1922), la primera adaptación al cine de la célebre novela de Bram Stroker, Drácula. Pero, ¿quién fue el responsable de esta obra maestra del cine mudo? Escribe. DIANA HIDALGO
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ada más y nada menos que el cineasta alemán Friedrich Wilhelm Plumpe más conocido como F.W Murnau. Perteneciente al movimiento expresionista, caracterizado por la expresión intensa emocional y lírica de los personajes y escenarios, Murnau es considerado como uno de los cineastas más influyentes del cine mudo. Estudió literatura, historia del arte, filosofía y música y hasta se enlistó como piloto en la primera guerra mundial. Antes de enlistarse en la guerra, también estudió teatro mientras seguía sus estudios universitarios de literatura en la universidad de Heidelberg . Por su buena actuación y buen desarrollo escénico, impresionó al director de teatro Max Reinhardt -su maestro de teatro- , quien decidió darle una beca de actuación de seis años para estudiar y trabajar en su teatro de Berlín. A pesar de la oposición de sus padres, Murnau toma la beca y se muda a Berlín.
SU OBRA SE DESARROLLA ENTRE COMIENZOS DE LOS AnOS 20 Y COMIENZOS DE LOS TREINTA. EN ESTE PERiODO MURANU REALIZo 21 PELiCULAS. LO OSCURO Y LO ROMÁNTICO Su obra se desarolla entre comienzos de los años veinte y comienzos de los treinta.
blood!”
Conde Orlock En este periodo Murnau realizó 21 películas entre las que hizo en Alemania y las que realizó cuando emigró y trabajó para Hollywood a mediados de los 20. Su estilo es oscuro y trágico pero también romántico y naturalista, esta aparente contradicción hace su obra muy interesante. La mayoría de sus personajes están marcados por el fatalismo y la búsqueda de contextos terribles. Su manejo de claroscuros le da ese toque tenebroso y atractivo a sus creaciones. Quizá por eso, luego de casi un siglo sigue siendo un autor clave como influencia en el cine moderno y un must see para los amantes del cine. Entre sus películas más aclamadas están Fausto (1926), adaptación de la versión de Goethe, Phantom y Nosferatu (1922), Sunrise (1927) y Tabú (1931). En todas, la idea del destino aparece como una figura constante al lado del fatalismo y de la contraposición del lo real y lo irreal. SUS PELÍCULAS Tabú es su última película. La cual realizó poco antes de morir en un accidente automovilístico en Santa Mónica en 1931. En dicho film se narra la
historia de una tribu de jóvenes que tendrá que enfrentarse al destino tras una travesía por el mar. El juego exquisito entre las luces y sombras y el trasfondo sombrío hacen que la película transmita magistralmente lo que busca: la vitalidad de la vida.
ANTES DE ENLISTARSE EN LA GUERRA, TAMBIeN ESTUDIo TEATRO MIENTRAS SEGUiA SUS ESTUDIOS DE LITERATURA EN LA UNIVERSIDAd DE HEIDELBERG. Nosferatu, la sinfonía del horror, más conocida como Nosferatu, narra la historia maléfica del Conde Orlock y sus aventuras e n Wismark q u e culmi-
FILMOGRAFiA + Der Knabe in Blau (1919) + Satanás (1920) + Schloe Vogeloed (1921) + Marizza (1922) + Nosferatu, una sinfonía del terror (1922) + Phantom (1922) + Der Letzte Mann (1924) + Tartufo - Herr Tartüff (1926) + Fausto + Amanecer - Sunrise, (1927) + Four Devils (1928) + City Girl (1930) + Tabú (1931) nan en una evaporación violenta frente a una ventana. Película que probablemente sea el referente más simbólico en el cine terror de las últimas décadas. Llena de claroscuros y escenas sombrías, este filme ha sido homenajeado en diversas adaptaciones. Una de ellas fue en el 79 por el director
Werner Herzog titulada Nosferatu, el vampiro de la noche y otra en el 2000 titulada La sombra del vampiro, en la que aparece el propio Murnau (interpretado por Jhon Malkovich) rodando la versión original en los años 20. Fausto y Phantom no tuvieron tanto éxito como Sunrise. película por la cual Murnau ganó el primer Oscar a la mejor calidad de producción. Dicho filme lo rodó cuando trabajó para la 20th Century Fox en Hollywood. A pesar de que las nueves películas que realizó antes de Nosferatu no se conservan completas y que las tres que hizo luego se perdieron y, por
SU ESTILO ES OSCURO Y TRaGICO PERO TAMBIeN ROMaNTICO Y NATURALISTA, ESTA APARENTE CONTRADICCIoN HACE SU OBRA MUY INTERESANTE. ejemplo, Phantom (1922), sólo se conservan unos fragmentsos, su obra sigue siendo importante en la historia del cine para muchos directores que lo toman como referente . Quizá por su estilo, su temática, sus contradicciones, o su genial manejo como director gracias a haber sido actor teatral, Murnau es un cineasta que no se olvida.
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Por: Kelly Monteagudo
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Buster Keaton vivió para convertirse en un influyente actor del cine mudo. Como director realizó aportes fundamentales en el desarrollo del arte del cine.
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e crió en una familia establecida en un pequeño pueblo de Kansas. Mientras que el show HoudiniKeaton de sus padres recorría el país, él estaba jugando. Joseph Frank Keaton se convirtió en parte del acto a la edad de tres años. Es llamado Buster por una anécdota de su infancia que relataba la peligrosa caída de un piso cuando solo era un bebé. Por lo tanto, su perfecto estado después del accidente motivó a Houdini, su padrino, a llamarlo “Buster”.
con la pérdida de audición en ambos oídos periódicamente. A medida que fue creciendo, este estado se agravó. A veces, sus superiores tuvieron que gritar órdenes a él. Cuando estaba en medio de uno de esos momentos, los compañeros de trabajo tenían que levantar la voz, tanto como a sus superiores del Ejército hizo en Francia, y al momento de conversar con personas con educación superior se ponía nervioso por la dificultad en la comprensión de lo que estaban diciendo.
El alcoholismo del padre, Joe, finalmente causó el fin de su gira. Su madre regresó a su casa en Michigan y Buster se trasladó a Nueva York. Tenía 21 años de edad.
Keaton, finalmente, recibió sus órdenes y regresó a los EE.UU. en marzo de 1919. Se encontraba en una situación no tan buena físicamente, puesto que estaba enfermo y deprimido. Su primera parada fue el Hospital de Veteranos en Nueva York. Entonces el ejército lo envió la Universidad John Hopkins en Baltimore para
En el momento en que entró en el ejército, un año más tarde, su carrera en el cine mudo apenas había comenzado a tomar forma. Roscoe “Fatty” Arbuckle lo contrató en 1917 como
coprotagonista, gagman, y finalmente asistente del director en las comedias de dos rollos que se producían en su estudio de Nueva York. El mundo de Keaton fue sacudido, comprensiblemente, por ese encuentro. Vivía preocupado por su audición; aún así, trató de ignorar el problema que la infección causó y lo convirtió en prácticamente sordo. A lo largo de su vida, Keaton tuvo que lidiar
11 la evaluación futura, pero después de sólo tres días los médicos diagnosticaron que su pérdida de audición sólo era por temporadas.
