55 MUESTRA INTERNACIONAL DE CINE by Conarte Nuevo León

CONSEJO PARA LA CULTURA Y LAS ARTES DE NUEVO LEÓN PRESIDENTE mtro. KATZIR MEZA MEDINA | secretario técnico Xavier lópez de arriaga | DIRECTOR DEL CENTRO DE LAS ARTES LIC. REYNOLD GUERRA ESTRADA | COORDINADOR DE PROGRAMACIÓN Y ACERVO DE LA CINETECA NUEVO LEÓN ALEJANDRO GÓMEZ TREVIÑO CONSEJO NACIONAL PARA LA CULTURA Y LAS ARTES PRESIDENTE RAFAEL TOVAR Y DE TERESA | SECRETARIO CULTURAL Y ARTÍSTICO SAÚL JUÁREZ VEGA | SECRETARIO EJECUTIVO FRANCISCO CORNEJO RODRÍGUEZ CINETECA NACIONAL DIRECTORA GENERAL PAULA ASTORGA RIESTRA | DIRECTORA DE ACERVOS DORA MORENO BRIZUELA | DIRECTOR DE DIFUSIÓN Y PROGRAMACIÓN ABEL MUÑOZ HÉNONIN | SUBDIRECTOR DE ACERVOS CARLOS EDGAR TORRES PÉREZ | SUBDIRECTOR DE PROGRAMACIÓN NELSON CARRO | SUBDIRECTOR DE PUBLICACIONES JOSÉ LUIS ORTEGA TORRES SUBDIRECTORA DE INVESTIGACIÓN CATHERINE BLOCH GERSCHEL | SUBDIRECTOR DE DOCUMENTACIÓN RAÚL MIRANDA LÓPEZ | JEFE DE PROGRAMACIÓN Y ENLACE INTERNACIONAL ALEJANDRO GRANDE BONILLA | JEFE DE RELACIONES PÚBLICAS DAVID DOMÍNGUEZ TSENNER PROGRAMA DE MANO 55 muestra internacional de cine EDICIÓN GUSTAVO E. RAMÍREZ | INFORMACIÓN JOSÉ ANTONIO VALDÉS PEÑA | DISEÑO DE CARTEL 55 mUESTRA INTERNACIONAL DE CINE SOCIEDAD ANÓNIMA | COLABORADORES SOFÍA LAMADRID ISOARD, DANIELA LÓPEZ AMÉZQUITA, ISRAEL RUIZ ARREOLA | INVESTIGACIÓN ICONOGRÁFICA PATRICIA TALANCÓN SOLORIO

ÍNDICE de la 55 muestra internacional de cine 04 Distinto amanecer 06 LA VIDA DE ADELE 08 Joven y bella 10 gloria 12 de tal padre, tal hijo 14 la postura del hijo 16 ÉRASE UNA VEZ YO, VERÓNICA 18 LA CASA DE LA RADIO 20 SÓLO DIOS PERDONA 22 AMOR ÍNDIGO 24 PIEDAD 26 PARAÍSO ESPERANZA 28 LIV & INGMAR 30 LOS INSÓLITOS PECES GATO 32 EL REY DEL EROTISMO 34 Berberian sound studio: la inquisición del sonido 36 las horas muertas 38 perros perdidos 40 ¡somos lo mejor! 42 club sándwich 44 los perversos 46 jazmín azul PELÍCULAS A LA PAR DE LA MUESTRA 48 QUEBRANTO 49 SONIDOS VECINOS 50 LAS LÁGRIMAS 51 HANNAH ARENDT 52 ND MANTARRAYA: 15 ANIVERSARIO 53 CINE tonalá presenta: los chidos 54 AMBULANTE PRESENTA: - AI WEI WEI: NUNCA SE ARREPIENTE - REPORTERO

miércoles 08 y jueves 09 de enero 16:00, 18:30 y 21:00 h | sala 1

Distinto amanecer México, 1943, 108 min. Dirección: Julio Bracho. Guión: Xavier Villaurrutia y Julio Bracho, inspirado en la pieza teatral La vida conyugal de Max Aub. Fotografía en Blanco y Negro: Gabriel Figueroa. Música: Raúl Lavista. Edición: Gloria Schoemann. Con: Andrea Palma (Julieta), Pedro Armendáriz (Octavio), Alberto Galán (Ignacio Elizalde), Narciso Busquets (Juanito), Octavio Martínez (Jorge Ruiz), Enrique Uthoff (gobernador Vidal), Paco Fuentes (Memo). Compañía Productora: Films Mundiales. Producción: Emilio Gómez Muriel. Procedencia de Copia: Fundación Televisa.

Un líder sindical que posee documentos que comprometen a un corrupto gobernador, pone en riesgo su vida huyendo por la ciudad de México. En su odisea se reencuentra con un antiguo amor, quien, si de verdad le ama, tendrá que decidir entre el camino que le marca su pasión y el que le indica seguir el deber. Un clásico de la época de oro del cine mexicano que fusiona varios géneros cinematográficos del cine mundial (el film noir, el thriller político) y mexicano (melodrama familiar, romántico y cabareteril), enmarcado por las sombrías atmósferas urbanas capturadas por la lente de Gabriel Figueroa. Se exhibe en 35mm. en el marco de su 70 aniversario.

55 muestra internacional de cine DE LA CINETECA NACIONAL

Julio Bracho | Durango, México, 1919 – Ciudad de México, 1978

Filmografía selecta 1941 ¡Ay, qué tiempos,

Cineasta, productor, argumentista, actor y director teatral perteneciente a una familia con fuertes dotes artísticas, Julio Bracho arribó a la ciudad de México a causa del estallido de la Revolución Mexicana. En el teatro universitario encontró una veta para explotar su creatividad, entablando amistad con figuras como Xavier Villaurrutia. Se incorporó a la naciente industria fílmica como guionista, debutando como director en 1941. En su filmografía destaca un cuidado sentido de la puesta en escena, herencia de su formación teatral, y el interés por temáticas cosmopolitas, lejanas al cine rural de la época, que involucraban temas históricos entrecruzados con los resortes del melodrama urbano, las adaptaciones literarias, el musical o el film noir. La prohibición de su película La sombra del caudillo durante treinta años afectó gravemente el desarrollo de la última etapa de su carrera.

señor don Simón! 1942 Historia de un gran amor. La virgen que forjó una patria 1943 Distinto amanecer 1944 Crepúsculo 1946 La mujer de todos 1948 Rosenda 1954 Señora ama 1956 Canasta de cuentos mexicanos 1960 La sombra del caudillo

VIERNES 10, SÁBADO 11 Y DOMINGO 12 DE ENERO 16:00 Y 19:30 H | sala 1

La vida de Adele La vie d’Adèle, Francia-Bélgica-España, 2013, 179 min. DIRECCIÓN: Abdellatif Kechiche. GUIÓN: Abdellatif Kechiche y Ghalya Lacroix, basado en el cómic Le bleu est une couleur chaude de Julie Maroh. FOTOGRAFÍA EN COLOR: Sofian El Fani. EDICIÓN: Albertine Lastera, Camille Toubkis, Jean-Marie Lengellé y Ghalya Lacroix. Con: Léa Seydoux (Emma), Adèle Exarchopoulos (Adèle), Salim Kechiouche (Samir), Mona Walravens (Lise), Jérémie Laheurte (Thomas). COMPAÑÍAS PRODUCTORAS: Alcatraz Films, Quat’sous Films, Wild Bunch. Producción: Olivier Thery Lapiney, Laurence Clerc. Distribuidora: ND Mantarraya. Premios 2013 Palma de Oro y premio FIPRESCI. Festival de cine de cannes, francia.

Adele tiene 15 años y sabe que las chicas salen con los chicos. Su vida cambia para siempre cuando conoce a Emma, una joven mujer de cabello azul que le permitirá descubrir el deseo y afirmarse como mujer adulta. En frente de los otros, Adele crece, se busca, se pierde y se encuentra... Esta película es una adaptación sin mucha rigidez de la novela gráfica. Fue la combinación de la lectura del cómic y de una historia que tuve en mente por mucho tiempo. Desde L'esquive había tenido un proyecto para un guión acerca de la carrera de una maestra francesa apasionada del teatro. Estaba interesado en desarrollar un personaje femenino que fuera apasionada sobre su vida profesional y quisiera heredar su entusiasmo. Al mismo tiempo esta maestra debía enfrentar las repercusiones de su vida privada en el trabajo, pero al final mi guión nunca rindió frutos. Así que cuando me acerqué a la novela de Julie Maroh –la historia sobre un amor absoluto entre dos mujeres y al mismo tiempo de una joven convirtiéndose en maestra– pensé en que podía ligar estos dos proyectos. Abdellatif Kechiche

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Abdellatif Kechiche | Ciudad de Túnez, Túnez, 1960

Filmografía 2000 La Faute à Voltaire

Abdellatif Kechiche nació en Túnez en 1960. Su familia emigró a Francia en 1966. Empezó su carrera como actor en teatro y cine, participando en cintas dirigidas por Abdelkrim Bahloul, Nouri Bouzid, André Téchiné y Jeff Stanzler. Comenzó a dirigir con La culpa la tiene Voltaire en el 2000, premiada en el festival de Venecia, donde también fue galardonado por La graine et le mulet. Otras películas suyas son L’esquive, que logró los César a mejor película y mejor director, y Venus negra. Con La vida de Adele consiguió la Palma de Oro y el Premio FIPRESCI en el pasado festival de Cannes.

(La culpa la tiene Voltaire) 2003 L’ Esquive 2005 La graine et le mulet 2010 Vénus noire (Venus Negra) 2013 La vie d’Adèle (la vida de adele)

MARTES 14 Y MIÉRCOLES 15 DE ENERO 16:00, 18:30 Y 21:00 H | sala 1

Joven y bella Jeune & Jolie, Francia, 2013, 95 min. DIRECCIÓN Y GUIÓN: François Ozon. FOTOGRAFÍA EN COLOR: Pascal Marti. MÚSICA: Phillippe Rombi, Françoise Hardy. EDICIÓN: Laure Gardette. Con: Marine Vacth (Isabelle), Géraldine Pailhas (Sylvie), Frédéric Pierrot (Patrick), Fantin Ravat (Victor), Johan Leysen (Georges). COMPAÑÍAS PRODUCTORAS: Mandarin Cinéma, Mars Films, France 2 Cinéma, FOZ. Producción: Eric Altmayer, Nicolas Altmayer. Distribuidora: Cinemas Nueva Era. Premios 2013 Premio TVE Otra Mirada. Festival Internacional de Cine de San Sebastián, España.

