Revista 50 aniversario- Mayo 2016 (1)

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Programación Mayo 2016 Nro. 296

50 ANIVERSARIO DE LA FUNDACIÓN CINEMATECA NACIONAL

CUADERNOS CINEASTAS VENEZOLANOS

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MARGOT BENACERRAF

MARGOT BENACERRAF

irve para escribir. tor capaz de adorar r de su pincel. i renacentista desde la vivencia del mundo, esmenuzar. Eso es esencial.

50 ANIVERSARIO

Cuadernos Cineastas Venezolanos

un monstruo, como si se tratase

FUNDACIÓN CINEMATECA NACIONAL

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CUADERNOS CINEASTAS VENEZOLANOS

SUMARIO Mayo 2016

EDITORIAL

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p.4 CINES NACIONALES 50 ANIVERSARIO DE LA FUNDACIÓN CINEMATECA NACIONAL En esta primera parte de una muestra especial que se extenderá hasta abril de 2017, exhibimos los 10 mejores largometrajes de ficción del cine venezolano, según encuesta realizada a varias personalidades del medio cinematográfico nacional

ESTRENOS DE AMAZONIA FILMS Y VILLA DEL CINE GUERRA DE VARGAS Y MORILLO

p.13

Ofrecemos el estreno en la Red de Salas Regionales de esta película escrita, producida y dirigida por Sandro Sánchez, gracias a la colaboración de la distribuidora y productora del Estado

CINES NACIONALES 30° FESTIVAL DE CINE FRANCÉS

p.15

El Festival de Cine Francés cumple treinta años en Venezuela, siendo uno de los eventos cinematográficos internacionales más emblemáticos y con mayor duración en nuestro país; con más de 500 filmes proyectados y más de 750.000 espectadores a lo largo de su historia p.22 ZONA CINEMATECA FUNDACIÓN CINEMATECA NACIONAL: 50 AÑOS MANTENIENDO VIVA LA MEMORIA Compartimos el texto de la presentación de la exposición Fundación Cinemateca Nacional: 50 años manteniendo viva la memoria realizado por el crítico cinematográfico Rodolfo Izaguirre, quien fuese director de esta institución durante diecinueve años. Dicha exposición estará abierta próximamente en el Museo de Bellas Artes (MBA) de Caracas

IMPERDIBLES CINE BLANCO Y NEGRO EN LA ERA DEL COLOR

p.24

10 interesantes películas producidas en los últimos 40 años, cuyos realizadores apoyan sus historias bajo la impronta de la estética de la fotografía en blanco y negro, como una necesidad autoral, convirtiéndose enun elemento narrativo diferente y estético y no sólo descriptivo del relato cinematográfico

HOMENAJE A BERNARDO BERTOLUCCI: 75 AÑOS DE UN CREADOR

p.33

CINE-CONVERSA CINEMATECA NACIONAL: CUMPLIENDO 50 AÑOS

p.37

CINES NACIONALES DÍA DE ÁFRICA

p.41

SÁBADO Y DOMINGO INFANTIL ¡A CELEBRAR!

p43

Seis obras del incomparable guionista y director italiano, el más famoso realizador de su país después de Vittorio De Sica, Roberto Rosselini, Federico Fellini y Sergio Leone, cimentando una de las filmografías más trascendentales, con películas ambiciosas y mundialmente reconocidas

Compartimos con nuestro público la proyección de cinco largometrajes de ficción venezolanos, seleccionados por las y los trabajadores de la FCN como sus favoritos del cine nacional, a través de una encuesta realizada en el mes de marzo de este año

El 25 de mayo ha sido declarado por la UNESCO como el Día de África, una fecha que nos permite conocer los distintos aportes de las diversas culturas milenarias que habitan este continente a través de más de cuarenta naciones, las cuales encuentran en sus cinematografías un medio para expresar su esencia y sus variadas realidades

Por los 50 años de nuestra Cinemateca Nacional, la sección Sábado y Domingo Infantil presenta, para toda la familia, cuatro muestras animadas: ¡A celebrar con la Cinemateca!

Animaciones venezolanas, En el día de la Afrovenezolanidad, Aventuras en blanco y negro, y Día Internacional de la Diversidad Biológica Mayo 2016

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Editorial Portada Imagen del 50 Aniversario de la FCN PROGRAMACIÓN Mayo 2016 Nº 296 Coordinador de Programación Rafael Gil Productora de la revista Programación Emperatriz Cols Editora Lorena Caraballo Carteleras Laura Sánchez Colaboraron Nairú Álvarez Emperatriz Cols Rafael Gil Rodolfo Izaguirre Diseño y Diagramación Jessica Aharonov Sede Administrativa Centro Simón Bolívar, Torre Norte, pisos 18 y 19, El Silencio, Caracas Telf: (0212) 482.23.71 Centro de Documentación Centro Simón Bolívar, Torre Norte, piso 19, El Silencio, Caracas Telf:(0212) 482.22.42 Archivo Fílmico y Audiovisual Final Av. Panteón, Foro Libertador Edif. Biblioteca Nacional AP-4 Telf: (0212) 505.93.14

Para información u opiniones escriba a

revistaprogramacionfcn@gmail.com

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Caracas, 4 de mayo de 1966. En unos minutos comenzará la proyección de la película Barbarroja de Akira Kurosawa. Margot Benacerraf, quien hace menos de una década sorprendiera al país al hacerse acreedora del galardón otorgado por la FIPRESC en el XII Festival de Cannes por su película Araya, y quien –además– ha gestado y dirigirá en adelante el proyecto para la creación de la Cinemateca Nacional, dirige a los presentes las siguientes palabras:

...Nada nos ha parecido más significativo para encabezar el propósito de la Cinemateca que hoy inauguramos, que estas líneas que escribía Langlois, el Director de la Cinemateca Francesa, a propósito de los hermanos Lumiére, quienes a fines del siglo pasado inventaron el Cinematógrafo:

«Como lo habían presentido los contemporáneos, el Universo posee con estas películas su memoria y nosotros podemos pasearnos en el tiempo y verlo con nuestros ojos».

La invención del cine llena nuestro siglo. Desde ese día en que algunos espectadores aterrados vieron avanzar hacia ellos el tren de la Ciotat, y así presenciaban el nacimiento del primer espectáculo cinematográfico, hasta los cientos de inventos técnicos que lo cargan y sobrecargan ahora con sus pantallas super-desarrolladas, sus efectos estereofónicos,… muchas cosas han pasado, pasan… y esperemos sigan pasando, dentro de ese rectángulo blanco.

La imaginación y la inventiva del hombre son inagotables. Todo lo que ha sucedido, sucede o está sucediendo, todo lo que el hombre sueña y siente, tiene cabida allí adentro.

Han pasado las dos guerras, la fiebre del oro en Norteamérica, el momento del Krach, la terrible situación que permitió en Alemania la llegada de Hitler al poder,… piensen ustedes que todo esto está reflejado en el cine.

Piensen en la comedia americana, en los western, en los planteamientos sociales, psicológicos,… en el cine realista de la post-guerra… Todo está contado, mostrado allí adentro y con fuerza inigualada.

Efectivamente, el cine es como la gigantesca memoria del mundo, y el gigantesco contar del mundo.

Es documento vivo, y al mismo tiempo escape para los sueños y la imaginación del hombre, desde las primeras películas de Lumiére llenas de inventiva por falta de medios técnicos hasta las oníricas de Bergman o las profundas imágenes buñuelianas.

Ya nadie discute el término de Arte asignado a este nuevo medio de expresión. Se ha escrito y hablado mucho sobre ello.

La misión de esta Cinemateca que hoy se inaugura es la de permitir «ese poder pasearnos en el tiempo -como dice Langlois- y de verlo con nuestros ojos».

Nuestro intento es el de pasar películas clásicas, las que han marcado una época, las que revolucionaron su sintaxis desde las primerísimas que se hicieron, pasando por el cine mudo y las del esplendor hollywoodiano, hasta las nuevas manifestaciones del cine joven con el mal llamado «cine-verdad», pasando por las ya no «tan nuevas olas», y el nuevo y vitalísimo cine brasilero del cual organizaremos ya a partir de la semana próxima un ciclo completo.

Por otra parte quisiéramos muy ambiciosamente, que esta Cinemateca, fuera un poco la casa de todas las gentes que hacen, que discuten y que quieren el cine.

Eso sería quizás nuestro mayor logro. El reunir el interés vivo de la futura industria venezolana, el servir de centro de reunión a la crítica cinematográfica, el de que esta casa sea el lugar de las gente que quieren el cine. En fin que el cine tenga el lugar que se merece entre nosotros como arte, que tenga su casa: la verdadera casa del cine.

Además quisiéramos que se viera en la creación de esta Cinemateca, el intento de poner ya un jalón dentro de las complejas necesidades que requiere el desenvolvimiento de una industria estable y próspera.

El hacer cine -y aquí hablo como lo que soy en mi profesión de fe que es hacer cine- es también una mística, un conjunto de cosas, un cuadro de acciones.

No es solamente tener laboratorios, sino equipos técnicos que filmen la materia que esos van a revelar, y estudios adecuados para filmar esta materia fílmica,… y en fin crear una atmósfera alrededor del quehacer cinematográfico, que es arte e industria al mismo tiempo.

Es indudable, que la Cinemateca por su sola presencia aunadora puede contribuir a estimular la industria local.

Es indudable también que con el tiempo, la Cinemateca deberá formar parte de un sistema más complejo dentro de un conjunto orgánico que se ocupe y centralice exclusivamente todo lo referente al cine, a manera de un Centro Nacional del Cine como existe en muchos países, y que agrupa todo lo que sea Leyes de Ayuda a la producción, la Cinemateca, la escuela de Cine,… porque todo es uno y la misma cosa: querer el cine.

(…)

Queremos, en fin, darles la bienvenida, pedirles que vengan a menudo y que consideren esta como vuestra casa.

Y ahora hay que dejarle la palabra a lo que tanto cuenta en esta sala: a la pantalla.

(Fragmento de palabras pronunciadas por Margot Benacerraf en la inauguración de la Cinemateca Nacional el 4 de mayo de 1966)

Porque celebrar 50 años de la existencia de la Cinemateca Nacional implica la necesidad –y la fabulosa posibilidad– de mirar hacia el pasado sin que el tránsito hacia el futuro se detenga, en este mayo de 2016, iniciamos nuestra revista mensual rindiendo homenaje y agradeciendo a todos y todas los que a lo largo de este tiempo han dedicado pensamiento, sueños y trabajo amoroso y colectivo a la construcción de esta «casa del cine».

Comienza nuestro ciclo aniversario. Esperamos que todos y cada uno de los días de este año 50 de la Cinemateca Nacional, nos acompañen.

Blanca Rey Presidenta Fundación Cinemateca Nacional

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Cines Nacionales LOS MEJORES LARGOMETRAJES DE FICCIÓN DEL CINE VENEZOLANO, EN EL 50 ANIVERSARIO DE LA FCN (1 PARTE) RA

Ya sabemos lo difícil de los listados y habrán tantos como espectadores existan.

Rodolfo Izaguirre

Apostando a la exhibición del buen cine Sí, el título que abre este artículo es comprometedor, quizás arriesgado.

Difícil tarea si una institución como la Cinemateca Nacional cumple medio siglo y se quiere honrar este gran logro exhibiendo en nuestras salas «lo mejor» del cine hecho en casa.

En algún momento, un destacado intérprete dijo «que veinte años no son nada», pero doblar esa cifra y llegar a cincuenta sí, y mucho más en la historia de la cultura venezolana contemporánea. Debe ser trascendental, y todo un logro, que una fundación cultural, sorteando los cambios sociales, económicos y políticos de tantos años, continúe con su objetivo y propósito inicial y más allá.

Porque desde aquel mayo de 1966, cuando un puñado de entusiastas vio con atención la iniciativa de la joven cineasta Margot Benacerraf, que condujo con éxito la apertura de la sala ubicada en el Museo de Bellas Artes, proyectando uno de los clásico del cine japonés y mundial del maestro Kurosawa, la Cinemateca, a pesar de sus variadas y disímiles gestiones, no se ha detenido en su objetivo de exhibir buen cine, con la 4

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pasión de querer ofrecer, con la única arma disponible –la seducción de la imagen en movimiento, con o sin sonido- antiguas películas olvidadas, obras clásicas y contemporáneas, archivos corporativos y personales, cinematografías y autores o muy conocidos o absolutamente desconocidos y con limitadas probabilidades de entrar al país por los circuitos convencionales de distribución y exhibición; y organizar, con la cooperación de embajadas, institutos, universidades, departamentos de cine, entes de la Plataforma del Cine y Medios Audiovisuales, y particulares, importantes ciclos del mejor cine del mundo entero; con la idea primigenia de ser una institución seria y responsable, ventana para todas y cada una de las cinematografías, con el propósito último de satisfacer al cinéfilo pertinente pero también al espectador ávido, crítico y apasionado y por naturaleza afortunadamente inconforme.

Para el 50° aniversario de la Cinemateca Nacional se ha querido programar, entre varias actividades, una muestra audiovisual que hemos titulado Los mejores largometrajes de ficción del cine venezolano. Para tal empresa, consideramos pertinente realizar una encuesta a varios especialistas del medio que nos permitió, dentro de un rango de selección menos amplio, identificar estos Mejores Largometrajes de nuestro histórico cinematográfico. Es por ello que el resultado y finalmente la incorporación de los títulos venezolanos, que presentamos a continuación, surge de la cordial colaboración de una serie de personalidades importantes dentro del medio cinematográfico, con años de experiencia en cada una de sus respectivas áreas. La idea permitió convocar la participación de más de 90 personas, entre las que se contaron: críticos cinematográficos, investigadores, guionistas, escritores, jefes y agregados culturales, programadores, especialistas de cine, ex-presidentes y presidentes de instituciones cinematográficas, periodistas, comunicadores sociales, publicistas cinematográficos, docentes del área de cine, coordinadores de festivales nacionales de cine, ensayistas, columnistas y demás personalidades vinculadas a la cinematografía nacional.

EL PEZ QUE FUMA Venezuela, 1977 El pez que fuma es un barprostíbulo del puerto de La Guaira perteneciente a La Garza, quien le confía el poder de su negocio a sus amantes, dándoles las riendas de la administración. Dimas, su último amante, se gasta el dinero en mujeres y apuestas. Jairo ex presidiario entabla amistad con la dueña y su amante, y poco a poco logra destituir a Dimas y se convierte en amante de La Garza a tiempo completo, lo que propiciará la enemistad entre ambos.

Dirección: Román Chalbaud.

Guion: Román Chalbaud, José Ignacio Cabrujas (obra original).

Producción: Gente de Cine C.A. Fotografía: César Bolívar. Sonido: Rene Levert. Montaje: Guillermo Carrera. Intérpretes: Miguelángel Landa, Orlando Urdaneta, Hilda Vera, Haydée Balza, Ignacio Navarro, Rafael Briceño, Arturo Calderón, Pilar Romero. Duración: 120 minutos.

Formato: 35mm y DVD.

