Bla Bla de Vincent Morisset - Estética Herke - FADU UBA

Bla-Bla [ b l a b l a . n fb . c a]

de Vincent Morisset

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Titular: Lic. Csaba Herke JTP: Arq. Edgardo Vegega Alumnos Cabrera Yamila Di Sipio Pablo Matsudo Nana Veros Manuel

“El arte, más que conocer el mundo, produce complementos del mundo, formas autónomas que se añaden a las existentes exhibiendo leyes propias y vida personal. No obstante, toda forma artística puede muy bien verse, si no como sustituto del conocimiento científico, como metáfora epistemológica; es decir, en cada siglo, el modo de estructurar las formas del arte refleja —a guisa de semejanza, de metaforización, de apunte de resolución del concepto en figura— el modo como la ciencia o, sin más, la cultura de la época ven la realidad.”

Umberto Eco-Obra abierta (pag. 40)

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omo bien dice Umberto Eco, a lo largo de la historia de la humanidad, el concepto de arte y su forma de expresarlo, fue cambiando, conforme cambiaban los conocimiento y las culturas de cada sociedad.

Para Platón, el mundo se divide en dos: el mundo de las ideas y el mundo de las sombras. Donde las ideas refieren al mundo verdadero, bueno y bello. El mundo de las ideas es a priori, existe por sí mismo y el de las sombras existe porque las ideas se proyectan en él, es intrascendente. La concreticidad de los fenómenos a través del arte, permite encontrar la esencia, es decir la idea.

Para Aristóteles, no son las ideas lo que preexiste en el hombre, sino las formas perfectas / absolutas. El artista con su obra, intenta duplicar o acercarse a esas formas perfectas; por eso, para Aristóteles la mímesis es la imitación de la naturaleza.

Con San Agustín estos conceptos los hereda el Cristianismo: Dios es lo verdadero, bueno y bello. Los humanos vivimos en el mundo de las apariencias y el hombre no puede acceder a la belleza, por eso no se le permite las representaciones religiosas (movimiento iconoclasta).

Diferente es el caso de Santo Tomás de Aquino, que introduce la posibilidad de que el hombre acceda a Dios a través de sus actos y sus obras. La forma es independiente de su esencia o contenido.

El contenido también es forma, y la forma es contenido. “El sujeto no es sólo quien reconoce el mundo objetivo, sino también quien lo crea.” 1 1- Marta Zatonyi - Una estética del arte y del diseño de Imagen y Sonido (pag. 234)

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Así como la concepción del arte y la belleza fue variando a lo largo de los años, los espectadores acompañaron esos cambios.

La forma en que una obra se presenta ante el espectador, y el modo en que el mismo se enfrenta a la obra, fue cambiando a medida que se generaban nuevas propuesta y nuevas necesidades.

Umberto Eco nos presenta el concepto de obra abierta en el cual el espectador comienza a cumplir el rol de usuario, encargándose de completar la obra, con sus propios conocimientos y experiencias.

configuración de su mundo.” 3

“En la decisión de apertura de la obra […] invitan al usuario a una intervención activa, a una decisión motriz en favor de una poliedricidad del punto de partida. La forma está construida de modo que resulte ambigua y visible desde perspectivas diversas en distintos modos. La forma vista desde varias perspectivas tiende siempre a hacer converger la atención sobre el resultado total, respecto del cual los aspectos distintos de la perspectiva son complementarios y permiten que se los considere acumulativamente. La forma completa se reconstruye poco a poco en la memoria y en la imaginación.” 2

Por último nos presenta el universo simbólico, que es el medio por el cual podemos comunicar esos saberes y valores mencionados anteriormente. No hay valor ni conocimiento accesible sin su representación simbólica. Crear cultura es crear sucesivos sistemas de símbolos.

En el siglo XX, con el surgimiento de las redes de internet, la globalización pone al alcance de la mano, cualquier cosa, en cualquier lugar, con una inmediatez cada vez más notoria.

La interactividad es otra de sus características, en donde el usuario cumple el rol de espectador y al mismo tiempo, de creador de esos contenidos.

Ante esta situación, los artistas responden (y al mismo tiempo generan) la necesidad del usuario por involucrarse, completar y formar parte de la obra; de este modo, la obra de arte comienza a verse como procesos diseñados, que se completan y cobran sentido, ante la participación activa del usuario.

En relación a esto, Marta Zatonyi nos presenta el paradigma como un fenómeno abstracto. Se trata de mirar el mundo y mirarse en el mundo según las experiencias y saberes adquiridos.

