ART DECO

Universidad Mariano Gálvez de Guatemala Facultad de Arquitectura Arq. José Mejía Historia del Arte VI

Art Deco

Sara Noemí Fuentes Mipzar Ralda Ixchel Leiva Rafael Mejía

Quetzaltenango 15 de mayo del 2021

Introducción El Art Deco es un estilo que emergió en una época que deseaba satisfacer a la burguesía, es una tendencia que es puramente decorativa, exuberante, llena de elegancia que no menosprecia ningún espacio para colocar su sello. Su manera de ser tan exagerada es una respuesta a los momentos de austeridad que se vivió por la Primera Guerra Mundial; como cualquier tendencia tiene principio, formas representativas, colores propios y que es innegable su huella en la historia de la arquitectura.

Se puede decir que mezcla varios estilos y que emerge siendo un estilo único con garantía de opulencia, se integran de igual manera los representantes de este estilo, la arquitectura conmemorativa y tambíen el interiorismo. Hablar de art deco es hablar de todo un conjunto de detalles, los cuales se utilizan en la actualidad gracias a sus diseños clasicistas pero llamativos, todos los representantes de este movimiento como Jean Dunand o Pierre Chareau encontraron el significado y la esencia del uso de formas y colores además de funcionalidad y elegancia.

Art Deco 1. Influencias del estilo 1.1. Otros estilos: art déco es un estilo de decoración que fue especialmente popular en los años 30 donde se utilizaban formas, líneas simples y colores fuertes. Es entonces una gran mezcla de varias tendencias las cuales brindando lo mejor de ellas dieron como resultado de lo que hoy apreciamos del Art Deco. Entre las tendencias que fueron parte de ello podemos mencionar: 1904 Fauvismo: Movimiento pictórico que surge en Francia que se caracteriza por el empleo ● provocativo del color, como medio de expresión de los sentimientos.

1907 Cubismo: Quiebre definitivo con la pintura tradicional, da pie al resto de las vanguardias ● del siglo XX. Observa a la naturaleza y trata la forma con figuras geométricas, fragmentando líneas y superficies. Presenta todas las partes o perspectivas del cuerpo en un mismo plano, dotando a la pintura de una “perspectiva múltiple”. No hay profundidad, ni detalles.

1909 Futurismo: Vanguardia que exaltaba la guerra, la fuerza, la velocidad, y el movimiento; ● debido a esto en sus pinturas se encuentran automóviles, bicicletas, aviones, contenido relacionado con el mundo moderno. Composición con figuras geométricas, transparencias, colores resplandecientes, que generan un ritmo.

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Bauhaus: Geometrización

Este marcado eclecticismo (porque de eso se trata el Art Decó) es fiel a su época de grandes cambios tecnológicos, políticos y sociales. Es burgués (casi puramente decorativo) y nos habla del progreso, la elegancia, lo opulento, lo exagerado, casi como una reacción contra la austeridad forzada a causa de la Primera Guerra Mundial. También cabe mencionar que contenía cierta alusión a las fiestas de jazz y el uso de drogas, lo cual toma el nombre de hedonista. También se dejaba seducir por el antiguo Egipto, el arte mesopotámico, el primitivismo africano, el extremo oriente y, en general, todo lo que resultara diferente y exótico. Y a menudo volvía también a los modelos de la antigua Roma y la Grecia clásica, con sus imponentes columnas y ricos materiales.

2. Características del estilo 2.1. Forma: El Art déco parece obsesionado con las formas geométricas, con las rectas y ángulos, con la masa y la simetría como valores constantes.

2.2. Color: El diseño interior Art Déco utiliza colores llamativos como el negro, rojo, oro y plateado.

A veces en el colorido de este tipo de decoración se incluye el beige y blanco roto.Por otro lado, el negro es un color muy elegante común en los interiores Art Déco. Azulejos de baño y cocina en combinaciones monocromáticas de color negro, blanco o con estallidos de rojo, y marrones profundos son precisamente una seña de identidad de la época

2.3. Volumen: Las líneas Art Déco son rectas, de bordes duros y suaves. Piensa en la elegancia aerodinámica y en las curvas elegantes y exageradas. Conlleva el uso de entrantes y salientes, zócalos pronunciados y notables en formas. Los volúmenes se escalonan, tanto en remates de fachadas y paredes, como en marcos de huecos, en techos o en pilastras.

2.4. Iluminación: Las lámparas son las protagonistas en el Art Deco, por ello no escatimar en colocar lámparas en el techo, en las mesas y mejor aún las lámparas de piso. Lo ideal es que tengan diseños y formas originales y estén construidas con materiales como el acero. Los colores dorado y plateado son los preferidos para las lámparas en este estilo, y lo ideal es que tengan pantallas de vidrio soplado.

2.5. Decoración: La elegancia es una característica esencial de los muebles Art Deco. Diseños que combinan materiales como la madera y tapices de telas, como el terciopelo, pieles naturales y cuero, que se funden con los colores de la pared. Los accesorios decorativos siguen la idea de la era industrial, por lo que aquellos de materiales como la madera, la plata, el hierro y el bronce te ayudarán a conseguir este estilo. Entre los accesorios y adornos perfectos, tenemos espejos, esculturas, y vasos decorativos.

