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CIRCUL ACIÓN GRATUITA
EL ABOGADO DEL CRIMEN LA CODICIA DE LA IMAGEN LA ORQUÍDEA
FESTIVAL DE CINE
CINE Y LITERATURA
SOBRE ADORE Y LAS ABUELAS
VIDEOJUEGOS
LUDONARRATIVA
RAW COLECCIÓN
TSAI MING-LIANG CINE DE ACCIÓN
CINE ECUATORIANO
LA NUEVA FICCIÓN NÚMERO 3
ECUADOR
contenidos
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Catálogo de Cine y Cultura Encuéntranos en:
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4 LA ORQUÍDEA por Sherif Awad Festival de Cine
6 EL ABOGADO DEL CRIMEN por Carlos Idrovo La codicia del margen
8 RAW COLECCIÓN por Julio Bezerra Tsai Ming - Liang ¡Alerta!
10 CINE Y LITERATURA por Mariuxi Balladares La Manada. Sobre Adore y Las Abuelas 13 ARMANDO SALAZAR Redacción RAW Portada: Cameron Diaz. Foto cortesía de 20th Century Fox
La luz y la imagen
14 CINE ECUATORIANO por Raquel Schefer La nueva ficción. Cine Vertical
16 ESTRENO DVD por Hernán Quintana
Cuando lo principal es secundario y lo secundario fundamental. Mejor no hablar (de ciertas cosas)
18 VIDEOJUEGOS por Juan Pablo Sáenz Ludonarrativa. Desafios de la narrativa en los videojuegos
19 CINEMAX RECOMIENDA
Nivel nacional Circulación gratuita – Publicación mensual – 10.000 ejemplares Pauta con nosotros – info@drama.ec www.revistaraw.com
editorial
por CARLOS H. IDROVO
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Importancia del CINE
Editor
He aquí tú o yo,
Dirección Comercial
O la mujer, hombre o estado, conocidos y desconocidos, Parece que construimos sólidas riquezas, fuerza, belleza, pero realmente, Construimos imágenes. Walt Whitman Los estudios culturales permitieron que el cine entrara en la academia formal en los años noventa. Ahora el cine goza de un programa de estudios en las mejores universidades del mundo. Su ingreso se debe a que es una plataforma de investigación donde la representación trabaja con todos los medios artísticos. Hay en el cine una relación específica y fundamental con el tiempo, que hace que aquel sea el acercamiento más directo a la verdad de la vida. La producción cinematográfica agrupa el conocimiento formal con la circulación del mercado, a la industria y a las personas para definir el valor de los contenidos de las películas. Este ejercicio hace que los filmes sean vulnerables a los propósitos del mercado, pero al mismo tiempo, colabora con valores democráticos, con la expansión de la forma, la diversidad de pensamiento y de vidas.
CARLOS H. IDROVO
ROBERT TIPANGUANO
FRANCISCO FRANCO NORMA ALEXANDRA PADILLA Corrector de Estilo
JUAN PABLO CRESPO Dirección de Arte
SANTIAGO GUEVARA JESAHEL NEWTON Colaboradores SHERIF AWAD
JULIO BEZERRA
MARIUXI BALLADARES RAQUEL SCHEFER
HERNÁN QUINTANA
JUAN PABLO SÁENZ Impresión
EDIECUATORIAL
El cine nos ha permitido abrir miles de ventanas y colocar cámaras que pueden filmar lo que no se puede ver, lo que aún no existe. Puesto que este arte depende fundamentalmente de la imaginación. Las nuevas sociedades dependen de la autonomía de los individuos, de las generaciones que comprendan la democracia como construcción de procesos donde el cine es el artificio que resguarda el registro de esas huellas. Las imágenes que podamos dejar e imaginar nos definen a nuestra imagen y semejanza.
Pauta
info@drama.ec Escríbenos
santiagoguevara@drama.ec www.drama.ec
DRAMAFILMS Bélgica E9-174 y
De ahí la importancia del cine para una sociedad que busca equidad y desarrollo. Este medio se desenvuelve a través de dispositivos como los festivales de cine. Por ello saludamos el esfuerzo que significa la gestión y la producción cinematográfica que en este año ha llegado a cifras récord. A todos ellos dedicamos nuestra última edición del año.
Av. Eloy Alfaro.
Revista RAW es publicada mensualmente por XPRESSMAX. Elaborada por DRAMAFILMS.
Todos los derechos reservados. Impreso en Ecuador. Copyright © 2013
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REPORTAJE
por SHERIF AWAD - sherifmawad@gmail.com
Imagen: Christian Camargo / Cortesía de Magnolia Pictures
LA ORQUÍDEA Festival de Cine
Christian Camargo en el set de Europa Report
Sherif Awad es crítico internacional acreditado para los festivales de Berlín, Cannes, Venecia, Roma, Dubai, Cairo y Alejandría. Sus artículos se publican en medios como the Guardian, Variety, Egipt Today, etc. Es también curador del Alexandria Film Festival y co-curador de la bienal de arte de la misma ciudad.
Desde el pasado 15 al 22 de noviembre,
se llevó a cabo la tercera edición del Festival de Cine La Orquídea, el cual mostró un grupo selecto de filmes ecuatorianos y latinoamericanos dentro de sus diferentes categorías. El festival se inauguró con el estreno ecuatoriano de Europa Report, el primer largometraje de habla inglesa del renombrado director ecuatoriano Sebastián Cordero. Con un modesto presupuesto, Cordero creó un thriller de ciencia-ficción que osciló entre los géneros de metraje encontrado y pseudo-documental. Sin embargo, la historia de un desafortunado viaje de un grupo de astronautas buscando vida en una de las lunas de Júpiter no tuvo esa misma resonancia épica de Odisea en el espacio (2001) de Stanley Kubrick o el estudio psicológico de Duncan Jones Luna (2009). No existe un villano real o un retrato tridimensional de los astronautas que alejen al espectador de preocuparse por estos personajes. La noche de apertura también ofreció muchas sorpresas: un largo y principalmente político discurso por Paúl Carrasco Carpio, el prefecto de la provincia del Azuay y el presidente del festival con la ausencia del director artístico de programación Mauricio Cadena Grijalva y el resto de programadores de escena. 4 RAW
Aunque hubo tres competencias y tres jurados calificadores asignados a cada una de ellas, los presentadores de la ceremonia solo mencionaron los nombres de los jueces, pero estos no fueron invitados a subir al escenario para ser presentados a la audiencia, lo cual es un gesto usual en todos los festivales internacionales. La proyección DCP de la esperada Europa Report sufrió problemas técnicos, por lo que los organizadores decidieron proyectarla via una copia DVD para resolverlo. Otra proyección de Europa Report en Multicines Milenium Plaza se llevó a cabo sin contratiempos antes de la clase maestra impartida por Cordero en la noche siguiente. El festival obtuvo una buena acogida en los dos complejos de Multicines en Millennium Plaza y Mall del Río que se añadieron al teatro principal Carlos Cueva Tamariz. Cuenca es una ciudad creciente en las artes y la cultura, por lo que se presenta como un lugar atrayente para una gran variedad de negocios internacionales e inversiones. Tiene actualmente una mayor audiencia de cinéfilos que vienen de todas partes del mundo. Considerando este aspecto, en las próximas ediciones, los organizadores
deberían tomar en cuenta la inclusión de subtítulos en inglés a las películas latinas, al menos para alcanzar el máximo número de amantes del cine. Lo mismo debería aplicarse a los materiales impresos del festival como el catálogo y el programa diario, al igual que al sitio web. Hablando del sitio web, este debió ser lanzado con un par de meses de anterioridad a los eventos para así permitir a los profesionales reunir todo lo necesario para buscar acreditación y la presentación de sus filmes.
“Cuenca tiene actualmente una mayor audiencia de cinéfilos que vienen de todas partes del mundo.” Por otro lado, cabe recalcar el gesto positivo por parte de los organizadores al hacer la entrada del festival gratis, pero esto creó de alguna manera una dificultad para los miembros acreditados de la prensa que no tuvieron otra alternativa que permancer en la misma fila que los asistentes. En ese contexto, otros festivales dan prioridad a la entrada de la prensa o crean proyecciones especiales para ellos y el resto de gente de los medios.