JERICÓ Venezuela, 1991 En el siglo XVI Santiago, un fraile dominico, es el único superviviente de una expedición que salió en busca de los míticos Mares del Sur bajo la dirección del cruel capitán Gazcuña. Gracias a su fe cristiana y a su ardor misionero se integra entre los indios caribeños, hasta que, tras un incidente con el jefe de la tribu se ve obligado a huir con su mujer y su hijo. Es detenido por los soldados españoles y acusado de hereje, lo que significa un juicio de la Inquisición y su tortura.

Pero el verdadero secreto que los mercenarios quieren arrancarle es el lugar en el que Gazcuña ha escondido 30.000 pesos en oro.

Guion y dirección: Luis Alberto Lamata. Producción: Thalia Producciones y Foncine. Fotografía: Andrés Agusti. Música: Federico Gattorno. Sonido y montaje: Mario Nazoa. Intérpretes: Cosme Cortázar, Francis Rueda, Doris Díaz, Alexander Milic, Luis Pardi, Yajaira Salazar, Amilcar Marcano, Wilfredo Cisneros. Duración: 90 minutos. Formato: 35mm y DVD. Cines Nacionales

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A mediados de febrero de 2016 iniciamos una encuesta y las preguntas respectivas que giraron en primer lugar en torno a la opinión, de cada uno de los encuestados y según su punto de vista y gusto, de cuáles podrían ser las 10 películas venezolanas de ficción más importantes y emblemáticas de nuestro histórico cinematográfico que pudieran estar integrando esta muestra; solicitamos una lista, que debía ser entregada, de ser posible, en orden de preferencia; y, como agregado, solicitamos un pequeño comentario con respecto a la película que seleccionaran para el primer lugar. Siempre intuimos que tal encuesta, dentro de un corpus tan extenso, como nuestra larga lista de películas existentes, era osado. Efectivamente, las listas son difíciles, a veces odiosas, igual que las comparaciones, pero a ratos hay que hacerlas, para saber, quizás en un punto medio, hacia donde se inclina la balanza. A propósito de nuestra encuesta, el guionista y documentalista Edgar Narváez acotó oportunamente: Una selección de las 10 mejores películas del Cine Venezolano, por más razonada y rigurosa que sea siempre dejará afuera obras de valor, desde películas que establecieron una gran conexión con el público a aquellas que alcanzaron una destacada relevancia internacional.

Era cierto, el tema siempre fue considerado. Sin embargo, presentíamos que nuestra solicitud con las limitaciones del número de películas iban arrojar resultados interesantes y el encuestado se obligaría a colocar en su lista, según su experiencia, sólo «lo mejor» visto. Apostamos no sólo por el conocimiento y la experiencia sino también por las preferencias e inclinaciones reflexivas y críticas de cada encuestado. Fue una ardua labor, pero a la vez agradable, desde su concepción hasta sus resultados, signada por gustos, por caprichos, por títulos que quedan en la memoria por su calidad argumental, técnica y/o actoral.

Finalmente, el número de consultados, y las diferencias entre una selección y otra, dio como producto la sugerencia, para la muestra en cuestión, de al menos 107 películas venezolana en el total de las listas.

Esta cifra nos hizo reconsiderar la idea inicial, y a la postre programar la cifra de las 50 películas más votadas.

50 años de la Cinemateca Nacional, 50 películas venezolanas Esa es la propuesta final para nuestra Programación Aniversaria a realizarse entre los meses de mayo 2016 y abril 2017, la cual consiste en una revisión década por década, en nuestro interés de dar a conocer, a través de nuestras mejores películas, la historia y los logros del cine hecho en el país. Creemos que el número de 50 títulos programados para nuestro aniversario es más justo, conociendo que los 67 filmes menos elegidos, que mencionan los encuestados en su selección, quedan fuera de esta programación. En total, hasta finales de abril, 41 personas, es decir, el 46% de los especialistas consultados, respondieron a nuestra encuesta.

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Cines Nacionales

MACU, LA MUJER DEL POLICÍA Venezuela, 1987 Macu se casó a los once años con un policía veinte años mayor que ella. A los catorce, madre de dos niños, ella se enamora de un joven de su generación y descubre la vida de una chica de su edad: encuentros amorosos, flirteos, discotecas. El joven rival del policía un día desaparece, Macu no está convencida de la inocencia de su marido y decide buscar la verdad.

Dirección: Solveig Hoogesteijn.

Guion: Solveig Hoogesteijn y Milagros Rodríguez. Producción: Macu Films, C.A. y Cinearte, C.A. Fotografía: Andrés Agustí. Música: Víctor Cuica. Sonido: Stefano Gramitto. Montaje: José Alcalde.

Intérpretes: María Luisa Mosquera, Daniel Alvarado, Frank Hernández, Tito Aponte, Ana Castell, Carmen Palma, Iván Feo, Ana María Paredes.

Duración: 91 minutos.

Formato: 35mm y DVD.

Haciendo un poco de historia, en 1987, la revista Imagen, como advierte el escritor, ensayista, historiador y crítico cinematográfico Rodolfo Izaguirre, había consultado la opinión de 29 expertos, arrojando como resultado la lista que ofrecemos a continuación: 1.- El pez que fuma (1977) de Román Chalbaud 2.- País Portátil (1979) de Ivan feo y Antonio Llerandi 3.- Pequeña revancha (1986) de Olegario Barrera Oriana (1985) de Fina Torres 5.- El domador (1978) de Joaquín Cortés 6.- Araya (1958) de Margot Benacerraf 7.- Iniciación de un shaman (1980) de R. Held y Manuel de Pedro La casa de agua (1984) de Jacobo Penzo 9.- Juan Vicente Gómez y su época (1975) de Manuel de Pedro 10.- Caño Mánamo (1978) de Carlos Azpúrua Los muertos sí salen (1976) de Alfredo Lugo

(22 votos) (19 votos) (18 votos) (18 votos) (14 votos) (13 votos) (11 votos) (11 votos) (9 votos) (7 votos) (7 votos)

Cabe destacar dos elementos sobre la encuesta anterior: el primero es la selección que agrupa tanto películas de ficción como documentales; el segundo es que, al igual que la encuesta que hemos realizado en ocasión de los 50 años de la Cinemateca Nacional (pero en la que sólo se ha dado cabida a los largometrajes de ficción, similar a la encuesta realizada en mayo de 2009, a propósito de los 43 años de esta fundación), nos presenta nuevamente como la obra más votada al filme de Román Chalbaud, El pez que fuma, la cual aparece en 33 de las 41 listas recibidas, siendo elegida en cinco oportunidades como la número uno.

José Pisano, Director General de Cinematográfica Blancica comenta a favor de este título: (…) en ese universo que se mueve alrededor del burdel, se nos presenta una gran metáfora del país. Excelentes diálogos de Cabrujas y Chalbaud, con unas memorables interpretaciones encabezadas por la de Hilda Vera como la inolvidable Garza.

La segunda película más votada, que concuerda igualmente con nuestra encuesta del 2009, fue Jericó (1991) de Luis Alberto Lamata, incluida en 31 listas, y mencionada en nueve oportunidades como la mejor película venezolana. Todo un clásico de nuestro cine, la Ópera Prima de Lamata se constituyó, desde su estreno a principios de la década de los noventa, en una pieza fundamental de nuestra cinematografía y referencia obligada para experimentados realizadores así como para las nuevas generaciones de cineastas. El guionista y docente Carlos Tavares comenta: A 25 años de su estreno, Jericó, por su arriesgada apuesta estética, narrativa y social, sigue siendo un faro que ilumina conciencias. Una obra maestra.

El tercer puesto en la cuenta resultó para la tercera película venezolana más taquillera de todos los tiempos, Macu, la mujer del policía (1987) de Solveig Hoogesteijn. El filme se menciona en 25 listas, y fue reconocida en una de ellas como la numero uno. En alguna ocasión Pablo Gamba, periodista y crítico de cine, escribió, a propósito también de nuestra primera encuesta en el 2009:

ORIANA Venezuela, 1985 María vive en París cuando recibe la noticia de que su tía Oriana acaba de morir en Venezuela y le ha dejado en herencia una hacienda en ruinas. El marido de María decide ir a ponerla en venta, ella acepta con reticencia. Al regresar a esa casa, cada sala oscura y polvorienta le despierta recuerdos de su niñez, los de su estancia allí con su tía Oriana, su secreto transgresor y la manera como lo reconstruyó en carne propia.

Dirección: Fina Torres. Guion: Fina Torres, Antoine Lacomblez. Producción: Pandora Films, Arion Productions.

Fotografía: Jean­Claude Larrieu.

Música: Eduardo Marturet. Sonido: Claude Bertrand. Montaje: Christiane Lack. Intérpretes: Doris Wells, Daniela Silverio, Rafael Briceño, Maya Oloe, Claudia Venturini, Mirta Borges. Duración: 88 minutos.

Formato: 35mm y DVD. Cines Nacionales

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Macu(…) es una síntesis de cine de inquietud social y preocupación por los problemas existenciales, del cine venezolano de la página roja y del cine europeo de los que se propuso superar el neorrealismo. La directora dijo una vez en una entrevista que la psicología de la gente del pueblo es tan compleja como la de los personajes pequeñoburgueses de la literatura y del cine, y en el filme lo demuestra.

Estas son las tres primeras películas de nuestra encuesta. La lista completa de los primeros 10 filmes más votados, hasta la fecha, y los que presentaremos en esta primera entrega de esta programación, es la siguiente: 1.- El pez que fuma (1977) de Román Chalbaud 2.- Jericó (1991) de Luis Alberto Lamata 3.- Macú, la mujer del policía(1987) de Solveig Hoogesteijn 4.- Oriana (1985) de Fina Torres 5.- Hermano (2010) de Marcel Rasquín 6.- Pelo malo (2013) de Mariana Rondón 7.- Pequeña revancha (1986) de Olegario Barrera 8.- Brecha en el silencio (2013) de Luis y Andrés Rodríguez Soy un delincuente (1976) de Clemente de la Cerda 10.- La hora cero (2010) de Diego Velasco

(33 votos) (31 votos) (25 votos) (24 votos) (16 votos) (15 votos) (14 votos) (13 votos) (13 votos) (12 votos)

Un punto a considerar en este primer balance parcial, es que de las «10 mejores», la mayoría de las producciones, cuatro en total, se realizaron a partir del 2010; tres son películas que fueron estrenadas en la década de los ochenta; dos de los años setenta; y una de la década de los 90. Destaca además que en esta primera entrega cada película es dirigida por un realizador diferente, y seis de las películas son Óperas Primas. Igualmente, es importante indicar que todas, y cada una de las obras, fueron merecedoras de premios y reconocimientos nacionales e internacionales. Tan sólo basta mencionar, entre otros muchos reconocimientos, el Premio Caméra d’ Or otorgado a Oriana en el Festival de Cine de Cannes de 1985; los tres premios concedidos a Hermano en la 32va edición del Festival de Cine de Moscú, el filme fue galardonado con el Premio de la Crítica, el Premio del Público y por Mejor Película; los más de veinte premios internacionales de la película de Mariana Rondón, Pelo malo, entre los que destacan la Concha de Oro en el 61° Festival Internacional de Cine de San Sebastián, Premio Fipresci de

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HERMANO Venezuela, 2010 Daniel y Julio son dos hermanos que luchan por convertirse en futbolistas profesionales.

Daniel es un delantero excepcional, un fenómeno. Julio es el capitán del equipo, un líder nato. Ambos juegan al fútbol en el barrio La Ceniza.

La oportunidad de sus vidas llega cuando un cazatalentos del Caracas Fútbol Club les invita a unas pruebas en el equipo. Pero la vida del barrio se interpone y una tragedia les sacude.

Dirección: Marcel Rasquin. Guión: Rohan Jones, Marcel Rasquin.

Producción: Enrique Aular, Liz Mago, Juan Antonio Díaz. Fotografía: Enrique Aular. Música: Rigel Michelena. Montaje: Carolina Aular, Juan Carlos Melian. Intérpretes: Fernando Moreno, Eliú Armas, Alí Rondón, Marcela Cirón, Gonzalo Cubero, Beto Benites. Duración: 96 minutos. Formato: 35mm y DVD.

la Crítica Internacional y el Premio Especial del Jurado en Thessaloniki, Grecia, en el año 2013; el Premio del Jurado y Premio del Público otorgados a Pequeña revancha en el Festival de Cine de Biarritz, Francia, 1986, y su nominación al premio Goya, como Mejor Película Extranjera de habla hispana en 1987; los tres premios que obtuvo la cinta Brecha en el silencio en el Festival Internacional de Cine de El Cairo, evento reconocido como de Clase A por la Federación Internacional de Asociaciones de Productores Cinematográficos (FIAPF), la película fue galardonada como Mejor Ópera Prima y su protagonista Vanessa Di Quattro, obtuvo el premio de Mejor Actriz. Además, la película fue distinguida con el Premio Internacional de la Crítica; el Premio Especial del Jurado logrado por el filme Soy un delincuente en el Festival Internacional de Cine de Locarno en 1977, obra considerada como una de las películas más importantes dentro del movimiento llamado Nuevo Cine Venezolano; y finalmente el reconocimiento a la Ópera Prima de Diego Velasco, La hora cero, la cual obtuvo, entre otros logros, uno de los más grandes galardones como Mejor Película según la audiencia del Festival de Cine Latino de Los Ángeles, 2011.

Las películas venezolanas de esta muestra especial son todas obras con guiones bastantes sólidos, hechas por técnicos y realizadores que han trabajado con pasión, con la presión y la dinámica propia del hacedor de cine, con el propósito de obtener no sólo el placer individual y colectivo, sino un trabajo de calidad para la memoria de un país como el nuestro, repleto de artistas que desean colaborar por el presente y el futuro de nuestra cinematografía. Son historias bien contadas, sin prejuicios, con actuaciones sobresalientes y personajes que quedan en el recuerdo gracias a este difícil arte que ha tenido no pocos seguidores y detractores acérrimos. Son títulos emblemáticos de nuestra cinematografía que estamos seguros serán de su interés y agrado. Sea pues ésta una buena oportunidad de apreciar de nuevo, o por primera vez, en el marco del 50 Aniversario de la Fundación Cinemateca Nacional, lo que ha significado una de nuestras programaciones más participativas. Una programación dedicada, en primer lugar, a nuestro público, que desde luego tiene la última palabra; en segundo lugar a todos aquellos que colaboraron con nosotros en la encuesta y que han sido fundamentales contribuyentes en la historia de la Cinemateca; y en tercer lugar a los trabajadores y trabajadoras de esta Fundación, pues gracias a ellos y ellas, día a día, podemos seguir contando y haciendo historia.

Rafael Gil Coordinador de Programación

PELO MALO Venezuela, 2014 Junior es un niño de nueve años que tiene el pelo rizado. Él quiere alisárselo para la foto del anuario de la escuela, pues así lo llevan los cantantes pop que están de moda. Esta circunstancia lo lleva a enfrentarse con su madre, quien teme que su hijo sea homosexual.

Lo único que Junior quiere es ponerse guapo para que su mamá lo quiera, pero ella lo rechaza cada vez más.

Guion y dirección: Mariana Rondón. Producción: Marité Ugas, Gunter Hanfgarn, José Ibáñez.

Fotografía: Micaela Cajahuaringa.

