EL DIBUJO
PREPARATORIO EN EL TRAZO ESPAﾃ前L
Mariano Minﾃｺsculo Colines
COLECCIÓN TOURNER
Guía de uso El trazo exploró el fotomontaje para el diseño de carteles y cubiertas de libros. Lo usó como una alternativa a la pintura y que se beneficiaba de su reproducción automática que le hacía tener una audiencia masiva. Fue en 1924, al emplear materiales cada vez más peculiares para sus fotomontajes cuando recurrió al empleo de la cámara fotográfica.
Instrucciones
el dibujo preparatorio
Arte en sí mismo El dibujo estuvo relegado a un papel secundario hasta el siglo XIX, momento en el que empieza a adquirir valor como arte en sí mismo. Hasta entonces, era visto sólo como el paso previo a la creación de obras de arte. En palabras de Francisco Recuenco “El dibujo es un tipo de obra que ha sido maltratada en la historia del arte, aunque es donde se percibe qué va a ser de los artistas que comienzan. El dibujo es un nexo del artista con la tradición y en él existe un aspecto académico indudable, en tanto que es previo a la definición de la obra de arte», además el dibujo «es un campo de experimentación para los creadores y una oportunidad para el conocimiento más íntimo del artista».
Magritte
Hoy en día, afortunadamente el dibujo es un arte en sí mismo, y prueba de ello son las innumerables exposiciones que los museos organizan alrededor de estas obras de arte en las que se exhiben, entre otros, los dibujos más representativos de las vanguardias artísticas de los siglos XIX y XX, de pintores como Goya, Degas, Van Gogh o Magritte.
s.XIX
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Prólogo
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Prólogo Son muchos los grandes maestros del dibujo, desde Francisco de Goya, Edgar Degas, Van Gogh, Gauguin, André Masson y René Magritte, hasta Andy Warhol, Henry Moore y Lucian Freud. Corrientes como el impresionismo y expresionismo dejan huella con maestros como Pissarro, Bonnard, Nolde, Munch, Kandinsky o Van Gogh. Son muchos los grandes maestros del dibujo, desde Francisco de Goya, Edgar Degas, Van Gogh, Gauguin, André Masson y René Magritte, hasta Andy Warhol, Henry Moore y Lucian Freud. Corrientes como el impresionismo y expresionismo dejan huella con maestros como Pissarro, Bonnard, Nolde, Munch, Kandinsky o Van Gogh. Dibujos como el retrato que Goya y Jajer Josefa Bayeu, en 1805 a lápiz, o el pastel de Degas “Después del baño o Bañista secándose”, “Joven arreglándose el pelo” de Matisse son joyas de la historia del dibujo contemporáneo. 01
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Recorrido histórico
El periodo más importante del dibujo fue el S. XVI que presenció, por razones de orden social y cultural, la plena madurez de su potencialidad. En la Italia humanística el dibujo se convirtió en el instrumento de investigación por excelencia y no sólo limitado a los complejos estudios de perspectiva de un Piero della Francesca o de un Paolo Uccello, sino llevado, con Leonardo, al análisis científico del hombre y del mundo natural. Leonardo fue el primero que llegó a una distinción razonada entre “diseño mental” o proyecto del artista, remitiéndose a la Idea neoplatónica.
Leonardo
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Miguel Ángel
El prestigio del dibujo
Mancha resulta fascinante no sólo porque refleja la primera idea del artista, sino porque, además, es imposible de falsificar, elemento muy importante a la hora de identificar o atribuir una obra. El dibujo por tanto, no fue sólo un instrumento de trabajo e investigación sino que asumió un valor por sí mismo, hasta el punto de que el propio Leonardo expuso en público un dibujo Leonardo para una santa Ana. Fue también Leonardo el que introdujo novedades fundamentales, tanto técnicas -como la sanguina, piedra blanda “que proviene de los montes alemanes” (Vasari) y que permitía realizar los dibujo con mayor facilidad y rapidez- como tipológicas, los llamados “presentation drawings” (o “dibujos magistrales”), llevados a cabo por encargo de personas pudientes o de amigos. El primero de estos dibujo, conocido a través de fuentes, es Neptuno realizado por Antonio Segni Leonardo para su amigo Antonio Segni, pero los más famosos son los donados por Miguel Ángel a Vittoria Colonna y Tommaso de Cavalieri: dibujos muy bien terminados que poco tienen que ver con el esbozo mitológico.
