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M83 Un disco doble, ¿por qué no? Marcos Hassan Maroon 5 Entre los Beatles y los Stones Jazz Basurto David Lynch La hora del payaso loco Enrique Blanc Feist Poniéndole freno a la fama Irlanda Tostado The Beach Boys El disco que siempre debió existir Esteban Cisneros Lou Reed y Metallica Juntos ¿son dinamita? Marcos Hassan Frank Sinatra Best of Vegas Guillermo Franco
RESEÑAS 30 Tom Waits • Atlas Sound • Brites Futures • Coldplay • Fas Trío • Florence and The Machine • Fountains of Wayne • Grouplove • Michael Buble • Quiero Club • The Humans •Tokyo Police Club • VHS or Beta • Weekend 01• Yann Tiersen
SECCIONES 2 4 7 8
Editorial Mauricio Hammer Rápidas y Furiosas Alex Castro 10 géneros que nos entusiasmaban Pedro Escobar Delicatessen Elena Campos Se Habla Español Jacobo Vázquez
12 Especial de 20 aniversario
38 DVD y BD Elías Nahmías / Alejandro Mancilla 44 Videojuegos Deavid Author 46 Lo Más Vendido 48 La Miscelánea Pilar Ortega
Cír de r Ma culo Lic Títul espo Mi u itu o n nsa C x d d úm bi . ric Re e T er lida gr P. 539 io Ha up, r vis a o í d t 7 t : ulo 04 ex uit 0, mm evist ta : 1 -20 clu am Edo er W a o me 47 ns 13 09-0 siva ente . Me olle ficia ua / N 814 de en x. nst l de l. A o s 16 los las Tel/ ein la ño e r 414 aut tie Fa . H s ti 19 esp 70 or nd x: 5 uit en ,n on 0-1 es / as M 39 lap das úm ero de po 02 / Cert ixu 5 595 exco Mixu r m Cer ific p / 1 / #37 p / 22 ate tific ado El c Est , S Ed 5, a i o Di a cie rial n ado d de R nten rev n M tor R o s e ese ido ista igu esp mb L e oli re cit icitu rva d de lo se d l Tec onsa 20 ad d d e D s ist am ble 11 o. e C er artí ribu ac : on ech cul ye hal ten os os co ido de es : 1 l Us 22 86 o Ex Ce clu rtifi siv cad o od e Di Ca recto Ca stro r Ge Elía mpos Cola ner Se s N , Est bor al M Hu gund ahmí eban ador auric Sa erta o, W as, P Cisn es e io H Di n Joa Com alter ilar O eros n es amm str qu er Sc rte , P te er ibu ín cia hm ga edr nú Wo ido No liza idt , Ed o E me llen r M . 43 ció , Irla uar scob ro C ste au 6 Co n y nda do “ ar, arlo in E ric io l. Am ven Tost Rock Ana s An dito Ha G d mm pliac tas S ado, star” alle rade ra P er ión ofía Jaco Rod ta, M , De ilar Wo Gr Ca bo ríg a O lle ana bre Vá uez arcos vid A rteg nst da ra zq , A H ut a C ein De 53 uez lej ass hor oo . H lg. 95 , Lu and an , Ja rd , i uit M 595 is lap igu 1 Ja ro Ro Aleja zz Ba nado exc el Im siel jas nd sur r E o # Hid pr Vil Lun ro M to, dit E o 37 alg es la D a, , S o C ió i M anci nriqu rial an s ó l Mi .P. 11 n O eño nica la, Da e Bla Alex S gu 52 ffs n el 0 M et Alf anta río M c, El Tec Sa ons na or en é am xico ntia o P , D eno a ach , D go eñ ani , alc .F. T , S.A a, S el a o C el. .P. 91 . de C lomó 53 26- .V n . 97 0, 9040 Río Ed o. Me x.
Leo que Charly Alberti, ex baterista de Soda Stereo, solicita que “dejen ir” a Gustavo Cerati. Han transcurrido ya casi 16 meses desde que Gustavo sufriera un accidente cerebrovascular mientras se encontraba de gira en Caracas, y desde entonces permanece en estado de coma y con asistencia respiratoria en una clínica de Buenos Aires.
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Tal vez sus familiares y amigos, como Charly García, que lo ha dicho así, esperan un milagro. O tal vez sea esa propensión, tan argentina, de mantener vivos a como dé lugar a sus muertos (como sucedió con Evita Perón, cuyo cadáver se empeñaron en mantener embalsamado y preservado por muchos años), pero el caso es que Gustavo Cerati hace mucho que no está realmente vivo: No puede cantar, ni componer, no puede reírse, ni comer. Ni siquiera es capaz de respirar por sí solo. En una entrevista, su madre relata cómo ha atestiguado los “pequeños avances” de Cerati: Movimientos espontáneos de su cabeza y sus miembros, derramamiento de lágrimas. Y también asegura que las máquinas revelan cierta actividad cerebral. Y ello, por supuesto, alimenta las esperanzas que ella y muchos más abrigan de que alguna vez reaccione y regrese a la normalidad. La pregunta, sin embargo, es si es esto posible y, más allá de ello, el precio que el propio músico y quienes lo rodean están pagando por esta esperanza en términos de desgaste, de angustia, de no ser capaces ni de tenerlo ni de soltarlo. Es imposible ponerse en los zapatos de la madre, la hermana, los hijos de Cerati. Sólo ellos son capaces de tomar decisiones con respecto a qué hacer en una situación como ésta. Pero no se puede ignorar el pedido de Alberti, sin duda una de las personas más próximas a Gustavo, y de quien ha dicho que lo considera “su hermano mayor”. Para la tradición de la que provengo, la vida es lo más sagrado que existe. Pero cabe preguntarse si al defender de la muerte a alguien en este estado se está defendiendo realmente la vida o solamente se intenta postergar el dolor de la pérdida.
Dicen que quien no conoce la historia está condenado a repetirla. ¿Será por eso que cada determinado tiempo los nuevos fans del rock duro se dejan deslumbrar por regresos de bandas que, de hecho, ya se han ido y regresado varias veces? El último capítulo de esa tragicomedia es el protagonizado por los miembros de Black Sabbath, quienes acaban de anunciar un nuevo regreso a los escenarios, mismo que será acompañado por su primer disco inédito ¡en 33 años! Y aunque pinta para ser un gran fiasco, hay un elemento que podría salvarlo: Está producido por Rick Rubin, quien es casi un especialista en
causas perdidas… The Black Keys acaban de lanzar el sencillo “Lonely boy”, primer adelanto de su disco El Camino, que llega a las tiendas este 6 de diciembre. Sin duda “Las Teclas de Negro” están pasando por una buena racha, pues no sólo no se repiten en sus discos, sino que sus videoclips suelen ser muy originales y con un gran sentido del humor. Hacen falta más bandas así de buenas, que al mismo tiempo no se tomen tan en serio… Los sudafricanos de Die Antwoord, a quienes presentamos
Para celebrar el 125 aniversario del natalicio de Diego Rivera, se realizará el Festival de Disqueras Independientes “Sonofest” del 29 de noviembre al 11 de diciembre, en varios foros del Sur de DF, con exposiciones, conferencias, cursos de iniciación a la música y presentaciones de artistas como Susana Harp, Sociedad Acústica de Capital Variable, La Internacional Sonora Balkanera y Andrea Balency, además de una convocatoria para recrear, con gente real, el mural de Diego Rivera “Sueño de una tarde dominical en la Alameda Central”. Detalles en: www.museoanahuacalli.org.mx
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el año pasado con el disco $0$, tienen un nuevo álbum titulado Ten$ion (ya con distribución independiente), en el que seguirán rapeando, pero ahora 95 por ciento en inglés y sólo un poco en su lengua natal. Esperamos que esta vez dejen una huella más contundente en otros mercados… De este lado del charco, se rumora que los canadienses de Broken Social Scene podrían estar considerando la idea de desintegrarse, luego de que la banda escribiera en su cuenta oficial de Twitter el siguiente mensaje: “Ten years of playing our guts out 4 you. Thank you all. Will see ya soon. xox BSS”. Vaya, a nadie le viene mal un descanso… Parece que Madonna se puso negra de coraje cuando se enteró de que un fragmento de la canción “Give me all your love” se filtró a la red. Y es que al parecer la canción, producida por el ahora célebre Martin Solveig (autor del hit del año, “Hello”), era el nuevo sencillo de la cantante y quizá no era éste el modo en que pretendía darlo a conocer. Ni hablar…
El que ya no puede reclamar por la forma en que se difunde su música es Michael Jackson, de quien –se los advertimos– no dejarán de salir “nuevos” tracks, como los que se incluyen en Immortal, su segundo álbum póstumo, que esta vez incluirá remixes, mash-ups de sus éxitos y algunas grabaciones inéditas que fueron excluidas de álbumes previos…
1 Dënver / Caradura, DF 7,8 Morrissey / Plaza Condesa DF 10 Morrissey / Auditorio CC Universitario Puebla 12,13 Morrissey / Teatro Diana GDL 14 Battles / José Cuervo Salón DF
Aunque fueron más de 45 mil mexicanos los que el año pasado vieron el espectáculo “The Wall”, Roger Waters anunció el regreso de su obra maestra audiovisual, con “avanzadas modificaciones de vanguardia y transformando la producción en un magnífico evento al aire libre”. Hace 31 años, The New York Times aseguró que
“The Wall” sería el punto de referencia para medir los futuros conciertos de rock. Si usted considera que ese parámetro sigue aún vigente, busque más información en el sitio www.rogerwaters. com… Y hablando de referentes en vivo, 2ManyDJs y Soulwax, que son los mismos, pero no presentando lo mismo, vuelven al DF este 9 de diciembre para
volver a cimbrar el recinto que alguna vez conocimos como Salón 21. Si usted es de los mortales que aún no vive esta experiencia, sólo échele un vistazo al documental de Radio Soulwax, Part of the Weekend Never Dies, que vale cada minuto y es una invitación a la fiesta casi ineludible… ¡Allá nos vemos!
Dibuja un número “20” con las técnicas, formas y colores que desees y envíalo a alejandro@circulomixup.com.mx Los mejores se publicarán en internet y se llevarán regalos como éstos:
Continúan dos exposiciones de músicos que también experimentan en las artes visuales: -Marilyn Manson, "The Path of Misery" /Antiguo Colegio de San Ildefonso -Nick Zinner (Yeah Yeah Yeahs), "1001 Images" / Vice Gallery
Escucha lo nuevo de The Rapture, Little Boots, A Place To Bury Strangers, Los Campesinos y Amy Winehouse (más lo que se acumule este mes) en www.circulomixup.com 06
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Hay recuerdos que uno atesora en un rincón especial del corazón, y otros que nos gustaría borrar para siempre de la memoria. Pero como de los errores también se aprende, aquí te presentamos diez géneros que nos entusiasmaban… Aunque muchos ya no lo reconozcan. 1. Big beat
La repetición monótona y sin sentido de un mismo beat caracterizó al género creado por Fatboy Slim. Por suerte, lo limitado de su propuesta terminó por sepultar un sonido que nos hizo mover el bote en esos rarísimos años noventa.
2. Happy punk
Blink 182 fue el precursor del género que profanó los fundamentos del punk y sustituyó la protesta ideológica por letras bobas y banales. ¿Por qué nos gustaban?
3. High energy
Ahora se considera algo kitsch, pero en los ochenta se creía que este ritmo sería la evolución del género disco hacía sonidos electrónicos más “sofisticados”. Sí, ajá.
4. Synthpop
Aunque tuvo una gran importancia en los ochenta, pocos admiten su preferencia por este género. Y es que, además de parecer anticuados, muchos creen que ser fan de Erasure pone en entredicho su orientación sexual.
5. Heavy metal
Sí, todos hemos pasado por nuestra etapa “ruda”. Sin embargo, ver en lo que se han convertido bandas como Metallica nos hace agradecer haber huido a tiempo.
6. Glam metal
Sabemos que aquellos años en los que usar spray para cabello, maquillaje y ropa femenina al estilo de The New York Dolls guardan un lugar muy especial en tu oscuro pasado. Admítelo.
7. Noise rock
Ser seguidor de este género no sólo tuvo repercusiones en tu vida social, sino en tu capacidad de disfrutar otros géneros, al correr el riesgo de quedarte sordo.
