Festival de Teatro San Ignacio 2020 by Claustro Comfama

Esta versión sin precedentes del Festival expone la perspectiva de lo transmedial y sus interferencias con las artes escénicas, exhibe la apropiación que han hecho los artistas colombianos, y algunos invitados del espacio cultural común iberoamericano, conformando un paisaje híbrido, donde lo digital y lo físico se entremezclan en lugar de desconectarse, creando un ecosistema más amplio de personas comprometidas en todo el mundo, como artistas, curadores, críticos y espectadores.

Octavio Arbeláez Curador Festival de Teatro San Ignacio.

Comfama Presenta En esta tercera versión, el Festival de Teatro San Ignacio se expande. Hoy tenemos la posibilidad de encontrar nuevos públicos. Sin embargo, no olvidamos nuestra misión de realizar este encuentro para los que viven en el centro de Medellín, los que viven del centro, los que hacen que el centro viva, y los que queremos que visiten el centro en un futuro sin pandemia. Mantenemos nuestra iniciativa de ResidentesVisitantes, esta vez, las plataformas digitales de los grupos de teatro que hacen parte del Distrito San Ignacio serán la casa de las agrupaciones nacionales e internacionales, cuyas obras hacen parte de la programación del Festival. Así, lograremos una integración completa entre las comunidades digitales, grupos de teatro y nuestro territorio San Ignacio, en el centro de Medellín, un lugar donde las artes escénicas permanecen más vivas que nunca. Este Festival es una invitación a conectarnos entre todos. De la mano del Festival Internacional de Teatro de Manizales, hemos aunado fuerzas para hacer de estos eventos una fuerza que permita más escenarios para el arte. 7

Teatro Virtual Comfama El Teatro Comfama es un integrador de múltiples comunidades alrededor de las artes escénicas, el cine y la formación. Es un provocador de conversaciones que, antes de llenar butacas, quiere llenar de emociones y preguntas al público: familias y empresas. Este escenario permite que el arte suceda y circule. Los artistas encuentran una salida para sus creaciones que muestran lo mejor y lo peor del ser humano a través de miradas a la realidad, representaciones o ficciones. Es una “escuela de audiencias” en la que se expanden referentes estéticos y se afinan ojos, oídos, criterio y capacidad de apreciación. En el Teatro Comfama, la experiencia con la cultura, desde la emoción, el conocimiento y el oficio, empieza antes de que se dé inicio a la obra, en una mesa mientras se toma un café, en una exposición en el hall, en conversaciones en una banca... y se extiende hasta después de haber finalizado la función.

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OBRA: LAS RAÍCES FLOJAS

Grupo: LA GATA CIRKO Dirección: Felipe Ortiz Producción: Luisa Montoya

Sinopsis: Aunque el ser humano empezó siendo nómada, hoy es casi impensable moverse. La quietud cambió nuestra esencia y ahora, aunque no somos árboles, tenemos raíces. Aun así, de tanto en tanto, las circunstancias nos empujan al viaje. La curiosidad, el aburrimiento, la violencia y el miedo son algunos de los móviles que nos hacen empacar una representación de nuestro hogar en la maleta y lanzarnos al vacío. Las raíces humanas no son vegetales. Están hechas de tradiciones, de recuerdos, de conceptos, de sentimientos... Nuestra vida no depende de ellas, pues no son un órgano sino una idea, algo intangible a lo que nos hemos aferrado, que nos encadena a un lugar y nos da una sensación de pertenencia.

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OBRA: DOS HERMANAS

Grupo: KASHIMIR PRODUCTORA – SALA VERDI Dramaturgia: Anthony Fletcher Dirección: Claudia Sánchez Producción: Sala Verdi/ Kashmir Productora

Sinopsis: Cuando un intruso irrumpe en el departamento de Flor, en Río, lo primero que piensa hacer es llamar a su hermana, Leonor, en Montevideo. Pero, ¿cómo puede ayudar Leonor en otro país? Los límites del mundo virtual se exponen instantáneamente, al igual que la debilidad de la sociedad civil en tiempos de Covid. “Dos hermanas” es un cuento de dos ciudades. Dos hermanas viven los días de la pandemia, en cuarentena. Sin embargo, las experiencias de las dos hermanas no son las mismas. En Montevideo, Leonor, una docente, tiene que lidiar con los problemas de dar una clase virtual. Mientras que en Río, Flor tiene que enfrentar un país en crisis. Las hermanas también están obsesionadas por los recuerdos de su padre, quien las dejó cuando eran niñas, para irse a la selva profunda.

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OBRA: LA MANSIÓN GUALTEROS Grupo: Teatro Petra

Dramaturgia: Fabio Rubiano O. Dirección: Fabio Rubiano O. Producción: Daniel A. Mikey Es la historia de Luz Dary, una mujer que va en busca de su hermana menor que hace tres días se fue a una fiesta y no ha regresado a la casa. Luz Dary cree que dicha fiesta se dio en esta mansión. Cuando ella ingresa a la mansión Gualteros la recibe el Mayordomo Mesmer que detesta cualquier ruptura de normas de urbanidad. Luz Dary -nombre demasiado corriente para el Mayordomo Mesmer- empieza enterarse de muchas cosas: de cosas de su hermana, de cosas de algunos jóvenes que también se fueron para fiestas, y de jóvenes de otras partes del país que han asistido a esta Mansión. La Mansión es comandada por La Augusta Jonás (Marcela Valencia), mujer en extremo dulce y acogedora, que recibe a Luz Dary, y le ofrece todos los servicios de la Mansión, y pone a su disposición la casa entera. 45 Luz Dary recorre los cuartos, encontrando cosas aterradoras, incluida la Niña Trenzas (Juanita Cetina) que en algún momento lleva la ropa que tenía su hermana.

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OBRA: ERÉNDIRA

Grupo: CREACIÓN DENTRO DEL PROYECTO BDC 2014 Dirección: Ismael Ivo Producción: Cena Cult - Julia Gomes

Sinopsis: En el escenario, 29 bailarines (15 brasileños y 14 de otras nacionalidades) tejen de manera intensa y profunda, junto a la actriz Cleide Queiroz -quien interpreta a la abuela malvada de la historia- varios niveles de relación entre culpa y responsabilidad colectiva, disciplina, incapacidad económica e identidad cultural, en el contexto de un mundo fragmentado. Eréndira es una niña cuyo destino es decir “sí, abuela” - incluso cuando esta última la obliga a prostituirse para restituir las pérdidas ocasionadas por un incendio accidental que destruyó la vivienda familiar -, y oscilando entre la fantasía y la realidad, las escenas apuntan a la necesidad humana de encontrar sentido y poesía a la vida, sin olvidar el peso de la supervivencia. “Eréndira podría ser una de las muchas niñas que hicieron la lista de personas desaparecidas de muchas ciudades del mundo. O incluso uno de los muchos vendidos por los propios padres o por la familia”, dice el coreógrafo Ismael Ivo.

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OBRA: MUJERES DECIDIDAS E INSISTENTES QUE LAVAN Y REMIENDAN SUS PROPIOS CALZONES Sinopsis: El texto cuenta la historia de una mujer decidida a obtener un Grupo: Coproducción para buscar la isla desconocida. Su tenacidad no sólo Puño De Tierra / Compañía barco le consigue el barco que necesita, sino que contagia a otras Nacional De Teatro / Unam tres mujeres a atravesar la puerta de las decisiones para Dramaturgia y dirección: Valentina Sierra Coproducción: Compañía Nacional de Teatro, Teatro UNAM y Compañía Puño de Tierra

seguirla, convencidas de que esta isla desconocida existe. La mujer decidida, con el propósito de reclutar a la tripulación, sale dejando a las otras tres mujeres arreglando el barco. En su búsqueda, se encuentra con el odio masculino transformado en violencia, abuso y humillación. Pierde, en aquella búsqueda, su decisión y encuentra desesperanza.