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El paso del dibujo contrapuesto al color véneto; el triunfo del artista, como cima suprema de la evolución artística descrita en las Vidas de Vasari, significó también el pleno reconocimiento del dibujo como actividad artística autónoma. Por una carta de Miguel Ángel a su hermano sabemos que el magnifico dibujo de La batalla de Cascina (1503) estaba guardado bajo llave: Vasari recuerda cómo, muy pronto, se convirtió en la academia de las jóvenes generaciones.
Vasari
Estos hechos son la prueba evidente del prestig- Correlación artística io que alcanzó el dibujo como expresión directa del genio del artista, valor imprescindiblemente ligado al nuevo interés por la originalidad de la invención compositiva. Desde luego, la contraposición vasariana entre dibujo florentino y color véneto era artificiosa, como lo demuestran los espléndidos dibujos de Carpaccio y Tiziano; pero es un hecho que la mayor parte de las hojas de los S. XV y XVI, llegadas hasta nosotros, pertenecen a maestros toscanos. Este hecho está relacionado, en parte, con el precoz desarrollo del coleccionismo -de Ghiberti a Vasari, de los Médicis a otros nobles florentinosy con el reconocimiento teórico de la utilidad y
Ghiberti
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autonomía del dibujo que, según Vasari, es “el padre de las tres artes”. Goya es quizás el último de los grandes dibujantes clásicos. En los dibujo que realizó a partir de su enfermedad -recogidos en álbumes y realizados preferentemente a la aguada de tinta china a pincel y, más adelante, a la sepiase refleja su extraordinario potencial creativo.
Degas
Hacia mediados del S. XIX el dibujo entró en crisis, en parte a causa de la difusión de la fitografía y en parte por la decadencia de la enseñanza académica. Pintores como E. Delacroix y T. Gericault consideraron más indicado afrontar directamente el esbozo; y aunque los grandes artistas de los S. XIX y XX, como Degas, Cézanne, Picasso y Klee, continuaron dibujando, por lo general, el arte del dibujo acabó reducido al campo de los carteles, la publicidad, la arquitectura y el diseño arte del dibujo acabó reducido. Hacia mediados del S. XIX el dibujo entró en crisis, en parte a causa de la difusión de la fitografía y en parte por la decadencia de la enseñanza académica. Pintores como E. Delacroix y T. Gericault consideraron más indica-
Hacia mediados del S. XIX el dibujo entró en crisis, en parte a causa de la difusión de la fitografía y en parte por la decadencia de la enseñanza académica de este lugar maravilloso.
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Goya
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Klee
do afrontar directamente el esbozo; y aunque los grandes artistas de los S. XIX y XX, como Degas, Cézanne, Picasso y Klee, continuaron dibujando, por lo general, el arte del dibujo acabó reducido al campo de los carteles, la publicidad, la arquitectura y el diseño arte del dibujo acabó reducido.
Cézanne
Degas
Picasso
Klee
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Italia y el Renacimiento
Klee
En el Renacimiento comenzó a otorgarse importancia al dibujo hasta el siglo XIX, momento en el que empieza a adquirir valor como arte en sí mismo. Hasta entonces, era visto sólo como el paso previo a la creación de obras de arte. En palabras de Francisco Recuenco “El dibujo es un tipo de obra que ha sido maltratada en la historia del arte, aunque es donde se percibe qué va a ser de los artistas que comienzan. El dibujo es un nexo del artista con la tradición y en él existe un aspecto académico indudable, en tanto que es previo a la definición de la obra de arte», además el dibujo «es un campo de experimentación para los creadores y una oportunidad para el conocimiento más íntimo del artista».
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España
Recuenco
En España, por otro lado importancia al dibujo hasta el siglo XIX, momento en el que empieza a adquirir valor como arte en sí mismo. Hasta entonces, era visto sólo como el paso previo a la creación de obras de arte. En palabras de Francisco Recuenco “El dibujo es un tipo de obra que ha sido maltratada en la historia del arte, aunque es donde se percibe qué va a ser de los artistas que comienzan. El dibujo es un nexo del artista con la tradición y en él existe un aspecto académico indudable, en tanto que es previo a la definición de la obra de arte», además el dibujo «es un campo de experimentación para los creadores y una oportunidad para el conocimiento más íntimo del artista».
