CONTRAPESO teatro REVISTA DIGITAL

ANTONIO ZÚÑIGA

Edición decimotercera 27/03/20

CONTENIDO MENSAJE DE LA EDITORIAL Día Mundial del Teatro: Mensaje de Shahid Nadeem

TEATRO: Arte en corto Paso de gato, pende de un hilo Se cierra el telón para el maestro Santiago García

SIN LIBRETO: Antonio Zúñiga ¿DE DÓNDE VIENE…?

Musas: Trouble in town Personaje del mes: Dario Fo

Vivimos tiempos de inestabilidad, el mundo está volcado en salir airoso de una pandemia viral, se cierran teatros y cines, no nos vayamos a contaminar, pero los súper mercados están atiborrados de personas sin protección alguna más que la paranoia, mientras tanto, otros cuantos nos preguntamos qué provecho podemos sacar de esto, seguro tendremos más tiempo de leer, inventarnos alguna buena historia, continuar con nuestras prácticas de piano, o tololoche.

Esta edición es especial pues conmemoramos el Día Mundial del Teatro, con o sin pandemia, con o sin los teatros abiertos, porque cada cabeza es un gran teatro y merece ser celebrado, además contamos con edición doble ¡qué dicha!, ahora si no hay pretexto para no leer, que el tiempo se ha suspendido para poder regalarnos asueto.

Agradezco mucho, muchísimo a nuestros dos invitados de lujo, que dentro de sus apretadas agendas, se dieron el tiempo para regalarnos su poética, un pedazo de lo mucho que son. ¡Feliz día del teatro!

Mensaje de la editora Sarhay Algravez Espinoza

CONTRAPESO TEATRO busca ampliar los espacios para la difusión cultural, tanto local como nacional, por eso se decide a crear la revista digital CONTRAPESO. La revista busca ser del interés del creador y admirador del arte en sus diferentes disciplinas, pero también ser un espacio abierto para quienes quieran formar parte del contenido: ensayos, crítica, nota o publicidad.

No busca imponer verdades y mucho menos juzgar lo que el arte actual ofrece, es tan solo un medio que permite conocer a través de las letras y a través de ensayistas, críticos e investigadores, que se dan a la tarea de apreciar y buscar los discursos o la falta de ellos, lo que nos otorgan las nuevas artes.

Foto de portada: Frida Dimas Fotografías: Leany Tejada y Luis Quiroz

Originario de Parral, Chihuahua, es uno de los creadores más completos de la escena mexicana contemporánea. Actor, director, dramaturgo, productor, promotor cultural y administrador.

Antonio Zúñiga ha sido un itinerante teatral. Miembro del Sistema Nacional de Creadores. Premio Chihuahua 2012, con su obra La señora del Chanel Numero 5. Premio Nacional de Dramaturgia 2003 de la Universidad de Nuevo León, Premio Internacional de Guiones de Cortometraje de la Universidad de la Laguna, Tenerife, España 2006. Participante del XI Festival Internacional de Teatro de la Habana, Cuba. La mayoría de sus obras se han puesto en México y Estados Unidos. En México, ha realizado varias adaptaciones para La Compañía Nacional de Teatro.

Forma parte de la compañía de teatro Carretera 45 con quienes, en 2013, creó un espacio cultural independiente en la colonia obrera de la Ciudad de México. Actualmente es el director del Centro Cultural Helénico.

Fuentes: Mala letra libros y Enciclopedia de la literatura mexicana

El teatro como santuario Shahid Nadeem Mensaje por el Día mundial del Teatro 2020 https://www.world-theatre-day.org/messageauthor.html

Es un gran honor para mí escribir el Mensaje del Día Mundial del Teatro 2020.

Es un sentimiento de una gran humildad pero también es emocionante pensar que el teatro pakistaní ha sido reconocido por el ITI, la organización de teatro mundial más influyente y representativa de nuestro tiempo.

Este honor es también un homenaje a Madeeha Gauhar, icono del teatro y fundadora del Ajoka Theatre, también mi compañera de vida, quien murió hace dos años. El equipo de Ajoka ha recorrido un largo y difícil camino, literalmente desde la calle hasta el teatro. Pero también, es la historia de muchas compañías de teatro, estoy seguro. Nunca es fácil nada fácil mantenerse a flote navegando. Siempre es un conflicto.

Vengo de un país predominantemente musulmán, que ha experimentado varias dictaduras militares, el horrible ataque de extremistas religiosos y tres guerras con la vecina India, con quien compartimos miles de años de historia y herencia. Hoy todavía vivimos con el temor de una guerra total con nuestro hermano gemelo y vecino, incluso una guerra nuclear, ya que ambos países ahora tienen armas nucleares.

