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CULTURAL
La danza es la lengua oculta del alma. Martha Graham.
MÓDULO N° 1.5
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DESARROLLO DE LA IDEA DEL NEGOCIO ARTÍSTICO CULTURAL.
Palabras clave: Empresas de base cultural y creativa, factores críticos de desempeño, emprendimiento creativo, creatividad.
Actualmente se observa una tendencia mundial en el surgimiento de empresas culturales y creativas. Sus modelos organizacionales y otros factores, como la creatividad, son determinantes para que éstas sean empresas rentables y sostenibles, y se puede advertir que difieren de los modelos clásicos organizacionales.
Las empresas culturales y creativas juegan hoy, en el contexto de la creación y el conocimiento (que es distinto –aunque no aislado– del contexto industrial productivo), un papel cada vez más importante en la economía del conocimiento.
Estas empresas aportan al tejido social el componente cultural, y están innovando en la transmisión del acervo cultural de las comunidades humanas; nombres como el Cirque du Soleil, el Teatro Negro de Praga, Artesanías de Colombia, El Museo Nacional de Colombia, el Carnaval de Barranquilla, Pixar, el Carnaval de Río de Janeiro, el Festival de Viña del Mar y los cantantes Juanes o Shakira, son un claro ejemplo del potencial que
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se está desarrollando en este sector de las industrias culturales y creativas.
Si la cultura se entiende como el “conjunto de hábitos adquiridos por el hombre en sociedad” (Podestá, 2003) así como el resultado de las interacciones humanas, es decir, del contacto entre las personas, entonces es necesario que esas personas, con el bagaje para transmitir el conocimiento cultural, cuenten con un mecanismo que les permita insertarse en la economía como agentes de cambio: este mecanismo son las empresas culturales y creativas.
Lo anterior lleva a reflexionar sobre la importancia de formar a estas personas fortaleciendo su potencial creativo, así como su capacidad para comportarse como actores económicos.
Se han realizado en países como Colombia estudios sobre la identificación y clasificación de los factores críticos de desempeño de empresas de base cultural y creativa, y el aporte más significativo de esta investigación puede sintetizarse en que el talento por sí solo es insuficiente, ya que éste necesita de la categoría administrativa y la concreción del acto creativo; pero el acto creativo y la administración no podrían funcionar sin el talento.
Entonces, no es el talento per se, sino que el talento se entienda como materia prima de una empresa, la cual requiere de la integración de varios elementos para ser procesada y generar valor. Es lo mismo que pasa con una idea de negocio: si esa idea no se relaciona con los aspectos productivos, administrativos y de contexto, no adquiere connotación empresarial.
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¿Qué es la creatividad?
Según estudios y en el contexto especifico, se identifican dos perspectivas de la definición de creatividad: la psicológica (Parra, 2003; Amabile, 2000; Cherny, 2007; Vecina, 2006) y la sistémica (Aznar, 1974; Orbegoso, 2005; Haner, 2005; Gretz, 1994). La primera está centrada en las características propias del individuo. La segunda se centra en las relaciones entre “persona” y “contexto”, es decir, en las conexiones entre esas características individuales dentro de un contexto dado. Ya que la investigación abordó las Empresas de Base Creativas Culturales, la definición de creatividad debe alimentar la definición de Empresas de Base Creativas Culturales, con el fin distinguir entre ellas y las empresas de base tecnológica. Según Lorenzo (2006), De Faria y Guimaraes (2007) y Kaufmann, (2004), el concepto de creatividad debía trascender el talento (inspiración), expresado en una idea, para llegar hasta su concreción en un resultado tangible.
Matriz de definiciones de creatividad y aspectos asociados
N. de Referencia FUENTE Definición Aspectos asociados Características del ser creativo Aspectos asociados Características del producto creativo Aspectos asociados Factores en contra de la creatividad Aspectos asociados Aspectos de la empresa creativa Aspectos asociados ¿Cómo ser más creativo? (individuo) ¿Cómo ser más creativo? (empresa) Aspectos asociados Estilos de creatividad Aspectos asociados Observaciones sobre el proceso creativo El gerente de la creatividad y las personas creativas
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Las empresas que se desarrollan actualmente, se basan en el dominio intensivo del conocimiento científico y técnico para ser competitivas. Las Empresas de Base Tecnológica desarrollan sus actividades en la innovación tecnológica. Su principal activo es, por tanto, el conocimiento tecnológico y el know-how (saber hacer, procesos, productos, servicios, etc.) que posean sus miembros. La mayoría de estas empresas surgen de universidades, laboratorios, centros de investigación, parques científicos y tecnológicos, entre otros. Entonces, éstas pueden definirse como “Organizaciones productoras de bienes y servicios, comprometidas con el diseño, desarrollo y producción de nuevos productos y/o procesos de fabricación innovadores, a través de la aplicación sistemática de conocimientos técnicos y científicos. (U.S Office of Technology Assessment, 1992, citado en Simón, 2003).
La Unesco las define como industrias que combinan la creación, producción y comercialización de contenidos creativos intangibles y culturales que están normalmente protegidos por copyright y pueden convertirse en un bien o servicio. Estas industrias incluyen, generalmente, los sectores editorial, multimedia, audiovisual, fonográfico, producciones cinematográficas, artesanía y diseño. También se resalta la definición del Ministerio de Cultura, Medios y Deportes del Reino Unido: “aquellas industrias que tiene su origen en la creatividad individual, las habilidades y el talento, y que buscan el bienestar y creación de trabajos a través de la generación y explotación de la propiedad intelectual” (García, 2009). Usualmente están constituidas por un individuo con un talento en particular que lo convierten en un producto comercial y son empresarios independientes, reconocidos en su medio. Finalmente, el Ministerio de Comercio,
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Industria y Turismo colombiano, conjuntamente con el British Council, definió las Industrias Creativas como aquellas que se originan en la creatividad individual, habilidades y talento, y que buscan bienestar y generación de empleo mediante la explotación de la propiedad intelectual.