Para acercarnos a él nos menciona tres elementos; uno de ellos es la edificación cognitiva, entendida como el conjunto de saberes adquiridos en un determinado momento y un determinado contexto, a través del cual vemos el mundo. Estos saberes abarcan desde el más simple hasta el más complejo saber académico y renovador.

“El hombre es configurado por el saber del momento determinado en el que él irrumpe en su ámbito para luego ir actuando sobre la 2- Umberto Eco - Obra abierta (pag. 90) 3- Marta Zatonyi - Arte y creación, cap.1

Otro elemento del paradigma lo constituye el sistema axiológico, que se refiere al conjunto de valores de un determinado momento y lugar. Se establecen a partir de la estructuración de valores pero al mismo tiempo los crea. Determina lo que vale y lo que no en el ámbito económico y cultural, en lo simbólico y en los horizontes morales y éticos. Su validez se comprueba en la vida cotidiana a través de las leyes.

En esta superficie compleja que es el paradigma, tiene lugar el arte y cumple un rol destacado dentro del universo simbólico, ya que sirve a la defensa del hombre. con el se vela, se cubre la verdad, lo puramente natural, sin invención de la cultura. El arte dice cosas que no podrían decirse de otra manera.

Avances tecnológicos como internet y la telefonía celular, y el acceso masivo a los mismos, han acelerado el tiempo en que se transporta la información entre las personas. Lo cual acentúa el carácter de inmediatez del paradigma actual.

En los comienzos del siglo XXI se presentan transformaciones sociales, que tienen su origen indiscutible en el impacto de las tecnologías de la información y la comunicación, especialmente internet, transformándose en un medio universal de comunicación, que posibilita no sólo el desplazamiento de un lado a otro del planeta, sino que permite agruparse y participar en comunidades virtuales.

La aparición de Internet está transformando el papel del arte y la cultura, las producciones estéticas y sus técnicas artísticas o científicas. Bajo su influencia están mutando las formas de crear, producir y distribuir la obra de arte. Una de estas formas es lo lúdico.

Según Schiller, el juego es propiedad de la actividad creativa artística. la exigencia de la razón y los sentimientos pueden encontrarse satisfactoriamente en el juego.

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¿Es lo lúdico una manifestación, entre otras, del hecho artístico? o, por el contrario, ¿Pensamos que el arte es la parte más creadora que manifi esta la actividad lúdica del ser humano?

En la práctica artística, las fronteras entre la actividad lúdica y la creación de la obra de arte, resultan borrosas, atendiendo a la libertad con que se actúa tanto en la parte intelectual como estética que les corresponde, ya que su fin último es el placer que proporciona la propia acción lúdica y creadora.

A su vez, estas ideas pueden relacionarse directamente con el concepto de einfühlung, el cual tiene que ver con el sentimiento de autogoce o empatía, que proyecta un sujeto a un objeto. Se presenta la expresión artística como lo esencial de la obra en cuanto a la proyección sobre las formas. Con la subjetivación del objeto, el artista crea también el mundo objetivo. Luego el siguiente artista, creará a través de ese nuevo mundo. La mirada del otro nos construye.

El artista sabe lo que otros ignoran, tiene la posibilidad de ser constructor de una nueva mirada, por eso tiene la responsabilidad de crear a través de saberes históricos y su conciencia social individual.

Cuando se habla de lo lúdico y de sus características, se emplean términos que nos ayudan a comprender este fenómeno a través de sus efectos, tales como: participación activa, entusiasmo, inmersión del sujeto de forma responsable, interacción del tipo acción / reacción, entre otros. Son términos que bien podrían aplicarse igualmente a las experiencias artísticas, en las que existe un verdadero sentimiento creador, que nos abre un ámbito para la libre expresión.

El espectador, a su vez, está inmerso en el proceso de creación; como parte necesaria para completar el hecho artístico, interactúa de acuerdo a la propuesta de la obra; dejando de ser espectador para convertirse en usuario.

“Lo lúdico no es una actividad inferior del hombre, sino al contrario, es la manera superior de realizarse, dice Schiller, y señala que el hombre es libre sólo cuando juega. Cuando no lo hace y en cuanto no lo hace, no llega a conformar en realidad su potencialidad huma na [...] el adulto juega, principalmente cuando crea y crea cuando juega” 4 4-Marta Zatonyi - Una estética del arte y del diseño de Imagen y Sonido (pag. 112)

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La obra de Vincent Morisset: ”BLA BLA” nos presenta una serie de animaciones interactivas, dentro de una plataforma web. Las mismas están presentadas como seis capítulos, que conforman una película, y la temática que atraviesa la obra, son los principios fundamentales de la comunicación humana.

