Victoria Civera Dis Berlín José Gallego Concha García Antonio Gómez Bueno Pilar Gómez Cossío Arancha Goyeneche Eduardo Gruber Ciuco Gutiérrez Sara Huete Chelo Matesanz Gorka Mohamed Juan M. Moro Juan Navarro Baldeweg Emilia Trueba Juan Uslé Xesús Vázquez Eloy Velázquez
la colección norte en arco´08 obras seleccionadas
Ricardo Cavada
The origins of the Colección Norte de Arte Contemporáneo (Northern Collection of Contemporary Art) lie in the interest of the Government of Cantabria in encouraging public collecting by creating a significant compendium of modern works of art and supporting our artists, many of whom deserve well-earned prestige in our country and abroad. Eleven years have elapsed since the first steps were taken and, today, we can proudly declare that this collection contains over eight hundred works, offering an interesting journey through the most avant-garde artistic styles of the end of the last century and the beginning of the present. Names such as Navarro Baldewerg, Eduardo Gruber, Chelo Matesanz, Xesús Vázquez, Juan Uslé or Ricardo Cavada, examples of the vigour and strength of present day Cantabrian artists, co-exist with other great names of universal contemporary art, such as José María Sicilia, Andy Wharhol, Edwin Bechtold, Julian Schnabel, Daniel Canogar, Dario Urzary, Dis Berlin... This Colección Norte de Arte Contemporáneo, given the variety and quality of its items, deserves to be known and appreciated by all citizens of Cantabria. It also merits recognition in world art circuits. This is the reason why this catalogue, which describes over one hundred of the most representative works in the collection, has been deemed necessary; it will also help us appreciate the significance of this collection more clearly and forcefully.
Miguel Ángel Revilla Prime Minister of Cantabria
La Colección Norte de Arte Contemporáneo nació de la inquietud del Gobierno de Cantabria por fomentar el coleccionismo público, con la creación de un importante fondo de obras de arte de vanguardia, apoyar a nuestros artistas, muchos de ellos con un reconocido prestigio tanto en nuestro país como fuera de nuestras fronteras. Han transcurrido 11 años desde que diera sus primeros pasos y hoy podemos afirmar con orgullo que esta colección reúne más de ochocientas piezas para ofrecer un interesante recorrido por los lenguajes artísticos más vanguardistas de finales del siglo pasado y de los primeros años de éste que acabamos de empezar. Nombres como Navarro Baldewerg, Eduardo Gruber, Chelo Matesanz, Xesús Vázquez, Juan Uslé o Ricardo Cavada, ejemplos todos ellos de la pujanza y fuerza de los artistas cántabros actuales, conviven con otros grandes nombres del arte contemporáneo universal como José María Sicilia, Andy Wharhol, Erwin Bechtold, Julian Schnabel, Daniel Canogar, Darío Urzary, Dis Berlín… Por la variedad y calidad de las piezas que conforman esta Colección Norte de Arte Contemporáneo merece ser bien conocida y apreciada por la ciudadanía de Cantabria. Merece también ser difundida con fuerza en los circuitos del arte mundial. Por eso la edición de este cuidado catálogo, que describe más de un centenar de las más representativas obras del fondo, es necesaria y nos ayudará a apreciar de manera más clara y contundente la importancia de esta colección.