A veces nos decimos en broma; “Los malos momentos son buenos para el teatro”. No hay escasez de desafíos para ser enfrentados, ni contradicciones a ser expuestas y status quo que subvertir. Mi grupo de teatro Ajoka y yo hemos estado caminando por la cuerda floja por más de 36 años. De hecho, el estar en la cuerda floja, mantener el equilibrio entre entretenimiento y educación, entre investigar y aprender del pasado y prepararse para el futuro, entre la libre expresión creativa y los enfrentamientos aventureros con la autoridad, entre el teatro socialmente crítico y teatro financieramente viable, entre llegar a las masas y estar a la vanguardia: uno puede decir que un creador de teatro tiene que saber conjurar, ser un mago.

En Pakistán es clara la división existente entre lo Sagrado y lo Profano. Para los Profanos, no hay espacio para el cuestionamiento religioso, mientras que para lo Sacro, no hay posibilidad del debate abierto o de nuevas ideas. De hecho, el establecimiento conservador considera el arte y la cultura fuera de los límites de sus “juegos sagrados”. Entonces el campo de juego para los artistas escénicos ha sido como una carrera de obstáculos. Ellos tienen primero que probar sus credenciales como buenos musulmanes y ciudadanos conformes y también intentar establecer que la danza, la música y el teatro están “permitidos” en el Islam. Por lo tanto, una gran cantidad de musulmanes practicantes se han mostrado reacios a adoptar las artes escénicas, a pesar de que los elementos de la danza, la música y el teatro están integrados en su vida cotidiana. Y entonces, nosotros nos tropezamos con una subcultura que tenía el potencial de llevar lo Sagrado y lo Profano al escenario mismo.

Durante el gobierno militar en Pakistán en la década de 1980, Ajoka estuvo organizado por un grupo de jóvenes artistas que desafiaron la dictadura a través de un teatro social y políticamente audaz de disidencia. Ellos descubrieron que sus sentimientos, su ira, su angustia, fueron asombrosamente expresados por un bardo sufí, que vivió hace unos 300 años. Este fue el gran poeta sufí Bulleh Shah. Ajoka descubrió que podría hacer declaraciones políticamente explosivas a través de su poesía, desafiando la autoridad política corrupta y el establecimiento religioso intolerante. Las autoridades podían prohibirnos, pero no a un poeta sufí venerado y popular como Bulleh Shah. Descubrimos que su vida era tan dramática y radical como su poesía, que le había ganado a la fatiga y al destierro, en su vida.

Entonces escribí, “Bulha”, una obra sobre la vida y las dificultades de Bulleh Shah.

Bulha, como se refieren amorosamente a él las masas en el sur de Asia, era de una tradición de poetas sufíes punjabíes que desafiaron sin temor la autoridad de los emperadores y los demagogos clericales a través de su poesía y de su práctica.

Escribieron en el idioma de la gente y acerca de las aspiraciones de las masas. En la música y la danza, encontraron los medios para lograr una asociación directa entre el hombre y Dios, pasando por alto con desdén, los intermediarios religiosos explotadores. Desafiaron las divisiones de género y de clase, miraron al planeta con asombro, como una manifestación del Todopoderoso. El “Consejo de las Artes” de Lahore rechazó el guión, alegando que no era una obra de teatro sino simplemente una biografía. Sin embargo, cuando la obra se presentó en un lugar alternativo: el Instituto Goethe. La audiencia vio, entendió y apreció el simbolismo en la vida y la poesía del poeta del pueblo. Se identificaron completamente con su vida y su tiempo y observaron los paralelos con sus propias vidas y su tiempo.

Un nuevo tipo de teatro nació ese día, en 2001. Música devocional Qawwali, baile sufí Dhamal y la inspiradora poesía recitativa, e incluso el canto meditativo de Zikir, se convirtieron en parte de la obra. Un grupo de Sikhs, que estaba en la ciudad para asistir a una conferencia de Punjabi y vieron la obra, luego invadieron el escenario, abrazando, llorando y besando a los actores, al final. Compartían el escenario por primera vez con Punjabis musulmanes después de la separación con la India en 1947, que desembocó en la división de Punjab en líneas comunales. Bulleh Shah había sido tan querido para ellos como lo era para los Punjabis musulmanes porque los sufíes trascienden las divisiones religiosas o comunitarias.

Este estreno memorable fue seguido por la odisea india de Bulleh Shah. Comenzando con un recorrido pionero de la parte india del Punjab, “Bulha” se realizó a lo largo y ancho de la India, incluso en tiempos de tensiones más graves entre los dos países y en lugares donde el público no sabía una sola palabra de Punjabi, pero amaba cada momento de la obra. Mientras las puertas para el diálogo político y la diplomacia se cerraban una por una, las puertas de las salas de teatro y de los corazones del público indio, permanecieron abiertas.