Música: Camilo Froideval. Montaje: Marité Ugas. Intérpretes: Samuel Lange Zambrano, Samantha Castillo, Beto Benites, Nelly Ramos, María Emilia Sulbarán. Duración: 93 minutos. Formato: 35mm y DVD.

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BRECHA EN EL SILENCIO Venezuela, 2010 Ana es una joven de 19 años que padece discapacidad auditiva y trabaja en una textilera con su madre, Julia, quien además de explotarla le encarga el cuidado de sus dos hermanos menores Manuel y Sofía. Junto a ellos, además vive Antonio, marido de Julia, de quien Ana es víctima de innumerables abusos, situación que le conlleva a tomar decisiones que le dan un rumbo inesperado a su historia.

Dirección y cámara: Luis Alejandro Rodríguez, Andrés Eduardo Rodríguez.

Guion: Rafael Pinto, Luis y Andrés Rodríguez. Producción: Manuel Pérez, Fundación Villa del Cine. Fotografía: Antonio García. Montaje: Carlos Mendoza. Intérpretes: Vanessa Di Quattro, Juliana Cuervos, Rubén León, Caremily Artigas, Jhonattan Pimentel, María Elena Duque, José León, Pastor González. Duración: 90 minutos. Formato: 35mm y DVD. 10 Mayo 2016

Cines Nacionales

PEQUEÑA REVANCHA Venezuela, 1986 Pedro está creciendo: ya cumplió doce años, tiene amigos grandes como Gustavo, el mecánico, y novia, porque Matilde ya le pidió un beso. Además tiene a Rocky su perro. Pedro hace muchas preguntas y esto, en su pueblo, puede ser muy peligroso.

Sobre todo después que se llevaron preso al papá de Daniel y al Profesor Pedroza, gran amigo de su casa, o desde que vinieron unos militares a la escuela y mandaron a hacer una composición contando «Lo que hace mi familia por las noches». Herido por la muerte de Rocky, Pedro se decide y junto a sus amigos, a la primera oportunidad, toma la revancha... una revancha que al principio parecía muy pequeña.

Dirección: Olegario Barrera. Guion: Olegario Barrera, Antonio Skameta (obra original), Laura Antillano. Producción: Alfredo J. Anzola. Fotografía: Alfredo J. Anzola, Carlos Briceño, Jorge Naranjo. Música: Alfonso Montes, Irina Kircher. Montaje: Olegario Barrera, Marisa Bafile. Intérpretes: Eduardo Emiro García, Elisa Escamez, Carlos Sánchez, Pedro Durán, Carmencita Padrón, Yoleigret Falcón. Duración: 95 minutos. Formato: 35mm y DVD. Cines Nacionales

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SOY UN DELINCUENTE Venezuela, 1976 Desde niño, Ramón Antonio Brizuela debe enfrentarse a la violencia y el desenfrenado estilo de vida de los barrios marginales caraqueños. Corrompido por una vecina, quien lo fuerza a efectuar atracos desde temprana edad, el joven Ramón Antonio pronto irá conociendo las virtudes y desgracias de un destino al cual parece no poder escapar: ser un delincuente.

Dirección: Clemente de la Cerda. Guion: Luis Correa, Clemente de la Cerda. Producción: José Rafael Melo, Andrés de la Cerda. Fotografía: José Jiménez. Música: Miguel Ángel Fúster. Sonido: Iván Croce, Juan Rodríguez.

Montaje: Alcides Longa. Intérpretes: Orlando Zarramera, Chelo Rodríguez, María Escalona, Carlos Carrero, Manuel Ferreira, Emilia Rojas. Duración: 112 minutos. Formato: 35mm y DVD.

LA HORA CERO Venezuela, 2010 La Parca es un sicario que se ve obligado a secuestrar una clínica privada para salvar a Ladydi, el amor de su vida. No tardan en llegar los policías y con ellos los curiosos y un circo mediático.

Con toda la conmoción afuera, La Parca se da cuenta que si bien salvarle la vida a Ladydi será difícil, escapar con sus secuaces será imposible. El tiempo empieza a acabarse, y con él las posibilidades de escape, obligando a La Parca a enfrentarse a su destino.

Dirección: Diego Velasco. Guion: Carolina Paiz, Diego Velasco. Producción: Sergio Agüero, Carolina Paz. Fotografía: Luis Otero. Música: Gabriel Velasco, Freddy Sheinfeld. Sonido: Jesús Guevara. Montaje: Oto Scheuren.

Intérpretes: Zapata 666, Laureano Olivares, Steve Wilcox, Albi de Abreu, Marisa Román, Amanda Key, Erich Wildpret, Mascioli Zapata. Duración: 105 minutos. Formato: 35mm y DVD. 12 Mayo 2016

Cines Nacionales

Estrenos de Amazonia Films y Villa del Cine GUERRA DE VARGAS Y MORILLO En el mes de mayo, mes aniversario de nuestra Fundación Cinemateca Nacional, la sección de Estrenos de Amazonia Films y Villa del Cine se complace en presentar a los espectadores el largometraje Guerra de Vargas y Morillo (2016) de Sandro Sánchez. Ambientada en el pueblo de Sanare, en el estado Lara, esta cinta sigue a una pareja de jóvenes cuyo amor está prohibido por el violento conflicto entre sus familias, y su lucha por hacer durar su relación más allá de las peleas, venganzas y muertes, aun si esto les cuesta la vida.

Dirigida, escrita y producida por Sandro Sánchez, Guerra de Vargas y Morillo contó con un pequeño equipo técnico y un elenco alrededor de 30 actores, destacando dentro de ellos el primer actor Pedro Durán, cuya larga trayectoria cinematográfica incluye los filmes La empresa perdona un momento de locura (1978) de Mauricio Walerstein, Pequeña revancha (1986) de Olegario Barrera, Desnudo con naranjas (1994) de Luis Alberto Lamata, y Bloques (2008) de Carlos Caridad Montero y Alfredo Hueck, entre otras más. Este filme cuenta además con un tema musical compuesto por el cantante Luis Sabas.

Por tratarse de una obra de bajo presupuesto, Guerra de Vargas y Morillo solo pudo conseguir el patrocinio de pequeñas empresas en su localidad durante su producción; sin embargo, en el presente mes será proyectada y distribuida al público nacional en las salas comerciales y en las Red de Salas Regionales de nuestra Cinemateca Nacional gracias al apoyo de la Fundación Villa del Cine y Amazonia Films.

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GUERRA DE VARGAS Y MORILLO Venezuela, 2016 En el pueblo de Sanare, estado Lara, dos jóvenes, Elena Morillo y Héctor Vargas, viven un amor turbulento y clandestino en medio de la rivalidad de sus familias por la muerte de una oveja.

Entre emociones, dificultades y venganzas, esta pareja descubre que la realidad de sus vidas puede ser aún más dura de lo que se habían imaginado.

La lucha por llevar adelante su amor desencadena una tragedia que al final los unirá en la muerte.

Guion, producción y dirección: Sandro Sánchez. Música: Luis Sabas.

Intérpretes: Pedro Durán, Andrea Fernández, Leonardo Pestano, Jonfran Ferrer, Larry Liberon, Antonio Alvarado, Manuel Devies, Nebrazka Sánchez. Duración: 107 minutos.

Formato: DVD. 14 Mayo 2016

Estrenos de Amazonia Films y Villa del Cine

Cines Nacionales 30 O FESTIVAL DE CINE FRANCÉS

Con la colaboración de la Embajada de Francia y la Alianza Francesa Mayo es un mes para disfrutar las mejores ofertas del cine contemporáneo, y este año el Festival de Cine Francés cumple treinta años en Venezuela, siendo uno de los eventos cinematográficos internacionales más emblemáticos y con mayor duración en nuestro país; con más de 500 filmes proyectados y más de 750.000 espectadores a lo largo de su historia, es decir, tres generaciones consecutivas de cinéfilos cuyas experiencias reverberan en las salas donde año tras año presenciaron lo mejor y más reciente del séptimo arte francés.

El Festival de Cine Francés tuvo sus inicios en 1984 en la sala del Cine Centro Plaza, gracias a la iniciativa de su propietario Georges Korda, amante del séptimo arte galo. A partir de los años 90, éste se difundió más allá del Centro Plaza y se consolidó como un evento cultural significativo, al proyectar sus selecciones de películas en las salas de la Fundación Cinemateca Nacional. Con la llegada del nuevo milenio, otras instituciones como el Trasnocho Cultural prestaron sus sedes para el festival, y poco a poco sus filmes se exhibieron en las salas del circuito comercial y cultural; gracias a los esfuerzos no solo de las mencionadas instituciones, sino también del Institut Français, las distribuidoras Mayo 2016

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cinematográficas nacionales Blancica y Cines Unidos, el Circuito Cinematográfico Gran Cine, y el reconocimiento y apoyo del Centro Nacional Autónomo de Cinematografía (CNAC), pero sobre todo, gracias a la colaboración de la Embajada de Francia, cuya presencia en todas y cada una de las ediciones ha sido un pilar fundamental para este festival.

Para esta ocasión, se presentarán quince largometrajes de ficción que van desde la comedia romántica, pasando por los Thrillers de suspenso, hasta los dramas basados en hechos reales dirigidos por noveles y experimentados cineastas galos. La muestra incluye Riviera Francesa (L’homme qu’on aimait trop, 2014) de André Téchiné; En un patio de Paris (Dans la cour, 2014) de Pierre Salvadori; Alas de libertad (Bird People, 2014) de Pascale Ferran, que se proyectó en la sección «Un Certain Regard» del Festival de Cannes de 2014; Los recuerdos (Les souvenirs, 2014) de Jean-Paul Rouve, que logró más de un millón de espectadores solo en Francia; La odisea de Alice (Fidelio, l’ odyssée d’Alice, 2015) de Lucie Borleteau, que obtuvo un premio por Mejor Interpretación Femenina en el Festival de Cine de Locarno en 2014; Mil noches, una boda (Party Girl, 2014) de Marie Amachoukeli-Barsacq, Claire Burger y Samuel Theis, ganadora de los reconocimientos de Mejor Opera Prima y Mejor Elenco en «Un Certain Regard» del Festival de Cannes de 2014; Siempre hay una primera vez (Toute première fois, 2015) de Maxime Govare y Noémie Saglio, que obtuvo los galardones por Mejor Largometraje y Palmarés en el Festival Internacional de la comedia de Alpes d’Huez en 2015; Conexión Marsella (La french, 2014) de Cédric Jiménez, y El caso SK1 (L’ affaire SK1, 2014) de Frédéric Tellier.

En adición a este conjunto de filmes a presentarse en las salas de la Fundación Cinemateca Nacional, se exhibirán en los cines comerciales Caprice (2015) de Emmanuel Mouret, El estío (La belle saison, 2015) de Catherine Corsini, El último diamante (Le dernier diamant, 2014) de Eric Barbier, Samba (2014) de Olivier Nakache y Eric Toledano, Belleza salvaje (Mustang, 2015) de Deniz Gamze Ergüven, y Florida (Floride, 2015) de Philippe Le Guay.

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Cines Nacionales

RIVIERA FRANCESA L’homme qu’on aimait trop, Francia, 2014 En 1976, tras el fracaso de su matrimonio, Agnès Le Roux vuelve de África y va a ver a su madre, Renée, propietaria del casino Le Palais de la Méditerranée en Niza. La joven se enamora del hombre de confianza de su madre, el mujeriego Maurice Agnelet, un abogado diez años mayor que ella. Agnès, que es accionista del casino, quiere además vender su parte para independizarse. Por otro lado la mafia y Fratoni, el jefe del casino de la competencia, quieren quedarse con el casino de Renée.

Dirección: André Téchiné. Guion: Cédric Anger, André Téchiné, Jean-­Charles Le Roux, Renée Le Roux (obra original). Producción: Olivier Delbosc, Marc Missonnier.

Fotografía: Julien Hirsch. Música: Benjamin Biolay. Montaje: Hervé de Luze. Intérpretes: Guillaume Canet, Catherine Deneuve, Adèle Haenel, Judith Chemla, Mauro Conte, Jean Corso. Duración: 116 minutos.

Formato: Blu-Ray.

Para esta entrega, el invitado de honor es precisamente este último director y guionista, Philippe Le Guay, traído a Venezuela por la Embajada de Francia y apoyado por el Institut Français. Le Guay es famoso por su película Las mujeres del sexto piso (Les Femmes du 6ème étage, 2010), y que presentará en este festival su más reciente largometraje Florida, sobre un hombre de 80 años que decide viajar a esta región de Estados Unidos, acompañado de su hija adulta; al tiempo que compartirá sus experiencias con el públicos a través de conversatorios y cine foros en las salas del Trasnocho Cultural, el Auditorio de la Facultad de Humanidades y Educación de la Universidad Central de Venezuela (UCV) y la Cinemateca Nacional.

De todo lo dicho, solo queda expresar nuestro agradecimiento al público que nos ha acompañado a lo largo de más de veinte ediciones del Festival de Cine Francés en nuestras salas, así como a la Embajada de Francia, la Alianza Francesa y el Institut Français por apoyar y ofrecer a nuestras audiencias la oportunidad de ver y apreciar lo mejor del cine galo a través de nuestras pantallas.

EN UN PATIO DE PARÍS Dans la cour, Francia, 2014 Antoine es un músico de 40 años que de pronto decide abandonar su carrera. Tras deambular sin rumbo durante varios días, lo contratan para que se encargue del mantenimiento de un edificio.

Mathilde, una jubilada que acaba de mudarse, descubre una grieta en la pared del salón y es víctima del pánico. Poco a poco nace una amistad torpe, aunque sólida, entre Antoine y Mathilde.

Dirección: Pierre Salvadori. Guion: Pierre Salvadori, David Colombo Léotard. Producción: Philippe Martin. Fotografía: Gilles Henry.

Música: Grégoire Hetzel, Stephin Merritt. Montaje: Isabelle Devinck.

Intérpretes: Catherine Deneuve, Gustave de Kervern, Pio Marmaï, Féodor Atkine, Michèle Moretti, Nicolas Bouchaud. Duración: 97 minutos. Formato: Blu-Ray. Cines Nacionales

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ALAS DE LIBERTAD Bird People, Francia, 2014 Gary Newman es un californiano que ronda los cuarenta años, lleva una cómoda vida de casado con hijos y, en lo profesional, es un ejecutivo de éxito que se encuentra cerrando un negocio en París. Por otro lado, Audrey es la joven limpiadora de un hotel, solitaria y taciturna, que ve la vida pasar a su alrededor sin que los demás se percaten de su presencia. Ella se escabulle de habitación en habitación, arreglando el desorden de los huéspedes, sin hacerse notar.

Ambos personajes no pueden ser más diferentes, pero algo tienen en común: la necesidad de detenerse un instante, darse cuenta de que no están llevando la existencia que les gustaría y ponerle remedio inmediato, de forma contundente.

Dirección: Pascale Ferran. Guion: Guillaume Bréaud, Pascale Ferran.

Producción: Denis Freyd. Fotografía: Julien Hirsch. Música: Béatrice

LOS RECUERDOS Les souvenirs, Francia, 2014 Romain tiene 23 años. Quiere ser escritor, aunque de momento es vigilante nocturno en un hotel. Su padre tiene 62 años, está jubilado y todo parece importarle un bledo. Romain comparte apartamento con un chico de 24 años cuyo único objetivo en la vida es seducir a las mujeres, sin importarle quién ni cuánto le cueste. Su abuela, de 85 años, vive en una residencia y se pregunta qué diablos hace allí, hasta que un día desaparece.