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OBRA: ANA CONTRA LA MUERTE Grupo: Complot Teatro Producción: Bruno Gadea Dramaturgia y dirección: Gabriel Calderón

Sinopsis: Las probabilidades de haber muerto son altísimas. Pero las de nunca haber nacido son, por lejos, mucho más altas. Cada persona que nace y vive, no solo es un milagro de la naturaleza por sus complejos mecanismos biológicos, sino que es un milagro estadístico, ya que las probabilidades de no nacer o morir han estado siempre en nuestra contra. Por eso rechazamos la muerte, no por miedo, no por pena, no por antinatural, sino porque los antinaturales somos nosotros. Porque la muerte es una regla que viene a corregir la maravillosa excepción en la que nos hemos convertido. La muerte nos devuelve a la estadística de los minerales y del polvo estelar que habita mundos donde nada se cuenta porque nada hay. “Ana contra la muerte” es la historia de una mujer que ha entendido que uno debe resistir a la muerte todo lo que se pueda, y más aún también. 14

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OBRA: EL CRIMEN DE LA CALLE FUENCARRAL Grupo: UNAHORAMENOS PRODUCCIONES Dirección: Mario Vega Dramaturgia: Fabio Rubiano Producción. Valentín Rodríguez

Sinopsis: El día 2 de julio de 1888, en el número 9 de la calle Fuencarral de Madrid, un fuerte olor a quemado despierta a los vecinos. Cuando la policía acude al lugar, encuentra el cuerpo de Luciana Borcino, viuda de Vázquez Varela, tendida en el suelo y con múltiples puñaladas. Su cuerpo arde envuelto en trapos empapados con petróleo. En la habitación contigua, la criada Higinia Balaguer y una perra yacen narcotizadas. Este suceso, conocido en la época como “El crimen de la calle de Fuencarral”, removió a la sociedad y generó un debate social en torno a la autoría del suceso. Benito Pérez Galdós, fue cronista de este suceso para el periódico La prensa, de Buenos Aires. Fabio Rubiano parte de las crónicas de Galdós, de las ambigüedades del caso, las coartadas, las posiciones personales y las versiones de la acusada, Higinia Balaguer para crear una comedia trepidante que atrapará al público actual tanto como aquel crimen decimonónico. 15

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OBRA: IDEA Y MARIO Grupo: SALA VERDI Sinopsis: Los 100 años del nacimiento de Idea y Mario son de esas fechas que Uruguay no puede dejar de celebrar. Este homenaje en vivo consta de un recorrido por la Sala Verdi, que permitirá al visitante contemplar uno de los más emblemáticos bienes edilicios de la escena montevideana, construido por el ingeniero inglés John Adams en 1894, y a la vez sentir cómo desde el escenario surgen los textos de Idea y Mario, en perfecta comunión de patrimonios material e inmaterial. Además, el público conocerá una diminuta y respetuosa selección de la vastísima obra de estos dos escritores radicalmente representativos del ser uruguayo, en un juego teatral con poemas, escenas dramáticas y canciones. Idea y Mario seguirán siendo siempre polémicos, generación tras generación, queridos, admirados, subestimados, sobredimensionados, todo eso a la vez. Este juego teatral con poemas, escenas dramáticas y canciones. 16

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OBRA: UN CANTOALEGRE PARA CANTAR Y JUGAR Grupo: CANTOALEGRE

Dirección: Lulú Vieira Dirección musical: Claudia Gaviria Producción: Milena Bautista, Ligia Pérez

Sinopsis: Concierto de canciones del grupo Cantoalegre donde los animales, la imaginación y los juegos son los protagonistas. Este formato acústico de Cantoalegre, reúne jóvenes instrumentistas y cantantes interpretando 5 divertidas canciones. Cantoalegre nació en Medellín en 1984 como gestora y productora de música infantil. Hoy es una gran productora de contenidos para niños: música, editorial, material pedagógico y audiovisual. En sus 35 años ha grabado más de 30 producciones discográficas, publicado una extensa colección de libros y cartillas, diseñado cientos de proyectos sociales y culturales y capacitado agentes educativos en Colombia y América Latina.

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OBRA: IL CONCERTO

Grupo: CIRKOQOSHKA Dramaturgia: Cirkoqoshka Dirección: Sebastián Vila Música: Álvaro Pacheco

Sinopsis: En un antiguo puerto Colonial Chileno, llamado Pullalli, una Marquesa sufre de insomnio. En su desesperación nocturna, solo la música será la solución, por eso solicita que viaje desde Italia un afamado músico, IL Maestri y su fiel y torpe asistente Cabeza di Patata. Inspirado en los conciertos barrocos y la teoría de los afectos, la música es capaz de generar perturbaciones anímicas insospechadas. Música, humor, equilibrio, acrobacia se unen en esta obra de circo contemporáneo. La música, compuesta principalmente para violín y clavecín, se inspira en Purcell, Bach, Vivaldi y Scarlatti.

TEATRO VIRTUAL

FUNDADORES

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Sinopsis:

OBRA: Y TU, ¿QUE SABES? … DE MIGUEL DE CERVANTES

Propuesta teatral en formato de programa de televisión, basado en la popularidad de los concursos más conocidos de la Tv en España (Pasapalabra, Cifras y Letras, Saber y Ganar, La Ruleta de la Fortuna, El Tiempo es Oro). El escenario se convierte en un plató para que en vivo y en directo, sin trampa ni cartón, los espectadores participen desde el humor y el amor al conocimiento.

Grupo: ARAWAKE

ARAWAKE es una compañía que implementa tecnología a la escena en esta actividad sencilla, efectiva y 100% adaptada a los tiempos del COVID

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Sinopsis:

OBRA: EL FUEGO AMIGO

Monólogo teatral inspirado en el asesinato del cámara y reportero gráfico español José Couso, ocurrido en Irak en el año 2003. Hay algo en esta muerte que nos conduce a un lugar inesperado. La tragedia une de forma rotunda: la honestidad de un reportero en guerra con el despotismo de los que la crearon; el duelo de una familia española con el desgarro de la población iraquí; la mira de un tanque Abrams con el objetivo de una cámara Betacam.

Grupo: VUELTA DE TUERCA Dramaturgia y dirección: Juanma Romero Gárriz

En El fuego amigo se ponen en jaque “los daños colaterales” de todas las guerras habidas y por haber, partiendo de este caso en concreto. Desde el teatro documento surge esta pieza donde la música y la poesía son elementos igual de imprescindibles, un dispositivo donde dichos elementos lejos de pelearse, conforman un lenguaje único.

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OBRA: INSTRUCCIONES PARA PASEAR POR UN PAÍS Grupo: LOS BÁRBAROS Idea y creación: Javier Hernando y Miguel Rojo

Sinopsis: Una obra, ¿o un viaje? La acción se construye a partir de un set de instrucciones que el espectador debe activar. Todo el público, junto, comienza en el mismo lugar y en cada cruce es confrontado con una pregunta sobre la realidad de lo que ve. Según su respuesta tomará una calle u otra. Poco a poco se irá quedando solo, a veces se cruzará con otros espectadores, a veces volverá a sitios por dónde ya había pasado. A través de las preguntas, la ciudad se convertirá en una pieza teatral y sus habitantes en actores. Un juego de reflexión, teatralidad e imaginación, en el que el pensamiento individual genera colectividad. Esta propuesta forma parte de nuestros trabajos sobre comunidad y participación. En estas prácticas generamos contextos en los que el pensamiento individual genera colectividad.

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OBRA: SÓLO ME ACUERDO DE ESO Grupo: CENTRO DE GESTIÓN CULTURAL UNIVERSIDAD JAVERIANA y LA CONGREGACIÓN TEATRO. Dramaturgia y dirección: Johan Valencia

Sinopsis: Toma como punto de partida una herida abierta de nuestra más reciente historia como colombianos, el asesinato de un estudiante de colegio por parte del escuadrón móvil antidisturbios de la policía nacional. El video teatral es sobre todo un homenaje, una disculpa social a un joven que le fue arrebatada la vida y no pudo cumplir con los sueños de un colombiano a los dieciocho años de edad: Enamorarse, buscar un crédito para estudiar en una universidad, ser un “primíparo”, graduarse del colegio. Sólo me acuerdo de un ruido de cacerolas en una ciudad, de las clases de historia, de la plaza de Bolívar, de un sueño con mi papá, de mi traje de grado, de unas palomas en un cable de alta tensión, de un sábado veintitrés de noviembre. Sólo me acuerdo de eso.

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OBRA: SI ME MUERO ES SUYA Grupo: La Maldita Vanidad Dramaturgia y dirección: Jorge Hugo Marín Producción: La maldita vanidad

Sinopsis: María Eugenia ha decidido vender su hermosa casa del barrio Teusaquillo en Bogotá por falta de recursos. En este lugar ha vivido gran parte de su vida, y en una negociación poco usual busca venderla y a su vez seguir viviendo en ella tranquila acompañada por su empleada Pastora, hasta la hora de su muerte. Para eso ha construido un plan que le permitirá cumplir con su sueño. Rubén, un hombre que transita por el barrio observa un letrero de “se vende” y decide preguntar por el predio que desde su fachada encanta. Esta obra se instala en la negociación por la casa de estos personajes, situación que nos permitirá descubrir un pasado fascinante de esta mujer que decidió hace algunos años nunca volver a salir de casa. El caso de vida de nuestra protagonista se convierte en un espejo de vida para Rubén, desencadenando un final impredecible.

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OPERACIÓN EVITA GRUPO: SIMULACRO PRODUCCIONES Dramaturgia y dirección: Julio Hernán Correal

Sinopsis: Una creación audiovisual que nace en respuesta al confinamiento y como una propuesta creativa que invite a acatar las normas que la emergencia sanitaria impone, así como también a valorarnos y a ser más solidarios en este momento de crisis. Surge luego de que Víctor De Currea Lugo, un médico amigo de Correal, le hiciera llegar una serie de mensajes con cuidados que se deben seguir para prevenir el contagio, una especie de decálogo en el que predominaba la palabra ‘evita’. A partir de allí, surge la idea de convertir esta palabra en una mujer, Evita, quien hace uso de ella como herramienta fundamental para corregir los comportamientos que vayan en contra de lo que el momento exige.