Miguel Ángel Revilla Presidente de Cantabria
In 1996 the first stone of the Colección Norte collection was placed. A key moment when, influenced by the remarkable breakthrough of contemporary art, we decided to pledge our commitment to a type of value that, in principle, seemed to involve a certain risk but that, with time, proved to be a wise decision. These were the foundations for the creation of a contemporary art collection; clearly a lengthy course of action that, today, we are facing with renewed energy. Art is a product generated by society for society. Aware of this fact, we understood that in order to create a project of such magnitude we had to tackle a double social need: on one hand, the Colección Norte managed to solve the enormous cultural vacuum originated by the absence of this artistic element in our region and, on the other hand, we were encouraging support for contemporary art and for our artists in particular. Today, the creation of this great venture is still in progress. A collection defined as dynamic and, as such, undergoing a continuous formation process; contemporary, as it centres on present-day art; plural, as it integrates regional, national and international artists; open to all tendencies and, - as a methodological aspect added to the previous features mentioned - , always rigorous concerning the criteria governing the selection and acquisition of works. Having reached this point, if we pause and look back to assess progress, the result is positive. Those “first steps” are now far in the past and, today, we are in a position to assert that the Colección Norte has progressed, with confidence, into model in public collecting processes. This catalogue is unambiguous proof of this fact. The inventory of artists that form the backbone of the Colección Norte is extensive and has been difficult to form. Each artist symbolises a small component within the driving force of the cultural industry and the different mechanisms generated by the said components have articulated this sophisticated artistic whole. Current art is defined as the art of the present day. The acquisition policy followed by the Regional Ministry of Culture, Tourism and Sport respects this tendency and goes one step further with a view to acquiring art of the future; it contemplates emerging art, not forgetting other spheres of contemporary art and, in consequence, past, present and future combine to augment the common body of the Colección Norte: a collection in permanent expansion that bears witness to our constant commitment to contemporary art.
Francisco Javier López Marcano Regional Minister of Culture, Tourism and Sport
En 1996 tuvo lugar la colocación de la primera piedra de la Colección Norte. Una fecha clave en la que influenciados por el vertiginoso avance del arte contemporáneo, decidimos apostar por un tipo de valor que en principio se auguraba arriesgado pero que con el tiempo fue convirtiéndose en una apuesta segura. De esta manera fueron asentándose los cimientos para la creación de un fondo artístico de arte contemporáneo; sin duda un largo camino que hoy en día afrontamos con renovadas energías. El arte es un producto generado por la sociedad y para la sociedad. Conscientes de este hecho comprendimos que para la creación de un proyecto de tal envergadura debíamos abordar una doble necesidad social: por un lado, la Colección Norte conseguía solventar el enorme vacío cultural originado por la ausencia de esta vertiente del arte en nuestra región y, por otro lado, se potenciaba el apoyo del arte contemporáneo en general y de nuestros artistas en particular. Hoy en día seguimos avanzando en la creación de esta magna “empresa”. Una colección dinámica y como tal, en continuo proceso de construcción; contemporánea, al centrarse en el arte actual; plural, pues en ella tienen cabida artistas regionales, nacionales e internacionales; abierta a todas las tendencias y, -sirva como aplicación metodológica extensible a las anteriores características mencionadas-, siempre rigurosa en cuanto a los criterios de selección y adquisición de obras. Llegados a este tramo del recorrido realizamos un alto en el camino y, volviendo la vista atrás para hacer balance, el resultado es positivo. Lejos quedaron aquellos “primeros pasos” en nuestra andadura y, a día de hoy, podemos asegurar que la Colección Norte ha avanzado con paso firme hasta llegar a ser considerada un punto de referencia clave en el ámbito del coleccionismo público. La presente exposición -y catálogo- es el testimonio fiel de esta realidad y pretende ofrecer una muestra representativa de la nómina de artistas vertebradores de la Colección Norte. Todos ellos forman una extensa trama laboriosamente urdida y cada uno, en su individualidad, simboliza una pequeña pieza dentro de la maquinaria de la industria cultural. De esta forma los distintos engranajes generados por estas piezas articulan este sofisticado aparato artístico dando vida al motor de la Colección Norte. El arte actual ha sido denominado como el arte del presente. La política de adquisiciones de la Consejería de Cultura, Turismo y Deporte sigue esta tendencia y avanza un paso más encaminándose hacia el arte del futuro; presta atención al arte emergente sin olvidar otras esferas del arte contemporáneo y, de este modo, pasado, presente y futuro se fusionan enriqueciendo el cuerpo común de la Colección Norte: una colección en continua evolución que evidencia nuestro constante compromiso con el arte contemporáneo.