Al ingresar a la página, el usuario se encuentra con el comienzo del primer capítulo. Él hace que la historia sea posible: sin la interacción del mismo, los personajes permanecen inertes, y los capítulos van pasando sin que nada suceda.

Los seis capítulos se titulan: Las Palabras, La Lección, El Nacimiento, Los Dos, El Coro y La Noche. En cada uno de ellos, el usuario puede realizar distintas acciones interactivas, de complejidad progresiva.

Cada capítulo de la historia representa (simboliza) un aspecto diferente de la comunicación: aprender un idioma, hacer una pequeña charla, la expresión de emociones, etc; que generan oportunidades para el descubrimiento personal del usuario.

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Estos aspectos son representados a través de personajes (monigotes) de forma humana diseñadas y animadas usando una variedad de técnicas, tanto tradicionales como de alta tecnología, entre ellas se encuentra la xerografía, dibujo sobre papel, ActionScript generando animaciones, stop-motion combinado con tiempo real de mapas en 3D, etc.

En cuanto a la gráfica formal, los personajes están representados de forma infantil, donde se resalta exageradamente, el tamaño de la cabeza por sobre el cuerpo. Mediante la utilización de figuras geométricas primarias y con detalles mínimos, que sirven para reconocer la figura humana.

La música, así como los sonidos emitidos por los personajes (los cuales simbolizan diálogos y/o palabras), se activan o no en base a las distintas interacciones realizadas por el usuario.

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¿Qué nos ofrece esta obra?

“Lo interior (esencia, contenido) se exterioriza, por medio de la creación artística, mientras lo exterior (forma, apariencia) se interioriza mediante el análisis sobre la obra artística” 5 En el contenido se destaca el fenómeno de la idea, que representa la ideología del creador, su consciente e inconsciente.

Se deben destacar dos fenómenos: la idea, comunicada por el artista por medio de su obra; y el tema, el fenómeno elegido para representar. En esta obra, la idea, se basa fundamentalmente en la comunicación humana.

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se va incrementando y el usuario va adquiriendo conocimientos a lo largo del desarrollo de la obra. Debido a esto, en una segunda vista, el usuario interactúa de forma diferente, buscando distintas posibilidades a su experiencia previa. Y probablemente, obtendrá una otra experiencia, dando lugar a nuevas reflexiones.

También, puede analizarse la duración del artista, quien ha manifestado su percepción y su pasado en la obra. Se simboliza un ciclo de vida, desde la “creación molecular” del primer capítulo, pasando por el nacimiento en el tercero y hasta llegar a la noche o muerte en el sexto y último capítulo de la obra; pasando por distintos sentimientos como son el amor, la curiosidad y el miedo.

Por otro lado, según desarrolla Marta Zatonyi, funciona como puente entre lo que hay y lo que no hay, y también es el camino elegido para crear nuevas realidades.

El artista, Vincent Morisset dice: “Tuve la oportunidad de experimentar a lo largo de varios meses, por lo que el resultado es un proyecto experimental. Creo que algunas personas van a ver cierto aspecto psicológico de la obra, ya que hacen su camino a través de él, mientras que otros se centran en su lado juguetón. [...] Todos ven lo que quieren, ya sea una fábula con un personaje lindo, o una reflexión sobre esta nueva forma de lenguaje [...] La relación entre el usuario y la película es parte fundamental del mensaje” . 6 Uno de los conceptos que pueden ser analizados en esta obra es el de duración. Marta Zatonyi toma como referencia en su libro, al filósofo francés Bergson quien desarrolló esta idea sosteniendo que “...es la conservación del pasado, pero es creación y da su sustancial consistencia a nuestro ser, que permite por ello ser diferente de sí mismo perpetuamente y permite también la creación”. La autora explica cómo este concepto se aplica al hombre y como la obra es el producto de la duración del artista y su percepción y la manera de esta misma, producto de la duración del receptor y de su devenir, “la duración es la expresión de las riquezas de la memoria inagotable” 7 Tanto en esta obra, como en cualquier otra, el usuario llega con ciertos conocimiento previos (diferentes en cada uno) mezclados con vivencias personales y sentimientos; por lo tanto, partirán y atravesarán la obra de forma distinta.