Imagen: Cortesía de Memento Films International
Yann Yann Yeo y Angeli Bayani en el set de Ilo Ilo
que eleva laque iraeleva de lalaseñora la madre madre-hijo ira de laLim, señora Lim, la biológica del niño. madre biológica del niño. Presentada enSundance Sundance 2013, I Used Presentada en 2013, I Used to To be Be Darker, es un drama independiente darker, es un drama independiente estadounidense acerca de Taryn, un estadounidense acerca de Taryn, un fugitivo fugitivo irlandés que busca refugio irlandés que busca refugio con sus tíos encon los sus tíos en los Estados Unidos solo Estados Unidos para solo descubrirpara que ellos descubrir que deellos están Ela filme puntotiene de están a punto separarse. separarse. El filme tiene varias escenas varias escenas con una carga emocional muy con una emocional fuerte que fuerte quecarga expone la realidadmuy y la complejidad expone la realidad y la complejidad de la de la familia moderna. familia moderna. La película muda, en blanco y negro, La película muda, en blanco y negro, expresionista, Blancanieves es un triunfo del expresionista, Blancanieves es un triunfo cine real y la invención, la cultura popular y la del cine real y la invención, la cultura poesía Ibérica, la convierten una pieza popular y la poesía ibérica, la convierten post-moderna en la cual destacan la estética en una pieza post-moderna en la cual del cine mudo con sus dichos y formas de destacan la estética del cine mudo con expresión, el poder único de las imágenes y la sus dichos y formas de expresión, el banda sonora. Una gótico, española y poder único de las imágenes y la banda extravagante versión donde Blancanieves y los sonora. Una gótica, española y extravasiete enanos son toreros viviendo en los años gante versión donde Blancanieves y los 20. El filme comienza con una banda de siete enanos son toreros viviendo en los enanos toreros que salvan la vida de una joven años 20. El filme comienza con una mujer con amnesia. Tras no recordar su banda de enanos toreros que salvan la nombre, los joven enanosmujer la nombran como vida de una con amnesia.
“Blancanieves”, en honor al conocido cuento la nombran como “Blancanieves”, en de hadas. Lo que todos ellos pasaron por honor al conocido cuento de hadas. Lo alto es que ella realmente Carmen, hija que todos ellos pasaronespor alto esla que del alguna vez matador, AntoniolaVillalta. ella realmente es Carmen, hija del alguna vez matador, Antonio Villalta. R
Imagen: Cortesía de Cohen Media Group
De igual forma como debería especiales para ellos y el sugerencia, resto de gente de los pasar porDe la igual menteforma de loscomo organizadores la medios. sugerencia, creación una tienda de películas ecuatodebería de pasar por la mente de los rianas o de cine ende general para así organizadores la latino creación una tienda de fortalecer los derechosode de películas ecuatorianas dedistribución cine latino en futuras películas ecuatorianas alrededor general para así fortalecer los derechos de del mundo. distribución de futuras películas ecuatorianas alrededor del mundo. Aspectos interesantes del festival Aspectos interesantes del festival Entre la importante selección del festival, estuvo la producción singapurense Ilo Ilo Entre la importante selección del festival, estuvo que ganó la Caméra d’Or en Cannes 2013. la producción singapurense Ilo Ilo que ganó la Esta simple historia cautivadora se enfoca Caméra d’Or en Cannes 2013. Esta simple en el Señor y la Señora Lim historia cautivadora se enfoca en (actor el SeñorChen y la Tianwen y la actriz malasia Yann Señora Lim (actor Chen Tianwen Yeo y la actriz Yann) la tímida malasia quienes Yeo Yann contratan Yann) quienacontrata a la filipinafilipina maid maid Terry (Angeli tímida Terry (AngeliBayani) Bayani) para para cuidar cuidar aa su su hijo hijo Jiale Jiale (Koh (Koh Jia Jia Ler). Ler). Desde Desde deliberadamenteacordar acordarencontrarse encontrarseen en la deliberadamente la tienda de libros para luego escaparse por tienda de libros para luego escaparse por la la puerta lateral mientras ella espera ansiosapuerta lateral mientras ella espera ansiosamente mente para recogerlo luego de la escuela, el para recogerlo luego de la escuela, el nuevo nuevo trabajo de Terry de cuidar a Jiale trabajo de Terry de cuidar a Jiale demuestra ser demuestra ser difícil,por especialmente por su difícil, especialmente su preocupación al preocupación al dejar bajo a suel hijo pequeño dejar a su hijo pequeño cuidado de su bajo el cuidado de su hermana. Lentahermana. Lentamente, la niñera y el pequeño mente, y el pequeño van niño se lavanniñera conectando en una se relación conectando en una relación madre-hijo
Maribel Verdú el set de Blancanieves
Tras no recordar su nombre, los enanos 5 RAW
PORTADA EL ABOGADO DEL CRIMEN
LA CODICIA DE LA IMAGEN por CARLOS H. IDROVO carlosidrovo@drama.ec DIRECTOR RIDLEY SCOTT / PRODUCTOR MICHAEL COSTIGAN / GUIÓN CORMAC MCCARTHY PRODUCTORA SCOTT FREE PRODUCTIONS / FOTOGRAFÍA DARIUSZ WOLSKI / MÚSICA DANIEL PEMBERTON / PRESUPUESTO $25.000.000 / DISTRIBUIDOR TWENTIETH CENTURY FOX FILM CORPORATION / REPARTO MICHAEL FASSBENDER - PENÉLOPE CRUZ - CAMERON DÍAZ / PAÍS ESTADOS UNIDOS
Cormac Mc Carthy, considerado uno de los mejores escritores norteamericanos del último siglo, nos entrega un guión que recuerda a su anterior colaboración con los hermanos Cohen en No Country for Old Men. En El Abogado del Crimen, la verdad no tiene temperatura. Así Malkina (Cameron Diaz) dictamina el comienzo de la cinta, e inaugura un viaje por la codicia, la corrupción y las consecuencias de la toma de decisiones hechas por los seres humanos. El director realiza un esfuerzo inexorable por mantener el equilibrio entre el guión y la imagen, para que estas no interrumpan, no compitan, no distraigan al espectador de los diálogos generosos y bien interpretados. El director tiene una sola intención, mostrar un antiguo proverbio: cuando el hombre siembra en la carne, este solo cosecha corrupción. Todo lo que podemos decir de la composición natural de un perfecto diamante es en relación de cómo viaja la luz en su interior, dice el vendedor de diamantes (Bruno Ganz) el actor de Wings of Desire. La luz en el filme, después de esta escena empieza a extrapolar en tonos amarillos y la
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Agosto 2013
gente es desproporcionadamente maquillada. El lujo y la opulencia desbordan una fiesta en casa de un narcotraficante. La luz de un lugar guarda información no solo de la construcción y del diseño arquitectónico sino también de las personas que pasaron por él. La codicia en los personajes va transformando las miradas y sus caras y esta transformación va generando un tipo de caos en ellos que dejan de dormir en paz.
“La codicia es un campo infértil e inerte, un juego cínico donde solo se miran imperfecciones” En este mundo conviven varios mundos y los límites son fronteras que nos recuerdan que hay espacios donde los cuerpos y las ideas trascienden y de donde no pueden regresar. En el mundo del narcotráfico, dice El Jefe del Cartel (Rubén Blades) no hay elección, hay solo aceptación, la elección fue hecha hace mucho tiempo. Tú eres el mundo que tú has creado. Aquí el dolor no vale nada. Porque con dolor no se puede comprar nada. Con estas
palabras el abogado que invirtió en el narcotráfico, se entera que su esposa fue decapitada. La extinción de otra posibilidad, de una elección, la anulación del libre albedrío es un concepto donde ninguna reflexión o resignación puede acompañar una decisión. La codicia es un campo infértil, inerte, un juego cínico donde solo se miran imperfecciones y estas son las marcas de su valor. La posesión material y de las personas termina en el Abogado del Crimen por develar una tiranía del deseo. Personas que miran el dinero como energía, que los transforma y ejerce sobre su sistema de evolución. Esta estructura cumple un circuito social que germina la ecuación binaria de oferta y demanda hasta convertirse en política, en países llenos de corrupción. Proyectos de vida que culminan con las personas que los realizan o proyectos de vida que están dirigidos hacia los demás y es en este punto, interpreta Rubén Blades, que son los proyectos de corto o largo plazo los que revelan quiénes somos en verdad. R
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RAWCOLECCIÓN
por JULIO BEZERRA juliocarlosbezerra@hotmail.com
Imagen: Cortesía de Mubi
TSAI MING LIANG ¡Alerta!
taiwanés Tsai Ming-Liang, narra un encuentro entre dos cuerpos/personajes paradójicamente separados y recogidos por el paisaje tecnológico de la metrópolis contemporánea. Una escena de un encuentro casual y aparentemente placentero. En un mundo de apartamentos inundados, de casos sexuales anónimos, de enfermedades misteriosas y dolorosas, de soledades desesperadas, Tsai comienza una de sus películas más aclamadas afirmando la posibilidad de un encuentro, raro y difícil, sí, pero posible. Las secuencias siguientes nos imponen una especie de realismo radical, un desbordamiento de la narración, un deseo de algo que no sea sólo una historia. La montaje rompe asociando y asocia rompiendo. Tsai advierte que el mortero de esta historia, si es que lo necesita, será nuestra responsabilidad. En menos de cinco minutos, el cineasta establece el juego ambiguo que es característico de su cine, entre la conexión y la desconexión, entre el personaje y el cuerpo, entre el documental y la ficción. En una mirada sobre las consecuencias sociales y comportamentales de la modernización asiática, el cine de Taiwan nos ha revelado cineastas de grán importancia. Tsai Ming-Liang es uno de ellos, y figura de 8 RAW
manera peculiar y solitaria en esta cinematografía, resultado de una extraña mezcla de fascinación clínica por la observación/contemplación con una mitología toda particular, donde la convivencia social solamente intensifica la soledad, donde no hay comunicación posible. Tsai no parece pensar el conflicto entre tradición y modernidad, construye una mirada distanciada, temporalmente dilatada, que mezcla la ironía y la angustia, la comedia y la tragedia, la conciencia y la hipnosis.
