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La Tornamesa / Mauricio Hammer Noticias Promociones Interrogatorio Proust: Carlos Velázquez Libros / David González Tolosa Confesionario: Xavier Velasco Agenda Applícate Juguetes Alta Fidelidad: Dylan para las despedidas / Enrique Blanc Broken Bells: "¿Vamos a la disco?" / Alejandro González Castillo Las aventuras de los Pixies en el microcosmos infinito / Juan Carlos Hidalgo Guía del viajero shoegaze / @maestrolimbo Temples: Más allá de las modas sonoras / David Meléndez
Contacto: pilar@circulomixup.com.mx / mancilla@circulomixup.com.mx Twitter @circulomixup
Círculo Mixup, revista oficial de las tiendas Mixup / Editor Responsable: Mauricio Hammer Wollenstein. Huitlapexco #37, San Miguel Tecamachalco C.P. 53970, Edo. Mex. Tel/Fax: 5395 5951 / Esta revista se distribuye gratuitamente en las tiendas Mixup / El contenido de los artículos es responsabilidad exclusiva de los autores / Certificado de Reserva de Derechos del Uso Exclusivo de Título número: 04-2009-081416414700102 / Certificado de Licitud de Contenido: 12286 Certificado de Licitud de Título: 14713 / No se responde por material no solicitado. Revista mensual. Año 22, número 254, mayo 2014.
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KC and the Sunshine Band: El regreso de los años maravillosos / Alejandro González Castillo Alma Velasco: Electropop con Alma / @nosoymoderno Madres fuera de serie / @nosoymoderno La metamorfosis de Sentidos Opuestos / Miriam Canales La Ley: Reconstruyendo su historia / Claudia Islas Lila Downs, Niña Pastori & Soledad: Tres mujeres, un camino / Alejandro González Castillo Reseñas: Foster the people / Boy George / La Invención de Morei / URSS Bajo el Árbol / Motorama / Klabbes Bank / Morrissey / Kaiser Chiefs / Abba / Killer be killed / Sharon Jones and the Dap Kings / Sex Pistols / Silversun Pickups / Elbow / Los Mundos / Los Macuanos / Zurdok / Tina Turner / Skrillex DVDs cine / Elias Nahmias / Borja Pérez. DVDs series / Mauricio Hammer DVDs música / Alejandro Mancilla Videojuegos / Jorge Salgado La Miscelánea / Pilar Ortega
Directorio
Director General Mauricio Hammer Wollenstein Editora Pilar Ortega Jefe de Redacción Alejandro Mancilla Colaboradores en este número Jimena Alarcón, Arturo G. Aldama, Enrique Blanc, Miriam Canales, Pedro Escobar, Eduardo Elizalde, Arturo J. Flores, Alejandro González Castillo, David González Tolosa, Mauricio Hammer, Juan Carlos Hidalgo, Claudia Islas, @MaestroLimbo, Alejandro Mancilla, David Meléndez, @nosoymoderno, Elias Nahmias, Pilar Ortega, Borja Pérez, Cynthia Rodríguez, Alejandro Rojas Luna, Jorge Salgado, Ángel Sánchez Borges, Walter Schmidt, Sara Valenzuela. Director de arte Alfonso Peña Comercialización y ventas Sofía Cabrera 5395 5951 Impresión Offset Santiago, S.A. de C.V. Río San Joaquín No. 436 Col. Ampliación Granada Delg. Miguel Hidalgo C.P. 11520 México, D.F. Tel. 9126-9040 Distribuidor Mauricio Hammer Wollenstein. Huitlapexco #37, San Miguel Tecamachalco C.P. 53970, Edo. Mex.
Ahora que murió Gabriel García Márquez comencé a pensar que en estos últimos años se han ido yendo muchos de los principales escritores que crecí leyendo y que de alguna forma me formaron. Y no me refiero solamente a sus libros: Alvaro Mutis, Monsiváis, Carlos Fuentes, José Emilio Pacheco, fueron presencias constantes a lo largo de mi vida. Los encontraba siempre en las revistas y periódicos que leía, sus opiniones y puntos de vista me resultaban relevantes para hacerme de una postura frente a situaciones y personajes y su cultura abrumadora me ilustraba e iluminaba constantemente. Recuerdo en especial haber leído cientos de artículos de José Emilio Pacheco en su sección “Inventario” de la revista Proceso, donde también leí numerosísimas notas de García Márquez: todo lo que no leí de primera mano, lo leí a través de estos autores que amaban la literatura y a los escritores y que siempre tenían historias y anécdotas fascinantes para compartir sobre sus héroes literarios. Pero sumergirse en estos textos constituía un gran placer en más de un sentido, porque además de contar eventos fantásticos, los narraban de manera fantástica. Así que cuando se murió el buen Gabo me sentí, de una forma bastante real, como un verdadero huérfano. Tal vez sea la edad (a medida que uno se hace grande tiende a pensar que las cosas ya no son como antes), pero tengo la sensación de que hoy, al menos en América Latina (a excepción de Vargas Llosa, por ejemplo), ya casi no nos quedan figuras señeras como éstas. Hay talento, desde luego, pero no se vislumbran aún aquellos gigantes que poblaron el siglo pasado como Cortázar, Paz, Borges, Onetti, Ibargüengoitia o los ya mencionados. Pareciera como si el rol que jugaban los grandes escritores en la vida cotidiana se hubiese encogido, limitado, y ahora ya no importaran tanto sus ideas, sus palabras y sus actos. Y eso, pienso yo, deja al mundo y no sólo a mí a merced de discursos y visiones más burdas, menos refinadas. Un poco más huérfano, un poco más descobijado.
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Theresa Wayman, guitarrista de Warpaint, arremetió (hasta que se me hace usar esta palabra) contra Beyoncé y Rihanna. De la primera dijo que cada canción de su reciente disco la coloca como zorra y de la segunda, que debería hacer algo “más sutil y artístico” que sólo desnudarse. Después, el grupo emitió un comunicado en FB que decía: “Warpaint ama y adora a Beyoncé y Rihanna" y la guitarrista ofreció una disculpa aceptando que fue “muy cruda”. ¿Entonces? Como sabemos que hacerte el típico chiste de “Si te sobran dos millones de dólares puedes comprar esto” ya no tiene gracia, simplemente te informamos que el manuscrito original de “Like a rolling stone” de Bob Dylan saldrá a subasta en junio y se espera que se venda más o menos en esa cantidad. El baterista de la legendaria banda alemana Scorpions fue condenado a ¡un mes de cárcel! en Dubai, por insultar a unos pasajeros musulmanes en el aeropuerto de esa ciudad. ¿Y los vientos de cambio? ¿Regresan Oasis? ¿Regresan The Libertines? De los primeros no hay nada seguro pues Noel Gallagher puso sus condiciones: “Reuniría a Oasis por 500 millones de libras o de condones”. Por su parte The Libertines regresan “por dinero”, como reveló su líder Pete Doherty.
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La leyenda era cierta: Encontraron en el desierto de Nuevo México cientos de cartuchos enterrados en los años 80 del videojuego E.T. de Atari, uno de los peores de la historia, que casi lleva a la quiebra a la compañía.
Born in México es una nueva serie de compilados presentados por Dance Floor y Sony Music, que reúne recomendables proyectos de Djs y productores de música electrónica nacional. El volumen 1 de este material ya está disponible en Mixup Digital. Gracias al camino que allanó Game of Thrones, se preparan series majestuosamente producidas. Una de ellas es Olympus, drama donde los dioses mitológicos griegos son los protagonistas. Además, se prepara Marco Polo, basada en los viajes del explorador. El cine está de luto: El pasado 30 de abril falleció el actor inglés Bob Hoskins, famoso por su papel en ¿Quién Engañó a Roger Rabbit? y por cintas de culto como Brazil. Claro, ahora nadie habla de que también hizo el épico churro Super Mario Bros.
Después de un final que no convenció a los fans y que fuera anunciada la película de Dexter hace unos meses, ahora la novedad es que muy probablemente Michael C. Hall, el actor que encarna al asesino serial, sea el nuevo Daredevil, en la película basada en el cómic que se está cocinando.
Jenniffer Lawrence fue nombrada la mujer más sexy del mundo. El segundo puesto fue para Michelle Keegan y el tercero, para Rihanna. ¿Con cuál les gustaría quedarse en una isla desierta?
Este mes tenemos dos grandes éxitos: Escándalo (Notes on a Scandal) dirigida por Bill Nighty, intenso drama en el que una maestra madura se involucra con un joven alumno y en donde vemos a la recién ganadora del Óscar, Cate Blanchet, junto a otra actriz consagrada: Judi Dench. Esta película estuvo en cines en el 2006, pero ahora se estrena en Blu-ray y tenemos 3 de regalo para nuestros lectores. Además, tenemos 3 DVDs de La Increíble Vida de Walter Mitty (The Secret Life of Walter Mitty), cinta de la que Ben Stiller (director y protagonista) nos habló en nuestra edición anterior y que es un sentimental y ensoñador drama romántico que ha sido bien recibido por la crítica y el público. Manda un mail a mancilla@circulomixup.com.mx con una foto tuya leyendo alguna edición pasada de Círculo Mixup y ya ganaste…
Carlos Velázquez es un transgresor, pero ante todo un escritor que en su trabajo, y en particular en su reciente novela El Karma del Vivir al Norte, ha logrado retratar una realidad violenta y corrosiva, irónicamente, de manera muy afortunada. ¿Qué es lo que más me gusta hacer? Escuchar discos; un día el sexo y todos los placeres me abandonarán, pero la música siempre estará ahí. ¿Cuál es el rasgo principal de tu carácter? Lo dijo Norman Mailer: “Lo más complicado para el escritor es lidiar con su mal humor”. ¿Qué cualidad de los hombres valoras más? A los hombres no hay que valorarles cualidades, sino empresas. Por ejemplo, admiro en Fernando del Paso que se atreviera a escribir Palinuro de México. ¿Qué cualidad de las mujeres valoras más? Su umbral del dolor. ¿Cuál es tu principal defecto? Siempre quiero salirme con la mía.
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¿Cuál es tu principal cualidad? Soy bueno para superar las crudas morales. ¿Qué valoras más en tus amigos? El buen gusto musical. Si no lo tiene, no es un candidato para ganarse mi afecto. ¿Cuál es tu idea de felicidad perfecta? Dedicarse a la literatura es renunciar a la felicidad. ¿Cuál sería tu mayor desdicha? Que triunfara de una vez por todas el imperio de lo digital y se dejaran de fabricar discos. ¿En quién te gustaría convertirte? En el Tigre Toño o en Pancho Pantera. ¿Dónde te gustaría vivir? En El Paso, Texas. Después de sufrir el karma de vivir en el norte te obsesionas con la seguridad. ¿Cuál es tu color favorito? Sería el azul marino si no lo utilizara la maldita policía. ¿Cuál es tu ave preferida? El pájaro de espuma con cabeza de coyote que aparece en mi novela. ¿Quiénes son tus héroes ficticios favoritos? José Mari, el metalero de la peli El Día de la Bestia y Charlie Runkle, el personaje de la serie Californication. ¿Cuáles son tus nombres favoritos? Carlos, Celeste y Roxana. ¿Qué personaje histórico odias más? A Villa, a Paz y a Yoko Ono. ¿Cómo te gustaría morir? De un pasón de cortes de carne.
Al libro que tengo del lado izquierdo de mi computadora lo rodeaba un cintillo que contiene una frase de Antonio Ortuño: “…probablemente el más puro de los escritores de la última generación…”. Así define a David Miklos, autor de No Tendrás Rostro (Tusquets, 2013), la obra por la que estoy rompiendo el esquema habitual de esta columna: hablar de dos libros por entrega. En esta ocasión me siento obligado –no sólo por la aseveración de Ortuño sino por la potencia de su contenido– a centrarme de manera exclusiva en esta breve pero contundente novela. No Tendrás Rostro cuenta la historia de un grupo de nebulosos personajes en un mundo post-apocalíptico. El libro nos invita a un espacio lleno de nostalgia y desolación, de personas despojadas de su condición humana, donde todo en la Tierra ha sido prácticamente arrasado. Una atmósfera de decadencia recorre cada letra del libro; las breves y puntuales frases del autor nos van presentando un territorio lacerado por una violencia que parece infinita y que, al mismo tiempo, genera nuevas condiciones para la existencia. La escritura de Miklos da muestra de que la ambigüedad es sólo una forma contundente de decir todo y No Tendrás Rostro que la literatura es el medio David Miklos más idóneo, quizá el más puro.