3. Formas del estilo 3.1. Elementos característicos ● Profusión de las formas geométricas, la línea recta y los zigzags y el símbolo del sol.

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Este arte trata de representar el movimiento y el dinamismo de la sociedad industrializada, mediante abstracciones geométricas, inspiradas en la máquina y la naturaleza, como rayos luminosos, fluidos acuáticos etc.

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Los animales que se suelen representar en este arte son los que tienen el exotismo y la velocidad como su punto fuerte, por lo tanto, veremos galgos, panteras, gacelas, etc.

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El mundo vegetal está representado mediante flores, palmeras… eso sí, simbolizadas a través de líneas geométricas.

4. Arquitectos y artistas del estilo 4.1 Pintores 4.1.1 Federico Beltran Masses En 1893 la familia regresa a Barcelona en donde Federico inicia estudios de pintura en la Escuela Superior de Artes e Industrias y de Bellas Artes de Barcelona, "Llotja", completándolos más tarde en el taller del pintor Joaquín Sorolla en Madrid. En 1911 se casa con la también pintora Irene Narezo Dragonée. En 1916 la pareja se traslada a vivir a París, en donde residen hasta 1946 en que vuelven a Barcelona. Fallece en 1949 en esta ciudad.

En 1919 se hizo cargo de la Exposition Hispano-français des Beaux-Arts. En 1920, la XII Bienal de Venecia dedica íntegramente una sala a su obra. A partir de este momento y como consecuencia de su viaje a Italia, Venecia y sus fondos arquitectónicos ocupan un importante papel en la obra de Beltran Masses.

Venecia es la ciudad de sus sueños, de sus fantasías y hace de ella el marco perfecto de sus retratos.

De obra abundante y extensa, se le puede considerar como un "Retratista Mundano" ya que es enormemente conocido por los retratos que realizó a los personajes de la sociedad de su momento. Su pintura más libre se caracteriza por la exaltación del color y de la noche. Es el azul Beltrán lo más característico de su obra y que define su paleta con tonos azules que captan el crepúsculo y la oscuridad de la noche. También son características sus "notas de color" u "Horas de España" pequeños retazos de una España añorada en su imaginación, castiza, de majas, romerías y visiones flamencas y que constituyen la parte más difundida de su obra.

Beltrán Masses fue distinguido profusamente con premios en los Estados Unidos, Bélgica, Italia, la India, Francia y España.

4.1.2 Jean Dupás: desarrolló un estilo abstracto altamente personal que con sus alargamientos y sus expresiones deshumanizadas, supo captar con gran precisión el espíritu de la época.

Pintor francés nacido en Burdeos. Fue ilustrador, cartelista y decorador representante del Art Déco.

Estudiante de la Ecole des Beaux-Arts y más tarde en París. Ganó el Premio de Roma en 1910, con el cuadro "Eros, el dios Pan". Su estilo personal se describe como académico o neoclásico. Se inició en la Villa Medici, bajo la dirección de Carolus-Duran. Combatió en la Primera Guerra Mundial (1914-1918), siendo encarcelado y puesto en libertad en 1919. Regresó a Roma en ese año, presentando una colección de obras en la ciudad de Burdeos para los beneficios de los heridos. Murió en París en 1964.

4.1.3 Robert Eugène Poughéon: este artista desarrolló un estilo abstracto en el cual destacaba por sus temas de la anatomía, por una musculosidad pronunciada y angulosa, muchas veces heroica en

sus proporciones o por la presencia de las figuras alegóricas en ambientes naturalistas. Fue un artista muy importante dentro del Arte Déco.

Hijo de Louis Poughéon (1851-1935) y Eugénie Tourot (1860-1933), Robert entró en la Escuela Nacional Superior de las Artes Decorativas (E.N.S.A.D.) en 1902, en la Escuela de Bellas Artes de París (E.N.S.B.A.) en 1907 (presentado por Fernand Cormon) y siguió cursos de Jean-Paul Laurens, de Albert Besnard y de Paul Baudoüin. Más tarde regresó a la ENSAD y se instruyó con Charles Lameire (1832-1910) entablando amistad con Jean Dupas. Expuso en el Salon des artistes français desde 1911.

Tras su estancia en la Academia Francesa en Roma (1919-1923), su arte adopta un estilo más geométrico que más tarde se inclinaría al de Tama de Lempicka para más tarde evolucionar al surrealismo (por ejemplo su serie "Amazones"), de todos modos su estilo orbitaría entre el Pierre Puvis de Chavannes y el art deco.

Fue profesor en la ENSBA y en la Académie Julien, director de la Academia Francesa de Roma y conservador del Museo Jacquemart-André.

4.1.4 Jean Gabriel Domerge: desarrolló su talento en la pintura. Creaba retratos atractivos de personajes mundanos de París, estrellas del teatro y desnudos. Mezclaba imágenes neoclásicas y modernas en unas composiciones extrañas pero atractivas y disponía sus figuras en escenarios arquitectónicos.