Quizás lo más interesante de la obra truffautiana de Tsai sea el hecho de que nos tornamos siempre íntimos de sus personajes. Sus gestos más banales, su vida más desinteresada es arrojada a nuestro regazo. Mezclando voyeurismo y conciencia crítica, las películas descubren sus personajes en sus actitudes y manías - tan pequeñas y triviales como sus vidas. Es el cine de los pequeños momentos, de las pequeñas ideas, de una desdivinización del mundo. El Río es un buen ejemplo. En la primera mitad, la película sigue una lógica muy precisa de construcción, de exposición de personajes.
“Hsiao-Kang toca objetos como un niño, totalmente a disposición del mundo.”
Hsiao-kang (Kang-sheng o) se lava en el hotel y su amiga llega con su ropa limpia y algo de comida. Después ambos se envuelven en los quehaceres sexuales. Un corte interrumpe la acción y nos lleva a un espacio Desde Rebels of the Neon God (1992) hasta desconocido, donde un cuerpo masculino Faces (2010), Tsai trabaja con base en um desnudo envuelto en una toalla rechaza las caricias mismo material. Algunas de sus películas de otro hombre. son continuaciones de otras –como ¿Qué hora es allí? (2001) y El sabor de la sandia (2004). Y parece haver una cadena misteriosa y fluctuante que une las desapariciones y reapariciones de los personajes, como si todas las obras de Tsai constituyeran una sola y larga película. Esta impresión de que estamos viendo siempre la misma película se debe no sólo a la existencia de un universo muy coherente, sino también a un estilo cinematográfico muy Kang-sheng lee en el Set de El Rio (1997) particular y relativamente constante.
Imagen: Cortesía de Homegreen Films
El Río (1997), la tercera película del
Tsai Ming-Liang
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Estas acciones y comportamientos no parecen ordenados como una narrativa con principio, medio y fin. Las conversaciones entre los personajes son en su mayoría limitados a la utilidad de los diálogos: "comer", "tomarlo", "probarlo"... Los personajes deambulan sin fines principales , vagan sin rumbo por las calles. Una visita al médico, al templo, al restaurante... nada de esto se configura como acciones dramáticas. Incluso la escena del incesto entre padre y hijo es completamente insignificante en términos dramáticos, no tiene ningún efecto sobre la historia. El mundo de Tsai es, sin duda, lleno de disyunciones constantes e inexplicables. Su filmografía narra una especie de fracaso de la expresión afectiva y de la interacción física, siempre mostrando los personajes como islas. No es de extrañar que muchos críticos describan el cineasta taiwanés como un poeta de la soledad urbana. Como Michelangelo Antonioni, Tsai sería "un artista del desarraigo", de lo incomunicable, del apocalipsis. Pero estas conclusiones son precipitadas, son como capas de interpretación. Tsai busca siempre la erupción y la clarividencia del presente. En una película como El Río, el evento rompe con la serialidad lineal, devorando la historia por la urgencia de vivir esa situación tan aparentemente trivial. Lo banal, sin embargo, sucede y ocurre con tanta fuerza que la oposición entre lo interno y lo externo, entre el cine y el mundo, entre el espectador y la película, parece anticuada, revelando un plano de inmanencia en una recepción que desmantela la premisa representativa. La narración en el cine de Tsai está abandonada a los cuerpos de los actores, a la opacidad de estos cuerpos. El cineasta parece obsesionado con acciones que no tienen aparentemente ningún propósito más allá de pasar el tiempo. Acciones que nos recuerdan que los personajes poseen un cuerpo: comer, masturbarse, beber, dormir, tener sexo, etc. Muy a menudo, están haciendo cosas que parecen extrañas, ya sea porque son algo
Imagen: Cortesía de Homegreen Films
Él se dirige al baño, se lava, y vuelve a casa a ocuparce en sus tareas domésticas para ser visto después comiendo en McDonald's en un centro comercial.
Kang-sheng Lee en el Set de El Río (1997)
absurdo o simplemente estúpido, ya sea porque corresponden a una fantasía a la que no tenemos acceso. De hecho, sabemos muy poco de la familia de Hsiao-Kang. La madre trabaja como ascensorista en un restaurante y tiene un amante que vende videos pornográficos. El padre practica su homosexualidad en secreto. ¿Quién es Hsiao-Kang? Él se resiste a la palabra. Es un personaje enigmático, pero no exactamente misterioso, como si estuviera gobernado por leyes diferentes.
“Tsai busca siempre la erupción y la clarividencia del presente.” Pero por muy tentador que sea interpretar las actitudes de los personajes como pasivos, o definirlos como vagabundos sin rumbo, soñadores vacantes, la esencia o el secreto de ellos es otra cosa. Esto porque el cuerpo no es un "mecanismo ciego" o la suma de secuencias causales independientes. Él no tiene un papel de pasividad e inacción, sino que nos pone en contacto con los demás y con el mundo. Los cuerpos de los actores son maleables, manipulables, abiertos, siempre están en un constante estado de disponibilidad. Comer, caminar, sentarse en una silla ... todas estas acciones cotidianas
se convierten en experiencias sensoriales y emocionales. En la obra de Tsai, la invocación de un irreflexivo y de un cogito tácito, anteriores a cualquier argumento puesto por el intelecto, aspira a encontrar su propia experiencia en lo vivido, un medio para salir del lugar cerrado de la conciencia de tal manera que realice de forma efectiva el proyecto husserliano de "regreso a las propias cosas". Una película como El Río se basa en una fe perceptiva en el mundo, en una adhesión a la experiencia de los personajes. Hsiao-Kang lleva a cabo acciones casi simbólicas de un estado de cosas. La actividad de rodaje se convierte en una herramienta de conocimiento de la presencia de los cuerpos en el espacio. Para Tsai, la mejor manera de comprender el ser humano es buscando como el se involucra en la práctica de su existencia. Hsiao-Kang toca objetos como un niño, totalmente a disposición del mundo, abierto a todas las sensaciones –en este sentido, una comparación con cómicos como Buster Keaton y Jacques Tati podría ser más fructífera. Hsiao-Kang se siente constantemente llamado por el mundo exterior, y su cuerpo acepta esta llamada totalmente, inmerso en una aventura que a cada paso le permite descubrir un poco más acerca de un mundo que nunca deja de sorprenderle. R 9 RAW
CINE Y LITERATURA
por MARIUXI BALLADARES - isdu@hotmail.com
Imagen: Cortesía de Gaumont
LA MANADA
Sobre Adore y Las Abuelas
luxemburgués Anne Fontaine, Adore (2013) –también conocida como Two Mothers (Dos madres perfectas en español)– está basada en una novela corta de la escritora británica Doris Lessing (Premio Nóbel 2007). L as abuelas de Lessing está incluida en un libro de relatos que lleva el mismo título y fue publicado originalmente en 2003. Tanto la película como la novela nos refieren la vida de dos mejores amigas, Lil y Roz. Al crecer sus hijos –quienes, a su vez, son mejores amigos–, Roz inicia una relación íntima con Ian, el hijo de Lil, y Lil, con el hijo de Roz, Tom. En el relato de Lessing, la descripción de los personajes es muy breve; sin embargo, se hace mucho énfasis en la belleza de las dos madres y sus hijos, los cuatro rubios y muy atractivos. Desde la niñez, Lil y Roz fueron tan cercanas, que todos pensaban que eran hermanas y costaba distinguir a la una de la otra. Vivieron siempre en el mismo lugar, una acogedora bahía frente al mar. Ahí se casaron y criaron a sus hijos, como si todos pertenecieran a la misma familia extendida. El esposo de Lil muere bastante joven. Eventualmente, Roz se divorcia del padre de su hijo. Solos, los cuatro personajes forman un círculo afectivo de mucha intensidad. La vinculación sexual entre las dos mujeres maduras y los dos adolescentes puede resultar inadecuada a los ojos de algunos espectadores; como si esas relaciones desviaran el camino natural que la vida 10 RAW
de los protagonistas debería seguir: las dos mujeres, un envejecimiento en soledad o junto a un compañero de su misma generación; los jóvenes, formar una familia tradicional al lado de mujeres con quienes puedan procrear. Esta perspectiva está a tal punto internalizada en las dos mujeres, en particular en lo que respecta al futuro de Ian y Tom, que a pesar del profundo amor y deseo que sienten por sus parejas, eventualmente se sienten obligadas a renunciar a su círculo afectivo.