Tusquets, 2013
Su novela Diablo Guardián lo catapultó a la fama y actualmente es uno de los escritores mexicanos más leídos. Libros como Luna Llena en las Rocas y Una Banda Nombrada Caifanes nos hablan de un feliz pasado como periodista de rock que culminó cuando presentó el espectáculo La Cocina del Diablo en el pasado Vive Latino junto a Paco Huidobro. Aquí nos comparte sus gustos mas hedonistas y menos culposos. Libro favorito: La Muerte de Artemio Cruz. Yo me escapaba de la escuela para ir a escuchar las conferencias de Carlos Fuentes. Escucharlo era darme cuenta de que no era cierto que me iba a morir de hambre haciendo lo que hago, porque él lo había logrado y si él podía, en una de ésas yo podría. Película favorita: Muchas, hasta las de Stallone. En estos tiempos, hay para todos los gustos.
Villano favorito: Alice Cooper. Tenía un póster en mi cuarto en el que aparecía embarazado y mi papá se la pasaba ofreciendo disculpas con las visitas cuando lo veían. Era mi forma de decir: soy diferente.
Entrevista: Arturo J. Flores
Comida favorita: Ramen. Sobre todo, como me pasó una vez, cuando ella me pasaba los fideos revueltos con queso y saliva directo de su boca.
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Hobbie: Pasear a mi perro (un gigante de los Pirineos). Cuando viajo callejoneo mucho, pero después de haber hecho un libro de tugurios me jubilé. Me aburrí de salir de noche en el DF.
Secreto: La Playboy. Mi papá tenía una colección de ediciones gringas que me dijo eran valiosísimas.
Foto. Miguel A. Manrique www.mann.com.mx
Juguete favorito: Un muñeco de ventrílocuo. Compré al Doctor Godinez en una convención de ventrílocuos y lo usé para presentar Puedo Explicarlo Todo.
Travesura favorita: Aventar huevos en la calle. Lo hacía mucho cuando era niño. Cuando me lo hicieron a mí lo vi como un karma.
Objeto favorito: Motocicleta. Muchos años anduve en una, pero la vendí a partir de una certeza shakesperiana tomada de Hamlet: el narrador no se puede morir.
Disco favorito: The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders of Mars. A Bowie sí lo puedo poner para escribir. Ninguna de sus canciones clásicas suenan viejas. Era capaz de pintarse el pelo de rojo con tal de que lo volteáremos a ver. Frase favorita: “No me digas lo que tengo que hacer”. La tomé de los dos mandamientos del escritor de Mario Vargas Llosa: El número 1 era “ama la escritura sobre todas las cosas”.Y el dos: “haz lo que se te da la gana”.
Ciudad favorita: Santiago de Chile. Me entrevistaron dos periodistas acerca de Diablo Guardián, una de la extrema izquierda que me criticó porque Violetta era demasiado individualista y otro de extrema derecha al que no le pareció que atacara a la institución familiar. Para mí, no hubo mayor reconocimiento que hacer enfadar a dos fanáticos.
AGENDA MAYO 3
Franz Ferdinand Palacio de los Deportes 8
Megadeth Palacio de los Deportes
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Capital Cities
José Cuervo Salón 17
Daniel Johnston, Los Tres, Danny Brown y más. Festival Marvin 8 foros distintos
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Natalia Lafourcade
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Teatro Metropolitan
Foro Alicia
9
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Mono
El Plaza Condesa
Silverstein Crystal Fighters
José Cuervo Salón
Los devices iOS se han graduado para producir audio y ya han alcanzado los niveles profesionales que se ansiaron desde sus primeros días. Audiobus fue creado originalmente para vincular apps musicales, por ejemplo abrir un sintetizador, agregarle un efecto y dirigirlo a la salida de audio. La nueva versión de esta app ruteadora de audio nos ofrece la multiplicación de esas opciones: ahora puedes abrir varias apps generadoras de audio, agregar efectos y dirigir hacia diversas salidas, lo que en el mundo de la producción de audio se llama Todos los dispositivos “multitrack”. Como también 65 pesos los periféricos para iOS se han multiplicado, esto significa que puedes sacar los diversos sonidos por canales diferentes (si tienes una tarjeta multitrack precisamente) y cadenas de efectos. Hay un listado de las apps compatibles con Audiobus aquí: http://audiob.us/apps/
Audiobus
Un clásico para toda la vida, Pac-Man parecería no necesitar de recomendaciones, pero la verdad es que en un dispositivo touch la experiencia es deliciosa. Los que fuimos niños en los ochenta recordamos cómo se vencían las manijas del videojuego en los centros comerciales o el joystick en casa, pues pensábamos que mientras más los forzabas más rápido corría. La versión Lite tiene la ventaja de que de vez en cuando te regalan laberintos, y la versión Todos los Completa tiene versión retinal, compras dispositivos Gratis el Lite y laberintos y también te regalan laberintos. Pac-Man es la cuarta app más comprada en la 39 pesos tienda iTunes, eso significa que mientras se Completo hacen más complejos, realistas y retadores los videojuegos actuales, Pac-Man será único y preferido por siempre. La ventaja aquí es que puedes pausar el juego para analizar los movimientos, porque todos sabemos que a veces es bueno y a veces no tanto activar el poder de comerse a los fantasmas, cómo comerse los últimos puntos y, si no quieres perder, simplemente le das abandonar para reiniciar el juego y tener la posibilidad de convertirte en un master.
Pac-Man
Lo que en Photoshop podría tomar horas, con esta app –dependiendo, claro, del tipo de fotografía– toma un segundo: quitarle el fondo y aislar personas y/o objetos para utilizarlos sobre otros fondos en otras apps o simplemente para crear imágenes con transparencia o canal alpha es pan comido. No necesitas ser un experto diseñador, con Background Eraser abres tu foto, eliges la opción automática, pones tu dedo en la parte que quieras quitar y seleccionas todos iPad los pixeles similares dejando libre la imagen 13 pesos que quieres mantener. Si la foto tiene más elementos, no te preocupes, puedes ir haciéndolo paso a paso o manualmente ir delimitando los espacios que sí quieres y los que no. Una opción de difuminado le quita el odioso contorno a tus creaciones.
Background Eraser
Dylan para las despedidas
Escucho “Can you please crawl out your window”, la original de Bob Dylan en la versión que hacen Wilko Johnson y Roger Daltrey y automáticamente recuerdo “Knockin’ on heaven’s door”, la interpretación de esa otra también de Dylan que incluyera Warren Zevon en el álbum The Wind. Y la razón de vincular ambas canciones no tiene que ver tanto con el hecho de que son de la autoría del venerado juglar estadounidense, sino con el asunto de que ambas han sido utilizadas a manera de cierre de las vidas de los dos músicos aquí referidos. En 2002 a Zevon le diagnosticaron un cáncer inoperable en un estado muy avanzado y le dieron pocos meses de vida. La respuesta ante la trágica noticia fue comenzar a trabajar en el que sería el último disco de su vida, en el cual le acompañaron amigos cercanos como Jackson Browne, Emmylou Harris, Ry Cooder, Don Henley y Bruce Springsteen, entre otros. Zevon decidió no recibir tratamiento médico y finalmente falleció el 7 de septiembre de 2003, a los 56 años de edad, meses después de la fecha que los doctores habían pronosticado y cumpliendo algunos de sus últimos deseos: ver terminado The Wind, asistir al nacimiento de sus dos nietos en junio de ese año y ver el estreno de Die Another Day, la cinta de James Bond que había manifestado querer alcanzar a ver. Una situación similar vive ahora Wilko Johnson, el otrora guitarrista de la célebre agrupación británica Dr. Feelgood, a quien también le diagnosticaron una fase muy avanzada de cáncer en el páncreas Al igual que Zevon, Johnson decidió no seguir tratamiento médico y, en lugar de ello, se metió al estudio a grabar junto a su amigo Roger Daltrey Going Back Home, disco en el que reúne algunas clásicas de su autoría además de la canción de Dylan, y que acaba de salir al mercado. Johnson aún está activo y, tal como le sucedió a Zevon, ya vivió más de lo que los doctores le dijeron que viviría. En febrero pasado presentó su disco en público en Londres y seguro disfruta cada uno de los segundos que tiene a la mano.
Johnson en sus años mozos.
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Ya puedes tener tus propios 15 minutos de fama. Sí, si tus amigos se enteran que compraste esta figura coleccionable del gran Andy Warhol, no dejarán de hablar de ti con envidia. Medicom Toy es la marca responsable de esta serie, que presenta al artista en blanco y negro y también en colores muy pop art.
Pero si prefieres revivir el drama épico fantástico de Game of Thrones y sentir que manejas los destinos de los protagonistas, Funko presenta la colección de personajes de la serie. ¿O prefieres ir a esas aburridas fiestas donde hay chicas guapas dispuestas a todo en vez de quedarte a jugar con tus figuras? Bueno, allá tú.
Disco Stu lo recomienda ¿Hay vida después de la muerte? Así es. Y existen pruebas de tal sentencia sin la necesidad de recurrir a la metafísica: pese a que los punks no tuvieron miramientos para decir que el futuro era una ilusión, basta echar un vistazo a la historia de la música para descubrir que algo llamado post punk sigue vivo y coleando, y no sólo eso, un ente denominado post rock goza de buena reputación. Así que, bajo estos argumentos, sería sencillo decir que la música disco no se extinguió con el entumecimiento muscular
de John Travolta, sino que sigue viva. ¿Es que estamos insinuando la existencia del after disco? Sí, señores. Y no es éste lugar para citar los escarceos de Daft Punk con Nile Rodgers, evitemos la obviedad. Mejor charlemos de Broken Bells, dos tipos de pelaje espeso: James Mercer, cabecilla de The Shins, y Brian Burton, cuyo mote es Danger Mouse, geniecillo responsable del temario de Gnarls Barkley y de la producción de discos de Gorillaz, Jay Z y muchos otros. Una dupla de perfil interesante que ya ha arrojado dos platos y que con After the Disco, su nueva producción, advierte que la suya podría ser una carrera larga. El título de la obra en cuestión es elocuente, pues se trata de un listado de temas donde, a primera escucha, sobresalen voces plenas de falsetes a la Bee Gees y una base rítmica que echa mano de los recovecos funky de la música disco. Así que aplausos al bajista y su excelso desempeño, por ejemplo, en el tema que da título a la obra y también en “Holding on for life”, así como al encargado de los sintetizadores, plenos de melodías bañadas de brillantina y con cierto dejo de glamour; nada de serpenteos predecibles y sí, en cambio, ansias de sorprender con figuras sencillas, de gancho pronunciado.
La siguiente ovación va para el encargado de las voces, quien sin lucir grandilocuente consigue contagiar emotividad (“The remains of rock & roll”). Broken Bells Además de lo After the Disco escrito, uno de los mejores aciertos Sony Music, 2014 del dúo radica en el modo en que recurre a los trucos del pop –entiéndase el término como indie para geeks, un club del cual James es miembro honorario–, donde la guitarra se anuncia frecuentemente como protagonista. De modo que múltiples tonalidades acústicas (“Leave it alone”, “The angel and the fool”) y eléctricas (“Control”) comparten reparto con cacharros sintéticos en ambientes donde bailar es imperativo, pero también sentarse a descansar mientras se medita respecto al rumbo de los pasos. Así que hay vida después de la vida. Disco después del disco. Basta escuchar a Broken Bells para saberlo –y más a estas alturas, donde los líderes del pop se apellidan Cyrus y Beiber–; el amasiato ideal entre vísceras y silicio, entre sangre y plástico.
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Para las actuales generaciones tal vez no sea fácil dimensionarlos, pero se trata de una banda de proporciones míticas sin la que no se entendería a plenitud la historia del rock. Los de Boston supieron alcanzar el punto de equilibrio entre melodía y distorsión, liberar las letras hasta hacerlas juguetear en un jardín surrealista mientras una maraña eléctrica envolvía el crepúsculo del milenio.