Isabelle es una joven francesa de 17 años que comienza a explorar su sexualidad. Su odisea de autodescubrimiento ocurre a lo largo de cuatro episodios, cada uno de ellos dividido por una canción de Françoise Hardy. Después de ese acercamiento a la perversidad del thriller hitchcockiano que significó En la casa (2012), el cineasta François Ozon adopta una notable, sensible sobriedad para narrar el tránsito de la inocencia a la madurez sexual de su protagonista con una mirada tan sutil como emotiva. La película trata sobre lo que se siente tener 17 y experimentar la transformación de nuestro cuerpo. La adolescencia a menudo es idealizada en el cine. Para mi fue un doloroso periodo de transición complicado y no soy nostálgico sobre eso. No quería representar la adolescencia meramente como un tiempo emocional, sino además y por encima de todo, como uno hormonal. Nuestros cuerpos atraviesan intensos cambios psicológicos, y aún sentimos un tipo de indiferencia. Así que asaltamos nuestros cuerpos con el fin de sentir, probamos nuestros límites físicamente. El tema de la prostitución provee una manera de resaltar esto, de ilustrar las preguntas de identidad y sexualidad aumentadas por la adolescencia. François Ozon

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François Ozon | París, Francia, 1967

Filmografía 1998 Sitcom

Cursó sus estudios de cine en la FEMIS de París y tras la realización de cortometrajes como Mirando al mar (1996) y Un vestido de verano (1997), presentó su primer largometraje, Comedia de familia. Es creador de un universo fílmico que pone de manifiesto los vicios privados de la sociedad francesa más refinada a través de una mirada sutil y perversa, donde también brinda gran importancia a las múltiples posibilidades de la sexualidad humana. Su obra es un referente obligado en el panorama fílmico europeo actual, mientras que sus cintas han participado en los festivales cinematográficos más importantes del mundo, ganando reconocimientos como el Osito Teddy del festival de Berlín o la Concha de Oro del Festival Internacional de Cine de Donostia-San Sebastián.

(Comedia de familia) 2000 Gouttes d’eau sur pierres brûlantes (Gotas de agua sobre piedras ardientes) 2001 Sous le sable (Bajo la arena) 2002 8 femmes (8 mujeres) 2003 Swimming pool (Juegos perversos) 2004 5x2 2005 Le temps qui reste (Tiempo de vivir) 2010 Potiche (Mujeres al poder) 2012 Dans la maison (En la casa) 2013 Jeune & jolie (Joven y bonita)

JUEVES 16 Y VIERNES 17 DE ENERO 16:00, 18:30 Y 21:00 H |sala 1

Gloria Chile-España, 2012, 110 min. DIRECCIÓN: Sebastián Lelio. GUIÓN: Sebastián Lelio y Gonzalo Maza. FOTOGRAFÍA EN COLOR: Benjamín Echazarreta. EDICIÓN: Soledad Salfate y Sebastián Lelio. Con: Paulina García (Gloria), Sergio Hernández (Rodolfo), Diego Fontecilla (Pedro), Fabiola Zamora (Ana), Coca Guazzini (Luz), Hugo Moraga (Hugo), Alejandro Goic (Gabriel), Liliana García (Flavia), Antonia Santa María (María), Luz Jiménez (Nana), Marcial Tagle (Marcial). COMPAÑÍA PRODUCTORA: Fabula. Producción: Juan de Dios Larraín, Pablo Larraín, Sebastián Lelio, Gonzalo Maza. Distribuidora: Canana. Premios 2012 Premio Cine en Construcción de la Industria. Festival Internacional de Cine Donostia–San Sebastián. España. 2013 Oso de Plata a la mejor actriz. Festival Internacional de Cine de Berlín. Alemania.

Gloria tiene 58 años de edad pero aún se siente como una mujer joven. Para llenar el vacío de su vida diaria, por las noches busca el amor en fiestas para solteros que sólo la conducen a extraviarse en aventuras sin demasiado sentido. Este frágil equilibrio cambia cuando conoce a Rodolfo, un hombre de 65 años, recién separado. Inician una relación intensa a la que ella se entrega con todo, sin importar el destino cruel que pueda ponerse en frente. Gloria deberá reordenarse y encontrar una nueva fuerza interna para darse cuenta de que la vida es circular, y tiene muchos comienzos. A mí me emocionaba mucho hacer una película sobre esta mujer de 58 años que está en este umbral de la vida y que, a pesar de los golpes, se reinventa, sigue adelante y no pierde el optimismo. Había algo en eso que simplemente me emocionaba antes de filmar. También eso de retratar esos mundos que nos competen, que uno conoce, que tiene cerca. Además, la oportunidad de hablar sobre Santiago a través de esta mujer es muy interesante […] hubo una preocupación especial para hacer hablar a la ciudad a través de este personaje. Sebastián Lelio

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Sebastián Lelio | Ciudad de Mendoza, Argentina, 1974

Filmografía 1995 4, cortometraje

De padre argentino y madre chilena, Sebastián Lelio llegó de Mendoza, Argentina, a Viña del Mar, en Chile, a los dos años de edad. Tras estudiar un año Periodismo en la Universidad Andrés Bello, egresó de la Escuela de Cine de Chile. Ha dirigido diversos cortometrajes, videos musicales y películas de ficción. Su primer largometraje, La sagrada familia, se presentó en el Festival de Cine de San Sebastián en 2005. Estuvo en La Residencia de Cannes en 2007 y fue distinguido con la Beca Guggenheim en 2011. En sus trabajos de ficción siempre ha privilegiado la tecnología digital. Actualmente reside en Berlín, donde se quedó después de haber presentado Gloria en el festival internacional de aquella ciudad en 2013.

1996 Cuatro, cortometraje 2000 Smog, cortometraje 2002 Fragmentos urbanos, cortometraje 2003 Carga vital, cortometraje 2005 La sagrada familia 2009 Navidad 2011 El año del tigre 2012 Gloria

sábado 18 y domingo 19 de enero 16:00, 18:30 Y 21:00 H | sala 1

De tal padre, tal hijo Soshite Chichi ni Naru, Japón, 2013, 120 min. Dirección, Guión y EDICIÓN: Hirokazu Kore-eda. FOTOGRAFÍA EN COLOR: Mikiya Takimoto. MÚSICA: Shin Yasui. Con: Masaharu Fukuyama, Yōko Maki, Jun Kunimura, Machiko Ono, Kirin Kiki, Isao Natsuyagi, Lily Franky. COMPAÑÍAS PRODUCTORAS: Amuse, Fuji Television Network, GAGA. Producción: Kaoru Matsuzaki, Hijiri Taguchi. Distribuidora: ND Mantarraya. Premios 2013 gran premio del jurado y mención especial del jurado ecuménico. festival de cine cannes, francia. | premio waki de la audiencia televisiva. festival internacional de cine de donostia-san sebastián, españa.

Ryoata, un arquitecto obsesionado por el éxito profesional y el dinero, forma con su joven esposa y su hijo de seis años una familia ideal. Todas las certezas de su vida perfecta se esfuman cuando del hospital donde nació su hijo le informan que dos bebés fueron cambiados al momento de nacer: el niño que crió no es el suyo, y su hijo biológico ha crecido en un ambiente más modesto. Ahora Ryoata debe tomar una decisión irrevocable. ¿En qué momento un padre realmente se convierte en un padre? Para mí mismo esta es una pregunta para la que no tengo una respuesta convincente. Cuando mi hija nació, hace cinco años, mi esposa pareció transformarse instantáneamente en madre. Sin embargo, mirar a mi mujer amamantando al bebé con mi sentimiento de ser padre escondido todavía, me hizo sentir feliz, pero también un poco distante. Cinco años más tarde, a menudo me encuentro amigos que dicen que mi hija se parece mucho a mí. Al comparar los rasgos faciales como los ojos y la boca, siento que mi ADN ha dejado una huella en ella. ¿Es entonces la perpetuación de la sangre compartida lo que hace a un hombre ser padre? ¿O es el tiempo que padre e hijo pasan juntos? ¿Es la sangre o es el tiempo? Hirokazu Kore-eda

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Hirokazu Kore-eda | Tokio, Japón, 1962

Filmografía (t. i. Título internacional)

Tras graduarse en la Universidad Waseda en 1987, Kore-eda se incorporó a la TV Man Union, donde dirigió algunos documentales. Realiza su primer filme para cine en 1995, Maboroshi no Hikari, basándose en la novela homónima de Miyamoto Teru, y con la cual obtuvo la Osella de Oro del festival de Venecia. Después de la vida, su segundo largometraje de ficción se exhibió en más de una docena de festivales internacionales, logrando premios en Buenos Aires, Nantes, Turín y San Sebastián, entre otros más; y es en este último donde nuevamente triunfa en el 2011, en esta ocasión por Kiseki. Competidor en dos ocasiones por la Palma de Oro del festival de Cannes –con Distance y Nadie sabe –, es en su tercera participación con De tal padre, tal hijo que se alza con el Gran Premio del Jurado, segundo en importancia en este prestigioso festival.

1991 Shikashi (T.i. However…) Documental para TV 1995 Maboroshi no Hikari (T.i. Maborosi) 1998 Wandâfuru raifu (Después de la vida) 2001 Distance 2004 Dare mo shiranai (Nadie sabe) 2006 Hana yori mo Naho (T.i. Hana–The Tale of a Reluctant Samurai) 2008 Aruitemo aruitemo (T.i. Still Walking) 2009 K ū ki Ningy ō ( T.i. Air Doll ) 2011 Kiseki ( T.i. I Wish ) 2013 Soshite Chichi ni Naru ( De tal padre, tal hijo )

martes 21 y miércoles 22 de enero 16:00, 18:30 Y 21:00 H | sala 1

La postura del hijo Pozi Ț i a copilului, Rumanía, 2013, 112 min. DIRECCIÓN: Calin Peter Netzer. GUIÓN: Razvan Radulescu y Calin Peter Netzer. FOTOGRAFÍA EN COLOR: Andrei Butica. EDICIÓN: Dana Lucretia Bunescu. Con: Bogdan Dumitrache (Barbu), Luminita Gheorghiu (Cornelia), Florin Zamfirescu (Aurelian Făgărăşanu), Natasa Raab (Olga Cerchez), Ilinca Goia (Carmen). COMPAÑÍA PRODUCTORA: Parada Film. Producción: Calin Peter Netzer y Ada Solomon. Distribuidora: Cinemas Nueva Era.

Premios 2013 Oso de Oro y Premio FIPRESCI de la Crítica Internacional. Festival internacional de Cine de Berlín, Alemania.

Cuando una mujer se da cuenta de que su hijo provocó la muerte de un niño en un accidente de tránsito, será capaz de lo que sea con tal de evitarle la pena de ir a prisión. Apoyado principalmente en la interpretación de la actriz Luminita Gheorghiu como la amorosa y sofocante madre protagonista, el cineasta Calin Peter Netzer aprovecha al máximo el realismo casi documental del actual cine rumano para mantener al espectador al filo de su butaca en este drama familiar con tintes de thriller. Mi coguionista, Razvan Radulescu, y yo, teníamos en realidad otro proyecto en la cabeza, sobre una familia disfuncional. Pero hablando sobre ello nos dimos cuenta de que ambos tuvimos una madre posesiva y de ahí surgió la idea, de una experiencia personal. Buena parte de la película descansa en la madre, una mujer fuerte y controladora, como puede haber muchas, pero la diferencia es que ella tiene los medios económicos para poner en práctica lo que quiere hacer. Y ahí es donde entra otro tema, la corrupción, como parte de la vida cotidiana. Calin Peter Netzer

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Calin Peter Netzer | Petrosani, Rumania, 1975

Filmografía (t. i. Título internacional)

Su familia emigró a Alemania en 1983. Una década más tarde regresó a su país natal para cursar estudios de cine en Bucarest, graduándose en 1999. Tras la realización de algunos cortometrajes, su opera prima, Perdón, María, un retrato sin concesiones de la violencia contra la mujer en la Rumania de principios del siglo XX, obtuvo el Premio Especial del Jurado en el Festival de Cine de Locarno, Suiza, en 2003, y estuvo presente en la Muestra Internacional de Cine de la Cineteca Nacional. La postura del hijo, su más reciente filme, recibió el Oso de Oro en el Festival Internacional de Cine de Berlín, siendo la primera película en la historia del cine rumano en obtener tal distinción.