De vuelta a la accion Una vez que Keaton estaba listo para volver a trabajar como director de cine, su carrera se disparó. Arbuckle estaba dispuesto a firmarlo en su estudio de Nueva York. Durante la década de los años 1920 Keaton estaba en su apogeo; la producción de sus películas, hoy son considerados clásicos. Siguiendo con lo que en él era habitual, realizó un film lleno de humor y situaciones embarazosas. Con una buena fotografía y una planificación minuciosa, como las redes confirman con sus comentarios, consigue crear una cinta llena de comicidad, emoción y poesía, como la mejor película del cine mudo de todos los tiempos. También recibieron varios votos películas como La hospitalidad, Sherlock Jr., y El navegante elaboradas entre los años 1923 y 1924. Keaton fue nombrado el actor más grande en el American Film Institute, que reúne una lista de leyendas. La característica de Keaton de mantener su cara inmutable en situaciones hostiles de la comedia física le valió el apodo de “El Gran Rostro de Piedra.” Hay dos estrellas en el Paseo de la Fama de Hollywood con su nombre en ellos: uno por su trabajo fílmico y otro por su trabajo en la pantalla chica. Keaton fue galardonado con un Oscar especial a la
obra de su vida en la comedia (1959). Su producción fue más de 100 películas. En 1994 Keaton apareció en un sello postal conmemorativo. Murió en 1966 de cáncer de pulmón pero su legado ha sido su esencia que muchos valoran y admiran en la actualidad.
“El Gran Rostro de Piedra” fue el sobrenombre que se ganó por mantener una cara inmutable en situaciones absurdas.
Buster Keaton en El navegante
¿Amigos o rivales? Buster Keaton y Charles Chaplin han sido identificados como los mejores del cine mudo cómico. Sin embargo, ello ha causado algunos comentarios acerca de su relación. Ellos eran buenos amigos hasta llegar a compartir la pantalla grande. Por ello, la rivalidad existe más en los seguidores de cada uno ya que Buster Keaton es considerado por algunos como superior. Su obra influyó a muchos actores y directores de la época hasta la actualidad.
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Buñuel
Andaluz
Una historia coherente sobre un aclamado director de cine amante de la crítica social y la .aicnerehocni
Por NATALIA MÁLAGA
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arrastrando a un par de
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amigo de Salvador D
visión del m E
ra febrero de 1900 y Leonardo Buñuel saltaba de alegría: su primogénito por fin nacía. En ese momento él no imaginaba que tenía entre brazos al que es considerado uno de los más importantes y originales directores de la historia del cine. Luis Buñuel había nacido. Luis Buñuel pasó sus primeros años en Zaragoza, España. A los 17 se mudó a Madrid para iniciar sus estudios como ingeniero agrónomo, para luego trasladarse a Entomología, Filosofía y finalmente a Historia, carrera en la que se graduó en 1924. Su afición ya notoria por el cine lo llevó a formar parte de varios ‘clubs’ de aficionados, gracias a los cuales conoció a Federico García Lorca, Juan Ramón Jiménez y al loco Salvador Dalí. Luego de esos años universitarios, Buñuel se muda a París. Esa pasión cinéfila lo llevó a trabajar como crítico en varias publicaciones francesas, hasta que la vida le dio la oportunidad de trabajar en lo que amaba. Se cuenta que le pidió al director Jean Epstein la oportunidad de trabajar en uno de sus rodajes a cambio de aprender más sobre cine. Finalmente ingresó como ayudante de dirección en un par de películas mudas.
EN PARÍS VIÓ LA LUZ Ya en París es que el surrealismo empezó a tocar más el lado creativo de Buñuel. Totalmente entusiasmado, Buñuel empezó a escribir a sus ex compañeros de aulas comentándoles acerca de las tendencias artísticas que inundaban París e incitándolos a mudarse hacia allá. La insistencia máxima sería al mismísimo Dalí, con quien posteriormente realizó su primera gran obra.
s la escena en la que un maníaco sexual persigue a su presa e frailes y un par de pianos con a snos muertos enci ma? storia en la que un grupo de
na? Pues Luis Buñuel sí y las
adinerados no puede sali r de un
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hizo realidad. Co nsiderado e los más importantes directores de la h istoria del cine, el cin éfilo Dalí supo retratar su loca geni alidad, el surreal ismo y su mundo en distintas joyas del séptimo ar te. He aq uí su historia.
Entre 1927 y 1928 realizó varias actividades: escribió “Polismos”, dirigió un ciclo de cine para estudiantes, se unió al grupo surrealista de París y hasta preparó un guión cinematográfico sobre el centenario del fallecimiento de Francisco de Goya, este último sin éxito alguno. Llegó 1929 y, con él, Un perro andaluz una de las obras más reconocidas de Buñuel y más citadas en el mundo del séptimo arte. Esta pieza audiovisual fue, en realidad, una creación entre Dalí y Buñuel. Se dice que el guión de este corto es la suma de sueños incoherentes de ambos. Buñuel soñó con el acto de seccionar un ojo y Dalí soñó con las hormigas que brotaban de una mano. La verdad es que me da un poco de curiosidad saber qué otro tipo de sueños tenía este loco par. Otro dato interesante es que la mamá de Buñuel fue la que financió este film. De hecho que después no se arrepintió. Un perro andaluz tuvo tal éxito que permaneció en exhibición por nueve meses en un cine-club parisino. Además, este éxito le permitió a Buñuel el ser netamente admitido en el grupo surrealista, algo que realmente él anhelaba. Un perro andaluz significó el primer despegue en la historia de Luis, la llave que le permitía finalmente ingresar de lleno al cine.
EL DIRECTOR BUÑUEL En 1929, Buñuel inicia con Dalí la creación del guión de La edad de oro. Lamentablemente, el romance de Dalí con Gala Eluard llegó a afectar a la dupla creativa. No obstante, Buñuel decidió proseguir y con apoyo externo logró realizar el filme completo. Dalí se llega a enterar de esto y se resiente con Buñuel por no haberlo esperado para realizar el proyecto juntos. Es aquí donde la dupla decide distanciarse (para desgracia nuestra) prácticamente para siempre. De ahí en adelante, si bien su relación ya no era íntima ni 100% amical, se guardaban respeto mutuo.
conocer más sobre el cine americano. Pasa la vida y en 1934 el amor llegó a él. El 23 de junio de ese año se casa con Jeanne Rucar y con ella tendría dos hijos: Jean Louis y Rafael. Ese mismo año es contratado por la Warner Bros. como Director de Doblaje y se muda a Madrid. Llega 1935 y Buñuel funda la productora ‘Filmófono’. Con ella produjo Don Quintín, el amargao, La hija de Juan Simón y ¿Quién me quiere a mí?. Lamentablemente, la Guerra Civil Española mató el proyecto. Durante los próximos años empieza a trabajar en cuestiones políticas, llegando incluso a EE.UU. Las cosas no le salieron bien y la casualidad lo llevó a trabajar en México, donde en 1950 grabó Los olvidados, película por la cual ganó un Cannes en 1951. De ahí en adelante, Buñuel grabó Subida al cielo, Robinson Crusoe, Nazarín, Viridiana, El ángel exterminador, Belle de jour, El discreto encanto de la burguesía, Ese oscuro objeto del deseo, entre otras. Luego de una larga vida cinéfila, Buñuel dejó este mundo loco el 29 de julio de 1983 a causa del cáncer. El legado que nos dejó este grande fue el surrealismo aplicado al cine y un gran uso de la sátira para retratar la realidad social. No por gusto una de sus películas fue calificada por la UNESCO como ‘Memoria del mundo’. La mejor crítica social no es la que te deja el mensaje de iglesia, sino la que te retrata la realidad de manera figurativa. Gracias a sus obras es que hoy podemos obtener una mirada social histórica e ilógica de nosotros mismos. Si dicen que la locura no es más que otra versión de la razón, entonces que vivan Buñuel y su locura por hacernos razonar de una forma diferente.
