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"Sayri " Photo by Ishmael, 2013.

Todos poseemos un talento, todos tenemos la capacidad de ser creativos; y la mayoría vivimos sin saberlo, convencidos muchas veces de que el creativo es aquel que sabe componer melodías, o escribir una poesía.

Probablemente, no solamente tiene que cambiar el sistema educativo sino también las personas: el sistema educativo tiene que ser muy distinto, “pero las personas tienen que ser un término que utilizas mucho y que me fascina: creativas. Deben ser más creativas, y no solamente asimilar más contenidos académicos en el cerebro, sino ser más creativas. ¿Qué significa eso? ¡Las personas no son creativas por naturaleza! ¿O sí que lo son? ¿Son distintas, o tienen que elegirlo? ¿Cuáles son los secretos para ser creativo?”. “déjame que añada algo sobre los retos a los que nos enfrentamos y que, en mi opinión, nos fuerzan a pensar de un modo distinto sobre la creatividad.

Hay dos grandes fuerzas: la tecnología y la demografía. Ahora la población ya no solamente se mantiene, sino que crece exponencialmente. Por el camino, evidentemente, hemos dañado el medio ambiente y destruido muchas otras especies”.

“Todo esto no lo apunto ideológicamente, es una mera constatación científica: hemos creado problemas sin precedentes. Y no lo digo porque sea alarmista, pero me preocupa que no se hable suficiente de estos temas. Resulta que, irónicamente, el motivo por el que esto ha sucedido es por la creatividad del ser humano. Hay algo en lo que somos totalmente distintos del resto de vida de la Tierra, y es que tenemos una imaginación muy potente. Gracias a la imaginación se puede visitar el pasado y anticipar el futuro; se puede asumir el punto de vista de otra persona. Estoy convencido de que ahí radica el rasgo distintivo de la inteligencia humana. La creatividad es un paso adelante. La creatividad significa poner la imaginación a trabajar. También se puede entender la creatividad como imaginación aplicada: es el proceso de tener ideas nuevas que sean valiosas. Hemos creado nuestro mundo en un sentido literal, y también hemos creado los problemas que han sobrevenido.

Sin embargo, podemos recrearlo, yestoy convencido de ello! Creo que el poder de la creatividad constituye a la vez la fuente de nuestros problemas y la posible manera de solucionarlos”. ¿Qué podríamos decirles a los jóvenes, y a los padres y madres que no saben qué decir cuando sus hijos les preguntan: mamá, ¿qué debería hacer, ciencia o cine o arte o danza? ¿Qué les dirías?

"Publiqué un libro hace cosa de un año llamado El elemento: descubrir tu pasión lo cambia todo. Por ejemplo, en mi caso, hay algunas cosas que se me dan muy bien, y otras que se me dan fatal: simplemente se me escapan. No soy demasiado bueno con las matemáticas: hay muchas cosas que no comprendo. No sé tocar ningún instrumento, carezco de la paciencia necesaria. Sin embargo, para otras cosas tengo confianza, porque se me dan bien. El elemento trata de esto: de la diversidad. ¿Conoces la expresión, verdad? Decimos que alguien está en su elemento…

Y a lo que nos referimos cuando decimos que alguien está en su elemento es que hace algo con lo que se siente cómodo, como pez en el agua. La vida es orgánica y creativa, creas tu vida a partir de tu imaginación, de tu temperamento y de las oportunidades que generas, las que aprovechas y las que dejas pasar”.

Pero estar en tu elemento es más que eso, dice Robinson, “porque conozco a muchas personas a las que se les dan bien cosas que no les gusta hacer. Para estar en tu elemento, tiene que encantarte lo que haces; la clave es la pasión. Si algo te encanta, si algo te apasiona y encima se te da bien, como decía Confucio, nunca vuelves a trabajar, porque vives la vida que te corresponde vivir. Te conviertes en tu yo más auténtico. Para mí, éste es el quid de la cuestión. Sabes que estás en tu elemento cuando se te altera el sentido del tiempo. Creo que, al final, y en esto se basa lo que digo, si nos replanteamos la metáfora de cómo vivimos, al final todo es energía, es tan simple como eso”.

De hecho, diez años después, desfilaba en la apertura de las olimpiadas de Montreal representando a Estados Unidos en el equipo de gimnasia masculina. Llegó a ser el gimnasta masculino más laureado de la historia estadounidense. Ahora vive en Norman (Oklahoma), y está casado con Nadia Comaneci, primera gimnasta femenina que obtuvo una nota perfecta, de diez. Tienen un hijito encantador llamado Dylan, y dirigen un gimnasio fabuloso. Además, él y Nadia son dos figuras destacadas del movimiento de Special Olympics. Entre ambos, han ayudado a sacar a la luz las capacidades atléticas de millones de atletas con necesidades especiales. Pues bien, hay dos cosas que querría decir al respecto. La primera es que la madre de Bart, cuando su hijo tenía 8 años… Estar vivo, en mi opinión, es un proceso creativo y, como con todas las formas de vida, si puedes crear tu vida, puedes recrearla”.

“Lo segundo que quiero apuntar es que, aunque la madre de Bart le animó, jamás podría haber anticipado la vida que tendría. No podía saber, cuando le llevó a ese gimnasio de Illinois, que ganaría la medalla olímpica, se casaría con Nadia Comaneci y ayudaría a millones de atletas con discapacidades. La creatividad es un proceso muy práctico. La vida es orgánica y creativa, creas tu vida a partir de tu imaginación, de tu temperamento y de las oportunidades que generas, las que aprovechas y las que dejas pasar. Estar vivo, en mi opinión, es un proceso creativo y, como con todas las formas de vida, si puedes crear tu vida, puedes recrearla".

Lo primero realmente es elegir adecuadamente el medio, y luego conectar con la pasión que se siente cuando estas en el elemento propio. ¿Cuál sería el segundo secreto de la creatividad? ¿capacidad de control? ¿Controlar tu profesión, controlar tu vida?. “la creatividad es un proceso muy práctico. Hay muchas nociones falsas sobre la creatividad. Una de ellas es que todo se basa en dejarse ir, que ser creativo es hacer cualquier cosa que se te pase por la cabeza. Yo defino la creatividad como el proceso de tener ideas originales que aporten valor. Para ser creativo hay que hacer algo, y esto significa que hay que trabajar con algo. Se puede ser creativo con cualquier cosa: puedes ser un matemático muy creativo y también puedes ser un químico creativo, un entrevistador creativo, un profesor creativo, un académico creativo, un músico creativo… ¡puedes ser creativo con cualquier cosa que implique inteligencia! Pero, para ser creativo, hay que poder, con el tiempo, controlar los materiales con los que trabajas, para obtener los efectos que te interesan y seguir el camino que te fijes". “lo que me interesa es convertir la creatividad en algo central, no solamente para la educación, sino también para nuestra vida y nuestra manera de hacer negocios.

Mi opinión es que todo el mundo tiene facultades creativas, y que se pueden desarrollar. Cuando alguien dice que no es creativo, simplemente significa que no ha estudiado lo que corresponde y que no lo ha practicado. A veces se cree que la creatividad se limita a las personas especiales, y no es así Pienso que decir que no eres creativo es como cuando alguien dice que no sabe leer. Cuando alguien dice eso, no entendemos que sea incapaz de leer y escribir, sino que pensamos que lo que nos está diciendo es que no ha aprendido a hacerlo todavía, que todavía no ha estudiado lo necesario, que nadie se lo ha enseñado. Yo creo que sucede lo mismo con la creatividad: cuando alguien dice que no es creativo, simplemente significa que no ha estudiado lo que corresponde y que no lo ha practicado. A veces se cree que la creatividad se limita a las personas especiales, y no es así”.

Según Robinson, se puede enseñar a la gente a ser más creativa, y deberíamos hacerlo en la escuela, en el mundo empresarial y en nuestra vida cotidiana.

“Una parte de ser creativo tiene que ver con lanzar hipótesis, probar cosas, hacer bocetos, explorar posibilidades… pero la segunda parte consiste en ser crítico, hacer juicios sobre los resultados y plantearse: y bien, ¿funciona? ¿Es lo que buscaba? Es un proceso constante para darle forma y moldearlo y, en cuanto comprendamos que ser creativo es un proceso material para el que hay que adquirir destreza y práctica, podremos enseñarlo”.

Así que la respuesta a un padre que quiere saber qué aconsejarle a su hijo es que lo observe primero. Que no mire al mundo que lo rodea, sino al niño o niña primero, para ver qué le inspira, qué capta su atención… ¿Quién es? ¿Cuáles son las cosas que le entusiasman? ¿Cuáles son las cosas por las que se siente atraído, o las cosas que le provocan rechazo?

“Hay muchos, pero uno de ellos es el de un hombre que ahora es un gran amigo mío, es un tipo fantástico. Se llama Bart Conner. Bart Conner tiene ahora unos cuarenta años y vive en Oklahoma, ahí le conocí. Cuando tenía 6 años, descubrió que podía andar sobre las manos con la misma facilidad con la que andaba sobre los pies. Así que empezó a hacerlo…Luego descubrió que podía bajar y subir escaleras andando sobre las manos, con la misma facilidad que si estuviera de pie. Nadie más podía hacerlo, pero él sí, y no le servía para mucho, ¡aunque era muy popular en las fiestas!Constantemente le invitaban a fiestas. Su madre se lo estuvo planteando y, cuando Bart tenía 8 años, habló con la escuela y les preguntó si podía llevar a Bart al centro gimnástico de la ciudad en la que vivían, que entonces era Illinois.

Le dijeron que sí, y se llevaron a Bart al gimnasio. Él me ha dicho que recuerda perfectamente el día que llegó ahí. Me dijo: “al abrir la puerta y entrar en el gimnasio, pensé que era como Disneylandia; había espalderas, trapecios y trampolines,era embriagador”.

Y empezó a ir cada día, tan a menudo como podía. extracto de una entrevista a sir ken robinson

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We all have a talent, we all have the ability to be creative, and most live unknowingly often convinced that creativity is one who can compose melodies, or write a poem.

of Bart, when his son was eight years ... Being alive, in my opinion, is a creative process and, as with all forms of life, if you can create your life, you can recreate it. "

Probably not only have to change the educational system but also the people: the educational system has to be very different, "but people have to be a term that you use a lot and that I love: creative. They should be more creative, not just assimilate more academic content in the brain, but to be more creative. What does that mean? People are not creative by nature! Or yes you are?

Are they different, or have to choose? What are the secrets to be creative? ".

"My second point is that although Bart's mother encouraged him, I could never have anticipated what would life. He could not know, when I took that gym of Illinois, who would win the Olympic medal marry Nadia Comaneci and help millions of athletes with disabilities. Creativity is a very practical. Life is organic and creative, create your life from your imagination, your temperament and generate opportunities, which take advantage and you let go. Being alive, in my opinion, is a creative process and, as with all forms of life, if you can create your life, you can recreate it. "

"Let me add something about the challenges we face and in my opinion, we are forced to think differently about creativity. There are two major forces: technology and demographics. Now the population and not only continues, but grows exponentially. By the way, we have clearly damaged the environment and destroyed many other species. " "This not about to ideologically, is merely a scientific finding: we have created unprecedented problems. And do not say because it alarmist, but I worry that not enough talk about these issues. It turns out that, ironically, the reason this has happened is because of the creativity of human beings. There is something that we are totally different from the rest of life on Earth, and we have a very powerful imagination. Thanks to the imagination you can revisit the past and anticipate the future, you can assume the point of view of another person. I believe that therein lies the hallmark of human intelligence. Creativity is a step forward. Creativity means putting the imagination to work. We can also understand creativity as applied imagination: it is the process of having new ideas that are valuable. We created our world in a literal sense, and we have also created the problems that have arisen.

However, we can recreate, yestoy convinced of it! I think the power of the creativity is both the source of our problems and the possible ways to solve them. "

The first thing is to choose properly really means, and then connect with the passion you feel when you are in the element itself.

What would be the second secret of creativity? Controllability?? To control your career, controlling your life?.

What could we say to young people, and parents who do not know what to say when your children ask mom, what should I do, science or art or theater or dance?

What would you say?

"I published a book about a year ago called The Element: discover your passion changes everything. For example, in my case, there are some things that give me very well, and others that I stink: just escape me. I'm not too good at math: there are many things I do not understand. know not play an instrument, lack the necessary patience., however, for other things I have confidence because I'm good. The element is this: the diversity. You know the expression, right? say that someone is in his element ... And what we mean when we say someone is in his element is that something that makes you feel comfortable, like a fish in water. Life is organic and creative, create your life from your imagination, your temperament and generate opportunities, which take advantage and you let go. " But be on your item is more than that, says Robinson, "because I know many people who do well are things they do not like to do. To be in your element, you gotta love what you do, the key is passion. If you love something, if something you are passionate about and above you are good, as Confucius said, you never come back to work, because you live the life you live is for. You become your most authentic self. For me, this is the crux of the matter. You know you're in your element when you alter the sense of time. I think that in the end, and this is based on what I say, if we rethink the metaphor of how we live, in the end everything is energy, it's as simple as that. "

"Creativity is a very practical. There are many false notions about creativity. One is that it is all about letting go, to be creative is to do anything that comes to your mind. I define creativity as the process of having that add value original ideas. To be creative we must do something, and this means you need to work with something.

