Babel para web - Laura L by Nueva Escuela

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BABEL - Noviembre 2011

Ed itorial Todos tenemos, en mayor o menor medida, noción de la historia o el mito de la Torre de Babel. Esta construcción, según el Antiguo Testamento, era un intento del hombre por alcanzar el Cielo. Ya se habían establecido en una ciudad (Babilonia, hoy Irak) y esta gran torre los haría famosos y orgullosos como pueblo. Pero a Yahveh (Dios) esto no le parecía nada bien, así que les jugó una broma (épica, sin dudas): los hizo hablar distintos lenguajes para no entenderse unos con otros y, así, fracasar al momento de ponerse de acuerdo al encarar semejante emprendimiento. La confusión hizo que la construcción fuera imposible. Resultado: los hombres se dispersaron y surgieron los distintos idiomas y naciones. A pesar de que en el mundo actual hablamos distintos lenguajes, hay uno que es común y supera cualquier frontera: la música. Para los que gozamos de escuchar música en el idioma que sea, entendemos este fenómeno. Un ritmo, un riff, un solo de piano no necesitan traducción. Una letra sí, pero no es un impedimento; ¿cuántos de nosotros aprendimos un idioma gracias a esa fuerza más grande que nosotros, que nos incitaba a intentar comprender qué era lo que en un principio tarareábamos? Para todos aquellos que disfrutamos de la música que nos ofrece el mundo, aunque no esté en español, va esta revista. Centrémosnos en la estructura de Babel. Para la Nota de tapa elegimos artistas consagrados o que están dando que hablar, que están casi en la cúspide de esta torre. Luego vamos a los extremos: en Desde la base presentamos músicos no tan conocidos que recomendamos, y en Desde la cima recordamos y rendimos tributo a los que nos miran desde el Cielo. En La torre de: repasamos las influencias de otros artistas. El lugar de las entrevistas lo tiene Diálogo, y en Live from Argentina cubrimos a los grandes que visitan nuestro país. Además, revisamos las noticias del mes, looks, historias de artistas y bandas, lanzamientos y críticas. Pero no nos ponemos tan monotemáticos y además les damos un recorrido por propuestas de cine, indumentaria y objetos que están dando que hablar en el exterior y, si aún no están acá, de seguro no tardarán en llegar, en Good Stuff, y les proponemos delirar con instrumentos dignos de admiración en Objeto de Deseo. Esperamos, los que hacemos Babel, que la disfrutes ¡Gracias por elegirnos y nos vemos en las siguientes ediciones!

Laura Lucero

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Bon Jovi - Página 27

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En el mes de diciembre, la banda 30 Seconds to Mars va a ingresar al libro Guiness de los récords cuando den su concierto número trescientos, siendo así los merecedores del galardón por “Mayor cantidad de shows durante el ciclo de un solo álbum” (por su 3º álbum, “This is war”). El recital que los convertirá en un récord será en el Hammerstein Ballroom de Nueva York, el 7 de diciembre. “Estuvimos de gira por dos años increíbles y locos, y pensamos qué mejor manera de celebrar el final de esta travesía fenomenal que con una semana de shows especiales en Nueva York”, dijo Jared Leto. “También pensamos que documentar esto para la posteridad con el libro Guiness de los récords sería especialmente divertido, porque no somos muy buenos con otros récords como dejarnos las uñas muy largas o cultivar la calabaza más grande del mundo…”

UN RÉCORD GUINESS DE 30 SEGUNDOS

Metallica está en boca de todos estos días por su colaboración con Lou Reed en el disco “Lulu”, pero ahora llegan nuevas noticias de los grandes del metal, que al parecer tienen pensado hacer su propio film en tres dimensiones. Trascendió que ya contactaron al productor Charlotte Huggins (“Journey to the center of the Earth”) para ello. Al parecer, estarían buscando director, pero todavía no se sabe si planean incluir material de shows en vivo, realizar una especie de documental con otro tipo de imágenes, o si será un film narrativo. De cualquier manera, habrá que esperar. Mientras tanto, les recordamos que pueden escuchar “Lulu” completo en el sitio oficial del proyecto con Lou Reed: www.loureedmetallica.com

METAL EN 3 DIMENSIONES 4

BABEL - Noviembre 2011

Blur, una de las bandas esenciales del sonido brit pop que caracterizó los noventa, generadora de clásicos como “Song 2” o “Boys and girls”, podría volver a los escenarios. Su líder, Damon Albarn, dio una entrevista para el medio británico NME en la cual confesó que no sólo planean trabajar juntos, sino que ya lo están haciendo: tocan con regularidad y están grabando material de esas sesiones. También dijo que todavía se siente increíble cuando tocan juntos y dio indicios de una gira el año que viene, fuera de Inglaterra. Más allá de las declaraciones de Albarn, no hay noticias aún de nuevo material, incluso el guitarrista Graham Coxon dijo hace poco que Blur tardaría unos seis años en producir otro disco.

Damon a su vez tiene una agenda súper ocupada: participa del super grupo Rocketjuice and the Moon, tiene planes con The Good, The Bad and The Queen, sumados al proyecto DRC Music que lanzó un disco apenas el mes pasado. De Gorillaz no hay noticias por ahora, pero no sería extraño que surgieran proyectos también por ese lado. Solo será cuestión de tiempo hasta saber más sobre el futuro de Blur.

EL FUTURO DE BLUR YA NO ES TAN BORROSO

TVXQ (pronunciado “Dong Bang Shin Ki”) todavía está haciendo olas en la industria de la música japonesa. El dúo masculino originario de Corea del Sur dio a conocer su nuevo álbum, “Tone”, el 28 de septiembre y rápidamente llegó a número 1 en Japón, una posición que siguen manteniendo. En su primera semana completa de ventas, “Tone” vendió más de 250.000 copias. Con esta cifra TVXQ se ha convertido en el artista extranjero con mayores ventas del álbum en Japón durante su primera semana de lanzamiento. De hecho, son el segundo artista en el extranjero para alcanzar las ventas de álbumes de más de 200.000 durante su primera semana, siendo el primero Bon Jovi con “Crush” en el año 2000. Este grupo K-Pop sufrió un revés en 2009 cuando tres de sus miembros originales abandonó el barco, sin embargo el público japonés continuó apoyándolos. Los actuales miembros de TVXQ son Yunho y Changmin. Si querés conocerlos, te recomendamos que escuches “Keep your head down”.

CONQUISTANDO JAPÓN 5

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Cuando juntĂĄs a 3 alemanes con voces al estilo Elvis Presley versionando canciones pop, el resultado son covers en rockabilly. Estos chicos vienen a darle un nuevo sentido al recurso que parecĂa fĂĄcil de hacer covers en vez de aparecer con nuevos temas... y parece irles muy bien.

BABEL - Noviembre 2011

Quizás los conozcan por la peculiar interpretación de “Umbrella” (tema original de Rihanna) que lleva más de 16 millones de reproducciones en youtube, o quizás aún no los conocen. The Baseballs es una banda conformada en Berlín (Alemania) que se inició en 2007 con un Voc’ n’ Roll (Vocal Rock & Roll), con 3 chicos que cantan (¡y cómo!) a la cabeza, lookeados a lo vintage y conservando ese estilo en sus versiones,presentaciones y material gráfico. Esto se debe a que Sam (Sven Budja), Digger (Rüdiger Brans) y Basti (Sebastian Raetzel) no sólo eran grandes fans del Rock de Elvis, Jerry

Lee Lewis y Buddy Holly, sino también del estilo de vida de los años cincuenta y sesenta y las películas de James Dean. Es común verlos con peinados grasientos, patillas gruesas, jopos a lo Elvis, camisas a cuadros, jeans y All Stars. Se conocieron de casualidad en una sala de ensayos de heavy metal en Berlín, pero mostrarían rápidamente una inclinación totalmente diferente.

Con Umbrella les llegó una fama que no se esperaban jamás. Ellos mismos hicieron el video como estrellas de rock and roll de la época, rodeados de fanáticas desmayándose. Tras la positiva repercusión de sus primeras presentaciones les quedó gustando el arte de transformar canciones modernas en otras al estilo del rock’n’roll y el swing. Según ellos: “Tomamos buenas canciones y las lleva-

Digger, Sam y Basti dan con su voz un aire retro a canciones populares de hoy. Los acompañan Lars Vegas (guitarra), Klaas Wendling (contrabajo), Jan Miserre (piano) y Tomas Svensson (batería).

mos a su verdadero destino”. Así dieron vida a nuevas viejas versiones de temas como Hot ’n’ Cold (Katy Perry), Don’t Cha (Pussycat Dolls), This Love (Maroon 5), Angels (Robbie Williams), Poker Face (Lady Gaga), un excelente I’m Yours (Jason Mraz) y los más nuevos Tik Tok (Ke$ha), Quit Playing Games (Backstreet Boys) y Hello (Martin Solveig & Dragonette).

ron su segundo disco, Strings ’n’ Stripes, y fueron presentados en los European Border Breakers Award de Holanda como Nueva Banda Más Exitosa de Europa.

El éxito sucedió primero en Alemania, Holanda y Noruega, luego Suecia y Suiza, para luego contagiar su música a todo Europa y Estados Unidos y finalmente, el mundo.

Sí, apreciar el virtuosismo musical o la innovación y la dedicación interpretativa está bueno. Pero hay momentos en los que, para ser

Su primer álbum, Strike!, lanzado en mayo de 2009, alcanzó el número 1 en listas de Finlandia, Suecia y Noruega. El éxito que tuvo este disco en el viejo continente hizo que fuera reeditado en 2010 con agregados. Ese año se hicieron merecedores del premio Echo de Alemania como Mejor Artista Nuevo y un Emma Award en Finlandia por Mejores Ventas. Este año lanza-

:::“Tomamos buenas canciones y las llevamos a su verdadero destino”.:::

auditivamente felices cuando hay necesidad de diversión o dispersión, discos como los de estos chicos muestran ser más que efectivos. Para más información, visitá su web: www.thebaseballs.com

BABEL - Noviembre 2011

Discografía Strike! (2009)

Strike Back (2010)

Strings’ n’ Stripes (2011)

01. Umbrella (Rihanna) 02. Love In This Club (Usher) 03. Hey There Delilah (Plain White T’s) 04. Bleeding Love (Leona Lewis) 05. Hot ‘n’ Cold (Katy Perry) 06. I Don’t Feel Like Dancing (Scissor Sisters) 07. Don’t Cha (Pussycat Dolls) 08. Let’s Get Loud (Jennifer Lopez) 09. Angels (Robbie Williams) 10. Crazy In Love (Beyoncé) 11. This Love (Maroon 5) 12. The Look (Roxette)

(Reedición de Strike! con agregados para comercializarlo internacionalmente)

01. Intro (con Scott Mills) 02. Candy Shop (50 Cent) 03. I’m Not A Girl, Not Yet A Woman (Britney Spears) 04. Hello (Martin Solveig & Dragonette) 05. Quit Playing Games (Backstreet Boys) 06. Paparazzi (Lady Gaga) 07. Bitch (Meredith Brooks) 08. Ghetto Superstar (Pras) 09. California Gurls (Katy Perry) 10. Hard Not To Cry (original) 11. Coming Home (Diddy Dirty Money) 12. Tik Tok (Ke$ha) 13. Follow Me (Uncle Kraker) 14. Miami (Will Smith) (DELUXE EDITION -Live) 15. When Love Takes Over (David Guetta) 16. She Hates Me (Puddle of Mudd) 17. Torn (Natalie Imbruglia) 18. Let Me Love You (Mario) 19. I’m Yours (Jason Mraz) 20. If A Song Could Get Me You (Marit Larsen)

Portada de su último disco, Strings’n’Stripes.