8. Vallenato
Aunque nadie lo admita, todo el mundo movió el bote con los ritmos colombianos de Carlos Vives. Tal vez por eso, a tanta gente le llega tanto la música de Celso Piña.
Cuando era chiquita, muy, muy chiquita, Sir Tom Jones, quien a la sazón tampoco era Sir, tenía un programa en la televisión que todas las “señoras” (acuérdense que era yo chiquita y a todas mis mayores las veía como “señoras”), sin excepción, veían atentas y embelesadas cada domingo. ¿Y cómo perdérselo? Aquel hombre tenía algo que lo llevó a convertirse en el sex symbol del momento. En sus presentaciones, las damas, literalmente, le lanzaban calzones. Cuentan que la primera vez que aquello sucedió (porque después se volvió costumbre) fue durante un concierto en el que él sudaba a mares y entonces, de entre el público –a diferencia de la mayoría, que le ofrecía pañuelitos perfumados, servilletas y demás trapitos–, una damisela de plano se bajó los calzones y se los ofreció para que aquel derroche de testosterona que bailaba y cantaba, cual dios recién bajado del Olimpo, enjugara su sudor, cosa que él hizo para después, con gran gentileza, devolver la preciada prenda a su dueña, quien, supongo, la conserva en algún baulito de madera relleno de bolitas de naftalina. Pues el incansable Sir Tom, después de salir de gira durante buena parte del año pasado, lanzó Greatest Hits Rediscovered, un disco doble de puros éxitos, y no nada más de aquellos de cuando yo era chiquita, como su emblemático "It's not unusual" o las ya clásicas "Delilah", "The green green grass of home", "Help yourself", "I’ll never fall in love again", o "What's new pussycat", sino también algunas canciones que lanzó mucho más acá, como el cover que hizo de "Kiss", de Prince, o su versión de "Mama told me not to come", canción que Randy Newman escribiera para el primer disco solista de Eric Burdon. De entre sus éxitos de finales de los noventa seleccionó el dueto con The Cardigans, "Burnin' down the house"; el "Full monty brits medley", que hizo con Robbie Williams, y el remix de Mousse T de "Sex bomb”. De entre lo más reciente figuran "Burning hell", de Bernard Bessman y John Lee Hooker, y "What good am I”, de Bob Dylan, que aparecen en Praise & Blame, el disco con el que el año pasado celebró su cumpleaños número 70. Y, para cerrar con broche de oro, eligió "Bama lama bama loo", de Little Richard. No se lo vayan a perder, porque sería un regalazo para cualquiera en esta Navidad… Tom Jones. Greatest Hits ¡Felicidades! Rediscovered. Universal, 2011.
9. Reggaeton
Tras la excusa del “mestizaje cultural”, surgió este invento que al principio sonaba chistoso. Por desgracia, la broma se salió de control y hoy maldecimos la hora en que festejamos los temas de El General.
10. Screamo
Aunque al principio muchos seguidores del emo se entusiasmaron con las características gritonas del screamo, soportar tal cantidad de berrinches y alaridos fue demasiado, incluso para los seguidores más radicales de esta música.
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Sí amigos, se acabaron los doce meses de este 2011 que estuvo bastante movidito en cuanto a rock en español se refiere. El primer año de la segunda década del Siglo XXI se despide con una “nueva” canción del maestro Cerati. Se trata de una colaboración que hizo con DJ Wunder. El nuevo track tiene el sugerente nombre de “Vamos a tu hotel” y fue grabado entre 2003 y 2004 como una colaboración del ex Soda Stereo para el álbum del músico alemán. La noticia llega en un momento en que Cerati se encuentra estable, a más de un año de permanecer en estado de coma. Mientras tanto, Zeta Bosio, quien ha estado pendiente del estado de salud de Cerati, visitó nuestro país para presentarse en el Festival para los Dioses 2011, donde actuó con la banda Catupecu Machu. Aparte de disfrutar el ambiente, el bajista aprovechó para cargarse de buena vibra, misma que tratará de llevarle a su ex compañero. Fuerza Gustavo… Vaya susto que pasaron los integrantes de Caifanes tras el desmayo de Alejandro Marcovich, durante el concierto que ofrecieron en León. Aunque muchos medios de comunicación anunciaron que Alejandro había sido llevado a un hospital para estar en observación, y que la gira seguiría sin él, el sitio oficial del grupo desmintió estas versiones, argumentando que el guitarrista continuaba en la gira de manera regular… Parece que a los rockeros mexicanos no les interesa el arte, ya que dejaron plantado al mismísimo Reverendo Marilyn Manson en la inauguración de su exposición “The Path of Misery” en el Antiguo Colegio de San Idelfonso, donde se esperaba ver a gente como Ximena Sariñana e integrantes de Café Tacvba, Moderatto y Víctimas del Doctor Cerebro. Los que sí asistieron fueron los miembros de La Gusana Ciega. Y luego nos quejamos de la situación cultural del país… Los integrantes del dúo boricua Calle 13 cancelaron un concierto en la localidad argentina Comodoro Rivadavia debido a los altos precios de los boletos para ese evento. Según Residente, los organizadores subieron los precios sin haberlo platicado con el grupo, por lo que ellos cancelaron en protesta. Y agárrense, porque parece que el presidente de Venezuela, Hugo Chávez, prepara una sorpresa con los creadores de “Atrévete”… Buenas noticias para los nostálgicos que se quedaron con ganas de aquel concierto donde tocarían La Unión y Nacho G. Vega (Nacha Pop). El pasado 19 de noviembre se presentaron Danza Invisible, Cómplices y Amistades Peligrosas en un foro de la Avenida Reforma (DF), donde interpretaron los temas que hicieron crujir los huesos de esos fans que llevan los ochenta muy cerca del corazón. ¡Ahh, qué bonita es la nostalgia! Proponemos estos objetos para la cápsula del tiempo 2011: - Un boleto del Vive Latino de este año - El CD del Columpio Asesino, Diamantes - El DVD Música de Fondo, de Zoé - Un póster de Enjambre - El flyer de la presentación de Single en la ciudad de México.
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“La humanidad ha estado haciendo estupideces desde, digamos, hace 5,000 años”
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Sergent García Una y otra Vez Cumbancha, 2011 Sexto álbum del mejor amigo de Manu Chao. Para esta ocasión, Bruno García se hizo acompañar de casi toda la escena colombiana actual. Así, podemos escuchar colaboraciones de gente de Bomba Stereo, Sidestepper y La 33. Puro salsamuffin pa’ alegrar el alma.
Agrupación Cariño Sólo Éxitos Prodisc, 2011 He aquí el disco del grupo que seguramente has escuchado en la serie de televisión “Soy tu fan”. Los creadores de “Espero que te acuerdes de mí” nos regalan una colección de canciones para acompañar esas noches de bohemia con los amigos, caminando por las calles de la colonia Roma o la Condesa. En una de ésas te encuentras a la mismísima Ana Claudia Talancón.
Ernie A.O.M Carpe Diem Records, 2011 Desde Venezuela nos llega esta producción de emo-punk muy al estilo de bandas como División Minúscula y Hummersqueal, con letras nostálgicas y guitarras distorsionadas. Sí todavía usas tu sudadera de Panda, Ernie puede ser tu opción para esta Navidad.
Charly Monttana Pares y Duetos Prodisc, 2011 Si Frank Sinatra grabó sus famosos Duets, ¿por qué la estrella más brillante del rock mexicano no iba a hacerlo? Charly nos regala sus mejores canciones, ahora acompañado de sus cuates y cuatas. Desde Rod Levario hasta Moderatto. Sin duda, uno de los mejores momentos es “Hipócrita”, al lado de Jessy Bulbo. Delicatessen nacional.
VEINTE 12
En 2012, Círculo Mixup cumple 20 años de existencia. En otros aniversarios hemos hecho los infaltables recuentos de tantas ediciones. Pero esta vez voltearemos hacia adelante y jugaremos, junto con ustedes, a adivinar qué es lo que viene. Así que durante los próximos doce números, hasta que llegue el aniversario, recogeremos esas “visiones del futuro”, mismas que estarán acompañadas de un número “20” diseñado por un artista visual, especialmente para la ocasión. Ahí vamos.
TECNOLOGÍA
ARQUITECTURA
¿Cómo visualizas la arquitectura en el futuro? Con muchas oportunidades, debido a las múltiples vertientes que genera la problemática social actual (desestabilidad económica, desastres naturales, alteración de los ecosistemas). Debemos de ser cada vez más creativos, no sólo en el ámbito del diseño, sino en el de la elaboración de planes integrales con las áreas involucradas en esos asuntos. ¿Qué papel juega México en esa visión? Uno protagónico, por la situación en la que está inmersa la sociedad. México es uno de los países de mayor patrimonio (tangible e intangible), el cual debemos conservar. ¿Qué papel tendrás en ese escenario? Como profesional, proyectar con base en la reutilización del patrimonio edificado, para conservar, aprovechar e intervenir con arquitectura crítica y de conciencia sustentable. Como habitante de esta ciudad (DF), respetar y disfrutar del espacio urbano.
MÚSICA
¿Cómo visualizas la música latina en el futuro? Amplia. Muy cerca de los gustos y preferencias de los mexicanos, tanto en México como en Estados Unidos. México es el mercado de música en español más importante, con la cada vez más consolidada relación del mercado en México y Estados Unidos. Creo que el futuro de la música latina es mexicano. ¿Y la industria? Interesante, ya que tanto las majors como las independientes han entendido en el último par de años la importancia de aspectos que antes eran secundarios, como el management y el booking. Eso es lo que ahora está permitiendo el desarrollo y consolidación de nuevos artistas y también de carreras ya hechas. La relación y asociación con marcas, productos y áreas que antes no veíamos tan cerca de la música, son ahora cosa de todos los días. TOY HERNÁNDEZ (CONTROL MACHETE, TOY SELECTAH)
¿Y TÚ, CÓMO VES EL FUTURO?