Durante la gira de Ajoka en el Punjab Indio en 2004, después de una actuación muy bien recibida ante una audiencia rural de miles de personas al final de una representación de la obra de teatro sobre el poeta sufí Bulleh Shah, un anciano, acompañado por un niño, se acercó hasta el actor que había interpretado el papel del

gran sufí. El viejo llorando dijo: “Mi nieto no se encuentra bien, ¿podrías por favor soplarle con una bendición? sé que se recuperará, si lo hace”, El actor se sorprendió y contesto: “Babaji. No soy Bulleh Shah, solo soy un actor que interpreta el papel”. Sugerimos al actor que le concediera al anciano su deseo. El actor lanzó una bendición sobre el joven. El viejo estaba satisfecho y dijo: “Hijo, no eres un actor, eres una reencarnación de Bulleh Shah, su avatar“. De repente, se nos ocurrió un concepto completamente nuevo de actuación, de teatro, donde el actor se convierte en la reencarnación del personaje que él o ella están representando.

En los 18 años de gira con “Bulha”, hemos notado una respuesta similar de una aparentemente no iniciada audiencia, para quien la actuación no es solo una experiencia entretenida o intelectualmente estimulante sino un encuentro espiritual profundamente conmovedor. Un nuevo tipo de teatro nació ese día, en 2001. Música devocional Qawwali, baile sufí Dhamal y la inspiradora poesía recitativa, e incluso el canto meditativo de Zikir, se convirtieron en parte de la obra.

De hecho, el actor que interpretaba el papel del Maestro Sufi Bulleh Shah estaba tan anímicamente influenciado por la experiencia, que él mismo se convirtió en poeta sufí y desde entonces ha publicado dos colecciones de poemas. Los actores han expreasdo que cuando comienza el espectáculo, sienten que el espíritu de Bulleh Shah está entre ellos y el escenario parece haber sido elevado a un plano superior. Un erudito indio, al escribir sobre la obra, le dio el título: “Cuando el teatro se convierte en un Santuario”.

Soy una persona laica y mi interés en el sufismo es principalmente cultural. Estoy más interesado en los aspectos artísticos y performativos de los poetas sufíes punjabíes, pero mi audiencia, que puede no ser extremista o intolerante, tiene sinceras creencias religiosas. Explorar historias como la de Bulleh Shah, y hay muchas otras en todas las culturas, puede convertirse en un puente entre nosotros, los creadores de teatro y una desconocida pero entusiasta audiencia. Juntos podemos descubrir las dimensiones espirituales del teatro y construir puentes entre el pasado y el presente, llevando a un futuro que es el destino de todas las comunidades; creyentes y no creyentes, actores y ancianos, y sus nietos.

La razón por la que estoy compartiendo la historia de Bulleh Shah y nuestra exploración de una especie de teatro sufí es que mientras actuamos en el escenario, a veces nos dejamos llevar por nuestra filosofía del teatro, nuestro papel como abanderados del cambio social y al hacerlo, estamos dejando atrás a una gran parte de las masas. En nuestro compromiso con los desafíos del presente, nos privamos de las posibilidades de una experiencia espiritual profundamente conmovedora que el teatro puede proporcionar. En el mundo de hoy donde el sectarismo, el odio y la violencia están en aumento una vez más, las naciones parecen enfrentarse unas a otras, los creyentes luchan contra otros creyentes y las comunidades difunden su odio contra otras comunidades… y mientras tanto, los niños mueren de desnutrición, y las madres durante el parto debido a la falta de atención médica oportuna, y las ideologías de odio florecen.

Nuestro planeta se está hundiendo cada vez más en una catástrofe climática y uno puede escuchar los cascos de los caballos de los Cuatro Jinetes del Apocalipsis.

Necesitamos reponer nuestra fuerza espiritual; necesitamos luchar contra la apatía, el letargo, el pesimismo, la avaricia y el desprecio por el mundo en que vivimos, el planeta en el que vivimos. El teatro tiene un papel, un papel noble, el de energizar y movilizar a la humanidad para levantarse de su descenso al abismo. Puede elevar el escenario, el espacio de actuación, en algo sagrado. En el sur de Asia, los artistas tocan con reverencia el piso del escenario antes de pisarlo, una antigua tradición cuando lo espiritual y lo cultural estaban entrelazados. Es hora de recuperar esa relación simbiótica entre el artista y el público, el pasado y el futuro. Hacer teatro puede ser un acto sagrado y los actores pueden convertirse en los avatares de los roles que desempeñan. El teatro eleva el arte de actuar a un más alto plano espiritual. El teatro tiene el potencial de convertirse en un santuario y el santuario en un lugar de actuación.”

PASO DE GATO, PENDE DE UN HILO… ¡Detengan

todo! Enciendan las luces, abran ese maldito telón ¡Estamos perdiendo a Paso de gato!, desde luego la terrible noticia de un virus asesino está acaparando todas las portadas y todos los medios –como blockbuster gringo-, allá a lo lejos, casi en blanco y negro vemos la noticia de que la librería Paso de gato y aún, peor, la editora Paso de gato pende de un contrapeso apolillado. ¿Cómo es posible que la SOGEM le incremente la renta a una librería así de importante, así de icónica y en tiempos de hambre? No puedo decir que me sorprende, porque vamos, para ser una sociedad que defiende los derechos de autor de escritores mexicanos la verdad es que cobran un ojo de la cara el registrar tu obra, cuando el INDAUTOR te dice dame una Sor Juana y estamos arreglados, sin embargo, no esperábamos –hablo por muchos que tuvimos la oportunidad de ser parte, por lo menos un tiempo, de los sogemitas y a la cual le tuvimos un gran aprecio- que pudieran dejar sin refugio a tantos buenos libros especializados en las artes escénicas.

Jaime Chabaud, director y fundador de Paso de Gato, en entrevista para El universal, informó que la SOGEM les subió el precio de la renta pasando de los 18 a los 40 mil pesos, con lo que, desde luego, llevaría al cierre de la librería.

Comentó que lamenta los recortes financieros que ha hecho el gobierno a la cultura, pero confía en que se generen opciones para reubicar la librería. Sin embargo, el problema también ha alcanzado a la editorial, pues comenta que gracias a estos recortes las instancias estatales, socios y clientes ya no se anuncian en la revista ni pueden entrar en sociedad en la edición de libros.

Es una verdadera lástima lo que podría llegar a suceder con la editorial y la librería, son muy pocas las librerías que distribuyen material sobre artes escénicas en México y en muchas partes de Iberoamérica, es casi imposible encontrar algún buen libro de investigación en artes plásticas, en teatro, en cine o en danza, algunas veces comprarlos en internet no resulta una opción porque no sé cuenta con tarjeta de crédito,

porque sale muy costoso el envío, porque no están traducidos al español o simplemente no hay otra editorial que las distribuya, siempre Paso de gato ha sido la primera opción para el artista escénico y que decir de la revista, Paso de gato ha sido nuestra fuente de información sobre las artes escénicas durante años; en provincia nos ha acercado al quehacer teatral capitalino, dejándonos ver, como si de un documental se tratara, el desarrollo e innovaciones del arte mexicano.

La revista Paso de gato, además ha sido la principal fuente de inspiración para la creación de Contrapeso Teatro revista digital, queriendo algún día, poder llegar a ser tan importante y tan leída como lo es Paso de gato. Recuerdo haber encontrado algunas cuantas ediciones en deplorable estado de conservación en la biblioteca de la Facultad de Artes en la que estudié y se encontraban en la “zona prohibida”, ahí donde van a parar los libros que “algún día” serán reparados o reemplazados, así que, a la sorda, me fui leyendo cada una de las ediciones. Tiempo después fui a comprar las únicas dos ediciones que la Casa de la cultura, tenía en aquel entonces en su “librería”.

Luego, cuando la Secretaría de cultura estaba mudándose a lo que ahora son Los laureles, tenían en una de las oficinas centrales, una caja llena de revistas de Paso de gato, arrumbadas y olvidadas, por allí, debajo de un viejo escritorio, ojalá hayan ido a parar a un buen lugar ¡cómo me arrepiento de no habérmelas robado!

Esperamos de todo corazón que pronto se encuentre un lugar para la librería, que cuando podamos volver a reunirnos, la comunidad teatrista de la capital se organice para darle una solución a un colega, a una institución de la investigación, a una editorial tan apreciada por quienes se dedican a las artes escénicas, en pocas palabras una coperacha, un asilo ¡un subsidio! Algo que permita que la librería y la editorial se quedes entre nosotros y cierren la librería solo para ir a descansar.

Son muchos los nuevos conceptos que intentan acercar el teatro a la comunidad, entre muchos está el concepto de Teatro en corto, algo que se adjudicó la Ciudad de México y que pronto ha ido desarrollándose en diferentes partes de la república. Sin embargo, fue en Cabo San Lucas, que encontré un concepto que me llamó la atención: Arte en corto.

Arte en corto es una propuesta a cargo del XIII Ayuntamiento de los cabos, Instituto de la Cultura y las Artes de los Cabos en coordinación con Henry López studio que se presentó en el Pabellón Cultural de la Republica “Nabor García Aguirre” CSL, el cual consistió en la apreciación de diferentes disciplinas artísticas: música, teatro, danza, artes plásticas y cine, todas sucediendo al mismo tiempo en diferentes salas –lugares perfectamente adaptadas- dentro de las inmediaciones del pabellón cultural. Cada presentación tuvo una duración de 15 min., pudiendo, como espectador, decidir que ver primero y que ver.

En danza se presentó: Its time to dance, a cargo de la coreógrafa Natalia Muñoz Schwarz, la selección de cortometrajes galardonados en destacados festivales estuvo a cargo de Alejandro Rosas; en la disciplina teatral se contó con la presentación de la obra Por compasión (Andrea) a cargo de Henry López y Primavera bajo la dirección de Gabriel Galicia. La música estuvo a cargo de Valentina Madariaga, Geovan Olachea y Juan Carlos Madariaga quienes presentaron composiciones originales, la exposición pictórica Humilde desierto estuvo a cargo de Joann Cappon.

Es una propuesta muy interesante ya que puedes disfrutar de varias disciplinas artísticas en poco tiempo, pero con una gran calidad. En el lapso de una hora y media puedes conocer el trabajo artístico de diferentes artistas y puedes ir del drama al clown, de la pintura a la música alternativa, de la danza contemporánea a una sala de cine. Es un concepto que esperemos pronto se replique en otras partes de la república y esperemos se sigan creándose nuevas formas de llevar al público producciones artísticas.

Se cierra el telón para el maestro Santiago García Sobre el escenario una luz, un rayo difuso que nos dice que la función ha terminado y que ha salido de escena el maravilloso Santiago García.

El pasado 23 de marzo del 2020 falleció Santiago García a la edad de 91 años; actor, director y pedagogo colombiano reconocido por la Organización de las Naciones Unidas para la Educación, la Ciencia y la Cultura en 2012, como embajador mundial del teatro y defensor de los grupos más vulnerables de su país natal, es, además, considerado como uno de los grandes teóricos y maestros del teatro colombiano.

Recibió distinciones como el Premio Ollantay del Centro Latinoamericano de Creación e Investigación Teatral, el Premio Cultural ALBA de las letras y las Artes por la obra de toda la vida y varios doctorados honoris causa. En 1958 integró el núcleo fundador de El búho y en 1966 fundó La casa de la Cultura, primera etapa de lo que en 1968 fue el Teatro La Candelaria del cual fue director hasta este 2020

El periodista Eduardo Márceles, escribe para El espectador : “Ha sido no solo uno de los más autorizados profesionales del teatro de nuestro tiempo, sino precursor de una concepción posmoderna de la actividad teatral en el país como director, actor, dramaturgo e innovador en sus múltiples modalidades. Es, junto con Enrique Buenaventura, el impulsor más prolífico de la creación colectiva que vino a renovar, desde la década del 60, la metodología y argumentos escénicos del país. Es decir, desde el momento en que el teatro empezó a conformar su fisonomía actual de nuevo teatro”.

Se cierra el telón, pero Santiago García quedará vivo por siempre en la escena teatral latinoamericana.

SIN LIBRETO ANTONIO ZÚÑIGA

SIN LIBRETO Antonio Zúñiga Para esta edición doble, tenemos el gusto de contar con Antonio Zúñiga, originario de Parral, Chihuahua y actual director del Centro Cultural Helénico. Un artista que ha sabido trabajar desde muy joven para lograr sus objetivos, y ha sabido tomar las oportunidades que se le presentan.

Hace un año envíe un mensaje al Centro Cultural Helénico, con la esperanza de poder tener un mensaje de parte del recién nuevo director Antonio Zúñiga, para conmemorar el día Internacional del teatro, sin embargo, por varias cuestiones esa comunicación no se había logrado. Después de recibir el correo del directos Claudio Valdés Kuri, otra buena noticia ¡me contactaron del Centro Cultural Helénico! Con un mensaje por parte de Gaddi Miranda y José Raúl Uribe por parte de la Coordinación de difusión del Centro Cultural quienes se dieron el tiempo de contactarme y darle seguimiento a mi petición, aún mejor, conseguirme una entrevista con el señor Zúñiga, en esos momentos sentí la bendición de Dionisio.

Sin más preámbulo los dejo con la entrevista que Antonio Zúñiga nos regaló.

CONTRAPESO EDITORIAL ENTREVISTA A: Antonio Zúñiga Edición y todos los derechos reservados: Contrapeso Teatro

¿Quién es Antonio Zúñiga?

Soy un chihuahuense, parralense, apasionado y testarudo, que en algún momento se encontró con el teatro y desde entonces se hospedó en él, para tratar desde su ejercicio el ser feliz. ¿Por qué decidiste estudiar actuación?

Tiene una larga historia. En mis tiempos de estudiante en la UACJ, tuve que realizar mi servicio social dentro de la universidad. Del Departamento de Servicio Social, me mandaron al equipo de fútbol ahí no me aceptaron, entonces me dieron a elegir entre el grupo de teatro y la rondalla. Me vi más, actuando que cantando vestido con traje al estilo José José con Cuarenta y veinte. Cuando me acerqué al grupo de teatro en la universidad, conocí a las personas que ahí hacían teatro y al ver como lo hacían tuve ese "encuentro". Desde el primer momento que vi a un actor actuando o ensayando quedé atrapado en sus redes. No he vuelto a salir de ellas. Me volví un adicto al teatro y a todo lo que del teatro se desprende. ¿Cómo fue ser un provinciano en la gran capital ejerciendo cómo teatrista?

Yo he sido siempre un hombre con suerte. Las oportunidades se me han presentado con mucha elocuencia. Las he tomado y me equivocado en algunas, pero siempre con un gran aprendizaje de vida. He de reconocer que al principio costó trabajo, pero no solo por estar yo aquí, en la ciudad.

Me vine a CDMX, ya grandecito de edad, a los treinta años, entonces no fue fácil desprenderse de mis cosas y quereres en Ciudad Juárez, pero paradójicamente, fue en Juárez, (así lo siento) donde fue más radical el desprendimiento. Hubo un tiempo donde los de la CDMX, me consideraban extranjero, y los de Juárez exiliado. Entonces te sientes sin piso real, sin bases sólidas, un poco extraviado por momentos, pero después te acomodas y sigues.

Lo que importa mucho en esta condición ambigua de residencia, es no perder el objetivo central del cambio. En mi caso, ha sido siempre el teatro y afortunadamente esa convicción me ha definido siempre en mis destinos y mi emprender. Seguir, no dejar de avanzar, de caminar, de accionar, eso lo importante. ¿Cuál ha sido el papel más entrañable y por qué?

Siento y creo que para todo actor, y yo no podría ser la excepción, el mejor papel, es el que estás desarrollando en el aquí y en el ahora. Es decir, el último, que siempre será el primero. ¿Qué significa asumir la dirección del Centro Cultural Helénico?

Un reto formidable. De una aportación enorme para mi vida. Pero yo todo lo tomo como si dirigiera un proyecto teatral, cuya función es servir. Eso, creo que esta muy asentado en mi consciencia y por eso no me aflige, sino me divierte.

Cuando las cosas empiezan a cambiar de ser un impulso del deseo, para convertirse en un hecho de la pasión, las cosas se sienten naturales, los retos se vuelven entrañables y necesarios, los alcances y expectativas dejan de ser una carga para convertirse en metas de vida. Servir es algo consustancial a la ética del actor, y creo, debe ser lo mismo para la ética del funcionario. Servir es actuar y viceversa.

Actor, dramaturgo, director y promotor cultural ¿Hay alguna otra disciplina teatral en la que no haya incursionado, que le gustaría?

Creo que he incursionado en todas las que he querido y he podido. Te faltó producción, que también he hecho y que es apasionante. No he hecho nada que lamente hasta hoy, afortunadamente.

¿Cómo cree que sea el futuro del teatro mexicano?

Está siendo un presente muy rico, muy incluyente y variado, vivo y cada vez más necesario y urgente para todos y todas.

¿Cómo surge Carretera 45?

A razón de nuestra inmigración de Juárez a CDMX, nos vinimos a vivir acá, un grupo que ya trabajabamos juntos y juntas. Así estuvimos varios años.

Ya estando en CDMX, se integraron nuevos compañeros y compañeras, por eso, era importante replantearnos un nombre y sentidos nuevos como grupo. Discutimos mucho en cómo renombrarnos. Encontramos que la C45, es la carretera panamericana que atraviesa todo Chihuahua, todo el país y rodea la CDMX, por eso nos pareció muy pertinente ese nombre. Además que la carretera siempre es un espacio de ida y vuelta, de regresos y de idas, de encuentros y desencuentros, de solidaridades y de viajes. Eso, es congruente con lo que como grupo de teatro buscamos.

Viajar para encontrar, caminar, siempre caminar. (como la ACCIÓN que es el fundamento de la ficción).

El teatro y el cine mexicano comparten actores, directores, guionistas, productores, son disciplinas hermanas ¿Cómo fue para usted ser parte de ambas industrias?