Tabla 2: Clasificación de Industrias Creativas del British
N° INDUSTRIAS CREATIVAS SUBCATEGORÍAS 1 Artes gráficas, editorial
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Audiovisuales
Artes escénicas
Patrimonio
Diseño Prensa, periódicos, revistas, libros, impresos, publicidad
Música, radio, cine, video, televisión, nuevas tecnologías.
Enseñanza artística, teatro, festivales, conciertos, exposiciones. Archivos, museos, bibliotecas, arquitectura, turismo cultural, desarrollo urbano, medio ambiente.
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Diseño industrial, diseño gráfico, diseño de medios interactivos, diseño textil-moda, joyería, artesanías. Fuente: Clasificación de Industrias Creativas del British Council, 2009
El desempeño de una industria creativa se ve directamente afectado por la falta de motivación creativa. La consecuencia de una persona desmotivada repercute en su día a día creativo y sin lugar a dudas se verá reflejado en su productividad creatividad laboral.
Los FCD se entendieron desde la perspectiva planteada por la investigadora Gladis Cecilia Villegas (1997) que los define como ¨puntos de apoyo internos de la organización o externos a la organización, que inciden directamente
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en el cumplimiento de los objetivos y que involucran personas, procesos, productos/ servicios, en relación con el contexto en el que se desempeñan¨ Según las investigaciones Algunos de los Factores Críticos Desempeño se encuentran en más de una categoría, por lo que resultan, al final, setenta y cuatro factores asociados a las seis categorías.
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FACTOR CRÍTICO DE DESEMPEÑO
Tecnología
Políticas públicas
Cultura
Formación, capacitación
Mecanismos de apoyo
Deseo personal (empleador, empleado) Motivación – estrategias / estímulos
Espacio físico
Bienestar de los empleados
Talento: a) El que lo tiene, b) El que lo busca y c) El que lo evalúa Capacidad del artista de usar el juicio del mercado para reinventarse
La variación del estado emocional
Logística Estructura de costos Recursos físicos
Recursos financieros Recursos personas
Que haya público dispuesto a pagar por el producto Cómo se lee el mercado y las necesidades para traducirlo en calidad del producto Estrategias de mercadeo
Potencial de internacionalización del producto
Intención sobre la internacionalización del producto Capacidad de la empresa para reinventarse en relación con la competencia Sentido de pertenencia con la empresa
Propiedad intelectual (capacidad de explotarla)
Cómo se protege la propiedad intelectual
Estructura organizacional Procesos rutinarios (establecimiento) Ciclo de vida del producto – vigencia
Mecanismos de control a la creatividad Integración de personas, procesos y productos en función de la creatividad La autonomía en la toma de decisiones administrativas La claridad en el concepto de negocio La claridad en el modelo de negocio
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Clasificación de treinta y cuatro factores críticos identificados en seis categorías
Categoria 1 Categoria 2 Categoria 3 Categoria 4 Categoria 5 Categoria 6
Aspectos relacionados con atributos humanos: involucran habilidades, actitudes y conocimiento Aspectos relacionados con el mercado: involucran la seguridad de la empresa en cuanto a su viabilidad y sostenibilidad en el tiempo Aspectos relacionados con la propiedad intelectual: involucran la protección de los procesos relacionados con la producción y la distribución del producto o servicio Aspectos relacionados con el proceso empresarial (genérico para cualquier empresa): involucran las operaciones administrativas tradicionales en la empresa: planeación, organización, dirección y control Aspectos relacionados con la producción creativa: involucran aspectos relacionados con el acto creativo y la materialización del mismo en un producto o servicio Aspectos relacionados con el contexto: involucran aspectos exclusivamente externos a la organización que trascienden el control de esta y que inciden en su viabilidad y sostenibilidad en el tiempo
6, 10, 11, 12, 20, 32, 21 17, 21, 22, 26, 27, 28, 29, 30, 31 34, 33 1, 7, 9, 8, 10 b y c, 4, 13, 14, 15, 16, 19, 20, 22, 23, 24, 25, 31, 32, 34 1, 3, 4, 6, 7, 8, 9, 10 a y b, 11, 12, 13, 14, 18, 19, 21, 23,24, 25, 27, 29, 30 2, 3, 4, 5, 17, 34, 29, 31
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Finalmente, el resultado de la validación de los Factores Críticos de Desempeño con empresas del sector cultural y creativo indica que existen áreas y aspectos de estas empresas que deben ser atendidos con mayor cuidado (factores 4 y 5), pero que esto no excluye la integración de las seis categorías en su totalidad, para la viabilidad y sostenibilidad de estas empresas.
En actividades con empresas del medio y con consultores en este tema, realizadas en diferentes países en donde se han socializado los resultados de este proyecto, ha sido validada nuevamente la importancia de la integración de las seis categorías y los setenta y cuatro factores para el desarrollo y crecimiento de las Empresas de Base Cultural y Creativa.
Porcentaje de importancia de cada una de las categorías
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La danza es la lengua oculta del alma. Martha Graham.
RODUCCIÓN ARTÍSTICOP
ONTEMPORÁNEAS ON TECNOLOGÍAS ULTURALC
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PRODUCCIÓN ARTÍSTICO CULTURAL CON TECNOLOGÍAS CONTEMPORÁNEAS
Encuentro histórico con el uso de tecnologías en el arte.