Llega 1930 y Hollywood ya lo esperaba con los brazos abiertos. La MGM toma la decisión de contratar a Buñuel y este se traslada a EEUU a
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BLAKE EDWARDS “Heredero de la
comedia silente” Por Daniela Taira M.
“Actor secundario, guionista y director. Ganador de un Óscar honorífico. Padre de panteras y submarinos rosas. Gracias a Fritz Freleng pudo convertir en realidad animada los personajes surrealistas de su imaginación. Descubridor de mujeres perfectas y amigo de músicos prodigiosos. Marcó un hito en la historia del cine al convertir en un sello de la cultura pop a la actriz Audrey Hepburn y a Peter Sellers, a pesar de tener una relación curiosa con él. Cómplice del músico Henry Mancini que lo acompañó en casi todas sus películas, convirtiendo en notas las palabras de Edwards. Ícono de la comedia silente moderna, y creador de los gags visuales. Padre de dos niñas vietnamitas que adoptó junto a su esposa Julie Andrews” Blake Edwards nace el 26 de julio de 1922 (Oklahoma), en una familia dedicada al cine. No se puede decir que el cine corre por sus venas, puesto que fue su padrastro J. Edwards y su abuelo político los que le incentivaron la cultura cinéfila. Cuando era niño paseaba por los estudios de J. Gordon Edwards, que fue un director de cine hollywoodense. Sin embargo, en un principio, no siguió sus pasos sino, se convirtió en actor secundario y poco a poco pudo ir desligándose de su apellido y convirtiéndose en un ícono de las comedias. Los primeros pasos en su carrera los dio como guionista. Él tenía una enamorada que trabajaba en un programa radial, ella le dio uno de los guiones para que le diera su opinión. Pero Blake, que tenía un innegable talento, convirtió ese libreto en uno nuevo. El jefe de su en ese entonces enamorada no pudo hacer más que convertirse en su representante. Y fue así, casi sin querer, que Edwards fue forjando su prestigio en el mundo del cine. Siendo Richard Quine
el director de comedias que le dio la oportunidad de realizar con él siete películas, dos de ellas dirigidas por Edwards: Venga tu sonrisa (1955) y He laughed at last (1956).
Edwards & Hepburn... Luego de tener la oportunidad de realizar dos películas, Edwards estrena un film más elaborado: Operación Pacífico (1959). Esta película le abrió las puertas de los grandes estudios y, es así, como se le presenta la oportunidad de llevar a la gran pantalla la novela de Truman Capote Breakfast at Tiffany’s (1961). Esta comedia bélica se convierte en un clásico, ya que Edwards logra convertir a la niña bonita del cine norteamericano, Audrey Hepburn, en una mujer experimentada que con sus encantos encuentra la forma de entrar en los corazones y billeteras de hombres ricos, como también en los corazones de todos los espectadores. Por otro lado, Audrey Hepburn es nominada al Óscar como mejor actriz y se convierte en ícono de la cultura pop, mientras que Henry Mancini (aliado musical y mejor amigo de Edwards) sí lo gana en la categoría de mejor banda sonora y mejor canción (Moon River).
Edwards & Sellers...
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Si se habla de Blake Edwards no se puede dejar de mencionar la relación amor-odio, entre el director y
Peter Sellers. En 1963 dio a conocer el guión que coescribió con Maurice Richlin La Pantera Rosa y fue la Metro Goldyn Mayer (MGM) los que le dieron luz verde para realizar la película. No obstante, le impusieron contratar como actor principal (Inspector Clouseau) a Peter Sellers que fue el reemplazo después de la renuncia de Peter Ustinov. Curiosamente, Ustinov reemplazaría a Sellers en Topkapi. Sin embargo, no fue la primera película de este dúo, siguieron rodando, entre 1963 y 1983, películas como The party (1968) que es recordada como su mejor y más disparatada comedia. Sellers se dedicó de lleno al inspector que no tenía suerte ni con las mujeres ni con sus actividades de detective porque era un simple idiota, mientras que Edwards
A pesar de ello, cuando Sellers falleció, Blake declaró que era imposible trabajar con él ya que quería quemar todos los negativos de las películas que había hecho porque se consideraba un muy mal actor aunque era reconocido como uno de los reyes de las comedias más salvajes y surrealistas de la historia.
No se sabe con exactitud el sexo de la pantera, en un principio se mostraba más femenina. Sin embargo, a través del tiempo, se observa a la pantera en situaciones más relacionadas con roles masculinos. No obstante, esto no fue impedimento para que en 1984 nuestra pantera diera un paso adelante en su vida y se convirtiera en padre o madre con el estreno de la serie: La Pantera Rosa y sus hijos que sólo contó con 26 capítulos.
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Edwards & su legado... Su mejor época (los años sesenta) estuvo marcada por la exitosa secuela de La Pantera Rosa como también por películas antológicas como: Días de vino y rosas y La carrera del siglo (1966) ambas con Jack Lemmon como protagonista. Sin embargo, a partir de esa época, su obra entró en declive con excepciones como Diagnóstico de un asesinato (1972) y 10, la mujer perfecta (1979). Recién en el 2004, Edwards consigue un Óscar honorífico por el legado que nos deja. Especialmente, por ser un creador magnífico de “gags visuales” o chistes privados que destacan su admiración por la comedia silente, característico de Charles Chaplin. Finalmente, en el 2010 muere a causa de una pulmonía.
Edwards & La Pantera Rosa... Una pantera silenciosa, con un andar peculiar y totalmente rosa fue la creación de Fritz Freleng, creador también de Bugs Bunny. Blake Edwards buscaba este personaje ya que quería que La Pantera Rosa apareciera por dos minutos en su filme con el mismo nombre, correspondiente también al gigantesco diamante y al ladrón de guante blanco que logró sustraerlo. Edwards sólo tuvo tres peticiones: que fuera graciosa, muda y rosa. Fue así como nació el personaje animado que hoy conocemos y que ya está por cumplir 47 años, aunque no los aparente. Se realizaron los primeros cortometrajes en 1964 en el que el personaje principal era esta pantera de corte aristocrático inglés con aires de la época de los sesenta, obteniendo un Óscar. A partir de ahí, hasta 1969 fue la época de apogeo
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de esta animado y rosado personaje. Asimismo, en 1999 La Pantera Rosa obtuvo su primera estrella en el Boulevard de la Fama en Hollywood. Y gustó tanto al público que obtuvo su propio programa y logró convertir al inspector Clouseau en una caricatura más, en compañía de otros personajes como el ayudante Dodo, la hormiga, el oso hormiguero etc.
Hep bu
se dedicó a cumplir todos los caprichos de éste. Pero Peter no desaprovechaba ninguna oportunidad para criticar al director y denominarlo “torpe y limitado”. Sin embargo, se dice que Blake Edwards fue el hombre que creó a Peter Sellers, porque el director les daba bastante libertad a sus actores para protagonizar sus personajes. Un ejemplo de ello es que Edwards primero ensayaba con los actores y luego determinaba la posición de las cámaras de cine.
de Edwards.
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Truffaut
“ Por Helena Sànchez Soler
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“Al corazon del corazon humano.