You can be creative with anything: a mathematician can be very creative and can also be a creative chemist, an interviewer creative, creative professor, an academic creative, creative musician ... you can be creative with anything involving intelligence!

But, to be creative, one must be able, eventually, control the materials you work with to get the effects that interest you and follow the path you take notice. " "What interests me is turning into something creative center, not only for education but also for our lives and our way of doing business. My opinion is that everyone has creative powers, and that can be developed. When someone says it's not creative, it simply means that he has not studied what belongs and who has not practiced. It is sometimes believed that creativity is limited to special people, and I think it does not mean you're not creative is like when someone says they can not read. When someone says that, I understand that it is unable to read and write, but we think what we are saying is that it has not learned to do yet, who has not yet studied the necessary, that no one has taught. I think so with creativity: when someone says it's not creative, it simply means that he has not studied what belongs and who has not practiced. It is sometimes believed that creativity is limited to special people, and it is not. " According to Robinson, you can teach people to be more creative, and we should do in school, in business and in our daily lives.

"Part of being creative is about to launch hypothesis, try things, make sketches, explore possibilities ... but the second part is to be critical, make judgments about the results and ask: well, does it work? Is that what you wanted? It is an ongoing process to shape and mold and, as we understand that being creative is a material process for which you have to acquire skill and practice, we teach. "

So the answer to a parent who wants to know what to advise your child is that you notice first. Do not look at the world around him, but the child first, to see what inspires you, what captures your attention ... Who is? What are the things that excite you? What are the things that are attracted, or things that cause rejection?

"There are many, but one of them is that of a man who is now a friend of mine, is a fantastic guy. It's called Bart Conner. Bart Conner is now forty years old and lives in Oklahoma, there met him. When I was six years, he found he could walk on his hands with the same ease with which he walked on foot. So I started doing ... then found he could go up and down stairs, walking on his hands, as easily as if you were standing. No one else could do it but he did, and it did not help to much, although it was very popular at parties! Constantly inviting him to parties. Her mother was raising and, when Bart was 8 years old, spoke to the school and asked them if I could take Bart gymnastic center of the city in which they lived, which was then Illinois. I said yes, and took Bart to the gym. He told me that remembers well the day he arrived there. He said, "when you open the door and get into the gym, I thought it was like Disneyland, had trellises, trapezes and trampolines, was intoxicating."

And started going every day, as often as he could.

In fact, ten years later, paraded at the opening of the Montreal Olympics representing the United States in the men's gymnastics team. He became the most decorated male gymnast in U.S. history. He now lives in Norman (Oklahoma), and is married to Nadia Comaneci, the first female gymnast who earned a perfect score of ten.

They have a lovely little boy named Dylan, and run a fabulous gym. In addition, he and Nadia are two figures in the Special Olympics movement. Between them, they have helped bring to light the athletic abilities of millions of athletes with special needs. Well, there are two things I would say about it. The first is that the mother *excerpt from an interview with Sir Ken Robinson

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En el momento actual estamos viviendo en un era de extinción masiva. Cada año, más de 20.000 especies únicas desaparecen de este planeta para siempre. Esto representa más de dos especies por hora. La extinción de las especies es el combustible que sostiene el creciente progreso de la maquinaria de la civilización.

Los individuos humanos están en su mayor parte aislad@s de la realidad de la perdida de especies. Alienad@s del mundo natural, guiados por actitudes antropocéntricas, el ser humano medio no es consciente y no se preocupa por el holocausto biológico que tiene lugar cada día.

Los hechos son claros. Durante nuestra generación se extinguirán más especies de plantas y animales de las que se han perdido por causas naturales durante los últimos doscientos millones de años. Sólo nuestra generación humana, es decir todas las personas nacidas entre 1930 y 2010, asistirán a la destrucción completa de un tercio o hasta la mitad de todas las formas de vida de la Tierra, todas y cada una de ellas el producto de más de dos billones de años de evolución. Esto es una hecatombe biológica, y lo que esto significa realmente es el fin de la evolución vertebrada sobre el planeta Tierra.

La naturaleza está bajo asedio a una escala global. Los biotopos, es decir las regiones medioambientalmente distintas, desde las selvas tropicales y de clima templado hasta los arrecifes de coral y estuarios costeros, se están desintegrando ante la arremetida humana.

La destrucción de los bosques y la proliferación de la actividad humana eliminará más del 20 por ciento de todas las especies de plantas terrestres en los próximos cincuenta años. Dado que las plantas forman la base del conjunto de las actividades bióticas, su desaparición conllevará la extinción de un número exponencialmente mayor de especies animales – quizás diez especies de fauna por cada tipo de planta eliminada.

Hace sesenta y cinco millones de años, un cataclismo natural dio como resultado la extinción de los dinosaurios. Incluso con una base vegetal intacta, llevó más de 100.000 años el que se restableciera la diversidad biológica de la fauna. Aún más importante es que la resurrección de la diversidad biológica requiere de una zona intacta de bosques tropicales para proporcionar nueva especiación después de la extinción. Hoy, las selvas tropicales están desapareciendo más rápidamente que cualquier otra bio-región, asegurando que después de la era de los humanos, la Tierra quedará como un desierto biológico, (o incluso en un sentido literal), durante eones (millones de años). El actual curso de la civilización se dirige al ecocidio – la muerte de la naturaleza.

Como un tren a toda máquina, la civilización está acelerando por las vías de nuestra propia fabricación hacia el muro de piedra de la extinción. Los pasajeros humanos están sentados cómodamente en sus asientos, riendo, divirtiéndose, y eligiendo no mirar por la ventana. L@s ecologistas son los poc@s perspicaces que tienen sus caras apretadas contra el cristal, viendo los cuerpos de animales y plantas arrojados. L@s activistas ecológic@s son aquellas personas, aún menos, que están tratando desesperadamente de asaltar la máquina fortificada de codicia que impulsa este juggernaut destructivo, aniquilador de especies. Otr@s están arrojando anclas desesperadamente en un intento de reducir la velocidad del monstruo mientras las autoridades, ciegas a su propia destrucción inminente, están aporreando, disparando y encarcelando a quienes pretenden salvarnos a tod@s.

At present we are living in an era of mass extinction. Each year, more than 20,000 unique species disappear from this planet forever. This represents more than two species per hour. The extinction of species is the fuel that sustains the growing progress of the machinery of civilization.

Human individuals are largely insulated from the reality of the loss of species.

Alienated from the natural world, guided by anthropocentric attitudes, the average human is not aware and does not care about the biological holocaust that takes place every day.

The facts are clear. During our generation will die more species of plants and animals that have been lost through natural causes during the last two million years. Only our human generation, ie all persons born between 1930 and 2010, will attend the complete destruction of one third to half of all life forms on Earth, each and every one of them the product of more than two billion years of evolution.

This is a biological catastrophe, and what it really means to vertebrate evolution on planet Earth.

Nature is under siege on a global scale. Biotopes, ie environmentally distinct regions, from tropical rainforests and temperate to coral reefs and coastal estuaries, are disintegrating under the onslaught of man.

The destruction of forests and the spread of human activity will remove more than 20 percent of all terrestrial plant species in the next fifty years. Since plants form the basis of all the activities biotic extinction lead disappearance of a exponentially greater number of animal species - perhaps ten wildlife species for each type of plant eliminated.

For sixty-five million years, a natural disaster resulted in the extinction of the dinosaurs. Even with a vegetable base intact, took more than 100,000 years to restore the biological diversity of wildlife. Even more important is that the resurrection of biological diversity requires intact tropical forest area to provide new speciation after extinction. Today, rainforests are disappearing faster than any other bio-region, ensuring that after the age of humans, the Earth will remain a biological desert, (or even in a literal sense), for eons (million years) . The current course of civilization goes to ecocide - the death of nature.

Like a train at full speed, civilization is speeding along the tracks of our own making into the stone wall of extinction. The human passengers are sitting comfortably in their seats, laughing, having fun, and choosing not to look out the window. Environmentalists are those perceptive few who have their faces pressed against the glass, watching the bodies of animals and plants thrown.

Environmentalists are people, still less that are desperately trying to storm the fortified machine greed that drives this destructive juggernaut, annihilator of species. Others are throwing anchors desperately in an attempt to slow the monster as authorities, blind to their own impending destruction, are clubbing, shooting and jailing those who would save us all.

byPaul Watson http://www.sindominio.net

"puente la reina" "the Queen Bridge"

Escribo desde Gares o Puente la reina, uno de los rincones de Navarra (Espa単a) donde los paseos no son cuestion solo de los nativos, sino de medio mundo. Es un rincon del camino de santiago lleno de bastones, buena comida y buena gente.

Aqui inscribieron en la piedra la obligacion de la caridad hacia los presos para que pudieran comenzar una nueva vida.

Admirable verdad? asi es su cultura y asi la he sentido.

Writing from Gares or the Queen Bridge, one of the places in Navarra (Spain) where the rides are not only native question, but half the world. It is a corner of the Camino de Santiago full of sticks, good food and good people.

Here inscribed in stone the obligation of charity to the prisoners so they could start a new life.

Admirable truth? so is their culture and I have felt so.

hola desde la capital de la independencia.

Aquí llegaron unos tipos que se apoderaron de las tierras y decidieron escribir una carta, no como esta, en ella escribieron sobre dos principios fundamentales, la libertad y la igualdad. Que curioso! ellos que se apoderaron de las libertades de los nativos y continúan con las desigualdades.

Resume una filosofía que justifica una revolución cuando el gobierno hace daño a los derechos naturales. ja!

Afirmaban que existen condiciones bajo las cuales el pueblo debe cambiar su gobierno, y es necesario que las "provincias" anuncien su separación y disuelvan sus lazos con el poder, la corona británica.

También me parece curioso que ninguno de ellos fuese nativo y menos mujer.

En fin, es una ciudad increíble, llena de contrastes y buena música.

hello from the capital of independence.

Here come some guys who took over the land and decided to write a letter, not like this, she wrote on two fundamental principles, freedom and equality.

Curious! seized them freedoms of indigenous and continue to inequalities.

It summarizes a philosophy that justifies a revolution when the government harms natural rights. jah!

They claimed that there are conditions under which people must change their government, and it is necessary that the "states" announce their separation and dissolve its ties with the power, the British crown.

I also find it curious that none of them were native and less women.

Finally, it is an incredible city, full of contrasts and good music.

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saludos desde Zaragoza, ciudad de gente amable y luchadora. parece mentira como perduran los restos de la invasiĂłn romana de hace ya tantos siglos y como se siente el calor de la cultura africana, aun presente en muchos rincones de esta ciudad.

Pero algo que ya no me sorprende es encontrarme productos chinos en tiendas que huelen a setas secas y caldos de sobre. la verdad es que me gusta encontrarme entre fideos, soja y bambĂş, algo que me recuerda que este donde este uno se puede encontrar con comida china, bebidas de cola y polĂ­tica corrupta.

Bueno, una ciudad donde encontrar tranquilidad, cultura y buena comida. un saludo.

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greetings from Zaragoza, a city of friendly people and a fighter. seems to lie as endure the remains of the Roman invasion many centuries ago and as you feel the warmth of the African culture, still present in many corners of the city.

But something that is not surprising to find Chinese products in stores that smell like dried mushrooms and packet soups. the truth is that I like to be among noodles, soy and bamboo, which reminds me that wherever you are you may be faced with chinese food, cokes and corrupt politics.

Well, a city will find peace, culture and good food. a greeting.

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"Desastre naranja nยบ 5" Andy Warhol, 1963.

"¿Quién quiere la realidad?"

La imagen de la silla eléctrica fue utilizada por primera vez por Warhol en 1964 en la serie "Muerte y Desastre". Warhol señaló que era Henry Geldzahler, restaurador del Museo Metropolitano de Arte, quien "me dio la idea de empezar la serie Muerte y Desastre. Los dos estábamos almorzando un día de verano [1962] sentados con las noticias diarias sobre la mesa. El titular era '129 mueren en un jet ', y eso es lo que me inició en la serie de la muerte y los desastres", Andy pasó horas en la biblioteca de Nueva York buscando la foto de la silla eléctrica que sirvió para la ejecución de los supuestos espías Julius y Ethel Rosenberg, y que el deseaba tener en su poder. Después de un tiempo y muchos catálogos se enamoro de una en particular, perteneciente a un trío de sillas eliminadas del mercado por la Ingeniería Internacional de Wilmington, California, ya que en lugar de electrocutar, quemaban. Su dueño, Pietro Psaier, a quien le suplicaría por su venta, nunca se la vendió y tan solo dejo que se la alquilara. Con los años, la silla fue acreditándose como propiedad de Warhol, tanto la obra como la idea. Fue expuesta en la exposición de Alcatraz en San Francisco en 1985. Al morir Andy Warhol, la silla fue devuelta a Pietro Psaier y ha permanecido en su colección particular hasta la adquisición por parte de Atlántica (fondo de arte privado de origen gallego y completamente centrado en el pop art).

Fue tanto su pasión por esta silla que Andy la usaba para sus sesiones de cine de terror con palomitas incluidas, además de utilizarla en 1973 en su película “Flesh for Frankestein”. Aunque más escalofriante es la historia que cuenta Roman Polansky, quien probo su funcionamiento friendo unos entrecots con Nico y Andy en la Factory.