JESÚS QUIROZ ARQUITECTO Y MUSEÓGRAFO DEL MAP
¿Cómo nos relacionaremos con la tecnología en el futuro? Las nuevas generaciones ya tienen arraigado el uso de la tecnología, dispositivos con acceso a internet y todo tipo de entretenimiento digital en su vida cotidiana. Estamos en el punto en que debemos, además de ser consumidores, empezar a crear contenidos y soluciones locales, con la visión global que nos da internet y la inmediatez de las cosas que suceden a nuestro alrededor y en el mundo. ¿De esa proyección, qué es lo que más te llama la atención? La nueva cultura emprendedora que está surgiendo en nuestro país, en la que hemos dejado de sólo copiar modelos para mejorarlos y formar más equipos multidisciplinarios que nos permitirán integrar la tecnología en nuestros trabajos y en nuestra creciente cultura digital. Cada vez más jóvenes lo están viendo y creyendo posible. ¿Qué papel jugará México en esa proyección? Si logramos que no se interponga la cultura derrotista, el egoísmo corporativo, y dejamos que la creatividad fluya, tendremos un escenario ideal para un mejor futuro tecnológico. Los avances no se detendrán, y México tiene una buena posición en el mercado internacional para ser parte activa de ellos. DAVID OCHOA Experto en Tecnología, Web y titular de byte podcast
Me imagino que las casas van a tener sistema de identificación de voz para abrir las puertas, encender las luces y lograr que funcionen los electrodomésticos. Pienso que las personas que han quedado lesionadas gravemente por accidentes o guerras, serán cyborgs (mitad humano, mitad robot) y que se efectuarán viajes (con trajes especiales) a otros planetas y a la Luna, donde habrán atractivos turísticos, hoteles, restaurantes y parques de diversiones. Las mascotas van a ser combinaciones de varios animales, por los avances de la ingeniería genética. Ya no habrá vehículos que usen gasolina, sino medios de transporte que utilicen la energía del sol o que puedan volar. La gente se va a entretener con videojuegos, videos musicales y películas elaboradas con hologramas. Existirán agrupaciones musicales integradas por robots que toquen instrumentos musicales y van a tener muchos fans. MARÍA CRISTINA HERNÁNDEZ LANCASTER-JONES GUADALAJARA, JALISCO
Envíanos tu opinón a alejandro@circulomixup.com.mx
El medio que escogió Anthony Gonzalez, a.k.a. M83, para crear música es un género que en su momento fue considerado futurista, pero que unos años después de su cénit comercial se escuchaba anticuado, atrapado en su lecho a principios de los ochenta. Aún así, el synthpop probó ser el medio perfecto para canalizar sus inquietudes creativas aunque, ahora, el sonido de los sintetizadores no sea lo único que lo hace explorar. Hurry Up We’re Dreaming es un álbum doble, formato que conjura los nombres del llamado “Disco Blanco”, de The Beatles; de Ummagumma, de Pink Floyd, y de Mellon Collie and the Infinite Sadness, de Smashing Pumpkins, que son las inspiraciones directas de Hurry Up, según su creador. Gonzalez asegura que se trata de un álbum conceptual cuyas letras hablan de su infancia, de su adolescencia y hasta de su vida adulta en estos momentos. “Acabo de cumplir treinta años, siento que era el tiempo correcto de hacer algo como esto... Cuando amas proyectos grandes y ambiciosos, es inevitable que quieras hacer un disco doble, aunque la industria discográfica ya no te lo permita”. Hurry Up… fue inspirado por viajes que Anthony emprendía al desierto de Joshua Tree, ahora que vive en Los Ángeles, después de mudarse de su natal Antibes, Francia. Lo sé, es muy cliché, pero
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funcionó. Rentaba una pequeña cabaña en medio de la nada y me ponía a trabajar, solo. Esos fueron los mejores momentos, solo con mi laptop, viendo las estrellas. Fue una buena manera de inspirarse por la energía de un ambiente diferente. Sin embargo, la historia que se desenvuelve musicalmente va más allá de lo que González cuenta. Las canciones muestran gran variedad de estilos que reflejan una parte del panorama musical de la última década, de tal manera que el disco termina escuchándose como una obra que envuelve las modas musicales que el llamado “indie” ha manejado en este periodo. Todo está presente: Desde la preservación de sonidos de los ochenta, como hicieron los Killers, a las melodías inocentonas al estilo de Clap Your Hands Say Yeah, el retro pero ultra melódico estilo de gente como Annie y hasta las exploraciones digitales que Neon Indian ejemplifica. Anthony ha preservado en
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M83. Hurry Up, We’re Dreaming. Mute / Noiselab, 2011
un documento la historia de cómo el internet decidió darle forma a la música que se preocupa por palabras favorables. Gonzalez es músico suficiente como para saber vestir sus canciones de algo más que el deseo de una buena calificación, y mantiene el cometido de su concepto lírico al añadir varios guiños a aquello que lo ha formado como artista, siendo de lo más grande del trabajo del compositor Jean Michel Jarre. Los invitados al álbum también reflejan eso, como Morgan Kibby, quien también participó en su anterior Saturdays = Youth, y Justin Meldal-Johnsen, por mucho tiempo bajista de Beck, que fungió aquí de productor. También contó con la colaboración de nuevos amigos como la noise popera oscura Zola Jesus y Brad Laner, líder de Medicine, pioneros en los noventa de dream pop y clara inspiración de los momentos más psicodélicos en la discografía de M83. Se habla mucho de la muerte de los formatos, donde reinan las descargas de una sola canción para luego ocupar el espacio de algún par de megas. Anthony González, ya sea por nostalgia o por tratar de preservar una tradición, decide que el mundo aguanta un disco doble más en su haber y lo toma como vehículo para expresar sus dudas y pensamientos, los expande y desenrolla para aclarar su inquietud y poder darles orden e interpretación, y para que también los fans se escuchen reflejados cuando le dediquen el tiempo necesario para sumergirse en sus ambiciosos sonidos. El hombre asegura que quiso hacer algo que recordara toda su vida, pero Hurry Up… logra algo más: Atrapar un tiempo de la historia, a través de un relato personal.
Mientras que aún suena en la radio el sencillo “Moves like Jagger”, que los chicos de Maroon 5 interpretan junto a Christina Aguilera, el grupo termina con las actividades promocionales de su cuarto disco, Hands All Over, razón por la que nos comunicamos con su guitarrista, James Valentine, con quien tuvimos una charla muy amena. ¿Cómo ha evolucionado la banda desde su primer disco? Cuando grabamos Songs About Jane éramos realmente inexpertos en nuestro sonido; estábamos influenciados por el funk y el R&B… Luego experimentamos con sonidos más contemporáneos como el dance y el hip-hop, y continuamos haciéndolo, como en el sencillo “Moves like Jagger”, que es algo novedoso hasta para nosotros mismos. Háblame de esa canción. Es un tema divertido y moderno en principio, aunque no a todos les
convenció… Pero al escuchar el silbidito con el que empieza no podíamos negarnos. Las canciones con ese gancho son las que te hacen mover. ¿Es cierto que estuvo inspirada en los Rolling Stones, particularmente en los movimientos de Mick Jagger? Estuvimos de gira con ellos y fue ahí donde seguramente Adam tomó los movimientos de Mick. Musicalmente, claro que los Rolling han sido una de las bandas que llevamos en el inconsciente, aunque los Beatles son la que a nosotros más nos gusta; de hecho podemos tocar muy bien casi todas sus canciones… Las de los Rolling aún no nos salen del todo (risas). ¿Y planeaban que Mick apareciera en el video? Sí… Esperábamos que estuviera, pero debido a su agenda nunca logramos concretarlo. Sin embargo, accedió a que proyectáramos algunas de sus imágenes en el video. Sabemos que el clip lo dirigió Jonas Akerlund. Cuéntanos algo más. Fue muy divertido, muy fácil… Adam sólo se quitó la camisa y yo sólo me puse la guitarra y dejé que mi pelo se moviera con el ventilador (risas). ¿Te gusta hacer videos? Sinceramente, no. Me gusta más tocar que pretender tocar mi música; resulta un poco raro y tedioso, ya que son días largos y tienes que hacer muchas tomas… Pero no me puedo quejar, ¡tengo uno de los mejores trabajos del mundo! ¿Qué sigue para Maroon 5? Este fin de año terminamos la gira del disco. Ya tenemos canciones listas para el siguiente, que estamos por concluir. Esto no es oficial, pero hace mucho que no vamos a Latinoamérica, así que nos gustaría comenzar nuestra siguiente gira por allá.
“No me puedo quejar, tengo uno de los mejores trabajos del mundo”
Maroon 5 Hands All Over Universal, 2011
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Pídele lo que quieras: Que te recuerde tus juntas, que investigue cierto tema, que te lea tus mensajes, que ponga tu alarma… Siri lo hará con gusto. Siri es tu nuevo asistente personal. Habla con él tan naturalmente como lo harías con una persona real y él, o más bien ella, entenderá lo que digas y lo llevará a cabo. Tu asistente aparecerá cuando presiones por un par de segundos el Home Button de tu iPhone 4S diciendo “¿Qué puedo hacer por ti?” Y solamente tendrás que decirle lo que requieres. Por ejemplo, si quieres que Siri llame a alguien por ti, sólo tendrás que decir “Llama a ‘X’ y casi como por arte de magia, Siri te hablará diciendo “llamando a ‘X’”. Supongamos que tienes en tu agenda de contactos a dos personas con el mismo nombre; antes de llamar, Siri te preguntará a cuál de las dos personas te refieres.
Siri se vale de otras aplicaciones disponibles en tu iPhone 4S para ayudarte en lo que estás buscando. Si quieres conocer la dirección de cierto lugar, Siri te mostrará la ubicación exacta del sitio que buscas, ayudándose de Maps. O digamos que quieres conocer el clima del día de hoy, entonces utilizará la aplicación del clima que se encuentra en tu dispositivo para decirte si debes llevar contigo una sombrilla. Pregúntale en qué fecha nació Beethoven, que haga una llamada vía FaceTime con tu amigo o que te recuerde la fecha en la que debes entregar un trabajo importante… Siri te ayuda con eso y más.
* Por el momento esta característica sólo se encuentra en idioma inglés, alemán y francés, pero si eres fluido en cualquiera de ellos, podrás interactuar con Siri. Si no, no te preocupes, pronto estará disponible en español y cuatro idiomas más.
A finales de noviembre, la banda nos visitó para ofrecer una clínica a sus seguidores sobre el uso de Garage Band. Como corresponde con el protocolo rockero, algunos de sus integrantes llegaron en motocicleta, causando sorpresa entre los fans y personas que se encontraban en la zona. Durante más de una hora, Brian Amadeus, Xavi, Roy, Mick y Elohim estuvieron platicando sobre cómo grabar y componer música desde una Mac, además de que subieron a dos personas del público para que cantaran con ellos al final de la exposición. No te pierdas las clínicas que cada mes se llevan a cabo con diferentes artistas en todas las sucursales de iShop.
Una de las aplicaciones favoritas de los amantes de la música ya está disponible para los usuarios de iPhone y iPod touch. La aplicación, introducida a principios de año en las iPad, ya podrá ser utilizada en otros dispositivos de la familia Apple, como los iPod 3GS, iPhone 4, iPhone 4S y iPod touch de tercera y cuarta generación. GarageBand te permite crear música de forma sencilla, gracias a su intuitiva interface y a las diferentes herramientas en las que se apoya. Los instrumentos touch (guitarras, baterías y pianos) ya también se encuentran disponibles para los iPods y iPhones, así que te serán de gran ayuda ya sea que no sepas nada de música o seas un músico experimentado. Una gran variedad de acordes, sintetizadores, pedales, etcétera, se encuentran a tu disposición para grabar y recrear esa melodía que lleva días en tu cabeza. Al final, cuando tengas todo unido, mézclalo a través de los ocho tracks disponibles y compártelo con tus amigos, mándalo a tu Mac para darle los toques finales en Logic Pro o de nueva cuenta en GarageBand.
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La imaginación de David Lynch, siempre perturbadora y surreal, a la que nos hemos adentrado a través de sus numerosas cintas, de Eraserhead a Inland Empire, no deja de sorprendernos, especialmente ahora que ha dado a conocer el disco Crazy Clown Time. Quince canciones que retienen su peculiar visión del mundo y la vida y que se convierten en otro ambicioso y oscuro pretexto artístico que trasciende toda convención. Al igual que el cine, el arte de todo formato y el diseño, la música ha sido una de las obsesiones del nativo de Montana. Su primera incursión en este campo se dio en los ochenta, de la mano de Julee Cruisee, para quien escribió letras en sus primeros dos discos: Floating into the Night y The Voice of Love; trabajos que hizo a la par del compositor Angelo Badalamenti, con quien ha colaborado en Blue Velvet y Mulholland Drive. Fue de hecho esta última cinta la que presentó las primeras canciones de Lynch, que más tarde formarían parte de BlueBob, su debut como músico, editado en 2001 y realizado en sociedad con el músico e ingeniero de sonido John Neff.
Cauteloso y progresivo, así ha sido el acercamiento que a través de los años ha tenido Lynch a la música y que ahora se oficializa con Crazy Clown Time. Determinante fue para él su participación en el álbum Dark Night of the Soul, que hizo junto a Danger Mouse y Sparklehorse. Mucho de lo que suena en Crazy Clown Time parece tener la influencia de ambos personajes: El esmero por una calibrada producción, muy basada en las técnicas utilizadas en el hip-hop del primero y el carácter artesanal, espontáneo y de aire funerario del segundo. En el disco, Lynch aparece en dos canciones “Star eyes (I can catch it)” y la que da nombre al proyecto. Dark Night of the Soul llamó sobremanera la atención por dos razones. Una, por los talentos que tomaron parte en su producción, entre ellos Iggy Pop, Suzanne Vega y The Flaming Lips. Dos, porque tras su lanzamiento, dos de sus mentores decidieron suicidarse: Mark Linkous (Sparklehorse) y Vic Chesnutt. En otras palabras, porque sin proponérselo parece salido del mercurial Hollywood inevitablemente trágico que ha inspirado algunas de las cintas de Lynch.
Crazy Clown Time está hecho junto a Dean Hurley, el sonidista de Inland Empire. Su primer track, “Pinky’s dream”, cocinado con un trémolo guitarrero al uso de la música country y una percusión incesante, de corte tribal, presenta la voz de Karen O., la única invitada. “Good day today”, su segundo, se encamina hacia la música electrónica bailable a través de un juego de beats de computadora, arreglos de sintetizador y la voz robótica de Lynch. “Football game”, en cambio, evoca la crudeza de producción y espontaneidad de Linkous, mientras que “Strange and unproductive thinking”, de 7:30 minutos de duración (la más larga del álbum), es un discurso musicalizado con un loop de percusión. Una caja de Pandora, a la altura de la inclasificable imaginación de su autor.