La combinación de danza y tecnología no es novedad del siglo XXI. Las actuaciones de danza siempre han exigido el uso de algún tipo de tecnología. Cuando el ballet y otras formas de teatro se representaron por primera vez en el escenario bajo techo, la iluminación exigió algún tipo de combustible en formas de lámparas de aceite , velas, farolillos de gas, o una mezcla de cal y otras sustancias químicas ( Swift, 2004). Es decir la tecnología de cada época se ha utilizado para iluminar la escena, y era necesario la colaboración física de tramoyistas para subir y bajar telones, colocar escenarios, incluso crear maquinaria para llevar, alzar a los bailarines.
Gracias a la luz se pueden inventar espacios y desarrollar las historias proporcionando información en una atmósfera creada para cada situación.
La iluminación en escena ha ido evolucionando a lo largo de los años. En la Edad Media, aunque la luz era considerada como elemento divino, se pusieron en práctica los primeros registros de luz direccionados con la intención de guiar la mirada del espectador hacia un elemento específico. Ya en el Renacimiento, las figuras y los objetos comenzaron a ser tridimensionales. Fueron desapareciendo los conceptos de iluminación divina del periodo anterior y puso su pie en escena la tercera dimensión, y con ella la pérdida del concepto biplano.
Poco a poco, y con la entrada del siglo XIX, la luz se fue trasformando en un elemento integrado en lo cotidiano. Los sistemas de lámparas que anteriormente funcionaban con combustibles fueron desapareciendo y la luz en el escenario dio su paso definitivo. En 1638, comenzó a dedicarse especial atención a la manera de iluminar la escena de forma volumétrica y dramática, equilibrando las direcciones de la luz para crear luces, sombras y volúmenes. Y lo que es mejor, se comenzó a utilizar como forma de expresión de una forma deliberada e intencionada. La crudeza de las guerras de primeros del siglo XX, caracterizaron el Teatro Moderno por su absoluta libertad de planteamiento mediante el diálogo
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con formas tradicionales y las nuevas posibilidades técnicas. El desarrollo de la maquinaria, los nuevos diseños arquitectónicos, escenográficos y el momento dulce que había alcanzado la iluminación, liberaron al teatro de un cierto encorsetamiento, y lo dotaron de mayor plasticidad.
Iluminar no es algo tan simple como arrojar luz sobre el escenario, sino que supone una buena disposición de los proyectores de los ángulos correctos, iluminación posterior, frontal, lateral, y equilibrio de colores. Vamos a realizar un rápido recorrido de cómo se ha ido utilizando la luz en la escena a lo largo de la historia de los espectáculos:
Edad Antigua. Los teatros son todos al aire libre en Grecia y Roma, por lo tanto la iluminación artificial no era utilizada. Las representaciones se realizaban de día con el uso de la luz solar. Los efectos puntuales se realizaban a través de espejos y de telas que eran atravesadas por la luz, dando diferentes ambientes.
Edad Media. Del templo a la calle. Los autos sacramentales de las liturgias, se realizaban en escenarios móviles y de composición múltiple. Se comienza a utilizare la luz solar y el fuego para alumbrarlos, no para iluminar. Las velas, lámparas de aceite y antorchas.
Renacimiento. Los nuevos estilos teatrales y la creación de nuevos espacios escénicos: The Globe (Londres), corrales de comedias (Almagro), etc., hacen que se planteen nuevas necesidades para la iluminación. La mayor parte de las representaciones se siguen realizando durante el día aunque la iluminación en salas cubiertas, principalmente palacios, sigue consistiendo en velas y candiles, y sigue sin tener una aportación dramática significativa. Siglos XVII y XVIII. En esta época se desarrolla el modelo arquitectónico de “teatro a la italiana”. Introducción progresiva de la embocadura y del concepto de cuarta pared (separación física entre sala y escenario). Mayor profundidad y perspectiva.
Primeros usos de la iluminación para “recrear” lo natural sobre el escenario. Numerosos experimentos con mecanismos para reducir o aumentar la intensidad de luz de las lámparas (simulación de la noche).
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Siglo XIX, primera mitad. Siglo XIX, finales.
Iluminación de gas. Avance múltiple: seguridad del edificio, comodidad del público, capacidad de control sobre la iluminación y multiplicación de las posibilidades de uso escénico. El escenógrafo decide la ubicación de las fuentes de luz para cada espectáculo. Independencia de la luz del escenario respecto a la de la sala. Iluminación eléctrica. Primeros sistemas en los principales teatros europeos a partir de 1880. Gran avance cuantitativo y cualitativo: más puntos de luz, mayor intensidad, mejor adaptación a la escenografía. Regulación mediante grandes controles electromecánicos colocados en el escenario. Proyectores de arco voltaico y lámparas de incandescencia.
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Loie fuller la bailarina de la luz. Fullersburg, Illinois (22 de enero de 1862 – París; 21 de enero de 1928) Siglo XX. Incorporación de la electrónica. Control desde fuera del escenario. Generalización del esquema “control – regulación – patch – cableado - proyector”. Mesas computerizadas. Diversificación de proyectores: incandescencia, fluorescencia, halogenuros, móviles. Diversificación de tecnologías: láser, diodos, fibra óptica, vídeo, etc.
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Así podemos concluir que la expresión dancística ha acompañado la historia de la humanidad, de esta manera el arte y la danza han aprovechado los recursos que el hombre ha creado y desarrollado. Cuando hablamos de danza y tecnologías nos referimos a aquellas danzas o bailes que independientemente al género que pertenezca, utilizan dispositivos tecnológicos con un rol clave para su contenido dando una estética a quien entra en contacto con ella.