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OBRA: VERDECRUZ O LOS ÚLTIMOS LAZARETOS Grupo: TEATRO UNAM, EL CENTRO UNIVERSITARIO DE TEATRO, CORNAMUSA Y 17, INSTITUTO DE ESTUDIOS CRÍTICOS Dramaturgia y dirección: Mario Espinosa

Sinopsis: Trabajo basado en testimonios del libro “Nuestra historia no es mentira. Vivir con lepra en Ecuador” de Beatriz Miranda Galarza, publicado por 17, Instituto de Estudios Críticos. Esta es una experiencia de resiliencia: A partir del uso de la técnica Verbatim, se emprende una expedición en búsqueda de los últimos vestigios de un dispositivo social de control bajo el cual los enfermos de lepra vieron restringidas su libertad y su dignidad durante casi 100 años. Un esfuerzo encaminado a armar el rompecabezas del universo de los leprosarios, antes de que sus ruinas se pierdan bajo la neblina de los tiempos y la desmemoria. Esta expedición coincide con la abrumadora presencia de una pandemia que amenaza seriamente a la población mundial al grado de que posiblemente nuestras vidas no vuelvan a ser como las conocimos.

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OBRA: ANA, TAMBIÉN A NOSOTROS NOS LLEVARÁ EL OLVIDO Grupo: Una Hora Menos Producciones Dramaturgia: Irma Correa Dirección: Mario Vega Producción: Teatro Pérez Galdós - Unahoramenos producciones

Sinopsis: Ana es un ama de casa convencional de la España de los años 60 casada con Lope, abogado que va a ser nombrado con un puesto en el Ministerio. La obra arranca con la noticia de este ascenso, y las repercusiones que tiene en el matrimonio. Para Ana supone más trabajo y más exposición social en una vida que no le llena, que le asfixia. Ella no detecta esta falta de aire hasta que conoce a Vivian, fotógrafa francesa de espíritu libre que le hará ver que su vida no es, ni de lejos, lo que ella ansía. Ana se enamora de Vivian, y este amor supone para ella una explosión de contradicciones, miedos y liberación. A través de Vivian y sus fotografías Ana comienza a percibir la realidad, su realidad, de la que querrá a toda costa desasirse. 26

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OBRA: AMOUR Grupo: MARIE DE JONGH Dramaturgia y Dirección: Jokin Oregi Producción ejecutiva: Pio Ortiz de Pinedo

Sinopsis: Unos niños juegan en el país donde todo empieza. Se afanan en descubrir el mundo transformando su universo. Imitan a los mayores, con audacia y desenfado. Se atreven a amar sin saber cuál es su verdadero significado. No dudan en enemistarse antes, incluso, de encontrar la palabra odio en sus bolsillos. Saben de olores, piel, caricia, abandono, refugio, deseo. No saben del tiempo. Y de pronto, han transcurrido más de sesenta años. Ahora, envejecidos, sacan de los bolsillos multitud de palabras que caen como hojas marchitas. Saben de olores, piel, caricia, abandono, refugio, deseo. Lo que no saben es que el amor siempre nos da una oportunidad. AMOUR es un ambicioso reto que pretende poner en valor el teatro que se puede disfrutar conjuntamente entre niños y mayores. El teatro como lugar de encuentro para compartir emociones y reflexiones, dudas y certezas. Teatro de adultos para niños y teatro infantil para adultos.

Foto: Soledad Ianni

PA Í S : A R G E N T I N A - P E R Ú

OBRA: ESTRATEGIA DE LA LUZ

Grupo: CELCIT (ARGENTINA) / ESCENA CONTEMPORANEA (PERÚ) Dramaturgia: Adriana Genta Dirección: Alberto Isola Producción: Carlos Ianni

Sinopsis: El texto de Adriana Genta pone en escena un hecho histórico que nunca ocurrió, convertido en parábola de la condición femenina dentro de una sociedad patriarcal. La reina Juana, conocida para la posteridad como “La Loca” y la monja Teresa de Ávila, convertida luego en Santa, tenían en común a un confesor, el sacerdote Francisco de Borja. A partir de ese detalle, Genta urde la visita de la monja a la reina, encerrada en una torre, para consolarla y socorrerla religiosa pero sobre todo humanamente.

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OBRA: TODO TENDRÍA SENTIDO SI NO EXISTIERA LA MUERTE Grupo: COMPAÑÍA TEATRO FUTURO Dramaturgia y dirección: Mariano Tenconi Blanco

Sinopsis: A finales de los 80, en un pueblo del interior de Buenos Aires, una maestra de escuela se entera de que tiene una enfermedad terminal. Como última voluntad decide filmar una película pornográfica. ¿Qué es una vida? La amistad, el amor, el deseo, los sueños, el cuerpo de la mujer como campo de batalla, una novela de iniciación, una despedida: Todo tendría sentido si no existiera la muerte es una obra de teatro épica y a la vez íntima.

Foto: Ariel Feldman

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OBRA: DONDE EL VIENTO HACE BUÑUELOS Coproducción Celcit Dramaturgia: Arístides Vargas Fotografía: Soledad Ianni Música: Osvaldo Aguilar

Sinopsis: El personaje Catalina y el personaje Miranda se acercan a una instancia decisiva en sus vidas. Mientras esto sucede, recuerdan momentos donde los días se presentan sin ningún orden. No existe orden en el tiempo, no existe orden en el espacio, ha desaparecido la crónica. La única posibilidad de ordenamiento son los afectos pero estos son imprecisos, ilusorios. El orden, entonces, no es probable; es la organización precaria de nuestros afectos lo que garantiza que el otro no se pierda en soledad. Es esto y únicamente lo que justifica nuestra entrega sin reservas a otro ser humano. El acompañar al otro en su acto de vivir-morir funda una pequeña comunidad afectiva. La amistad es una de sus manifestaciones más intensas, tan profunda como “bahía de aguas profundas...” 30

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OBRA: HISTORIETAS DE TRAPO Grupo: JABRÚ TEATRO DE TÍTERES (Infantil) Titiriteros: Jorge Libreros y Natalia Duque, Cámara y edición: Jacobo Libreros Historias nacidas de rostros que aparecen y desaparecen, historias sin rostro, sin identidad, sin significado, sin razón, el surrealismo mágico de lo imposible. El humano pasado por tiempo, movimientos conscientes e inconscientes, con y sin raíz, creciendo en un suelo árido y vacío, con y sin origen, con y sin final, ambigüedad de un amor y su propia muerte respirando en la nuca, como una serenata eterna a la vida que no concebimos. La obra se compone de 4 cuadros audiovisuales que juntos arman la obra pero no dependen el uno del otro para ser difundidos. Polvo y tinta: El amor en jaula en medio de las costumbres, ella dice: ¡no más! , se cansa de todo, se libera, vuela, es libre. Serenata: es la última serenata para ella, brindar en silencio, traspasarlo en un brindis, suena la última caída. Limbo: no existe tormento, ni culpas, ni excusas, sólo el viento trae noticias de una ciudad perdida. Último viaje: la puerta señala la salida, entrar es una acción que puede cambiar según las perspectivas, bajo un horizonte de sombras en vigila, salir no es solo libertad, son alas rotas del que vigila y del que duerme, del que despierta y del que te deja entrar.

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OBRA: YO SOY PINOCHO (INFANTIL) Grupo: TEATRO CONTRALUZ

Dramaturgia José Fernando Álvarez Dirección general y puesta en escena Gladys Alzate Producción General Teatro Contraluz

Sinopsis: Es así como veremos a Pinocho saliendo de una dificultad para caer en otra, a pesar de las advertencias que algunos personajes como el Hada, o el Grillo Parlante le hacen de manera continua para protegerlo y así evitar que caiga en los peligros y trampas que otros, con menos escrúpulos, le tienden para aprovecharse de su inocencia.

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OBRA: OMISIÓN

Grupo: LA CONGREGACIÓN TEATRO Dramaturgia: Marlon Bisbicuth Dirección: Johan Velandia Producción: Sergio Castillo

Sinopsis: En derecho, la omisión es una conducta que consiste en la abstención de una actuación que constituye un deber legal. Cumpliéndose los requisitos legales, la omisión puede constituir un delito, cuasidelito o una falta. El señor Ernesto Mahecha cumple una citación en la empresa de vigilancia Security 24/7, compañía para la cual trabaja como vigilante. Allí, debe realizar los descargos por un atroz homicidio sucedido en el edificio AQUA 66, durante su turno laboral. La indagatoria con el abogado de la empresa, Rafael Pinzón, no solo descubre la crueldad de un crimen que conmocionó profundamente a una ciudad, a un país y al mundo entero; en este diálogo intenso aparecen reflejados los vicios de una sociedad desigual, corrupta y sin memoria. “Cuando estamos acostumbrados a la mentira, la verdad es un proceso muy largo”.