Andy Warhol realizó múltiples serigrafías de la silla eléctrica, sirviendose de fotografías sacadas de las crónicas de sucesos de los periódicos, mostrando la otra cara del sueño americano, vulgarizada por los medios de comunicación americanos; y como herramienta descontextualizada de la opresión política. Sillas que resultan dramáticas y frías en la distancia de una escenografía vacía de presencia humana. Hasta ese momento nunca se había reflejado en el arte de una manera tan directa, un medio de ejecución de la pena capital que expresara una carga tan significativa del contexto social y político, como metáfora de la muerte, Warhol extrae del Dadá la idea de unir arte y vida, es decir, anular la separación abismal que existe entre la vida cotidiana de las personas y el arte. " Lo importante no es la realización manual de la obra de arte sino la elección del objeto, que lo es por su propio valor artístico", decía Warhol y mucho antes Duchamp.

En esta obra en concreto, "Desastre naranja nº 5", utiliza el color de la vida para plasmar la muerte de una sociedad americana plagada de armas, publicidad y consumo. 15 repeticiones que recrean ese consumismo frío y esas gigantescas montañas de objetos absurdos que inundan los supermercados y tiendas, ya, de todo el mundo.

Una hoja de contactos donde cada foto encuadra la muerte de una forma fría y vacía, donde el espectador se estremezca como si asistiera a una ejecución múltiple y donde el único aliento de armonía lo marca el propio color naranja.

Pura expresión gráfica, propia de un periódico cualquiera, que llama a la atención tanto de un espectador de la calle, como de un gran banquero de wallstreet.

Obra que, desde con h, la comparamos con gran respeto con la obra de banksy "silla de oficina", donde se puede ver un joven rompiendo una silla de ruedas (estilo london calling) tipica de cualquier oficina y, que a su vez tambien muestra ese simbolismo del objeto social como muestra de arte. Con la diferencia de que banksy no comercializa la obra en cuestion sino unas reproducciones estampadas en productos de subvenir como camisetas y tazas de porcelana.

"Who wants reality?"

The image of the electric chair was first used by Warhol in 1964 in the series "Death & Disaster".

Warhol said it was Henry Geldzahler, restorer Metropolitan Museum of Art, who "gave me the idea to start the Death and Disaster series. Both were having lunch one day in summer [1962] with the daily news sitting on the table. Holder was killed in a jet '129 ', and that's what got me started on the number of death & disaster".

Andy spent hours in the library of New York looking for the picture of the electric chair was used for the execution of the alleged spies Julius and Ethel Rosenberg, but wanted to have one in his possession. After a while and many catalogs fell in love with one in particular, part of a trio of chairs out of the market by the International Engineering Wilmington, California, since instead of electrocuting, burning. Its owner, Pietro Psaier, who would plead for sale, never sold and only let it rented. Over the years, the chair was credited as the property of Warhol, both the work and the idea. It was exhibited at the Alcatraz in San Francisco in 1985. When Andy Warhol died, the chair was returned to Pietro Psaier and has remained in his private collection to the acquisition

by Atlantic (private art collection of Galician origin and completely focused on pop art).

Such was her passion for this chair Andy used it to their horror film sessions with popcorn included, in addition to using it in 1973 in his film "Flesh for Frankenstein". Even more chilling is the story that Roman Polanski, who proved some steaks frying operation with Nico and Andy at the Factory.

Andy Warhol silkscreens multiple electric chair, using photographs taken from the chronicles of events in the newspapers, showing the other side of the American dream, popularized by the American media, and as a tool of political oppression decontextualized. Chairs that are dramatic and cold in the distance of a stage empty of human presence. Until then it had never been reflected in the art of such a direct way, a means of execution of the death penalty as a charge to express significant social and political context, as a metaphor for death, Warhol extracted from Dadá the idea of uniting art and life, ie the separation abysmal void that exists between people's daily life and art. "The important thing is not manually performing the work of art but the choice of object, which is by its own artistic value," said long before Warhol and Duchamp.

In this particular work, "Orange Disaster # 5", use the color of life to reflect the death of an American society plagued by guns, advertising and consumption. 15 repetitions consumerism recreate the cold and these gigantic mountains of absurd objects that fill the supermarkets and shops, and, worldwide.

A contact sheet where each photo frames death in a cold and empty, where the spectator shudder as if attending multiple execution where the only breath of harmony is marked by the orange itself.

Pure graphic expression, typical of any newspaper, calling the attention of both a spectator of the street as a large wallstreet banker.

Work that since AHP, we compare it with great respect for the work of banksy "office chair", where you can see a young man breaking a wheelchair (london calling stile), typical of any office, which in turn also shows that symbolism of the object social and art show. With the difference that Banksy does not sell the work in question but a stamped reproductions of providing for products like shirts and cups.

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"Todos esos que miran desde fuera cómo paseo mi cojera por entre los cuadros mientras te abrazo piensan que soy yo el que te está explicando las obras de arte. Lo que no saben es que lo que te pido es que me las expliques tú a mí. O al menos esperaba que me las explicaras antes de morir. Ahora ya sé que es imposible. Decía Schiller que la belleza es el camino de la libertad. Quizá sea eso lo único que importa, que creemos algo bello para llegar a ser libres. Que ampliemos el concepto de arte para que esto también sea arte. Que dejemos de mirar los cuadros y miremos la vida, el susurro, la naturaleza, la muerte, lo sagrado. No puedo pedirle lo mismo a un perro, a un gato o a un caballo: el hombre les ha arrebatado su dignidad, su albedrío, lo que tienen de bello y de libre. Sería imposible que ellos me explicaran el arte, ni yo a ellos. Como probablemente es imposible que todos esos que miran disfruten o expliquen lo que hago aquí dentro, chorreando oro, grasa y miel. Pero tú eres la liebre, el conejo loco de Lewis Carroll que corretea y siempre llega tarde, y me agarro a ti como el que se agarra al cordón umbilical temiendo el tijeretazo definitivo. Tú me unes a la naturaleza, aunque ya estés muerta. O precisamente por eso. Tú, que eres pura energía, que eres (o eras) pura vitalidad, que eres sobrehumana, que estás más cerca de lo divino, de lo sagrado, me dices más sobre el arte muerta que lo que yo te pueda decir a ti vivo. En ti está lo frágil, lo bello, lo delicado, lo sensual. Eres la naturaleza que muere y renace cada abril. Eliot dijo: “Abril es el mes más cruel, hace brotar lilas del interior de la tierra muerta, mezcla la memoria y el deseo, estremece las raíces marchitas con lluvia de primavera” . Abril hará brotar lilas del interior de tu vientre putrefacto. Se preguntan “¿qué le estará diciendo?” ¿por qué le explica los cuadros a una liebre muerta?”. Les respondo: porque lo va a entender mejor, porque sois como los perros domesticados que mueven el rabo para saludar al que les da de comer.

Porque os reís y me insultáis, incapaces de ver vuestra propia babeante estupidez.

Vuestra vida anodina, tan lejos de lo bello. Vuestra vida de perros. Jamás podréis llegar a ser como una liebre muerta. Porque no sois capaces de ver que la obra de arte es la liebre, mi susurro, mi cojera y vosotros mirando".

"Cómo explicar los cuadros a una liebre muerta" 11 de noviembre de 1965 Joseph Beuys por el interior de una Galería de Arte en Düsseldorf.

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"All those who look from outside how my limp walk among the tables while you hug me think that you are explaining the artwork. Little do they know is that what I'm asking is that you explain them to me. Or at least he hoped the explicaras me before he died. Now I know it's impossible. Schiller said that beauty is the way to freedom. Maybe that's all that matters, we believe something beautiful to become free. We expand the concept of art for art that is also. That we stop looking at the pictures and look at life, the whisper, nature, death, the sacred.

I can not ask the same thing to a dog, a cat or a horse man has robbed his dignity, his will, which have of beautiful and free. It would be impossible for them to explain to me art, nor I them. As it is probably impossible for all those who enjoy watching or explain what I do here, dripping gold, oil and honey. But you are the hare, rabbit Lewis Carroll mad scurrying and always late, and I hold you like that grabs the umbilical cord snipped dreading the final. You join me nature, although they're dead. Or because of it.

You who are pure energy, you are (or were) pure vitality, you are superhuman, you're closer to the divine, the sacred, you tell me more about the art dead than what I can say to you alive. In you is the fragile, the beautiful, delicate, sensual.

You're the kind that dies and is reborn every April. Eliot said "April is the cruelest month, lilac sprouts inside the dead land, mixing memory and desire, shakes the withered roots with spring rain." April lilacs will sprout inside your womb rotten.

They wonder, "What will be telling?"

Explains why the pictures to a dead hare? ". I answer: because they will understand better, because you are like domesticated dogs that move the tail to greet that feeds them. Because you laugh and insult me, unable to see your own drooling stupidity. Your dull life, so far from the beautiful. Your dog's life. You can never become like a dead hare. Because you are not able to see that the work of art is the hare, my whisper, my limp and you watching".

"How to explain pictures to a dead hare" November 11, 1965 by Joseph Beuys inside an art gallery in Düsseldorf.

© Shirin Neshat “Women of Allah” (1993-1997) "Cuando mi fe colgaba de la cuerda débil de la justicia y en toda la ciudad los corazones de mis faroles se hacían añicos, cuando el pañuelo negro de la ley cubrió los infantiles ojos de mi amor y manantiales de sangre borboteaban de las afligidas sienes de mi deseo, cuando mi vida no era nada sino el tic toc de un reloj de pared, descubrí que debía, que absolutamente tenía que amar locamente.

Del poema "la ventana", Forough Farrokhzad "When my faith was hanging by the weak thread of justice and in the whole city the hearts of my lamps were being torn to pieces, when the childlike eyes of my love were being blindfolded by law's black kerchief, and fountains of blood were gushing forth from the distressed temples of my desire, when my life was no longer anything, nothing but the tick tock of a wall clock, I discovered that I must, that I absolutely had to love madly".

Forough Farrokhzad 's poem, " Window"

¿ALGUIÉN VIÓ UNA BICI QUE DEJE AQUÍ?

"De cada una de ellas podría contar una historia, como por ejemplo, la que quedó a medio hacer en la ex jefatura de policía, debido a que un oficial me detuvo al descubrirme. En otra oportunidad, un joven que venía de trabajar me llevó en su auto para que le pintara una en la pared de su casa; cargamos las dos bicicletas, la real en el baúl del coche y la otra, la del esténcil, en el asiento trasero y partimos. El diálogo que se generó durante el viaje fue maravilloso.

Al llegar, la hicimos en silencio, pues quería darle la sorpresa a su mujer cuando se levantara a la mañana. O sino cuando salía en las noches de invierno, muy abrigado, con mi gorro de lana y cuellera, y a veces, a la madrugada, me encontraba con los chicos que salían de los boliches que pedían que me sacara el abrigo de la cara, porque querían conocerme.

"Perro semihundido" by F. Goya, 1873

Muchas son las interpretaciones sobre este cuadro de Francisco de Goya, desde que estamos ante una obra inacabada, hasta que se trata del minimalismo mas abstracto de Goya.

Dicen que existe una pérdida de elementos presentes en el cuadro antes de su traslado a lienzo, ya que se creo como pieza mural.

Elementos como los pájaros que supuestamente observa el perro, pero lo que mas se acerca a al realidad es que estamos ante la representación pictórica de la libertad de un pueblo y sus esperanzas ante la vida.

El perro representa al pueblo español hundido en la miseria de colores ocres observando la esperanza y la libertad representada por el espacio y la luz cálida del amanecer.

Goya escribió: "El perro parece el único ser cariñoso, preocupado, humilde; humano, por así decirlo" There are many interpretations of this painting by Francisco de Goya, since this is a work unfinished, until it comes to the more abstract minimalism Goya.

They say that there is a loss of elements in the paint before being transferred to canvas, as it created as part mural. Elements like birds supposedly seen the dog, but what most approaches to reality is that we have the pictorial representation of the freedom of a people and their hopes to life.

The dog represents the Spanish people sunk in the misery of watching ocher hope and freedom represented by space and the warm light of dawn.

Goya wrote: "The dog seems the only being affectionate, concerned, humble; human, so to speak"

En la actualidad, todas las mañanas al ir a mi trabajo en bicicleta me cruzo con otros ciclistas y a su vez con esas otras estampadas en las paredes. Estoy seguro que algunos, después de verlas ahí, tan solas y desamparadas, siguen viaje armando una poesía en su cabeza."

Así, la silueta de la bicicleta abandonada se transformó en una metáfora de la ausencia.

Fernando Traverso es un artista y militante social de los barrios de Argentina que decidió estampar bicicletas por la desaparición de un amigo suyo a causa de sus ideas políticas. La representación de la bicicleta, que realizo 350 veces por la cantidad de desaparecidos y secuestrados políticos, se convirtió en el homenaje artístico hacia ellos, expresando así "la espera de su dueño".

SOMEONE SAW A BIKE TO STOP HERE? "From each could tell a story, such as it was half done in the former police station, because an officer stopped me to discover myself.