“ La voz narrativa toma distancia de lo que les acontece a los protagonistas, no es una voz que se involucre o que se compadezca” Las relaciones amorosas entre las madres y los dos muchachos pueden ser leídas desde una perspectiva freudiana como una suerte de edipo cruzado; sin embargo, me parece mucho más interesante acercarnos a esas relaciones desde la imagen de la “esfera” propuesta por el filósofo alemán Peter Sloterdijk. Sloterdijk recurre a la imagen de la esfera para dar cuenta de los espacios de afecto en los que las personas desarrollan sus relaciones y sus acercamientos a los otros. La modernidad ha implicado dejar de vivir dentro de la esfera y empezar a vivir en su superficie, “olvidando cualquier idea de regazo y cobijo”. En Occidente, la esfericidad de los vínculos se ha visto constantemente amenazada
ante la inminencia del descentramiento y la existencia individualista. En contraposición a las consecuencias que esto genera en el sujeto moderno occidental, señala el filósofo, la regla entre los seres humanos es la fascinación de los unos por los otros, la intersubjetividad, el “contagio afectivo”. En la película de Fontaine, el mar es el espacio en el que ocurre la esfera de los protagonistas. Ahí, los cuatro se mueven con naturalidad, con desenvoltura. Hay un pequeño muelle flotante frente a la costa, al que todos ellos llegan nadando. En ese muelle de madera ocurren encuentros silenciosos. Es como si, al adentrarse en el mar, quedaran en suspenso todos los cuestionamientos, castigos y amenazas; las palabras; inclusive el “deber ser” que intentan autoimponerse. Así como son atractivos los actores y las actrices que hacen las veces de protagonistas (Xavier Samuels, James Frecheville, Naomi Watts y Robin Wright), los espacios abiertos en los que se desarrolla la película son de una belleza pasmosa. La luz del sol en esas playas acentúa los colores.
Imagen: Cortesía de Gaumont
La película de la directora de origen
Naomi Watts, James Frecheville, Robin Wright y Xavier Samuel en el set de Adore.
Robin Wright y Naomi Watts en el set de Adore.
cine y literatura
Imagen: Cortesía de Gaumont
El brillo de esos paisajes se corresponde con la intensidad de las relaciones humanas que la película plantea.
Naomi Watts y James Frecheville en el set de Adore.
La novela de Lessing comienza con una alusión a un viajero inquieto llamado Bill Baxter. Este viajero fue un colono que arribó a esas costas y que, al querer partir, no pudo debido a un accidente en unas formaciones rocosas en la bahía que luego recibirían, en su honor, el nombre de “Los dientes de Baxter”. Esa alusión –aparentemente histórica– al inicio de la novela invita a pensar en la atracción que ese espacio ejerce sobre los personajes, que se niegan a irse de ahí. Roz se separa de su esposo porque no quiere seguirlo a otra ciudad donde él ha conseguido un buen empleo. Cuando Tom se va con el padre a montar unas obras de teatro y se aleja por un tiempo de la bahía, se menciona en la novela: “Entonces, una noche, solo de pie bajo las estrellas, embargado por una tristeza tan honda que le vinieron ganas de ponerse a aullar, admitió para sí: «Dios santo, qué infeliz soy. Sí, eso es»”. Esa atracción deriva del sentido de manada que encarnan los protagonistas. Siguiendo a Deleuze, en esa afectación de potencia de manada se difumina el yo.
Tom en la pierna con tanta saña, que éste empieza a sangrar profusamente. Todos estos gestos de los protagonistas son el marco de un sentido de manada que se consolida en el gozo que se provocan mutuamente. La ausencia de las figuras paternas, me parece, se corresponde con la ausencia, en la novela, de un contexto espacial-temporal que remita a cualquier tipo de conformación estatal. Señala Sloterdijk: “antes de que el Estado se convirtiera en el destino, el destino se entendía como parentesco con muertos territorializados […] significa parentesco la conexión ordenada de jóvenes con mayores y de mayores con antepasados fijados al suelo”.
“Las relaciones amorosas entre las madres y los dos muchachos pueden ser leídas desde una perspectiva freudiana como una suerte de edipo cruzado” En el nivel de los afectos, es quizás un tipo de conciencia estatal el que se asombra ante esta relación de las madres y sus hijos; el que no tolera nexos de parentesco que subviertan el orden estatal-patriarcal; el que impulsa a los personajes a abandonar el territorio de sus mayores en busca de las superestructuras que ahí no se pueden hallar.
A pesar de la intensidad de las vivencias de los protagonistas, el ritmo de Adore es sereno, quizás porque los vínculos entre ellos son el trasfondo inquebrantable de la película. Asimismo, el mar de la bahía está siempre tranquilo; solo donde los muchachos surfean hay olas peligrosas, pero que suelen sortear con habilidad. También es sereno el ritmo de Las abuelas. La voz narrativa toma distancia de lo que les acontece a los protagonistas, no es una voz que se involucre o que se compadezca. Esa absoluta neutralidad se contrapone a la mirada romanticona de un personaje, el de Theresa, la mesera que atiende a la familia al inicio del relato y que se ha enamorado de Ian y de Tom. Ella intuye la fuerza que los une, pero lo hace desde una profunda admiración por la belleza de los cuatro. Es una espectadora sensible, que los sabe inseparables; sin embargo, se queda en el nivel de sus cabelleras rubias y sus cuerpos bronceados. Es verdad que ese parecido los atrae mutuamente, pero la ley de la simpatía, en este caso, va más allá del ámbito de lo físico (aunque no lo niegue). Para entenderlo mejor, cito de nuevo y finalmente a Sloterdijk: “el amor no puede hacer otra cosa que despertar amor”. La complejidad radica en que en esta historia las formas del amor entre los protagonistas no siempre son las esperadas. R
Imagen: Cortesía de Gaumonts
Ese devenir manada es explícito tanto en la novela como en la película. Cuando Lessing describe la relación de Lil y Roz de pequeñas, se refiere a la práctica de lamerse la sal de las manos la una a la otra, como jugando “a los cachorritos”, en palabras de las propias niñas. Luego, nacidos los hijos, Tom desarrollará un placer grandísimo al lamer la sal de los hombros de Lil. En la película, después de iniciadas ambas relaciones, pero presos aún de la incertidumbre, Ian y Tom se dan una golpiza en el mar. Éste, que es más fuerte que aquél, lo somete debajo del agua, mientras las madres los ven a lo lejos, preocupadas, pero sin intervenir. Ian se libera al morder a Naomi Watts, Isaac Cocking, Robin Wright y Brody Mathers en el set de Adore.
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1A - Apellido de Mateo........., Director ecuatoriano que en el 2013 estrena 2 películas: RESONANCIA - TINTA SANGRE 1I - Primer largometraje de Ana Cristina Barragàn filmado en 2013........
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2A - .......... Pacino, actor norteamericano (Carlitos Way - Scarface - El abogado del Diablo)
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2D - El Secreto de tus..... pelìcula argentina ganadora de un Oscar en 2009
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HORIZONTAL
G 9A - Los................, película de Alejandro Amenábar con Nicole Kidman del 2001.
3D- ........ a mí, película del 2013 basada en la novela de Maupassant. 4A - Ruta de la ..... película de Juan Sebastián Jácome estrenada en octubre de 2013. 4I - Película chilena de Pablo Larraín con Gael García Bernal sobre plebicito que puso fin a la dictadura de Pinochet. 4F - DA.
5F - OLE.
6F - Flor en Kichwa, nombre de la sala de cine en Otavalo. 6K - ......... Sangre; documental de Juliàn Larrea filmado en territorio shuar. 7B - El...........de la mujer araña, película de Rui Guerra que en 1985 junto a William Hurt y Sonia Braga, adaptada de Manuel Pig. 8F - ........... abierta, título que Alfredo León pensó en ponerle a su película Mono con Gallinas.
10H - Claudia..........., cineasta peruana que hizo Madeinusa y La teta asustada. 11F - ............. y una noche 2000, película del terror Steve Barron. 12B - Mono con....., ópera prima de Alfredo León sobre conflicto bélico Ecuador - Perú. 12K - La nave............, hermosa película de Fellini 1983.
VERTICAL A1 - Mejor no...............de ciertas cosas, película de Javier Andrade postulada por Ecuador para el premio Oscar. A8 - .............. con gallinas, película de Alfredo León estrenada en septiembre de 2013. B1 - Película de Luis Buñuel Filmada en 1952. C7 - ................ Report, película de ciencia ficción dirigida por Sebastián Cordero. D1 - No .............., película de Viviana Cordero estrenada en 2013. E1 - Para que haya coherencia entre plano y contraplano, la cámara no debe saltarse el.....................
E9 - SI
F1 - La muerte de Jaime............, documental de Manolo Sarmiento y Lisandra Rivera F11 - Cuando me toque a..........., película de VÍctor Arregui basada en una novela de Alfredo Noriega. G4 - Todos los demás se llaman ................, película de Fassbinder. G11- Zoom..........., acercamiento óptico de la imagen, sin movimiento de cámara.
