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Anno III - N. 16 Maggio 2021 Seguici sui social Riflettori su...

GREG GERMAIN

MAGAZINE DI CULTURA E SPETTACOLO DIRETTO DA SILVIA AROSIO MAGAZINE DE CULTURE E SPECTACLE RÉALISÉ PAR SILVIA AROSIO

NUMERO SPECIALE DEDICATO AL TEATRO FRANCESE NUMÉRO SPÉCIAL DÉDIÉ AU THÉÂTRE FRANÇAIS

BERNADETTE - IL MUSICAL

STEPHAN JARNY

a i c n a r F Focus

INTERVISTE●ANTICIPAZIONI●CASTING●PERSONAGGI●TOURNÉE●LIBRI

SOMMARIO

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BERNADETTE DE LOURDES

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RENZO MUSUMECI GRECO

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GREG GERMAIN

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LE GRANDI OPERE POPOLARI

Riflettori su...

MAGAZINE DI CULTURA E SPETTACOLO Anno 3 - Numero 16 - Maggio 2021 • Supplemento alla testata www.silviaarosio.com (Reg. al Tribunale di Milano n°249 del 21/11/2019) • Direttore Responsabile: Silvia Arosio • Art Director, Grafica & Impaginazione: Daniele Colzani Contatti: riflettorisumagazine@gmail.com • Contributors: Christine Grimandi - Simon Lee - Antonello Risati - Agnese Omodei Salè - Filippo Sorcinelli - Maurizio Tamellini - Angela Valentino Federico Veratti • Hanno collaborato: gipeto - Emanuela Cattaneo - Angelica Jasmine Colombo - Andrea Iannuzzi - Maria Olivero - Luca Varani - Pixabay Red Communications Edizione Digitale: www.issuu.com/riflettorisu

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STEPHAN JARNY

Il magazine Riflettori su... è stampato su prodotti certificati FSC e PEFC

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JOSEPHINE BAKER

MARCO DAVERIO

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RAPHAEL SANCHEZ

ASIA RUFFO DI CALABRIA

78 58

50

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FEDERICA NARDONI SPINETTA

ors t u b i r t n o I nostri c

130 - IL DANZATORE

146 - LA TRUCCATRICE

134 - LA COREOGRAFA 150 - LO SCENOGRAFO 138 - IL COSTUMISTA

154 - PAROLE D'ARTISTA

142 - STUPORI E ODORI 158 - FOCUS 4

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TRADIZIONI

ACCADEMIA DI FRANCIA

100

104

HOTEL NEGRESCO

STUDIOS DE LA VICTORINE

ue Spassoad

gipeto INCONTRA

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FESTIVAL DEI GIARDINI

a e ancor

162 - RADIORAMA

92

...

164 - SONAR DISCHI 5

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SIMONA LOMBARDO

LA VOCE DEL DIRETTORE

La vie en rose, le baguettes, la joie de vivre

TUTTI A PARIGI VORREBBERO ESSERE ATTORI E NESSUNO SPETTATORE.” (JEAN COCTEAU)

cultura e sfatando dei modelli mentali che a volte ci siamo fatti sulla Francia. Toccheremo musical, teatro impegnato anche d’oltremare, dell’Opera e della danza; parleremo delle tradizioni e dell’arte, intervisteremo attori, produttori, registi francesi o che hanno lavorato in Francia.

Ci rilasseremo con un articolo sulla moda e una sui cliché, in qualche modo divertenti, e sugli aneddoti, ma attingeremo anche dalla tradizione cinematografica e turistica della Costa Azzurra. Il tutto rigorosamente in italiano e francese, a partire da queste mie parole.

Il giornale, infatti, arriverà

© Photo Pexels da Pixabay

C

osa pensate, quando vi parlano della Francia, al di là dei cliché e degli stereotipi sui nostri cugini d’Oltralpe?

Quanto la cultura, il teatro, lo spettacolo dal vivo, l’arte è importante pe Parigi, la ville lumière così egocentrica ed accentratrice, forte ed altezzosa come la sua Tour Eiffel, ricca e sfarzosa come l’Opéra Garnier, maestosa ed oggi ferita come Notre Dame, allegra e maliziosa come il Moulin Rouge? Per una serie di fortunati eventi, mi sono trovata tra le mani, tra marzo ed aprile, diversi spettacoli che in qualche modo avevano a che fare con la Francia.

Da Bernadette de Lourdes che arriverà in Italia (e siamo stati i primi ad annunciarlo su www.silviaarosio.com) a I Lombardi alla Prima Crociate, Opera italianissima in scena a Montecarlo, fino al teatro Off di Avignone con Greg Germain.

E siccome nulla accade per caso e i segnali vanno seguiti, ecco qui, un numero speciale del nostro magazine, tutto dedicato alla Francia ed ai rapporti della Francia con l’Italia, nell’ambito dello spettacolo dal vivo.

Impossibile ripercorrere tutta la vastità della cultura francese, ma in questo speciale abbiamo voluto gettare un occhio sul passato, con uno sguardo al presente e al futuro, cercando di raccontare la storia della

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anche in Francia: e chissà che penseranno gli artisti di lì del nostro spettacolo italiano?

Credo sarà utile non solo al pubblico, ma anche agli artisti italiani che vogliano, magari provare a lavorare all’ombra della Tour Eiffel... E per chi mi chiede ancora un altro perché, rispondo allegramente “Et pourquoi pas?” • RS

Silvia Arosio

LA VOIX DU DIRECTEUR

Q

ue pensez-vous, quand ils vous parlent de la France, au-delà des clichés et des stéréotypes sur nos cousins à travers les Alpes ? Quelle est l’importance de la culture, du théâtre, du spectacle vivant, de l’art pour Paris, de la villa lumière si égocentrique et centralisante, aussi forte et hautaine que sa Tour Eiffel, aussi riche et fastueuses que l’Opéra Garnier, majestueuse et aujourd’hui blessée comme Notre-Dame, joyeuse et espiègle que le Moulin Rouge?

Pour une série d’événements chanceux, je me suis retrouvé entre les mains, entre mars et avril, plusieurs spectacles qui avaient en quelque sorte à voir avec la France. De Bernadette de Lourdes arrivée en Italie (et nous avons été les premiers à l’annoncer le www.silviaarosio.com) à I Lombardi alla Prima Crociata, Opéra italiienne mis en scène à Montecarlo, jusqu’au Off théâtre d’Avignon avec Greg Germain

Et comme rien ne se passe par hasard et que les signaux doivent être suivis, voici un numéro spécial de notre magazine, tous consacrés aux relations de la France et de la France avec l’Italie, dans le cadre du divertissement en direct. Il est impossible de retracer l’immensité de la culture Français, mais dans ce spécial, nous voulions jeter un regard sur le passé, avec un regard sur le présent et l’avenir, en essayant de raconter l’histoire de la culture et en démystifiant les modèles mentaux que nous avons parfois faits sur la France.

Nous toucherons aux comédies musicales, au théâtre également engagé à l’étranger, à l’opéra et à la danse; nous parlerons des traditions et de l’art, nous interrogerons des acteurs, des producteurs, Français réalisateurs ou qui ont travaillé en France.

Nous nous chercherons de relaxer avec un article sur la mode et un article sur les clichés, un peu drôle, et des

© Photo Pete Linforth da Pixabay

"TOUT LE MONDE À PARIS VOUDRAIT ÊTRE ACTEURS ET PAS DE SPECTATEURS” (JEAN COCTEAU)

anecdotes, mais nous allons aussi puiser dans le film et la tradition touristique de la Français Riviera. Le tout strictement en italien et Français, à partir de ces mots de la mienne. Le journal, en effet, arrivera aussi en France : et qui sait ce que les artistes là-bas vont penser de notre spectacle italien?

Je pense qu’il sera utile non seulement au public, mais aussi aux artistes italiens qui veulent, peut-être essayer de travailler dans l’ombre de la Tour Eiffel...

Et pour ceux qui me demandent encore une autre raison, je réponds joyeusement «Et pourquoi pas?» • RS

Silvia Arosio

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ANTEPRIME

Il messaggio univerdale di Bernadette

De Lourdes

DALLA FRANCIA ALL’ITALIA, SI RIPARTE CON UN GRANDE MUSICAL

N

el 2019, siamo stati tra i primi in Italia a parlare, su queste pagine, di Bernadette De Lourdes. Ora lo spettacolo sarà messo in scena nella nostra nazione e si cerca il cast italiano.

“Penso che quello che lo spettacolo trasmette, l’emozione di questo personaggio, la sua potenza, la sua combattività, e forse anche questo bisogno di spiritualità, senza parlare di religione, ma solo del fatto di essere connesso a una cosa che non sia visibile, abbia veramente un posto fondamentale in questo mondo di dopo-crisi del Covid” - afferma Roberto Ciurleo Co-produttore del progetto in Francia (insieme a Éléonore de Galard), che ci racconta la

genesi e l’evoluzione del musical. La regia è di Serge Denoncourt e le musiche sono di Grégoire.

Innanzitutto, come ha vissuto questo stop dovuto alla pandemia?

Non poter produrre nel 2020 era veramente tristissimo, un po’ come per ogni produttore di spettacoli immagino. Stavamo per accogliere 200.000 spettatori a Lourdes per la seconda stagione, e tutto il casting e la produzione erano lietissimi di ritornare nella città di Lourdes per recitare lo spettacolo e sentire le emozioni degli spettatori e con gli spettatori.

Perché un musical su Bernadette?

Nel 2010 facevamo le pro-

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ve a quarantacinque minuti di Lourdes per un altro spettacolo, Robin des Bois (Robin Hood). Mia nonna pregava la Madonna di Lourdes, in particolare per me, e io non conoscevo né la città di Lourdes né il santuario. Ho deciso di andarci poiché non ero molto lontano, e tutto il casting di Robin des Bois mi ha seguito.

Ci siamo trovati alla fine di novembre davanti alla grotta e qui ho visto l’emozione incredibile di quelle e quelli che mi accompagnavano. Eppure, c’erano credenti, non credenti, e fedeli di altre religioni.

Poi una delle persone qui con noi ci ha chiesto: «Ma qual’ è la storia di questa piccola Bernadette» Gli abbiamo raccontato la storia, poi que-

di SIlvia Arosio

sta stessa persona ci ha detto «Sarebbe una bella commedia musicale». Eléonore de Galard, mia socia, disse: «Sentite, se Robin des Bois è un successo, forse sarà grazie a Bernadette de Lourdes. Bisognerà ringraziare». Robin des Bois fu un successo enorme, e ci siamo detti che dovevamo mantenere la parola data, e produrre questo spettacolo.

So che lo spettacolo ha avuto un successo straordinario: possiamo dare qualche numero? È vero che dopo nove anni di lavoro non sapevamo più che cosa aspettarci. Ma gli spettatori erano presenti, dato che sono stati più di 100 000 in tredici settimane, nel nostro piccolo teatro di 1 400 persone. E, ciò che era incredibile, che oltre il pubblico, c’era anche tutta la stampa, mentre per nove anni abbiamo faticato a farla interessare all’argomento. Siamo felicissimi di questo successo, e siamo lieti perché questa storia di Bernadette è estremamente contemporanea, infatti si rivolge veramente a noi tutti e specialmente ai giovani.

IL VIDEO / LE VIDEO

Inquadra il QRcode e guarda il video del brano Pourquoi moi?

Encadrez le QRcode et regardez la vidéo du chanson Pourquoi moi?

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Avete presentato il progetto a Papa Francesco?

Un momento indimenticabile per il cast e per noi produttori fu questo viaggio a Roma e al Vaticano per incontrare il Papa. Era nel 28 novembre 2019, dopo la nostra prima stagione. Abbiamo vissuto un momento assolutamente eccezionale, soprattutto durante l’incontro tra Eyma, che interpreta Bernadette, e il Papa.

Il Papa stava ascoltando ciò che gli stava dicendo la giovane Eyma, poi lei ha iniziato a cantare brani di una canzone che la gente adora nello spettacolo, e che si intitola Madame.

Abbiamo visto l’emozione del Papa, e abbiamo capito che si è commosso, ed eravamo molto onorati da questo.

Non dimenticheremo mai quest’incontro a Roma.

Come è stato scelto il cast francese?

Per realizzare il casting in Francia, abbiamo lavorato con Bruno Berberes, che si occupa dei casting dei grandi musical ma anche quelli delle trasmissioni televisive, tra cui The Voice France.

La cosa più difficile è stata trovare una ragazza per interpretare la parte di Bernadette. Infatti, bisognava trovare una ragazza che fosse giovane e fosse capace di cantare e recitare, perché ci sono molti dialoghi, tra cui testi estratti dagli interrogatori dell’epoca. Quindi abbiamo organizzato un grande casting e abbiamo ascoltato e visto circa duecento ragazze prima di trovare e selezionare Eyma.

Per gli altri membri del cast, alcuni sono attori che conoscevamo già, poiché avevamo già

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fatto spettacoli con loro; altri li abbiamo scoperti durante questo casting. Ma la sfida più grande era di chiedere loro di vivere per cinque mesi a Lourdes per poter recitare nello spettacolo.

All’inizio, molti avevano un po’ paura, ma quando lo spettacolo è iniziato e hanno visto l’impatto che aveva sul pubblico e le emozioni che sentivano loro stessi, alla fine del primo anno non pensavano a nient’ altro che ricominciare per la nuova stagione a Lourdes.

Come definisce lo spettacolo? E’ una commedia musicale o un’opera popolare?

Questo spettacolo assomiglia esattamente a quello che si può vedere al West End di Londra o a Broadway. Il lavoro di Serge Denoncourt, il nostro regista quebecchese, consiste nel poter

CHI È EYMA...

• Eyma ha 16 anni e canta fin dalla sua più tenera età. Il suo mondo musicale: Pop Rock.

Adèle, Rihanna, Bruno Mars e Sam Smith sono i suoi riferimenti.

Dall’età di dieci anni, calca le scene associative e le scene aperte. Nel 2015 vince la finale del trampolino di lancio musicale Plus 2 Talents nella categoria junior. È già apparsa su qualche scena parigina come Le Caveau des Artistes, Le Connétable o Le Sentier des Halles.

• Selezionata per partecipare alla trasmissione The Voice Kids 2, Patrick Fiori girerà la sua poltrona sulla sua prestazione e la condurrà fino agli spareggi.

Nel 2016, in occasione di un festival, rappresenta la Francia all’Opera House di Sydney, quindi lo stesso anno si esibirà al Casino di Parigi. Nel 2017 partecipa a una data della tournée The Voice al teatro Antico di Orange.

• In Bernadette de Lourdes, Eyma è una giovane adolescente come tante altre che vivrà un’esperienza unica e sconvolgente.

raccontare una storia che non parli soltanto solamente ai cattolici, ma al più grande pubblico, perché quelli che conoscono o meno la storia possano scoprire uno spettacolo musicale che li commuova.

Si tratta soprattutto dell’incontro con una ragazza incredibile di tredici anni, che parlava appena francese, era malata, e viveva nella famiglia sicuramente più povera di Lourdes.

Un giorno vedrà qualcosa e da questo momento sarà vittima di numerosissime pressioni attraverso interrogatori del commissario e del procuratore. A quest’epoca diventò un affare di stato, poiché anche l’imperatore Napoleone III ebbe conoscenza di questa storia. Immaginare ciò che questa ragazzina avrebbe potuto subire in questo periodo, e vederlo sulla scena è molto impressionante per la gente. E uno spettacolo molto attuale, molte persone possono riconoscersi in Bernadette Soubirous.

Perché ha deciso di portare lo spettacolo in Italia?

Sono di origine italiana, i miei genitori sono italiani, e ho passato tutta la mia infanzia in Italia durante le vacanze. Ovviamente, come ogni italiano, conoscevo la Madonna di Lourdes, che è il luogo per eccellenza di pellegrinaggio degli italiani. Del resto, si dice spesso che Lourdes è una città più italiana che francese. Per noi era ovvio immaginare un adattamento per l’Italia.

Ciò è ancora più vero poiché da qualche anno, con le diversi crisi, prima la crisi economica, ora la crisi sanitaria, la gente non può più permettersi di viaggiare; allora era importante che Lourdes venisse da loro.

Durante la prima stagione a Lourdes, lo spettacolo era sovratitolato in diverse lingue, tra cui l'italiano, e migliaia di spettatori italiani hanno visto lo spettacolo. Abbiamo capito a che punto questa storia li toccava. Era una

storia per l’Italia: andare in Italia con una versione italiana ci sembrava del tutto naturale.

La Produzione Esecutiva in Italia sarà curata da Lara Carissimi. Come avete scelto la coproduzione in Italia?

Ci sembrava molto importante di avere accanto a noi grandi professionisti dello spettacolo che accettassero di portare un musical che può sembrare a prima vista un po’ diverso. Molto presto abbiamo deciso di associarsi con Fatima Lucarini che ci rappresenterà in Italia e lavorerà sulla preproduzione, la comunicazione ed i casting che lanceremo presto (nda seguite www. silviaarosio.com). Quelli che poi sono diventati i soci italiani quando hanno sentito parlare dello spettacolo hanno detto che, con una tematica come quella, era uno spettacolo perfetto per l’Italia. Siamo molto felici di avere Lara Carissimi (La Divina Commedia l’Opera) con noi!

Lo spettacolo sarà in italiano e le traduzioni saranno cu-

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rate da Vincenzo Incenzo.

Lo spettacolo presentato in Italia sarà integralmente in versione italiana, adattato per l’italiano. La scelta è caduta su Vincenzo Incenzo. Parliamo di una traduzione e di un adattamento molto complessi, perché il successo dello spettacolo risiede nella forza delle canzoni e del testo. Con parole semplici ma profonde hanno provocato un’emozione e un legame fortissimo con gli spettatori. Del resto, queste canzoni toccano gente di chiesa così come persone che non credono. Siamo sicuri che Vincenzo, potrà lavorare conservando il significato della minima parola, della minima virgola della sceneggiatura dello spettacolo.

Quale tipo di attori state cercando?

Il cast di Bernadette è veramente costituito da artisti completi, che possano cantare e recitare, secondo la pura tradizione del teatro musicale. Cerchiamo grandi attori e grandi cantanti.

La sfida più importante è trovare l’interprete di Bernadette. Questa ragazza porta sulle sue spalle quasi tutto lo spettacolo, perché rimane sulla scena l’80 % del tempo, e passa dalla recitazione al canto, cosa che rappresenta un esercizio molto difficile.

Quante persone ci saranno sulla scena tra ballerini e cantanti?

Ci saranno sulla scena un po’ più di venti persone, cantanti e attori. Non ci sono esattamente ballerini, anche se lo spettacolo è stilizzato e coreografato a modo suo. È un’opera bellissima, la cui visuale è genuina e semplice, un po’ come i quadri del Caravaggio. La potenza degli attori, il loro modo di recitare e loro voci, sono veramente quello che fa la forza dello spettacolo.

La versione francese è davvero impressionante. Sarà così anche in Italia? Perché avete deciso di investire in uno spettacolo così grande proprio adesso?

Quello che vogliamo fare è poter ritrovare la totalità delle emozioni e della potenza di questo spettacolo in italiano,

ovviamente senza perdere niente. Per noi è molto importante farlo adesso, dopo il periodo che abbiamo vissuto e che viviamo ancora un po’. Penso che quello che lo spettacolo trasmette, l’emozione di questo personaggio, la sua potenza, la sua combattività, e forse anche questo bisogno di spiritualità, senza parlare di religione, ma solo del fatto di essere connesso a una cosa che non sia visibile, abbia veramente il suo posto in questo mondo di dopo-crisi del covid.

Tipicamente Bernadette de Lourdes è uno spettacolo che poteva arrivare in Italia dopo quello che abbiamo vissuto.

Credo che gli italiani apprezzeranno il ricordo della storia di Lourdes, sia perché hanno l’abitudine di andarci ma hanno un po’ dimenticato Bernadette, sia che non conoscano la storia ma ne abbiano già sentito parlare, magari perché c’è una piccola

statua della Madonna di Lourdes a casa loro o dai nonni o da una zia. Quindi penso che questo spettacolo toccherà la gente nel più profondo dei cuori.

Quando potremo vederlo al teatro?

Lo spettacolo arriverà in Italia in ottobre 2022, saremo al Brancaccio per quasi tre mesi, e poi partiremo in tour in tutta l’Italia. Speriamo che lo spettacolo girerà a lungo per questo paese, perché Lourdes è il luogo per eccellenza di pellegrinaggio degli italiani. • RS

WWW.BERNADETTEDELOURDES.FR 12

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MAGAZINE DI CULTURA E SPETTACOLO

Teatro, musica

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APERÇU

Le message universel de

Bernadette

De

Lourdes

DE LA FRANCE À L'ITALIE, ON RECOMMENCE AVEC UNE GRANDE COMÉDIE MUSICALE

E

n 2019, nous avons parlé, parmi les premiers en Italie, de Bernadette De Lourdes sur ces pages. Maintenant, le spectacle sera mis en scène dans notre nation et on cherche les acteurs italiens.

«Je pense que ce que le spectacle véhicule, l’émotion de ce personnage, sa puissance, sa combativité, et peut-être aussi ce besoin de spiritualité, sans parler de la religion, mais seulement le fait d’être connecté à quelque chose qui n’est pas visible, a vraiment une place fondamentale dans ce monde de crise post-Covid » - dit Roberto Ciurleo Co-producteur du projet en France (avec Éléonore de Galard), qui nous parle de la genèse et de l’évolution de la comédie musicale. Mise en scène de Serge Denoncourt et musique de Grégoire Tout d’abord comment avez-vous vécu l’expérience de cet arrêt en raison de la pandémie?

Ne pas jouer en 2020, c’était vraiment quelque chose de très triste, un peu comme pour tous les producteurs de spectacle j’imagine. Nous allions accueillir environs 200.000 spectateurs à Lourdes pour cette deuxième saison, et toute la troupe et toute la production étaient vraiment très heureuses de repasser dans cette ville de Lourdes à jouer ce spectacle et à ressentir les émotions des spectateurs et avec les spectateurs.

Pourquoi une comédie musicale sur Bernadette est-elle née?

En 2010 nous étions en répétitions à trois quarts d’heure de Lourdes, pour un tout autre spectacle, Robin des Bois. Ma grand-mère priait, notamment pour moi, ND de Lourdes, et je ne connaissais pas la ville de Lourdes et le sanctuaire. J’ai décidé de m’y rendre puisque je n’étais pas très loin, et toute la troupe de Robin des Bois m’a suivi. Nous nous sommes retrouvés fin novembre devant la grotte, et là j’ai vu une émotion incroyable de celles et ceux qui m’accompagnaient. Pourtant il y avait des croyants, des non

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croyants ou d’autres religions.

Et une des personnes présentes avec nous a dit : «mais quelle est l’histoire de cette petite Bernadette?» On a raconté l’histoire et là cette même personne nous a dit «Ça ferait une bonne comédie musicale» et Éléonore de Galard, mon associée, m’a dit «Écoutez, si Robin des Bois est un succès, ce sera peut être grâce à Bernadette de Lourdes et il faudra remercier.» Robin des Bois a été un énorme succès, et on s’est dit «il faut qu’on tienne parole, et qu’on produise ce spectacle».

de Silvia Arosio

téresser au sujet. On est très très heureux de ce succès et on est contents parce que cette histoire de Bernadette est extrêmement contemporaine, en Roberto fait elle s’adresse vraiment à nous tous aujourd’hui et Ciurleo spécialement aux jeunes.

Avez-vous présenté le projet au Pape François ?

Un moment inoubliable pour toute la troupe et pour nous tous, producteurs, c’est ce déplacement à Rome, au Vatican, pour Je sais que le spectacle a rencontrer le Pape. C’était le eu un succès extraordinaire: 28 novembre 2019, après notre peut-on faire quelques chif- première saison, et on a vécu un fres? moment totalement exceptionC’est vrai qu’après 9 ans de nel, notamment une rencontre travail, on ne savait plus à quoi entre Eyma, qui joue le rôle de s’attendre et les spectateurs ont Bernadette et le pape. été au rendez-vous, puisqu’il y Le Pape était à l’écoute de a eu plus de 100.000 personnes ce que lui racontait la petite en treize semaines, c’est un petit Eyma et puis elle a commencé théâtre de 1 400 personnes. Et à chanter quelques notes d’une ce qui est fou c’est qu’au-delà chanson que les gens adorent du public, la presse également dans le spectacle qui s’appelle était au rendez-vous unanime, Madame, et on a vu l’émotion alors que pendant 9 ans on avait du pape, on a compris que cela quand même du mal à l’in- l’avait touché et pour le coup on

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était très très honorés de ça, alors on n’oubliera jamais cette rencontre à Rome.

Comment le casting français a-t-il été choisi ?

Pour réaliser le casting en France, on a travaillé avec Bruno Berberes, qui est celui qui s’occupe des castings des grosses comédies musicales, mais aussi des émissions comme The Voice. Le plus compliqué était de trouver une jeune fille pour interpréter le rôle de Bernadette, puisqu’il fallait une fille qui fasse jeune et qui puisse chanter et jouer la comédie, car il y a énormément de textes, et notamment des dialogues qui sont tirés de procès verbaux de l’époque.

Nous avons donc lancé un grand casting et nous avons écouté et vu plus de 200 jeunes filles avant de trouver et sélectionner Eyma.

Pour les autres membres du casting, il y a eu certains acteurs que nous connaissions, puisque nous avions déjà fait quelques spectacles avec eux, et certains

qui se sont révélés pendant ce casting. Mais ce qui était un défi, c’était aussi de leur demander de vivre 5 mois à Lourdes pour pouvoir jouer ce spectacle.

Beaucoup au début avaient un peu peur de ça, mais quand le spectacle a commencé et qu’ils ont vu l’impact que ça avait sur le public et les émotions qu’il ressentaient eux-mêmes en étant sur scène, à la fin de la première année ils ne pensaient plus qu’à une chose, de recommencer pour une nouvelle saison, à Lourdes.

Comment définissez-vous le spectacle? S’agit-il d’une comédie musical ou d’un opéra populaire?

Ce spectacle c’est un spectacle musical comme on peut en voir au West End de Londres, ou a Broadway. Le travail de Serge Denoncourt, metteur en scène québécois, c’était de pouvoir raconter une histoire qui ne s’adresse surtout pas qu’aux catholiques, mais au plus grand nombre, que ceux qui connaissent ou pas l’histoire puissent découvrir un spectacle musical qui les touche. C’est surtout la rencontre avec une jeune fille incroyable de 13 ans, qui parlait à peine français, était malade, et qui vivait dans la famille sans doute la plus pauvre de Lourdes, et qui un jour verra quelque

chose et à partir de ce moment là subira énormément de pression à travers des interrogatoires du commissaire, du procureur, et c’est à l’époque une affaire d’état, puisque cette histoire là remontera jusqu’à Napoléon III. On imagine un peu ce que cette jeune gamine a pu vivre pendant cette période, et le voir sur scène c’est très impressionnant pour les gens car c’est un spectacle très actuel. Beaucoup de jeunes peuvent se reconnaître en Bernadette Soubirous.

Pourquoi avez-vous décidé d’amener le spectacle en Italie ?

Je suis d’origine italienne, mes parents sont italiens, j’ai passé toute mon enfance en Italie pendant les vacances et bien évidemment comme tout italien je connaissais ND de Lourdes,

qui est le lieu de pèlerinage des italiens. D’ailleurs on dit souvent que Lourdes est plus une ville italienne que française. Il était pour nous évident d’imaginer une adaptation pour l’Italie, et c’est encore plus vrai puisque depuis quelques années, avec les différentes crises, la crise économique et maintenant la crise sanitaire, les gens ont moins les moyens de se déplacer, et il était important aussi que Lourdes puisse venir à eux.

Pendant la première exploitation à Lourdes, le spectacle était surtitré en plusieurs langues, et notamment en italien, des milliers de spectateurs italiens ont vu le spectacle et on a compris à quel point cette histoire les touchait. C’est une histoire pour l’Italie ; venir en Italie avec une version italienne du spectacle nous semblait tout à fait naturel.

La production exécutive en Italie sera organisée par Lara Carissimi. Comment avezvous choisi la co-production en Italie ?

Il nous semblait vraiment important d’avoir à nos côtés de grands professionnels du spectacle qui aient aussi envie de porter un spectacle qui peut, comme ça, paraître un peu différent.

Très rapidement nous avons décidé de nous associer avec notamment Fatima, qui allait être celle qui nous représente en Italie, qui va pouvoir avancer et travailler sur la pré production,

QUI EST EYMA • Eyma a 16 ans et chante depuis son enfance. Son univers musical: Pop Rock. Adèle, Rihanna, Bruno Mars et Sam Smith sont ses références.

Dès l’âge de dix ans, elle monte sur les scènes associatives et ouvertes.

En 2015, elle a gagné la finale de Plus 2 Talents dans la catégorie junior. Elle est déjà apparue sur une scène parisienne comme Le Caveau des Artistes, Le Connétable ou Le Sentier des Halles.

• Sélectionné pour participer à l’émission The Voice Kids 2, Patrick Fiori tournera sa chaise sur sa performance et la mènera aux play-offs. En 2016, lors d’un festival, elle représente la France à l’Opéra de Sydney, puis la même année, elle chante au Casino de Paris. En 2017, elle a participé à une date de la tournée The Voice au Théâtre Antique d’Orange.

• A Bernadette de Lourdes, Eyma est une jeune adolescente comme tant d’autres qui vivra une expérience unique et bouleversante.

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la communication, les castings qui vont bientôt arriver, et donc ces partenaires italiens eux aussi, quand ils ont entendu parler de ce spectacle, avec ce thème-là, se sont dit « c’est un spectacle pour l’Italie. Nous sommes très heureux d’avoir Lara Carissimi (La Divina Commedia Opera) avec nous..

Le spectacle sera en italien et Vincenzo Incenzo s’occupera des traductions.

Le spectacle présenté en Italie sera totalement en version italienne, adapté pour l’italien, à ce moment même nous sommes en train de commencer à rechercher et à voir les premiers contacts de celles et ceux qui pourraient traduire le livret et les chansons.

Nous avons choisi Vincenzo Incenzo.

C’est une traduction et une adaptations très compliquées, car ce qui a fait aussi le succès de ce spectacle c’est la force de ses chansons et du texte. Avec des mots très simples mais très profonds qui ont provoqué vraiment une émotion et un lien particulier avec les spectateurs.

D’ailleurs ces chansons touchent autant les gens d’église que ceux qui ne croient pas, et Vincenzo Incenzo pourra donc faire des adaptations qui gardent tout le sens du moindre mot, la moindre virgule du livret de ce spectacle.

Quel genre d’acteurs cherchez-vous ?

Le casting de Bernadette est vraiment constitué d’artistes très complets, qui peuvent, dans la pure tradition du théâtre musical, chanter et jouer la comédie.

On cherche de grands acteurs et de grands chanteurs. Le défi c’est de trouver ce rôle de Bernadette, cette jeune fille qui porte quasiment le spectacle sur ses épaules, car Bernadette est sur scène 80 % du temps dans le spectacle et passe du dialogue au chant, et ça c’est un exercice très difficile.