Domergue nació en Burdeos y estudió en la École nationale supérieure des Beaux-Arts. En 1911, fue ganador del Prix de Rome. Desde la década de 1920 en adelante se concentró en los retratos y afirmó ser "el inventor del pin-up". [Cita requerida] También diseñó ropa para el modisto Paul Poiret. Desde 1955 hasta 1962 fue comisario del Musée Jacquemart-André, organizando exposiciones de las obras de Van Gogh, Toulouse-Lautrec, Goya y otros. Domergue fue nombrado Caballero de la Légion d'honneur. Murió el 16 de noviembre de 1962 en una acera de París.

4.1.5 Tamara Lempicka: Esta pintora nació cerca de Varsovia, siendo una de las artistas en pintura más importantes y representativas del Arte Déco. Se inscribió en la Academia Ramsom, donde estudió con Maurice Denis, discípulo de Cezanne, y con André Lhote, el teórico del cubismo, de donde se ve su influencia por el uso del claroscuro para dramatizar el impacto visual de sus figuras.

Desarrolló un estilo personal, enigmático, donde predominaban las imágenes angulares contrastadas y los colores brillantes, con una notable carga de sexualidad. Llegó a pintar unos cien retratos, muchos de ellos desnudos y otros aparecían sobre un fondo de rascacielos neoyorquinos.

Nació en el seno de una familia acaudalada, siendo desde pequeña una niña autoritaria y con carácter.

En 1910 pinta su primer trabajo, el retrato de su hermana. En 1911 hace con su abuela un viaje a Italia, donde descubre su pasión por el arte.

En 1916 se casó en San Petersburgo con el abogado polaco Tadeusz Łempicki (1888-1951), con quien llevó una vida lujosa hasta que estalló la Revolución de octubre. Tadeusz resultó encarcelado, pero ella lo sacó de prisión y se trasladaron a Copenhague.

En 1923 se mudaron a París, donde nació su hija, Kizette. Tamara tomó clases de pintura con André Lhote. Más tarde expuso en varias galerías de París, ya en estilo art decó, como en la galería Colette Weill. En 1925 tuvo un lugar en la primera exposición art decó de París, donde se hizo un nombre como artista. Más tarde viajaría con su hija a Italia para observar de nuevo el arte italiano. En 1927, su cuadro Kizette en el balcón recibe el primer premio en la Exposición Internacional de Burdeos.

En 1929 se divorcia de Tadeusz y conoce al barón Raoul Kuffner de Diószegh (1886-1961), un coleccionista de su obra. Junto a él, viaja a Estados Unidos. Allí Tamara acepta casarse con el barón aunque no oculta su orientación bisexual. Se hace famosa entre la burguesía neoyorquina y expone en varias galerías estadounidenses y europeas. En 1933 viaja temporalmente a Chicago donde trabaja con Willem de Kooning y Georgia O'Keeffe. En 1938 se van a vivir a Beverly Hills.

En 1941 Kizette se va a vivir con su madre. En 1960, Tamara cambia de estilo, pasándose al abstraccionismo. En 1962, muere el barón. Tamara de Lempicka recuerda en su autorretrato 1929 "Tamara en Bugatti verde", la trágica muerte de la bailarina estadounidense Isadora Duncan

que murió estrangulada en 1927, cuando su largo chal se enreda en una de las ruedas posteriores de su Bugatti.

4.2 Los arquitectos más destacados fueron: 4.2.1 Raymond Hood, (29 de marzo de 1881 – 14 de agosto de 1934) fue un arquitecto quien trabajó en el estilo art decó al principios y mediados del siglo XX. Nació en Pawtucket, Rhode Island, y estudió en la Universidad Brown, el Instituto Tecnológico de Massachusetts, y la École des Beaux-Arts en París. En esta última institución conoció a John Mead Howells, con quien Hood posteriormente se asoció. Hood trabajó frecuentemente con el escultor arquitectónico Rene Paul Chambellan para crear la escultura de su edificio y para hacer modelos de plastilina de sus proyectos. Hood murió a los 53 años y fue enterrado en el Cementerio de Sleepy Hollow en Sleepy Hollow, Nueva York.

Obras más importantes ● ● ● ● ● ● ●

Tribune Tower, Chicago, Illinois 1924 American Radiator Building, también conocido como el American Standard Building, New York, New York 1924 Ocean Forest Country Club, Myrtle Beach, Carolina del Sur 1926-1927 New York Daily News Building (the model for Superman's The Daily Planet), Nueva York 1929 Masonic Temple, Scranton, Pensilvania 1930 Rockefeller Center, Nueva York, en donde Hood fue el arquitecto senior en un equipo largo.

1933-37 McGraw-Hill Building, New York 1934

4.2.2 L. Murray Dixon, Lawrence Murray Dixon (16 de febrero de 1901 - 8 de octubre de 1949) fue arquitecto en Miami Beach, Florida. Nació en Live Oak, Florida, asistió a la Escuela de Tecnología de Georgia (1918-1919) y trabajó en Nueva York para Schultze y Weaver de 1923 a 1929, cuando se mudó a Miami Beach. [1] [2] Se le atribuye el diseño de The Temple House (1933) en la sección South Beach de Miami Beach, así como otros hoteles y residencias Art Deco. Dixon está catalogado como un gran floridano.