On another occasion, a young man who came to work I took in his car for me to paint one on the wall of his house, loaded the two bikes, the actual in the trunk of the car and the other, the stencil, in the back seat and left. dialogue generated during the trip was wonderful. Upon arrival, we did it in silence, because he wanted to surprise his wife when he got up in the morning. O but when out at night in winter, very warm, with my wool cap and cuellera, and sometimes, at dawn, I was with the guys coming out of the clubs asking me to take my coat to the face, because they wanted to meet me.

Currently, every morning to go to work by bicycle I meet other cyclists and also with those other stamped on the walls. I'm sure some, after seeing them there, so alone and helpless, they are putting together a poetry journey in your head."

Thus the abandoned bicycle silhouette became a metaphor for the absence.

Fernando Traverso is an artist and social activist neighborhoods bicycles Argentina decided stamped by the disappearance of his friend because of his politics.The representation of the bike, I make 350 times the amount of missing and kidnapped politicians, became the artistic tribute to them, thus expressing "waiting for its owner".

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sube a lo alto, respira y mira el mundo. la libetad esta al alcanze de tod@s. ascends on high, breathe and look at the world. freedom is within the reach of everyone.

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Se trata de un trabajo de creatividad entre el objetivo y el artista donde los únicos espectadores fueron las baldosas del cuarto de baño y un espejo donde mirar encuadres. Una performance dibujada con una maquinilla de afeitar sobre un soporte vivo, en el que la expresión de la cara es el principal detalle, un disparador a remoto en la mano decide el momento y, pensar como ve la cámara crean los múltiples encuadres de un paisaje encerrado en un baño que se convierte en "cuarto oscuro" para revelar sensaciones.

El trabajo refleja un esfuerzo por extraer el máximo partido de un entorno pequeño observando los pequeños detalles de uno mismo y su cotidianidad, que desnuda una superficie para que el espectador observe un interior.

It is a creative work between the lens and the artist where the only spectators were the tiled bathroom and a mirror looking frames. A performance drawn with a razor live on a support, in which the expression of the face is the main detail, a remote shutter release in hand decides the time and think as you see the camera creates the multiple frames of a landscape locked in a bathroom that becomes "dark room" to reveal feelings.

texs by: ishmael & maria.

The work reflects an effort to extract the most out of a small environment by observing the small details of yourself and your everyday life, which bare a surface for the viewer to observe an interior.

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"darwin" Illustration by Barry Bruner. http://www.barrybruner.com

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Paints by Aaron Smith.

Oil on panel, 2011. www.aaronsmithart.com

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"Of beards and men" Photos by Joseph D.R. OLeary, 2013. http://ofbeardsandmen.com

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Las cosas son raras, Duane Michals 1973.

Omayra 1985, by Frank Fournier

Omayra Sánchez fue una niña víctima del volcán Nevado del Ruiz durante la erupción que arrasó al pueblo de Armero, Colombia en 1985. Omayra estuvo 3 días atrapada en el fango, agua y restos de su propia casa. Tenía 13 años y durante el tiempo que se mantuvo atorada siempre estuvo encima de los cuerpos de sus familiares. Cuando los socorristas intentaron ayudarla, comprobaron que era imposible, ya que para sacarla necesitaban amputarle las piernas, sin embargo carecían de cirugía y podría fallecer. La otra opción era traer una moto-bomba que succionará el cada vez mayor fango en que estaba sumergida. La única moto-bomba disponible estaba lejos del sitio, por lo que sólo podían dejarla morir. Omayra se mostró fuerte hasta el último momento de su vida, según los socorristas y periodistas que la rodearon. Durante los tres días, estuvo pensando solamente en volver al colegio y en sus exámenes. El fotógrafo Frank Fournier, hizo una foto de Omayra que dio la vuelta al mundo y originó una controversia acerca de la indiferencia del Gobierno colombiano respecto a las víctimas. La fotografía se publicó meses después de que la chica falleciera. Muchos ven en esta imagen de 1985 el comienzo de lo que hoy llamamos Globalización, pues su agonía fue seguida en directo por las cámaras de televisión y retransmitida a todo el mundo.

Omayra Sanchez was a child victim of the Nevado del Ruiz volcano during the eruption that destroyed the town of Armero, Colombia in 1985. Omayra was three days stuck in the mud, water and debris of your own home. He was 13 years and during that time was always remained stuck over the bodies of their relatives. When rescuers tried to help her, they found that it was impossible, because they needed to get her legs amputated, however lacked surgery and may die. The other option was to bring a bike-pump suck the sludge growing was submerged. The only available pumping unit was far from the site, so they could only let her die. Omayra was strong until the last moment of his life, according to aid workers and journalists who surrounded her. During the three days, he was thinking only of returning to school and on tests. Photographer Frank Fournier took a picture of Omayra that traveled around the world and led to a controversy about the Colombian government's indifference towards the victims. The photograph was published months after the girl died. Many see in this image from 1985, the beginning of what we now call globalization, as his agony was followed live on television cameras and broadcast to the world.

El propio Fournier declaró en una entrevista: “Me encontré con un campesino, quien me dijo de una niña que necesitaba ayuda. Cuando me condujo hacia ella estaba casi a solas, unas pocas personas la rodeaban en tanto algunos trabajadores de rescate ayudaban a otra persona un poco más lejos.

Al tomar su fotografía me sentí totalmente impotente, sin poder alguno de ayudarla. Ella se enfrentaba a la muerte con coraje y dignidad, sentía que su vida se le iba.

La gente me preguntaba ¿Por qué no la ayudaste?, ¿Por qué no la sacaron de allí?. Pero era imposible” Fournier himself stated in an interview: "I met a farmer who told me of a girl who needed help. When I drove to her was almost alone, a few people around her while some rescue workers helped someone a little further.

By taking his picture I felt totally helpless, powerless to help her. She faced death with courage and dignity, he felt his life was going.

People asked me why did not you help?, Why not out of there?. But it was impossible "

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"Creo en lo invisible. No creo en lo visible. No creo en la realidad absoluta de lo que nos rodea. Para mi, la realidad reside en la intuición y en la imaginación, y en esa pequeña voz que dice: ¿¡ No es extraordinario?! Las cosas de nuestras vidas con sombras de la realidad y nosotros también somos sombras. La mayoría de los fotógrafos centran su atención en lo obvio. Creen y aceptan lo que les dicen sus ojos, pero los ojos no saben nada. El problema es dejar de creer lo que todos creemos (que la realidad esta ahí para ser fotografiada y documentada) y empezar a mirar en el alma como fuente original de nuestra experiencia fotográfica. Estar preparados a todas horas para cuestionarnos y dudar de nosotros mismos" Reflexiones de Duane Michals en los años 60. Años en los que comienza sus series fotográficas, Squences, donde habla sobre la capacidad narrativa de la fotografía indagando en los aspectos metafísicos de la vida. Trabajos con una filosofía donde nos motiva a mirar dentro de nosotros mismos, mas allá de nuestros miedos y vulnerabilidad.

Las cosas son raras nos muestra una secuencia de nueve fotografías con diferentes planos como si de una imagen cinematográfica se tratase, donde la secuencialidad nos crea un guión de la composición analítica del espacio y del tiempo. Condiciones esenciales de esta secuencia, que nos sumerge en un bucle narrativo que se cierra sobre si mismo y se abre para mostrarnos que lo imposible no es creíble, mise en abime.

Things are queer, Duane Michals 1973.

"I believe in the invisible. Do not believe in the visible. Do not believe in the absolute reality that surrounds us. For me, the reality lies in intuition and imagination, and that little voice that says, Do not extraordinary?! things of our lives with shadows of reality and we are also shadows. Most photographers focus their attention on the obvious. believe and accept what they are told their eyes, but the eyes do not know anything. the problem is to stop believing what we all believe (that actually there to be photographed and documented) and start looking in the soul as the original source of our photographic experience. be prepared at all times to questioning and doubt ourselves " Reflections of Duane Michals in the 60s. Years in which he began his photographic series, Squences, where he talks about the ability Photo narrative delving into the metaphysical aspects of life. Works with a philosophy which motivates us to look within ourselves, beyond our fears and vulnerability.

Things are rare shows a sequence of nine pictures with different levels of an image as if it were film, where we create a script sequencing of the analytical composition of space and time. Essential conditions of this sequence, which plunges us into a narrative loop closes on itself and opens to show that the impossible is not credible, mise en abime.

casa rodante, por Ana Gallardo

Ana Gallardo y su hija estuvieron alrededor de un año sin casa. Cuando encontraron hogar, los muebles que habían quedado esperando durante la sucesivas mudanzas eran muchos para el nuevo espacio.

Gallardo decidió conservarlos y construir con ellos un "hogar rodante".

"Durante el año 2006, Rocío, mi hija y yo, estuvimos sin casa. La dueña del lugar en el que vivíamos nos dijo que lo necesitaba, que tenia que vender etc Me tomó por sorpresa. Con el diario en mano, salimos a buscar hogar, pero era todo inaccesible ... solo nos quedamos con una maleta con ropa, algunos libros, discos y la computadora ... muebles que heredé de afectos y que acompañaron toda la vida de Rocío. Ellos, conformaron nuestro patrimonio y con los mismos construí nuestra Casa Rodante. Una tarde de domingo salimos a andar por la calles de Buenos Aires."

Ahora su casa se expone en museos. Gallardo propone contemplar su obra escuchando la canción Mi Segunda Casa, de Paquita la del Barrio, que en su primera estrofa dice: "Mi segunda casa / no fue por un capricho de aventuras / mi segunda casa / nació por una urgencia de ternura". http://www.youtube.com/watch?v=sgQIQr3-xTI http://anagallardog.blogspot.com.es

Ana Gallardo and her daughter were about a year homeless. When they came home, the furniture that had been waiting for the successive removals were many for the new space. Gallardo decided to preserve and build with them a "hogar rodante".

"During 2006, Rocio, my daughter and I were homeless. The owner of the place we lived told us he needed, he had to sell etc. It took me by surprise. With newspaper in hand, we went looking home, but it was totally inaccessible ... just stayed with a suitcase of clothes, some books, records and computer ... furniture I inherited from affections and accompanying Dew lifetime. they formed our heritage and the they built our Rolling Home. One Sunday afternoon we went out to walk the streets of Buenos Aires."

Now your home is exposed in museums.Gallardo intends his work to listen to the song Mi Segunda Casa, of Paquita la del Barrio, which in its first verse says: "My second home / it was not a whim of adventure / my second home / born by an emergency of tenderness". http://www.youtube.com/watch?v=sgQIQr3-xTI

http://anagallardog.blogspot.com.es

"La laguna solitaria " (P. H. Emerson, 1890)

"No estoy seguro de qué significa erotismo, si son desnudos, intenté captarlos nada más hacerme fotógrafo, entonces me inspiraba en Lewis Carroll, en la actualidad en nadie; estoy chapado a la antigua: trabajo solo con carretes y papel. Con cámaras digitales únicamente he hecho pruebas.

No creo que mi obra sea diferente del trabajo de otros fotógrafos.

Yo lo llamo kitsch, pero hay quien dice que es porno blando.

Fotografía erótica, pornografía …. No existe esa distinción. Está en el ojo del espectador. Creo que una fotografía erótica debe despertar la libido.No tengo la posibilidad de retratar la vida de otras personas. Retrato la mía propia.

El cuerpo humano me excita, el femenino sobre todo, pero soy bastante tímido y cobardón, y ese ha sido siempre el principal problema en mi trabajo. Tuve una infancia y una juventud desafortunadas, pero ahora, cumplidos los setenta, soy absolutamente feliz.

Mi trabajo pretende capturar todas las cosas que conozco y amo, pero sobre todo me gustaría dejar una huella del tiempo en que he vivido, por eso fotografío escenas de su realidad.

Para mí, una buena modelo no es perfecta. Las encuentro en todas partes, pero ahora más que nunca, gracias a Internet, recibo cada día ofertas de muchachas dispuestas a posar.

Internet es extraordinario, ha traído más compradores, más modelos, y eso significa más dinero de los primeros para pagar a los segundos". jan saudek, fotografo y pintor

"Not sure what it means eroticism, if naked, tried to capture

them only become a photographer, then I inspired by Lewis Carroll, currently anyone, I'm old-fashioned: Work only with film and paper. With only digital cameras I've tested.

Do not think my work is different from the work of other photographers. I call it kitsch, but some say it is soft porn.

Erotic photography, pornography .... No such distinction. It's in the eye of the beholder. I think one should arouse erotic photography libido.No I have the possibility to portray the lives of others. Portrait of my own.

The human body turns me on, mostly female, but I'm pretty shy and cowardly, and that has always been the main problem in my work. I had an unfortunate childhood and youth, but now, once the seventies, I'm quite happy.

My work aims to capture all the things I know and love, but mostly I like to leave an imprint of the time that I lived, so I photograph scenes from their reality. For me, a good model is not perfect. I find them everywhere, but now more than ever, thanks to the Internet, I get every day offers girls willing to pose. Internet is extraordinary, has brought more buyers, more models, and that means more money to pay the first seconds." jan saudek, photographer and painter

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“Nada en la naturaleza tiene un contorno duro, todo se observa frente algo, y los contornos se desvanecen entre una y otra cosa, a menudo de forma tan sutil que no puede distinguirse donde termina uno empieza otro. En esta mezcla de decisión e indecisión, de pérdida y encuentro, se halla todo el encanto y el misterio de la naturaleza”.