David Lynch Crazy Clown Time Sunday Best, 2011
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Leslie Feist comenzó su carrera musical entre bastidores: Usaba una marioneta para acompañar en sus giras a una girl band con nombre de fruta. Y de ahí brincó a los escenarios, tomó el micrófono y los reflectores iluminaron su rostro hasta entonces desconocido. Su tercer álbum The Reminder, se convertiría en el punto de giro en su carrera; canciones desprendidas de él, como “Mushaboom”, la elevaron a la cúspide en 2007, mientras que el sencillo “1234” apareció en un anuncio para una prestigiada marca de dispositivos móviles, motivo suficiente para convertirla en una cantante de amplia popularidad. El reconocimiento alcanzó a la canadiense y entonces ella se convirtió en una marioneta de la fama. Sorprendida y quizá un tanto abrumada, decidió pisar el freno y detener el arrollador éxito que se avecinaba. Tomó su equipaje y huyó a las montañas de California, prometiendo darse un año sabático que finalmente se convirtió en dos: “Ya no quería hacer más música.
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Cuando dejé la gira, no me preocupaba el futuro, me interesaba que ya no tenía que estar de gira”, confesó en entrevista para la prensa canadiense. Durante ese tiempo, se dedicó a componer con entera libertad, en completo gozo y absolutamente integrada al entorno que la rodeaba: “Necesitaba tener un calendario sin líneas, sin que cada día estuviese fijado seis meses antes”, comenta. En su página oficial comparte videos que relatan memorables episodios del proceso de grabación de sus nuevas melodías. La constante en todos ellos es la imagen de una Feist de limpio rostro y gestos discretos: Abierta, receptiva, sin prisas, atenta a cada uno de los detalles, con la luz que se cuela por las ventanas, a través de las cuales se ven a lo lejos praderas y montañas. De la conjunción de todos esos elementos surge Metals, su más reciente producción discográfica y la quinta en su trayectoria. Se trata de un álbum que describe imágenes de espíritu bucólico, con sutiles notas de blues y matices de jazz, coloreadas con elegantes metales y dulces cuerdas que se convierten en
Metals se divide en tres momentos: El primero pisa los terrenos del folk, el segundo pertenece al blues y el jazz y el último a la melancolía de melodías acompañadas casi exclusivamente por una guitarra.
Feist. Metals. Polydor, 2011.
ecos, y luego en coros. Voces que acompañan lo mismo a un violín que al vibrante piano de Brian LeBarton, sin duda el más destacado de sus colaboradores. Se puede decir que Metals se divide en tres momentos: En el primero pisa los terrenos del folk, bien conocidos por la cantante, con canciones como “The bad in each other” o “Graveyard”, sin duda lo más parecido a lo que Feist nos tiene acostumbrados. Luego hay un segundo momento que pertenece al blues y el jazz, con piezas como “How come you never go there”, y finalmente, la melancolía de melodías acompañadas casi exclusivamente de una guitarra solitaria, como es el caso de “Comfort me” y “Get it wrong, get it right”, canción que cierra formidablemente el telón. Metals es un disco auténtico, que lejos de pretender pisar de nuevo el acelerador de la fama, se limita a cambiar la velocidad, para que su creadora pueda seguir disfrutando y compartiendo lo que mejor saber hacer: Su música.
SMiLE es, sin duda, el álbum perdido más legendario del pop: Rumor entre conocedores y santo grial de coleccionistas. El 1 de noviembre de 2011, casi 45 años después de su creación, el disco que Brian Wilson y sus Beach Boys nunca pudieron terminar vio la luz oficialmente. Pura historia.
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El mito de SMiLE se perpetuó. ¿Qué había sido de ella? ¿Había
sido terminada? ¿Era la gran sinfonía que Wilson había prometido?
Todo comenzó en 1966. Tras Pet Sounds, Brian Wilson, rematar, se servía LSD como desayuno, comida y cena. líder de los Beach Boys (grupo que formó con sus Y, entonces, en el verano de 1967, los Beatles lanzaron Sgt. Pepper… hermanos Carl y Dennis, Mike Love y Al Jardine) Y Brian se sintió devastado. Los cuatro greñudos lo habían hecho de decidió dar un paso adelante y hacer un disco más nuevo. Decidió que ya no valía la pena continuar. “Puse las cintas ambicioso y complejo. Sounds no fue un hit de ventas, originales en un estante”, dice Wilson.“SMiLE era algo de lo que ya no a pesar de que Paul McCartney lo mencionó como su quería hablar con nadie. Mi alma creativa estaba rota”. álbum favorito. Precisamente, Brian intentaba competir Algunas canciones de esas sesiones salieron en discos subsecuentes con los Beatles, que recién habían lanzado Rubber de los Beach Boys, pero el mito de SMiLE se perpetuó. ¿Qué había Soul y Revolver. Con su nuevo proyecto, Wilson estaba sido de ella? ¿Había sido terminada? ¿Era la gran sinfonía que Wilson decidido a superar cualquier cosa. había prometido? El trabajo comenzó en Beverly Hills, en un ambiente por Sí. Lo es. Podemos saberlo hoy, a 45 años. Ha pasado toda una demás raro. Brian contrató al letrista Van Dyke Parks, vida y el rompecabezas está terminado. Con un pulido trabajo de confeccionista de versos extravagantes. Se sentaban ingeniería sonora, SMiLE es lo que debía ser: Una gigantesca obra sobre una enorme caja con arena de playa que Wilson maestra en clave de psicodelia y pop barroco. Un disco entre un usaba para inspirarse. Pero no todo era juego. Más bien millón. Un pedazo de historia en voz de sus creadores originales. Un se trataba de un exorcismo. “Una sonrisa podía salvar disco que llega a destiempo en una época de cinismo. Una sinfonía tu alma. Nos habían dicho que la risa era la mejor que agota todas las posibilidades sonoras, unos versos que desafían medicina”, cuenta Brian. “Y dado el estado de mi cualquier regla lingüística. Un álbum importante y conmovedor. cabeza en aquellos días, yo necesitaba de la mejor Nunca sabremos qué habría sucedido si SMiLE hubiese salido medicina.” Así que decidió ponerle SMiLE al disco. en 1967. Pero hoy, en 2011, tenemos la oportunidad de vindicar La feroz competencia con los de Liverpool, su tremendo discazo. Entre tantos fenómenos pop con fecha de ansia creativa y la presión de hacer un trabajo caducidad, los Beach Boys y SMiLE exitoso y trascendente comenzó a consumir son la respuesta. Por su historia, su vida. Pretendía escribir una definitiva por su música y por toda la vida Con “sinfonía adolescente a Dios”. Animado por que hay en cada una de las un pulido el éxito de la icónica “Good vibrations”, canciones. Un disco perfecto trabajo Wilson puso manos a la obra y comenzó que siempre debió existir (y de ingeniería a grabar. La rueda de la fortuna giraba. que hoy puede conseguirse sonora, SMiLE es Las sesiones no fueron del todo en CD, vinilo y hasta box lo que debía ser: Una bien. Mike Love, cantante principal, set conmemorativo.) detestaba las nuevas canciones, “La música es la voz gigantesca obra maestra The Beach Boys. especialmente las rimas infantiles de Dios”, dice Brian en clave de psicodelia y SMiLE (The SMiLE y bucólicas de Parks. Brian Wilson. No hay más pop barroco. Un disco entre un Sessions). EMI / se mostraba cada vez más que darle la razón. millón. Capitol, 2011. ansioso y errático. Para Gracias, Brian.
Una sola pregunta se formul贸 en la mente de las personas cuando se enteraron del disco creado en mancuerna por Lou Reed y Metallica: 驴Por qu茅? Y no era un cuestionamiento que requiriera una respuesta, sino una queja pronunciada con disgusto y confusi贸n.
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Todo comenzó en 2009, cuando Lou y la banda tocaron en el concierto de 25 aniversario del Salón de la Fama del Rock N’ Roll, donde Metallica también acompañó a Ozzy Osbourne y Ray Davis, de The Kinks. Después de ese encuentro, Reed excavó algunos tracks que no había utilizado y se encontró con Lulu, conjunto de canciones inspiradas en dos obras de teatro del escritor Frank Wedekind. En mayo de ese año entraron al estudio manteniendo en secreto el proyecto, hasta que en junio, cuando las grabaciones se completaron (tiempo récord para Metallica, quienes tardan varios años en terminar cada uno de sus discos), se reveló que el proyecto sería la colaboración entre ambos artistas. A estas alturas, casi todos los interesados en escuchar el resultado de esta unión lo han hecho. Y desde los críticos que le dan puntuaciones mínimas hasta las amenazas de muerte que ha recibido Reed, la reacción ha sido fuerte y negativa. Si se intenta encontrarle al asunto una justificación artística, veremos que ambos tienen muy poco en común, ya que vienen de diferentes épocas, sonidos y métodos para desarrollarse. Incluso si se piensa que ser tan opuestos puede resultar en algo interesante, el tipo de música que Reed ha hecho (desde el minimalismo que iba de la simple guitarra acústica a la cacofonía vanguardista con The Velvet Underground, o las exploraciones de la narración y sonido) difiere mucho de los arreglos ambiciosos pero limpios y cuadrados que Metallica ha producido. Por separado, Lulu pudo ser elogiado por los públicos de cada bando. Los riffs que Metallica utiliza parecen haber nacido de las sesiones de Death Magnetic, disco calificado como un gran regreso por parte de la banda acusada miles de veces de venderse y traicionar a sus fans. Por otra parte, las letras que Lou Reed maneja en el disco son poéticas, narrativas, oscuras y con una perspectiva fría, recordando las utilizadas en la época de Growing up in Public, The Blue Mask y Legendary Hearts. El problema es que casi todo el tiempo se escuchan como dos discos que fueron unidos a la fuerza y sin razón. Si Reed hubiera querido hacer un disco con una banda metalera, pudo haber colaborado con Tool, Neurosis o Sunn O))), quienes han tenido acercamientos a la música en que él ha abierto brecha; pero prefirió a los infinitamente más populares Metallica. Juzgando por sus declaraciones, Metallica hace esto como un proyecto personal, con el que quiere mostrar su admiración hacia Reed. Y a juzgar por su historial, Reed lo ha hecho sólo para provocar, maniobra que ha sido buen motor de su carrera, desde Metal Machine Music hasta la canción “Original wrapper” (donde rapea) y sus innumerables e inapropiadas declaraciones a la prensa. Así que, ¿qué mejor para él que provocar el desconcierto y la ira de millones de amantes de la música en el mundo entero? Lou Reed y Metallica han hecho una obra que provoca, ofende y pone a pensar, digna de ser exhibida en una galería. El disco es sólo una excusa para el impacto a gran escala que desencadenaría. No importa si ése fue el motivo, es lo que lograron.
Lou Reed y Metallica han hecho una obra que provoca, ofende y pone a pensar
Lou Reed & Metallica. Lulu. Universal Music, 2011.
usta ca g e m si “No o la mú ue es q h muc a, creo drada. nuevca y cua mpre loe se ero sie unqu a Prefi éntico, iejo…” t au ezca v par
Confieso que cuando supe de este grupo formado por María Barracuda y Jorge “La Chiquis” Amaro, el nombre me hizo suponer que se trataba de una banda de pop más. Y aunque su estilo es claramente pop, tras escuchar su nueva producción titulada Turista del Amor me percaté de que su manufactura es de una calidad elevada y de que el sonido del pasado fue un mero accidente. De eso y otros temas platicamos en exclusiva con este par. Me llama la atención el título del disco. María Barracuda: El concepto es todo lo que uno debe viajar en términos de una relación, teniendo varias experiencias. El amor es como conocer distintos países; llegar a uno y después de mucho, decir: "Este está chido y aquí me quedo a vivir". Si pudieran comparar a su pareja ideal con algún lugar, ¿cómo sería? MB: Pues un lugar tranquilo, que te dé paz. Chiquis: Mi chica ideal es como Maruata, una playa michoacana hermosa. En este nuevo disco parecen menos inocentes que en el anterior. MB: El disco anterior fue un accidente, porque fue por encargo. Chiquis: Sí, los temas del disco pasado fueron sugerencias de disqueras y editoras que al final no iban mucho con nosotros, aunque fue una maldita suerte, porque sin quererlo nos puso en los medios y hasta nominación al Grammy sacamos (risas). Es obvio que Midi ya no está con JotDog. MB: En realidad nunca fue parte del grupo. Estuvo como músico invitado durante un break que tenía con Moenia, pero ahora que el grupo regresó, él se fue. De hecho, Midi no estuvo cuando hicimos ese disco. Esto es sólo de Chiquis y mío. Veo el arte y las letras del disco y pienso en un mundo de fantasía.