La tecnología es una técnica avanzada en video que se apoya en proyectores y animaciones en tercera dimensión en tiempo real que cuando se combinan el trabajo corporal de una persona o personas que hablan dan paso a un espectáculo; esta relación se desarrolla a partir de los años setenta cuando la edición en video y audio crecieron considerablemente dando paso a la video danza y fue en los años 90 que el uso de la computadora se incorpora a esa visión de danza y tecnología.
La relación entre la danza y la tecnología ha dado paso a nuevas formas artísticas transforman las capacidades desde el movimiento corporal, el tiempo y el espacio se alteran creando una atmosfera que convina lo orgánico y lo material.
La ventaja de las tecnologías es que apoyan a cualquier disciplina artística y favorecen la relación con el teatro, la música y las artes visuales es decir el trabajo interdisciplinario.
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GLOSARIO
Acompañamiento. Es el apoyo armónico que, a través de acompañamiento de sonidos rítmicos de la naturaleza, la voz humana, los sonidos amplificados de su propio cuerpo, etc., según creatividad voces o instrumentos, se le confiere a la melodía principal de una obra.
Alineación. Posición corporal del bailarín, permite que el cuerpo use el mínimo de esfuerzo al hacer movimientos y posiciones; la columna vertebral se mueve siguiendo la línea de sus curvaturas naturales.
Alineación. Posiciones corporales del bailarín en el espacio como: Croissé devant, croissé derriere, ecarté devant, ecarté derriére, effacé, devant y effacé derriére.
Ante flexión. Doblar el cuerpo hacia adelante. Mover los miembros del cuerpo desde la articulación hacia adelante.
Armonía. Equilibrio, proporción y correspondencia adecuada dentro de una coreografía, así como en el movimiento del bailarín.
Bailarín. Persona que se dedica al arte de bailar no solo profesionalmente, sino también como afición. Disciplina, constancia, pasión y valores éticos definen su aporte social a través de su vocación. Cada bailarín posee un talento que desarrolla a través del entrenamiento y su apropiada formación que potencializa las diversas aptitudes.
Ballet (o Danza Clásica). Derivado del italiano ballare que significa bailar. Es un trabajo coreográfico académico, estilizado y escénico que desarrolla un argumento. Los más antiguos precedentes del ballet se encuentran en las diversas representaciones para entretenimiento de las cortes renacentistas europeas. A partir de mediados del siglo XVII se comienza a profesionalizar y popularizar con la fundación en 1661 de la primera Academia Real de Danza. El término ballet se utiliza también para referirse a la composición musical que acompaña esta danza o a la compañía que la interpreta.
Barra. La barra se fija horizontalmente a una altura adecuada (varía de 90 a 110cm. según la estatura) para que los bailarines se apoyen en ella para hacer algunas elongaciones y posturas previas a los pasos de danza. Es elemento fundamental en una clase de danza clásica.
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Calentamiento. Parte de la clase de danza donde el estudiante realiza ejercicios preparatorios de los diferentes segmentos musculares para las exigencias técnicas de la clase y evitar lesiones.
Centro en el espacio. Zona del escenario de mucho interés para el público y donde se desarrolla una actividad de mayor intensidad y desde donde se comunica cierta cosa.
Centro de gravedad. Punto del cuerpo que un bailarín conscientemente debe manejar para desplazarse trasladando el centro sin caerse o perder equilibrio.
Comunicación. La danza es un medio de comunicación sin lenguaje verbal. El bailarín expresa sus emociones y sentimientos a través de sus movimientos, la danza es como un espejo donde el alma habla por medio de los movimientos corporales.
Contracción. Movimieto base de la técnica Graham “contraction” produce una curva cóncava de la parte final de la espina dorsal, mediante el empujón de la pelvis hacia delante. Se establece un circuito vital entre el muslo y la pelvis, que sube por el torso y se cierra sobre sí mismo.
Coordinación. Movimientos sincronizados individual y de forma grupal. Permite desarrollar una coreografía sincronizada donde los participantes posean una coordinación excelente que les permite desarrollar movimientos artísticos.
Coreografía. Literalmente «escritura de la danza», también llamada composición, del griego χορεία (danza circular, corea) y γραφή (escritura). Guion donde los movimientos del cuerpo se complementen y coordinan con la melodía y el ritmo de una pieza musical en particular formando estructuras de movimientos. Para encontrar materiales para el movimiento los coreógrafos recurren a dos elementos que son la exploración y la improvisación. La coreografía indica los pasos a seguir durante el baile: se trata, por lo tanto, de movimientos que no son espontáneos, sino que obedecen al diseño de un coreógrafo.
Coreógrafo. Creador de la coreografía o composición del baile, tanto para la danza como para otros espectáculos. Compone estructuras de movimientos trabajando con el cuerpo, espacio y tiempo, respaldado en su experiencia y persiguiendo un objetivo escénico. Es el creador de la composición del baile, tanto para la danza como para otros espectáculos como el patinaje, la
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gimnasia rítmica, etc.
Creatividad. Capacidad que permite descubrir nuevas ideas y cosas de utilidad humana.
Cualidades del movimiento: Son las diferentes características que constituye la conducta motriz, el descubrimiento y la adaptación de factores básicos como lo son la respiración, el equilibrio, la coordinación motriz, y otros elementos fundamentales como movimiento, ritmo, espacio, cuerpo, tiempo, intensidad, y comunicación.