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OBRA: EL ÚLTIMO VIAJE DE GALDÓS Grupo: UNAHORAMENOS PRODUCCIONES

Dramaturgia: Laila Ripoll y Mariano Llorente Dirección: Mario Vega Producción: Valentín Rodríguez

Sinopsis: Hay un sedimento de embriaguez en este último viaje de don Benito, en estos sus últimos días, tal vez sus últimos instantes. Acompañado de su secretario, que dicen acabó loco en el manicomio de Leganés, han de invocar en una insólita sesión de espiritismo a algunas personas importantes en la vida del novelista. Tal vez por falta de rigor en esas lides o por falta de conocimiento, la operación se malogra, y la chapuza de invocación sale como sale y don Benito se ve asaltado en su tramo final de personas y personajes a los que amó, a los que temió, a los que olvidó... Y llora, claro, por eso precisamente: porque sabe que es el último viaje de alguien que amó la vida y la vivió con una intensidad incomparable. Y entre risas y llantos, su personita se perderá entre los telares de un teatro y su obra quedará para siempre entre los pliegues de nuestro corazón.

TRES OBRAS COLOMBIANAS, TRES DRAMATURGOS, TRES DIRECTORAS.

Radioteatro El Radioteatro fue uno de los principales componentes de la Radio Nacional de Colombia, la cual se creó ́ en el antiguo Palomar del Teatro Colón, hoy Sala Mallarino, bajo la dirección de Bernardo Romero Lozano. Es un género que incursionó en 1940, y continuó durante los siguientes treinta años, enamorando y formando al público colombiano con grandes clásicos de la dramaturgia universal.

Teatro Colón Es uno de los escenarios culturales más emblemáticos de Colombia. Fue construido entre 1885 y 1895 por el arquitecto italiano Pietro Cantini y desde ese momento ha sido referente tanto por su arquitectura neoclásica como por el estilo que lo caracteriza. Con más de 128 años de historia, el Teatro Colón se ha consolidado como el principal centro de producción de las artes representativas y musicales del país. Pertenece al Ministerio de Cultura de Colombia y al Viceministerio de la Creatividad y la Economía Naranja. 36

HOMENAJE A SANTIAGO GARCÍA

Maravilla Estar Dramaturgia: Santiago García Dirección: María Adelaida Palacio Dirección musical y diseño sonoro: Juan David Cataño

Sinopsis: Maravilla Estar es una obra de Santiago García que relata la historia de Aldo Tarazona Pérez, un hombre que llega a un terreno aparentemente desolado y que decide quedarse allí. Lo que no sabe es que ese lugar ya está habitado por tres personajes: Fritz, Bumer y Alicia, quienes irrumpen en su cotidianidad e intentan involucrarlo de diferentes maneras en su mundo fantasioso. A lo largo de la historia se irá descubriendo que Aldo o bien entra al juego o bien se queda allí, como si nada o todo hubiera ocurrido. 37

LA SIEMPREVIVA Dramaturgia: Miguel Torres Dirección: Martha Márquez Dirección musical y diseño Sonoro: Juan David Cataño

Sinopsis: Julieta es una joven estudiante de derecho que vive con su hermano y su madre en una antigua casa del barrio La Candelaria; en las demás habitaciones viven en arriendo una pareja llena de conflictos y el dueño de una compraventa. Poco antes de graduarse, los problemas económicos de su madre obligan a Julieta a aceptar un trabajo en la cafetería del Palacio de Justicia, lugar en que se encuentra durante la toma guerrillera y la retoma militar de 1985. Julieta es uno de los tantos desaparecidos del holocausto, hecho que aumenta tensión en los habitantes de la casa hasta que termina por sumirlos en la violencia y la locura. 38

HOMENAJE A LUIS ENRIQUE OSORIO (1896-1966)

TOQUE DE QUEDA Dramaturgia: Luis Enrique Osorio Dirección general: Carolina Mejía Garzón Dirección musical y diseño sonoro: Juan David Cataño

Sinopsis: Toque de queda es una pieza de mediana duración de Luis Enrique Osorio, que aborda las circunstancias que produjeron las medidas del gobierno luego del histórico Bogotazo. La obra sucede en una estación de policía a la que son llevados todos los evasores del toque que iniciaba a la 1 de la mañana y terminaba a las 5. A esta estación llegan desde una familia tradicional bogotana, hasta el cura del barrio, quienes por distintas razones se vieron cogidos en la calle en medio de la medida y terminan tomándose el lugar para celebrar un matrimonio improvisado. 39

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OBRA: PODCAST MANIZALES SIN PESTE Grupo: Teatro Petra Producción: Sandra Suarez Locución y libreto: Fabio Rubiano

Sinopsis: Esta serie de podcast se llama El problema fundamental, y habla de temas coyunturales del país que tengan relación con el Teatro (La pandemia, el acoso, la discriminación, etc.). Este capítulo se llama Manizales sin peste, y es una reunión de dificultades y anécdotas que han sucedido a lo largo de todos los años de este festival. Todo a partir de documentación real (y testigos protegidos que prefieren conservar el anonimato)

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OBRA: MASTER CASI CÓMO USAR EL TEATRO EN UN FESTIVAL DE TEATRO Grupo: Teatro Petra REPARTO: Marcela Valencia Fabio Rubiano Jacques Toukhmanian EDICIÓN: Jacques Toukhmanian

Sinopsis: Marcela habla de los usos del Teatro en la vida cotidiana (Al enfrentarse a un operador de call center, con los niños, para argumentar). En este capítulo especial hablará de Cómo usar el Teatro para comportarse en un festival de Teatro (“No preste su identificación del festival para que otro coma, y sobre todo no suplante la identidad de nadie, esa es una actuación pésima” “Colarse fingiendo ser un directivo”, “Como acosar a los directores y directoras famosas para poder tener con ellos una foto” “Obligar a un invitado a que lea su obra, o peor: a que escuche sus poemas”), también se hablará de amor, de los amores fugaces, y de los dolores de amor.

Muestra Creación en Confinamiento I Red Eruro - Latinoamericana de las Artes Escénicas, Redelae Nicaragua KEVIN PÉREZ Quédate en Casa. Colombia BRÚJULA AL SUR Indolescente. Uruguay Gabriel Calderón Sin Título. R. Dominicana LAS VECINAS DE LOS KILÓMETROS Se Fue el Agua. Cuba MARIANELA BOAN Dist-ancia. Portugal SARA BARROS Proclamaçao da Existencia. Panamá MILVIA MARTÍNEZ Y ENRIQUE CAStTRO Chile MIMO TUGA Todo Está Muy Bien. Chile LA LLAVE MAESTRA Auxilio Socorro. España KUKAI DANZA Oxkara etxean.

Muestra Creaci贸n en Confinamiento II Proceso de creaci贸n a partir de talleres sobre creaci贸n transmedial originado con ElPauer. ElPauer es una estrategia que potencia el crecimiento de proyectos creativos y culturales de Antioquia, generando oportunidades de fortalecimiento y conexi贸n empresarial para que los Creadores puedan vivir de lo que aman hacer.

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OBRA: ATARUGAO “ROSTROS INVISIBLES” Grupo: CASA TUMAC Coreógrafo: Alexander Tenorio Dirección Musical: Childén –PluconPla

Sinopsis: Es la historia de 9 hombres negros que llegan de sus regiones a una ciudad en busca de “progreso”, con sus sueños, sus historias, su cultura encarnada en sus formas de andar, hablar, su música y su danza. El encuentro con el entorno de la ciudad se torna hostil, pues ella ofrece pocas oportunidades y los enfrenta día a día a la discriminación, la segregación y los obliga a desarrollar formas de resistencia.

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OBRA: SEGISMUNDO, UN GRITO SILENCIOSO DESDE EL ENCIERRO Grupo: CASA TALLER TEATRO

Montaje del video: Gustavo Álvarez y Sandra Textos: Juan Carlos Moyano Pedro Calderón de la Barca.

Sinopsis: Segismundo, el personaje de Calderón de la Barca en el siglo XVII, ya nos había hablado del encierro y de cómo la vida es un misterio. Hoy este personaje nos vuelve a hablar al oído y nos recuerda que la vida está hecha con la sustancia de los sueños. ¿Qué hacer ante el imposible? ¿Cómo reaccionar ante lo inevitable? ¿Cómo lograr que el espíritu humano no sucumba ante lo inevitable y ante lo imposible? La impotencia. Un grito inaudible, un grito sin destino, tal vez solo destinado al oído de otro que está intentando emitir otro grito semejante.

Sinopsis:

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OBRA: AUTOFAGIA Grupo: CORPORACIÓN ARTÍSTICA, CULTURAL Y ECOLÓGICA DEAMBULANTES Dirección y Acción: Juan David Flórez Camilo Cuartas Edición: Juan Van Hellsing

Autofagia es una obra de video-performance cuyo tema principal es la violencia, como artistas creemos que es vital poner en cuestión este tema que ha atravesado y atraviesa estructuralmente nuestro mundo, pero que particularmente en Colombia se da de formas extraordinariamente cínicas; es una época convulsa, resultado de una mezcla entre la angustia que genera la necesidad carnal de supervivencia, ante la inminente amenaza de una pandemia, y el ejercicio del poder de un gobierno autoritario y cínico.