Combien de personnes il y aura-t-il sur scène entre danseurs et chanteurs?

Il y aura donc sur scène un peu plus de 20 personnes, des chanteurs, acteurs, il n’y a pas à proprement parler de danseurs, même si le spectacle est stylisé et chorégraphié à sa façon. c’est une œuvre très belle, au visuel sobre et impactant, un peu comme des tableaux du caravage.

C’est vraiment la puissance des acteurs de leur jeu et de leurs voix qui font la force de ce spectacle.

La version française est vraiment impressionnante.

Est-ce que ce sera aussi le cas en Italie? Pourquoi décider d’investir dans un spectacle de cette taille maintenant ?

Ce que l’on souhaite faire, c’est pouvoir retrouver la totalité de l’émotion et de la puissance de ce spectacle en italien, on ne perdra rien bien évidemment.

Il est pour nous très important de le faire maintenant, après la période que nous venons de connaître et connaissons encore un peu. Je pense que ce que dégage le spectacle, l’émotion de ce personnage, sa puissance,

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sa combativité, et peut être aussi ce besoin de spiritualité, sans parler de religion, le fait d’être connecté pt être à quelque chose qui n’est pas forcément visible, a toute sa place dans ce monde d’après crise de la covid. Typiquement Bde L est le spectacle qui pouvait arriver en Italie après ce que l’on vient de connaître.

Je crois que les italiens vont adorer se voir rappeler cette histoire de Lourdes, entre ceux qui ont l’habitude de venir et qui ont pt être oublié B, et ceux qui ne connaissent pas l’histoire mais en ont entendu parler parce qu’il y a une petite statuette de ND de l dans la maison ou chez les grands parents, chez une tante.

Donc je pense que ce spectacle va toucher les gens au plus profond de leur cœur.

Quand le verrons-nous sur scène ?

Le spectacle arrivera en Italie en octobre 2022, on sera au Brancaccio pour quasiment 3 mois, et ensuite nous partirons en tournée dans toute l’Italie, et on espère que ce spectacle tournera très longtemps dans ce pays, car Lourdes est le lieu de pèlerinage des italiens. • RS

PERSONAGGI

L o ' pera lirica italiana va in scena a

Monte Carlo

RENZO MUSUMECI GRECO È MAESTRO D’ARMI PER I LOMBARDI ALLA PRIMA CROCIATA, PRODOTTA, DA MOLTI ANNI, DAL TEATRO REGIO DI PARMA

Renzo Musumeci Greco con Alessio Boni (seduto)

R

enzo Musumeci Greco è uno dei più grandi Maestri di scherma, docente di scherma scenica e presidente dell'Accademia d'Armi Musumeci Greco, 4ª generazione di schermidori. Figlio di Enzo Musumeci Greco, accompagnò suo padre nella prima messa in scena de I

Lombardi alla Prima Crociate, con cui oggi è tornato a Monte Carlo.

Renzo, sei reduce da Montecarlo, dove, al Teatro dell’Opera, è stato messo in scena I Lombardi alla Prima Crociata, un’Opera proposta dal Teatro Regio di Parma. Un po’ un ritor-

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no a casa, perché tanti anni fa, sei stato assistente di tuo padre, come Maestro d’Armi, per lo stesso spettacolo, dove debuttava un giovine tenore in un ruolo secondario, tal…Luciano Pavarotti!

Mia cara Silvia, sì, sono stato a Monte Carlo, dove, con enorme soddisfazione,

di Silvia Arosio

siamo tornati su un palcoscenico, cosa che manca a tutti da morire. I Lombardi alla Prima Crociata è una bellissima Opera di Giuseppe Verdi, in cui c’è un coro molto importante, quasi al pari di quello del Nabucco, e quella su cui ho lavorato lo scorso mese è una vecchia produzione del Teatro Regio di Parma, che già portammo due anni fa a Bilbao con grande successo.

Dopo quest’altro successo di Monte Carlo, probabilmente l’anno prossimo la porteremo a Orange, nei pressi di Avignone, dove c’è un importante festival estivo simile a quello di Roma delle Terme di Caracalla.

La storia di Pavarotti è quasi incredibile, perché, pensa, mentre parlavo col direttore artistico dell’Opéra di Monte Carlo (fra l’altro lì tutti parlano italiano), lui mi dice: “Sai, ci fu una magnifica edizione dei Lombardi, tanti anni fa, con un cast stellare: Ruggero Raimondi, - un baritono molto famoso all’epoca -, che faceva Pagano, poi c’era Renata Scotto, - soprano di livello incredibile, ai livelli di Tebaldi o Callas-, e infine un giovane tenore di buone speranze, che si chiamava Luciano Pavarotti.

Parliamo di un’Opera rappresentata a Roma, nel 1969, con direttore d’orchestra Gianandrea Gavazzeni, che tutti quelli dell’ambiente, e non, conoscono sicuramente. La regia era di Luigi Squarzina e le scene e i costumi di Pier Luigi Pizzi. Maestro d’Armi, infine, era Enzo Musumeci Greco, mio padre. Nel 1969 io avevo 17 anni, e già cominciavo ad affiancarlo nel lavoro, per cui in quell’occasione anch’io conobbi questo robusto e simpatico cantante, che era Luciano Pavarotti, ma che non era ancora Luciano

Pavarotti, nome che poi rimase nel mondo della musica anche dopo la sua scomparsa.

Pavarotti è un mito assoluto, considerato da tutti gli addetti ai lavori “la più bella voce del Novecento”: e, udite udite, incredibilmente non conosceva la musica. Quindi, era una sorta di “istintivo”, una cosa pazzesca se pensiamo che tutti i suoi colleghi, personalità come Carreras o Domingo, erano musicisti: Domingo è anche direttore d’orchestra. E Pavarotti, in-

ogni 3-4 giorni tutti i teatranti (cantanti, registi, maestranze, coro, orchestrali, proprio tutti) si sottoponevano a tampone molecolare (a spese dell’Opéra), e ovviamente ogni giorno ci si misurava la temperatura prima di entrare nel teatro. Il giorno del debutto il pubblico era ridotto al 50%, con sedute alternate, e anche per loro c’era la misurazione della temperatura all’ingresso. Sì, ci vuole un’organizzazione notevole, e anche dei costi significati-

Con Placido Domingo

vece, non conosceva affatto la musica. Pensa un po’, una cosa che ha dell’incredibile, visto il suo talento.

Dunque, alcuni teatri in Francia sono aperti, seppure al 50%. Ci devi raccontare come avete lavorato in piena pandemia e cosa si può fare, secondo la tua esperienza, per lavorare in sicurezza.

In Francia non so dirti con esattezza, dato che eravamo a Monte Carlo (anche se a 50 metri da noi c’era la Francia).

In ogni caso, noi abbiamo lavorato in piena sicurezza:

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vi, per sostenere questo tipo di attività in un periodo come quello che stiamo vivendo; ma io penso che, con delle convenzioni, con tutti i contributi (magari si fa uno spettacolo in meno a stagione, per pagare tutti i tamponi necessari), si possa tornare a lavorare in sicurezza e, di conseguenza, a sopravvivere, perché anche di questo si tratta.

La cosa, a mio parere, si può fare. Monte Carlo è a 4 minuti da noi, non siamo in un altro mondo. Penso che la gente, in Italia, sia stata un

po’ troppo bombardata dall’informazione, che ha portato quasi a una sorta di “criminalizzazione” di teatri e cinema, cosa che io personalmente non capisco: se ci pensate, quando noi prendiamo l’aereo, ci troviamo spalla a spalla con un’altra persona che magari ci tossisce vicino.

Perché in aereo sì e a teatro no?

Il pubblico ha risposto o c’è stata paura?

Il pubblico era tranquillissimo, ordinato: all’ingresso tutti distanziati, a uno o due metri, c’era la prova della temperatura prima di entrare, il controllo dei biglietti e poi via, tutti dentro a godersi lo spettacolo. Non c’è stato alcun problema: nessuna paura, assolutamente niente.

Tra l’altro, avevate un’orchestra dal vivo di 60 elementi: come si può suonare con il virus?

L’orchestra è abbastanza distanziata, nessuno sta attaccato al suo vicino. Sai, se abbiamo la mascherina e stiamo almeno a un metro di distanza… Poi l’organico è disposto a raggiera, quindi i musicisti non si trovano neanche uno di fronte all’altro.

Per cui il pericolo, anche per l’orchestra, non c’era. Davvero: in quel contesto non ho avverti-

Il Corsaro

to la minima preoccupazione da parte di alcuno.

D’altronde, la cosa più bella nell’Opera è il lavoro di gruppo con tutti professionisti di caratura mondiale, in ogni settore. Hai paragonato l’Opera a un film ripreso in un unico lungo piano sequenza. È vero?

Sono convinto che il lavoro dell’Opera lirica sia il più difficile e complicato, nel mondo dello spettacolo, molto più difficile di quello che si fa in Cinema o nel Teatro. Nel Cinema, se sbagli

I Promessi Sposi

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una scena, c’è lo stop del regista e si ripete tutto; nel Teatro è tutto “in diretta”, ma non si è soggetti a tempi così “obbligati”: puoi sbagliare una battuta, un’entrata, un’uscita, ma poi si va avanti.

Nell’Opera non è così. Tu mi chiedi perché io la paragoni a un unico lungo, piano sequenza: lo faccio perché nel momento in cui un’opera parte, non si può più fermare. Quindi, se il cantante, o il coro, sbagliano un’entrata, o non azzeccano l’attacco, salta tutto. Non si può mica fermare e ripetere, è un meccanismo che non è arrestabile, va tutto avanti, e perciò tutto deve incastrarsi alla perfezione: l’orchestra, la regia, le luci, le scene, le entrate, le uscite, gli attacchi, il coro… è un lavoro incredibile, che unisce un organico di 60 orchestrali, un direttore, la regia, la scenografia… e come se tutti lavorassero su una macchina che, quando parte, non si può più arrestare.

L’unica cosa che è certa, lo ripeto, è che all’apertura del sipario si parte, e fino all’intervallo non ci si ferma più, e quindi non si può assolutamente sbagliare. Per cui questo meccanismo deve essere perfetto, è un’organizzazione entro cui non sono

ammessi dilettanti, tutti devono essere dei professionisti e sapere cosa stiano facendo: basta che ci sia un’unica persona che faccia una stupidaggine, e salta tutto.

L’Opera lirica è l’unico lavoro, nel mondo dello spettacolo, che funziona così. L’unico.

L’Opera, ricordiamoci, è un patrimonio italiano che va preservato a tutti i costi, perché rappresenta una delle perle dell’Italia nel mondo. Anche grazie all’Opera lirica tante persone nel mondo masticano l’italiano. Il Teatro Regio di Parma da anni porta in giro questo spettacolo...

L’Opera è assolutamente un patrimonio italiano. Ricordia-

ché è un veicolo mondiale per parlare l’italiano. Se non ci fosse l’Opera, la metà delle persone straniere che parlano un po’ di italiano probabilmente non lo parlerebbero. Già solo questa sarebbe una motivazione validissima per sostenere l’Opera.

Quante scene di combattimento c’erano?

Ne I Lombardi alla Prima Crociata c’è una grande scena di combattimento fra i Lombardi, cioè i Cristiani, e i Musulmani, che si svolge nel finale, come spesso succede nelle opere liriche, in cui alla fine c’è sempre qualcosa di “grandioso”, e in quel momento ci saranno in scena in tutto, non so… più o meno I Promessi Sposi

moci del Melodramma, che nasce e si sviluppa in Italia, e che almeno l’80% delle opere rappresentate nel mondo sono italiane. E tutti quelli che lavorano nell’Opera, in tutto il mondo, dai direttori artistici dei teatri ai registi, dagli scenografi ai cantanti, dai direttori d’orchestra alle maestranze, tutti devono masticare, per forza di cose, un po’ di italiano.

Quindi, a mio parere, l’Opera andrebbe veramente incentivata con tutti i mezzi possibili, per-

dalle 150 alle 200 persone. Poi, durante l’opera, ci sono anche numerosi movimenti “duellistici” del coro, che però non possiamo far realmente combattere, perché quando parliamo di 50-100 persone tutte insieme su un palco al massimo si possono far compiere dei brevi gesti, dei movimenti, qualche piccolo incrocio di spade o armi, magari due personaggi si prendono i polsi o si strattonano...

Questo anche perché, essendoci in scena tutta quella gen-

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te, ogni minimo movimento, se sbagliato o casuale, può diventare pericoloso. Uno dei miei compiti, anzi, forse il mio compito principale, oltre a quello di fare spettacolo, è quello di assicurarmi che nessuno si faccia male. E per fortuna non è mai successo, ma ti assicuro che io faccio delle raccomandazioni quasi imperative, addirittura impongo di fare alcuni movimenti, e prego sempre tutti, quasi in ginocchio, di fare attenzione e di attenersi alle indicazioni per evitare di far male a qualcun altro.

Spesso sono io stesso, in prima persona, a mostrare ai miei “allievi” quelli che sono i pericoli in cui si può incappare in scena, se qualcuno fa un movimento sbagliato; e spesso realizzo anche dei piccoli video, durante le prove, che poi gli faccio rivedere in modo che si rendano conto di come bisogna, o non bisogna, muoversi.

Come viene “modernizzata” ed attualizzata oggi l’Opera?

Devo dire che personalmente io non sono un grande fan delle opere modernizzate o attualizzate, perché a me piace il fatto che siano in costume, cosa che ci permette di immergerci in atmosfere come quelle del ‘400, del ‘500, del ‘700… Io, da sempre, sono quindi favorevole, più che a un’attualizzazione dell’Opera, a una sua “spettacolarizzazione”. Cerco, ogni volta, di inserire dei criteri un po’ “cinematografici”, vista anche la mia esperienza nel settore, in ogni opera in cui lavoro.

Per fare un esempio, nel Corsaro, sempre di Verdi, c’è l’assalto a una nave. In quella scena io costruisco l’abbordaggio tramite delle corde attaccate al graticcio che vengono usate per compiere grandi salti, capriole, “acrobazie” del genere, cosa che accade anche in alcuni balletti.

Insomma, cerco di rendere queste scene un grande spettacolo.

L’Opera lo è già di per sé,

grazie a scene e costumi; però, a volte (e lo ripeto: la causa è principalmente la mia cosiddetta “estrazione” cinematografica), quasi mi annoio quando assisto ad alcuni spettacoli in cui i personaggi se ne stanno lì impalati.

Gli attori, il coro, i mimi: tutti, a mio parere, devono muoversi: ognuno deve sempre fare qualcosa.

Quello che ripeto spesso a tutti è di immaginare che, anche se in scena ci sono 100 persone, ci sia una telecamera che riprenda ognuno costantemente da vicino, in primo piano: per cui, oltre ai movimenti, bisogna curare anche dettagli come l’espressione, per esempio. In sostanza, ognuno deve fare qualcosa, perché questo qualcosa si vede.

I duelli, i contrasti, le scaramucce contribuiscono alla spettacolarizzazione dello spettacolo. Mi racconti qualche aneddoto di spostamento di masse sulla scena?

Un grandissimo regista capace di movimentare le masse in una maniera incredibile era Zeffirelli. La prima volta che facemmo il suo Trovatore, nel 2001, all’Arena di Verona (parliamo di 300-400 persone in scena), lui se ne stava seduto in mezzo all’Arena, quindi più o meno a 50 metri dal palcoscenico, e con il microfono diceva: “Allora, quei tenori scendano tutti di tre metri, i baritoni salgano di due metri, i mimi facciano questo movimento, i cavalli entrino da quella parte…” e tu vedevi che la scena prendeva un aspetto totalmente diverso da quello che aveva un attimo prima.

Zeffirelli possedeva una visione d’insieme incredibile, e devo dire che forse nel mondo dell’O-

pera il miglior esempio di questo tipo l’ho avuto proprio da lui.

Lavorarci è stata un’esperienza veramente importante, per me.

Quel Trovatore con la regia di Zeffirelli l’abbiamo poi riproposto per circa 7 o 8 volte negli anni, e ogni volta che ritorna in scena fa un pienone pazzesco: Cecilia Gasdia, direttrice artistica dell’Arena di Verona, mi diceva che è un’opera che non tramonta, che è talmente bella e ben organizzata che non invecchia mai. E pensa, nonostante siano passati diciotto anni dalla prima rappresentazione, l’ultima volta che l’abbiamo portata in scena (due stagioni fa, nel 2019), è stata l’opera che ha ottenuto il maggior incasso della stagione. Certo, nel caso

Con Roberto Bolle

del 2019 parliamo di artisti del calibro di Anna Netrebko, che attualmente è forse il più grande soprano del mondo, del baritono Luca Salsi...

La versione “zeffirelliana” di quest’opera, comunque, è davvero pazzesca: ti dico solo che in scena ci sono vari cavalli veri, circa 3-400 persone, e il colpo d’occhio che ti arriva è incredibile; è uno spettacolo che ti appaga talmente che anche se non

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ti piace quel tipo di musica, non apprezzi l’Opera o non capisci niente riguardo a quell’ambito, rimani lo stesso inchiodato alla poltrona. La lirica in quelle “dimensioni” è probabilmente il più grande spettacolo che esista.

Ho un ricordo meraviglioso della tua scherma ne I Promessi Sposi di Michele Guardi’ e Pippo Flora: quello era un grande spettacolo per molti versi accostabile all’Opera...

Quello de I Promessi Sposi è sempre un ricordo magnifico, e devo dire che è uno dei lavori durante i quali mi sono più divertito, perché i cantanti di musical sono “leggeri”: cioè, fanno musica leggera, e sono leggeri anche loro, oltre che intelligenti e simpatici, ovviamente. Si vogliono divertire, e, dovendo trasmettere qualcosa che emozioni la gente, più si divertono e si emozionano loro, più lo fa anche il pubblico.

Anche nel mio caso è stato così, il nostro divertimento e la nostra amicizia, in scena e fuori, abbiamo cercato di trasmetterla agli spettatori. Tant’è vero che, dopo quello spettacolo, io sono rimasto in contatto con tutti: con Graziano Galàtone, Giò di Tonno, Cristian Mini… Vittorio Matteucci lo sento di meno, ma anche con lui siamo rimasti molto amici, idem Lola Ponce, con cui ogni tanto ci scambiamo messaggi.

Davvero, è stato un periodo divertentissimo, noi eravamo lì e volevamo divertirci, anzi: eravamo lì per divertirci, e poi ogni tanto, quando capitava, lavoravamo anche, andavamo in scena… Però il presupposto principale era quello di divertirsi. E ogni volta che andavamo via tutti insieme in pullman, dopo lo spettacolo, ci esibivamo in una sorta di “show” personale

che ci eravamo inventati io, Giò e qualcun altro: era una specie di radio privata, in cui io partivo a cantare un pezzo, per esempio dei Beach Boys, e tutti sul pullman ballavano e cantavano, e alla fine della canzone Giò attaccava con le sue imitazioni pazzesche.

I Promessi Sposi è stato un grandissimo musical, sia come dimensioni che come colossalità, tanto che, come hai detto, si avvicinava proprio all’idea di una grande opera lirica. Anzi, ti dirò di più: forse era più grandioso di almeno la metà delle opere liriche che ci sono in giro.

Un’opera che secondo me avrebbe potuto rimanere in piedi tanti anni, ma tanti, perché le musiche erano bellissime, così come le coreografie (più le prime che le seconde, a mio parere), le scene di massa spettacolari... insomma, era una produzione fantastica.

Non so bene cosa sia successo, dopo: a un certo punto so solo che si è fermato tutto e non è più stato rappresentato. Addirittura non so neanche se, prima o poi, uscirà di nuovo fuori.

Secondo te, come potremo riaprire anche in Italia e su cosa dovremo puntare?

Riaprire in Italia si può, assolutamente, dando però la possibilità ai lavoratori dello spettacolo di organizzarsi, di fare una programmazione. Non si può solo dire: “Dal 26 aprile riapriamo i teatri.” E chi riapre, così? Nel Teatro, come nell’Opera e nel Musical, per preparare una stagione si deve lavorare per mesi… per preparare la stagione dell’anno successivo. Con le attuali premesse è impossibile riuscire a fare qualcosa; bisognerebbe forse andare a ripescare spettacoli già fatti, rimettere in piedi scenografie, ma ora non è questo quello di cui l’Italia ha bisogno adesso. È anche un po’ una questione di cultura: un paio di anni fa sono stato in Russia, e io non ne avevo idea, ma in Russia c’è una quantità innumerevole di teatri, e sono sempre strapieni: lì tutti vanno a teatro.

Su che dobbiamo puntare, qui in Italia?

Sicuramente sulla qualità, ma per assicurare qualità ci voglio-

no i soldi, e quindi… Ora io non so se manchino finanziamenti o investimenti, la volontà o la voglia di rischiare, ma sicuramente gli italiani, con i giusti mezzi, sono in grado di fare qualcosa di altamente spettacolare.

Certo, oggi il Teatro purtroppo è ridotto un po’ male: non so se ci sia qualche “volontà dall’alto”, oppure se sia a causa della concorrenza del Cinema o della Televisione, che, forse un po’ maliziosamente, cercano di togliere “clienti” al Teatro… però c’è da dire anche che ci sono spettacoli teatrali diciamo così, abbastanza modesti e noiosi. Cioè, io ricordo spettacoli che, ai tempi, facevo con Ronconi o altri registi come lui, che erano cose incredibili… certo, all’epoca c’erano a disposizione molti più fondi, tantissimi attori, grandi registi che forse oggi solo i Teatri Stabili si possono permettere.

Ecco, forse si potrebbe partire dal revisionare un po’ le nomine di questi Teatri Stabili, prediligendo magari maggiormente la professionalità, più che le scelte “politiche”. • RS

Il Trovatore con il regista Franco Zeffirelli all'Arena di Verona nel 2019

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PERSONNAGE

L’opéra italienne mise en scène à

Monte Carlo

RENZO MUSUMECI GRECO EST MAESTRO D’ARMI POUR I LOMBARDI ALLA PRIMA CROCIATA, PRODUIT, DEPUIS DE NOMBREUSES ANNÉES, PAR LE TEATRO REGIO DE PARME

R

enzo Musumeci Greco est l’un des plus grands maîtres d’escrime, professeur d’escrime scénique et président de l’Accademia d’Armi Musumeci Greco, 4ème génération d’escrimeurs. Fils d’Enzo Musumeci Greco, il accompagne son père dans la première mise en scène d’I Lombardi alle Crociate, avec laquelle il se rend aujourd’hui à Monte-Carlo Renzo, vous êtes de retour de Monte carlo, où, à l’Opéra, I Lombardi alla prima Crociata a été mis en scène, un opéra proposé par le Teatro Regio di Parme. Un peu un retour à la maison, parce qu’il ya tant d’années, vous étiez l’assistant de votre père, comme Maître d’armes, pour le même spectacle, où un jeune ténor a fait ses débuts dans un rôle secondaire, tels que ... Luciano Pavarotti!

Ma chère Silvia, oui, j’étais à Monte Carlo, où, avec une énorme satisfaction, nous sommes retournés sur une scène, quelque chose que tout le monde manque à mourir pour. I Lombardi alla Prima Crociata est un bel Opéra de Giuseppe Verdi, dans lequel il ya un chœur très important, presque comme celui de Nabucco, et celui que j’ai travaillé sur le mois dernier est une ancienne production du Teatro Regio à Parme, que nous avons déjà apporté à Bilbao il ya deux ans avec beaucoup de succès. Après cet autre succès de Monte Carlo, probablement l’année prochaine

nous l’emmènera à Orange, près d’Avignon, où il y a un important festival d’été similaire à celui de Rome des Bains de Caracalla.

L’histoire de Pavarotti est presque incroyable, parce que, pense-t-il, pendant que je parlais au directeur artistique de l’Opéra de Monte-Carlo (au fait tout le monde y parle italien), il me dit: « Vous savez, il y avait une magnifique édition des Lombards, il y a de nombreuses années, avec une distribution stellaire: Ruggero Raimondi, -un baryton très célèbre à l’époque-, qui a fait Pagano, puis il y avait Renata Scotto, -soprano d’un niveau incroyable, au niveau de Tebaldi ou Callas- , et enfin un jeune ténor de bonne espérance, nommé Luciano Pavarotti».

Nous parlons d’une Opéra joué à Rome, en 1969, avec la chef Gianandrea Gavazzeni, que tout le monde dans l’environnement, et non, sait certainement. Réalisé par Luigi Squarzina et des scènes et costumes de Pier Luigi Pizzi. Maestro d’Armi, enfin, était Enzo Musumeci Greco, mon père. En 1969, j’avais 17 ans, et je commençaient

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déjà à le soutenir dans l’œuvre, donc à cette occasion j’ai aussi rencontré ce chanteur robuste et sympathique, qui était Luciano Pavarotti, mais qui n’était pas encore « Luciano Pavarotti », un nom qui est ensuite resté dans le monde de la musique, même après sa mort. Pavarotti est un mythe absolu, considéré par tous les initiés comme «la plus belle voix du XXe siècle» : et, entendu, incroyablement il ne savait pas la musique. Donc, c’était une sorte d’«instinctif », une chose folle si l’on pense que tous ses collègues, des personnalités comme Carreras ou Domingo, étaient musiciens: Domingo est aussi un chef d’orchestre. Et Pavarotti, d’autre part, ne savait pas la musique

de Silvia Arosio

du tout. Pensez-y, quelque chose d’incroyable, compte tenu de son talent.

Donc, certains théâtres en France sont ouverts, mais à 50%. Vous devez nous dire comment vous avez travaillé au milieu d’une pandémie et ce que vous pouvez faire, selon votre expérience, pour travailler en toute sécurité.

En France, je ne peux pas vous dire exactement, puisque nous étions à Monte Carlo (bien que 50 mètres de nous était la France). En tout cas, nous avons travaillé en toute sécurité : tous les 3-4 jours tous les teatranti (chanteurs, metteurs en scène, ouvriers, chœur, orchestre, tout le monde) se soumettaient à un écouvillon moléculaire (aux dépens de l’Opéra), et bien sûr tous les jours la température était mesurée avant d’entrer dans le théâtre. Le jour du début, le public a été réduit à 50%, avec des sièges en alternance, et pour eux aussi il y avait la mesure de la température à l’entrée. Oui, il faut une organisation considérable, et aussi des coûts importants, pour soutenir ce type d’activité dans une période comme celle que nous vivons;

mais je pense qu’avec les conventions, avec toutes les contributions (peut-être que vous faites un spectacle de moins par saison, pour payer tous les tampons nécessaires), vous pouvez retourner au travail en toute sécurité et, par conséquent, pour survivre, parce que c’est aussi ce que c’est. À mon avis, cela peut être fait. Monte Carlo est à 4 minutes de nous, nous ne sommes pas dans un autre monde. Je pense que les Italiens ont été un peu

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trop bombardés d’informations, ce qui a conduit presque à une sorte de « criminalisation » des théâtres et des cinémas, ce que je ne comprends personnellement pas: si vous y pensez, quand nous prenons l’avion, nous nous retrouvons au coude à coude avec une autre personne qui peut-être nous tousse de près. Pourquoi pas dans l’avion et au théâtre ? Le public a-t-il répondu ou y avait-il de la peur?

Le public était très calme, bien rangé : à l’entrée tous espacés, à un ou deux mètres de là, il y avait une preuve de température avant d’entrer, de vérifier les billets, puis de s’éloigner, le tout à l’intérieur pour profiter du spectacle. Il n’y avait pas de problème: pas de peur, absolument rien.

Vous aviez une orchestre live de 60 éléments: comment pouvez-vous jouer avec le virus?

L’orchestre est assez espacé, personne n’est attaché à son voisin. Vous savez, si nous avons le masque et que nous sommes à au moins un mètre... Ensuite, le personnel est prêt à rayonner, de sorte que les musiciens ne

Con Amedeo Amodio

sont même pas en face de l’autre. Donc le danger, même pour l’orchestre, n’était pas là. Vraiment: dans ce contexte, je n’ai ressenti la moindre préoccupation de la part de personne.

D’autre part, la plus belle chose dans l’Opéra est le travail de groupe avec tous les professionnels de type mondial, dans tous les secteurs.

Vous avez comparé l’Opéra à un film tourné en un seul long plancher de séquence. C’est vrai?

Je suis convaincu que le travail de l’opéra est le plus difficile et compliqué, dans le monde du divertissement, beaucoup plus difficile que ce qui se fait dans le cinéma ou le théâtre. Au cinéma, si vous manquez une scène, il y a l’arrêt du réalisateur et tout se répète; dans le Théâtre tout est « live », mais vous n’êtes pas soumis à de tels moments «obligatoires»: vous pouvez manquer une blague, une entrée, une sortie, Mais ensuite vous allez. Ce n’est pas le cas à l’Opéra. Vous me demandez pourquoi je le compare à un seul plan long et séquence : je le fais parce qu’au moment où une œuvre commen-

ce, elle ne peut plus être arrêtée.

Donc, si le chanteur, ou la chorale, manque une entrée, ou n’a pas le droit d’attaque, sauter tout cela. On ne peut pas s’arrêter et répéter, c’est un mécanisme qui n’est pas stopable, tout continue, et donc tout doit s’adapter parfaitement: l’orchestre, la direction, les lumières, les scènes, les entrées, les sorties, les attaques, le chœur... c’est une œuvre incroyable, qui réunit un effectif de 60 orchestres, un chef I Promessi Sposi

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d’orchestre, la mise en scène, la scénographie... et comme si tout le monde travaillait sur une machine qui, quand elle part, ne peut plus être arrêtée. La seule chose qui est certaine, je le répète, c’est qu’à l’ouverture du rideau, nous commençons, et jusqu’à l’intervalle, nous ne nous arrêtons plus, et donc il n’y a absolument aucune erreur. Donc ce mécanisme doit être parfait, c’est une organisation où les amateurs ne sont pas autorisés, tout le monde doit être professionnel et savoir ce qu’ils font: tant qu’il y a une personne qui fait une chose stupide, et sauter tout. L’opéra est la seule œuvre dans le monde du divertissement qui fonctionne comme ça. Le seul.

L’Opéra, rappelons-le, est un patrimoine italien qui doit être préservé à tout prix, parce qu’il représente l’une des perles de l’Italie dans le monde. Aussi grâce à l’opéra beaucoup de gens dans le monde mâchent italien. Le Teatro Regio de Parme transporte ce spectacle depuis des années...

L’Opéra est absolument un héritage italien. Rappelons-nous le mélodrame, qui est né et s’est développé en Italie, et qu’au moins 80% des œuvres re-

présentées dans le monde sont italiennes. Et tous ceux qui travaillent à l’Opéra, partout dans le monde, des directeurs artistiques des théâtres aux metteurs en scène, des concepteurs de plateau aux chanteurs, des chefs d’orchestre aux ouvriers, tout le monde doit mâcher, bien sûr, un peu d’italien. Donc, à mon avis, l’Opéra devrait vraiment être encouragé par tous les moyens possibles, parce que c’est un véhicule mondial pour parler italien. S’il n’y avait pas l’Opéra, la moitié des étrangers qui parlent un peu d’italien n’en parleraient probablement pas. Ce seul serait une motivation très valable pour soutenir l’Opéra.