Thiriet. Montaje: Mathilde Muyard.

Intérpretes: Josh Charles, Anaïs

Dirección: Jean-Paul Rouve. Guion: Jean-Paul Rouve, David Foenkinos

Demoustier, Roschdy Zem, Clark

(obra original). Producción: Maxime Delauney, Romain Rousseau, Thierry

Johnson, Radha Mitchell, Hippolyte

Ardisson. Fotografía: Christophe Offenstein. Música: Alexis Rault. Montaje:

Girardot, Geoffrey Cantor, Anne

Christel Dewynter. Intérpretes: Michel Blanc, Annie Cordy, Mathieu Spinosi,

Azoulay. Duración: 128 minutos.

Chantal Lauby, William Lebghil, Flore Bonaventura, Audrey Lamy, Jean-­Paul

Formato: Blu-Ray.

Rouve. Duración: 92 minutos. Formato: Blu-Ray.

18 Mayo 2016

Cines Nacionales

LA ODISEA DE ALICE Fidelio, l’ odyssée d’Alice, Francia, 2014 Alice, la prometida de Felix, forma parte de la tripulación de un viejo carguero. Entre los dos se interpone inesperadamente el comandante Gaël, el primer gran amor de la joven. En la cabina de un marinero que acaba de morir, Alice encuentra un cuaderno de notas, una extraña mezcla de observaciones técnicas relacionadas con el carguero, conquistas sexuales y reflexiones melancólicas sobre una vida vacía de afecto. Este cuaderno de bitácora revela a Alice aspectos de su propia vida difíciles de afrontar.

Dirección: Lucie Borleteau. Guion: Lucie Borleteau, Clara Bourreau, Mathilde Boisseleau. Producción: Pascal Caucheteux, Marine Arrighi de Casanova, Olivier Père. Fotografía: Simon Beaufils. Música: Thomas De Pourquery. Montaje: Guy Lecorne. Intérpretes: Ariane Labed, Melvil Poupaud, Anders Danielsen Lie, Pascal Tagnati, Jean-­Louis Coulloc’h, Nathanaël Maïni, Bogdan Zamfir. Duración: 95 minutos. Formato: Blu-Ray.

MIL NOCHES, UNA BODA Party Girl, Francia, 2014 Aunque Angélique tiene ya 60 años, le siguen gustando la diversión y los hombres. Por la noche, para ganarse la vida, les hace beber en un cabaret cercano a la frontera alemana. Con el tiempo, los clientes escasean y acepta casarse con un asiduo, Michel.

Guion y dirección: Marie Amachoukeli-Barsacq, Claire Burger, Samuel Theis. Producción: Denis Carot, Marie Masmonteil. Fotografía: Julien Poupard. Música: Nicolas Weil, Sylvain Orel, Alexandre Lier. Montaje: Frédéric Baillehaiche. Intérpretes: Angélique Litzenburger, Joseph Bour, Mario Theis, Samuel Theis, Séverine Litzenburger, Cynthia Litzenburger. Duración: 95 minutos. Formato: Blu-Ray.

Cines Nacionales

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CONEXIÓN MARSELLA La french, Francia, 2014 En 1975, Pierre Michel, un joven magistrado acaba de ser trasladado a Marsella para colaborar en la lucha contra el crimen organizado. Se trata de desactivar la French Connection, una operación de la mafia que exporta heroína a todo el mundo. Sin escuchar las advertencias, Pierre lidera una cruzada contra Gaëtan Zampa, el padrino más i ntocable. Pero pronto va a entender que para obtener resultados, deberá cambiar sus métodos.

Dirección: Cédric Jiménez. Guion: Audrey Diwan, Cédric Jimenez. Producción: Alain Goldman. Fotografía: Laurent Tangy. Música: Guillaume Roussel.

Montaje: Sophie Reine. Intérpretes: Jean Dujardin, Gilles Lellouche, Céline Sallette, Benoît Magimel, Guillaume Gouix, Bruno Todeschini, Féodor Atkine, Moussa Maaskri. Duración: 135 minutos. Formato: Blu-Ray. 20 Mayo 2016

Cines Nacionales

SIEMPRE HAY UNA PRIMERA VEZ Toute première fois, Francia, 2015 Jérémie, de 34 años, se despierta en un apartamento desconocido con Adna al otro lado de la cama. ¿El principio de una historia de amor? No parece muy probable, dado que Jérémie está a punto de casarse con... Antoine.

Guion y dirección: Maxime Govare, Noémie Saglio. Producción: Sidonie Dumas, Renaud Chélélékian, Edouard Duprey. Fotografía: Jérôme Alméras. Música: Mathieu Lamboley. Montaje: Béatrice Herminie. Intérpretes: Pio Marmaï, Franck Gastambide, Adrianna Gradziel, Lannick Gautry, Camille Cottin, Frédéric Pierrot, Isabelle Candelier, Nicole Ferroni. Duración: 90 minutos. Formato: Blu-Ray.

EL CASO SK1 L’ affaire SK1, Francia, 2014 En 1991, Franck Magne es un joven inspector que inicia su carrera en la Policía Judicial de París. Su primer caso es el asesinato de una joven. Pronto descubre casos relacionados pero se enfrenta rápidamente con la realidad del trabajo de investigación: la falta de recursos, largas horas, la burocracia... Pasan los años y las víctimas se multiplican. Las pistas están borrosas. Pero Magne, obsesionado con el caso, no dejará de intentar descubrir y dar caza al monstruo responsable de los crímenes, llevando a cabo la que sería la investigación más compleja de la historia de la policía francesa hasta la fecha.

Dirección: Frédéric Tellier. Guion: David Oelhoffen, Frédéric Tellier.

Producción: Julien Leclercq, Julien Madon, Julien Deris, Franck Elbase, David Gauquie, Nicolas Lesage, Etienne Mallet. Fotografía: Mathias Boucard. Música: Christophe La Pinta, Frédéric Tellier. Montaje: Mickael Dumontier. Intérpretes: Raphaël Personnaz, Nathalie Baye, Olivier Gourmet, Michel Vuillermoz, Adama Niane, Christa Théret, Thierry Neuvic, William Nadylam. Duración: 120 minutos. Formato: Blu-Ray. Cines Nacionales

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Zona Cinemateca

FUNDACIÓN CINEMATECA NACIONAL: 50 AÑOS MANTENIENDO VIVA LA MEMORIA

En el marco de la celebración de nuestro 50 aniversario queremos compartir con ustedes el texto de presentación de la exposición Fundación Cinemateca Nacional: 50 años manteniendo viva la memoria realizado por el crítico cinematográfico Rodolfo Izaguirre, quien fuese director de esta institución durante diecinueve años. A través de este texto, y de la referida exposición que estará abierta al público en el Museo de Bellas Artes de Caracas a partir de este mes, se destaca la actividad de difusión, conservación y preservación de la historia de nuestra cinematografía que ha efectuado y efectúa la Cinemateca Nacional a través de sus diversos programas y servicios.

Fundación Cinemateca Nacional: 50 años manteniendo viva la memoria Los procesos culturales y educativos son por lo general lentos y misteriosos y las instituciones que se ocupan de ellos exigen tiempo y paciencia. Para saber, por ejemplo, que esta niña va a ser o no bailarina hay que esperar que crezca, que cruce la edad adolescente y mantenga no solo su oído y musicalidad sino las condiciones físicas y musculares que se exigen para la 22 Mayo 2016

danza. Las instituciones pueden ofrecer testimonios cuantitativos de su actividad y ejercicio. La Fundación Cinemateca Nacional puede mostrar periódicamente un balance de lo actuado: tantas fichas técnicas, tantos films proyectados, foros realizados con intervención de los espectadores; asesorías a grupos; cineclubes, salas comunitarias; libros publicados; guiones leídos, conferencias programadas. ¡Todo es cuantificable! Lo que resulta difícil de contabilizar, sopesar, determinar es saber qué ocurrió con determinado espectador cautivado y seducido por la película que lo estremeció. ¿Qué lo hizo estremecer? ¿Cuáles fueron las reflexiones que se hizo a sí mismo; qué efecto causó en su psiquis? ¡Difícilmente se sabrá! Pero lo que se sabe con seguridad es que muchos espectadores que guardaron las fichas técnicas de la Cinemateca en las que se agrupaban películas por ciclos, temas, realizadores, actores, músicos, cinematografías nacionales, disponían de una visión confiable y panorámica de la propia historia del cine. Entrar a la sala de proyecciones de la Cinemateca significa acceder al conocimiento de la

evolución estética de sus imágenes, etapas, períodos, autores, innovaciones técnicas y movimientos renovadores. ¡No se trata allí de ir a ver películas; se trata de ver cine! No otro es el alcance de esta exposición organizada por la Fundación Cinemateca Nacional con motivo de cumplir 50 años que muestra, el propósito de vida y la obra de divulgación cumplida por la Cinemateca venezolana. Muchos sentirán que de ella brota un resplandor nostálgico al mirar nuevamente las hojas mimeografiadas de la época heroica que dio a conocer innumerables glorias del cine silente y vio moverse en la sala a Perán Erminy conduciendo foros y discusiones hasta bien entrada la noche con fanáticos espectadores. Mucho más tarde supe por el propio Erminy que él daba la palabra a quien quisiera tomarla y extenderse en sus intervenciones, porque entendía que esos interlocutores no tenían dónde expresarse, convirtiendo la sala de proyecciones en una plaza pública en la que se hablaba de cine y de muchas otras preocupaciones.

Hay un humor secreto en muchas de las fichas técnicas que se elaboraron en aquel primer tiempo. Cuando Margot Benacerraf organizó un ciclo sobre Luis Buñuel nos encomendó a Carlos Rebolledo y a mí la elaboración de las respectivas fichas técnicas y alternamos en los elencos algunos nombres de nuestras amigas con las de los actores verdaderos. Estos programas, estas fichas técnicas y la documentación de cada película evidencian conocimiento y mucho trabajo de investigación: conocer los films, disponer de las revistas especializadas que hablen de ellos, revelar los deseos e intenciones de sus realizadores y redactar los textos en lenguaje ameno y de fácil acceso y comprensión.

En mi tiempo como Director de la Cinemateca tuve un magnífico grupo de colaboradores. En momentos de sosiego nos deleitábamos en veloces juegos de adivinanzas para identificar nombres de realizadores, protagonistas, títulos originales. Decíamos: Vivir y había que responder de inmediato: Ikiru (1952), de Akira Kurosawa. Otro, más avisado, agregaba el nombre del protagonista: Takashi Shimura. Fueron momentos de amor y pasión por el cine en los que no dejaban de ocurrir desconcertantes situaciones dignas de recordar.

Una de ellas tiene que ver con un ciclo de Michael Cacoyannis en el que se programó el film Electra, disponible en la empresa distribuidora Pelimex. El procedimiento consistía en llamar por teléfono y concertar el film para la fecha determinada. Cuando Jesús Almella

comenzó a proyectar la película surgió en pantalla Mario Moreno «Cantinflas» en El Extra. A algunos de los asistentes se les devolvió el importe de la entrada, pero la mayoría en medio de las risas se quedaron a ver al cómico mexicano y ¡lo disfrutaron!

La colección que muestra la Cinemateca en esta exposición sobre las publicaciones de cine es invalorable. Es un verdadero tesoro bibliográfico. Hay una energía creativa, un sostenido impulso por trasmitir la magia envolvente del cine; el espíritu indomable de quienes han contribuido a hacer de él la manifestación artística más extendida y popular que existe. Una prodigiosa aventura del pensamiento. Mostrar la fortaleza y madurez que ha adquirido el cine venezolano; dar a conocer las obras de las cinematografías latinoamericanas y en lo posible de otros continentes. Los visitantes pueden observar el desarrollo gráfico y de impresión de las ediciones, la notable colección de los programas, los libros publicados, los homenajes tributados a los cineastas; los Cuadernos Cineastas Venezolanos que constituyen monografías documentadas y elaboradas por expertos sobre realizadores venezolanos con excelentes materiales fotográficos.

Son cinco décadas de intensa actividad que revelan también un hecho de enorme importancia: la custodia, preservación y conservación de un precioso Archivo que nos está contando, a su manera, buena parte de la historia del país venezolano.

Rodolfo Izaguirre Director de la Cinemateca Nacional de Venezuela 1968-1987 Zona Cinemateca

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Imperdibles CINE BLANCO Y NEGRO EN LA ERA DEL COLOR Con todo lo que se habló de Manhattan, nunca ganó premios -incluso la fotografía de Gordon Willis fue ignorada-. Filmamos en blanco y negro porque es tan hermoso, y la hicimos en widescreen porque queríamos hacer una película íntima en un formato que estuviera asociado a películas épicas y de guerra. Yo quería mostrar que no necesitas miles de soldados para llenar un cuadro.

Woody Allen sobre su filme Manhattan (1979)

El uso del blanco y negro en la fotografía y en el cine era, en los inicios de ambas artes, una imposición que por razones técnicas, para finales del siglo XIX, no lograban reproducir y fijar directamente el color en los distintos soportes cinematográficos que se utilizaron desde el descubrimiento de los hermanos Lumière en 1896, pasando por los fotogramas coloreados a mano de las obras de George Méliès, hasta la llegada del Technicolor con el filme Lo que el viento se llevó de Victor Fleming en 1939, en lo que respecta al cine.

Así, lo que se considera la Era Dorada del cine de Hollywood o el Cine Clásico correspondiente a las décadas de los años treinta, cuarenta y buena parte de los años cincuenta del siglo pasado, fue filmado bajo la impronta de la estética de la fotografía en blanco y negro, donde el empleo de la iluminación, la gradación tonal y el uso del contraste permitió no sólo crear atmósferas sino presentar y definir situaciones y a los personajes, convirtiéndose en un elemento narrativo y no sólo 24 Mayo 2016

MANHATTAN Estados Unidos, 1979 Isaac Davis es un neoyorquino de mediana edad con un trabajo que odia, una novia de 17 años a la que no ama y una ex esposa lesbiana a la que desearía estrangular, porque está escribiendo un libro en el que cuenta las intimidades de su matrimonio. Cuando conoce a Mary, la sexy y esnob amante de su mejor amigo, se enamora perdidamente de ella.

La idea de dejar a su novia, acostarse con Mary, y abandonar su trabajo, supone para él el comienzo de una nueva vida Dirección: Woody Allen. Guion: Woody Allen, Marshall Brickman.

Producción: Charles H. Joffe.

Fotografía: Gordon Willis. Música: George Gershwin. Montaje: Susan E. Morse. Sonido: James Sabat, Dan Sable y Jack Higgins. Intérpretes: Woody Allen, Diane Keaton, Michael Murphy, Mariel Hemingway, Meryl Streep, Anne Byrne, Karen Ludwig, Michael O’Donoghue. Duración: 96 minutos. Formato: DVD.

descriptivo de los relatos cinematográficos, delimitando y marcando estilísticamente géneros como el Cine Negro o de Terror, entre otros hasta mediados de los años cincuenta.