2003 María (Perdón, María) 2009 Ehrenmedaille (t.i. Medal of honor) 2013 Pozi Ț i a copilului (LA POSTURA DEL HIJO)

jueves 23 y viernes 24 de enero 16:00, 18:30 Y 21:00 H | sala 1

Érase una vez yo, verónica Era Uma Vez Eu, Verônica, Brasil-Francia, 2012, 91 min. DIRECCIÓN Y GUIÓN: Marcelo Gomes. FOTOGRAFÍA EN COLOR: Mauro Pinheiro Jr. MÚSICA: Tomaz Alves Souza, Karina Buhr. EDICIÓN: Karen Harley. Con: Hermila Guedes (Verônica), W. J. Solha (Zé Maria), João Miguel (Gustavo), Renata Roberta (María), Inaê Veríssimo (Ciça). COMPAÑÍAS PRODUCTORAS: REC Produitores Associados, DEZENOVE som e imagens. Producción: João Vieira Jr., Sara Silveira, Chico Ribeiro. procedencia de copia: cineteca nacional. Premios 2012 Premios a la mejor película, actor de reparto, guión, fotografía. Festival de Cine Brasileño de Brasilia. | Premio Horizontes, mención especial. Festival Internacional de Cine de San Sebastián, España. 2013 Mejor actriz. Premios de la Asociación de Críticos de Arte de SÃo Paulo, Brasil.

En Recife, una de las ciudades más violentas de Brasil, Verónica, una joven de 26 años, acaba de terminar la carrera de medicina. Tras la muerte de su madre cuando aún era una niña, José María, su anciano padre, y ella, viven solos en una casa llena de antiguos discos de vinil. Con una vida llena de incertidumbres afectivas y profesionales, un trabajo demandante y un padre que presiente su próxima muerte, Verónica deberá hacer frente al vendaval y buscarse a sí misma en medio de una ciudad que fluye a su alrededor. Cuando tenía veintitantos años quería hacer una película en la que me pudiera reconocer. Los años pasaron y, apasionado como soy de los personajes femeninos en el cine, me quedé con el sueño de desarrollar uno. Así fue como escribí un cuento sobre Verónica y su vida en Recife. De una situación inicial como ir a la playa a repensar su vida, pasé a desarrollar un relato en el que ella establecía una relación fuerte con el mar. Ya no soy tan joven como hace quince años, y quería saber cuáles son las cosas que cambiaron en las mujeres de 25 o 27 años que hoy en día pasan por esa etapa de maduración. Marcelo Gomes

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Marcelo Gomes | Recife, Brasil, 1963

Filmografía 2005 Cinema, Aspirinas

Su pasión por el cine comenzó con un cineclub que creó en su ciudad natal. Más tarde se formó en dirección cinematográfica en la Universidad de Bristol, Inglaterra, y comenzó a realizar cortometrajes, algunos de ellos premiados. Su primer largometraje Cinema Aspirinas e Urubus se estrenó en la sección Una cierta mirada del Festival de Cannes y recibió más de 50 reconocimientos en festivales de todo el mundo. En 2009 presentó en el Festival Internacional de Cine de Venecia Viajo porque preciso, vuelvo porque te amo, codirigida con Karim Aïnouz.

e Urubus 2009 Viajo Porque Preciso, Volto Porque te Amo (Viajo porque preciso, vuelvo porque te amo) 2012 Era Uma Vez Eu, Verônica (érase una vez yo, verónica)

sábado 25 y domingo 26 de enero 16:00, 18:30 Y 21:00 H | sala 1

La casa de la radio La maison de la radio, Francia-Japón, 2012, 103 min. Dirección, Guión y Edición: Nicolas Philibert. Fotografía en Color: Katell Djian. Compañías Productoras: Les Films d'Ici, arte France Cinéma, Longride. Producción: Virginie Guibbaud, Norio Hatano, Serge Lalou. Procedencia de Copia: Cineteca Nacional.

La casa de la radio es una inmersión en el corazón de una de las estaciones radiofónicas más antiguas y prestigiosas de Europa, Radio France, con sede en París, Francia. Realizado en seis meses, el documental presenta un retrato íntimo y emotivo de un día en la vida del icónico recinto circular que alberga a la radiodifusora. De un amanecer a otro, Nicolas Philibert, nos lleva a través de los pasillos y al interior de las cabinas de locución, donde presentadores, periodistas e invitados interactúan con muy distintos públicos. Era una pregunta muy motivadora para mí como realizador: ¿Cómo hacer una película sobre la radio sin hacer añicos su misterio?, ¿cómo protegerlo? Usualmente, mis películas están inspiradas en encuentros, y una parte de cada encuentro es determinada por el misterio y lo desconocido. Si supiéramos todo acerca de alguien a quien acabamos de conocer, entonces el encuentro no ha ocurrido realmente. La radio es un medio de comunicación sin imágenes, y a la gente que lo ama, como yo, tal vez le guste precisamente por eso, por la falta de imágenes que hace que nos imaginemos lo que ocurre del otro lado de la bocina. El acto de escuchar se vuelve así una especie de encuentro. Nicolas Philibert

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Nicolas Philibert | Nancy, Francia, 1951

Filmografía selecta 1978 La voix de son maitre,

Tras realizar estudios de filosofía, se orientó hacia el cine y trabajó como asistente de dirección en la película Yo, Pierre Riviére, habiendo matado a mi madre, mi hermana y mi hermano (Moi, Pierre Rivière, ayant égorgé ma mère, ma sœur et mon frère…, 1976), de René Allio. En 1978, codirigió con Gérard Mordillat su primer largometraje documental, La voix de son maître. Después de rodar varios documentales de montaña y de aventura deportiva para la televisión, se lanzó a la dirección de los largometrajes El país de los sordos, Un animal, los animales, Las cosas más pequeñas y Ser y tener, su película más premiada y conocida. En 2010 estrenó Nénette, rodada en la Casa de Fieras del Jardín de Plantas, en París, que cuenta la historia de un orangután hembra, en cautiverio desde hace 37 años.

documental 1992 Le pays des sourds (El país de los sordos), documental 1996 Un animal, des animaux (Un animal, los animales), documental 1997 La moindre des choses (Las cosas más pequeñas), documental 2002 Être et avoir (Ser y tener), documental 2007 Retour en Normandie (Regreso a Normandía), documental 2010 Nénette, documental. 2012 La maison de la radio (La casa de la radio), documental

martes 28 y miércoles 29 de enero 16:00, 18:30 Y 21:00 H | sala 1

Sólo Dios perdona Only God Forgives, Francia-estados unidos-suecia-tailandia, 2013, 90 min. DIRECCIÓN Y GUIÓN: Nicolas Winding Refn. FOTOGRAFÍA EN COLOR: Larry Smith. MÚSICA: Cliff Martínez. EDICIÓN: Matthew Newman. Con: Ryan Gosling (Julian), Kristin Scott Thomas (Crystal), Vithaya Pansringarm (Chang), Rhatha Phongam (Maï), Gordon Brown (Gordon) y Tom Burke (Billy). COMPAÑÍAS PRODUCTORAS: Gaumont, Wild Bunch, Space Rocket Nation, Motel Movies Productions, Bold Films. Producción: Lene Børglum, Sidonie Dumas y Vincent Maraval. Distribuidora: Canana. Premios 2013. Premio de la Sección en Competencia. Festival de Cine de Sídney, Australia. | PREMIO A MEJOR FOTOGRAFÍA. FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE DE CATALUÑA-SITGES, ESPAÑA.

Julian, fugitivo de la justicia estadounidense, dirige un club de boxeo en Bangkok que funciona como fachada para cubrir su negocio de narcotráfico. Su madre, líder de una extensa red de crimen organizado, llega de Estados Unidos para repatriar el cuerpo de su hijo favorito, Billy, quien fue asesinado tras haber masacrado salvajemente a una joven prostituta. Alterada por la ira y la sed de venganza, exige las cabezas de los asesinos. Pero antes de cumplir con ello, Julian deberá enfrentarse a Chang, un misterioso policía jubilado que ha decidido azotar el corrupto mundo de los prostíbulos y clubes de peleas. El arte es un acto de violencia; le habla a nuestro inconsciente. No le doy muchas vueltas a la cabeza. Mi forma de trabajar es un poco la de un pornógrafo: me interesa aquello que me excita. Nuestro nacimiento nos empuja a la violencia. Luego la oprimimos un poco con el paso de los años, pero necesitamos expresarla de algún modo y el arte es una manera de hacerlo. Nicolas Winding Refn

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Nicolas Winding Refn | Copenhague, Dinamarca, 1970.

Filmografía selecta 1996 Pusher

Inició sus estudios en la Academia Americana de Arte Dramático de Nueva York, y al no ser capaz de adaptarse al ambiente, fue expulsado rápidamente. Volvió a Dinamarca y fue aceptado en la Escuela Danesa de Cine, pero se dio de baja un mes antes del inicio del semestre. Después de haber visto un cortometraje de Refn en un oscuro canal de cable, un productor danés le ofreció apoyo económico para convertirlo en un largometraje. Así, a la edad de 24 años, Refn escribió y dirigió su notable, hiperviolenta e intransigente opera prima, Pusher. Por su película, Drive, el escape, obtuvo el premio a la mejor dirección en el festival de Cannes del 2011.

1999 Bleeder 2003 Fear X 2004 Pusher II 2005 Pusher 3 2009 Bronson (Bronson, el prisionero más peligroso). Valhalla rising 2011 Drive (Drive, el escape) 2013 Only God forgives (sólo dios perdona)

jueves 30 y viernes 31 de enero 16:00, 18:30 Y 21:00 H |sala 1

Amor índigo

L'écume des jours, Francia, 2013, 125 min. DIRECCIÓN: Michel Gondry. GUIÓN: Michel Gondry y Luc Bossi, basados en la novela La espuma de los días de Boris Vian. Fotografía en Color y Blanco y Negro: Christophe Beaucarne. MÚSICA: Étienne Charry. EDICIÓN: MarieCharlotte Moreau. Con: Romain Duris (Colin), Audrey Tautou (Chloé), Gad Elmaleh (Chick), Omar Sy (Nicolas), Aïssa Maïga (Alise) y Charlotte Lebon (Isis). COMPAÑÍAS PRODUCTORAS: Brio Films, Studiocanal, France 2 Cinéma, Scope Pictures, Belgacom, Radio Télévision Belge Francophone y Herodiade. Producción: Luc Bossi, Genevieve Lemal y Xavier Castano. Distribuidora: Caníbal.