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Nacio en Paris - Francia un 6 de Febrero de 1932. Sus padres fueron Roland Truffaut y Jeanine de Montferrand. Fracois fue concebido bajo una relacion informal que su padre mantenia con su madre, motivo mismo por el cual conoceria a su padre de edad adulta. I
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gran ternos que a m s e en lo a de art cs abue encia pese cha s u o s ñ n e o i su d ea óc esc de sus Este tipo d nte is vivi iñez y adol rmalizado jaba s o o c h n c a . u r a n ya fo olesce l robo rar m e trab de su ra log es acudía a iento de ad na cora parte res habían . Su madr periódico p s i u d co m ad ocido estina aut Fran oportunida comporta o llevaron a por ahí sus p cland n un recon ecto. Truff ó u l s s o e a n s a i d a ó l r s i p e a o v b u relac aria e mo arquit caracteriz sumad perma rgo, s asta re secret o ciones rendido y h s, sin emba una larga como re ejercía c y nunca se p en re ad ela incom al de meno sencadenó y su p e una escu s é e n c d o n i sd Fra no se rta tó la recc rio. en má mno. a pue e le gus u- fue corto y reformato l , s r o o estuvo un buen alu ñ p s fue dré d r en un los 7 a ral. y por l cine tuvo a An encia por se e al nencia ca de a r n r e e t i c g u , a a í influ refer Truff rte en queño a que uy pe undo del a casiones, p a gran permitió da de a, gracias L m a r . e t a d n r s o e e e De a. arr el m muchas e s, l dud La escuel ura y , sin o de c cine francé a en la qu rande mo padrin literat el cine. En asistir a la e g l e n e t í a l tan s , o ca d de azin c en la críti en la mism más impor ribió puesto eer, en vez B l los esc zin se cine, o de Ba ois iniciar culos, entre cés” que lo o c í mund n t n a Fra muchos ar del cine fra lsionó el vez, le ia vu ió escrib rta tendenc ticulo con oca y a su en el e r i á c arse a ép “Una 4. Dicho s de l eto e inici é c n 5 a r en 19 ográfico f ganar resp t at cinem ó a Truffau r de cine. e, i rciant o t e i t c m m e r r o i e c d p és un como despu ija de o h p a l m n medio e tó o ti 1957 c al parecer on y él op s n e ó s r : a e a actric ut se c stenrn ivorci Truffa ne Morgen tenrn se d chas de las que él s u s lei Mede t y Morgen ríos con m los película o u e a m d a ff s Tru rios nco ner va los ele por te tenecían a óa er lo llev es e u q que p o a, l nces a. lectur critores fra dirigí a l e XIX, ante d o de los es siglo los l m e a d a r n s s de ue u ante ois e Franc r a Balzac, f ás import y los inicio m a 0 r admi e novelista de los 170 es rt de co a los final á l l por a
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JULIE Y JIM
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Disparele al pianista
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FILMOGRAFIA
“Un film es una cosa viva. No soy de los directores que se atienen a lo que hay escrito. Mis películas cambian enormemente durante el rodaje”.
23 o que doptiv nca ros a e e n r o d i a u e los p ue el n o un p uno d gue”. orgad lo mismo q roblemas t e o u f a t e los p e se l , por sruffau elle Va y al qu cién nacido n paralelo a ién en la e ién, T s “La Nouv e b r d m c a a e e b t r r E é i m s. í m . c s e d o e a s n d t r A y a a sp pad mas istró o cine l u e g l s e e 1800. imiento fr e a b r d d a c o r o s r r o l a o e ov vario crític conoc tiene p severo le m a de cuidad del m lo fue e actor en l recont lega a s, Antoine o l r l ss a o e f s o a e y l f n e u pro aut lta a sión liare lo, f no d la teri ff n l a n f u e u u e m r r r n e e a o p f T e u d n la se ás ois aq za p nte com Franc ine. Adem specialme ncuentros e uchas empie ir a la escue mla en l rto de el in e a i u l c i c m “E ye la fam ro ho z de ne ha tor de ometrajes g llamado tusiasta de Antoi la escuela y a que en ve adre con ot uación t r n r e e o b l c dí de sus Spie nista sa sit a su m tanto ntoine ese Steve n guio ene, ve metedora. E ortamiento R A o . g a e i ocido ” y tambié l h cue su am comp istir se a noc ompro or “L pa con situación c sonalidad y a robar, a as , a cera fa elículas. n a p é c i s r b e a c m r p pe ente rse, una sí ta l Os de sus re en varía más la eva a escapa rio y finalm bió e xtranjera a “Los 400 i b c e r ato gra o ll ar. por ula e ffaut r solo a ine lo que l a un reform nocer el m 3 Tru mejor pelíc es en 1958 e al parece 7 9 1 o o c s t En qu nn por de An ar de mese o para ir a de Ca ismo. ículas cana” s tres Ameri un premio cuatro pel afía de él m r un p e este últim e otro e la o c a p h r e t d g d ó d u io se recibi a primera Truffa ntinuación a. autob osa scapar c a e ” s n a e l u n p l o u e ” v id s go ac golpes ácticament film e que hay s 400 rran l tapas de su n o a L U n “ “ r e : p o e l d qu se sería el es era nen a Luego gometrajes nel en otra celebr que se atie nte durante s i e r o s a l a D s e e fr e màs e sus ntoin irector ormem Una d soy de los d cambian en a de A d i v o s viva. N is película 984 M . o e de 1 ut i r b u escr t c t ”. 1 de O de un rodaje e un 2 a a causa y, Franr e u aut m r ho ranci s Truff r, Seine - F ba. Hoy po io de París i o c n Fra ter eja , Su lo aqu cido cemen euilly en B ebral que o n n co er mor c cansa en u e. s e tr cois d Montmar o d llama cho ut he la PES ff L u O r G T a 00 o de nes . Esenci gráfic LOS 4 o n un i a , b l C o e t e io d Doin je au a m e r e n t r i e su p o argom de un la vida Ant uidado por Este l y ganador c a narr ido y 8 en 195 sta película o es entend e n , mente oblema que pr o ñ ni
1973
la noche americana
1970
domicilio conyugal
1969
la sirena del mississipi
1967
bEsos robados
1967
LA NOVIA QUE VESTIA DE NEGRO
Que en español significa “La nueva Ola” fue un movimiento cinematográfico surgido por los 50´ en Francia caracterizado por tener profesionales del cine sin ser preciosamente técnicos o profesionistas del oficio. Esta corriente era independiente y trataban de marcar una pauta con un concepto diferente frente a las otras corrientes que ya existían en Francia. Este movimiento se reveló a la concepción clásica, moralizada y estilizada del cine. Es decir, La nouvelle Vague apostaba por un cine mucho más narrativo, con diálogos más sugerentes, con un poco más de morbo mezclado con sentido humorístico y por resaltar la parte amoral de las personas u sociedades en sí. Así también este movimiento contaba con inyección de capital privado e independiente. En 1960, luego de casi 7 años de creada la Nouvelle Vague, la misma albergó a más de 40 nuevos cineastas jóvenes y ansiosos de dirigir, lo que la consagró con una de las corrientes con mayor influencia de la época.
FRANCIS FORD
COPPOLA La Mafia, la Guerra y el Cine. “Básicamente, tanto los Estados Unidos como la mafia creen que son organizaciones benevolentes. Pero tanto los Estados Unidos como la mafia tienen la manos llenas de sangre por haber hecho lo necesario para proteger sus intereses y su poder.” Por Ingrid Bravo.