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Dougie, Harry, Tom y danny. 4 chicos con grandes aspiraciones.

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La tecnología de Skype nos permitió sentarnos a conversar con estos cuatro chicos por encima del ruido de su carrera en ascenso. A su manera: relajada y divertida, nos contaron sobre giras, proyectos y más. Tras una exitosa gira, un merecido descanso para componer y volver a salir a los escenarios del mundo. Ya estando anunciadas las fechas para el Up Close And Personal Tour para el 2012 en Gran Bretaña, y Dougie y Harry próximos a participar en reality shows (al momento en que esta nota sale editada, ya lo estarán haciendo), este cuarteto pop rock británico nos habla de sus próximos proyectos, lo que es estar de gira y nos permite mirar por el rabillo de la puerta flashes de sus vidas personales. Dougie es el que se muestra más abierto hablar, así que empiezo por preguntarle sobre su vida amorosa.

- A riesgo de que rompas los corazones de muchas fans, ¿cómo está el tuyo hoy? Dougie: - Definitivamente, no estoy soltero. Aún no lo he discutido con ella, pero en definitiva huele mejor que Danny y es más bonita-risas-. Solo para aclarar, ninguno de nosotros es gay, todos somos bisexuales... Lamento romperles el corazón...y a Danny también. - ¿Sus vidas personales han influido en las letras de los nuevos temas? Dougie: - Hay canciones sobre lo que ha sucedido. Todos tenemos una gran imaginación. A menudo nos inspiran películas e historias, cosas así.

- Ya han anunciado fechas para 2012, ¿cuál es la meta con cada nueva gira? Tom: - Por lo general, lo que pasa es que tenemos una enorme lista de deseos de lo que hacemos en la gira, y luego lo enviamos a nuestros productores y nos dicen que es físicamente imposible, o que será un derroche de dinero. Pero esta vez hemos logrado aprobar lo que queríamos, así que creo que será uno de los mayores espectáculos que hemos hecho. La meta es esa: superarse, devolver a los fans. Harry: - Nos gusta crear momentos en el show, que la gente se vaya comentándolo y sea único. He ido a ver bandas antes y he sido público, ahora del otro lado tenemos en claro qué BABEL - Noviembre 2011

viejas canciones. Nunca vamos a dejar de tocar las canciones que a la gente les gusta. No puedo creer cómo las bandas no tocan sus grandes éxitos, o se cansan de ellos. Tom: - Nosotros nos divertimos si el público se divierte, es por eso que nos gusta tocar All About You y Five Colours In Her Hair, y también nuestro nuevo material. I Need a Woman me encanta... Dougie: - Me gusta ver la reacción del público a los temas nuevos...

Mc Fly es un cuarteto pop rock británico formado en 2003. Sus integrantes son (de izquierda a derecha): Harry Judd, Tom Fletcher, Dougie Poynter y Danny Jones. Actualmente trabajan en su noveno álbum.

es lo que causa impacto y estamos aprendiendo cómo hacerlo con cada nueva gira. Aunque en un principio fueron vistos como una banda de chicos con fecha de vencimiento, Tom, Harry, Danny y Dougie demostraron que los críticos estaban equivocados cuando entraron en su octavo año como banda y con su sexto álbum, Above The Noise. - ¿Qué significó Above The Noise para ustedes? Tom: - Ese disco fue un experimento. No sabíamos cómo reaccionaría el público y salió todo mejor de lo que esperábamos. Esa duda inicial al lanzar un disco hace que sea la parte más difícil de nuestro trabajo, y la gira es la recompensa. Esta última gira fue la mayor de todas hasta ahora, nos llevó a nuevos países y públicos espectaculares. Esa es la parte divertida.

- ¿Cómo ven el futuro de la banda? Tom: - Somos muy ambiciosos, queremos el mayor reconocimiento posible por lo que hacemos y con cada álbum. Nuestro objetivo es ser la mejor banda del mundo. “If you aim for the stars, you might land on the moon” (Si apun-

::: Somos muy ambiciosos, queremos el mayor reconocimiento posible por lo que hacemos y con cada álbum. Nuestro objetivo es ser la mejor banda del mundo. :::

tas hacia las estrellas, podrías aterrizar en la luna), vivimos este lema. Es frustrante no tener el reconocimiento, pero por otro lado, es difícil quejarse porque hay tantas otras bandas que tienen la mitad del éxito que hemos tenido... fuimos muy bendecidos. Cuando sos muy ambicioso, nunca estás contento, pero somos muy afortunados de estar en la posición en que estamos. - He leído que todos tienen algún proyecto paralelo... Danny: - Bueno... creo que mi incursión en la música dance ya es algo sabido. Fue algo que se dio naturalmente. Roger (Sánchez) simplemente vino al estudio, revisamos mis demos y se quedó con una canción. Fue fantástico que se quedara con una de mis canciones. Tom: - Yo aún no puedo hablar al respecto, pero sí...hay algo, se vienen sorpresas. Dougie: - Aparte del reality (I’m a Celebrity, get me out of here) estoy muy metido en el diseño de ropa. He contactado a varias marcas, no por el dinero, porque hasta ahora no he vendido nada... Harry: - Yo por el momento estoy ligado a Strictly Come Dancing, así que por favor, ¡apóyenme para llegar a la final! Si quieren saber más sobre esta banda y noticias, visiten supercity.mcfly.com.

Tom Fletcher

- ¿Qué canciones disfrutan más tocar? Harry: - Nowhere Left to run es una canción con un enorme poder. Una de las preferidas... Party Girl también. Por otro lado, End Of The Word es difícil de tocar en vivo. Danny: - Sí, he metido la pata con End Of The World en varias ocasiones. Para serte honesto, me encantan las

20 de Noviembre - Estadio Ă&#x161;nico de La Plata

Invitados especiales:

La princesa del Pop por primera vez en Argentina con su gira FEMME FATALE WORLD TOUR.

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BABEL - Noviembre 2011

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AEROSMITH

Fecha: 28.10.2011

Lugar: Estadio Unico (La Plata, Buenos Aires) Asistencia: 45.000 personas Puntuación: Arriba

Delirio, glam y cátedra de buen rock. Bajo un cielo que amenazaba con agua, y amenizaba algunos temas que fueron memorables bajo esa torrencial lluvia, Aerosmith movió a 45 mil almas sedientas de sus clásicos en La Plata. Detalles y crónica de una noche inolvidable.

Steven se encargó de convertir al Único en una fiesta para 45 mil invitados

Joe Perry y su guitarra fueron uno

Brad Whitford tocando Mama Kin

Tom Hamilton en el escenario principal

It’s showtime! La banda de Boston formada a comienzos de los 70, liderada por Steven Tyler, volvió al país por tercera vez (la última había sido en el Quilmes Rock del 2007 y la primera, en Vélez en 1994) para demostrar que siguen vivos y rockeando, en el marco de su gira “Aero Tour One”.

tes de fondo. Tomaron la pasarela que se desprendía del escenario principal para adentrarse más en la multitud, haciendo delirar al público. Los primeros temas “Draw the line”, “Same old song and dance” y “Mama Kin” dejaron en claro que el show venía con todo.

ocupándose del machacante riff que atraviesa toda la canción. Luego Perry volvió a tomar la delantera con todo para cantar el extenso blues “Stop Messing Around”, un cover de Fleetwood Mac, con Tyler en armónica. Este tema se percibió como un gusto que se quisieron dar los músicos, quienes parecieron disfrutar más ellos sobre el escenario que el público, que de todos modos aplaudió respetuosamente.

Poco después de las 22 horas el grupo pisó el escenario. Tyler, vestido de blanco con remera estampada con un rostro femenino en tonos turquesas y verdes, collares, brazaletes y galera negra con plumas -bien glam, como el pie de micrófono adornado con pañuelos-, junto a Joe Perry (más sobrio, pero con una guitarra transparente) se adueñaron de las tablas bajo un juego de luces exóticas, mucho humo y cinco pantallas gigan-

El cantante no mostró secuelas del accidente que tuvo días antes en Paraguay (se desmayó en el baño de su cuarto de hotel y sufrió golpes en la cara, más la rotura de 2 dientes), salvo el ojo derecho morado que no le impidió hacer de las suyas y moverse por todos lados lleno de energía contagiosa. Le contó a La Viola que se siente un adolescente y que su cuerpo toma mucha fuerza sobre el escenario... y claramente no mintió. Saltó, bailó, jugó y sedujo a las damas del público, con sus 63 años.

El momento más alto del show vino cuando se largó la lluvia con todo y Steven exclamó: “God is crying!” (Dios está llorando), dando paso a las baladas “I Don´t want to miss a thing” y “Cryin’”, con el cantante al borde de la pasarela totalmente mojado lanzando al final un: “Buenos Aires, I fucking love you” (Buenos Aires, te amo), impregnándose en las retinas y los oídos

Aerosmith se mostró contundente y unida. Brad Whitford (guitarra) y Tom Hamilton (bajo) aportaron su cuota de profesionalismo, apoyados por un tecladista adicional. “Janie´s got a gun” y “Livin’ on the edge” fueron calentando la noche. “Joey” Kramer tuvo su momento de protagonismo con su batería, demostrando que le sobra energía y mucho ritmo. El solo que hizo fue aplaudido por todo el estadio. Tiró los palillos y siguió tocando con los puños, codos y cabeza para dar paso a “Rag doll”. Luego, el público estalló con los primeros acordes de “Amazing” y un emotivo “What it takes”.

El vestuario glam de Steven

Con “Last child” Whitford se lució haciendo la primera guitarra, mientras Perry se quedaba en un segundo plano

Joey Kramer brilló y marcó el ritmo BABEL - Noviembre 2011

INSTANTÁNEAS DE UNA NOCHE PARA EL RECUERDO. Steven, Joe, Brad, Tom y Joey hicieron delirar al público con su música y sus éxitos. La interacción entre ellos, en especial entre Tyler y Perry, eliminó cualquier duda sobre su futuro. Verdaderos dioses del rock que no envejece.