La nueva película de Michel Gondry narra la romántica y mágica historia de Chloé, una mujer que sufre de una enfermedad poco común, causada por un lirio que crece en sus pulmones. Su enamorado, un ingenioso inventor llamado Colin hará hasta lo imposible por encontrar la cura. Leí L’ecume des jours por primera vez en mi adolescencia. Primero la leyó mi hermano mayor, y nos sugirió hacer lo mismo. Es difícil saber qué recuerdo de esa primera lectura, ya que no es fácil distinguir la memoria real de la reconstruida. Pero recuerdo una imagen: el carnicero en la pista de patinaje y la sensación de que el libro pertenecía a una tradición de novelas románticas en las que se pierde a un ser querido; y recuerdo una idea cinematográfica que tenía mucho antes de convertirme en realizador: el color que da paso gradualmente al blanco y negro. Michel Gondry

55 muestra internacional de cine DE LA CINETECA NACIONAL

Michel Gondry | Versalles, Francia, 1963

Filmografía selecta 2001 Human nature

Inició su carrera cinematográfica dirigiendo los videos musicales de la banda de la que formaba parte cuando era estudiante. Al verlos, la excéntrica cantante islandesa Björk le pidió que realizara algunos de sus videoclips. Después de esta colaboración Gondry se situó en la mira de la escena artística mundial, y trabajó con artistas como The Rolling Stones, The Chemical Brothers y Daft Punk. En el 2001 Gondry realizó su primer largometraje, Human Nature, y en el 2004 su multigalardonada cinta Eterno resplandor de una mente sin recuerdos, por la cual recibió entre otros premios, el Óscar al mejor guión original.

2004 Eternal sunshine of the spotless mind (Eterno resplandor de una mente sin recuerdos) 2006 La science des rêves (La ciencia del sueño) 2008 Be kind rewind (Originalmente pirata) 2011 The Green Hornet (El Avispón Verde) 2013 L’écume des jours (Amor índigo)

sábado 01 y domingo 02 de febrero 16:00, 18:30 Y 21:00 H | sala 1

Piedad Pieta, Corea del Sur, 2012, 104 min. Dirección, Guión y EDICIÓN: Kim Ki-duk. FOTOGRAFÍA EN COLOR: Jo Yeong-Jik. MÚSICA: Park In-young. Con: Cho Min-soo (Mi-sun), Lee Jung-jin (Kang-do), Kang Eun-jin (Myeong-ja), Woo Gi-hong (Hun-cheol), Cho Jaeryong (Tae-seung). COMPAÑÍAS PRODUCTORAS: Kim Good Film, Finecut. Producción: Kim SoonMo. Distribuidora: ZatMeni Distribución. Premios 2012 León de Oro. Muestra Internacional del Arte Cinematográfico. Venecia, Italia. | Mejor película extranjera. premios satélite. academia de prensa internacional de estados unidos | Premio a Mejor Película, Director, Actriz y premio FIPRESCI de la Crítica Internacional. Asociación Coreana de Crítica Cinematográfica. | Premio a Mejor Director. Festival Internacional de Cine de Dubái. Emiratos Árabes Unidos.

Contratado por prestamistas, un hombre vive como usurero amenazando gente brutalmente para que paguen. Este hombre, sin familia, continúa su despiadada forma de vivir pese a todo el dolor que ha causado a un sinnúmero de personas. Un día una mujer aparece asegurando ser su madre. Al inicio, él la rechaza, pero gradualmente la acepta en su vida. Decide renunciar a su trabajo y vivir una vida decente, entonces, de repente, su madre es secuestrada. Asumiendo que pudo haberlo hecho alguien a quien hirió en el pasado, empieza a rastrear a toda la gente que ha atormentado. Desde las grandes guerras hasta los triviales crímenes de hoy en día, yo creo en nosotros viviendo en esta era como cómplices y pecadores. Así como nadie es libre de alguna deidad, decidí nombrar a este filme Piedad en busca de la misericordia de Dios. Kim Ki-duk

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Kim Ki-duk | Boghwa, Corea del Sur, 1960

Filmografía selecta 2000 Seom (La isla)

Después de estudiar artes en París, Kim Ki-duk regresó a Corea del Sur y empezó su carrera como guionista. Hizo su debut como director con la película de bajo presupuesto Crocodile en 1996. Desde entonces, Kim Ki-duk ha sido aclamado por los críticos y la audiencia por sus inexplicables personajes, impactantes imágenes y mensajes sin precedentes. Continuó haciendo películas admiradas internacionalmente como Por amor o por deseo, que ganó el Oso de Plata a mejor director en el festival de Berlín. Con El espíritu de la pasión obtuvo el León de Plata y el premio a mejor dirección en el festival de Venecia. Su documental Arirang, ganó el premio de la sección Una cierta mirada en el Festival de Cine de Cannes en 2012.

2001 Suchwiin bulmyeong (Domicilio desconocido) 2003 Bom yeoreum gaeul gyeoul geurigo bom (Las estaciones de la vida) 2004 Bin-jip (El espíritu de la pasión) 2005 Hwal (El arco) 2006 Shi gan (Tiempo) 2007 Soom (Aliento) 2008 Bi-mong (El sueño triste) 2011 Arirang, documental 2012 Pieta (Piedad)

martes 04 y miércoles 05 de FEBRERO 16:00, 18:30 Y 21:00 H | sala 1

Paraíso: Esperanza Paradies: Hoffnung, Austria-Francia-Alemania, 2012, 91 min. DIRECCIÓN y ProdUCCIÓN: Ulrich Seidl. GUIÓN: Ulrich Seidl y Veronika Franz. FOTOGRAFÍA en COLOR: Edward Lachman y Wolfgang Thaler. EDICIÓN: Christof Schertenleib. Con: Melanie Lenz (Melanie), Joseph Lorenz (doctor), Verena Lehbauer (Verena), Johanna Schmid (Hanni), Michael Thomas (entrenador), Vivian Bartsch (nutrióloga). COMPAÑÍA PRODUCTORA: Ulrich Seidl Produktion, Tatfilm, Société Parisienne de Production. PROCEDENCIA DE COPIA: Cineteca Nacional.

En la última parte de su trilogía sobre el Paraíso, Ulrich Seidl presenta la historia de Melanie, una chica de 13 años de edad con sobrepeso, y su primer amor. Mientras su madre viaja a Kenia (Paraíso: Amor) y su religiosa tía hace trabajo misionero (Paraíso: Fe), la adolescente pasa sus vacaciones de verano con otras jóvenes en un campamento de dieta en la campiña austriaca. En medio del entrenamiento físico, asesoramiento nutricional y peleas de almohadas, Melanie se enamora del director del campamento, un médico 40 años mayor que ella. No es el escenario de la historia el que debe ser tomado como el Paraíso, sino el anhelo de él. Esta película describe los sueños y los deseos de las adolescentes acerca de la vida, el amor y sus ideas de la sexualidad. Debido al sobrepeso, Melanie, protagonista de la película, no tiene confianza y piensa que su apariencia física es la razón por la cual es rechazada. Yo no quiero que otros me digan lo que es hermoso. Estoy preocupado por la homogeneización de nuestra noción de la belleza. Estoy preocupado por las presiones sociales y la hipocresía que lo rodean. Y estoy especialmente perturbado porque estos dictados se establecen por las personas e industrias cuyo único interés es hacer dinero. Ulrich Seidl

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Ulrich Seidl | Viena, Austria, 1952

Filmografía selecta

Egresó de la Academia de Cine de Viena. Después colaboró para la Corporación Austriaca de Comunicaciones y el canal germano-austriaco-suizo 3SAT con trabajos documentales. Su estilo consigue molestar al espectador y distanciarlo emocionalmente, sin importarle el “realismo” documental del que echa mano en sus filmes de ficción. Su película Días perros, ácido mosaico de personajes en un suburbio vienés, ganó el Premio Especial del Jurado en el festival de Venecia del 2001. En el 2003 funda la Ulrich Seidl Film Produktion en Viena, con la cual ha producido sus filmes más recientes. Actualmente trabaja en un documental sobre la relación entre los austriacos y sus sótanos.

cortometraje documental

1980 Einsvierzig (1.40 m.), 1992 Mit Verlust ist zu rechnen (Una pérdida esperada), documental 1995 Tierische liebe (Amor animal), documental 1998 Models (Modelos) 2001 Hundstage (Días perros) 2002 Zur Lage (La situación de país), documental 2003 Jesus, du weisst (Jesucristo, tú que todo lo sabes), documental 2007 Import/Export 2012 Paradies: Liebe (Paraíso: Amor) Paradies: Glaube (Paraíso: Fe) Paradies: Hoffnung (Paraíso: Esperanza)

jueves 06 y viernes 07 de febrero 16:00, 18:30 Y 21:00 H | sala 1

Liv & Ingmar Liv & Ingmar: Painfully Connected, Noruega-Suecia-Reino Unido, 2012, 84 min. DIRECCIÓN Y GUIÓN: Dheeraj Akolkar. FOTOGRAFÍA EN COLOR: Hallvard Bræin. MÚSICA: Stefan Nilsson. EDICIÓN: Tushar Ghogale. Testimonios: Liv Ullmann. COMPAÑÍA PRODUCTORA: Norwegian Production Company NordicStories, AB Svenska Filmindustri, Sveriges Television, Vardo Films. Producción: Rune H. Trondsen. Procedencia de Copia: Cineteca Nacional. Premios 2012 Mejor Documental. Festival Internacional de Cine de Chicago. Estados Unidos.