Director, guionista y sonidista. 6 premios de la Academia, 5 globos de oro y más premios otorgados por los especialistas en cine. Este es Ford Coppola.
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oppola nació en 1939 en Detroit, Estados Unidos. Sin embargo, este gran director de cine creció en Nueva York, lugar donde su lado creativo empieza a desarrollarse. Sus padres eran italianos y es así que todas las tradiciones europeas las vive desde niño. Él estudió teatro en la Universidad de Hofstra, y cine en la UCLA. Su primer trabajo fue al lado de Roger Corman, y a partir de aquí se desarrollaron sus capacidades como sonidista, guionista, productor asociado y hasta director en 1963 con su primera película Dementia 13. Durante los siguientes cuatro años Coppola trabajó en varias películas dando apoyo como guionista de This property is Codemned. Sin embargo, sus obras más reconocidas y ovacionadas son El Padrino y El Padrino II, ambas adaptaciones del Best-seller homónimo del novelista italoamericano Mario Puzo, la primera es una de los filmes más reconocidos y elogiados de todos los tiempos, que le hizo acreedor a dos nuevos premios d e la Academia por Mejor película y Mejor guión
Adaptado, mientras que la segunda es la secuela más apreciada en la cinematografía estadounidense, con la que recibió un premio de la Academia por Mejor Director. Además, la segunda película fue nominada en seis categorías de la Academia. Las películas tuvieron una tercera parte que define el cierre de la saga. Estas películas narran el mundo siniestro que se vive en el submundo de la mafia, ese mundo en el que caen los inmigrantes (italianos en su mayoría) y
COPPOLA NO SOLAMENTE ES DIRECTOR DE CINE, TAMBIÉN ES VITICULTOR, HOTELERO Y PUBLICISTA.
trata de retratar toda la maldad, suspenso y muerte que la rodea. Además, son una crítica al sueño americano por el que van a Estados Unidos la mayoría de los inmigrantes; da a conocer cómo es la realidad de las personas en una ciudad que les da la espalda. El Padrino recibió tres premios de la academia: Mejor Director, Mejor Actor, Mejor Guión Adaptado. A partir de este momento, Coppola comenzó el trabajo sobre su película más ambiciosa, Apocalipse Now (1979), historia que narra la Guerra de Vietnam que fue inspirada por El Corazón de la Oscuridad de Joseph Conrad (1993). Esta
FILMOGRAFÍA • • • • • • • • • • • • • • • • • • •
Tetro 2009, Director. Tetro 2009, Producción. Tetro 2009, Guionista. Kinsey 2004, Producción. Jeepers Creepers II 2003, Productores ejecutivos. Lost in translation 2003, Productores ejecutivos. Las vírgenes suicidas 1999, Producción. Legítima defensa 1997, Director. Buddy 1997, Producción. Jack 1996, Director. El padrino, tercera parte 1990, Guionista. Historias de Nueva York 1989, Guionista. Apocalipse Now 1079, Director. El padrino, segunda parte 1974, Director. El padrino, segunda parte 1974, Guionista. Llueve sobre mi corazón 1969, Guionista. Ya eres un gran chico 1966, Guionista. Propiedad condenada 1966, Guionista. ¿Arde París? 1966, Guionista.
película la estrena en 1979 y ganó el Premio de Palma De oro en el Festival de Cannes. Es considerado uno de los más grandes directores de la segunda mitad del siglo XX y uno de los más grandes de todos los tiempos, siendo El Padrino recurrentemente elegida en encuestas como una de las mejores películas de la historia, y Apocalypse Now una de las más grandes películas de culto en el sistema de producción de Hollywood. En 1969, Coppola y Jorge Lucas crearon American Zoetrope, una empresa de producción de película independiente creada en San Francisco. El primer proyecto de la empresa era THX 1138 (1971), producido por Coppola y dirigió por Lucas. Coppola también produjo la segunda película que Lucas dirigió, American Graffiti en 1973. Esta película consiguió cinco nombramientos de óscar, incluyendo un para Mejor Imagen. La última película que ha realizado es Twixt en el 2011. Esta película está basada en cuentos escritos
EN EL 2007, REALIZÓ LA PELÍCULA YOUTH WITHOUT YOUTH, BASADA EN LOS CUENTOS DE JORGE LUIS BORGES. LAMENTABLEMENTE, LA PELÍCULA NO TUVO ÉXITO TAQUILLERO. por el autor, que cuentan la historia de un escritor de novelas de ficción y brujería, que llega a un pueblo a presentar sus libros y se encuentra con una temporada de asesinatos en serie, y en su locura decide querer resolver el misterio. Esta película no tuvo una buena acogida dentro del público. No cabe duda de que Ford Coppola tuvo éxito en su carrera en sus inicios. Trabajó al lado de grandes personajes, actores y actrices. Ha ganado varios Premios de la Academia y de diversos festivales importantes en el cine, como Cannes. Sin embargo, sus últimas creaciones no han sido un éxito taquillero y no han recibido buenas críticas. A pesar de esto, las creaciones de Coppola, como la saga de El Padrino, quedan en la mente de la gente y siguen, hasta el día de hoy, siendo un precedente en el cine de Hollywood.
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NDERS El padre del Cine Alemán por Martín Espinoza B.
Wilhelm Wenders o Wim Wenders, gran cineasta alemán, que con su estilo minimalista y su temática intimista de expresar emociones ha cautivado a gran parte de Europa con su filmografía Su estilo vanguardista y simbólico ha distinguido la mayoría de su cine, caracterizando sensaciones que se logran apreciar a lo largo de su carrera y de otros directores de su generación.
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s considerado representante destacado del cine alemán de los años 70, luego, en la época de los 80 y 90s se convirtió en un admirado e influyente cineasta. La presión en los hombres que realizan recorridos viajando son uno de sus temas recurrentes, que se repiten en sus diferentes películas. Empezó sus estudios en la carrera de Filosofía, no se sintió comodo con ello y se cambió a Medicina, lo mismo ocurrió cambiándose a la Escuela de Cine de Munich en el año 1967, donde encontró su verdadera vocación. Allí empezó en la realización de diferentes cortometrajes, del mismo modo realizó su primer largometraje, Verano en la ciudad (1970). No solo filmó cine independiente sino también dirigió peliculas comerciales, que hicieron que su nombre se convierta más popular.
Filmografía 1. Alicia en la Ciudad (1976) 2. El Amigo Americano (1977) 3. El hombre de Chinatown (1982) 4. Paris, Texas (1984) 5. Buena Vista Social Club (1999) 6. El hotel del Millón de dólares (2000) 7. Palermo Shooting (2008) 8. Pina (2011)
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Su primer largometraje fue El miedo del portero ante el penalty (1971), la cuál estuvo basada en la novela de Peter Handke. En primer lugar, durante sus primeros años filmicos, se dedicó a retratar distintas manifestaciones de la cultura norteamericana, ya que nació en la época en que Alemania comenzó a girar a dicha cultura. Lo que Wenders quiere lograr es incorporar esas culturas en el inconciente europeo, es decir,
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“Creo que el espíritu del proteccionismo sería la tumba del cine europeo”. Wim Wenders
americanizar la Alemania luego de la Guerra. Luego de ello, Alicia en las ciudades (1973) reinterpretó un género denominado como Roadmovie, en donde el automóvil es un signo de la identidad adulta y se convierte en el eje principal de dicha película en donde implantó su punto de vista. En 1984, París, Texas narra la historia de un hombre sin rumbo en busca de su mujer. Por aquella historia Wenders ganó la Palma de Oro en el Festival de Cannes y resibió el aplauso de la crítica. Dicho filme es considerado como un filme que refleja la cultura anglosajona pero examinada desde una perspectiva europea.