Cualidades físicas condicionadas. Son aquellas que participan en la actividad física y pueden ser manipuladas para alcanza más rendimiento con menos esfuerzo, además las grasas del cuerpo disminuyen, los músculos se endurecen y toman forma, el peso y el volumen disminuyen, la forma del cuerpo mejora, el esfuerzo se reduce, el sujeto puede soportar esfuerzos físicos y nerviosos sin que su corazón se resienta, el bailarín puede soportar esfuerzos sin que su ritmo respiratorio se vea muy alterado, el rendimiento muscular aumenta, el riesgo de lesiones por caídas disminuye, y en caso de producirse se recuperan más fácilmente, los movimientos ganan en amplitud, gracia y soltura.
Cultura. Conjunto de costumbres, tradiciones, ideas que caracterizan a un pueblo, una época, una clase social, una etnia, etc.
Danza clásica (véase Ballet). Es la danza de escuela, se enseña y como toda enseñanza tiene reglas.
Danza contemporánea. Es un género alternativo que busca innovar en el lenguaje corporal y diferenciarse de la danza clásica tanto en la forma de movimientos como en las historias a contar.
Danza de patrimonio cultural o danzas patrimoniales. Aquellas que son de autor anónimo y están basadas en la tradición de un grupo cultural determinado.
Danzas elaboradas. Danza que se elabora a partir de música que tiene autor.
Danza. Medio de comunicación que usa el lenguaje no verbal donde el bailarín se expresa a través de sus emociones y sentimientos por medio de sus movimientos. La danza es como un espejo donde el alma habla por medio de
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los movimientos corporales. Es un arte donde se utiliza el movimiento del cuerpo usualmente con música, como una forma de expresión y de interacción social, con fines de entretenimiento.
Es el movimiento en el espacio que se realiza con una parte o todo el cuerpo del ejecutante, con cierto compás o ritmo como expresión de sentimientos individuales, o de símbolos de la cultura y la sociedad.
Danza moderna. La danza moderna es una expresión corporal artística que nace de la interpretación y visión del bailarín o coreógrafo. Sus movimientos son una expresión libre y fluida de estados, emociones, metáforas o ideas abstractas, rompe las reglas y criterios del ballet clásico. No utiliza pasos ni movimientos estructurados. La danza moderna se arraiga más en la tierra.
Danza posmoderna. Nace luego de 1960. Es un proceso de apertura que reconoce la pluralidad, la relatividad del conocimiento y la subjetividad de la percepción. La danza evoluciona haciendo una experimentación con ideas del cine, la música, la pintura, literatura, terapia, cinestesia y movimientos sociales dándole un impulso, estructura y desarrollo innovador, rompiendo los esquemas de entonces sobre la danza. Algunos de sus principios son: todo vale, cuestionamiento de los principios modernistas, exploración del movimiento, el juicio estético se sustituye por la observación y el análisis, acercar la danza a la vida a los grupos masivos, entre otros. Los posmodernos introdujeron elementos que eran un alejamiento radical de los esquemas y métodos coreográficos tradicionales. Danzas con tecnología. Se refiere al uso de tecnología en la danza, ejemplo: el internet, computadora, efectos de sonido, efectos de iluminación, acompañamiento de la danza mediante el uso de instrumentaciones con música electrónica, ayuda para ampliar la creatividad de los coreógrafos.
Desplazamiento. Es la longitud en línea recta desde el punto del inicio al punto final. Sirven para entrar o salir del escenario y para concretar ubicaciones y formas. Los desplazamientos deben ser claros en su desarrollo.
Dimensiones. Se generan con ayuda de las direcciones; son tres dimensiones: de profundidad (delante-atrás), de ancho (derecho-izquierdo), de altura (arriba-abajo)
Dirección. Es el punto en el espacio circundante hacia donde se dirigen los segmentos corporales, desplazamientos, etc. Las direcciones en las que
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podemos movernos son seis: delante (señalado por el pecho), atrás (señalado por la espalda), derecha, izquierda (señalados por los hombros), arriba (señalado por la coronilla) y abajo (señalado por los pies). Son referencias espaciales que hacen referencia hacia donde se puede generar una trayectoria o un movimiento. Dividen la superficie en la que se realizará la acción de danzar en 8 direcciones que corresponden directamente a las que se generan en el plano transversal de la kinesfera [ubicándola al centro del espacio posicionando la vista directamente al público.
Distancia. Es la trayectoria total que sigue un objeto cuando va de un lugar a otro.
Eje vertical. Va de la cabeza a los pies.
Ejecutar. Realizar ejercicios técnicos dancísticos o acciones que requiere de una cualidad especial.
Ejecutante. Individuo que posee herramientas técnico artísticas para representar roles en la danza.
Ejercicios de palanca. Aquellos ejercicios que tiene un soporte y mueves un miembro del cuerpo.
Elasticidad. Aquella cualidad física, permite al que la posee realizar movimientos de mayor rango.
Elementos complementarios de la composición coreográfica.
Aquellos que acompañan al trabajo coreográfico emitiendo significados. Elenco. Conjunto de personas que trabajan en unión. Se aplica especialmente a los repartos que intervienen en los espectáculos tradicionales como danza, ópera, circo, y desde el siglo XX, el cine. Además del grupo de intérpretes -en el caso de la danza los bailarines- incluyen a todos los integrantes de la nómina de una compañía como directores, músicos, coreógrafos, entre otros.
Elevación. Término utilizado al hablar de la altura que alcanza un bailarín al realizar un salto de danza. También a la acción que el bailarín realiza cuando desprende la pelvis y el torso para crecer corporalmente.