El trabajo de Dixon incluye The Tides Hotel (1936), The Victor Hotel (Miami) (1937), The Tiffany (1939), The Marlin (1939), Tudor Hotel (1939), The Senator (hotel) (1939), The Raleigh Hotel (1940), el Hotel Ritz Plaza (1940), el Hotel Regent (1941) y The Betsy Ross (1942). Su obra es conocida por su diseño curvilíneo.

El programa de PBS American Experience llamó a Dixon y Henry Hohauser los principales arquitectos de Deco South Beach, incluyendo "curvas aerodinámicas, torres salientes, ventanas" cejas "y neón". Tales edificios eran menos costosos y menos ornamentados que los de Carl Fisher, como el Flamingo y "parecían perfectamente adaptados a una ciudad creada para el sol, la arena y la relajación" Dixon murió en la ciudad de Nueva York el 8 de octubre de 1949.

4.2.3 T.L. Pflueger Timothy Ludwig Pflueger (26 de septiembre de 1892 - 20 de noviembre de 1946) fue un destacado arquitecto, diseñador de interiores y diseñador de iluminación arquitectónica en el Área de la Bahía de

San Francisco en la primera mitad del siglo XX. Junto con James R. Miller, Pflueger diseñó algunos de los principales rascacielos y cines de San Francisco en la década de 1920, y sus obras presentaban arte que desafiaba a nuevos artistas, como Ralph Stackpole y Diego Rivera. En lugar de abrir nuevos caminos con sus diseños, Pflueger capturó el espíritu de la época y lo refinó, agregando un toque personal distintivo. Su trabajo influyó en arquitectos posteriores, como Pietro Belluschi.

Pflueger, quien comenzó como un diseñador de clase trabajadora y nunca fue a la universidad, estableció su marca en el desarrollo del Art Deco en California, la arquitectura aún demostró facilidad en muchos estilos, incluyendo Streamline Moderne, neo-maya, Beaux- Artes, Renacimiento de la Misión, Neoclásico e Internacional. [1] Su trabajo como diseñador de interiores ha dado como resultado una variedad de espacios interiores influyentes, que incluyen lujosos salones de cócteles como Top Brand en el Mark Hopkins Hotel, el bar de charol en el St. Francis Hotel y el Cirque Room en The Fairmont, tres de ellos. los bares de San Francisco más exitosos de su época.

Las conexiones sociales y comerciales de Pflueger se han extendido por toda la ciudad, incluidos tres clubes privados para hombres a los que se unió: el Bohemian Club, el Olympic Club y The Family.

Diseñó edificios y arquitectura interior para los dos últimos. Pflueger ocupó un puesto importante en varias organizaciones de planificación importantes: fue presidente de un comité de arquitectos consultores en el proyecto Ponte da Bahia y formó parte del comité responsable del diseño de la Exposición Internacional Golden Gate en 1939. Pflueger fue miembro de la junta de la Asociación de Arte de San Francisco a partir de 1930 y se desempeñó como presidente y director. Mientras estaba en la junta, Pflueger ayudó a la organización a fundar el Museo de Arte Moderno de San Francisco (SFMOMA).

4.2.4 William Van Alen (10 agosto de 1883, 24 de mayo de 1954) fue un arquitecto de Estados Unidos conocido por el diseño de edificio Chrysler de Nueva York.

Nacido en Williamsburg, Brooklyn, Van Alen estudió en el Pratt Institute de Brooklyn y más tarde trabajó en la oficina de Clarence True. En 1908, Van Alen ganó el Premio de Arquitectura de París, el premio más alto otorgado por la Sociedad de Arquitectos de Bellas Artes, en un concurso para el diseño de un teatro. El Premio de París incluía una beca para estudiar en la Escuela de Bellas Artes de París, donde Van Alen estuvo en el taller de Victor Laloux.

En 1911, Van Alen regrea a Nueva York, donde en 1914 abre un estudio de arquitectura con H. Craig Severance. La firma diseñó varias tiendas y restaurantes en Nueva York hasta 1925, en el que dejan de colaborar como consecuencia de conflictos entre ambos.

Van Alen es conocido por su diseño del Edificio Chrysler, un rascacielos de estilo Art Deco construido entre 1928 y 1930 para Walter P. Chrysler en la Avenida Lexington y la calle 42 en Manhattan. Concebido como un homenaje a la era industrial y la próspera industria del automóvil, el edificio fue el rascacielos más alto de Nueva York hasta la terminación del Empire State en mayo de 1931.

Aunque actualmente el edificio Chrysler es un icono Nueva York, Van Alen no se benefició de su gloria. Se sabe que Walter Chrysler y Van Alen tuvieron una relación conflictiva, y cuando se inauguró el edificio Chrysler en 1930, no se citó el nombre de Van Alen.

Van Alen experimentó con viviendas prefabricadas para National Housing, Inc. a mediados de la década de 1930, pero se conoce poco acerca de su obra posterior.

William Van Alen murió sin reconocimiento en 1954, y después de la muerte de su esposa Elizabeth Bloodgood en 1970, la mayoría de sus bienes fueron cedidos al Instituto Nacional de Formación en Arquitectura (la organización heredera de la Sociedad de Arquitectos de Bellas Artes).