El nivel de complejidad de las operaciones interactivas disponibles, 5-Nota reportaje a Vincent Morisset: http://www.agendasamaria.org/p /2011/ 06 /05/bla-bla/ 6-Marta Zatonyi - Una estética del arte y del diseño de Imagen y Sonido (pág. 256) 7-Marta Satonyi - Una estética del arte y del diseño de Imagen y Sonido - Pág 39

8- Marta Satonyi - Una estética del arte y del diseño de Imagen y Sonido - Pág 39

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Otro concepto que se puede analizar, es el de einfühlung, en donde “el artista proyecta al objeto creado, su realidad psíquica, de una manera simbólica, estableciendo así una mediación (velada/develada) entre lo de adentro y lo de afuera. Surge también desde el receptor cuando frente a una obra de arte se proyecta a sí mismo sobre ella.” 8 Esta teoría de la proyección sentimental considera que el proceso de observación también es arte, de esta manera se establece una vinculación directa entre el objeto (obra de arte) y el sujeto espectador, basada en la percepción subjetiva del yo y por lo tanto en nuestras experiencias personales.

Una obra de arte sólo es comprensible mediante la participación afectiva del espectador, mediante una identificación que revela las formas como símbolos del sentimiento. Es necesario que el espectador posea la misma predisposición perceptiva y afectiva respecto a la obra que la que el artista tiene ante la realidad exterior.

En Bla bla, aparece el hallazgo del yo en el otro. En el último capítulo: la noche, por ejemplo, nos podemos sentir identificados con el personaje. Los sentimientos que proyecta el artista en la obra, plantean un clima, que generan emociones en el espectador.

Esto por lo que nos emocionamos, no es la obra en sí misma o lo que le pasa al personaje, sino por motivos personales e íntimos propios, irreconocibles para el yo, pero visibles cuando logramos proyectarlos a través de la obra.

“No se puede separar la obra de quien la percibe, porque en esta percepción (aceptación, rechazo, dolor y placer) está lo que detonó y está lo que permitió ser detonado. El valor de la obra desde este punto de vista, no es la imposición de la existencia interna del creador sobre el receptor, sino el papel del catalizador, quien hace posible el encontrarse con algo hasta entonces, por mil motivos, no reconocido, no conocido, pero propio.” 9 Esta obra se desarrolla en el mundo digital de 0 y 1 (ceros y unos en forma binaria) donde cualquier construcción se creería posible; una realidad aparente, una realidad no tangible pero abordable. Bla bla reflexiona sobre el aprendizaje de un código de comunicación, un lenguaje.

El arte es un medio de comunicación al igual que el habla. una relación entre la prueba de la existencia, pero también muestra de la confianza hacia esa existencia.

9- Marta Satonyi - Una estética del arte y del diseño de Imagen y Sonido - Pág 39

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El arte ofrece al hombre la posibilidad de contenerse en su mundo, como el acto simbólico creativo (hablar) sobre aquello que no puede soportar de otra manera, para alejarse de las fronteras amenazantes y no precipitarse en el caos.

La obra se titula Bla bla, haciendo referencia a la onomatopeya de habla, la cual es conocida y aceptada a nivel mundial, sin necesidad de recurrir a una traducción idiomática para comprenderla.

En el primer capítulo, Las Palabras, observamos una figura de forma redonda, la cual podemos hacer que se mueva en la pantalla (haciendo click en distintos lados) o podemos hacer que se subdivida en otras formas más pequeñas. Esa figura representa una palabra, de la cual es posible generar muchas más, en este nuevo lenguaje. Ya en el siguiente capítulo, La Lección, alimentamos a un monigote con las palabras aprendidas, transpuestas en forma de pastillas. Éste las acepta, pero también se rehusa si se genera un exceso.

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En el tercer capítulo, El Nacimiento, plantea la velocidad de la comunicación, representada con el monigote en caída libre, pero también hay instancias en donde puede accederse a momentos oníricos, esto se puede ver al hacer click sobre el personaje. La velocidad y la aceleración domina la acción, el tiempo se desarrolla y se transita generando momentos de pensamiento y reflexión.

El primer capítulo en donde se presenta la interacción entre personajes, es en el cuarto, titulado Los Dos, donde tenemos dos monigotes que se miran, uno a la izquierda y otro a la derecha de la pantalla. La interacción de estos, la podemos manejar nosotros, pero lo que no podemos realizar bajo ningún punto de vista, es que se realice el cambio de eje de los personajes, el personaje de derecha de cuadro siempre será el de derecha de cuadro, lo mismo sucede con el de izquierda. Hay distintas instancia de comunicación, de acuerdo a la cercanía de los personajes, llegando a un punto máximo de sinergia, al colocarse uno al lado del otro.

En el capítulo cinco, El Coro, vemos en principio, nubes, lluvia y un solo personaje, al cual se le van agregando otros (segú otros segun la interaccion del usuario, y a su vez, estos monigotes interactuan entre si de distintas formas y pueden sincronizarse conformando un coro. Podemos dejar un individuo solitario, no creando más monigotes y dejando el coro con un solo locutor, donde lo social no se produce, pero es imposible dejar la pantalla sin personaje.

El último capítulo, La Noche nos muestra al monigote solo, con un cielo de fondo, el cual puede variar en tres colores. De acuerdo al fondo que haya, el monigote tendrá un estado de ánimo diferente (felicidad, tristeza o enojo). Finalmente, la película, termina con un fundido a negro, plantando la duda de lo que sucede al final, lo desconocido. La noche como oscuridad o muerte. Lo que sucede después de la muerte, es incierto y esta obra tampoco intenta responder esta duda.

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¿De qué manera el artista comunica sus ideas?

De acuerdo con Bajtín, “los géneros discursivos son una serie de enunciados del lenguaje estables que son agrupados porque tienen ciertas similitudes en su contenido temático, su estilo verbal, y su composición”. 10 Los géneros discursivos son un principio organizador a la hora de dialogar. Estos se definen por las características que posee una obra de arte. Son los géneros los que se encargan de diferenciar un estilo de otro, es decir, aquella característica que distingue una obra de otra.

Los estilos aparecen como variaciones de los géneros ya existentes y no como el nacimiento o aparición de uno nuevo, a lo que llamamos confusión lingüística.

“Todas las artes son géneros inevitablemente productos de una anterior confusión lingüística. Quizás podríamos llamarla mutación. Sin ella, sin la deformación generada por ella, no surge lo diferente, no nace nuevo género. La confusión significa el encuentro de varios lenguajes, su lucha entre sí”11 Bla bla presenta una mezcla de géneros discursivos, que dan por resultado una película, pero que no posee sus características convencionales. Ya de por sí, la película se encuentra en una página web, en donde el espectador puede y debe interactuar para que la misma se desarrolle.

Dentro de la película, desde los visual, lo formal y sus múltiples y variadas técnicas de realización antes mencionadas, se observa está mezcla de distintos géneros, la cual da como resultado una obra de arte que no puede ser encasillada en un género discursivo en particular.

10- Mijail Bajtin - Estética de la creación verbal “Problema de los géneros discursivos” 11-Marta Zatonyi - Una estética del arte y del diseño de Imagen y Sonido

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Retomando la pregunta que nos hacíamos en un principio; de que si lo lúdico es una manifestación del arte, o si este es la fase más creativa de la actividad lúdica; podemos observar en esta obra, como se aplica esta situación, en donde el usuario se ve en la necesidad de interactuar y jugar dentro de la obra (caso contrario no pasaría nada).

Cuando hablamos de lo lúdico y del juego, dejamos de lado la faceta competitiva del mismo; en donde el jugador interactúa con el fin de ganar el juego; sino que nos referimos al hecho de la interacción con una responsabilidad del tipo causa/efecto, en donde el usuario va probando las distintas interacciones posibles de la obra, y va creando (dentro de las posibilidades que se le ofrecen) cada capítulo de la misma. Existe una verdadera emoción creadora, el impulso de lo lúdico nos abre un ámbito para la actividad artística.

Atendiendo siempre al potencial reflexivo que observamos en esta actividad, en donde el usuario interactúa conscientemente, no debemos olvidar que no todas las actividades lúdicas son arte. Verlo así sería una banalización que no se corresponde con el carácter cultural y formativo, que como experiencia espiritual tiene el arte.

De esta reflexión se desprende la duda, de ver a la interacción como una necesidad que plantea el usuario y el arte llega para responder esa necesidad; o bien una necesidad creada por el artista y asumida por el usuario.

Se podría decir que es prácticamente imposible saber la respuesta, aunque posiblemente sean ambas situaciones, las que se fueron incentivando mutuamente a lo largo de la historia del arte.

En definitiva, este deseo del usuario por participar activamente en la obra del artista; sintiéndose parte y co-creador de la misma; produce una vinculación del usuario con la obra, mucho más emocional, sentimental y reflexiva que en situaciones de mera observación.

Así mismo, la interacción del usuario estará limitada, según sea el planteo del artista. En consecuencia, el resultado final podrá ser, en mayor o menor medida, controlado por el propio artista, sin dejar de lado que el usuario deberá interactuar de forma consciente y responsable, y no de forma azarosa, ya que sino se perdería el fin artístico de la obra.