A partir de los años sesenta y comienzos de los setenta, el uso del color se consolidó como norma en gran parte de las cinematografías, exceptuando quizá en el género del cine documental realizado en su gran mayoría en el formato de 16mm en blanco y negro por sus costos menores y por su asociación cultural como un tratamiento «objetivo» de la realidad de la cual el color podría distraer o inclinar a lecturas o interpretaciones de la imagen particulares y no objetivas; así como en las películas de bajo costo pertenecientes a la llamada Serie B producida por los grandes estudios cinematográficos estadounidenses, y en las cinematografías de algunos países con limitados recursos económicos.

Gracias, o a pesar de, esta consolidación del uso del color, el blanco y negro dejó de ser una imposición técnica para pasar a convertirse en una opción de carácter económico para algunos realizadores por sus costos menores, así como en una elección de tipo autoral para definir una propuesta cinematográfica en el caso de la Nouvelle Vague francesa durante los años sesenta, así como para construir una atmósfera, estética o estilo determinado para un filme particular, o para realizar una representación de un momento específico en lo que concierne a ciertos relatos históricos, o ser utilizado como un recurso para escenificar el estado onírico, el mundo interior o los recuerdos de los personajes.

Sin embargo, la expansión y dominio del cine como espectáculo marcado por el uso de los efectos especiales y escenarios coloridos desde mediados de los años setenta, no impidió que, eventualmente, determinados cineastas, tanto noveles como reconocidos, optaran por la monocromía en algunas de sus obras. Desde Frankenstein Junior (Young Frankestein, Mel Brooks, 1974), pasando por Manhattan (Woody Allen, 1979), Toro salvaje (Raging Bull, Martin Scorsese, 1980), El hombre elefante (The Elephant Man, David Lynch, 1980), Cliente muerto no paga (Dead Men Don`t Wear Plaid, Carl Reiner, 1982), La ley de la calle (Rumble Fish, Francis Ford Coppola, 1983), Europa (Lars von Trier, 1991) o Sombras y nieblas (Shadows and Fog, 1992) entre otros filmes de Woody Allen, el blanco y negro se usó para recrear estilos y estéticas de antiguos géneros cinematográficos como el Cine de Terror, aunque fuese en tono paródico, o el Cine Negro tal y como ocurre en los dos primeros largometrajes y en el último de los filmes citados, mientras que en los otros su empleo se ajustó más a la construcción de un referente histórico procurando un realismo documental reciente como fue en el caso de Manhattan o un pasado un tanto más lejano como la recreación de la vida del púgil norteamericano Jack La Motta o la postguerra de los años cincuenta en el Viejo Continente.

En este sentido, La lista de Schindler (Schinler`s List, Steven Spielberg, 1993), ambientada durante la Segunda Guerra Mundial, filmada en color y luego virada al blanco y negro, Tan cerca, tan lejos (In weiter

TORO SALVAJE Raging Bull, Estados Unidos, 1980 Jake LaMotta es un joven boxeador que se entrena arduamente para llegar a ser el número uno en los pesos medios. Con la ayuda de su hermano, Joey, verá este sueño hecho realidad mucho después. Pero la fama y el éxito solo consiguen empeorar las cosas. Su matrimonio va de mal en peor debido a su vida clandestina con otras mujeres, y por otro lado la mafia lo presiona para arreglar sus combates. Luego de gastar todo el dinero que tenía, vuelve a donde comenzó.

Dirección: Martin Scorsese. Guion: Paul Schrader, Mardik Martin, Jake LaMotta (obra original). Producción: Irwin Winkler, Robert Chartoff.

Fotografía: Michael Chapman.

Música: Pietro Mascagni. Montaje: Thelma Schoonmaker. Sonido: Donald O. Mitchell. Intérpretes: Robert de Niro, Cathy Moriarty, Joe Pesci, Frank Vincent, Nicholas Colasanto, Theresa Saldana, Mario Gallo, Frank Adonis. Duración: 129 minutos. Formato: DVD. Imperdibles

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Ferne, so hah!, Wim Wenders, 1993) y Memento (Christopher Nolan, 2000), hacen uso de la monocromía en combinación con el color. En la primera se utiliza el abrigo rojo de una niña judía como un elemento visual que permite destacarla a ella sobre el resto de las víctimas del nazismo en lo que respecta a la atención del protagonista y del público, pero que a su vez deviene en la razón por la cual el personaje de Oscar Schindler sufre un quiebre en lo que respecta a su postura ante el referido conflicto y la situación de persecución y aniquilación de los judíos. Mientras que en el segundo filme, Wenders recurre al blanco y negro para diferenciar la representación del mundo de los ángeles en contraste con la colorida vida de los mortales a los que guían; y Nolan, por su parte, lo usa para representar los fugaces y confusos recuerdos de su protagonista.

En otras obras como El odio (La haine, Mathieu Kassovitz, 1995), la monocromía sirve para contar una historia cargada de mucha violencia sin que el aspecto de la fuerte representación visual de la misma distraiga o se sobre imponga a la narración y a los personajes. Mientras que en un filme como Pi (Darren Aronofsky, 1998), su uso permitió enriquecer el valor narrativo y dramático de las imágenes; aunque en algunas ocasiones como en Dependientes (Clerks, 1992) de Kevin Smith la selección de esta opción partió fundamentalmente de razones económicas que, finalmente, enriquecieron esta exitosa cinta. Caso aparte, sería la obra de Jim Jarmush, cineasta independiente y de culto, cuyos filmes están rodados en blanco y negro y donde destacan Extraños en el paraíso (Stranger Than Paradise, 1984), Bajo el peso de la ley (Down by Law, 1986), Dead Man (1995), El camino del samurái (Ghost Dog: The Way of the Samurai, 1999) o Café y cigarrillos (Coffee and Cigarettes, 2000), entre otras más.

26 Mayo 2016

Imperdibles

¡TAN LEJOS, TAN CERCA! In weiter Ferne, so hah!, Alemania, 1993 Dos ángeles de la guarda vuelan sobre Berlín. Son invisibles y están llenos de benevolencia, pero no pueden intervenir en la vida de los hombres. Entonces Cassiel, el ángel de las lágrimas, se convierte en un ser humano para saber cómo sienten y perciben el mundo las personas.

Dirección: Wim Wenders. Guion: Richard Reitinger, Wim Wenders, Ulrich Zieger. Producción: Ulrich Felsberg, Michael Schwarz, Wim Wenders. Fotografía: Jürgen Jürges.

Música: Laurent Petitgand, Nick Cave, Laurie Anderson, Lou Reed, Graeme Revell. Montaje: Peter Przygodda. Intérpretes: Otto Sander, Bruno Ganz, Heinz Rühmann, Peter Falk, Nastassja Kinski, Willem Dafoe, Solveig Dommartin, Rüdiger Vogler. Duración: 140 minutos.

Formato: DVD.

En lo que va del siglo XXI más de cincuenta largometrajes internacionales de ficción han sido realizados bajo la impronta del blanco y negro, según lo que refiere Camila Builes*, Pero en este lapso, las razones de origen económico ya no son sólo las fundamentales, pues las tecnologías digitales actuales hacen mucho más complicado y, a veces costoso, el filmar bajo esta condición debido a que el registro y procesamiento de las imágenes requiere, por ejemplo en lo que se refiere al empleo del contraste o la composición de las imágenes, un manejo de mayores recursos de iluminación para dotarlas de las capas de luz y sombras necesarias. Por otra parte, tenemos el hecho de que no todos los actuales directores de fotografía tienen el conocimiento y la pericia requerida para hacer el registro o filmación de esas imágenes de manera monocromática, tal y como refirió Michael Haneke al comentar que la mayor dificultad que tuvo para realizar La cinta blanca (Das weiße Band, 2009), sobre el surgimiento de las simientes del nazismo luego de la Primera Guerra Mundial, fue encontrar un director de fotografía que supiera cómo hacerlo de esa manera, dado que para él la temática de su obra sólo podría filmarse en blanco y negro.

EL HOMBRE QUE NUNCA ESTUVO AHÍ The Man Who Wasn’t There, Estados Unidos, 2001 Ed Crane, un introvertido barbero de un pueblecito del norte de California, se siente insatisfecho de su rutinaria vida, en pleno verano de 1949.

Las infidelidades de su mujer le brindan la oportunidad de ejercer un chantaje que podría ayudarle a cambiar su apática existencia.

Dirección, guion y producción: Joel Coen, Ethan Coen. Fotografía: Roger Deakins. Música: Carter Burwell. Montaje: Joel Coen, Ethan Coen, Tricia Cooke. Intérpretes: Billy Bob Thornton, Frances McDormand, Michael Badalucco, Richard Jenkins, Scarlett Johansson, Jon Polito, Tony Shalhoub, James Gandolfini. Duración: 116 minutos.

Formato: DVD.

Así, la mayoría de las selecciones actuales por parte de los cineastas obedecen a sus necesidades autorales o del relato como en El hombre que nunca estuvo ahí (The Man Who Wasn’t There, Joel y Ethan Coen, 2001) o Buenas noches y buena suerte (Good Night, and Good Luck, George Clooney, 2005), pues ambas cintas están ubicadas en los años cincuenta del siglo pasado, y en el caso de la película de Clooney, por ambientarse en el mundo de la televisión de esos años, cobra un cariz de mayor credibilidad para parte de la audiencia la monocromía. Otro tanto ocurre con el filme chino Ciudad de vida y muerte (Nanjing!

Nanjing!, Lu Chuan, 2009), referido a la ocupación japonesa de una ciudad china durante el siglo pasado.

Sin embargo, en importante señalar que más allá de la representación o ambientación de carácter histórico, se ha dado también en esta década un marcado interés en hacer uso del blanco y negro desde una destacada finalidad narrativa, estética y estilística que ha enriquecido notablemente algunos de estos filmes como sucedió en la cinta japonesa Eureka (Yurîka, Shinji Aoyama, 2000), la francesa El artista (The Artist, Michel Hazanavicius, 2012) la cual recrea el período del cine mudo y su cambio al llegar el sonido, una producción que tomó más de una década en ser concretada; la húngara El caballo de Turín * Camila Builes, Blanco y negro en el siglo XXI: cine a la antigua en la era digital. El Espectador, 2016 Imperdibles

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(A Torinói Ió, Tark y Àgnes Hrantzky, 2011) inspirada en un episodio de la vida del filosofo alemán Friedrich Nietzsche, que obtuvo el Gran Premio del Jurado en el Festival de Berlín; la española Blancanieves (Pablo Berger, 2012) una reinvención del homónimo cuento infantil ambientada en la década de los años veinte del siglo pasado, o la polaca Ida (Pawel Pawlikowski, Polonia, 2013) sobre una novicia a punto de tomar sus votos. Por su parte, tanto en Frances Ha (Noah Baumbach, 2012) como el reciente filme Nebraska (Alexander Payne, 2013), la selección de la monocromía obedece a que ambos directores consideraron que la historia de sus personajes sólo podía ser visualizada de esta manera, ya que les otorgaba un acercamiento más íntimo como individuos y a sus historias, la primera cargada de romanticismo y la segunda de la austeridad que supone la progresiva pérdida de la memoria y la identidad producto del Alzheimer.

Dentro del aspecto estético y estilístico, también es importante referir las adaptaciones de las novelas gráficas Sin City de Frank Miller, editada desde 1991 y Persépolis (2000-2003) de Marjane Satrapi. Ambas publicaciones fueron llevadas al cine manteniendo todos sus valores gráficos originales realizados en blanco y negro, elemento que definió en gran medida el éxito de sus versiones cinematográficas al mantener un diseño narrativo que respectó su origen gráfico, gracias también a la participación de sus propios autores en la dirección conjunta de las mismas: Ciudad del pecado (Sin City, Robert Rodríguez, Frank Miller y Quentin Tarantino, 2005) y Persépolis (Vincent Paronnaud y Marjane Satrapi, 2007).

Mención aparte merece la obra del director Tim Burton, quien a lo largo de su filmografía y a partir de su faceta de dibujante y diseñador, ha optado por realizar la fotografía de algunas de sus obras con un gran colorido en contraste con otras dominadas por una paleta limitada de colores y tonos con los cuales no sólo logra determinadas ambientaciones de carácter gótico que refuerzan el aspecto emocional y descriptivo de sus historias y personajes; sino que también le sirven para generar fuertes situaciones dramáticas como ocurre en Sweeney Todd, el barbero demoníaco de la calle Fleet (Sweeny Todd: The Demon Barbero of Fleet Street, 2007), o para remarcar su visión del contraste

LA CIUDAD DEL PECADO Sin City, Estados Unidos, 2005 En Sin City, ciudad de policías corruptos y atractivas mujeres, unos buscan venganza, otros, redención, o ambas cosas a la vez. Marv se propone vengar la muerte de su único amor.

Dwight es un investigador privado con problemas que resolver. Hartigan, el único policía honrado de la ciudad, sigue la pista de una joven que está en manos del sádico hijo de un senador.

Dirección: Robert Rodríguez, Frank Miller, Quentin Tarantino. Guion: Robert Rodríguez, Frank Miller (obra original). Producción: Elizabeth Avellan, Frank Miller, Robert Rodríguez. Fotografía y montaje: Robert Rodríguez. Música: John Debney, Graeme Revell, Robert Rodríguez. Intérpretes: Bruce Willis, Mickey Rourke, Clive Owen, Benicio Del Toro, Jessica Alba, Brittany Murphy, Elijah Wood, Devon Aoki.

Duración: 124 minutos.

Formato: DVD.

28 Mayo 2016

Imperdibles

de determinadas situaciones que se dan en el imaginario de sus filmes como sucede en la animación El cadáver de la novia (Corpse Bride, 2006) donde el mundo de los muertos posee vívidos colores opuestos a la aburrida vida en blanco y negro de los vivos. En otras obras, donde Burton ha prescindido por completo del color como es el caso de Ed Wood (1994) y la animación Frankenwenie (2012), parte de esta elección se ha basado en el desear recrear la estética propia de los filmes de horror y ciencia ficción de Serie B realizados por el director de cine Ed Wood Jr. en el caso de la primera película, así como en homenajear a las cintas Frankenstein (James Whale, 1931) y su secuela, La novia de Frankenstein (Bride of Frankenstein, James Whale, 1935), en las cuales se inspira la animación.

En Iberoamerica, el uso contemporáneo del blanco y negro se ha dado en menor medida en el cine de ficción, tanto por razones económicas o autorales. Sin embargo, podemos encontrar películas como las mexicanas Temporada de patos (Fernando Eimbcke, 2004), El violín (Francisco Vargas, 2005) y Güeros (Alonso Ruizpalacios, 2014); la chilena La vida me mata (Sebastián Silva, 2007), la argentina Excursiones (Ezequiel Acuña, 2009), la portuguesa Tabu (Miguel Gomes, 2012) o la española Los ilusos (David Trueba, 2013), además de la ya citada Blancanieves; siendo la más reciente la coproducción colombo-venezolana El abrazo de la serpiente (Ciro Guerra, 2015), fotografiada de esta manera por referirse y ambientarse en un pasado geográfico y humano que ya no existe.