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OBRA: LA INTIMIDAD DE LOS PÁJAROS Grupo: DIVINA OBSENIDAD Dramaturgia y dirección: Antonio Usuga Monsalve Producción audiovisual: Vinci Andrés Belalcázar

Sinopsis: La historia nos relata una tragedia clásica donde una mujer llamada Medea ha asesinado a sus hijos. La historia también dice que lo hace por vengarse de su marido. El tipo se ha largado con otra mujer… ¿La historia? ¿Quién ha escrito la historia? ¿El rey? “El rey me importa una mierda”, dice nuestra Medea, no la Medea de las historias clásicas, esa sigue creyendo (o está obligada a hacerlo) en el poder de ese rey y el absoluto de sus palabras. Medea cometerá ese y otros asesinatos crueles, viles, atroces, y los cometerá sin descaro ante la mirada de un mundo espectador (¿lo hará de manera simbólica?), y mientras lo hace insistirá en la importancia de permitirse de una vez por todas dejar de ser algo más que un rol en el esquema tradicional de una familia que ha construido sus valores de manera hermética e inquebrantable.

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OBRA: PERIFERIA Grupo: JADER CLOWN Dramaturgia y dirección: Jader Clown

Sinopsis: PA Í S : C O L O M B I A

OBRA: ANATOMÍA DEL ODIO O MEDEA EN EL ABISMO Grupo: ELEMENTAL TEATRO Dramaturgia, dirección y cámara: John Viana.

Sinopsis: Pieza audiovisual realizada a partir del texto homónimo creado por John Viana, inspirada en la obra Medea y en la historia trágica de Paola Moreno Cruz, quien decidió lanzarse con su hijo de 10 años, May Nicolás, de un puente de 100 mts en Ibagué - Colombia.

Periferia es una obra de teatro que narra la historia de Ratanaz, un delincuente caricaturizado que huye de la cárcel para recuperar su poder, encontrar al Rojo su archienemigo y primo, en medio de una ciudad invivible pero insustituible. Es un espectáculo satírico que ridiculiza la transnacional del delito, esta obra vincula el teatro gestual, el clown, el cómic, elementos del cine y ayudas audiovisuales, una puesta en escena fresca y apta para todo tipo de público y con riesgo creativo. Ratanaz goza de un poder, puede soñar y en sus sueños convocar a quien quiera y hacer inteligencia, Ratanaz ha vuelto y ha llegado para hacer venganza.

“Sujetando a su hijo de diez años, la mujer se lanza de un puente acabando con la vida de ambos”. La imagen, la acción, el acontecimiento, tomado desde la perspectiva mediada por la prensa escrita y la televisión, sirven de fuente referencial para la palabra, el vacío existencial y el juego con la interpretación de su historia. Pero al final no resulta importante conocer el acontecimiento histórico en sí mismo, sino que lo importante es ajustar la noticia, tal como la dejan ver los medios de comunicación, a la idea de filicidio, acción que también acomete la Medea clásica.

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OBRA: COTIDIANAS Y RITUALES O CONTINUAS INVOCACIONES Y EVOCACIONES BAJO TECHO

Grupo: MALAS COMPAÑÍAS Dirección general: María Claudia Mejía Paisaje sonoro y edición de sonido: Novecento

Sinopsis: Indagamos en historias de familia, desempolvamos viejos trajes de otras escenas, contemplamos los árboles que custodian nuestras ventanas, recordamos personajes que hemos actuado en otras obras, buscamos diversas formas de mirar los rincones de nuestras casas y nos sumergimos en el tema de la ritualidad femenina. Brujas, sacerdotisas, sabias, pitonisas. ¿De qué se trata para nosotras la sabiduría femenina? ¿Cómo la vivimos en cuerpo presente en estos tiempos pandémicos? Así la contamos y bailamos Gabriela, Laura y María Claudia, tres historias atravesando espacios, tiempos y sonidos con danza en este universo transmedial que habitamos y nos habita.

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OBRA: LA CUARENTENA DE LAS HERMANAS QUINTERO Grupo: TEATRIADOS Dirección: Diego Saldarriaga Valencia y Juan Felipe Giraldo Santamaría. Dramaturgia: Basados en “Me Mato el 24”, dramaturgia a la carta para TEATRIADOS de Gustavo Miranda Ángel

Sinopsis: MARTA Y NOEMÍ, las hermanas Quintero, en medio del encierro obligatorio por la pandemia del covid-19, nos dejan ver su mundo, su intimidad y su eterna soledad en compañía. Hace un año intentaron matarse infructuosamente, ahora en el 2020, Cada día es un nuevo reto para tratar de hacer que las horas pasen rápido y se aferran a los recuerdos y a la esperanza de algún día salir y continuar con sus vidas.

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OBRA: MAL DE AMORES - “SALMO SEGÚN GARAVITO: CASO # 192” Grupo: TEATRO ESCENA3 Dramaturgia y dirección: Alfredo Mejía Vélez Producción audiovisual: Nutabe Televisión S.A.S

Sinopsis: Es una propuesta que indaga por el amor en lo mágico-religioso, que un infanticida tiene para sustentar su quehacer criminal y violento, en el que, al momento de acabar con la vida de un niño exhorta sus culpas cobijado en las palabras que encuentra en la biblia. La propuesta es un trabajo de estilo frente a las paradojas de la realidad nacional, haciendo hincapié en la condición humana inmersa en la maldad, siendo una apuesta desde lo audiovisual a una teatralidad poco probable de convivio cercano, por eso solo se muestra la teatralidad como pantalla y poética sonora y visual.

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OBRA: UNA CONVERSACIÓN

Grupo: TEATRO MUSICAL DE COLOMBIA Dramaturgia, dirección y música: Samuel Rojas

Sinopsis: Celina, la trabajadora sexual más bella de un burdel, sostiene una conversación con su torturador, quién rinde cuentas a un Mayor del ejército. En ese diálogo, ahondan en temas como el amor, el placer, el dolor y el pasado. La interlocución finalizará con una decisión difícil de tomar: vivir o morir. Este es un podcast cautivante con intensas interpretaciones vocales actuadas y cantadas, en el que sobresale el nivel de detalle en su sonorización y la calidad técnica de la producción. Una experiencia que le exige al espectador cerrar los ojos y llenar todo el negro entorno con su imaginación. 51

Muestra Creación en Confinamiento III Muestra Algo Cruje - Teatros Distrito San Ignacio Medellín, Colombia El Festival de Teatro San Ignacio 2020 invitó durante el mes de agosto a varias compañías del territorio a participar con sus trabajos artísticos en una muestra de creación en confinamiento. Se planteó escuchar sus voces, ver sus búsquedas y observar su creación bajo la consigna “Algo Cruje”, donde se presentan las cuatro obras de teatro y danza seleccionadas por el jurado. Es una ventana virtual en la que se podrá ver qué ha pasado por la mente y el cuerpo de los creadores durante estos meses. Esta pequeña presentación da cuenta una vez más que el teatro y la danza, en sus formas breves, no dejan de contar.

Elemental Teatro

Compañía: Elemental Teatro Nombre de la obra: Memoria Una mujer marcada por la violencia decide resistirse al olvido, vencer el miedo, toma la determinación de emprender un camino hacia el pasado, recorre la montaña y la ciudad, en su cabeza aún habitan los vestigios de las guerras.

Teatro Matacandelas

Compañía: Asociación Colectivo Teatral Matacandelas Nombre de la obra: Antinoo (El lamento del emperador) Una tarde de lluvia, en un lugar incierto a orillas del Nilo. Han traído el cadáver del bello Antinoo, ahogado de forma misteriosa. El coro, asistente funerario, está esperando el ingreso del emperador Adriano. El tiempo dramático es el tiempo real y en este lapso tendremos el privilegio de estar en el momento en el que el César, en su locura por la pérdida de su efebo, intenta arrancarlo de la muerte.

El Trueque

Compañía: Teatro el trueque Nombre de la obra: Silencio A aquellos, los visibles invisibles. Los que soportan en silencio con la única esperanza de que quizá algún día, la inequidad nos dé tregua a mirar hacia un mismo objetivo.

Malas Compañías Danza

Compañía: Malas Compañías Nombre de la obra: Cotidianas

Cotidianas es la primera parte de una serie de propuestas creativas sobre el tema que nos toca hoy como bailarinas en el encierro: tres historias sobre la ritualidad femenina re-descubierta, contemplada y ejercida, a través de las cámaras incrustadas en los dispositivos contemporáneos, ojos nuevos de la humanidad.

Experiencias transmediales DRAMAFÓNICOS (Historias en vivo vía telefónica) Esta coyuntura nos compromete como artistas, nos invita a comprender el nuevo entorno y nos enfrenta a replantear facultades y herramientas escénicas para avivar la esencia del teatro, llevándolo hasta la casa de los espectadores.

TEATRO POR WHATSAPP Online Una pieza teatral que mezcla la danza, la actuación, la tecnología y los nuevos lenguajes creativos y en donde se plantea una lectura sobre la posesión del hombre sobre la mujer y las relaciones de amigos de infancia. Un concepto sobre otro concepto, un formato sobre otro formato, una necesidad creativa de llegar a los espectadores en estos tiempos de confinamiento. Teatro por WhatsApp con Teatro Online. Una alternativa para masificar a los espectadores y contar historias de manera diferente en donde el arte, la ciencia y la tecnología se dan la mano de manera directa.