Son disciplinas con muchos puntos que las intrincan y hacen familiares, pero son distintas, sus lenguajes son signos diferentes y a la vez paralelos.

Es como aprender otro idioma, pero con un fondo y una base casi idéntica. Se tiene que hablar con distinta lengua pero resaltando desde lo profundo, ahí se encuentra el lado humano de ser, de "las seres y de los seres“ Aunque he de decir, que en el cine y en la televisión, el poder del medio, su apertura de audiencia pues determina su diferencia. No le hablas directo a la persona, hay un medio . entre tu y ella, mientras que en el teatro, la comunicación es frontal. Nada más frontal como el teatro. Ahora yo te preguntaría ¿A ti qué te gusta más, hablar de frente o hablar con un intérprete o intermediario? La respuesta es variada, porque además, como en todo, siempre existen los matices. El cine, es un medio hermoso. Su quehacer es muy intenso. Los días de filmación son trepidantes y muy demandantes, la televisión es más mecánica, motivada más por la necesidad de la impronta mercantil, en cambio, el teatro toma su tiempo y su distancia, confronta tu paciencia. En el cine, además tu lengua se transfigura por el influjo de los otros profesionales, el fotógrafo y sus tomas, el editor que a veces es tu verdugo o tu arcángel. En el teatro, actuando, estás siempre desnudo, alma con alma, frente a los ojos de otro, que se llama espectador y que esperas también tenga alma.

Algún consejo para quien se inicia en la maravillosa travesía del teatro.

En estos días, estuve en una obra como espectador. En la obra, una joven actriz le pregunta al viejo actor, que por viejo ya es un maestro, ¿Qué consejo me das, dime? El actor le dice: Yo te diría que no lo hicieras, pero también te puedo decir sin temor a equivocarme, que si alguna luz existe detrás de este espacio oscuro, esa luz, es la que otorga este viejo pero infalible arte de lo humano que es el teatro, "por el sucio polvo de este humilde teatro, es que sigo aquí".

¿De dónde viene…?

Los tramoyistas son los ninjas del teatro, son aquellas personas que mantienen un total orden y control tras bambalinas, aquellos que deben mantener todo en su lugar, desde abrir y cerrar telones, entradas y salidas de escenografía, utilería y actores.

Los buenos tramoyistas saben volverse invisibles cuando es necesario, sigilosos e inaudibles. La palabra tramoyista deriva de la palabra tramoya. ¿Qué es pues la tramoya? Si nos ponemos muy estrictos su significado es: algo que no está a la vista,

que queda oculto, una serie de entramados para engañar a alguien, si lo vemos desde los términos

teatrales es el conjunto de maquinarias y funcionamientos detrás del escenario, detrás de telones que permite el perfecto funcionamiento de una puesta escénica, por tanto, la definición de algo oculto queda de maravilla. De ahí que los tramoyistas, la mayoría del tiempo, vigilan en la oscuridad de la escena.

Fuentes: definicionesabc

MUSAS Por: C. Herrera

DETRÁS DE….

Trouble in Town Everyday life es el título del más reciente álbum de la banda británica Coldplay, álbum del cual se desprende la canción Trouble in town. Es bien sabido, por los fanáticos y los haters de Coldplay, que esta banda busca dar un discurso en cada una de sus canciones, y este disco está lleno de mensajes políticos y sociales; aunque la canción que analizaremos en esta edición, no fue un single, vale la pena ser analizada por la carga discursiva. ¿Qué hay detrás de esta canción? Una exposición sobre la discriminación racial y una gran referencia hacia Michael Brown, un joven afroamericano asesinado por un policía en el año 2014, en Ferguson Missouri, lo que desató varias protestas en diferentes estados de la unión americana.

La cereza de la canción está en el interludio, en donde se escucha la grabación de una conversación entre un oficial blanco y un joven afroamericano, esto en Filadelfia. Esta grabación es entre un civil y el policía Philip Nace. Desde luego la canción no solo remite a la discriminación racial contra los afroamericanos, sino también a los ciudadanos de origen musulmán o incluso podría haber identificación por parte de la comunidad latina, o cualquier migrante en una situación de discriminación racial.

Salió el video la canción el pasado 12 de marzo, con una estética muy interesante cargada de simbolismos.

Adjuntamos la letra en inglés y su traducción al español para que puedas dar tu propia interpretación.