No hay que ir muy lejos, se trata de la banda a la que Kurt Cobain pretendía imitar; con ellos el pop se tornaba bizarro y combativo sin tener un discurso explícito o político. Para 1991, cuando el mundo caía a los pies del Nevermind de Nirvana, ellos ya no tenían nada que probar –eran insignia–, y publicaban Trompe le Monde, uno de sus discos más erráticos y que presagió la primera de varias separaciones (1993) y recesos. Por allí algún sencillo huidizo, diversos proyectos de su hombre fuerte –en solitario y con su mujer–, mucha carne de tabloide por los constantes roces con su bajista Kim Deal –de sonido peculiar y prodigioso– hasta que a partir del 2004 regresaron más o menos en forma a la carretera. En actividad constante, no se habían planteado la posibilidad de volver al estudio de manera formal para grabar un álbum. A principios de 2013 comenzaron a soltar progresivamente sencillos que revelaban la inminente llegada de una obra completa: Indie Cindy. David Lovering, el baterista, dio a conocer que se trató de un proceso que abarcó 4 años desde que asumieron que para seguir girando con interés –interno y de público– hacía falta material nuevo. Así es como tenemos una docena de canciones que aglutinan lo publicado en 3 Eps previos y que proveen una importante carga de material inédito tras 23 años. Pero…¿qué es lo que se puede esperar de Indie Cindy? Se trata de canciones en las que el estilo de la banda es más que patente (incluso sin Kim Deal). No innovan, pero lo que hacen lo realizan con un grado notable de destreza. Además, gozan de la complicidad generacional de la mayoría de sus seguidores.
Al dejar correr los temas, entre los que destacan “Bagboy” y “Greens and blues”, no puedo sino pensar en una novela de William Faulkner: El Sonido y la Furia (1929). Tanto el escritor, nacido en Mississippi durante 1897, como el grupo que completan Joey Santiago y la recién incorporada bajista Paz Lenchantin, crean microcosmos que funcionan a partir de sus propias reglas. En ambas entidades se da un libre fluir de la conciencia. Faulkner describe escenas costumbristas que parecen transcurrir lentas hasta que súbitamente son interrumpidas por asuntos terribles. Pixies, también, nos tiran el gancho con pasajes accesibles y luego hacen que el ruido guitarrero imponga sus designios. Así lo han hecho toda su carrera y no tienen por qué cambiar ahora. Tan es así, que incluso permanece el genial artista gráfico Vaughan Oliver, creador del arte de toda la discografía del grupo. El grupo se halla más allá del bien y el mal; disfrutando de su oficio y la magia del escenario. Se saben emperadores de un territorio propio. Ellos contribuyeron a conformar la utopía indie y ahora le hacen un guiño Pixies como si se tratara de una chica llamada Indie Cindy Cindy. ¿De qué serviría tanto crepitar Terrícolas guitarrero sin un sentido del humor Imbéciles, 2014 igual de denso?
En los conciertos parecía que sólo estaba mirándose los pies, pero en realidad estaban atentos a esos pedales de efectos que les permitían crear paredes de sonido tan ruidosas como hermosas. Dicha postura llevó a que se les agrupara como shoegaze (mirada a los zapatos), aunque en realidad las bandas asociadas con ese término tenían sus diferencias. En 1983, los Cocteau Twins compusieron lo que podría considerarse la primera canción de dream pop: “Sugar Hiccup”, un cúmulo de arpegios indicados para el vuelo. 20 años después, el Festival Primavera Sound 2014 logró reunir a Slowdive, una de las bandas menos reconocidas pero más trascendentales de la primera mitad de los noventa. Seis años antes, My Bloody Valentine hizo lo propio para volver a ensordecer –bellamente– a viejos y nuevos viajeros. El dream rock, shoegaze, dream pop o como se le quiera llamar, está en el aire. A continuación te presentamos los mejores momentos de esta dulce distorsión para adictos a la melodía y al ruido:
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Loveless (1990), de My Bloody Valentine En los noventa, Robin Guthrie de Cocteau Twins comentó en una entrevista que tanto él como el irlandés Kevin Shields, patrono de MBV, tenían alrededor de 150 pedales de efectos. Y fue precisamente ese laboratorio sonoro el que llevó al misántropo Kevin a producir este disco emblema del infame shoegaze y el sello Creation Records. Un sonido único vía su Glide Guitar®, que se muestra poderoso y dulce con una producción impecable. Si bien el estilo musical es previsto en el álbum Isn’t Anything (1988), Loveless es el disco que sigue reverberando y cuyo género se llama… My Bloody Valentine. Vuela con “To here knows when”. Nowhere (1990), de Ride Alan Moulder es un ingeniero al que se debe en buena medida el sonido del shoegaze. Además de colaborar con MBV, se encargó de la mezcla de este álbum que apareciera un mes antes que el Loveless. Más allá de géneros y modas pasajeras, se trata de uno de los mejores álbumes de rock de los noventa o de cualquier época. Comandado por Andy Bell y Marka Gardener, el cuarteto de Oxford produjo un disco debut casi perfecto, cuya edición deluxe de 20 aniversario sólo sirve para constatar sus prodigios. Un par de buenos audífonos y tendrás una de las mejores experiencias de tu vida. Vuela con “Dreams burn down”.
Souvlaki (1993), de Slowdive Sus primeros EPs contienen posiblemente las canciones más “estoy flotando” del periodo, al igual que sus sesiones con John Peel. Su último disco, Pygmalion (1995), podría presumir la mejor canción hecha hasta la fecha de dream pop, “Blue skied an’ clear”. Sin embargo, su segundo álbum es el más completo y diverso. Brian Eno colaboró en un par de tracks de este disco que incluye algunas joyas melódicas del periodo, como “Allison”, “When the sun hits” y la mejor balada del género: “Dagger”. Cuenta la vocalista y guitarrista, Rachel Goswell, que Neil Halstead llegó a usar hasta 20 tracks de guitarra para una sola canción. Esto es droga. Vuela con “Souvlaki space station”. Bloweyelashwish (1992), de Loveliescrushing Aunque no pertenece al conglomerado británico, el proyecto del estadounidense Scott Cortez llevó el uso de guitarras a extremos oníricos. Diríase que en éste y su segundo disco, de 1996, fungió como alquimista al utilizar un sinfín de guitarras, loops, voces, campanas y manipulaciones en busca de un ruido cercano al blanco que podría llamarse oro amielado (“honeyed” diría Scott). Hablamos de 20 tracks de juguetería celestial. Vuela con “Crushing”. Whirlpool (1991), de Chapterhouse Los nativos de Ciudad Shoegaze, Reading, Inglaterra, entran de lleno al género con la primera canción de su primer disco. “Breather” posee ese aire sonoro tan familiar al dream pop de ayer, hoy y mañana. Con coqueteos a la neopsicodelia en “Falling down” e “If you want me”, Chapterhouse creó un cielo sonoro que se ha añejado bastante bien. Vuela con “Pearl” (con Rachel Goswell de Slowdive como vocalista invitada).
Spooky (1992), de Lush Liderado por las guitarristas, compositoras y cantantes Miki Berenyi y Emma Anderson, el primer disco del cuarteto presumía la producción del mago de la guitarra y líder de Cocteau Twins, Robin Guthrie. Doce tracks que van del drama a dos guitarras del tema abridor, “Stray”, al punk etéreo de “Superblast!”. Su siguiente disco sería aún mejor. Vuela con “For love”. A Storm in Heaven (1993), de The Verve El debut del grupo británico fue opacado por su periodo venidero como brit popistas nada anónimos. Sin embargo, si hacemos a un lado “Bitter Sweet Symphony”, tenemos un álbum magistral que recuerda a un Pink Floyd distorsionado en la estupenda “Already there”. Apenas una muestra de un disco que presume algunas de las mejores canciones lentas, para bailar flotando de viernes a lunes. Vuela con “Slide away”. Doppelgänger (1992), de Curve Su sonido se cuece aparte. Irónicos, bailables, rockeros y con una buena dosis de música para volar, el proyecto comandado por la cantante Toni Halliday y el multiinstrumentista Dean Garcia se convirtió –tras este debut– en una de las mejores bandas del planeta en la primera mitad de los noventa. “Horror head” y “Already yours” son la sexualidad de la distorsión. Y apenas son las dos primeras canciones del disco. Vuela con “Sandpit”.
Blow (1992), de Swallow Un solo disco –editado por 4AD– bastó para que realizaran uno de los discos más puros de dream pop jamás hechos. Con un video que incluía un pulpo a manera de ¿sombrero?, este dueto y pareja con varias conexiones con otros grupos, como MMB, cocinó un disco hermoso en el que un bajo elegante marca un ritmo más submarino que etéreo, sumamente sensual. Vuela con “Oceans and blue skies”. Dynamo (1992), de Soda Stereo Desde los ochenta, Cerati estuvo al pendiente del pop más fino. Unos meses de antes de Dynamo había realizado con Melero estupendas canciones etéreas en el disco Colores Santos. Con esta obra, el grupo argentino se separó uno que otro año luz del resto del rock latinoamericano. Rock etéreo franco en “Toma la ruta”, distorsión ad infinitum en “Luna roja” o fondo-marino-gaze en “Sweet sahumerio”… Este álbum no le pide nada a nadie. Vuela con “En remolinos”.
El dato: El grupo chileno Lucybell le debe tanto a Cocteau Twins que su nombre se debe a Lucy y a Bell, los nombres de los hijos del ex matrimonio "Cocteau" integrado por Robin Guthrie y Liz Fraser. Robin ha trabajado con el grupo en varias ocasiones.
• “Cuando respiro en tu boca” (1995), de Lucybell • “Planeador” (1996), de Soda Stereo • “Fish” (1998), de Sweet Trip • “Dinosaur act” (2000), de Low • “Take me away” (2002), de Monster Movie • “Pulling our weight” (2003), de The Radio Dept. • “Jersey narrows” (2004), de Auburn Lull • “Teen angst” (2005), de M83 • “My bed is my castle” (2006), de Mahogany • “Thursday” (2007), de Asobi Seksu • “Recent bedroom” (2008), de Atlas Sound • “Fall in love” (2010), de A Sunny Day In Glasgow • “Winter beats” (2011), de I Break Horses • “While you’re sleeping, i’m dreaming” (2012), de Tamaryn • “Got your love” (2013), de Black Hearted Brother.