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OBRA: LINDEROS DEL HORIZONTE Grupo: Qunta Picota Dramaturgia: Iván Carvajal Diseño sonoro: Andrés Benavides / NARVAL Música Producción: Quinta Picota Compañía de Teatro / Resortera: Oficina de Proyectos Escénicos

Sinopsis: La emisora Linderos de Horizonte, de cubrimiento rural en el Altiplano Cundiboyacense, recibe en su programa nocturno las anécdotas, los cuentos, las leyendas, las situaciones, historias y sensaciones de los habitantes de la región. La locutora recibe historias raras, pintorescas y entretenidas, pero una llamada verdaderamente extraña permite a los radioescuchas ser testigos de la denuncia desesperada de una mujer campesina cuyo relato se convierte, al aire, en realidad, y ella en víctima de aquello que la atemorizaba. Los actores se comunican vía línea telefónica, mediante una llamada grupal con sonido monofónico, en vivo, en directo y en tiempo real, con espectadores en cualquier lugar de Colombia o del mundo para hacerlos vivir la experiencia teatral, en una narración sonora a través de la voz y del foley (ilusión sonora que recrea ambientes y sonidos con utensilios cotidianos).

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OBRA: MÍA SOBRE ELLA MISMA Grupo: Deca Teatro Dramaturgia: Carlos Moisés Ballesteros Idea original formato y dirección: Daniel Calderón Producción: Deca Teatro

Sinopsis: Celeste tiene un nuevo apartamento y allí se hará una reunión con sus amigos más cercanos, ella no está muy segura de recibir a sus viejos compañeros de universidad, menos cuando su compañero sentimental es el papá de una de sus mejores amigas. Recuerdos de aquella época universitaria saldrán a la luz para poner en tensión lo que ellos creen que es, una de las más fuertes relaciones de amistad que podría haber, todos creen conocerse, todos creen poder confiar en los otros, ¡claro! Eso es tan solo lo que son capaces de decir públicamente. 56

PA Í S : B R A S I L

OBRA: TODO LO QUE CABE EN UN VHS Grupo: Magiluth Dirección: Giordano Castro Creación: Grupo Magiluth Dramaturgia: Giordano Castro Performers: Bruno Parmera, Erivaldo Oliveira, Giordano Castro, Lucas Torres, Mário Sergio Cabral, Pedro Wagner Design de sonido: Kiko Santana Video: Juliana Piesco Producción: Amanda Dias Leite

Sinopsis: En “Todo lo que cabe en un VHS”, el público se vuelve cómplice de los recuerdos de un personaje, cristalizados en torno a las reminiscencias de una relación amorosa. La acción es seguida por la Internet, a través de una serie de plataformas virtuales de comunicación y entretenimiento, en una experiencia individual que transporta a un nuevo ámbito las relaciones de proximidad entre actor y espectador, recurrentes en el trabajo del Grupo Magiluth.

Foto: Pedro escobar

PA Í S : C H I L E

OBRA: MENTES SALVAJES

Grupo: CENTRO CULTURAL GABRIELA MISTRAL Dramaturgia: Marcus Lindeen Dirección: Víctor Carrasco Sinopsis: Producción: Equipo GAM Es una obra escrita a partir de testimonios recogidos vía Skype a un grupo de personas identificadas como “soñadores compulsivos” o que padecen ensoñación excesiva. Los protagonistas de la obra interpretan las historias reales de estos cinco personajes que se reúnen para hablar por primera vez de las vidas paralelas que se han construido y de cómo se vive “soñar despiertos” permanentemente. Nelson sueña que es un cantante y también un actor gay famoso y controvertido. Ana es una ex guionista de 92 años que tiene un árbol genealógico y todos los sucesos importantes de su vida. Para Sandra, en su mundo imaginario es una heroína con superpoderes. Deborah está enamorada de un peligroso traficante de drogas y Andrés tiene en su fantasía la hija que siempre quiso tener.

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Viaje a pie, Ciudad contada Compás Urbano

Recorridos sonoros Conocer lugares con otros sentidos, poder caminarlos sin estar allí, descubrir rincones como el Distrito San Ignacio, en el centro de Medellín, sin salir de casa y desde cualquier lugar del mundo. Aquí el oído y la imaginación son los pies para recorrer. Estos relatos de Viaje A Pie por San Ignacio, Ciudad Contada, realizados por Comfama y Compás Urbano son para que, ahí sentado, camines...para que entres, para que salgas, para que vuelvas allá, donde nunca estuviste, en el corazón del corazón: en San Ignacio. ¡Vamos juntos! En esta ocasión,el recorrido será por los Teatros tras bambalinas junto a Cristóbal Peláez, director y fundador del Teatro Matacandelas, con más de 45 años de trayectoria en las artes teatrales, además de cinéfilo y gran lector.

Multiformato Nos animaba, ante todo, un propósito de renovación. Por aquellos tiempos la poesía se había hecho demasiado académica. Nos parecía una cosa adocenada, contra la cual debíamos luchar. Fue esencialmente ese criterio de generación lo que nosotros tratamos de imponer. León de Greif.

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13 baladas inéditas

Corporación Otraparte, Teatro Matacandelas y Música Corriente

Los Panidas fue un movimiento literario y artístico de principios del siglo XX en Colombia iniciado por trece jóvenes intelectuales de Medellín con edades entre 18 y 20 años, inconformes con las propuestas literarias, artísticas y filosóficas de su época y deseosos de una renovación. El movimiento tuvo sus inicios en 1914 y su máxima manifestación en 1915 con la Revista Los Panidas. El número de integrantes tenía el límite de 13 y se corrió la voz de que habían hecho un pacto de suicidio. A través de contenidos visuales, de animación, gráficos y digitales, se hará una remembranza a Ricardo Rendón, José Gaviria, Teodomiro Isaza, Fernando González, León de Greiff, Félix Mejía, Jorge Villa, Libardo Parra, Rafael Jaramillo, Bernardo Martínez, Eduardo Vásquez, Jesús Restrepo Olarte y José Manuel Mora Vásquez.

DÍA DEL TEATRO LATINOAMERICANO 8 DE OCTUBRE

Mensaje de Carlos Ianni

Director, docente y productor teatral. Director del CELCIT

Si algo soñamos les artistas cada vez que llegamos al teatro es ver el cartel de “Localidades agotadas”. Sin embargo, desde principios de este año y producto de la pandemia, el cartel que vemos se ha vuelto pesadilla: “Cese total de actividades”. Que el fenómeno sea global no alivia, pero sin duda lo vuelve más que singular y nos enfrenta a aquella vieja idea de que las cosas, en este caso el teatro, suelen ser valoradas en su verdadera dimensión cuando las perdemos (… aunque sea por un tiempo). Afirmaba hace unos años que las nuevas tecnologías revalorizaban y ubicaban en su justo lugar el estatuto de ceremonia del teatro, su cualidad de existir en tiempo real entre cuerpos presentes. En ese sentido, sigo pensando que el teatro, como arte vivo y efímero que es, no tiene sustituto posible. Pero ¿qué pasa hoy con el teatro? ¿Cómo enfrenta esta realidad en que todas las salas del planeta están cerradas? ¿Qué es el teatro hoy? La pandemia ha vuelto al mundo completamente plano, los cuerpos están ausentes o se vuelven peligrosos y todo es mediado por la imagen. Es un mundo (e insisto en hablar de mundo porque la humanidad toda tiene un mismo desafío) donde el encierro hace carne aquello que Beckett puso en la voz de Estragón: “No ocurre nada, nadie viene, nadie se va”. En este contexto, ¿qué lugar tiene el teatro? Ese teatro como ritual que pone en evidencia un derroche de vida sobre el escenario, que ocurre en un aquí y ahora posibilitando la comunión entre los cuerpos de actores y espectadores.

Sin ese aquí y ahora, sin encuentros de cuerpos… ¿hay teatro? Definitivamente no. Con suerte, el hecho teatral sobrevive fantasmagóricamente en la memoria de los espectadores, porque todo registro que hagamos de él, por definición, no es teatro. Hoy el teatro es un espectro de lo que fue y vaga errante por las pantallas. El teatro mediatizado por la tecnología no lo reemplaza: nos consuela. Pero precisamente por ese impulso vital que define la propia esencia del teatro, lejos de regodearse en el vacío y la ausencia de sentido o finalidad les teatristas hemos reaccionado. Han aparecido en estos meses otras apuestas desde la tecnología (espectáculos vía streaming, cursos, mesas redondas y foros virtuales, y una infinidad de experiencias vehiculizadas a través de todos los medios digitales conocidos). Si bien, como dije, lo virtual no es teatro, sí debemos reconocer que es otra forma de expresión y como tal tiene su propio valor (en estas circunstancias) y que demuestra, una vez más, que las gentes de teatro “hacemos con lo que hay”, superando obstáculos y limitaciones. Qué permanecerá de todo esto, el tiempo lo dirá. A la vez, la ausencia del hecho teatral ha puesto de manifiesto de forma muy cruda que somos trabajadores de la escena, que como tales vivimos de lo que hacemos y que ante esta crisis nos encontramos desamparades, por