Combien y avait-il de scènes de combat ?

Dans Les Lombards à la Première Croisade il ya une grande scène de combat entre les Lombards, c’est-à-dire, les chrétiens, et les musulmans, qui se déroule dans la finale, comme cela arrive souvent dans les opéras, dans lequel à la fin il ya toujours quelque chose de « grandiose », et à ce moment il y aura mis en scène tout au long, je ne sais pas ... environ 150 à 200 personnes. Puis, pendant l’opéra, il y a aussi de nombreux mouvements «duelli-

stes» du chœur, mais on ne peut pas vraiment se battre, parce que quand on parle de 50-100 personnes réunies sur une scène tout au plus on peut faire des gestes courts, des mouvements, un petit croisement d’épées ou d’armes, peut-être deux personnages prennent leurs poignets ou des secousses...

C’est aussi parce que, puisque tous ces gens sont sur scène, chaque petit mouvement, s’il est faux ou aléatoire, peut devenir dangereux. Une de mes tâches, en fait, peut-être ma tâche principale, en plus de montrer, est de s’assurer que personne n’est blessé. Et heureusement, cela ne s’est jamais produit, mais je vous assure que je fais des recommandations presque impératives, j’impose même certains mouvements, et je demande toujours à tout le monde, presque à genoux, d’être prudent et de s’en tenir aux instructions pour éviter de blesser quelqu’un d’autre.

C’est souvent moi-même, moi-même, qui montre à mes «élèves» quels sont les dangers dans lesquels ils peuvent tomber sur scène, si quelqu’un fait le mauvais mouvement; et je fais souvent aussi de petites vidéos,

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pendant les répétitions, que je lui demande ensuite de revoir afin qu’ils réalisent comment, ou ne devraient pas, se déplacer.

Comment l’Opéra est-il « modernisé » et mis à jour aujourd’hui?

Je dois dire que personnellement, je ne suis pas un grand fan d’œuvres modernisées ou mises à jour, parce que j’aime le fait qu’ils sont en costume, ce qui nous permet de nous immerger dans des atmosphères telles que celles des années 400, 500, 700... J’ai toujours été en faveur, plus qu’une mise à jour de l’Opéra, de sa «spectacularisation». J’essaie, à chaque fois, d’insérer des critères un peu «cinématographiques», compte tenu également de mon expérience dans le secteur, dans chaque œuvre dans laquelle je travaille. Pour donner un exemple, dans Corsair de Verdi, il y a l’assaut sur un navire.

Dans cette scène, je construis l’embarquement à travers des cordes attachées à la demi-colombe qui sont utilisés pour effectuer de grands sauts, sauts périlleux, « acrobaties » comme ça, ce qui se passe également dans certains ballets. J’essaie de faire de ces scènes un grand spectacle. L’Opéra lui-même l’est déjà, grâce à des scènes et des costumes; cependant, parfois (et je le répète: la cause est principalement mon soi-disant film « extraction »), j’ai presque s’ennuyer quand je regarde quelques spectacles où les personnages se tiennent là empalé.

Les acteurs, le chœur, les mimes: tout le monde, à mon avis, doit bouger: tout le monde doit toujours faire quelque chose. Ce que je dis souvent à tout le monde, c’est d’imaginer que, même s’il y a 100 personnes sur scène, il y a une caméra qui prend constamment tout le monde de près, au premier plan: donc, en plus des mouvements, des détails comme l’expression doivent ég-

alement être pris en charge, par exemple. Fondamentalement, tout le monde doit faire quelque chose, parce que vous voyez quelque chose.

Duels, contrastes, escarmouches contribuent à la spectacularisation du spectacle.

Pouvez-vous me raconter des anecdotes de déplacement de masse sur la scène?

Un grand metteur en scène capable de déplacer les masses d’une manière incroyable était Zeffirelli. La première fois que nous étions son Troubador, en 2001, à l’Arena di Verona (on parle de 300-400 personnes sur scène), il était assis au milieu de l’Arène, donc à environ 50 mètres de la scène, et avec le micro il a dit: «Alors, ces ténors descendent tous de trois mètres, les barytons montent de deux mètres, les mimes font ce mouvement, les chevaux viennent de cette façon...» et on pouvait voir que la scène avait l’air totalement différente de ce à quoi elle ressemblait un instant plus tôt. Zeffirelli avait un aperçu incroyable, et je dois dire que peutêtre dans le monde de l’opéra le meilleur exemple de ce genre que j’avais de lui. Travailler dessus a été une expérience très importante pour moi.

Ce Troubador avec la direction de Zeffirelli nous l’avons ensuite proposé à nouveau

environ 7 ou 8 fois au fil des ans, et chaque fois qu’il revient sur scène, il fait un remplissage fou: Cecilia Gasdia, directrice artistique de l’Arena di Verona, m’a dit que c’est une œuvre qui ne descend pas, qu’elle est si belle et bien organisée qu’elle ne vieillit jamais. Et elle pense que, malgré dix-huit ans depuis la première représentation, la dernière fois que nous l’avons amenée sur scène (il y a deux saisons, en 2019), a été l’œuvre la plus importante de la saison.

Bien sûr, dans le cas de 2019, nous parlons d’Anna Netrebko, qui est actuellement peut-être la plus grande soprano du monde, le baryton Luca Salsi...

Con Giò di Tonno, Cristian Mini e Graziano Galatone

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La version «zeffirelliana» de cette œuvre, cependant, est vraiment fou: je viens de vous dire que sur scène il ya différents chevaux réels, environ 3-400 personnes, et le regard qui vient à vous est incroyable; c’est un spectacle qui vous plaît tellement que même si vous n’aimez pas ce genre de musique, vous n’appréciez pas l’Opéra ou vous ne comprenez rien à ce sujet, vous êtes toujours coincé dans la chaise. Opéra dans cette «taille» est probablement le plus grand spectacle qu’il y a.

J’ai un merveilleux souvenir de votre escrime dans I Promessi Sposi de Michele Guardi’ et Pippo Flora: c’était un grand spectacle à bien des égards accessible à l’Opéra ....

Celui des Promessi Sposi est toujours un souvenir magnifique, et je dois dire que c’est l’une des œuvres au cours de laquelle j’ai eu le plus de plaisir, parce que les chanteurs de comédies musicales sont «légers»: c’està-dire, ils font de la musique légère, et ils sont légers aussi, ainsi que intelligent et agréable, bien sûr. Ils veulent s’amuser, et, ayant à transmettre quelque chose qui émotions les gens, plus ils s’amusent et s’excitent, plus le public ne.

Même dans mon cas, c’était comme ça, notre plaisir et notre amitié, sur scène et hors scène, nous avons essayé de le transmettre aux téléspectateurs. A tel point qu’après ce spectacle, je suis resté en contact avec tout le monde : avec Graziano Galàtone, Giò di Tonno, Cristian Mini... Vittorio Matteucci Je me sens moins, mais même avec lui, nous sommes restés très amis, idem Lola Ponce, avec qui nous échangeons occasionnellement des messages.

Vraiment, c’était un moment très amusant, nous y étions et nous voulions nous amuser, en fait: nous étions là pour nous amuser, et puis de temps en temps, quand c’est arrivé, nous avons aussi travaillé, nous sommes montés sur scène...

Mais l’hypothèse principale était de s’amuser.

Et chaque fois que nous partions tous ensemble dans l’autocar, après le spectacle, nous faisions une sorte de « spectacle » personnel que moi, Giò et quelqu’un d’autre avait inventé: c’était une sorte de radio privée, dans laquelle j’irais chanter une pièce, par exemple des Beach Boys, et tout le monde dans le bus dansait et chantait, et à la fin de la chanson Giò attaqué avec ses imitations folles.

I Promessi Sposi était une grande comédie musicale, à la fois en taille et en colossalité, à tel point que, comme vous l’avez dit, elle s’est rapprochée de l’idée d’un grand opéra. En fait, je vais vous en dire plus: peut-être que c’était plus grandiose qu’au moins la moitié des opéras qui sont autour.Une œuvre qui, à mon avis, aurait pu rester debout de nombreuses années, mais beaucoup, parce que la musique était belle, ainsi que

la chorégraphie (plus la première que la seconde, à mon avis), les scènes de masse spectaculaires...

Je veux dire, c’était une production fantastique. Je ne sais pas ce qui s’est passé par la suite: à un moment donné, je sais juste que tout s’est arrêté et n’était plus représenté. Je ne sais même pas s’il va revenir tôt ou tard.

Comment pensez-vous que nous pouvons rouvrir en Italie aussi et sur quoi devrions-nous nous concentrer?

Con Franco Zeffirelli

La réouverture en Italie peut, absolument, cependant, donner aux travailleurs du spectacle la possibilité de s’organiser, de faire une programmation. Vous ne pouvez pas simplement dire: «Nous rouvrons les salles à partir du 26 avril.» Et qui rouvre comme ça ?

Au Théâtre, comme à l’Opéra et à la comédie musicale, pour préparer une saison, il faut travailler pendant des mois... pour se préparer pour la saison de l’année suivante. Avec les locaux actuels, il est impossible de faire quoi que ce soit; peut-être devrions-nous aller re-pêcher les spectacles déjà faits, remis sur pied, mais maintenant ce

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n’est pas ce dont l’Italie a besoin maintenant. C’est aussi un peu une question de culture: il y a quelques années, j’étais en Russie, et je n’en avais aucune idée, mais en Russie il y a énormément de théâtres, et ils sont toujours pleins: tout le monde va au théâtre là-bas.

Sur quoi devrions-nous nous concentrer ici en Italie?

Certainement sur la qualité, mais pour assurer la qualité, vous avez besoin de l’argent, et donc... Maintenant, je ne sais pas s’il y a un manque de financement ou d’investissement, la volonté ou le désir de prendre des risques, mais il est certain que les Italiens, avec les bons moyens, sont capables de faire quelque chose de très spectaculaire. Bien sûr, aujourd’hui, le Théâtre est malheureusement un peu mal réduit: je ne sais pas s’il y a une « volonté d’en haut », ou si c’est à cause de la concurrence du cinéma ou de la télévision, qui, peutêtre un peu malicieusement, tentent d’enlever des « clients » du Théâtre... mais il faut aussi dire qu’il y a des représentations théâtrales disons-le, assez modestes et ennuyeuses.

Je veux dire, je me souviens montre que, à l’époque, je l’ai fait avec Ronconi ou d’autres réalisateurs comme lui, qui étaient des choses incroyables... bien sûr, à l’époque il y avait beaucoup plus de fonds disponibles, beaucoup d’acteurs, de grands metteurs en scène que peut-être aujourd’hui seuls les Théâtres Stables peuvent se permettre. Ici, peut-être pourrions-nous commencer par revoir un peu les nominations de ces théâtres stables, préférant peut-être le professionnalisme plus que les choix «politiques ». • RS

PERSONAGGI

Il teatro permette all’uomo di esistere al di là di se stesso

IL TEATRO D’OLTRE MARE È MOLTO SENTITO IN FRANCIA: LE COLONIE FRANCESI HANNO LA LORO MIGLIORE ESPRESSIONE NEL TOMA E NEL FESTIVAL OFF DI AVIGNONE, AMATO E SEGUITO IN TUTTA EUROPA. NE PARLIAMO CON GREG GERMAIN

G

reg Germain è un attore, regista e direttore di teatro francese. È stato presidente dal 2009 al 2018 del Festival Off di Avignone e ora è direttore del teatro della cappella del verbo incarnato da Avignone per cui è realizzato il progetto Toma e anche doppiatore ed è la voce francese di Will Smith, oltre avere doppiato attori come Denzel Washington e Sydney Poitier.

Greg, onorata di averla sulle nostre pagine... ci parli della sua carriera...

Il mio percorso artistico comincia con il teatro, con Antoine Bourseiller, ho recitato in diversi spettacoli (classici e moderni), poi la televisione e il cinema. Ho diretto una dozzina di spettacoli. Diciamo che ho esplorato tutti gli aspetti del mio mestiere.

Qual è la situazione del teatro OFF in Francia?

Io credo che la situazione del teatro, OFF e non, in Francia sia veramente la stessa che ovunque in Europa. Attendiamo che il governo ci dia il semaforo verde. Tutti i creativi sono nella mia stessa condizione, penso. Abbiamo perduto più di un anno, ma non per colpa nostra.

Quale tipologia di pubblico ha il teatro OFF? Quando ero Presidente del Festival Off, ho avuto l’occasione di ordinare uno studio abbastanza serio sulla tipologia dello spettatore tipico dei

Greg Germain

Festival: si tratta di uno spettatore per circa il 60-70% donna, 60% professore o persone che lavorano nella cultura, circa un 20% di giovani (che non è abbastanza).

Giustamente, il pubblico francese è differente tra Nizza, Avignone e Parigi. Come si suddivide?

Esattamente quello che è formidabile con il teatro Off

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è che il pubblico viene circa da tutte le regioni di Francia: inizialmente, il pubblico della regione Paca (Marseille, Nice et dintorni), poi della Région Parisienne, poi Rhône-Alpes (Lyon etc) e delle altre regioni. Una nota: le compagnie più numerose che producono nell’off vengono soprattutto da queste regioni.

Voi avete detto che il tea-

di Silvia Arosio

tro in generale è un “alta necessità”, perché è quasi una questione filosofica...

Dico che il teatro è un prodotto di alta necessità, perché credo che riassuma perfettamente la cultura e porti in lui tutti i componenti, come la parola, la gestualità, la musica, la danza p la pittura. È la più vecchia espressione artistica dell’umanità e quella che noi condividiamo con gli altri popoli e le altre culture del mondo. Io sono sicuro che all’epoca della preistoria, tornando dalla caccia, nella grotta nel quale vivevano, gli uomini preistorici raccontavano le loro storie di caccia, degli animali che avevano visto, della paura e della gioia che avevano provato e che queste storie facevo ridere o piangere il resto del clan seduto ad ascoltarli.

Il teatro è essenziale per l’essere umano perché gli permette di esistere al di fuori di lui stesso, di vivere altre vite ed analizzare altre situazioni oltre

le sue. Il grande Français Antonin Artaud ha detto che “Il teatro è un mezzo per comprendere ed esercitare la vita”.

Che cos’è il progetto TOMA? La Francia non è che è un semplice esagono situato al confine con l’Europa. Grazie dipartimenti e territori d’oltre mare, e ce ne sono 10, la Francia è un arcipelago.

C’è della Francia in tutti gli oceani del mondo. E d’altronde è quello che fa di questo paese il secondo più grande paese marittimo del mondo e quello che gli permette di avere una presenza geopolitica planetaria. Il problema è che

questi paesi d’oltre mare, che sono degli le vecchie colonie, sono sempre molto poco riconosciute.

La Francia è un paese essenzialmente giacobino e centralizzato. Tutto viene da Parigi. tutto si decide a Parigi, e dunque a Parigi, si decide per tutta la Francia, senza tenere conto dello scostamento geografico e senza tenere conto che tutto il mondo non è uguale per tutti, i francesi non sono gli stessi e che questi dipartimenti hanno le loro specificità e che malgrado queste specificità, hanno diritto di partecipare alla grande festa del teatro francese.

Anche loro hanno un imma-

Nina Lisa Allestimento/ Mise en scène Thomas Prédour, Realizzazione/ Réalisation Greg Germain

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ginario da portare al mondo e bisogna fare uno sforzo perché questo trattamento di uguaglianza possa avere luogo.

In conclusione, è per lottare contro questa discriminazione silenziosa, contro l’esclusione de facto di una certa categoria di creativi, attori e autori che abbiamo fondato il TOMA. 22 anni dopo la creazione di Toma alla Cappella del Verbo Incarnato di Avignone, lo scopo resta questo.

I Festival OFF si terranno in Francia?

Il governo ha fatto quello che doveva e io riconosco che quasi tutti teatri che hanno fatto domanda sono sostenuti con sovvenzioni eccezionali. Ma evidentemente questo non rimpiazzerà mai il fatto di poter recitare davanti a un pubblico e di creare. Oggi noi non sappiamo se il festival off

BIOGRAFIA • Greg Germain, attore, regista e doppiatore ha partecipato ad una ventina di film (Borsalino & Co, Antilles sur Seine, Safari, etc) e a numerose altre serie televisive e ha doppiato attori americani come Denzel Washington e Sidney Poitier.

• Dal 1989 con Il Principe di Bel Air è la voce francese ufficiale di Will Smith. Ha creato nel Théâtres d'Outre-Mer en Avignon (TOMA) à la Chapelle du Verbe Incarné,, vetrina senza precedenti sulla creazione oltremare nel cuore del festival di Avignone e il 1998 e anche la commemorazione del 150º anniversario dell’abolizione della schiavitù sul territorio francese.

• Attraverso la trasformazione di questa anziana cappella del 17° secolo in teatro, Gregor vuole permettere la liberazione culturale degli artisti del teatro d’oltre mare.

• Da questa data questo luogo da ogni mese di luglio permette alle compagnie d’oltremare di fare conoscere loro lavoro nella nazione francese.

avrà luogo e più il tempo passa senza risposta, più sono pessimista. È forse quello che cerca lo Stato, lasciando imputridire la situazione, e le compagnie e teatri dell’off non avranno il tempo di organizzarsi e né potranno proporre nulla, mentre il festival IN potrà avere luogo.

Che cosa avete chiesto al governo francese?

Di darci una risposta chiara!!!

Avete dei progetti con l’Italia?

Si, penso che con Renato Lombardo, Ideatore e direttore del Milano OFF Fringe Festival, possiamo tentare di mettere in piazza altre cose oltre a quelle già in essere. In più io sono membro del comitato artistico del MASA (Marché Africain du Spectacle à Abidjan) e amerei che delle compagnie italiane possano essere inseriti in questa biennale. Alla prossima riunione che avrà luogo tramite Zoom parlerò col direttore generale del MASA di questa possibilità. • RS

IL SITO LE SITE WEB

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Caillasse di Rémy Vachet et Rémy Leduc Allestimento e coreografie/ Mise en scène et chorégraphie Rémy Vachet

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PERSONNAGE

de Silvia Arosio

Le théâtre permet à l’homme

d’exister en dehors de lui-même

LE THÉÂTRE D’OUTRE-MER EST TRÈS AIMÉ EN FRANCE: LES ANCIENNES COLONIES SONT BIEN REPRÉSENTÉES PAR LE TOMA ET PAR LE FESTIVAL OFF D’AVIGNON, BIEN AIMÉE PARTOUT DANS L’EUROPE. NOUS PARLONS DE LA SITUATION AVEC GREG GERMAIN Le sac de Litha Realizzazione /Réalisation Mohamed Athamna Allestimento di Gilbert Laumord

G

reg Germain est un acteur, metteur en scène et directeur de théâtre français. Il a été President (du 2009 au 2018) du Festival Off d’Avignon, et maintenant il est Directeur du Theatre de la Chapelle du Verbe Incarné à Avignon, dont à realisé le project Toma. Il pratique également le doublage, il est notamment la voix française de Will Smith.

Tres heureuse de vous avoir sur mes pages, Greg!

Greg, parlez-nous de votre percours artistique?

Mon parcours artistique com-

mence par le théâtre avec Antoine Bourseiller. Je joue dans un certain nombre de pièces (classiques et modernes), puis la télévision et le cinéma. Je mets en scène une dizaine de spectacles. Disons que j’ai exploré tous les aspects de mon métier. (voir ma Bio en PJ) Quelle est-t-elle la situation du Theatre OFF en France?

Je crois que la situation du théâtre en France st vraiment la même que presque partout en Europe. Nous attendons que le gouvernement nous donne le feu vert. Tous les créateurs

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sont comme moi je pense. Nous avons perdu plus d’une année, mais pas notre motivation.

Quelle typologie de publique a-t-il?

Lorsque j’étais président du festival Off, j’avais eu l’occasion de commander une étude assez sérieuse sur la typologie des festivaliers. Le festivalier du OFF est une spectatrice (environ 60 à 70 % de femmes). 60 % de professeurs ou de personnes travaillant dans la culture. Environ 25% de jeunes (ce qui n’est pas assez), Justement, le publique fran-

Cyclones di / de Daniely Francisque Allestimento /Mise en scène Patrice Le Namouric Realizzazione/ Réalisation François Dubreuil

cais est different à Nice, Avignon ou Paris. Comme se partage-t-il?

C’est exactement ce qu’il y a de formidable avec le OFF, c’est que le public vient à peu près de toutes les régions de France. d’abord le public de la région Paca (Marseille, Nice et environs), puis de la Région Parisienne, puis de Rhône-Alpes (Lyon et environs) et des autres régions.

Une remarque: les compagnies les plus nombreuses à se produire dans le Off viennent d’abord de ces régions là.

Vous avez dit que le Theatre en général est une haute-necessité: pourquoi?

C’est presqu’une question philosophique. Je dis que le théâtre est un produit de haute nécessité, car je crois qu’il est le résumé parfait de la CULTURE et qu’il porte en lui tous les composants. La parole (la langue), la gestuelle, la musique, la danse, la peinture etc. C’est la plus vieille expression artistique de l’humanité et celle que nous partageons avec les autres peuples et les autres civilisations du monde. Je suis sûr qu’à l’époque de la préhistoire, en rentrant de la chasse, dans la grotte dans laquelle ils vivaient, les hpmmes préhistoriques racontaient leurs histoires de chasse, les animaux

simple hexagone situé au bout de l’Europe. Grâce aux Départements et Territoires d’outre-mer (il y en a 10), la France est un archipel. Il y a des France dans tous les océans du monde.

C’est d’ailleurs ce qui fait de ce pays le deuxième plus grand pays maritime du monde et ce qui lui permet d’avoir une présence géopolitique planétaire. Le problème est que ces pays d’outre-mer, qui sont des anciennes colonies sont toujours très mal reconnues.

La France est un pays essentiellement Jacobin et centralisé (tout vient de Paris, tout ce décide à Paris) et donc, à Paqu’ils avaient vus, les peurs et ris, on décide de ce qui est bon les joies qu’ils avaient eus et pour toute la France, sans tenir que ces histoires faisaient rire compte de l’éloignement géogou pleurer le reste du clan assis raphique, des différences ethnià les regarder. Le théâtre est es- ques, sociétales, etc.. Or les pays sentiel pour l’être humain, car, il d’outre-mer sont différents. Le lui permet d’exister en dehors de développement est différent, lui-même, de vivre d’autres vies, l’environnement est différent, d’analyser d’autres situations souvent la langue de tous les que le sienne. Un grand créateur jours est différente. Pour moi, Français Antonin Artaud a dit en créant le TOMA, j’ai simpleque “Le theatre est un moyen de ment voulu affirmer, que tout comprendre et d’exercer la vie. le monde n’est pas pareil, que Parlez-nous du project tous les français ne sont pas les Toma. Quelle est la situation mêmes et que ces départements du theatre d’outre-mer et et territoires ont leurs spécificcomme ca se deroule? ités et que malgré ces spécific La France n’est pas qu’un ités, eux aussi le droit de partiCirculez! di / de José Jernidier Allestimento/ Mise en scène José Exélis Realizzazione/ Réalisation Greg Germain

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ciper a la grande fête du théâtre français, que eux aussi avait un imaginaire à apporter au monde et qu’il fallait faire une effort spécifique pour que cette égalité de traitement puisse avoir lieu.

En conclusion, c’est pour lutter contre cette discrimination silencieuse, contre l’exclusion de facto d’une certaine catégorie de créateurs, d’acteurs et d’auteurs que j’ai créé le TOMA. 22 ans après la création du TOMA à la Chapelle du Verbe Incarné, cet objectif n’a pas changé et il faut continuer à se battre. pour que ces imaginaires différemment français, puisent avoir droit de citer.

Quelle est la situation des theatres en pandemie? Qu’est ce que les Festival se jueront?

Le gouvernement à fait ce qu’il fallait et je dois reconnaître que presque tous les théâtres qui en ont fait la demande sont soutenus par des subventions exceptionnelles. Mais évidemment ça ne remplacera jamais le fait de pouoir jouer devant du public et de créer.

A ce jour, nous ne savons pas si le festival Off aura lieu. Plus

BIOGRAPHIE • Greg Germain, acteur, réalisateur et acteur de doublage a participé à une vingtaine de films (Borsalino & Co, Antilles sur Seine, Safari, etc) et à nombreuses autres séries télévisées (L’Homme de la Nuit, Madame SOS, etc), et a doublé des acteurs américains Denzel Washington et Sidney Poitier. Depuis 1989, avec Le Prince de Bel Air, il est la voix française officielle de Will Smith.

• Il a crée en 1998 les Théâtres d'Outre-Mer en Avignon (TOMA) à la Chapelle du Verbe Incarné, vitrine sans précédent sur la création ultramarine au cœur du festival d’Avignon.

• 1998, c'est aussi la Commémoration du 150ème anniversaire de l'abolition de l'esclavage sur le territoire français. Et ce n'est pas un hasard de calendrier: à travers la transformation de cette ancienne chapelle du XVIIème siècle en théâtre à Avignon, Greg Germain veut permettre la libération culturelle des artistes de théâtre de l'Outre-Mer et de la diaspora. Depuis cette date, ce lieu donne chaque mois de juillet à des compagnies d'Outre-Mer l'occasion de faire connaître leur travail dans l’hexagone. le temps passe sans réponse, plus je suis pessimiste. C’est peut-être ce que cherche l’Etat en laissant pourrir la situation, les compagnies et les théâtres du OFF n’auront pas le temps de s’organiser et ne pourront rien proposer, tandis que le IN pourra avoir lieu.

Qu’est ce que cous avez demandez au gouvernement francais?

De nous donner une réponse claire (mais ça)!!!?!!!

Avez-vous des project avec l’Italie?

Le corps en obstacle Di / de Gaëtan Peau Realizzazione /Réalisation Mohamed Athamna

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Oui! je pense qu’avec Renato Lombardo, nous pouvons tenter de mettre en place d’autres choses que ce qui existe aujourd’hui. De plus, je suis membre du Comité Artistique du MASA (Marché Africain du Spectacle à Abidjan) et j’aimerais bien que des compagnies italiennes puissent se produire lors de cette biennale. A la prochaine réunion qui aura lieu par Zoom, je parlerais avec le Directeur général du MASA de cette possibilité. • RS

FOCUS

Da Notre

Dame

a Romeo e Giulietta

LE DUE OPERE POPOLARI HANNO CONTRIBUITO A CREARE UN PONTE "CULTURALE" TRA L'ITALIA E LA FRANCIA

D

ue degli spettacoli cult, quelle Opere Popolari che sono tante amate nel nostro paese, vengono dalla Francia. Il grande Produttore David Zard, purtroppo scomparso qualche anno fa, fu il primo a capirne il valore e a portarle in Italia. David Zard è stato ed è uno dei più grandi produttori in Italia ed a lui dobbiamo il lancio delle cosiddette Opere Popolari, proprio a partire da Notre Dame de Paris.

Nel numero dedicato alla Francia, non potevo esimermi dall’analizzare due dei più grandi progetti che Zard portò nel nostro paese, NDP (così viene affettuosamente chiamato dai fans) a Romeo e Giulietta, Ama e cambia il mondo, due spettacoli che

hanno battuto ogni record di vendita di biglietti per il pubblico italiano. Notre Dame, così ferita oggi nel ricordo della Cattedrale di Parigi, andata parzialmente a fuoco due anni fa, è stato il capostipite di un genere che, nella patria della commedia musicale e dell’Opera, era ancora sconosciuto.

La genialità di Zard fu nel capire quanto uno spettacolo come quello potesse fare presa in Italia (ma anche in tutto il mondo), patria dell’Opera classica, come abbiamo detto in questo numero. Zard seppe spostare la granitica realtà della cattedrale, replicandola in tutti i teatri del globo, portando il bel canto in forma moderna e la classe della musica francese insieme, e trovando dei cast sempre perfetti

Lola Ponce Esmeralda

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Giò di Tonno, Quasimodo

per ogni versione dello show.

Se Belle diventò la canzone del secolo in Francia, Lola Ponce, l’Esmeralda primigenia in Italia, fu la migliore zingara di sempre.

La perfetta fusione di letteratura, architettura, canto e danza, amalgamati in una sinergia che prende alla gola, è l’esempio palese di come il connubio delle arti possa esprimere il meglio dell’uomo, non solo della sua anima, ma anche delle sue “mani popolari”, così atte a creare, a volte, capolavori (ma anche l’esatto opposto, catastrofi).

I personaggi così… francesi dell’Opera sono diventati universali.

Cocciante ha più volte dichiarato di avere il suo transfer personale in Quasimodo, quasi una proiezione, un olo-

di Silvia Arosio

Vitrtorio Matteucci, Frollo

gramma fisico, che lo rappresenta sul palco. E voi, in chi vi ritrovate? Avete vissuto un amore proibito e passionale come Frollo, o vi sentite al primo amore come Esmeralda? Vivete d’arte come Gringoire o cercate il potere, come Febo e Fiordaliso?

Se “la pietra si fa statua, musica e poesia”, per erudire le masse, come era tipico nel periodo, i personaggi stessi sono architettura. Non lo è forse Frollo, statuario, imponente, fondamenta di una Cattedrale che comincia a scricchiolare, per le infiltrazioni dei liquidi ed inaf-

ferrabili clandestini, guidati dal borderline Clopin? Quale migliore abbraccio tra teatro francese e quello italiano, se non Notre Dame De Paris?

Ma Zard non si fermò qui e, insieme a suo figlio Clemente, portò in Italia un’altra chicca francese, che, paradossalmente, questa volta partiva da una storia italiana, cristallizzata nel capolavoro di Shakespeare, Romeo e Giulietta.

Roméo et Juliette, de la Haine à l'Amour, con musiche e testi di Gérard Presgurvic, è stato adattato in Italia da Vincenzo Incenzo, che come potete leggere su queste pagine, trasporrà nella nostra lingua anche Bernadette de Lourdes.

La versione italiana è diversa a tratti da quella originale francese: sono scomparsi dei personaggi e dei brani, ma ha mantenuto e forse anche accresciuto, la potenza shakespiriana del plot narrativo, per il libretto, che ha ripreso in molte parti quello originale del romanzo, ma soprattutto per un cast straordinario, che ha avuto il merito di aver portato a teatro molti giovani e giovanissimo che hanno reso quest’Opera un altro vero cult.