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Sobre el espejo, un amplio reflejo de psicodelia sesentera catapultado hasta el siglo XXI. Temples debuta con mucho hype pero posee tablas creativas para destacar e ir más allá de la moda. ¿Existe un auge psicodélico? Ante el ramillete de nombres como Toy, Jagwar Ma, Tame Impala o Palma Violets, cualquiera se anima a asentir sin miramientos. Quién lo fuera a decir: en pleno siglo XXI, aquel caleidoscopio de colores estridentes
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nativo de los años sesenta vuelve a ser la delicia de los oídos actuales. Mas el revival, que parece justamente arrancado de aquellas lejanas décadas y que no contiene elementos ajenos que puedan contaminar su esencia, viene de Temples, un grupo de chicos de Kettering, Inglaterra. Es verdad, por ahí se cuela cierta gesticulación pop y goteo medido de glam, pero esto sólo vuelve más atractiva la propuesta, ya que Temples no se tira al abismo de la experimentación donde los patrones intrincados son la regla. Por consiguiente, el gran público lo disfruta, lo canta, lo recomienda. Aquí habrá que puntualizar al extremo que su placa debut, Sun Structures, sorprende por el hecho de que cada canción y melodía yace cosida con precisión de cirujano. Cualquiera podría esperar que su disco debut llevara cierto toque amateur y que el ataque sonoro fuera aguerrido en lugar de planeado. Entonces resulta altamente loable que Sun Structures ofrezca psicodelia nata, de cepa pura, lisérgica en todo momento y que la producción esté tan cuidada —hecho curioso: el guitarrista, voz y líder James Edward Bagshaw se encarga de la producción. A lo largo de doce canciones (algunas de ellas han estado flotando por Internet desde hace año y medio), Temples muestra su gusto por el detalle, donde el ritmo es el corazón y su latir se nutre por la exuberancia del ajetreo pop. Desde el mismo arranque con “Shelter song” (un casi himno para todo melómano consumado), descubrimos que existe un gusto por el repiqueteo pastoril en las guitarras de doce cuerdas, mientras un Mellotron primaveral invade las atmósferas con sus brillantes y cíclicas melodías. Enseguida, la estructura de Sun Structures se torna mística (“Mesmerise”), celestial (“Move with the season”), gangsteril onírica (“The Golden throne”) y hasta suelta algo de acidez pastoril en “Keep in the dark”. Con lo anterior, se descubre un debut bien cimentado, compacto, donde quizá la recta final peque
de sobredosis de la psicodelia que tanto llama la atención, pero nada grave ante semejantes tablas interpretativas. Temples ha capturado el espíritu de la psicodelia con herramientas analógicas y modernas, logrando revivir ese sentimiento de viaje lisérgico a través del cosmos. Sólo habrá que esperar en un futuro próximo que Bagshaw y compañía sepan mantener la calidad y creatividad fulgurando ya sea entre colores u otras etiquetas sonoras. La *Tiempo real que Temples apuesta está en el aire. necesitó para pasar del anonimato a la fama en los cinco continentes y ser idolatrados por Johnny Marr y Noel Gallagher: 8 meses. *De hecho, el señor Gallagher es uno de sus más acérrimos fanáticos y, aunque lo usual en él es el comentario viperino, de Temples sólo habla maravillas. *¿Característica inequívoca de su sonido? La guitarra acústica de 12 cuerdas. Temples *¿Disco de cabecera para Sun Structures Temples? El Days of Future Passed de Moody Blues. Heavenly Recordings, 2014
KC and the Sunshine Band cuentan con listado de hits que resulta demoledor para cualquier pista de baile. ¿O vas a negar que alguna vez has zapateado “That´s the way (I like it)”, “Please don´t go” o “I´m your boogie man”? A unos días de presentarse en México, Harry Wayne Casey –mejor conocido como KC- levanta el auricular desde su tierra natal, Miami, en exclusiva para Círculo Mixup: Acá el clima está hermoso, como casi siempre. Amo Miami. Nací aquí y no conozco otro lugar mejor para vivir. ¿Para qué mentir? Vivo en el paraíso. Cuenta la leyenda que solías trabajar en una tienda de discos, ¿es cierto? Sí, es cierto. Siempre me ha encantado la música y trabajar en un lugar así me permitió comprarme mis propios discos y también escuchar muchos otros en las instalaciones de la tienda. Tenía acceso a mucha música interesante. Además, soy coleccionista de discos, tengo alrededor de 10 mil. Y de todos esos platos, ¿cuál es tu favorito? Es una pregunta imposible de contestar, ¿cómo hacerlo teniendo tantos? Para empezar, me gusta toda clase de música, ni siquiera podría decir cuál es mi género favorito.
Disco Stu lo recomienda OK, ¿cuál es el más caro de los que albergas? El más caro... No lo sé. Tengo vinilos muy viejos, ¿sabes? De 75 RPM de los años veinte y treinta. Y los escucho frecuentemente. Como autor de numerosos himnos, tú eres la persona indicada para contestar ésta: ¿cuál es la mejor canción para bailar de todos los tiempos? “That´s the way (I like it)”, sin duda. Hay tantas canciones buenas para bailar, a mí me gusta mucho Michael Jackson, pero
¡Boletos Gratis! KC and the Sunshine Band junto a Kool & the Gang, se presentarán en el evento Disco Fest 2014 los días 29 de mayo (Palacio de los Deportes del D.F.) y 30 de mayo (Auditorio Banamex de Monterrey, N.L.). Un concierto imperdible, para el cual nosotros tenemos 3 pases dobles para los primeros lectores que nos publiquen en el FB/ circulo.mixup la siguiente frase: “!Quiero ir al Disco Fest 2014!”
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también Chic; hay tanta gente talentosa. Sin embargo, me quedo con mis viejos hits. ¿Recuerdas especialmente la época de tu vida en que hiciste canciones como esa? Claro. Fue una época maravillosa para mí porque yo generaba éxito tras éxito en la radio y estaba haciéndome de un nombre como compositor y como artista. En esa época viví mi sueño, lo hice realidad. Por último, KC, hablando de bailarines, ¿con quién te quedas, con Village People o con John Travolta? Me quedo con Village People.
Te recomendamos el DVD KC and the Sunshine Band In Concert: Sound Your Funky Horn. Para que te des una idea de cómo se pone un concierto de la legendaria agrupación de música disco. Disponible en la tienda.
Hace más de una década conquistó los oídos melancólicos de estirpe electrónica al lado de Fase. Parece que ha pasado mucho tiempo desde que “Tania” –aquella canción sobre una chica atemporal– sonara por todas partes, pero como si el reloj se hubiera detenido, Alma Velasco regresa producida por Roberto A. Mendoza (mejor conocido como Panóptica ) con Las Pequeñas Cosas, un disco donde continúa explorando la nostalgia en clave synth-pop, muy lejos del “punchis-punchis”.
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¿Qué pasó en el lapso de Fase a este lanzamiento? Estaba sola y dije "¿qué hago?" Estudié producción musical y me puse a darle a la computadora. Después di clases, me interesa el songwriting, porque ahora muchos compositores le dan poca importancia a las letras… ¿Será por eso que casi todas las canciones en la radio tienen los mismos títulos? Sí, hay que aprender a decir las cosas de manera diferente. ¿Cómo fue la separación con Fase? La ruptura fue una decisión de los 3. Era irnos por la parte popular
o terminar el proyecto y dejarlo como de culto. Ahora Hans y Peter tocan en Momo y como productores los respeto mucho… ¿No sienten que Belanova siguió la línea de ustedes? ¿No les molestó un poco cuando pegaron? Al principio pensamos “qué mal”, pero luego creo que fue lo mejor. Fase se quedó como grupo atemporal. Ellos se dieron cuenta que con esa misma fórmula, embelleciéndola y simplificándola, podían llegar a vender un montón. Veo que incluyes una versión de Jeanette… Sí, “Corazón de poeta”. Es algo bien melancólico, crecí con esas canciones. Me decían “qué cursi”, pero ella y su voz eran muy diferentes a las de la época. Sus canciones son tan románticas, tan etéreas… Ella habla de un personaje que no es un macho alfa, sino un tipo que es un pajarito, un niño de las estrellas. También incluyo una versión de “Cama y mesa” de Roberto Carlos. Otra de tus versiones es de Daniel Melero… Sí, grabé “Cielo”, y él me lo autorizó porque no tiene editora que dé los permisos. Él me dijo, “yo no suelo darle canciones a otras personas; úsala, pero yo te la tengo que autorizar y escuchar antes” por eso aparece como colaboración. Pensé que “Ladrón de discos” era un cover de Mecano. No, es que me gustaba el nombre de la canción, quería hacer algo con ese título. Es sobre un tipo que compra discos y los guarda en una caja de metal. Hace años hubo un movimiento fuerte de electropop en México… ¿Por qué crees qué se apagó un poco? Creo que todo ha sido por tendencias. Hay cosas como María Daniela y su Sonido Lasser, que son buenas y tienen su público, Alma Velasco pero son para ir al antro… y hay otra parte, Las Pequeñas Cosas gente que estamos haciendo cosas más introspectivas. Casete/Prodisc, 2014
Ana Victoria sigue cosechando el éxito del tercer disco de su carrera: Color Amor, en el que interpreta –muy a su estilo– canciones que la han inspirado a lo largo de su vida. Es así como pasan lista versiones de Enanitos Verdes, Juan Gabriel, Julio Iglesias, Lenny Kravitz y José José, entre otros. Además, la artista estuvo bien acompañada en la producción por Diego Verdaguer, Alejandro Marcovich (Caifanes), Mario Santos y Rodolfo Mendoza. Ana, estás en un gran momento de tu carrera… Ha sido un proceso que ha ido en aumento y es interesante porque he logrado crecer como artista, pero también como ser humano. Las cosas se van alineando y ahora estoy más lista que nunca para lo que estoy viviendo, disfrutando y poniendo todo mi esfuerzo, tiempo y dedicación en este proyecto. ¿Esta madurez ha cambiado tu forma de trabajar, componer, vivir la música? Ahora disfruto de las pequeñas cosas que hacen que esta historia valga la pena. Eres muy apasionada de tu trabajo… Me cuesta mucho desprenderme de mis proyectos y dejar que otros los resuelvan. Necesito estar completamente metida en toda la parte creativa, desde la música, la producción, el concepto en general, me apasiona muchísimo. Me gusta que todo esté al 100%, pero encontrando un balance, con tu integridad como artista por delante, siempre defendiendo tu propuesta. ¿En qué momento un artista pierde esa integridad, desde tu punto de vista? No sólo un artista, una persona pierde su integridad cuando se pierde en quién realmente es o en actuar diferente a lo que le dicta su corazón. A veces es difícil porque hay un bombardeo de información que te indica cómo debes vestir, qué hacer, qué actuar, decir…cómo debes comportarte. Debes regresar a comunicarte profundamente con tu corazón y contigo y defender tu verdad.
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Sobre Color Amor:
Es un CD-DVD. Para los videos incluídos nos remontamos a los años 30 con un concepto que es cabaretoso y sexy. Grabamos en el estudio de Sony. El DVD es una apuesta en vivo que creo que logra transmitir lo que soy en el escenario. Frank Sinatra fue una gran inspiración para este proyecto, me fascina toda la adrenalina de cómo cantaba en vivo.
Algunos hijos de artistas famosos, crecen alucinando lo que sus papás hacen, deseando que su familia sea “normal”. ¿Alguna vez te pasó lo mismo? Sí, jaja, tuve momentos complicados. Nunca voy a olvidar cuando mi madre era una sensación en los años 80 y 90, era una locura, me llevaba a eventos y querían voltear la camioneta los fans. De pronto me daban celos, quería todo para mí, pero con el tiempo me di cuenta de la belleza de esta carrera y cuando logras encontrar una conexión con la música todo lo demás deja de perder valor, no pesa nada cuando recibes todo el amor de la gente al subirte a un escenario. Nunca hemos sido de escándalos, hemos podido separar la parte profesional de la privada, eso aprendí desde chica. ¿Recuerdas qué es lo que más te gustaba de la colección de discos de tus papás (Amanda Miguel y Diego Verdaguer)? Pues aunque no me lo creas, el disco que descubrí y que me encantó es el de Juan Gabriel en el Palacio de Bellas Artes. Amo ese disco doble, estoy obsesionada, me marcó, y además tengo la fortuna de conocer a Alberto (Juan Gabriel) desde hace mucho tiempo. Ahora entiendo por qué incluiste una canción de él en este disco…
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que viene del rock Sí, “Ya lo sé que tú te vas”. Siempre quise como Marcovich. cantarla esa canción pero no me atrevía. Mi padre es un Color Amor es un disco de riesgo, y creo Ana Victoria personajazo, que era el momento de hacerlo. Color Amor nos divertimos, ¿En qué momento se te ocurrió el concepto DIAM Music / trabajamos pero de grabar un disco de versiones a artistas Sony Music, 2013 nos dejamos ser. masculinos? Con él fue una Fíjate que no lo planeé, cuando noté que colaboración muy emocional. Marcovich eso se había dado, pues ya nos enfocamos es muy talentoso, con ideas innovadores al concepto. Por cierto, el pilón es un cover y un estilo en la guitarra que marcó al rock de Michael Jackson (“Thriller”). mexicano. En el video se nota muy espontáneo. ¿Que canción te inspiró mucho respeto ¿Cómo surgió? grabar? Estuvimos más de un mes ensayando, “Un poco más” me conmovió, me con Alex Marcovich, mi padre y todos los comuniqué muy fuerte con el mensaje de la músicos; fueron momentos súper creativos, canción. tengo el gustazo de que el hijo de y en una de ésas yo hice como que tocaba Álvaro Carrillo haya sentido algo parecido la batería, el beat clásico y de ahí el pianista por la versión y me haya escrito varias veces le metió el sinte y quedé sorprendida de para felicitarme. Y también me pasó con que la podía hacer. En eso llegó mi papá y “Almohada” (de José José), el día que me dijo: “la tenemos que meter en el DVD”. metí al estudio confirmé que es una obra de Me gustó la versión porque no es idéntica arte. a la original. Y por cierto… ¿de qué color es el amor? Era la idea, respetar la esencia pero ¡El color del amor es el que te quede! Es tratando de proponer algo que estuviera multicolor, pasa por todos los colores, es la cercano a mí como artista. luz de las emociones, de ahí nace todo. Puede ¿Cómo fue la convivencia? Debió ser ser completamente divertido ver a una radiante y lleno de leyenda de la música Sigue a Ana Victoria en @ANAVICTORIATWIT color o puede ser popular como tu en su página oficial: Anavictoria.com tenue o triste. padre junto a un tipo y en FB/AnaVictoriaOfficial
KCT grabado es un podCasT que, apropiándose de la nosTalgia de Tiempos pasados, suminisTra enTrevisTas, mixTapes, sugerenCias musiCales y arChivos de audio que son parTe de la hisToria de la músiCa y/o la radio. Para escucharlo, basta con teclear dixo.com, seguido de la tecla [enter] y buscarlo en el menú de podcasts y otros contenidos que este sitio ofrece. ¿Tienes KCT grabados? ¿Quieres compartirlos en un podcast? buzon@kctgrabado.com.