MB: Nos encanta la ciencia ficción y lo que hacemos es retro futurista. Se trata de explorar la visión del futuro según el pasado. En este caso, la idea de cómo lo veían en la década de los veinte. Esto se ve implícito (sic) en la ropa que usamos de basura reciclada. Tenemos mucho de apocalíptico también. ¿Creen que el mundo se acabará en 2012? MB: No lo creo. Nuestra actitud apocalíptica es una metáfora que se remite a la idea de: "Haz lo que quieras, no tienes nada que perder". Chiquis, muchos te consideran un gran productor. ¿Cuál es tu percepción de la música actual? Creo que hoy en día todos los rockeros quieren hacer pop. No me gusta mucho la música nueva, creo que es seca y cuadrada. Prefiero siempre lo auténtico, aunque parezca viejo… Así es la juventud. ¿Qué representa para ustedes ser jóvenes? MB: Absolutamente... ¡Nada! (risas) ¿Nada? MB: Nada (risas). Creo que es momento de concluir esta charla. Golpe bajo. Knock out! (Agregue aquí risas ininterrumpidas del dúo de cinco minutos, aproximadamente).
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JotDog Turista del Amor SeiTrack, 2011
Al venir de hacer covers muy comerciales, de ésos que se olvidan en cinco minutos, podría pensarse que JotDog no tenía más que dar. Pero sus integrantes decidieron tomar las riendas de su sonido y mandar por un tubo los intereses secundarios. Aquí podemos encontrar una propuesta muy interesante que explota inteligentemente el electropop con letras inspiradas en el desamor y la ciencia ficción de antaño, como se muestra en su primer sencillo “Lluvia de estrellas”. A pesar de estar en el cajón del “pop”, encontramos bases electrónicas oscuras y mucho guitarreo, con personajes imaginarios como en “Geisha vaquera”, cuya base musical nos recuerda a Alaska y Los Pegamoides. Otros temas destacados son “Corazón de metal”, (muy guitarrera y bailable) y “Sucédeme”, que es una balada sintetizada. La voz de María Barracuda no es virtuosa, pero con la tremenda producción de “La Chiquis” Amaro logra llevarnos, a través de la emoción interpretativa, a un mundo único y sí, honesto.
isco “El dior fue , r anteccidente or un a ue fue p. porq ncargo” e
Pocos saben, pero la memoria auditiva es de los primeros sentidos que ejercitamos… Desde los primeros días, el cerebro registra la voz de nuestros padres, mientras que los ojos todavía no se conectan con el cerebro, ya que no hemos desarrollado el software natural que necesitamos para decodificar las imágenes. En cambio, desde que somos nonatos los sonidos ayudan a construir un entorno. De alguna forma, mi memoria particular se remonta a una típica consola, estrella de cualquier sala de los setenta, donde mi madre me regalaba las canciones inmortales de Doris Day, Bing Crosby, Nat King Cole… Sin embargo, la estrella del día era indudablemente Frankie “Ol’Blue Eyes”, de quien era mi papa fan irredento.
Tal vez el haber sido hijo único de una pareja más que tradicional de inmigrantes italianos hizo que Francis Albert Sinatra siempre buscara ser el centro, desde su tropezada vida estudiantil hasta que encontró el escenario como su campo de acción. Con un natural y no aprendido talento, Sinatra se convirtió lentamente en la figura más destacada del arte conocido como de “crooners” o cantantes con enorme voz y personalidad que se enfrentaban solos al público. Contemporáneo de las grandes bandas, Sinatra comenzó su carrera como parte de la de Tommy Dorsey, famoso líder que definió el estilo como pocos. Urgido de cantar y darse a conocer, Sinatra firmó un contrato leonino que le obligaba a entregar a Dorsey –durante toda su carrera–el 30% de sus ganancias, libre de polvo y paja. Cuentan las malas lenguas y su propio tocayo Ford Coppola, que Sinatra tuvo que mandar a sus cuates del vecindario a hacerle una oferta que no podía rechazar y liberarlo de esa carga legal. Como sea, Sinatra confirma su reinado absoluto al convertirse
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en estrella de cine y hasta ganar un Oscar por un papel secundario. En una época, Sinatra lo es todo: no sólo un cantante exitoso, sino que está presente en la radio también con varias radionovelas, en la TV, en el cine, en los musicales y hasta en los escenarios. Es el prototipo de multitalento, pero con un personalidad inmensa, no como los idolitos a la Britney-Bieber-Winehouse-Gaga del mundo actual sin memoria. Una figura que no solo acompañaba a Elvis Presley en un especial de TV, sino también se atrevía a cantar temas originales de un musical afroamericano durante la efervescencia racial, provocando que el mismo Martin Luther King llorara. Una personalidad tan grande que no le temía a ninguna competencia, sino la buscaba y compartía, interpretando canciones originales tanto de los Beatles como de Paul Simon y Joni Mitchell en una época en que la “gente decente”
tachaba al rock’n roll de reaccionario y peligroso para la juventud. Frank siempre supo ponerse del lado del sentido común, produciendo discos con Antonio Carlos Jobim cuando el bossa nova comenzaba a invadir el mundo, pero también con Count Basie o Duke Ellington cuando quería explorar el swing o con Quincy Jones cuando necesitaba un gran show. Y como precisamente son los shows en vivo los que definen a un artista, no existe mejor ejemplo que la recién editada recopilación titulada Sinatra: Best of Vegas, que a lo largo de 14 cortes nos resume toda su carrera. Como ningún otro artista, Sinatra definió a Las Vegas como el lugar por excelencia del espectáculo a lo largo de 40 años. Así que Best of Vegas inicia desde 1961, con sus insuperables interpretaciones en el legendario Hotel Sands de clásicos como “The lady is a tramp” o “I’ve got you under my skin”, acompañado por la banda de Count Basie. Generado como resumen de una muy exitosa caja recopilatoria editada hace un tiempo, Sinatra: Best of Vegas no solo nos muestra la enorme personalidad, sino el cariño de su público siempre que se paraba en el escenario revistiendo esa gran voz muy difícil de describir pero que en realidad llena los sentidos en cada uno de sus éxitos como “Fly me to the moon”, “The one I love belongs to somebody else” o “Pennnies from heaven” y uno de los himnos generacionales mediáticos:“New York, New York”. Si alguien necesita una prueba de por qué la Enciclopedia de la Rolling Stone menciona a Sinatra como “el modelo y la envidia de los rockeros desde el principio” o por qué Sid Vicious y Elvis Presley grabaron “My way” o por qué en una encuesta fue votado por Miles Davis, Duke Ellington, Stan Getz, Benny Goodman, Gerry Mulligan, André Previn y otros como el mejor cantante de jazz en la historia, simplemente escuchen Sinatra: Best of Vegas. Frank Sinatra Best of Vegas O bien háganlo sólo para ver EMI Music, 2011 cómo nos hace recordar aquellos tiempos cuando bastaba que alguien pusiera en la consola de nuestra casa un disco de un muy neurasténico cantante originario de New Jersey para que éste quedara impreso en la memoria por siempre.
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Tom Waits es de los pocos artistas cuya obra puede describirse con su propio adjetivo. Y es que el de Pomona, California, ha forjado a lo largo de casi cuarenta años un trabajo personalísimo, sin concesiones y con una estética muy particular.
Lo tomwaitsiano evoca imágenes: Bares sórdidos, cabarés ambulantes, callejuelas oscuras; un universo de solitarios decididos a consumirse en el alcohol, en los acordes de un piano o en un viaje esquivo por carreteras secundarias y a dedo. Esto no quiere decir que Waits (1949) y su obra sean unidimensionales. Al contrario. La profundidad de sus textos raya en la poesía, aunque él lo niegue. Su registro musical es, cuando menos, contradictorio: A veces inscrito en la canción más tradicional (el blues, la chanson, el folk) y a veces clavado en la vanguardia, la música concreta y la experimentación concienzuda. Todo eso, a veces, en un mismo tema. Por eso cuando hay un disco nuevo de Tom Waits ya se sabe qué esperar. La consistencia de su trabajo recae en obedecer únicamente a su instinto creador. Bad as Me, su álbum número 17, es una colección más de canciones de un hombre que lo ha hecho todo y que se ha dado cuenta de que el quid no está en presentar algo nuevo, sino en hacer algo honesto. Y es que lo suyo no es un trabajo de genio: Es el corazón abierto de un hombre lúcido. Anti-rock, teatral, Tom Waits resulta mucho más subversivo
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que muchos artistas que se asumen (y, paradójicamente, se venden) como tales. Siempre prefirió estudiar a Louis Armstrong, a Howlin’ Wolf y la música de los espectáculos de vaudeville que seguirle el juego a Deep Purple. Se nota en su música una inmersión en la vida beat de Jack Kerouac, los heróicos excesos de Charles Bukowski y la crítica corrosiva de Bertolt Brecht. Su voz es una de las grandes de la música. Pero no es un timbre agradable, ni siquiera una voz educada, sino una ronquera expresiva, formidable y gutural que le debe mucho a Screamin’ Jay Hawkins. Lo mismo declama que grita como alma en pena. Waits es inconfundible al cantar y en Bad as Me le escuchamos no sólo un timbre de experiencia y sabiduría: También le da por berrear, jugar al crooner (Bing Crosby siempre fue su héroe), arrastrar las palabras cual bluesman con pantalones llenos de lodo o gritar con euforia de profeta. El disco abre con “Chicago”, que tiene ritmo de marcha de tren y un aire expectante. “There aren’t enough right raised men” es un furioso blues que no estaría fuera de lugar en un cancionero clásico. “Talking at the same time” funciona perfectamente como el tema de los créditos para una película de su amigo Jim Jarmusch. Deudora del gritoncísimo soul sureño, no se ahorra
9.0 Tom Waits Bad as Me Anti Records, 2011
alaridos rabiosos. Y por el mismo rumbo anda “Get lost”, una joya que tira hacia el rockabilly más primitivo. El sonido Big Sur sigue presente en “Face to the highway”, que es una road movie hecha canción. En “Pay me” nos encontramos a Waits en una cantina de mala muerte, acompañado de un lánguido acordeón. En la vena folk está “Back in the crowd”, mientras que la que da título al disco es una gritona canción de amor para su esposa Kathleen Brennan (“Dices que eres mala, eso es bueno para mí…”) “Kiss me” es una balada iracunda escupida por un viejo aparato de radio, mientras que “Satisfied” (con Keith Richards de invitado) es un pantanoso boogie eléctrico. Pero el punto álgido llega con “Hell broke luce”, que sólo puede describirse como épica: Una especie de visión de William Burroughs con melodía. Tom Waits lo ha hecho de nuevo. No busca el hilo negro; luego, lo encuentra. Para el fan, Bad as Me resultará todo un aquelarre. Para el neófito, una excelente iniciación al retorcido universo tomwaitsiano. El circo llegó al pueblo. Esteban Cisneros
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9.0 Brites Futures Dark Past Atlantic Records, 2011
9.0
Atlas Sound Parallax 4AD, 2011
Desde mediados de los dosmiles no pasa un año en que no se sepa de Bradford Cox haciendo música, ya sea con Deerhunter o en su proyecto individual Atlas Sound, siendo éste del que se acaba de desprender un trabajo, quizá más accesible (cuestión relativa con él), pero no por ello condescendiente ni domesticado. Es curiosa la manera en que el hombre ejecuta el pop, mismo que se vuelve experimental con los efectos o distorsiones que incorpora y alterna entre guitarras eléctricas y acústicas que se rasgan suavemente (oigan “Angel is broken”), además de las pulsaciones del onírico teclado que se conjuga con una apacible voz, componentes ambos de un disco excepcional. Alejandro Rojas Luna
9.4 Julia Fischer, violín/Orchestre Philharmonique de Monte Carlo, dir. Yakov Kreizberg Poème (Obras de: Chausson, Respighi, Vaughan Williams y Suk)
DECCA, 2011
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Si hubieran surgido hace veinte años, los hubieran visto como bichos raros en su natal Seattle (por grungeras razones), y más si se siguieran llamando como en sus inicios: Natalie Portman's Shaved Head. En este disco, el grupo hace lo que más se le da: Pop plagado de referencias al new wave del más bailable, que a través de exquisitos títulos como “Too young to kill” muestra de que el pop actual puede tener energía y actitud. Sí, es electropop, pero menos ñoño que el que escucharían digamos, Alf y la familia Tanner… Y no desentonarían en una fiesta con Alphabeat o Junior Senior, a pesar de sus canciones descaradamente pegajosas. ¿Un pasado oscuro? No, un futuro brillante. Alejandro Mancilla
Dado que lo usual al pensar en el violín solista es asociarlo con lo pirotécnico o lo apasionado y romántico –pues es muy característica esta parte del repertorio–, sorprende que Julia Fischer, uno de los más grandes talentos jóvenes del violín de esta década (y, por cierto, también pianista), dedique un disco completo a piezas reunidas bajo el concepto del “poema” post-romántico, en general desconocidas o pobremente atendidas. Las cuatro obras conforman un recorrido de mucha y no sencilla introspección (no es tarea fácil reunir a cuatro compositores, aunque relativamente contemporáneos, cada uno de distinta nacionalidad y personalísimo carácter: Respighi, italiano; Suk, checo; Vaughan William, inglés, y Chausson, francés), de gran color y textura que remiten al impresionismo más voluble de quizá un Monet o un Boudin, y además colocarlas en perfecto orden e interpretar cada una con absoluta excelencia técnica e inesperada sensibilidad. El acompañamiento de Yakov Kreizberg, fallecido prematuramente este año, sostiene, cobija, responde y releva al violín según la música misma, tan bien conducida, parece pedirlo. Darío Moreno
7.5
Fas Trío Chimeco Intolerancia, 2011
Es muy agradable observar cómo se ha ido desarrollando en México una escena de jazz e improvisación libre. A unos cuantos años de su formación, Fas Trío es ya una de las más sólidas agrupaciones del género. Remi Alvarez en el saxofón, Jorge Fernández en la batería y David Sánchez transitan por la exploración sonora y la absoluta libertad creativa. Música de calidad, ejecutada por músicos comprometidos con un discurso claro que van deshilando a través de ocho cortes limpios y directos.