La disfida tra Montecchi e Capuleti in Romeo e Giulietta, ama e cambia il mondo

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Matteo Setti, Gringoire

Notre Dame e Romeo e Giulietta, ama e cambia il mondo sono riusciti non solo ad unire diverse generazioni di pubblico, ma anche a far rileggere i romanzi, spesso non così amati a livello scolastico…come fu anche per I Promessi Sposi di Michele Guardì o La Divina Commedia di Frisina, ma queste sono altre storie (di cui comunque abbiamo giù parlato tra questo numero ed altri precedenti di questo giornale). Per maggiori informazioni, recensioni ed interviste dedicate a questi spettacoli, vi rimando alla mia testata www.silviaarosio.com. • RS

FOCUS

De Notre

Dame

à Roméo et Juliette

CES DEUX ŒUVRES POPULAIRES ONT ÉGALEMENT CONTRIBUÉ À CRÉER UN PONT "CULTUREL" ENTRE L’ITALIE ET LA FRANCE

D

eux des spectacles plus aimés, les œuvres populaires qui sont tant suivis dans notre pays, viennent de la France. Le grand producteur David Zard, malheureusement décédé il y a quelques années, a été le premier à en comprendre la valeur et à les amener en Italie.

David Zard a été et est l’un des plus grands producteurs en Italie et nous lui devons le lancement des œuvres dites populaires, à partir de Notre-Dame de Paris.

Dans le numéro consacré à la France, je n’ai pas pu éviter d’analyser deux des plus grands projets que Zard a apportés dans notre pays, le NPD (ainsi affectueusement appelé par les fans) à Roméo et Juliette, deux spectacles qui ont battu tous les records de vente de billets pour le public italien.

Notre-Dame, si blessée aujourd’hui dans le souvenir de la cathédrale de Paris, partiellement incendiée il y a deux ans, était le chef d’un genre qui, dans la patrie de la comédie musi-

cale et de l’Opéra, était encore inconnu. Le génie de Zard a été de comprendre à quel point un spectacle comme celui-ci pouvait faire prise en Italie (mais aussi dans le monde entier), patrie de l’Opéra classique, comme nous l’avons dit dans ce numéro. Zard a su déplacer la réalité granitique de la cathédrale, la reproduire dans tous les

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théâtres du globe, réunir le bel canto moderne et la classe de la musique française, et trouver des acteurs toujours parfaits pour chaque version du spectacle. Si Belle est devenue la chanson du siècle en France, Lola Ponce, l’Esmeralda originel en Italie, était la meilleure gitane de tous les temps. La fusion parfaite de la littérature, de l’architectu-

de Silvia Arosio

re, du chant et de la danse, fusionnés dans une synergie qu’il prend à la gorge, est l’exemple flagrant de la façon dont la combinaison des arts peut exprimer le meilleur de l’homme, non seulement de son âme, mais aussi de ses « mains populaires », si capables de créer, parfois, des chefs-d’œuvre (mais aussi tout le contraire, des catastrophes).

Les personnages comme ça...

Français de l’Opéra sont devenus universels.

Richard Cocciante a déclaré à plusieurs reprises qu’il avait son propre transfert personnel dans Quasimodo, presque une projection, un hologramme physique, le représentant sur scène. Et vous, qui vous retrouvez- Avez-vous vécu un amour interdit et passionné comme Frollo, ou vous sentez-vous au premier amour comme Esmeralda? Vivez-vous de l’art comme Gringoire ou cherchez-vous le pouvoir, comme Phœbus et Fleur-De- Lys? Si «l’homme a voulu écrire son histoire dans le verre ou dans la pierre», pour éduquer les masses, comme c’était typique à l’époque, les personnages eux-mêmes sont architecture. N’est-ce pas Frollo, sculptural, imposant, fondation d’une cathédrale qui commence à craquer, pour les infiltrations des liquides et des clandestins insaisissables, guidés par le Clopin sans papier? Quel meilleur pont entre le théâtre français et

le théâtre italien, si ce n’est Notre-Dame de Paris?

Mais Zard ne s’arrêta pas là et, avec son fils Clément, apporta en Italie une autre sucette française qui, paradoxalement, cette fois partait d’une histoire italienne, cristallisée dans le chef-d’œuvre de Shakespeare, Roméo et Juliette. Roméo et Juliette, de la Haine à l’Amour, avec musique et paroles de Gérard Presgurvic, a été adapté en Italie par Vincenzo Incenzo, qui, comme vous pouvez le lire sur ces pages, transposera également Bernadette de Lourdes dans notre langue.

La version italienne est différente parfois de l’original française: des personnages et des morceaux ont disparu, mais elle a conservé et peut-être même augmenté, la puissance du Shakespeare du complot narratif, pour le livret, qui a repris dans

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de nombreuses parties l’original du roman, mais surtout pour une distribution extraordinaire, qui a eu le mérite d’avoir amené au théâtre de nombreux jeunes et très jeunes qui ont fait de cet Opéra un autre véritable culte.

Notre-Dame et Roméo et Juliette, aime et change le monde ont réussi non seulement à unir plusieurs générations de public, mais aussi à faire relire les romans, souvent pas si aimés au niveau scolaire... comme c’était aussi le cas pour Les Époux Promis de Michele Guardì ou La Divine Comédie de Frisina, mais ce sont d’autres histoires (dont nous avons néanmoins parlé entre ce numéro et d’autres précédents de ce journal).

Pour plus d’informations, de critiques et d’interviews consacrées à ces spectacles, je vous renvoie à mon site www.silviaarosio.com. • RS

INTERVISTA

Stephan Jarny: la mia

vita tra talento e dedizione

IL NUOVO DIRETTORE ARTISTICO DI AMICI RACCONTA IL SUO PERCORSO NEL MONDO DELLA DANZA

D

a qualche mese il pubblico italiano ha potuto fare la conoscenza del coreografo di fama internazionale Stephan Jarny, grazie alla sua partecipazione al talent show Amici di Maria De Filippi, dove ricopre il ruolo di Direttore Artistico.

Fin dalle prime puntate, si è potuta apprezzare l’impronta “francese” dei suoi “quadri”: essenziali ma coinvolgenti che fanno del ballerino (o del cantante) il vero protagonista.

Lo abbiamo raggiunto telefonicamente durante le prove di una puntata del talent show: ecco la nostra intervista.

Stephan, raccontaci come è nata la tua passione per la danza. Sappiamo che hanno giocato un ruolo fondamentale sia tua sorella che un laboratorio di danza al quale avete partecipato…

Dopo i miei studi, a 18 anni, sono tornato in una scuola di danza a Parigi (l'Accademia Internazionale di Danza). Una formazione multidisciplinare che mi ha permesso di gettare le mie basi per la danza.

Ringrazio i miei genitori che hanno accettato di farmi partecipare a questa formazione.

Così, ho iniziato tardi ma la mia determinazione, la mia passione, il duro lavoro e soprattutto gli incontri fondamentali con coreografi rinomati mi hanno permesso di renderlo la mia professione.

Quale è stato il primo pensiero quando hai varcato la soglia della scuola di danza?

Timore, paura o curiosità

per un ambiente nuovo?

C'è sempre apprensione quando ci sfidiamo, quando scopriamo un nuovo universo a noi sconosciuto. Senza sapere se tutto ciò potrà portare o meno a una carriera.

Avere una passione per la danza è una cosa, essere in grado di renderlo il tuo lavoro può essere più complesso.

Ma ho sempre pensato che questo fosse il posto giusto per me. Disciplina, auto-miglioramento mi hanno liberato.

Nonostante la mia timidezza all'epoca, sapevo che mi stavo realizzando. Oggi dico che era il mio destino.

Hai avuto qualche tentennamento o avevi capito fin da subito che la danza era la strada giusta per te? È evidente.

Mi piaceva stare in uno studio ed esplorare, spingere i confini del corpo, trovare un nuovo linguaggio di espressione.

Raccontaci il tuo percorso nel mondo della danza: come ci si sente a passare da aspirante ballerino a coreografo e sceneggiatore per i più grandi spettacoli del mondo?

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di Daniele Colzani

Incontri e scelte costruiscono una carriera. Questo lavoro mi ha insegnato a rimanere attento e cogliere le opportunità non appena si presentano.

Alla base, c'è naturalmente il lavoro, ma l'assunzione di rischi quando si presenta un nuovo progetto sono essenziali. Non mi sentivo adatto come coreografo. Un buon ballerino non è necessariamente un buon insegnante o coreografo. Ma mi è stata offerta un'opportunità. Mi è stata offerta una coreografia per uno show televisivo. La proposta era così bella che ho corso il rischio. Non potevo dire di no. È stato l'inizio della mia carriera come coreografo, regista e ora direttore artistico.

Come nasce l’idea per una coreografia? A cosa ti ispiri? Ad una musica, ad una sensazione...

Questo lavoro ci rende curiosi. Un'immagine, un dipinto, un film, un ballerino, un cantante, un paesaggio... tutto favorisce la creazione, la condivisione... questa professione è fatta per scambiare, scoprire, esplorare. Il lavoro svolto in Amici è unico e diverso a seconda della personalità di ciascuno. Ci proiettiamo in ciò che l'artista ci rimanda. Alcuni hanno personalità molto forti e altri devono essere guidati a scoprirsi. Queste sono avventure uniche.

Il pubblico dei musical e dello show tv ha apprezzato le tue coreografie per lo spettacolo Looking for the New Star, Miss France, Mask Singer e The Voice Francia. Ognuno di questi ha una sua particolarità che lo rende unico… Come ti approcci a tipologie di spettacolo così diverse? È importante sapere con chi stiamo parlando. Ogni spettacolo ha il suo ritmo, il suo pubblico, il suo colore. Ed è

questo che rende interessanti i miei incontri, le mie collaborazioni. Il mio lavoro è mettermi al servizio di artisti, dei programmi. Porto il mio mondo, le mie esigenze ma ogni progetto è diverso.

Come hai vissuto il lockdown? Hai approfittato per “creare” nuove coreografie o perfezionare di già esistenti?

Ho approfittato della pausa per prendere tempo e lavorare sui progetti che erano stati messi in stand-by e quelli nuovi che ho già iniziato.

Alla ripartenza del mondo dello spettacolo (si spera prestissimo) con quale show ti piacerebbe presentarti al grande pubblico? Hai uno

IL SOCIAL / SOCIAL

Inquadra il QRcode e guarda il suo profilo Instagram Encadrez le QRcode et regarde le sien profil Instagram spettacolo che vorresti coreografare?

Sono fortunato che le trasmissioni a cui sto lavorando continuino. La mia prossima stagione sarà come quella di quest'anno.

Torniamo alla stretta attualità e parliamo del talent show Amici: come ti sei approcciato a questo tipo di programma? Come è avvenuto il contatto con

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Maria De Filippi?

Una telefonata lo scorso dicembre 2020: e così mi sono trasferito a gennaio per incontrare Maria. Mi è subito piaciuto il suo istinto, la sua grande professionalità, l'energia e il cuore che mette in questo programma riconosciuto. Conoscevo Amici per la fama internazionale ma non avevo mai visto nulla.. Ancora oggi non ne ho visto nulla per rimanere vergine nel mio approccio al lavoro e alla collaborazione. Amici è una famiglia. I team lavorano quotidianamente al servizio questo programma. È una bellissima avventura, molto ricca, intensa. Sono molto felice di aver vissuto, di aver condiviso tutti questi momenti con Maria, i cantanti e ballerini, i team artistici e tecnici. Maria ha un'intelligenza artistica che è fonte di ispirazione.

Stiamo apprezzando molto i tuoi “quadri” perché rendono protagonista il ballerino: come ti rapporti con i giovani allievi?

Per me è essenziale evidenziare l'artista. Quest'anno a causa del Covid, avevamo obblighi di distanza da rispettare. Ma era essenziale che ogni artista potesse prosperare, rivelare se stesso, crescere ed esistere in ogni performance. Ci sono incontri, scelte, prove e fino all'ultimo minuto riflessioni su un gesto, una posizione, un'illuminazione, un costume. Le personalità dei candidati sono forti. Lavorare su ogni dipinto realizzandolo su misura permette di offrire vari servizi.

Che consiglio ti senti di dare ai ragazzi che vogliono intraprendere la carriera di coreografo?

Il mio consiglio è quello di credere nei suoi sogni e nel lavoro, lavoro, lavoro ancora... • RS

INTERVIEW

Stephan Jarny: ma vie entre talent et dévouement

LE NOUVEAU DIRECTEUR ARTISTIQUE DE AMICI RACONTE SON PARCOURS DANS LE MONDE DE LA DANSE

D

aepuis quelques mois, le public italien a pu faire la renommée du chorégraphe Stephan Jarny, grâce à sa participation au spectacle de talent Amici di Maria De Filippi, où il occupe le rôle de directeur artistique. Dès les premiers épisodes, il a été possible d’apprécier l’empreinte "français" de ses "peintures" : essentielle mais engageante qui font du danseur (ou chanteur) le véritable protagoniste. Nous l’avons joint par téléphone lors de la répétition d’un épisode de l’émission talent: voici notre interview.

Stephan, dis-nous comment est née ta passion pour la danse. Nous savons que votre sœur et un atelier de danse à laquelle vous avez participé ont joué un rôle fondamental...

Après mes études, à l’âge de 18 ans, je suis rentré dans une école de danse à Paris ( l’académie internationale de la danse). Une formation pluridisciplinaire qui m’a permis de poser mes bases de danse. J’ai eu la chance que mes parents acceptent de me laisser participer à cette formation.

J’ai donc commencé tardivement mais ma détermination, ma passion, le travail assidu et surtout les rencontres fondamentales avec des chorégraphes de renom m’ont permis d’en faire mon métier.

Quelle a été la première pensée lorsque vous avez franchi le seuil de l’école de danse? Peur, peur ou curiosité pour un nouvel environnement ?

Il y a toujours de l’appréhension quand on se lance un défi, quand on découvre un univers nouveau qui nous est inconnu.

Sans savoir si cela aboutirait à une carrière ou non.

Avoir la passion de la danse est une chose, pouvoir en faire son métier peut être plus complexe.

Mais j’ai toujours senti que c’était l’endroit où il fallait que je sois.

La discipline, le dépassement de soi m’ont libéré. Malgré ma timidité de l’époque , je savais que je me réalisais. Aujourd’hui je me dis que c’était ma destinée.

Avez-vous hésité ou avezvous tout de suite réalisé que la danse était la bonne façon pour vous?

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Il y a eu une évidence. J’adorais me retrouver dans un studio et explorer, repousser les limites de son corps, trouver un langage nouveau d’expression.

Parlez-nous de votre voyage dans le monde de la danse : qu’est-ce que ça fait de passer d’un aspirant danseur à un chorégraphe et scénariste pour les plus grands spectacles du monde ?

Les rencontres, les choix construisent une carrière. Ce métier m’a appris à rester en éveil et à saisir les opportunités dès qu’elles se présentent. Il y a évidemment et pour toujours le travail, l’exigence mais les prises de risques quand un nouveau projet se présente sont essentielles. Je ne me sentais pas légitime en temps que chorégraphe. Un bon danseur ne fait pas forcément un bon professeur ou un bon chorégraphe.

de Daniele Colzani

Mais une opportunité s’est présentée à moi. On m’a proposé de monter une chorégraphie pour une émission de tv. La proposition était tellement belle que j’ai pris le risque. Je ne pouvais pas refuser. Ça a été le début de ma carrière de chorégraphe puis metteur en scène et aujourd’hui directeur artistique.

Comment est venue l’idée de chorégraphie ? Qu’est-ce qui vous inspire? Pour une musique, un sentiment...

Ce métier nous rend curieux.

Une image, une peinture, un film, un danseur, un chanteur, un paysage… tout est propice à créer, partager… ce métier est fait pour échanger, découvrir, explorer.

Le travail fait sur les candidats d’Amici est unique et différent suivant la personnalité de chacun.

On se projette dans ce que l’artiste nous renvoie. Certains ont des personnalités très affirmées et pour d’autres il faut les guider et leur apprendre à se trouver. Ce sont des aventures uniques.

Le public des comédies musicales et des émissions de télévision a apprécié votre chorégraphie pour l’émission Looking for the New Star, Miss France, Mask Singer et The Voice France. Chacun d’eux a sa propre particularité qui le rend unique... Comment abordez-vous des types de spectacles aussi différents?

Il est important de savoir à qui nous nous adressons. Chaque émission a son rythme, son public, sa couleur. Et c’est ce qui rend mes rencontres, mes collaborations interessantes. Mon métier est de me mettre au service des artistes, des émissions.

J’amène mon univers, mon exigence mais chaque projet est différent.

Comment avez-vous fait l’expérience du verrouillage?

Avez-vous profité de l’occasion pour « créer» de nouvelles chorégraphies ou affiner les chorégraphies existantes ?

J’ai profité de l’arrêt pour prendre le temps et avancer sur les projets qui étaient mis en stand by et les nouveaux que j’ai déjà commencés.

Au redémarrage du monde du divertissement (espérons-le très bientôt) avec quel spectacle aimeriez-vous vous présenter au grand public? Avez-vous un spectacle que vous souhaitez chorégraphier?

J’ai la chance que les émissions sur lesquelles je travaille se reconduisent. Ma saison prochaine se profile quasi à l’identique de cette année.

Revenons aux dernières nouvelles et parlons de l’émission de talent Amici: comment avez-vous abordé ce type de programme? Comment s’est passé le contact avec Maria De Filippi ?

Un coup de téléphone au mois de décembre dernier 2020 et je me suis déplacé en janvier pour rencontrer Maria. J’ai aimé de

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suite son instinct, son grand professionnalisme et l’énergie et le coeur qu’elle met dans ce programme reconnu. Je connaissais Amici de renommée internationale mais je n’avais jamais vu d’images. Aujourd’hui je n’en ai toujours pas vu pour justement rester vierge dans mon approche de travail et collaboration. Amici est une famille. Des équipes travaillent au quotidien au service de ce programme. C’est une magnifique aventure, très riche, intense. Je suis très heureux de l’avoir vécue, d’avoir partagé tous ces moments avec Maria, les artistes chanteurs et danseurs, les équipes artistiques et techniques. Maria a une intelligence artistique qui est une source d’inspiration.

Nous apprécions grandement vos «peintures» parce qu’ils font le protagoniste danseur: comment traitez-vous avec les jeunes étudiants?

Il est essentiel à mes yeux de mettre en valeur l’artiste. Cette année à cause du covid, nous avions des obligations de distance à respecter.

Mais il fallait absolument que chaque artiste puisse s’épanouir, se révéler, grandir et exister dans chaque prestation. Il y a des rencontres, des choix, des répétitions et jusqu’à la dernière minute des réflexions sur un geste, une position, un éclairage, un costume. Les personnalités des candidats sont fortes. De travailler chaque tableau en faisant du sur mesure permet d’offrir des prestations variées .

Quels conseils donnez-vous aux gars qui veulent poursuivre une carrière de chorégraphe?

Mon conseil est de croire en ses rêves et de travailler, travailler, encore travailler... • RS

RITRATTI

" Still my heart my Joséphine

beats,

Baker"

MARIA OLIVERO E LO SPETTACOLO CHE RIPERCORRE IL VIAGGIO, ARTISTICO E NON, DELLA STRAORDINARIA ARTISTA

C

amminavo per le strade di Montmartre. Un pomeriggio d'autunno.

Ricordo il vento, le nuvole alte e la luce bianca del cielo.

Mi fermai in un piccolo caffe.

Una porta vetrata, qualche tavolino e un silenzio ovattato.

Di fronte a me una ragazza seduta di spalle scriveva su un quaderno. Guardavo lei e quella sagoma in controluce e pensai ad André Breton, ad Aragon, a Eluard... al gesto di chissà quanti altri autori, scrittrici, artisti, tutti passati di lì, magari seduti a un tavolino, a prendere nota, ad ascoltare, nelle ore di veglia, la voce di Parigi, la voce delle idee.

"Poésie, Liberté, Amour" diceva Breton. Forse quel giorno ho avuto anch'io il sogno dei surrealisti. Forse quel giorno il mio amore si è rivelato.

Anni dopo, durante le registrazioni del mio Ep Barbra Belle dedicato alle donne e al coraggio del loro cuore, un amico mi parlò di uno scrittore che aveva pubblicato un bellissimo libro; mi presentò Luca De Antonis, autore di Miele e Kerosene, biografia romanzata della vita di Joséphine Baker (2011, Paola Caramella editrice).

Ho conosciuto così la storia straordinaria di Joséphine, la sua forza e il suo coraggio.

L'ho sentita vicina e ho sentito forte il senso di dolcezza e di ribellione, i valori che cerco continuamente nella vita e nella mia musica.

Josephine Baker in un dipinto di Carlo Montana

Ho voluto così raccontare la sua storia. Una donna grande nell'arte come nella vita, che ha attraversato avversità e successo, schierandosi sempre per la pace e per l'uguaglianza. Una storia che è libertà, solidarietà e legami femminili.

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Ho passato giorni e notti al pianoforte, ho creato lo spettacolo, concept musicale Still My Heart Beats, My Joséphine Baker, ho scritto la musica e gli arrangiamenti e ho composto le sei canzoni sui testi di Elena Maro che si inseriscono nel racconto con

di Maria Olivero

Maria Olivero

una voce narrante. Nel gennaio 2014 mi trovavo negli Stati Uniti e insieme all'autrice dei testi volai da Los Angeles a New York per incontrare il figlio, Jean-Claude Baker. Lo incontrai nel suo ristorante Chez Joséphine a Manhattan, sulla 42esima strada, nell'area detta - Theatre Row - per la presenza di diversi teatri.

Venendomi incontro disse con un accento francese: "don't talk, don't talk, breathe the atmosphere". Così restai in silenzio e lo ringraziai. Tornai due giorni dopo per parlargli del mio lavoro musicale.

Lo definì "un lavoro d'amore".

E così è: Joséphine, donna straordinaria, scelse l'amore al di sopra di ogni cosa; l'amore inteso come atto di cura. È certamente una figura tra le più importanti del '900.

Nata il 3 giugno del 1906, percorse un lungo cammino, dalla Saint Louis della sua infanzia, poverissima vessata dal razzismo, ai riflettori dei più importanti teatri del mondo.

Innovatrice nello spettacolo, tenace nella difesa dei diritti e della giustizia sociale.

Ballerina, interprete, la prima soubrette superstar della storia che non esitò a mettersi a

disposizione dell'esercito della Francia Libera: il generale Charles De Gaulle le conferì la Croce di Guerra e la nominò Cavaliere della Legion D’Onore per il ruolo svolto nella partecipazione alla Resistenza Francese durante l'occupazione nazista.

Negli anni '50 adottò 12 bambini orfani di diverse nazionalità, per dimostrare la fratellanza universale e li chiamò la Tribù Arcobaleno.

Nel 1963 parlò alla Marcia su Washington di Martin Luther King, pronunciando un breve Josephine Baker con Grace Kelly

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e intenso discorso, indossando la sua divisa di ufficiale dell'esercito francese.

Sostenne i principi di giustizia sociale, i diritti civili e quella libertà che lei trovò in Francia e per la quale fu sempre riconoscente e continuò a lottare. Morì a Parigi il 12 aprile del 1975, poco dopo gli spettacoli che celebravano al Bobino i suoi cinquant'anni di palcoscenico. È sepolta nel cimitero del Principato di Monaco per volontà della sua grande amica la principessa Grace che la sostenne nei momenti difficili.

Fu la musa di Maestri come Scott Fitzgerald, Georges Simenon, Jean Cocteau, Le Corbusier, Christian Dior, Incontrò Frida Kahlo, Hemingway che di lei disse: "la donna più sensazionale che si sia mai vista", Colette: “la più bella pantera e la più affascinante delle donne” e Picasso: "gambe paradisiache, gli occhi di ebano e il sorriso dove tutti gli altri sorrisi vanno a morire".

Arrivò a Parigi nell'autunno del 1925 a bordo del transatlantico Berengaria, a soli 19 anni, insieme a Caroline Dudley Regan, l'impresaria

Josephine Baker con il figlio Jean-Claude

che la scoprì in un locale di New York e che la volle ne La Revue Nègre. Lo spettacolo debuttò il 2 ottobre di quell'anno, al teatro degli Champs–Elysées; fu un successo sensazionale. Celebre il suo gonnellino di banane che conquistò Parigi. Attorno a lei il dinamismo artistico e culturale della "Ville Lumiere". La modernità che irrompe nella storia.

And The Ocean In Between è il titolo del brano che ho composto che racconta la traversata dell'oceano, il momento in cui Josephine lascia la sua terra madre, gli Stati Uniti, verso la sua chance, verso la Francia, verso la sua inarrestabile ascesa.

Ho voluto il theremin (primo strumento elettronico della storia, 1919, basato sui campi magnetici), suonato magistralmente da Giulia Riboli.

Ricorda il canto del mare, i delfini, i gabbiani. Un tappeto di archi e pianoforte avvolge ed emoziona.

La descrizione del viaggio è supportata da alcune immagini originali di un nostro paren-

te, emigrato negli Stati Uniti nel 1907 e diventato dirigente alla Eastman (Kodak).

Scattò con un apparecchio stereoscopico in occasione di un ritorno in Italia, nel 1923 a bordo del transatlantico Savoie che fece la stessa tratta del Berengaria.

Ho presentato il mio lavoro in diverse occasioni, a Torino, a Firenze, a Milano ai Frigoriferi Milanesi... al teatro Coccia e al Faraggiana di Novara, dove Joséphine si esibì nel 1932 e nel 1969.

Al Teatro Faraggiana e al Teatro Coccia di Novara, per gli studenti dell'ultimo anno

delle superiori, Paola Gassman lesse un estratto del discorso che Joséphine tenne alla Marcia su Washington, registrato in video appositamente per lo spettacolo. Diverse le collaborazioni artistiche, tra le quali il grande arpista Vincenzo Zitello.

Attualmente sto lavorando alle registrazioni in studio per il concept album delle musiche. In attesa di poter ritornare sul palcoscenico. Una magia e un'emozione grande.

Il cuore di Joséphine batte ancora. Al mondo di oggi e di domani indica la rotta: che l'amore sia azione, che sia cura di se, degli altri e del mondo.

Ognuno è responsabile e l'amore è sopra ogni cosa. " Mi chiamo Joséphine, avrai sentito parlare di me Ne ho viste di tutti i colori, non puoi neanche immaginare Ho attraversato l'Oceano, ho camminato per tantissime strade Il colore della mia pelle per la mia nazione era sbagliato E poi ho fatto la gavetta, la mia vita ad alta velocità Posso sembrare pazza, ma l'Amore è tutto ciò di cui ho bisogno" "Estratto tradotto dal brano Still My Heart Beats (Maro, Olivero)". • RS

BIOGRAFIA • Maria Olivero è autrice, compositrice, musicista e interprete; Una lunga esperienza live in festival, club e teatri prestigiosi, più volte in Norvegia, in California, nei club di Los Angeles come l’Hard Rock Café di Hollywood.

• Due dischi pubblicati, Anyway (album 2012) Barbra Belle (EP 2013).

Ha creato lo spettacolo Still My Heart Beats, My Joséphine Baker e composto le musiche del concept dedicato alla straordinaria storia di Joséphine Baker; incontrò il figlio, Jean-Claude Baker, a Manhattan nel 2014 . Lo spettacolo vede diverse collaborazioni artistiche tra cui il grande arpista Vincenzo Zitello.

• Ha composto Today, Say No To Child Labour, canzone contro lo sfruttamento del lavoro minorile, apprezzata dall'ILO, Organizzazione Internazionale del Lavoro, agenzia delle Nazioni Unite con sede a Ginevra.

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PORTRAITS

" Still my heart my Joséphine

de Maria Olivero

beats,

Baker"

MARIA OLIVERO ET LESPECTACLE QU’ELLE RETRACE LE VOYAGE, ARTISTIQUE ET PHYSIQUE, DE LA GRANDE ARTISTE

J

e marchais dans les rues de Montmartre. Un après-midi d’automne. Je me souviens du vent, des nuages élevés et de la lumière blanche du ciel.

Je me suis arrêté à un petit café.

Une porte vitrée, quelques tables basses et un silence étouffé. En face de moi, une fille assise derrière moi a écrit dans un cahier.

Je l’ai regardée et cette silhouette dans le rétro-éclairage et j’ai pensé à André Breton, aragon, Eluard... au geste de qui sait combien d’autres auteurs, écrivains, artistes, sont passés, peutêtre assis à une petite table, prenant note, écoutant, pendant les heures de veille, à la voix de Paris, la voix des idées.

Poésie, Liberté, Amour, a déclaré Breton. J’ai peut-être fait le rêve surréaliste ce jourlà. Peut-être que ce jour-là mon amour s’est avéré.

Des années plus tard, lors de l’enregistrement de mon EP Barbra Belle dédié aux femmes et au courage de leur cœur, un ami m’a parlé d’un écrivain qui avait publié un beau livre; Luca De Antonis,

auteur de Miele e Kerosene, une biographie romancée de la vie de Joséphine Baker (2011, Paola Caramella editrice), m’a présenté.

J’ai donc fait la une de l’histoire extraordinaire de Joséphine, de sa force et de

son courage. Je l’ai senti proche et j’ai ressenti un fort sentiment de douceur et de rébellion, les valeurs que je cherche constamment dans la vie et dans ma musique.

J’ai voulu donc raconter son histoire. Une femme grande dans l’art comme dans la vie, qui a traversé l’adversité et le

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succès, toujours du côté de la paix et de l’égalité. Une histoire qui est la liberté, la solidarité et les liens des femmes.

J’ai passé des jours et des nuits au piano, créé le spectacle, concept musical « Still My Heart Beats, My Joséphine Baker », j’ai écrit la musique et les arrangements et composé les six chansons sur les textes d’Elena Maro qui s’inscrivent dans l’histoire d’une voix narrante.

En janvier 2014, j’étais aux États-Unis et avec l’auteur des textes que j’ai volés de Los Angeles à New York pour rencontrer son fils, Jean-Claude Baker. Je l’ai rencontré dans son restaurant Chez Joséphine à Manhattan, sur la 42e rue, dans le quartier appelé - Theatre Row - pour la présence de plusieurs théâtres.

Venu me rencontrer, il a dit avec un accent Français: «ne parlez pas, ne parlez pas, respirez l’atmosphère».

Alors je suis resté silencieux et je l’ai remercié. Je suis revenu deux jours plus tard pour lui parler de mon travail musical. Il l’appelait « un travail

d’amour ». C’est ainsi que Joséphine, une femme extraordinaire, a choisi l’amour avant tout; l’amour compris comme un acte de soins. Il est certainement l’une des figures les plus importantes des années 1900.

Née le 3 juin 1906, elle a parcouru un long chemin, du Saint Louis de son enfance, très pauvre harcelé par le racisme, aux projecteurs des théâtres les plus importants du monde.

Innovant dans le spectacle, tenace dans la défense des droits et de la justice sociale.

Ballerine, interprète, première superstar de l’histoire qui n’hésite pas à se mettre à la disposition de l’Armée de France libre : le général Charles De Gaulle lui décerne la Croix de guerre et fait d’elle chevalier de la Légion d’honneur pour son rôle dans la participation à la Résistance Français pendant l’occupation nazie.

Dans les années 1950, il a adopté 12 enfants orphelins de différentes nationalités, pour démontrer la fraternité universelle, et les a appelés la « tribu arc-en-ciel ».