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Este mes de las “mamaces”, decidimos rendir un tributo no a esas cabecitas blancas con las que siempre contamos, porque para eso están los festivales escolares del 10 de mayo. Optamos por destacar a algunas de las mamás más guapas de las series de T.V. Advertencia: Si eres feminista, no sigas. Nos estamos yendo por el lado superficial del camino; el artículo de “madres que lo pueden todo” lo puedes encontrar en Selecciones del Reader’s Digest.
Morena Baccarin (Jessica Brody / Homeland) Lástima que ya no veremos tan seguido en Homeland a esta patriota gringa de origen brasileño que, sin duda, era mucha pieza para el tal Brody.
Sofía Vergara (Gloria DelgadoPrinchett / Modern Family) La típica mamá que te topas en un centro comercial y tiras las bolsas de las compras de la impresión (aunque vaya con el que actuaba de Al Bundy). Su acento es parte del atractivo de su personaje (y del show).
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Lizzy Caplan (Virginia E. Thompson / Masters of Sex) Guapa, desinhibida, inteligente, sensual. La “mamá de algún amigo” que todos quisiéramos tener, así significara regresar a los años 50 y no tener internet para buscar sus fotos.
Mary-Louise Parker (Nancy Bowtin / Weeds) Sus dos hijos deben estar traumados de que todo mundo fantasee con su mamá, más que por el hecho de que venda drogas.
Gretchen Mol (Gillian Darmody / Boardwalk Empire) Sexy y muy mala, tanto que no se la desearías como madre ni a tu peor enemigo. Bueno, sí es tu enemigo sí, así la conquistas (ajá, cómo no) y se lo restriegas en la cara. Michelle Dockery (Mary Crawley/ Downtown Abby) No es que seamos interesados, pero además de guapa, es madre de uno de los herederos de la aristocrática familia y, claro, súper atractiva… ¿Qué más se puede pedir?
Medeleine Stowe (Victoria Grason / Revenge) Manipuladora, malvada, voluntariosa, mala madre, elitista, sexy, elegante, guapa... La odiamos un poco, pero obviamente no nos importaría caer en sus garras. Jennifer Love-Hewitt (Riley Parks / The Client List) O.K. Todo lo que hace, cada striptease, cada masaje…es por sus retoños. Y se lo perdonamos, después de todo nosotros no somos sus hijos, sino los que compramos las temporadas en DVD. Emilia Clarke (Daenerys Targaryen / Game of Thrones) Ésta no es cualquier mamá, y si te metes con ella, puedes acabar reducido a cenizas. Es que la rubia es ni más ni menos que la madre de los dragones de la saga. Tendrías que pasar horas extras en el gimnasio (que decimos horas extras, vivir ahí...) para estar al nivel de sus expectativas y parecerte un poco a su querido Khal Drogo.
Mención honorífica (no es sexy, pero la teníamos que mencionar): La mamá de Benito Bodoque en el episodio de Don Gato donde cree que su hijo es el Alcalde.
¿Faltaron? Nos enfocamos mucho en series actuales, pero si quieres opinar, escríbenos a FB/circulo.mixup (pero sube fotos por favor).
Alesandra Rossaldo es más rockera que tú. Y lo demuestra con sus preferencias musicales de la adolescencia, cuando escuchaba a bandas como Whitesnake, Poison y Mötley Crue y vestía con cuero, cadenas y estoperoles. En su habitación no faltaba un provocativo póster de Jon Bon Jovi sin camisa, pero su voz no alcanzaba una tonalidad lo suficientemente grave como para cantar canciones de hard rock, por lo que la encauzó hacia Sentidos Opuestos junto a Chacho Gaytán, influidos por el pop, el dance y grupos como Mecano.
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Más de 20 años han transcurrido desde entonces, pero luego de su disco Movimiento Perpetuo (2000) guardaron un largo periodo de silencio. Con el tema “Atrapada” se reintegran a la escena incursionando en una nueva modalidad de ventas en la que los sencillos serán lanzados uno por uno y se adquirirán únicamente en tiendas digitales. Los productores chilenos Koko Stambuck y Christopher Manhey se encuentran detrás de este proyecto. ¿Hay algo que extrañen de aquella plataforma de promoción de antaño? Alessandra: Yo sí extraño que había muchos más espacios, sobre todo en televisión. En cuanto a medios impresos sigue siendo muy similar y ahora se suman los digitales, pero antes no te alcanzaban los días para la cantidad de programas que había. Podías hacer promoción durante meses. Ahora los espacios son más reducidos. Si ustedes escuchaban rock en sus inicios, ¿buscaron hacer un proyecto más afín a esto? Alessandra: ¡Pero por supuesto! fue cambiando el concepto. La idea original era hacer un grupo de cinco. Ibamos a ser tres músicos y dos vocalistas, una especie de banda como Heart. Estuvimos buscando y audicionando gente sin encontrar a nadie que valiera la pena. Buscamos un tercer
integrante, pero el que elegimos estaba firmado con otra compañía disquera. Nuestro manager nos dijo que fuéramos sólo nosotros dos. Chacho: Ale cantaba con Lucero en ese entonces y yo trabajaba con Alejandra Guzmán. Eso nos nutrió mucho. Aprendimos de lo que se debe hacer y lo que no. Los rockeros también tienen una forma de expresión en cómo se visten y en su sonido, pero acaban cantándole al amor y desamor. Hasta Mötley Crue y Poison cantaban baladas… Chacho: ¡Claro, también! A todas esas bandas los que más les funcionó fueron justo sus baladas… Ahora hay artistas pop que intentan incursionar en el rock como Cristian Castro. ¿Ustedes lo harían? Alessandra: Eso está padre. Si el día de mañana se da la oportunidad, nosotros no lo descartamos en absoluto. Nuestro camino siempre ha sido siempre el dance, pero no quiere decir que La música de Sentidos no podamos tratar Opuestos está disponible en otros ritmos. Mixup Digital vía Warner Music.
¿Por qué creen que siguen vigentes a pesar de tanto tiempo de ausencia y tantos cambios en la escena musical? Beto Cuevas: Considero que si fueramos una moda ya no estaríamos aquí. Nosotros partimos haciendo lo que queríamos hacer. Hay muchas tendencias en el mundo, pero también hay personas que escuchan rock en español, tanto a bandas nuevas como a bandas clásicas que vuelven.
¿Qué novedad ofrecen en este regreso? Beto: Buenas canciones. Considero que éstas son universales y atemporales, y que en la medida en que nosotros hagamos bien las cosas siempre habrá una relevancia. ¿El regreso se limita a la celebración de glorias pasadas o forma parte de un proceso de transición? Pedro Frugone: ¡Por supuesto! Va pasando el tiempo, van pasando cosas, lágrimas y felicidad; todo eso se va juntando y de alguna
Warner Music, 2014
“Olvidar” es el nuevo sencillo de estudio de la Ley y está disponible en Mixup Digital.
¿Es este regreso una reafirmación del éxito de la banda liderada por Beto Cuevas? En una conversación íntima, los músicos reflexionan sobre su propia relevancia e historia.
manera se va convirtiendo en inspiración. De estos nueve años que hemos estado separados, cada uno trae cosas diferentes que queremos compartir musicalmente y es nuestro deseo que eso se pueda plasmar en un disco, el mejor que hayamos hecho nunca. Beto: Por lo general, las bandas se juntan para hacer dinero antes que por la parte romántica, nosotros seguimos siendo románticos en ese sentido. Han contado con la colaboración de Zeta Bosio en presentaciones recientes, ¿cuál han sido el resultado de trabajar con él? Beto: Zeta es un artista invitado, un gran amigo. Fue muy lindo tenerlo en esos dos primeros conciertos. Pero no es un integrante de La Ley, él tiene sus propias actividades como DJ. ¿La nostalgia los llevó a tocar “Crimen” de Gustavo Cerati en dichas presentaciones? Pedro: Soda Stereo es una banda a la que le tenemos mucho respeto; a Gustavo le están pasando cosas terribles y ése fue un momento (Viña del Mar, 2014) en el que sentimos que podíamos aportar un poco al sentimiento que la gente tiene por él. Beto: El homenaje a Cerati se debió a que hicimos algo para Andrés Bobe (QEPD), fundador de La Ley. Me parece que teniendo a Bosio en el grupo, tenía sentido, porque él daba luz verde para hacerlo, y a la La Ley gente le encantó. Retour
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Las tres artistas unen voces y entraña terrestre en Raíz, un álbum donde México, España y Argentina se encuentran entre bulerías, tanguillos, huapangos, chacareras y rancheras. Es Lila quien explica: Un tema en particular, titulado “La raíz de mi tierra”, sintetiza bien el sonido de este disco. Un trabajo donde, de entrada, parecía que sería imposible fusionar tres estilos tan distintos a nivel vocal y también tres raíces musicales tan diversas. Pero nos escuchamos ensambladas, al unísono, y eso era lo que buscábamos, fusionarnos, conjugar nuestras ideas. Las rancheras, los tangos y el flamenco se caracterizan por tener letras muy heridas, pero, además de eso, ¿en que se parecen México, Argentina y España? Lila: Conforme analizamos lo que hemos hecho nos damos cuenta de que tenemos más qué ver entre nuestras nacionalidades de lo que yo había pensado. Ahora encontramos cómo se unen nuestras raíces. Niña Pastori: Nos separa la forma de modular la voz, porque dibujamos de forma distinta lo que cantamos, pero básicamente nos une el ritmo. Soledad: Bueno, el folclor argentino viene de España; y sí, con el paso de los años fue entendiéndose de otra manera, pero el origen está claro. Incluso a mí me dicen que me visto como española. Más allá de lo musical, debió ser complicado convivir juntas. Lila: Al comienzo yo me sentí un poco fuera de juego porque gran parte del disco se grabó en México, entonces ellas se quedaban en un hotel y yo permanecía en mi casa. Pensé que se llevaban mejor solas y me puse celosa, así que tuve que poner un alto. El mezcal nos sacó de varios problemas. Niña: Y era natural que pasara algo así, pero sí finalmente nos acercamos mucho de un modo muy emotivo. Respecto a las raíces, si ustedes fuesen una planta o un árbol, ¿cuál elegirían ser? Niña: Yo un olivo, un naranjo o un limonero. Es que en España tenemos muchos árboles. Por ejemplo, en estos días los naranjos están en flor y su olor está en el aire. Soledad: Yo sería un ceibo. Me encanta su color rojo. También me gusta el ombú, porque representa a La Pampa, es un árbol fuerte, de copa grande. No es muy alto pero sí de apariencia contundente. Lila: Solía identificarme con los árboles frondosos porque vengo de una zona donde hay muchos pinos. Pero luego de una travesía por mis raíces, hoy día me identifico más con el nopal y sus espinas. Es una planta que sobrevive al desierto y que conecta fuerte conmigo.