Con este largometraje Wenders culmina la etapa Americana de su cine. Tras ello volvió a tratar temas relacionados con Alemania, como en la inolvidable Cielo sobre Berlín (1987), en la que unos ángeles observan la entonces aún dividida ciudad. Otros de sus títulos importantes fueron Hasta el fin del mundo (1991), una película con tintes futuristas rodada en varios países.
Antonioni. Luego, El fin de la violencia (1997), The Million Dollar Hotel (1999) y el documental Buena Vista Social Club (1999). Este fue un recorrido por la música popular cubana que ayudó a revalorizarla.
¡Tan lejos, tan cerca! (1993), segunda parte de Cielo sobre Berlín en la que un ángel salva a una niña de la muerte; Lisboa Story (1995), Más allá de las nubes (1995), dirigida en colaboración con Michelangelo
Escena película Paris, Texas (1984)
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Por Carlos Steven alvarez
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Lars Von Trier
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melanc贸lico dan茅s
masturb谩ndose en la oscuridad Escrito por J贸sselyn Ferreyra
Es muy interesante conocer a fondo la vida de este director danes quien no teme en absoluto expresar sus sentimientos y creencias en cualquier parte. Esta personalidad lo ha conducido a realizar peliculas caracterizadas por la pureza y el estilo del arte del cine que conquisto en epocas antiguas
E
l gran director de cine demostró su habilidad desde muy pequeño. Es un hombre danés que tiene aviofobia (pánico a volar). Por esta razón, sus films han sido desarrollados en Dinamarca y alrededores. Von Trier nació el 30 de abril de 1956 en Copenhague, Dinamarca. A los 11 años tuvo su primera cámara, la cual sería testigo de muchas de sus experiencias. Posteriormente, Lars decidió ingresar a la escuela de cine de la ciudad, de la cual pudo aprender mucho y ser acreedor de varios premios por sus películas como estudiante. Ya en el año 1983, cuando ya se había graduado lanzó su película debut titulada The Element of Crimen, la cual fue digna de recibir un premio por el Festival de Cines de Cannes. Lars también ha trabajado en la
televisión danesa, sin dejar de lado el cine. A continuación, Lars Von Trier desarrolló, a través de sus películas la trilogía europea como Epidemic en 1987 y terminó dicha trilogía con Europe en 1991.
Dogma 95: nuevo cine Junto con Thomas Vinterberg y Soren KraghJacobsen, Von Trier formó este movimiento que consiste en cambiar el formato cinematográfico. Estos grandes directores se propusieron expresar verdades profundas a través de sus películas establecidas bajo ciertas restricciones. Algunas de estas se tratan de que los escenarios sean lo más naturales posibles, las grabaciones se harían con cámaras en mano, sin genéros musicales especializados sino con el sonido natural que se presenta. Estas restricciones forman en la película una sensación de naturalidad y realismo. Las películas consideradas como dogmáticas son The Celebration y The Idiots.
Impresionante filmografia Entre las películas más destacadas de este gran director, guionista y, algunas ocasiones actor, se encuentra Breaking The Waves. Esta filmación denominada también Contra viento y marea consiste en el martirio sexual que sufre una mujer y el sacrificio que realiza la misma. En el Festival de Cine de Cannes de 1996 recibió el Premio Especial y también la actriz Emily Watson quien desarrolla este papel importante recibió una nominación al Oscar por Mejor Actriz. Asimismo, en el 2000 con su película.
Dancer in the Dark Palma de Oro en Cannes 2000 por Mejor Película y Mejor actriz
Dancer in the dark recibió la Palma de Oro en Cannes por Mejor Película y sobre todo la cantante islandesa Björk que desempeñó el papel de Selma, una inmigrante de Checoslovaquia que cada vez más se quedaba ciega, se le otorgó el premio a Mejor Atriz. De igual forma, en el 2009, su polémica filmación Antichrist es nominada en el Festival de Cannes y es criticada por sus escenas de automutilación y sexo sin censurar las partes del cuerpo sino más bien mostrando tal cual Finalmente, Melancolia, su última filmación ha sido nominada en el Festival de Canes 2011, una impresionante película donde se demuestra cómo la felicidad de la protagonista encarnada en la actriz famosa Kriste Dunst, se va acabando. Lars Von Trier es un director que no tiene pelos en la lengua. Expresa explícitamente lo que siente en los Festivales de Cannes y manifiesta abiertamente las situaciones de la vida lo más realista posible sin importar lo dramáticas que puedan ser las historias.
Contra viento y marea recibio el premio especial en Cannes de 1996 y Emily Watson fue nominada a mejor actriz
Kristen Dunst en Melancolia Nominada a Cannes 2011
¿Von?
Uno de sus profesores de la Escuela de Cine, al ver a Lars quedarse a altas horas de la noche con grandes directores, le incitó a él y a sus compañeros traviesos que colocaran el prefijo Von a sus apellidos. Ninguno de sus amigos lo hizo pero a Lars le pareció muy interesante tener su nombre parecido a los de grandes personajes como Erich von Stroheim o Josef von Sternberg.
“Non Grata”
El festival de Cannes 2011 ha declarado a Lars Von Trier como una persona ‘non grata’ por sus palabras de simpatía con el líder nazi Hitler. Pese a esto, su nuevo lanzamiento Melancholia no ha sido retirado del concurso.
Von Trier es sinónimo de realismo
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DAVID FINCHER Fincher tuvo sus inicios como director MUSICAL
El hombre detrás de la cámara Por Carla Baños 1995: Primer éxito como director
Lo NOMINARON por primera vez como Mejor Director
Fincher, el director del año, es más que un genio de la cámara, es un hombre que plasma su visión con un estilo único.
2010: Basada en la historia de Facebook
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no de los directores más renombrados del mundo cinematográfico, David Fincher, ha sido protagonista como nominado y ganador en diferentes premiaciones como SAG, BAFTA, Globos de Oro y el Óscar. Esto se debe al reconocimiento de su grandioso trabajo como director en las películas de The curious case of Benjamin Button (2008) y The social network (2010). Ambas películas han originado que Fincher se gane un lugar privilegiado en el mundo del séptimo arte. David Fincher nace en la ciudad Denver del estado de Colorado (EEUU). Desde muy joven, Fincher presentaba una cierta habilidad para dibujar, esculpir, fotografiar. Por ello, al terminar el colegio Ashland High School, Fincher ya contaba con una serie películas hechas por el mismo con una cámara de 8mm. Inmediatamente después de graduarse, Fincher decide entrar al Instituto de Ashland para perfeccionar sus habilidades. Cabe decir que la decisión de entrar a esa escuela también fue inspirada por el director George Lucas
quien le otorga una nueva perspectiva del cine. Años más tarde, Fincher, con 18 años de edad, empieza a trabajar para el productor y director de John Korky en Cine Korky. En 1981, obtuvo la oportunidad de postular de trabajar para el director George Lucas en Industrial Light and Magic (ILM), rápidamente, fue aceptado y empezó a trabajar en producciones de películas como Stars Wars: Episode VI - The return of the Jedi y la película dirigida por Steven Spielberg Indiana Jones and the Temple of Doom. Después de tres años, Fincher decide salir de ILM para empezar una nueva aventura como director de comerciales; por ello, cofunda Propaganda Film; es ahí, donde empieza a dirigir comerciales para prestigiosas marcas internacionales como Revlon, Nike, Converse, Pepsi, Sonu y Levi’s.