En 1963, il s’est exprimé lors de la Marche de Martin Luther King à Washington, dans un discours bref et intense, portant son uniforme d’officier de l’armée Français.

Elle soutient les principes de justice sociale, de droits civils et de liberté qu’elle trouve en France et pour lesquels elle est toujours reconnaissante et continue de lutter. Il meurt à Paris le 12 avril 1975, peu après des représentations célébrant ses cinquante ans de scène au Bobino.

Elle est enterrée dans le cimetière de la Principauté de Monaco à la volonté de sa grande amie la princesse Grace qui l’a soutenue dans les moments difficiles.

Elle a été la muse de maîtres

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tels que Scott Fitzgerald, Georges Simenon, Jean Cocteau, Le Corbusier, Christian Dior, Met Frida Kahlo, Hemingway qui a dit d’elle: «la femme la plus sensationnelle jamais vue», Colette: «la plus belle panthère et la plus charmante des femmes» et Picasso: «les jambes célestes, les yeux ébènes et le sourire où tous les autres sourires vont mourir».

Elle arrive à Paris à l’automne 1925 à bord du paquebot Berengaria, à l’âge de 19 ans, avec Caroline Dudley Regan, l’imprésaria qui la découvre dans un club new-yorkais et qui la veut dans La Revue Nègre.

Le spectacle a été présenté pour la première fois le 2 octobre de la même année, au théâtre des Champs-Elysées; a été un succès sensationnel.

Célèbre est sa jupe banane qui a conquis Paris. Autour d’elle, le dynamisme artistique et culturel de la Ville Lumière.

La modernité qui entre dans l’histoire.

And The Ocean In Between est le titre de la chanson que j’ai composée qui raconte l’histoire de la traversée de l’océan, au moment où Joséphine quitte sa terre mère, les États-Unis, vers sa chance, vers la France, vers son ascension imparable.

Je voulais le theremin (le premier instrument électronique de l’histoire, 1919, basé sur les champs magnétiques), magistralement joué par Giulia Riboli. Il n’est pas sans rappeler le chant de la mer, dauphins, goélands. Un tapis de cordes et de piano enveloppe. La description du voyage est étayée par quelques images originales d’un de nos proches, qui a émigré aux États-Unis en 1907 et est devenu cadre chez Eastman (Kodak). Il s’écrase avec un dispositif stéréoscopique à l’occasion d’un retour en Italie, en 1923 à bord du paquebot Savoie qui a fait la même route que la Berengaria.

J’ai présenté mon travail à plusieurs reprises, à Turin, Florence, Milan aux Frigoriferi Milanesi... au Théâtre Coccia et au théâtre Faraggiana de Novara, où Joséphine se produit en 1932 et 1969.

Au Teatro Faraggiana et au Teatro Coccia de Novara, pour

les élèves de la dernière année du lycée, Paola Gassman a lu un extrait du discours que Joséphine a prononcé lors de la Marche sur Washington, enregistré en vidéo spécifiquement pour le spectacle.

Plusieurs collaborations artistiques, dont le grand harpiste Vincenzo Zitello.

Je travaille actuellement sur des enregistrements studio pour l’album concept de musique. En attendant de pouvoir

BIOGRAPHIE • Maria Olivero est auteure, compositrice, musicienne et interprète; Une longue expérience de vie dans des festivals prestigieux, des clubs et des théâtres, à plusieurs reprises en Norvège, en Californie, dans des clubs de Los Angeles tels que le Hard Rock Café à Hollywood.

• Deux albums sortent, Anyway (album 2012) « Barbra Belle » (ep 2013). Il a créé le spectacle Still My Heart Beats, My Joséphine Baker et a composé la musique du concept dédié à l’histoire extraordinaire de Joséphine Baker; il a rencontré son fils, Jean-Claude Baker, à Manhattan en 2014. Le spectacle voit plusieurs collaborations artistiques dont le grand harpiste Vincenzo Zitello.

Il a composé Today, Say No To Child Labour, une chanson contre l’exploitation du travail des enfants, appréciée par l’OIT, l’Organisation internationale du Travail, une agence des Nations Unies basée à Genève

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revenir sur scène. Une magie et une grande émotion.

Le cœur de Joséphine bat à nouveau. Au monde d’aujourd’hui et de demain, il montre la voie: cet amour est action, qu’il se soucie de soimême, des autres et du monde. Tout le monde est responsable et l’amour est avant tout.

Je m’appelle Joséphine, vous avez dû entendre parler de moi J’ai vu toutes les couleurs, vous ne pouvez même pas imaginer J’ai traversé l’océan, j’ai traversé tant de rues La couleur de ma peau pour ma nation était fausse Et puis j’ai fait la gavetta, ma vie à grande vitesse J’ai peut-être l’air fou, mais l’amour est tout ce dont j’ai besoin.

"Extrait traduit de la chanson Still My Heart Beats (Maro, Olivero)". • RS

INTERVISTA

In Francia

il teatro... è di moda

MARCO DAVERIO CI RACCONTA LA SUA ESPERIENZA DIRETTA CON IL TEATRO D'OLTRALPE

P

er Marco Daverio, Direttore dell’Ecoteatro, in Italia il teatro non è fashion e viene spesso percepito come noioso.

La sua esperienza francese ci regala, in questa intervista, un’analisi attenta della differenza tra i due paesi.

Marco, nella sua esperienza come Direttore di teatro, c’è stato uno spettacolo che secondo lei ha avuto un impatto maggiore sul pubblico rispetto agli altri?

Penso che lo spettacolo che abbia avuto un impatto più forte, tra tutti quelli che ho gestito, sia stato Fame, che è andato avanti per molti anni e credo abbia superato le 300 repliche. Non ricordo il numero con esattezza ma comunque forse anche 400, cosa davvero rara nel circuito italiano e in seguito è andato anche in Francia.

Ho partecipato anche alla produzione dell’edizione francese, a Parigi e in tutta la Francia: il musical rimase mesi a Parigi in cartellone, poi fece un tour di un anno nei teatri francesi. Direi che questa è stata la produzione più longeva ed impattante.

Fame credo abbia debuttato nel 2002 e tra Italia e Francia, è andato avanti fino al 2012, comunque almeno una decina d’anni. È d’accordo con l’affermazione che Fame sia stata una produzione multi generazionale?

Prima di tutto, c’è stato il film prodotto da Alan Parker, credo negli anni ’80. Conseguentemente a questo c’è stata un’edizione di telefilm dove c’erano

degli interpreti che sono diventati anche dei miti. Uno di questi era Gene Antony Ray, che interpretava la parte di Leroy.

Tra l’altro ho avuto modo di conoscere e di ospitare Gene qui a Milano, a casa mia e con lui ho avuto modo di avere notizie dirette sulla produzione del film e della serie: poi, purtroppo è venuto mancare. Il trait d’union fra il cinema e il teatro è stato la collaborazione con il co- produttore di Alan Parker, David De Silva che ha curato la trasposizione in musical.

Il musical ha avuto e ha ancora grande successo, tanto che c’è stata una nuova produzione cinematografica ma in era moder-

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na. Il tema, quello degli studenti delle performing art, è molto attuale ancora oggi. Basti solo pensare ai concorsi, come The Voice, X Factor. Il tema della scuola è molto comune e molto attuale anche adesso.

Appunto, parliamone. Cosa ne pensa dei talent televisivi?

Hanno sicuramente un grosso seguito, è qualcosa che piace e che funziona; il mondo dello spettacolo non è che campa sulle idee di quello che pensa di fare lo spettacolo, va avanti su quello che pensa il pubblico.

Il punto è che proprio perché è associato a questo modello socio-economico, quello della così detta società liquida, che cambia

di Angelica Jasmine Colombo

in continuazione, assistiamo a questo fenomeno di talent scout che produce talenti, che poi finiscono lì. Pochissimi tra quelli che escono hanno poi una carriera artistica paragonabile a quella di artisti del passato che sono rimasti in carriera decine di anni. È un mondo che cambia rapidamente e rischia di bruciare altrettanto rapidamente questi talenti che vengono scoperti.

Chi ne fa le spese è soprattutto l’artista; noi organizzatori, direttori, registi, autori più o meno continuiamo a lavorare, per un artista veramente è più complicato. Il discorso vale anche per i musicisti: anche per la musica i compositori oggi con un computer e un programma riescono a tirar fuori una band. Anni fa bisognava andare in uno studio, fare la registrazione, investire molti più soldi e quindi oggi ce ne sono molti di più, forse troppi.

Questo fenomeno, secondo lei, dipende da come viene gestito il talent in Italia o è accumunabile anche con l’estero?

No, un po’ dappertutto. Anzi

è l’Italia che si adegua al mercato internazionale, che anch’esso va e viene: le hit si contano sulla punta delle dita. Pensiamo al genere rap, oggi diffusissimo, ma questi rapper nascono e muoiono, alcuni letteralmente ahimè, proprio in brevissimo tempo.. È il consumismo, come la lama del rasoio “usa e getta”, così bisogna dare in continuazione cose nuove, nuovi strumenti.

Gli influencer, l’online, i social… è veramente un mondo che è cambiato e sta cambiando con una rapidità, un’accelerazione incredibile. Ma pensiamo ai supporti, siamo passati nel giro

Una scena di FAME (edizione di Parigi) al teatro Trianon di cui Marco Daverio era responsabile artistico

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di dieci anni dalla video cassetta, al cd e adesso c’è la musica liquida. Cambia il mercato, cambia il modo di proporre le cose; l’abbiamo visto adesso con il Covid…si punta sul teatro online, sugli spettacoli, sulle piattaforme online.. È un po’ come quando il cinema da muto è diventato sonoro, tanti artisti che non avevano una buona dizione sono rimasti a casa.

Tornando al teatro, qual è lo spettacolo che le piacerebbe dirigere, che non ha mai diretto nella sua vita?

Che domanda difficile. Onestamente non ho grandi velleità, quello che volevo fare l’ho già fatto tutto. Ho fatto teatro come direttore artistico, come autore, come regista, persino come scenografo. Forse mi piacerebbe fare il musical, che un genere che a me piace molto che è quello che mi ha lanciato nel teatro: mi piacerebbe portare certi musical che qui non si sono mai visti.

Ad esempio?

Show Boat è un musical stupendo, che ho visto a Parigi in

un’edizione inglese, ovviamente allo Chatelet.. Oppure Les Misérables, che non è mai arrivato in Italia, se non in versioni scolastiche. Se dovessi scegliere ti direi Les Misérables, tocca più le mie corde motivazionali.

Les Misérables è un titolo sicuramente importante, con autore importante che addirittura viene studiato anche nelle scuole…sarebbe molto bello riuscire a portare il musical in Italia. È un capolavoro di Victor Hugo, è un bellissimo romanzo che avuto delle trasposizioni cinematografiche importanti, anche con Jean Gabin, Chiaramente, è molto difficile da realizzare, è un’impresa colossale e molto impegnativa finanziariamente.

E siccome qui in Italia non c’è la cultura di andare a vedere lo spettacolo in un teatro, come da tutta l’Inghilterra si va a Londra, o da tutta la Francia si va a Parigi. Si può pensare un’edizione in giro ma molto ridotta e quindi si perde proprio uno degli elementi della sua spettacolarità. Ci sono proprio dei grandi limiti per fare delle operazioni del genere: se non le hanno mai fatte qui in Italia, ci sarà un motivo.

Secondo lei, quindi in Italia manca l’educazione al vivere il teatro?

Quella manca assolutamente.

Il teatro, ad esempio in Francia, è una cosa “alla moda”: posso dire che il teatro sta a Parigi, come la moda sta a Milano.

In Francia, il sabato sera in televisione c’è sempre una rappresentazione teatrale. Qui ormai il teatro è diventato una cosa di nicchia, nell’immaginario di alcuni addirittura una cosa noiosa.

Se dici ad un giovane “Perché non andiamo a teatro?” lui risponderà: “Eh, ma che palle” (sic).

Forse manca la conoscenza della tradizione teatrale italiana?

L’Italia ha una tradizione teatrale incredibilmente lunga, già dall’antica Roma con la commedia palliata…ma senza guardare troppo al passato, basti pensare che fino agli anni ‘60/ ’70, ma anche fino a quando l’ho fatto io, parliamo fine del 1900, inizi 2000 si faceva il doppio degli incassi. L’Italia, dei paesi europei, è quella che avuto il minor numero di esperienze procapite a teatro.

Lo spettacolo Ostriche e caffè americano con Sandra Milo

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Come mai, secondo lei?

C’è stato un peggioramento, perché credo che il paese non abbia saputo investire, non abbia saputo mantenere alto il livello.

In particolare, una delle colpe è della televisione: negli anni ’60 veniva trasmesso il teatro in televisione, con bellissimi spettacoli, divertenti, gradevolissimi ed adesso non se ne occupa più.

Mentre in Francia, come ripeto, il teatro va ancora in prima serata.

Se non è la scuola che porta i ragazzi a teatro a vedere gli spettacoli, molto probabilmente non saprebbero nemmeno che esista.

Altre differenze fra il suo lavoro in Italia e in Francia?

In Francia, sono molto più esigenti, a livello gestionale e di organizzazione teatrale.

Gli incassi sono molto alti, hai più soddisfazione, le banche ti sostengono quando inizi. C’è un sistema di prevendita molto forte: ricordo che noi iniziavamo a vendere i biglietti un anno prima, cosa che in Italia succede raramente, forse grossi musical o concertoni. In Francia, le prove che di solito sono un mese e mezzo prima del debutto, inizi

che hai già in cassa, quindi che hai già i contanti, in grado di pagarti la produzione. Lì è tutto molto più organizzato, molto più esigente, severo, perché devi depositare, piani, progetti, conti ecc. Quando lavorai in Francia, il primo mese di vendite avevamo la sala già quasi tutta esaurita.

Come generi invece, in Francia viene proposto qualche genere teatrale che in Italia invece non c’è perché poco richiesto o perché troppo impegnativo?

In Francia c’è tutto, dal cabaret al teatro sperimentale. A Parigi, ci sono tanti più teatri rispetto a Milano e Roma, e con tutti i generi, in particolare commedie.

C’è proprio di tutto, perfino il circo. A Parigi c’è il circo coperto, c’è un teatro che è fatto a forma di circo, non un tendone ma proprio un teatro. E d’inverno si chiama proprio Le cirque d’hiver.

Secondo lei, la formazione attoriale teatrale è fondamentale per un attore che poi si fa ad affacciare al mondo cinematografico?

Ti darò una risposta controversa. Teoricamente sì, perché se hai una formazione si vede subito: di fatto però ci sono tante eccezioni che hanno fatto la storia. Mi viene in mente Gerard Depardieu, persone che hanno un talento naturale. Ovviamente la formazione aiuta, anzi è necessaria a volte. Ma la formazione stessa deve essere aggiornata. Come dicevo, sta cambiando tutto, la rivista stessa per cui mi stai intervistando, mi dici la rivista, dove vado a prenderla in edicola? No, mi arriva in formato pdf o cartacea, on demand o in abbonamento. È tutto un cambiamento moderno che influisce, il contenitore influisce sul contenuto.

Quindi anche le scuole dovrebbero formare l’artista, non solo a saper recitare, cantare e

ballare, ma anche a rapportarsi con i social, col sistema commerciale, di marketing artistico.

Io che gestisco un teatro vedo subito, magari ho bisogno di gente che sappia rispondere ad un'intervista, alcuni sono impacciatissimi. Bisogna trovare nuovi modi di coinvolgere il pubblico, inventarsi backstage da mettere online, riprese al volo con il cellulare, dirette dalle prove. Lo fa Sandra Milo, che ha più di ottant’anni.

Com’è nata l’idea di trasformare un teatro normale in Ecoteatro?

L’idea è quella, come ti ho detto fino adesso, di adeguarsi ai tempi. Ormai, il tema ecologico è al centro di tutto, a maggior motivo della cultura che dovrebbe essere la prima a dare il buon esempio e quindi adottare modalità ecosotenibili e porre il tema al centro dell’azione culturale.

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Questo è la differenza che fa l’Eco-Teatro rispetto ad una sala che magari mette soli i pannelli solari, ha una politica ecologica.

Noi abbiamo messo questo al centro, facciamo delle mostre, abbiamo tutta una serie di cose che magari sarà oggetto della prossima intervista.

Si può dire che l’EcoTeatro si attenga a pieno ai progetti dell’Agenda 2030 dell’ONU? Certo! È l’unica sala italiana che ha aderito: abbiamo avuto anche dei fondi europei per realizzarci. Certamente risponde ad alcuni degli obbietti dell’Agenda 2030 e in più la promuove..

Non solo abbiamo adottato pratiche responsabili ma facciamo attività comunicativa per promuovere lo sviluppo sostenibile. L’arte è uno strumento per promuovere quest’importante contenuto e valore culturale. • RS

INTERVIEW

En France, le théâtre... c’est à la mode

MARCO DAVERIO NOUS RACONTE SON EXPÉRIENCE DIRECT AVEC LE THÉÂTRE FRANÇAIS

P

our Marco Daverio, directeur de l’Ecoteatro, en Italie, le théâtre n’est pas à la mode et est souvent perçu comme ennuyeux. Son expérience en France nous donne, dans cette interview, une analyse attentive de la différence entre les deux pays.

Marco, d’après vos expériences en tant que directeur de théâtre, y avait-il un spectacle qui, selon vous, avait un plus grand impact sur le public que les autres?

Je pense que le spectacle qui a eu un impact plus fort, de tous ceux que j’ai manipulés, a été Fame, qui a continué pendant de nombreuses années et je pense qu’il a dépassé 300 représentations. Je ne me souviens pas du nombre exact, mais peut-être même 400, ce qui est vraiment rare sur le circuit italien et plus tard est allé en France ainsi.

J’ai également participé à la production de l’édition Français, à Paris et dans toute la France: la comédie musicale est restée des mois à Paris sur le panneau d’affichage, puis j’ai fait une tournée d’un an dans Français théâtres. Je dirais qu’il s’agissait de la production la plus ancienne et la plus perspicace. La renommée je pense a fait ses débuts en 2002 et entre l’Italie et la France, il a continué jusqu’en 2012, mais au moins une décennie. Êtes-vous d’accord avec l’affirmation selon qui Fame était une production multigénérationnelle? Tout d’abord, il y avait le film produit par Alan Parker, je pense dans les années 80.

En conséquence, il y avait une édition d’émissions de télévision où il y avait des interprètes qui sont également devenus des mythes.

L’un d’eux était Gene Antony Ray, qui a joué Leroy. Entre autres choses, j’ai fait la connaître et j’ai accueilli Gene ici à Milan, chez moi et avec lui, j’ai eu l’occasion d’avoir des nouvelles directes sur la production du film et de la série: alors, malheureusement, il a disparu.

Le lien entre le cinéma et le théâtre a été la collaboration avec le coproducteur d’Alan Parker, David De Silva, qui a édité l’adaptation musicale. La comédie musicale a été et est toujours très réussie, à tel point qu’il y a eu une nouvelle production cinématographique, mais dans l’ère moderne. Le thème, celui des étudiants en arts de la scène, est très actuel encore aujourd’hui. Il suffit de penser à des concours, comme The Voice, X Factor. Le thème de l’école est très commun et très d’actualité encore aujourd’hui.

Dis donc, parlons-en. Que pensez-vous des talents de la télévision?

Ils ont certainement une grande suite, c’est quelque chose qui aime et fonctionne; le monde du divertissement n’est pas qu’il est basé sur les idées de ce que le

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spectacle pense de faire, il continue sur ce que le public pense.

Le fait est que précisément parce qu’il est associé à ce modèle socio-économique, celui de la société dite liquide, qui change tout le temps, nous assistons à ce phénomène de dépisteurs de talents qui produit des talents, qui s’terminent ensuite là. Très peu de ceux qui sortent ont alors une carrière artistique comparable à celle des artistes du passé qui sont restés dans leur carrière pendant des décennies.

C’est un monde en évolution rapide et risque de brûler ces talents qui sont découverts tout aussi rapidement. Celui qui souffre est avant tout l’artiste; nous, organisateurs, réalisateurs, réalisateurs, auteurs, continuons plus ou moins à travailler, pour un artiste c’est vraiment plus compliqué. Le discours s’applique également aux musiciens:

de Angelica Jasmine Colombo

même pour les compositeurs de musique d’aujourd’hui avec un ordinateur et un programme parviennent à faire sortir un groupe.

Il y a des années, il fallait aller en studio, s’inscrire, investir beaucoup plus d’argent et donc aujourd’hui il y en a beaucoup plus, peut-être trop.

Ce phénomène dépend-il, selon vous, de la manière dont le talent est géré en Italie ou est-il également disponible à l’étranger ?

Non, partout. Au contraire, c’est l’Italie qui s’adapte au marché international, qui va et vient aussi : les hits sont comptés sur le bout des doigts. Pensons au genre rap, aujourd’hui très répandu, mais ces rappeurs sont nés et meurent, certains littéralement hélas, juste en très peu de temps.. C’est le consumérisme, comme la lame de rasoir « jetable », donc vous devez donner de nouvelles choses, de nouveaux outils tout le temps.

Influenceurs, en ligne, médias sociaux... c’est vraiment un monde qui a changé et qui change avec une vitesse, une accélération incroyable. Mais pen-

sons aux médias, nous sommes passés en dix ans de la cassette vidéo au CD et maintenant il y a de la musique liquide. Il change le marché, il change la façon dont nous proposons les choses; nous l’avons vu maintenant avec Covid... nous nous concentrons sur le théâtre en ligne, sur les spectacles, sur les plateformes en ligne.. C’est un peu comme quand le cinéma muet est devenu son, beaucoup d’artistes qui n’avaient pas une bonne diction sont restés dehors.

Quel est le spectacle que vous souhaitez diriger, que vous n’avez jamais réalisé de votre vie ?

Quelle question difficile. Honnêtement, je n’ai pas de grands vœux pieux, ce que je voulais faire, j’ai déjà tout fait. J’ai fait du théâtre en tant que directeur artistique, en tant qu’auteur, en tant que metteur en scène, même en tant que scénographe.

Peut-être que j’aimerais faire la comédie musicale, qui est un genre que j’aime vraiment c’est ce qui m’a lancé dans le théâtre: je voudrais apporter certaines comédies musicales qui n’ont

Il cantautore Giovanni Caccamo con Sandra Milo all'EcoTeatro

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jamais été vus ici.

Par exemple?

Show Boat est une merveilleuse comédie musicale, que j’ai vu à Paris dans une édition anglaise, évidemment au Châtelet.. Ou Les Misérables, qui ne sont jamais arrivés en Italie, si ce n’est dans les versions scolaires. Si je devais choisir, je vous dirais Les Misérables, ça touche plus mes cordes de motivation. Les Misérables est certainement un titre important, avec un auteur important qui est même étudié dans les écoles... ce serait très agréable de pouvoir apporter la comédie musicale en Italie.

C’est un chef-d’œuvre de Victor Hugo, c’est un beau roman qui a eu d’importantes adaptations cinématographiques, même avec Jean Gabin, De toute évidence, c’est très difficile à réaliser, c’est une entreprise colossale et très exigeante financièrement. Et comme ici en Italie il n’y a pas de culture d’aller voir le spectacle dans un théâtre, comme de toute l’Angleterre vous allez à Londres, ou de toute la France, vous allez à Paris. Vous pouvez penser à une

édition autour mais très petite et donc vous perdez juste un des éléments de sa spectacularité. Il y a vraiment de grandes limites à de telles opérations: s’ils ne les ont jamais faites ici en Italie, il y aura une raison. À votre avis, donc en Italie il ya un manque d’éducation pour vivre le théâtre? C’est absolument manquant. Le théâtre, par exemple en France, est une chose «à la mode» : je peux dire que le théâtre est à Paris, comme c’est le cas à Milan. En France, il y a toujours une représentation théâtrale le samedi soir à la télévision. Ici, le théâtre est devenu une chose de niche, dans l’imagination de certains, même une chose ennuyeuse. Si vous dites à un jeune homme: «Pourquoi ne pas aller au théâtre?», il dira : «Eh, c’est vraiment nul» (sic).

Peut-être y a-t-il un manque de connaissance de la tradition théâtrale italienne ?

L’Italie a une tradition théâtrale incroyablement longue, déjà de la Rome antique avec la comédie «palliata»...

mais sans trop regarder vers le passé, il suffit de penser que jusqu’aux années 60/70, mais aussi jusqu’à ce que je l’ai fait, parlons de la fin des années 1900, le début des années 2000 était deux fois plus élevé. L’Italie, des pays européens, a le moins d’expérience par habitant dans le théâtre. Qu’est-ce que tu en penses ? Il y a eu une détérioration, parce que je crois que le pays n’a pas été en mesure d’investir, il n’a pas été en mesure de maintenir un niveau élevé.

En particulier, l’un des défauts est la télévision: dans les années 60, le théâtre a été diffusé à la télévision, avec de beaux spectacles, drôle, très agréable et maintenant il ne traite plus avec elle. Alors qu’en France, comme je le répète, le théâtre passe encore aux heures de grande heure. Si ce n’est pas l’école qui emmène les enfants au théâtre pour voir les spectacles, ils ne saurais probablement même pas qu’il existe.

En France, ils sont beaucoup plus exigeants, en termes de gestion et d’organisation théâtrale.

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Les recettes sont très élevées, vous avez plus de satisfaction, les banques vous soutiennent quand vous commencez. Il y a un système de prévente très solide : je me souviens que nous avons commencé à vendre des billets un an plus tôt, ce qui arrive rarement en Italie, peut-être de grandes comédies musicales ou des concertoni.

En France, la preuve qui est généralement un mois et demi avant le début, vous commencez que vous avez déjà de l’argent, de sorte que vous avez déjà l’argent, en mesure de payer pour la production.

Là, tout est beaucoup plus organisé, beaucoup plus exigeant, strict, parce que vous devez déposer, plans, projets, comptes, etc. Quand je travaillais en France, le premier mois de soldes, nous avions la chambre déjà presque épuisée.

Comment générer une sorte de théâtre en France, qui en Italie n’est pas là parce qu’il n’est pas en demande ou parce qu’il est trop exigeant?

En France, il y a de tout, du cabaret au théâtre expérimental.

A Paris, il y a beaucoup plus de

théâtres qu’à Milan et Rome, et avec tous les genres, surtout les comédies.

Il y a à peu près tout, même le cirque. A Paris, il y a le cirque couvert, il y a un théâtre qui se fait sous la forme d’un cirque, pas d’un chapiteau mais juste d’un théâtre. Et en hiver, ça s’appelle Le cirque d’hiver.

Pensez-vous que la formation théâtrale d’acteur est cruciale pour un acteur qui fait alors son chemin dans le monde du cinéma?

Je vais vous donner une réponse controversée. Théoriquement oui, parce que si vous avez une formation que vous voyez immédiatement: en fait, cependant, il ya beaucoup d’exceptions qui ont fait l’histoire- Je me souviens de Gérard Depardieu, des gens qui ont un talent naturel. Bien sûr, la formation aide, en effet est nécessaire parfois. Mais la formation elle-même doit être mise à jour.

Comme je l’ai dit, tout change, le magazine lui-même pour lequel vous m’interviewez, dites-moi le magazine, où vais-je le ramasser en kiosque ? Non, je l’ai en format pdf ou papier, sur

Opera lirica I pagliacci in scena all'EcoTeatro con la regia di Marco Daverio

demande ou par abonnement.

C’est tout un changement moderne qui affecte, le conteneur affecte le contenu. Les écoles devraient donc aussi former l’artiste, non seulement pour savoir agir, chanter et danser, mais aussi pour se rapporter aux médias sociaux, au système commercial, au marketing artistique.

Moi, qui dirige un théâtre, je vois tout de suite, peut-être que j’ai besoin de gens qui peuvent répondre à une interview.

Nous devons trouver de nouvelles façons d’engager le public, d’inventer des coulisses pour mettre en ligne, de tirer à la volée avec le téléphone portable, dirigé par la preuve. Tout comme Sandra Milo, qui a plus de 80 ans.

Comment est venue l’idée de transformer un théâtre normal en Ecotheater ?

L’idée est, comme je vous l’ai dit jusqu’à présent, de vous adapter à l’époque. Aujourd’hui, le thème écologique est au cœur de tout, pour la plus grande raison de la culture qui devrait être la première à donner le bon

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exemple et donc à adopter des méthodes éco-durables et à mettre le thème au centre de l’action culturelle. C’est la différence que fait l’Eco-Theater par rapport à une salle qui met peut-être les panneaux solaires seuls, a une politique écologique. Nous mettons cela au centre, nous faisons des expositions, nous avons toute une série de choses qui feront peut-être l’objet de la prochaine interview.

Peut-on dire que l’EcoTeatro adhère pleinement aux projets de l’Agenda 2030?

Sûr! C’est la seule salle italienne qui a adhéré: nous avons également eu des fonds européens pour nous mettre en œuvre. Il répond certainement à une partie de l’Agenda 2030 obbietti et en fait également la promotion. Non seulement avons-nous adopté des pratiques responsables, mais nous faisons des activités de communication pour promouvoir le développement durable.

L’art est un outil pour promouvoir cet important contenu culturel et cette valeur. • RS

INTERVISTA

Gli spettacoli per "famiglia" a

Parigi sono come a

Broadway

UN MUSICAL, PER SANCHEZ, DEVE ESSERE STRAORDINARIO, ALTRIMENTI NON HA MOTIVO DI ESSERE. IL PUBBLICO È ESIGENTE!

N

Raphael Sanchez

© Photo Julien Vachon

el 1988 ero in Germania quando annunciarono l’imminente audizione per la Premiere francese del musical Cats a Parigi. Non esitai un istante e mi ritrovai tra migliaia di partecipanti ai provini. Per l’occasione avevo deciso di indossare un completo verde smeraldo e con mia grande meraviglia scoprii la superstizione di tanti ballerini francesi... Avevo fatto il vuoto intorno a me sia nello spogliatoio che in sala, ma ero stata notata dalla coreografa originale e regista della produzione francese Gillian Lynne che, avvicinandosi a me, mi squadrò, mi chiese di dimagrire e da quel momento cambiò la mia vita artistica.

A lei Andrew Lloyd Webber ha dedicato un teatro a Londra, il Gillian Lynne Theatre, regalandole un grande riconoscimento artistico proprio pochi mesi prima che la coreografa lasciasse questo mondo terreno. Uno dei biglietti di Gillian lo tengo preziosamente incorniciato sulla mia scrivania e spesso, insieme al Maestro Simon Lee, parliamo di lei: ricordandola, condividiamo il pensiero che era una donna straordinaria, con un’energia esplosiva e una conoscenza teatrale importante.

Ricevetti il contratto e lo Score francese ad Amburgo e traslocai a Parigi, impacchettando quelle poche cose e inviandole “via treno”! Trovai un monolocale di 22 metri quadri a Courbevoie e da

quell’unica finestra ho visto la costruzione del Centro La Defense. Ero felice: avrei inciso il disco di Cats in lingua francese, avrei interpretato la gatta sexy Bombalurina ed ero 1st cover Grisabella. Ricordo bene quelle prove rigorose ed estenuanti che Gillian dirigeva ed è rimasto vivo il terrore che avevo di non riuscire a pronunciare tutte quelle parole in perfetto francese.