4.2.5 Henry Hohauser Arquitecto estadounidense nacido en Nueva York. Conocido por sus edificios de estilo Art-Deco, realizó casi toda su obra en Miami. Estudió en el Instituto Pratt de Brooklyn, Nueva York, antes de desplazarse a Florida en 1932. Las características de sus edificios incluyen la simetría en la elevación frontal, los bordes curvos y la iluminación de neón. Henry Hohauser está considerado junto a Lawrence Murray Dixon, como el principal arquitecto del Deco South Beach. Sus edificios eran más baratos y menos ornamentados que los de Carl Fisher, aunque eran perfectamente adecuados para una ciudad creada para el sol, la arena y la relajación. Su trabajo, que sirvió a los turistas de clase media, comprende más de 300 casas, edificios de apartamentos, hoteles, tiendas, restaurantes y teatros, muchos de ellos protegidos por la Sociedad de Preservación Art-Deco de Miami. En el año 1993 The Miami Herald lo clasificó como una de las 100 personas más influyentes en la historia del sur de Florida.

5. Arquitectura del estilo 5.1 Características de diseño de la arquitectura Art Decó Las principales características de la arquitectura Art Deco son sus formas geométricas elegantes, lineales, a menudo rectangulares, dispuestas y divididas por elementos ornamentales curvos. Una serie de retrocesos que crean un contorno escalonado ayudan a crear la apariencia monolítica de las típicas fachadas Art Deco.

5.2 Materiales Los materiales de construcción que utilizó de la arquitectura art-deco son; estuco, bloque de hormigón, ladrillo vidriado, piedra lisa y terracota. El acero y el aluminio también se usaban comúnmente junto con acristalamientos opacos decorativos.

Si bien algunos edificios art deco presentaban elementos hechos a mano, otros se conformaban con decoraciones repetitivas hechas a máquina que eran menos costosas. Dichos detalles podrían incorporar motivos artísticos o exóticos según la función del edificio o las preferencias del arquitecto.

Teatro Rex de Atenas Los techos planos a menudo se adornaban con parapetos, agujas o construcciones en forma de torre para acentuar una esquina o entrada, y también se agregaban comúnmente chimeneas decorativas.

Las ventanas a menudo estaban dispuestas en bandas de vidrio horizontales continuas para mantener una apariencia aerodinámica y con frecuencia eran aberturas cuadradas o redondas con paneles de enjuta en relieve colocados debajo de ellas. Se utilizaron vidrio decorativo o bloques de vidrio para las aberturas de las paredes como un medio para maximizar la luz natural y proporcionar un contraste entre las formas sólidas y vacías.

Se utilizaron pilastras y frontones elaborados para decorar las puertas, y los alrededores de las puertas a veces se decoraban con lengüetas convexas o estrías cóncavas.

Los proyectos de la arquitectura Art Decó a menudo produjeron colaboraciones dinámicas entre arquitectos, pintores, escultores y diseñadores.

5.2 Materiales

Los materiales Art Deco incluían estuco, hormigón, piedra de cara lisa y terracota. El acero y el aluminio se usaban a menudo junto con bloques de vidrio y placas de vidrio opacas decorativas (vitrolita).

5.3 Techo Los diseñadores Art Deco adornaban los techos planos con parapetos, agujas o construcciones en forma de torre para acentuar una esquina o entrada. Se agregaron curiosidades decorativas como chimeneas para destacar el diseño.

5.4 Ventanas Las ventanas suelen aparecer como aberturas perforadas, cuadradas o redondas. Para mantener una apariencia aerodinámica del edificio, a menudo se dispusieron en bandas horizontales continuas de vidrio. Las aberturas de las paredes a veces se rellenan con vidrio decorativo o con bloques de vidrio, creando un contraste de formas sólidas y vacías al tiempo que admiten la luz del día. Muchos edificios de apartamentos grandes encontraron un éxito estético con paneles decorativos en relieve colocados debajo de las ventanas. Los apartamentos Kennedy-Warren son un ejemplo.

5.5 Entrada Las puertas a veces están rodeadas de pilastras y frontones elaborados, y los alrededores de las puertas a menudo se adornan con cañas (una decoración convexa) o estrías (una decoración cóncava). La calidad y extensión de los motivos decorativos varían según el proyecto y el diseñador.

6. INTERIORISMO DEL ESTILO 6.1 ESTILO ART DECÓ El movimiento Art Decó surge durante la primera guerra mundial y se caracteriza por el lujo de los materiales y por los motivos geométricos y vegetales.

Este movimiento combina estilos de vanguardia artística más modernos y materiales de lujo, sobre todo cromados y espejos.

6.2 LAS CARACTERÍSTICAS: a) Profusión de las formas geométricas, la línea recta y los zigzags y el símbolo del sol. b) Este arte trata de representar el movimiento y el dinamismo de la sociedad industrializada, mediante abstracciones geométricas, inspiradas en la máquina y la naturaleza, como rayos luminosos, fluidos acuáticos etc. c) Los animales que se suelen representar en este arte son los que tienen el exotismo y la velocidad como su punto fuerte, por lo tanto, veremos galgos, panteras, gacelas, etc. d) El mundo vegetal está representado mediante flores, palmera, etc. eso sí, simbolizadas a través de líneas geométricas.

6.3 TEXTURAS Las texturas que predominan son el terciopelo y cuero para sofas, butacas, puff etc. que se caracterizan por su suavidad al tacto y su diversidad de colores. En los cojines la textura elegida será la seda o el crochet, el brillo y el dorado tendrán gran presencia.