En dedans o turn in. Los pies y piernas en posición paralela en alineación natural desde la región coxo-femoral y las rodillas.
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En dehors o turn out. . Principio esencial de la danza clásica la pierna y el pie debe presentar su faz interna al espectador, debe hacer una rotación de 900 hacia el exterior en relación con la posición normal. La pierna en dehors es antinatural, necesita de un entrenamiento constante.
Energía o fuerza. Es la fuerza con que se genera un movimiento se canaliza por cualidades del movimiento: sostenidas, percusivas, vibratorias, oscilación, suspensión y abandono de la gravedad. La fuerza inicia el movimiento pero a veces también sirve para detener la acción.
Enfriamiento. Se realiza después de una intensa actividad física; se estiran los músculos largos de cuerpo se recupera el ritmo cardiaco, la respiración, si se estira lo suficiente reduce el riesgo de lesiones y de dolores. Escena: Parte de una obra dramática durante la cual permanecen los mismos personajes.
Escenarios. Lugar destinado a realizar una representación de un espectáculo ante un público.
Escenificar. Es la representación de una danza luego de un diseño consciente de la misma por el coreógrafo, partiendo de las acciones seleccionadas para ejecutarse, la ubicación y movimiento de bailarines en el espacio, niveles, planos, cuadros, orientaciones, áreas, etc. Representar una obra o espectáculo.
Espacio. Herramienta muy grande para los bailarines porque es ahí donde se desarrollan todas las manifestaciones de expresión corporal haciendo uso de él completamente aprovechando cada parte del escenario donde se realizará la presentación, ocupar tanto el centro, todos los puntos de referencia, etc. El no hacer buen uso de esta herramienta puede observarse una coreografía desordenada donde no se aproveche el espacio y solo se observa en un solo punto no produciendo mayor activación del público. El espacio se puede dividir en: dirección, tamaño, nivel y punto de referencia foco y patrón en el suelo.
Espacio escénico. Es el lugar donde se realiza la representación artística (Danza) es el espacio para que los bailarines trabajen, creen la ambientación, se desplacen. Este se puede delimitar física o imaginariamente y por lo general está separado del público. No tiene que ser un lugar específico, sino que se crea en cualquier parte donde un actor actúe para representar.; puede ser el centro de los espectadores, el patio de butacas, o una cuerda que se balancea sobre los espectadores. Su localización depende del concepto básico y general
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del espacio y de la relación que se establezca entre actores y espectadores.
Espacio negativo. El término en danza se refiere a los espacios entre las partes del cuerpo de un bailarín o bailarines en una coreografía individual o grupal. Zona que se crea en el espacio, puede estar vacío o no pero que si tienen importancia en la creación de las figuras corporales pero que deben pasar inadvertidas.
Espacio parcial. Aquel en el que estamos situados y abarca lo que “habita” nuestro cuerpo para afuera, mientras no nos desplazamos del lugar. También llamado centro, se llevan los ejercicios realizados en la barra al centro del salón de clase
Espacio total. Es la parte de una clase de danza donde el estudiante está en condiciones de bailar para ello se realizan frases del material corporal desarrollado en la clase utilizando recorridos.
Espiral. Surge de la región coxo-femoral a partir del movimiento de las ingles y por consecuencia mueve la espalda.
Estiramiento. Ejercicios que ponen en acción los músculos largos del cuerpo en su marera más elemental, tratando de desprender el torso de las caderas.
Expresión corporal. La corriente Expresión Corporal-Danza se debe a Patricia Stokoe y parte de que todo movimiento puede ser danza que el moverse lleva el sello de cada individuo. Esta actividad práctica pretende que el cuerpo piense, se emocione y que transforme la actividad psicoafectiva en movimientos, gestos, cargados de sentido.
Exploración. La acción y efecto de explorar se conoce como exploración. Este verbo refiere a examinar, reconocer, averiguar o registrar con diligencia un lugar o una cosa. Explorar corporalmente y desarrollar la creatividad, la espontaneidad, la vivencia corporal de procesos personales.
Extensión. Cualidad física que posee un cuerpo.
Figura simétrica. Es una figura que si se divide en dos partes al bailarín y quedara como si fuera un espejo. Son aquellas en que los movimientos siguen un equilibrio biomecánico o muscular. Así como coreográficamente a la derecha e igual a la izquierda. Cuando posee un balance o equilibrio tal entre sus partes que la vista reposa establemente sobre el mismo. Un diseño simétrico sugiere seguridad.
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Figura. Variación o postura en una danza.
Figura asimétrica. Figura formada por el bailarín es dividida por el medio y no coinciden sus partes a la hora de unirlas. Son es la que se realiza con desequilibrio muscular. Se puede implementar no solo para el cuerpo sino para la figura coreográfica. Fondo. Parte opuesta al lugar desde el que se baila o a la entrada de un lugar o próxima a su límite.
Forma. Son figuras geométricas adoptadas o realizadas en una coreografía. Ej. Cuadrados, lineas, círculos, etc. En Danza es la expresión física del bailarín, que dice un mensaje en la coreografía
Formaciones. El diseño grupal es una parte fundamental en la producción coreográfica; según se agrupen los bailarines en el espacio escénico se producirá determinado efecto en el espectador. El sentido o efecto que se quiere comunicar está dado en cierta medida por la manera en que se presenten las formaciones y las formas coreográficas. Giros. Los giros realizados con el cuerpo son usados en distintas prácticas de gimnasia, y en especial en la danza, donde ocurre en secuencia de dos o más pasos.
Grácil: Movimiento delicado y armónico.
Identidad. Conjunto de rasgos o características de una persona o cosa que permiten distinguirla de otras en un conjunto.