E, poi, arrivò il giorno del trasferimento della compagnia al Theatre de Paris in Rue Blanche: la conferenza stampa, le

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foto, il Corriere della Sera mi fece un’intervista e poi, l’incontro con i musicisti dell’Orchestra e con il 1st Keyboard Raphael Sanchez, un giovanissimo musicista con gli occhi allegri e simpatici che, fin dal primo momento capii, avrebbe fatto tanta strada…

Christine Grimandi Raphael, raccontaci il tuo percorso professionale...

Il mio percorso professionale è un po’ particolare. Ho portato a termine studi “molto seri” di musica classica, il pia-

di Silvia Arosio

BIOGRAFIA

• Laureato al Conservatorio Nazionale di Musica di Parigi e all'École Normale de Musique di Parigi, Raphael Sanchez è un compositore, direttore d'orchestra, arrangiatore-orchestratore e pianista.

• Direttore musicale di prestigiosi balletti classici, è interessato a tutta la musica, jazz, salsa, jazz-funk, musica sperimentale, accompagnato al pianoforte da innumerevoli cantanti tra cui Charles Aznavour.

Direttore musicale, direttore d'orchestra, prende la direzione musicale dei musical di Broadway nelle loro più grandi versioni francesi.

• Assunto nel 2003 dal Cirque du Soleil, ha diretto per più di tre anni il tour mondiale dello spettacolo Varekai (USA, Australia, Nuova Zelanda),per poi tornare in Francia nel­2007 per The Lion King, che ha diretto per tre anni alMogador Theatre per la compagnia europea Stage Entertainment.

• Commedie musicali: Un sogno... Una notte d'estate (da Shakespeare, adattato e diretto da Ned Grujic), La vendetta di Capitan Uncino (di Igor de Chaillé ed Ely Grimaldi, regia di Ned Grujic), Tire la Chevillette (da Perrault, regia di Elric Thomas), So in Love (diretto da Emmanuel Suarez), Peter Pan (diretto da Guy Grimberg), Le Magasin des Suicides (da Jean Teulé, adattato da Cathy Sabroux, regia di Yves Pignot).

• Il suo musical basato sul romanzo di Jean Teulé Le Magasin des Suicides è stato premiato dalla prestigiosa Fondazione Beaumarchais/SACD nel 2011. no, il solfeggio specializzato, l’armonia, il contrappunto, la composizione, la composizione per musiche da film. Sono stato allievo al Conservatorio Nazionale Superiore di Musica di Parigi, scoprendo il jazz e l’improvvisazione.

Sono stati alcuni alunni del Conservatorio Nazionale che mi hanno iniziato il jazz.

Dopo questi studi, con diplomi ufficiali, ho cominciato dando delle lezioni di piano, accompagnando anche la danza, e il caso mi ha portato molto velocemente a entrare nel mondo del circo tradizio-

nale, col celebre circo di Annie Fratellini, la quale mi ha chiamato per rimpiazzare il loro pianista per un giorno. Fu un vero shock artistico e sono restato 10 anni.

Molto rapidamente, sono diventato direttore musicale e compositore: un formidabile terreno di esperienza circondato da artisti incredibili.

Parallelamente, suonavo e improvvisavo alla sera il pianoforte in un pianobar per guadagnare i miei primi soldi, ho creato dei gruppi di jazz funk e ho potuto guadagnare progressivamente la mia indipendenza finanziaria.

Ho cominciato molto rapidamente a comporre per differenti progetti, film e opere teatrali. Poi, ho scoperto per caso di un’audizione per Cats nel 1988. Ho fatto l’audizione e ho guadagnato il posto di pianista per le audizioni, poi pianista di prove ed infine primo pianista in orchestra. La mia vita è totalmente cambiata. Ho compreso che il mondo musicale era molto più vasto di quello che avevo immaginato. Ho anche compreso che il mio apprendistato, il mio rigore classico sarebbero sta-

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ti pienamente utili nel mondo multidisciplinare, dove si potevano ritrovare danzatori, cantanti, attori e musicisti di altissimo livello.

Ho potuto così crescere, e prendere le mie prime lezioni di direzione di orchestra, con uno dei direttori d’orchestra di Cats, l’americano Michael Dixon. Da qui si sono aperte nuove strade molto rapidamente, tra cui la direzione d’orchestra per orchestre televisive molto importanti. Solo due anni dopo, sono stato selezionato per il posto da assistente direttore d’orchestra per i Miserabili al teatro Mogador di Parigi. Da qui sono seguite altre commedie musicali, 42ª strada, Hello Dolly, Chicago...

In seguito, sono stato selezionato dal Cirque du Soliei, per dirigere durante quattro anni uno dei loro spettacoli in tour, Varekai, Stati Uniti, Australia, Nuova Zelanda, quasi quattro anni di tournée non stop.

Un’esperienza indimenticabile ed incredibile in un mondo eccezionale con persone eccezionali. Ho lasciato il Cirque du Soleil nel 2007 per accettare l’offerta di Stage Entertainment di tornare a Parigi come direttore musicale

nel Re Leone. Altra magnifica esperienza, abbiamo suonato tre anni consecutivi a prestigioso teatro Mogador.

Senza entrare troppo nei dettagli, ho sempre portato avanti una carriera parallela alla musica classica: ho creato dei gruppi jazz, suonato in gruppi di musica tradizionale francese (Mark Perrone), di tango argentino e ho composto commedie musicali e musiche per Pièce di teatro.

Forse 10 musical composti e più di 40 per pièce di teatro.

Senza mai venire meno a rigore e alla qualità che avevo appreso al conservatorio, ho imparato a conoscere le altre musiche, quelle che si trasmettono senza spartiti e con altre tecniche diversi dalla mia. Ed ho imparato anche a comprendere i mestieri dei miei partner attori, danzatori e dei creativi, registi e coreografi.

Inoltre, penso di avere diretto o suonato nella maggior parte delle commedie musicali che passano a Parigi durante gli anni. Un incontro famoso fu quello con il regista e caro amico Ned Grujic, con il quale io lavoro da diversi anni sia come direttore musicale che come compositore.

La situazione dei teatri in

Francia è cambiata durante gli anni e qual è la domanda del pubblico?

Lasciando stare il problema del COVID, io penso che l’evoluzione alla quale stiamo assistendo (ma ci sono diverse letture possibili), va nel senso di un più grande accesso del pubblico allo spettacolo in generale. Quindi se da una parte c’è più varietà nell’offerta, c’è anche una grande popolarizzazione. Ne abbiamo per tutti i gusti e tutte le tendenze: il mondo è aperto alla creatività e c’è un pubblico per gli spettacoli più popolari. In termini di qualità, le commedie musicali familiari sono enormemente cresciute in qualità: il pubblico è esigente!

Questi spettacoli familiari non hanno ora niente da invidiare ai più grandi spettacoli di Broadway, in termini di musica ma anche di scenografie, di luci, e di recitazione.

Per quello che concerne la mia parte, musica, le commedie musicali adulti o generaliste hanno ora delle orchestre non solo nelle grandi produzioni ma anche in quelle in cui erano totalmente dimenticate perché giudicate finanziariamente irrealizzabili per una produzione francese.

Si deve questa evoluzione

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al coraggio dei produttori indipendenti, tra cui l’italiano Lorenzo Vitali, per esempio, con il quale ho diverse volte collaborato che ha preferito rischiare il suo investimento sui valori delle performance umane, registi, orchestra vera, creazione di coreografie originali, veri attori, cantanti e danzatori, valori che il pubblico sa riconoscere e applaudire, piuttosto che investire unicamente su dei bei costumi e delle belle scenografie video per esempio.

D’altronde, il pubblico non si sbaglia: su Hairspray noi avevamo un’orchestra di 11 musicisti, cosa abbastanza unica per una produzione privata indipendente a Parigi e su We will rock you, abbiamo un fan club che aumenta ad ogni spettacolo e ritorna spesso a vederci portando i loro amici.

Come avevo imparato anche con il Cirque du Soleil, é evidente per me che le qualità e “l’andare oltre a sé”, dei creativi, degli artisti, dei musicisti, dei tecnici e della produzione, sono i valori che il pubblico cerca in uno spettacolo. Uno spettacolo secondo me deve essere straordinario, se no non ha alcuna ragione d’essere.

Un’altra grande evoluzione in Francia e l’arrivo da circa

15 anni delle grandi scuole di commedie musicali dove l’alunno viene seguito nel canto, nella danza, nel teatro in generale, con una qualità di altissimo livello. Quando io ho cominciato questi mestieri non c’erano scuole di questo tipo. Si studiava il canto, il teatro, e la danza in realtà che non si incontravano mai. E numerosi erano gli artisti, nei nostri spettacoli, che venivano dall’Olanda, dal Belgio o dal Québec.

I teatri sono ancora tutti chiusi per il COVID? Sì, attualmente (aprile) tutti i teatri sono chiusi al pubblico ma noi continuiamo a montare degli spettacoli, volte a distanza, a volte in presenza.

I teatri permettono ancora delle collaborazioni private per permetterci di presentare un pubblico professionale i nostri progetti. Così che saremo pronti per partire attivamente dopo il COVID. Sei stato direttore musicale in molte commedie musicali: puoi raccontarci qualche esperienza?

In effetti, o diretto molte commedie musicali e avuto il privilegio di essere attivamente implicato nei casting e nella messa in scena di diversi spettacoli. Il re leone, Spamalot,

Raphael Sanchez e Charles Aznavour

avenue Q, We will rock you, Fame, la famiglia Adams, Hairspray, Forever Young, les Miserabiles, Cats, Chicago... Senza contare, naturalmente, le commedie musicali prettamente francesi che ho composto e che sono ancora messi scena a Parigi: il libro della giungla, la vendetta del capitano croce, Peter Pan, il sogno di una notte d’estate, in negozio dei suicidi....

Aneddoti? Sono talmente tanti! Una delle esperienze che mi è più care è un po’ particolare e molto personale: alcuni anni fa io mi ricordo di avere avuto tre commedie musicali e almeno due pièce in scena con la mia musica in diversi teatri a Parigi, vicini tra loro meno di 100 m, e dirigevo una commedia musicale di Broadway, in un altro teatro a qualche centinaio di metri da queste sale. Un sogno per un compositore!

Hai suonato anche con Charles Aznavour...un ricordo del grande cantante?

Aznavour artista favoloso, è piuttosto che è un semplice

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cantante era un attore. Egli recitava ogni canzone come un “comédien” interpreta una scena, con la stessa verità, e non come un cantante che ricerca soltanto una performance vocale. Io lo amo citare come esempio per i miei alunni quando di coloro che è una canzone deve essere vissuta e non difesa. La sfida non è nella performance vocale ma nella verità dell’interpretazione. È una delle grandi qualità di Aznavour. • RS

PERSONNAGE

Le spectacles ‘familiaux’ à Paris sont comme à

Broadway

UNE COMÈDIE MUSICALE, POUR SANCHEZ, DOIT ÊTRE EXTRAORDINAIRE, SINON ELLE N’A AUCUNE RAISON D’ÊTRE.: LE PUBLIC EST EXIGEANT!

E

n 1988, j’étais en Allemagne quand ils ont annoncé la prochaine audition pour la première Français des Chats Musicaux à Paris. Je n’ai pas hésité un instant et je me suis retrouvé parmi des milliers de participants aux auditions. Pour l’occasion, j’avais décidé de porter un costume vert émeraude et à ma grande merveille, j’ai découvert la superstition de nombreux Français danseurs...

J’avais fait le vide autour de moi tant dans le vestiaire que dans la salle, mais j’avais été remarquée par la chorégraphe originale et directrice de la production Français Gillian Lynne qui, s’approchant de moi, m’a demandé de perdre du poids et à partir de ce moment a changé ma vie artistique.

Andrew Lloyd Webber lui a dédié un théâtre à Londres, le Gillian Lynne Theatre, lui donnant une grande reconnaissance artistique quelques mois avant que la chorégraphe ne quitte ce monde sur le terrain. Un des billets de Gillian que je garde précieusement encadré sur mon bureau et souvent, avec maestro Simon Lee, nous parlons d’elle: se souvenant d’elle, nous partageons l’idée qu’elle était une femme extraordinaire, avec une énergie explosive et une connaissance théâtrale importante.

J’ai reçu le contrat et le score Français à Hambourg et a déménagé à Paris, l’emballage de ces quelques choses et de les envoyer « en train »! J’ai trouvé un studio de 22 mètres carrés à Courbevoie et de cette fenêtre j’ai vu la construction du Cen-

tre de défense. J’étais heureux: j’enregistrerais le record de Cats en Français, je jouais le chat sexy Bombalurina et j’étais 1ère couverture Grisabella. Je me souviens bien de ces tests rigoureux et épuisants que Gillian dirigeait et il y avait beaucoup de terreur que je ne pouvais pas prononcer tous ces mots en parfait Français. Et puis vint le jour du transfert de la compagnie au Théâtre de Paris, rue Blanche: la conférence de presse, les photos, le Corriere della Sera m’ont accordé une interview puis, la rencontre avec les musiciens de l’Orchestre et avec le 1er Clavier Raphaël Sanchez, un très jeune musicien aux yeux joyeux et sympathiques qui, dès que j’ai compris, allait faire un long chemin...

Christine Grimandi

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Raphael, raconte-nous, svp, ton parcours professionel.

Bonjour! Mon parcours professionnel est un peu particulier...j’ai fait les études “très sérieuses” de la musique classique. Le piano, le solfège spécialisé, l’harmonie, le contrepoint, la composition, la composition pour musique de film. J’étais élève au Conservatoire National Supérieur de Musique de Paris, tout en découvrant le jazz et l’improvisation. Ce sont des amis élèves du conservatoire national qui m’ont d’abors initié au jazz.

Juste après ces études, rempli de ces diplômes très officiels, j’ai commencé par c=donner des cours de piano , par accompagner des cours de danse, et le hasard m’a amené très vite à entrer dans le monde du cirque traditionnel, avec le célèbre cirque

de Silvia Arosio

d’Annie Fratellini. Annie Fratellini m’a appelé pour remplacer leur pianiste pour un jour.

Ce fut un véritable choc artistique, j’y suis resté dix ans.

Très rapidement j’en suis devenu le directeur musical et le compositeur. Un formidable terrain d’expériences et d’accomplissement, entouré d’artistes incroyables. En parallèle, je jouais et j’improvisais le soir au piano dans un piano-bar pour gagner mes premiers sous, j’ai monté des groupes de jazz-funk, et j’ai pu gagner progressivement mon indépendance financière.

J’ai commencé très vite à composer pour différents projets, des films, des pièces de théâtre. Puis j’ai découvert, au hasard d’une audition pour Cats, en 1988, le théâtre musical. Ce que certains nomment “comédie musicale”.

J’ai auditionné et gagné le poste de pianiste d’auditions pour Cats, puis pianiste de répétitions, puis 1er pianiste dans l’orchestre.

Ma vie a totalement changé.

Là j’ai compris que le monde musical était bien plus vaste que ce que j’avais imaginé. J’ai aussi compris que mon apprentissage et ma rigueur classique seraient pleinement utiles dans ce monde pluri-disciplinaire d’une exigeance extrême, où pouvaient se retrouver des danseurs, des

chanteurs, des comédiens, et des musiciens du plus haut niveau.

J’ai pu évoluer, autant dans ma technique de pianiste, dans mon endurance, dans mon impication, et prendre mes premiers cours de direction d’orchestre avec l’un des chefs d’orchestre de Cats, l’américain Michael Dixon. À force de travail, mon outil de chef d’orchestre s’est développé, et de nouvelles voies se sont ouvertes pour moi très rapidement, dont la direction d’orchestre pour des orchestre de télévision importants. À peine deux ans plus tard j’étais sélectionné pour le poste d’assistant chef d’orchestre pour Les Misérables au théâtre Mogador à Paris!

Puis ont suivi d’autres comédies musicales, 42nd Street, Hello Dolly au Châtelet, Chicago au Casino de Paris...

Par la suite, j’ai été sélectionné par le Cirque du Soleil, pour diriger pendant presque 4 ans un de leurs spectacles en tournée, Varekai. Aux USA, puis en Australie et en Nouvelle Zélande. Presque 4 ans de tournée non-stop. Une expérience inoubliable et incroyable, dans un monde d’exception, avec des gens exceptionnels.

J’ai quitté le Cirque du Soleil en 2007 pour accepter l’offre de Stage-Entertainement, de

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revenir à Paris pour le poste de directeur musical du Roi Lion.

Magnifique expérience également, nous avons joué 3 années consécutives au prestigieux Théâtre Mogador à Paris.

Sans entrer dans les détails, j’ai donc vite toujours mené une carrière parallèle à la musique classique. Créé des groupes de jazz, joué dans des groupes de musique traditionnelle française (Marc Perrone), de tango argentin (Juan-José Mosalini), et d’autres musiques, dirigé et composé des comédies musicales, composé des musiques pour des pièces de théâtre.

Peut-être 10 comédies musicales composées, peut-être 30 ou 40 pièces de théâtre composées, peut-être un peu plus, je n’ai jamais compté...

Sans jamais contredire la rigueur et la qualité de ce que j’avais appris au conservatoire, j’ai appris à comprendre et à sentir les autres musiques, celles qui se transmettent sans partition et avec d’autres techniques que la mienne.

Et j’ai appris à comprendre et à sentir les métiers de mes partenaires comédiens, danseurs, et des créatifs metteurs en scène et chorégraphes.

Je me suis donc développé en même temps, hors du chemin de la musique classique. Par la

suite, outre mon travail de compositeur, je pense avoir dirigé ou joué la majorité des comédies musicales qui passaient par Paris, pendant des années!

Une rencontre notoire, notamment, fut celle avec le metteur en scène et mon très cher ami Ned Grujic, avec lequel je travaille depuis des années, autant comme directeur musical que comme compositeur.

La situation des théâtres en France a évolué dans les années? Quelle est la demande du public?

Si l’on oublie cette séquence covid, je pense que l’évolution à laquelle j’assiste (mais il y a plusieurs lectures possibles) va dans le sens d’un plus grand accès du public au spectacle en général. Donc il y a d’une part plus de variété dans l’offre, mais à la fois une plus grande popularisation. C’est logique. Donc il y en a pour tous les goûts et toutes les tendances.

Le monde est ouvert à la créativité, et il y a un public pour les spectacles pluspopulaires. En termes de qualité: les comédies musicales “familia-

les” ont énormément évolué en qualité. Le public est exigeant!

Ces spectacles ‘familiaux’ n’ont maintenant rien à envier aux plus gros spectacles de Broadway.

En termes de musique, mais aussi de décors, de machineries, de lumières, et du jeu des comédiens.

Pour ce qui concerne ma partie, la musique, les comédies musicales ‘adultes’ ou ‘généralistes’ ont maintenant des orchestres, ce qui, il y a peu de temps encore, en dehors des plus grosses productions comme Stage-Entertainment, avait été totalement oublié car jugé finacièrement irréaliste pour une production française.

On doit cette évolution au courage de producteurs indépendants, dont l’italien Lorenzo Vitali par exemple, avec lequel j’ai plusieurs fois collaboré, qui a préféré risquer son investissement en pariant sur les valeurs de performances humaines (metteur en scène, vrai orchestre, création chorégraphique, vrais comédiens-chanteurs-danseurs), va-

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leurs que le public sait reconnaître et applaudir, plutôt que d’investir uniquement sur de beaux costumes et de beaux décors vidéo par exemple.D’ailleurs, le public ne s’y trompe pas: sur Hairspray nous avions l’orchestre de 11 musiciens, ce qui était unique pour une production privée indépendante à paris, et sur ce spectacle comme sur We Will Rock You, nous avions un fan-club qui augmentait à chaque spectacle et revenait souvent nous voir en emmenant leurs amis!

De même que ce que j’ai constaté et expérimenté au Cirque du Soleil, il est pour moi évident que la qualité et le dépassement de soi (des créatifs, des artistes, des musiciens, des techniciens, de la production) sont les valeurs que le public vient chercher dans un spectacle. Un spectacle, à mon sens, doit être extraordinaire.

Sinon il n’a aucune raison d’être.

L’autre grande évolution en France est l’arrivée et le développement, depuis un peu plus de 15 ans, des grandes écoles de comédie musicales, où l’on développe chez l’élève le

chant, la danse, le théâtre, avec une qualité du plus haut niveau.

Lorsque j’ai commencé dans ces métiers, c’était loin d’être le cas. On apprenait le chant, le théâtre, et la danse dans des institutions qui ne se rencontraient jamais. Et nombreux étaient les artistes, dans nos spectacles, qui venaient de Hollande, de Belgique, ou du Québec!

Les théâtres sont tous fermés pour le COVID? Oui, actuellement tous les théâtres sont fermés au public, mais nous continuons monter des projets, parfois en distanciel, parfois en présentiel , à

monter et présenter des projets . Les théâtres permettent encore des collaborations privées pour nous premettre de les présenter à un public professionnel.

Autant dire que nous préparons activement l’après-covid!

Précédement Directeur Musical chez beaucoup de comédies musicales. Est-ce que tu peux nous raconter quelques expériences?

J’ai en effet dirigé beaucoup de comédies musicales, comme directeur musical j’ai eu la chance et le privilègs d’être activement impliqué dans les castings et montages de beaucoup de spectacles!

Le Roi Lion, Spamalot, Avenue Q, We Will Rock You, Fame, La Famille Addams, Hairspray, Forever Young, Les Misérables, Cats, Chicago... je pense que j’en oublie...

Sans même parler des comédies musicales plus françaises bien sûr, dont toutes celles que j’ai composées et qui ont joué ou jouent encore à Paris (le Livre de la Jungle, La Revanche du Capitaine Crochet, Peter Pan, le Songe d’une Nuit d’Été , Le Magasin des Suicides, etc., et mes prochains projets qui seront français aussi).

BIOGRAPHIE • Diplômé du Conservatoire National Supérieur de Musique de Paris et de l’École Normale de Musique de Paris, Raphaël Sanchez est un compositeur, un chef d’orchestre, un arrangeur-orchestrateur, et un pianiste.

• Directeur musical pour de prestigieux ballets classiques, il s’intéresse en parralèle à toutes les musiques, jazz, de salsa, de jazz-funk, de musique expérimentale, accompagne au piano d’innombrables chanteurs dont Charles Aznavour.

Directeur musical, chef d’orchestre, il prend la direction musicale de comédies musicales de Broadway dans leurs plus grandes versions françaises.

• Engagé en 2003 par le Cirque du Soleil, il dirige pendant plus de trois ans la tournée mondiale du spectacle Varekai (USA, Australie, Nouvelle-­Zélande), puis rentre en France en 2007 pour Le Roi Lion, qu’il dirigera pendant trois années au Théâtre Mogador pour la compagnie européenne Stage-­Entertainment.

• Comedies musicales : Un Songe…Une Nuit d’Été (d’après Shakespeare, adapté et mis en scène par Ned Grujic), La Revanche du Capitaine Crochet (d’Igor de Chaillé et Ely Grimaldi, mis en scène par Ned Grujic), Tire la Chevillette (d’après Perrault, mis en scène par Elric Thomas), So in Love (de et mis en scène par Emmanuel Suarez), Peter Pan (mis en scène par Guy Grimberg), Le Magasin des Suicides (d’après Jean Teulé, adapté par Cathy Sabroux, mis en scène par Yves Pignot).

• Sa comédie musicale basée du le roman de Jean Teulé Le Magasin des Suicides fut primée par la prestigieuse Fondation Beaumarchais/SACD en 2011.

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Des anectotes, il y en a tant!

L’une des expériences qui m’est chère, est un peu particulère et très personnelle!

Il y a très peu de temps , deux ou trois ans, je me souviens d’avoir eu trois comédies musicales et au moins deux pièces de théâtre jouant ma musique dans différents théâtres parisiens, espacés entre eux de moins de 100 mètres, tout en dirigeant le soir une autre comédie musicale de Broadway dans un autre théâtre à quelques centaines de mètres aussi de ces théâtres1.

Un rêve pour un compositeur!

Tu as joué même avec Aznavour....un petit souvenir du grand chanteur? -un magnifique souvenir, des moments uniques.

Aznavour était un fabuleux artiste, et plutôt qu’un chanteur, c’était avant tout un comédien.

Il “jouait” chaque chanson comme un comédien joue une scène, avec la même vérité, et non comme un chanteur qui chercherait une performance vocale.

J’aime le citer en exemple pour mes élèves, lorsque je leur dis qu’une chanson doit être “vécue” et non “défendue”.

Le challenge n’est pas dans la performance vocale mais dans la vérité de l’interprétation.

C’était une des immenses qualités d’Aznavour. • RS

INTERVISTA

Eco è uno stile di vita,

una questione di attitude

ABBIAMO INCONTRATO LA PRESIDENTESSA DELLA CAMERA DELLA MODA MONEGASCA, CHE CI HA DETTO...

F

ederica Nardoni Spinetta è Presidentessa della Camera della Moda del Principato di Monaco ed è ideatrice della Monte-Carlo Fashion Week, Federica è nata ad Alassio, ma è cresciuta nella capitale italiana della moda, Milano.

Il mare e la moda erano nel Suo destino. Qual è stato il suo percorso formativo? Come è arrivata a lavorare a Monaco?

Sono nata ad Alassio, ridente cittadina in riva al mare. Ho sempre amato la moda. Quando ero una ragazzina disegnavo schizzi di vestiti e li facevo realizzare. Inoltre, una delle mie passioni è da sempre la pittura e ho realizzato parecchi dipinti sugli abiti. Poi, la mia carriera scolastica, laurea in Economia e Commercio con specializzazione in Finanza alla Bocconi di Milano, mi ha portato in altri settori. Forte dell’esperienza internazionale acquisita negli anni precedenti e guidata dalla mia passione per la moda, ho deciso di creare e lanciare il mio marchio: Beach & Cashmere Monaco, che quest’anno festeggia i 15 anni di esistenza.

Ha iniziato lanciando la Sua marca di moda Beach & Cashmere Monaco: anche in questo caso si ispira al mare alla natura.

Beach & Cashmere Monaco, è il brand monegasco che ho fondato nel 2005. Il marchio riflette lo spirito creativo dell’attitudine chic di Monte-Carlo: prodotti di lusso apprezzati per la loro qualità, stile, eleganza e glamour. Da molti anni Beach & Cashmere

Federica Nardoni Spinetta

Monaco crea e produce collezioni sostenibili. La prima è stata la collezione Save the Ocean, creata per sensibilizzare sull’inquinamento dell’Oceano e prodotta con tessuti sostenibili e materiali recuperati dal mare, come le reti da pesca. A questa collezione ne sono seguite altre sempre sostenibili, come la Save the Reef dedicata alla Barriera Corallina, la Save the Nature, per sensibilizzare alla tutela degli animali o la No Waste, prodotta con tessuti di scarto. Inoltre, alcune delle col-

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lezioni sono Timeless, in modo da ridurre gli sprechi e agire nei confronti dell’ambiente. Ispirata dalla mia passione per il mare e dal mio impegno per sensibilizzare e proteggere il nostro Pianeta, ho recentemente lanciato la collezione Under Full Sails, in collaborazione con la Classe Smeralda 888 dello Yacht Club di Monaco, che ha fornito le vele usate e rotte, invece che gettarle via. La Classe Smeralda 888, progettata dal famoso architetto navale German Frers, è una

di Andrea Iannuzzi

originali, drizze e moschettoni.

Anche i nomi degli outfit sono ispirati al Mare e presi in prestito dalla Rosa dei Venti: dall’abito Mistral alla gonna Ponente; dall’abito Tramontane al top Libeccio; dal Top Sirocco alla gonna Gregale; dal top Ostro alla gonna Levante. Con la collezione Under Full Sails di vele recuperate.

Beach and Cashmere Monaco vuole incorporare nei capi sia una piccola parte della storia dell’Oceano sia, allo stesso tempo, l’idea del riciclo, evitando ulteriori sprechi. I capi sono prodotti con diverse tipologie di vele: dalle vele colorate dello

Spinnaker a quelle tecniche per le regate; ma quelle più utilizzate rimangono le classiche vele in teflon o dacron, poiché questo materiale ci dà la possibilità di dipingere direttamente sulla vela, permettendo la personalizzazione e la creazione di diversi disegni.

Il filo conduttore che accompagna le collezioni Beach & Cashmere Monaco è l’impegno per la sostenibilità, l’etica e la consapevolezza: una vera eco-consapevolezza che si traduce in un atteggiamento rispettoso nei confronti dell’ambiente, che fa la differenza riflettendo la necessità di un cambiamento più che mai necessario. «Dopo aver navigato per il mondo, in mari selvaggi, abbiamo dato una nuova vita a queste vele... Hanno preso la rotta di un nuovo viaggio, il viaggio della moda.»

Mi pare di capire che per Lei, da sempre, la moda deve essere ecosostenibile, considerato anche che la moda è la seconda industria più inquinante al mondo... © Chambre Monegasque de la Mode

barca di 8,88 m con 3 membri di equipaggio e timoniere. S.A.R. il Principe Carlo di Borbone delle Due Sicilie, vincitore di diversi campionati di serie, assicura attualmente la Presidenza ed il futuro della classe. La collezione vuole condividere l’idea innovativa di utilizzare vele riciclate, vele rotte o usate che solitamente vanno sprecate, producendo capi di alta qualità e sostenibili. Inoltre, la collezione è stata prodotta totalmente in lockdown ed è una collezione senza tempo.

Ogni outfit è unico e interamente realizzato a mano con vele riciclate al 100% ed il risultato è sorprendente. La collezione associa elegante semplicità e sofisticato modernismo. Le vele riciclate vengono utilizzate come Tessuti Haute Couture, creando outfit glamour e sostenibili: capi di alta qualità che rispettano l’ambiente: dalle vele riciclate agli outfit glamour.

La collezione presenta diversi prodotti come abiti, top e gonne, realizzati interamente con vele usate rigenerate e corde da vela

Marcos Marin, Stella Jean, Federica Nardoni Spinetta, la principessa Charlene di Monaco, Philipp Plein, Giovanni Gastel

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© Chambre Monegasque de la Mode

Federica Nardoni Spinetta, Naomi Campbell, Andrea Casiraghi

Credo fermamente nella sostenibilità e sono impegnata nella sensibilizzazione e nella protezione del nostro pianeta, svolgendo un ruolo attivo nell’incoraggiare un cambiamento positivo, promuovendo la sostenibilità, creando un mondo migliore e più pulito per le generazioni a venire.

Ho inoltre lanciato il movimento #sustainabletogether insieme a molti altri designer sostenibili in tutto il mondo e sto promuovendo conferenze e conferenze sulla sostenibilità.

«Credo fermamente che la moda sostenibile sia il futuro.