P. H. Emerson

"Nothing in nature has a hard outline, everything is seen against something, and contours fade between one thing and another, often so subtly that you can not distinguish where one ends another begins. In this mixture of decision and indecision, loss and reconciliation, there is all the charm and mystery of nature. " P. H. Emerson

Peter Henry Emerson, probablemente fue el fotógrafo naturalista más destacado en los comienzos de la fotografía, a finales del siglo XIX. Sus obras se consideran por méritos propios como los primeros ejemplos que llevan a la fotografía a ser considerada como una forma de arte.

Peter Henry Emerson, was probably the most outstanding nature photographer in the early days of photography in the late nineteenth century. His works are considered on merit as the first examples that lead to the photograph to be considered an art form.

Jo Ann Thornton Wilson, left, and Shirley Anne Kirksey,Mobile, Ala.1956. © Gordon Parks

"Cogí una cámara, porque fue mi elección en contra de las armas,que era lo que más odiaba en el universo: el racismo, la intolerancia, la pobreza," dijo una vez Parks. "Yo podría haber elegido con la misma facilidad un cuchillo o arma de fuego, al igual que muchos de mis amigos, la mayoría de los cuales fueron asesinados o puestos en prisión, pero opté por no ir por ese camino. Sentí que de alguna manera podría someter a estos males haciendo algo bonito por la gente que me conoce, y por hacer de mi vida algo completamente diferente".

"He intentado mostrar las cosas como son, la oscuridad y la luz, los rostros alegres y los rostros encolerizados. Y lo que he fotografiado es en gran medida, lo que he aprendido acerca de nuestro mundo y de la gente que lo habita. Lo que no he fotografiado es lo que aún no he aprendido".

Gordon Parks

“I picked up a camera because it was my choice of weapons against what I hated most about the universe: racism, intolerance, poverty” Parks once said. “I could have just as easily picked up a knife or gun, like many of my childhood friends did, most of whom were murdered or put in prison, but I chose not to go that way. I felt that I could somehow subdue these evils by doing something beautiful that people recognize me by, and thus make a whole different life for myself.”

"I tried to show things as they are, darkness and light, happy faces and angry faces. And what I've photographed is largely what I've learned about our world and the people in it. I I have not photographed is what I have not learned. " Gordon Parks

*mas sobre G.P. en el próximo numero. more about G. P. in the next issue*

dibujo por inaki go単i

¿Qué es el arte de vectores?

Vector Art es una técnica, que significa el arte creado con programas basados en vectores. Vector art es el uso básicamente de puntos, líneas y curvas. Los programas de vectores toman nota de la relación entre estos elementos. Esto permite que las imágenes creadas puedan variar su escala sin perder calidad o pixelarse. En comparación, los píxeles pierden calidad cuando son aumentados por encima del 100% de su tamaño.

Programas populares de vectores son Illustrator, Freehand, Corel Draw, y flash.

Casi todo lo creado con estos programas es considerado como obra vectorial. Digo “casi” porque hay excepciones en cada regla. Si tu obra vectorial combina imágenes vectoriales con imágenes rasterizadas, me temo que deja de ser una obra vectorial (y consecuentemente no pertenece a la Vector Gallery). Por ejemplo: aI terminar tu obra vectorial, piensas que a tu obra le falta algo, y lo metes en Photoshop para darle una pequeña textura, intentando completarlo más. En ese momento deja de ser una obra vectorial, y deberías subirlo a “Digital art> Mixed Media”. De la misma manera, si tomas la textura rasterizada y la metes en Illustrator aplicando un estilo de capa, tampoco sería una obra vectorial. Como esta textura no puede ser aumentada sobre 100%, hace que tu vector sea técnicamente inútil tras las imágenes rasterizadas en tamaño original. Tampoco pienses que no puedes añadir texturas a tu obra vectorial. Muchos de estos programas vienen equipados con muestras de patrones detallados, pinceles texturizados, incluso con “Live Trace” (calco interactivo), que como su nombre indica, traza imágenes rasterizadas y las convierte en gráficos vectores.

Reiterando y asegurando que no haya confusión, he aquí una lista con programas generalmente considerados como basados en rasterizaciones: Photoshop, Painter, MS Paint y una gran alternativa gratuita, Gimp. Básicamente todo lo creado con este programa es considerado imagen rasterizada. Unos pocos de estos programas son capaces de crear imágenes con puntos, líneas y curvas, tal y como un programa de vectores haría. El mismo Photoshop puede hacer imágenes basadas en vectores, sin embargo suelen ser consideradas “vexels” porque los artistas Vexel suelen incluir trazos de pinceles en sus imágenes (para pelo, etc). Hablando de pinceles. Sólo porque te has descargado e instalado un set de pinceles para Photoshop (u otro cualquier programa de imágenes rasterizadas) que tenga la palabra “vector” en su título, NO quiere decir que tu obra sea vectorial. Estos pinceles vienen en varios tamaños, y no importa en qué resolución los apliques, nunca podrán ser aumentados por encima del 100% de su tamaño sin perder calidad.

Simplificando, “Vector no es un “estilo” como Anime, pero es un “medio” como el carboncillo. Preguntar a qué se parece el arte vectorial es como preguntar a qué se parecen las pinturas con óleos. Podría parecerse a Rembrandt, Picasso, o a una pintada con los dedos de un niño de quinto curso.”

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What is a vector´s art?

Vector Art is a technique, which means the art created with vector based programs. Vector art is basically using points, lines and curves. Vectors programs note the relationship between these elements. This allows images created can vary its scale without losing quality or pixelated. In comparison, when the pixels lose quality are increased above 100% of its size.

Vectors are popular programs Illustrator, Freehand, Corel Draw, and Flash.

Almost everything created with these programs is considered Vector work. I say "almost" because there are exceptions to every rule. If your work combines vector images vector raster images, I'm afraid that is no longer a work vector (and therefore not part of the Vector Gallery). For example: vector aI finish your work, you think your work is missing something, and you put it in Photoshop to give a little texture, trying to complete it. At that time still a vector work, and you should upload it to "Digital Art> Mixed Media".

Similarly, if you take the texture raster and get in Illustrator using a layer style, it would not be a work vector. As this texture can not be increased over 100%, makes your vector is technically useless after raster images in original size. Nor think you can not add textures to your vector work. Many of these programs come equipped with samples of detailed patterns, textured brushes, even with "Live Trace" (Live Trace), which as its name suggests, trace raster images and vector graphics becomes.

Reiterating and ensuring there is no confusion, here is a list of programs based generally considered rasterizaciones: Photoshop, Painter, MS Paint and a free alternative, Gimp. Basically all created with this program is considered raster image. A few of these programs are capable of creating images with points, lines and curves as vectors program would. Photoshop can do the same vectorbased images, yet they are considered "vexels" because Vexel artists brush strokes often include in their images (for hair, etc). Speaking of brushes. Just because you've downloaded and installed a set of brushes for Photoshop (or other raster image any program) that has the word "vector" in its title, does NOT mean that your work is vector. These brushes come in various sizes, and no matter what resolution the appliques can never be increased above 100% of its size without losing image quality.

Simplifying, "Vector is not a" style "as Anime, but it's a" medium "as charcoal.

Ask what it looks like vector art is like asking what they look like paintings with oils. It might look like Rembrandt, Picasso, or a finger painted a fifth grade boy. "

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Desde los inicios del computador en 1950 hasta la década de los ochenta se usaba un sistema vectorial de generación de gráficos diferente al actual.

En este sistema «caligráfico» el rayo eléctrico del tubo de rayos catódicos de la pantalla era guiado directamente para dibujar las formas necesarias, segmento de línea por segmento de línea, quedando en negro el resto de la pantalla. Este proceso se repetía a gran velocidad para alcanzar una imagen libre de intermitencias o muy cercana a estar libre de ellas. Este sistema permitía visualizar imágenes estáticas y en movimiento de buena resolución (para esas fechas) sin usar la inimaginable cantidad de memoria que se hubiera necesitado para conseguir la resolución equivalente en un sistema de rasterización, permitiendo que la secuencia de imágenes diese la sensación de movimiento e incluso consiguiendo que titilaran modificando sólo algunas de las palabras del código de la gráfica en su respectivo «display file». Estos monitores basados en vectores también eran conocidos como monitores X-Y (X-Y displays).

Uno de los primeros usos de los vectores en el proceso de visualización fue el realizado por la Fuerza Aérea de los Estados Unidos. El sistema de generación de gráficos mediante vectores se utilizó hasta 1999 en el control aéreo y probablemente aún se siga usando en diversos sistemas militares.

Ivan Sutherland empleó este mismo sistema en la TX-2 para ejecutar su

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programa Sketchpad en el MIT Lincoln Laboratory en 1963.

Los subsiguientes sistemas de representación gráfica vectorial incluían la GT40 de Digital; existió una consola llamada Vectrex que usaba gráficos vectoriales para mostrar videojuegos como Asteroids y Space Wars; y equipos como el Tektronix 4014, podían generar imágenes vectoriales dinámicas.

El término vector es usado comúnmente en el contexto de gráficos de dos dimensiones producidos por computador. Es uno de los muchos modos con los que un artista cuenta para crear una imagen con una previsualización rasterizada. Otras formas de uso pueden ser en textos, en multimedia y en la creación de escenarios 3D. Prácticamente todos los programas de modelado en 3D usan técnicas que generan gráficos vectoriales en 2D. Los plotters usados en dibujo técnico siguen dibujando los vectores directamente sobre el papel.

Since the inception of computers in 1950 to the eighties was used a vector system graphics generation different from today. In this system "calligraphic" electric beam cathode ray tube screen was guided directly to draw the necessary forms, line segment by line segment, being in black the rest of the screen. This process is repeated at high speed to reach a free image flashes or very close to be free of them. This allowed viewing still and moving images of good resolution (for that time) without using the unimaginable amount of memory would have been needed to achieve equivalent resolution raster system, allowing the sequence of images give the impression of movement getting even blink modifying only some of the code words in their respective graphical "display file". These vectors based m o n i t o r s m o n i t o r s w e r e a l s o k n o w n a s X Y ( X Y d i s p l ay s ) .

One of the first uses of the vectors in the visualization process was carried out by the Air Force of the United States. The graphics generation system using vectors was used until 1999 in air traffic control and probably still continue to use in various military systems. Ivan Sutherland used the same system on the TX-2 to run his program Sketchpad at MIT Lincoln Laboratory in 1963.

Subsequent vector graphics representation systems included Digital GT40, there was a call Vectrex console that used vector graphics to show games

like Asteroids and Space Wars, and teams like the Tektronix 4014, could generate dynamic vector images.

The term vector is commonly used in the context of two-dimensional graphics produced by computer. It is one of the many ways in which an artist has to create a raster image with a preview. Other types of activity can be in text, multimedia and the creation of 3D scenes. Virtually all 3D modeling programs use techniques that generate 2D vector graphics. The plotters are used in technical drawing vector drawing directly on paper.

P51

"Thom Yorke" (British singer)

"Immerse your soul in love." " Sumerge tu alma en amor."

"Eduardo Chillida" (escultor espa単ol)

"The artist knows his stuff, but worth it should jump the wall and do not know."

"El artista sabe lo que hace, pero para que merezca la pena debe saltar esa barrera y hacer lo que no sabe".

"Chinua Achebe"

(nigerian novelist)

"Hubo un escritor llamado Chinua Achebe"- escribi贸 Mandela - "en cuya compa帽铆a los muros de la prisi贸n se desmoronaban".

"There was a writer named Chinua Achebe" - Mandela wrote - "in whose company the prison walls were crumbling."

"Frida Kahlo"

(Pintora mejicana)

"Man is master of his fate and destiny is the same land and is destroying the target to lose".

"El hombre es due単o de su destino y su destino es la tierra y el mismo la esta destruyendo hasta quedarse sin destino".

"Q-Tip"

(Afroamerican singer)

"... All I am is one black man in a mighty big white hand ..." (piece of the song. 1988)

"... Todo lo que soy es un hombre negro en una poderosa gran mano blanca ..."

"Takeshi Kitano"

(Japanese film director)

"Humor is like violence, both come unexpectedly" "El humor es como la violencia, ambos vienen de forma inesperada".

"ante la oscuridad". Jorge VicĂŠn, 2012. "infront the dark". Jorge VicĂŠn, 2012.

Existen personas que tras una larga carrera no encuentran su lugar en el mundo, no logran entender lo que les motiva o lo que les desmotiva, esto es un error, tan solo hay que escucharse a uno mismo e iluminar los rincones oscuros de nuestro interior.

Así es Jorge Vicen, aka Zürn, un iluminador de mundos interiores, de preciosas constelaciones viscerales repletas de estrellas y planetas que se mueven al ritmo de portishead o joy division.

Un mundo de rostros y de autorostros que nos sonríen con lágrimas de tinta y nos trasladan a una fantasía destripada con amor.