Como podemos apreciar, la permanencia del uso fotográfico del blanco y negro en el cine contemporáneo tiene diversas razones o factores para su selección, donde destacan el valor pictórico, histórico, simbólico y psicológico que le otorgamos culturalmente a las imágenes monocromáticas, que paradójicamente pueden resumirse en la siguiente frase: La vida es en color, pero el blanco y negro es más realista Joe, personaje de El estado de las cosas (Der Stand der Dinge, Wim Wenders, 1982)

Emperatriz Cols Programadora e Investigadora Cinematográfica

EL VIOLÍN México, 2005 Don Plutarco, su hijo Genaro y su nieto Lucio llevan una doble vida. Por una parte, son humildes músicos rurales y, por otra, apoyan activamente al movimiento guerrillero campesino contra el gobierno opresor cuyos militares violan y torturan a la población. Cuando el ejército invade el pueblo, los rebeldes deben huir y abandonar las municiones.

Haciendo valer su apariencia de inofensivo violinista, Don Plutarco tiene un plan: recuperar las municiones escondidas en su maizal. Su música embelesa al capitán, pero falta recoger las municiones.

Dirección y guion: Francisco Vargas Quevedo. Producción: Ángeles Castro, Hugo Rodríguez. Fotografía: Martín Boege. Música: Cuahutémoc Tavira, Armando Rosas. Montaje: Francisco Vargas, Ricardo Garfias.

Intérpretes: Ángel Tavira, Dagoberto Gama, Fermín Martínez, Gerardo Taracena, Silverio Palacios, Mario Garibaldi. Duración: 99 minutos.

Formato: DVD. Imperdibles

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LA CINTA BLANCA Das weiße band, Austria, 2009 En 1913, en vísperas de la Gran Guerra, extraños acontecimientos, que poco a poco toman carácter de castigo ritual, se dan cita en un pequeño pueblo protestante del norte de Alemania. Los niños y adolescentes del coro del colegio y de la iglesia dirigido por el maestro, sus familias, el barón, el encargado, el médico, la comadrona, y los granjeros conforman una historia que reflexiona sobre los orígenes del nazismo en vísperas de la I Guerra Mundial.

Dirección y guion: Michael Haneke.

Producción: Stefan Arndt, Veit Heiduschka, Michael Katz, Margaret Ménégoz, Andrea Occhipinti.

Fotografía: Christian Berger.

EL ARTISTA The Artist, Francia, 2012 George Valentin es una gran estrella del cine mudo a quien la vida le sonríe. Pero con la llegada del cine sonoro, su carrera corre peligro de quedar sepultada en el olvido. Por su parte, la joven actriz Peppy Miller, que empezó como extra al lado de Valentin, se convierte en una estrella del cine sonoro.

Montaje: Monika Willi. Intérpretes: Susanne Lothar, Ulrich Tukur, Leonard

Dirección y guion: Michel Hazanavicius. Producción: Thomas Langmann.

Proxauf, Burghart Klaußner, Josef

Fotografía: Guillaume Schiffman. Música: Ludovic Bource. Montaje: Anne­

Bierbichler, Steffi Kühnert, Michael

-Sophie Bion, Michel Hazanavicius. Intérpretes: Jean Dujardin, Bérénice

Schenk, Janina Fautz. Duración:

Bejo, James Cromwell, John Goodman, Penelope Ann Miller, Missi Pyle,

145 minutos. Formato: DVD.

Malcolm McDowell, Joel Murray. Duración: 116 minutos. Formato: DVD.

30 Mayo 2016

Imperdibles

BLANCANIEVES España, 2012 En la España de los años 20, Blancanieves es Carmen, una bella joven con una infancia atormentada por su terrible madrastra Encarna. Huyendo de su pasado, Carmen emprenderá un apasionante viaje acompañada por sus nuevos amigos: una troupe de enanos toreros.

Dirección y guion: Pablo Berger.

Producción: Ibon Cormenzana, Jérôme Vidal, Pablo Berger.

Fotografía: Kiko de la Rica.

Música: Alfonso Vilallonga.

Montaje: Fernando Franco.

Intérpretes: Macarena García, Maribel Verdú, Sofía Oria, Daniel Giménez Cacho, Ángela Molina, Pere Ponce, Josep María Pou, Inma Cuesta. Duración: 105 minutos.

Formato: DVD. Imperdibles

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IDA Polonia, 2013 En Polonia, durante los años 60, Anna es una novicia huérfana que está a punto de hacerse monja, descubre que tiene un pariente vivo: una hermana de su madre que no quiso hacerse cargo de ella de niña. La madre superiora obliga a Anna a visitarla antes de tomar los hábitos. La tía, una juez desencantada y alcohólica, cuenta a su sobrina que su verdadero nombre es Ida Lebenstein, que es judía y que el trágico destino de su familia se remonta a la terrible época de la ocupación nazi.

Dirección: Pawel Pawlikowski. Guion: Rebecca Lenkiewicz, Pawel Pawlikowski.

Producción: Eric Abraham, Piotr Dzięciol, Ewa Puszczyńska. Fotografía: Lukasz Żal, Ryszard Lenczewski. Música: Kristian Eidnes Andersen. Montaje: Jarosław Kamiński. Intérpretes: Agata Kulesza, Agata Trzebuchowska, Joanna Kulig, Dawid Ogrodnik, Jerzy Trela, Adam Szyszkowski, Artur Janusiak, Halina Skoczynska. Duración: 82 minutos. Formato: DVD. 32 Mayo 2016

Imperdibles

Homenaje a BERNARDO BERTOLUCCI: 75 AÑOS DE UN CREADOR Me gusta que el cine cambie, porque eso significa evolución.

Me atrae la posibilidad de que todos podamos hacer una película, según la idea de Godard…

Hoy con un móvil, con un Smartphone, se puede hacer un filme.

Bernardo Bertolucci

Bernardo Bertolucci nació en la ciudad italiana de Parma, el 14 de marzo de 1941 en el seno de una familia orientada a las artes: su progenitor Attilio (1911-2000) fue un reconocido poeta, historiador de arte y crítico filmográfico que alentó las carreras de sus vástagos desde temprana edad. Su hermano menor Giuseppe (1947-2012), también cineasta, colaboró con Bernardo en diversas ocasiones; y su primo Giovanni (1940-2005) fue un productor de cine que fungió en este rubro para varias cintas famosas de Italia, incluyendo las de su pariente. Ávido escritor desde su mocedad, Bernardo se inscribió en la Universidad de Roma La Sapienza en 1958 para estudiar Literatura Moderna, con el deseo inicial de seguir los pasos de su padre. Sin embargo, su trayecto vocacional dio un giro en 1961, cuando trabajó como asistente de dirección para el largometraje Accattone (1961) primer filme del realizador Pier Paolo Pasolini (1922-1975). Este gran paso en la industria fue gracias a que el padre de Bernardo ayudó a Pasolini a publicar su primera novela Ragazzi di Vitta en 1955, y este le devolvió el favor a Attilio consiguiéndole trabajo a su primogénito.

EL ÚLTIMO TANGO EN PARÍS Ultimo tango a Parigi, Italia-Francia, 1972 Una mañana de invierno un maduro norteamericano y una joven muchacha parisina se encuentran casualmente mientras visitan un piso de alquiler en París. La pasión se apodera de ellos y mantienen relaciones sexuales en el piso vacío. Cuando abandonan el edificio, ambos se ponen de acuerdo para volver a encontrarse allí, en soledad, sin preguntarse ni siquiera sus nombres.

Dirección: Bernardo Bertolucci.

Guion: Bernardo Bertolucci, Franco Arcalli, Agnès Varda, Jean­-Louis Trintignant. Producción: Alberto Grimaldi. Fotografía: Vittorio Storaro. Música: Gato Barbieri.

Montaje: Franco Arcalli, Roberto Perpignani. Intérpretes: Marlon Brando, Maria Schneider, Jean­Pierre Léaud, Massimo Girotti, Maria Michi, Catherine Allegret, Giovanna Galletti. Duración: 129 minutos. Formato: DVD. Mayo 2016

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Su debut como director fue un año más tarde con La cosecha estéril (La commare secca, 1962) basada en un guion de Pasolini, una historia de suspenso sobre el asesinato de una prostituta desde las perspectivas de diversos personajes, en una forma muy similar al filme clásico Rashomon (Rashōmon, 1950) del japonés Akira Kurosawa (1910-1998).

Sus siguientes trabajos más notables en esa década fueron Antes de la revolución (Prima della rivoluzione, 1964) un drama romántico que se estrenó en la diecisieteava edición del Festival de Cine de Cannes durante la Semana de la Crítica Internacional; el guion del Spaguetti Western Erase una vez en el Oeste (C’era una volta il West, 1968) de Sergio Leone (1929-1989), y el segmento Agonía del filme antológico Amor y rabia (Amore e rabbia, 1969) codirigido por Marco Bellocchio (1939), Jean­-Luc Godard (1930), Carlo Lizzani (1922-2013), Pasolini y Elda Tattoli (1929-2005).

En los años 70, Bertolucci hizo algunas de sus películas más conocidas: empezando la década estrenó El conformista (Il conformista, 1970), un drama político basado en la novela homónima de Alberto Moravia (1907-1990) un impecable análisis del fascismo como estructura social y represiva, que le valió a Bertolucci un premio David por Mejor Película en los David di Donatello, y los galardones por Mejor Director y Mejor Fotografía en los Premios de la Sociedad Nacional de Críticos de Cine (National Society of Film Critics, NSFC).

En 1972 dirigió El último tango en París (Ultimo tango a Parigi), sobre un viudo interpretado por Marlon Brando (1924-2004) que inicia una relación sexual con una aspirante a actriz, interpretada por Maria Schneider (1952-2011). Debido a su marcado y violento contenido sexual, en particular una escena donde el personaje de Schneider es sodomizado por el de Brando, el filme fue censurado y hasta prohibido en varios países como Canadá, Chile y Portugal; además de que Bertolucci se ganó la animosidad de Schneider y Brando hasta los 34 Mayo 2016

Homenaje a

LA LUNA Italia, 1979 A pesar de la repentina e inesperada muerte de Douglas, su viuda Catherina no puede anular una importante gira. La famosa cantante de ópera tiene que dar un concierto en Italia y toma la decisión de llevarse consigo a su hijo, decisión que le cambiará la vida por completo.

Dirección: Bernardo Bertolucci.

Guion: Bernardo Bertolucci, Franco Arcalli. Producción: Giovanni Bertolucci. Fotografía: Vittorio Storaro. Música: Ennio Morricone.

Montaje: Gabriella Cristiani.

Intérpretes: Jill Clayburgh, Matthew Barry, Veronica Lazar, Renato Salvatori, Fred Gwynne, Alida Valli, Elisabetta Campeti, Roberto Benigni. Duración: 142 minutos.

Formato: DVD.

respectivos decesos de ambos. Con todo, El último tango en París se volvió un filme de culto en los anales del cine erótico; mientras que elementos como su fotografía, realizada por el reconocido Vittorio Storaro (1940), y su banda sonora, compuesta por el saxofonista Leandro «Gato» Barbieri (1932-2016), son recordadas gratamente por los cinéfilos en general.

Dos años más tarde del revuelo que causó El último tango en París, Bernardo estrenó su gran filme de época Novecento (1976) sobre las primeras cinco décadas del siglo XX en Italia y los vaivenes políticos acontecidos en este período, a través de dos amigos nacidos en estratos sociales opuestos: el patrón de una hacienda, interpretado por Robert de Niro (1943), y un jornalero, escenificado por Gérard Depardieu (1948). La obra, que fue galardonada con el Premio Bodil a Mejor Película Europea en 1977, y el Premio Sant Jordi por Mejor Actor en Película Extranjera en 1978; tuvo una duración original de 314 minutos, por lo que en muchas naciones como Italia, Dinamarca y Colombia se presentó en dos partes, mientras que en otras como Estados Unidos se exhibió sin cortes.

La película con la que Bertolucci cerró esta convulsa década fue La luna (1979) sobre la tempestuosa relación entre una cantante de ópera y su hijo adolescente, que solo anhela conocer a su padre biológico.

Aunque La luna no fue tan reconocida como otras de las cintas creadas por el director en estos años, muchos cinéfilos loan su hermoso simbolismo y el buen manejo del elemento incestuoso presente en la trama y la interacción de los personajes.

A pesar de que la obra de Bernardo no resonó tanto en los años 80, hubo dos filmes que se destacan: Tragedia de un hombre ridículo (La tragedia di un uomo ridicolo, 1981), que le valió a su actor principal Ugo Tognazzi el galardón por Mejor Actor Principal en el Festival de Cannes de 1981, fue su última obra producida completamente en Italia; y El último emperador (L’ ultimo imperatore, 1987), sobre la vida de Puyi (1096-1967), el homónimo gobernante imperial de China antes de la llegada del Maoísmo, fue el primer filme autorizado por el gobierno chino para ser rodado en los interiores de la Ciudad Prohibida, y obtuvo una plétora de reconocimientos, incluyendo nueve premios Oscar, cuatro Globos de Oro, tres David di Donatello y un Nastro D’Argento (Listón de

EL ÚLTIMO EMPERADOR L’ ultimo imperatore, China-Italia-Reino Unido-Francia, 1987 En Pekín, durante 1908, nace una nueva era para la China imperial, ya que un gran país comienza a desmoronarse entre las garras de las potencias colonizadoras. Pu Yi, un niño de tres años, es arrancado de los brazos de su madre y conducido en la noche hasta la Ciudad Prohibida. La gran emperatriz, una centenaria y misteriosa mujer, anuncia su temprana muerte y el deseo de que sea el joven infante su sucesor. Para el muchacho comienza una increíble vida desde que se sienta en el trono de los Dragones hasta que el destino decide por él.

Dirección: Bernardo Bertolucci.

Guion: Bernardo Bertolucci, Mark Peploe. Producción: Jeremy Thomas. Fotografía: Vittorio Storaro.

Música: Ryuichi Sakamoto, David Byrne, Cong Su. Montaje: Gabriella Cristiani. Intérpretes: Joan Chen, Ying Ruocheng, Victor Wong, Dennis Dun, Ryuichi Sakamoto, Cary­-Hiroyuki Tagawa, John Lone, Peter O’Toole.

Duración: 160 minutos.

Formato: DVD. Homenaje a

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Plata) en los rubros de Mejor Película, Mejor Director, Mejor Guion, entre otras categorías más.

En la década de los 90, Bertolucci hizo filmes cuyo hilo conductor fueron las travesías de sus personajes a lugares distantes, a veces exóticos, para cumplir sus deseos personales: El cielo protector (The Sheltering Sky, 1990), drama basado en la obra homónima de Paul Bowles (19101999) sobre un matrimonio que parte al desierto del Sahara con el propósito de reavivar su amor, obtuvo cuatro premios, incluyendo un BAFTA y un Globo de Oro, por Mejor Fotografía y Mejor Banda Sonora, a pesar de ser un fracaso comercial. El pequeño Buda (Little Buddha, 1993) trata sobre tres niños que podrían ser la reencarnación de un Lama budista, al tiempo que se recrea la vida de Sidarta Gautama (563/480-483/400 AC). Belleza robada (Lo ballo da sola, 1996), que muestra a una joven viajando a la Toscana tras la muerte de su madre, fue la cinta que catapultó a su protagonista, la actriz Liv Tyler (1977), a la fama. Mientras que la película El asedio (L’ assedio, 1998) trató el drama de una joven africana que huye a Italia y vive, sin esperarlo, un romance con un pianista británico.