Este documental es un relato afectuoso pero veraz de los 42 años de relación entre la legendaria actriz Liv Ullmann y el cineasta Ingmar Bergman. Contada desde el punto de vista de Liv, el documental narra a través de un collage de imágenes y sonidos que incluyen fragmentos de las 12 películas que hicieron juntos, fotografías, escenas detrás de las cámaras y los altibajos de esta relación. Esta película es un homenaje no sólo a dos de los más grandes artistas de nuestro tiempo, sino también a dos seres humanos maravillosos, dos amigos inseparables, dos compañeros del alma. Liv Ullmann e Ingmar Bergman fueron dos leyendas, y como cualquier otro cinéfilo he estado impresionado por su trabajo por mucho tiempo. Pero lo que me impulsó a hacer esta película son las mentiras detrás de su grandeza –esta universal y muy real historia de un hombre y una mujer– una historia de dos enamorados –amigos, compañeros, almas gemelas. Esta infinidad de capas de emociones y complejidades en su relación tocaron un personal punto sensible dentro de mí. Esta película es para todo aquel que ha amado y perdido, y ha continuado amando… Dheeraj Akolkar

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Dheeraj Akolkar | India

Filmografía 2005 Jyotirgamaya: Lead me to

Después de graduarse con honores en arquitectura por la Universidad de Pune, India, Dheeraj trabajó durante mucho tiempo en la industria fílmica de su país. Fue parte del equipo de películas como Lagaan: Once Upon a Time in India (2001), nominada al Óscar a mejor película en lengua no inglesa, o Devdas (2002), nominada a los BAFTA. Egresó con honores de la maestría de cine por la Universidad de Londres en el 2007, y actualmente trabaja entre Reino Unido, India y Escandinavia en una lista de cinco películas bajo su compañía productora situada en Londres, Vardo Films. Dheeraj es director asociado del Festival Independiente Bombay Mix y fundador de Grassroots Stories, fundación de caridad que se especializa en hacer películas que puedan inspirar un cambio social.

the light (cortometraje) 2006 Whatever! (cortometraje) 2007 Sold my soul (cortometraje) 2010 Asylum (cortometraje) 2012 Liv & Ingmar (documental)

sábado 08 y domingo 09 de febrero 16:00, 18:30 Y 21:00 H | sala 1

Los insólitos peces gato México, 2012, 95 min. DIRECCIÓN Y GUIÓN: Claudia Sainte-Luce. FOTOGRAFÍA EN COLOR: Agnès Godard. MÚSICA: Madame Recamier. EDICIÓN: Santiago Ricci. Con: Ximena Ayala (Claudia), Lisa Owen (Martha), Sonia Franco (Alejandra), Wendy Guillén (Wendy), Andrea Baeza (Mariana), Alejandro Ramírez-Muñoz (Armando). COMPAÑÍAS PRODUCTORAS: Jaqueca Films, Good Lap Production, FOPROCINE y Cine CANÍBAL. Producción: Geminiano Pineda. Distribuidora: Caníbal. Premios 2012 Primer Premio en la sección Primer Corte, Ventana Sur, Argentina. 2013 Premio del Público Joven a Mejor Película, Festival Internacional de Cine de Locarno, Suiza. | Premio FIPRESCI de la Crítica Internacional, Festival Internacional de Cine de Toronto, Canadá. | Premio a la mejor interpretación femenina,

Claudia, joven solitaria que trabaja en un supermercado, termina en una sala de urgencias con un severo caso de apendicitis. Ahí conoce a Martha, la mujer de la cama de a lado, quien vive acompañada por sus cuatro hijos. Después de salir del hospital, Martha la invita a su casa y se vuelven amigas. Cuando Claudia descubre que la salud de Martha se agrava, su relación con cada miembro de la familia se vuelve más íntima. La opera prima de Claudia Sainte-Luce es una dulce comedia que explora en la generosidad y el cariño humano cuando éstos llegan sin anunciarse.

Festival de Cine Latinoamericano de Biarritz, Francia.

La muerte es algo muy difícil de asimilar. Cuesta un poco de trabajo, te escondes en tu trabajo, no quieres mover las cosas en tu vida, no quieres entrar al hospital, te estresas con facilidad por cualquier cosa. Es algo que vive al lado de nosotros, pero con lo que no sabemos lidiar. Llegó un momento en el que aprendí a lidiar con ello, con la muerte. Yo sabía que cuando escribiera algo, tendría que contar esto, lo que viví al lado de la verdadera Martha. Me queda claro que si soy quien soy, es por esta historia. Claudia Sainte-Luce

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Claudia Sainte-Luce | Veracruz, México, 1982

Filmografía 2005 Muerte anunciada,

Egresada de la Universidad de Guadalajara con licenciatura en Artes Audiovisuales. En 2005 participó en el Festival Expresión en Corto en Guanajuato, donde dirigió su primer cortometraje, Muerte anunciada, que se llevó el premio del público. Desde 2007 ha trabajado como asistente de dirección en varias películas mexicanas. En 2011 participó en el 17 Laboratorio de escritura de guiones, apoyado por Bertha Navarro, el Sundance Lab y la Fundación Toscano con el proyecto de Los insólitos peces gato, su primer largometraje.

cortometraje 2007 El milagrito de San Jacinto, cortometraje 2012 Los insólitos peces gato

martes 11 y miércoles 12 de febrero 16:00, 18:30 Y 21:00 H | sala 1

el rey del erotismo the look of love, Reino Unido-Estados Unidos, 2013, 99 min. DIRECCIÓN: Michael Winterbottom. GUIÓN: Matt Greenhalgh. FOTOGRAFÍA EN COLOR: Hubert Taczanowski. MÚSICA: Antony Genn, Martin Slattery. EDICIÓN: Mags Arnold. Con: Imogen Poots (Debbie Raymond), Anna Friel (Jean Raymond), Steve Coogan (Paul Raymond), Carl Snitcher (James Lance), Tamsin Egerton (Fiona/ Amber Richmond). COMPAÑÍA PRODUCTORA: Revolution Films. Producción: Melissa Parmenter. Distribuidora: Cinemas Nueva Era.

“El sexo vende”, ese es el credo que hace de Paul Raymond uno de los hombres más ricos del Reino Unido. Su carrera comienza como dueño de un club nocturno donde los actos deben ser tan candentes que ningún “hombre real” sea capaz de resistirse. Usando sus ahorros iniciales para comprar un edificio sencillo, Raymond después estará en la posición de comprar calles enteras en el distrito Soho, de Londres. Su imperio expandido incluye revistas eróticas y teatros, y su cuenta de banco finalmente aumenta a 650 millones de libras. Pero después, una tragedia le provocará un profundo vacío. Paul Raymond era un tipo que ponía toda su energía en producir y hacer dinero, pero no sabemos si era una buena persona o no, pero a mí me agradan ese tipo de figuras. En las películas con personajes que solamente tienen un viaje y que se comportan consistentemente a lo largo de él, no hay gusto. En el mundo real, la gente es mucho más complicada, mucho más sutil, y Raymond es un ejemplo extremo. Obviamente era increíblemente exitoso en su vida de negocios, pero al final sólo era la suma de todos los tratos que hizo. Tomó los placeres que pudo a lo largo del camino, pero eso dejó un gran vacío en medio. Michael Winterbottom

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Michael Winterbottom | Lancashire, Reino Unido, 1961

Filmografía selecta 1994 Butterfly kiss

Las películas de Michael Winterbottom representan el más notable y variado organismo de trabajo de cualquier director británico que emerge del tardío siglo XX. Estudió inglés en la Universidad de Oxford seguido de cursos sobre cine y televisión en la Universidad de Bristol. Inicialmente trabajó en la sala de montaje de Thames Television, graduándose de director con episodios de drama para televisión y dos documentales sobre Ingmar Bergman. Después de trabajar en varias producciones televisivas, debuta en cine en 1990 con Forget About Me. En 1997 participa en Cannes con Bienvenido a Sarajevo, filme que lo ubica en el escenario mundial, y en 2003 obtiene el Oso de Oro del festival de Berlín por En este mundo. Vuelve a ese certamen en 2006 para hacerse del Oso de Plata a mejor director por el documental Camino a Guantánamo, compartido con su correalizador Mat Whitecross.

(El beso de la mariposa) 1997 Welcome to Sarajevo (Bienvenidos a Sarajevo) 2002 24 Hour Party People (La nueva orden) 2003 In this world (En este mundo) 2004 9 Songs (9 orgasmos) 2006 The road to Guantanamo (Camino a Guantánamo), codirección 2008 Genova (Génova) 2009 The shock doctrine (La doctrina del shock), documental en codirección 2010 The killer inside me (El asesino dentro de mí) 2013 The look of love (El rey del erotismo)

jueves 13 y viernes 14 de febrero 16:00, 18:30 Y 21:00 H | sala 1

Berberian Sound Studio: LA INQUISICiÓN DEL SONIDO Berberian Sound Studio, Reino Unido, 2012, 92 min. DIRECCIÓN Y GUIÓN: Peter Strickland. FOTOGRAFÍA EN COLOR: Nicholas D. Knowland. MÚSICA: Broadcast. EDICIÓN: Chris Dickens. Con: Toby Jones (Gilderoy), Tonia Sotiropoulou (Elena), Cosimo Fusco (Francesco), Susanna Cappellaro (Veronica), Chiara D’Anna (Elisa), Fatma Mohamed (Silvia), Antonio Mancino (Santini), Eugenia Caruso (Claudia), Jozef Cseres (Massimo). COMPAÑÍAS PRODUCTORAS: Warp X, Illuminations Films. Producción: Mary Burke, Keith Griffiths. Distribuidora: Interior 13 Cine. Premios 2012 mención especial del jurado joven. festival internacional de cine de locarno, suiza. 2013 Premio a Mejor Película Internacional. BAFICI-Festival Internacional de Cine Independiente de Buenos Aires. Argentina | premio de la crítica interna-

En la década de los setenta, el Berberian Sound Studio fue el estudio de postproducción de sonido más barato y sórdido de toda Italia, por lo que solamente las películas más perturbadoras han procesado y editado sus mezclas de sonido en este lugar. Gilderoy, un tímido ingeniero de sonido residente en el Reino Unido, viaja a Italia para encargarse de mezclar el último giallo de Santini, el gran maestro del género. Gilderoy pronto se verá atrapado en un mundo prohibido poblado por actores maniáticos, donde los caprichos artísticos y la burocracia más absurda marcan el día a día.

cional y premio especial del jurado. festival de cine de gérardmer, francia.

Quería mostrar la mecánica de la película. Por lo general, el cine sólo se ocupa de la ilusión de todo el asunto y los artificios están completamente ocultos. Pero aquí es todo lo contrario: sólo se ve la mecánica y la ilusión se oculta. Tenía muchas ganas de hacer una película acerca del sonido, donde realmente puedes tocar los sonidos y mostrar los vegetales que están detrás de ellos. Peter Strickland

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Peter Strickland | Berkshire, Reino Unido, 1973

Filmografía selecta 1996 Bubblegum

Realizó sus primeros proyectos cinematográficos en súper 8 y 16 milímetros. Su primer cortometraje, Bubblegum, rescató del olvido a la actriz transgénero Holly Woodlaw y se estrenó en el Festival Internacional de Cine de Berlín en 1996. En el mismo año fundó el grupo de música experimental The Sonic Catering Band con el que lanzó varias grabaciones y realizó presentaciones en Europa. Después de haber recibido una herencia familiar, utilizó el dinero para financiar su primera película, un drama de venganza ambientado en Transilvania. El resultado, Katalin Varga, se filmó en la campiña rumana en 2006, sin embargo, debido a diversos problemas económicos, la película fue lanzada tres años después. Actualmente vive en Hungría, donde imparte clases de inglés.

2004 A Metaphysical Education 2009 Katalin Varga 2012 Berberian Sound Studio (Berberian Sound Studio: la inquisición del sonido)

sábado 15 y domingo 16 de febrero 16:00, 18:30 Y 21:00 H | sala 1

Las horas muertas España-Francia-México, 2013, 100 min. DIRECCIÓN Y GUIÓN: Aarón Fernández. FOTOGRAFÍA EN COLOR: Javier Morón. MÚSICA: Camilo Froideval. EDICIÓN: Ana Laura Calderón. Con: Krystian Ferrer (Sebastián), Adriana Paz (Miranda), Eliseo Lara Martínez (Mario). COMPAÑÍAS PRODUCTORAS: Santa Lucía Cine, Tita Productions, Comunicación Fractal, FOPROCINE. Producción: Aarón Fernández, Fred Prémel, Christophe Bouffil, Alejandro Palma. Distribuidora: Canana. Premios 2013 premio a mejor contribución artística. festival internacional de cine de tokio, japón. | premio a mejor actriz de largometraje mexicano y mención especial. festival internacional de cine de morelia, méxico.

