Hombre de letras | La creatividad no tiene límites Pinturas bicentenarias | Latinité Roman: Mi primer affaire tipográfico | Hasta no verte Jesús mío
Septiembre 2010 Año 4, Número 38
Directorio Dirección Editorial // Eduardo Álvarez del Castillo S. Dirección de Arte y Diseño // Ediciones Corondel Director Estratégico // Claudio Ruiz Velasco R. Revisión y corrección // Graciela Sánchez Silva
El paréntesis patrio
Consejo Editorial Ma Elena Martínez, Gabriela Balcázar, & Josefina Larragoiti Colaboradores // Roberto Archundia Pineda, José Luis Acevedo Heredia, Sabino Gainza K., Salvador Juárez Hernández, Ma Elena Martínez Durán, Ernesto Gutiérrez, Ariane Díaz, Nicolás Centeno, Álvaro Alejandro, Eugenio Robleda, Miguel Ángel Román Mendoza, Eusebio González, Georgina Ávila, Adrián Álvarez del Castillo, Andrés Piedragil Gálvez, Iván del Río Adaya, Jorge Octavio Ruiz Vaca, Miguel Ángel Padriñán, Guadalupe Apipilhuasco, Armando Pineda, Mercedes Flores Reyna, Arlette Gómez Ortiz, Alma Delia Bravo García, Giovanna Castillejos, Leinad J., Gabriela Reygadas, Alonso de la Serna, Georgina Vargas, Ricardo Bahena, Joao Huerta, Pablo Lorenzo Doria, Omar Bernal, Roberto Martínez Garza, Gloria Martha Hernández, Patricia Padilla, Gina Coria, Mariana Luna Ontiveros, Patricia González Bofill, Ernesto Montes de Oca, Colectivo Pico de Gallo, Marisol Escoto Ugalde, Yoaliztli Mora Reyna, Adrián Barrios, Marina Garone, Javier Kanafany, Sofía Mejía, Selene López Saucedo, David Malagón, Dulce Morales, Miriam Ocáriz, Rodrigo Palafox, Jordán Pérez, Ingrid Sosa Martínez, Lizeth Arauz & Jesús Pérez Cerón
Colabora en esta edición: Ruth Pérez López, Ulises Praz, Charlie Zinno y Adrián Barrios
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a llegado septiembre y con él se abre el paréntesis patrio –y patriotero, sin duda– que dará cabida a toda clase de festejos: los más genuinos y los aparatosos y oficialistas. Muy valioso será recapacitar acerca del verdadero y profundo sentido de esta celebración, y ponderar qué es lo que cada uno en lo individual, ha aportado como construcción para el bicentenario. En esta edición, por primera vez, presentamos obra pictórica de un artista visual, acompañada de ácida y certera reflexión ante las próximas festividades tricolores emergidas a partir de las arengas de Hidalgo. Dentro de ámbito festivo hallamos inserto–el 22 de septiembre– un emocionante evento merecedor de reconocimiento y orgullo, el primer centenario de la fundación de nuestra Universidad Nacional. Una sincera felicitación a esta casa de estudios acompañada de un sonoro y muy emocionado Goya.
Portada: “Al Siervo de la Nación” de Ulises Praz, 2010
Director // Eduardo Álvarez del Castillo Sánchez
los Editores ¶
CONTENIDO Año 4, Número 38 | México | septiembre 2010
Director Adjunto // Claudio Ruiz Velasco Rivera Melo Contacto // edcorondel@gmail.com // edicionescorondel.blogspot.com // www.elcorondel.com Las tipografías utilizadas en la confección de esta publicación son: Anivers, Liberation Serif y ST Sbustance El Corondel, revista mensual editada y publicada por Ediciones Corondel. Editores responsables: Eduardo Álvarez del Castillo Sánchez & Claudio Ruiz Velasco Rivera Melo. Número de certificado de reserva en trámite. Número de certificado de licitud de título en trámite. Número de certificado de licitud de contenido en trámite. © 2010 Ediciones Corondel. Todos los derechos reservados. La reproducción bajo cualquier forma o método del contenido, logotipos y gráficos queda expresamente prohibida sin autorización de los editores. Los artículos, imágenes y contenidos son responsabilidad de sus autores. El Corondel no se anda con mamadas. Ya dije.
Apuntes Tipos ilustrados Hombre de letras La creatividad no tiene límites Pinturas bicentenarias Latinité Roman: Mi primer affaire tipográfico Hasta no verte Jesús mío
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Apuntes Noticias, eventos y curiosidades La tipografía en Sudáfrica 2010 El diseñador brasileño Yomar Augusto es el creador de la identidad gráfica de Adidas en la pasada Copa Mundial de Futbol de 2010. Augusto diseñó para Adidas la estructura de un amplio sistema de comunicación y este “custom font” –conocido como Unity– formaba parte de todo el proyecto, fue utilizado tanto en productos y empaques, como en publicidad y multimedia. Yomar Augusto señala que: “Adidas deseaba que la identidad estuviera relacionada con una forma básica y que pudiera ser reconocida como un elemento del balón oficial, así que los primeros bocetos partieron de diseñadores de la empresa y nosotros teníamos el reto de inyectar personalidad a todo el alfabeto”. “El concepto fundamental radicaba en hacer que el rasgo distintivo de la Copa del Mundo estuviera presente en el diseño de esta tipografía, eso puede verse en números como el 6, 8 o 9, una forma triangular redondeada. Conservamos la energía de ese trazo y construimos un sistema tipográfico inspirado en las formas que presenta el Jabulani.” Originalmente Unity sólo sería utilizada en las playeras, pero cuando se tomó la decisión de aplicarla en los diversos soportes, se tuvo la necesidad de crear todos los glifos. ¶ http://yomaraugusto.com
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Apuntes Noticias, eventos y curiosidades Diario alemán impreso en 3d El diario Bild lanzó a finales del mes de agosto una edición impresa, totalmente preparada para ser vista en 3D, acompañada de las indispensables gafas con micas roja y azul. Bild es una publicación alemana que, acorde con las tendencias de innovación, ha decidido publicar tanto en edición impresa, como en su website, una versión 3D que no difiere de las versiones ordinarias del diario, sino que su función es complementarlas. La página electrónica ofrece la oportunidad de apreciarla normalmente, o bien, optar por la tridimensionalidad. ¶ www.bild.de
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tipos ilustrados
100 años La fundación de la unam, el 22 de septiembre de 1910, significó la creación de una nueva puerta hacia el progreso y la educación en nuestro país. En ese entonces nombrada Universidad Nacional de México, se tomó esta fecha para unir la ocasión con los festejos del centenario de la Independencia. Un siglo después, se puede observar la consolidación de una institución educativa que ha afrontado los nuevos retos que la modernidad le ha propuesto. ¶ Ilustración: Ruth López Pérez
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Hombre de le
Por Graciela Sánchez Silva
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omade es una escultura creada por el artista catalán Jaume Plensa, la cual se encuentra en el puerto de Vauban –en Francia–. Lo que hace a esta obra más interesante es que está hecha de diferentes letras de color blanco, ensambladas entre sí y que en su conjunto crean una figura humana que mide ocho metros y pesa seis toneladas. El trabajo de Plensa se encuentra principalmente en la escultura, sin embargo también tiene otro tipo de facetas. EL uso de las letras para formar otro tipo de elementos es característico también en sus dibujos. “Siempre he imaginado que nuestra piel es constantemente tatuada con texto –nuestra vida, nuestras experiencias–, aunque la tinta es
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Fotografías cortesía de C.M. Auger
RESEÑA
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RESEÑA
De pronto, alguien es capaz de esos tatuajes y esa persona se e en un amante o en un amigo. mente es por esto que trabajo lturas como esta, esta figura compuesta de letras únicamente, ulas”, menciona Plensa acerca a.
también menciona que para él son importante por sí solas, ya miten crear palabras, textos y al parte integral de la cultura de la surgido.
ue financiada por las autoridades les, el Fondo Regional de Adquira los museos y otras personas alidad, se encuentra en la Côte n la costa francesa y su consrealizada con letras mayúsculas, a tipografía Folio. o “l’ame des mots” (el amo de ras) se ha ganado el título por jos en distintas áreas con el uso ras, sin embargo también ha indo en otras áreas culturales como ra y el teatro y en esta ocasión a pieza que mira hacia el mar es observada. ¶
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Entrevista a Gustavo
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entrevista
o A. García
ividad O tiene límites Gustavo García es un diseñador gráfico especialista en museografía, ha participado en la concepción y realización de trascendentales exhibiciones tanto en el Museo del Palacio de Bellas Artes como en otros destacados espacios museográficos
Por Ulises Praz, Claudio Ruiz Velasco y Eduardo Álvarez del Castillo
¿Qué y dónde estudiaste? Estudié en la Escuela Nacional de Artes Plásticas; de la unam, la licenciatura Diseño y Comunicación Visual en la especialidad de Diseño Editorial. ¿Por qué escogiste Diseño Gráfico? Cuando cumplí 15 años hice el examen para el Poli y para la unam –en esa época todavía se hacía separado– y 2 días antes de que salieran los resultados de la unam me tenía que inscribir en el Poli, me inscribí y entré a trabajar con un tío, que es publicista, como su asistente. En esa época me tocaba hacer originales mecánicos, mandar a hacer la tipografía, recortarla a mano, hacer septiembre 2010
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las composiciones a mano, usar el cemento iris y todo ese proceso. Fue entonces cuando me gustó el diseño gráfico, aunque estaba estudiando Robótica, me corrieron del Poli, volví a hacer el examen para la unam, ya me quedé en el cch, pero ya iba con la convicción de estudiar Diseño Gráfico. ¿Dónde has trabajado? Mi primer trabajo fue con alumnos de la escuela, de la licenciatura en Artes. En una borrachera tenían un problema de diseño que no sabían cómo resolver, era el diseño de una exposición colectiva “Accesorios del exceso”, fue en una casa de cultura que está por el edificio de Mexicana del Eje 4. Y yo les dije que les ayudaba, querían hacer unas etiquetas para sus fichas técnicas con precios, y jugamos con eso, fue mi primera experiencia, me pagaron con obra y fue divertido. Luego otra amiga me
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pidió que le ayudara con su exposición y así nació mi gusto por el diseño gráfico en la museografía y el interés por la museografía. Posteriormente hice mi servicio social en el Museo del Palacio de Bellas Artes, fue mi primer trabajo real como diseñador gráfico. A los cuatro meses me preguntó la subdirectora si me interesaba quedarme a trabajar y acepté. ¿Cuánto llevas trabajando en Bellas Artes? Ocho años ¿Qué haces hoy en día en el museo del Palacio? Es muy amplia la gama de posibilidades que hay en el departamento de Diseño, Museografía y Difusión –porque trabajo para ambas, a veces hasta para investigación y Servicios Educativos–. Desde carpetitas,
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que odiábamos hacer en la escuela, para la presentación de los proyectos, hasta toda la parte de difusión, invitaciones, folletos, a veces hasta boletos para las fiestas privadas, que he buscado la manera de quitarles una parte y hacerlos separadores de libros, tengo una pequeña serie de separadores de distintas exposiciones. Hasta la parte museográfica, desde la formación de las cédulas, los textos de sala, los carteles, la supervisión de la reproducción fotográfica, aplicación de elementos gráficos, todo lo que implique salida de impresión es responsabilidad del diseñador gráfico.
¿Qué exposiciones recuerdas en las que estuviste a cargo y para las cuales diseñaste materiales? De mis favoritas tengo cuatro. La primera, de Eduardo Chillida, en 2002, que fue una maravilla, en esa época el museo se quedó sin dinero porque mandaron a poner un plafón en la Sala Nacional, que es la sala más grande del Museo, entonces ya no había dinero para diseñar el proyecto, los pendones, los carteles. Y me preguntaron si quería hacer el folleto y acepté, cuando me preguntaron si quería hacer los proyectos, también acepté e igual con la gráfica de la exposición.
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También la de Alberto Gironella, en 2003, esta tiene unas anécdotas impresionantes. La invitación empezó a cargo de Chac, que es un arquitecto que hace de diseño gráfico y era muy amigo de Mercedes Iturbe. Al final, siempre terminaba supervisando la producción de sus diseños, porque su método de trabajo era muy raro y al final entraba a la parte de producción. Él hizo la invitación, posteriormente hice los pendones y empecé con flyers y cosas así, el programa de mano del performance que hizo Julia Medina en esa época para la inauguración. La exposición estuvo a cargo del hijo de Gironella, Emiliano; Mercedes hizo la curaduría junto con Guadalupe García. Ésta fue la primera exposición grande en la que estuve al frente, la de Chillida era menor, pero ésta tuvo mayor impacto.
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En esa época el museógrafo era Juan Manuel Garibay, que estuvo hasta que Mercedes salió, el subdirector era Fernando Delmar y él me dijo que le había dicho a Mercedes que yo iba a hacer el diseño gráfico de la exposición. Esa vez hicimos todo el proyecto a la par de la museografía, con Juan se trabaja de una manera muy integral, desde empezar a discutir el proceso espacial, y luego ya pasar a las partes gráficas, pero ya como lo que va a vestir lo que discutimos antes. También hicimos un fuelle de una cámara para la entrada, y a partir de ahí tomamos el concepto de la cámara oscura, tomamos elementos de Gironella, sus latas de sardinas para las cédulas, hicimos cédulas transparentes, intentamos rememorar una exposición que tuvo en los noventa en la Sala Diego Rivera, en la que colgaron costales de yute.
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Esa noche nos quedamos a dormir ahí, porque fue muy pesado, como siempre el diseño gráfico en la parte museográfica las cédulas y los textos van hasta el final, me acuerdo que a las tres de la mañana todavía estaba formateando los créditos, mandándolos a hacer. A las seis y media nos metimos a dormir a una sala, nos tapamos y nos quedamos dormidos. Desayunamos unos chilaquiles y seguimos trabajando todo el tiempo, porque a las ocho de la noche era la inauguración. A las ocho recibí los créditos que había mandado a imprimir en la madrugada y mientras la directora hablaba, nosotros terminábamos de pegarlos. Para estos proyectos tan espectaculares y con tanto realce, ¿tienes límites en tu creatividad, te marcan parámetros? No los hay, a pesar de la realidad que ahora vivimos. Y regresando a mis cuatro exposiciones favoritas ejemplificaré este punto. Mi tercera favorita es la de Josef Koudelka, una gran exposición, creo que ha sido una de las mejores acerca de fotografía. Trabajar con él fue una experiencia inolvidable, conocí a su hija y en esa época el diseño septiembre 2010
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que realizaba era completamente libre; Mercedes me otorgaba completa libertad creativa, Koudelka fue quien marcó los límites en cuanto a la producción. Teníamos que diseñar con base en el presupuesto reducido, diseñé la invitación, utilicé una fotografía panorámica, lo cual es complicado para fines prácticos, por las proporciones del papel; hice un díptico de 22x14 centímetros, que abierto era ya un tamaño tabloide y veías la fotografía de tamaño completo. Al final él revisaba todo el proyecto, él era el curador al final. Cuando le entregué la invitación final, que a todos les había encantado y estaba agotada, Koudelka dijo: “esta invitación es muy mala”, y yo me puse pálido. Y él me dijo: “sí, el diseño está muy bonito, pero lo arruinan con la impresión”.
que posteriormente me autografió–. Los llevamos a la imprenta, usamos dos tintas, él me acompañó a supervisar a pie de imprenta, nos entregaron Chromalines, que ya no se usan, por las exigencias de Josef y dijo “esto no es lo que yo firmé, repitan”. Se tuvieron que repetir las placas, él tenía que ir a Grecia antes de la inauguración y estaba muy nervioso, porque tuve que tomar las decisiones finales sin que él estuviera ahí. Cuando regresó le mostré el trabajo y dijo: “excelente, es una de las mejores impresiones”, y volvió el color a mi rostro.
A causa del presupuesto no había elegido hacerlo a dos tintas como me lo había sugerido Ricardo Salas (un diseñador y amigo bastante famoso en el medio). No le hice caso, pero si yo hubiera dicho: “se hace a dos tintas, así hubiera sido”, porque era mi responsabilidad, y así aprendí, hice el diseño del folleto y Koudelka me entregó unos folletos en los que quería que me basara –y
Y acerca de los límites de la creatividad: no hay. Siempre es necesario entregar el mejor proyecto, y si te dicen que no alcanza el presupuesto, ya vieron lo que tú puedes dar, y de ahí cambias o bajas el proyecto.
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La última exposición es la de Gabriel Orozco, que fue la última exposición con verdadera libertad que tuvimos. Trabajar con él fue muy dinámico,
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siempre presentándole propuestas y experimentando. Me acuerdo que su invitación la imprimí a cuatro tintas grises, puesto que ocupé un detalle de la “ballena”, entonces quería lograr esa textura, al final fue un capricho, cuatro tintas grises: una negra, dos grises cálidas y una fría y listo. Quedó un resultado impresionante. Y después empezaron los límites para el diseño, no para la creatividad, con esta nueva institucionalidad de las plecas, que tienes que poner forzosamente en toda la difusión que hagas de cualquier museo institucional, la tipografía oficial.
Cuando hablamos de museografía, ¿quién es el cliente para el diseñador?, ya que están el curador, el artista, el director del museo, la institución de la cual depende el museo y el visitante. Para mí, idealmente, es el público. Siempre es necesario pensar que el producto va a llegar a cierto tipo de personas, no hay que satisfacer caprichos de nadie, sino pensar en la funcionalidad y en la lectura que va a tener el público hacia estos productos. Y ya en la realidad, termina siendo la misma institución, o a veces el director, aunque depende mucho del proyecto. Actualmente yo prefiero trabajar con proyectos pequeños fuera de la institución, que en grandes proyectos, porque septiembre 2010
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en estos siempre tienes que solapar muchos intereses diferentes, actualmente visuales, de imagen y de este ‘terrorismo’ presidencial, mediático, corporativo, porque te obligan a usar su imagen y no te apoyan. Terminas usando todos los medios para enaltecer la imagen de una persona. ¿Cómo haces tú como diseñador para negociar con cuatro, cinco o más personas y conciliar, respetando tu idea original? Es muy difícil, creo que no se puede conciliar, es mejor esforzarse e intentar lograr lo mejor posible, para que autoricen tus propuestas. Actualmente lo que hago es trabajar en otras instituciones, estoy trabajando para museos en Zacatecas con un despacho independiente; también colaboro con la unam, para el Centro Cultural Tlatelolco, con Juan Manuel Garibay, que actualmente es el subdirector, y ahí no hay límites. El objetivo es la exposición, el público y ya. ¿Cómo definirías tu cultura visual? Ecléctica. Creo que la información
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visual se ha vuelto muy dinámica, incluso en lo abstracto, en lo cotidiano, fluye más rápido. Incluso cuando vamos a ver exposiciones las recorremos rápido y nos detenemos únicamente en lo que nos interesa. ¿Diseñas escuchando música? La música me ha acompañado en todo momento, desde niño, cuando dibujaba con mi padre escuchando The Beatles, en la primaria con el Son de la Negra, etcétera. ¿Cuál es tu Top 3, musicalmente? Cuanto trabajé con Koudelka, que me presentó a los Gitanos, Taraf de Haidouks, un grupo impresionante, vinieron a México hace como tres años o cuatro. La ópera, tengo muchas favoritas, pero un fragmento en específico El pescador de perlas, de Bizet. Kusturica también, siempre trabajamos con Kusturica, Tom Waits, Eric Clapton. Y un año, de 2003 a 2004, que trabajé con una obra de un compositor mexicano que se llama Arturo Márquez, es un danzón, con el que trabajé para un proyecto. ¶
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entrevista Gustavo A. García Ciudad de México, 1978. Estudió la Licenciatura en Diseño y Comunicación Visual (1998-2003), en la Escuela Nacional de Artes Plásticas (ENAP). Durante su etapa universitaria se especializó en diseño editorial. Desde el 2002 trabaja en el Museo del Palacio de Bellas Artes, en el cargo de diseñador gráfico. En este puesto se ha desempeñando al proponer y dar seguimiento al diseño general de las exposiciones nacionales e internacionales de este recinto; también se encarga del registro fotográfico de las exhibiciones y supervisa la reproducción de las imágenes requeridas con fines curatoriales y museográficos. Colabora activamente con diseñadores, curadores, artistas plásticos y fotógrafos, entre los que destaca Ricardo Salas, Josef Koudelka, Alfonso Morales y
Fotografía: Jimena Saltiel
Gabriel Orozco.
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Pinturas bicentenarias Por Ulises Praz
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estas alturas de la presunta edad de México, 200 años, no hay modo de reflexionar los logros que tenemos como nación, porque los logros son muy flacos y la sangre es mucha, ¿de donde podríamos agarrarnos para festejar la “independencia” que hoy no tenemos?, ¿con qué podemos festejar el patriotismo, si el país está más listo para el “patrioterismo” que para la conmemoración?, ¿Cómo le hacemos para que la Patria sea, antes que el dispendio? Lista de obra EN PORTADA
Estas preguntas y otras más, son las que me hice al empezar esta pequeña serie de pinturas y collages. ¶
Al siervo de la nación Mixta/papel. 76x111cm. 2010 Pag 25 Previsiones presupuestales para los festejos del bicentenario Mixta/madera. 50x40 cm. 2009 Pags 26 y 27 El bicentenario de mis huevos Mixta/papel. 76x111cm. 2010 Pags 28 y 29 Independientes mis pelotas Mixta/papel. 76x111cm. 2010 Pags 30 y 31 La Patria ya no es primero Mixta/papel. 76x111 cm. 2010
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Mi primer Por Charlie Zinno
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iempre me sentí atraído por el buen uso y diseño de las letras y por esta razón, después de graduarme como Diseñador Gráfico en Argentina, decidí profundizar mis estudios sobre tipografía. En el año 2009 me trasladé a Barcelona donde realicé el Master en Tipografía Avanzada de la Escola Eina y allí, entre diseñadores, profesores, alumnos y todo tipo de personas apasionadas por las letras nació Latinité Roman, mi primer affaire tipográfico. Referentes y características Latinité Roman es una fuente tipográfica de características humanísticas y rasgos caligráficos conceptualmente inspirada en La Graphie Latine (La Grafía Latina) un movimiento artístico que tuvo lugar en Francia entre 1949 y 1962. La Grafía Latina privilegiaba la expresividad del gesto de la escritura, defendía la elegancia de los tipos mediterráneos y se proclamaba en contra del estatismo y la austeridad de los tipos germánicos y helvéticos. Algunos de los representantes más destacados del movimiento fueron Enric Crous Vidal, Maximilien Vox, Marcel Jacno, José de Mendoza y Almeida, entre otros. Una metodología proyectual El proyecto de diseño de Latinité Roman surgió dentro del marco académico del Master en Tipografía Avanzada de la Escola Eina. Desde el principio sabía que quería diseñar una fuente tipográfica para composición de textos con características humanísticas y fuertes reminiscencias caligráficas.
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Latinité
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RESEÑA
é Roman
aire tipográfico La Grafía Latina y el diseño gráfico Poster y portadas de revistas diseñadas por Enric Crous Vidal.
La Grafía Latina y la tipografía París Una fuente tipográfica diseñada por Enric Crous Vidal.
Pascal (1960) Diseñada por José de Mendoza y Almeida.
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Luego de definir estos objetivos y de tomar referentes pasé a una segunda etapa que consistió en el bocetado manual de los caracteres. De esta forma establecí el ductus y los aspectos morfológicos, enfatizando los detalles caligráficos pertinentes para cada letra. Si bien el dibujo digital de Latinité Roman sufrió cambios respecto a los bocetos hechos a mano, las características caligráficas se mantuvieron presente hasta el resultado final. Para bocetar use palabras reales porque considero imprescindible evaluar una fuente tipográfica en funcionamiento y no como un conjunto de signos aislados. Como dijo Matthew Carter “Una fuente tipográfica no es un conjunto de caracteres bellos sino un bello conjunto de caracteres”. Dibujos iniciales Primeros bocetos de la versión Normal.
Imagen de la zquierda Espaciado, ductus y terminaciones. Imagen de la derecha Diferentes propuestas del caracter a de caja baja.
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La última de las etapas fue la de digitalización del “material analógico”. Aquí es donde comencé a ver explícitamente como este grupo de formas y dibujos se convertía en un conjunto de signos emparentados morfológicamente. En una primera instancia trasladé los bocetos hechos a mano a digital y sobre estos últimos realicé diferentes modificaciones generales como el ajuste de proporciones, el replanteo de algunas medidas y otras más específicas más específicas como reducir los rasgos caligráficos o compensar grosores para conseguir formas más consistentes y armónicas.
Detalles caligráficos
Después de diseñar el alfabeto básico con el “espaciado básico” (o inicial) hice una gran cantidad de pruebas de impresión que me sirvieron para ajustar el dibujo, las proporciones, el espaciado, etc. septiembre 2010
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RESEÑA
La etapa posterior a la bocetado fue la de definir medidas y proporciones que respondieran a la función de la fuente. Por ejemplo la altura de x, el contraste, los ascendentes, los descendentes y otras características que marcan en parte, la función y la personalidad de una fuente tipográfica. En el caso de Latinité, la gran altura de x –que corresponde a casi el 52% del cuerpo tipográfico– y el bajo contraste de los trazos permiten que pueda ser utilizada para componer textos largos en cuerpos muy pequeños. Por otro lado, los ascendentes y descendentes son cortos logrando una mayor inclusión de líneas por página.
Una anécdota interesante es que mientras diseñaba la fuente Laura Meseguer (profesora del Master de Eina) me comentó que visitaría a José de Mendoza y Almeida y me ofreció mostrarle los bocetos de Latinté. Inmediatamente enrollé todos y se los di. Al volver de viaje Laura me contó que Mendoza opinó sobre le diseño y recomendó que Latinité tuviera 4 pesos: Normal (Regular), Demi-Gras (Medium), Gras (Bold) y Noir (Black) -que son los que actualmente posee. Aún estoy agradecido con Laura por esa oportunidad única e irrepetible y con José Mendoza y Almeida por sus consejos. Pruebas de impresión
El resultado Latinité Roman está especialmente diseñada para la composición de textos largos, posee una gran altura de x y un bajo contraste entre trazos que le otorgan una buena legibilidad al momento de utilizarla en cuerpos muy pequeños. La versión Normal de Latinité Roman ya está terminada en su totalidad y cuenta con aproximadamente 1400 glifos entre caja alta, caja baja, números, versalitas, puntuación, ligadu-
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RESEĂ‘A septiembre 2010
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ras estándar y discrecionales, caracteres acentuados, etc. También posee una gran cantidad de funciones OpenType que facilitan el uso en programas de edición y maquetado. El objetivo es que próximamente finalizar la familia de Latinité Roman con los pesos Normal, Demi-Gras, Gras y Noir, todos con sus respectivas itálicas. Durante el 2010, Latinité Roman ha sido seleccionada, junto con otras 69 fuentes y familias tipográficas, para formar parte de la reconocida bienal Tipos Latinos y ha sido la única tipografía que formó parte de los premios CCEBA de Diseño 2010. ¶
Tipos Latinos 2010 Afiche, detalle y afiche exibido en Tipos Latinos 2010
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RESEÑA Premios CCEBA de Diseño 2010 Foto de la muestra, aplicación del alfabeto en tamaño grande y explicación y detalle.
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Hasta no verte Jesús mío Por Ulises Praz
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En 1985 a raíz del terremoto el techo de la impresora Galve (En San Antonio Abad) cayó a tierra. A partir de ese día Jesusa no fue al taller con la frecuencia que la mantenía en pie, puesto que no había donde trabajar y este rompimiento en su rutina le hizo daño…” Jesusa o Josefina realizó muchos oficios, fue soldadera, cocinera, sirvienta, lavandera, mataba puercos y cuidaba niños, fue asistente de peluquero, obrera, barnizaba muebles austriacos, sabía bailar, fue espiritista –Jesusa creía en la reencarnación y pensaba que en esta vida había venido a pagar sus fechorías pasadas: “He de haber sido un hombre muy canijo que infelizó a muchas mujeres”, decía–. También fue parte de un taller de impresión en la Obrera, ahí se encargaba de la limpieza del lugar, de limpiar los tipos, de desmanchar los overoles de sus compañeros obreros
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y de lavar la ropa “más personal” de los mismos. Fue como muchos; un ser anónimo en la génesis de la impresión de un texto. Fue una mujer callada, que nunca manifestó su dolor, no a los cuatro vientos, pero eso sí, el día que se harto de las golpizas que le ponía su marido, el capitán Pedro Aguilar, ese día sí corrió Jesucristo al cerro: “Ese día que agarro la pistola. Traía yo un blusón largo con dos bolsas y en las bolsas me eche las balas y la pistola. ¿Qué jabón ni que nada, de una vez que me mate o lo mato yo? Estaba decidida. Yo lo iba siguiendo. Llegamos a un lugar retirado de la estación y entonces me deshice de él…” “Hasta no verte Jesús mío” es una novela escrita por Elena Poniatowska en 1969, narra la vida y experiencias de Jesusa Palancares, que en la vida real era Josefina Bohórquez. Es una obra muy recomendable para este año y en especial para estos meses patrioteros, con los festejos del bicentenario encima, tan encima como la crisis y tan encima como las malas noticias. ¶
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