S.C.U.M. Again into Eyes Mute, 2011
Walter Schmidt
7.5
Coldplay Mylo Xyloto Capitol, 2011
Coldplay ha sido una banda dependiente de los sencillos sentimentales y no tanto del valor de una obra en su conjunto, por eso destaca que éste sea el material donde al fin haya que reparar en los detalles, tales como los lapsos de protagonismo otorgados a la guitarra eléctrica, misma que se conjuga con vastos arreglos de cuerdas, amplio surtido de sintetizadores, efectos, coros y uso moderado del piano. Si se elimina el bostezo que es la colaboración con Rihanna (“Princess of China”) y uno se centra en cortes como “Major minus”, algunas cejas escépticas se levantarán. Alejandro Rojas Luna
8.0 Entre crestas aceptables y algunos hondos desfiladeros caminan las canciones con las que S.C.U.M. (nombre inspirado en un manifiesto feminista radical) se suma a la fila de bandas que siguen aprendiendo de Joy Division, My Bloody Valentine y Jesus and Mary Chain. Es decir: Post-punk y art rock (ah, y un poco de shoegaze) entre lo predominante, que en este caso deposita la fe en las bondades obscuras y ambientales de los sintetizadores, la profundidad del bajo y la voz de Thomas Cohen, quien si considera no abusar de la teatralidad podría ser un gran vocalista. Alejandro Rojas Luna
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RESEÑAS
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8.3
Florence + the Machine Ceremonials Universal, 2011
El pop barroco y rimbombante de Florence Welch continúa su marcha con la grabación de éste, su segundo álbum como Florence + the Machine, donde con mayor ahínco se nota la disposición del cúmulo de instrumentos y coros para concatenarse con la voz principal y así obtener composiciones garigoleadas en las percusiones y alientos, e intensas con el arpa y sintetizadores, como sucede con “What the water gaves me”, “Seven devils” y “Heartlines”. Paul Epworth produjo otra vez y se nota la inercia de lo realizado anteriormente para Adele. Así, Florence suena refulgente y aplastante cuando el tono sube y delicada cuando la melancolía envuelve. Por voz, la máquina no para. Alejandro Rojas Luna Quienes creen que EMF es un grupo de un solo éxito, en parte tienen razón. Pero más allá de “Unbelievable” –tema que más que una bendición es el estigma que los condenó a ser parte del club del one hit wonder–, este grupo más noventero que Jerry Seinfeld tenía grandes canciones como “Lies” (también sencillo de su disco debut) o un muy buen segundo disco titulado justamente Stigma, donde por momentos sonaban a un Trent Reznor adolescente y sin odio. Este recopilatorio con remixes incluidos es una selección coherente de sus mejores temas que no te disgustará si lo escuchas con una gorra color neón al revés y te sabes los pasos de baile de estos electropunk-funketeros-pop de suburbio breakdancer.
EMF The Best EMI Music, 2011
8.7
Alejandro Mancilla
9.5
Fountains of Wayne Sky Full of Holes Yep Roc Records, 2011
Vuelven tras cuatro largos años. Y su quinto disco es una gozada. Adam Schlesinger, Chris Collingwood y su grupo son toda una institución del powerpop por esa música beatlesca, hipermelódica, repleta de ganchos y guitarras estridentes. En este álbum hay menos ruido y velocidad, pero no por eso desmerece. Letras inteligentes, melodías pegadizas, sonido de guitarra-bajo-batería. No se necesita más. Un puñado de buenas canciones. Al final, de eso se trata. ¡Esto es pop! Esteban Cisneros
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VHS Or Beta Diamonds and Death Varese Fontana, 2011
8.0
Grouplove Never Trust a Happy Song Atlantic, 2011
6.5 A estas alturas de la vida, ya pocos esperan un disco nuevo de VHS Or Beta. Es más, el nombre a muchos ni les dice gran cosa. Contemporáneos de The Rapture y !!!, con menos tino y gracia entregan su cuarto disco de estudio, que parece ser una suerte de synthpop dance-punk genérico y con pocas sorpresas. Su producción es fina, la más limpia y cuidada hasta la fecha, aunque no le alcanza a la banda para lograr algo espectacular. Hay momentos que te hacen bailar, como “Jellbeam” y “Watch out”, pero nada más. Luis Jasiel Villa
Michael Bublé Christmas Reprise, 2011
8.1 Un poco de pop y de swing hacen que los clásicos navideños, en voz de Michael Bublé y algunos invitados, conformen un disco a considerar para estas fiestas. Nada que no conozcamos, pero sí muy buenas versiones, como “It’s beginning to look a lot like Christmas”, con la que abre el disco, o un sencillo y agradable “Silent night”, al igual que bien elegidos duetos como “Jingle bells”, con Puppini Sisters; “White Christmas”, con Shania Twain, lo mismo que “All I want for Christmas is you”, con Mariah Carey, y un buen cierre en el que lo acompaña Thalía con “Feliz Navidad”. Elena Campos
Lo de Grouplove es simple: Un indie rock emotivo y lleno de sorpresas, en el que se reutilizan recursos harto gastados en los últimos cinco años por las bandas que se cuelgan de esa etiqueta. Sin embargo, su debut pasa a ser de lo más notable de 2011; doce canciones sin desperdicio, con fórmulas conocidas: Coros pop que tienen pinta de rock de estadio, vocales de chico/chica donde él grita y ella da la armonía. “Colours” y “Chloe” recuerdan a unos Arcade Fire menos deprimentes, en tanto “Itchin on photograph” y “Tongue tired” deberían ser hits radiables o al menos atendidos por las masas. Uno de esos discos que te hacen saltar, te transmiten la emoción con la que tocan y te hacen traer una canción tarareando todo el día. Los reto a no darle play una y otra vez y querer que todo el mundo los escuche para que vean cómo la música sigue con su función de cambiarte la vida… O al menos brindarte un buen momento. Luis Jasiel Villa
RESEÑAS
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8.5 Yann Tiersen Skyline Mute, 2011
6.8 Tokyo Police Club Ten Songs Ten Years Ten Days Saddle Creek, 2011
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En esta época obscura donde las canciones alcanzadas por el “fenómeno Glee” se convierten en algo desechable, entretiene toparse con una banda semi adolescente que ahora se enfocó en hacerle covers a diez temas que para ellos son representativos de la primera década del Siglo XXI. Semana y media es el tiempo que le tomó a Tokyo Police Club cambiarle los arreglos a “South side” (Moby), aquí en colaboración de Morgan Kibby (de M83), y hacer de ella algo un poco más acelerado e inclinado a las percusiones; similar destino tienen “Sweetness” (Jimmy Eat World), con colaboración de Michael Angelakos (Passion Pit), y “Little Sister” (Queens Of The Stone Age). Al gusto del público señalado. Alejandro Rojas Luna
Yann Tiersen sabe cavar profundo para obtener notas, melodías y armonías que evocan situaciones cándidas y entrañables. No obstante, ahora se despojó casi por completo de ese distintivo estilo donde la chanson, el vodevil y el cabaret colman el espacio. Así, el minimalismo de las guitarras y sintetizadores logra conexiones con el post rock que hace Mogwai. Los tracks procuran generar ambientes esperanzadores, mismos que se sostienen en elementos electrónicos. Asimismo, la periódica presencia de voces es vital, siendo “The gutter”, con extracto del discurso que el Ché Guevara pronunció en 1964 ante la ONU, algo de lo más interesante. Alejandro Rojas Luna
8.0 Varios Weekend 01. Vitamina Dance Label 10 EMI, 2011 Pocas veces una recopilación temática, en este caso de música bailable, reúne lo mejor de artistas y repertorio de una disquera para ofrecernos un panorama lo más completo posible. En este disco doble, con quince temas en inglés y trece en español, desfila sólo música 100 por ciento comercial (David Guetta, Fergie, Chris Willis, Goldfrapp, Kylie Minogue y muchos más), pero resulta ideal para las fiestas de fin de año. Walter Schmidt
Quiero Club Días Perfectos Happy-Fi, 2011
8.5 La cantera neoleonesa sigue produciendo música interesante con exponentes como Quiero Club. El quinteto lanza este mini álbum con su nuevo sencillo “Días perfectos” y otras tres canciones que editaron previamente en 2010: “Qué hacer en caso de oir voces”, “Las propiedades del cobre” y “Música”. El tema que da nombre al EP es mucho más rockero, dominado por guitarras sicodélicas/pesadas que alternan con elementos electrónicos en un coctel bailable y moderno. Para mi gusto, las partes vocales podrían ser más agresivas o fuertes, para estar a la par de las liras. Un adelanto de lo que vendrá en su nuevo álbum, que está por salir. Walter Schmidt
The Humans Sugar Rush The End Records, 2011
8.9
Hace años, quizá no hubiera comprado un disco de un grupo que se llamara The Humans. Hablo de antes, cuando adquiría cosas sólo por la portada y el nombre de la banda. Ahora, los tiempos no están para eso, y hay que buscar con lupa bandas como ésta, que a lo largo de trece canciones experimentan y juegan sin inhibiciones con eso que siguen empeñándose en llamar rock, de manera no muy convencional pero sí elegante, sobre todo por el guitarrista invitado en casi todos los tracks, Robert Fripp (ex King Crimson) y el bajo a cargo de Bill Rieflin (quien fuera baterista no oficial de R.E.M y Ministry). La voz podría recordar a Tori Amos un poco más frenética, pero lo juro: No suena tan noventero como podría parecer. Alejandro Mancilla
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DVD's
Clásico
Muy Bueno
Bueno
Regular
Malo
La Versión de Mi Vida Dir. Richard J. Lewis Comedia y Drama Ácido retrato de un joven judío canadiense (Paul Giamatti) que entra a la madurez y nunca entiende ni de qué se trata la vida, ni a las mujeres que lo quieren a pesar de sí mismo. Básicamente un perdedor con buena suerte, Barney vive sin darse cuenta de lo afortunado que ha sido (¿te suena familiar?). Brillantes actuaciones de Giamatti y Dustin Hoffman, como su padre.