6.4 COLORES El color que no puede faltar en este estilo es el negro y la combinación con el oro, plata y el blanco pues ayuda a captar el glamour de aquella época. Este tono se usa para mostrar elegancia y seriedad.

Usado en muebles, desde las mesas hasta las sillas y en todo tipo de accesorios. El marrón chocolate es para dar calidez a la decoración.

6.5 MUEBLES ART DECÓ Las formas geométricas son una parte básica del estilo Art Decó, y se ven reflejadas mayormente en los muebles. Estos deben tener líneas simples, y ser modernos. Materiales llamativos, como cromo y

maderas exóticas. Los muebles con espejos también son elementales, muebles grandes y llamativos.

6.6 ACCESORIOS Los motivos más típicos son las hojas, plumas, formas geométricas, pavos reales y panteras. Los espejos grandes, con marcos dorados no pueden.

Para el suelo se utilizan grandes alfombras geométricas siguiendo una simetría o un suelo de mármol.

6.7 PATRONES GEOMÉTRICOS Los diseños geométricos proporcionan a menudo un contrapunto a las líneas redondeadas suaves de los muebles clásicos del estilo Art Decó. Los diseños de abanico se incorporaron a menudo utilizando triángulos en capas, y también eran comunes los diseños circulares.

6.8 MATERIALES Y ACABADOS INDUSTRIALES Los materiales industriales fueron incorporados en el diseño o el acabado de muebles Art Decó.

Metales, cromo, plástico y vidrio suelen combinarse con la madera para agregar elementos de textura y adornos reflectantes. Los acabados eran brillantes o satinados. La madera fue fuertemente laqueada o esmaltada y pulida para lograr mucho brillo.

6.9 TELAS Las telas mejoran la sensación de lujo y opulencia en el art decó. Acentuados y exagerados estampados geométricos, animales o florales en materiales suaves y suntuosos fueron utilizados para contrastar y complementar el estilo elegante. Los detalles como flecos y bordes fueron toques finales comunes para los mullidos cojines.

6.10 DISEÑOS MODULARES Los muebles modulares aparecieron por primera vez con el diseño Art Decó. Las piezas separadas con aristas curvas que se acoplan se hicieron populares. El estilo era audaz e innovador, pero también acogedor y confortable, por lo que los muebles modulares y otras influencias art decó permanecen en el mercado hoy en día. La cultura pop de la década de 1960 estuvo fuertemente influenciada por este

estilo. Hoy en día, los muebles art decó se las arreglan para conservar un aspecto a la vez retro como actual y fresco.

6.11 DISEÑOS: 6.11.1 ANDRE GROULT (1884-1967): Decorador y diseñador francés de la primera mitad del siglo XX.

6.11.2 PAUL FOLLOT Fue un decorador y diseñador Art déco tradicionalista con influencias de Maurice Dufrene.

611.3 MAURICE DUFRENE diseñador más representativos del mobiliario Art Deco

6.11.4 PIERRE CHAREAU

Ingenió soluciones lógicas para el diseño de muebles, a base de unos componentes básicos que, con ligeras modificaciones, podrían adaptarse a diversas necesidades.

6.11.5 JEAN DUNAND Diseño mobiliario. Interiorismo cómoda At Déco diseñada por Goulden y Dunand

6.11.6 EILEEN GRAY

Diseño mobiliario Interiorismo mesa auxiliar

6.11.7 JULES LELEU Diseño mobiliario . Cómoda Art Déco

6.11.8 LOUIS SUE (1975 1968) Y ANDRÉ MARE (1885 1932)

Diseño mobiliario Art Déco . Louis Sue (1975 1968) y André Mare (1885 1932)

7. AUTOS, BARCOS Y RASCACIELOS DEL ESTILO AUTOS, BARCOS Y RASCACIELOS DEL ESTILO Todo el nivel de detalle que se desarrolló a través del tiempo de las características del art deco, se vio aplicada en estos tres aspectos, debido a que se ve la aplicación de sus conceptos y preceptos que generaban este estilo único.

No podemos dejar de lado la influencia de formas y colores que se vieron efectivamente aplicados a estos elementos, pues es un estilo esteticista que busca y presenta una fusión de la vanguardia con la tradición: aunque se empleando materiales modernos como el acero inoxidable, cromo, baquelita y adaptando ideas de Le Corbusier y la Bauhaus, entre otros.

El art-deco generó una gran influencia dentro del diseño de autos, barcos y rascacielos, debido a su influencia en formas y colores, las curvas, el arte, escalonamiento de volúmenes y ante todo los colores propios del estilo, marcan las tendencias del art-deco claramente.

En estos elementos, se denota el sentido de excepcionalidad ante lo normal.

En botes, se desarrolló una tendencia arquitectónica, pues se dejó de lado el diseño tradicional y se buscó la implementación de un diseño marítimo en fachadas y volúmenes de las construcciones, generando ventanas con forma circular, adosados y escalonamientos en muros que generan alusión a un bote.