Trouble In Town Because they cut my brother down Because my sister can't wear her crown There's trouble, there's trouble in town Blood on the beat (oh-oh) Oh my goodness, there's blood on the beat Lore of the jungle or the law of the street There's blood on, there's blood on the beat And I get no shelter And I get no peace And I never get relief Trouble in town (oh-oh) Because they hung my brother Brown Because their system just keep you down There's trouble, there's trouble in town And I get no shelter And I get no peace And I just get more police, eh And I get no comfort And I get no name Everything is gettin' strained Best friends What's that? What's his name?

X (standby, sir) Alright, is that X your middle name?

Of course, it's on a vehicle ID, right?

(There must be some way) You gettin' smart? 'Cause you'll be in a fucking car with him I'm telling you Fucking smartass (Or it's going to kick off some day) I'm asking you what the X is, is that your middle name?

Of course, what is it?

Don't come back with the: What is it? Fucking shit (There must be some way) Talk to these fucking pigs on the street that way, you ain't talking to me that way I don't talk to nobody in the streets, I don't hang with nobody Well then don't come to fucking Philadelphia, stay in Jersey I have family out here Everybody thinks they're a fucking lawyer and they don't know jackshit Are you supposed to grab me like this?

Grab you up? I'll grab you any way I got to You're not protecting me while I'm trying, while I'm trying to go to work Why don't you shut up?

Jikelele, jikelele Jikelele, jikelele Jikelele, jikelele Jikelele, jikelele

Problemas en la ciudad Porque mataron a mi hermano Porque mi hermana no puede llevar su corona Hay problemas, hay problemas en la ciudad Sangre en el ritmo (oh-oh) Dios mío, hay sangre en el ritmo La tradición de la selva o la ley de la calle Hay sangre, hay sangre en el ritmo Y no tengo refugio Y no tengo paz Y nunca tengo alivio Problemas en la ciudad (oh-oh) Porque colgaron a mi hermano Brown Porque su sistema solo te hace mal Hay problemas, hay problemas en la ciudad Y no tengo refugio Y no tengo paz Y solo acabo de conseguir más policías, eh Y no tengo consuelo Y no tengo nombre Todo se pone tenso Mejores amigos ¿Qué es eso? ¿Cuál es su nombre?

X (espere, señor) Muy bien, ¿esa X es tu segundo nombre?

Por supuesto, está en la identificación del vehículo, ¿verdad?

(Debe haber alguna manera) ¿Te estás haciendo el listo? Porque estarás en un puto auto con él Te lo estoy diciendo Maldito sabelotodo (O eso te va a explotar algún día) Te estoy preguntando lo que la X significa, ¿es tu segundo nombre?

Por supuesto, ¿qué pasa?

No me vengas con esa mierda de: ¿Qué pasa?

(Debe haber alguna manera) Háblale así a esos malditos cerdos en la calle, pero a mí no me hables así No hablo con nadie en la calle, no salgo con nadie Bueno, entonces no vengas al puto Filadelfia, quédate en Jersey Tengo familia aquí Todo el mundo se cree un maldito abogado, pero no saben una mierda ¿Se supone que deberías agarrarme así? ¿Agarrarte? Te agarraré como yo quiera No me estás protegiendo, mientras trato, mientras trato de ir a trabajar ¿Por qué no te callas?

Universal, universal Universal, universal Universal, universal Universal, universal

PERSONAJE DEL MES Por: Luna

El teatro jamás debe salirse de la realidad. Incluso cuando representas un clásico, Shakespeare, por ejemplo, que habla de cosas antiguas, estás hablando de tu tiempo Dario Fo Dramaturgo y actor italiano nacido un 24 de marzo de 1926.

Pocos son quienes reconocen la obra del señor Fo, que durante muchos años fue ignorado por la literatura e incluso por los mismos seguidores del teatro, no fue hasta 1997, cuando se hace acreedor al Premio Nobel de Literatura que el mundo comienza a reconocerlo. Con la dramaturgia y la dirección escénica supo fundir tradiciones textuales con humor de vanguardia, la commedia dell´arte y desde luego su característica sátira política.

Controversial por ser un radical, un revolucionario luchador contra la tiranía del gobierno desde la trinchera del teatro.

Buscaba entablar un dialogo con el público acerca de los temas no resueltos de la gestión política de la democracia.

Las consecuencias de sus posiciones políticas desencadenaron en el secuestro de su esposa, la actriz Franca Rame, por parte de un grupo fascista, así como el de ser calificado de bufón por parte del Vaticano.

Las obras más emblemáticas de las letras e ideologías de Dario Fo son: Muerte accidental de un anarquista (1971), Trompetas y frambuesas y Escarnio del miedo en 1981; El dedo en el ojo (1953), Séptimo, roba un poco menos (1964), Razono y canto (1972) y No se paga, no se paga (1974).

Parte de la información fue obtenida de Biografías y vidas