Triste San Valentín Dir. Derek Cianfrance Drama Desgarradora cinta sobre el principio y el fin de un matrimonio de clase trabajadora. Ella, una joven enfermera. Él, cargador de mudanzas. Vemos cómo se conocen, las expectativas que se forman uno respecto del otro y cómo se va perdiendo la admiración hasta que la relación se vuelve insostenible. La ignorancia, y como resultado la agresión, juegan un papel importante en la descomposición del matrimonio. Con Michelle Williams y Ryan Goslyn. Excelente.
X-Men Primera Generación Dir. Matthew Vaughn Ciencia ficción Bastante agradable precuela de la franquicia de los Hombres X, con un nuevo grupo de jóvenes actores encargados de hacernos saber qué hacían estos mutantes antes de ser héroes. Una muy buena historia y un excelente balance con las secuencias de acción. Sobresalen las encantadoras January Jones ("Mad Men") y Jennifer Lawrence.
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Don Gato y Su Pandilla: La serie completa. Edición de colección Animación / Comedia Un clásico de las caricaturas de Hanna Barbera. Don Gato vive en un callejón de Nueva York con su pandilla, un grupo de gatos simpáticos y adorables que sólo quieren comer y ganar dinero con alguna tranza que no requiera mucho esfuerzo (podrían haber sido políticos). El doblaje merece una mención especial. ¡Viva Don Gato!
Documentales IMAX IMAX es cine de gran formato con mucho mayor resolución que el convencional, y por ello a lo largo de los años ha proyectado excelentes documentales, a menudo más libres y entretenidos que los de National Geographic. Ahora podemos disfrutar muchos de ellos en Blu-ray, con la mejor calidad que se puede tener en casa. Algunos títulos sobresalientes son: Fantasmas del Titanic, de James Cameron; África - El Serengeti, Mar Profundo 3D, NASCAR y Aventura en el Gran Cañón.
La Oveja Negra Dir. Ismael Rodríguez Drama No puedo dejar de pensar lo buena que es esta película donde Fernando Soler es un padre muy macho y su hijo, Pedro Infante, también. ¿Debemos obedecer a nuestro padre aunque se equivoque, esté borracho, sea un macho irremediable y haga sufrir a nuestra madre? Una pequeña obra maestra del cine mexicano.
Cautivos del Mal Dir. Vincent Minnelli Drama
Dicen que si quieres trabajar en Hollywood tienes que tener mala memoria, para olvidar a toda la gente que te ha pisado. Este retrato de un tirano productor de Hollywood (Kirk Douglas), es armado a través de la mirada de una actriz (la increíble Lana Turner), un director y un escritor que fueron usados y traicionados por el productor. Uno de los mejores retratos sobre la otra cara de Hollywood.
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Peter Gabriel New Blood Live in London EMI Music
Un accidente aéreo
¡Viven! La historia de un grupo de deportistas uruguayos cuyo avión se estrella en la Cordillera de los Andes y lo que se ven obligados a hacer para sobrevivir. Una historia real.
Una guerra
La Lista de Schindler. De cómo un alemán cobra conciencia y decide tratar de salvar de los campos de concentración a sus empleados. La mejor película de Spielberg.
El post-Apocalipsis
El Último Camino. La relación entre un padre (Vigo Mortensen) y su hijo, que se lanzan a caminar por un mundo donde no queda nada para comer y donde los sobrevivientes están dispuestos a todo por un pedazo de pan.
Tu pareja
Escenas de un Matrimonio. El mejor análisis cinematográfico de las causas y consecuencias de la separación de una pareja. Dirigida por Ingmar Bergman.
La naturaleza
Tocando la Cima. Escalando una montaña nevada, un montañista cae en un hoyo, pero queda suspendido por la cuerda que lo ata a su amigo, quien tiene que decidir si corta o no la cuerda para sobrevivir él. Excelente y basada en hechos reales.
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¿Peter Gabriel con orquesta? la idea no era tan improbable y el experimento de formar un ensamble (la New Blood Orchestra) y comenzar a girar con él sin duda revitalizó al artista. Este material, que documenta sus presentaciones en el Hammersmith Apollo, en marzo pasado, ya se exhibió en 3D en cines y ahora en formato DVD ofrece interesantes extras como fotos, entrevistas y un repaso por los días de gloria del carismatico ex Genesis, a lo largo de 22 tracks retrabajados con sonidos orquestales. Si hubiera estado compitiendo con su ex colega Phill Collins (quien ya se retiró de la música alegando que no hay interés del público hacia él), hace tiempo que Gabriel hubiera sido declarado vencedor de la contienda.
Oasis Live in London. Electric Proms MC / Mexican Recordings Editada previamente como bootleg, llega la versión autorizada de esta presentación del 2008 en Londres –como cabezas de cartel del festival Electric Proms de la BBC– de los gigolos del britpop que, nos guste o no, han dejado huella en la música popular de los últimos tiempos. Este concierto, en el cual se hacen acompañar en ciertas partes por The Cronch End Festival Chorus, incluye un set list que no deja fuera casi ninguno de sus himnos más conocidos, como “Supersonic”, “Champagne supernova”, “Wonderwall” y un gran cierre con su versión de “I am the Walrus” (ya sabes de quién). Un buen documento que retrata cómo era un concierto de la banda, en el que sin embargo se nota un poco el desgaste de los últimos años del grupo.
Fantomas Directors Cut: New Years Revolution AEC One Stop Group Casi dos horas con la intensidad de Fantomas no son cualquier cosa, y mucho menos cuando el grupo liderado por Mike Patton (que incluye a gente de The Melvins) se pone a versionar temas clásicos de películas de terror y suspenso, desfilando bizarras versiones de la música que acompañaba a The Omen, Rosemary’s Baby o The Godfather, en un DVD que conmemora diez años del original disco tributo. El concierto se grabó en 2008 en San Francisco e incluye 18 canciones que oscilan entre el humor más enfermo y las ¿vocalizaciones? dementes de Patton, que deconstruyen los soundtracks que seguro lo impresionaron en su niñez (si no fuera músico, apuesto a que sería asesino en serie), además de entrevistas y comentarios sarcásticos intercalados entre canción y canción.
Varios Artistas Rock and Roll Hall of Fame + Museum Sony Music ¿Cuántas veces has leído en la prensa que tal o cual artista ingresó al Salón de la Fama del Rock and Roll? Ahora, esta colección de 9 DVDs te lleva hasta la primera fila de algunos de los momentos inolvidables de esas míticas ceremonias, a través de actuaciones en vivo y colaboraciones de Bono y Bruce Springsteen, The Doors y Eddie Vedder o la reunión de los originales Cream, por mencionar sólo algunas de las 125 presentaciones exclusivas (más backstages y entrevistas). O sea, como los Oscares, pero en lugar de ver al actor de moda haciéndose el chistoso, puedes toparte a Paul McCartney dando un discurso fraternal.
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Placebo We Come in Pieces EMI Music
Uno de los grupos ingleses con más arraigo en México a pesar de su irregular carrera, presenta un nuevo concierto desde el London Academy Brixton que en su versión Blu-ray ofrece además el documental Coming Up for Air, el filme Trigger Happy Hands y temas extras grabados en diferentes partes del mundo (sí, incluyeron a México y con suerte sales en primera fila con tu celular). El material presenta tanto los buenos momentos de la gira como esos detalles obscuros que más de un morboso del britpop encontrará interesantes. Los hits están ahí, entrelazados en 20 temas, excepto “Pure morning”, detalle que muchos reprocharán pero que a los irredentos seguidores del grupo no les importará.
A propósito del lanzamiento de We Come in Pieces, charlamos con el bajista de Placebo, Stefan Alexander Bo Olsdal. La gira “Battle for the Sun” abarcó 145 ciudades… Fue una larga gira. Viajar por tantas ciudades durante tres años resulta cansado, pero ya tuvimos tiempo de descansar. Este documento lo grabaron justo al final de esa gira. Sí, a diferencia de Soulmates Never Die (Live in Paris 2003), que lo hicimos en un lugar muy grande y después de estar por todo el mundo. Queríamos que este DVD fuera diferente y decidimos hacerlo en un lugar pequeño que además es de nuestros favoritos (Brixton Academy, de Londres)…
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Háblame del documental que viene incluido. Es “Coming up for Air” en el que básicamente nos siguieron por todo el mundo, grabándonos en situaciones en las que normalmente no nos verían, y creo que el resultado es un Placebo como pocas veces se ha visto. Lo dirigió Charlie Targett-Adams, quien hizo que resultara muy sencillo para nosotros. ¿No es molesto tener las cámaras siempre detrás de ti? Pues a mí no me gusta, así que me escondía cada que podía. En general, para el grupo siempre ha sido importante mantener nuestro espacio privado; no nos gusta tener la cámara encima todo el tiempo ¡y la idea de un “celebrity big brother” es una completa pesadilla! (risas). ¿Qué sigue ahora para la banda?
Ahora seguimos escribiendo, pero no hay plan de un nuevo disco aún. ¿Y qué hay de tu otra banda (Hotel Persona)? Pues igual que otros de mis proyectos personales, sigue en proceso (risas). Cada que voy a Madrid me junto con David (Amén) y nos ponemos a trabajar. Ahora hay cosas en la red, pero prefiero no hablar de eso porque no está listo aún. Seguro siempre te preguntan si hablas español, ¿no? (Risas) Sí. Sé español porque he viajado a España por 16 años. Viví ahí tres años y paso muchos meses del año en Madrid, así que lo tuve que aprender. Y sobre México te puedo decir que la recepción de los fans mexicanos siempre es increíble; es uno de los mejores lugares para tocar en el mundo.
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Género: Aventuras Desarrollador: Warner Clasificación: T 14+ Calidad del juego: Excelente Gráficos: Excelentes Una estupenda secuela para uno de los juegos que, irónicamente, más justicia le ha hecho al caballero de la noche. Uno de los mayores atributos de este juego sobre su predecesor es su extensión (es casi cuatro veces más grande que Arkham Asylum, tanto en tamaño de niveles como en cosas qué hacer). Nuevamente nos ponemos al mando de Batman, quien debe enfrentarse a varios enemigos de la creciente lista de personas que lo quieren muerto; para esta labor, deberás poner a prueba tu habilidad para
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repartir dolor entre criminales y enfermos mentales, así como tu capacidad de deducción para resolver crímenes y acertijos propios y extraños a “El Acertijo”, porque hay un villano que así se llama… y sale en el juego… y hace acertijos… ¡Bah, olvídalo! Los gráficos están muy cuidados y es realmente impresionante que niveles tan grandes tengan tanto detalle. Además de la edición normal, el título viene en una presentación con una estatuilla de la serie “Black and White” de la prestigiada marca de modelos “Kotobukiya”, códigos para descargar una mini campaña estelarizada por Gatúbela, un traje especial, un nivel de retos y la película The Gotham Knight, además de, claro, el juego y el riguroso libro de arte. Sin duda, uno de esos pocos títulos que se juegan tan bien como se ven.
VIDEOJUEGOS La espera terminó. Si aún no tienes tu copia de este juego, te estás tardando en ir por ella. Skyward Sword representa la última obra de Shigeru Miyamoto en materia de juegos de video y, créenos, si alguien sabe cómo hacer un juego increíble, es este hombre que, en la nueva aventura de Link, no sólo nos entrega un juego lleno de color, sino Género: Aventuras que narra algo nuevo dentro de la serie Zelda. Desarrollador: Nintendo A diferencia de otros títulos de la zaga, que mantienen una “fórmula” dentro de la historia, éste presenta un Clasificación: T 14+ argumento que toma elementos que ya son conocidos Calidad del juego: por los fans como parte de algo nuevo en lo que Excelente no ahondaremos para no echar a perder una parte Gráficos: Excelentes importante de la aventura. Lo que sí te podemos decir es que el control es de lo mejor que hemos visto en Wii; su uso es realmente intuitivo, pero sobre todo divertido. Los movimientos de Link están diseñados para que con realmente poco esfuerzo y técnica hagas maniobras espectaculares, en especial cuando se trata de la espada. Gráficamente, el juego es un deleite; la colorida combinación de elementos realistas con detalles caricaturescos mezclados en niveles muy bien pensados y diseñados, no tiene comparación. Quizá este juego sea el mejor que se ha hecho para Wii, así que si tienes esta consola, no titubees más.