En rascacielos generaron alturas inimaginables en ese tiempo, con un nivel muy alto de detalle, con molduras, volúmenes y esculturas, entre otros y sobre todo haciendo énfasis con volumen y detalles brillantes, que, gracias a sus nuevos materiales aplicados en construcción, generaban toques de destellos muy deco.

7.1 Autos

Algo en lo que todo amante del arte y de los automóviles tiene claro es que, los coches clásicos de la época ‘Art Decó’ siguen siendo, hoy en día, considerados como los diseños más interesantes visualmente y refinados del Siglo XX. En definitiva, una belleza perfecta y un diseño impecable.

Esta simbiosis de arte y automovilismo dio a la sociedad un punto de vista diferente e hizo crecer el gusto por el mundo del motor. Pues el Art Decó’ hacía del automóvil una máquina lujosa y vistosa a ojos de todo el mundo.

"El Art déco (también art decó o incluso art deco) fue un movimiento popular de diseño a partir de 1920 hasta 1939 (cuya influencia se extiende hasta la década de los 50 en algunos países) que influyó las artes decorativas, tales como la arquitectura diseño interior, diseño gráfico e industrial, también a las artes visuales tales como la moda, pintura grabado, escultura y cinematografía."

Este movimiento iniciado en París a principios de los años 20 del siglo pasado, tuvo también su reflejo en el automóvil y la motocicleta.

Fruto de esta tendencia artística nacieron algunos modelos de fantasía, lujosos, a menudo con reminiscencias aeronáuticas, que hoy en día ocupan los primeros lugares entre los autos más bellos de la historia, apareciendo en los listados de los más deseados y apreciados por diseñadores de alto nivel y coleccionistas acaudalados.

Y, gracias al ‘Art Decó’, el automóvil comenzó a ser más que una simple máquina ya que lo convirtió en una obra de arte.

El ‘Art Déco’ nació como un intento de hacer excepcional lo cotidiano a través de la aplicación del diseño más exquisito a los ingenios de la vida diaria. Los años en los que se desarrolló esta corriente fue la edad de oro del automóvil.

El nuevo estilo que presentaba este arte estaba considerado -y sigue estando- como un diseño altamente reformista, creativo e innovador. Llenando así los vehículos de estética, lujo y elegancia creando auténticas obras maestras.

En aquella época el arte y la elegancia primaban en el sector. Y este movimiento rendía culto a la calidad, la celebración de lo nuevo, la sensualidad juvenil y el exotismo. Su influencia hizo de algunos coches esculturas sobre ruedas.

Diseño impecable

En estas creaciones artísticas primaban las líneas esféricas, el contorno plano, el diseño aerodinámico y la estética del movimiento que convirtió a los automóviles en iconos futuristas en mitad del Siglo XX. Además, desde el punto de vista técnico, estaban realmente elaborados. Algunos de estos modelos tenían carrocerías de aluminio, suspensiones independientes y tracción delantera.

De cualquier modo, estos coches inspirados en la corriente artística fusionaron sus curvas con bordes angulares para dar ilusión de movimiento dramático. Además, otra de las grandes virtudes de esta tendencia es que se fabricaban con los mejores materiales. Luciendo enrejados geométricos y elegantes estatuas en miniatura para adornar el capó.

ROLLS ROYCE PHANTOM I JONCKHEERE COUPE, 1935

7.2 El Streamline Moderne de los años ’30 (influencia de barcos) Siguieron los años de la Gran Depresión y enseguida el primer Art Deco, con su fina artesanía, materiales ricos y ornamentación, se quedó obsoleto. Por supuesto que seguiría habiendo ricos en el mundo, pero ante los niveles de pobreza y desesperación general, ya fuera por obligación o por convicción, los que quedaron se tornaron más discretos y menos ostentosos.

Se impusieron entonces las tesis de la corriente modernista del Art Deco, que venían buscando democratizar el estilo, simplificando y buscando materiales más baratos y la producción en masa. De repente, llegaba la sobriedad y la tecnología moderna cada vez influía más en el diseño, de manera que es la forma la que debe seguir a la función. Esta tendencia, evolución del Art Deco, surgió en EEUU y recibió el nombre de “Streamline Moderne”.

Es una arquitectura inspirada en barcos y aviones típica del segundo periodo del Art Decó, ya en la década de 1930. En esa década la arquitectura pasó a ser futurista y, mediante sus formas y motivos, ensalza la máquina y la velocidad, sobre todo la de locomotoras, transatlánticos, automóviles o aviones. El nuevo estilo arquitectónico, salpicado de elementos náuticos, enfatiza las formas curvas, las superficies desnudas y la horizontalidad.

Además, dada la situación económica y social se va extendiendo el gusto por los colores menos estridentes, más tonos pastel, el blanco y el negro. Y se consolidan materiales que dan más libertad a los diseñadores, como el hormigón armado, el acero inoxidable, el plástico, la bakelita y la formica.

El movimiento de Streamline, nos genera una nueva concepción, generando diseño en barcos y en arquitectura con la modalidad de un barco.

La irregularidad de los planos, la altura, la construcción en diferentes niveles y salientes, la geometría y en arquitectura, el hormigón armado, comienzan a aparecer en las costas.

La nueva estética es industrial, mixeada, despersonalizada, sin la carga del pasado ni de la tradición.