1990: 1er sencillo de “I’m Breathless”
Su segunda película RECAUDÓ más de 100 millones de dólares
Después de presentar un inicio interesante, Fincher decide incursionar como director musical trabajando con una infinidad de artistas famosos de todos los géneros entre los cuales se encuentran Patty SmythSting, Steve Winwood, Paula Abdul, Roy Orbinson. Sin embargo, sus trabajos que más destacaron fueron Vogue de Madonna, Love is strong de The Rolling Stones y Who is it? del Rey del Pop, Michael Jackson.
2008: La inversión fue de $150 millones
2010: En una conferencia de prensa para promocionar la película The Social Network.
Premios B.A.F.T.A y Globo de Oro “Mejor Director” Taquilla mundial con más de 220 millones de dólares
Fincher tuvo sus inicios como director MUSICAL
Inicio como Director Filmográfico
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n 1992, Fincher decide entrar al séptimo arte debutando con Allien una película de terror de ciencia ficción. Su debut como director filmatográfico no fue bien recibido ya que recibió severas críticas. Sin embargo, esta mala experiencia no evitó que Fincher lanzara una nueva película y esta vez, vendría con Se7en un thriller basado en los siete pecados capitales. Esta segunda película tuvo un éxito rotundo a nivel nacional.
of Benjamin Button protagonizado por su íntimo amigo Brad Pitt, la cual no sólo recibió buenas críticas sino también logró que lo nominaran como mejor director en prestigiosas academias de premiación como BAFTA, Globo de Oro y El Óscar. Una historia increíble que recaudó mundialmente cerca a los 200 millones de dólares. Dos años después tras ese inminente éxito, Fincher lanza The Social Network basado en los inicios de Facebook protagonizada por Jesse Eisen-
La pérdida de su padre influyó en sus películas: “Recuerdo cuando se marchó. Fue increiblemente profundo. Cuando pierdes a alguien que te ha ayudado de muchas formas, que es tu ‘verdadero Norte’, pierdes la brújula de tu vida. En muchos sentidos, te quedas totalmente solo.” 1995: Primer éxito como director
Lo NOMINARON por primera vez como Mejor Director
Por ello, inmediatamente, Fincher se pone a trabajar en su tercer proyecto The Game protagonizado por Michael Douglas y Sean Penn. Otro thriller psicológico al estilo de Fincher, la cual era proyectar un ambiente oscuro y ciniestro. Sus siguientes producciones fueron The Fight Club (1999), Panic Room (2002) y Zodiac (2007) la cual recibió pésimas críticas y recaudó tan solo 20 millones de dólares en ganancia.
berg. En este caso, Fincher si ganó en la categoría de mejor director en las premiaciones de los Globos de Oro y BAFT (British Academy Of Film and Television Arts). Asimismo, fue un gran éxito en las taquillas ya que recaudó mundialmente acerca de 220 millones de dólares. El estilo único y diferente que logra plasmar en sus películas hace que el futuro para Fincher sea un éxito asegurado.
En 2008, un giro de 360° sucedió cuando se estrenó The curious case
Un Globo de Oro para Red Social •
Fincher afirmó: “Esta es una historia sobre una disputa legal, no sobre su vida, sino sobre cómo se fundó Facebook y sus consecuencias. Es muy propio de Hollywood hacer una biografía sobre alguien y mostrar cómo cualquier detalle de su infancia explica su comportamiento posterior. Es un defecto muy americano.”
2010: Basada en la historia de Facebook
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EL GENIO DE LOS MONSTRuOS “Mi fascinación hacia ellos es casi antropológica... los estudio, los disecciono en algunas de mis películas: quiero saber cómo funcionan, qué aspecto tienen por dentro y cómo se comportan”. Por : Luis Jimenez Lu
Conocido como director, muchos no saben qué tan multifacético puede ser el mexicano Guillermo del Toro. Este productor, maquillista, guionista, y novelista, ha ganado varios premios por sus películas, incluyendo, premio a mejor guión original.
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ara los que no lo conocen, Guillermo del Toro, es un guionista y director mexicano nacido el 9 de octubre de 1964 en la ciudad de Guadalajara. Está casado con una mujer llamara Lorenza, quien fue su compañera desde que era un estudiante y tiene una hija llamada Mariana. Muchas personas han visto películas como Blade el cazador de vampiros, o Hellboy sin saber que el director era justamente de origen
latino. Pero antes de hablar de las películas que lo lanzaron a la fama, veamos cómo fue que se inició en el ámbito cinematográfico.
INICIOS EN SU CARRERA Del Toro, antes de ser director de cine, estudió diseño de maquillaje durante 10 años y fue justamente desde los 10 años que comenzó a trabajar como maquillista, lo
Blade: el cazador de vampiros
cual dio como fruto que antes de terminar la secundaria, ya tuviera su propia empresa, más conocida como “Necropia”. Durante su trayectoria como maquillista conoció al famoso maquillador Dick Smith, conocido por su trabajo en películas clásicas del cine como El Exorcista, El Padrino, Taxi Driver y Amadeus. Gracias a eso, Guillermo del Toro tuvo la oportunidad de trabajar como maquillista en diversos filmes de los años noventa. Por otro lado, Guillermo del Toro a los 21 años de edad tuvo la oportunidad de
dirigir un par de cortos de terror en los años ochenta. Estos cortos no muy conocidos son Doña Lupe del año 1985 y Geometría del año 1987. En el año 1993, dirigió la película La Invención de Cronos, la cual fue la clave para entrar a Hollywood. En esta película, trabajó justamente con dos de sus actores favoritos, el argentino Federico Luppi y el actor estadounidense Ron Perlman, con quien más adelante filmaría Blade II y ambas películas de Hellboy.
ESTILO DEL TORO Por lo general las películas de Guillermo del Toro son películas de terror y ciencia ficción. Suelen haber personajes místicos, extraños y tenebrosos. Los escenarios que hay en sus filmes son de ambientes tétricos y agobiantes, y a menudo suceden u ocurren situaciones mágicas y fantásticas. Es como una constante que se suele apreciar en la mayoría de sus películas, y a la larga a llegado a ser como un sello característico del mismo director. El mismo cuenta y dice que tiene un fascinación por el mundo fantástico, el mundo de las hadas, mundos oscuros y tenebrosos. En cuanto a los monstruos él dice lo siguiente:” mi fascinación hacia ellos es casi antropológica... los estudio, los disecciono en algunas de mis películas: quiero saber cómo funcionan, qué aspecto tienen por dentro y cómo se comportan”. En este aspecto en particular Guillermo del Toro tambien tiene un actor predilecto para encarnar a sus “monstruos”, se trata de Doug
Jones, quien ha trabajado con él en varias ocasiones, en Hellboy interpreto al compañero del protagonista Abe Sapien que era una especie de pez humanoide con una inteligencia muy elevada, y en El Laberinto del Fauno, en la cual interpretó al mismo fauno y otro mounstro mas dentro de la misma película. Por otro lado, hay otro tipo de elementos poco usuales que también le fascinan y que suelen verse en sus películas, acerca de esto él dice lo siguiente: “tengo una especie de fetichismo por los insectos, la relojería, la maquinaria y los engranajes, monstruos, lugares oscuros, cosas sin nacer...”