Francisco Javier López Marcano Consejero de Cultura, Turismo y Deporte
Ricardo Cavada
Pontejos, Cantabria, 1954 De formación autodidacta, Su trabajo guarda un peculiar equilibrio entre la inmediatez y una sofisticada sintaxis. Mediante diáfanas transparencias, aparente espontaneidad, y economía de medios, oculta un proceso pictórico construido y preciso. Sus hallazgos proceden de la elaboración sistemática de un módulo de reducido formato, para a través de variaciones reiteradas y de su posterior decantación, trasladar las mejores opciones a gran formato preservando la gracilidad que impregna su origen. Cavada profundiza en el terreno de lo pictórico haciendo énfasis en cada huella de la brocha, en la mancha y en su proceso de ocultación, en una compleja trama de polaridades antitéticas que conducen a una obra personal cuyo resultado final es ordenado, sensual, y luminoso.
Sin título, 1995 Acrílico sobre lino 200 x 160 cm.
Victoria Civera Valencia, 1955
Realiza sus estudios entre los años 1973 y 1977 en la Escuela Superior de San Carlos de Valencia. En sus primeras obras experimenta con la imagen de la pornografía y la realización de fotomontajes. Se da a conocer en los años ochenta mediante piezas abstractas cuya principal característica es la monocromía y su realización siguiendo la técnica del action painting, dando como resultado telas de gran fuerza y vigor. A mediados de esa década evoluciona hacia una figuración expresionista. En 1987 se traslada a vivir a Nueva York y el contacto directo con el ambiente artístico neoyorkino la conduce hacia el informalismo, a la vez que disminuye los formatos y aligera de materia sus pinturas que ahora refuerzan su verticalidad mediante líneas, creando todo ello un conjunto de sutilezas estilísticas de innegable interés. Paralelamente comienza a experimentar con la escultura, que le llevará en los años siguientes a la instalación y puesta en escena, en un ámbito que revela su interés por la investigación subjetiva de las experiencias corporales.
Autorretrato, 1996 Técnica mixta sobre lienzo 70 x 50 cm.
Dis Berlín
Ciria, Soria, 1959 Se traslada a Madrid para estudiar Ciencias de la Información, carrera que abandona para dedicarse a la pintura. Sus primeros trabajos se nutren de disciplinas y temas del mundo de la moda, el cine, la fotografía, etc. A mediados de los años ochenta su pintura atraviesa lo que él mismo denomina su “período azul”, de tintes nostálgicos y literarios. Sus temas son aeropuertos, trenes, ciudades, paisajes y escenas de guerra, en los que la pintura metafísica ha dejado una fuerte impronta. Posteriormente evoluciona hacia un estilo de formas geométricas de colores planos y agresivos, en el que no faltan manipulaciones irónicas de elementos figurativos. En la última década del siglo la narratividad y la geometría dan paso a una pintura donde, a partir de una primera fascinación por ciertos recursos decorativos, se instala la simbología a través del laberinto, el arabesco y las referencias formales al mundo persa.
Sin título, 1997 Óleo y serigrafía sobre lienzo 150 x 50 cm.
José Gallego
Cossío, Cantabria, 1953 Cursa estudios en la Escuela Superior de Bellas Artes de Valencia. Su pintura se centra en las formas, su representación, y los espacios de silencio entre ellas. Mediante los huecos, los dinteles, las ausencias, establece un juego de indeterminación cuyo punto de partida es siempre la dispersión, la flexión, y la pulsión en el proceso pictórico. Partiendo de la ausencia de escala y de las superficies densamente barnizadas, evoca el artificio de la realidad frente a lo parcialmente representado, de modo que sus formas son igualmente reflejos de luz y sombras proyectadas sobre superficies traslúcidas.
Sin título, 2004 Técnica mixta sobre papel entelado 123 x 245 cm.
Concha García Santander, 1960
Pintora, grabadora, y escultora. Es Licenciada en las especialidades de Pintura y Grabado por la Facultad de Bellas Artes de San Fernando de Madrid. La obra de Concha García recurre a la memoria, a través de la repetición y la diferencia, entendiendo que la repetición es lo predicible, el orden susceptible de ser vuelto del revés, y la diferencia lo impredecible, el caos. De este modo, sus piezas traducen el hiperrealismo de lo concreto, con todo tipo de materiales: parafina, papel, metacrilato, tinta, collage, madera, eskay. Utilizando un sistema de representación fragmentario, que se conserva a cualquier escala, se remonta a la tradición medieval, cuando una piedra servía para representar una montaña. De este modo los rasgos genéricos adquieren un carácter global, igual que en la naturaleza.