G1 - AS
H5 - ...................14, película de Santiago Paladines sobre equipo de fútbol Barcelona de Guayaquil. L1 - Víctor..............., director de Fuera de Juego y El Facilitador entre otras. I1 - Película de Costa Gavras sobre el Vaticano. J7 - .............. Muchachos................... L9 - Rómpete una.........., película ecuatoriana estrenada en octubre de 2013 en la que actúa el Pájaro Febres Cordero.
ENTREVISTA
Redacción RAW
Imagen: Armando Salazar / Cortesía de Armando Salazar
ARMANDO SALAZAR La luz y la imagen
A
rmando Salazar, fotógrafo documental, hace 20 años inició una compleja relación con la cámara que lo ha llevado ha trasladar el acto fotográfico a la cinematografía. Formado en comunicación, con estudios de postgrado en dirección de fotografía y guión. Es profesor académico hace 15 años, ha ejercido como director de fotografía en varios cortometrajes, películas documentales y ficción. El nombre de la hija fue su último largometraje. Actualmente es coordinador de la escuela de cine de la Universidad San Francisco de Quito. ¿Cuál ha sido un denominador común entre las películas que has realizado? La relación que tiene la cámara con el mundo, la relación del ser humano con el aparato fotográfico, intentar comprender la distancia física y emocional del objeto fotografiado, el entendimiento de la atmósfera que está alrededor de uno; y a partir de eso, entender la luz, el plano y cómo se desarrollan los proceso técnicos de la fotografía. En la ficción el mundo que está frente a la cámara esta totalmente construido, sin embargo el proceso fotográfico es muy parecido al documental, porque tienes que llegar a construir el plano, la acción dentro de la escena. El director de fotografía no decide hacer un traveling o una panorámica, sino que uno ve una actuación y empieza a sentir al personaje, y a partir de ello, el plano se construye. Se
intuye la luz, la altura en función de lo que está pasando y los elementos van apareciendo. Lo mismo que la fotografía documental, los hechos ya están pasando y uno trata de descubrir cuál es el plano que representa lo que está pasando ahí.
¿Qué transporta la luz en la fotografía?
Un sentimiento humano, la luz es una extensión del sentir humano, por que nos conmueve, nos modula. Los días nublados uno se nubla, los días soleados nos aligeran, la oscuridad es introspectiva, la claridad es propositiva. Se utiliza la luz en función de lo que puede ¿Se puede llegar a estrechar la distancia representar el sentimiento de los personajes y su contexto. entre el que registra y lo registrado ? No, lo que genera la imagen es la tensión de la distancia, el saber que estas ahí viviendo en otro mundo, porque no puedes llegar más allá por que no perteneces allí. Esa distancia no se puede reducir.
La contemporaneidad exige que los proyectos artísticos contengan una fuerte carga política. A veces incluso sin la consciencia del mismo autor, los curadores y los espectadores resemantizan este discurso. ¿Como ves esta relación?
¿Qué habita en esta distancia en tus foto- Este proceso existe, pero yo no tengo ninguna consciencia de eso. Mis proyectos grafías? pueden tener alguna alineación política Yo me comunico en la fotografías no con las como en el caso de la serie fotográfica sobre los movimientos GLBT. Pero imágenes, sino desde el sentir humano. Me también estoy envuelto en proyectos como interesa la búsqueda del ser humano univer- Preludio donde vemos lo que sucede antes sal, sus carencias, sus conflictos y por ello el del acorde, el mundo que ocurre antes que ser humano es la huella de mis fotografías, los músicos de la sinfónica salgan a escena. En este proyecto la única tensión política ellos son los protagonistas. Para mi el cine de Kieślowski es un refente es que el público vea algo oculto y que es, sobre todo, personal. de las historias humanas, donde se puede ver al otro como uno, que tiene lo que yo ¿Cómo continúa el cine en la academia? también tengo y que responde al mundo según lo que le exige. Es una cámara que Continúa en la asesoría, en los jóvenes trata de entender si lo que le pasa a los estudiantes que buscan hacer cine. La personajes es lo que tú eres, reflexiona construcción de la imagen es el mismo sentir sobre la dificultad de construir autonomía de siempre. La emoción de buscar el porque emocional, laboral, intelectual; el conflicto de la imagen cinematográfica. La reflexión es lo que desarrolla al cine. R de ser uno mismo. 13 RAW
CINE ECUATORIANO
por RAQUEL SCHEFER raquelschefer@gmail.com
Imagen: Cortesía de Punk.S.A.
LA NUEVA FICCIÓN Cine Vertical Sergio Rodríguez, Luis Peralta y Victor Aráuz en el set de Mejor no hablar de ciertas cosas.
Con el tiempo, esos mapas desmesurados no satisficieron y los Colegios de Cartógrafos levantaron un Mapa del Imperio, que tenía el tamaño del Imperio y coincidía puntualmente con él. (Jorge Luis Borges, Del rigor en la ciencia)
L as
geografías simbólicas se confunden y superponen a la geografía real en el cine ecuatoriano. Decía Maurice Blanchot, a propósito de La Odisea, que la novela nació de la lucha entre el discurso y el encuentro de las Sirenas, de ese canto enigmático, de un encuentro líquido que sirve de pretexto a la navegación y al flujo discursivo. Una de las características de la nueva ficción ecuatoriana es precisamente la forma como la noción y la experiencia de la travesía son a la vez el contenido y el motor narrativo de los objetos fílmicos. Encontramos en ellos casi siempre un movimiento (o un principio de movimiento) de pasaje. Un pasaje entre el mundo nocturno y el diurno, entre la indefinición del estado onírico y las camadas menos profundas de la percepción de la realidad, en Impulso (2009) de Mateo Herrera. El atravesar de fronteras, en Prometeo Deportado (2009) de Fernando Mieles. El pasaje entre los esplendores y miserias de la juventud y las ilusiones perdidas de la madurez 14 RAW
(¿oserá al revés?), en Mejor No Hablar de Ciertas Cosas (2012) de Javier Andrade. Por otro lado, encontramos aún múltiples películas de carretera, en las que el desplazamiento y la exploración del territorio, muchas veces de naturaleza casi etnográfica, coinciden como contenido y principio narrativo.
Rodaje de Prometeo Deportado (2009)
La travesía se presenta también como principio formal en otras películas recientes. En Más Allá Del Mall (2010) de Miguel Alvear se trata de definir la distancia cierta con respecto al objeto filmado, el cine «bajo tierra». Representar cinematográficamente un cine que
está «bajo tierra» implica desde luego un movimiento vertical descendente, travesía esa que va de arriba a abajo y que la película tan bien timonea a través de sus procedimientos autorreflexivos. Se trata aquí de trastocar perspectivas y puntos de vista, de dislocar posiciones, de desenterrar y profanar, en el sentido clásico del término, retomado por Giorgio Agamben, de restituir al uso común lo que ha sido antes separado y dividido. Hay todo un programa cultural y político subyacente a ese movimiento. A su vez, Santa Elena En Bus (2013) de Gabriel Paez no se inscribe simplemente en el marco de un cine comunitario, inspirado en el Cuarto Cine, corriente que ha tenido una gran repercusión en Brasil. Aquí, no se trata simplemente de pasar el equipo cinematográfico a las manos de una comunidad, sino de formarla fílmicamente y de, con ella, construir docuficciones que sintetizan el imaginario cultural y las formas visuales subterráneas y dominantes, construyéndose así un espacio cinematográfico colectivo y colaborativo.
cine ecuatoriano El proyecto, inscribiéndose en el proceso de creación cinematográfica de una comunidad nacional, recuerda importantes episodios históricos, como, por ejemplo, la experiencia en Mozambique de Jean-Luc Godard al final de los años 70 como asesor del gobierno en el proceso de fundación de la televisión pública (el nacimiento del país sería concomitante con el nacimiento de su imagen cinematográfica), o las misiones educativas, en el mismo país y en igual periodo, de Jean Rouch, que darían origen a los célebres Ateliers Varan. En esa travesía formal, hay algo que perdura y que perdurará más allá de la duración limitada de la producción fílmica. El cine ecuatoriano, tanto el de ficción como el documental, va así construyendo una cartografía visual diacrónica que sobrepasa el levantamiento, la descripción y la representación del territorio: se trata de una cartografía no sólo horizontal sino también vertical, en profundidad, una cartografía que desborda los
contornos de las cosas y se abre sobre la historia, donde se articulan y superponen, como en un palimpsesto, espacios y tiempos múltiples, y desde donde las huellas borradas de escrituras anteriores son reconsideradas. Los nuevos extractos agregados constituyen a la vez prefiguraciones, síntomas e indicios, de la historia por venir. En el cine ecuatoriano, la cartografía se verticaliza porque supera la longitud física - la circulación en el espacio que es una de sus características - para inscribirse en una dimensión temporal e histórica. Es decir, el cine ecuatoriano va diseñando un plano geográfico que consiste a la vez en un mapa temporal e histórico del país. La representación cinematográfica del territorio es inseparable, por lo tanto, de un proceso de revisión de la historia y de una sintomatología del presente. Las imágenes son tratadas como matrices complejas desde donde emergen un
entramado de memorias individuales y colectivas y efectos de conocimiento en los que se entrelazan la mirada y el distanciamiento crítico y se articulan el ver, el escrutar y el saber.
“El cine ecuatoriano va así construyendo una cartografía visual que sobrepasa el levantamiento, la descripción y la representación del territorio” La cartografía del cine ecuatoriano apunta, en consecuencia, a una relación transversal entre el presente y el pasado, el lugar y el no-lugar, así como entre el adentro y el afuera, la forma y el contenido, el envoltorio y lo envuelto. A la vez, revela múltiples movimientos de traslación, travesía y posible desvío, condensados igualmente en los pasajes entre la literatura y el cine. R
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CUANDO LO PRINCIPAL ES SECUNDARIO Y LO SECUNDARIO FUNDAMENTAL
Mejor No Hablar (de ciertas cosas) Mejor No Hablar (de ciertas cosas). Dirección, guión, edición: Javier Andrade. Financiado por el Consejo Nacional de Cinematografía del Ecuador. Argumental. 2012. Semiótica Representación de una historia familiar, aburguesada, de provincia. Íconos de una juventud perdida entre el pasillo, el puk; la cerveza y la marihuana. Índices del deterioro de la personalidad “gracias” al poder de consumo. Símbolos de decadencia social. La casi ausencia de información sobre del pasado de la familia, no permite una cinta crítica de la realidad -una estrategia del storytelling, según Chistian Salmon. El intento de montar escenas de una política e institucionalidad corrupta, al final de la película, se desvanece en su inconsistencia argumentativa. Dramaturgia Un protagonista indefinido. ¿Cuál es el propósito de Paco Chávez? ¿Qué tarea emprende para lograr su propósito? ¿Hay alguien que se le oponga? Al final del drama tenemos que Paco Chávez, representado acertadamente por Francisco Savinovich, se convierte en un político exitoso, que no hizo nada para lograr lo que no era su propósito, sino el deseo de su padre, personificado por Héctor Napolitano. Cuando él le pregunta: ¿Qué quiere ser de grande? Paco responde que no sabe. Entonces el padre decreta su destino, y así llegó a ser. Es entonces el protagonista, Luis, el hermano de Paco, caracterizado por Víctor Aráuz, “un músico de punk fuera 16 RAW
por HERNÁN QUINTANA - hernanquintana@live.com
de control”. La historia funciona gracias a él. Pese al guionista, Luis es el protagonista; lo que le motiva a actuar, es mantener su vicio. Y él mismo es su antagonista: un joven rico sin dinero. Fútil conflicto. Luis, seguido por Paco, un personaje sin voluntad, entran en la casa de sus padres para robarse un caballo de porcelana. Son descubiertos por el padre, a quien lo asesinan, involuntariamente. Esa escena fue mejor no ver. Porque ciertas cosas comprometen o falló el guión.
en un instante -corte inmóvil del devenir, según Deleuzze. Han topado fondo, se repite el mismo estado interior: una piscina -se infiere- antes llena, ahora casi vacía; Paco lee un libro. Fuga. La cámara desde atrás. No hay rostro. Ausencia de imágenes-afección. Elección del director, que prefiere contar la historia en planos generales.
“La oportunidad desaprovechada. Una imagen-tiempo es capaz de trascender a la imagen-movimiento”
La oportunidad desaprovechada. Una imagen-tiempo es capaz de trascender a la imagen-movimiento; explora dimensiones no cronológicas del tiempo con imágenes-pasado, o imágenes-oníricas, etc. En lugar de mostrar imágenes del pasado, vinculadas al presente familiar, mediante imágenes-tiempo, opta el director por mostrar un simple álbun familiar. Limitación de lenguaje cinematográfico.
Paco piensa que su madre había decidido que él es el hijo bueno y Luis el hijo malo. Para ser bueno, se necesita fuerza de voluntad, y él no la tiene. Luis, sabe imponerse en toda situación; incluso, sin dinero, ante su proveedor, el Lagarto, convincentemente actuado por Andrés Crespo. Este personaje secundario crea un desenlace sangriento que llevará a Paco a dar un giro en su vida. Convertirse en político.
Escena de Mejor no hablar de ciertas cosas
Lenguaje cinematográfico Las imágenes-movimiento desarrollan una sensación de abandono y deterioro progresivo. Luego del asesinato involuntario del padre, la madre y la hermana se trasladan a vivir en Miami, y dejan la casa, bien amoblada. La cámara encuadra una sala vacía, desolada, una imágen-percepción, que lo cuenta todo
Escena de Mejor no hablar de ciertas cosas
Empezó muy bien la cinta. La apertura en el prostíbulo es una lograda imagen cinematográfica. La pérdida de la inocencia del niño Paco Chávez no se ve, pero permitió observar un rasgo esencial del carácter de un personaje sin voluntad, pero que logra gracias al dinero, lo que el instinto manda. Muertos, desnudos, homosexuales, y el orgasmo de Lucía (Leovanna Orlandini), todos estos son los ingredientes de la regla, que se U.S.A. para que se vendan las películas, y funciona. Por eso, la cinta es un candidato al Oscar. Ganó premios en la muestra de cine internacional en Cataluña a "mejor película" y "mejor dirección", así como el premio en la categoría de "opera prima" en el festival de cine de las Américas en Texas, y el premio a "mejor película" en un festival de Santo Domingo. R
Imagen: Cortesía de Punk S.A.
ESTRENO DVD
por JUAN PABLO SÁENZ - juanpasaenz@hotmail.com
Imagen: Tomb Raider: Underworld / Cortesía de Crystal Dinamics
VIDEOJUEGOS LUDONARRATIVA
Desafíos de la narrativa en los videojuegos
Una de las ocupaciones predilectas de los
críticos de videojuegos consiste en buscar la línea exacta que separa a los juegos considerados como arte de aquellos que son simples juegos. De hecho, este tópico ocupa un espacio desproporcionadamente grande en los libros y ensayos que van formando el incipiente campo de la teoría de los videojuegos. Personalmente, pienso que la línea es bastante clara y visible: para que un juego sea considerado arte debe contar una historia de manera consistente con las herramientas del medio. Así de simple. Según mi perspectiva, los creadores de juegos que ameritan ser catalogados como arte son, por sobre todo, contadores de historias. Mas no simples contadores de historias: se trata de individuos que comprenden al menos dos cosas: la primera, es que tienen a su disposición dos vehículos o mecanismos narrativos esencialmente distintos, y la segunda, es que los temas, mensajes y tono que utilizan en ambos vehículos deben guardar profunda coherencia y armonía entre sí. ¿Cuáles son estos mecanismos, y por qué su interacción es tan importante? Es aquí donde las cosas se complican un poco. Nuevamente, y como ocurre con tantos elementos del medio, la diferencia la marca la interactividad. Las imágenes audiovisuales en las que el jugador se convierte en espectador pasivo se consideran “narrativa pasiva”, mientras que las porciones donde el jugador ingresa comandos activamente para influenciar lo que ocurre en la pantalla han sido bautizadas como “ludo-narrativa”. Los primeros juegos de video debían depender, por 18 RAW
limitaciones tecnológicas, casi exclusivamente de la ludo-narrativa, ya que más allá de unas líneas de texto, simplemente no existía la memoria de almacenamiento para elaborar en la historia. El contexto y la exposición se veían atrapados, en el mejor de los casos, en los manuales de instrucciones que acompañan a cada juego, que –honestamente– nadie lee jamás. Es recién con el advenimiento de las consolas de 8 bits (el venerable Nintendo Entertainment System, por ejemplo) que los desarrolladores comienzan a intercalar escenas de narrativa pasiva entre nivel y nivel, permitiendo así un mayor acercamiento del jugador con los personajes que encarna, y sus peregrinajes. Los primeros tres Ninja Gaiden, de Tecmo, son un logro en este sentido.
“Lo que debería ser una perfecta simbiosis, se convirtió en una abierta competencia.” Pero en las décadas posteriores fue tal el énfasis que algunos desarrolladores pusieron en la narrativa pasiva que las computadoras modernas les permiten construir, que terminaron por depender demasiado de ella. La narrativa pasiva dejó así de ser el acompañante de la ludo-narrativa –el vehículo esencial– para constituirse en una suerte de sistema alternativo. Lo que debería ser una perfecta simbiosis, se convirtió en una abierta competencia. Cuando existe una divergencia marcada entre los temas, mensajes y el tono que se
manejan en ambos tipos de narrativa nos encontramos ante un fenómeno conocido como “disonancia ludo-narrativa”, el cual acaba por ser el mayor enemigo de la inmersión del jugador en la obra. Este fenómeno está vinculado íntimamente con los conceptos de distanciamiento estético y suspensión de la incredulidad– pero por lo pronto solo diré que cuando estás jugando un juego, éste no debe recordarte constantemente que estás jugando un juego; por el contrario, debe envolverte y atraparte con una lógica interna coherente. No lo juegas. Lo experimentas. La reciente versión re-imaginada de Tomb Rider es un ejemplo excelente de disonancia ludo-narrativa. El juego pretende contarnos la historia de cómo Lara Croft dejó de ser una niña rica mimada para convertirse en la mítica saqueadora de tumbas, pero parece que quienes escribieron la narrativa pasiva y los responsables de la ludo-narrativa vivieran en galaxias diferentes. Al encontrarse con los antagonistas del juego, la Lara de las secuencias pasivas se muestra vulnerable y cobarde; segundos después, cuando el jugador asume las riendas, se convierte en una indestructible máquina de destrucción. La mente del jugador, claro está, jamás logra encontrar sentido en esta inconsistencia, y corta su inmersión de raíz. El peligro ya no es real, pues adquiere conciencia inmediata de que solo se trata de polígonos generados por la caja que está junto al televisor. Deja de importarle. Y cuando ya no te importa, inmediatamente percibes que la línea está trazada. No hay nada más lejano al arte que esto. Así de simple. R
RECOMIENDA
TÍTULO BATMAN ARKHAM ASYLUM CLASIFICACIÓN ADOLESCENTES REALIZADOR ROCKSTEADY STUDIOS PLATAFORMAS XBOX 360 / PS3 / PC / MAC /WII AÑO 2009 / 2011
TÍTULO RAYMAN ORIGINS CLASIFICACIÓN TODO PÚBLICO REALIZADOR UBISOFT PLATAFORMAS PS3 / XBOX 360 / WII AÑO 2011
TÍTULO INJUSTICE GODS AMONG US CLASIFICACIÓN MATURE 16+ REALIZADOR NETHERREALM STUDIOS PLATAFORMAS PS3/XBOX360/WII AÑO 2013
La tercera entrega de la afamada saga Batman: Arkham está a la vuelta de la esquina. Excelente momento para que aquellos que aún no han jugado Arkham Asylum (2009) y Arkham City (2001) se reincorporen a la sociedad y experi- menten una de las mejores series de acción y aventura de los últimos tiempos. Estos juegos redefinieron y reinventaron el juego moderno de superhéroes, y ocupan un trono al que sus competidores ni se acercan.
La serie de Rayman siempre fue excelente. Todos los juegos de Michel Ancel lo son. Pero en los últimos años Rayman se ha convertido en el juego de plataformas por excelencia, lo cual vuelve obligatoria la comparación con Mario. Mientras el equipo detrás de Mario (hace rato que Shigeru Miyamoto abandonó la serie) recicla ideas constantemente, los creadores de Rayman incorporan decenas de mecánicas de juego nuevas a un ritmo constante.
Ed Boon en esta ocasión vuelca su atención hacia otra de sus pasiones: los cómics. Super- man vs. El Capitán Marvel; Doomsday vs. Solomon Grundy; Batman vs. Lex Luthor. Injustice: Gods Among Us pone punto final a las tan apasionadas y populares discusiones de “¿quién es el más fuerte?” que se generan entre geeks alrededor del mundo.
En esta serie se funden a la perfección las diferentes facetas del arquetípico Caballero Oscuro, con mecánicas de investigación, explo- ración y combate que guardan respeto y rever- encia ante las diferentes encarnaciones del superhéroe a lo largo de sus más de cincuenta años de historia. Merece atención: El combate. Basado en ritmo y observación en lugar de complicadas secuencias de botones, Batman se mueve con una gracia imposible, y no tiene problema en despachar a diez o veinte enemigos en cada enfrentamiento. Violencia estética de la buena.
El genial diseño de arte de Rayman Origins merece ser experimentado por todos. Cada personaje ha sido diseñado a mano con brillantes colores, y el diseño de los niveles es casi perfecto. Merece atención: Buena parte de la efectividad del humor de Rayman depende del diseño de sonido. Las voces de cada personaje son inmediatamente reconocibles, y las canciones de la banda sonora se quedan en tu cabeza por semanas.
Con un ritmo más pausado y deliberado que contrasta con el caos controlado de Mortal Kombat, Injustice premia la planificación y la estrategia. A menos que selecciones a Flash. Flash es diversión pura y sin sentido. Merece atención: Injustice se desarrolla dentro de una continuidad alternativa fuerte- mente influenciada por la novela gráfica Kingdom Come, donde la línea que separa héroes de villanos no existe. Interesante narrativa, especialmente para los seguidores del Universo DC.
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RECOMIENDA
TÍTULO EL LADO BUENO DE LAS COSAS DIRECTOR DAVID O. RUSSEL GUIÓN DAVID O. RUSELL PRODUCTORA MIRAGE ENTERPRISES CLASIFICACIÓN 18 AÑOS REPARTO BRADLEY COOPER / JENNIFER LAWRENCE /ROBERT DE NIRO PAÍS ESTADOS UNIDOS
TÍTULO ¿QUÉ HACEMOS CON MAISIE? DIRECTOR SCOTT MCGEHEE / DAVID SIEGEL GUIÓN CARROLL CARTWRIGHT PRODUCTORA RED CROWN PRODUCTIONS CLASIFICACIÓN 18 AÑOS REPARTO JULIANNE MOORE / STEVE COOGAN / ONATA APRILE PAÍS ESTADOS UNIDOS
TÍTULO MÁTALOS SUAVEMENTE DIRECTOR ANDREW DOMINIK GUIÓN ANDREW DOMINIK PRODUCTORA THE WEINSTEIN COMPANY CLASIFICACIÓN 18 AÑOS REPARTO BRAD PITT / SCOTT MCNAIRY / BEN MENDELSOHN PAÍS ESTADOS UNIDOS
Pat Solatano (Bradley Cooper) lo ha perdido todo: su casa, su trabajo y su mujer. Ahora se encuentra viviendo nuevamente con su madre (Jacki Weaver) y padre (Robert De Niro), después de pasar ocho meses en una institución mental tras llegar a un acuerdo con la fiscalía. Pat está decidido a rehacer su vida, mantener una actitud positiva y reconciliarse con su mujer, pese a las particulares circunstancias de su separación. Cuando Pat conoce a Tiffany (Jennifer Lawrence), una misteriosa chica con un cúmulo de problemas propios, la situación se complica. Tiffany se ofrece a ayudar a Pat a recuperar a su mujer, pero únicamente si él hace a cambio algo que a ella le resulta muy importante.
En Nueva York, Maisie (Onata Aprile) es una niña de apenas seis años que se encuentra en medio de la lucha por su custodia entre su madre Susanna (Julianne Moore), una madura estrella del rock and roll, y su padre, Beale (Steve Coogan), un importante pero despistado marchante de arte. En la pugna por conseguir el favor del juez, Beale se casa con Margo (Joanna Vanderham), la niñera de la pequeña Maisie, lo que empuja a Suzanne a casarse con su amigo Lincoln (Alexander Skarsgård). Con Susanna y Beale inmersos en una batalla que no beneficia a nadie, Maisie se ve involucrada en el amargo divorcio de sus padres lo que la llevará a encariñarse de las nuevas parejas de ellos.
Cuando dos ladrones novatos recién salidos de la cárcel irrumpen en una partida de póquer clandestina para llevarse una enorme cantidad de dinero, los bajos fondos se sacuden. Para castigar su osadía y restaurar el orden, los jefes de la mafia se pondrán en contacto con Jackie Cogan (Brad Pitt), un parco sicario que mata a distancia para no soportar el lamento de sus víctimas. El golpe ha colapsado la economía criminal local. Estafadores de medio pelo fueron afectados, hay miembros del clan indecisos a la hora de ejecutar órdenes, asesinos que van unos detrás de otros; la situación se encuentra en estado de ebullición, a punto de explotar. Y en el medio está Jackie Cogan, que intentará mantener el control y llevarse su tajada.