Espacios modernos sin historia y sin arraigo. Los nuevos materiales son mezclas y fusiones, comienza el dominio de lo sintético, lo industrial.

7.3 Rascacielos

En los años del art decó, los rascacielos eran los símbolos pujantes de la modernidad y el progreso. Al igual que el cine, vivieron con este estilo su primera edad de oro, levantándose entonces los más majestuosos de la ciudad.

Los rascacielos se convirtieron en los iconos de la nueva era tecnológica y el art decó fue el nuevo estilo para ellos. Un estilo moderno pero no excesivamente abstracto ya que su finalidad era llegar al gran público.

En los años del art decó, los rascacielos eran los símbolos pujantes de la modernidad y el progreso. Al igual que el cine, vivieron con este estilo su primera edad de oro, levantándose entonces los más majestuosos de la ciudad.

Los rascacielos se convirtieron en los iconos de la nueva era tecnológica y el art decó fue el nuevo estilo para ellos. Un estilo moderno pero no excesivamente abstracto ya que su finalidad era llegar al gran público.

Su arquitectura incluía: · Escalonamiento de volúmenes, tanto en remates de fachadas y paredes, como en marcos de huecos, en techos o en pilastras. · Los balcones toman formas trapezoidales y triangulares y las ménsulas que los soportan, de conchas. En España, por influencia del regionalismo sevillano y del neobarroco, esas ménsulas también imitan la forma de las veneras, las conchas de las vieiras. · Las ventanas aparecen dispuestas en hileras, unidas con bandas para dotar a las fachadas de un fuerte componente vertical. Asimismo, bajo o sobre las ventanas suelen insertarse molduras, paneles o bajorrelieves, sobre todo de forma cuadrada o circular. Además de las bandas verticales de las ventanas, muchas fachadas se llenan de líneas horizontales en modo estría, sobre todo en las cornisas. · En el clásico estilo Art Deco, las formas en bloques rectangulares a menudo se organizan en forma geométrica, entonces son interrumpidas por elementos ornamentales curvas. Pero siempre el objetivo era una apariencia monolítica con motivos decorativos aplicados.

· Techo: Diseñadores Art Deco adornan los techos planos con parapetos, torres o construcciones parecidas a torres para acentuar una esquina o entrada. Se añadieron curiosidades decorativas tales como chimeneas para mejorar aún más el diseño. · Entrada: Las puertas son a veces rodeadas de pilastras y frontones elaborados, y marcos de las puertas son a menudo adornados con cualquiera que recubre con caña (una decoración convexo) o acanalado (decoración cóncava). La calidad y el alcance de los motivos decorativos variar según el proyecto y diseñador Su ornamentación se concentra masivamente en la entrada del edificio: ● ● ● ●

Rejas exteriores, Puertas, Vestíbulos, Ascensores.

Eran combinaciones de piedras, ladrillos, terracotas y metales. Paulatinamente dejaron de lado los materiales tradicionales de construcción a favor de los nuevos, sobre todo el metal y el cristal, en armonía con la nueva arquitectura. Se comenzó, además a utilizar el acero, que creaba brillos y era resistente.

La ornamentación historicista de los rascacielos acabará cediendo hacia un modernismo pleno.

8. Conclusiones ● ● ●

● ● ●

El art deco es una tendencia que evoca opulencia y estaba hecho para la burguesía.

Las tendencias que existían durante el surgimiento del art deco, hicieron que tomara lo mejor de cada una de ellas para enfrascarse en sí misma.

El art deco fue un movimiento que involucró no sólo una arquitectura, ni un interiorismo absoluto, sino también llevaba consigo el cine, automóviles conmemorativos y un desborde de mobiliario.

Los rascacielos que se veían en esta época eran la portada de una sociedad pujante y camino hacia el progreso.

Haberse creado en Francia trajo consigo mucha influencia en la creación de su mobiliario y recordar que este país siempre se ha caracterizado por su estatus y su buen gusto.

La invención de todo un mobiliario fue un sello de este movimiento, a pesar de querer ir a la vanguardia la mayor parte de su fundamentación estaba en el clasicismo, usando mucho tallado líneas rectas y materiales exóticos

9. Bibliografía https://www.itevelesa.com/es/blog/automoviles-como-obras-de-arte-el-art-deco https://www.iconroad.es/articulos/pasion/art-deco/ https://vidalitoral.com/arquitectura-art-deco-los-barcos-de-piedra/ https://zona-rapida.blogspot.com/2013/07/los-automoviles-art-deco.html https://es.slideshare.net/papefons/art-dec-y-arquitectura-de-rascacielos https://edicioneslalibreria.com/el-art-deco-y-los-rascacielos/ https://slidetodoc.com/edificio-chrysler-nueva-york-estados-unidos-el-edificio/ https://culturadiversa.es/2017/06/historia-de-la-arquitectura-art-deco.html https://www.culturagenial.com/es/art-deco/ https://www.versa-home.es/blog/tendencias/estilo-art-deco#:~:text=Tiene%20diversas%20influencias %20como%20el,y%20el%20s%C3%ADmbolo%20del%20sol. https://decortips.com/es/salon/muebles-art-deco-para-tu-salon/ https://batavia.es/blog/art-deco-muebles/

10. Anexos 10.1 Línea de tiempo