Trepadora, 2003 Textil y acuarela sobre papel Dimensiones variables. Acuarela 170 x 120 cm.
Antonio Gómez Bueno Torrelavega, 1964
De formación autodidacta el trabajo de Gómez Bueno evoluciona a raíz de su primer viaje a los Ángeles, EEUU en 1992. Es allí, donde saltando las barreras de la representación pictórica convencional, mediante una campaña en prensa, vallas publicitarias, y anuncios en televisión, se presenta a la elecciones presidenciales americanas, para después aparecer en el papel de predicador con eslóganes del tipo “send your money to Gomez Bueno and save your soul”. Las cartas recibidas en su apartado postal aparecen enmarcadas junto con el retrato del personaje en sus montajes expositivos. Su pintura de fuerte evocaciones al arte pop y de realismo fotográfico, se sirve de cualquier recurso, pincel, aerógrafo, fibra de vidrio, o imágenes por ordenador, para conseguir el resultado que le interesa: un mensaje de contenido crítico-social entre la publicidad, el pop art y el arte conceptual.
Some heads are gonna roll, 2006 Oleo sobre tela 188 x 136 cm.
Pilar G. Cossío Santander, 1950
Tras obtener la licenciatura en Filosofía y Letras por la Universidad Central de Barcelona, se traslada a Italia licenciándose en la Escuela de Bellas Artes de Florencia en la especialidad de Pintura. Su obra queda marcada por la fructífera estancia italiana, pudiéndose apreciar en sus lienzos ecos del clasicismo, así como un gusto por lo íntimo y cotidiano. En 1988 se traslada a Londres, ciudad que le provocará un gran impacto. A principios de los noventa regresa a Italia. Las obras realizadas en estos momentos reflejan la influencia del futurismo italiano. Desde una perspectiva poética sus lienzos manifiestan las experiencias de sus numerosos viajes, la visión de la ciudad, de la arquitectura urbana, el paisaje melancólico de puentes y vías de ferrocarril, y las estructuras industriales que le sirven para transmitir la idea de movimiento. Utiliza una gama tonal escueta, de grises, azules, y rojos apagados, y resuelve rítmicamente sus composiciones, reafirmándose en la pintura como medio de transmitir emociones. Su última producción, fotografías e instalaciones, gira en torno a la figura fragmentada de la mujer.
Roses Livides, 2004 Fotografía papel lambda siliconada bajo metacrilato 150 x 70 cm. / 150 x 127 cm.
Arancha Goyeneche Santander, 1967
Tras Licenciarse en Bellas Artes por la Universidad del País Vasco, realiza los cursos de doctorado en la Escuela de Bellas Artes de Pontevedra, obteniendo, en 2001, la Beca de la Fundación Marcelino Botín de Artes Plásticas. Heredera de la tradición vanguardista del último arte americano; Goyeneche traduce al collage la incorporación de materiales vinílicos junto con los tradicionales, para resolver superficies ambivalentes, donde lo que se evoca, sobre todo, es el concepto de representación, más que la obra como significante. De este modo, sus composiciones están abiertas y se complementan unas a otras, insistiendo, en que lo fijado en el soporte, es sólo una posibilidad entre otras muchas.
Paisaje encontrado. Veintisiete de enero, 2001 Fotografía y vinilo adhesivo 90 x 180 cm.
Eduardo Gruber Santander, 1949
Pintor y grabador. Cursa estudios en la Escuela de Ingenieros de Caminos de Santander, carrera que abandona en 1969 para matricularse por libre en la Escuela de Bellas Artes de San Fernando de Madrid. Comienza sus trabajos dentro de la figuración, realizando obras hiperrealistas en las que con gran destreza técnica se plasman puertas, ventanas, fachadas... que tienen como elemento aglutinador la decadencia que presentan debido al paso del tiempo. Posteriormente evoluciona hacia una pintura en la que convive la figuración y una leve abstracción. Se trata de lienzos cargados de sutileza y misterio que podríamos calificar de “realismo mágico” y en los cuales existe un gran lirismo debido al cromatismo empleado y la atmósfera conseguida. Sus obras más recientes son abiertamente informalistas, poniéndose mayor énfasis en los materiales empleados y en el trabajo de los mismos sobre la superficie del lienzo; en ellas se recrean chapas de metal sometidas a procesos de oxidación o raspado de sus superficies por medio de la pintura y las gamas cromáticas empleadas, que de nuevo nos transmiten la idea del paso del tiempo por los objetos y por nosotros mismos.