Lila Downs, Niña Pastori & Soledad Raíz Sony Music, 2014.
FOSTER THE PEOPLE
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¿Pues qué esperaban? Esa pregunta surgió al notar la tendencia de medios especializados que calificaron por lo bajo el segundo trabajo de Foster The People, mismo al que le antecede la inscripción de la canción “Pumped up kicks” en los anales de la música bailable armoniosa sumergida en rock pop que han resultado un éxito comercial. La verdad es que Supermodel no desmerece al debut en vista del ánimo prevaleciente en cada corte, donde ritmos que mezclan bossa nova con toque francés y coros (“Are you what you wanted to be?” y “Nevermind”) congenian también con estructuras ligadas al pop y la música disco, que aquí permite utilizar instrumentos reales y herramientas virtuales (“Ask yourself”, “Coming of age” y “Best friend”). Foster The People logró, pues, un disco confiable al que sólo le podemos reprochar que tardó tres años en arribar.
Foster The People Supermodel Sony Music, 2014
Recomendable si te gusta: Escuchar letras irónicas contra el consumismo actual; que no se busque con avidez el one hit wonder y que tampoco se quiera depender de la nominación al Grammy. Alejandro Rojas Luna
¿Se acuerdan de Boy George, el chico que parecía chica y que en los años ochenta hizo de “Karma chameleon” un hitazo con Culture Club (a pesar de la versión de Yuri)? Bien, pues ha regresado. Después de casi veinte años de silencio discográfico y con toda su experiencia, nos ofrece un disco bastante disfrutable donde lo mismo repasa la cadencia del reggae y la hondura del dub que se pone en el papel de crooner, muy al estilo de Elton John. Ha pasado mucho tiempo desde que dejamos de saber de él y, claro, su voz ha cambiado –¿madurez, le llaman?–, pero George se las ha arreglado para que, al mirar la tapa de este plato, uno se siga preguntando si se trata de un tipo afeminado o de una fémina con harta testosterona.
Boy George This Is What I Do Sony Music, 2014
Recomendable si te gusta: Pintarte el cabello, usar sombreros y hacerte un fleco bien esponjado, como los de Flans. Alejandro González Castillo
La Invención de Morel es un cuarteto formado en la ciudad de México, con claras influencias del rock progresivo, el rock en oposición y el rock alemán de los setenta (Faust, Can, Neu!). Carlos Padilla, guitarra; Ignacio Galar, bajo; David Garza, saxofón tenor, y Román Moreno, batería, nos presentan ocho composiciones que transitan plenas por múltiples fusiones. Se trata de piezas intrincadas con solos extraños de guitarras distorsionadas y saxofones free que se mueven en distintas direcciones. Un disco muy denso, pero igualmente disfrutable. Para amantes de la música diferente y realmente alternativa en toda la extensión de la palabra.
La Invención de Morel Faustine Intolerancia, 2014
Recomendable si te gusta: La música que no es fácil de digerir, pero que cuando la degustas es deliciosa; las sorpresas sónicas y las canciones con final inesperado. Walter Schmidt
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URSS Bajo el Árbol Líneas Mentales Intolerancia, 2014 Tras el éxito de su álbum debut 7, el grupo neo-progresivo defeño edita ahora este EP que había aparecido en vinilo en el 2010, en una edición limitada de 500 copias, hoy inconseguible. Aquí se incluyen algunas rarezas como “Lunático artificial” y “Xilófono Lisérgico”. Además de dos bonus tracks -Back to basics-: “Insomnium” y “Líneas mentales”. La nueva ola del rock psicodélico experimental hace escala de manera afortunada en México. Guitarras ácidas y retorcidas, atmósferas inesperadas y voces de ultratumba que encantan son la constante de este buen material que significó el debut de un grupo de jóvenesancianos (por sus gustos). Recomendado si te gusta: Tocar guitarra de aire inventando canciones, usar tenis perestroika mientras escuchas a King Crimson.
Walter Schmidt
Klabbes Bank Protect the Forest Hoob records, 2014
Motorama Alps Talitres, 2013 Encontrarle ángulos distintos a una estructura musical tan conocida, clonada y plenamente asociada con el sonido de Joy Division es algo que no cualquiera ha logrado. Por eso es grato encontrarse con el post punk de la banda moscovita Motorama. En ellos, el dream pop, el pop sueco, el indie británico y canadiense de principios de los 2000, junto con minúsculos detalles electrónicos, se combinan con un renovado repiqueteo de las guitarras y el oscuro intercambio entre la batería, el bajo y los sintetizadores. Por lo que respecta a las letras, el estilo clásico de temáticas melancólicas se abre en Motorama a la contemplación y la esperanza. Lo que no logró Editors, y a Interpol le ha costado en los últimos años, Motorama lo consiguió y pulió en esta tercera entrega. Recomendable si te gusta: Que el post punk no permanezca estático; oír bandas de geografías poco habituales y haberte topado con el grupo en el Vive Latino 2014.
Alejandro Rojas Luna
La música de Klabbes Bank va mutando a través del uso de sintetizadores y diversos efectos y logra interesantes paisajes sonoros que van de lánguidas y melancólicas melodías a lúdicas rítmicas donde hay pincelazos de jazz, clásico contemporáneo y muchos sintetizadores, entre otros elementos. Éste, su más reciente disco, es un material de esencia orgánica que logra un buen equilibrio entre electrónica, arreglos de metales y maderas y buenas dosis de improvisación. La fuente de inspiración proviene de la preocupación por el planeta y la necesidad de instruir a las nuevas generaciones a proteger su medio ambiente. Sin duda, un proyecto musicalmente accesible que lo mismo encaja en el circuito de festivales de jazz que en clubes de moda, en la tranquilidad de tu casa o durante un largo trayecto en carretera. Recomendable si te gusta: Soñar despierto y trasladarte a la tierra de los trolls, con todo y los majestuosos paisajes de los nevados bosques de Escandinavia.
Sara Valenzuela
Morrissey Your Arsenal Warner music, 2014
Continuando el relanzamiento de su discografía, toca el turno a éste que muchos consideran el paso más firme del Morrissey solista. En 1992, contratando como productor al ya finado Mick Ronson (ex guitarrista de Bowie en los Spiders from Mars), Moz registró algunas de sus canciones más urgentes hasta la fecha. Nunca volvió a sonar tan amenazante como en la abridora “You’re gonna need someone on your side”, que con sus guitarras musculosas no desmerecería entre los grandes himnos del punk. La acidez de ”Glamorous glue”, la ingenuidad de “You’re the one for me. Fatty”, la agudeza de “We hate it when our friends become succesful” son apenas destellos de lo que sin duda es un muestrario estilístico de brillante acabado. El gran extra de la reedición, además de la revitalización lograda con la masterización, consta de un DVD con un concierto de 1991 en Mountainview, California, con la banda que posteriormente grabaría Your Arsenal. Recomendable si te gusta: Olvidarte de reuniones de los Smiths y sofisticar tu timidez. Arturo G. Aldama
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Los Kaiser Chiefs quieren dárselas de revolucionarios y en contra del establishment. Con letras como “lo que ganas en la fábrica lo llevas directo a la tienda de la compañía” (“Factory gates”) o “nosotros el pueblo, creados iguales” (“Bows & arrows”), casi ponen su tienda de campaña fuera del Parlamento. Sin embargo, Ricky Wilson, ahora flaquísimo para agradar a la pantalla chica, es uno de los coaches de “The Voice” en la BBC. Ha dicho que está ahí sólo para que la gente compre sus discos. ¿Por qué cantar en contra del gobierno y aún así salir cada fin de semana en un canal co-financiado por el gobierno mismo? ¿Para seguir viéndose cool?.
Kaiser Chiefs Education, Education, Education & War Arts and Crafts, 2014
Recomendable si te gusta: Las playeras del Che Guevara, Beto Cuevas en “La Voz… México”.
Cynthia Rodríguez
Abba / Waterloo / Universal Music, 2014
Una de las bandas mas encantadoras de la historia del pop celebra 40 años de carrera con reediciones deluxe de sus discos, todas cargadas de nostalgia y miel, como Waterloo, un clásico de época.
@just_musik
Killer Be Killed Killer Be Killed Nuclear Blast, 2014
Si bien a quienes cargamos al metal como una asumida y gozosa penitencia en estos días de música hipster-indie-trendy nos emocionó como adolescentes que esta banda incluyera en su nómina a quien se perfila como el abuelito por antonomasia del ruido extremo, el brasileño Max Cavalera, la verdad es que nos tuvimos que conformar con un buen disco a secas. Ni la presencia de un Greg Puciato (The Dillinger Escape Plan), Troy Sanders (Mastodon) y Dave Elitch (ex-The Mars Volta) como integrantes de esta súper banda pudo evitar que por momentos las canciones oscilen entre el new metal noventero de Papa Roach (con un poco más de mala leche) y el metal core tipo Alesana, hecho por tipos algo pasados de añejamiento. Recomendable si te gusta: Farolear con frases como “¿ya escuchaste el disco del nuevo proyecto de Max Cavalera con un güey de Mars Volta?”
Arturo J. Flores
Sharon Jones & The Dap Kings Give People What They Want Daptone Records, 2014 Todos los discos tienen una historia, y la de la quinta placa de estudio del ensamble de funk y soul Sharon Jones & The Dap Kings está marcada por el cáncer de páncreas que padeció la vocalista en 2013. Tras superar la enfermedad, Jones entregó un disco lleno de ritmo y sentimiento junto a los exmúsicos de sesión de Amy Winehouse. Cortes como “We get along” y “People don’t get what they deserve” son un exquisito banquete musical lleno de ritmos contagiosos, arreglos de metales y letras agridulces. Sobresale la voz de Sharon como plato fuerte, particularmente en temas como “Stranger to my happiness”, donde muestra el amplio rango de su voz. Sólo 10 temas, pero cada uno es una verdadera joya. Recomendable si te gusta: bailar con música no tan obvia y los discos en los que no hay una sola canción de relleno. Pedro Escobar
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Sex Pistols Sex, Anarchy & Rock n´ Roll Swindle Hi Horse Records, reedición 2013 Colección exclusiva en vinilo, que incluye rarezas imprescindibles para todo buen fan de Rotten y sus adorables punks. El disco está plagado de demos, tomas alternas, grabaciones en vivo y demás parafernalia de uno de los grupos más influyentes de la historia, le pese a quien le pese. En total son 12 tracks y no, no faltan himnos como “Anarchy in the U.K.”, “Pretty Vacant” (en vivo) ni el frenético Sid Vicious cantando “My way” de Frank Sinatra, en la versión original extraída de la película La Gran Estafa del Rock and Roll. Además, el vinilo viene en un bonito color rosa que hará juego con el color de tu mohawk.
@nosoymoderno
Elbow The Take Off and Landing of Everything Fiction Records, 2014
No es común que bandas que comparten clara información genética con otras clásicas consigan hacerse de credibilidad justo por ser obvia la fuente de la cual procede buena parte de su sonido. Sin embargo, Silversun Pickups tuvo la virtud de llenar, con menor saturación de instrumentos y canciones que no requieren virtuosismo ni tanta extensión, el hueco que durante buen rato dejó Billy Corgan, quien por ego desbarató a The Smashing Pumpkins. Así, con apenas tres discos en su haber, Silversun Pickups compila diez sencillos de efectividad comprobada, más un corte inédito: “Cannibal” (poseedor de guiños tecnológicos), donde las constantes arremetidas de las guitarras eléctricas y batería conviven con los contrapuntos melódicos de las guitarras acústicas, el bajo y la aguda voz.
Silversun Pickups The Singles Collection Dangerbird, 2014
Recomendable si te gusta: The Smashing Pumpkins hasta Adore (1998); que con un sencillo nuevo las bandas anticipen posibles cambios de registro; ir a la segura.
Alejandro Rojas Luna
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En el Reino Unido, Elbow es uno de los conjuntos más amados y consolidados. Llenan arenas, ponen a cantar festivales enteros y hasta tienen su propia cerveza artesanal. Guy Garvey tendrá voz de ángel (ángel peludo y borracho, aunque ángel a fin de cuentas), pero aún vive en su natal Lancashire y conduce un programa de radio cada fin de semana. Son unos ídolos al alcance de la gente. The Take Off and Landing of Everything es un disco largo y existencial sobre rompimientos, enemistades y el cruel paso del tiempo. A pesar de sus temas tan difíciles, llegó al primer lugar de ventas en el Reino Unido y en Irlanda, así como en la región flamenca de Bélgica y hasta en los Top Heatseekers de la Billboard. ¿Por qué no les damos el mismo amor? Recomendable si te gusta: La música alternativa británica bien hecha, la cerveza oscura, los festivales europeos, escuchar estaciones de radio por Internet, soñar que caminas de noche por las calles de Manchester (sin que te peguen los hooligans).
Cynthia Rodríguez
Los Mundos / Retroterapia / Casete/Prodisc, 2013
En México también se cuece shoegaze y, como muestra, esta relativamente novel banda cuyo sonido provoca lo mismo melancolía que insano amor al ruido. @nosoymoderno
Los Macuanos El Origen National Records/ Casete, 2014 Constantemente, la escena de Tijuana genera las propuestas más interesantes de todo el territorio. Así llegamos a Los Macuanos, trío electrónico perteneciente al género tijuanense "ruidosón”. Su disco explora la mezcla de sonidos tradicionales y folklóricos mexicanos con techno, glitch y demás matices de la electrónica; es una obra madura y claramente la propuesta más fresca y concisa que nuestro suelo ha dado en años. Si bien Los Macuanos no están descubriendo, inventando o reinventando nada, sí logran expandir un diálogo que hace años bandas como Nortec o IMS comenzaron, y lo hacen con astucia sonora y excelente ejecución. Recomendable si te gusta: Bailar como Ian Curtis, pero con una cumbia oscura de fondo; la letra de la canción “Tijuana makes me happy”. Jimena Alarcón
Tina Turner / Love Songs / Warner Music, 2014
La diva del rock recopila sus canciones lentas, esas baladas infalibles que ha grabado en algo así como tres décadas de carrera, en un disco muy recomendable para sensibilidades rockerorománticas.
Una antología casi siempre viene acompañada de un agudo sentimiento de nostalgia. A pesar de que su trayectoria no ha sido taaan larga y considerando que la época del rock alternativo mexicano tuvo apenas una entrañable década (los añorados noventa) en la que el género cobró relevancia, Zurdok emprende el eterno nuevo sueño de evitar que el tiempo se vaya con el lanzamiento de Gran Salto (2014), álbum cuádruple que invita al recorrido de su producción desde Antena (1997), el @circulomixup sonido duro con que se presentaron; Hombre Sintetizador (1999), el cambio de estilo influenciado por el britpop, Maquillaje (2001), y un plus que contiene curiosidades entre versiones, demos y la más reciente canción, “Azul oscuro”, que el grupo presenta como sencillo promocional. Un buen disco para abrir bien los ojos sobre el álbum fotográfico y sentir que todo es otra vez para siempre.
Zurdok Gran Salto 1997-2014 Universal Music, 2014
Recomendable si: Eres fiel seguidor y ya te había asustado que después de trece años no sacaran nada nuevo o si con el sencillo recién descubriste a una buena banda mexicana.
Eduardo Elizalde
Después de ser headliner de los mejores festivales del mundo, después de convertirse en un meme andante y golpearse la cabeza durante su show en México… Por fin Skrillex se dio tiempo de lanzar su primer disco larga duración. Poco después de que Sonny Moore creó a Skrillex, éste se convirtió en la cara de un movimiento que ni siquiera acaba de gestarse y que los medios denominaron dubstep. Sin embargo, ahora con la ventaja del tiempo transcurrido, es fácil ver que lo de Sonny es algo muy distinto a donde el género habría de evolucionar. Y su primer disco sólo subraya esta bifurcación. Sus sonidos buscan la alteración rápida, aterradora y feliz, provocar en el escucha una especie de esquizofrenia festiva sonora. Uno de los temas más destacados es “Dirty vibe”, en donde Skrillex demuestra que tiene puestos los ojos en el futuro.
Skrillex Recess Warner music, 2014
Recomendable si te gusta: Estar a la moda, pero a la vez en contra de ella; los tenis que combinan con los peinados raros.
Jimena Alarcón
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12 Años Esclavo (12 Years a Slave) Dir. Steve McQueen Drama El tema de la esclavitud siempre ha sido difícil de llevar a la pantalla; lo brutal de los acontecimientos y la falta de una historia adecuada habían retrasado por muchos años una deuda pendiente del cine norteamericano. Pero resulta que varios esclavos que lograron escapar de sus patrones escribieron crónicas de su sub-vida en las plantaciones sureñas. La crónica de Solomon Nothup es una de ellas y sirvió como base para que el talentoso director afro-inglés Steven McQueen nos hiciera conscientes del
Woody Allen: A Documentary Dir. Robert B. Waide Documental
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salvajismo de la vida en una plantación. El actor Chiwetel Ejiofor es un violinista libre que vive en el Estado de Nueva York es engañado por unos embaucadores que le ofrecen trabajo en un circo, pero en realidad es vendido a un traficante de esclavos. La vida en la plantación es infernal. En cierto momento le dicen a Solomon, “Si quieres sobrevivir, no digas que sabes leer ni escribir”. Ésas eran las reglas del juego. La degradación que sufren los personajes es una constante pesadilla en la que tarde o temprano les espera la muerte. Michael Fassbender –en su tercera aparición en el cine de Moqueen– interpreta a un desquiciado dueño de plantación cuya moral es inexistente. Quien más lo resiente es su amante esclava Patsey, interpretada por Lupita Nyong’o. Es maravilloso que la historia de un hombre que logró plasmar en palabras esta terrible injusticia haya sido la semilla de tan lograda película ganadora del Oscar.
La carrera de Woody Allen se divide en etapas: escritor de chistes, comediante de cabaret, actor y guionista y autor cinematográfico. Este excelente documental recorre con paciencia cada una de estas fases que retratan la evolución del genio. Woody ha roto todos los moldes con una filmografía de más de 40 películas con todo y sus altibajos, y no deja de seguir sorprendiéndonos tocando temas tan diversos como la pareja en Annie Hall, el amor al cine en La Rosa Púrpura del Cairo o la doble moral en Crímenes y Pecados, además de haber aportado al cine esa figura del semi-intelectual neurótico urbano.
Escape (Escape Plan) Dir: Mikael Håfström Acción
Ray Breslin (Stallone), un experto en seguridad carcelaria, se enfrenta a su mayor reto: escapar de la prisión que él mismo ha diseñado. En la cárcel conoce al enigmático Church (Schwarzenegger), un tipo que se ha ganado el respeto de todos los presos por ser capaz de mantenerlos cuerdos en las horas más oscuras. Quién iba a pensar que después de tantos años íbamos a volver a ver a Stallone y Schwarzenegger juntos, en una buena película de acción de manufactura superior a las que hacían en los años 80.
El Lobo de Wall Street (The Wolf of Wall Street) La dupla Scorsese/ Di Caprio vuelve a hacer de las suyas en esta película que, por donde se vea, es una comedia que satiriza los excesos de una época de derroche y nos brinda momentos inolvidables llenos de escenas explosivas donde se retratan de manera divertida la ambición, el sexo y la mentira envuelta en glamour. No esperes ver un dramón con moraleja, esto es una especie de American Pie mezclada con Goodfellas, con un guión inteligente para adultos y yuppies nostálgicos. Se agradece que, a pesar de sus 3 horas de metraje, la película no decae ni deja de arrancarte sonrisas. Borja Pérez
El Hobbit: La Desolación de Smaug ( Hobbit: The Desolation of Smaug) Dir. Peter Jackson Aventuras
El futuro ya no es lo que era
El Hobbit es una historia para lectores juveniles que ha tenido un éxito considerable en la literatura, por lo que era natural que después del éxito de El Señor de los Anillos, llegara al cine. En esta segunda parte, continúa la aventura de Bilbo Bolsón con el mago Gandalf y trece enanos liderados por Thorin Escudo de Roble en una búsqueda épica para reclamar el reino enano de Erebor. En su camino se toparán con multitud de peligros y harán frente al temible dragón Smaug.
Nunca Me Abandones (Never Let Me Go) Dir. Mark Romanek
Adaptación de una novela de Kazuo Ishiguro. Kathy, Tommy y Ruth pasan su infancia en un internado inglés aparentemente idílico, donde descubren un tenebroso e inquietante secreto sobre su futuro. Cuando se acercan al destino que les aguarda, el amor, los celos y la traición amenazan con separarlos. Perturbadora visión del futuro. Variación sobre el tema de implantar y editar los recuerdos para hacer la vida más soportable, en este caso a un joven millonario después de un accidente. Amenábar logra crear una historia inquietante donde realmente el futuro ya no es lo que era. Con Penélope Cruz.
Abre los Ojos. Dir. Alejandro Amenábar
El Hombre que Cayó a la Tierra (The Man Who Fell to Earth) Dir. Nicolas Roeg
David Bowie, que durante algunos años manifestó públicamente ser de otro planeta, interpreta a un extraterrestre que viene en busca de agua para tratar de resolver la sequía que hay en su planeta. Película de culto.
La Mosca (The Fly) Dir. David Cronenberg
Contacto (Contact) Dir. Robert Zemekis
Eleanor Arroway perdió la fe en Dios. Como resultado, ha concentrado toda su fe en la investigación: trabaja con un grupo de científicos que analizan ondas de radio procedentes del espacio exterior con el fin de encontrar señales de inteligencia extraterrestre. Conmovedora visión de la posible existencia de vida extraterrestre, basada en un libro de Carl Sagan.
Poder desmaterializar el cuerpo y reconstruirlo ha sido uno de los sueños más acariciados de la ciencia ficción. A punto de que un científico esté por lograrlo, una maldita mosca interfiere en el experimento. La versión original de 1958 también es maravillosa.
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Amor, apariencias y guerra fría El éxito estruendoso de series como Mad Men (con su exploración del pasado reciente) y Homeland (con todas sus intrigas y la complejidad con que aborda las tortuosas relaciones entre sus personajes, es sin duda un factor que tomaron en cuenta los creadores de The Americans. Creada por Joe Weisberg, un ex oficial de la CIA, la serie trata sobre dos agentes de la KGB que en los años 80 se hacen pasar por Elizabeth y Philip Jennings, un matrimonio de americanos que viven en los suburbios de Washington, y su vecino Stan Beeman, un agente de contrainteligencia del FBI. A pesar del escenario, la serie es en el fondo la historia de un matrimonio; el espionaje y las intrigas son solo una alegoría de las relaciones humanas. Según el productor ejecutivo Joel Fields, The Americans opera en diferentes niveles de la realidad: el mundo ficticio del matrimonio entre Philip y Elizabeth y el mundo real que aborda las experiencias de los personajes durante la Guerra Fría. Weisberg, quien ha dicho que trabajar para la CIA fue un error en su vida, ha utilizado su experiencia en la agencia como base para desarrollar las líneas narrativas de la serie, algunas utilizando episodios reales, otras integrando las lecciones que aprendió en su carrera y otras más a partir de historias que escuchó de boca de muchos de sus colegas y compañeros sobre las dificultades de tener una familia y criar a sus hijos al mismo tiempo que trabajaban como espías. En algún momento, Weisberg afirmó que fue la propia CIA la que le dio la idea de escribir la serie: “Al tomar el examen de poligrafía para ingresar, me preguntaron: "¿Te estás uniendo a la CIA para adquirir experiencia sobre la comunidad de inteligencia y poder escribir sobre ello más tarde?” A él nunca se la había ocurrido esto pero le pareció una buena idea.