La importancia al dibujo hasta el siglo XIX, momento en el que empieza a adquirir valor como arte en sí mismo. Hasta entonces, era visto sólo como el paso previo a la creación de obras de arte. En palabras de Francisco Recuenco “El dibujo es un tipo de obra que ha sido maltratada en la historia del arte, aunque es donde se percibe qué va a ser de los artistas que comienzan de nuevo en este lugar.
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Personas Leonardo da Vinci
Uno de los grandes genios de la humanidad. Su gran curiosidad se manifestó de niño dibujando animales mitológicos. Pintor, escultor y creador de técnicas mecánicas. En la corte de Ludovico Sforza 1482, fue su periodo de gran creatividad con proyectos de hidráulica, mecánica, creación de laúdes y como no, la pintura y escultura.
A la muerte de Giuliano de Médicis; Francisco I de Francia se lo levó como primer arquitécto y mecánico del rey. El gran respeto que Francisco I le tenía, hizo que pasase sus últimos años de vida como un miembro más de la corte y no como empleado. El método científico de Leonardo se basaba fundamentalmente en la observación, «la ciencia fue el capitán, la práctica fue Sus últimos años los pasó en Roma el soldado».23 Sus investigaciones y en Francia. En el Vaticano vivió científicas no se refieren exclusiun periodo tranquilo, dibujo mapas, vamente más que a lo que ha estaestudio antiguos monumentos ro- do acompañado de la práctica.11 manos y diseñó residencias para los Leonardo intentó comprender los Médicis, entre otros. fenómenos describiéndolos e ilustrándolos con mucho detalle, no insistiendo demasiado en las explicaciones teóricas. Sus estudios sobre el vuelo de los pájaros. Médicis
Vaticanas
Hijo de un pintor de modesta relevancia, fue considerado un niño prodigio por su precoz habilidad y al quedar huérfano se formó en los talleres de varios artistas de prestigio. la perfección y gracia de sus artes visuales, destacando siempre.
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Rafael Artístico.6 Junto con Miguel Ángel y Leonardo da Vinci forma el trío de los grandes maestros del período.7 Vasari dice que Rafael llegó a tener un taller con cincuenta pupilos y ayudantes, muchos de los cuales llegarían a ser después importantes posiblemente, el mayor taller reunido bajo el magisterio de un único gran maestro de la pintura, y mu- Vasari cho mayor de lo habitual. Incluía destacados pintores provenientes de otras regiones de Italia, que probablemente trabajaban con sus propios equipos como subcontratistas, así como aprendices y obreros. Hay poca información sobre el taller y sobre su organización interna, aparte de las mismas obras de arte, a menudo difíciles de atribuir a la intervención de un artista concreto información información 12 información certera.
Italia
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Uno de los problemas más frecuentes en la colección de dibujos de Goya del Museo es la presencia de antiguos montajes que dañan la estabilidad del papel, provocando ondulaciones y amarilleos, o que impiden ver la hoja completamente.
Goya Museo del Prado
En este caso, un segundo soporte adherido al dorso de La calle, h. 18001808 había ocultado la existencia de otro dibujo, que solo ha sido identificado con motivo de la revisión de la obra para la elaboración del nuevo sitio web alojado dentro de la página institucional del Museo dedicado exclusivamente a Goya.
Retiro
Tras separar el dibujo de su antiguo soporte se ha podido apreciar, entre un sello a tinta, dobleces del papel y restos de adhesivos, un boceto a sanguina con los volúmenes del recién construido Real Observatorio Astronómico de Juan de Villanueva en el parque del Retiro. Con su restauración, el Museo del Prado ha ganado un nuevo dibujo de Goya.