Sebastián, de 17 años, cuida el pequeño motel de su tío que está en la desolada costa tropical de Veracruz. Miranda, de 35, una corredora de inmuebles de la zona, se encuentra ocasionalmente en el motel con Mario, su amante. Mario siempre llega tarde al encuentro amoroso por lo que Miranda tiene que esperarlo. Durante esos tiempos muertos, Sebastián y Miranda se conocen e irán estableciendo lazos a pesar de que en el fondo saben que su historia es pasajera. Estaba en Veracruz, haciendo unas cosas para la televisión, y me di cuenta que en esa carretera de la Cruz Esmeralda hay una zona bonita pero de turismo muy local con muchos motelitos, algo solitarios en medio de la nada frente al mar y me enamoré de esa zona. Creí que era un buen lugar para rodar y hacer un filme. Tenía ganas de hacer una película simple, sencilla y con ese ambiente tropical y al mismo tiempo contemplativo. Aarón Fernández

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Aarón Fernández Lesur | Chihuahua, México, 1972

Filmografía 2000 Circuito interior,

Realizó sus estudios en París, donde obtuvo la Maestría en Estudios Cinematográficos y Audiovisuales. Ha trabajado en diversos sectores, destacándose en las áreas de guión, dirección y producción. Es socio fundador de la compañía Santa Lucía Cine (ex Producciones Cinta Negra), con la que ha apoyado diversos proyectos cinematográficos. Partes usadas, su opera prima, fue seleccionada en más de 40 festivales y ganó varios premios. Las horas muertas es su segundo largometraje.

cortometraje 2005 Corrido callejero, cortometraje 2007 Partes usadas 2013 Las horas muertas

martes 18 y miércoles 19 de febrero 16:00, 18:30 Y 21:00 H | sala 1

perros perdidos Jiao you, Taiwán-Francia, 2013, 138 min. DIRECCIÓN: Tsai Ming-liang. GUIÓN: Tsai Ming-lian, Song Peng-fei y Tung Chen-yu. FOTOGRAFÍA EN COLOR: Liao Pen-jung y Sung Wen-zhong. EDICIÓN: Lei Chen-ching. Con: Chen Shiang-chyi, Lee Kangsheng, Lee Yi-Cheng. COMPAÑÍAS PRODUCTORAS: Homegreen Films, JBA Productions. Producción: Vincent Wang, Jacques Bidou y Marianne Dumoulin. Procedencia de Copia: Cineteca Nacional. premios 2013 gran premio especial del jurado. muestra internacional del arte cinematrográfico de venecia, italia.

Una familia de desposeídos sobrevive en las calles de Taipéi. Los instantes que conforman sus vidas no buscan la lástima del espectador, sino una solidaridad por su condición como seres que habitan un mundo cada vez más cercano al caos. En medio de prolongados silencios y aparentes tiempos muertos, el resultado es una tragicomedia acerca de la esperanza de los desposeídos que consigue extraer una extraña poesía de la penuria humana y que encuentra la incandescencia de los cuentos de hadas entre los laberintos insondables de la decadencia urbana. Mi película es sobre una “marquesina humana”, un tipo que pasa horas deambulando por las calles de Taipéi portando anuncios de una inmobiliaria. Un hombre que promueve con dominios de lujo y que no posee una casa propia. Yo me preguntaba cómo eran las vidas de estas personas, dónde dormían, en qué forma resolvían sus necesidades más primordiales. Pero la intención del filme no es regodearse en su condición o llamar a la piedad del mundo entero. Me interesaba enmarcarlos en una ciudad como Taipéi, que tras cada cambio que sufre, me recuerda lo mucho que vamos perdiendo en nombre de la modernidad. Tsai Ming-liang

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Tsai Ming-liang | Kuching, Malasia, 1957

Filmografía (t. i. Título internacional)

Admirador del cine de François Truffaut, es creador de un universo fílmico caracterizado por personajes siempre errantes, taciturnos y marginados de la sociedad a los cuales retrata mediante prolongadas tomas fijas que retratan el paso del tiempo y contrastan de forma violenta la contemplación con el bullicio de la vida moderna. Cursó sus estudios profesionales en el Departamento de Cine y Dramaturgia de la Universidad Cultural China de Taipéi, antes de desempeñarse como productor de teatro y televisión. Con su segundo largometraje, Viva el amor, conquistó el León de Oro de la Muestra Internacional de Arte Cinematográfico de Venecia, Italia, en 1994. Considerado uno de los directores más influyentes del cine contemporáneo y figura relevante de la Segunda Nueva Ola del cine taiwanés, es una presencia constante en los festivales cinematográficos más importantes del mundo.

1992 Qing shao nian nuo zha (Rebeldes del dios neón) 1994 Ai qing wan sui (Viva el amor) 1997 He liu (El río) 1998 Dong (El agujero) 2001 Ni na bian ji dian (¿Qué hora es allá?) 2003 Bu san (t.i. Goodbye, Dragon Inn) 2005 Tian bian yi duo yun (t.i. The wayward cloud) 2006 Hei yan quan (No quiero dormir solo) 2009 Visage (t.i. Face) 2013 Jiao you (perros perdidos)

jueves 20 y viernes 21 de febrero 16:00, 18:30 Y 21:00 H | sala 1

¡Somos lo mejor!

Vi är bäst!, Suecia-Dinamarca, 2013, 102 min. DIRECCIÓN Y GUIÓN: Lukas Moodysson, inspirado en la novela gráfica Never goodnight de Coco Moodysson. FOTOGRAFÍA EN COLOR: Ulf Brantås. MÚSICA: Rasmus Thord. EDICIÓN: Michal Leszczylowski. Con: Mira Barkhammar (Bobo), Mira Grosin (Klara), Liv LeMoyne (Hedvig), Johan Liljemark (Kenneth), Mattias Wiberg (Roger), Jonathan Salomonsson (Elis), Alvin Strollo (Mackan). COMPAÑÍAS PRODUCTORAS: Memfis Film AB, Film i Väst, Sveriges Television (SVT), Zentropa Entertainments. Producción: Lars Jönsson. Distribuidora: Caníbal. premios 2013 premio de la audiencia . festival internacional de cine de reikiavik, islandia.

Bobo, Klara y Hedvig son tres jovencitas de trece años que vagan por las calles de Estocolmo en 1982. Su rudeza ante la vida sólo se compara a su confusión existencial. Obligadas a hacerse cargo de ellas mismas ya que a sus padres no parecen interesarles, deciden formar una banda de rock punk enfureciendo a aquellos que afirman que “el punk ha muerto”. Inspirado en una novela gráfica de su esposa, la dibujante Coco Moodysson, esta es una inmersión más de Lukas Moodysson en el retrato de universos juveniles enfrentados a un mundo hostil en el cual luchan por encontrar sentido a su existencia. Es maravilloso tener un amigo, es increíble tocar un instrumento sin saber muy bien cómo, es estupendo incendiar una estatua, nada se compara a tener los peores padres del mundo ni a vomitar sobre la colección de discos de alguien. Es hermoso ser abucheado, recibir las burlas de los demás. Es maravilloso ser el mejor. Quise realizar una película que, en medio de los tiempos oscuros en que vivimos, afirmara que la vida, pese a todas las evidencias que afirman lo contrario, vale la pena vivirse. Lukas Moodysson

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Lukas Moodysson | Malmö, Suecia, 1969

Filmografía (t. i. Título internacional)

Considerado como uno de los creadores más importantes del cine contemporáneo, Moodysson arribó a la escena fílmica en 1998 con Amor rebelde, la historia de amor entre dos chicas enmarcada por el mortal aburrimiento del pueblo en que viven. Poeta y novelista exitoso desde su juventud, Moodysson continuó su carrera con Tillsammans, un nostálgico retrato de la juventud sueca en los años setenta. Sus siguientes cintas, Las alas de la vida y Un hueco en mi corazón, son demoledores retratos sobre la miseria moral de un mundo en el cual los jóvenes afrontan la esclavitud sexual y la violencia como moneda corriente. Después de este binomio, Moodysson orquestó con Mamut el retrato de una pareja enfrentada a la incomunicación en el mundo actual. ¡Somos lo mejor!, su más reciente filme, marca el retorno de sus héroes juveniles enfrentados a un mundo hostil en el cual buscan su lugar.

1998 Fucking Amål (amor rebelde) 2000 Tillsammans (t.i. Together) 2002 Lilja 4-Ever (Las alas de la vida) 2003 Terrorister –en film om dom dömda (t.i. Terrorists: The Kids they Sentenced), documental 2004 Ett hål i mitt hjärta (un hueco en mi corazón) 2006 Container 2009 Mammoth (Mamut) 2013 Vi är bäst! (¡somos lo mejor!)

SÁBADO 22 Y DOMINGO 23 DE FEBRERO 16:00, 18:30 Y 21:00 H | sala 1

Club Sándwich México, 2013, 82 min. DIRECCIÓN Y GUIÓN: Fernando Eimbcke. FOTOGRAFÍA EN COLOR: María Secco. MÚSICA: Camilo Lara. EDICIÓN: Mariana Rodríguez. Con: María Renée Prudencio (Paloma), Lucio Giménez Cacho (Héctor), Danae Reynaud (Jazmín), Leonel Tinajero (Papá DE Jazmín), Carolina Politi (Enfermera). COMPAÑÍA PRODUCTORA: Cinepantera. Producción: Christian Valdelièvre y Jaime B. Ramos. Distribuidora: Cinepantera. Premios 2013 Concha de Plata a la mejor dirección. Festival Internacional de Cine de DonostiaSan Sebastián, España.

Paloma tiene 35 años y Héctor quince. Son mamá e hijo pero a través de los años se han convertido en mejores amigos. En unas vacaciones en la playa, Héctor conoce a Jazmín, una adolescente de 16 años, que al igual que Héctor está despertando a la sexualidad. Paloma intenta mantener a su lado a un hijo que poco a poco se aleja de ella debido a su incontrolable deseo de crecer. Gracias a la fuerza del deseo natural en Héctor, Paloma se ve obligada a aceptar el cambio de quien por muchos años fue su hijo, y su mejor amigo. Dejé que los personajes me hablaran. Es muy raro permitir eso, que el personaje te hable, pero así pasa. Y cuando un personaje te habla hay que escucharlo, seguirlo y trabajarlo. No eres tú quien está llevando al personaje a donde quieres, sino que, como escritor, comienzas a seguirlo y lo dejas crecer. Esto fue lo que me sucedió con el personaje de la mamá. Lo seguí, lo seguí, lo seguí y comenzó a tener mayor peso en la historia hasta que se convirtió en el personaje central, porque es la que tiene mayor conflicto. Fernando Eimbcke

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Fernando Eimbcke | Ciudad de México, México, 1970

Filmografía 2002 La suerte de la fea...