Los fanáticos se fueron con la sensación confusa y dulce de haber vivido una de las mejores noches de sus vidas, y el toque levemente amargo de no haber disfrutado de grandes hits como “Dude, looks like a lady”, “Crazy” y “Eat the rich”... ¿Las habrán guardado para la próxima? El Estadio Único fue una verdadera fiesta de rock y glamour, bautizada por una lluvia que la hizo aún más especial. Aerosmith demostró que sus años no los lleva en vano y que, a pesar de un set list que bien podría haber sido más extenso, impactaron, vinieron, vieron y vencieron. Extras Antes de tocar en Argentina, Aerosmith ya había Steven, histriónico a pesar de su ojo morado tocado en Perú y Paraguay y luego se dirigía a Brasil, Panamá, Colombia, Ecuador y de los asistentes como el clímax de la tres fechas en México. Sobre el tour, noche. Tyler dijo: “Estoy esperando transpi“Sweet emotion” llegaría para que en rar mucho con el alocado público de poco más de dos minutos se trans- Latinoamérica”. “La banda está muy formara en la Sweet Buenos Aires entusiasmada por tocar para los fans gracias al carisma y creatividad de latinoamericanos. No creíamos que Steven, marcando el final (ficticio) del íbamos a volver tan rápido. Cada concierto allí es especial”, dijo el guitarrista show. Joe Perry sobre el regreso. Para el tramo final, aún precipitando, La banda está aprovechando su gira llegaron los clásicos fuertes: “Dream latinoamericana para grabar su nuevo on”, con la mayor ovación de la notrabajo discográfico que podría salir che cuando Steven demostró cómo en marzo de 2012 (tras 7 años de aún llega a los agudos, la demoledora Honkin’ on Bobo), lo que hasta hace “Love in an elevator” y “Walk this way” unos meses parecía imposible debido con pogo generalizado. En total fueron una hora y cuarenta minutos plagados al lanzamiento solista de Tyler y los conflictos que existían entre el líder y de emoción, adrenalina y euforia.

Siluetas de los 5 de Boston al comenzar el show

Perry, quienes estuvieron distanciados un tiempo, aunque en el escenario demostraron estar más unidos que nunca. Ganadores de cuatro premios Grammy, miembros del Hall Of Fame desde el 2001, y con incontable cantidad de premios, Aerosmith no da señales de bajar la calidad de sus memorables y agotados shows por todo el mundo durante décadas, así como también la venta de más de 150 millones de álbumes. Ardiendo más allá de las tendencias y de las modas del rock and roll, la banda ha creado su propio lugar en la historia de la música.

SetList 1. Draw The Line 2. Same Old Song And Dance 3. Mama Kin 4. Janie’s Got A Gun 5. Livin’ On The Edge *Solo de Joey Kramer* 6. Rag Doll 7. Amazing 8. What It Takes 9. Last Child 10. Stop Messing Around (Perry en voz, cover de Fleetwood Mac)

11. I Don’t Want To Miss A Thing 12. Cryin’ 13. Sweet Emotion Encore: 14. Dream On 15. Love In An Elevator 16. Walk This Way

Los fans coparon el Único BABEL - Noviembre 2011

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lady Gaga

Todo artista es el resultado de la combinación entre su talento personal y la suma de sus influencias, y esto es particularmente cierto en el caso de Lady Gaga, cuyo discurso creativo es un auténtico collage de referencias que van desde lo más popular a las profundidades del underground. Con esta breve lista la diva desnudamos la torre de artistas (algunos no músicos) que marcaron su personalidad musical.

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La joven Stefani Germanotta sacó su nombre artístico de uno de los hits de la banda, el archiconocido Radio Gaga, y en numerosas ocasiones ha manifestado su adoración por el desaparecido Freddie Mercury y su forma excesiva y “bigger than life” de entender el espectáculo.

madonna

La Reina del Pop es un referente indiscutible, y no solo en el plano musical: su condición de icono para la comunidad gay y la inteligencia con que ha sabido gestionar su carrera a lo largo de los años han inspirado profundamente a Lady Gaga. Y parece ser que, a pesar de las acusaciones de plagio, la admiración es mutua.

andy warhol

En la mayoría de las entrevistas que concede la cantante, acaba saliendo tarde o temprano el nombre de Andy Warhol, la principal figura de la tendencia pop art y uno de los artistas multimedia más relevantes del siglo veinte. A la hora de construir su personaje, Gaga tomó buena nota de su concepción de la obra de arte como producto fabricado en serie para el consumo de las masas.

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Antes de aterrizar en el mundo de la música, esta jamaiquina había sido ya modelo, actriz y musa de Warhol, por lo que sus videoclips acabaran convirtiéndose en pequeñas obras de arte que supusieron una auténtica revolución para el medio cuando este aún se encontraba en pañales. Gaga ha reconocido haberlos estudiado a fondo.

elton john

El excéntrico cantautor demostró en los comienzos de su carrera que no tenía miedo a experimentar con sus looks, que impactaban sobre las retinas tanto como su música sobre los tímpanos. Y, como no podía serde otra manera, Lady Gaga ha conseguido hacerse un hueco entre su círculo de amigos y colaboradores.

david bowie

La influencia del Camaleón del Rock sobre la música popular de los últimos treinta años es inconmensurable, y tampoco Gaga se escapa de ella. La primera estrella de rock posmoderna y bisexual ha sido y es una constante fuente de inspiración para la artista, quien ha confesado que Bowie es una de sus principales obsesiones.

depeche mode

Gaga descubrió la grandeza de su electro-pop oscuro tras escuchar en Youtube un mash-up de Paparazzi con el hit Just can’t get enough, y desde ese momento se convirtió en su fan. Tal fue su entusiasmo que se propuso grabar una versión de People are people, aunque aún no lo ha hecho.

10 led zeppelin A muchos les sorprenderá saber que escucha rock duro y heavy metal en la intimidad, pero sí: entre sus álbumes predilectos se encuentran algunas obras de Black Sabbath y Led Zeppelin. De hecho, circula desde hace tiempo por la red el video de uno de los primeros directos de la artista, y entre su repertorio se encontraba el clásico D’yer Mak’er.

donatella versace

Donatella es la vicepresidenta del emporio de moda Versace. Por sus diseños y por su llamativa presencia pública, la italiana es una de las musas de la cantante y una influencia clave para el equipo creativo que la rodea, Haus of Gaga.

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Cuando nuestra protagonista saltó a la palestra con Just Dance, muchos comentaristas señalaron que su look y su estilo vocal guardaban una notable similitud con los de Gwen Stefani, líder de la banda pop-rock. Incluso la propia Lady Gaga cita a No Doubt entre sus bandas favoritas.

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BABEL - Noviembre 2011

David, Jon, Richie y Tico saben cómo mover a una audiendcia.

Si hablamos de Rock de estadios, puro y duro, el podio hoy en día le pertenece a ellos. Apenas por debajo de U2 -que si bien brindan un espectáculo asombroso no califican en esa categoría adrenalínica y emocionante que es el rock de estadio- tuvieron la segunda gira más exitosa del 2011 y la primera del 2010. Y el mérito, si bien por las dimensiones que alcanza es sorprendente, si echamos un vistazo a lo que significó la gira, los hitos que marcó en la carrera de la banda y su “contenido”, no es ninguna sorpresa. El podio es de ellos, y no se discute. Originado en New Jersey en 1983, Bon Jovi -con Jon Bon Jovi liderando, el guitarrista Richie Sambora, el tecladista David Bryan, el baterista Tico Torres y el entonces bajista Alec John Such, ahora reemplazado por Hugh McDonald- fue lanzado como tal al mundo en 1984, luego explotó con “Slippery When Wet” 2 años más tarde y el resto es historia. 11 discos de estudio, 3 recopilatorios, 1 en vivo, y un box set triple de rarezas conforman la discografía de esta banda americana.

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Siempre están ascendiendo al siguiente nivel, pero nunca al último. Bon Jovi lleva una década y un año llenos de logros en todo sentido: giras, hits, discos número uno, DVD’s, y la inmortalización de la marca... todos producidos a un ritmo asombrosamente prolífico.

hey ’ve rocked them all. 19

Durante los conciertos, la banda toma la pasarela circular y se adentra en el público para tocar canciones con un toque más acústico e íntimo.

Conducidos por una ética de trabajo intenso, clásicos inmortales y nuevos hits, y una conjunción perfecta en el escenario de carisma, profesionalismo y ganas de convertir un recinto de 50 mil personas en una fiesta, la banda aún abre nuevos mercados, encuentra nuevos fans y se mantiene relevante mientras que la mayoría de los grupos de rock emergidos en los 80’s o se han disuelto o se han relegado a tocar sus viejos éxitos. Las malas lenguas los tildan de “comerciales” (como si el resto de la música no lo fuera), pero Jon Bon Jovi, poniéndose la banda que lleva su apellido al hombro, sabe transformar los “descréditos” en fortalezas y se calza orgulloso su traje de CEO, llevando a la marca Bon Jovi a la cima. “El comercio no es más que un derivado del arte. La intención no era tomar una guitarra para hacer dinero. Me encantaba la idea de aprender a tocar e interpretar, y luego cuando lo elegí como una carrera, fue sólo por la pasión. El sub-producto de esto fue que fuimos muy exitosos y, no sólo ganamos sino que conservamos nuestro dinero, a diferencia de tantos otros artistas que no fueron tan afortunados.”, dijo a la revista Billboard en su “descanso” luego de la última mega gira... y decimos “descanso” porque esto es relativo: Jon nunca se duerme en los laureles y mientras hacía estas declaraciones, componía junto a John Shanks (compositor y productor que ya colaboró con la banda) temas que terminarán formando el tracklist del próximo disco de Bon Jovi; a pesar de que tras el último concierto parecía que iban a hacer una pausa importante y bien merecida. Los números por sí solos confirman que Bon Jovi verdaderamente está entre los shows de elite del planeta. Los tours de

::: Hay 2 razones para todo este éxito: canciones grandiosas bien tocadas y el impulso y visión de Jon Bon Jovi. ::: 2008 y 2010 cerraron como los más taquilleros según Billboard. La gira The Circle World Tour cerró con una recaudación neta de US$365 millones y no sólo continuó aumentando la audiencia de la banda en Norte América y Europa, sino también agotó shows en Japón, Australia, Nueva Zelanda y Latinoamérica. Bon Jovi tiene más de 14 millones de amigos en Facebook, y bonjovi.com, una base de datos que excede los 1.3 millones. La banda genera US$ 2 millones anuales en ventas de merchandising online. Hay 2 razones para todo este éxito: canciones grandiosas bien tocadas y el impulso y visión de Jon Bon Jovi. Nadie está tan involucrado en cada nivel de su carrera de artista como Jon. UNA GIRA EXITOSA The Circle Tour y Open Air Tour llevaron a Bon Jovi a tocar 146 shows en 30 países. Desde 1986 sólo dos bandas reclamaban el honor de ser los artistas en vivo más taquilleros 2 veces en 3 años: los Rolling Stones (1998 y 1999) y Grateful Dead (1991 y 1993). Pero en el 2010 Bon Jovi al fin pudo reclamar su título por ser el tour más taquillero de 2008 y 2010. La logística detrás de tamaña gira no es algo que se pueda planear de un día para el otro. Para eso está Bon Jovi Management en asociación con Creative Artists Agency (CAA) y AEG Live, y Jon, en su rol de CEO, dirigiendo la batuta.