The Americans Primera temporada
Dr. House House M.D. Collection: Complete Series
¿Quién no conoce al doctor que resuelve los casos más difíciles del mundo (usando técnicas más detectivescas que médicas), hace los comentarios más ácidos, trata peor a sus discípulos, fractura todas sus relaciones cercanas, ama el rock and roll, sufre sin cesar en cada capítulo de la serie que lleva su nombre y se mete opiáceos a ritmo de síncopa? Por supuesto que estamos hablando del Dr. House, cuyo protagonista, Hugh Laurie, se ha vuelto universalmente famoso al tiempo que su personaje es adorado, odiado y admirado en el mundo entero. Si usted es uno de los millones de seguidores de Dr. House y no se cansa de verla, o se perdió la serie y quiere verla completa, he aquí esta magnífica caja con las 8 temporadas 8: una colección de 41 discos con 176 episodios subtitulados en inglés y español más un folleto con una guía de temporadas y un diccionario de houseismos, entre otras curiosidades.
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Hannibal Primera temporada
Hannibal Lechter es seguramente el asesino serial de ficción más popular de la historia. Su inteligencia, sofisticación y refinada crueldad lo han convertido en una presencia deliciosa; sus diálogos ingeniosos y su humor retorcido resultan tan repulsivos como atrayentes. De ahí que hasta ahora haya dado para hacer al menos cuatro películas muy taquilleras y que llegue finalmente a la pantalla chica con una serie que está teniendo mucho éxito. Desarrollada por Bryan Fuller para NBC, la serie se basa en personajes y elementos que aparecen en la novela Dragón Rojo de Thomas Harris y se enfoca en la relación entre el agente especial del FBI Will Graham y el Dr. Hannibal Lecter, un psiquiatra forense que habrá de convertirse en su peor enemigo.
Para fans de la naturaleza automática Si siempre has querido saber de qué manera música, naturaleza y tecnología se conectan, pero tenías miedo de preguntar, para de sufrir. En este programa emitido el año pasado por la T.V. inglesa, Björk y el connotado científico investigador David Attenborough unen fuerzas, sensibilidades y cerebros para presentar un interesante trabajo armado de inteligentes diálogos (tan íntimos, que da la sensación de que estás tomando una cerveza con ambos) y cuestionamientos tipo “¿mientras más bella es el ave, más bello es su sonido?”. Ajá, suena pretencioso, pero en realidad es un documental muy ilustrativo, sobre todo porque registra parte del proceso de creación y concepción de Biophilia, proyecto en el que la islandesa se embarcó con disco y gira hace algunos años.
Björk When Bjork Met Attenborough
Si hay un grupo capaz de unificar a artistas de los géneros más diversos, es éste. En esta colección, que hará las delicias de los aficionados que viven la intensidad del cuarteto de Liverpool, se reúnen más de 35 versiones de sus más reconocidas canciones. De artistas de algún modo emparentados, destaca la inclusión de The Beach Boys (gran influencia para los mismos Beatles), Eric Clapton (alguna vez su músico invitado), Cheap Trick (músicos de sesión de Lennon) y Chuck Berry (de sus primeras influencias), y luego se llega a otros menos obvios como el elegante ex Roxy Music Bryan Ferry o los Stone Temple Pilots. Un DVD doble muy interesante para escuchar esas canciones clásicas de toda la vida, desde muchos diferentes puntos de vista.
Varios artistas The Beatles Tribute
Creedence Clearwater Revival En Concierto
Therion Adulruna Redivia and Beyond La bueno de las sobredosis de metal es que no hacen daño y son todo un viaje. Y, bueno, esto es lo que va a pasar: vas a comprar este paquete de 3 DVDs y no vas a ver la luz del día por un buen rato. El material compila 2 conciertos (uno en Atlanta del 2011 y otro en Budapest en el 2007), además de extras imperdibles: el video de 15 minutos de duración An Adventure withTherion, que nos adentra en el juego de mesa mitológico basado en la música de la banda sueca de metal sinfónico; un detrás de cámaras de los conciertos y, además, el programa completo de la T.V japonesa Amazing Voice, donde el líder de la banda fue entrevistado a consciencia y tocó algunos temas del grupo. Si acabas viendo duendes nórdicos, es bajo tu responsabilidad (si son elefantes rosados, me los saludas).
Y ya que andamos en los terrenos de grupos que les siguen encantando a los nostálgicos mexicanos rockeros, además de los bitles, debemos mencionar a los cridens. La alineación original del famoso grupo de John Fogerty (los que vienen al D.F. a cada rato son genéricos y nada similares) se presenta en concierto en 1980 interpretando sus nostálgicas canciones campiranas. Lo malo: la duración es de 45 minutos. Pero de lo bueno poco, y esta versión en video de un disco que alguna vez vendió millones de copias, presenta al grupo en un gran momento. Chécalo aunque navegues con bandera de moderno, ya que han sido rescatados por algunos de los nuevos héroes del countryalt como una de las influencias del género.
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Hace algunas semanas, Damon Albarn anduvo en la ciudad de México de incógnito. Si te quedaste con ganas de topártelo en la calle, la buena noticia es contamos con estos títulos para que lo tengas en tu casa con todo y Blur:
Blur 21 Box Set
Este material implica palabras mayores, ya que incluye DVDs, conciertos, TODOS sus discos y una hermosa caja de la que seguro debe sentir envidia Noel Gallagher.
Live in Glastonbury Festival
Concierto del 2009 en el que el grupo se reúne tras 6 años de separación y lo hace de gran manera: interpretando sus grandes himnos.
The Best of
Todos (o casi) sus videos y la evolución del grupo, en un DVD básico para comprender el britpop que invadió al mundo y procreo tantas bandas.
Si habías esperado una buena razón para hacerte de un Wii U (que no fuera la remasterización en HD de The Legend of Zelda: Wind Waker o el infaltable New Super Mario Bros. U), aquí tienes la justificación: Mario Kart 8. Los personajes del Mushroom Kingdom se enfrentarán en 32 pistas, de las cuales 16 son reediciones de escenarios anteriores (como Moo Moo Meadows de Wii, Toad’s Turnpike de Nintendo 64 y Donut Plains de Super Nintendo) y el resto son totalmente nuevas. En cualquier caso, los jugadores
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podrán conducir por las paredes o por el techo gracias a la opción antigravedad. En adición a los objetos ya conocidos por todos –como la estrella y los caparazones–, en esta entrega se añadieron nuevos ataques, como la planta piraña que se adhiere al frente del carrito y muerde a los competidores cercanos y la flor boomerang que, al arrojarla, noquea a los oponentes y regresa a las manos de quien la lanzó para ser utilizada dos veces más. Mario Kart 8 es un festín audiovisual porque, encima de que el juego corre –por primera vez en su historia– a 60 cuadros por segundo, también por primera vez escuchamos piezas orquestadas en algunos de los escenarios. Todas las audiencias estarán contentas al saber que se puede conducir utilizando el GamePad de Wii U, el Wii U Pro-Controller, el Wii Wheel o el combo Wii Remote-Nunchuck, mismo que seguramente será utilizado por los veteranos en el modo en línea, que soportará hasta a 12 usuarios a la vez.
Advanced Video System
*Las imagenes de las portadas podrían variar.
Antes de que una consola llegue a los anaqueles, pasa por un complejo proceso de producción en el que varias ideas se quedan en el tintero. En el caso del Nintendo Entertainment System (NES), se había pensado en hacer una computadora casera con énfasis en juegos de video llamada Advanced Video System (AVS).
Trío de RPGs japoneses
SHAREfactory Tres juegos de rol desarrollados por NIS llegarán a nuestro continente este año: Disgaea 4: A Promise Revisited para PS Vita (agosto), Danganronpa 2: Goodbye Despair también para PS Vita (septiembre) y Fairy Fencer F para PlayStation 3 (septiembre). El primero es un port de la entrega para PS3 que incluye todo el contenido descargable y ofrece nuevos escenarios.
Se ha hablado mucho de las capacidades que las nuevas consolas tienen para grabar y compartir clips de las sesiones de juego y Sony mantiene el tema caliente con SHAREfactory, una funcionalidad para PS4 que, además de grabar, permite editar y postproducir videos con efectos, filtros, transiciones, texto, estampas y música. Cuando estén listos, pueden ser compartidos vía redes sociales.
Wolfenstein: The New Order La serie Wolfenstein, cuyo título Wolfenstein 3D sentó las bases de lo que debería ser un shooter en primera persona, ha tenido altibajos a través de su larga historia; sin embargo, bajo la tutela de Bethesda Softworks, estudio que publicara Fallout, busca reclamar su lugar en un reñido mercado. Wolfenstein: The New Order ocurre durante la década de los años 60 en un mundo alterno en el que Hitler se sale con la suya y el Tercer Reich gana la Segunda Guerra Mundial. Tres años después de los eventos de Wolfenstein, el agente William “B.J.” Blazkowicz sufre amnesia y es encerrado en un asilo por más de una década. Al escapar, se da cuenta de que el enemigo es más poderoso y controla al mundo. Armado con armas retrofuturistas que tienen habilidades especiales, como un cañón láser que además de atacar sirve para cortar, o torretas que pueden ser desmontadas de sus bases y cargadas por los escenarios, B.J. deberá hacerle frente al imperio nacional socialista. (Por cierto, en Alemania el juego no hace alusión a esta corriente política y no incluye esvásticas.)
Kirby: Triple Deluxe Kirby está de vuelta y, para darle un giro inesperado a la historia, el peludo rosado tendrá que salvar a su némesis: el rey Dedede. Al inhalar a los enemigos de esta aventura, Kirby podrá copiar nuevas habilidades que, aunque son muy útiles, no se comparan con la Hypernova que permite deshacerse de obstáculos masivos y secciones enteras de los escenarios.
The Amazing Spider-Man 2 Para no perder la costumbre, Activision trae el videojuego de The Amazing Spider-Man 2 junto con la película (aunque la versión para Xbox One sale un poco después). Tal como su antecesor, en este título el jugador toma el control del escala-paredes en una historia que se desenvuelve de manera independiente a la del filme, dándole a los entusiastas de la serie razones de peso para hacerse de una copia de este título de acción en tercera persona.
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Por supuesto, el tema de cómo los seres humanos nos estamos aislando no es nada nuevo; no sólo lo experimentamos cotidianamente, sino que es objeto de muchos estudios y de mucha ironía. Pero es algo que ha captado mi atención de manera particular. Soy una ávida observadora de cómo la gente se relaciona cada vez peor, de cómo se van acercando a los demás de manera cada vez más egoísta, de cómo los valores de hoy chocan con los valores que nos fueron transmitidos, creando una confusión entre las ideas y los sentimientos. Un amigo me contaba cómo su pareja se negaba a hacer casi nada por él, pero le exigía que le comprara cosas, completamente perdida entre un rol tradicional y el de mujer independiente. Otro amigo me cuenta de su incapacidad para formalizar su relación con su novia de la adolescencia y su incapacidad para dejarla. No quiere comprometerse pero no se da cuenta que lo hizo hace años. O el amigo que estaba completamente enamorado de una mujer con un bagaje emocional enoooorme, quien acabó por dejarlo porque no soportaba tanto amor. Lo mismo que le sucede a otro amigo, que dice desear un amor de película, pero cuando lo encuentra sale corriendo porque, ¿qué tal que el amor verdadero está en otro lado?
Cada día veo a mujeres divorciadas porque ya no soportaban a su esposo, completamente desvalidas y en búsqueda de un príncipe azul, como si no supieran que éstos no existen, que la convivencia con otra persona es un trabajo duro que, por cierto, ellas no están dispuestas a hacer, como tampoco están dispuestas a vivir de tal manera que no deban ser rescatadas por nadie. Y con los amigos pasa algo similar. Un día le regalé algo a un amigo en su cumpleaños y me dijo: “Eres la única persona que me dio algo”. El otro día alguien más me dijo: “Hace años nadie me regala nada”. Me parece terrible. Para regalar algo no hacen falta más que ganas de hacerlo. Y hay casos más extremos: yo sabía que los japoneses usan tapabocas porque la floración de los cerezos es tan fuerte que ocasiona muchas alergias, y la gente los utiliza para protegerse, pero el otro día leí un artículo que afirma que hay también mucha gente que los usa para no tener que hablar con los demás. Y en el mismo Japón, el país con el porno más violento y/o extremo en forma de cómic, hay cada vez más personas que no tienen sexo con nadie (excepto, supongo, con ellos mismos). Los humanos, tradicionalmente seres sociables, nos estamos volviendo islas, elementos únicos y aislados, apenas comunicándonos a distancia con otras islas. Me parece realmente triste.