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TÍTULO MONO CON GALLINAS DIRECTOR ALFREDO LEÓN GUIÓN ALFREDO LEÓN PRODUCTORA DOMINIO DIGITAL / TRIVIAL MEDIA CLASIFICACIÓN TODO PÚBLICO REPARTO PAMELA CORTES / ALFREDO ESPINOZA / PAUL LALALEO PAÍS ECUADOR
TÍTULO DISTANTE CERCANÍA DIRECTOR ALEX SCHLENKER / DIEGO CORAL GUIÓN ALEX SCHLENKER PRODUCTORA STUDIO SYSTEM / HASGA CLASIFICACIÓN 12 AÑOS REPARTO CHRISTOPH BAUMANN / GONZALO ESTUPIÑAN / EDGAR PARRA PAÍS ECUADOR
TÍTULO YAKUAYA DIRECTOR MARCELO CASTILLO GUIÓN CARLOS IDROVO / MARCELO CASTILLO PRODUCTORA DRAMA FILMS CLASIFICACIÓN TODO PÚBLICO PAÍS ECUADOR
Peruanos, llamados por sus enemigos “gallinas” y ecuatorianos, llamados “monos”, se enfrentan en una disputa territorial en medio de la densa selva. Jorge, un joven soldado ecuatoriano y sus compañeros de batallón vigilan la frontera disminuidos por el paludismo, el abandono y el hambre. Al cabo de varias semanas sin refuerzos ni abastecimiento, un sangriento ataque enemigo arrasa sorpresivamente con la guarnición. Jorge es uno de los pocos sobrevivientes, pero está herido y no puede escapar. Cautivo, en un remoto campamento enemigo, Jorge se recupera de sus heridas, en compañía de otros pocos presos. Allí conoce a Dolores, Fundación Secretaríaperuana de una simpática enfermera co quien Museos busca de laentablar Ciudad una “relación imposible”, más allá de la frontera y el destino que los divide.
“Distante cercanía, la ley del más vivo” es una divertida comedia ambientada en 1944 y que sucede en un Ecuador que no se ha librado de la llegada de un par de nazis. La película narra la historia de Bernardo José Riofrío, un insignificante solterón que trabaja como empleado de un banco, vive bajo la insufrible sombra de su madre enferma y que, para colmo, está enamorado perdidamente de Pepita, la enfermera más guapa de la ciudad. Un día cualquiera su vida cambia radicalmente cuando el doctor de su madre Kurt Mainzel, un importante médico alemán nazi, le propone sustraer dinero del banco para comprar Reichsmarks, la moneda oficial del tercer Reich. Riofrío lo intentará para ganar el corazón de Pepita.
El largometraje tiene como nombre: Yakuaya, que etimológicamente viene de dos palabras en quichua: (yaku - agua) y (aya - muerte, sangre, esencia). El guión es basado en uno de los seis poemas sinfónicos del compositor checo Bedrich Smetana, Moldava. La estructura interna es orgánica, no tiene diálogos y se limita a componer una narrativa cinematográfica con imágenes centrípetas, montándolas como en los comienzos del cine, basándose en la composición plástica y no solamente en la línea narrativa.
Cultura
La historia lleva a cinco personajes acompañar una gota de agua desde su nacimiento en un glaciar hasta el mar.
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RECOMIENDA
TÍTULO TAROMENANI DIRECTOR CARLOS ANDRÉS VERA GUIÓN CARLOS ANDRÉS VERA PRODUCTORA CÁMARA OSCURA CLASIFICACIÓN 18 AÑOS REPARTO HUGH BONNEVILLE / MAGGIE SMITH / ELIZABETH MCGOVERN PAÍS ECUADOR
TÍTULO TABLAS SOBRE RUEDAS DIRECTOR CHRISTOPH BAUMANN CLASIFICACIÓN TODO PÚBLICO REPARTO TIAG BAUMANN / CHRISTOPH BAUMANN / CAMILA DÁVILA / TAMIANA NARANJO / TAMARA NAVAS / DAVID NENGER / DANIELA SILVA / MIGUEL TORSKE / RAMIRO URBINA PAÍS ECUADOR
TÍTULO SIN OTOÑO SIN PRIMAVERA DIRECTOR IVÁN MORA MANZANO GUIÓN IVÁN MORA MANZANO PRODUCTORA TLA REPÚBLICA INVISIBLE / ANTORCHA FILMS CLASIFICACIÓN 18 AÑOS REPARTO ENZO MACHIAVELLO / ANDRÉS TROYA HOLST / PAOLA BALDIÓN PAÍS ECUADOR / COLOMBIA / FRANCIA
En mayo de 2003, alrededor de 30 mujeres y niños fueron asesinados en las profundidades de la selva ecuatoriana. Las víctimas, pertenecían al clan taromenani, un grupo indígena no contactado en Ecuador. La sociedad prácticamente no reaccionó ante la matanza, que finalmente quedó en la impunidad y el olvido. Carlos Andrés Vera exploró la historia del contacto con los huaorani hace cincuenta años, la muerte de Alejandro Labaka en 1987 y ataques recientes a madereros de la zona, para descubrir que esos acontecimientos están vinculados a la historia de los pueblos ocultos en Ecuador, un misterio que la película poco a poco intenta revelar. Se trata de un trabajo conmovedor, producido para que el espectador comprenda las circunstancias que hoy en día comprometen la supervivencia de los últimos habitantes amazónicos.
Un grupo de jóvenes actores Ramiro, Camila, Tatiana, Miguel, Tiag Camila y Tamara, liderado por el actor alemán radicado en Ecuador Christoph Baumann director de la obra y coordinador de la gira, un técnico-chofer Don Lucho, y un camarógrafo María José, viajan juntos en un camión escenario al encuentro de la diversidad de culturas del Ecuador. En este trajín el escenario teatral sobre las ruedas de un camión constituye una plataforma creativa que confronta las realidades encontradas con la imaginación. El documental da testimonio de cómo este grupo de jóvenes artistas muestra el país según las vivencias experimentadas durante el viaje. Poco a poco, los integrantes del grupo cambian su visión sobre la realidad cultural, social y política del país.
Es un retrato de la errática y desencantada juventud de clase media guayaquileña. Una balada punk contada desde el punto de vista de nueve jóvenes, a través de historias no lineales que se conectan entre sí. Lucas es un estudiante de leyes, que cree en la Anarquía de la imaginación. Cuando sus ideales se estrellan, empieza a volverse adicto a las pastillas para dormir. Paula vende pastillas por la ciudad, mientras colecciona historias de felicidad con su grabadora. La ausencia de su padre y una condición física con el dolor la han marcado. Una historia de amor contada como un rompecabezas en el que Paula busca su felicidad y Lucas busca estar despierto. Felicidad, disidencia, evasión, decadencia y amor.
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BLU-RAY
TÍTULO MAD MEN DIRECTOR MATTHEW WEINER GUIÓN MATTHEW WEINER / KATER GORDON / MARTI NOXON PRODUCTORA AMC / LIONSGATE TELEVISION CLASIFICACIÓN 18 AÑOS REPARTO JON HAMM / ELIZABETH MOSS / VINCENT KARTHEISER PAÍS ESTADOS UNIDOS
TÍTULO BREAKING BAD (SEASON 2) DIRECTOR VINCE GILLIGAN GUIÓN VINCE GILLIGAN / GEORGE MASTRAS / PETER GOULD PRODUCTORA AMC CLASIFICACIÓN 18 AÑOS REPARTO BRYAN CRANSTON / AARON PAUL / ANNA GUNN PAÍS ESTADOS UNIDOS
TÍTULO EFECTOS SECUNDARIOS DIRECTOR STEVEN SODERBERGH GUIÓN SCOTT Z. BURNS PRODUCTORA ENTERTAINMENT ONE CLASIFICACIÓN TODO PÚBLICO REPARTO ROONEY MARA / JUDE LAW / CATHERINE ZETA-JONES / CHANNING TATUM PAÍS ESTADOS UNIDOS
Serie de TV (2007). Aclamadísima serie dramática que narra los comienzos de una de las más prestigiosas agencias de publicidad de los años sesenta, y centrada en uno de los más misteriosos ejecutivos de la firma, Donald Draper. Un hombre con un gran talento. Mad Men es la mirada a los hombres que dieron forma a las esperanzas y sueños diarios de los americanos de la época. En 1960 la publicidad era considerada una de las profesiones con más glamour de la época. Era un momento de gran ebullición en todos los sentidos; la manipulación profe- sional y el acoso sexual son parte del trabajo y de los negocios. Sterling Cooper Advertising diseñaba mejor que nadie las campañas de publicidad.
Serie de TV (2008-Actualidad). 5 temporadas. Breaking Bad nos muestra la historia de Walter White (Bryan Cranston), un profesor de química de un instituto que, tras cumplir sus cincuenta años, descubre que tiene un cáncer de pulmón incurable. Casado con Skyler (Anna Gunn) y con un hijo discapaci- tado (RJ Mitte), la brutal noticia llevará a Walter a dar un drástico cambio en su vida y fabricar, con ayuda de un antiguo alumno, droga para venderla. Su propósito principal no es enriquecerse él, sino solventar los problemas económicos de su familia después de su irreversible muerte.
Emily y Martin son una prospera y joven pareja cuyo mundo se desmorona cuando Emily intenta quitarse la vida. Sin fuerzas para superar la depresión que la llevó a tomar tal decisión, Emily decide ponerse en manos del Dr. Jonathan, un psiquiatra que le receta un nuevo y novedoso medicamento pensado para calmar la ansiedad. Pero el fármaco, en un principio efectivo, comienza a tener unos inesperados efectos secundarios. Unos efectos que amenazan con destruir a todos aquellos que están implicados en su elaboración.
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Quito-Ecuador