Ideokinesis. Es el proceso de idear o imaginar movimiento.
Improvisación estructurada. Es una improvisación planificada con ciertas reglas por el coreógrafo y en las que él, decide que harán los bailarines. Es una idea posmoderna similar al concepto de juego pero el coreógrafo usa ciertos criterios para determinar dónde y cómo se mueven los bailarines en el espacio escénico.
Improvisación. Capacidad de realizar algo sin haberlo preparado o sin que el entorno lo espere. Recurso que sirve para descubrir y encontrar ideas de movimientos que se requieren para la elaboración coreográfica.
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Kinesiología, Cinesiología o Quinesiología. Disciplina que estudia la actividad muscular del cuerpo humano. Habilidad para usar los movimientos del cuerpo como medio de autoexpresión. Involucra la destreza psicomotriz y está incluida en los tipos de inteligencias múltiples, de allí se deriva su estrecha vinculación con la danza, al poseer este tipo de inteligencia su campo de acción puede ser bailarín entre otras profesiones.
Lateralidad. Utilizar sistemáticamente las dos partes del cuerpo, para realizar movimientos a la derecha como a la izquierda.
Líneas como desplazamientos o recorridos. Líneas Diagonales, horizontales y verticales que se macan en el piso o con el cuerpo en el espacio. Las líneas más dinámicas son las diagonales, en especial las que se acercan al proscenio, por recorrer todo el espacio, posteriormente en fuerza le siguen las que van del foro al frente y las menos dinámicas son las horizontales.
Marcar. Repaso de movimientos sin llevarlos a su ejecución física máxima. Se realizan simplificados, para rememorar o memorizar un ejercicio o danza. Movimiento axial. Son los movimientos realizados por las siguientes partes del cuerpo como: cráneo, vertebras, costillas y médula; que forman el cuerpo axial. Y se utiliza en la danza en trayectoria y patrones.
Movimiento de ondulación. Movimiento que se realiza con el torso. Inicia pelvis, cintura, pecho, cabeza e incorpora los brazos.
Movimiento locomotor. Este movimiento implica el desplazamiento por el espacio físico que rodea al bailarín en una coreografía, refiriéndose a toda progresión de un punto a otro que utiliza como medio único el movimiento corporal, ya sea total o parcial.
Movimiento de oposición. Movimiento en direcciones opuestas en el espacio, se puede desarrollar en unísono o en acciones secuenciales. Así como movimiento corporal en direcciones opuestas.
Movimiento secuencial. Consiste en que los bailarines comiencen un movimiento en distintas cuentas.
Movimiento sostenido. El bailarín se mueve con armonía, sin interrupción y sin acentos.
Movimiento. Cambio de lugar o de posición de un cuerpo en el espacio. Se
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utiliza para desplazar el cuerpo expresivamente en el espacio el cual puede ser en forma horizontal, vertical, diagonal, adelante y atrás, o manejando figuras geográficas: círculos, cuadros, semi círculos, así mismo pueden ser en diferentes planos, alto, medio y bajo.
Movimientos armónicos. El movimiento entramado con conciencia kinésica, equilibrado y fluido. La manifestación corporal de un cuerpo sensible, flexible y expresivo. Movimientos básicos. Son movimientos que sirven de base para realizar actividades físicas técnicas más complejas.
Movimientos coordinados. Realización de movimientos ordenados dirigidos al logro de ejercicios técnicos de mayor complejidad.
Movimiento suave. Se dice de la intensidad de un movimiento que está cargado de menos energía.
Movimiento rápido. Es cuando un cuerpo cambia de posición o se desplaza cambiando de lugar con mayor velocidad.
Nivel Alto o Superior. Son los que se ejecutan con el eje horizontal y las extremidades superiores (brazos, manos, cabeza, hombros y torso.) las piernas elevadas y dirigidas a cualquier dirección.
Nivel Inferior o Bajo. Son los que se ejecutan involucrando todas las partes del cuerpo sin rebasar el nivel medio, que es de la cadera hacia arriba. Acciones como, reptar, rodar, posición en cuatro puntos, etc.
Nivel Medio. Son los que se ejecutan con el eje horizontal con las extremidades superiores e inferiores, al igual que el eje vertical, lado derecho e izquierdo. Intervienen todas las partes del cuerpo sin abarcar de manera dominante ninguno de los niveles superior o inferior.
Nivel. El nivel de los movimientos que se ejecutan en una danza puede ser bajo, alto o mediano, arriba, abajo o entremedio. Aspecto espacial que permite ejecutar en los niveles de espacio del suelo hacia arriba, ara crear variaciones de un mismo movimiento. Por ejemplo, el vuelo de un ave desde su inicio en el suelo hasta el nivel más alto de vuelo. Pero esto puede con niños ejercitarse con diferentes movimientos.
Niveles de movimiento. Movimientos simultáneamente realizados en un
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plano alto, medio y bajo, perpendicular al piso.
Otras danzas. Danzas elaboradas, danzas de patrimonio cultural, salsa, cumbia, merengue, tango, etc.
Paso. Movimiento que ejecuta el bailarín con los pies, en el suelo con o sin recorrido.
Patrón. Son los desplazamientos, saltos, giros, manipulaciones y al equilibrio que realiza un bailarín al momento de ejecutar una danza dada por su coreógrafo o maestro de danza y estos a su vez se dividen en patrones básicos de movimiento en: locomociones (desplazamientos y saltos); estabilizaciones (giros y equilibrios); y manipulaciones (lanzamientos, recepciones, golpeos con pies y con manos). Existen también otros patrones de movimiento que también pudieran ser usados en la danza como parte de la expresión corporal: reptar, cuadrupedia, marcha, carrera, trepar, saltar, lanzar, girar, suspensiones, atrapar y transportar.