fuera de las asistencias que -con distintos niveles de efectividad- ofrecen los Estados a les trabajadores. Hace no mucho tiempo, algunos funcionarios se jactaban de que Buenos Aires era la capital teatral del mundo debido a la cantidad de salas de teatro en la ciudad y a la cantidad de espectáculos que se presentaban en ellas. Hoy, la crisis que sobrevuela a la producción teatral independiente es única y cruenta: cierre de salas, artistas organizando bolsones de comida, acciones solidarias para quienes no perciben ingresos, etc. La virtualidad a la vez puede haber acercado a quienes usualmente no concurren al teatro porque no lo tienen en su ciudad o porque lo ven como algo por fuera de sus hábitos. Podríamos pensar entonces que quizás estas experiencias hayan mejorado y democratizado el acceso a la cultura en general y al teatro en particular y que cuando vuelvan a abrir las salas se acercarán nuevos públicos. ¿Será así? Es en estas circunstancias que el Centro Latinoamericano de Creación e Investigación Teatral CELCIT cumple 45 años de ininterrumpida actividad. Nacido en la resistencia a las dictaduras, subsistiendo al empobrecimiento económico y cultural de gobiernos neoliberales y ahora sobreviviendo, no sólo en sentido metafórico, a una pandemia que cuenta de a miles los muertos, la institución se ha mantenido fiel a los principios que le dieron origen: aportar desde el campo cultural a la integración latinoamericana, al sueño de la Patria Grande. Sin duda en estos 45 años muchas cosas han cambiado, pero cada transformación, cada nuevo programa de trabajo ha sido realizado en función del proyecto histórico que le dio origen y fieles a nuestros

propósitos. Hemos cambiado, es cierto, pero con orgullo podemos decir que seguimos siendo los mismos.Nos cuenta Eduardo Galeano que “la mujer y el hombre soñaban que Dios los estaba soñando. Dios los soñaba mientras cantaba y agitaba sus maracas, envuelto en humo de tabaco, y se sentía feliz y también estremecido por la duda y el misterio. Los indios makiritare saben que si Dios sueña con comida, fructifica y da de comer. Si Dios sueña con la vida, nace y da nacimiento. La mujer y el hombre soñaban que en el sueño de Dios aparecía un gran huevo brillante. Dentro del huevo, ellos cantaban y bailaban y armaban mucho alboroto, porque estaban locos de ganas de nacer. Soñaban que en el sueño de Dios la alegría era más fuerte que la duda y el misterio; y Dios, soñando, los creaba, y cantando decía: Rompo este huevo y nace la mujer y nace el hombre. Y juntos vivirán y morirán. Pero nacerán nuevamente. Nacerán y volverán a morir y otra vez nacerán. Y nunca dejarán de nacer, porque la muerte es mentira”. Con la ferviente convicción de que la salida de esta crisis sólo será posible si actuamos de manera colectiva y solidaria, va de corazón mi deseo de que el escenario vuelva a reunirnos pronto. En estos momentos tan difíciles, sé que el teatro re-nacerá.Estamos locos y locas de ganas de re-nacer. Y sé que la alegría y la pasión son más grandes que las dudas y el misterio.

HOMENAJE A CARLOS IANNI

CARLOS IANNI Director, docente y productor teatral. Director del CELCIT. Ha sido Director General Adjunto del Teatro Municipal General San Martín y Coordinador General de Programación Artístico-Teatral del Teatro Nacional Cervantes. Ha dirigido las siete ediciones del Festival Internacional de Nuevas Tendencias Escénicas-La Movida y los eventos especiales de distintos festivales teatrales iberoamericanos. Entre sus últimas puestas en escena pueden mencionarse: “Monogamia” de Marco Antonio de la Parra (2000), “Fragmentos de un amor contrariado” de Roberto Arlt (2001), “Viaje a la penumbra” de Jorge Díaz (2003), “Donde el viento hace buñuelos” de Arístides Vargas (2004), “Cita a ciegas” de Mario Diament (2005), “Antígona” de José Watanabe (2006), “Terror y miseria en el primer franquismo” de José Sanchis Sinisterra (2008), “Minetti” de Thomas Bernhard (2009), “La complicidad de la inocencia” de Adriana Genta y Patricia Zangaro (2011), “”Riñón de cerdo para el desconsuelo”” de Alejandro Ricaño (2012), “Los pájaros cantan en griego” de Marco Antonio de la Parra (2013), “Vagamundos” de Blanca Doménech (2017).

HOMENAJE A SANTIAGO GARCÍA

SANTIAGO GARCÍA PINZÓN Fue un actor y dramaturgo colombiano. Director del teatro del grupo La Candelaria, de Bogotá, Colombia. Fue actor en el mismo grupo y también participó de varias producciones en cine y televisión. Falleció en marzo de 2020. García se graduó como arquitecto en la Universidad Nacional, y también realizó estudios en la Escuela de Bellas Artes de París y en el Instituto Universitario de Venecia. Fue alumno de teatro del director japonés Seki Sano (1957); asiste al Berliner Ensemble en Alemania, bajo la dirección de Helene Weigel, estudió también en la Universidad Carolina de Praga, en Actors Studio de Nueva York y en la Universidad de Teatro de las Naciones en Vincennes (Francia). Fue fundador del Teatro El Búho en 1958 y luego fundaría junto a otros artistas como Patricia Ariza, Fernando Mendoza, Gustavo Angarita, Vicky Hernández, Francisco Martínez, Carlos José Reyes y otros amigos del arte el 6 de junio de 1966, la denominada Casa de la Cultura que posteriormente se llamará teatro La Candelaria.

Escribió varias obras teatrales de forma individual y otras de forma colectiva. Participó en el montaje de obras como Guadalupe, años sin cuenta, Diez días que estremecieron al mundo, Diálogo del rebusque entre otras. Fue director invitado en México, Estados Unidos, Cuba y Costa Rica. Actuó en la película Milagro en Roma, con argumentos del escritor Gabriel García Márquez. A lo largo de su carrera, estuvo vinculado con al menos 45 grandes producciones teatrales. Retirado de las tablas, se dedicó a la pintura. En marzo de 2012, fue declarado embajador mundial del Teatro por parte del Instituto Internacional del Teatro (ITI) de la Unesco. En 2019 Santiago García junto a Patricia Ariza y Carlos José Reyes recibe la Medalla al Mérito Cultural por sus aportes y legado al teatro colombiano.

HOMENAJE A TINO FERNÁNDEZ

Foto: Juan Antonio Monsalve

TINO FERNÁNDEZ Hace dos décadas, el coreógrafo asturiano Celestino Tino Fernández llegó a Colombia, descubrió un país en donde el verbo bailar siempre se conjugaba en imperativo. “Me di cuenta —solía decir— que la gente construía emociones a través del baile, como si el mundo sentimental estuviera escrito en el cuerpo. Descubrí fascinado que la danza estaba en la sangre de esta tierra y solo había que, digamos, codificarla, para volverla manifestación artística”. Fernández empezó su carrera como bailarín en Francia y en 1991 decidió crear su propia compañía, L’Explose, en la que trabajó como coreógrafo y director escénico hasta su muerte el pasado viernes 17 de enero en Bogotá. Quiso el azar que estando en París conociera a Fernando Fernández, un ejecutivo y escritor de Bucaramanga, y que ambos decidieran establecerse en la capital colombiana tres años antes del cambio de siglo.

Desde el principio, se sintió atraído por el exuberante espíritu lúdico de los latinoamericanos. Participó activamente en la escena cultural y con rapidez fue descubriendo que la danza, por lo general tan silenciosa, podía contar mucho sobre su nuevo país de acogida. Con más de 30 creaciones a su haber, premios y distinciones, algunos de sus seductores espectáculos fueron coproducidos por instituciones como el Mercat de les Flors de Barcelona, La Biennale de la Danse de Lyon, la orquesta Filarmónica de Bogotá, el Auditorio de Danza de Tenerife, Iberescena y el Teatro Mayor Julio Mario Santo Domingo, entre otros. El trabajo creativo con la dramaturga Juliana Reyes lo llevó a explorar nuevas formas de teatralidad al interior de la danza y a desarrollar un repertorio en que la intención interpretativa estaba en el centro de cada movimiento. Los objetos fueron decisivos en sus creaciones: una mesa, sillas, tierra negra, camillas quirúrgicas, una urna acristalada definían la relación del intérprete con la escena, es decir, del bailarín con su mundo, aquel que nace y desaparece en

el espacio efímero de la representación. El universo femenino fue el gran protagonista de sus creaciones. Trabajó con varias intérpretes por largos periodos, y el hecho de que fueran cuerpos menos jóvenes nunca supuso un impedimento para el diseño de sus coreografías. Fernández trabajaba con la vida, y la vida es tiempo. De su comprensión de Colombia queda un formidable espectáculo titulado La mirada del avestruz, sobre las cicatrices que genera la violencia y la tragedia del desarraigo. Fue un gran gourmet, amaba la comida francesa y cocinar para los amigos. Siempre trabajó con gente a la que quiso, porque la cercanía en el trato era fundamental para poner en marcha su sensibilidad creativa.