Dobbiamo per il nostro pianeta e per noi stessi agire in modo più ecologico. Uno degli obiettivi principali del mio marchio è puntare su una moda sostenibile ed etica e contribuire a sensibilizzare sull'importanza di proteggere il nostro pianeta e la vita in esso». L’attenzione per la moda etica e sostenibile è uno degli obiettivi fondamentali della Chambre Monégasque de la Mode, che vuole sensibilizzare l’opinione pubblica sull’importanza di proteggere il nostro pianeta.

La missione portata avanti dalla Chambre Monégasque de la Mode è, infatti, quella di valorizzare sempre più il percorso di maison e di brand lungimiranti, capaci di cambiare il modello economico tradizionale coniugando il business con l’attenzione all’ambiente e al sociale, per creare valore condiviso e collaborare al raggiungimento degli obiettivi di sviluppo sostenibile.

Ma ho anche posto al centro della Monte-Carlo Fashion Week l’obiettivo di essere “Sostenibile”, accogliendo a Monaco i marchi che agiscono a favore del Pianeta e sono ecosostenibili.

Per dare maggior enfasi alla Sostenibilità, nel 2016 con la Chambre Monégasque de la Mode abbiamo creato l’Ethical & Sustainable Fashion Award per onorare i marchi che svolgono un ruolo attivo nell’incoraggiare un cambiamento positivo, producendo abbigliamento di alta qualità e che rispetti l’ambiente.

Negli anni si sono susseguiti nomi come: Stella Jean; Tatiana Santo Domingo Casiraghi per il suo brand Muzungu Sisters; il

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designer indiano Rahul Mishra; Alberta Ferretti per la sua collezione Earth Collection; e Ingie Chalhoub.

Nel 2020 il Sustainable Award è stato attribuito grazie al lancio del Concorso sulla Sostenibilità, che ha premiato il brand messicano Desserto per la produzione di cuoio vegano dalle foglie di cactus. Il Concorso ha puntato i riflettori su più di quaranta marchi sostenibili provenienti da 17 Paesi diversi, e con il loro supporto ho creato il movimento #SUSTAINABLETOGETHER immortalato da uno scatto che ha unito tutti i partecipanti in un solo coro, per sostenere una moda etica e consapevole, creando un mondo migliore e più pulito per le generazioni a venire.

Per incentivare questa fondamentale ricerca la Chambre Monégasque de la Mode ha indetto la seconda edizione del concorso MCFW© Sustainable Contest, nel quale tutti i designers ”Green” sono chiamati a partecipare inviando un video che rappresentasse l’essenza della loro visione etica e innovativa.

Abbiamo ricevuto moltissime

candidature, da ben 20 paesi differenti.

Ha ricevuto la Distinzione d’Onore di “Cavaliere dell’Ordine della Stella d’Italia”. Di quali altri premi è stata insignita? È stato un onore ed un’emozione ricevere l’onorificenza di Cavaliere dell’Ordine della Stella d’Italia dall’Ambasciatore Italiano nel Principato di Monaco e conferita dal Presidente della Repubblica Italiana. È un riconoscimento del lavoro fatto fino ad oggi e uno stimolo a proseguire nella stessa direzione.

Un’importante onorificenza della quale sono stata insignita è la Médaille du Travail de Monaco. Nel ruolo di designer ho ricevuto il premio Look of the Year per il mio brand Beach & Cashmere Monaco.

Come sta cambiando la moda italiana e come la moda francese?

Ritengo che il periodo di cambiamento che stiamo attraversando tocchi la moda del mondo intero. Mai come in questo periodo l’immaginazione e la capacità di realizzare i propri sogni sono diventati gli elementi cardine per pensare ad una prossima rinascita. Gli stilisti hanno optato per un compromesso fisico digitale e le loro sfilate hanno raggiunto una nuova creatività. I marchi, che siano italiani o francesi, così come di altri paesi, stanno tutti volgendosi verso un approccio al fashion etico e consapevole.

Possiamo affermare che il glamour si trasforma in sostenibile con lo slogan Green is the New Glam.

Lei è Presidentessa della Camera della Moda Monegasca: di cosa si tratta? Su quali valori si basa?

La Chambre Monégasque de la Mode, Camera Nazionale della Moda del Principato di Monaco, è stata da me fondata nell’aprile 2009 e rappresenta i creatori ed i marchi monegaschi.

Il suo obiettivo è duplice: rappresentare e diffondere i valori della moda monegasca e della creatività Made in Monaco a livello internazionale; e promuovere il Principato di Monaco come piattaforma internazionale Moda. La Chambre Monégasque de la Mode in partenariato con il Governo del Principato, il Comune di Monaco e l’Ufficio del Turismo di Montecarlo organizza dal 2013 la Monte-Carlo Fashion Week (MCFW©). È anche Presidente e fondatrice della Settimana della Moda di Monte-Carlo, la cui importanza cresce ogni anno dal suo lancio nel 2013. L’edizione 2020 della Monte-Carlo Fashion Week ha messo in

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mostra 42 marche sostenibili provenienti da 17 paesi di tutto il mondo. Come avete vissuto la pandemia? Vi siete mai fermati?

La Monte-Carlo Fashion Week, nel 2021 alla sua nona edizione, è riuscita a crescere di anno in anno, sia in numero di brand internazionali partecipanti, sia in numero di giorni e di presentazioni, ma anche in numero di eventi collaterali. La MCFW anno dopo anno ha ottenuto maggiore prestigio grazie all’adesione al calendario internazionale delle fashion week.

Nel 2013, quando è stata lanciata la prima edizione della Fashion Week di Monte-Carlo, hanno partecipato 16 marchi

provenienti da 3 Paesi per 2 giorni di sfilate e presentazioni. È stato un successo.

L’anno successivo hanno partecipato 24 marchi di 6 Paesi differenti. Ogni anno il numero di brand proveniente dal mondo intero è aumentato e l’ultima edizione fisica, nel 2019 ha visto la partecipazione di 40 marchi provenienti da 15 Paesi diversi per 5 giorni di sfilate, presentazioni, conferenze ed eventi lifestyle, mentre per l’edizione digitale del 2020 vi é stata la partecipazione di 42 marchi di 17 Paesi.

Il segreto del successo della MCFW è aver realizzato una manifestazione ancorata a dei veri valori e che sostiene la creazione e l'internazionalità, supportando sia i giovani designers di talento, cosi come i grandi nomi del fashion internazionale.

L’evento, molto dinamico, con sfilate, presentazioni di collezioni, showroom, pop-up, ma anche con convegni, tavole rotonde e soprattutto la cerimonia dei Fashion Awards, è stato fin dal suo lancio sempre molto ben accolto dalla stampa, dal pubblico così come tutta la comunità della

moda. Un’altra chiave di successo è aver posto l’accento sulla sostenibilità. La manifestazione ha saputo affermarsi nel panorama mondiale delle fashion week grazie al suo spirito realmente innovativo che, anno dopo anno, ha imposto un modello virtuoso da sviluppare a 360 gradi: non più think green, ma act green.

Purtroppo, nel 2020 l’emergenza sanitaria ha sconvolto i programmi di tutti ed ha costretto a cancellare molti eventi a Monaco, tra i quali il tennis, il Gran Premio o il Festival della televisione. La Monte-Carlo Fashion Week ha saputo reinventarsi, lanciando un’edizione totalmente digitale, inaugurando un nuovo modo di fare moda. È stata una settimana straordinaria, che ci ha fatto viaggiare, in modo virtuale, nel mondo intero: dagli Stati Uniti a Dubai, dalla Tailandia all’Italia, a Monaco con le 2020 MCFW SERIES A CONVERSATION WITH…, accattivanti e interattivi digital talk live con i protagonisti importanti del panorama moda internazionale. Un viaggio virtuale che, grazie ai designers che

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hanno partecipato al Concorso sulla Sostenibilità ha toccato 17 paesi del mondo facendoci scoprire più di quaranta brand che si distinguono in materia di sostenibilità. Ognuno di essi ha racchiuso la propria essenza e la propria visione innovativa, in un video girato in lockdown o nei giorni post lockdown, diffuso sui canali social della Monte-Carlo Fashion Week e sul canale di Fashion Channel, partner della manifestazione.

A aprire la Monte-Carlo Fashion Week il 14 maggio, la Conversation with Pauline Ducruet, figlia di S.A.S. la Principessa Stephanie di Monaco e fondatrice del brand genderless Alter, intervistata da Sara Maino, Head of Vogue Talents, Deputy Director di Vogue Italia, International Brand Ambassador CNMI. A seguire il talk con Tommy Hilfiger e Dee Ocleppo Hilfiger, Alberta Ferretti , Stella Jean, Gilberto Calzolari, Sara Cavazza Facchini di Genny, Ingie Chalhoub, Fondatrice e Presidente del Gruppo Etoile di Dubai e stilista del suo brand Ingie Paris, i fotografi German Larkin e Vanessa von Zitzewitz, il modello e youtuber Twan Kuyper da Los Angeles.

La chiusura è stata suggellata da Sara Maino Sozzani, da me intervistata e con la quale ho avuto l’onore di annunciare il vincitore del Contest Sostenibile: il brand messicano DESSERTO. Direi che possiamo quindi ritenerci molto soddisfatti del risultato ottenuto dall‘edizione 2020, sia in termini mediatici, che in termini etici.

Ci sarà l’edizione 2021?

Come pensate di organizzarla?

L’edizione 2021 sarà un’edizione in forma ibrida: Phygital.

Si svolgerà dal 14 al 18 maggio prossimi. Purtroppo, l’emergenza sanitaria ha sconvolto i programmi di tutti ed ha costretto a reinventarsi, inaugurando un nuovo modo di fare moda: una

Pauline Ducruet

© Chambre Monegasque de la Mode

parte della manifestazione sarà digitale ed una parte fisica.

Presto sarà svelato il calendario ufficiale della Monte-Carlo Fashion Week, che potrà essere seguita sui canali social (instagram @montecarlofashionweek e Facebook Monte-Carlo Fashion Week) e sul canale di Fashion Channel, partner della manifestazione.

Una cosa sicura è che viaggeremo, in modo virtuale, nel mondo intero grazie ai designers che parteciperanno al Concorso sulla Sostenibilità, che l’anno scorso ha toccato 17 paesi del mondo facendoci scoprire più di quaranta brand che si distinguono in materia di sostenibilità. La Cerimonia dei Fashion Awards avverrà invece in forma fisica.

Nel 2015 la Chambre Monégasque de la Mode ha istituito i Monte-Carlo Fashion Awards, riconoscimenti attribuiti a personalità di rilievo nei differenti segmenti del panorama fashion.

I premi, creati dalla CMM e disegnati dall’artista brasiliano Marcos Marin, vengono assegnati nel corso del Gala della MCFW. Negli anni sono stati premiati con i Fashion Awards molte personalità e stilisti, tra i quali vi sono: Naomi Campbell, Tommy Hilfiger, Philipp Plein, Alberta Ferretti, Etro, Ermanno Scervino, Chapurin, Stella Jean, Gilberto Calzolari, cosi come l’Institut Français de la Mode o i fotografi Giovanni Gastel, German Larkin, Vanessa von Zitzewitz.

Qual è il segreto del suo successo, come imprenditrice a Monaco? Come vengono accolte le donne che intendono lavorare ad alto livello a Monaco?

Da sempre mi sono impegnata attivamente nella vita economica ed associativa del Principato di Monaco, dato che «Per me, essere imprenditore è una vocazione ed una passione e vivere in un Paese significa partecipare atti-

vamente alla sua vita economica». Dal 2008 sono Membro del Direttivo della Camera di Commercio di Monaco e dell’Associazione Donne Imprenditrici e della Confindustria di Monaco.

Credo fermamente che un imprenditore, donna o uomo, debba fondare il suo lavoro su dei veri valori.

Il segreto del mio successo, altro non é che questo: attenersi a dei valori umani e profondi. Da 15 anni faccio parte dell’Associazione Donne Imprenditrici di Monaco. A Monaco le donne vengono tenute in alta considerazione ed hanno posti importanti di responsabilità.

In che rapporti è con la famiglia Reale?

La Monte-Carlo Fashion Week 2021 ha l’onore di svolgersi per il quinto anno consecutivo sotto l’Alto Patrocinio di S.A.S. la Principessa Charlène di Monaco. La Monte-Carlo Fashion Week è organizzata dalla Chambre Monégasque de la Mode in partenariato con il Governo del Principato, il Comune di Monaco e l’Ufficio del Turismo di Monte-Carlo. E fin dalla prima edizione, nel 2013, la manifestazione è stata sostenuta

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da S.A.S. il Principe Alberto II di Monaco e dalla Sua Famiglia, con la loro presenza negli anni alla manifestazione. Inoltre, come ogni anno, la Monte-Carlo Fashion Week si impegnerà a sensibilizzare il mondo della moda alla nobile causa sostenuta dalla Fondation Princesse Charlène (www.fondationprincessecharlene.mc), sia attraverso la comunicazione, che con la raccolta di donazioni destinate alla Fondation.

L’obiettivo principale della Fondazione è di salvare vite impedendo che altri bambini la perdano annegando. La missione é quella di sensibilizzare l’opinione pubblica alla prevenzione, insegnando ai bambini a nuotare. Inoltre, lo sport è di sicuro il miglior strumento per contribuire ad un sano sviluppo dell’infanzia.

Sogni nel cassetto?

Continuare il percorso iniziato con la creazione della Chambre Monégasque de la Mode e della Monte-Carlo Fashion Week e soprattutto poter contribuire a far conoscere nel mondo i brand monegaschi ed a mettere al centro dei nostri pensieri la sostenibilità e l’etica. • RS

INTERVIEW

Eco est un mode de vie, une question d’attitude

NOUS AVONS RENCONTRÉ LE PRÉSIDENT DE LA CHAMBRE DE MODE MONÉGASQUE. ELLE NOUS A DIT QUE ...

F

ederica Nardoni Spinetta est présidente de la Chambre de la Mode de la Principauté de Monaco et créatrice de la Fashion Week de Monte-Carlo, Federica est née à Alassio mais a grandi dans la capitale italienne de la mode, Milan.

La mer et la mode étaient dans son destin. Quel a été votre parcours de formation? Comment êtes-vous arrivée à Monaco?

Je suis née à Alassio, une ville riante au bord de la mer. J’ai toujours aimé la mode.

Quand j’étais petite, je dessinais des croquis de vêtements et je les faisais réaliser. De plus, une de mes passions a toujours été la peinture et j’ai réalisé plusieurs peintures sur les vêtements. Puis, ma carrière scolaire, diplômée en économie et commerce avec spécialisation en finance à Bocconi à Milan, m’a emmené dans d’autres domaines. Forte de l’expérience internationale acquise au cours des années précédentes et motivée par ma passion pour la mode, j’ai décidé de créer et de lancer mon propre brand: Beach &Cashmere Monaco, qui fête cette année ses 15 ans d’existence.

Vous avez commencé par lancer votre marque de mode Beach &Cashmere Monaco: là encore, vous vous pensez à la mer, à la nature.

Beach &Cashmere Monaco, est la marque monégasque que

j’ai fondée en 2005. La marque reflète l’esprit créatif de l’attitude chic de Monte-Carlo: des produits de luxe appréciés pour leur qualité, leur style, leur élégance et leur glamour. Depuis de nombreuses années, Beach &Cashmere Monaco crée et produit des collections durables.

La première était la collection Save the Ocean, créée pour sensibiliser la population à la pollution de l’océan et fabriquée à partir de tissus durables et de matériaux récupérés en mer, comme les filets de pêche.

Cette collection a été suivie par d’autres collections toujours durables, comme Save the Reef dédiée à la barrière de corail, Save the Nature, pour sensibiliser la population à la protection des animaux ou No Waste, produite à partir de déchets.

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En outre, certaines collections sont timeless, afin de réduire les déchets et d’agir contre l’environnement.

Inspiré par ma passion pour la mer et mon engagement à sensibiliser et à protéger notre planète, j’ai récemment lancé la collection Under Full Sails, en collaboration avec la classe Smeralda 888 du Yacht Club de Monaco, qui a fourni les voiles usagées et cassées, au lieu de les jeter.

La Classe Emerald 888, conçue par le célèbre architecte naval German Frers, est un bateau de 8,88 m avec 3 membres d’équipage et barreurs. S.A.R. le Prince Charles de Bourbon des Deux Sicilies, vainqueur de plusieurs championnats de série, assure actuellement la présidence et l’avenir de la classe. La collection vise à partager l’idée novatrice d’utiliser des voiles recyclées, des voiles cassées ou usagées qui sont généralement gaspillées, produisant des vêtements de haute qualité et durables. En outre, la collection a été produite totalement en confinement et est une collection intemporelle.

Chaque tenue est unique et entièrement réalisée à la main avec des voiles recyclées à 100% et le résultat est étonnant.

La collection allie simplicité élégante et modernisme sophi-

de Andrea Iannuzzi

stiqué. Les voiles recyclées sont utilisées comme Tissus Haute Couture, créant des tenues glamour et durables: des vêtements respectueux de l’environnement de haute qualité: des voiles recyclées aux tenues glamour.

La collection présente différents produits tels que des robes, des hauts et des jupes, entièrement réalisés avec des voiles usagées régénérées et des cordes de voile originales, des drizze et des mousquets. Les noms des tenues sont également inspirés de la mer et empruntés à la Rose des Vents: de la robe Mistral à la jupe Ponente; de la robe Tramontane au haut Libeccio; du Top Sirocco à la jupe Gregale; du haut Ostro à la jupe Levante.

Avec la collection Under Full Sails de voiles récupérées. Beach and Cashmere Monaco veut intégrer dans les vêtements à la fois une petite partie de l’histoire de l’océan et, en même temps, l’idée du recyclage, en évitant d’autres déchets. Les vêtements sont fabriqués avec différents types de voiles: des voiles colorées du Spinnaker aux voiles techniques pour les régates.

Mais les voiles classiques en téflon ou en dacron restent, car ce matériau nous donne la possibilité de peindre directement sur la voile, permettant la personnalisation et la création de différents dessins. Le fil conducteur qui accompagne les collections Beach &Cashmere Monaco est l’engagement envers la durabilité, l’éthique et la conscience: une véritable conscience écologique qui se traduit par une attitude respectueuse de l’environnement, qui fait une différence en reflétant la nécessité d’un changement plus que jamais nécessaire. «Après avoir navigué à travers le monde, dans des mers sauvages, nous avons donné une nouvelle vie à ces voiles... ... Ils ont pris la route d’un nouveau voyage, le voyage de la mode»,

Je comprends que pour vous, depuis toujours, la mode doit être écologique, étant donné aussi que la mode est la deuxième industrie la plus polluante au monde...

Je crois fermement en la durabilité et je suis déterminé à sensibiliser et à protéger notre planète, en jouant un rôle actif dans l’encouragement d’un changement positif, la promotion de la durabilité, la création d’un monde meilleur et plus propre pour les générations à venir. J’ai également lancé le mouvement #sustainabletogether avec de nombreux autres designers durables à travers le monde et je fais la promotion de conférences et de conférences

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sur la durabilité. «Je crois fermement que la mode durable est l’avenir. Nous devons à notre planète et à nous-mêmes agir de manière plus écologique. L’un des principaux objectifs de ma marque est de mettre l’accent sur une mode durable et éthique et de contribuer à sensibiliser le public à l’importance de protéger notre planète et la vie qui s’y trouve».

L’accent mis sur la mode éthique et durable est l’un des objectifs fondamentaux de la Chambre Monégasque de la Mode, qui veut sensibiliser le public à l’importance de protéger notre planète. La mission de la Chambre Monégasque de la Mode est, en effet, de valoriser

de plus en plus le parcours des maisons et des marques tournées vers l’avenir, capables de changer le modèle économique traditionnel en combinant l’entreprise avec l’attention à l’environnement et au social, de créer une valeur partagée et de collaborer à la réalisation des objectifs de développement durable.

Mais j’ai aussi placé au centre de la Fashion Week de Monte-Carlo l’objectif d’être «Durable», accueillant à Monaco les marques qui agissent en faveur de la planète et sont respectueuses de l’environnement. Pour mettre davantage l’accent sur le développement durable, nous avons créé le Prix de la mode éthique et durable en 2016 avec la Chambre Monégasque de la Mode pour honorer les marques qui jouent un rôle actif en encourageant un changement positif, en produisant des vêtements de haute qualité et respectueux de l’environnement. Au fil des ans, des noms tels que: Stella Jean; Tatiana Santo Domingo Casiraghi pour sa marque Muzungu Sisters; ; le designer indien Rahul Mishra; Alberta Ferretti pour sa collection Earth Collection; e Ingie Chalhoub.

En 2020, le Sustainable Award a été décerné grâce au lancement du Concours sur le développement durable, qui a récompensé la marque mexicaine Desserto pour la production de cuir végétalien à partir de feuilles de cactus. Le concours a braqué les projecteurs sur plus de quarante marques durables de 17 pays différents, et avec leur soutien, j’ai créé le mouvement #SUSTAINABLETOGETHER immortalisé par un cliché qui a réuni tous les participants en une seule chorale, pour soutenir une mode éthique et consciente, créant un monde meilleur et plus propre pour les générations à venir. Pour encourager cette recherche fondamentale, la Chambre Monégasque de la Mode a

lancé la deuxième édition du concours MCFW© Sustainable Contest, dans lequel tous les designers «Verts» sont appelés à participer en envoyant une vidéo qui représente l’essence de leur vision éthique et innovante.

Nous avons reçu de très nombreuses candidatures de 20 pays différents.

Vous avez reçu la distinction d’honneur de « Chevalier de l’Ordre de l’Étoile d’Italie ».

De quels autres prix avez-vous reçu?

Ce fut un honneur et une émotion de recevoir l’honneur de Chevalier de l’Ordre de l’Étoile d’Italie de l’Ambassadeur d’Italie en Principauté de Monaco et décerné par le Président de la

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République Italienne. C’est une reconnaissance du travail accompli à ce jour et une incitation à aller dans la même direction.

Une distinction importante dont j’ai reçu la Médaille du Travail de Monaco. En tant que designer, j’ai reçu le prix Look of the Year pour ma marque Beach &Cashmere Monaco.

Comment la mode italienne et la mode française changent-elles?

Je pense que la période de changement que nous traversons touche la mode du monde entier.

Jamais, comme à cette époque, l’imagination et la capacité de réaliser leurs rêves ne sont devenues les éléments clés pour penser à une renaissance à venir.

Les créateurs ont opté pour un compromis physique numérique et leurs défilés ont atteint une nouvelle créativité. Les marques, qu’elles soient italiennes ou françaises, ainsi que d’autres pays, se tournent toutes vers une approche éthique et consciente de la mode. Nous pouvons affirmer que le glamour se transforme en durable avec le slogan Green is the New Glam.

Vous êtes présidente de la Chambre de la mode Monegasca: de quoi s’agit-il? Sur quelles valeurs est-elle fondée?

La Chambre Monégasque de la Mode, Chambre Nationale de la Mode de la Principauté de Monaco, a été fondée par moi en avril 2009 et représente les

créateurs et les marques monégasques. Son objectif est double: représenter et diffuser les valeurs de la mode monégasque et de la créativité Made in Monaco au niveau international; et promouvoir la Principauté de Monaco en tant que plateforme internationale mode. La Chambre Monégasque de la Mode en partenariat avec le gouvernement de la Principauté, la municipalité de Monaco et l’Office du tourisme de Monte-Carlo organise depuis 2013 la Fashion Week de Monte-Carlo (MCFW©).

Vous êtes également présidente et fondatrice de la Fashion Week de Monte-Carlo, dont l’importance s’accroît chaque année depuis son lan-

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cement en 2013. L’édition 2020 de la Fashion Week de Monte-Carlo a présenté 42 marques durables de 17 pays à travers le monde. Comment avez-vous vécu la pandémie?

Avez-vous déjà arrêté?

La Fashion Week de Monte-Carlo, en 2021, à sa neuvième édition, a réussi à croître d’année en année, tant en nombre de marques internationales participantes qu’en nombre de jours et de présentations, mais aussi en nombre d’événements parallèles. La MCFW a gagné en prestige d’année en année grâce à son adhésion au calendrier international des fashion weeks.

En 2013, lors du lancement de la première Fashion Week de Monte-Carlo, 16 marques de 3 pays ont participé à 2 jours de défilés et de présentations. Ce fut un succès. L’année suivante, 24 marques de 6 pays différents y ont participé. Chaque année, le nombre de marques du monde entier a augmenté et la dernière édition physique a réuni en 2019 40 marques de 15 pays différents pour 5 jours de défilés, de présentations, de conférences et d’événements de style de vie, tandis que 42 marques de 17 pays y ont participé pour l’édition numérique 2020.

Le secret du succès de la MCFW est d’avoir réalisé une manifestation ancrée dans de vraies valeurs et qui soutient la création et l’internationalité, en soutenant à la fois les jeunes designers talentueux ainsi que les grands noms de la mode internationale. L’événement, très dynamique, avec des défilés, des présentations de collections, des salles d’exposition, des pop-ups, mais aussi avec des conventions, des tables rondes et surtout la cérémonie des Fashion Awards, a été depuis son lancement toujours très bien reçu par la presse, le public ainsi que toute la communauté de la mode. Une autre clé du suc-

cès est d’avoir mis l’accent sur la durabilité. La manifestation a su s’affirmer dans le paysage mondial des fashion weeks grâce à son esprit véritablement novateur qui, année après année, a imposé un modèle vertueux à développer à 360 degrés: plus de think green, mais act green.

Malheureusement, en 2020, l’urgence sanitaire a perturbé les programmes de tous et forcé l’annulation de nombreux événements à Munich, dont le tennis, le Grand Prix ou le Festival de la télévision. La Fashion Week de Monte-Carlo a su se réinventer en lançant une édition entièrement numérique, inaugurant une nouvelle façon de faire de la mode. Ce fut une semaine extraordinaire, qui nous a fait voyager, de manière virtuelle, dans le monde entier: des États-Unis à Dubaï, de la Thaïlande à l’Italie, à Monaco avec les «2020 MCFW SERIES A

CONVERSATION WITH...», des talks numériques en direct captivants et interactifs avec les principaux acteurs du paysage de la mode internationale.

Un voyage virtuel qui, grâce aux designers qui ont participé au Concours sur le développement durable, a touché 17 pays à travers le monde, nous faisant découvrir plus de quarante marques qui se distinguent en matière de durabilité. Chacun d’eux a enfermé son essence et sa vision innovante, dans une vidéo tournée en lockdown ou dans les jours post-lockdown, diffusée sur les réseaux sociaux de la Fashion Week de Monte-Carlo et sur la chaîne Fashion Channel, partenaire de la manifestation.

Pour ouvrir la Fashion Week de Monte-Carlo le 14 mai, «Conversation with» Pauline Ducruet, fille de S.A.S. la princesse Stéphanie de Monaco et fondatrice de la marque sans genre Al-

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ter, interviewée par Sara Maino, responsable de Vogue Talents, directrice adjointe de Vogue Italia, ambassadrice internationale de la marque CNMI. Suivez le talk avec Tommy Hilfiger et Dee Ocleppo Hilfiger, Alberta Ferretti , Stella Jean, Gilberto Calzolari, Sara Cavazza Facchini de Genny, Ingie Chalhoub, fondatrice et présidente du groupe Etoile de Dubaï et styliste de sa marque Ingie Paris, les photographes German Larkin et Vanessa von Zitzewitz, le mannequin et youTuber Twan Kuyper de Los Angeles.

La fermeture a été scellée par Sara Maino Sozzani, que j’ai interviewée et avec qui j’ai eu l’honneur d’annoncer le gagnant du Concours durable: la marque mexicaine DESSERTO.Je dirais que nous pouvons donc nous sentir très satisfaits du résultat obtenu par l’édition 2020, tant en termes médiatiques qu’éthiques.

Y aura-t-il l’édition 2021 ?

Comment comptez-vous l’organiser?

L’édition 2021 sera une édition hybride: « Phygital ». Il se déroulera du 14 au 18 mai prochain. Malheureusement, l’urgence sanitaire a bouleversé les programmes de tous et forcé la réinvention en inaugurant une nouvelle façon de se faire à la mode: une partie de la manifestation sera numérique et une partie physique. Le calendrier officiel de la Fashion Week de Monte-Carlo sera bientôt dévoilé, qui pourra être suivi sur les réseaux sociaux (instagram @ montecarlofashionweek et Facebook Monte-Carlo Fashion Week) et sur la chaîne Fashion Channel, partenaire de la manifestation.

Une chose est sûre, c’est que nous voyagerons, de manière virtuelle, dans le monde entier grâce aux designers qui participeront au concours sur le développement durable, qui a touché

17 pays à travers le monde l’an dernier, nous faisant découvrir plus de quarante marques qui se distinguent en matière de écologie.

La cérémonie des Fashion Awards aura lieu en forme à la place. En 2015, la Chambre Monégasque de la Mode a créé les Monte-Carlo Fashion Awards, distinctions décernées à des personnalités de premier plan dans les différents segments du paysage de la mode.

Les prix, créés par la CMM et conçus par l’artiste brésilien Marcos Marin, sont décernés lors du gala de la MCFW. Au fil des ans, de nombreuses personnalités et stylistes ont été récompensés par les Fashion Awards, dont Naomi Campbell, Tommy Hilfiger, Philipp Plein, Alberta Ferretti, Etro, Ermanno Scervino, Chapurin, Stella Jean, Gilberto Calzolari, ainsi que l’Institut français de la mode ou les photographes Giovanni Gastel, German Larkin, Vanessa von Zitzewitz.

Quel est le secret de son succès, en tant qu’entrepreneure à Monaco ? Comment les femmes qui envisagent de travailler à un niveau élevé à Munich sont-elles accueillies?

J’ai toujours été activement engagée dans la vie économique et associative de la Principauté de Monaco, car «Pour moi, être entrepreneur est une vocation et une passion et vivre dans un pays, c’est participer activement à sa vie économique». Depuis 2008, je suis membre du comité directeur de la Chambre de commerce de Munich et de l’Association des femmes entrepreneurs et de la Confindustria de Munich. Je crois fermement qu’un entrepreneur, femme ou homme, doit fonder son travail sur de vraies valeurs. Le secret de mon succès n’est rien d’autre que cela: s’en tenir à des valeurs humaines et profondes.

Depuis 15 ans, je fais partie de

l’Association des femmes entrepreneurs de Munich. A Munich, les femmes sont très bien considérées et ont d’importants postes de responsabilité.

Quelles relations avez-vous avec la famille royale?

La Fashion Week 2021 de Monte-Carlo a l’honneur de se dérouler pour la cinquième année consécutive sous le haut patronage de S.A.S. la princesse Charlène de Monaco. La Fashion Week Monte-Carlo est organisée par la Chambre Monégasque de la Mode en partenariat avec le gouvernement de la Principauté, la municipalité de Monaco et l’office du tourisme de Monte-Carlo. Et depuis sa première édition, en 2013, la manifestation a été soutenue par S.A.S. le Prince Albert II de Monaco et sa famille, avec leur présence dans les années à la manifestation. De plus, comme chaque année, la Fashion Week de Monte-Carlo s’efforcera de

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sensibiliser le monde de la mode à la noble cause soutenue par la Fondation Princesse Charlène (www.fondationprincessecharlene.mc), à la fois par la communication et par la collecte de dons destinés à la Fondation.