Terminó sus estudios de cine en el Centro Universitario de Estudios Cinematográficos (CUEC) de la UNAM en 1996. En 2004 escribió el guión y dirigió su opera prima, Temporada de patos, misma que fue seleccionada para participar en el Festival de Cine de Cannes de 2004 y en más de 90 festivales internacionales, obteniendo también los premios más importantes de la Muestra de Cine Mexicano en Guadalajara y 11 premios Ariel de la Academia Mexicana de Artes y Ciencias Cinematográficas. Lake Tahoe, su segundo filme, conquistó el premio Alfred Bauer en el festival de Berlín de 2008, el premio Mayahuel a la mejor dirección en el Festival Internacional de Cine de Guadalajara y el Ariel a la mejor película. Fernando Eimbcke es Beneficiario del Sistema Nacional de Creadores de Arte 2010 del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes.

a la bonita no le importa, cortometraje 2004 Temporada de patos 2005 Perro que ladra, cortometraje 2005 Adiós a las trampas, cortometraje 2008 Lake Tahoe 2010 La Bienvenida, cortometraje incluido en el largometraje Revolución 2013 Club sándwich

MARTES 25 Y MIÉRCOLES 26 DE FEBRERO 16:00, 18:30 Y 21:00 H | sala 1

Los perversos Les salauds, Francia-Alemania, 2013, 83 min. DIRECCIÓN: Claire Denis. GUIÓN: Claire Denis y Jean-Pol Fargeau. FOTOGRAFÍA EN COLOR: Agnès Godard. MÚSICA: Tindersticks. EDICIÓN: Annette Dutertre. Con: Vincent Lindon (Marco), Chiara Mastroianni (Raphaëlle), Julie Bataille (Sandra), Michel Subor (Edouard Laporte), Lola Créton (Justine), Alex Descas (El Doctor), Grégoire Colin (Xavier). COMPAÑÍAS PRODUCTORAS: Alcatraz Films, Wild Bunch, Arte France Cinema, Pandora Films Produktion. Producción: Olivier Thery Lapiney, Vincent Maraval, Brahim Chioua y Laurence Clerc. Distribuidora: ND Mantarraya.

El capitán de un barco carguero francés acude al desesperado llamado de su hermana en París. Su cuñado se ha quitado la vida, el negocio familiar se está yendo a pique y su hija está cayendo en una espiral de degradación sin remedio. Decidido a acabar con quien es señalado como el responsable de tan trágica situación, el protagonista se va adentrando cada vez más en una telaraña de secretos y mentiras donde nadie es quien parece ser. El nuevo filme de Claire Denis, el primero que realiza en formato digital, es un intenso drama familiar que, alejándose de las fórmulas del thriller, busca la distancia emocional del espectador. Una mañana del verano de 2012 pensé en el título de una película extraordinaria de Akira Kurosawa: Los malvados duermen bien. Tan sólo pensar en la idea me dio ánimos para concretar una nueva historia. La saga de un hombre quien, como en las películas de Kurosawa, es al mismo tiempo un héroe y una víctima de fuerzas que es incapaz de controlar o simplemente entender. Un hombre confiable para todos quienes le rodean, y quien precisamente por su sentido del deber, será sacudido por sucesos que ni siquiera puede imaginar. Claire Denis

55 muestra internacional de cine DE LA CINETECA NACIONAL

Claire Denis | París, Francia, 1948

Filmografía selecta 1988 Chocolat (Chocolate)

Creadora de un muy singular universo fílmico compuesto por más de veinte títulos a lo largo de 25 años de carrera profesional, el cine de Claire Denis resulta casi siempre inclasificable. Interesada en la naturaleza del deseo, la visceralidad del momento, la representación de las razas, las múltiples posibilidades de la institución familiar y la descripción de la marginalidad, Denis fue hija del administrador de una colonia francesa en África, de donde salió para estudiar cine en el IDHEC de París. Asistente de dirección de Wim Wenders y Jacques Rivette, entre otros cineastas antes de filmar su opera prima, Chocolate. Su labor fílmica ha sentado además un importante precedente para la labor de las mujeres en el cine.

1994 J’ai pas sommeil (No tengo sueño) 1996 Nénette et Boni (Nenette y Boni) 1999 Beau travail (Buen trabajo) 2001 Trouble every day (Sangre caníbal) 2008 35 rhums (35 tragos de ron) 2009 White material (Materia blanca) 2013 Les salauds (Los perversos)

JUEVES 27 Y VIERNES 28 DE FEBRERO 16:00, 18:30 Y 21:00 H | sala 1

Jazmín Azul Blue Jasmine, Estados Unidos, 2011, 98 min.

DIRECCIÓN Y GUIÓN: Woody Allen. FOTOGRAFÍA EN COLOR: Javier Aguirresarobe. EDICIÓN: Alisa Lepselter. Con: Cate Blanchett (Jasmine), Alec Baldwin (Hal), Sally Hawkins (Ginger), Louis C.K. (Al), Peter Sarsgaard (Dwight), Michael Stuhlbarg (doctor Flicker), Max Casella (Eddie). COMPAÑÍA PRODUCTORA: Perdido Productions. Producción: Letty Aronson, Stephen Tenenbaum y Edward Walson. Distribuidora: Zima Entertainment.

Después de que toda su vida parece desmoronarse, una mujer, acostumbrada a una vida lujosa y despreocupada en Nueva York, debe mudarse al modesto departamento de su hermana en San Francisco, luchando por reiniciar de nuevo. El proceso no será nada fácil. La película número 46 en la filmografía de Woody Allen retrata de forma trágica la devastación existencial de una protagonista –encarnada magistralmente por Cate Blanchett– muy en deuda con los personajes demandantes de amor y expulsados de un paraíso perdido al estilo de Tennessee Williams. Esta película es acerca de las decisiones que tomamos en la vida. He cumplido 77 años y existen cosas en mi biografía que desearía no hubieran pasado, o bien, que hubieran ocurrido de otra forma. Cada quien tiene sus propios remordimientos, anhelos incumplidos, sueños rotos. Hay quienes desearían haber comprado tal o cual casa o haberse declarado a esa muchacha que dejaron ir. No confío en aquellos que dicen haber vivido la vida que deseaban, en quienes no cambiarían nada en su historia. Yo, mientras tanto, estoy inundado de remordimientos. Woody Allen

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Woody Allen | Nueva York, Estados Unidos, 1935

Filmografía selecta 1969 Take the money and run

Es uno de los más prolíficos cineastas y escritores en el panorama del cine mundial desde hace más de cinco décadas. Se inició en la televisión escribiendo rutinas cómicas para distintos artistas, hasta que él mismo saltó a la fama haciendo escarnio de sus propias inseguridades y su origen judío. Tras un breve paso como actor en exitosas comedias, debutó como cineasta en 1969. Si sus primeras cintas fueron comedias absurdas, a partir de Dos extraños amantes, Allen consolida un universo tragicómico enmarcado casi siempre por la ciudad de Nueva York, plagado de referencias culteranas, homenajes al cine y apuntes sobre el psicoanálisis por igual, cuya banda sonora es el jazz o la música popular de sus años de infancia, en el cual predomina un notorio desencanto ante la imposibilidad de alcanzar la plena felicidad en el amor o cualquier otro plano. Ganador de cuatro premios Óscar y del premio Príncipe de Asturias de las Artes y las Letras, entre múltiples reconocimientos internacionales, Woody Allen alcanza su película número 46 como realizador con Jazmín Azul (2013).

(Robó, huyó y lo pescaron) 1977 Annie Hall (Dos extraños amantes) 1979 Manhattan 1985 The Purple Rose of Cairo (La rosa púrpura del Cairo) 1986 Hannah and her sisters (Hannah y sus hermanas) 1989 Crimes and misdemeanors (Crímenes y pecados) 1994 Bullets over Broadway (Balas sobre Nueva York) 2005 Match point (La provocación) 2011 Midnight in Paris (Medianoche en París) 2013 Blue Jasmine (Jazmín azul)

DEL MIÉRCOLES 08 Al DOMINGO 12 DE ENERO / SALA 2 DEL MARTES 14 AL DOMINGO 19 DE ENERO / SALA 2 Funciones: 16:00, 18:30 y 21:oo h Viernes 10 de enero / SALA 2 ÚNICAS FUNCIONES: 16:00 Y 18:30 h

quebranto MÉXICO, 2012, 95 MIN.

Premios: 2013 Premio Maguey a Mejor Película LGBTTTI, Premio Especial del Jurado de la Competencia Iberoamericana y Premio Guerrero de la Prensa Mexicana. Festival Internacional de Cine de Guadalajara, México. 2013 Selección Oficial. Ambulante Gira de Documentales, México. 2013 Premio del Público. Muestra Nacional de Cine de Fresnillo, México. 2013 Premio del Público. Festival de Cine Mexicano de Durango, México. 2013 Muestra Internacional de Cine Queer de la Cineteca Nuevo León, México. 2013 Premio Sebastiane Latino. Festival Internacional de Cine de San Sebastián, España. 2013 Mejor Documental. Festival Internacional de Cine Queer de Lisboa, Portugal. 2013 Premio Guerrero de la Prensa. Festival Internacional de Cine de Morelia, México. 2013 Selección Oficial. Festival LesGaiCineMad, Madrid, España. 2013 Selección Oficial. Festival Internacional del Nuevo Cine Latinoamericano, La Habana, Cuba.

Quebranto es un largometraje documental que evoca la memoria y testimonio de dos personajes: Fernando García, conocido como Pinolito, durante su desempeño como actor infantil en la época de los 70, y doña Lilia Ortega, su madre, también actriz. Fernando se asumió cono travesti hace algunos años y ahora se hace llamar Coral Bonelli. Vive en Garibaldi con su madre, añorando su pasado fílmico, y asume con valor su identidad genérica. Coral y doña Lilia continúan actuando.

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DEL MARTES 21 AL DOMINGO 25 DE ENERO / SALA 2 DEL MARTES 27 DE ENERO AL DOMINGO 2 DE FEBRERO / SALA 2 Funciones: 16:00, 18:30 y 21:oo h JUEVES 23 de enero / SALA 2 ÚNICAS FUNCIONES: 16:00 Y 21:00 h

sonidos vecinos O SOMAO REDOR, BRASIL, 2012, 131 MIN. DIRECCIÓN Y GUIÓN: KLEBER MENDONÇA FILHO. FOTOGRAFÍA: PEDRO SOTERO. MÚSICA: DJ DOLORES. EDICIÓN: KLEBER MENDONÇA FILHO Y JOÃO MARIA. CON: IRANDHIR SANTOS, GUSTAVO JAHN Y MAEVE JINKINGS. DISTRIBUIDORA: INTERIOR 13.

Premios: 2013 Representante de Brasil en la contienda por una nominación a Mejor Película en Lengua Extranjera. Premios Óscar de la Academia, Estados Unidos. 2012 Festival Internacional de Cine UNAM, México. 2012 Mejor Película. Festival de Río de Janeiro, Brasil. 2012 Gran Premio Talento Nuevo. Festival CPH:PIX, Copenague, Dinamarca. 2012 Premio del Público Festival de Gramado, Brasil. 2012 Premio FIPRESCI. Festival Internacional de Cine de Rotterdam, Holanda. 2012 Sección Internacional de Largometrajes a Concurso. Festival de Mar del Plata, Argentina.