Con la llegada del nuevo milenio, la obra de Bertolucci fue menos notorias, pero no por ello menos distintiva. En 2003, luego de hacer un segmento para el filme de antología Ten Minutes Older: The Cello (2002), estrenó Los soñadores (The Dreamers) un drama romántico ambientado en el Mayo francés que remite a las cintas de la Nouvelle Vague. En 2007 recibió el León de Oro en el Festival de Cine de Venecia por su trayectoria cinematográfica, y en 2011 le otorgaron la Palma de Oro Honoraria en el Festival de Cine de Cannes. Su última cinta hasta la fecha es Tu y yo (Io e te, 2012) que se proyectó fuera de competencia en Cannes, basada en la novela de Niccolò Ammaniti, fue su primer filme íntegramente italiano en 30 años y con el rompió su largo alejamiento de los rodajes por razones de salud.

Para conmemorar los 75 años de este cineasta que cuya obra no dejó indiferente a generaciones de espectadores, ofrecemos una selección de algunas de sus películas más reconocidas, de modo que sus fanáticos recuerden esos momentos en pantalla que los marcaron, y los neófitos conozcan a este gran creador italiano y parte de su obra.

36 Mayo 2016

Homenaje a

SOÑADORES The Dreamers, Inglaterra, 2003 En París de 1968, Isabelle y su hermano Theo, solos en la ciudad mientras sus padres están de viaje, invitan a su apartamento a Matthew, un joven estudiante americano, al que han conocido en un cine.

Una vez en casa, establecen unas reglas para conocerse mutuamente, explorando emociones y erotismo a través de una serie de juegos extremadamente arriesgados.

Dirección: Bernardo Bertolucci.

Guion: Gilbert Adair (obra original).

Producción: Jeremy Thomas.

Fotografía: Fabio Cianchetti.

Montaje: Jacopo Quadri. Intérpretes: Michael Pitt, Louis Garrel, Eva Green, Robin Renucci, Anna Chancellor, Florian Cadiou. Duración: 120 minutos. Formato: DVD.

Cine-Conversa CINEMATECA NACIONAL: CUMPLIENDO 50 AÑOS En mayo nuestra querida Fundación Cinemateca Nacional se encuentra de aniversario, han sido 50 años dando al pueblo venezolano una alternativa cinematográfica. Cine Conversa es parte de esta alternativa y ofrecemos un espacio de encuentro y charla para aquellos espectadores que buscan algo más que disfrutar de una buena película. Por eso haremos un homenaje no sólo a la institución y a quienes laboran en ella, sino también a todas y todos los espectadores que martes a martes nos acompañan a conversar sobre las diferentes películas programadas en este espacio.

Queremos compartir con nuestros usuarios y usuarias la proyección de cinco largometrajes de ficción venezolanos, que fueron seleccionados por las y los trabajadores de la FCN como sus favoritos del cine nacional, a través de una encuesta realizada en el mes de marzo de este año. Este mes podrán disfrutar en Cine Conversa de cinco directores venezolanos, quienes presentan en sus películas temáticas diversas, que les permitirán a todos ustedes reflexionar sobre la sociedad venezolana, los conflictos del ser humano y la religión.

Están cordialmente invitados a nuestro Cine Conversa de mayo, un espacio donde podrán disfrutar y disertar sobre películas que muestran lo nutrido y fascinante del cine venezolano.

Nairú Álvarez Coordinadora de Formación y Participación Mayo 2016

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HERMANO Venezuela, 2010 Daniel es un delantero excepcional, un fenómeno.

Julio, el capitán del equipo, es un líder nato. Ambos son hermanos de crianza y juegan al fútbol en el pequeño barrio.

Mientras Daniel desea ser un futbolista profesional, Julio mantiene a su familia con dinero sucio y no tiene tiempo para soñar. La oportunidad de sus vidas llega cuando un caza talentos los invita a unas pruebas en el famoso equipo de la ciudad. En ese momento una tragedia los sacude y deben decidir, a patadas y sobre una cancha de tierra, qué es más importante: la unión de la familia, el sabor de la venganza o el sueño de sus vidas.

Dirección: Marcel Rasquin. Guion: Rohan Jones, Marcel Rasquin.

Producción: Marcel Rasquin, Enrique Aular, Liz Mago. Fotografía: Enrique Aular. Música: Rigel Michelena. Montaje: Carolina Aular,

JERICÓ Venezuela, 1990 En el siglo XVI Santiago, un fraile dominico, es el único superviviente de una expedición que salió en busca de los míticos Mares del Sur bajo la dirección del cruel Gazcuña. Gracias a su fe cristiana, a su ardor misionero, se integra entre los indios caribeños, hasta que, tras un incidente con el jefe de la tribu se ve obligado a huir con su mujer y su hijo. Es detenido por los soldados españoles y acusado de hereje, lo que significa Inquisición y tortura. Pero el verdadero secreto que los mercenarios quieren arrancarle es el lugar en el que Gazcuña ha escondido 30.000 pesos en oro.

Juan Carlos Melián. Intérpretes: Fernando Moreno, Eliú Armas, Alí

Guión y dirección: Luis Alberto Lamata. Producción: Foncine y Thalía

Rondón, Marcela Girón, Gonzalo

Producciones. Fotografía: Andrés Agustí. Música: Federico Gattorno.

Cubero, Beto Benites, Gabriel

Montaje y sonido: Mario Nazoa. Intérpretes: Wilfredo Cisneros, Cosme

Rojas. Duración: 96 minutos.

Cortázar, Doris Díaz, Amílcar Marcano, Alexander Milic, Reggie Nalder,

Formato: DVD.

Luis Pardi, Francis Rueda. Duración: 90 minutos. Formato: DVD.

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Cine-Conversa

EL PEZ QUE FUMA Venezuela, 1977 El pez que fuma es el nombre de un prostíbulo nada selecto regentado por La Garza, una especie de madame que administra a su antojo el derecho de admisión. Dimas, el amante de la propietaria no ve con buenos ojos a Jairo, adolescente recién llegado que se encarga de la limpieza de los baños. Este, poco a poco, escalará posiciones y progresivamente se ganará la confianza de la propietaria, desplazando a Dimas, quien intentará eliminarlo.

Dirección: Román Chalbaud.

Guion: Román Chalbaud, José Ignacio Cabrujas. Producción: Gente de Cine C.A. Fotografía: César Bolívar. Montaje: Guillermo Carrera. Intérpretes: Miguelángel Landa, Orlando Urdaneta, Hilda Vera, Haydée Balza, Arturo Carderón, Rafael Briceño, Ignacio Navarro, Herminia Navarro. Duración: 120 minutos. Formato: DVD.

La siguiente lista presenta las 10 películas venezolanas favoritas de las y los trabajadores de la Fundación Cinemateca Nacional, según encuesta interna realizada en marzo de 2016: 1.- Hermano de Marcel Rasquín 2.- Jericó de Luis Alberto Lamata 3.- El pez que fuma de Román Chalbaud 4.- La hora cero de Diego Velasco 5.- Macu, la mujer del policía de Solveig Hoogesteijn 6.- Papita, maní y tostón de Luis Carlos Hueck 7.- Azul y no tan Rosa de Miguel Ferrari 8.- La casa del fin de los tiempos de Alejandro Hidalgo 9.- Araya de Margot Benacerraf 10.- Cangrejo de Román Chalbaud Cine-Conversa

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MACU, LA MUJER DEL POLICÍA Venezuela, 1987 La película cuenta la historia de un policía, Ismael y su esposa, Macu. Ismael es el principal sospechoso de la supuesta desaparición de tres jóvenes del barrio en el cual vive, uno de los cuales se sospecha que mantenía una relación amorosa con Macu.

Dirección: Solveig Hoogesteijn.

Guion: Solveig Hoogesteijn, Milagros Rodríguez. Producción: Cinearte C.A. y Macu Films C.A. Fotografía: Andrés Agustí. Música: Víctor Cuica. Montaje: José Alcalde.

Sonido: Stefano Gramitto. Intérpretes: Daniel Alvarado, María Luisa Mosquera, Frank Hernández, Tito Aponte, Ana Castell, Carmen Palma, Iván Feo, Ana María Paredes.

Duración: 89 minutos.

Formato: DVD. 40 Mayo 2016

Cine-Conversa

LA HORA CERO Venezuela, 2010 Vertiginosa película de secuestro. Los acontecimientos transcurren en Caracas durante las 24 horas de una huelga médica en 1996. La Parca, un temible sicario, se ve obligado a secuestrar una clínica privada para salvar al amor de su vida. Lo que parecía un plan perfecto terminará en un frenético desenlace donde la Parca se verá obligado a enfrentar los errores del pasado y a descubrir que sus peores enemigos están más cerca de lo que él imagina. Una historia de amor contada en medio del caos, que explora la ascensión al poder y la inevitable caída a la desgracia.

Dirección: Diego Velasco. Guion: Diego Velasco, Carolina Paiz. Producción: Subcultura y Factor RH Producciones. Fotografía: Luis Otero. Música: Freddy Sheinfeld, Gabriel Velasco. Montaje: Otto Scheuren. Intérpretes: Zapata 666, Albi de Abreu, Marisa Román, Alejandro Furth, Laureano Olivares, Erich Wildpret, Ana María Simón, Antonio Cuevas. Duración: 100 minutos. Formato: DVD.

Cines Nacionales CINE DE ÁFRICA África es el continente donde se originó las primeras formas de vida que precedieron al hombre, la tierra donde se desarrollaron algunas de las civilizaciones conocidas más importantes de la antigüedad, uno de los lugares del globo con mayores reservas de riquezas naturales; en resumen, es la cuna de la vida en la Tierra.

De África han salido también personajes que marcaron la historia de la humanidad a lo largo de los siglos, e igualmente han dejado su huella a lo ancho de regiones cercanas y no tan cercanas, como el continente americano. Desde el sur de los Estados Unidos, pasando por las Islas de las Antillas, hasta llegar a Brasil, la huella africana en las culturas de las naciones americanas se ha hecho sentir dentro de ámbitos como la gastronomía, la religión, la música, la moda, el arte, el deporte y el cine. Rindiendo honor a esta memoria maravillosa, en Venezuela se celebra el 10 de mayo el Día de la Afrovenezolanidad, el cual conmemora el legado cultural y social que el primer continente dejó al pueblo venezolano, así como la herencia y la labor de los afrovenezolanos durante la historia de nuestro país.

Sin embargo, otro mérito menos conocido que tiene el África es ser el uno de los continentes que más cine produce actualmente en el mundo, junto con Norteamérica (Hollywood en Estados Unidos) y Mayo 2016

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Asia (Corea del Sur y Bollywood en India); específicamente en Nigeria, cuya industria filmográfica ha recibido el nombre de Nollywood.

Esta industria se originó cuando los productores iniciales, en un comienzo vendedores de aparatos electrónicos, empezaron a hacer películas para ofrecerlas como complemento a sus aparatos. Realizaban todo el proceso: financiamiento, guion, contratación y dirección de los actores, rodaje y luego el copiado y la venta realizada por ellos mismos. Según el Censo Nacional de Películas, un órgano del Gobierno nigeriano, se habla actualmente de una media de 1.200 películas anuales, que mueve un presupuesto total de unos 20 millones de euros. Otros países como Egipto, Túnez, Marruecos, Camerún, Somalia, Ghana, Sudáfrica, entre otros, han producido sus propias cinematografías aunque a una escala menor gracias al apoyo del Estado, la empresa privada y al sistema de las coproducciones, particularmente con Francia.

En general, puede observarse en el cine africano un interés en sus autores por enseñar, por educar la conciencia del público. Sus preocupaciones son de orden político (clases sociales, el neocolonialismo, la dependencia), moral (la alienación y los males de la modernidad en oposición con la tradición), didáctico (el papel de las mujeres y sus derechos, las consecuencias de la droga), personal (los problemas de identidad ante los procesos de modernización y los efectos de la colonización) o de proselitismo cultural (el arte curativo tradicional como antítesis de la medicina occidental).

Para celebrar esta riqueza cultural y compartirla, el 25 de mayo ha sido declarado por la UNESCO como el Día de África, una fecha que nos permite conocer los distintos aportes de las diversas culturas milenarias que habitan este continente a través de más de cuarenta naciones, las cuales encuentran en sus cinematografías un medio para expresar su esencia y sus variadas realidades.

EL ÚLTIMO VUELO DEL FLAMINGO O Último Voo do Flamingo, Mozambique, 2011 En el pueblo mozambiqueño de Tizangara, los cascos azules de la ONU trabajan para mantener la paz después de años de guerra civil. Cinco explosiones acaban con cinco soldados, de los que solo quedan intactos sus genitales y sus cascos. Para investigar lo ocurrido, llega al pueblo Massimo Risi, teniente italiano destinado en Maputo, la capital de Mozambique. Con la ayuda de Joaquim, un traductor local, Massimo emprende una investigación para esclarecer el misterio y no tarda en aprender que no todo es lo que parece.

Dirección: Joao Ribeiro. Guion: Gonçalo Galvão Teles, Joao Ribeiro.

Producción: Coproducción Mozambique-Portugal. Fotografía: José António Loureiro. Música: Omar Sosa. Intérpretes: Carlo D’Ursi, Elliot Alex, Alberto Magassela, Matias Xavier, Adriana Alves, Cândida Bila, Mário Mabjaia, Gilberto Mendes, Cláudia Semedo. Duración: 90 minutos.

MBEUBEUSS, EL VERTEDERO DE LA ESPERANZA Mbeubeuss, le terreau de l´espoir, Senegal, 2014 Trepando las cimas de las colinas de basura de Mbeubeuss, el gran bote de basura de Dakar, el poeta Ramagelissa dedica sus versos a la Tierra, gran víctima de la locura de los hombres. De repente, un grito llama su atención. En una caja descubre un bebé abandonado. Lo adopta, lo educa y le transmite su amor por la naturaleza. En ese medio hostil y peligroso, el niño, poco a poco, va recreando un universo particular.

Dirección: Nicolas Sawalo Cissé. Guion: Nicolas Sawalo Cissé, Mohamed Unai Corbella Simon. Producción: Niciss Productions, Waka Films. Fotografía: John Njaga Demps. Música: Vieux Mac Faye. Intérpretes: Anta Dembele, Kadia Sall, El Hadj Dieng, Abdoulaye Niang, Issa Ndiaye, Sambalaye Diop, Sidy Niang. Duración: 95 minutos. Formato: DVD. 42 Mayo 2016

Cines Nacionales

Sábado y Domingo Infantil ¡A CELEBRAR! En el mes de mayo, mes de celebración por los 50 años de nuestra Cinemateca Nacional, la sección Sábado y Domingo Infantil presentará cuatro muestras animadas: ¡A celebrar con la Cinemateca! Animaciones venezolanas, En el día de la Afrovenezolanidad, Aventuras en blanco y negro, Día Internacional de la Diversidad Biológica, para toda la familia, que disfrutará las selecciones a proyectar en esta gala. ¡A festejar!