"No diferencio sueños de vida real, me considero un transmisor, un observador de mi interior, es una meditación, mirar una pared en blanco y luchar por no luchar, diluir el ego es lo más importante, pero esta allí en forma de oscuridad, en ese diálogo voy buscando los brillos pero sin pintar también me pasa por ello descubrí la pintura y el arte tarde, como un lugar dónde mi manera de ser podría tener cabida, puesto que en lo social era muy conflictivo y negativo para mi persona, acaerrándome a numerosos problemas" Su pintura muestra infinidad de detalles, destellos y manchas llenas de color. Nos deja pensar que, a pesar del "caos" que transmiten sus obras, su trabajo esta creado con paciencia y con una diversión personal. "trabajo con toda la libertad y todo el tiempo, no me parece un trabajo sino una forma de auto conocimiento y un placer en el reconocimiento, para mi trabajar es todo lo demás.

Pintar es una forma de amar y que te amen para arrojar luz a una oscuridad inabarcable e infinita. Por ello no me es un trabajo me es una necesidad como comenta Rilke en " Cartas a un joven poeta" Realmente no creo que haga o piense algo nuevo pero si que tengo fe en lo que hago, nada más. Necesito acabar las piezas, no me gusta mucho la palabra pieza , cuadros o pinturas, hasta que me satisfacen, no los veo como productos seriados, cada uno necesita un lenguaje y un tiempo, son criaturas vivas que tan solo es necesario escucharles atentamente, ellas te van indicando lo que necesitan parto con una mínima pauta, que podría ser cualquiera, un fondo y una técnica, luego tan sólo hay que proyectar e imaginar y no tener miedo, dejarse llevar y tener fe.

A veces si que he requerido de bocetos para mostrar alguna idea, algún miedo o representar algo que me estaba pasando, tornándose en amuleto protector o extirpador de alguna sensación negativa, pero por lo general no me gusta saber como va a acabar el cuadro, necesito que me sorprenda si no me sorprende me parece una especie trabajo sin premio , necesite sentir que llego a lugares que ni yo entiendo".

There are people who after a long career not find their place in the world , can not understand what motivates or discourages them , this is a mistake, so you just have to listen to oneself and illuminate the dark corners of our interior.

So Jorge Vicen , aka Zürn , an illuminator of inner worlds full of gorgeous visceral constellations of stars and planets that move to the rhythm of portishead or joy division . A world autorostros face and smile with tears we ink and take us to a fantasy gutted with love.

"I do not differentiate dreams from real life , I consider myself a transmitter , an observer inside me is a meditation , look at a blank wall and fight not to fight , dilute the ego is the most important, but is there in the form of dark, I'm looking for in this dialogue flare, but also unpainted I get for it I discovered the art of painting and later, as a place where my personality could be accommodated, since socially was very confrontational and negative for me, acaerrándome many problems".

His painting shows lots of details, flashes and colorful spots . It leaves us to think that , despite the "chaos" that transmit their works, their work is created with patience and a fun staff .

"Working with all the freedom and all the time , I do not think a job but a way of self-knowledge and a delight in the recognition, for my work is everything else .

Painting is a way to love and be loved to illuminate a boundless and infinite darkness . Therefore I is a job is a necessity as I said Rilke "Letters to a Young Poet ".

I really do not think I do or think something new but if I have faith in what I do , nothing more. I need to finish the pieces , I do not really like the word piece, pictures or paintings to meet me , not see them as serial products , everyone needs a language and time, are living creatures that you only need to listen carefully , they you are showing what they need with minimal delivery pattern , it could be anyone , a background and a technique , then you only have to project and imagine and not be afraid , let go and have faith.

Sometimes if I required to display some idea sketches , some fear or represent something I was going , turning into protective amulet or cultivator of any negative feeling , but usually do not like to know how it will end up the picture, need I 'm not surprised surprised if I find a kind work without reward , need to feel that I get to places that neither I understand "

http://www.jorgevicen.com

P59

"balthus girl in fire". Jorge VicĂŠn, 2013.

A mediocre woman Una mujer mediocre I know my life will interrupt another mediocre woman Sé que volverá a interrumpir mi vida otra mujer mediocre appear when we do not make me lack aparecerá cuando ya no me haga falta just as I have recovered cuando ya me haya recuperado of the other woman de aquella otra mujer appears Aparecerá when spread horizontally and homogeneous cuando esparza de manera horizontal y homogénea My grace , or my joy or my self I know mi gracia, o mi alegría o mi yo que sé to divide others without distinction que repartiré a los demás sin distinción without expecting nothing but glitter in their eyes sin esperar nada mas que brillos en los ojos that is when one of these brightness takes away the desire for some girl es entonces cuando de uno de esos brillos prenderá el deseo de alguna chiquilla who has the soul dry as olive fajuelos que tenga el alma seca como fajuelos de olivo and as a forgotten glass will love y como un vidrio olvidado aparecerá el amor Everyone I know is loving , but me Todo el mundo sabrá que me está amando, excepto yo that resist to take close and deny me for the umpteenth time que resistiré a asumir la jugada y me negaré por enésima vez out of my corner of my place now habitable my square meter a salir de mi esquina , de mi lugar ahora habitable, de mi metro cuadrado to get lost in the love of a woman lackluster para perderme en el amar de una mujer mediocre I look worse than the previous que me parecerá peor que la anterior in which I'll still be thinking en la cual aún estaré pensando and I like less than her friend , y que me gustará menos que su amiga, to which I give you everything that she would a la cual le daré todo lo que a ella le daría and I dare cowardice y que por cobardía no me atrevo and shove for the tenth time in my life to another mediocre woman y meteré por décima vez en mi vida a otra mujer mediocre to be gained each time a piece of my life , que se ganará a cada hora un trozo de mi vida, fighting every inch of my body , my soul and my past luchando centímetro a centímetro mi cuerpo, mi alma y mi pasado resist my stakes and rejections resistirá mis envites y rechazos stories about the virtues of Girlfriends Past las historias sobre las virtudes de mis ex novias and how beautiful that is combed y lo guapas que se peinaban my little rants , my depression and anger mis pequeños desvaríos, mis depresiones y enfados I feel like dying and living mis ganas de morir y de vivir and when it is completely my wife y cuando ya sea totalmente mi mujer when it can hurt me cuando ya me pueda doler when is loving cuando la esté amando I leave for another me abandonará por otro not be as complicated que no sea tan complicado asking to fuck better pidiendo que la follen mejor without asking much in return sin pedir tanto a cambio and will flare and recipes y se llevará los brillos y las recetas simplest to beds a camas mas sencillas leaving dejando atrás a mediocre man . a un hombre mediocre.

Zürn Vicén, 2013

Hoy he soñado que moría Hacía el amor con una estupenda mujer mientras cagaba. Ella era morena de preciosos ojos verdes y de pelo liso, un poco gordita, vestida de negro, pero muy joven y atractiva. Ella acababa de cagar sin miedo, sonó ruidosa y espléndidamente su mierda en el charco, puso su culo por debajo de la puerta del baño público. Cerrada, le acaricié el coño grande he hinchado apretado en finas mayas negras y la penetré recibiendo un placer indescriptible, su cueva apretaba suavemente mi verga, era el mejor coño en el que había estado .

Después la hube de abandonar, sin llegarme a correr, como solía pasar en mis sueños. Le pedí el teléfono, nada, no había elección, a mi pesar, entre el deseo y el amor hube de abandonar a la joven mujer. Me convertí en gato, gato pequeño y blanco que buscaba por garajes algo que no sé, junto con mi hermana, gata pequeña y negra, o éramos dos hermanos persiguiendo dos gatos, no lo recuerdo bien. Mi hermana me necesitaba, recorrimos las casas y los garajes de un pueblo mal iluminado, había una historia de un embalse en Banastás, una película rodada en mil novecientos y algo de dos muertos en el fregadero.

Sabía perfectamente lo que tenía que hacer, empecé a notar esa mezcla de anestesia y de placer blanco. Me estaba muriendo. Mi hermana me ayudaba. Yo le iba indicando con mi mente lo que debía de hacer. Recogió mi cuerpo muerto, yo era entonces mayor, tenía el cuerpo de mi abuelo, o era yo moreno y viejo, pero me sentía sereno, tranquilo, en paz. Con gran seguridad le indique que situara en la sábana blanca tendida sobre la tierra mi inerte e indoloro cuerpo. Nunca percibí tanto amor y tanta paz como entonces, muriendo acompañado los cuidados y el amor infinito de mi hermana.

No recuerdo más. Me vienen algunos recuerdos de gente joven en terrazas ede noches de San Lorenzo con chicas jóvenes y atractivas. Recuerdo algo de un coche y de garajes de puertas imposibles, estrechas y con escalones, que ningún coche podría cruzar. Y recuerdo un gitano gordo, sucio y demacrado por los años y el sol, de camisa blanca y cabello grasiento rizado, seguro de su fortaleza, escuchando Puagh en un coche blanco, medio destartalado y recién aparcado. Le vi abandonar el coche con la música encendida caminando por Santa Clara hace muchos años, antes de que la asfaltaran.

Zürn Vicén, 10 de Agosto 2013 Today I dreamed of dying He made love with a wonderful woman as shit . She was beautiful brunette hair green eyes and smooth , a little chubby , dressed in black , but very young and attractive . She had just shit without fear, rang loud and splendidly fuck her in the pool , put his ass under the public bathroom door . Closed , stroked her swollen pussy tight I Large thin black Maya getting penetrated an indescribable pleasure , his cave gently squeezed my cock , was the best pussy he had been .

Then I had to leave , not reach me to run, as used to happen in my dreams. I asked the phone , nothing, there was no choice , to my regret, between desire and the love I had to give up the young woman. I became a cat, white cat small garages looking for something I do not know , along with my sister , small, black cat , or two brothers were chasing two cats , I do not remember. My sister needed me , we toured the homes and garages of a people poorly lit, had a history of a reservoir in Banastás , a film shot in 1900 and some two dead in the sink.

He knew exactly what he had to do , I started noticing that mixture of anesthesia and white pleasure . I was dying. My sister helped me . I will show him my mind what I should do . He picked up my dead body, I was then more , had the body of my grandfather , and I was dark and old, but I felt serene, calm, at peace . With great security prompts that placed in white sheet lying on the ground my body inert and painless . I never felt so much love and peace as then, accompanied dying care and infinite love my sister.

I do not remember more . I come some memories of young people in terraces ede nights of San Lorenzo with young, attractive girls . I remember something about a car and garage door impossible , narrow and with steps that no car could cross . And I recall a gypsy fat , dirty and emaciated by years and the sun, white shirt and greasy hair curly , sure of his strength , listening Puagh in a white car , through battered and freshly parked. I saw him leave the car with the music turned on walking down Santa Clara for many years , before the asphalted .

Zürn Vicén , August 10, 2013

Como una obra casi "art brut", Zürn, nos regala sus sueños y nos hace pensar en los nuestros. Un pintor "aborigen" de cuentos oscuros que deja tiempo para enseñar a personas con problemas psiquicos o autistas a reflejar sus propios mundos de c o l o r. D o n d e n o e x i s t e e l reconocimiento de galerias, ni criticos que te valoren. "creo en discursos minoritarios y mayoritarios, y lo único que me importa es la honestidad e implicación en la labor y el oficio.

Además me es un poco espectáculo, un día estás allí otro allá, siendo el mismo, lo importante es trabajar y no perderse, no entro en ello, es lo que hay, lo único que me preocupa es poder mantener mi libertad y mi amor por lo que hago. el día que no lo necesite dejaré de hacerlo." ¡

"el piloto". Jorge Vicén, 2013. "the airman". Jorge Vicén, 2013.

As a work almost "art brut", ZĂźrn, gives us his dreams and makes us think about our own.

A painter "aboriginal" dark tale that leaves time to teach people with autism psychic or reflect their own world of color. Where there is no recognition of galleries and critics assess you.

"I believe in minority and majority discourses, and the only thing I care about is honesty and involvement in the work and craft.

Also show me a little, one day you're there one there, still the same, the important thing is to work and not get lost, do not get into it, is what it is, the only thing that worries me is to maintain my freedom and my love for what I do. the day I do not need it I'll stop. "

"negro". Jorge VicĂŠn, 2013. "black". Jorge VicĂŠn, 2013.

P64

Si llego a entender mi vida, llegaré a entender mi obra.

"Ciertas cosas no deben ser pensadas, estudiadas, ni merece la pena analizarlas. Emociones e ideas que aparecen y desaparecen sin avisar.

Pequeños milagros que surgen.

Disfrutar del presente mientras sea presente. De lo que tengas mientras lo tengas. ¿Como obtener un resultado a partir de un mensaje incompleto? Raro motivo el de convertir emociones instintivas en probabilidades.

Comparar una sonrisa o un llanto actual con uno pasado,intentando encontrar un significado obsoleto.

La muerte haciendo su papel de muerte. Sensación de angustia.

Creando el pretexto de un falso espacio temporal vital demasiado corto. Creando una insaciable carrera detrás del reloj.

Solo puedo llegar a creer en lo que quiero y deseo a cada instante. De tal manera puedo llegar a entenderme.

Busco amor a cada paso. De igual manera puedo entender el mundo.

Entiendo que no entiendo nada. Todo es demasiado complicado como para entender algo. Todo el caos que desprende la tierra hace que sea estúpido intentar ver el futuro.

Mientras camino solo junto a mi tremenda ignorancia, solo puedo tratar de escribir mi presente.

Manejar situaciones. No puedo crearlas, mantenerlas ni terminarlas.

Solo jugar con ellas. Vivir el momento o dejarlo pasar. Vivir lo que veo o esconderme donde la vida no llega.

Puedo salir a despedazar instantes.