Bon Jovi siempre ha sido, en esencia, una banda en vivo. Los fans siguen volviendo “porque saben que cada año se pone más grande y mejor que el tour anterior, no importa cuán grande haya sido aquella vez”, dice Rob Light de CAA. “(...) todos van y quieren ir la próxima vez, porque saben que será una apuesta segura y una de las noches más satisfactorias de sus vidas.” Tim Leiweke (presidente de AEG Live) dice: “Son disciplinados, bien organizados, muy profesionales. Todo funciona como un reloj con estos muchachos. Por detrás: la mejor máquina que jamás he visto. Por delante: la historia de amor más apasionada que he visto entre una banda y sus fans.” Los logros de la banda en la actualidad son el resultado de su trabajo a lo largo del tiempo. Jon dice que desde el primer disco se propuso llegar a la mayor cantidad de rincones del mundo como fuera posible, y fijar caminos. Tal enfoque no era tan común en los 80’s como lo es hoy. Él siempre está buscando nuevos lugares donde ir y extender el alcance de Bon Jovi. El planeamiento de qué caminos tomar y en qué momento se torna estratégico, y más con una economía tan dudosa. “La gente en AEG y CAA siempre han sabido aprovechar muy bien los trazados. Y son jodidamente perfectos. Saben a dónde vamos y por qué”, dice Jon. Eso significa determinar en qué sitios tocar y cuáles dejar pasar pero tenerlos en cuenta para el largo plazo. “Hay lugares del mundo en los que, en el flujo y reflujo de una carrera de 25 años, van a haber mercados que te den la espalda por un tiempo y si tienes suerte los recuperas”, dice, citanto a Sudamérica como ejemplo. “Sus problemas económicos en los 90’s nos prohibieron ir allí. En

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Antes del multitudinario show en Munich Jon sorprendió a sus compañeros de banda con una vistosa chaqueta de domador.

un momento se dió vuelta y tuvimos una acogida muy exitosa allí hace poco.” Australia también fue una sorpresa para Bon Jovi, donde se hicieron en total 7 shows. El promotor de los shows en Sydney, Paul Dainty, dice que la banda es “una verdadera pasión que cala profundo en los australianos, de todos los segmentos demográficos. Todas las noches ellos despliegan un show brillante, pleno del rock’n’roll más verdadero. Así es como sabes que, en cuanto planeen volver, será de nuevo más grande.” Dentro de los nuevos mercados que conquistó Bon Jovi en esta gira está Atenas (Grecia), que era una cuenta pendiente, Zagreb (Croacia) y Bucarest (Rumania), donde se brindó un show en la Plaza de la Constitución, debiendo cortar la intersección de 2 avenidas principales de la ciudad para montar el escenario, causando un fuerte impacto para los rumanos. La ruta básica de The Circle Tour comenzó el 11 de febrero de 2010 con fechas en Norte América y Europa, con hitos como 12 noches de conciertos en la Arena O2 de Londres, 4 noches de localidades agotadas en el Estadio New Meadowlands de New Jersey (fueron 250.000 personas y recaudaron US$ 21 millones) y más fechas en Estados Unidos antes de partir hacia México y Latinoamérica.

Jon Bon Jovi

Siguiendo la promoción del nuevo “Greatest Hits” el camino continuó en Nueva Zelanda, Australia y Japón. De ese modo, la gira fue mutando hacia la Open Air Tour, agregando fechas en 2011 en Estados Unidos, Canadá y Europa, finalizando el 31 de julio en Lisboa. Light dice que la banda es como cualquier equipo, negocio u organización en la que siempre hay líderes. “Puede que se necesite todo el equipo para ejecutar algo, pero hay uno que se convierte en el corazón y el alma...y ése es Jon. Cuando se trata de planificar un tour u otro proyecto, está en cada detalle. No hay nada en lo que trabaje, en lo que esté implicado su nombre y el de la banda y su música, en que no esté integralmente involucrado. Primero es un artista, pero tiene la habilidad de tocar todas las demás cosas y lo hace de manera muy inteligente, creativa y con gusto.” Jon por su parte piensa que “Si después de 3 décadas no has aprendido cómo manejar tu negocio, entonces realmente eres un cliché viviente del rock’n’roll. La participación de todos es clave para el éxito del equipo, pero alguien tiene que ser el líder. Así que en ese sentido aceptaré el crédito o la culpa. Pero las contribuciones de todos hacen a la suma, y la suma de las partes hacen al todo.” Paul Korzilius, manager de gira, dice “Lo que hay que recordar de este tour es que tener un gran plan ejecutado por un equipo increíble genera buenos resultados. A lo que se resume es a que Bon David Bryan

Jovi siempre ha entregado la promesa de un show increíble y siempre se ha mantenido al tanto con discos y sencillos”. LA GIRA POR DENTRO El 12 de Junio Jon fue entrevistado por “Sunday Mail” antes de un show espectacular en Munich ante 80.000 fans en el Estadio Olímpico. Allí dijo: “Realmente no siento el desgaste de haber hecho ya 120 shows. Hay extremos al estar de gira. Cuando estoy en casa sólo soy papá: llevas a los chicos a la escuela, tienes que lidiar con graduaciones de secundaria y promociones. Luego me voy de gira y al día siguiente vuelvo a ser un vampiro otra vez, duermo hasta la 1pm y no me voy a dormir hasta muy tarde, cuando el vino se ha secado. Es un estilo de vida completamente diferente, pero funciona para mí. No soy el tipo de hombre que necesita muchos lujos en la ruta.” La banda entrega 110% cada noche. “Siento que si no Richie Sambora dejo una parte de mis pulmones en ese micrófono esta noche, no he cumplido con mi trabajo. Es una cuestión muy consumidora físicamente para mí”, admitió Jon. “Si quieres jugar duro, tienes que Tico Torres

El último mensaje de la banda a través de facebook fue: “Desde nuestros corazones a los suyos: GRACIAS por hacer este último año y medio tan espectacular en la carretera. Tenemos los mejores trabajos del mundo y todo porque ustedes creyeron en nosotros y nos ayudaron a permanecer en este alocado viaje. Nos veremos pronto, amigos. ¡Gracias por hacer de nuestro tour 2010/2011 uno de los mejores!” estar en tu juego. Mantener ese cierto nivel de deseo por que sea grandioso. No me pongo nervioso antes de un show. Solamente cuando no sabes qué demonios haces tendrás un problema. Tocamos para 80.000 personas, pero el tamaño de la multitud no significa nada. Si fueran solo 8.000, aún querría que fuese grandioso. Lo que menos quiero es sentirme engañado o defraudarme a mí mismo, ni qué decir de la banda o el público. Pienso mucho y muy fuerte sobre lo que hacemos allí afuera. No puedes darlo por sentado. Si vives ese cliché sobre estar en una banda de chicos y decir ‘Simplemente voy a mostrar mi lado rockero, salir y no va a importarme lo que piense el público’…entonces eres un tonto. No vas a estar aquí todavía dentro de 27 años.”

llas de cine. “The Circle Tour Live From New Jersey” fue expuesta alrededor del mundo del 8 al 15 de Noviembre de 2010 en 605 cines, generando un total de 191.369.445 contactos, más un especial que salió en HBO. Arrasando a pesar de cualquier obstáculo La gira 2010-2011 probó ser un éxito y cosechó logros y satisfacciones para la banda, pero no todo fue color de rosas. Cuestiones de salud, pequeños accidentes, problemas económicos, como también las inclemencias del tiempo amenazaron con doblegar los objetivos de la banda, pero el espíritu de Jon y el acompañamiento de todo el equipo lograron

nuó sus shows con un arnés en la rodilla (al principio con movilidad limitada, pero sus ganas de motivar al público hacían olvidar su lesión o usarla para reírse un poco, recurriendo a curiosos bastones: un bastón-maraca que usaba en “Keep The Faith” y otro con una calavera brillante) y días después en un mini descanso del tour fue operado, regresando como si nada hubiera pasado. Richie debió ausentarse durante 13 fechas de la gira norteamericana de 2011. Sambora sintió que era necesario internarse en una clínica de rehabilitación en abril, para no tener una recaída (tuvo que rehabilitarse en 2007 por adicción al alcohol tras una serie de duros episodios en su vida personal). La banda lo com-

De izquierda a derecha: Jon en su camerino a punto de salir a escena, moviendo a la multitud en el Hyde Park y vista del público en Udine.

GIRA 2.0 Una multiplataforma online permitió acercar la banda a los fans lejanos a través de facebook, twitter, bonjovi.com, YouTube y ustream. Durante la gira se incluyeron webcasts de presentaciones en vivo y directo desde el estacionamiento del New Meadowlands, shows de Seattle y Dallas en bonjovi.com, un concierto en el Best Buy Theater de New York el 10 de noviembre de 2010 a través de YouTube con un total de 51,9 millones de impresiones. El equipo reivindica que son 86,9 millones en YouTube y 35 millones en social media. Para el 2011 hubo transmisiones en vivo a través de bonjovi. com, ustream y facebook desde Munich y audio desde Lisboa, el último concierto que luego fue transmitido al finalizar la gira casi en su totalidad en video. La promoción se extendió a las panta-

demostrar que son fuertes, lo resisten todo y salen de cualquier desafío más airosos que nadie. Jon sufrió 2 lesiones durante la gira que lo dejaron con claras expresiones de dolor en el escenario, pero no se dió por vencido y fiel a su estilo de “el show debe continuar”, siguió brindando shows como si nada pasara y sin intenciones de cancelar ninguna fecha. La primer lesión fue en el tobillo izquierdo el 11 de Julio de 2010 en Saratoga Springs y la segunda, en su show en Helsinki el 17 de junio de 2011. En este caso sus bailes en el escenario sumados a la intensa lluvia hicieron que en un mal movimiento su rodilla le hiciera pegar el grito en pleno tema (sufrió un esguince grave en el ligamento lateral interno, que suele ser muy doloroso, pero siguió el show 2 horas más, aguantando como el más duro). Conti-

prendió y prefirió sacrificar su presencia por un tiempo en pos de que mejorara. En este caso tampoco se cancelaron shows y se buscó al guitarrista Phil Xenidis (The Drills) para ocupar el lugar de Sambora hasta que estuviese a punto para retomar su trono. Si bien se extrañaba la presencia de Sambora, su virtuosismo con la guitarra, sus potentes coros y la química excepcional con Jon en el escenario, la banda salió airosa y hubo una serie de emotivos mensajes por su recuperación, y sentidas versiones de “I’ll Be There For You”. Al respecto de este tema, Jon dijo: “Para ser honesto, tenemos que pagarle a un personal de gira que depende de ese pago para poner comida en la mesa y zapatos en los pies de sus hijos. No puedes dejarlos sin trabajo. También tienes gente que viene a ver a la banda y reservan pasajes de avión y hoteles con anticipación, y no son reintegrables.” “Fue magnífico para Richie

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ALGUNOS NÚMEROS: Más de 2.650 conciertos ha dado Bon Jovi en todo el mundo. 146 fueron los shows hechos en la gira, visitando 30 países y 97 ciudades en 18 meses. 3,7 millones de fans fueron parte de la gira 2010-2011. 7-8 horas se tarda en montar toda la producción del show y el escenario. 15 guitarras tuvo Richie Sambora en la gira, 7 baterías Pearl Tico, 7 guitarras Jon y 4 teclados y pianos David. 122 canciones se tocaron en el tour, 84 de Bon Jovi y 39 covers. poder ir y cuidarse, sabiendo muy bien que no iba a ser despedido ni castigado. Él necesitaba y quería buscar ayuda. Ahora está concentrado, re-energizado y todo está perfecto. (...)Estoy orgulloso de sus esfuerzos. Aún es mi amigo más querido.” “Phil X hizo un trabajo fantástico. Me lo hizo más fácil para mí, para la banda y el equipo, así que le tenemos mucha estima. Obviamente no va a tocar las guitarras de la misma manera que Richie… Mi admiración por Richie es muy profunda. Sus habilidades como intérprete nunca sufrieron. El talento de Richie es un don de Dios. El está bendecido.” En cuanto a la economía, un caso particular fue Grecia cuyos problemas estuvieron a la vista del mundo. La banda y su management reconocieron el desafío de emprender una gira de tal magnitud en tiempos de economías tan inciertas. Chris Dalston de CAA explica “Uno se preocupa por la economía, pero a la vez sabes que salen y producen un show de dos horas y media a tres horas cada noche”.”La gente siente que obtiene valor por su dinero, especialmente con esta recesión económica. Ya no tienen una porción extra de sus ingresos disponible, así que tienen que elegir, y esta es una de esas elecciones. Es un lujo para ellos, y no pasamos eso por alto”, afirma Jon. El clima no quiso pasar desapercibido tampoco. Si bien un poco de lluvia (en la mitad de los shows de Europa) no hace mal a nadie (excepto quizás a la rodilla de Jon), un tornado ya es algo por lo cual preocuparse. Aunque este fenómeno no los afectó directamente, la banda aprovechó la oportunidad de tocar en St. Louis, Missouri, una zona realmente devastada por tornados e inundaciones este año, para recolectar comida y ayuda para los damnificados. EQUIPOS POTENTES PARA UN SHOW POTENTE La producción de la banda para la gira en arenas comprendió 10 pantallas LED y la tecnología novedosa de las Roboscreens: 5 brazos robóticos hechos a medida, programados digitalmente que sostienen cada uno una pantalla de alta definición. Los robots son programados para moverse de acuerdo al show y según las canciones, e incluso darse vuelta para convertirse en escaleras gigantes y luego una pasarela que Jon usa para dramatizar, bailar y acercarse más al público que está detrás del escenario.