¡A celebrar con la Cinemateca! Animaciones venezolanas Aunque la animación venezolana no es tan conocida como la de otros países latinoamericanos como Argentina, Cuba o México, tiene una mezcla de candidez e ingenio que la distingue de otras, valiéndole reconocimiento más allá de sus confines geográficos, como es el caso de I Wanna Shine (2010) de Prakriti Maduro que recibió el galardón por Mejor Cortometraje Animado en el Festival de Cortos de Caracas Chorts en 2010; Hoy no se hace pastel de chucho (2011) de Braulio Rodríguez que se exhibió en la sección Short Films Corner del Festival de Cine de Cannes de 2011, el Festival de Películas del Mundo de Montreal, o el Festival Cinesul de Brasil, entre otros más; D (2011) de Rafael Velásquez, ganador del Gran Premio ANIMANDINO 2012 a Mejor Película de Animación Andina; entre otros más.

I WANNA SHINE Venezuela, 2010 En un departamento de cine reposan los equipos técnicos después de un día de rodaje.

Pero de pronto una lámpara de mesa se enciende, el reloj se activa y dice: «¡Todos al set!», y los equipos invierten la noche en preparar el set, filmar y dar lo mejor de sí para contar sus historias y brillar con su propia luz.

Guion, dirección, producción y montaje: Pakriti Maduro. Sonido: Luis Fernando Guirados. Fotografía: Blas Kisic, Oscar Lobo. Animación: Julio Maduro, Carmen E. Martín.

Música: Gabriel Figueira. Duración: 7 minutos. Formato: DVD. Mayo 2016

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Para conmemorar el cincuentavo aniversario de la Cinemateca Nacional, se proyectará una selección de animaciones venezolanas, que incluyen el largometraje Medianía: una historia a medias (2011) de Rodrigo Acosta, realizada con títeres de calcetín, El oso Miyoi (2013) de Edgar Vivas, Nawuin (2011) de José Márquez y Miguel Alvarado, y los tres cortometrajes antes mencionados, compilando así una notable muestra de lo que el cine animado nacional tiene para ofrecer a la audiencia y al mundo.

HOY NO SE HACE PASTEL DE CHUCHO Venezuela, 2011 En las contaminadas aguas de una isla caribeña, Félix el pescador captura a Chucho, una mantarraya. Sin embargo, este logra escapar, y así comienza una intensa persecución que se ve interrumpida por una causa inesperada.

Dirección y producción: Braulio Rodríguez. Guion: Guillermo J. Paz, Braulio Rodríguez. Sonido: Taurus Studio. Animación: Pedro da Silva. Música: Alonso Toro.

Montaje: Guillermo Lacure.

Duración: 5 minutos.

Formato: DVD.

D Venezuela, 2011 En una oscura y antigua biblioteca, un libro de geometría permanece abierto sobre una gran mesa. En una de sus páginas hay un ejercicio que consiste en cuatro puntos geométricos, a, b, c y d, que deben ser unidos por una línea de tinta. Sobre esa misma mesa, una pluma fuente duerme y ronca hasta que un trueno la despierta.

Una vez despierta, la pluma bebe toda su tinta, salta sobre el libro y cae justo sobre la letra «a», cubriéndola con una gran mancha de tinta. Luego, como se espera, se dirige a «b», a «c», pero cuando intenta hacer su último trazo, «d» se mueve despavorida. La pluma intenta de nuevo, pero «d» la esquiva, y así comienza una persecución sin tregua, en la que «d» corre por su vida.

Guion, dirección y montaje: Rafael Velásquez. Sonido: Iván Urbina. Fotografía: René Alex, Rafael Velásquez, Carlos Luis Rodríguez. Animación: René Alex. Música: Eduardo Stanbury. Caracterizaciones: Oswaldo Maccio, Alí Rondón, Eduardo Stanbury. Duración: 6 minutos. Formato: DVD. 44 Mayo 2016

Sábado y Domingo Infantil

NAWUIN Venezuela, 2011 El rey Zapara vivía con su hija Maruma, a quien nunca quiso dar en matrimonio. Un día, mientras el rey estaba de viaje, la hija salió de cacería, conoció a Tamare y se enamoraron. Al volver, el rey desató su ira sobre aquellas tierras, lo que dio origen al lago Maracaibo.

Guion, dirección y animación: José Márquez, Miguel Alvarado. Sonido: José Márquez, Melissa Urdaneta. Música: Marcos Villalobos. Montaje: José Márquez. Duración: 5 minutos. Formato: DVD.

EL OSO MIYOI Venezuela, 2013 Miyoi y su madre son despertados por el ruido de máquinas que destruyen el ambiente del bosque. Huyendo del lugar, Miyoi sufre una caída que lo lleva al mundo de los sueños y se encuentra con los nativos del sitio donde descubre la magia y la amistad.

Dirección: Edgar Vivas. Sonido: Radharani Gómez. Montaje: Juan Moreno.

Duración: 7 minutos. Formato: DVD.

MEDIANÍA: UNA HISTORIA A MEDIAS Venezuela, 2011 Medianía, película al estilo del señor de las medias con impresionantes castillos y rincones de la edad media. Engavetada en la historia y en las conciencias de los pobladores de esta aldea vive el medio hermano del rey Calcetino XL, el oscuro y gris Masmedia quien aprovechando que su hermano sale de visita a otra gaveta de medias, toma el poder implantando la dictadura mediática a todos sus pobladores. Se desatan así, conspiraciones y rebeliones de las medias más desposeídas y deshilachadas del reino de Medianía.

Drama, pasión de un medio pueblo que lucha por los ideales que les dejó su máximo prócer «Mediliano Sinzapato».

Guion y dirección: Rodrigo Acosta Oviedo. Producción: P.N.I. 3975.

Post- Producción de sonido: Ezequiel Pinedo. Fotografía: John Márquez.

Animación y diseño gráfico: Shakti Sánchez. Montaje: Bettsy Baettig.

Intérpretes y voces: Gabriel Osorio, Andrea Salazar, Daniel Iorio, Libertad Acosta, Natalia Villafañe, Ezequiel Mendez, Coty Cambiasso, Melvin Mora.

Duración: 56 minutos. Formato: DVD. Sábado y Domingo Infantil

Mayo 2016

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KIRIKU Y LA HECHICERA Kirikou et la sorcière, Bélgica-Francia-Luxemburgo, 1998

En el día de la Afrovenezolanidad Con motivo del Día de la Afrovenezolanidad, fecha creada como homenaje a los hombres y mujeres cuyos ancestros proceden de África, los cuales conforman un porcentaje significativo de nuestra población actual, así como una prueba de nuestras raíces provenientes de la cuna de la humanidad, se exhibirá para los espectadores Kiriku y la hechicera (Kirikou et la sorcière, 1998) de Michel Ocelot, la historia de un pequeño pero valiente niño que se enfrenta a los peligros impuestos por una temible bruja, para salvar a su gente de la perdición.

46 Mayo 2016

Sábado y Domingo Infantil

Kirikú es un niño muy pequeño que sabe exactamente lo que quiere incluso antes de nacer.

Es independiente, generoso y valiente, cualidades que necesitará emplear a fondo, porque Kirikú ha nacido en un poblado africano sobre el que la terrible bruja Karabá ha extendido un maleficio: no hay flores ni agua. Tienen que entregarle tributos y no quedan hombres porque según los habitantes del poblado, se los ha comido la bruja. El valiente Kirikú emprenderá un viaje lleno de peligros para encontrar la salvación de su gente.

Guion y dirección: Michel Ocelot.

Producción: Didier Brunner.

Música: Youssou N’Dour. Montaje: Dominique Lefevre. Voces: Theo Ebeko, Antoinette Kellermann, Fezele Mpeka, Kombisile Sangweni.

Duración: 74 minutos.

Formato: DVD.

FRANKENWEENIE Estados Unidos, 2012

Aventuras en blanco y negro El cine comenzó como un arte en blanco y negro, con una estética que lo caracterizó por décadas antes de la llegada del color a finales de los años treinta del siglo XX, y los dibujos animados no fueron la excepción. Por eso, varios directores contemporáneos se inspiraron en este período para hacer muchas de sus cintas, incluso usando el formato monocromático con el objetivo de crear un ambiente distintivo para sus historias o filmes según la temática o el ambiente de sus historias.

Como una manera de celebrar las películas en blanco y negro creadas en esta era de color, presentamos Frankenweenie (2012) de Tim Burton, realizada en homenaje a las películas de terror antiguas, y a los seres y cosas que uno quiere, más allá del paso del tiempo.

Tras la inesperada muerte de su adorado perro Sparky, el pequeño Víctor se vale del poder de la ciencia para traer a su mejor amigo de regreso a la vida… con unos pocos ajustes menores. Víctor intenta ocultar su creación, pero cuando Sparky logra salir, los compañeros de escuela de Víctor, sus maestros y el pueblo entero aprenderán que crear una nueva vida puede convertirse en algo monstruoso si no se tiene cuidado.

Dirección: Tim Burton. Guión: John August; Tim Burton y Lenny Ripps (obra original). Producción: Tim Burton, Allison Abbate. Fotografía: Peter Sorg. Música: Danny Elfman.

Montaje: Chris Lebenzon, Mark Solomon. Voces: Catherine O’Hara, Martin Short, Martin Landau, Charlie Tahan, Atticus Shaffer, Winona Ryder, Christopher Lee. Duración: 87 minutos. Formato: DVD. Sábado y Domingo Infantil

Mayo 2016

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Día Internacional de la Diversidad Biológica Celebrado todos los 22 de mayos desde el 2000, el Día Internacional de la Diversidad Biológica es una fecha creada con el objetivo de crear consciencia sobre la importancia de preservar las especies que conforman nuestro planeta, sobre el ser humano afecta los medios naturales donde habitan animales y plantas, como esta presencia afecta a corto o largo plazo los ecosistemas, y qué acciones se pueden tomar para la conservación de estas formas de vida.

Para rememorar el Día Internacional de la Diversidad Biológica, presentamos La profecía de las ranas (La prophétie des grenouilles, 2005) de Jacques-Rémy Girerd, que muestra no solo la necesidad de conservar estas especies, sino el papel que cada una juega para la supervivencia de otras, de nosotros, y de sí mismas.

FUNDACIÓN CINEMATECA NACIONAL PRESIDENTA FUNDADORA Margot Benacerraf PRESIDENTA ACTUAL Blanca Rey fcn.presidencia@gmail.com DIRECTORA EJECUTIVA (E) Maureen Riveros (0212) 482.25.05 mauriveros@gmail.com COORDINADORA GENERAL DE GESTIÓN INTERNA Angélica Sánchez (0212) 482.05.54 fcngestioninterna@gmail.com COORDINADORA DE ADMINISTRACIÓN Y FINANZAS Eliana Meza (0212) 481.06.41 comprafcn@gmail.com COORDINADOR DE PROGRAMACIÓN Rafael Gil (0212) 482.73.21 / 482.23.71 fcn.programacion@gmail.com COORDINADOR DE PATRIMONIO FÍLMICO Y AUDIOVISUAL Vladimir Díaz (0212) 505.93.14 vladimirjo@gmail.com COORDINADORA DE FORMACIÓN Y PARTICIPACIÓN Nairú Álvarez (0212) 482.49.06 fcn.cineencurso@gmail.com COORDINADOR DE INVESTIGACIÓN Y DOCUMENTACIÓN Humberto Castillo (0212) 482.22.42 fcn.investigaciónydocumen@gmail.com COORDINACIÓN DE COMUNICACIONES (0212) 481.85.90 medios.cinemateca@gmail.com COORDINADORA DE COMERCIALIZACIÓN Josmary Ochoa (0212) 638.81.14 fcn.comercializacion@gmail.com COORDINADOR DE SALAS Ronny Pacheco (0212) 482.06.47 coordinaciondesalas@gmail.com COORDINACIÓN DE PRODUCCIÓN (0212) 638.81.19 coordinacion.produccionfcn@gmail.com

LA PROFECÍA DE LAS RANAS La prophétie des grenouilles, Francia, 2005 Cuarenta días y cuarenta noches de lluvia se suceden, como ya ocurriera en el Diluvio Universal.

Las ranas, habiendo profetizado la catástrofe que se aproxima, intentan avisar a los humanos. Así, dos adultos y dos niños buscan refugio en un enorme granero que se convierte una especie de arca de Noé improvisada.

Dirección: Jacques-Rémy Girerd. Guion: Jacques-Rémy Girerd, Antoine Lanciaux, Iouri Tcherenkov. Producción: Patrick Eveno, Jacques-Rémy Girerd. Fotografía: Benoît Razy. Música: Serge Besset. Montaje: Hervé Guichard.

Duración: 90 minuto. Formato: DVD. 48 Mayo 2016

Sábado y Domingo Infantil

COORDINADORA DE PLANIFICACIÓN Y PRESUPUESTO Rojeysa García (0212) 481.34.56 fcn.planificacionypresu@gmail.com COORDINADOR DE TECNOLOGÍA DE INFORMACIÓN Jorge Farfan jfarfan.mppc@gmail.com COORDINADORA DE RECURSOS HUMANOS Mary Quintana (0212) 481.04.18 fcntalentohumano@gmail.com CONSULTORA JURÍDICA consultoriafcn@gmail.com OFICINA DE ATENCIÓN AL CIUDADANO Y A LA CIUDADANA Milagros Figueroa (0212) 493.85.40 fcn.atencionciudadano@gmail.com AUDITOR INTERNO Antonio García (0212) 482.74.59 antoniojosegarcia62@yahoo.es

Fundación Cinemateca Nacional Disfrute de su programación en las siguientes Salas Regionales:

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Los Caobos, Plaza de Los Museos, Museo de Bellas Artes, Caracas, Distrito Capital

BARCELONA

Av. Paparoni con calle Las Flores, Barcelona, edo. Anzoátegui.

CALABOZO

1era. Av. Centro Administrativo, esquina vía a la Urbanización Simón Rodríguez, Calabozo, edo. Guárico.

GUANARE

Centro Cultural Carlos Emilio Muñoz, carrera 5ta. con calle 16, Guanare, edo. Portuguesa.

MARACAIBO

Urb. El Pinar, calle 115, Av. 23, parroquia Manuel Dagnino, municipio Maracaibo, Maracaibo, edo. Zulia.

PUERTO AYACUCHO

Av. Río Negro con calle Atabapo, parroquia Fernando Girón Tovar, municipío Atures, Puerto Ayacucho, edo. Amazonas.

SAN CRISTÓBAL

Av. Carabobo con Av. Séptima, frente a la Biblioteca Pública Leonardo Ruiz Pineda, San Cristóbal, edo. Táchira.

SAN FERNANDO

Zona adyacente al terminal de pasajeros Humberto Hernández, con entrada por la Av. España, San Fernando, edo. Apure.

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En junio

LOS MEJORES LARGOMETRAJES DE FICCIÓN DEL CINE VENEZOLANO, EN EL 50 ANIVERSARIO DE LA FCN (2DA PARTE) País portátil (Iván Feo y Antonio Llerandi, Venezuela, 1979)

LOS OFICIOS EN EL CINE: LA PRODUCCIÓN CINEMATOGRÁFICA La maldición de la flor dorada (Mănchéng Jìndài Huángjīnjiă, Zhang Yimou, China, 2006)