También puedo quedar atrapado entre sábanas, observando mi caos personal. ¿Te gusta, lo deseas, lo quieres?

Cógelo mientras puedas. Aprende a despedirte del amor.

Acostumbrate a saludar lo inevitable.

Entiende que el dulce sabor del infierno, en ocasiones necesario, es un espejismo. Detrás del infierno solo hay un crecimiento constante de tu propio caos.

Manejar el presente se basa en escapar del caos colectivo".

If I understand my life, get to understand my work.

"Certain things should not be thought, studied, and it is worth analyzing.

Emotions and ideas that appear and disappear without warning. Small miracles that arise.

Enjoy this while it is present. From what you have while you have it.

How to get a result from an incomplete message? Converting the rare occasion instinctive emotions odds. Compare a smile or a current one crying last trying to find a meaning obsolete.

Death death by her role. Feeling distress. Creating a false pretext spatiotemporal life too short. Creating a career behind the clock insatiable.

I can only come to believe in what I want and desire at every moment. So I can get to understand. Looking for love at every turn. Similarly I can understand the world. I understand that no understand anything.

Everything is too complicated to understand something. All the chaos that clear the land makes it foolish to try to see the future.

As I walk alone with my tremendous ignorance, I can only try to write my present.

Manage situations. I can not create them, keep them or end them. Just play with them. living moment or let it pass. Living what I see or hide where life comes. I can go tear moments. I can also become trapped between the sheets, watching my personal chaos.

Like, you want, you want it? Take it while you can. Learn how to say goodbye to love.

Get used to greet the inevitable.

Understand that the sweet taste of hell, occasionally necessary, is a mirage. Behind the hell just have a steady growth of your own chaos.

Driving this is based on collective chaos escape".

Santo Espanto

Santo Espanto

Photo by H, 2013.

http://santoespanto.tumblr.com

P65

"no title". Screenprint on paper, Guerrilla Girls, Tate collection, London. "sin t铆tulo". Serigrafia sobre papel, Guerrilla Girls, colecci贸n de Tate Gallery, Londres.

"De" ...de rotas noches, de bailar bonito y silencioso, de perdida, de gozo y de derrota.

De tres en tres, de cuidados que no quiero y de suerte.

De paciencia que se me va y me vuelve loca, de, de, de...cosas que no pueden ser... de corazón des-h-echo.

De ira, de rabia, de arrebato y de destrozo... que sólo quiero ser invisible, y ni si quiera eso, deshacerme en átomo.

Extraña, extraños sentimientos que nos empujan y hay dolor, dolores y en el pecho...delirios y derrotas, de lirios y de rotas...

"Of" ... of nights broken, of dancing nice and quiet, of loss, of joy and of loss.

Of threes, of I do not care that and of luck.

Of patience it going and it drives me crazy, of, of, of ... things that can not be ... of bro-ken heart.. of anger, of rage, of rapture and of destruction ...

I just want to be invisible, and not even that, rid in atom.

Strange, strange feelings that push us and there is pain, pains and chest ... delusions and defeats, of lilies and of broken ...

photo & text by Patricia Heras 21 DE ABRIL DE 2008 Patricia fue una mujer con miedos y pasiones que no tenia claro como vivir en este mundo de mierda, lleno de mentiras, odios y poder. Una persona que escribió su día a día con todo el alma y que por ello nunca dejara de existir.

Se suicido antes de regresar a la cárcel donde fue metida por algo que nunca hizo. La juzgaron y la condenaron por ser diferente, por su forma de vestir y por su forma de pensar. Desde aquí deseamos que todo el mundo tenga algo de Patricia, el mundo seria mejor.

Patricia was a woman with fears and passions that had no clear how to live in this world of shit, full of lies, hatred and power. A person who wrote your day to day with all the soul and therefore never cease to exist.

He committed suicide before returning to jail where he was stuck for something you never did. The tried and sentenced to be different, the way they dress and the way they think. From here we hope that everyone has something to Patricia, the world would be better.

http://poetadifunta.blogspot.com.es/

El "bertsolari" es una especie de juglar que improvisa versos (bertsoak) y los canta en euskera. Esta tradici贸n oral ha sabido evolucionar y adaptarse a los tiempos conectando con las generaciones mas j贸venes, llegando a reunir en una final del campeonato a 14 mil personas.

Un arte de est茅tica austera que sorprende en esta 茅poca de grandes espectaculos y efectos digitales.

The "bertsolari" (improviser) is a kind of minstrel who improvises verses (bertsoak) and sing in euskera (language of the Basque Country, Spain). This oral tradition has evolved and adapted to the times connecting with younger generations, coming to gather in a final of the championship to 14 thousand people. An austere aesthetic art is striking in this time of great shows and digital effects.

"Versolaris" ValentĂ­n Zubiaurre. Madrid, Spain, 1913.

Se sabe que los primeros campeonatos fueron en la preguerra (1935-1936) en los teatros Poxpolin y Victoria Eugenia de Donostia donde 20 bertsolaris, entre ellos Iñaki Eizmendi, "Basarri", primer ganador de estas "batallas" de poesía improvisada. José Manuel Lujanbio, "Txirrita" fue otro de los grandes campeones. Viejo, baldado y analfabeto fue un verdadero bohemio rural que improvisaba con maestría tanto en cualquier tugurio como en campeonatos.

Tras una posguerra de más de veinte años, la Academia de la Lengua Vasca (Euskaltzaindia) consiguió la autorización de organizar un campeonato de bertsolaris en 1960. En las eliminatorias previas tomaron parte 56 bertsolaris.

De los diez finalistas, Iñaki "Basarri" fue proclamado, por segunda vez, campeón. Junto a el, Manuel Olaizola, "Uztapide", con quien formo la pareja que mantuvo el bertsolarismo público durante los duros años cuarenta y cincuenta. También pareja debido a la dictadura franquista y sus trabajos forzados.

Los años ochenta supusieron una importante renovación del bertsolarismo, con la consagración de Xabier Amuriza, exsacerdote y expreso político que durante más de seis años estuvo en cautiverio donde estudio, escribió y publico infinidad de bertsos. Renovó la imagen, introdujo la metáfora, aportó nuevas melodías y demostró que el euskera es un lenguaje tan útil para la improvisación como cualquier dialecto. Recopilador, investigador, pedagogo, escritor, Xabier Amuriza es el modelo en que se han mirado muchos de los bertsolaris de hoy.

A partir de aquí 100 bertsolaris se concentran en el velódromo de Anoeta (Donostia) para competir en lo que se podría denominar como las primeras grandes "batallas de gallos", como lo vienen haciendo hace algunos años otros conocidos poetas de la improvisación, los rappers.

Sebastián Lizaso, Jon Lopategi, Andoni Egaña, son algunos de los grandes campeones que marcan tendencias dentro del bertso y su forma de contar.

En 2009 Maialen Lujanbio ganó el Campeonato Nacional de Bertsolaris proclamándose la primera mujer que gana una competición como esta.

La "lucha" improvisada entre poetas se reconoce como disciplina artística y competición nacional. Un estilo donde todos los bertsolaris componen en sus cabezas pequeñas historias de humor, critica o sentimientos sobre la vida en relación a un tema concreto que es elegido por un juez segundos antes de la competición. El éxito o fracaso comunicativo del bertsolari no reside en su voz, sino en el tono escogido y la manera de cantarla ya que ningún tipo de música acompaña a los bertsolaris.

Los tonos se clasifican en tres categorías, tonos populares tradicionales, nuevas tonadas y tonalidades compuestas.

El bertso se divide en puntos y cada punto, según la métrica, presenta un cierto número de sílabas (Zortziko mayor, Hamarreko mayor, Zortziko menor y Hamarreko menor).

El bertsolari jamás cuenta las sílabas mientras está improvisando y su facilidad para la rima es el quid donde formar sus bertsos, así pues, el no dice nunca aquello que quiere decir, dice aquello que la métrica y las palabras que ha almacenado y puede en un momento dado utilizar, se lo permiten.

P92

Homenaje a Basarri, en Zarautz, en abril de 1980. De izquierda a derecha: los bertsolaris Lizaso, Amuriza, Mattin y Lasarte (sentados). Improvisa Lazkao-Txiki. Fot. Iñaki Linazasoro.

Tribute to Basarri in Zarautz, in April 1980. From left to right: the bertsolaris Lizaso, Amuriza, Mattin and Lasarte (seated). Improvise Lazkao-Txiki. Photo by Iñaki Linazasoro.

It is known that the first championships were in the pre-war (1935-1936) in theaters Poxpolin and Victoria Eugenia of Donostia where 20 improvisers , including Iñaki Eizmendi , " Basarri " , first winner of these "battles" of improvised poetry . Jose Manuel Lujanbio , " Txirrita " was another of the great champions . Old , crippled , illiterate rural was a true bohemian who improvised with masters in cuaquier dump like championships.

After a war of more than twenty years , the Academy of the Basque Language ( Euskaltzaindia ) got permission to hold a championship of improvisers in 1960. In the qualifying rounds took part 56 improvisers . Of the ten finalists , Iñaki " Basarri " was proclaimed for the second time , champ. Beside him , Manuel Olaizola , " Uztapide " with whom I form the couple that kept the audience during the harsh bertsolarismo forties and fifties . Also partner because of the Franco dictatorship and forced labor.

The eighties represented a major renovation of improvisation , with the consecration of Xabier Amuriza , former priest and former political prisoner who for more than six years in captivity Was where he studied , wrote and published numerous bertsos . He renewed the image introduced the metaphor , brought new tunes and showed that Euskara is a language for improvisation as useful as any dialect . Collector , researcher , educator , writer, Xabier Amuriza is the model that have looked at many of today's improvisers .

Apatir of 100 bertsolaris here concentrate on Anoeta Velodrome (Donostia ) to compete in what might be termed as the first major " battles cocks " , as they have done for some years other known poets of the improvisation , the rappers .

Sebastian Lizaso , Lopategi Jon Andoni Egaña , are some of the great champions in the bertso trendsetters and how to count . In 2009 Maialen Lujanbio won the National Championship Bertsolaris proclaiming itself the first woman to win a competition like this.

The "fight " between poets improvised artistic discipline and recognized as national competition . A style where all up in their heads bertsolaris little stories of humor, criticism or feelings about life in relaccionados to a specific theme that is chosen by a judge seconds before the competition . The success or failure of bertsolari communication lies not in his voice , but the tone chosen and how to sing it as any kind of music accompanies the improvisers .

The tones are classified into three categories , traditional folk tunes , new tunes and tones composed .

The bertso is divided into points and each point , depending on the measure, has a number of syllables ( Zortziko greater Hamarreko greater Hamarreko Zortziko smaller and smaller ) .

The improviser has never syllables while improvising and easy to rhyme is the crux which form his verses , so, the never says what means , says that the metric and the words that you have stored and can in a given time use , allow it.

Bertsolaris in Zarautz, Spain. 2013. Photo by Diario Vasco.

"You have stolen my silence" Gehard Demetz, 2006.

"Has robado mi silencio" Gehard Demetz, 2006.

www.geharddemetz.com

"Desde pequeño cuando pensaba en mi futuro, lo veía muy claro, quería ser escultor.

Mis primeros pasos en este mundo han sido ir a la escuela de arte y a la escuela profesional de escultores en Ortisei. En primer momento mi intención era volverme un escultor de arte sagrado, hacer santos de grandes dimensiones, con el tiempo mi ambición ha cambiado. Con i trabajo lo que pretendo es representar niños muy adultos y conscientes de su situación, de las circunstancias que han pasado y de los sentimientos heredados de sus predecesores, sean estos buenos o malos. Mis discursos nacen de una afirmación de Rudolf Steiner, dice que los niños de seis y siete años tienen la facultad de sentir en su inconsciente pensamientos y culpas heredadas de sus antepasados. La relación con el pasado y con los padres para mí es muy importante. Los niños que represento piensan que el mundo que les rodea no les deja tiempo para ser niños, no tienen tiempo de vivir su infancia ni recorrer el camino difícil que lleva de la infancia a la edad adulta. personajes llevan objetos comunes, tijeras paraguas, cinturones ... con estos objetos intento crear un contraste entre el niño y el mundo, pero también influenciar el modo de observar mi escultura, decir el orden de mirada en la pieza. Generalmente cuando se mira una obra nos llama la atención el rostro, yo pretendo llevar la atención antes hacia otro lado.

Para potenciar este efecto genero un contraste entre partes de madera natural y partes pulidas, un modo ayuda al otro, la parte áspera del cuerpo del niño amplifica la suavidad y la armonía de las partes lisas de los objetos que suelen ser más oscuros y atraen la atención del espectador. La madera me rodea desde que soy pequeño, me gusta porque es un material orgánico y cálido, con el que se pueden obtener m u c h o s resultados. Las esculturas que hago están construidas con módulos, esta técnica permite modelar y esculpir al mismo tiempo. Construyo los niños pieza por pieza, tal y como sucede en la vida real, pero a mis personajes les faltan algunas partes, pequeños bloques, son niños a los que les ha privado de algo. Adquiero inspiración de muchas cosas, de mi niñez, de las noticias, de la religión, de la familia.