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Picasso
Picasso es uno de los más destacados y fecundos dibujantes de la historia del arte. Esta faceta es fundamental para entender el resto de su obra, pues la visión de conjunto de sus dibujos nos permite seguir, paso a paso, el desarrollo de sus ideas y la gestación de grandes composiciones pictóricas. Podría decirse que Picasso pensaba dibujando, que su mano era una extensión de su mente, siempre en efervescente búsqueda creativa, en constante trasformación. Pero no debe olvidarse que muy a menudo estas obras son autónomas, concebidas como un fin en sí mismas. Empleó todo tipo de técnicas (mina de plomo, lápiz negro o de color, carbón, pluma, pincel, tinta
Carbón
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Pluma
china, aguada, acuarela, gouache) y de soportes (papel de dibujo, de carta, lienzo, cartón, servilletas, hojas de eriódicos y revistas, todo lo que encontraba a su alcance), pero la principal de sus experimentaciones fue la conceptual. Muchos de sus dibujos se plasmaron en cuadernos: se conocen 175, creados entre 1894 y 1967; algunos, lo suficientemente pequeños como para llevárselos siempre encima y permitirle anotar sus interpretaciones del entorno; los más grandes, cosidos o con espiral, los tenía en su estudio y los usaba para realizar bocetos preparatorios e intermedios de pinturas o esculturas. Pero es difícil hablar de “bocetos” en Picasso: sus innumerables formulaciones e invenciones son más bien incesantes experiencias artísticas.
Pincel
Gouache
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Kandinsky
espíritu
El dibujo como medio de expresión en sí, se dirigen y conducen a un fin, y ese fin sólo se alcanza con la ejecución. Su esencia es el ritmo. Una vez concluido, hace q que este movimiento continúe su balanceo más allá del trazo que le da forma concreta y confiere duración a sus vibraciones.
Su origen mismo es movimiento, se manifiesta a partir de una necesidad repentina, de un impulso que le obliga a seguir todas las modulaciones de su ímpetu original, a engendrar su propio espacio y ser absorbido por él. No hay fraude en la obra de Kandinsky (no se puede decir lo mismo de todo el arte abstracto). Él sentía los colores, disfrutaba de los cuadros. El siguiente comentario surge de lo más profundo de su alma: En general el color es un medio para sensibilizar directamente al espíritu. El color es la tecla. El ojo es el martillo grande.
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Epílogo El siglo XX ha sido la etapa de la historia del arte que más ha corrido en la sucesión de estilos y tendencias artísticas, de forma que encontramos numerosas en un espacio de tiempo relativamente corto. Algunos artistas de dilatada vida profesional han pasado por muchas diversas fases, abrazando diferentes estilos cuando surgían y abandonándolos por otros nuevos cuando lo consideraban conveniente según la época. En general podemos decir que todas estas vanguardias presentan una gran originalidad, los pintores representativos de todos estos movimientos estaban permanentemente ensayando e investigando nuevas formas, materiales, conceptos, etc. Algunos eran figurativos (reflejan la realidad más o menos fielmente) y otros abstractos (se apartan de ella).
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SNAVELY, B.B. “Continuous-Wave Dye lasers I”. En: SCHÄFER, F.P. (ed). Dye lasers. Berlin: Springer, 1990. p. 91-120. TEROL ESTEBAN, Alberto. “El nuevo modelo de financiación autonómica : una aproximación desde el punto de vista del empresario-contribuyente”. Dins: XX Aniversario del Círculo de Empresarios, 20 temas para el futuro. Madrid : Círculo de Empresarios, 1997. p. 85-92 TOPECAKI, B.B. “Wave Dye lasers I”. En: SCHÄFER, F.P. (ed). Dye lasers. Berlin: Springer, 1956. p. 91-120. BEKERMAN, B.B. “Continuous-Wave Dye lasers IIII”. En: SCHÄFER, F.P. (ed). Dye lasers. Berlin: Springer, 1990. p. 91-120. TIGRESA DEL ORIENTE, B.B. “Continuous-Wave Dye lasers I”. En: SCHÄFER, F.P. (ed). Dye lasers. Berlin: Springer, 1980. ALPINEZ, Federico. “El nuevo modelo de financiación autonómica : una aproximación desde el punto de vista del empresario-contribuyente”. Dins: XX Aniversario del Círculo de Empresarios, 20 temas para el futuro. Madrid : Círculo de Empresarios, 1997. p. 85-92
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BibliografĂa
Goya
Ribera Carb贸n
Pluma