La vida en un barrio residencial en la actual Recife, Brasil, toma un giro inesperado después de la llegada de una empresa independiente de seguridad privada. La presencia de estos hombres trae cierta sensación de seguridad, pero también una buena cantidad de ansiedad a una comunidad que se rige bajo el miedo. Mientras tanto, Bia, casada y madre de dos hijos, debe encontrar la manera de lidiar con los ladridos y aullidos del perro de su vecino. Un acercamiento al Brasil contemporáneo, una reflexión sobre la historia, la violencia y el ruido.

Del martes 4 al domingo 9 de febrero / Sala 2 Del martes 11 al domingo 16 de febrero / Sala 2 Funciones: 16:00, 18:30 y 21:00 h

las lÁgrimas DIRECCIÓN: PABLO DELGADO. GUIÓN: PABLO DELGADO SÁNCHEZ. FOTOGRAFÍA: JUAN PABLO RAMÍREZ. MÚSICA: ESTEBAN RUIZ VELAZCO, DIEGO WESTENDARP. EDICIÓN: GIL GONZÁLEZ PENILLA. CON: FERNANDO ÁLVAREZ REBEIL, GABRIEL SANTOYO NAVIDAD, CLAUDETTE MALLÉ. DISTRIBUIDORA: CINETECA NACIONAL.

Premios: 2012 Competencia Largometraje Mexicano. Festival Internacional de Cine de Morelia, México. 2013 Festival Internacional de Cine de la UNAM, México. 2012 Premio Carte Blanche. Festival de Cine de Locarno, Suiza. 2013 Sección Futuro Brillante. Festival Internacional de Cine de Rotterdam. 2013 Mención Especial del Jurado. Festival Internacional de Cine de Cartagena de Indias, Colombia. 2013 Mención Especial del Jurado. Cinélatino Recontres de Touluse, Francia.

Fernando y Gabriel son dos hermanos viviendo en un hogar fracturado. El enojo y la tristeza que inundan la casa los obliga a escapar por un fin de semana a un bosque. Ahí, Gabriel será testigo de la autodestrucción de su hermano mayor. El relato, intimista, captura la atmósfera claustrofóbica en los sentimientos de ambos protagonistas. Las lágrimas es una película delicada, equilibrada y elegante. Respetuosa de los sentimientos que retrata, sin ser distante. Pablo Delgado Sánchez incluso escoge el formato cuadrado para retratar de cerca a los personajes en su drama interior, donde el mundo exterior los afecta a cada uno a su manera. Nos introduce directo al ambiente claustrofóbico de sus sentimientos y nos provoca empatía la silenciosa necesidad de amor de cada uno.

Eva Sangiorgi

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Del martes 18 al domingo 23 DE FEBRERO / Sala 2 Del martes 25 DE FEBRERO al domingo 2 DE MARZO / Sala 2 Funciones: 16:00, 18:30 y 21:00 h Jueves 20 de febrero / Sala 2 Únicas funciones: 16:00 y 21:00 h

hanna arendt DIRECCIÓN: MARGARETHE VON TROTTA. GUIÓN: PAM KATZ, MARGARETHE VON TROTTA. FOTOGRAFÍA: CAROLINE CHAMPETIER. MÚSICA: ANDRÉ MERGENTHALER. EDICIÓN: BETTINA BÖHLER. CON: BARBARA SUKOWA, AXEL MILBERG, JANET MCTEER, JULIA JENTSCH, ULRICH NOETHEN, MICHAEL DEGEN, NICHOLAS WOODESON. DISTRIBUIDORA: CINETECA NACIONAL.

Premios: 2012 Mejor Actriz (Sukowa) y Mejor Película de Plata. Premios de Cine de Alemania. 2012 Premio Espiga de Plata. Festival de Valladolid (SEMINCI), España. 2012 Sección Oficial. Festival de Tokyo, Japón. 2013 Nominada a Mejor Actriz (Sukowa). Premios del Cine Europeo.

Retrato de la filósofa y teórica alemana, Hannah Arendt, durante uno de los momentos más importantes de su carrera cuando en 1961 cubrió para el diario estadounidense The New Yorker el juicio contra el ex nazi Adolf Eichmann. Sus escritos sobre el proceso causaron controversia por la descripción que hizo de Eichamann y los consejos judíos, así como por la introducción del famoso concepto de “la banalidad del mal”. Usando las grabaciones originales del juicio, la película también cuenta con representaciones de otros destacados intelectuales como Martin Heidegger, William Shawn y Mary McCarthy.

nd mantarraya: 15 ANIVERSARIO Pocas distribuidoras independientes en México se dan el lujo de cumplir 15 años consecutivos incluyendo en sus contenidos películas de calidad, ganadoras de importantes premios alrededor del mundo, pero también son pocas las distribuidoras que entre sus producciones cuentan con películas de realizadores mexicanos reconocidos internacionalmente. ND Mantarraya celebra sus XV años con un programa que se proyectará del 8 de enero al 2 de marzo en la Sala 3 de la Cineteca Nuevo León, espacio cinematográfico que ha sido testigo de su esfuerzo y en donde juntos hemos logrado dar a conocer al público sus mejores propuestas. Del miércoles 8 al domingo 12 de enero / Sala 3 Funciones 17:00 y 19:30 h

LOS BASTARDOS

Dir. Amat Escalante (México / 2009 / 90 min.) Del martes 14 al domingo 19 de enero / Sala 3 Funciones: 17:00 y 19:30 h

BATALLA EN EL CIELO

Dir. Carlos Reygadas (México-Bélgica-Francia-Alemania / 2005 / 98 min.) Del martes 21 al domingo 26 de enero / Sala 3 Funciones: 17:00 y 19:30 h

FLORES EN EL DESIERTO Dir. José Álvarez (México / 2009 / 71 min.)

Del martes 28 de enero al domingo 02 de febrero / Sala 3 Funciones: 17:00 y 19:30 h

LUZ SILENCIOSA

Dir. Carlos Reygadas (México-Bélgica-Francia-Alemania / 2007 147 min.) Del martes 04 al domingo 09 de febrero / Sala 3 Funciones 17:00 y 19:30 h

SANGRE

Dir. Amat Escalante (México-Bélgica-Francia-Alemania / 2007 / 90 min.)

Del martes 11 al domingo 16 de febrero / Sala 3 Funciones: 17:00 y 19:30 h

RÍO DE ORO

Dir. Pablo Aldrete (México / 2010 / 110 min.) Del martes 18 al domingo 23 de febrero / Sala 3 Funciones: 17:00 y 19:30 h

POST TENEBRAS LUX

Dir. Carlos Reygadas (México-Francia-Países BajosAlemania / 2012 / 120 min.) Del martes 25 de febrero al domingo 02 de marzo / Sala 3 Funciones: 17:00 y 19:30 h

ALAMAR

Dir. Pedro González Rubio (México / 2009 / 73 min.)

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CINE TONALÁ PRESENTA: Viernes 10 de enero / Sala 2 Única función: 21:00 h

LOS CHIDOS FUNCIÓN CON PRESENCIA DEL DIRECTOR. DIRECCIÓN, GUIÓN Y PRODUCCIÓN: OMAR RODRÍGUEZ-LÓPEZ. FOTOGRAFÍA: MICHAEL RIZZI. EDICIÓN: ADAM THOMSON. SONIDO: JEREMY CHILDERS Y JONATHAN DEBAUN. CON: MARÍA DE JESÚS CANALES RAMÍREZ, KIM STODEL, MAIMUNA ACHLEITNER JIMÉNEZ, BRUNO CHAPIZ, MANUEL RAMOS, ERASMO RODRÍGUEZ, CECILIA GUTIÉRREZ, ALEJANDRO RODRÍGUEZ, MÓNICA GUZMÁN. DISTRIBUIDORA: CINE TONALÁ.

PREMIOS: 2013 SELECCIÓN OFICIAL. FESTIVAL DE CINE SOUTH BY SOUTHWEST DE AUSTIN, ESTADOS UNIDOS. 2013 SECCIÓN OFICIAL. FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE FANTÁSTICO DE PUCHON, COREA DEL SUR. 2013 SELECCIÓN OFICIAL. FESTIVAL INTERNACIONAL DE RÍO DE JANEIRO, BRASIL. 2013 SECCIÓN OFICIAL EN COMPETENCIA PARA MEJOR NARRATIVA. FESTIVAL L´ETRANGE DE PARÍS, FRANCIA. 2013 SECCIÓN GRAN PÚBLICO. FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE DE LA RIVIERA MAYA, MÉXICO.

El multiinstrumentista, compositor, productor y guitarrista de la banda The Mars Volta vuelve a colocarse detrás de las cámaras para dirigir esta fábula satírica e irritante sobre el machismo en Latinoamérica y las relaciones de poder. En algún punto de México, la familia González regentea el puesto de llantas “Los Chidos”, ubicado en un espacio privilegiado por el que circula una gran cantidad de automovilistas. Los González, no obstante, parecen estar poco interesados en su negocio, pues gastan sus días sentados ante la pantalla del televisor, comiendo tacos compulsivamente. La llegada de un extranjero cambia la predecible rutina de la familia. Después de vagar sin rumbo, Omar Rodríguez-López Bayamón (Puerto Rico, 1975) comenzó a dedicarse a la música a temprana edad. Uno de sus proyectos más exitosos es The Mars Volta, banda en la que funge como guitarrista, compositor y productor. Incursionó en el cine como actor y director con The Sentimental Engine Slayer (2010).

ambulante presenta: Jueves 23 de enero / Sala 2 Única función: 18:30 h ENTRADA LIBRE

AI WEIWEI: NUNCA SE ARREPIENTE AI WEIWEI: NEVER SORRY, ESTADOS UNIDOS, 2012, 90 MIN.

DIRECCIÓN: ALISON KLAYMAN CON EL APOYO DE: AMBULANTE, GIRA DE DOCUMENTALES. Película sobre el famoso artista y activista chino Ai Weiwei. En los últimos años, Weiwei ha captado la atención internacional tanto por su ambiciosa obra como por sus provocaciones políticas. El filme analiza la confluencia entre arte y activismo social a través de la vida y la creación de los artistas contemporáneos más importantes de China.

Jueves 20 de febrero / Sala 2 Única función: 18:30 h ENTRADA LIBRE

REPORTERO DIRECCIÓN: BERNARDO RUIZ CON EL APOYO DE: AMBULANTE, GIRA DE DOCUMENTALES. Los temas periodísticos de actualidad van y vienen, pero ¿cuáles son las historias insondables de un lugar? Esa es la pregunta que inspira a un reportero y fotoperiodista veterano en la ciudad fronteriza de Tijuana. Nativo de Mexicali, recorre la vida de los habitantes de la región y retoma los temas apuntados en su libreta de anotaciones: migración, corrupción y el incremento en la violencia relacionada con el tráfico de drogas. Por medio de una serie de historias conectadas entre sí, nos volvemos testigos de los desafíos que esta región, y toda la frontera México–EUA, enfrenta.