Pacífico, 1999 Óleo sobre lienzo 260 x 200 cm.
Ciuco Gutiérrez Torrelavega, 1956
En la década de los ochenta abandona progresivamente su trabajo como reportero de prensa y de estudio para introducirse en el campo del arte proponiendo otra manera de entender la actualidad de la fotografía. Usa el soporte fotográfico para manipular la realidad a través de la construcción de collages de imágenes. Utiliza imágenes nítidas y saturadas de color, en las que dominan los rojos y azules, de paisajes o composiciones en las que el autor dispone un escenario narrativo, que trata de dar apariencia real a los sueños en una disputa entre la realidad y el fingimiento de esta. De sus primeras fotografías ordenadas y de corte convencional donde domina un sentido clásico de la composición, con escenas intimistas y kitsch deriva a las superposiciones de fotos y los contrastes cromáticos, introduciendo conceptos dinámicos como los grandes angulares y los contrapicados.
Las Plantas, 2002 Ulford chrome de luxe 160 x 120 cm.
Sara Huete
Santander, 1958 Estudió Filosofía y letras en la universidad de Santiago de Compostela. Su vinculación con la literatura es evidente, convencida de que la poesía y la plástica surgen de un mismo lugar y tienen el mismo valor creativo. Normalmente su trabajo se trata de collages con reproducciones de grabados antiguos y pequeños objetos a los que agrega frases escritas. Según Guillermo Balbona: su universo es el de las pequeñas cosas reunidas en un mosaico particular, privado e íntimo pero al que se accede fácilmente desde la complicidad, el reconocimiento y la emoción. En apariencia, es una creadora plástica, de objetos y materiales tan plurales como el mundo, pero tras cada una de sus cajas mágicas hay un hallazgo poético, una senda lírica, una desazón emotiva, sutil en la que conviven lo dulce y amargo, el trastorno vital que nos revela desde lo cotidiano. La artista ejerce con modestia y mucho silencio su magisterio de luces y sombras, una sucesión de historias envueltas en su expresión de poesía visual a través del collage, lo surreal y lo onírico. Su obra parece situarse y moverse siempre en un terreno fronterizo, inasible o indefinido entre la plástica y la poesía visual.
Medir las distancias, 2001 Collage 62 x 60 cm.
Chelo Matesanz Reinosa, 1964
Licenciada en Bellas Artes por la Universidad del País Vasco, en las especialidades de Audiovisuales y Pintura. Obtiene, en 1991 la Beca Juan de Otaola, y en 1995, la Beca Marcelino Botín de Artes Plásticas. Doctora en Bellas Artes, es profesora Titular de Pintura en la Facultad de Bellas Artes de Pontevedra. Matesanz yuxtapone en su obra la percepción artística de corte artesanal del arte tradicional, con una lectura que, en su intencionada ambigüedad, textualmente irónica, sobrepasa lo representado. De este modo, su obra se sitúa a mitad de camino entre el kitsch, y la evanescente singularidad del ready-made rectificado.
Día feliz en Domingo, 1995 Pespunte sobre textil 180 x 180 cm.
Gorka Mohamed Santander, 1978
Estudios en la Escola Massana, Barcelona. Sirviéndose de los formatos tradicionales, su obra alcanza unas enigmáticas composiciones que irradian humor e ironía. Sus extrañas figuras, pequeños seres que parecen salidos de una fábula, conforman un mundo colorista que entronca con el surrealismo pop. Según Isabel Portilla: “Gorka Mohamed ha sabido consolidar un lenguaje singular en el que sintetiza las convenciones del mundo del cómic -sentido del humor y descontextualización de las imágenes-, de los dibujos animados -fuerza de los colores-, de la cultura underground -escenas urbanas- y del graffiti -frescura, energía y espontaneidad- con la influencia de la generación figurativa madrileña de los setenta, especialmente de Luis Gordillo, con quien comparte su gusto por el color, así como su interés por el psicoanálisis y la fina ironía, y Chema Cobo, en quien encuentra una mayor afinidad conceptual”.