Género: Aventuras Desarrollador: Naugthy Dog Clasificación: M 17+ Calidad del juego: Excelente Gráficos: Excelentes
El final de las historias de Nathan Drake ha llegado al PlayStation 3. Sí, desafortunadamente es la última vez que veremos a este cazafortunas en la consola de Sony… Pero no te sientas mal, porque lo mismo dijeron cuando salió Halo 3 y mira, ahí viene el 4. Este nuevo juego de la aclamada serie Uncharted no decepciona a los seguidores de la franquicia, por lo que puedes esperar una gran historia llena de intriga, villanos, amistad y –por supuesto– aventura, aderezada por diálogos memorables y una dirección "cinematográfica", con un desfile de momentos retacados de acción que seguro provocará la envidia de Steven Spielberg. Como ya nos tienen acostumbrados los de Naugthy Dog, el nivel gráfico del juego es superior a lo ya visto y demuestra una vez más que los gráficos fotorrealistas no están peleados con el color, sino que se llevan mejor que los tonos sepia que tanto le gustan a otros desarrolladores. Espera montones de detalles en una amplia variedad de niveles y situaciones que pondrán a prueba tu habilidad, mientras te sorprenden a ti y a quienes te rodean. Y si te molesta la compañía, tienes el modo Online, en el que podrás tomar a tu personaje favorito y medirte contra otros caza recompensas, en uno de los mejores títulos de este año para PlayStation 3.
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INGLÉS # 8
ESPAÑOL # 1
NOTHING BUT THE BEAT (2 CDS) PECADOS Y MILAGROS LILA DOWNS DAVID GUETTA Después del éxito que cosechó con su producción pasada, One Love, Guetta regresa con más ritmos bailables y nuevas colaboraciones. La edición de dos discos, además de versiones alternativas e instrumentales, incluye seis canciones extra.
DVD REGIÓN 1 # 4
Catorce canciones inspiradas en una serie de ex votos y en experiencias personales que van de un asalto al nacimiento de su hijo. Música tradicional mexicana pero con toques actuales, como es el caso del dueto con Illya Kuryaki and The Valderramas.
DVD REGIÓN 4 # 2
THE OTHER WOMAN NATALIE PORTMAN
CAPITÁN AMERICA: EL PRIMER VENGADOR CHRIS EVANS
Portman interpreta a Emilia, una mujer que vive la agonía de la pérdida de su pequeña hija y trata de establecer una mejor relación con su hijastro, mientras lidia con la celosa exesposa de su esposo. En conclusión, un completo drama del director de The Opposite of Sex.
El Capitán se suma a la lista de superhéroes de cómics llevados a la pantalla grande. Chris Evans interpreta a Steve Rogers, el súper soldado que luchará contra la organización HYDRA, armado solamente con un escudo y un patriótico traje.
CINE DE ARTE # 1
LIBROS # 1
EL NIÑO CON EL PIJAMA DE RAYAS ASA BUTTERFIELD
EL CAMINO DE STEVE JOBS JAY ELLIOT
Esta conmovedora cinta se basa en la novela homónima de John Boyne y relata la amistad que Bruno, el hijo de un estricto militar alemán, entabla con un niño judío que vive en un campo de concentración, tan solo al otro lado del alambrado, en plena Segunda Guerra Mundial.
Un revolucionario tecnológico mundial. Así fue Steve Jobs, quien en este libro es reconocido por los principios de liderazgo y visión empresarial que aplicó no sólo en su vida laboral al frente de Apple, sino también en su vida en general.
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SOUNDTRACK # 2 ACROSS THE 1ST AND 2ND DIMENSIONS SPANISH VERSIÓN PHINEAS AND FERB Altamente populares entre pequeños y grandes (Slash, quien toca en uno de los temas de este soundtrack, se ha declarado fan de la serie), Phineas y su hermano Ferb compilan en este disco las mejores canciones de la serie e incluyen algunas inéditas.
BOX SET Y SERIES DE TV # 4 CÓMO CONOCÍ A TU MADRE 6A. TEMP. JASON SEGEL De manera paulatina y por recomendación de boca en boca ha ido creciendo de manera importante esta modesta pero divertida serie que es una especie de “Friends” más honesta y creíble, también ubicada en Nueva York.
VIDEOJUEGOS # 4 DANCE CENTRAL 2 XBOX 360 KINECT Sí, ha llegado nuevamente la hora de bailar –ahora con la libertad de movimiento que da el Kinect–. Esta vez, podrás moverte al ritmo de hitazos del tamaño de “Born this way”, “Club can’t handle me”, “Sexy chick”, “I like it” y otros 38 temas más.
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ADELE
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COLDPLAY
MYLO XYLOTO
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ARMIN VAN BUUREN
UNIVERSAL RELIGION CHAPTER 5 (2 CDS)
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LMFAO
SORRY FOR PARTY ROCKING
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TONY BENNETT
DUETS II (CD+DVD)
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DAVID GUETTA
NOTHING BUT THE BEAT (2 CDS)
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DJ PELOS
LA BOMBA (2 CDS + DVD) IBIZA RESIDENCE 2011 (3 CDS + DVD)
1 LILA DOWNS
PECADOS Y MILAGROS
2 EMMANUEL
ACÚSTICO EN VIVO, LOS E. CHURUBUSCO...
3 CAMILA
DEJARTE DE AMAR (CD+2 DVDS) DLX
4 CRISTIAN CASTRO
MI AMIGO EL PRÍNCIPE (CD+DVD)
5 EDITH MÁRQUEZ
AMAR NO ES SUFICIENTE
6 RICARDO ARJONA
INDEPENDIENTE
7 ZOÉ
MTV UNPLUGGED MÚSICA DE FONDO (CD+DVD)
8 YURI
MI TRIBUTO AL FESTIVAL
9 PANDORA
XXV AÑOS EN VIVO (2 CDS+DVD)
10 EUGENIA LEÓN
AGUA DE BEBER
SOUNDTRACK
1 VARIOS ARTISTAS
THE TWILIGHT SAGA: BREAKING DAWN...
2 PHINEAS AND FERB
ACROSS THE 1ST AND 2ND DIMENSIONS...
3 VARIOS ARTISTAS
SI NOS DEJAN (2 CDS)
4 VARIOS ARTISTAS
RÍO
5 VARIOS ARTISTAS
WOODY ALLEN & LA MUSIQUE (2 CDS)
DVD REGIÓN 1
1 THE ULTIMATE GIFT
DREW FULLER
2 IP MAN
DONNIE YEN
3 JANE EYRE (2011)
MIA WASIKOWSKA
4 THE OTHER WOMAN
NATALIE PORTMAN
5 KILL THE IRISHMAN
CHRISTOPHER WALKER
DVD REGIÓN 4
1 MIGUEL RODARTE
SALVANDO AL SOLDADO PÉREZ
2 CHRIS EVANS
CAPITÁN AMERICA: EL PRIMERVENGADOR
3 SHIA LABEOUF
TRANSFORMERS: EL LADO OSCURO DE LA LUNA
4 VIN DIESEL
RÁPIDOSY FURIOSOS 5IN CONTROL
5 INFANTIL
BARBIE: ESCUELA DE PRINCESAS
1 JOHNNY GALECKI
TEORÍA DEL BIG BANG: 4A. TEMP.
2 IAN MCSHANE
LOS PILARES DE LA TIERRA
3 KATE DEL CASTILLO
LA REINA DEL SUR: 1A. PARTE
4 JASON SEGEL
CÓMO CONOCÍ A TU MADRE 6A. TEMP.
5 HUGH LAURIE
DR. HOUSE 7A. TEMP.
1 ASA BUTTERFIELD
EL NIÑO CON EL PIJAMA DE RAYAS
2 ROBERTO BENIGNI
LA VIDA ES BELLA
3 PHILLIPE NOIRET
CINEMA PARADISO LA VERSIÓN DEL DIR.
4 AUDREY TATOU
AMÉLIE
5 ELSA & FRED
MANUEL ALEXANDRE
1 JAY ELLIOT
EL CAMINO DE STEVE JOBS
2 PARRAGON
LA VIDA DE LOS BEATLES
3 VARIOS ARTISTAS
THE RED HOT CHILI PEPPERS: AN ORAL...
4 VARIOS ARTISTAS
LA HISTORIA DE JUSTIN BIEBER
5 NICK VUJICIC
UNA VIDA SIN LÍMITES
1 PLAYSTATION 3
CALL OF DUTY: MODERN WARFARE 2
2 NINTENDO 3DS
FIFA SOCCER 12
3 PLAYSTATION 3
UNCHARTED 3: DRAKES DECEPTION
4 XBOX 360 KINECT
DANCE CENTRAL 2
5 PLAYSTATION 3
BATTLEFIELD 3
CINE DE ARTE
ESPAÑOL
10 VARIOS ARTISTAS
BOX SET / SERIES DE TV
CHRISTMAS (CD+DVD)
LIBROS DVD REGIÓN 1
INGLÉS
UNDER THE MISTLETOE (CD+DVD) DLX21
VIDEOJUEGOS DVD REGIÓN 1
Paola Gómez
1 JUSTIN BIEBER 2 MICHAEL BUBLÉ
A principios de noviembre fui al súper y me llevé una horrible sorpresa: Nada más entrar, empecé a oír música navideña. “¿Quéeeee? Esto es demasiado”, me dije. No sé si ustedes están de acuerdo, pero yo siento que cada año la temporada navideña comienza más pronto. No me gustan las fiestas de fin de año (lo he dicho en repetidas ocasiones aquí), no las celebro siquiera, lo cual me excluye de todo lo bueno que traen consigo (alegría, amistad, cariño, grandes comilonas…) pero no me libra de lo malo: el recordatorio de que otro año se fue, la reflexión acerca de lo que se logró y lo que no, la pasajera ilusión de que el año siguiente se podrán cambiar hábitos y debilidades, pero también cuestiones más mundanas. Por ejemplo, este año estoy completamente horrorizada ante la idea de lo que será el tráfico en esta ciudad de México que lleva al menos un año en obra, toda ella. Pero quizás lo peor, para mí, son las canciones navideñas. Tengo un problema personal con ellas. En realidad tengo un problema personal con muchas de las cosas que me recuerdan mi infancia (sí, lo sé, soy insoportable), pero en especial la música. Es así que no puedo oír ni por casualidad cosas que todo el mundo disfruta, como los Beatles, la bossa nova y mucha de la música tradicional mexicana (curiosamente, me siguen encantando los boleros, que escuchaban mis
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papás, o el soul que le encantaba a mis hermanos mayores). La música de Cri-Cri me resulta tan terrorífica como los payasos, y la música navideña, bueno, digamos que también me trae malos recuerdos… Lo cual me lleva (finalmente) al tema de esta Miscelánea: ¿Por qué, si la música es por demás diversa, existen tan pocas canciones navideñas? Ya sé que cada año se hacen unas cuantas grabaciones nuevas, pero por lo general son obra de algún artista mega comercial, y a menudo son ¡reversiones de las mismas de toda la vida! Que la “Blanca Navidad”, que “Let it snow, let it snow, let it snow”, o “Rudolf the red nosed raindeer” o “El niño del tambor”, “Noche de paz” o “El burrito sabanero”*. O sea, las mismas. Todo el mundo debería grabar álbumes navideños, así podría uno elegir y disfrutar de la diversidad. Incluso alguien como yo sería feliz de oír a Wilco, por ejemplo (que en estos días es casi lo único que escucho), interpretando algunas canciones alusivas a la temporada. No es mala idea, ¿verdad? Es probable que eso incluso lograra que yo abandonara mi repulsión a la Navidad y saliera a comprar un árbol grrrandeee... * Hay en YouTube un video de “El burrito sabanero” que es una de las cosas más absurdas que he visto. Échenle un vistazo en www.youtube.com/ watch?v=fm6nxvpt-HU