HOMENAJE A TITA MAYA

TITA MAYA “Fue hace más de 30 años en un colegio de música. Eran cuatro profesores de un colegio de música que se unieron para ofrecerles a los niños una nueva canción infantil. De allí nació nuestro primer disco, El gallo pinto”, cuenta Tita Maya, directora de la Corporación Cantoalegre. Hoy, la institución ya no es simplemente un grupo musical, sino todo un trabajo que incluye alfabetización y al que se vinculan colegios de Medellín en cada temporada. Cantoalegre ha crecido con sus pequeños integrantes. De los que empezaron muy niños, ahora hay jóvenes músicos que acompañan las presentaciones de la agrupación tocando instrumentos y realizando labores relacionadas con la producción, la elaboración de escenografías y la composición. Todo esto de la mano de Tita Maya y Claudia Gaviria, que, con 150 personas conforman una de las agrupaciones de música para niños más queridas de Antioquia. Desde sus comienzos, Cantoalegre ha tenido presencia también fuera de Antioquia en festivales de Ibagué, Cali y Bogotá. Pero las temáticas tratadas en su música no han sido siempre las mismas. Desde El gallo pinto de la primera etapa (1984), en la que las canciones relatan historias de animalitos y de amor al campo, hasta el último trabajo lanzado este año, Canta Colombia, que tiene como objetivo despertar el amor de los niños hacia la música colombiana, Cantoalegre ha enfocado su mensaje a objetivos y proyectos específicos. 66

Exposición fotográfica

SANDRA ZEA

MEMORIA – MUERTE – MEMORIA Esta exposición es un homenaje a Santiago García y Tino Fernández, dos grandes del teatro colombiano que murieron hace poco y que dejaron en nosotros el dolor de su ausencia. En ella expongo fotografías de una obra de cada uno: Nayra y En caso de muerte. Su propia reflexión sobre memoria y muerte. Hoy estas imágenes se clavan dolorosamente en mi corazón.

Santiago García: Obra: Nayra. Grupo: La Candelaria Año: 2004 Nayra es “la memoria” en el idioma aimará. Significa ojo, antepasados, lo anterior, la memoria y la visión. Estas fotografías dan cuenta de la memoria, esa efímera huella que dejamos en nuestro paso por la vida. Seres como Santiago García han dejado un rastro poderoso que ha cambiado la vida de muchos de nosotros. Su obra nos marcó, su vida nos dio ejemplo, queda la memoria de quienes vimos su obra y recibimos sus enseñanzas. Con estas fotos tengo la esperanza de compartir el impacto que su obra generó en mi vida.

Tino Fernández: Obra: En caso de muerte. Grupo: L’explosse. Año: 2014 La dramaturga Juliana Fernández, autora del texto de esta obra, nos dice: “¿Cómo se contaría un duelo…? Sólo queda el dolor, ese que va hacia adentro, que inmoviliza y enmudece. [...] ¿Pero hasta dónde estamos dispuestos a ver? ¿Hasta dónde somos capaces de mostrar?” Con estas fotos hago eco del duelo ante lo inevitable, ante la pérdida, ante el vacío. 67

Un café con:

Octavio Arbeláez, director del Festival Internacional de Teatro de Manizales, y curador del Festival de Teatro San Ignacio, nos compartirá un espacio para conversar y generar reflexiones a partir de los nuevos retos para el arte, y en especial las artes escénicas en estos tiempos de confinamiento y distanciamiento:

Piedad Bonnett (Colombia) La experiencia teatral Poeta, novelista y dramaturga. Su escritura está profundamente arraigada a su experiencia vital y las desigualdades y conflictos de su país. Ha escrito más de una docena de libros. Sus más recientes publicaciones son ‘Los habitados’ (Poemas), ‘Lo que no tiene nombre’ y ‘Donde nadie me espere’ (Novelas).

Ricardo Silva (Colombia) Creación artística y pandemias Escritor, periodista y guionista. Autor de las novelas ‘En orden de estatura’, ‘Autogol’, ‘El Espantapájaros’, ‘El libro de la envidia’, ‘Historia oficial del amor’, entre otras. En el 2019 recibió el Premio Biblioteca de Narrativa Colombiana con su obra ‘Cómo perderlo todo’.

Patricio Rivas (Chile) Shakespeare desconfinado

Sociólogo de la Universidad Nacional Autónoma de México. Premio Nacional de Ensayo 2003 por el libro Chile, un largo septiembre. Experiencia docente en las áreas de: políticas culturales, metodología de la investigación y teoría del Estado en diversas instituciones como Universidad de Chile, Universidad Externado (Colombia), Instituto Cultural Itaú (Brasil) y Universidad Tecnológica de Bolívar (Colombia).

Conversaciones

S E S I O N E S PA R A P E N S A R Y D E B AT I R ESTOS TIEMPOS INCIERTOS.

Creación en Confinamiento Invitados: Gustavo López, Adriana Villegas y Orlando Mejía Conversan con Claudia Morales

Cuando esto acabe Invitados: Fernando Alonso Ramírez, Octavio Escobar y Ana María Mesa Conversan con Alejandro Samper

Arte y tecnología digitales: Los Cuerpos Virtuales Invitados: Mario Espinosa, Matias Umpierres, Mónica Gontovnik y Daniel Ariza Conversan con Claudia Jurado

Presentación del informe “Festivales Escénicos en Pandemia” Conversan: Raul Algán y Marcelo Allasino

Presentación catálogo 2020-2021 REDELAE Conversan: Gustavo Zidán, Raquel Araujo y Ana Belén Santiago

Centenario de Benito Pérez GaldósT Invitados: Mario Vega, Irma Correa, Fabio Rubiano y Laila Ripoll Conversan con Octavio Arbeláez

Música COLOMBIA ENSAMBLE ARCOB Concierto del ciclo Migración, factor clave para el desarrollo de la música en Colombia.

Esta agrupación, dedicada a la interpretación y divulgación de la música de compositores colombianos poco conocidos y difundidos, plantean a manera de videoconcierto, una reflexión sobre la importancia de la migración en la música y cómo ha sido un factor fundamental en la configuración de la identidad cultural y musical colombiana. El énfasis estará en la música realizada durante el siglo XIX en el país, observando las influencias extranjeras que la marcaron por causa de las migraciones que se vivieron en Colombia en este período de tiempo. Este videoconcierto es transmitido a través de pantalla retroproyectada y señal de onda corta (105.4 FM), para los habitantes de las Torres de Marco Fidel Suárez (Torres de Bomboná), zona residencial del centro de Medellín, ejemplo de urbanismo por su integración con el espacio público y el uso habitacional.

PA Í S : C O L O M B I A - E S PA Ñ A

FESTIVAL DE CANTAUTORAS Tres mujeres, tres personalidades, tres sonidos característicos que llegan para hacer melodías desde la trova nacional, el legado de las regiones y la conexión con la tierra, acompañadas por Carlos Palacio, ‘Pala’, cantante, guitarrista y poeta colombiano.

Milagros Moya Saiz, “Milagros” Nació en Cuenca (España), y realizó estudios de educación auditiva, rítmica y bases de interpretación de piano en la Escuela de Música Creativa de Madrid. En 1990 inició su carrera musical trabajando con artistas como el pianista Andrés Bedö y el guitarrista ‘Pájaro’ Juárez. En 2003 se dedica a componer e interpretar sus propias canciones, por lo que en 2007 lanzó su primer trabajo ‘A tiempo’, una fusión entre melodías y armonías brasileñas, cubanas, españolas y jazz y en el año 2009 nace su segundo trabajo ‘Por si acaso’, como homenaje a su padre, donde reunió sonidos especialmente sentidos desde el bolero. Desde hace varios años,Milagros ha sido una de las artistas españolas más invitadas a cantar en Medellín. 72

Diana Hernández, “María Mulata” Es oriunda de San Gil, Santander (Colombia), y lleva sobre sus hombros el legado de las cantaoras colombianas. Su voz, amaestrada por la experiencia y su formación en canto lírico, es el instrumento que ha puesto a sonar lo mejor del folclor colombiano en importantes escenarios nacionales e internacionales.

Isabel Ramírez, “La Muchacha” Nació en la ciudad de Manizales (Colombia), y es un fenómeno de la nueva trova colombiana. ‘La Muchacha’ logra conectar, a una audiencia cada vez más ávida de honestidad y carácter. De su guitarra nacen melodías extraordinarias que se contraponen con una percusión creada con golpes sobre la caja de resonancia de su instrumento de madera. 73

PA Í S : C O L O M B I A

EL CANTAR DE LOS PÁJAROS (FAMILIAR) CAPÍTULOCorriente 3: Pacífico Producción: Música Es un concierto didáctico en torno a la música de la región Pacífica, que a su vez procura un diálogo entre la música y diferentes saberes a través de la avifauna que vive en esta región de Colombia. Guiados por el guardabosques, un campesino que ha encontrado nuevas y mejores formas de subsistir, donde ha recorrido todo el país aprendiendo de cultura y música, se realiza este viaje por una geografía sonora, donde se integran la música, la biología y la conservación. Al ritmo de currulao, aguabajo, tamborito, alabao y rumba, se hará un énfasis principal en los sonidos que nutren el departamento del Chocó ¿las músicas también son endémicas? ¿Hay músicas casi endémicas?

Domingos de Folclor