Para los shows de estadio, la producción incluyó un escenario enorme con un sistema de sonido de 800.000 watts y una pantalla de 40m2 de alta definición, promocionada como la más grande en su especie, más una pasarela circular para adentrarse al público durante el set acústico o de baladas. 20 x 10 metros midió la pantalla de fondo usada para la gira latinoamericana.

Jon y Richie tocando “I’l Be There For You”

BON JOVI EN EL HARD ROCK CALLING Un show que puede resumir con claridad de qué se trata Bon Jovi en vivo fue el Hard Rock Calling, en el que fueron cabezas de cartel el 25 de Junio en Hyde Park de Londres, donde 65.000 almas tomaron el parque para ver a la banda dar un espectacular show de 3 horas con apenas minutos (o segundos) de descanso. Los organizadores del festival quedaron maravillados con el show que brindó la banda por la calidad, el excelente estado de la voz de Jon, su energía (a pesar de estar con un arnés en su rodilla) y el virtuoso acompañamiento de Richie (con un solo que puso la piel de gallina en “Hey God”, aplacando cualquier duda tras haber pasado por rehabilitación), Tico, David y Hugh. No fue una típica presentación de festival, en los que los set-list se limitan a los temas más conocidos y tienen una duración de no más de 2 horas...en este caso, los americanos dejaron la piel en el escenario con un set extenso de 27 temas y más de 3 horas en total, repasando éxitos que salieron de lo estándar, dejando a los fans extasiados y a los demás asistentes, impresionados. Sin aditivos, sin fuegos artificiales ni grandes montajes, sólo la banda tocando y contagiando a los 65 mil asistentes con versiones contundentes de sus temas. En toda la gira, Jon demostró que sigue en un estupendo nivel vocal y Richie estuvo simplemente espectacular. EL PRESENTE Y FUTURO DE LA BANDA Tras una gira de características tan gigantes, lo esperable era un descanso, y con un descanso grande surgen especulaciones. “Esta banda ya ha pasado el punto de separarse o cualquier tontería como esa. Hay tanto respeto mutuo. Seguimos haciendo discos número uno y llenando estadios. ¿Pero aún estaremos haciendo 150 shows por tour? No lo sé. No sé cómo diablos lo hace Mick Jagger a los 67. Esa sería la primera pregunta

Imágenes en el zócalo de página opuesta, de izq, a der. : Jon jugando con muñecos de él y Richie hechos por una fanática mientras se ausentaba Richie - Jon desafiando con su bastón de calavera a la guitarra de Richie - Jon con su arnés en la rodilla, ayudándose con un bastón - Mostrando la bandera de Rumania en Bucarest - Coreografía en los palcos de Udine: los fanáticos italianos planificaron un vistoso juego de bandera y la palabra “JOVI” para recibir a la banda.

MAS DE 120 CANCIONES DURANTE LA GIRA

que le haría. Después del 31 de Julio no tengo un plan de juego. Después de 27 años no necesariamente deberías estar a este nivel. Así que estoy muy agradecido y no los voy a decepcionar”, dijo Jon. A poco de terminar, ya tienen agendas sociales apretadas: Tico participando en eventos benéficos y torneos de Golf; David promocionando su musical Memphis, el cual ha sido un éxito; Richie con sus marcas de ropa “Nikki Rich” y “White Trash Beautiful” con la diseñadora Nikki Lund, grabando un disco con ella, presentándose en eventos de moda y benéficos, y componiendo un álbum solista y temas con Jon; y Jon, con su fundación Jon Bon Jovi Soul Foundation, su recientemente inaugurado restaurante de paga-lo-que-puedas The Kitchen Soul, presentaciones musicales y componiendo junto a John Shanks y Richie, está claro que no pueden quedarse quietos por mucho y que la mecha ya está encendida para que vuelvan en cuanto menos lo esperemos. Quizás para 2013 tengamos novedades discográficas (Bartels de Island ya adelantó que se planea un disco para esa fecha) y una nueva gira, celebrando los 30 años de Bon Jovi, quizás (muy posiblemtente) más grandes y moviendo a más estadios que nunca.

Tras la increíble gira de The Circle y la Open Air Tour la banda alcanzó un total de 122 canciones tocadas (84 propias y 38 covers), repasando TODOS sus discos. He aquí la lista de canciones propias, para ver la de covers y fechas de la gira ingresá a www.babelmag.com.ar:

1. Always / 2. Any Other Day / 3. Bad Medicine / 4. Bed of Roses / 5. Bells of freedom / 6. Blaze of Glory / 7. Blood Money / 8. Blood on blood / 9. Born To Be My Baby / 10. Bounce / 11. Brokenpromiseland / 12. Bullet / 13. Captain Crash & The Beauty Queen From Mars / 14. Damned / 15. Diamond ring / 16. Dry county / 17. Garageland / 18. Get Ready / 19. Happy now / 20. Have a Nice Day / 21. Hey God / 22. Homebound Train / 23. I Believe / 24. I’d die for you / 25. I Get A Rush / 26. I Got The Girl / 27. I’ll Be There for You / 28. I’ll Sleep When I’m Dead / 29. I love this town / 30. In These Arms / 31. (It’s Hard) Letting You Go / 32. It’s My Life / 33. Just older / 34. Keep the Faith /35. Last Man Standing / 36. Lay Your Hands on Me /37. Let It Rock / 38. Lie To Me / 39. Livin’ on a Prayer / 40. Living in Sin / 41. Lost highway / 42. Love for sale / 43. Love’s the Only Rule / 44. Memphis Lives In Me / 45. Miss 4th July / 46. Mystery Train / 47. Never say goodbye / 48. No apologies / 49. Only Lonely / 50. Open All Night (de Bounce) / 51. Raise Your Hands / 52. Roulette / 53. Runaway / 54. Santa Fe / 55. Shot Through The Heart / 56. Someday I’ll be Saturday Night / 57. Something for the Pain / 58. Something to believe in / 59. Story Of My Life / 60. Summertime / 61. Superman tonight (Acústica y Eléctrica) / 62. Thank You For Loving Me / 63. The Last Night /64. The more things change / 65. The Radio Saved My Life Tonight / 66. These Days / 67. This Ain’t A Love Song / 68. This Is Love This Is Life / 69. This Is Our House / 70. Thorn in my side / 71. Tokyo Road / 72. Undivided / 73. Wanted Dead or Alive / 74. We Got it Going On / 75. We Weren’t Born to Follow / 76. What do you got? / 77. When we were beautiful / 78. Who Says You Can’t Go Home / 79. Whole lot of leavin’ / 80. Wild In The Streets / 81. Wild is the wind / 82. Work for the working man / 83. You Give Love a Bad Name / 84. (You want to) Make a memory

-“go home!” -”Nooooo!” El show brindado en el Estadio River Plate el 3 de octubre de 2010 (el primero en ese lugar con sillas y entradas VIP y propulsado por generadores “ecológicos”) fue la prueba para los fans y la prensa argentina de lo que fue esta impresionante gira. 3 horas de show impecable que quedarán por siempre grabados en los oídos, los ojos y el alma de los fanáticos que llenaron el monumental, con un set list envidiado por muchos con los clásicos de siempre, la infaltable “Livin’ on a Prayer”, “Wanted dead or alive” (con un fail de la audiencia que empezó cantando antes de tiempo, recibiendo un “shhhh” por parte de Jon que los hizo calmar y estallar en risa por la complicidad generada), la vibrante “Bad Medicine”, la delirante “We Got it Going On”, “It’s my life”(que puede parecer un tema trillado, pero VIVIRLO en vivo en el país por primera vez encendió al estadio), baladas que arrancaron lágrimas como “Always” y “I’ll Be There For You”, el genialmente interpretado por Richie Sambora “Lay Your Hands On Me” que convirtió al estadio en una iglesia del rock’n’roll y otros temas más valorados por los seguidores que no son tan comunes, como “These Days”y la majestuosa “Dry County”. Tres bises y el “go home” del cantante para poder desprenderse de un público que quería retenerlos de por vida con un insistente “Nooo!” culminaron un show que dejó a todos encantados y sedientos por más.

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Goo

Su creador: John Earle -alias “Johnny Cupcakes”-.

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Si te gusta vestir remeras cool, casi a medida, inspiradas en tus dibujos preferidos de la infancia o adolescencia, con diseños bizarros y únicos, Johnny de seguro pensaba en alguien como vos al iniciar su negocio, hoy multimillonario, pero que empezó muy de abajo. Johnny Cupcakes no es sólo una marca de ropa y accesorios, ni cuatro locales ultra stylish que se mimetizan con pastelerías de los años 50... es toda una filosofía de trabajo y una moraleja de que si uno pone su creatividad y voluntad en una pequeña idea, ésta puede ser grande y seguir creciendo a niveles jamás pensados. “A los clientes les gusta y aprecian la historia y la ética de trabajo detrás de mi marca. Lo comencé como un chiste en el baúl de mi destartalado Toyota Camry del ‘89. Había abandonado la universidad con un estilo de vida libre de drogas y

alcohol. Nunca desperdicié el tiempo en fiestas, prefería hacer brainstorming y bocetar mis ideas alocadas. Rechaché inversionistas y tomé incontables riesgos, como mantener las remeras fuera de cadenas de negocios de ropa. Sí, una vez que me hice conocido podría haber hecho una fortuna rápido, pero prioricé calidad sobre cantidad”, dice Johnny Earle, alias “Johnny Cupcakes”, el joven cerebro que ideó todo este fenomenal negocio. “Cuando se lanza una nueva edición, ¡la gente hace fila! E incluso muchos tienen un tatuaje de Johnny Cupcakes. La mayoría de mis clientes son clientes fidelizados. Todo tipo de personas: chefs, gente a la moda, estudiantes, chicos que les gusta el arte, rockeros indie, diseñadores, skaters, matones, entusiastas de la comida...de todas las edades”. Las remeras y demás artículos que se venden en J.C. son de stock limitado. Esta ética reponde a las experiencias propias de Johnny y de su intento por

entender y deleitar a sus clientes. “Prefiero tener una marca fuerte y clientes que reconocen y disfrutan lo que he creado en lugar de hacer dinero rápido y pasar a ser otra moda pasajera. A la gente le gusta tener lo que nadie más tiene y me encanta hacer ediciones limitadas y exclusivas en lugar de productos masivos. Una vez que un modelo se agota, no lo produzco más. Me junto con mis clientes, hablo con ellos y construyo experiencias en eventos in-store. Prestarles atención y tratarlos como individuos únicos tiene sentido para mi. ¡Sin ellos no hubiera llegado a esto!” Johnny decidió tomar el camino más largo y arriesgado. Se las ingenió para construir un negocio multi-millonario, completamente de cosecha propia, sin ir por el camino típico. Sin título universitario, sin préstamos, sin inversores, sin ayuda de grandes tiendas y con muy poca publicidad. Empleó a sus padres, hermana, vecino y amigos cercanos para que no tuvieran que trabajar en cosas que no disfrutan. “No sucedió de un día para el otro ni tuve suerte con una idea cualquiera... levanté el traste e hice algo por mi vida”.