GALARDONES La película El Laberinto del Fauno fue ganadora de 3 premios Óscar y 68 veces nominada a otros premios cinematográficos. Entre estos premios podemos mencionar que gano los oscar en las categorías de “mejor maquillaje”, “mejor dirección artística” .
CURIOSIDADES. Guillermo del Toro también debutó en el 2009 como escritor, lanzando la novela Nocturna, escrita conjuntamente con Chuck Hogan, que en realidad es el primer volumen de la Trilogia de la oscuridad (Nocturna, Oscura y Eterna) la cual trata sobre un virus que convierte a las personas en vampiros. Por otro lado, muchos no saben que a pesar que Del Toro se especializa en películas tenebrosas, también fue productor de películas como Kung Fu Panda 2 , Megamente y El Gato con Botas. Por ultimo cabe decir que él es el encargado de escribir la historia de la película The Hobbit: An unexpected journey y la secuela The Hobbit: There and back again.
Guillermo del Toro cuenta con dos amigos que tambien son directores mexicanos, Alfonso Cuarón y Alejandro González Iñárritu.
Guillermo del Toro con sus monstruos rodeandolo
Pale Man: Monstruo de El Laberinto del Fauno
Peliculas dirigidas por Guillermo del Toro
- Doña Lupe 1985 - Geometria 1987 - Cronos 1993 - Mimic 1997 - El espinazo del Diablo 2001 - Blade II 2002 - Hellboy 2004 - El laberinto del fauno 2006 -Hellboy 2 2008
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Robert Rodriguez parce ser la excepción del conocido dicho ‘el que mucho aprieta poco abarca’;; su incesante éxito se PDQLÀHVWD HQ WRGDV ODV IDFHWDV que se le conoce: director, productor, guionista, actor. Es mundialmente reconocido por sus grandes producciones como El Mariachi, Desesperado, Spy kids, Sin City, Planet Terror, Machete, entre otros.
Por Fabiola Romero
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Afortunadamente, El Mariachi ganó el tan anhelado Premio del Público a la Mejor Película Dramática del Festival de Cine de Sundance; además, fue galardonada en los festivales respectivos de Berlín, Munich, Edimburgo, Deauville y Yubari (Japón). Paralelamente, dicha película se convirtió en el filme de menor presupuesto estrenada por un gran estudio y en la primera cinta americana estrenada en el idioma español.
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obert Anthony es el nombre con el que Cecilio y Rebecca Rodriguez, inmigrantes mexicanos, bautizaron al hoy reconocido director, productor, guionista y actor de cine. Rodríguez nació el 20 de junio de 1968 en San Antonio (Texas) y es el tercero de los ocho hijos de la familia mexicana. En la década de los noventa, mientras cursaba sus estudios en la Universidad de Texas (Austin), Robert escribió el guión de su primer largometraje, el cual logró ser rodado gracias a que este permaneció un tiempo internado en las instalaciones d e unos laboratorios de investigación como paciente de un experimento clínico remunerado. Luego del rodaje, Robert decidió vender su película en el mercado del vídeo doméstico mexicano. El Mariachi resulta ser la película de la que hablaba líneas arriba; Rodriguez la escribió, dirigió, fotografió, montó y grabó el sonido con un presupuesto de siete mil dólares en el año 1993. A medida en que seguía investigando la forma de vender la película en el mercado del vídeo, Rodriguez fichó con un influyente agente de ICM. Fue de esa manera que la importante productora estadounidense Columbia Pictures compró los derechos y firmó un contrato de dirección de dos años con Rodriguez.
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El cine continua Tiempo después, Rodriguez no dejó de hacer lo que más le apasionaba: el cine. Desesperado es la segunda película que Rodriguez escribió, produjo, dirigió y montó en el año 1995; esta vendría a ser una secuela de El Mariachi y que también fue producida por la Columbia Pictures. En esta pelìcula, Rodriguez da a conocer a su cuasi paisana Salma Hayek a los estadounidenses; lo mismo sucedió con Antonio Banderas, pero este con el papel protagónico. También, en su película, The Misbehavers, la que escribió, dirigió y montó en 1995, le dio el protagonismo a Banderas; esta constituye una de las cuatro partes de Four rooms, de Miramax Films.
Las buenas juntas A medida en que la carrera de Robert Rodriguez se consolidaba en Hollywood, el multifacético texano formó equipo con Quentin Tarantino en el rodaje Del crepúsculo al amanecer de Dimension Films; en este, Rodriguez dirigió un reparto que incluía al propio Tarantino, el cual se encargó de escribir el guión. Posteriormente, surgió The Faculty en 1998, realizado por el
Robert escribió el guión de su primer largometraje, el cual logró ser rodado gracias a que este permaneció un tiempo internado en las instalaciones de unos laboratorios de investigación como paciente de un experimento clínico remunerado.
propio Rodriguez, de Dimension Films, cuyo reparto fue de lujo: Josh Hartnett, Elijah Woods, Jordana Brewster, entre otros. Algo peculiar que hizo Robert fue crear una película de aventura para toda la familia en 2001: Spy Kids. Esta fue un verdadero éxito tanto en el ámbito del cine como en el económico (sus ingresos superaron los cien millones de dólares solo en Estados unidos). Sin embargo, más allá de los éxitos mencionados líneas atrás, Robert cumplió uno de sus grandes anhelos al realizar ese tipo de película. Debido a ello, decidió montar Spy Kids 2 y, posteriormente, Spy kids 3D: Game Over, la cual se estrenó el 25 de julio de 2003 en Estados Unidos. Entretanto, El Mariachi no se hacía extrañar: el 12 de septiembre de 2003 se estrenó en Estados Unidos Érase una vez en México, tercera entrega de la trilogía El Mariachi, producida y co-escrita por Rodriguez.
Ambito personal No obstante, Robert Rodriguez no solo se ha enfocado en su vida profesional; en 1990 contrajo nupcias con – la también actriz- Elizabeth Avellán y tuvieron tuvieron cinco hijos: Rocket Valentin, Racer Maximilliano, Rebel Antonio, Rogue Joaquin y Rhiannon Elizabeth. Avellán tiene, además, un hijo de un matrimonio anterior, Aaron, quien es asistente en las películas de Rodriguez.
Lamentablemente, en el año 2006 el matrimonio Rodriguez-Avellán generó sospechas sobre un supuesto divorcio, el cual llegó a suceder – tras dieciséis años juntos- en 2007. Según los distintos medios de comunicación, Rodriguez consolidó el divorcio poco tiempo después de rodar Planet Terror; se confirmó que inició una relación amorosa con la actriz Rose McGowan, y que además se llegaron a comprometer, pero terminaron su romance tras el rodaje de Machete.
A medida en que la carrera de Robert Rodriguez se consolidaba en Hollywood, el multifacético texano formó equipo con Quentin Tarantino en el rodaje Del crepúsculo al amanecer de Dimension Films; en este, Rodriguez dirigió un reparto que incluía al propio Tarantino, el cual se encargó de escribir el guión.
Sin city , película que Rodriguez produjo junto a su entonces esposa Elizabeth en 2005, es una adaptación de las historietas de Frank Miller. Esta tiene un reparto de lujo: Bruce Willis, Brittany Murphy, Jessica Alba, Mickey Rourke, Benicio del Toro, Clive Owen, entre otros. Se especula el rodaje de Sin City 2 este 2011. 51
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