Despedida, 2006 Acrílico sobre lienzo 162 x 130 cm.
Juan M. Moro
Santander, 1960 Tras obtener la Licenciatura en Filosofía y Ciencias de la Educación por la Universidad de Salamanca, se Licencia en Bellas Artes por la Universidad del País Vasco, obteniendo, posteriormente, el título de Doctor en Bellas Artes, y recibiendo, en 2000, el Premio Nacional de Grabado. Su obra, de técnica esmerada, dialoga con el pasado del oficio de grabador, y el presente de las artes gráficas. Mediante la conjunción de lo tradicional- aguafuerte, aguatinta, puntaseca-, con lo modernofotograbado, impresión digital- Moro, resuelve sus imágenes con frescura, obviando la incorporación de elementos plásticos, haciendo una especial mixtura con la traducción del grabado a los tiempos actuales, e incorporando soluciones de otros medios.
Locus mental, 2002 Impresión digital sobre aluminio 82 x 120 x 17 cm.
Juan Navarro Baldeweg Santander, 1939
Arquitecto y pintor. Comienza su formación artística en Santander. En 1959 se traslada a Madrid para estudiar grabado en la Escuela de Bellas Artes de San Fernando. Posteriormente cursa la carrera de Arquitectura durante los años 1960 y 1965, doctorándose en 1969 en la capital española. Un año después obtiene una beca de la Fundación Juan March que le permite viajar a Estados Unidos e ingresar en el Center for Advanced Visual Studies del Massachesetts Institute of Technology de Cambridge. Como arquitecto su actividad es constante y se encuentra jalonada de importantes reconocimientos. En cuanto a su actividad pictórica se encuentra influida en sus comienzos por el expresionismo abstracto norteamericano que él somete a un cierto rigor geométrico. A mediados de la década de los sesenta su obra da cabida a la figuración y en ella aparece la figura humana sobre fondos de carácter geométrico. En los años setenta realiza numerosas instalaciones acercándose al arte conceptual. A partir de los años ochenta la pintura pasa a ser su actividad principal, coincidiendo con la realización de series, en las que se erige como protagonista el color.
Paisaje, 1993 Óleo sobre lienzo 130 x 162 cm.
Emilia Trueba
Galizano, Cantabria, 1959 De formación autodidacta. Sus comienzos están ligados al dibujo, la pintura, la escultura clásica, la talla, el modelado, la fundición y más tarde al poliéster, el vídeo, la fotografía y a las técnicas de grabado y estampación de la mano de importantes artistas de la región. Sus primeras obras son trabajos en hormigón pulido y coloreado, poliéster, escayola, latón y barro cocido. En 1986 se produce un cambio en su producción y realiza grandes piezas expresionistas en hormigón que derivan, en 1988, hacia un trabajo más constructivo y arquitectónico. Entre 1990 y 1991 evoluciona hacia procesos más livianos y conceptuales utilizando igualmente el hormigón. En 1992 comienza una etapa de transición afiliada definitivamente a la causa conceptual y empieza a diversificar los materiales empleados concibiendo sus obras como acontecimientos cuyo proceso finaliza cuando el concepto alcanza ese punto de perfección que solo el artista ve y siente. Mas tarde realiza sus primeras instalaciones interviniendo el espacio y persiguiendo la interacción con el espectador. Entre el 2000 y el 2008 crea sus trabajos más intuitivos y personales mediante la yuxtaposición de instalaciones, objetos escultóricos, imágenes de vídeo, performances, sonido, etc. Cercada y desbordada por una exuberante naturaleza que le rodea y apasiona y por un universo cotidiano y obsesivo, retoma constantemente estos aspectos durante la realización y reinvención de su obra.
Lunática, 2004 Estructura de tubos blancos de PVC y proyección 90 x 150 x 50 cm.