Algunos de los productos, con diseños coloridos, simples y evocadores.

La historia tras Johnny Cupcakes Desde chico buscaba formas de “ser su propio jefe”...desde vender limonada hasta vender dulces en la escuela. En el 2000 se graduó de la secundaria y probó suerte en la universidad, pero su déficit de atención y su poca aptitud para las típicas fiestas no lo hicieron sentirse cómodo en ese ambiente. Tras el primer semestre se tomó un descanso e inició un negocio de pins, que vendía en shows, negocios o en cantidad a chicos que los revendían en sus escuelas. A su vez, trabajaba en serigrafía y en una tienda local de discos, “Newbury Comics”. En el trabajo le daban un apodo distinto cada día. “Supongo que Johnny es un nombre apto para tirarle un apodo al final. Johnny Semilla de manzana, Johnny Pastel de café... Johnny Cupcakes. Mientras en el taller de serigrafía hacía remeras para la banda de metal en la que estaba,

pensé que sería gracioso hacer unas remeras que dijeran “Johnny Cupcakes”... Ir al trabajo con esa remera causó conmoción, ¡mis compañeros y los clientes querían una! Me halagaban, sonreían y me pedían una. Me preguntaban si era una pastelería o un local de películas condicionadas...” De a poco se corrió el boca a boca y llegaban desconocidos a la tienda de discos a preguntar por las remeras. Johnny fingía ir al baño para abrir su viejo baúl del Camry y venderlas.

:::“Decidí hacer mis remeras limitadas y exclusivas. Eso hizo que fueran más que una simple remera... Son arte limitado, coleccionable y usable”.::: “Al principio reemplazaba iconos de la cultura pop por cupcakes, como la Estatua de la Libertad con un cupcake en vez de la antorcha o la famosa calavera con huesos cruzados reemplazada por un cupcake. Esta parecía ser la más impactante y creativa de todas”. La banda en la que estaba John, On Broken Wings, consiguió un contrato y empezaron a salir de gira e incluso ahí vendía. “Me levantaba más temprano para ir a centros de compras con mis remeras arrugadas y con olor a gasolina para ver si les interesaban. Aunque algunos se me rieron y me rechazaron, no bajé los brazos. Lo que ganaba lo invertía en más material, remeras de mejor calidad y diseños más coloridos. Para el 2002 hacía mi maleta con un 98% de remeras Cupcake. Las vendía donde tocáramos en la van que usábamos”

Dos de los filmes originales.

Tras estrenar página web, las cosas tomaron vuelo. En el 2003 abandonó la banda para dedicarse 110% a Johnny Cupcakes. El año 2004 fue de grandes cambios. Participó de uno de los grandes shows de intercambio que se dan en Las Vegas donde vendedores de productos novedosos y ejecutivos de grandes tiendas se juntan. “Ordené trajes de chef para mis amigos y yo y entregué cupcakes de verdad a los compradores. También hice un pequeño catálogo con un amigo fotógrafo. Fue un éxito. Atraje a negocios de Japón, Europa, Canadá y otro más de EE.UU. En otro de esos shows me di cuenta de que había gente con mis mismas zapatillas y me dije “Realmente no me gusta tener algo que otro tiene”. Eso me hizo pensar que tal vez no quería vender mis remeras en todos lados. Rechacé grandes ofertas y todos pensaron que estaba demente, pero sé que tomar ese riesgo fue una buena decisión. Decidí hacer mis remeras limitadas y exclusivas, sólo venderlas por mi sitio web. Eso hizo que fueran más que una simple remera... Son arte limitado, coleccionable y usable”. Para el 2005 abrió el primer local de Johnny Cupcakes en su pueblo natal (Hull, Massachusetts) con la ayuda de su padre, y un año después, otro más en la calle Newbury en Boston, la misma donde está Marc Jacobs, Chanel, Armani, Nike, Burberry, Urban Outfitters, H&M, entre otras. “Fue un sueño hecho realidad. Mientras arreglábamos y nos

Algunas de las remeras en colaboración con Nickelodeon.

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Sin embargo no a todos les gustaba esa idea bizarra... a mucha gente se le borraba la sonrisa de la cara al entrar y ver que sólo se trataba de ropa. “Algunos me odiaban por no vender cupcakes de verdad y otros incluso me sugerían hacerlo para no ganarme tantos enemigos, ¡pero a la vez esa gente molesta me hacía publicidad! Donde vieran una pastelería, refrigerador o cupcake comentarían su experiencia al entrar a mi pastelería falsa”.

Los locales de Johnny Cupcakes simulan ser viejas pastelerías, confundiendo a algunos y seduciendo a otros. Arriba: local en Boston. Al medio: local de Londres. Abajo: local de Los Angeles.

tomábamos un descanso con mi papá, nos reíamos al escuchar a la gente pasar y comentar lo grandioso que sería una pastelería allí... incluso si nos preguntaban fingíamos que realmente lo sería”. “Decidí crear y comprar equipos antiguos de pastelerías en vez de típicos exhibidores de boutique, transformándolo en una pastelería vintage. Remeras expuestas en heladeras, bandejas de pastelería y expositores de vidrio curvado, carteles en ventanas de “0% Carbohidratos, 0% Grasa, 0% Azúcar” o “¡Recién horneados!”, aromatizadores de ambiente de vainilla, cajas de pastelería en vez de bolsas para los clientes, un cartel de medidas simulando una tabla nutricional y detalles por el estilo. Construir una experiencia memorable para el comprador era importante para mí, incluso si tenía que ir en quiebra. Más de 600 chicos hicieron fila para la gran apertura de este local.”

Corría el 2007 y todo crecía en un nivel cómodo: las ventas en locales, por internet...todo iba mejor de lo esperado. Ese año, cuando la madre de Johnny hizo contabilidad, lo sentó y le comunicó que oficialmente era multimillonario. “¡No lo podía creer! Pensé que solo los actores y los cantantes de R&B eran millonarios. Así que decidí mudarme de la casa de mis padres. Me compré una antigua casa victoriana en la misma calle, que espero llenar con mi familia cuando encuentre a la chica adecuada. Mandé a mis padres a Barbados para su aniversario...pero más allá de eso, sólo invierto dinero y tiempo en mi marca. También compré unas cuantas máquinas Arcade, debo admitirlo”.

abrir más locales y nuevas opciones, como “Johnny Cupcakes Ebay Vault”, donde se venden diseños exclusivos, ya agotados o de colección. Decidió hacer otros artículos de ropa: remeras abotonadas, shorts, camperas, buzos, gorras, etc. Se organizaron noches de cine en asociación con cines de Boston y Los Angeles en los que se proyectan películas de los 80’s que inspiraron a Johnny. En la actualidad, aparte de la web johnnycupcakes.com existen 4 locales: en Hull, Boston, Los Angeles y Londres. La gama de productos va desde remeras, musculosas, camisas, polo, buzos, shorts, pins, elementos de papelería, paraguas, bolsos, corbatas, gorras, cinturones, boxers, stickers, llaveros, aros y colgantes hasta juegos de naipes y películas originales (cine bizarro). También hay juntadas ocasionales por el mundo, expositores en pastelerías en todo el mundo, conferencias. En cuanto a la marca, siempre hay nuevos diseños, exclusivos online, colaboraciones con otros diseñadores y asociaciones con marcas, como Nickelodeon. “Nunca venderé mi marca a inversores, ni por todo el dinero del mundo”, dice Johnny, que seguirá mostrando orgulloso los frutos de su mente creativa y luchadora. “[Johnny Cupcakes] Es mi hobby, es mi pasión y mi vida”.

Un año más tarde fue votado como el Joven Empresario #1 de Estados Unidos por la revista Business Week. Dió discursos en universidades, colegios y seminarios no académicos en todo el mundo sobre cómo iniciar y mantener un negocio original sin dinero ni recursos. “Doy muchos consejos sobre cómo aprovechar la web y los locales reales, la importancia del arte, el diseño gráfico, el packaging creativo y otros detalles que se obvian, cómo crear el boca a boca y construir una marca. También destaco cómo una vida libre de drogas me ayudó a desarrollar mi negocio, mis propias formas creativas de marketing viral y los únicos y cuidadosamente decorados locales. La idea es mostrar cómo una idea simple y mucho trabajo duro funcionan. Enseñar, inspirar y motivar se ha hecho importante para mi. Mantener las cosas en mi lugar de origen también es un pilar”. El tiempo llevó a que fuera necesario

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3) Todo luce bien terminado y sólido. No parece de “juguete” para nada. Todo el equipamiento Düesenberg luce fantástico. Las perillas y las clavijas son suaves y bien ajustadas. No se sienten crujidos raros. El sistema de tremolación es muy bueno, suave y expresivo y la guitarra vuelve a tono sin problemas.

2) Es más pesada de lo que suponía. Pesa unos 3,5 kilos. Al ser semi-hueca imaginé que sería liviana. Sin embargo es cómoda para usarla sentado o parado. Muy bien balanceada. No es delgada, pero tampoco gigantezca.

1) Estética y estilo único. La guitarra es hermosa. Muy elegante y a la vez funky.

Nota de prueba:

Una belleza fuera de la ley

OUTLAW

Starplayer TV

Düesenberg

e d o t e j b O

o e s de

Accesorios Estuche: maleta Custom Line de tweed o cuero negro (no incluída) Herramientas: todas las requeridas (incluídas)

Equipamiento Afinadores: Düesenberg Z, botones”Art Diego” Puente: Düesenberg de acero Trémolo: Düesenberg Deluxe Tremola Pernos: Düesenberg standard Color: níquel Cuerdas: Düesenberg DSA10 (010-013-017028-042-050) Pastilla (mástil): Düesenberg Domino P-90 Pastilla (puente): Düesenberg Grand Vintage Humbucker Perillas: 1 volúmen, 1 tono, selector de pastillas

Caja Tipo: semi-acústica con bloque sostenido, lados doblados, hueco en f. Cubierta: abeto y cuero Skai cocodrilo negro Fondo y costados: arce flameado laminado Tamaño: 46 x 34 x 7 cm Ribetes: color crema Golpeador: níquel

Mástil Tipo: pegado tradicional Madera: arce de una pieza Ancho: 42,5 mm (cejuela), 52 mm (12º traste) Espesor: 21 mm (1º traste), 24 mm (12º traste) Forma: D Diapasón: palisandro indio Radio: 30,5 mm Incrustaciones: perlados Trastes: 22 jumbo de 2,8 x 1 mm Longitud: 650 mm Cabezal: cuero Skai negro

Ficha técnica

Es una combinación de lo mejor de una Gretsch, una Gibson y una Fender: parece una Gretsch, se siente como una Gibson y se toca como una Fender. En definitiva, una buena elección... se siente placer al tocarla.