Piso. Parte de la clase de danza contemporánea en el cual se realizan ejercicios sentados en el piso sobre los glúteos, sobre rodillas o acostados boca abajo o boca arriba.
Plano Horizontal. Se consideran todas las posiciones y acciones donde el cuerpo se mantiene recto como una mesa.
Plano Sagital. Se considera la posición de extensión como una rueda que comienza a arquear la espalda hacia atrás.
Plano Vertical. Se consideran todas las posiciones y acciones donde el cuerpo se mantiene recto, como un poste.
Postura corporal. Posición del bailarín donde ubica las partes del cuerpo manteniendo el eje vertical y realizando contracción del abdomen y los glúteos.
Proceso creativo. Es de naturaleza circular, que puede interrumpirse con intensión de variar el movimiento para que con inspiración y creatividad descubrir y crear nuevos movimientos; este proceso puede abandonarse momentáneamente para su análisis y retornar luego a continuar con su creación que ha preparado el coreógrafo y crear impacto en el público que asiste a apreciar este arte.
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Rebote. El uso de la gravedad, caída del peso corporal y la recuperación a su posición inicial.
Release o relajación. La relajación o “release” en la técnica Graham es la otra cara de la contracción. Sucede cuando se suelta la contracción. Este movimiento de relajación se realiza en la inhalación.
Retroflexión. Realización de movimiento de los miembros del cuerpo hacia atrás.
Ritmo. Forma de sucederse y alternar una serie de sonidos que se repiten periódicamente en un determinado intervalo de tiempo, especialmente la manera en que se suceden y alternan en una obra artística los sonidos diferentes en intensidad (fuertes y débiles) o duración (largos y breves). Los pasos de danza tienen un ritmo interno propio que interactúa con el ritmo de la música siendo para los/as bailarines/as una constante que proporciona la principal fuerza de movimiento. El ritmo tiene dos componentes que son el pulso y el acento. Saber usar el elemento tiempo también implica trabajar con cambios del acento y el ritmo. Se puede crear acentos haciendo que un movimiento sea más fuerte o duradero para hacer énfasis en una secuencia. Los ritmos o patrones rítmicos se generan cuando un bailarín se mueve con un tiempo variable en una secuencia o dentro de un número específico de compases Sumar silencios donde mantener una figura o ademán corporal también contribuye al patrón rítmico.
Rotación del torso. Cuando realiza movimiento circular del torso independizándolo de la pelvis. El recorrido es al lado, al centro, al lado, detrás y regresa al punto de partida.
Sagital. Es un plano del cuerpo y espacio que se considera la posición de extensión como una rueda que comienza a arquear la espalda hacia atrás.
Secuencia de movimiento. Es una serie de sucesiones ordenadas de desplazamientos rítmicos. Estas sucesiones tienen un ritmo propio, un tiempo que puede ser el mismo de la secuencia anterior o que puede variar. Las secuencias de movimientos en la danza están marcadas por la música y por el movimiento del cuerpo. Es definitivamente un tipo de orden que se aplica a un conjunto de movimientos aun determinado conjunto de elementos que se ordenan en una determinada sucesión.
Solo. Coreografía de danza que se ejecuta sin pareja. Squat o Spagat. Es la apertura de piernas y están extendidas en dirección
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opuesta.
Suspensión. Los bailarines flotan en el espacio, creando la ilusión que desafían la gravedad.
Nivel técnico del grupo. La naturaleza y el tamaño de un grupo afectan mucho la dinámica de una danza. El nivel de técnica que tenga un grupo determina el grado de dificultad de la danza dado que el nivel técnico sea más amplio así será el grado de dificultad que deben poseer los movimientos coreográficos. Técnica: Destreza y habilidad de una persona en un arte, deporte o actividad que requiere usar estos procedimientos o recursos, que se desarrollan por el aprendizaje y la experiencia.
Tira dramática. Una línea del tiempo muy general de como se ve una historia, obra, texto o coreografía. Es como poner la historia en una sola hoja. El inicio el climax y el final puesto en un solo papel. Se puede hacer a través de un dibujo o una línea, puede ser de una forma muy abstracta o muy elaborada.
Torso. Se refiere a la parte superior del cuerpo. Trayectoria, Patrones de movimiento, cambiando de dirección. Se entiende como tales a las líneas descritas por cualquier parte del cuerpo en el escenario, así como a las trayectorias que forman los cuerpos en movimiento uno respecto a otro.
Ubicación. Con respecto al escenario, existen nueve ubicaciones básicas, unas más fuertes que otras. Primero se dividen horizontalmente: la parte de hasta adelante se le llama ‘abajo’, a la parte de en medio se le llama ‘centro’ y a la parte de atrás se le llama ‘arriba’; después, horizontalmente se nombran las secciones según como lo ve el público, con lo que se localizan los cuadrantes con coordenadas o números.
Unidad. Movimiento unísono de un cuerpo o un grupo.
Variación. Secuencia de movimientos para una clase o coreografía.
Velocidad. Es la manipulación del tempo (velocidad) de los movimientos. Resulta más sencilla si el bailarín se mueve con un sonido de fondo, llamado
ritmo o compás. Una vez establecido el compás, se puede cambiar la
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velocidad moviéndose más rápido o lento que ese compás.
Zapatillas. Calzado que utilizan los bailarines. La cuarta pared. Es la pared imaginaria que existe entre el actor y el espectador.
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