Juan Uslé
Hazas de Cesto, Cantabria, 1954 Finaliza sus estudios en la Escuela de Bellas Artes de San Carlos de Valencia en 1977. Tras unos comienzos expresionistas evoluciona hacia una pintura prácticamente abstracta con resonancias figurativas que parte de un motivo concreto: el paisaje marítimo y romántico de los naufragios o los viajes míticos. Desde que en 1987 se instala en Nueva York su pintura se transforma de tal manera que el lienzo queda definido de manera precisa por trazos, líneas y contornos. Dentro siempre de un cierto orden su pintura combina el lirismo y la fuerza del expresionismo. Hacia 1993 sus obras toman como referencia la pintura norteamericana y el paisaje urbano de Manhattan. Actualmente se caracteriza por el empleo de bandas paralelas de anchos brochazos que recorren la superficie de la tela con enorme delicadeza, cualidad que se repite en la manera de superponer las capas diluidas de materia junto con un soberbio manejo del color.
Building Love, 1997 Técnica mixta sobre lienzo 198 x 112 cm.
Xesús Vázquez Orense, 1946
Desde su infancia reside en Santander, donde lleva a cabo una formación autodidacta. Comienza a exponer en 1968 en el Museo Arqueológico de su localidad natal, compatibilizando la actividad pictórica con la escritura de poesía. Sus primeras obras se caracterizan por la gran cantidad de materia pictórica que se utiliza en su elaboración y la abundancia de referencias a su Galicia natal. En los ochenta se opera un cambio en su manera creativa consistente en la introducción de elementos figurativos que hacen convivir en un mismo lienzo la abstracción con el naturalismo. Su producción se desarrolla en series y se puebla de personajes dispersos en paisajes realizados en una técnica cercana al pop. Entre 1989 y 1991 realiza las series de las batallas, reunidas bajo el título La memoria de una noche estrellada que hoy se encuentra en la sede central del Banco Zaragozano y que se ha convertido en una referencia dentro de la obra del pintor. En sus trabajos más recientes se produce un abandono de la figura humana que es sustituida por la utilización de anagramas, siendo la serie “La Internacional”, la que inaugure este nuevo modo creativo.
Riga, 2006 Acrilico sobre lienzo 200 x 160 cm.
Eloy Velázquez
Santoña (Cantabria), 1949 ...Con referencias al arte povera, al neo-expresionismo y al informalismo, su experimentación con materiales, texturas y colores va más allá de cualquier marco genérico, caracterizándose por un estilo y estética bien propios. Innovación e imaginación trabajan en la transformación de cuerpos creados a partir de objetos desechados por la memoria, estableciendo y transgrediendo conceptos establecidos. De este modo su originalidad es testigo de un diluirse en experimentos y experiencias resumen de su trayectoria, sin pautas de clasificación impuestas por ningún modelo o corriente artística. ¿Qué forma tiene la pasión, de qué color es la vida, de qué material está hecha la ternura? En un análisis de los impulsos, del cuerpo y de la esencia humana, Eloy Velázquez viaja escogiendo un camino que se adentra en los ojos de la escultura, en los ojos del artista y en los del espectador. Julieta Manzano (Fragmento extraído del catálogo de la exposición “Miradas Perdidas”)
Bolero, 2007 Talla de madera y cerámica 118 x 40 x 20 cm.
GOBIERNO DE CANTABRIA Consejería De Cultura, Turismo y Deporte PRESIDENTE Excmo. Sr. D. Miguel Ángel Revilla Roiz CONSEJERO DE CULTURA, TURISMO Y DEPORTE Excmo. Sr. D. Francisco Javier López Marcano DIRECTOR GENERAL DE CULTURA Ilmo. Sr. D. Justo Barreda Cueto SUBDIRECTOR GENERAL DE CULTURA Sr. D. Fernando Garrido-Allepuz López ORGANIZA Consejería de Cultura, Turismo y Deporte GOBIERNO DE CANTABRIA COMISARIADO Ruth Méndez Pinillos Imprime: Sociedad Artes Gráficas J. Martínez - Santander Fotografía: Jorge Fernández y Bele´n Pereda Depósito legal: