NACIDA EN torno al mundo del mármol, el legendario ‘Blanco Macael’, desde el pueblo andaluz del mismo nombre en el sureste de España, la familia Martínez-Cosentino Justo ha tenido siempre la vocación de superar los desafíos más ambiciosos. De las fábricas de esta compañía han salido cientos de miles de metros cuadrados de mármoles, travertinos y calizas para obras tan importantes como el Patio de los Leones en la Alhambra, el Senado de Madrid, o el Auditorio de la Expo’92 de Sevilla. La capacidad de innovación de la empresa Cosentino hizo posible crear productos como Silestone, allá por 1990, y Dekton, presentado en el año 2013. Ambos productos son la punta de lanza de una oferta variada en colores y formatos para dar respuesta a los proyectos más exigentes, tanto en el dominio público como en el ámbito privado. Fruto del empeño en promover la calidad en la arquitectura y el diseño fue la creación en 2014 de la revista C, cuyo lanzamiento tuvo lugar en la Bienal de Arquitectura de Venecia de ese año. Una década más tarde, lo mejor está todavía por llegar.
BORN INTO the world of marble – the legendary ‘Blanco Macael,’ from the Andalusian town of the same name in the southeast of Spain – the Martínez-Cosentino Justo family has always applied itself to meeting the most ambitious challenges. From the plants of their company have come hundreds of thousands of square meters of marbles, travertines, and limestones for works as important as the Court of the Lions in the Alhambra of Granada, the Senate building in Madrid, and the Auditorium at the Expo ’92 of Seville. Cosentino’s capacity for innovation led to the launching of leading-edge products like Silestone in the 1990s, and Dekton, presented in 2013. Both are the key products in a wide range of colors and formats to serve the most demanding projects, as much in the public realm as in the private sphere. As a reflection of this commitment to promote quality in architecture and design, C magazine was created in 2014 and presented at the Palazzo Ducale during the Venice Architecture Biennale that same year. A decade later, the best is yet to come.
Adaptando a nuestro aniversario el verso exacto del tango de Gardel, volvemos al inicio de esta ruta fértil recorrida con Cosentino por «la arquitectura y todo lo demás», como marcamos programáticamente en la cabecera de la revista C. El viaje, como comenta Santiago Alfonso, comenzó en la Bienal de Venecia en junio de 2014, con una presentación pública del primer número en la que nos acompañaron Daniel Libeskind —que también contribuye con un texto a esta publicación de aniversario— y Pachi Mangado, animador del proyecto desde sus inicios. A esta ciudad seguirían muchas otras, porque las aperturas de sedes de Cosentino City darían ocasión de elaborar guías arquitectónicas y difundir la revista en la correspondiente área geográfica, pero quiero citar al menos dos de ellas: Milán, en cuya Expo de 2015 España participó con un pabellón donde Cosentino había intervenido, y donde presentamos la tercera edición de Spain Builds (la primera se había lanzado en el MoMA de Nueva York en 2006, y la segunda en la Expo de Shanghái en 2010), también patrocinada por la empresa; y Dubái en 2018, donde abordamos la historia de la cocina, un espacio muy vinculado a Cosentino, tanto en su ámbito privado como en los locales de grandes chefs.
Las primeras doce guías de ciudades publicadas en la revista C se hicieron objeto de un libro en 2017, donde bajo el rótulo Cities y tras un texto sobre el viaje como itinerario de conocimiento, a la ya mencionada Milán se añadían urbes europeas como Londres, Madrid y Berlín; más allá de la asimismo citada arriba Dubái se llegaba al Extremo Oriente y al Pacífico con Singapur y con Sídney; y el continente americano se representaba generosamente con cinco metrópolis: São Paulo, Miami, San Francisco, Chicago y Montreal. En los años siguientes, muchas otras ciudades continuarían apareciendo en C, siguiendo la estela de la implantación internacional de Cosentino: además de las más próximas Barcelona, Valencia, Bilbao o Lisboa (y Oporto en esta última entrega), Europa figuraría con París, Ámsterdam, Estocolmo e incluso Estambul, Asia se ampliaría desde el Oriente Medio de Tel Aviv hasta las más lejanas Tokio o Kuala Lumpur, y América estaría bien ilustrada con Vancouver, Los Ángeles y Buenos Aires. Me extiendo en esta relación urbana porque es una forma abreviada de subrayar el perfil cosmopolita de la revista, que es también el de la propia empresa, y al cabo la norma que ha orientado la selección de los contenidos durante estos diez años.
Junto a la amplitud de la visión geográfica y temática, la otra brújula que ha guiado el trabajo editorial en C ha sido la persecución de la excelencia, un empeño que tiene una dimensión técnica en la calidad gráfica y literaria —reconocida con galardones internacionales a la mejor revista corporativa—, y una dimensión intelectual en la selección de las voces que intervienen en ella. Los diálogos entre grandes figuras de la arquitectura o la crítica representan bien este espíritu, y de hecho en 2018 se publicó una selección bajo el título Conversations, donde Norman Foster, Renzo Piano, Rem Koolhaas, Álvaro Siza, Rafael Moneo, Eduardo Souto de Moura o Jacques Herzog —todos premio Pritzker— conversan con historiadores como Kenneth Frampton o William Curtis y con escritores como los desaparecidos Vicente Verdú o Richard Ingersoll. Una búsqueda de la excelencia que se ha extendido después con arquitectos como Francis Kéré, Carme Pinós, Peter Eisenman, Anna Heringer o Benedetta Tagliabue, artistas como Cristina Iglesias o Juan Bordes, y críticos como Francesco Dal Co o Estrella de Diego. Nuestro viaje ha durado una década, pero diez años no es nada, y ojalá podamos seguir mucho más tiempo juntos en este itinerario de descubrimiento y emoción.
Adapting the exact verse of Gardel to our anniversary, we go back to the starting line of this fertile route traversed with Cosentino through “architecture & everything else,” as we marked programmatically on the masthead of C magazine. The journey, as Santiago Alfonso comments, began at the Venice Biennale in June 2014, with a presentation of the maiden issue with Daniel Libeskind – who also contributes a text to this publication – and Pachi Mangado, driver of the project from its beginnings. This city would be followed by many others, because the opening of Cosentino City spaces would provide an opportunity to produce architectural guides and promote the magazine in the corresponding geographical area, but I want to mention two of them at least: Milan, in whose Expo of 2015 Spain participated with a pavilion in which Cosentino had intervened, and where we presented the third edition of Spain Builds (the first was launched at the MoMA in New York in 2006, and the second at Expo Shanghai in 2010), also sponsored by the company; and Dubai in 2018, where we tackled the history of the kitchen, a space tightly linked to Cosentino, as much in the domestic sphere as in the restaurants of great chefs.
The first twelve city guides published in C magazine were included in a book of 2017, where under the title Cities and after an introductory text on travel as an itinerary of knowledge, the aforementioned Milan was accompanied by European cities like London, Madrid, and Berlin; beyond the also listed above Dubai it reached the Far East and the Pacific with Singapore and with Sydney; and the American continent was generously represented with five metropolises: São Paulo, Miami, San Francisco, Chicago, and Montreal. In the following years, many other cities would appear in C, in the wake of Cosentino’s international expansion. In addition to the nearest cities of Barcelona, Valencia, Bilbao or Lisbon (and Porto in this latest release), Europe would be present with Paris, Amsterdam, Stockholm, and even Istanbul; Asia would extend from the Middle East of Tel Aviv to the most distant Tokyo and Kuala Lumpur; and America would be well illustrated with Vancouver, Los Angeles, and Buenos Aires. I expand on this urban list because it is an abbreviated way of underscoring the cosmopolitan profile of the magazine and of the company, and after all the standard that has oriented the selection of contents over these ten years.
Along with the breadth of geographical and thematic vision, the other compass that has guided the editorial work at C is the pursuit of excellence, an effort that has a technical dimension in the graphic and literary quality – distinguished with international awards to the best corporate magazine –, and an intellectual dimension in the selection of the voices that participate in it. The dialogues between prominent architects and critics exemplify this spirit well, and in fact in 2018 it published a selection under the title Conversations, where Norman Foster, Renzo Piano, Rem Koolhaas, Álvaro Siza, Rafael Moneo, Eduardo Souto de Moura, or Jacques Herzog – all of them Pritzker laureates – talk with historians like Kenneth Frampton or William Curtis and with writers like the disappeared Vicente Verdú or Richard Ingersoll. A quest for excellence that has continued with architects such as Francis Kéré, Carme Pinós, Anna Heringer, Peter Eisenman or Benedetta Tagliabue, artists like Cristina Iglesias or Juan Bordes, and critics like Francesco Dal Co or Estrella de Diego. Our journey has lasted a decade, but ten years is nothing, and hopefully we can continue much longer together in this itinerary of discovery and emotion.
Luis Fernández-Galiano
Beauty is Fundamental Sustainability in Design
Daniel Libeskind
La arquitectura se expresa a través de la luz, los materiales y las proporciones, con una capacidad de transmitir difícil de explicar, pero que claramente afecta a las vivencias del ser humano.
La sostenibilidad es un concepto sobre el que se ha escrito, opinado y debatido mucho en nuestros tiempos. En este momento se ha convertido en un lugar común y se da por hecho que los edificios deben dotarse de las más avanzadas tecnologías para garantizar su eficiencia. Sin embargo, estoy firmemente convencido de que el elemento central de la sostenibilidad en la arquitectura radica en el diseño. Por este motivo, con independencia de los innovadores sistemas que se puedan o no implementar, un gran edificio debe perdurar, ya que este es el concepto más puro de sostenibilidad. Y este principio debería inspirarnos y motivarnos a crear proyectos que resistan el paso del tiempo.
Pero no debemos olvidar que la arquitectura es un arte. Y por ello, el diseño de edificios seguros y saludables no puede sacrificar la creación de objetos bellos y emocionantes. De hecho, las ideas y conceptos que definen los proyectos son mucho más importantes que el hormigón y el acero que los levantan. Con esto no quiero decir que sea un ludita, y en el estudio construimos multitud de edificios que, por supuesto, se adhieren a las certificaciones de sostenibilidad más punteras, pero reafirmamos que el núcleo de la eficiencia en la arquitectura debe residir en la belleza.
Architecture is a language that speaks through light, materials, and proportions, with a power that cannot be readily dissected or explained but registers clearly in the human experience.
Sustainability in design and architecture is an idea that has been written, discussed, and debated a thousand times over in our days. It is conventional thinking by now that buildings must employ the latest technologies and systems to deliver efficient machines in the built environment. However, I firmly believe that the core element of sustainability in architecture lies in the design. No matter what state-of-the-art methods you use or don’t use, a great building will last and that is the purest form of sustainability. This belief should inspire and motivate us to create designs that stand the test of time.
Architecture is an art. To design buildings that are safe and healthy for their occupants does not mean sacrificing the creation of something that is beautiful and deeply moving. Indeed, the thought that goes into a building is far more important than the concrete and steel that are used to erect it. I am by no means a Luddite. My architecture studio has completed many buildings that adhere to the most cutting-edge sustainability certifications and rating systems, achieving LEED Gold and Platinum and netzero emissions, but we reaffirm that the core of sustainability in architecture is beauty.
Beyond the Wall, Cosentino Factory in Almeria (Spain)
La colaboración entre el arquitecto y el Grupo Cosentino ha sido una constante desde hace diez años y ha cristalizado en proyectos como Beyond the Wall, que plasman los principios de sostenibilidad y belleza.
The collaboration between the architect and Grupo Cosentino has been a constant for the past ten years, and has crystallized in projects like Beyond the Wall, which reflect principles of sustainability and beauty.
Para un artista o arquitecto es muy complicado verbalizar completamente su proceso creativo. Por eso, los compositores se expresan a través de su música, los artistas a través de sus pinturas y esculturas, y los arquitectos lo hacemos a través de nuestros edificios. El compositor podría explicarte con todo lujo de detalles sus hábitos de trabajo, pero no podría aclararte por qué colocó las notas en el pentagrama de la forma en que lo hizo. Del mismo modo, el pintor puede contarte todo sobre su estudio y sus herramientas, pero no puede decirte por qué decidió trazar esas líneas concretas en el lienzo. En definitiva, la creación es siempre un misterio y una constante búsqueda de significado, y no se basa en la lógica o el pensamiento consciente, aunque pueda influenciarse de ellos. Por ilustrarlo con un ejemplo reciente, a principios de este año inauguré en Brooklyn un edificio —realizado en colaboración con la New York City Housing Authority (NYCHA)— para personas mayores, sin hogar y con bajos ingresos. Sí, un edificio de viviendas también debe ser bello. El conjunto, de casi 200 pisos, se sitúa en una de las pocas parcelas que quedaban libres en los desarrollos promovidos por la NYCHA. Los edificios vecinos tienen todo lo que uno puede esperar de Nueva York: edificios bajos de ladrillo en forma de ‘X’, salpicados con diminutas ventanas oscuras, pequeñas puertas de entrada y oscuros pasillos con viviendas a ambos lados.
Nuestro proyecto, sin duda, implementó multitud de estrategias sostenibles. Desde la aplicación de los estándares Passive House, para reducir las emisiones y cumplir con los objetivos de eficiencia energética. Hasta la utilización de materiales sostenibles y sistemas constructivos con baja huella de carbono. Pero cuando se detallan las características más sostenibles, hay que nombrar el atrio acristalado central, que introduce la luz solar y favorece la ventilación natural. Además, allí se ha desarrollado un jardín que ofrece a los residentes un lugar seguro para reunirse, a resguardo tanto del calor en el verano como del frío en el invierno. Hacia el exterior, su angulosa fachada y el acristalamiento de la entrada definen la identidad única del proyecto, que a su vez confiere a los residentes un sentimiento de orgullo cívico por el lugar donde viven.
El día de la inauguración, muchos trabajadores municipales, incluido el alcalde de Nueva York, destacaron los logros de sus organismos. Sin embargo, la última persona en intervenir fue una mujer que hasta entonces no había tenido un techo donde vivir y, entre sollozos de alegría, expresó lo agradecida que estaba por tener un lugar tan bello al que llamar hogar. Sus emotivas palabras reflejan el poder que tiene el diseño para inspirarnos y conectarnos a todos.
Aunque es cierto que esta idea es simple, define bien las características fundamentales del espíritu humano y de las ideas más elementales de la belleza y el diseño. Por tanto, conservar la belleza de los espacios que apreciamos y cuidamos para transmitirlos a las siguientes generaciones, es la estrategia más sostenible.
It’s impossible for any artist or architect to fully verbalize their creative process. That’s why a composer communicates through music, an artist through paintings and sculpture, and an architect through buildings. The composer can tell you about his work habits in elaborate detail, but cannot, in the end, explain why he placed notes on a staff in the way he did. The painter can tell you all about her studio and tools, but cannot tell you why she decided to brush those specific lines on her canvas. Creation is always, ultimately, a mystery and a search for meaning. It comes from someplace other than logic or conscious thought, even though it is informed by those things.
To give you a recent example, I opened a building for low-income and formerly homeless seniors in Brooklyn, New York, earlier this year. The project (the Atrium at Sumner Houses campus, in the Bedford-Stuyvesant neighborhood) was realized in collaboration with the New York City Housing Authority (NYCHA). Yes, project housing. The nearly 200-unit, 11-story senior building is located on an underutilized parcel of land on an existing NYCHA development. The surrounding buildings on the site are just as one would imagine the New York City projects: low-slung brick buildings in an x-formation, dotted with tiny dark windows, small doors that serve as the entrance to the building, and dark double-loaded corridors.
Our studio’s design on this site employed many highly sustainable features. We used Passive House principles to meet energyefficient goals and reduce emissions. We used sustainable building materials and specified low-carbon building systems. But when I talk about the most sustainable features employed here, it is the full-height glass atrium in the center of the building that ushers in daylight to the core of the building and fills the corridors with light and fresh air. There is a central garden in the atrium that allows the residents a safe place to gather and socialize during the heat of the summer and the coldest of winter days. From the outside, the angled facade and the glass entrance give the building its unique identity, in turn giving the residents a sense of civic pride in where they live.
On the opening day, many city officials spoke about their agencies’ outstanding achievements, including the mayor of New York City. However, the last person to speak was a woman who was formerly homeless, and through sobs of joy, she expressed how grateful she was to have a place of such beauty to call her home. Her emotional response is a testament to the power of sustainable design to inspire and connect us all.
So yes, this idea is simple, but it speaks to a fundamental characteristic of the human spirit and to the most fundamental ideas of beauty and design. Spaces we cherish, take care of, and steward to the next generation are the most sustainable and hold beauty for generations to come.
Architecture Lab
10 Years of Dekton
Eduardo Prieto
Desde el origen de los tiempos, una de las ambiciones mayores del ser humano, quizá la mayor, ha consistido en imitar los procesos de la naturaleza. Hoy, productos como Dekton, del Grupo Cosentino, sugieren que esos procesos no solamente pueden reproducirse y controlarse, sino mejorarse para crear realidades que contienen la complejidad de un fragmento natural pero trabajan, desde el principio, para atender las necesidades del diseño contemporáneo. Lanzado al mercado hace ahora diez años, Dekton tiene la belleza variada de una piedra natural, sin dejar de ser un producto tecnológico. Fruto de la sinterización de partículas, ofrece una amplísima gama de acabados y aplicaciones merced a su innovador proceso de fabricación, que comienza con la recepción de unas materias primas que se seleccionan y almacenan cuidadosamente para garantizar su calidad, antes de ser purificadas y pasar a la etapa de molienda en húmedo, durante la cual se mezclan en función del resultado que se quiera obtener, y se acaban triturando o molturando hasta conseguir el grano adecuado. Después, el material se colorea y atomiza con el objetivo de disponerlo, ya con una textura, color y espesor definidos, en una tabla continua, que después se corta en los diferentes fragmentos que darán pie al formato comercial de tablero. Una vez cortados, los fragmentos se someten a una presión de 25.000 toneladas (aplicada por una prensa sin parangón en el mundo de este tipo de industrias)
Since the origin of time, one of the greatest ambitions of the human being, perhaps the greatest, has been to imitate the processes of nature. Today, products like Dekton, by Grupo Cosentino, suggest that not only can those processes be reproduced and controlled, but they can also be improved to create realities that harbor the complexity of a natural fragment but work, from the beginning, to meet the needs of contemporary design.
Launched on the market now ten years ago, Dekton harbors the rich beauty of a natural stone, while always remaining a technological product. Employing synterized particle technology, it offers a broad range of finishes and applications thanks to its innovative manufacturing process, which starts with the receipt of raw materials that are carefully selected and stored to guarantee quality, prior to undergoing a purification system and wet grinding process, during which they are mixed according to the desired result, and finally crushed or milled to achieve the adequate particle size. Next, the material goes through a coloring stage and an atomizing stage with the objective of depositing it – already with a predetermined texture, color, and thickness – on a continuous board, which is later cut into the different sections that will generate the commercial format of the top. Once cut, the sections are subjected to 25,000 tons of uniform pressure (applied with an exclusive press unparalelled in the world of this type of
Cosentino
para que el material pierda sus poros y vacíos, lo cual mejora sus propiedades y acelera las reacciones químicas internas. El proceso termina con un tratamiento a altísimas temperaturas, que transforma químicamente el material para conferirle sus propiedades finales. Todo ello sin utilizar en ningún momento aglomerantes orgánicos que se puedan degradar en contacto con el exterior.
Desde el principio hasta el final, el desarrollo de Dekton implica seguir el camino de ida y vuelta que se tiende entre la naturaleza y la técnica. Mientras que el cuidadoso proceso de selección de materias primas tiene que ver con unas tradiciones extractivas que se han optimizado para mejorar la calidad del producto y reducir el impacto ecológico, la aplicación de unas temperaturas y presiones que a priori solo se encuentran en las transformaciones geológicas, convierte de hecho la fábrica del Grupo Cosentino en un laboratorio que remeda, a pequeña escala, los procesos naturales, con la ventaja de que los periodos de fabricación, en lugar de durar los millones de años que exige la formación de una roca, se reducen a unas horas.
Se trata, por otro lado, de un proceso selectivo y controlado, que no depende de los azares de la climatología y los sucesos geológicos, ni tampoco de las particulares materiales de cada contexto, pues funciona como una verdadera plataforma de producción selectiva, capaz de atender a multitud de demandas mecánicas y estéticas. Esto hace de Dekton no solo una suerte de laboratorio de la naturaleza, sino también una plataforma de diseño que ofrece al mercado unas extraordinarias prestaciones mecánicas, así como una baja porosidad y una gran resistencia a la abrasión química, al choque térmico y las radiaciones ultravioleta, es decir, a los agentes que alteran los acabados arquitectónicos cuando quedan a la intemperie. Además, el producto se ofrece en una extensa gama de colores y texturas, casi como si compitiera con la riqueza de formas que produce espontáneamente la naturaleza. Esta gama de acabados se puede ampliar incluso para elaborar productos literalmente ad hoc, siempre que la dimensión del encargo haga viable la operación; en tal caso, las formas y texturas se tienen en cuenta desde el inicio como variables paramétricas de diseño, de suerte que forma y fabricación quedan profundamente enlazadas, como si fueran las dos caras de un mismo proceso productivo.
La posibilidad de producir, con medios industriales, un material con la resistencia y durabilidad de los materiales naturales, y de hacerlo teniendo en cuenta, desde los primeros pasos del diseño, los aspectos formales y estéticos, convierten a Dekton en un producto extraordinariamente versátil, y explican que, a lo largo de su década de historia, este haya sido capaz de dar respuesta a demandas y contextos muy variados. Fabricado en tableros de gran formato (3,20 x 1,44 metros) y con espesores que van de los 4 a los 30 milímetros, Dekton es un material muy fácil de manipular y admite, de entrada, configuraciones sencillas y eficaces, como la de las decenas de miles
El Dekton se obtiene gracias a una prensa de 25.000 toneladas, la mayor del mundo, que convierte el material base en una superficie ultracompacta que garantiza unas prestaciones extremas.
Dekton is produced with a 25,000-ton press, the world’s largest, which transforms the slab into an ultra-compact surface, guaranteeing that it will endure extreme conditions whilst maintaining its properties.
industry), whereby the material loses its porosity and any gaps, which improves its properties and accelerates the internal chemical reactions. The process ends with a treatment at extremely high temperatures, which chemically transforms the material to achieve its end properties. All this without ever using organic additives that can degrade in contact with the exterior.
From the beginning until the end, the development of Dekton involves following the back-and-forth path between nature and technique. While the careful raw material selection process has to do with a series of extractive traditions that have been optimized to improve the quality of the product and reduce the ecological impact, the application of heat and pressures that a priori only exist in geological transformations, turns the Grupo Cosentino plant into a laboratory that imitates, on a low-scale, the natural processes, with the added advantage of having manufacturing periods that, instead of lasting the millions of years required for a rock formation, are reduced here to a few hours.
It is, on one hand, a selective and controlled process, which does not depend on haphazard weather conditions or geological events, nor on the material specificities of each particular context, because it functions as a true platform of selective production, capable of addressing a multitude of mechanical and aesthetic requirements. This makes Dekton not only a sort of laboratory of nature, but also an open design platform that offers the market extraordinary mechanical properties, as well as a very low porosity and high resistance to chemical abrasion, thermal shock, and ultraviolet light, that is, the agents that alter the architectural finishes when these are exposed to the elements. Besides, the product is marketed in an unlimited range of colors and textures, almost as if it were competing with the richness of forms nature generates spontaneously. This array of finishes can even be extended to manufacture literally ad hoc products, just as long as the size of the commission makes the operation feasible; in such case, the forms and textures are considered from the beginning as parametric design variables, so that both form and manufacture are deeply intertwined, as if they were the two sides of one same production process.
The possibility of producing, with industrial means, a material with the resistance and durability of natural materials, and to do do so bearing in mind, from the preliminary stages of design, the formal and aesthetic aspects, turn Dekton into an extraordinarily versatile product, and explain how, throughout its ten years of history, it has been able to respond to very different demands and contexts. Available in large-format boards (3.20 x 1.44 meters) and a variety of thicknesses (from 4 to 30 millimeters), Dekton is a very easy to manipulate material and admits, to start, simple and efficient configurations, such as those of the tens of thousands
Las altas prestaciones que ofrece el material, junto con sus grandes formatos y las facilidades para manipularlo, propiciaron que pronto trascendiese las superficies interiores para implantarse todo tipo de revestimientos.
The material’s excellent properties, together with its large format and easy cleaning and maintenance, soon prompted a shift from its use in interior surfaces to its application on all kinds of claddings.
de encimeras de trabajo, que, al calor de las barbacoas y comidas familiares al exterior, se han construido ya en todo el mundo. Pero los diseñadores no tardaron en vislumbrar las posibilidades arquitectónicas del material, que comenzó a usarse tanto en escalas mayores como en configuraciones mucho más complejas. De ello da fe un proyecto ambicioso e innovador, la serie de esculturas de gran tamaño que, con ocasión de diferentes ferias y muestras —entre ellas, la Bienal de Venecia comisariada por Rem Koolhaas en 2014—, Cosentino encargó al arquitecto Daniel Libeskind: tres piezas que ensayaban configuraciones que iban desde la cruz tridimensional y sesgada hasta las espirales policéntricas, y que demostraron que el material podía adaptarse a geometrías muy difíciles y aguantar, casi sin inmutarse, los envites de la intemperie. Más allá de su fuerza estética, las esculturas de Libeskind funcionaron como un laboratorio de formas y texturas que acreditaba que Dekton podía aplicarse con garantías en contextos constructivos muy diversos, de manera que, el siguiente paso en la evolución del producto, que no se hizo esperar, fue convertirlo en un material arquitectónico por derecho propio. Un material especialmente cualificado para su empleo en revestimientos arquitectónicos para exteriores, tanto por su excelente durabilidad como por su fácil y limpia mecanización, y por ello mismo ideal para su uso en sistemas de fachada ventilada, como demuestra la tersa y precisa envoltura del Centro de alto rendimiento de Rafael Nadal, uno de los primeros edificios en los que se aplicó sistemáticamente Dekton. Más arriesgada fue la envoltura de la sede de Gunni & Trentino en Madrid, compuesta por un envés sobrio que habla de la precisión casi perfecta que puede conseguirse con tableros ultracompactos, y por un haz orgánico que evidencia las posibilidades expresivas de Dekton a la hora de dar respuesta a patrones geométricos complejos, en este caso un módulo semejante a las escamas de un pez. Este doble juego de aplicaciones, que abarca desde lo convencional hasta lo más extraordinario, puede ejemplificarse en otros edificios distribuidos por geografías dispares. Si la torre Valdebebas 127 de Rubio Arquitectura en Madrid pone de manifiesto la competitividad de Dekton en contextos de mercado, y la Casa Verdizela de la oficina AMATAM demuestra la limpieza con que el material puede adaptarse a geometrías que exigen gran precisión, la Torre Delfín de Pacap Arquitectura en Benidorm evidencia la facilidad con que Dekton se ajusta a las geometrías curvas, en tanto que el edificio ToHa en Tel Aviv, de Ron Arad con Avner Yashar, con sus 28.000 metros cuadrados de Dekton repartidos por la fachada, el pavimento, los techos, las particiones interiores e incluso los ascensores, prueba que el material puede dar respuesta, con extremada versatilidad, a casi cualquier demanda arquitectónica. Dekton —laboratorio de la naturaleza y plataforma de diseño— cumple diez años, pero su historia como material arquitectónico no ha hecho sino empezar.
of work countertops that, in the open-air settings of family barbecues and cookouts, have already been built around the world. Designers, however, soon foresaw the architectural possibilities of the material, which began to be used in larger scales and in much more complex arrangements. An example of this is an ambitious and innovative project: the series of large-size sculptures that, coinciding with different fairs and shows – among them, the Venice Architecture Biennale curated by Rem Koolhaas in 2014 –, Cosentino commissioned architect Daniel Libeskind to build. The three sculptures essayed configurations that went from a three-dimensional and slanted cross to the polycentric spirals, showing how the material can adapt to very complex geometries and resist the elements, almost undeterred.
Beyond their aesthetic strength, Libeskind’s sculptures functioned as a laboratory of forms and textures which proved that Dekton could be applied with guarantees in very diverse building contexts. Therefore, the next step in the evolution of the product, and which was not too long in coming, was to turn it into an architectural material in its own right. A material especially appropriate for use in architectural claddings for the outdoors, as much for its excellent durability as for its easy and clean mechanization, and therefore ideal for ventilated facade systems, as can be seen in the smooth and precise envelope of the high performance tennis center of Rafael Nadal in Manacor (Rafa Nadal Academy), one of the first buildings in which Dekton was applied systematically. More daring was the enclosure of the Gunni & Trentino headquarters in Madrid, composed of a sober interior facade that shows the almost perfect precision that can be achieved with ultracompact surfaces, and of an organic streetfront facade that reflects the expressive potential of Dekton in materializing complex geometrical patterns, in this case a module that resembles the scales of a fish. This double play of applications, which ranges from the conventional to the most extraordinary, can be found in other buildings scattered across disparate geographies. While the Valdebebas 127 Tower by Rubio Arquitectura in Madrid highlights Dekton’s competitiveness in market contexts, and the Verdizela House in Seixal by Estudio AMATAM shows how cleanly the material can adapt to forms that demand a high degree of precision, the Delfín Tower designed by Pacap Arquitectura in Benidorm evidences how easily Dekton adjusts to curved geometries, and the ToHa building, by Ron Arad together with Avner Yashar’s local team, with 28,000 square meters of Dekton distributed on the facade, floors, ceilings, interior partition walls, and even elevators, demonstrate that the material can fulfill, with extreme versatility, almost any architectural demand. Dekton – laboratory of nature and platform of design – turns ten, but its history as architectural material has only just begun.
El singular proyecto surge de la idea de un chef de abrir en la ciudad japonesa de Ube, al oeste de la prefectura de Yamaguchi, un pequeño restaurante familiar, y de su anhelo de crear algo que perdurase en el tiempo. Además, el edificio debía acoger también su casa y responder a las premisas de parecer «lo más pesado posible y tener una apariencia natural». Para satisfacer todas estas peticiones la oficina de Junya Ishigami propuso una arquitectura inspirada en las bodegas, que evoca su atmósfera sombría y recrea sus laberínticas galerías subterráneas. Como resultado, los distintos espacios se suceden sin ninguna jerarquía a través de grietas, patios y grutas que diluyen las barreras tanto entre interior y exterior, como entre vivienda y restaurante. Si el proyecto final se asemeja a una cueva excavada directamente en el terreno, en realidad es fruto de un complejo proceso constructivo. En lugar de perforar el suelo para crear galerías, lo que se excavaron fueron agujeros que se llenaron de hormigón e hicieron las veces de encofrado natural de la losa. Una vez ejecutada, y tras una larga fase de diseño y cálculo, se fue vaciando la tierra para liberar la estructura. Frente a la idea inicial de limpiar las posibles imperfecciones y dejar a la vista el gris del hormigón, se decidió dejar el aspecto de masa terrosa y aceptar la incertidumbre de un edificio que se hunde en el terreno y que se transformará con el paso del tiempo.
The idea of developing this singular project in the Japanese city of Ube, west of Yamaguchi Prefecture, came from a chef who wanted to build a small family restaurant, and from his vision of creating something that would last in time. The design also had to include his own home and to respond to the premises of seeming “as heavy as possible with a natural appearance.” To satisfy all these requirements the office of Junya Ishigami proposed an architecture inspired by wineries, evoking their somber atmosphere and recreating their labyrinthine underground galleries. As a result, the different spaces intertwine without a specific hierarchy around fissures, patios, and caves that dilute the boundaries between indoors and outdoors, and between house and restaurant.
Though the final project resembles a cave directly carved out of the site, in truth it is the result of a complex building process. Instead of perforating the ground to create galleries, the construction system involved digging holes and pouring concrete into them, creating in this way the natural formwork of the slab. Once executed, and after a long phase of designing and calculating, the terrain was emptied to free up the structure. The initial idea was to clean up the imperfections and show the original gray tone of the concrete, but in the end its earthy appearance was left as it was, accepting the uncertainty in a building that is tucked in the terrain and which will undergo changes with time.
Para ejecutar la losa, el terreno natural hizo las veces de encofrado: con este fin se vació el volumen de los grandes pilares curvos de sección orgánica que conforman la estructura principal del edificio.
To build the slab without centering, the natural terrain served as formwork, emptying the volume corresponding to the large curved pillars of organic section that constitute the building’s main structure.
Una vez fraguado el hormigón vertido en el terreno, se procedió al excavado del suelo para generar la secuencia de espacios interconectados que componen el programa de casa familiar y restaurante.
Once the concrete poured on the terrain was set, the ground was dug out to create the series of interconnected spaces that configure the building: part of it a private residence and the other part a restaurant.
El proyecto propuesto por la oficina de Lina Ghotmeh reflexiona sobre la tradición de la firma de moda francesa Hermès y sobre la larga memoria del lugar. Por un lado, el edificio se sitúa junto a los restos arqueológicos de un asentamiento de la época magdaleniense, que ilustra con las herramientas encontradas la importancia de los trabajos manuales desde las culturas paleolíticas. Y a su vez, atiende a la historia de una casa fundada en el año 1837 y convertida ya en un referente internacional de la alta costura. De este modo, se eligió un sistema constructivo de arcos compuestos por ladrillos hechos a mano, evocando a la vez la artesanía de las piezas de marroquinería y la particular textura de la tierra normanda, siempre húmeda y arcillosa. Esta decisión también refuerza el vínculo del edificio con su emplazamiento y afianza su compromiso por el cuidado ambiental, al emplear más de 500.000 ladrillos fabricados a pocos kilómetros del solar, y con técnicas que aprovechan materiales encontrados en la zona. La estructura muraria de arcos cerámicos se complementa con una cubierta de vigas de madera, que favorece la ventilación natural y limita la necesidad de iluminación artificial en los talleres. El jardín ondulante —obra del paisajista belga Erik Dhont— que rodea la rotunda planta cuadrada del complejo se suma igualmente a los principios de reciclaje y conservación, al respetar la mayoría de la vegetación existente e implantar un sistema de recuperación del agua de lluvia.
The design proposed by the office of Lina Ghotmeh is as much a reflection on the tradition of the French fashion firm Hermès as it is on the long history of the location. On the one hand, the building rises on the archaeological remains of a settlement of the Magdalenian epoch, which through tools that have been excavated illustrates how the importance of manual work dates back to Paleolithic cultures. At the same time, it addresses the history of a design house that was established in 1837 and now occupies a high place among international luxury brands. A particular structural system was selected for this project, one of arches built with artisanal methods. It would evoke the craft of making leather goods as well as the particular texture of the ever humid and clayey ground of Normandy. In addition, it reinforces the building’s engagement with the site and its commitment to help protect the environment, using over 500,000 bricks prepared just a few kilometers away and with techniques that harness materials found in the vicinity. The wall structure of the ceramic arches is complemented with a timber-beamed roof, which induces natural ventilation and minimizes the need for artificial lighting in the workshops. A work of the Belgian landscape architect Erik Dhont, the undulating garden that surrounds the square plan of the complex also complies with recycling and preservation principles by respecting the existing vegetation and implanting a system for collecting rainwater.
Uno de los objetivos principales del edificio era reducir a cero su huella de carbono, por ello los más de 500.000 ladrillos empleados en la estructura de muros de arcos han sido fabricados con tierra de la región.
One of the primary objectives of the building was to reduce its carbon footprint to zero, hence the more than 500,000 bricks used in raising the structure of arch walls were fabricated with local earth.
se sitúa una gran plaza interior, antesala de los talleres y lugar de encuentro para los artesanos, que acoge bajo sus vigas de madera una obra del escultor Emmanuel Saulnier.
courtyard, an interior plaza serves as anteroom to the workshops and meeting space for the artisans. Below the wooden beams is a work by the sculptor Emmanuel Saulnier.
Urban Nature Cobe in Copenhagen
Proyecto Project
The Opera Park
Copenhagen (Denmark)
Arquitectos Architects
Cobe Architects
Colaboradores Collaborators
Vita, Via Trafik, DBI and Lüchninger Meyer Hermansen (engineers); Hansson og Knudsen, Bauer, Redtz Glas og Façade, HSM Industri, GK Danmark, Bravida, Danmark, Høyrup & Clemmesen, KONE, Phønix Tag, Jakon, Areo, Terrazzo.dk, Raadvad Maleren, Snedkerierne, OKNygaard, Palmproject Europe, Scanview Systems, Zurface, Retail Reflexions, Vector (contractors)
Fotos Photos Francisco Tirado
Tras una época en la que la construcción de nuevos edificios no hizo más que crecer, la ciudad de Copenhague se enfrenta ahora a la significativa reducción de sus espacios verdes. Para contrarrestrar estas tendencias, el estudio fundado por Dan Stubbergaard propuso recuperar una antigua isla industrial, con una ubicación privilegiada frente a la Ópera nacional, y convertirla en un parque público. De este modo, un solar que llevaba desocupado más de veinte años y era idóneo para continuar con las corrientes desarrollistas se ha transformado en un pequeño pero exuberante oasis en el centro histórico de la capital danesa, que permitirá a sus habitantes escapar de una bulliciosa vida urbana.
El proyecto parte de las herramientas habituales en jardines históricos y románticos para dar soluciones a los desafíos actuales, por lo que, además de sinuosos caminos o estudiadas relaciones visuales, incluye estrategias para la renaturalización de la zona o una gestión responsable del agua. Otro de los factores fundamentales en el diseño fue la selección y disposición de la vegetación, combinando multitud de especies de distintos tamaños y propiedades hasta crear una pequeña escenografía frente al puerto capaz de ofrecer experiencias muy diferentes según la estación del año. Toda esta rica flora se distribuye a lo largo de los seis jardines con motivos provenientes de todo el mundo, desde los autóctonos bosques nórdicos hasta las más exóticas especies orientales.
After a period during which the construction of new buildings has done nothing but increase, the city of Copenhagen now faces a significant reduction of its green spaces. To adapt to these trends, the studio founded by Dan Stubbergaard proposed recovering an old industrial island, with a privileged location across from the national Opera House, and transform it into a public park. In this way, a plot with a long industrial past and left empty and abandoned for more than twenty years would have become a perfect spot to continue the developing frenzy, but instead it has been converted into a small but exuberant oasis in the historic center of the Danish capital, giving its people a space for escape from the busy city life.
The project starts from the usual elements found in historical and romantic gardens to provide solutions to the challenges of today; so, aside from sinuous paths and studied visual relationships, it includes strategies to renaturalize the area or to make a responsible use of water. Another of the essential factors in the design was the selection and arrangement of the vegetation, combinining a wide range of species of different sizes and properties to create a small harborside scenography capable of offering very different experiences depending on the season of the year. All this rich plant life is laid out over the six gardens with motifs from around the world, from Nordic forests to the most exotic oriental species.
Uno de los tres puentes que unen la isla con la ciudad corresponde a una conexión directa de la Ópera con el edificio, que con sus vidrios curvos y cubierta ajardinada integra la arquitectura en el paisaje natural.
One of the three bridges joining the island with the city correspond to a connection that is covered by the Opera building, whose curved glass surfaces and green roof blend the architecture with the natural context.
Además de los jardines, el complejo cuenta con un invernadero central, concebido como una estructura orgánica de vidrio con una cubierta flotante, que propiciará las visitas incluso en los fríos meses invernales.
Aside from the gardens, the complex also has a central greenhouse, conceived as an organic structure of glass with a floating roof, which will encourage visits even during the cold winter months.
Industrial Palimpsest Productora in Mexico City
Proyecto Project
Laguna Collaborative Space
Mexico City (Mexico) Arquitectos Architects Productora Equipo Team
Carlos Bedoya, Víctor Jaime, Wonne Ickx, Abel Perles (partners); Claudio Morales, Diana Jiménez, Nicolás Fueyo, Ruy Berumen, Rubén Flores, Diego Velázquez, Fidel Fernandez, Pablo Manjarrez; Marqcret (contractor); Colinas De Buen (structure); T2M (engineering)
Fotos Photos
C. Cossio (pp. 37, 38 top, 39, 40-41, 41); P. Manjarrez (pp. 38 bottom, 41 top)
Ubicada en la antigua colonia Doctores, una de las primeras de la Ciudad de México, Laguna se levantó como una antigua fábrica de hilos y textiles a principios de la década de 1920. El proyecto para recuperar el espacio se enmarca dentro del proceso de revitalización que está viviendo el barrio en los últimos años, consolidándose como un gran nodo de empresas creativas. El conjunto contaba con las características propias de las construcciones fabriles del momento, como las grandes alturas libres o los generosos espacios comunes. Por ello, el punto de partida es recuperar el valor arquitectónico original, ampliando solo pequeñas áreas, y dotando al conjunto de las instalaciones para convertirse en un espacio colaborativo de trabajo. De este modo, se conservan todas las fachadas exteriores y se rescatan algunas traseras y patios interiores que se habían perdido en las distintas reformas posteriores. Junto con esta estrategia, se propusieron algunas intervenciones puntuales que potenciasen las cualidades del edificio y diesen respuesta a las necesidades de los nuevos usos. Además, estas operaciones amplían la superficie de espacios cubiertos y reorganizan tanto las circulaciones horizontales como verticales, creando una promenade por todo el complejo. Por último, para definir la nueva identidad de Laguna se recuperó el color verde, presente en algunos elementos primigenios y habitual en las maquinarias textiles tradicionales.
Located in the old Colonia Doctores, one of the first in Mexico City, Laguna was raised as an old thread and textile factory in the early 1920s. The project to recover the space is part of a broader process of revitalization of the neighborhood that has been under way over the past years, redefinining Laguna as a major hub for creative companies. The complex had the typical characteristics of the industrial constructions of the time, such as the high clearance space or the spacious community areas. For this reason, the starting point was to recover the original architectural value, extending only two small areas, and fitting out the ensemble with the installations and systems necessary to function as a collaborative workspace.
All the exterior facades are hence preserved, and some of the rear ones and interior courtyards that had been removed in subsequent refurbishments are reinstated. Besides this strategy, other specific interventions were proposed with the aim of enhancing the qualities of the building and of fulfilling the requirements of the new program. Furthermore, these operations extend the area of covered spaces and reorganize both the horizontal and vertical circulations, creating a promenade throughout the whole complex. Lastly, the green color present in some of the original elements, and usual in traditional textile machinery, was recovered here as a means define the new identity of Laguna.
La antigua fábrica textil operó hasta 2015, y desde entonces se ha buscado recuperar las fachadas originales y rescatar los patios o traseras, así como los espacios interiores perdidos en las distintas modificaciones.
The old textile factory was up and running until 2015, and since then a reconversion process has sought to recover the original facades and reinstate the courtyard, rear facades, and interiors lost over time.
Junto a la rehabilitación, el proyecto propone la construcción de varias piezas de nueva planta, en un reconocible color verde, que adaptan el complejo a su nuevo programa y organizan las circulaciones interiores.
Along with refurbishment strategies, the project proposes adding several new volumes, in a recognizable green tone, which adapt the building to its new program, and organize the internal circulations.
Arts
Building Stories
Alastair Philip Wiper
Cartoon Cities
Javi Aznarez’s Report
Common Beauty
A Journey through Spanish Shops
Inside Pompeii
Luigi Spina
Building Stories Alastair Philip Wiper
El británico registra escenas ocultas al público general, como cadenas de montaje o instalaciones nucleares, con imágenes reconocibles por un peculiar uso del color, composiciones simétricas y un toque irónico.
La verdadera pasión de Alastair Philip Wiper es pasear furtivamente entre bambalinas en busca de escenas al alcance de unos pocos. Su estilo se caracteriza por una comprensión única del color y la simetría adornada con pinceladas de humor negro. Además de trabajar para diversas marcas, su obra aparece regularmente publicada en medios como Scientific American o The Guardian, y forma parte de archivos como el Royal Institute of British Architects. Recientemente ha publicado el libro Building Stories, y ya trabaja en un segundo proyecto que explora el término ‘nuclear’ desde su relación con las armas hasta su impacto en la política.
The British photographer captures scenes concealed from the public, such as assembly lines or nuclear facilities, with images that are characterized by a peculiar use of color, symmetrical compositions, and a touch of irony.
Alastair Philip Wiper’s true passion is to move in the backstage looking for scenes within the reach of just a few. His work is characterized by a unique understanding of color and symmetry adorned with touches of dark humor. Aside from collaborating with different brands, his work is also published in media like Scientific American and The Guardian, and is deposited in the archives of institutions like the Royal Institute of British Architects. He has recently released his latest book, Building Stories, and is working on a second project in which he explores the term ‘nuclear,’ from its relationship with weapons to its impact on politics.
Entre los distintos lugares visitados por el artista, destacan las enormes infraestructuras nucleares que proveen de energía a las ciudades, o los centros donde se investigan las partículas más pequeñas que forman el universo.
Amongst all the places the artist has visited, the most noteworthy are the massive nuclear infrastructures that supply cities with energy, or the centers where the smallest particles that make up the universe are analyzed.
ITER Nuclear Fusion Experiment, China. Left: ITER Nuclear Fusion Experiment, France
Barsebäck Nuclear Power Plant, Sweden
Kvadrat’s
Wooltex
Textile Mill, United Kingdom
Las imágenes revelan su particular interés por recopilar todo tipo de procesos industriales y documentar visualmente las soluciones que son capaces de idear los seres humanos para resolver sus problemas.
The photographs reveal his particular interest in documenting all sorts of industrial processes and visually capturing the inventive solutions that human beings are capable of devising to solve their problems.
Adidas’ PWI shoe factory, Indonesia. Right: The Boeing Factory in Washington, United States
Playmobil Factory, Malta
Danish Crown slaughterhouse in Horsens, Denmark
Cartoon Cities
Javi Aznarez’s Report
Tras acabar sus estudios en la escuela de negocios, el ilustrador cadaquense decidió cambiarse al mundo del dibujo, desde entonces sus viñetas se reproducen en revistas, campañas e incluso películas internacionales.
Tras criarse entre Barcelona y Cadaqués, y formarse en algo tan alejado de las Bellas Artes como el marketing y las ciencias empresariales, Javi Aznarez decidió probar suerte con el dibujo, y se apuntó a una escuela de artes visuales. Pero en realidad no era algo nuevo para él; el dibujo siempre había estado presente en su vida, y los garabatos y cómics le habían acompañado en cada momento de aburrimiento desde el colegio hasta la escuela de negocios. Admirador de la línea clara de Hergé y el humor gráfico de Quino, el ilustrador catalán admite su gusto por lo absurdo —sus dibujos combinan frecuentemente situaciones banales con escenas tristes— y una fuerte influencia de las bandes dessinées.
Después de publicar sus viñetas en distintos libros y extender su mundo creativo a revistas, guiones gráficos y campañas publicitarias, Aznarez recibió la llamada del director americano Wes Anderson para que dibujase el cartel de su película The French Dispatch. El filme, ambientado en la redacción de un periódico americano ubicado en un enclave ficticio de una Francia del siglo XX, desgrana el último número de la revista, un obituario tras la muerte de su director. Al final se convirtió en un trabajo de más envergadura y, además del cartel, realizó varios decorados y distintas portadas de la cabecera, que imita el formato del conocido semanal neoyorquino. Tras el éxito recaudado con la película, se le amontonan los encargos, entre ellos del propio New Yorker.
After attending business school, the Cadaquésborn illustrator ventured into the drawing world, and since then has seen his cartoons reproduced in magazines, ad campaigns, and even international films.
Having grown up in Barcelona and Cadaqués, then training in something as removed from the Fine Arts as marketing and business, Javi Aznarez decided to try his luck in drawing, signing up for classes in a visual arts school. But in truth this was nothing new to him. He had drawn since childhood, and doodles and comic strips had always filled his moments of boredom, from grade school to business school. An admirer of Hergé’s ligne claire and Quino’s graphic humor, the Catalan illustrator professes a penchant for the absurd – his drawings often combine banal situations with sad scenes – and acknowledges being strongly influenced by the bandes dessinées.
After publishing his cartoons in various books and expanding his creative world to include magazines, storyboards, and advertising campaigns, Aznarez was sought out by the American film director Wes Anderson to draw the poster of The French Dispatch. Set in an American newspaper’s outpost in a fictional city of 20th-century France, the movie tells of the making of the medium’s final issue, an obituary following its editor’s death. The collaboration eventually grew in scope and, in addition to the publicity poster he drew several of the film sets as well as various covers of a fictitious magazine, imitating the design of the famous New York weekly. In the wake of the movie’s success, his commissions are piling up, including from The New Yorker itself.
Además del cartel principal de la reciente película de Anderson, Aznarez condensa en sus más de treinta portadas el extenso imaginario del cineasta y cincela la quimérica ciudad de Ennui-sur-Blasé.
Besides the main poster of Anderson’s recent film, Aznarez has in more than 30 covers of its fictional magazine condensed the American director’s vast imagery and portrays the fanciful city whose name is Ennui-sur-Blasé.
En las ilustraciones del artista catalán se refleja su interés por las historietas francesas y belgas, además de las reconocidas influencias de sus comics juveniles, como Tintín, Astérix y Obélix o Mafalda.
The Catalan artist’s illustrations reflect his interest in French and Belgian cartoons and the influence, as he acknowledges, of the bandes dessinées of his youth: Tintin, Asterix and Obelix, or Mafalda.
Illustration for The Guardian, 2022
Illustration for Huesca Journalism Congress, 2022
Living Corriere, 2022
Illustration for Preferred Travel, 2023
Illustration for The New Yorker, 2023
Illustration for Jeanerica, 2022
Common Beauty A Journey through Spanish Shops
El libro recoge imágenes de tiendas tomadas por Javier Sánchez Bellver en sus viajes por las 50 provincias españolas que, junto a los textos de Luis Fernández-Galiano, retratan un paisaje urbano que merece salvarse.
Habitamos un tiempo en el que las principales calles de nuestras ciudades se llenan de franquicias y grandes almacenes, donde prima la reconocible identidad corporativa y perece el encanto tradicional del comercio familiar. Sin embargo, en los últimos años proliferan corrientes —ya sean exposiciones, colectivos o libros— que defienden que estos pequeños establecimientos son parte fundamental de nuestra historia, y que por ello merecen salvarse del naufragio en el que están sumidos. Si muchas de estas iniciativas tienen un mero carácter archivístico, este libro propone un particular recorrido visual y literario por tiendas de toda España, que con sus arquitecturas tradicionales y motivos populares dan muestra de la denominada ‘belleza común’.
La publicación surge del trabajo fotográfico que el arquitecto y pintor Javier Sánchez Bellver desarrolló a finales de los años setenta, recorriendo gracias a una beca de la Fundación March toda la geografía del país. Tras varios intentos de armar un libro, esta labor se completa ahora con los textos de Luis Fernández-Galiano, director de la revista Arquitectura Viva. Y esta sintonía entre imagen y palabra permite entender la variedad de temas y técnicas empleadas desde principios del siglo xx, mostrando la imaginación y el ingenio de artesanos y comerciantes, que conseguían transmitir sus mensajes publicitarios con medios precarios, y aportaban carácter e interés al paisaje de las ciudades.
The book collects images of shops photographed by Javier Sánchez Bellver during his travels across the Spanish provinces, and which, along with Luis Fernández-Galiano’s texts, portray an urban landscape worth saving.
We are living a time when the main streets of our cities are lined with franchises and department stores, where the easily recognizable corporate identity prevails and the traditional charm of the family business perishes. However, over the past years several movements and actions have been launched (exhibitions, associations, publications...) to claim that these small establishments are a fundamental part of our collective history, and thus deserve to be rescued from the wreck. While many of these initiatives have a merely documentary purpose, this book proposes a particular visual and literary journey through shops across all the regions of Spain; shops whose traditional architecture and popular motifs come to symbolize the so-called ‘common beauty.’
The publication collects the photographic work carried out by the architect and painter Javier Sánchez Bellver during the late 1970s, covering the whole country thanks to a scholarship of the Fundación March. After several attempts to put the book together, the task has finally been completed now with the texts of Luis Fernández-Galiano, director of the magazine Arquitectura Viva. This rapport between image and word allows understanding the variety of themes and techniques used since the early 20th century, showing the imagination and inventiveness of artisans and shop owners, who managed to convey their commercial message with very scarce resources, giving the cityscape a distinctive and unique character.
Calle de Santa Clara, Gerona
Betanzos, La Coruña
Los escaparates captan la atención del transeúnte con efímeros bodegones, que recuerdan a pinturas de Sánchez Cotán, o con azarosas disposiciones de ropas deshabitadas, expuestas como vitrinas de museo de historia natural.
Storefronts attract shoppers with ephemeral still life images evocative of paintings by Sánchez Cotán, or with random layouts of uninhabited garments, exhibited as if in display cases of a natural history museum.
Betanzos, La Coruña
Calle Correría, Vitoria, Álava
Calle Carretería, Málaga
Los dibujos y rótulos de las fachadas dan cuenta con sus motivos cerámicos e historiadas tipografías tanto de los productos y servicios que se ofrecen, como de las biografías e historias de sus vendedores.
The drawings and lettering of the facades, with their ceramic motifs and detailed typographies, reflect both the products and services offered, as well as the lives and stories of their owners.
Carrer Gran de Gràcia, Barcelona
Rambla de San José, Barcelona
Calle de Atocha, Madrid
Calle del Ave María, Madrid Málaga
Los frutos de la tierra o el mar y su elaboración se muestran con la misma poesía ingenua de los azulejos que representan, a través de figuras femeninas, dos Españas quintaesenciales, la meridional y la norteña.
The fruits of the earth or the sea and their elaboration are presented with the same naive poetry of the tiles that represent, through female figures, two quintessential Spains, southern and northern.
Calle de Don Ramón de la Cruz, Madrid
Calle de Argensola, Madrid
Calle de Zurita, Madrid
Adra, Almería
Mérida, Badajoz
Calle de Cea Bermúdez, Madrid
El Carpio, Jaén
Calle del Doctor Esquerdo, Madrid
Calle de Villalar, Madrid
Calle de la Torrecilla del Leal, Madrid
Vigo, Pontevedra
Inside Pompeii Luigi Spina
Spina aprovechó el periodo de aislamiento de la pandemia para residir en Pompeya, cerrada al público. La luz natural de las fotografías permite capturar la esencia de los mosaicos y peristilos de más de sesenta domus.
Durante el confinamiento de 2020, Luigi Spina recorrió con libertad las ruinas de la ciudad que quedó sepultada por el Vesubio en el año 79 d. C., incluidos algunos espacios que habían permanecido cerrados por motivos de conservación. Así se construyó Pompeya, un proyecto fotográfico en el que el artista italiano supera el medio millar de instantáneas tomadas en más de cincuenta viviendas de esta ciudad histórica desde una perspectiva recogida en contadas ocasiones: decenas de domus vistas desde el interior en las que cada grieta, mella o nueva capa de pintura refleja las vicisitudes del paso del tiempo en los propios edificios.
Spina took the lockdown of the pandemic as an opportunity to live in Pompeii, then closed to the public. He used natural light to capture the essence of mosaics and peristyles of more than sixty ‘domus’ interiors.
During the lockdown of 2020 imposed by the pandemic, the archaeological photographer Luigi Spina had the chance to roam the ruins of the polis that was buried by the Vesuvius in the year 79 AD, including visits to some of the spaces which remained closed. This is how Inside Pompeii was put together, a photographic project with more than five hundred photographs taken in over fifty dwellings of this historic city from a perspective that is rarely documented: dozens of ‘domus’ seen from the inside in which each crack, dent, and layer of paint reflects the effects of time on the buildings.
Las imágenes recogen una singular perspectiva del interior de las viviendas de las clases elevadas de la ciudad antigua, y de las que hoy quedan las trazas de subdivisiones y reconstrucciones de los propios edificios.
All the photographs show an interior perspective of the homes of the middle and upper classes of the old city, which still reflect the traces of the damages, subdivisions, reconstructions or fusions the buildings underwent.
Arriba: Casa dei Ceii; izq.: Casa del Labirinto VI; dcha.: Juvernes VIII
Casa Amorini dorati VIJuvernes VIII
Style
The Future of the Bathroom
Colorful Hedonism
The
Food Truss
Essential Induction
Gaggenau Featuring Cosentino
Metamorphic by Tom Dixon
Art of Marta Pazos
Espacio Tramo in Madrid
The Future of the Bathroom MetamorphicbyTomDixon
El diseñador británico propone un nuevo concepto para el baño, desafiando la habitual percepción de esta estancia como espacio oculto y meramente funcional para concebirlo como una intervención escultórica.
The British designer proposes a new bathroom concept, challenging the usual perception of this room as a hidden and merely functional space, inviting to consider it as a sculptural piece.
Dekton’s new collection Pietra Kode reformulates and gives a new meaning to traditional stones like Ceppo, Travertino, and Ceppo
La nueva colección Pietra Kode de Dekton dota de un nuevo significado a las tradicionales piedras de Ceppo, Travertino y
Marmorio Travertine
Avorio VicenzaGrigio Vicenza
Sabbia Travertine
Nebbia Vicenza
Colorful Hedonism
The Art of Marta Pazos
Las obras de Marta Pazos (Pontevedra, 1976) destacan por su excelencia estética, sus asombrosas escenas que rompen las fronteras entre realidad y ficción, y un lenguaje propio caracterizado por el uso radical de los colores.
The productions of Marta Pazos (Pontevedra, 1976) are known for aesthetic excellence, sets breaking the lines between reality and fiction, and a language of her own with a radical use of color.
Sus montajes abarcan desde reinterpretaciones de espectáculos circenses, con una función reducida cromáticamente al rojo y azul, hasta atrevidas adaptaciones teatrales, como en el diálogo con la inacabada obra de Lorca.
Her productions are wide-ranging, from reinterpretations of circus extravaganzas, with colors limited to red and blue, to daring adaptations of plays, as in the dialogue with Lorca’s unfinished work.
Las representaciones de la artista gallega buscan impactar visualmente al espectador y romper con los cánones escénicos, combinando las rítmicas y coloridas coreografías con demandas sociales y breves toques de humor.
The Galician artist’s performances are visually impactful on the audience, breaking away from stage canons and combining rhythmic, colorful choreographies with social issues and doses of humor.
Con un reducido número de actuaciones, respetando el protagonismo de las cerchas y los cables, el estudio Selgasacano, junto con Andreu Carulla, ha transformado una antigua nave en el restaurante de referencia de la capital.
With a reduced number of gestures, and respecting the prominence of trusses and cables, the studio Selgascano, together with Andreu Carulla, has turned an old warehouse into the restaurant of reference in the capital.
Photos: Juan Baraja
aislante en la cubierta ha sido reutilizado en el almohadillado de los bancos corridos.
placing it as facade insulation was reused in the cushioning of the continuous benches.
Essential Induction GaggenauFeaturingCosentino
Essential es el producto de innovación más reciente de Gaggenau. La placa de inducción y la encimera, dos elementos hasta ahora independientes, se unifican en una única pieza arquitectónica.
Essential is the most recent innovation project of Gaggenau. In this series, the induction cooktop and worktop, two previously independent elements, are unified in a single architectural piece.
Esta innovadora superficie de inducción adopta un diseño minimalista: su homogeneidad, sin barreras, marcos ni huecos, facilita que se integre en cualquier espacio habitable.
This innovative induction surface adopts a minimalist design: its uniform finish, with no barriers, frames, or gaps, allows it to integrate into any living space, offering a high-quality cooking experience.
Gracias a las altas prestaciones y el buen rendimiento del material con el que está fabricada la placa, Gaggenau ha podido diseñarla para que funcione con la piedra ultracompacta Dekton.
Thanks to brand’s technology and to the high performance of the material with which the cooktop is manufactured, Gaggenau has designed it to be combined with a wide range of Dekton ultracompact surfaces.
Thiel
Cosentino
Dekton House
Casa
Dekton Offices
Dekton Villa
Verdizela House by AMATAM
Dekton Home
Shell House by Super Assembly
Tony by José Luis Jiliberto
Fassadenbau HQ by Sedlbauer Architekten
DEKTON HOUSE
Casa Tony by José Luis Jiliberto
Ubicada en el malagueño municipio de Torrox, la vivienda se proyecta para conseguir una imagen mediterránea, pero manteniendo un lenguaje formal contemporáneo. Uno de los leitmotivs presentes en el proyecto de la oficina liderada por José Luis Jiliberto es la estrecha vinculación con el característico paisaje de la región: entre las montañas de la sierra de Almijara, en cuyas laderas crecen extensos cultivos de olivos y viñas, y las azules aguas del mar Mediterráneo. De este modo, el volumen se acomoda en la particular orografía de la zona, respetando la vegetación existente y aprovechando al máximo su cercanía al litoral. Si todos los espacios buscan disfrutar de su privilegiada posición y abrirse hacia la costa, esta conexión se acentúa en la zona estancial —que integra tanto el salón como la cocina— fundiéndose con el mar gracias a la cercana lámina de agua.
Otro de los requisitos esenciales que debía integrar la propuesta era la utilización de materiales de gran calidad, capaces de aunar un bajo mantenimiento con unas altas propiedades técnicas. Por este motivo se eligieron las soluciones de Cosentino para la mayoría de superficies, integrando el Dekton en sus distintos acabados; desde Aeris, en los más de 650m² de fachada, hasta Nilium o Laos en pavimentos y elementos de mobiliario. Además de una fácil instalación, el Dekton permitió crear superficies uniformes gracias a las grandes dimensiones de los despieces.
Located in the municipality of Torrox (Málaga), the house is designed in the Mediterranean tradition while maintaining a contemporary formal language. One of the leitmotifs present in the project designed at the studio led by José Luis Jiliberto is the close connection with the characteristic landscape of the region: between the mountains of the Sierra de Almijara – the slopes of which are covered with olive trees and vines –, and the blue water of the Mediterranean Sea. The volume adapts to the conditions of the terrain, respecting the vegetation that was already there and taking advantage of its proximity to the coastline. All of the spaces in the house seek to make the most of their privileged position and open up to the views, a connection further accentuated in the main living room, a generous open-plan space integrating both lounge and kitchen, and which establishes contact with the ocean through the pool.
Another of the essential requirements in the project was the use of high-quality materials combining low maintenance and high technical properties. Cosentino materials were the choice for most of the surfaces in the house, including Dekton in different finishes such as Aeris for the over 650 square meters of facade to Nilium or Laos on floors and home furnishings. Aside from being easy to install, the use of Dekton enabled uniform surfaces thanks to the large dimensions of the pieces.
into the prime choice for most of the surfaces in the house, where it prevails on facades, floors, and furnishings.
Dekton Aeris
Dekton Nilium
Dekton Laos
DEKTON OFFICES
Thiel Fassadenbau HQ by Sedlbauer Architekten
El estudio Sedlbauer Architekten se enfrentó al reto de diseñar la nueva sede principal de la empresa Thiel Fassadenbau, en el sureste de la ciudad de Núremberg. Esta prestigiosa firma —fundada hace más de sesenta años— está especializada en la gestión de obras y en la construcción, producción e instalación de fachadas, por lo que requería un diseño que respondiese a su larga tradición y a unos altos estándares tecnológicos. Para atender a estas expectativas, los arquitectos alemanes propusieron un edificio muy transparente, con una planta orgánica en forma de vela redondeada y una marcada horizontalidad gracias a los grandes voladizos de sus terrazas continuas.
Estas galerías abiertas al paisaje se convierten así en el elemento principal de la composición. Su marcada geometría curva se acentúa por el despiece del acabado del suelo, y para ello se escogieron las losas de gran formato del Dekton Sasea. Este material era idóneo por su tonalidad y elegantes juntas, pero también por su resistencia a las distintas climatologías y su facilidad de mantenimiento. Además, estos espacios de transición participan de las medidas pasivas de eficiencia energética, protegiendo las grandes cristaleras de la incidencia del sol en verano. El resultado es un edificio simbólico, pensado para resistir el paso del tiempo y, de este modo, representar los asentados valores de una empresa familiar con proyectos por todo el país.
Sedlbauer Architekten took on the challenge of designing new main offices for Thiel Fassadenbau in the southwestern section of the city of Nuremberg. This prestigious firm, founded over sixty years ago, specializes in managing building projects and in constructing, producing, and installing facades. Its headquarters had to allude to the long tradition while bearing the banner of current technological standards. With these expectations in mind, the German architects proposed a highly transparent building with a floor plan that was organic, shaped like a rounded sail, as well as a strongly horizontal presence owing to the pronounced cantilevers of continuous terraces.
Opening out to the landscape, these galleries become the main feature of the composition. Their emphatic curves are accentuated by the detailing of the floor finish, provided by the large pieces of Dekton Sasea. This material was an ideal choice because of its tonality, but also because of its high resistance to different climate conditions and its needing little maintenance. In addition, these transition spaces are a key part of an overall passive strategy to ensure energy efficiency, as they protect the large panes of glass against direct sunlight during the summer. The result is a building that appropriately represents a longtime corporate mission, thought out as it is to withstand the passage of years and stand for the values of a family business with projects throughout the country.
Uno de los elementos característicos de las oficinas son sus amplias terrazas en voladizo, por ello para el suelo se escogió Dekton Sasea, que resiste los cambios climatológicos y permite grandes despieces.
Characterizing the building are spacious overhanging terraces, and the material chosen for their floors was Dekton Sasea, which withstands changes in climate conditions and allows much detailing.
Dekton Sasea
DEKTON VILLA
Verdizela House by AMATAM
La Casa Verdizela se sitúa en Corroios, a pocos kilómetros de Lisboa, y al otro lado del río Tajo. El proyecto de la oficina AMATAM, fundada en el año 2012 por João Escaleira Amaral y Manuela Tamborino, propone una interesante sucesión de patios que separan las diferentes estancias domésticas. Esta operación genera un contraste entre lleno y vacío, o entre luz y sombra; y hace que la vivienda se vuelque hacia el interior, protegiéndose de las vistas desde la calle, y permitiendo que todas las estancias cuenten con una relación directa con el cielo y la vegetación. A través del juego entre paños ciegos y una estudiada colocación de las cristaleras se consigue introducir la luz natural, pero garantizando al mismo tiempo la privacidad de las habitaciones. Uno de los elementos más representativos de la casa es la cuidada composición de su fachada, gracias al contraste entre los distintos materiales empleados, que incluye desde los tradicionales revocos blancos, o maderas, hasta la piedra ultracompacta Dekton. Para esta ocasión se eligió el color Aeris, inspirado por las piedras calizas blancas, en combinación con el color Rem, que homenajea los elegantes mármoles blancos, alternando así los tonos claros con los pastel. Para conseguir continuidad entre los espacios interiores y exteriores, Dekton se utiliza también en la cocina y los baños, donde la gama se amplía a los acabados Zenith, Sasea y Sirocco, junto con el Silestone White Zeus.
The Verdizela House is located in Corroios, a few kilometers from Lisbon, on the other side of the Tagus River. The project carried out by the architecture studio AMATAM, set up in 2012 by João Escaleira Amaral and Manuela Tamborini, presents an interesting succession of courtyards that serves to separate the different domestic spaces. It also generates a dance between solid and hollow and between light and shadow, and has the effect of turning the dwelling inward, shielding it against views from the street and giving all the rooms the benefit of direct contact with the sky and the vegetation. Through an interplay of blind surfaces and a studied arrangement of glass panes, natural lighting of the interiors is achieved without sacrificing privacy.
One of the most representative attributes of the house is the careful composition of the facade. Instrumental in this regard is the contrast of materials, which range from traditional white plaster and woods to the ultra-compact Dekton stone. The color selected for this case was Aeris, inspired by white limestones, in combination with Rem, which pays tribute to elegant white marbles, the result being an alternation of light tones and pastels. To achieve a continuity between interior and exterior spaces, Dekton is also used in the kitchen and bathrooms, where the range extends to include the Zenith, Sasea, and Sirocco finishes, along with Silestone White Zeus.
Los acabados de la firma Cosentino se extienden de las paredes y suelos, tanto interiores como exteriores, a incluso los propios lavabos, con los modelos Silence y Armery, producidos en Dekton y en Silestone.
The finishes provided by the firm Cosentino extend to walls and floors both indoors and out, and even to bathrooms with the Silence and Armery lines, produced in Dekton and Silestone.
Dekton Rem
Dekton Sasea
Dekton Aeris
Dekton SiroccoSilestone White Zeus
Dekton Zenith
DEKTON HOME
Shell House by Super Assembly
La oficina Super Assembly se encontró ante el desafío de levantar una residencia para una familia de tres personas en una parcela triangular delimitada por dos caminos, con la dificultad añadida de tener que hacer frente a las duras condiciones climáticas de Singapur, sus altas temperaturas y elevada humedad. No solo había que crear una vivienda funcional; además, debía poseer la suficiente privacidad pese a estar rodeada por edificios industriales. Y debía gestionar de forma eficaz el potente sol de la mañana que entraba por la fachada sureste para mantener una temperatura interior confortable. La respuesta a todos estos desafíos fue Shell House, un hogar inspirado en las formas de las conchas marinas, que brinda refugio a la pequeña familia y que está revestido con Dekton Keon. La piedra de Cosentino cumple con un doble propósito: por un lado, como material para tejados ventilados y, por otro, como material de fachada duradero que resiste las inclemencias del tiempo. Su durabilidad y resistencia a las manchas fueron cualidades particularmente beneficiosas en este clima, ya que la fachada está constantemente expuesta a diferentes patrones climáticos y factores ambientales. El estudio local buscaba lograr un efecto de terrazas inclinadas, y el Dekton permitió crear una superficie continua que transicionara de manera perfecta entre la cubierta y la fachada. Su apariencia de hormigón añade un toque atemporal y elegante, realzando el diseño y adaptándose a las exigencias del clima tropical.
The studio Super Assembly was commissioned the complex task of building a residence for a family of three members on a triangular plot delimited by two paths, with the added difficulty of having to tackle the harsh climate conditions of Singapore, with its high temperatures and elevated humidity. Not only was it necessary to design a functional dwelling, but also one guaranteeing privacy, even though it is surrounded by industrial buildings. It also had to effectively manage the strong morning sun coming in through the southeast facade in order to keep a comfortable indoor temperature. The answer to all these requirements was Shell House, a home that takes inspiration from the form of seashells to provide shelter for the small family, and which is fully clad with Dekton Keon.
The Cosentino stone fulfills a double objective: on the one hand, as material for ventilated roofs and, on the other, as long-lasting facade material that endures inclement weather. Its durability and resistance to heat and stains were particularly beneficial qualities in this type of climate, because the facade is constantly exposed to different weather patterns and environmental factors. The local studio sought the effect of sloped terraces, and choosing Dekton allowed to create a continuous surface able to transition seamlessly between roof and facade. The concrete-like appearance adds a timeless and elegant touch, enhancing the design and adapting to the demands of tropical climates.
Photos: Fabian Ong
Una de las principales cualidades del Dekton Keon, además de su estética atemporal, es su resistencia frente a los imperfectos que pueden causar el sol, la humedad o las lluvias tropicales de la ciudad.
One of the main qualities of Dekton Keon, aside from its timeless aesthetic, is its high resistance to the damage that the sun, humidity, and tropical rains in the city can cause on building surfaces.
Dekton Keon
Interior
The Color of Geometry
fala atelier in Amarante
Artistic Domesticity
Casa Vasto by Mesura
Bright Reflections
Light House by akiHAUS
Good Looking
Project Lobster Boutiques
The Color of Geometry
fala atelier in Amarante
A pesar de su corta trayectoria, el joven estudio de Oporto —formado por Filipe Magalhães, Ana Luisa Soares y Ahmed Belkhodja— ha constituido un reconocible lenguaje propio, en el que proliferan las referencias visuales combinadas con juegos formales. Esta sintaxis se bosqueja ya en sus característicos collages, que anteceden y esclarecen sus complejas intenciones espaciales. En el caso de esta obra en Amarante, sus asertivas estrategias se conjugan con el respeto a lo existente: un edificio catalogado y protegido. Toda la intervención se concibe en torno a una nueva chimenea de hormigón, que nace en el hogar de la sala principal y recorre los cuatro niveles, organizando todos los espacios de manera centrífuga. El otro elemento vertebrador es la serpenteante escalera, donde predomina el color rosa para contrastar con las otras superficies. En el resto de estancias de la vivienda se unifican las gamas cromáticas con la construcción de elementos en granito y mármol entre paredes quebradas y puertas de tonos verdosos, que dan lugar a sus características composiciones espaciales. El proyecto se completa con unos atrevidos dibujos, que evocan las líneas de las canchas deportivas y marcan los extremos del recorrido.
Despite the studio’s short career to date, the young practice from Porto – set up by Filipe Magalhães, Ana Luisa Soares, and Ahmed Belkhodja – has created a distinctive language in which multiple visual references are combined with formal experimentation. This syntax is already outlined in their characteristic collages, which precede and clarify their complex spatial intentions. In the case of this project in Amarante, their assertive strategies are conjugated with respect for the existing: a listed and protected building. The whole project revolves around a new concrete chimney which, built in the ground-level main room, pierces through all levels to create a centrifugal organization. The other vertebrating element is the meandering staircase, dressed in a pink tone to create a contrast with the other surfaces in the dwelling. Using the same palette of materials, the rooms incorporate granite and marble elements between broken walls, and with the doors of greenish tones this generates compositions of spatial improvisation. The project is rounded off with eye-catching drawings that evoke the lines of sports courts and mark the beginning and end of the house’s circulation routes.
Los acabados en granito y mármol se combinan con los tonos verdosos de las puertas y suelos para contrastar tanto con el rosa de la escalera como con la textura de hormigón de la nueva chimenea central.
The granite and marble finishes are combined with the greenish hues on doors and floors to mark a contrast with the pink tone of the staircase and the concrete texture of the new central chimney.
Artistic Domesticity
Casa Vasto by Mesura
En el barrio de Poblenou, un antigua zona fabril a las afueras de Barcelona convertida hoy en uno de los principales focos creativos de la ciudad, el piso presentaba un único espacio diáfano, y un característico techo. El proyecto debía transformar este antiguo espacio industrial en una vivienda y una galería de arte, y convertirlo en un espacio de intersección entre lo doméstico y lo artístico. Por ello, todas las operaciones realizadas buscaban acentuar la indeterminación espacial y difuminar los límites de la vivienda. La intervención se basa en dos acciones: la primera es la restauración las cualidades existentes, fomentando su amplitud y luminosidad con el mínimo de divisiones; y la segunda comprende el diseño ad hoc de todas las piezas necesarias para cualificar las distintas estancias, desde la encimera hasta los sanitarios o la gran mesa central, realizada junto con la diseñadora Sara Regal empleando desechos de la obra. De este modo, el interior se concibe como una constelación de objetos únicos, en contraste con las sobrias paredes encaladas y el mobiliario con sus acentuados colores y formas. El resultado es una planta abierta, únicamente dividida por un volumen central de madera, que aglutina los espacios de servicio y separa visualmente la flexible zona de estar de las estancias privadas.
In the Poblenou neighborhood, formerly a manufacturing zone lying outside Barcelona but now one of the city’s main creative hubs, the apartment was a single uninterrupted space with a characteristic ceiling. The project had to transform this old industrial space into a home cum art gallery, halfway between domestic and artistic. All the operations carried out sought to accentuate the spatial ambiguity, blurring the boundaries of the actual dwelling. This project implemented two main actions: the first involved restoring and improving existing attributes, enhancing their breadth and luminosity with a minimum of spatial divisions; and the second entailed an ad hoc design of all the pieces needed to give identity to the various rooms, from the kitchen countertop and sanitary fixtures to the large central table, crafted with scraps of construction work in collaboration with the designer Sara Regal. The interior is conceived of as a constellation of distinctive objects that strike a contrast with the simple whitewashed walls and the furniture with its eye-catching colors and shapes. The result is an open plan, the only divider being a wooden volume planted at the very center that serves to agglutinate the service spaces and visually separate the flexible living room from the private domains.
Photos: Salva López
El proyecto se basa en dos operaciones: reforzar las fortalezas del espacio existente, y el diseño de distintas piezas ad hoc, como la barra de acero inoxidable de la cocina o una gran mesa central hecha con residuos.
The project revolved around two objectives: reinforce the attributes of the existing space, and design ad hoc pieces, such as the stainless steel bar in the kitchen and a large central table made with scraps.
Bright Reflections
Light House by akiHAUS
Ubicado en el último piso de un antiguo edificio del colorido barrio de East Coast Road, al sureste de Singapore, el proyecto de akiHAUS destaca por sus interesantes juegos de reflejos, que consiguen una sensación de amplitud y luminosidad. Una de las primeras decisiones fue renunciar a los techos planos existentes, para así rescatar la estructura original y conseguir unas estancias más espaciosas, dejando a la vista la cubierta primigenia. Otra premisa era introducir la vegetación, por ello se volvió a abrir la terraza y se propuso un invernadero conectado con el salón. Las zonas públicas se resuelven con una planta abierta y fluida, distinguiéndose por su paleta de tonos claros, en la que destaca el Dekton Aura. El material de Cosentino —caracterizado por su versatilidad, durabilidad y fácil mantenimiento— se implementó tanto en las encimeras y la isla como en los suelos; y con su superficie blanca veteada homenajea a los mármoles de Calacatta y Carrara. Frente a las tonalidades pastel del salón y la cocina, para los dormitorios se escogieron colores más oscuros que aportan un ambiente melancólico y acogedor. Los distintos acabados y sus texturas juegan un papel importante en la casa, y el contraste entre las maderas y el Dekton son fundamentales para la jerarquización de los espacios.
Good Looking Project Lobster Boutiques
Desde su nacimiento en 2018, Project Lobster ha revolucionado el mundo de las ópticas y se ha consolidado tanto en su canal de venta online como en sus tiendas físicas, en las que ha contado con la colaboración constante de El Departamento. En el último año, el estudio valenciano ha trabajado en un nuevo concepto que nace como la evolución natural de sus anteriores espacios, en los que el color, las formas orgánicas y las distintas texturas fueron el hilo conductor de cada diseño. En esta nueva generación se ha optado por crear ambientes que potencian las diferentes escalas de la materia. Espacios clínicos y sofisticados que transmiten al usuario técnica y cuidado. Este tratamiento del elemento material, donde se juega con la escala y su definición, con las distancias desde las que la miramos y su esencia, ha servido de inspiración para diseñar la tienda en el barrio barcelonés de El Born; un concepto que madura para culminar en una segunda sede en Madrid. La atención al detalle se refleja en cada rincón del espacio a través del mobiliario diseñado a medida. Los taburetes aparecen como unas milimétricas piezas que recogen en su sencillez la elegancia de su trazado. Por su parte, la mesa de apoyo presente también en las ópticas de El Born y de Madrid, se presenta como protagonista del espacio.
Since its launch in 2018, Project Lobster has revolutionized the world of eyewear stores and established its position both in its online sales channel and in its physical shops, where they have collaborated constantly with El Departamento. In the last year, the Valencian studio has worked on a new concept that springs naturally from the previous spaces, in which color, organic forms, and the different textures have served as the guiding thread for each design. This new family of shops is characterized by the creation of atmospheres that emphasize the different scales of matter. Clinical and sophisticated spaces where the user perceives technique and care. This treatment of the material component, playing with scale and its definition, with the distances from which we observe, has served as inspiration to design the store in the Barcelona neighborhood of El Born; a concept that matures in a second shop in Madrid. The attention to detail is reflected in every corner of the spaces through the custom-made furniture. Stools emerge as millimetric pieces that reflect in their simplicity the elegance of their design. The support table, present also in the eyewear shops of El Born and Madrid, becomes the central element of the space.
Photos: Miguel Fernández-Galiano (Madrid); José Hevia (Barcelona)
El interior aúna distintas atmósferas gracias a la combinación de texturas y materiales: los suelos de microcemento y moqueta crean un ambiente pulcro y acogedor, pero en el mobiliario se aprecia el interés por lo high-tech.
The interior combines different atmospheres thanks to the varied
PJ Lobster
Born, Barcelona
La estructura original se oculta, pero el espacio conserva su altura libre superior a los 4 metros. Al acristalar por completo la fachada, el escaparate de tienda tradicional se transforma en una enorme ‘ventana indiscreta’.
The original structure is concealed, but the space maintains its clearance height of over 4 meters. By glazing the entire facade, the traditional storefront is transformed into a huge window.
PJ Lobster Fernando VI, Madrid
Interview
Bordes & Mazzanti
In Dialogue
Lolo & Campo
In Dialogue
Moussavi & Tagliabue
In Dialogue
Jiménez & Galiano
In Dialogue
Bordes & Mazzanti in dialogue
propias obras del escultor, sirven de telón de fondo para una conversación que gira en torno al interés común por el juego.
Giancarlo Mazzanti: Uno de los temas que más me apasiona sobre la condición material del juego es su capacidad para cambiar cada vez que los coge un niño. Los juguetes están, de manera intrínseca, asociados a temas relacionados con el azar, o el desorden, que son importantes.
Juan Bordes: Justo este es uno de los temas sobre los que me gustaría que habláramos. El caos que genera ‘el jugar’. El momento en que el niño guarda los juguetes es cuando nacen esas nuevas composiciones, que igual no son la forma correcta, ni la contraria, sino que es una nueva configuración que puede desencadenar muchas otras cosas.
GM: Por eso en mi estudio juego muchísimo. Y puede que este interés tenga que ver con mi origen caribeño, o en tu caso con el canario. Porque el juego es fundamental en nuestras culturas. Sin embargo,
creo que, aun teniendo intereses comunes por los juegos, nuestros acercamientos son
Yo lo entiendo como una génesis, como una fuente, como un origen.
GM: A mí me interesa tanto el juego como el juguete. El juego como acción y el juguete como construcción material. Y estos dos aspectos creo que son claves. En el fondo todo esto no es más que un retorno
«A mí me interesa tanto el juego como el juguete. El juego como acción y el juguete como construcción»
a la infancia. Volver a jugar con las piecitas de madera, entender que la arquitectura y los juegos tienen la misma condición. Los juguetes resumen momentos específicos, culturales e históricos, al igual que pasa con la arquitectura. En el fondo, se podría explicar una cultura a través de un juguete, pero también podría explicarse a través de la arquitectura. A mí me parece emocionante que no llegamos al juguete como una
Giancarlo Mazzanti (Barranquilla, 1963) aprovecha una visita a Madrid para debatir con Juan Bordes (Gran Canaria, 1948) sobre el juego y la importancia de ‘lo lúdico’ en sus procesos creativos.
Giancarlo Mazzanti (Barranquilla, 1963) in the course of a visit to Madrid conversed with Juan Bordes (Gran Canaria, 1948) about play and the importance of ‘the ludic’ in their creative processes.
investigación, sino porque hay algo en la condición cultural de donde provenimos, de la relación con el mar, con la música, o con muchas otras cosas que te van llevando al amor por lo lúdico. En mi caso tiene que ver con el trópico colorido, vengo de una ciudad que es color, música… Y aunque Canarias no es exactamente lo mismo, creo que igual también puede tener una cierta importancia.
JB: Fíjate que en mi caso, sin embargo, vengo de una infancia sin juguetes. Y no es que fabricase mis juguetes, pero situé mi arranque en la disciplina escultórica desde muy pequeño, desde los ocho o diez años, y con cierta disciplina, con los métodos de vaciado... Por eso nunca llegué a entrar en la escuela de Bellas Artes, porque era redundante, y quería huir de ese tipo de técnicas. Para mí el guiñol fue fundamental. La vida que surge de una mano, y después la voluntad que surgía del exterior. De ahí vino mi interés por la cirugía. De hecho, en mi adolescencia quería estudiar medicina, incluso tuve la oportunidad de entrar en un hospital de beneficencia, sorprendentemente me dejaron pasar hasta el quirófano.
Photos: Miguel Galiano
The studio of Juan Bordes in the core of Madrid, and later his workshop nearby, are where this encounter with the architect Giancarlo Mazzanti takes place. A collection of treatises and toys, and the sculptor’s own works, serve as backdrop for a conversation that revolves around their shared interest in play.
Giancarlo Mazzanti: One of the things I find most exciting about the material nature of a plaything is that it changes every time a child picks it up. Toys have an intrinsic connection to themes related to chance or disorder, which are important.
Juan Bordes: That is precisely among the topics I would like us to discuss. The chaos that generates the act of playing. The moment at which the child puts away her or his toys is when these new compositions arise, which may not be the ‘correct’ formation, or the right symmetry. But it is a new configuration at any rate, with the potential to trigger many other things.
GM: That’s why I play a lot in my studio.
fundamental in our cultures. But in spite of our shared interest in toys and games, our approaches are very different.
JB: I see it as a genesis, as a source, as an origin.
GM: I am as interested in play as in toys. The act of playing and the material construction of the toy. Two key aspects of the same thing. All of this, at heart, is simply a return to childhood. Playing once
“I am as interested in play as in toys. The act of playing and the material construction of the toy”
again with wooden pieces, in the knowledge that architecture and a child’s set of building blocks are one and the same. Toys embody specific cultural and historical moments, and so does architecture. In essence, a culture could be explained by means of a toy, but it could also be explained through
that we happen to come from, connected to the sea, with music, and with many other things, all of which lead to a love for the ludic. In my case it has to do with the colorful tropics. I come from a city that is all color, music… And even though the Canary Islands are not exactly the same, I believe those things have a certain importance there too.
JB: Take my case, for example. Mine was a childhood without toys. It’s not that I crafted my own toys, but I did take to sculpture at a very young age, 8 or 12, and already with certain discipline and methods of casting and molding… If I never actually enrolled in fine arts school, it was because it would have been redundant, and I wanted to avoid those academic techniques. For me, puppets were foundational. Life emerges from a hand, and later from the outside. That’s where my interest in surgery later came from. In fact, as a teen, I wanted to study medicine, and I had the opportunity to visit a charity hospital. Surprisingly, they
act of feeling the material, touching it, and starting to connect parts, build a whole new universe. It’s fascinating how play pulls you out of a place and context, and transports you elsewhere. I think I came to this point by coincidence, because I started to win competitions to build schools. I was interested in why schools were, and are, still being built as products of a system that gives plenty of importance to efficiency and functionality. And that’s when I began to understand teaching methods and the role of play and architecture in education. I wanted to transform the school, to understand it more as the problem of an artifact than as a tool for learning.
JB: We are both enamored of play, although from different angles. But there is a junction point: play’s capacity to generate and conquer unexpected spaces. For me, as the source of a new aesthetic, I understand play from the prism of its ability to break classical schemes of composition.
GM: Exactly, like small unfinished architectures that can grow, or transform over time. Another beautiful thing about them, in my view, is the death of their makers. In truth, toys are designed by whoever plays with them. The user thus takes on a fundamental role, not only in the toy as a material object, but also in the play activity as a question of how space is used. I believe that my obsession with play is very architectural in nature.
JB: I have stretched it a bit more to cover aesthetics and the concept of the plane. My proposal is biased. It comes from a Baudelairean idea that called for more attention on everyday life. And indeed, everyday life was wonderful because children were taught geometry with a book by Oliver Byrne that explained Euclid’s theorems through the primary colors. This was in 1838. You look at it and see neoplasticism.
GM: Clearly we’re both keen on play because of what it yields, not only because of the beauty of the plaything. With a game or toy set, for example, I have a lot of fun doing or making something different from what the manufacturer proposes. I like not following the instruction manual.
JB: Yes, the toy transforms the child, and at the same time, the child transforms the toy.
GM: Exactly! That’s my second obsession. The toy not as plaything, but as play in and of itself. In architecture, this activates other ways of using spaces. When I mentioned space being basically a hyperfunctional sys-
another for cooking, and yet another for keeping butterflies – I am adding elements more aligned with the ludic and playful than with efficiency and function. So it’s a way of criticizing how we continue to design floor plans which are merely functional diagrams.
“I understand play from the prism of its ability to break classical schemes of composition“
JB: I totally agree. Especially the practice of composing on plan, which serves no purpose because in the end, that’s what one sees the least, and experiences the least. I am very interested in the history of treatises, and there’s one written by Ferdinando Galli da Bibbiena, from the 18th century, whose title is absolutely programmatic: Architecture produced with geometry and reduced to perspective. Indeed, when the architect
We were taught to work from the springboard of the floor plan, to think of the functional diagram; that is, to figure out the most efficient way of connecting the dots. Well, my recommendation is quite different: use games and toys, and put in elements that are not just efficient. Only then can architecture result in other, unforeseen relationships. It’s evident that our obsessions intersect, but mine, unfortunately or fortunately, are too tied to the field of architecture.
JB: Well, the connection between toys and architecture is fascinating too. It’s curious that the history of the construction toy set begins in the mid-19th century. With just four little boxes of architecture, Friedrich Fröbel demonstrated the versatility of modules. He managed to make the manufacturers realize it, and that was when they started to produce these sets in large quantities. I am also interested in the story of the drawing teacher Johann Heinrich Pestalozzi, a colleague of Fröbel, who assigned fascinating exercises to his pupils.
GM: Es cierto que hay una relación muy bonita entre la mano y el juguete, una relación activa. Un acto de sentir el material, tocarlo y comenzar a conectar, a construir un universo nuevo. Lo que a mí me apasiona del juego es que te saca del lugar y del contexto. Creo que llegué a él por casualidad, porque comencé a ganar concursos para construir colegios. Mi interés radicaba en por qué los colegios se seguían haciendo, y se siguen haciendo, como productos de un sistema de eficacia y funcionalidad. Entonces empecé a entender los métodos de enseñanza, la importancia que tiene en ellos el juguete y la arquitectura. Así quise transformar el colegio, entenderlo más como el problema de un artefacto, que como un dispositivo de aprendizaje.
JB: Los dos estamos enamorados del juego, pero desde distintas perspectivas. Sin embargo, sí que hay un punto de unión: la capacidad de generar y de conquistar espacios inesperados que tiene el juego. Para mí, como fuente de una nueva disponibilidad plástica, entiendo el juego desde esa capacidad que tiene para romper los esquemas clásicos de composición.
juego entendido con cómo usar el espacio. Creo que mi obsesión por el juego es muy arquitectónica.
JB: Yo lo he extendido un poco más a la plástica y al concepto del plano. Mi propuesta es muy tendenciosa: partía de una idea de Baudelaire que invitaba a prestar más atención a la vida cotidiana. Y efectivamente, la vida cotidiana era alucinante porque a los niños se les enseñaba geometría con un libro de Oliver Byrne que explicaba los teoremas de Euclides con los colores primarios. Y eso es en 1838. Lo ves y estás viendo el neoplasticismo.
«Entiendo el juego desde esa capacidad que tiene para romper los esquemas clásicos de composición»
GM: Está claro que a los dos nos interesa el juego en términos de lo que produce, y no solo por la belleza del objeto. Por ejemplo, disfruto mucho de no hacer lo que propone el autor, de no seguir los manuales de instrucciones.
perfuncional, pensado únicamente para ser eficaz, me refería precisamente a una forma de hacer las cosas. Si en un proyecto introduzco tres condicionantes, como por ejemplo, un espacio para bailar, uno para cocinar y otro tener mariposas, estoy añadiendo elementos más cercanos a la lúdica y al juego, que a la eficacia y la función. Entonces es un modo de criticar el por qué seguimos diseñando plantas que son meramente diagramas funcionales.
JB: Estoy absolutamente de acuerdo. Sobre todo esa práctica de la composición en planta, que no sirve para nada. Porque al final es lo que menos se ve, es lo que menos se vive. A mí me interesa mucho la historia de la tratadística, y hay un tratado de Ferdinando Galli da Bibbiena, de finales del siglo XVIII , cuyo título es totalmente programático: La arquitectura producida con la geometría y reducida a la perspectiva. O sea, que realmente el arquitecto cuando trabaja con la geometría plana no produce nada en lo que después vaya a vivir.
GM: Nos han enseñando a trabajar desde la planta, pensando en el diagrama funcional, es decir, cómo uno este punto con este
He would say something like “One rainy night…” and the class would have to draw geometrical figures, ending up creating absolutely abstract forms from figurative phrases.
GM: These toys were instrumental in forging our modernity and its artistic form.
JB: True, and it was also a time when in architecture, no one was really sure what style to build in, and precisely then, a great many toys appeared in Gothic style, Romanesque…
GM: Then the moderns adopted the aesthetic of the toys, but without stopping to reflect on play. And after them came a pe-
riod, the 1960s and 1970s, that coincided with the development of postmodernism, where utopian thoughts were entertained and toys became architectural models. Fig-
“I can turn a piece of paper into a toy. In fact, nowadays we carry a huge number of toys right inside our pockets“
ures like Denise Scott Brown came into the picture who caught on to the diversities of play, not only of the toy. I can turn a piece of paper into a toy. In fact, nowadays we
carry a huge number of toys right inside our pockets.
JB: I think that’s why the Tangram is so important, because it’s a pocket game. People don’t realize it but this puzzle came into our Western civilization in the year 1818, when a first set arrived in Philadelphia. In a matter of just two years it spread throughout Europe. There was much talk of a Tangram craze. Picasso, no less, said that he invented Cubism inspired by black art… But no. He appreciated black art because he must have played in cafés with a Tangram set, which prepared him to appreciate black art.
«Puedo convertir un papelito en un juguete, de hecho, hoy tenemos una cantidad enorme de juguetes en los bolsillos»
Lolo & Campo in dialogue
sante ver cómo todas las artes están muy vinculadas con la filosofía, por ejemplo, hace poco acudí a la Semana Cervantina organizada, por primera vez, por la Real Academia Española.
ACB: ¡Ah! ¿También perteneces a la RAE?
BLH: No, no… soy académica correspondiente de la Real Academia de la Historia. En realidad me formé en musicología, cursé
conexión que estableció con las teorías de Foucault. En esa jornada yo también impartí una pequeña conferencia sobre la música en la obra cervantina y, al final, organicé un pequeño concierto. En ese momento, me di cuenta de que la acústica de la sala era muy mala. Así como en la Real Academia de Bellas Artes tenemos un salón de actos con una acústica maravillo-
sa, aquella era muy seca. Esta experiencia me hizo reflexionar sobre la trascendencia que tiene la figura del arquitecto, ya que como la acústica no funcione, la música tampoco puede hacerlo.
Nuestro compañero Juan Navarro Baldeweg tiene unos textos muy bonitos donde compara la música con la arquitectura, y dice algo así como que la música es aire y la arquitectura es luz. La luz atraviesa el espacio como el aire un instrumento musical, y cuando esto pasa es una cosa maravillosa. El escritor francés Paul Valéry explicaba este fenómeno diciendo que hay edificios mudos, edificios que hablan y edificios que cantan. A mí me pasó algo similar con la Casa Gaspar, una obra que hice hace muchos años por cuatro perras, que tenía un patio delante y otro detrás, y recuperaba la tipología de las casas andaluzas populares. Quedó maravillosa y yo me quedé feliz. Pero al poco el hermano del cliente me pidió una casa el doble de grande y el doble de alta, y todo aquello que había funcionado perfectamente en la primera, en esta se destensaba. Los temas de la escala, la métrica y la precisión son
The seat of Spain’s Royal Academy of Fine Arts, the historic Goyeneche Palace on Calle Alcalá, in the heart of Madrid, is where two of its members engage in a conversation about the relationship between architecture and music and the importance of philosophy in both.
Alberto Campo Baeza: The other day I was at the university and talking about
doctorate in this discipline with the first dissertation on music ever to be read at the Universidad Autónoma de Madrid. But going to philosophical references, the Hispanist and Cervantes expert Jean Canavaggio lectured on the relationship between Don Quixote and myth. Above all I was interested in the philosophical part and the connection he made with Foucault’s theo-
ACB: Our co-academician Juan Navarro Baldeweg wrote some very beautiful texts where music is compared to architecture, and he says something to the effect that music is air and architecture is light. Light moves through space like air through a musical instrument, and when this happens, it’s a marvelous thing. The French writer Paul Valéry explained this phenom-
the manager to see if acoustic studies had been undertaken, just to be able to adjust the programming accordingly. A work of José María García de Paredes, the auditorium is excellent, so I was awed that practically no acoustic studies had been made when it was designed and built. This is a concert hall seating 2,340 for which no acoustic tests were carried out to check how it worked. In this case it doesn’t matter what tickets you buy, whether for the first row down in the orchestra or the back-most one up in the second balcony. In truth, it’s not the same thing. Depending on where you are seated, the sound is different.
ACB: But acoustics can be corrected with experts. You tell them to please tune the building. Get the building to sing, as we were saying at the start.
BLH: So there are houses that sound when you’ve built them, and others that don’t?
ACB: They all sound! It’s just that some sing better. There are some that you’ve studied and tuned. They are composed, rehearsed, and especially corrected. The analogy with music is lovely. In this I think
Paul Valéry was very much on-target.
BLH: In my view there’s so much beauty in the idea that architecture, like music, creates life with every new building. A life that’s beginning, and when there’s a change of user, another life begins. The same happens each time you listen to music. Although you have heard a certain work hundreds of times because it’s part of a collective canon, you hear it differently
“There’s so much beauty in the idea that architecture, like music, creates life with every new building“
every single time you listen to it. So many differences…
ACB: Going back to formative and academic themes, what do you think of the university nowadays?
BLH: I am a chair professor of music history at the Universidad Autónoma de Madrid, where I practically single-handedly created all the related study programs. We even have a double-major program,
unprecedented in Spain, for music and philosophy. And just when they’ve removed music from schools…
ACB: It’s so hard to understand this because, politics aside, I still clearly remember being in high school and starting to study philosophy, that amazing thing where thinking begins. I’m reminded of a house I recently completed in Montecarmelo. It’s on a hill and I knew that from the house up there, you could have a sweeping view of Madrid. But the day they finished the second floor and I went upstairs for the first time, I started to tear. How was it possible that what I’d thought to be true was in fact true?
BLH: Do you know that Maurice Ravel himself, when rehearsing his Boléro, found himself not able to recognize it? Some musicians have perfect pitch, but others don’t. In any case, with music you can imagine things a certain way, but when you hear it played by a solid symphonic orchestra, it’s very different. In fact there are many composers who listen to their works and sometimes find themselves unable to perceive them as theirs. It could be that they
dios que hay ahora relacionados con la especialidad. E incluso tenemos un doble grado, que es único en España, de Música
A mí me cuesta entenderlo porque, independientemente ya de temas políticos, yo todavía recuerdo bien cuando en quinto de bachillerato empecé a estudiar filosofía, aquella cosa maravillosa donde comenzaba el pensamiento. Me recuerda a una casa que terminé recientemente en Montecarmelo, está encima de una colina, y yo sabía que cuando subieras un poco, desde la casa se iba a poder ver todo Madrid. Pues el día que terminaron la segunda planta y subí por primera vez, me puse a llorar. ¿Cómo es posible que eso que yo pensaba que era
Tú sabes que Maurice Ravel, cuando estaba ensayando su bolero, él mismo no era capaz de reconocerlo. Hay músicos que tienen oído absoluto, pero otros que no. En cualquier caso, con la música tú te puedes imaginar las cosas de una manera, pero ver cómo suena en una orquesta sinfónica bien ensamblada es muy distinto. De hecho, hay
don’t identify a hundred percent with their own works. It’s also true that in this case there’s an orchestra and a conductor who make their own interpretations.
ACB: Likewise in architecture, many projects end up beyond you. It happened to me with the Caja de Granada.
BLH: I have good memories of Juhani Pallasmaa’s book The Eyes of the Skin. When I first read it, I was much taken by it because it dealt with the relationship between architecture and the senses. I found it to be an absolutely revealing text. It spoke to themes like the senses, feelings, and even emotions. Things which a priori are not part of the architectural experience. In architecture one referred to emotion, but not the emotion of the actual completed building. Rather, precisely the emotion that comes with the capacity to dream which you mentioned before. The building that sings well, that has poetry, and that bears a new life. That’s why you architects are creators, which is something that definitely cannot be said of everyone.
ACB: Indeed there is no doubt that music and architecture have a lot in common.
BLH: No doubt. For example, we have now started to plan a project, precisely to try to understand how sound worked in historical buildings, how music could ring in them. We were going to do this in the Royal Palace, to know how the music of that period sounded in its own terms, in its own time, with the original instruments. That is, to try to grasp how period music sounded in its corresponding physical but also historical context.
ACB: What you’re saying reminds me that it’s also highly alarming that music is not taught more in schools. Just like it’s unbelievable that philosophy has been pulled out of the curriculum of basic education, it’s hard to understand why music is taught so poorly.
BLH: History is now taught starting in the year1812. That’s terrible – the disappearance of philosophy and the reduction of music. These are key subjects, indispensable in any program to educate citizens for the future.
ACB: I’ve always thought that to be a good architect, one has to be cultured. Without question, a cultivated person makes a better architect. To be sure, I own more poetry books than architecture books. I enjoy them more. But we’ve talked enough about philosophy and music. Let’s leave poetry for the next time…
muchos compositores que escuchan su obra y a veces no la perciben. Puede ser que no se sientan identificados al cien por cien con ella. Aunque también es cierto que en este caso hay una orquesta y un director que han hecho su propia interpretación.
ACB: De la misma manera, hay muchos proyectos que al final te acaban superando. A mí me pasó con la Caja de Granada.
BLH: Tengo un buen recuerdo del libro Los ojos de la piel , de Juhani Pallasmaa, cuando lo leí por primera vez me llamó mucho la atención porque trataba la relación entre la arquitectura y los sentidos. Me pareció un texto absolutamente revelador. Hablaba de temas como los sentidos, los sentimientos o incluso las emociones. Cosas que a priori no entran en la vivencia de la arquitectura. Se refería a la emoción, pero no la del edificio en sí terminado, sino justo de esa capacidad de sonar que mencionabas antes. Ese edificio que canta bien, que tiene poesía, y que tiene una nueva vida. Por esto, los arquitectos también sois hacedores y, desde luego, eso no está al alcance de cualquiera.
ACB: Efectivamente, no hay duda de que hay muchos puntos en común entre la música y la arquitectura.
BLH: Sin duda. Por ejemplo, ahora se ha empezado a plantear un proyecto, precisamente para intentar entender cómo era la sonoridad en los edificios históricos, cómo podía sonar la música en ellos. Se iba a desarrollar en el Palacio Real, para conocer cómo sonaba la música de esa época en los propios términos de su tiempo y con instrumentos originales. Es decir, tratar de comprender cómo sonaba la música en su contexto físico, pero también histórico.
ACB: Con esto que cuentas, me hace reflexionar que también es muy preocupante que no se estudie más música en el colegio. Igual que uno no se explica por qué han quitado la filosofía de los estudios básicos, no se entiende que no haya más música.
BLH: Fíjate que ahora se empieza a estudiar la historia desde 1812, ¡es tremendo! Tanto la desaparición de la filosofía, como la reducción de la música, que son asignaturas claves e imprescindibles para formar a los ciudadanos del futuro.
ACB: Siempre he pensado que para ser buen arquitecto hace falta ser culto. Desde luego, se es mejor arquitecto si se es culto. Por ejemplo, yo tengo más libros de poesía que de arquitectura, y los disfruto más. Pero bueno ya hemos hablado de filosofía y música; dejamos para la siguiente la poesía…
Moussavi & Tagliabue in dialogue
aprovechan su paso por Madrid para dialogar sobre proyectos e influencias. El privilegiado enclave —las inmediaciones de la Ermita de San Antonio de la Florida— da pie a una conversación en torno a los espacios de culto y la importancia del simbolismo.
Farshid Moussavi: Aprovechando que nos encontramos hoy aquí junto a la Ermita, me gustaría empezar esta conversación con la iglesia que acabáis de terminar en Ferrara. Aunque realmente, ¿es una iglesia o una parroquia?
Benedetta Tagliabue: Bueno, es algo más que una iglesia, porque incluye también la casa del párroco, algunas aulas para estudiantes… Podríamos definirlo como un complejo religioso. Es un proyecto con el que hemos disfrutado mucho, sobre todo porque ha sido un ejercicio de estudio y comprensión sobre qué emociones nos mueven en los espacios. Y, en realidad, ha sido un trabajo de prueba y error, siempre con la incertidumbre de si conseguiríamos transmitir esos sentimientos. Así que, en resumen, el trabajo ha sido fundamentalmente una investigación.
destinados a una comunidad, que comparte una fe concreta, o que simplemente se van a dedicar a meditar o rezar, es la relación que se establece entre ese estado mental y el espacio. Normalmente se nos encargan edificios para los aspectos más prácticos de la vida, donde todo está perfectamente dimensionado, todo está estudiado y sistematizado.
«En una capilla el diálogo entre la arquitectura y las personas es solo a través de la experiencia»
Sin embargo, en proyectos como una capilla todas estas reglas desaparecen y el diálogo entre la arquitectura y las personas es solo a través de la experiencia, y no tanto a través de una actividad.
BT: Para enfrentarme al proyecto de San Giacomo fue importante la experiencia de vivir en Venecia, que es una ciudad llena de iglesias. Pero no solo son templos, se convierten en hitos, se pueden ir a visitar o simplemente refugiarse un día caluroso, y
La conversación tiene lugar a los pies de la Ermita de San Antonio de la Florida, encargada al arquitecto Felipe Fontana por Carlos IV y decorada en su interior por los frescos de Francisco de Goya.
The conversation took place in front of the Royal Chapel of St Anthony of La Florida, commissioned to Felipe Fontana by Charles inside with frescoes by Francisco de Goya.
sobre todo descubrir muchas obras de arte. Además, tienen una condición urbana muy importante, crean parroquias o barrios en torno a ellas, que de hecho adquieren su mismo nombre. Así que, en realidad, yo empecé a disfrutar de las iglesias no tanto como un lugar de culto, sino como un lugar de belleza, de estancia y de identidad para una parte de la ciudad. Pero sé que tú también estás haciendo un edificio religioso, y además para una cultura muy diferente.
FM: Sí, estamos trabajando en el Centro Ismaili de Houston, con una sala para la oración de hasta a 1.200 personas. Aunque no es una mezquita, y por tanto no tiene los requisitos arquitectónicos asociados con la liturgia, sí necesitábamos infundir un sentido de espiritualidad y unión a la zona de rezo. Aga Khan inventó este tipo de edificio como una forma de dar a la comunidad ismaelita un lugar practicar su fe, para la introspección personal, y para reunirse con los miembros de las comunidades en las que viven. Pero también acogen actividades como conferencias y exposiciones. Así que, al igual que tu iglesia, tiene otros espacios complementarios.
BT: ¿Cuál fue la estrategia para diseñar este espacio tan singular?
FM: Pues a diferencia de tu experiencia directa con Venecia, yo me fui de Irán cuando tenía solo 14 años. En ese momento, no tenía interés por estudiar arquitectura, por lo que mi memoria sobre posibles referencias se ha desvanecido con el tiempo. Así que tuve que mirar más atrás, y empecé intentando sintetizar las características de la arquitectura de la civilización musulmanas. No solo en Irán, sino de muchos lugares diferentes. Pero, por supuesto, sobre todo me fijé en la persa, la más afín a mis raíces, donde los edificios, por lo general, son muy
sencillos en su exterior y muy complejos en el interior. Esta simplicidad externa hace que los edificios parezcan grandiosos desde lejos, pero cuando te acercas, se hace visible una ornamentación más sutil y de menor escala, sobre todo relacionada con la complejidad de los mosaicos de azulejos o ladrillos. Por el contrario, el interior es exuberante y está ricamente decorado con las estructuras vistas y patrones geométricos de azulejos.
BT: Además, en contraste con los templos cristianos, la tradición del Islam evita todo tipo de simbolismo, por lo que las referencias con las que se trabajan supongo que serán muy diferentes, ¿no?
FM: La idea de que una imagen representa la religión, no existe en el Islam. Así que tuvimos que conseguir esa sensación de silencio y reflexión solo a través del espacio, la geometría, la estructura y la luz. Encontré que el Centro Ismaelita de Houston era una oportunidad fantástica para pensar en la experiencia de las personas, independientemente la función y los símbolos.
BT: Bueno podríamos decir que tiene la función de congregar a las personas. Por eso, es importante que el espacio no parezca muy anodino o diferente, y la comunidad pueda sentir que le pertenece. Esta línea es muy fina, y es difícil encontrar el límite.
I had no interest in studying architecture at that point and my memory faded over time in terms of the architectural references I had visited as a child. This meant looking further back and thinking about the characteristics of architecture of Muslim civilization. Not just in Iran but in many different places. But of course, above all, I looked at Persian architecture because of my own background. There, one finds buildings that are very simple on the outside and more complex inside. This external simplicity makes buildings appear grand from afar, but as you get closer, a smallerscale, more subtle ornamentation becomes visible, mostly to do with the intricacy of brick or mosaic tiling. In contrast, the inside is exuberant and richly decorated with exposed structure and geometric tiling patterns.
BT: Also, in contrast with Christian temples, Islamic tradition avoids all manner of symbolism, so I suppose that the references you work with are very different, right?
FM: Exactly. Religious symbolism, the very idea that an image represents the religion, does not exist in Islam. So we had to generate the sense of silence and reflection using space, geometry, structure, and light. I found the Ismaili Center Houston to be a fantastic opportunity to think about the experience of people, independent of function and symbols.
BT: Well, we could say that this is about congregating people. So there is a function. That’s why it’s important that the space is not too anodyne or too odd. The community has to be able to feel that the building is something that belongs to them. It’s not easy, there’s a very fine line. In the case of our church, for example, most of those who go there are very humble people, so the spaces and the art cannot be too exclusionary. This became one of the more interesting challenges of the project.
FM: We were fortunate to have the Aga Khan much involved in the design process. You know, for every Ismaili Center he has intentionally gone to a different architect, to pursue new paths, not repeat. As a result, each Ismaili Center has a different expression.
BT: Was it difficult to have him as adviser and client at the same time?
FM: Symbolism is a highly complex subject. How did you tackle it?
BT: We had a person with us who was an expert in theology. He was a liturgist, so he knew about the significance of the rituals, and he explained to us what everything meant. For example, to get across to us what exactly it was that we had to achieve, there was this very simple example: if a child follows a stray football through the church door and doesn’t stop, that is, doesn’t immediately realize that he has entered a sacred space, it means that we have failed. I think we achieved this in the end, a special feel, because people stop as they cross the threshold. It’s like the church itself makes you change your attitude. You realize you’re in a special place.
“Those primitive elements are always the strongest, most expressive, and most timeless”
FM: Honestly, he was the perfect client because he was always pushing us to go deeper and rework things. He asked a lot of questions but they were never impositions. And it’s just the kind of person he is. The biggest challenge was how to give the center a unique architectural character based on principles of traditional Islamic building, but also incorporating elements from Houston and contemporary building technology. Traditional Islamic buildings were, above all, working with abstraction, so they were about
achieving singular qualities of space using geometry, structure, and craft, rather than images. Over time, however, the Muslim world has accumulated a vast history of significant buildings and structures, and to continue that history, it has repeated features of it. But if you look at the mosaic work in old mosques or palaces, they are never the same as any other building. They are unique creations, and that is how they were supposed to be: unique works of art. I think it is a contradiction that how Islamic architecture is viewed today relates to patterns of the past being repeated and thought of as symbols. What we had to navigate was how to bring the Ismaili community something that was in and of its own, unique, and yet it drew inspiration from the architecture of the Muslim world.
BT:How interesting! As for us, we too tried to go to the essential, reduce it to the elements of the primitive church. Those elements are always the strongest, most expressive, and most timeless. For example, we have a big cross flying in the space, made of beams we found in an old palace nearby. They were dismantled and remounted like a beam. And I think this idea of reusing something that
Por ejemplo, en nuestro caso la gente que acude a esta iglesia es muy humilde, por lo que los espacios y el arte no pueden ser muy excluyentes. Y esto se convirtió en uno de los desafíos más interesantes.
FM: El simbolismo es un tema muy complejo, ¿cómo lo abordasteis vosotros?
BT: Trabajamos con un experto en teología, que nos explicaba el significado de cada uno de los rituales. Por ejemplo, para entender lo que teníamos que conseguir usábamos un ejemplo muy fácil: si un niño entraba en la iglesia persiguiendo una pelota, y no se daba cuenta de forma inmediata de que era un lugar sagrado, significaba que habíamos fracasado. Pero al final creo que logramos esa sensación de espacio único, porque la gente se para antes de entrar. Da la sensación de que la propia iglesia te obliga a cambiar tu actitud y a darte cuenta de que estás en un sitio especial.
FM: Nosotros tenemos la suerte de que el Aga Khan esté muy implicado en todo el proceso de diseño. De hecho, su voluntad de cambiar de arquitectos para cada uno de los centros tiene que ver con una idea de no
repetir estrategias, e involucrarse en la búsqueda de nuevos caminos. Como resultado, cada Centro Ismaelita es muy diferente.
BT: ¿Es complicado que sea consejero y cliente al mismo tiempo?
FM: Honestamente, es el cliente perfecto porque nos empuja a profundizar y reelaborar las cosas. Hace muchas preguntas, pero nunca imposiciones. El mayor desafío ha sido, sin duda, cómo darle al centro un carácter arquitectónico único que se base en
«Esos elementos primitivos son los más potentes, expresivos y atemporales»
los principios de la construcción islámica tradicional, pero que también incorpore elementos de Houston y la tecnología contemporánea. Los edificios islámicos tradicionales trabajaban, sobre todo, con la abstracción, por lo que se trataba de lograr cualidades singulares del espacio utilizando la geometría, la estructura y la artesanía, en lugar de imágenes. Sin embargo, a lo largo del
tiempo el mundo musulmán ha acumulado una vasta historia de edificios significativos, y para continuar esa historia ha repetido características parecidas. Pero si nos fijamos en los mosaicos de las antiguas mezquitas o palacios, nunca son iguales. Son creaciones únicas, y así es como se supone que deben ser: obras de arte únicas. Creo que es una contradicción que la forma en que se ve la arquitectura islámica hoy en día se relacione con patrones del pasado que se repiten y se piensan como símbolos. Por eso teníamos que llevar a la comunidad algo que fuera propio, único, y que, sin embargo, se inspirara en la arquitectura del mundo musulmán.
BT: ¡Qué interesante! En nuestro caso también buscamos lo esencial, reducirlo a lo más primitivo. Pensamos que esos elementos son los más potentes, expresivos y atemporales. Por ejemplo, tenemos una gran cruz que vuela en el espacio, y que es una pieza recuperada de un antiguo palacio cercano. Fue desmantelada y reconstruida como si fuese una viga. Además, la idea de reutilizar algo que pertenecía a la ciudad nos parecía que consolidaba mucho el proyecto.
Jiménez & Galiano in dialogue
Aunque nació en San José (Costa Rica), y desde muy joven ha vivido en Houston (Texas), donde ha desarrollado su carrera profesional y docente, Carlos Jiménez siempre ha sentido un vínculo especial con España. En uno de sus frecuentes viajes a Madrid dialoga con Luis Fernández-Galiano, director de la revista Arquitectura Viva, y repasa algunos de los referentes culturales que han marcado su trayectoria, desde su devoción por Federico García Lorca hasta la admiración que siente por Joan Manuel Serrat o Pedro Almodóvar.
Luis Fernández-Galiano: Antes de comenzar esta conversación, me comentabas que, tras tu nuevo cambio de dedicación en la universidad, ibas a poder viajar más, y nos reíamos porque siempre bromeamos con que en la película Up in the Air el protagonista había llegado al millón de millas, ¡pero tú debes de estar próximo a llegar a los tres millones! Así que no hay duda que, desde tu casa en Houston, eres un viajero impenitente. Y entre todos estos viajes, quizás uno de los países a los que has viajado con más frecuencia y que más amas es justamente España. ¿De dónde viene este vínculo con nuestro país?
Carlos Jiménez: Desde que era pequeño. Me eduqué en un colegio de la congregación de Salesianos y recuerdo que lo primero que me fascinó fue la lengua, sobre todo cómo sonaba, su suavidad… En América Latina existe un español muy mestizo, los venezolanos hablan de una forma y los mexicanos o los colombianos de otra. En Costa Rica, por ejemplo, pronunciamos la ‘R’ muy fuerte. Pero en España el sonido de las palabras era muy sensual para mis oídos.
«De España lo primero que me fascinó fue la lengua, sobre todo cómo sonaba, su suavidad»
LFG: Y además eres un gran lector de poesía española. ¿Cierto?
CJ: Sí, desde niño. Yo era de los menores de la familia, y cuando mi padre murió, el resto de mis hermanos ya eran mayores, así que crecí rodeado de cinco hermanas. Y Nuria, una de ellas, me transmitió esa pasión ya que le encantaba recitar a Gustavo Adolfo Bécquer, Federico García Lorca o Rubén Darío, que influyeron en tantas generaciones. Pero a
Carlos Jiménez ejerce la arquitectura como un oficio lírico y reflexivo, en el que plasma tanto el mestizaje de sus raíces culturales como su pasión por la música y la poesía o las vivencias de sus incesantes viajes.
Carlos Jiménez practices architecture as a lyrical and meditative trade that reflects his mixed cultural roots and passion for music and poetry, as well as the experiences of his incessant travels.
mí, desde el primer momento, el que más me fascinó fue Lorca. Me impactó cómo alguien podía comunicar tanta sensibilidad desde el otro lado del océano y llegar a un país tan pequeño como el mío. Para mí Lorca no era un escritor, sino un universo entero.
LFG: Sin embargo, una gran figura de la literatura latinoamericana como Borges tenía muy mala opinión de él y decía que era solo un «andaluz profesional».
CJ: Adoro a Borges, pero a veces decía cosas desconcertantes como la que has citado. Recuerdo otra entrevista donde Borges declaraba que cómo iba a tomar en serio a Lorca cuando este le había comentado que en Mickey Mouse «se podía leer toda la tragedia de Estados Unidos». Sin embargo, a mí me parece una afirmación genial y profética, porque Disney se ha convertido en un símbolo del país, y exporta a todo el mundo su cultura.
LFG: Quizás había un elemento ideológico, porque tanto Lorca como Machado eran banderas de la izquierda y al conservador Borges eso le hacía sentir un cierto distanciamiento. De hecho, cuando una vez le preguntaron por Antonio Machado, dijo: «Ah, no sabía que Manuel tenía un hermano».
Although he was born in San José (Costa Rica) and has lived, since he was very young, in Houston (Texas), where he has developed his professional and academic career, Carlos Jiménez has always felt a special bond with Spain. On one of his frequent trips to Madrid he talks with Luis Fernández-Galiano, director of the magazine Arquitectura Viva, and goes over some of the cultural references that have marked his career, from his devotion to Federico García Lorca to his admiration for Joan Manuel Serrat and Pedro Almodóvar. Luis Fernández-Galiano: A moment ago, before we started this conversation, you were telling me that, with your new change of dedication at university, you were going to be able to travel more. We laughed because we always joke about how the main character in the film Up in the Air had flown a million miles, but you must be about to reach three million! So there’s no doubt that, from your home base in Houston, you are a tireless traveler. And with all this travel, perhaps one of the countries you
Carlos Jiménez: Since I was a child. I was educated at a Salesian congregation school, and I remember that the first thing that fascinated me was the language, especially how it sounded, its softness… In Latin America there is a very mixed Spanish. Venezuelans speak one way and Mexicans and Colombians another. In Costa Rica, for example, we pronounce the ‘R’ very strongly. But in Spain the sound of words was very sensual to my ears.
“The first thing that fascinated me about Spain was its language, how it sounded”
LFG: And you are also an avid reader of Spanish poetry. Is that right?
CJ:Yes, again since I was a kid. I was one of the youngest members in the family, and when my father died my brothers and sisters were already grown up, so I was raised surrounded by five sisters. And one of them, Nuria, transmitted that passion to me because she loved
moment, the one that fascinated me the most was Lorca. I was impressed by how someone could communicate so much sensitivity from the other side of the ocean and reach such a small country as mine. Lorca for me was not a writer, but an entire universe.
LFG: However, a great figure of Latin American literature like Jorge Luis Borges had a poor opinion of him and even said that he was just a “professional Andalusian.”
CJ: I adore Borges, but sometimes he said disconcerting things like the one you quote. I remember another interview in which Borges said how could he take Lorca seriously when he had told him that in Mickey Mouse “one could see all the tragedy of American life.” But I think it is a genius and prophetic affirmation, because Disney has become the country’s symbol, and exports its culture to the whole world.
LFG: Perhaps there was an ideological element, because both Lorca and Machado were left-wing flags and that made the conservative Borges feel some distance. In fact, when they once asked him about Antonio Machado, he
CJ: I get the feeling that this is a circular conversation where everything fits in. I discovered Serrat when I was 12 years old and a friend told me I had to listen to his latest record, which was dedicated to Antonio Machado. And the song that impressed me the most, and which I still recite often, is Del pasado efímero (Españolito). I find it fascinating how he describes this “man from the provincial casino,” while at the same time describing Spain, a country that was going to disappear because of fascism. What vision poets have! They are not intellectuals in the sense of calculating the amount of information or of knowledge, but in how they dive in to reach something deeper.
“My roots have less to do with a place and more to do with the union of cultures”
LFG: Like Bob Dylan, also your passion.
CJ: Without a doubt! My bond with Dylan is just as strong. The reason for this passion is similar, he isn’t comfortable in this world either. As he says in one of his songs: “Well, I am a stranger here in a strange land. But I know this is where I belong.”
LFG: Is it similar to how you feel in the United States?
CJ: Yes, I live between two cultures after all, so we could say I am a hybrid. This gives me great freedom, and more agility. My roots have less to do with the place and more to do with the union of different cultures. In the end this is what allows me to trace links with the great writers, filmmakers or architects… And these ties make me feel part of a great family.
LFG: But I must warn you that, in the case of García Lorca, for my generation he was an acquired taste. We didn’t accept him fully, and the truth is that we saw him as too picturesque, too folkloric. The tragedy of his death brought him fame, but not even the most avant-gardist were entirely convinced. Over the course of time, however, we have become convinced of his greatness. While we have always admired Machado, because he was a low-profile poet – as shows the final note found in his coat pocket after his death: “These blue days and this sun of childhood”–, he was a poet with a strong philosophical dimension. He doesn’t just reflect Spain, but he reflects on it. When I hear you talk about your love for Dylan, and being such an admirer of Lorca, I feel you should have appreciated Leonard Cohen more. Cohen by the way is the only one who has dedicated a poem to Lorca.
of the Beat generation. And the other, since he could not make a living as a poet, became a songwriter. I discovered Cohen’s music when I was 21 years old, while working at an engineering firm in Houston, when a Chilean colleague brought me one of his records and told me: “Carlos, since you talk so much about poetry, you have to listen to this Canadian.” I remember I played the record that same night when I got home, and like when I discovered Serrat, I was hypnotized.
LFG: If I had to choose between the two, I would prefer the Canadian. I get Dylan, but he seems more alien to me, and I feel closer to Cohen.
life are, but without separating them.
LFG: It is interesting because you describe yourself as someone who lives between two cultures. And we are talking here in Madrid, precisely, and after Pedro Almodóvar’s success at the Venice Film Festival. He is another figure you admire, and who could also be defined in that way. Almodóvar is an eminently Spanish and Madrilenian author who has turned the capital into the setting for his films. And yet, this time he has decided to shoot in English, and even using a Spanish house, in the fiction he situates it in the United States. So, we could say that he has also tried to establish that bond between two cultures.
Sin embargo, tú has leído mucho a Antonio y lo has escuchado, además, en las canciones de Joan Manuel Serrat.
CJ: Me da la sensación de que es una conversación circular en la que todo encaja. A Serrat lo descubrí con 12 años cuando un amigo me dijo que tenía que escuchar su último disco, dedicado a Antonio Machado. Y la canción que más me impresionó, y que todavía recito a menudo, es Del pasado efímero (Españolito). Me parece fascinante cómo va describiendo a este «hombre del casino provinciano» a la vez que describe España, y una España que iba a desaparecer por el fascismo. ¡Qué visión tienen los poetas! No son intelectuales en el sentido de calcular la cantidad de información o de conocimiento, sino que se
Al final esto es lo que me permite trazar vínculos con los grandes escritores, cineastas o arquitectos… Y estos vínculos me hacen sentir que soy parte de una gran familia.
«Mis raíces tienen menos que ver con un lugar y más con la unión de distintas culturas»
LFG: Pero debo advertirte que, en el caso de Lorca, para mi generación fue un gusto adquirido. No lo aceptábamos del todo, y lo veíamos demasiado pintoresco, demasiado costumbrista. Tenía la fama que le había dado la tragedia de su muerte, pero ni siquiera el más vanguardista nos convencía del todo. Con
Dylan. Cuando le dieron el Premio Nobel de Literatura, Cohen declaró: «Para mí es como darle una medalla al monte Everest por ser la montaña más alta». Pero Cohen y Dylan son muy diferentes, el primero empieza como un cantante de folk, que de pronto se encuentra con la poesía y comienza a interesarse por Allen Ginsberg, a descubrir el mundo de Arthur Rimbaud, o a los poetas de la generación Beat. Mientras que el otro, como no podía ganarse la vida como poeta, se hace cantautor. La música de Cohen la descubrí con 21 años, mientras trabajaba en una ingeniería en Houston, cuando un compañero chileno me trajo un disco suyo y me dijo: «Carlos, como tú hablas tanto de poesía, tienes que escuchar a este canadiense». Recuerdo que me lo puse esa misma noche al llegar a casa y, como cuando conocí a Serrat, me quedé hipnotizado.
LFG: Si tuviese que escoger entre los dos, preferiría al canadiense. A Dylan lo entiendo, pero me es más ajeno, y a Cohen lo siento más próximo.
CJ: Es difícil elegir. Pero para nosotros Cohen es un gran recurso al que poder vol-
away from Hollywood. They have tried to lure him in every way possible, but he has always kept a distance, because he is an artist that needs full autonomy. Just as we talked about how Machado described Spain in his poetry, in the film ¿Qué he hecho yo para merecer esto? (What have I done to deserve this?) Almodóvar shows a Spain that is rediscovering its ancestral heritage, its customs, and interprets a country that is being liberated from its taboos. It is a film as schizophrenic and overflowing as it is liberating, with an energy and vitality that moves me every time I watch it.
significant aesthetic component, with a clear artistic dimension in his interior designs and settings.
CJ: And in the beautiful details, like the scene of the grandmother and her Vichy Catalán, which she treasures as if it were the most exquisite thing on earth, letting nobody touch it.
LFG: Even we have used Almodóvar in Arquitectura Viva, for example, in a book we edited coinciding with an exhibition on Spain at the MoMA in New York. On that occasion we published a parallel catalogue that complemented the recent works exhib-
Spanish architecture. And each five-year period in the volume was illustrated with a poster of one of Almodóvar’s films. To a large extent, he is the filmmaker who has represented the Transition and democracy in Spain. And to close the circle, today you have just come back from visiting an exhibition at Conde Duque on the Madrid of Almodóvar, where the city is just another character in the movies.
CJ: He uses Madrid as a metaphor of what Spaniards can come to be, once they get to enjoy freedom. And the city here is not just a supporting character, but the leading role.
capaz de expresar una idea tan potente de lo que es la muerte y la vida, pero sin separarlas.
LFG: como una persona que vive a caballo de dos culturas. Y justamente estamos hablando en Madrid, y tras el éxito cosechado en el Festival de Venecia por Pedro Almodóvar, que es otro personaje al que admiras y que también podríamos definir así. Él es un autor eminentemente español y madrileño, que ha convertido la capital en el escenario de sus películas. Y, sin embargo, esta vez ha decidido rodar en inglés, e incluso utilizando una casa española, en la ficción la ha situado en Estados Unidos. De manera que podríamos decir que él también ha intentado establecer ese vínculo entre dos culturas.
CJ: tenido siempre lejos de Hollywood. Le han lanzado todos los anzuelos, pero él se mantiene distante, porque es un artista que necesita total autonomía. Del mismo modo que hablábamos de cómo Machado describía España en su poesía, en la película para merecer esto? que se reencuentra con su herencia ancestral, sus costumbres, y cómo se interpreta a un país que se está liberando de sus tabúes. Es una película tan esquizofrénica y desbordante como liberadora, con una energía y una vitalidad que cada vez que la veo me emociona.
LFG: la componente estética, con una clara voluntad artística en sus interiores y escenarios.
CJ: escena de la abuela y su Vichy Catalán, que guarda como si fuera lo más exquisito del planeta, sin permitir que nadie lo toque.
LFG:
usado a Almodóvar en por ejemplo en un libro que hicimos coincidiendo con una exposición en el MoMA de Nueva York sobre España. En aquella ocasión editamos un catálogo paralelo que complementaba la obra última que allí se exponía con una historia de la arquitectura española reciente. Y cada lustro estaba ilustrado con un cartel de una película suya. En buena medida ha sido el cineasta que ha representado la Transición y la democracia en España. Y para cerrar el círculo, justo hoy tú vienes de ver una exposición en Conde Duque sobre el Madrid de Almodóvar, donde la ciudad aparece como un personaje más de las películas.
CJ: lo que pueden llegar a ser los españoles, una vez que llegan a disfrutar de libertad. Y la ciudad no es entonces un personaje secundario, sino que se convierte en el principal.
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Lisbon
Frente al mar de la Paja, en la desembocadura del río Tajo, la capital portuguesa se ha convertido en una ciudad carismática y vibrante.
Facing the Mar da Palha, at the mouth of the Tagus River, the Portuguese capital has become a charismatic and vibrant city.
Fortification
São Jorge Castle
Transformada en uno de los símbolos de la ciudad, la fortificación medieval se localiza en lo alto de la homónima colina y destaca en el skyline al elevarse por encima de las desordenadas calles del barrio de Alfama.
Transformed into a symbol of the city, the medieval fortification is located high on the hill of the same name, and cuts a figure in the skyline as it rises over the jumbled streets of the Alfama neighborhood.
Bridge Ponte 25 de Abril
Inaugurada en 1966, la imponente estructura destaca con sus más de 2.277 metros de longitud, que atraviesan el estuario del río Tajo a 70 metros de altura, convirtiéndose en el puente colgante más grande de Europa.
Inaugurated in 1966, the structure is a standout with its more than 2,277 meters stretching over the Tagus estuary at a 70-meter height, making it the largest suspension bridge in Europe.
Situada en la Baixa y abierta hacia el Tajo, la plaza —más conocida como Terreiro do Paço— albergó durante más de 200 años el Palacio Real, y en la actualidad se ha convertido en el centro neurálgico de la ciudad.
Situated in the Baixa district and opening out to the Tagus, this huge plaza, better known as Terreiro do Paço, was for a period of 200 years the site of the Royal Palace. Now it is the city’s nerve center.
Main Square Praça do Comércio
Religious Jerónimos Monastery
En el barrio de Belém, fue encargado a principios del siglo XVI por el rey Manuel I para conmemorar el regreso de Vasco de Gama. Además de sus fachadas, destacan en su interior la iglesia y el impresionante claustro.
In the Belém district, it was commissioned at the start of the 16th century by King Manuel I to commemorate Vasco da Gama’s return. Besides its facades, the church interior and the cloister are magnificent.
También conocida como el Elevador do Carmo, la estructura metálica —de más de 45m de altura— se eleva por encima de la calle de Santa Justa hasta la Praza do Carmo, conectando el barrio de la Baixa con el Chiado.
Also known as the Carmo Lift, the 45-meter-tall metal structure rises from Rua de Santa Justa in Lisbon’s center to Largo do Carmo, connecting the lower streets of the Baixa district to the higher Chiado neighborhood.
Fortification Belém Tower
La construcción militar sirvió como fortaleza y como puerto en la Era de los Descubrimientos.
The military construction served as a fortress and as a gate during the Age of Discovery and Exploration.
Cathedral
Santa Maria Maior
Comúnmente conocida como la Sé de Lisboa, es una de las iglesias más antiguas de la ciudad, a lo largo de su historia se han superpuesto los distintos estilos y se ha visto afectada por terremotos e incendios.
Commonly known as the Sé, Lisbon Cathedral is one of the oldest churches in the city. In the course of history, different styles have superposed one another in it, and the building has been affected by earthquakes and fires.
Monastery Convento do Carmo
Dañado por el terremoto del año 1755, sus ruinas abiertas al cielo acogen el Museo Arqueológico.
Destroyed by the 1755 quake, its ruins gape open to the sky and harbor the Archaeological Museum.
Ubicada en el barrio de Santa Justa, desde su fundación en 1241 ha sido destruida numerosas veces. En la fachada del templo barroco actual todavía perduran las huellas de terremotos, tsunamis o incendios.
Located in the Santa Justa neighborhood, it has since its founding in 1241 suffered destruction many times over. The facade of the Baroque temple to this day shows the marks of earthquakes, tsunamis, and conflagrations.
El proyecto de Nuno Teotónio y Nuno Portas se integra en un complejo solar, de tamaño reducido y rodeado de grandes edificios. Por ello el espacio interior se abre a la ciudad y genera una pequeña plaza de acceso.
The project carried out by Nuno Teotónio and Nuno Portas is integrated into a complex tight plot surrounded by big buildings, so the interior is designed to open out to the city and form a small entrance square.
Historical House Casa dos Bicos
Al este de la Praça do Comércio, la construcción renacentista toma el nombre de las piedras en forma de diamante de su fachada. En la actualidad acoge la Fundación José Saramago con una exposición sobre su obra.
To the east of the Praçá do Comércio, the Renaissance buildings takes the name of the diamond-shaped stones of its facade. It currently is home to the José Saramago Foundation, presenting an exhibition on his work.
Art Déco Éden Theater
Transformado hoy en hotel, el conjunto ha tenido distintos usos desde cine a music hall.
Now turned into a hotel, the building has served different purposes, from a cinema to a music hall.
El edificio de hormigón alberga en su interior la colección de arte que legó el empresario.
The concrete building shelters the art collection bequeathed by the BritishArmenian businessman.
Gulbenkian Foundation
Brutalism Noguera Suay Houses
Alvesgaspar
Port Infrastructure Cruise Terminal 15
La obra a cargo de Carrilho da Graça toma la forma de un volumen compacto y horizontal, para respetar las vistas sobre Alfama y los viejos muelles de la ciudad, y adapta su escala y color al icónico perfil lisboeta.
This work of Carrilho da Graça takes the form of a compact horizontal volume in order to preserve the views over Alfama and the city’s old piers, and adapts in scale and color to Lisbon’s iconic profile.
Proyectado por la oficina de la británica Amanda Levete, el centro dedicado al arte, la arquitectura y la tecnología tiene una doble condición: icónica, hacia el estuario del Tajo; y paisajística hacia el histórico barrio de Belém.
Designed by the firm of the British architect Amanda Levete, the Museum of Art, Architecture and Technology is iconic towards the Tagus estuary and scenic towards historic Belém.
Concebido por Gregotti, junto a Salgado, el CCB acoge espectáculos, eventos y exposiciones.
This venue for shows, events, and exhibitions was designed by Gregotti in team with Salgado.
Museum
Promovido como parte de la renovación de la ribera del Tajo en el barrio de Bélem para transformarla en un polo cultural, el imponente edificio de Mendes da Rocha destaca por su estructura de hormigón.
Built as part of an overall revamp carried out to transform this side of the Tagus in the Bélem district into a cultural hub, the National Coach Museum has an impressive concrete structure.
Museu dos Coches
Rococo Palace Belém Cultural Center
Francisco Nogueira
Convento do Beato
La propuesta de la oficina local RISCO recupera un antiguo convento para convertirlo en un centro para eventos. Entre los distintos edificios que lo componen destaca el claustro, cubierto con un entramado de cerchas.
The local firm RISCO has worked on an old convent to convert it into an events venue. Particularly remarkable among the buildings comprising it is the cloister, covered with a framework of trusses.
EDP Headquarters Event Center
Para la sede central de la compañía EDP, el estudio Aires Mateus
Expo ’98 is characterized by its glass roof.
Duccio Malagamba
Traditional Café Café A Brasileira
Inaugurado en 1905 en la rua Garrett, A Brasileira es uno de los cafés más antiguos de la ciudad.
Inaugurated in 1905 at 120 Rua Garrett, A Brasileira is one of the city’s oldest cafés.
Funicular Ascensor da Bica
Diseñado como el de Lavra y el de Glória en el siglo XIX por Raoul Mesnier, el funicular salva la gran pendiente existente entre el Largo do Calhariz y la Rua de São Paulo, y es el menos frecuentado por turistas.
Like the Lavra and Glória funiculars, Bica was designed in the 19th century by Raoul Mesnier. Traversing the huge gap between Largo do Calhariz and Rua de São Paulo, it is the lift least used by tourists.
El pub es un lugar de referencia en la noche lisboeta, destacando por sus elaborados cócteles.
This club is a favorite in Lisbon nightlife, famous among other things for its elaborate cocktails.
Emplazado en los restos de un antiguo complejo industrial, este ecléctico espacio urbano acoge desde galerías, talleres de artistas y piezas de street art, hasta una sede de la librería Ler Devagar o un mercadillo los domingos.
Set on the remains of an old industrial complex, this eclectic urban space features everything from galleries, artists’ workshops, and works of street art to a Ler Devagar bookstore and a Sunday flea market.
Neighborhood Alfama
En las laderas del Castillo de San Jorge, la histórica zona de Alfama ha pasado de ser un pequeño barrio de pescadores y cuna del popular canto del fado a una de las principales atracciones turísticas de la capital portuguesa.
On the slopes of the São Jorge Castle hill, the historical Alfama quarter evolved from small fishing village and cradle of the popular fado song to one of the main tourist attractions of the Portuguese capital.
Flea Market LX Factory
Night Club Foxtrot
El Museo de Diseño y Moda se ha ‘apropiado’ temporalmente del antiguo edificio del Banco Nacional para crear un nuevo lugar de encuentro y exposición para las diferentes expresiones del diseño.
The Museum of Design and Fashion has temporarily ‘appropriated’ the old Banco Nacional edifice to give different branches of design a new place for holding encounters and exhibitions.
Atelier Museum
Fundação Júlio Pomar
El proyecto firmado por el Pritzker Álvaro Siza mantiene el volumen original del edificio y adecua las distintas salas para difundir las obra del pintor Júlio Pomar y acoger exposiciones en diálogo con su legado.
The project of Pritzker laureate Álvaro Siza maintained the building’s original volume and fitted out the spaces to showcase the work of the painter Júlio Pomar and host exhibitions in dialogue with his legacy.
Reconstruido tras el terremoto, la Baixa es el barrio más céntrico y comercial de Lisboa.
Reconstructed after the earthquake, Baixa is Lisbon’s most central and commercial district.
El local continúa con la receta original del monasterio para elaborar sus Pastéis de Belém.
The store uses the monastery’s original recipes for the famous pastries of Belém.
Neighborhood Chiado
Los tradicionales cafés del Chiado solían acoger las reuniones de escritores y artistas.
The traditional cafés of Chiado were meeting places for writers, artists, and intellectuals.
El bar destaca por la peculiar colección de figuritas y objetos que decoran su paredes.
The establishment boasts a peculiar collection of figurines and other objects lining the walls.
Design Museum MUDE Neighborhood Baixa
Traditional Bar Pavilhão Chinês
Pastry Shop Pasteles de Belem
R. de Santa Cruz do Castelo web: castelodesaojorge.pt
Praça do Império 1400-206 web: mosteirojeronimos.pt 10:00-17:00 Tue-Sun
Av. Brasília, 1400-038 web: torrebelem.pt 10:00-17:30 Tue-Sun
12. Éden Theather
Praça dos Restauradores 9, 1250-096
13.Gulbenkian Foundation
Largo da Sé, 1100-585 web: sedelisboa.pt
9:30-18:00 Mon-Fri 10:00-18:00 Sat
R. do Ouro, 1150-060
R. Garrett 122, 1200-205 08:00-24:00 Mon-Sun
Av. de Berna 45A, 1067-001 web: gulbenkian.pt 10:00-18:00 (Tue closed)
14. MAAT
Av. Brasília, 1300-598 web: maat.pt 10:00-19:00 (Tue closed)
15. Cruise Terminal
Av. Infante Dom Henrique, 1100-651 web: lisboncruiseport.pt
Largo do Carmo, 1200-092 10:00-19:00 Mon-Sat
Largo São Domingos, 1150-320 7:30-19:00 Mon-Sun
R. dos Bacalhoeiros 10, 1100-135 web: josesaramago.org 10:00-17:30 Mon-Sat
R. Camilo Castelo Branco 4, 1150-089
16. Belém Cultural Center
Praça do Império, 1449-003 web: ccb.pt 10:00-19:00 Tue-Sun
17. Museu
Av. da Índia 136, 1300-300 web: museudoscoches.gov.pt +351 21 049 2400 10:00-18:00 Tue-Sun
Rua S. Paulo 234, 1200-109 07:00-21:00 Mon-Sun
Tv. Santa Teresa 28, 1200-405
18:00-03:00 Fri-Sat 18:00-02:00 Sun-Thu
18. Portuguese Pavilion
Parque das Nações, 1990-231
19. Convento do Beato
Alameda do Beato 40, 1950-042 web: conventodobeato.com
20. EDP Headquarters
São Paulo, 1200-109
R. Rodrigues de Faria 103, 1300-501 09:00-22:30 Mon-Sun
R. Augusta 24, 1100-053
R. Vale 18 c, 1200-474
Av. Dom João II, 1900-233
R. de Belém 84 92, 1300-085 08:00-21:00 Mon-Sun
R. Dom Pedro V 89, 1250-093
18:00-02:00 Mon-Sat 21:00-02:00 Sun
Tivoli Forum. Av. da Liberdade 180 250-142
01. Ponte 25 de Abril
22. Café A Brasileira
21. Gare do Oriente
23. Ascensor da Bica
24. Foxtrot
25. Alfama 26. LX Factory
27. MUDE
28. Fundação Júlio Pomar
29. Baixa
30. Chiado
31. Pasteles de Belem
Pavilhão Chinês
C. Cosentino City 02. São Jorge Castle
03. Praça do Comércio
04. Jerónimos Monastery
05. Belém Tower
06. Santa Maria Maior
07. Santa Justa Lift
08. Convento do Carmo
Sagrado Coração de Jesus
Igreja de São Domingos
Casa dos Bicos
dos Coches
Istanbul
En el estrecho del Bósforo, entre Oriente y Occidente, la capital destaca por su larga historia, su rica cultural y su sabrosa gastronomía.
Straddling the Bosphorus, between East and West, the Turkish capital boasts a long history, a rich culture, and tasty gastronomy.
Art Museum Istanbul Modern
Situado en el barrio de Gálata, el proyecto del arquitecto genovés Renzo Piano para el Istanbul Modern se basa en una estricta retícula de pilares de hormigón antisismo y una reflectante piel metálica y vidriada.
In the Galata neighborhood, Renzo Piano’s project for this museum of modern art is based on a grid of pillars of earthquake-resistant concrete, and opens out to the exterior with a skin of metal and glass.
Religious Hagia Sophia
Desde su fundación en el año 537 se ha convertido en el símbolo de la capital, cambiando su función en múltiples ocasiones, de catedral ortodoxa bizantina a mezquita, pasando por basílica cristiana.
Since its completion in 537 AD this building has been the main symbol of Istanbul, and changed its function many times over, from an Orthodox Byzantine cathedral to a Christian basilica to a mosque.
Con una longitud de casi 30 kilómetros y solo 3,7 de ancho, el Bósforo, o estrecho de Estambul, separa Europa de Asia, dividiendo en dos la ciudad y conectando el mar Negro con el pequeño mar de Mármara.
Almost 30 kilometers long and only 3.7 wide, the Bosphorus Strait separates Europe from Asia, dividing the city of Istanbul into two parts and connecting the Black Sea to the small Sea of Marmara.
Strait Bosporus
La iglesia es uno de los máximos exponentes del arte bizantino, gracias a sus frescos y mosaicos.
This church is one of the primary exponents of Byzantine art, thanks to its frescos and mosaics.
La torre medieval es uno de los mejores puntos desde donde tener una panorámica de la ciudad.
The top of this medieval tower is one of the best vantage points for a panorama of the city.
Religious Blue Mosque
Situada junto a Santa Sofía, la mezquita es obra de Sedefkar Mehmet Aga, discípulo del arquitecto Sinan, y toma su nombre de los más de 20.000 azulejos de color azul que adornan sus cúpulas.
Neo-Baroque Dolmabahçe Palace
Levantado entre 1843 y 1856 a orillas del Bósforo por la famosa familia de arquitectos de los Balyan, el edificio neobarroco trajo los lujos europeos a Oriente y sustituyó al Palacio Topkapı como residencia de los sultanes.
Raised between 1843 and 1856 on the shores of the Bosphorus by the Balyan family of court architects, the neo-Baroque edifice brought European luxuries to the Orient and replaced Topkapı Palace as residence of the sultans.
Standing across Hagia Sophia, the mosque is a work of Sedefkar Mehmed Aga, a disciple of the architect Sinan, and takes its name from the more than 20,000 tiles that adorn the domes.
Byzantine The Chora Watchtower Galata Tower
Ancient Cistern Basilica Cistern
El depósito se levantó para abastecer al capitolio y asegurar el suministro de agua en caso de asedio.
The infrastructure was built to provide the capitol with water and to ensure a supply in case of siege.
Ottoman Topkapı Palace
Ubicado entre el mar de Mármara y el cuerno de oro, el palacio refleja la importancia y el poder que tenía Constantinopla en la época del Imperio Otomano, y está formado por varios edificios en torno a cuatro patios.
Between the Sea of Marmara and the Golden Horn, reflecting Constantinople’s importance and power in Ottoman Empire days, the palace presents several buildings around four courtyards.
Orthodox Church
Hagia Irene
Fundada en el siglo VI, la iglesia ortodoxa —una de las primeras de la ciudad— se localiza en el primer patio del palacio de Topkapı, organizada en una planta basilical, despunta por su atrio y sus austeros interiores.
Dating back to the 6th century, the Orthodox church (among the city’s oldest) rises in Tokpakı Palace’s outer courtyard. Set on a basilical floor plan, it has an exceptional atrium and austere interiors.
Religious Sehzade Mosque
También conocida como Mezquita de los Príncipes, fue encargada por Solimán el Magnífico en memoria de su hijo. El templo es una de las primeras obras de Sinan y es una obra emblemática de la arquitectura otomana.
This early work of Sinan, also known as the Princes’ Mosque, was commissioned by Suleiman the Magnificent as a memorial to his son, and has become an emblem of Ottoman architecture.
Religious Sancaklar Mosque
Obra de Emre Arolat, la mezquita se encuentra en un parque a las afueras de Estambul. El proyecto aprovecha el desnivel del terreno para incrustarse en el suelo y extender la cubierta ajardinada al prado adyacente.
Designed by Emre Arolat, this mosque is located in a park on the outskirts of Istanbul. The project used the slope of the site to embed it into the ground and stretch the garden roof toward the adjacent field.
Meeting Point
Divan Kuruçesme Venue
La propuesta de la firma GAD para este espacio de eventos atiende a la tradición constructiva de las orillas del Bósforo, conserva los restos arqueológicos y propone una intervención que une lo nuevo y lo existente.
For this events space the firm GAD addressed the building tradition prevalent along the Bosphorus shores, preserved old remains, and proposed an intervention that joined the new to the existing.
Shopping Center Meydan Complex
Public Space
Sıshane Park
El proyecto diseñado por el estudio local Sanalar recupera la participación vecinal en los espacios verdes de la ciudad, extendiendo el parque a las calles cercanas e integrando las vistas sobre el Cuerno de Oro.
The project carried out by Sanalar, a local architecture practice, revives citizen participation in the city’s green spaces, expanding the park to nearby streets and integrating views of the Golden Horn.
—que significa lugar público de encuentro— buscaba convertirse en el verdadero centro urbano del creciente distrito de Umraniye, en la zona asiática de Estambul.
center named Meydan, which means public meeting place, sought to create a new urban hub for Umraniye, a growing district located in Istanbul’s Asian side.
Murat Tabanlıoglu —hijo del arquitecto original del centro cultural— ha reconstruido de nuevo el complejo, manteniendo su morfología y su apariencia exterior, además de ampliarlo con un nuevo volumen.
Murat Tabanlıoglu, the son of the original building’s architect, has raised it anew, maintaining the old volumes and outer appearance, complementing them with a new extension.
Culture Center Arter Museum 16
El Museo Arter, obra de Grimshaw Architects, se convierte en un espacio público con un amplio programa cultural para estimular nuevas formas de expresión artística tanto en el contexto local como el internacional.
A work of Grimshaw Architects, Arter is a public space that offers a broad cultural program, one which gives vent to new forms of artistic expression in both the local and the international context.
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Culture Center
Bomonti Brewery
Abandonada en 1991, la fábrica cervecera es hoy un centro cultural, remodelado por Han Tümertekin.
Han Tümertekin has converted the brewery, abandoned in 1991, into a cultural hub.
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Turkish Bath Kilic Ali Pasa Hamam
Los baños construidos en 1580 por Sinan han sido ahora restaurados por el estudio de Cafer Bozkurt.
The baths built back in 1580 by Sinan have now been restored by Cafer Bozkurt Architecture.
La propuesta de TEGET conserva el edificio existente, pero con una nueva apariencia.
Culture Center YKKS
TEGET’s design preserved the existing building and gave it an altogether new look.
La avenida es una de las arterias principales de la ciudad y ofrece una gran oferta comercial.
The avenue is one of the city’s key thoroughfares and offers shoppers a wide choice of stores. Main Street Istiklâl Caddesi
Situado en lo alto de la colina del cementerio de Eyrüp, el café fue uno de los puntos de inspiración del novelista francés y hoy es uno de los mejores miradores desde donde contemplar el estrecho con la ciudad de fondo.
Situated high on the hill of the Eyrüp cemetery, the café was one of the points of inspiration for the French novelist. Today it is among the best perches from which to gaze at the strait with the city across.
Restaurant Mitte Karakoy
La propuesta de la chef Irem Esen recupera un antiguo teatro en el barrio de Karakoy.
The chef Irem Esen undertook to restore an old theater in the Karakoy quarter of Istanbul.
Luxury Hotel Çıragan Palace
Levantado en el siglo XIX al borde del Bósforo, entre Besiktas y Ortaköy, el palacio otomano sufrió un grave incendio en el año 1910, pero tras varios usos desde el 2007 ha recuperado su esplendor convertido en un hotel.
Built in the 19th century on the banks of the Bosphorus, the Ottoman palace suffered the effects of a fire in 1910, but after serving a chain of different uses, in 2007 it regained its splendor as a grand hotel.
En la paralela a Istiklâl, la estrecha calle es una de las zonas más populares para el ocio de noche.
Parallel to Istiklâl, this narrow street is one of the most popular places for evening recreation.
Covered Market Grand Bazaar
Dentro de las antiguas murallas, en el corazón de la ciudad vieja, se encuentra el Gran Bazar que, con sus más 4000 tiendas y 61 calles, es uno de los mercados cubiertos más grandes y antiguos del mundo
Within the ramparts, in the heart of the old city, sprawls the Grand Bazaar, which with its more than 4,000 shops and 61 streets counts among the largest and oldest covered markets in the whole world.
En la galería del Pasaje de las Flores aún perdura el aura de los tiempos dorados de Estambul.
The aura and mood of Istanbul’s glorious age remains palpable in the famous Flower Passage. Historic Passage Çiçek Pasajı 29
Art Center Salt Galata
El centro cultural, situado en Karaköy, ocupa el edificio construido por Alexandre Vallaury para albergar la sede del Banco Imperial Otomano, y en la actualidad es un punto de referencia del arte en la capital turca.
This cultural center located in Karaköy takes up the building that Alexandre Vallaury erected as the seat of the Imperial Ottoman Bank, and is currently a reference for art in the Turkish city.
Restaurant Turk Fatih Tutak
El aclamado Fatih Tutak fusiona la gastronomía y el producto local con la experiencia de sus viajes.
The acclaimed Fatih Tutak fuses gastronomy and local produce with his travel experience.
Luxury Hotel Pera Palace Hotel 30
En el barrio de Beyoglu, fue diseñado por Vallaury en 1892 para acoger a los viajeros del Orient Express, el ecléctico hotel ha contado con huéspedes tan ilustres como Agatha Christie o Ernest Hemingway.
Designed by Alexander Vallaury and completed in 1892, this eclectic establishment in the Beyoglu district has welcomed and lodged guests as illustrious as Agatha Christie and Ernest Hemingway.
A lo largo del río Nervión la capital vizcaína conjuga su tradición y gastronomía con obras de los principales arquitectos contemporáneos.
Along the Nervión River, the Biscayan capital mixes tradition and gastronomy with buildings by leading contemporary architects.
Art Museum
Guggenheim Museum
Desde su inauguración en el año 1997 el escultórico museo diseñado por Frank Gehry fue uno de los principales agentes en la regeneración urbana de la capital vizcaína, hasta convertirse en uno de sus iconos más reconocibles.
With its inauguration in 1997, the sculptural museum of titanium designed by Frank Gehry became a key catalyst for the urban regeneration of the Basque city, and eventually one of its most recognizable icons.
Tras un pasado marcado por la fuerte actividad industrial, hoy la ría se ha transformado en uno de los grandes atractivos de la ciudad, concentrando en sus márgenes los principales hitos arquitectónicos.
In the wake of a past marked by intense industrial activity, the estuary has transformed into one of the city’s big attractions, with major architectural landmarks concentrated along its banks.
Riverwalk
Ría de Bilbao
Panoramic Views
El monte de Artxanda es el lugar idóneo para disfrutar de unas vistas panorámicas sobre toda la ciudad. Una de las mejores maneras de llegar hasta allí es el histórico funicular, activo desde principios de siglo XX
Mount Artxanda is the ideal perch from which to relish panoramic views of the city. A particularly exciting way to reach the top is by riding the old funicular, which has operated since the early 20th century.
Artxanda Mendia
Construida en 1898 en estilo modernista, la estación era la cabecera de la ruta con Santander.
Raised in 1898 in Art Nouveau style, the train station was a terminal of the line with Santander.
Levantado en 1900 por Luis Aladrén Mendivil ejemplifica el auge del eclecticismo alfonsino.
Eclectic Style Foral Palace
Built in 1900 by Luis Aladrén Mendivil, it exemplifies the heyday of Alphonsine eclecticism.
Eclectic Style Chávarri Palace
Encargado al arquitecto Paul Hankar, el singular edificio se sitúa en la céntrica plaza Moyúa.
A work of Paul Hankar, the edifice stands at Plaza Moyúa, heart of Bilbao’s extension.
Realizada a mediados del siglo XIX según los diseños de los arquitectos Avelino de Goicoechea, Silvestre Pérez y Antonio Echevarría, la plaza porticada es uno de los centros neurálgicos del Casco Viejo de Bilbao.
Built in the mid-19th century following designs by the architects Avelino de Goicoechea, Silvestre Pérez, and Antonio Echevarría, the arcaded square is an important nerve center of Bilbao’s old quarter.
El santuario se levantó en lo alto de una colina de Begoña en honor a la patrona de Vizcaya.
Religious Basilica de Begoña
Dedicated to Biscay’s patron saint, the church rises on a hill of the area named in her honor.
Ubicada en pleno Casco Viejo, la actual catedral se empezó a construir a finales del siglo XIV sobre los restos de un templo anterior arrasado en un incendio. La fachada y la torre son frutos de la renovación del siglo XIX.
Deep in the old quarter stands this church which began to go up late in the 14th century, over the remains of a temple that fire had destroyed. The facade and the tower are fruits of a 19th-century renovation.
Religious Church of San Antón
El templo construido en estilo gótico, aunque con añadidos renacentistas y barrocos, es uno de los más populares debido a su ubicación junto al mercado de la Ribera, el Ayuntamiento y a uno de los puentes sobre la ría.
Erected in Gothic style but showing Renaissance and Baroque additions, this building is a popular destination due to its location beside the Ribera market, City Hall, and one of the bridges over the estuary.
Theater Teatro Arriaga
Proyectado en 1885 por Joaquín de Rucoba, el diseño del teatro sigue los modelos neobarrocos habituales en Europa a finales del siglo XIX, adaptando la planta en herradura a la compleja forma del solar.
The theater building was designed in 1985 by Joaquín de Rucoba on neo-Baroque models habitual in Europe at the end of the 19th century, adapting the horseshoe plan to the site’s complex shape.
Metro Bilbao es uno de los proyectos más emblemáticos de la región, un gran eje de transporte público para la ciudad. El diseño de Norman Foster lo ha convertido en símbolo del progreso del País Vasco.
One of the crown projects carried out in the region, Metro Bilbao is a major public transportation axis for Greater Bilbao. Norman Foster’s design 15
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Housing Isozaki Atea
El japonés Arata Isozaki, junto con Iñaki Aurrekoetxea, proyectó dos torres gemelas de 83 metros de altura y otros cinco edificios de 5 a 8 plantas que forman este emblemático conjunto residencial.
The Japanese architect Arata Isozaki, working with Iñaki Aurrekoetxea, designed 83-meter-tall twin towers and another five buildings rising between 5 and 8 floors, forming an emblematic residential complex.
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Library Deusto University
Rafael Moneo decidió orientar ligeramente la biblioteca universitaria hacia el Museo Guggenheim, que se hace presente en el interior de las salas gracias a las grandes hendiduras en la envolvente continua.
Rafael Moneo decided to slightly turn the university library toward the Guggenheim Museum, which makes its presence felt inside the halls thanks to huge fissures on the otherwise continuous skin.
Offices
Health Department
Juan Coll-Barreu fue capaz de diseñar esta fachada poliédrica sin incumplir la estricta normativa urbana.
The architect was able to erect a multifaceted facade without breaching strict urban regulations.
Alejo Bagué
El Museo de Bellas Artes de Bilbao ofrece un recorrido histórico desde el arte rómanico hasta las primeras vanguardias y sus derivaciones contemporáneas. Tras un concurso de ideas, su ampliación está pendiente.
The Bilbao Fine Arts Museum offers a historical journey from Romanesque art to the early avant-gardes and their contemporary expressions. An ideas competition was held for its extension.
El edificio diseñado por Álvaro Siza se sitúa en una de las zonas más emblemáticas de Bilbao, con una forma de ‘L’, que se abre hacia la Ría y el Museo Guggenheim, en pleno centro de la avenida de Abandoibarra.
This Álvaro Siza work is located in one of Bilbao’s most representative areas and forms an L shape opening out to the Nervión estuary and the Guggenheim Museum, smack in the middle of Avenida Abandoibarra.
Su más que reconocida tarta de queso encabeza una oferta gastronómica tradicional y de calidad.
Its superfamous cheesecake heads a top-quality traditional
Restaurant Ola Martin Berasategui
El chef donostiarra dirige este espacio en el Casco Viejo de Bilbao, un lugar para disfrutar de su milimétrica cocina.
The prize-winning chef from San Sebastián runs this establishment in Bilbao’s old town.
it was the world’s first metal transporter bridge.
Restaurant Mina
Este discreto local de cocina de temporada ha recibido un año más la anhelada Estrella Michelín.
This discreet haven for seasonal food has once again capped the coveted Michelin star.
Alhondiga of Bilbao Azkuna Zentroa
Suspension Bridge Vizcaya Bridge
Ice-Cream Shop Nossi-Bé 28 Urban Park
Parque de Doña Casilda
Esta zona verde del siglo XX fusiona la estética romántica con el estilo de los jardines franceses.
This 20th-century green zone fuses the romantic aesthetic with the style of French gardens.
El interés de este espacio expositivo es promover artistas emergentes de
La familia Ortiz regenta el negocio desde 1975, pero fue a partir de los 90 cuando introdujeron sabores más originales como de chocolate con guindilla o el ya reconocido helado de queso Idiazábal.
The Ortiz family has run the business since 1975, but it was in the 1990s that it incorporated more original flavors, such as chocolate with chili and the now renowned Idiazábal cheese ice-cream. 27
Construido en 1929 en estilo racionalista y Art Decó, en un enclave en la orilla derecha del Nervión que ocupaba la desaparecida Plaza Vieja, este mercado municipal de abastos es el más completo del mundo.
Built in 1929 in the rationalist and Art Déco style, in an enclave located on the right bank of the Nervión once occupied by Plaza Vieja, this food market is the world’s most complete edibles fair.
Puente de Vizcaya Zubia, Getxo web: metrobilbao.eus
Hiru Zutabe Pl., 7, Ibaiondo web: aldamafabre.org
17:00-20:00 Tue-Fri 11:00-14:00 Sat
Nafarroa Kalea, 1, Abando 15:00-21:00 Wed-Thu
15:00-23:00 Fri 11:00-23:00 Sat
12:00-22:00 Sun
Erribera Kalea, s/n, Ibaiondo
01. Ría de Bilbao
07. Chávarri Palace 08. Basilica de Begoña
Santiago Cathedral
Teatro Arriaga
Church of San Antón
Metropolitan Railway
Deusto Library
Isozaki Atea
Health Department
Museum of Fine Arts
San Mamés
Euskalduna Palace
UPV Paraninfo
Azkuna Zentroa 21. Vizcaya Bridge
22. Ola Berasategui
23. La Viña del Ensanche
25. Carreras Múgica
26. Aldama Fabre
24. Mina
27. Nossi-Bé
28. Parque de Doña Casilda
29. Mercado de la Ribera
02. Guggenheim Museum
03. Artxanda Mendia
04. Plaza Nueva
05. La Concordia
K. Barria, 14, Ibaiondo
Bailén Kalea, 2, Abando
Gran Vía de Don Diego López de Haro, 25, Abando
06. Foral Palace
Ramón Rubial Kalea, 4, Abando
C. Cosentino City
Porto
La ciudad a orillas del Duero cautiva a sus visitantes con su histórico casco, su rica gastronomía y su imponente arquitectura contemporánea.
The city on the banks of the Douro enthralls visitors with its historical quarter, rich cuisine, and fine contemporary architecture.
Riverwalk
Ribeira do Porto
Desde el Puente de Arrábida hasta el de Don Luis I, este barrio alberga los monumentos más antiguos de la ciudad y ofrece un pintoresco recorrido por sus calles empedradas y coloridas fachadas.
From the Arrábida Bridge to the Dom Luis I, this riverside neighborhood features the city’s oldest monuments and offers a picturesque walk on cobbled streets with colorful facades.
Winery District
Vila Nova de Gaia
En el margen izquierdo del río Duero, la ciudad contigua alberga paradas imprescindibles como el Monasterio de la Sierra del Pilar, el mirador del Jardim do Morro y las sedes históricas de las principales bodegas.
On the left bank of the river, the city is replete with must-stops like the Serra do Pilar Monastery, the Jardim do Morro lookout, and the historic sites of the region’s major winemakers.
El puente construido a finales del siglo XIX por Théophile Seyrig une las dos riberas del Duero, conectando Oporto con la vecina Vila Nova de Gaia, y con su gran arco de hierro es uno de los emblemas de la ciudad.
The bridge built late in the 19th century by Théophile Seyrig connects the Douro’s two banks, linking Porto to Vila Nova de Gaia, and with its huge iron arch it is one of the northern Portuguese city’s icons.
Historical Bridge PonteLuís I
En lo alto de la parte más antigua de la ciudad, aunque fue levantado XII en estilo románico, el edificio ha vivido muchas modificaciones como los añadidos góticos o los exteriores barrocos.
This temple was raised on the highest part of town in 12th-century Romanesque style, but the building underwent several modifications, including Gothic additions and Baroque exteriors.
This work of the Italian Nicolau Nasoni stands 75 meters tall and is Porto’s principal landmark.
Situada en la transitada Rua Santa Catarina, aunque fue edificada durante el siglo XVIII la capilla se distingue por los casi 16.000 azulejos que revisten sus fachadas desde comienzos del siglo XX
Located on the busy Rua Santa Catarina, this ecclesiastical construction went up in the 18th century but is most known for the almost 16,000 tiles that have clad its facades since the early 20th.
La histórica bodega ocupa el mismo edificio desde su fundación a finales de siglo XVIII
The winery has occupied the same building since it was founded in the late 1700s.
Winery Sandeman
Tiles Walls Chapel Capela das Almas
Baroque Bell Tower
Torre dos Clérigos
Obra del italiano Nicolau Na soni, con sus 75 metros de altura es el principal hito de Oporto.
Obra de Fernando Távora, padre de la denominada Escuela de Oporto, el pequeño pabellón situado dentro de La Quinta da Conceição conjuga un lenguaje contemporáneo con el uso de materiales y técnicas tradicionales.
A work of Fernando Távora, the founder and master of the so-called Porto school, this small pavilion within La Quinta da Conceição combines a contemporary language with traditional materials and techniques.
Train Station São Bento
Situada en la Praça de Almeida Garrett, la estación central de la ciudad fue construida a finales del siglo XIX y es especialmente conocida por los paneles de azulejos que decoran el vestíbulo de entrada.
Located at the Praça de Almeida Garrett, the city’s central railway terminal was erected in the late 19th century and is especially
xv, aunque un incendio la destruyó en 1875 y la edificación actual es una recreación contemporánea propuesta por Távora en el 2002.
15th-century Town Hall, but a fire destroyed it in 1875 and the current one is a contemporary recreation designed and executed by Távora in 2002.
Art Museum Fundação de Serralves
El proyecto de Álvaro Siza se integra en los extensos jardines de la antigua quinta del conde de Vizela, un llamativo edificio rosa estilo Art Decó, para completar el conjunto museístico dedicado al arte moderno.
Álvaro Siza’s project was integrated within the vast gardens of the Count of Vizela’s old residence, a striking pink Art Déco building, to complete a group of museums devoted to modern art.
Social Housing Bairro da Bouça
El complejo diseñado por Álvaro Siza consta de cuatro hileras paralelas de viviendas adosadas y distribuidas en dúplex, con una primera fase edificada en la década de los 70 no se completó hasta 30 años después.
The complex designed by Álvaro Siza comprises four parallel rows of attached duplex houses. The initial phase was built in the 1970s and the rest took three whole decades to be completed.
La temprana obra de Siza se mimetiza con el paisaje marítimo de Matosinhos, gracias a un discreto volumen que resuelve los vestuarios y a las piscinas situadas entre las rocas para fundirse con el mar.
Siza’s early work echoes the maritime landscape of Matosinhos thanks to a discreet volume that works out the changing rooms, as well as to the bathing pools set amid rocks and merging with the sea.
University Faculty of Architecture
Álvaro Siza articula las distintas intervenciones entorno a un patio triangular, al que se abren tanto el edificio lineal que alberga el programa más público, como los cuatro aularios en forma de torre.
Álvaro Siza connects the various interventions carried out around a triangular courtyard, onto which the linear building containing the more public program opens, as do four classroom towers.
En la rotonda de Boa Vista, el auditorio firmado por el holandés Rem Koolhaas se alza como un objeto autónomo, con apariencia casi de nave espacial, al que solo se accede a través de unas sutiles escalinatas.
At the Rotunda da Boavista, the auditorium built by Rem Koolhaas rises as an autonomous object, quite resembling a spacecraft. Visitors can enter it by means of a subtly designed flight of stairs..
La torre de 70 metros de altura, obra de Souto de Moura, se erige como una de las referencias de la Avenida Boavista. Con un forma restringida por la normativa el prisma destaca por su fachada modular de granito.
The 70-meter-tall tower, a work of Souto de Moura, is a landmark on Avenuda Boavista. With a prism shape restricted by regulations, it has a distinct presence attributable to its modular granite facade.
Cultural Center Casa das Artes
Para no alterar el recinto, Souto levantó un nuevo edificio a lo largo del perímetro de los jardines.
In order to not alter the premises, Souto raised a new building along the edge of the gardens.
Metro do Porto Casa da Música Station
Para la definición de la red de metro se intentó que cada estación se adaptase a su entorno.
In planning the metro network, each station was designed to adapt to its specific environment.
Offices Complex Burgo Tower
Romantic Park Crystal Palace Gardens
El nombre recuerda la estructura de cristal que acogió la Exposición Internacional de 1865, sustituida en la década de 1950 por el moderno Pabellón Rosa Mota, y del que permanecen los jardines románticos.
The name recalls the glass structure at the 1865 International Exhibition, replaced in the 1950s by the modern Rosa Mota Pavilion. What’s left of the original project are the romantic gardens. 19
El eje central de la ciudad, que recorre desde la Plaza de la Libertad hasta la del General Humberto Delgado, alberga edificios tan emblemáticos como el ayuntamiento y es la sede habitual de todas las celebraciones populares.
The city of Porto’s central axis, which stretches from Praça da Liberdade to Praca General Humberto Delgado, features iconic edifices like the Town Hall and is the usual scene of popular festivities.
Museum of Photography C. Português Fotografia
Rehabilitada por Souto de Moura, la antigua cárcel y tribunal de la ciudad hoy guarda el patrimonio fotográfico de Portugal, tanto instantáneas históricas como ejemplos de cámaras antiguas. 20
Refurbished by Eduardo Souto de Moura, the historical prison and courthouse of the city is currently home to Portugal’s photography heritage, from period snapshots to samples of old cameras.
Art Deco
Cinema Batalha
El edificio proyectado por Artur Andrade sigue siendo un lugar de culto para los cinéfilos.
The building designed by Artur Andrade still has a cult following among cinemagoers.
Main Street Avenida dos Aliados
Tramcar Museum Museu do Carro Eléctrico
Instalado en la antigua central termoeléctrica que alimentaba la red de tranvías, el museo exhibe tanto el material que usaba la planta como una gran colección de coches y remolques antiguos.
Fitted into the old thermoelectric plant that powered the tram network, the museum exhibits material used by that infrastructure, besides a large collection of historical automobiles and trailers. 23
Historical Building Palácio da Bolsa
El palacio neoclásico se levantó sobre las ruinas de un convento franciscano destruido en un incendio.
This neo-classical palace went up over the post-conflagration of a Franciscan convent.
Historical Bookstore Livraria Lello
En Rua das Carmelitas, cerca de la Torre de los Clérigos, esta librería se ha convertido en una parada obligatoria gracias a sus decoración neogótica, con elementos tan impresionantes como su escalera central.
On Rua das Carmelitas, close to the Torre dos Clérigos, this bookshop has become a must-visit thanks to its neo-Gothic decoration, with particularly impressive elements like the central staircase.
Historical Market Mercado do Bolhão
Tras un extenso proceso de rehabilitación, el emblemático mercado ha vuelto a abrir sus puertas y ha añadido a los habituales puestos de comida fresca una gran oferta de tiendas y restaurantes.
In the wake of an extensive revamp operation, this emblematic marketplace has reopened with the usual fresh-food stalls plus a broad variety of new shops and restaurants.
Vila Nova de Gaia
Ponte Luís I
Sé do Porto
Localización y datos prácticos Location and useful information
R. Dom João de Castro 210 web: serralves.pt 10:00-19:00 Mon-Sun
05. Capela das Almas
R. de Santa Catarina 428 7:30-18:00 Mon-Thu (Fri until 20); 7:30-12:30, 18:30-19:30 Saturday and Sunday
R. de São Filipe de Nery 9:30-18:00 Mon-Tue
Largo Miguel Bombarda 47 Vila Nova de Gaia
Terreiro da Sé, 4050-573 web: diocese-porto.pt 9:00-18:30 Mon-Fri R. das Águas Férreas 20
Av. Liberdade Leça da Palmeira web: matosinhosport.pt 9:00-19:00 Mon-Sun
R. de Dom Manuel II
Via Panorâmica Edgar Cardoso 215
Largo Amor de Perdição web: cpf.pt 10:00-18:00 Tue-Fri 15:00-19:00 Sat-Sun
Praça da Batalha 47 web: batalhacentrodecinema.pt 12:00–20:00 Tue-Sun
10:00-12:30, 14:00-18:00 Mon-Sun Av. da Boavista 1837
Av. da Boavista 604-610, web: casadamusica.com 9:30-18:00 Mon-Sun Praça
Vila
R. Ruben a 210 081 web: casadasartes.gov.pt 10:00-12:15, 14:30-18:30 Tue-Fri 14:30-18:30 Mon 14:30-20:30 Sat 14:30-18:45 Sun
Alameda de Basílio Teles 51 web: museudocarroelectrico.pt 10:00–18:00 Tue-Sun
R. das Carmelitas 144 9:00–19:30 Mon-Sun
R. de Ferreira Borges web: palaciodabolsa.com
R. Formosa 322 8:00–20:00 Mon-Fri Sat until 18:00
de Almeida Garrett
R.
Franca 573 Leça da Palmeira
Rua de São Sebastião 12:00-10:00 Tue-Sun
01. Ribeira do Porto
07. Sandeman
08. São Bento
Pavilhão de Ténis
Antiga Casa da Câmara
Fundação de Serralves
Bairro da Bouça
Piscina das Marés
Faculty of Architecture
Casa da Música
Estação Casa da Música 19. Crystal Palace Gardens 20. CPF