A menudo la idea de lo que quiero hacer es muy clara y la congelo, otras veces mi idea va cambiando mientras dibujo y llego a otros resultados. Hay situaciones o noticias que me llevan a reflexionar. me interesan y quiero saber el motivo de mi reacción, busco dentro de mí y de ahí nacen los temas de mis esculturas". " Since childhood when I thought about my future , I was very clear , I wanted to be a sculptor . My first steps in this world have been going to art school and vocational school of sculptors in Ortisei. At first my intention was volverme a sculptor sacred art , make saints of large dimensions, with time my ambition has changed. Centre i work what I intend to represent adults and children very aware of their situation , the circumstances that have happened and the feelings inherited from his predecessors , be it good or bad. My speeches are born of a statement of Rudolf Steiner , says children of six and seven years have felt the power of your unconscious thoughts and guilt inherited from their ancestors . 's relationship with the past and with parents for me is very important . Children think t h e y represent the world around them leaves them no time to be children , have no time to live your childhood or walk the difficult path that leads from childhood to adulthood.

My characters are common objects , scissors umbrellas, belts ... with these objects try to create a contrast between the child and the world, but also influence my sculpture observe mode , ie in order to look the part. Usually when you look at a work draws our attention to the face, I intend to draw attention away before . To enhance this effect generated a contrast between natural wooden parts polished parts , a way helps the other , the child's body rough amplifies the softness and harmony of the smooth parts of the objects that are usually darker and attract viewer's attention.

The wood around me since I was small, I like it because it is an organic material and warm, with which you can get many results. The sculptures I make are built with modules, this technique allows to model and sculpt at the same time. Children built piece by piece , just as in real life, but my characters are missing some parts , small blocks , are children who have been deprived of something. Acquire inspiration from many things , from my childhood , news , religion , family . Often the idea of what I do is very clear and froze , sometimes my idea is changing while drawing and I get different results. There are situations or news lead me to think. I'm interested and want to know the reason for my reaction , I look inside myself and there are born the subjects of my sculptures."

Gehard D.

P95

"A un o de mis trabajos le tengo un particular cariño, es "I hear the spirit while I whisper". Habla del intento por parte del niño de poder hablar con el mas allá, de manera como cuando pequeños teníamos un amigo imaginario. El niño usa un paraguas como transmisor para poderse comunicar, pero también le sirve para protegerse de este mundo que le es todavía extraño."

"On one of my works or I have a special affection , is " I hear the spirit while I whisper" . Talk of the attempt by the child to be able to talk to the hereafter , so as when small had an imaginary friend. The child uses an umbrella as a transmitter in order to communicate , but also serves to protect this world that is still weird."

Gehard D.

"I hear the spirits while I whisper" Gehard Demetz, 2007.

"Oigo a los espíritus mientras les susurro" Gehard Demetz, 2006.

Photo by Ferdinando Cioff

"The mouth full of stars" Gehard Demetz, 2006.

"La boca llena de estrellas" Gehard Demetz, 2006.

Desde la tranquilidad de su estudio en una pequeña ciudad italiana, Selva di Val Gardena, Gehard talla piezas que salen desde lo mas profundo de la conciencia. Un mundo oscuro donde los rostros inquietantes de niños y niñas juegan con los recuerdos por medio de texturas y pequeños huecos que nos hacen pensar que nuestra mente también se construye por medio de pequeños trozos, y algunos se pierden.

Un dialogo interno con la propia obra y el artista.

From the tranquility of his study in a small Italian town, Selva di Val Gardena, Gerhard size pieces that come from the depths of consciousness. A dark world where disturbing faces of children playing with memories and textures through small holes that make us think that our mind is also built using small pieces, and some are lost.

An internal dialogue with the work itself and the artist.

"A soft distortion" 2008.

"Una distorsi贸n suave" 2008

"My shadow can walk on water" 2012.

"Mi sombra puede caminar sobre el agua" 2012

P98

"It’s Warmer Now" 201.

"Hace más calor ahora" 201.

Artista portugues vive y trabaja en Londres y Lisboa con su nombre real, Alexandre Farto. Su marca reconocida internacionalmente es la formación de los dramáticos retratos de gran tamaño realizadas por talla directa en paredes. El proceso implica a menudo métodos industriales tales como la perforación y las explosiones controladas.

No solo crea sus piezas en paredes sino que cualquier superficie como madera o metal le basta para sacar de ellos esos rostros anonimos de cualquier calle del mundo.

Portuguese artist lives and works in London and Lisbon with his real name, Alexandre Farto. His internationally recognized brand is the formation of large dramatic portraits made ??by carving directly on walls. The process often involves industrial methods such as drilling and controlled explosions.

Not only creates his pieces on walls but any surface such as wood or metal is enough to get them an anonymous faces any street in the world.

m/

t far e r nd xa

ale / / : ttp

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Pieza en las calles de París, 2012. Piece on the streets of Paris. Photo by StreetArtNews.

P100

o o.c

Vhils, Museo de Arte Contemporรกneo de San Diego - 2011,

"Son todas las personas que he conocido brevemente en ciudades en las que he creado murales. Me gusta la idea de convertir a esas personas comunes en iconos y contrastar esto con la necesidad que la gente parece tener para crear iconos en cualquier sitio.

En lugar de la creación de iconos de personas que han cambiado la historia, como lo que Warhol hizo con Mao y otros, tomo una persona común y trato que la gente piense en esos ciudadanos comunes y corrientes que luchan todos los días para ganarse la vida en la sociedad contemporánea".

"They are all people I have met briefly in cities where I have created murals. I like the idea of turning ordinary, common people into icons, to contrast this with the need people seem to have to create icons in the first place. Instead of creating icons out of people who have changed history, like what Warhol was doing with Mao and others, I take an ordinary person and try and make people think about the ordinary citizens who struggle everyday to eke a living in contemporary society."

Streets of Rio De Janeiro, 2012.

Alexandre Farto

18 Gallery Magda Danysz, Shanghai, 2012.

Photo by Unurth street art.

Perforaci贸n en paredes, dibujos con 谩cido sobre metal o grabado en madera y enormes retratos en claroscuro. drilling in walls, drawings acid on metal or wood engraving and huge contrasting portraits.

Espuma de poliestireno cortada por hilo caliente y pegada a mano.

Styrofoam hot-wire cut and pasted by hand.

"Diorama 9". Devoid, 2012. London.

"Ataxia 3". Devoid, 2012. London.

Puertas recogidos de la calle, talladas y compuestas.

Doors collected from the street, carved and composed.

P100

"Reflection 4". Devoid, 2012, London.

Placa de hierro grabada al รกcido, oxidado y pulido a mano.

Iron plate etched, oxidized and hand polished.

suicidiocomo comocreación/obra creación/obradedearte/genio arte/genio elelsuicidio

by Eloisse Louisse

by Eloisse Louisse

El artista siempre espera a serlo. Ser artista es complejo, se Elasemeja artista siempre espera a serlo. Ser artista es nobiliario, complejo, se a un premio/recompensa, un titulo una asemeja a un premio/recompensa, un titulo nobiliario, una otorgación elegida por la historia. Pero Quien escribe la historia? otorgación elegida por la uno historia.

Pero Quien escribe la historia?

En este caso la escribe mismo.

EnEleste caso la escribe uno mismo. es contenedor y contenido, y como artista que se escribe, es Elobra. es contenedor y contenido, y como se escribe, es Pero mas allá de la metáfora, el esartista objeto.que Es pieza museistica obra.

Pero mas allá de la metáfora, el es objeto.

Es pieza museistica creada para adorar, como toda obra de arte. El adorador no es creada para como toda obraobserva, de arte. el El que adorador no algo es siempre el adorar, que mira, si no el que ha visto siempre el que mira, si no el que observa, el que ha visto algo y en ese descubrimiento, sea cual sea, se convierte cómplice del y artista, en ese descubrimiento, sea cual convierte del ejecutor y ejecutado del sea, arte.se Porque lo hacómplice visto, y sabe artista, ejecutor y ejecutado del arte.

Porque lo ha visto, y sabe que es. Sabe que es su cuerpo modificado, detenido en el tiempo, que es. es su ine r tSabe e cque omo u cuerpo n a r omodificado, c a . Y detenido s i e n d o enoelb tiempo, jeto y i nnatural/original/sagrado/divino, e r t e c o m o u n a r o c a . laYtécnica s i e nque d o lo ocrea, b j e tlo o hace y natural/original/sagrado/divino, la técnica que lo crea, lo hace perdurar. El es escultura. perdurar. El es escultura.

(Cuerpo deshidratado por delicada técnica, medidos factores que (Cuerpo deshidratado delicadasólido. técnica, medidos factores que arremeten contra elpor silencioso Superficie curtida sobre arremeten contra el silencioso sólido.

Superficie curtida sobre endurecida masa. Degradación del color del volumen, volviendo endurecida masa.

Degradación del color del volumen, volviendo al origen de su ausencia.

Y el paso del tiempo, el orgánico polvo alque origen de su ausencia.

Y el paso del tiempo, el orgánico polvosu sera llevado por la lluvia y el viento, descubrirá que sera llevado por lluvia y el viento, descubrirá su estructura/armazón de la calcio congelado. estructura/armazón de calcio congelado.

Y en cada ágil presencia, un artífice de la obra, que se realiza al Y ser en cada ágil presencia, un artífice demirada, la obra,elque se desaparece realiza al observada con atención.

Sin dicha genio ser observada con atención.

Sin dicha mirada, el genio desaparece y se descomponer en el sujeto/objeto. y se descomponer en el sujeto/objeto.

Colectivo Mierda, Zgz, Spain, 2013.

Colectivo Mierda, Zgz, Spain, 2013.

The artist always expected to be. Being an artist is complex , The artist always expected to ,be.

Being artist ,isone complex , resembling a prize / reward a title of an nobility granting resembling a prize / reward , a title of nobility , one granting chosen by history. But who writes history ? In this case the self chosen escibeby . history. But who writes history ? In this case the self escibe .

He is content and container , and an artist who writes, is work .

He is content ansubject artist who work .

But beyond and the container metaphor, ,and he's . Itwrites, is partismuseum But beyond the metaphor , he's subject .

It is part museum created to worship , like any work of art. The worshiper is not created worship like the anyobserver work of art.

The worshiper is not alwaysto the look, if, not , who has seen something always the look, if not the observer , who has seen something and in that discovery, whatever it is, becomes an accomplice of and that discovery, it is, becomes an accomplice of theinartist, executing whatever and executed art .. Because I have seen, the artist, executing and executed art ..

Because I have seen, and know it is. He knows his body is modified , time stopped an and know is. HeAnd knows bodynatural is modified time stopped an / inert as ait rock. stillhis under and /, Original / sacred inert as a rock.

And still under natural and / Original / sacred / divine that cea technique , it does last. He is sculpture. divine that cea technique , it does last. He is sculpture. ( Dehydrated body by delicate technique , measured factors lash ( Dehydrated by delicate technique , measured lash solid silencerbody . Surface on hardened mass tanned .factors Degradation solid silencer .

Surface on hardened mass tanned .

Degradation volume color , returning to the origin of his absence. And over volume , returning the will origin his absence. time , color the organic dusttothat be of carried by rain And and over wind, time , the organic dust that will be carried by rain and wind, . discover their structure / frame side frozen calcium discover their / artifice frame of side frozen calcium .

And every agile structure presence an the work , which is done And every agile presence an artifice of the work , which is done when observed with care . Without that view , the genius disappears when with in care view , the genius disappears and observed decomposes the. Without subject that / object. and decomposes in the subject / object.

Muchos son los artistas que usan su cuerpo para crear su obras y declarar sus pensamientos a través de ellos mismos. En este el artista californiano, EJ Hill, utiliza su boca en sus trabajos como un medio de comunicación más allá de las palabras. Hill arrastro su lengua por las paredes de una galería de arte mientras exponían otros artistas. Al principio solo dejo saliva pero tras la segunda pared de la sala su lengua empezó a sangrar, manchando toda la galería. El artista nos muestra una performance agresiva sobre el placer y de como captar el arte.

Un placer que dibuja el dolor y nos ofrece una forma diferente de ver el mundo.

Many artists who use their bodies to create their works and their thoughts declare by themselves. In this Californian artist, EJ Hill, uses her mouth in his work as a means of communication beyond words.

Hill dragged his tongue along the walls of an art gallery while exposing other artists. At first just let spit but after the second wall of the room his tongue started to bleed, staining the whole gallery. The artist shows an aggressive performance over pleasure and how to capture art. Pleasure and pain drawing offers us a different way of seeing the world.

Shit The Collective, Zgz, Spain, 2013.

Shit The Collective, Zgz, Spain, 2013.

Photo by Matt Austin http://loquemesal.blogspot.com.es

P102

galerĂ­a de arte sonoro y visual sound & visual art gallery

Gafas anaglĂ­ficas ajustables: - imprime la plantilla a tamaĂąo A4 (sin margenes).

- recorta las piezas y los agujeros de los ojos.

- pega los trozos de celofan, rojo y azul (tambien pueden ser verde y magenta o ambar y cian).

- dobla pliegues y pega.

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ojo izq. left eye

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ojo dch. right eye

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Adjustable anaglyph glasses: - Print the template to A4 (Borderless).

- Parts and cut eye holes.

- Glue the pieces of cellophane, red and blue (also can be green or amber and magenta and cyan).

- Bend folds and paste.

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