5) Enchufada me ha sorprendido. La pastilla Humbucker la hace sonar fuerte y brillante, más fuerte que otras de estilo PAF, pero no al extremo. Mantiene la claridad y nitidez. La P90 parece excelente para jazz o blues. Suena más oscura y lanosa. La posición media tiene un sonido único; no suena como una Tele ni Les Paul. Suena funky a amplificador limpio sin distorsión.

4) Suena bien desenchufada. Un poco más viva que una Les Paul, pero no tan fuerte como una 335, quizás por tener el hueco en f en la parte superior. La longitud de escala continúa sorprendiéndome.

Bella, potente, clásica y con la mejor tecnología y sonido.

Su fuerza, sonido abierto y robustez, el siempre afinado Deluxe Tremola y performance perfecta hace que la Starplayer sea un instrumento muy versátil. La pastilla Domino P-90 y la pastilla del puente Grand Vintage Humbucker, y el sonido abierto y transparente del tipo PAF le dan a este modelo su sonido clásico.

Esta eléctrica semi-hueca se caracteriza por un bello acabado de piel de cocodrilo negra, cuerpo esbelto, mástil P90 PU, golpeador cromado y un trémolo de estilo Bigsby actualizado. Todo esto, sumado a que se trata del modelo Starplayer TV (el más exitoso de la marca) la hacen una opción más que atractiva.

Con diseños que recuerdan el gusto de los años 40, sus técnicas y materiales, pero utilizando los avances de hoy, Düesenberg se posiciona como una marca de guitarras con un toque antiguo y único, pero con tecnología de punta. Su enfoque distintivo se manifiesta en el diseño del art déco del cabezal, el golpeador y el soporte, mientras que la mayoría de los diseños del cuerpo se basan en las viejas formas de las guitarras de jazz que fueron producidas en Alemania y EE.UU. en los años 40, principalmente por los inmigrantes alemanes. Funcionalidad y sonido perfectos, facilidad para encordar el instrumento y soluciones ingeniosas, orientadas a los detalles, son los pilares sobre los cuales su fundador, Dieter Gölsberg, diseña las Guitarras Düesenberg.

z n a L

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Referencias: En la cima

A medio camino

Arriba

Básico

I’m with you (Red Hot Chili Peppers) Seamos claros desde un principio: los Peppers sin Frusciante no son lo mismo, pero Josh Klinghofer demuestra tema a tema que fue la mejor elección que el grupo podría haber hecho. Cinco años tardaron los Peppers en grabar un nuevo álbum, pero la espera sin dudas valió la pena. I’m With You es un disco plagado de hits, mezcla de rock y funk, baterías al palo y uno de los mejores bajistas de la historia. Los bombos de Chad Smith marcan el ritmo de Monarchy of Roses, tema que abre esta bomba de tiempo y que estalla

gracias a al dúo rítmico que encabezan el baterista y Flea, que se lucen también en Ethiopia y Factory of Faith. El clima baja un poco para canciones como Brendan’s Death Song y Police Station, que muestran una nueva y desconocida faceta para muchos que tiene más que ver con este “nuevo nacimiento de la banda”. Aún así el funk-rock característico de los Peppers no se pierde en este nuevo trabajo, que gracias a temas como Look Around, Even You, Brutus? y Did I Let You Know, canciones que mantienen bien alto el espíritu de los Red Hot Chili Peppers.

Superheavy (Superheavy) “Un loco experimento de tipo alquimista” así definió Dave Stewart a este nuevo súper-grupo que formó junto a Mick Jagger, Joss Stone, Damian Marley y A.R. Rahaman. Pero lejos está de serlo. SuperHeavy no es más que la unión de grandes músicos intentando hacer algo diferente a lo que vienen haciendo en sus bandas originales y logrando algo que roza lo mediocre y lo comercial. El nombre ya de por si no sabemos si es una ironía, pero lo de ser un grupo “súperheavy” es algo casi ridículo, sobre todo si tenemos en cuenta que sus miembros son

en mayoría artistas pop. Aún así, vale la pena destacar la participación de Mick Jagger y Joss Stone, los dos motores de esta rara fusión que alcanza a despegar en temas como I Can’t Take It No More o Energy. La dulce voz de Joss crea ambientes que recuerdan a la gran Janis Joplin. Y del cantante de los Stones ya está todo dicho. Su característico tono y su energía pueden hacer que cualquier tema mediocre se transforme en un clásico. Esto es SuperHeavy, una mezcla de sabores donde destaca Jagger y Stone.

CRÍTICA EXTENSIVA: Mylo Xyloto (Coldplay) Lo nuevo de Coldplay llega para superar todo lo hecho antes por esta gran banda... pero ¿lo hará para sus fans de siempre? La gran creatividad musical de los británicos se pone en riesgo por un exceso de producción, de la cual se debe responsabilizar al genial (y a veces intrusivo) Brian Eno, quien produjo también Viva La Vida pero con mejores resultados. El disco arranca con el tema homónimo, Mylo Xyloto, una intro instrumental con tintes de Life in Technicolor que asienta la melodía base de todo el disco. Hurts Like Heaven es un excelente tema, optimista y vibrante, que bien podría haber encajado en Viva La Vida. El segundo corte de difusión, Paradise, es una buena canción, pero envejece rápido. Su similitud con el himno de K’naan para el Mundial de Sudáfrica da que pensar... hasta podríamos confundirlo con Halo de Beyonce. Charlie Brown es un buen tema melancólico, muy del estilo que a muchos nos atrajo a esta banda, mientras que Us Against the World no aporta nada nuevo y se que-

da en una simple canción de amor. M.M.I.X. es otro instrumental que da pie al primer single: Every Teardrop is a Waterfall (o Ritmo de la Noche versión 2011). Y sí: tomaron prestado el ritmo, pero el resultado es un buen tema que gana fuerza. Major Minus es un intento por parecerse a U2 en su primera etapa. U.F.O. debo admitir que me gusta mucho, pero es muy

breve... ¿o exactamente por eso es que gusta? Princess of China es un dueto con Rihanna, un paso bastante arriesgado cuyo resultado es una canción excelente para Rihanna, no tanto para Coldplay porque no suena a ellos. Up in Flames es un lindo tema, y A Hopeful Transmission al modo de Mylo Xyloto va anticipando el final del disco. Don’t Let it Break Your Heart es uno de los mejores del disco (sino el mejor), es el tema que mejor representa a Coldplay, mezclando fuerza con melancolía. Up with the Birds es otro gran tema característico. El suave y puro comienzo con voz y piano termina en una expresión total de fuerza, tal como lo hicieran en el último tema de Viva La Vida. En definitiva, es un disco mitad fácil y repetitivo, y mitad muy acertado, y es justamente por esta mitad que es muy recomendable. Se podría pedir más en cuanto a creatividad, pero teniendo en cuenta que su cantante, Chris Martin, ha expresado que puede ser su último disco porque no dan más de si, el resultado es coherente.

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e d s De

a m i c la

FreddieMercury

Se cumplen 20 años desde que este increíble músico dejó de estar físicamente entre nosotros, pero su legado y su espíritu siguen vivos. Esto es un humilde homenaje y repaso por la carrera de uno de los artistas más carismáticos e influyentes en la historia del rock. Farrokh Bulsara (nacido el 5 de septiembre de 1946) jamás podría haber imaginado de niño lo que lograría en el mundo de la música... no porque le faltara imaginación, sino porque su vida y su legado superarían con creces sus sueños más salvajes. Bajo el alias artístico de Freddie Mercury sería uno de los más grandes cantantes, compositores, productores, pianistas y arreglistas de la historia. Primeros años Mercury nació en la isla de Zanzíbar, entonces un protectorado británico y actualmente parte de Tanzania. Sus padres vivían en la India Británica y eran parsis. A la edad de 8 años, fue enviado a estudiar al St. Peter’s School, cerca de Bombay, India. En dicho colegio, formó El pequeño Farrokh parte de una banda llamada The Hectics, donde tocaba el piano. Allí empezó a ser más conocido como Freddie. Pasó en la India la mayor parte de su infancia. A los 17 años, Mercury y su familia huyeron de Zanzíbar debido a la Revolución que se acontecía en ese lugar. La familia se mudó a una pequeña casa en Feltham (Inglaterra). Mercury se inscribió en la universidad de West Thames, donde estudió arte. Recibió allí un diploma en Diseño Gráfico y más adelante usaría su habilidad para crear el logotipo de Queen. Mercury siguió siendo ciudadano británico durante el resto de su vida. Después de su graduación, se integró en una serie de bandas y solía vender ropa de segunda mano. Además tuvo un trabajo en el Aeropuerto de Londres-Heathrow. Sus amigos de la

época lo caracterizaron como una persona tímida y tranquila que tenía mucho interés por la música. En 1969, participó en la banda Ibex, que sería renombrada Wreckage. Cuando esta banda se disolvió, formó otra llamada Sour Milk Sea hasta 1970, año en que conoció al guitarrista Brian May y al baterista Roger Taylor. Pese a las reservas de los otros miembros, Mercury eligió el nombre “Queen” para la nueva banda. Luego diría sobre esto:

“Era consciente de las connotaciones gay, pero eso es sólo una faceta del nombre”. En aquel tiempo, también cambió su apellido a Mercury, debido a que según sus propias palabras, en la canción “My Fairy King”, en el verso “Mother Mercury, look what they’ve done to me”, cantaba sobre su propia madre. Consideraba que el nombre “Freddie Mercury” tenía “poder”. Tras bambalinas A principios de la década de 1970, Mercury tuvo una relación de larga duración con Mary Austin. A mediados de dicha década, el cantante tuvo un encuentro amoroso con un ejecutivo de Elektra Records, que acabó con la relación que tenía con Austin. Sin embargo, Freddie al ser consultado por ella decía “ La única amiga que tengo es Mary y no quiero a nadie más. Para mí, ella es como una esposa. Para mí era como un matrimonio. Confiamos el uno en el otro, eso me basta”. Escribió muchas canciones sobre ella, como por ejemplo “Love of My Life”. Mercury se refirió a sí mismo como “gay” en una entrevista de 1974 con la revista NME. También dijo ser “bisexual” en una ocasión. Brian May comentó al respecto que “llamarlo gay es algo muy simplista, esto sucede por darle demasiada importancia a su vida personal”... y es uno de los comentarios más sensatos. Hacia el año 1985, Mercury inició otra relación de larga duración con un peluquero llamado Jim Hutton, quien vivió con él los últimos seis años de su vida. Pese a haber cultivado una personalidad muy extravagante, Mercury era una persona tímida y reservada: “Cuando estoy en el escenario soy muy extrovertido, pero por dentro soy completamente diferente”.

El carisma de Freddie era tal que al pisar un escenario se adueñaba de él.

Desarrollo artístico Freddie experimentó en un amplio espectro de géneros musicales, desde la ópera hasta el heavy metal, pasando por el pop rock, el glam y la ópera rock. Como compositor musical escribió muchos éxitos, tales como “Bohemian Rhapsody”, “Killer Queen”, “Somebody to Love”, “Don’t Stop Me Now”, “Crazy Little Thing Called Love” y “We Are the Champions”. Además de su trabajo con Queen, Freddie tuvo una carrera como solista, fue productor y colaboró con otros artistas como músico invitado. La voz de un ídolo A pesar de que la voz de Mercury al hablar recaía en el rango de barítono, usualmente cantaba en el registro de tenor. Un crítico describió su voz diciendo que “[en] la escala de algunos compases va de un gruñido tipo rock gutural a tierno y vibrante tenor, y luego a un tono de alta coloratura, perfecta, pura y cristalina en la parte alta”. Más allá de los tecnicismos, poseía una voz inconfundible, única, potente y extremadamente melódica, con una capacidad de interpretación inigualable sumada a un gran sentimiento y carisma. A medida que la carrera de Queen iba progresando, Mercury llevaba a unas octavas más graves las notas más agudas. Un dato curioso: padecía de nódulos vocales y dijo nunca haber tomado clases de canto. Componiendo melodías eternas Seguramente alguna vez cantaste o tarareaste “Bohemian Rhapsody”, ”Somebody to Love” o “We Are the Champions”... todas compuestas por Freddie. ¿Ves su poder? Era capaz de componer melodías no sólo vendedoras e históricas, sino también pegadizas. El aspecto más notorio de su estilo de composición es el amplio rango de géneros de sus obras, que incluye, entre otros estilos, rockabilly, rock progresivo, heavy metal, gospel y música disco. Como explicó en una entrevista en 1986: “Odio hacer lo mismo todo el tiempo. Me gusta ver lo que está sucediendo en este momento en la

:::“Entre los conciertos de rock más teatrales, el de Freddie fue el más sobresaliente. Era definitivamente un hombre que podía tener a su audiencia en la palma de la mano”.::: David Bowie música, el cine y el teatro e incorporarlo”. Varias de sus composiciones eran de una exquisita complejidad: “Bohemian Rhapsody” tiene una estructura poco común y contiene docenas de coros simulando un coro operístico. Pese al hecho de que Mercury compuso armonías muy intrincadas, como es el caso de “The March of the Black Queen”, él declaró que le costaba leer música. Ha escrito la mayoría de sus canciones utilizando un piano en varias claves y tonalidades. Freddie en su esplendor: el showman Mercury era famoso por sus actuaciones en directo. Su estilo teatral y su forma de hacer partícipe al público exponían un carisma que ocultaban perfectamente el hecho de que, al apagarse los reflectores y los flashes, era una persona de bajo perfil y tímida. Un crítico de la revista británica The Spectator lo describió como “un cantante que excita y encanta a su audiencia con varias y extravagantes versiones de sí mismo”. David Bowie, quien grabó la canción “Under Pressure” con Queen, alabó el estilo de Mercury para conducirse en el escenario: “Entre los conciertos de rock más teatrales, Freddie fue Freddie en su juventud

el más sobresaliente. Era definitivamente un hombre que podía tener a su audiencia en la palma de la mano”. Una de las actuaciones en directo más destacables de Queen tuvo lugar en el concierto Live Aid en 1985, durante el cual todo el público (aproximadamente 72.000 personas) aplaudía y cantaba al unísono. En una votación, un grupo de ejecutivos eligió este concierto como la mejor actuación en directo de la historia del rock. Logros En el Reino Unido, Queen pasó en total más semanas en las listas que ninguna otra banda (incluyendo a The Beatles), y el álbum de Queen Greatest Hits es el álbum más vendido en Gran Bretaña hasta el día de hoy. Durante su carrera, Mercury participó en aproximadamente 700 conciertos con Queen. La banda fue el primer grupo británico en tocar en estadios de Latino- Una de sus últimas salidas américa, rompiendo el récord mundial en mayor cantidad de público en el estadio Morumbi en São Paulo en 1981. La última actuación en directo de Mercury con Queen tuvo lugar el 9 de agosto de 1986 en Knebworth, concierto al que asistieron 300.000 personas. Se estima que Queen llegó a vender 300 millones de álbumes en todo el mundo con Mercury como líder. Entre sus reconocimientos póstumos, se lo ha nombrado como “uno de los héroes asiáticos más influyentes de los últimos sesenta años”, “mejor cantante masculino de todos los tiempos” y “Máximo dios del rock”. Medios para crear De niño, en la India, tomó clases de piano hasta los 9 años. Más adelante, cuando se mudó a Londres, aprendió a tocar la guitarra. Era muy autocrítico en cuanto a su habilidad para tocar ambos instrumentos: el guitarrista de Queen, Brian May, asegura que Mercury no estaba conforme con su manera de tocar el piano y en los conciertos delegaba dicha función porque prefería caminar por el escenario y entretener al público, y desde principios de los años 80 comenzó a usar tecladistas invitados para Queen y para su carrera solista. A BABEL - Noviembre 2011

partir de 1980 además empezó a usar sintetizadores. Sus influencias De niño, Mercury escuchaba música hindú, y una de sus primeras influencias fue el cantante Lata Mangeshkar. Después de mudarse a Inglaterra, Mercury se hizo fanático de Aretha Franklin, The Who, Jim Croce, Elvis Presley, Led Zeppelin, The Rolling Stones, Jimi Hendrix y The Beatles. Otro de los artistas favoritos de Mercury era la cantante y actriz Liza Minnelli. Carrera solista Además de su trabajo con Queen, Mercury grabó dos álbumes como solista y lanzó muchos sencillos. Pese a que sus trabajos no fueron tan comercialmente exitosos como sus álbumes con Queen, éstos debutaron entrando en el Top 10 de las listas británicas. Los álbumes de Freddie Mercury como solista fueron Mr. Bad Guy (1985) y Barcelona (1988). El primero tiene un estilo basado en la música pop y disco, muy experimental. Barcelona, por el contrario, fue grabado junto a la cantante de ópera Montserrat Caballé. Algunos críticos calificaron el trabajo como “el CD más extravagante del año”. Además de sus dos álbumes como solista, Mercury lanzó muchos otros sencillos, incluyendo su propia versión de la canción “The Great Pretender”. En septiembre de 2006, se lanzó un álbum recopilatorio, titulado Lover of Life, Singer of Songs, de algunos trabajos de Mercury como solista, en conmemoración al 60º aniversario de su nacimiento. Larga vida al rey Freddie sufrió una bronconeumonía que le causó la muerte el 24 de noviembre de 1991 en Londres, a la edad de 45 años. Su muerte fue un shock para la industria y el mundo, sobretodo por haber acontecido un día después de haberle anunciado al mundo que padecía SIDA (aunque fue diagnosticado en 1987). Si hay algo que esta enfermedad no pudo matar es el espíritu, el talento, su voz extraordinaria y su presencia escénica, que vivirán cada vez que su música suene, cada vez que su icónica imagen aparezca, y cada vez que percibamos su influencia en nuevos artistas. Recordando a Freddie En abril de 1992, el resto de los miembros de Queen fundaron la Mercury Phoenix Trust y organizaron el concierto homenaje a Freddie Mercury en el es-

tadio de Wembley, con actuaciones en directo de Robert Plant, Roger Daltrey, Extreme, Elton John, Metallica, David Bowie, Annie Lennox, Tony Iommi, Guns N’ Roses, Elizabeth Taylor, George Michael, Lisa Stansfield, Def Leppard y Liza Minnelli. Este concierto fue transmitido en directo a 76 países y se estima que fue visto por mil millones de personas. Desde entonces, en nombre de Freddie, esta fundación ha recaudado millones de dólares para la investigación y el tratamiento de esta enfermedad. En Montreux, Suiza (lugar donde pasó sus últimos años), se erigió

:::The Spectator lo describió como “un cantante que excita y encanta a su audiencia con varias y extravagantes versiones de sí mismo”.::: el 25 de noviembre de 1996 una estatua en su honor. Tiene tres metros de alto y fue realizada por la escultora Irena Sedlecka, mientras que los gastos corrieron por cuenta de Bommi Bulsara y Montserrat Caballé. Una estampilla real fue impresa en su honor y también se colocó una placa en la casa a la que se mudó con su familia en 1964, a los 17 años.

Discografía de Queen 1973: Queen 1974: Queen II 1974: Sheer Heart Attack 1975: A Night at the Opera 1976: A Day at the Races 1977: News of the World 1978: Jazz 1980: The Game 1980: Flash Gordon 1982: Hot Space 1984: The Works 1986: A Kind of Magic 1989: The Miracle 1991: Innuendo 1995: Made In Heaven Discografía solista 1985: Mr. Bad Guy 1988: Barcelona (con Montserrat Caballé) 1992: The Freddie Mercury Album 1992: The Great Pretender 1993: Remixes 2000: The Solo Collection 2006: Lover of Life, Singer of Songs — The Very Best of Freddie Mercury Solo

Su estatua en Montreaux

e n e ág

e u q s

n a l b ha

Rihanna comparte fotos de los entretelones y su intimidad durante su gira Loud Tour por Londres. Fabulosa, dulce, desafiante y simple. Todas las fascetas de esta talentosa morocha. Año 0 :: Nº 1 :: Noviembre de 2011 :: EDITORA Laura Lucero laura@babelmag.com.ar

Fiesta post show.

DIRECTOR Martín Stewitz martin@babelmag.com.ar GERENTE Tadeo Tempo COORDINACIÓN Gisela Riccheti MAQUETACIÓN Melina Mujica Abrigada y cómoda, sin perder su appeal.

IMPONENTE. Lista para salir a escena.

RiRi posa dulce y sexy.

DISEÑO Laura Lucero FOTÓGRAFOS Leticia Sampieri Damián Toledo David Bergman ILUSTRACIÓN Dante Freschetti COLABORADORES Martina Sosa, José Stefan, Mario Abadi, Lucas Donato, Ximena Pometti CORRESPONSALES Calu Menéndez, Pablo Uriarte, Tomás Tercani, Soledad Landini IMPRESIÓN IPESA S.A. Magallanes 1315 - C.A.B.A.

¡Pochoclos! Lo mejor tras un show agotador.

Desafiante. No te atrevas a quitarle su manzana.

En pijamas mientras revisa su agenda para el siguiente día.

CORREO Y SUSCRIPCIÓN Alte. Brown 5765 Ciudad . Mendoza . 5500 Tel. 0261 - 4238989 info@babelmag.com.ar www.babelmag.com.ar DEPARTAMENTO COMERCIAL Y PUBLICIDAD Adrián Mikonos 0261 - 4238990 DISTRIBUCIÓN Papeles S.A. Av. España 122 Ciudad . Mendoza BABEL no se hace responsable de las opiniones de sus colaboradores ni se identifica necesariamente con los trabajos publicados. Queda expresamente prohibido reproducir total o parcialmente los contenidos de las notas, ilustraciones o fotografías sin autorización de la editora.

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