L’objectif principal de la Fondation est de sauver des vies en empêchant d’autres enfants de la perdre en se noyant. La mission est de sensibiliser l’opinion publique à la prévention en enseignant aux enfants à nager. De plus, le sport est certainement le meilleur moyen de contribuer à un développement sain de l’enfance.

Prochaines idées?

Poursuivre le parcours entamé par la création de la Chambre Monégasque de la Mode et de la Fashion Week de Monte-Carlo et surtout contribuer à faire connaître les marques monégasques dans le monde et à placer la durabilité et l’éthique au centre de nos réflexions. • RS

INTERVISTA

I musei sono lo specchio della società moderna

RIFLETTONO LE ANIME CHE LA POPOLANO E SONO LO SPAZIO DOVE GLI ARTISTI SI INCONTRANO O SI SCONTRANO

A

sia Ruffo di Calabria è un architetto italiano che ha scelto di lavorare in Francia. Lavora come Vice responsabile dipartimento mostre e manifestazioni culturali Musée des Arts et Métiers di Parigi. Abbiamo parlato con lei delle mostre temporanee (di cui Parigi è capitale) e dei progetti internazionali che segue nel suo lavoro Asia, prima di tutto, qual è la situazione dei musei francesi? Sono aperti?

I musei, come gli altri luoghi della cultura e dello spettacolo, in Francia sono chiusi dal 30 ottobre scorso. Contiamo di accogliere di nuovo il nostro pubblico presto.

Lei si è definita “direttore d’orchestra di un museo”…

Qual è stato il suo percorso?

Come ha raggiunto la sua po-

IL SITO / LE SITE WEB

Inquadra il QRcode e visita il sito del Musée des Arts et Métiers Encadrez le QRcode et visitez le site web de le Musée des Arts et Métiers

Asia Ruffo di Calabria

sizione nel Musée des Arts et Métiers di Parigi?

Più che direttore di orchestra di un museo, il mio lavoro è di guidare l’orchestra di una mostra temporanea o di una manifestazione culturale come la Notte Bianca. Il mio percorso fino al musée des Arts et Métiers è atipico: sono un architetto con la passione per i musei.

Dopo un master in Museologia alla Cattolica di Milano ho sentito di avere la base teorica per lavorare in un museo.

All’inizio ho lavorato come responsabile della logistica e del montaggio di opere d’arte appartenenti al museo o in prestito da altre istituzioni. Dopo Venezia e Roma sono arrivata

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al Grand Palais di Parigi con lo stesso ruolo e al musée des Arts et Métiers ho avuto l’occasione di ampliare il mio campo d’azione. Mi occupo di seguire il coordinamento di una mostra fino alla sua apertura al pubblico e al suo smontaggio.

Perché ha deciso di lavorare in Francia?

Ho sempre ammirato il forte interesse dei francesi nei confronti della cultura e del sostegno civile e politico alla promozione di mostre temporanee. A Parigi ci sono molte più opportunità di lavoro rispetto all’Italia, ma conto in un futuro vicino o lontano di riportare nel mio paese le competenze sviluppate a Parigi.

Sempre che mi vogliano...

di Silvia Arosio

Cosa possiamo trovare in questo museo, un raro museo scientifico?

Abbiamo moltissimi oggetti, da modelli di treni alla collezione di vasi e vetri di Emile Gallé del 1910 suddivisi in vari settori: strumenti scientifici, trasporti, costruzioni, comunicazione e materiali. Senza dubbio il mio oggetto preferito è il primo aeroplano francese di Clément Ader sospeso sulla scalinata d’onore del mio museo. Per dargli un’occhiata a distanza vi consiglio di vedere un pezzo della Nuit des idées che ho organizzato lo scorso 28 gennaio 2021 con l’Institut Francais sul nostro canale Youtube. Io sono passata dal Tintoretto delle Gallerie dell’Accademia di Venezia o dai Boccioni e Balla della Galleria Nazionale di Roma a oggetti creati dalla scienza e dalla tecnica.

Quello che accomuna queste opere, a mio parere, è l’interesse dell’osservatore per la bellezza e il fascino della creazione umana, sia che si esprima come pittura che come oggetto innovativo per un uso pratico. È la bellezza dell’intelligenza, della sensibilità, del saper cogliere e interpretare in ogni momento e con qualsiasi mezzo espressivo “L'esprit du temps”.

BIOGRAFIA • Asia Ruffo di Calabria è attualmente vice responsabile del nuovo direttore del dipartimento, dove ha coordinato la mostra Toxictoys dell’artista Champion Métadier inaugurata il 15 ottobre 2020. Ha organizzato, in collaborazione con la Marie de Paris, la Notte Bianca 2020 una proiezione artistica sulla facciata del museo. Ha svolto il lavoro di preparazione dell’evento durante il primo confinamento in Francia e il 3 ottobre 2020 ha accolto nel cortile del museo dalle 19 fino a mezzanotte 1.400 visitatori. L’équipe che ha lavorato con lei era composta da sole donne. Il pubblico che ha attraversato Parigi per una notte intera ha potuto ammirare una serie di proiezioni di disegni e collage di foto ricolorate sulla facciata del museo.

• Attualmente lavora sulla concezione e preparazione della Nuit Blanche 2021 (il 2 ottobre 2021), sulla mostra temporanea Explorer l’infiniment... che aprirà al pubblico ad ottobre 2023.

• Ha anche lavorato sulla programmazione di un evento italo-francese, la Nuit des idées, voluta dall’Institut Français in tutto il mondo. Lo scorso 28 gennaio il musée des Arts et Métiers per la prima volta ha offerto a un pubblico internazionale una serata in diretta dalla scalinata d’onore con il Museo della Scienza e della Tecnologia Leonardo da Vinci.

So che il 2020 è stato un anno cruciale per te. Cosa è successo?

A gennaio la responsabile del dipartimento mostre ha lasciato il suo ruolo al museo ed essendo la sua vice ho avuto la responsabilità e l’onore di condurre per 10 mesi il dipartimento. E’ stata una bellissima esperienza, resa complessa anche per lo scoppio della pandemia che ci ha costretto a lavorare durante il primo lockdown da casa. Condurre un dipartimento così vivo come quello delle mostre e delle manifestazioni culturali mi ha

La Notte Bianca La Nuit Blanche

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permesso di avere una visione globale e particolare dei meccanismi più segreti della vita del dipartimento e di avere acquisito ora la capacità di gestire il budget non solo di una mostra ma di tutti i progetti animati dal dipartimento. Aggiungo anche la gestione di una équipe di 6 persone con missioni diverse: diplomazia ed entusiasmo sono state le parole che mi hanno guidato in questo bellissimo periodo. A maggio la responsabile delle manifestazioni culturali ha lasciato anche lei il museo, un’altra occasione per me per gestire un suo ex progetto: la Notte Bianca.

Tu sei l’unica straniera nel museo: cosa vuol dire questo?

Ovviamente ci si sente osservati, per lo meno all’inizio.

E una sfida che rende ancora più bello il mio lavoro.Credo di essermi integrata molto bene non solo nell’équipe del mio dipartimento ma in tutto il museo, così da avere la gradevole sensazione di essere a casa mia.

Condivido con i miei colleghi le mie esperienze in musei italiani e con la Nuit des idées sono riuscita anche a far dialogare il mio con il Museo della Scienza e della Tecnologia Leonardo da Vinci di Milano. Credo che la

mia presenza al Musée des Arts et Métiers permetta un arricchimento reciproco per progetti internazionali e sono grata per la fiducia che mi è stata accordata che mi permette di concepire e di seguire lo sviluppo di progetti diversi tra di loro in piena autonomia. Vorrei anche aggiungere che questo tipo di attività, molto legata al mondo dell’arte e dell’estetica in generale, non risente molto delle barriere nazionali, perché non c’è niente di più transnazionale dell’arte, sia che questa venga commentata in francese che in italiano o in swahili.

Hai gestito la Nuit Blanche: come l’hai organizzata?

La Nuit Blanche, voluta e pilotata dal Comune di Parigi ogni anno durante il primo weekend di ottobre, è un evento molto importante al quale il Musée des Arts et Métiers non ha voluto rinunciare in un anno complesso come quello del 2020. Per il secondo anno, organizzo anche l’edizione 2021. Ho coordinato con una galleria parigina di Marguerite Milin una proiezione sulla facciata del museo di disegni e collage di foto creati da un collettivo dell’artista francese Sarah Trouche. Il titolo era una lanterna magica, un oggetto che fa parte delle collezioni del museo. A partire da aprile, ho cominciato a preparare attraverso delle riunioni in video il dossier da presentare al Comune di Parigi e il progetto ha fatto parte del percorso ufficiale. La sera stessa, il 3 ottobre 2020, ho visto sul cortile del museo 1.400 visitatori nonostante qualche goccia di pioggia. Una grande soddisfazione che ha premiato mesi di lavoro.

In seguito, ha organizzato la Nuit des idées con l’Institut Français et il Museo Nazionale della Scienza e della Tecnologia di Milano che è stato un evento in streaming dal mio museo il 28 gennaio 2021.

Come oggi si possono portare i musei online?

Abbiamo imparato molto dall’ingresso prepotente del digitale nella nostra vita di tutti i giorni. E’ accaduto per il nostro lavoro quello che si è osservato in tanti altri settori: e-health, e-commerce, e-entertainment,

La Notte Bianca La Nuit Blanche

e-working, e-congress, e-tutto.

Credo che le visite virtuali dei Musei, che abbiamo tutti dovuto organizzare, ci abbiano insegnato a valorizzare le singole opere da offrire al pubblico lontano e che questo serva come stimolo per il pubblico a venire a vivere le opere da vicino. E’ come quando vediamo un personaggio famoso in TV e poi, quando capita di vederlo dal vero, ne siamo più emozionati. “Online” è più bello se segue “onlife” e “onlife” è più bello se già lo conosciamo “online”. Era una strada che già stavamo percorrendo, la pandemia ha impartito una

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grande accelerazione a processi già in corso: è come se avessimo frequentato un corso intensivo per arricchire con l’innovazione la tradizione.

Quanto sono importanti i musei per la cultura parigina?

Parigi da sempre è la capitale delle mostre temporanee perché è la stessa amministrazione pubblica e i visitatori che la sostengono. Parigi senza la sua offerta culturale, da spettacoli a mostre, non sarebbe la stessa.

La cultura è nel DNA di Parigi e dei parigini (dico sommessamente che questo qualche volta si traduce in espressioni anche fisiche e di abbigliamento che a noi italiani fanno un po’ sorridere - mai viste tante montature tonde di occhiali come a Parigi).

So che avete spesso unito diverse tipologie di arti nel museo, come le proiezioni sulla facciata.

Come si possono unire le diverse tipologie di arti?

Unire diversi tipi di manifestazioni è la chiave del successo del nostro museo. Una programmazione variegata ci permette di attirare diversi pubblici: chi è interessato a un concerto barocco nell’ex chiesa del museo o chi vuole vedere una mostra sul tema dell’esplorazione. Il museo è lo specchio della società: riflette le tante anime che la popolano ed è lo spazio dove artisti, scienziati e musicisti possono incontrarsi o scontrarsi.

In sostanza, quali sono le differenze nel suo settore tra l’Italia e le Francia?

A mio avviso le differenze sono due: l’interesse da parte del pubblico alla programmazione culturale di un museo (più forte in Francia) e il sostegno da parte delle istituzioni pubbliche nella realizzazione di progetti culturali. • RS

INTERVIEW

de Silvia Arosio

Les musées sont le miroir de la société moderne

REFLÈTENT LES ÂMES QUI LA PEUPLENT ET SONT L’ESPACE OÙ LES ARTISTES SE RENCONTRENT OU S’AFFRONTENT

A

sia Ruffo di Calabria est une architecte italienne qui a choisi de travailler en France. Elle est adjointe au chef du département des expositions et manifestations culturelles du musée des Arts et Métiers à Paris. Nous avons discuté avec elle des expositions temporaires (dont Paris est la capitale) et des projets internationaux qu’elle coordonne.

Tout d’abord Asia quelle est la situation des musées en France? Est-ce qu’ils sont ouverts?

Les musées, comme les autres lieux culturels et de divertissement, sont fermés en France depuis le 30 octobre. Nous attendons d’accueillir notre public bientôt.

Elle se définit « chef d’orchestre d’un musée »... Quel était votre parcours ? Comment avez-vous atteint votre poste au musée des Arts et Métiers à Paris?

Plus que le directeur d’orchestre d’un musée, mon travail est de diriger l’orchestre d’une exposition temporaire ou d’un événement culturel comme la Nuit Blanche. Mon arrivée au musée des Arts et Métiers est atypique: je suis une architecte passionnée par les musées.

Après un mastère spécialisé en muséologie à l’Université La Cattolica de Milan, j’ai eu une base théorique pour travailler dans un musée.

Au début, j’ai travaillé comme régisseuse d’exposition, c’est-à-dire la personne chargée de la logistique et du montages d’œuvres d’art ap-

partenant au musée ou prêtées par d’autres institutions. Après Venise et Rome, je suis arrivé au Grand Palais de Paris avec le même rôle. Au musée des Arts et Métiers j’ai eu l’occasion d’élargir mon poste. Je m’occupe de suivre la coordination d’une exposition dès la conception jusqu’à son ouverture au public et son démontage.

Pourquoi avez-vous décidé de travailler en France ?

J’ai toujours admiré le vif intérêt des Français pour la culture et le soutien civil et politique à la promotion des expositions temporaires. A Paris, il y a beaucoup plus de possibilités de travail qu’en Italie, mais j’ai hâte de rame-

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ner dans mon pays les compétences développées à Paris.

Autant qu’ils me veulent ...

Que peut-on trouver dans ce musée, un musée des sciences?

Nous avons beaucoup d’objets, des modèles de trains, une collection de vases et de verre d’Emile Gallé de 1910.

Les collections sont divisées en différents domaines: instruments scientifiques, énérgie, transport, construction, communication et matériaux.

Nul doute que mon objet préféré est le premier avion français de Clément Ader, suspendu sur l’escalier d’honneur de mon musée. Pour jeter un coup d’œil à distance, je vous

recommande de voir la vidéo de la Nuit des idées sur Youtube. J’ai organisé cette soirée le 28 janvier 2021 avec l’Institut Français. Je suis passée du Tintoret delle Gallerie dell’Accademia de Venise ou du Boccioni et Balla de la Galleria Nationale de Rome à des objets conçus par la science et la technologie. Ce qui relie ces œuvres, à mon avis, est l’intérêt de l’observateur pour la beauté et le charme de la création humaine, comme dans le cadre d’une peinture ou comme un objet. C’est la beauté de l’intelligence, de la sensibilité, que nous avons besoin de saisir et interpréter, c’est «L’esprit du temps».

Je sais que 2020 a été une année charnière pour vous.

Que s’est-il passé?

En janvier, la cheffe du département des expositions et manifestations culturelles a quitté ses fonctions au musée.

Moi, en tant qu’adjointe, j’ai eu la responsabilité et l’honneur de diriger le département pen-

La Notte Bianca La Nuit Blanche

dant 10 mois. Ce fut une belle expérience, également rendue complexe par l’éclatement de la pandémie qui nous a forcés à faire du télétravail pendant le premier confinement. Le pilotage d’un département aussi riche que celui des expositions et des manifestations culturelles m’a permis d’avoir une vision globale et particulière des mécanismes les plus secrets de la vie du département et d’avoir acquis la capacité de gérer le budget non seulement d’une exposition mais

BIOGRAPHIE • Asia Ruffo di Calabria est actuellement adjointe au chef du département des expositions et manifestations culturelles au musée des Arts et Métiers, où elle a coordonné l’exposition TOXICTOYS de l’artiste Champion Métadier inaugurée le 15 octobre 2020. Elle a organisé, en collaboration avec la Marie de Paris, la Nuit Blanche 2020 dans son musée. Il s'agissait d'une projection artistique sur la façade du musée.

• Elle a préparé l’événement lors du premier confinement en France et le 3 octobre 2020 a accueilli 1400 visiteurs dans la cour du musée de 19 h à minuit. L’équipe qui travaillait avec elle était composée uniquement de femmes. Le public qui a traversé Paris toute une nuit a pu admirer une série de projections de dessins et collages de photos recolorées.

• Elle travaille actuellement sur la conception et la préparation de la Nuit Blanche 2021 (le 2 octobre 2021), sur l’exposition temporaire Explorer l’infiniment... qui ouvrira ses portes au public en octobre 2023.

• Elle a également travaillé à la programmation d’un événement franco-italien, la Nuit des idées, organisé par l’Institut Français dans le monde entier. Le 28 janvier, le musée des Arts et Métiers a offert à un public international une soirée en direct depuis l’escalier d’honneur avec le Musée de la Science et de la Technologie Léonard de Vinci de Milan.

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de tous les projets du département. A cela s’ajoute la gestion d’une équipe de 6 personnes ayant des missions différentes: diplomatie et enthousiasme ont été les mots qui m’ont guidé pendant cette belle période.

En mai, la responsable des manifestations culturelles a également quitté le musée, une autre occasion pour moi de gérer un de ses projet: la Nuit Blanche.

Vous êtes le seul étranger du musée: qu’est-ce que cela signifie ?

Vous vous sentez observé au moins au début. C’est un défi qui rend mon travail encore plus beau. Je pense d’être très bien intégrée non seulement dans l’équipe de mon département, mais dans tout le musée. J’ai l’agréable sentiment agréable d’être à la maison.

Je partage avec mes collègues mes expériences dans les musées italiens et avec la Nuit des idées, j’ai également dialogué avec le Musée della Scienza e della Tecnologia Leonardo da Vinci de Milan. Je crois que ma présence au Musée des Arts et Métiers permet un enrichissement mutuel pour des projets internationaux et je suis reconnaissante de la confiance qui m’a été accordée.

Celle-ci me permet de concevoir et de suivre le développement de différents projets d’une manière indépendante.

Je voudrais également ajouter que ce type d’activité, qui est très étroitement liée au monde de l’art et de l’esthétique en général, ne souffre pas beaucoup des barrières nationales, parce qu’il n’y a rien de plus transnational que l’art, qu’il soit commenté en Français, en italien ou en swahili.

Vous avez dirigé Nuit Blanche: comment l’avez-vous organisée?

La Nuit Blanche, voulue et pilotée chaque année par la Mairie de Paris au premier week-end d’octobre, est un événement très important que le Musée des Arts et Métiers n’a pas voulu abandonner dans une année complexe comme 2020. Pour la deuxième année, j’organise l’édition 2021.

J’ai piloté avec une galerie parisienne, celle de Marguerite Milin, une projection sur la façade du musée de dessins et collages de photos créées par un collectif de l’artiste française Sarah Trouche. Le titre était atour d’une lanterne magique, un objet qui fait partie des collections du musée.

A partir du mois d’avril 2020, j’ai commencé à préparer par des réunions en visio le dossier de candidature. Je l’ai présenté à la Mairie de Paris et le projet faisait partie du parcours officiel de la Nuit Blanche.

Le même soir, le 3 octobre 2020, j’ai vu 1 400 visiteurs dans la cour du musée malgré quelques gouttes de pluie.

Une grande satisfaction qui a récompensé des mois de travail.

Plus tard, vous avez organisé la Nuit des idées avec l’Institut Français et il Museo Nazionale della Scienza e della Tecnologia Leonardo da Vinci à Milan qui a été un événement en streaming depuis le musée.

Comment les musées peuvent-ils être mis en ligne aujourd’hui ?

Nous avons beaucoup appris de l’entrée du numérique dans notre vie quotidienne. Ce qui s’est passé pour notre travail s’est produit dans de nombreux autres secteurs: e-santé, e-commerce, e-divertissement, e-working, e-congress, et tout.

Je crois que les visites virtuelles des musées, que nous avons tous dû organiser, nous

ont appris à mettre en valeur les œuvres et à les offrir à un public éloigné. Cela permet de stimuler notre public à venir au musée pour faire sa propre expérience des œuvres.

C’est comme quand nous voyons un personnage célèbre à la télévision et puis, quand nous le voyons en vrai, nous sommes encore plus enthousiastes. L’expérience «En ligne» est plus agréable si elle suit

vêtements qui font sourire un peu les Italiens – je n’ai jamais vu autant de cadres ronds de lunettes qu’à Paris).

Je sais que vous avez souvent combiné différents types d’arts dans le musée, comme des projections sur la façade.

Comment les combiner?

La combinaison de différents types d’événements est la clé du succès de notre musée. Notre programmation variée nous

«onlife» et « onlife » est plus agréable si nous le connaissons déjà «en ligne». La pandémie a accéléré les processus déjà en cours: c’est comme si nous avions suivi un cours intensif pour enrichir la tradition avec l’innovation.

Quelle est l’importance des musées pour la culture parisienne ?

Paris a toujours été la capitale des expositions temporaires car c’est l’administration publique elle-même et les visiteurs qui la soutiennent. Paris sans son offre culturelle, des spectacles aux expositions, ne serait pas la même ville.

La culture est dans l’ADN de Paris et des Parisiens (cela se traduit parfois par des expressions aussi physiques et des

permet d’attirer différents publics: ceux qui s’intéressent à un concert baroque dans l’ancienne église du musée ou ceux qui veulent voir une exposition sur l’exploration.

Le musée est le miroir de la société: il reflète les nombreuses âmes qui le peuplent et c’est l’espace où les artistes, les scientifiques et les musiciens peuvent se rencontrer ou s’affronter.

Quelles sont les différences dans votre secteur entre l’Italie et la France?

A mon avis, il y a deux différences: l’intérêt du public pour la planification culturelle d’un musée (plus fort en France) et le soutien des institutions publiques dans la réalisation de projets culturels. • RS

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TRADIZIONI

Signore e signori, è la Francia!

VIAGGIO SEMISERIO TRA I CLICHÉ E LE TRADIZIONI FRANCESI PIÙ COMUNI, MA, FORSE, POCO CONOSCIUTE IN ITALIA

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aese che vai, usanza che trovi ed ogni nazione, nel nostro immaginario collettivo, è rappresentata da qualcosa: in Italia, non siamo solo pizza e mandolino, ma provate a dire che siete italiani in America. Beh, quando pensiamo alla Francia, a quelli che poi sono i nostri cugini e non troppo alla lontana, pensiamo ad un Monsieur con i baffi, il basco, il foulard rosso, il gilet a righe blu

e, perché no, una baguette sotto il braccio. Ovviamente, non è proprio così, anche se in molte tradizionali boulangerie francesi, vi daranno il tipico pane allungato, solo con un fazzoletto di carta al centro. Ma ogni cliché, come le leggende, ha un fondo di verità.

Ve ne presento una carrellata, come potete immaginare non esaustiva: solo qualche piccola curiosità per conoscere meglio ed amare di più i nostri vicini di casa. Molti temi sono stati toccati in questo numero dai contributors, come i musei o la danza ed io vado a colmare qualche buco di argomenti non trattati… ma sarebbero davvero infiniti. Per cui.. bon voyage!

LA BANDIERA Il colore bianco simboleggia la monarchia, mentre il blu e il rosso rappresentano la città di Parigi, una delle prime città a sollevarsi contro il regime monarchico.

IL BASCO Il basco ed il foulard rosso venivano portati soprattutto dagli abitanti della regione di Béarn e, chiaramente, dai baschi, mentre il gilet, così simile a quello dei nostri gondolieri, era indossato dai bretoni.

LA BAGUETTE Sul sito franceculture.fr, si parla addirittura di tre differenti leggende. Secondo la prima leggenda, fu inventata dai panettieri di Napoleone, perché era più facile da trasportare nelle tasche di soldati. Secondo un’altra fonte invece fu un panettiere austriaco August Zang che introdusse la baguette in Francia nel 1839,

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di Silvia Arosio

nella sua boulangerie che aprì a Parigi. Per altre fonti, fu inventata nel cantiere del metro parigino nel primo novecento.

A quell’epoca si faceva venire la manodopera da tutta la Francia, e le liti tra operai bretoni e quelli provenienti dall’Alvernia erano frequenti: per evitare spargimenti di sangue, si creò un pane che non avesse bisogno del coltello per essere tagliato.

Ma persone più accreditata, e quella che riguarda una legge che nel 1919 proibiva il lavoro notturno i panettieri. I professionisti trovarono quindi una maniera più semplice e veloce di fare il pane ed il pane allungato cuoceva più rapidamente.

Secondo alcuni però la baguette è più amata all’estero che dagli stessi francesi.

La tradizione francese della Festa dei Folli iniziò come evento ecclesiastico in città che ospitano cattedrali come Parigi e Autun. Il 6 gennaio divenne noto come il Giorno dei Re, perché i Magi arrivarono a Betlemme nella stessa data.

Quel giorno, per ventiquattro ore, i clericali si arrogavano i privilegi solitamente riservati ai loro superiori nella Chiesa cattolica romana. Nel XV secolo, quando è ambientato il romanzo di Hugo, l'usanza si era diffusa dal clero alla strada; è diventato un evento pubblico atteso da tutti. Ogni città eleggeva quindi un "re (o vescovo o Papa) dei paz-

© Photo silviarita da Pixabay

LA FESTA DEI FOLLI La festa dei Folli o Festa degli Innocenti, tanto cara ai lettori di Hugo e ai fans di Notre Dame de Paris, in realtà iniziava il 26, 27 e 28 dicembre (derivate dai Saturnali romani) e vi partecipavano anche molti ecclesiastici.

Si trova in molte tradizioni del nord Europa. Le leggende dicono che tali feste in maschera e le parodie liturgiche diedero vita alle origini medievali del teatro.

zi", che viene camminato con grande pompa per le strade cantando versi bacchici. Infine, tutti vanno in chiesa per la "Messa dei folli". Tutto, quindi, è permesso.

Il re può essere chiunque. Il "re" o "vescovo degli sciocchi" viene infine condotto su un asino, preceduto da una processione di studenti e musicisti, al luogo del banchetto dove vengono distribuite al pubblico "benedizioni" fantasiose. Dall'ex "elezione del re" (degli sciocchi), oggi rimane solo il Galette de Roi, un dolce di pasta sfoglia con nascosto un fagiolo (ma oggi una sorpresa), che dà il diritto a chi lo trova di essere re.

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© Disney Entreprises, Inc/Pixar Animation Studios.

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LA CACCIA ALLE UOVA La tradizione narra che dal Giovedì Santo al mattino di Pasqua non ci deve essere nessun rintocco di campane. In questo periodo, infatti, la leggenda vuole che le campane volino via verso Roma per assistere all'annuncio della Resurrezione di Cristo direttamente dal Papa, per poi ritornare in Francia per annunciare il lieto evento.

Durante il loro ritorno in Francia le campane lasciano cadere delle uova di cioccolato a terra dando la possibilità ai più piccoli di cercarle e mangiarle.

Grazie a questa divertente tradizione molti genitori, ma anche comuni francesi organizzano delle cacce al tesoro per i bambini.

LA RATATOUILLE La Ratatouille è un contorno di verdure molto gustoso, tipico della cucina provenzale, diffuso in tutta la Francia, originario di Nizza, dove viene chiamata ratatouille niçoise.

Potremmo paragnonarlo alla nostra peperonata, ma contiene un mix di verdure fresche. melanzane, zucchine, pomodori, cipolle, peperoni, prima tagliate della stessa dimensione e poi stufate in padella con erbe aromatiche.

Il film della Pixar che porta lo stesso nome è un piccolo capolavoro di animazione.

Il team di realizzatori si era recato a Parigi, per disegnarlo, dove sono state scattate oltre 4500 fotografie per catturare quelle che sarebbero diventate le ambientazioni del film e si sono recati presso i più celebri ristoranti di Parigi: da Le Procope a La Tour d'Argent, da Helene Darroze a Chez Michel: Il piatto della Ratatouille che vediamo nel finale è stato creato dallo Chef Thomas Keller, del ristorante The French Laundry nella Napa Valley.

Uno degli chef più conosciuti al mondo.

Attenzione, però: la Ratatouille nel film prevede gli ortaggi siano tagliati a fette e cotti al forno invece di devono essere bolliti in pentola.

Possiamo trovare Ratatouille in scatola anche nei nostri supermercati, ma è diversa da quella che trovate in Francia.

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I SANTON DELLA PROVENZA E I VILLAGGI IN MINIATURA Nascono per il presepe ed il nome deriva dal provenzale "santoun" che significa "piccoli santi". Si trovano Gesù Bambino (Enfant Jèsu/Enfant-Jésus), San Giuseppe (Sant Jousè/ Saint-Joseph), la Santa Vergine (Sante Vierge/Sainte Vierge), l’asinello (ase/âne) e il bue (biou/boeuf) e sono realizzate in argilla e dipinte con colori vivaci. Oltre ai Santon, sono davvero caratteristiche le case in miniatura targate, Gault Original, che rappresentano edifici provenzali, tra cui anche Mas (sono le case rurali della Costa Azzurra) o botteghe tipiche.

Ognuna di queste opere d'arte in miniatura è fatta a mano in ceramica, e ognuna è unica. Si possono ricreare dei veri piccoli villaggi, grazie anche alle figurine di personaggi, che vanno da Don Camillo in bicicletta (molto amato, per l’attore Fernandel), al lampione con il cane che fa pipì, alla signora elegante con la baguette.

I PROFUMI I profumi francesi sono davvero famosissimi e probabil-

mente sono stati i francese a renderlo un bene di lusso. Ma oltre alle grandi marche, conosciute in tutto il mondo, ad esempio in Provenza trovate delle piccole usine, con fragranze altrettanto buone e più artigianali. Spesso nelle fabbriche della Costa Azzurra, è possibile fare un giro nei musei dedicati e tra i processi di fabbricazione.

Grasse, nel Sud della Francia, è la capitale dei profumi, perché possiede il clima ideale per la coltivazione di fiori da cui vengono estratte le essenze, inclusi il gelsomino e la lavanda, la famosissima piantina viola che vediamo nei dipinti e nelle foto della Provenza. Tra i nomi di profumieri a Grasse, ricordiamo Galimard, la terza profumeria più antica del mondo, Fragonard, o Molinard, una profumeria sempre gestita dalla famiglia, ma anche altre più piccole, che troverete girando nelle stradine.

Se amate la violetta, che fa tanto demodé, ma sta tornando in auge, in Costa Azzurra è obbligatorio un giro nella deliziosa Tourrettes-sur-Loup, villaggio medievale che più ha mantenuto l’assetto originario, e che basa la

sua fama sul delicato fiore. Troverete il viola della violetta, in contrapposizione a quello della lavanda, in profumi, saponi, detergenti per il corpo e casa, ma anche violette candite (provate a metterne una in una flute di champagne e vedrete il bouquet che sprigiona!) e gelato alla violetta, prodotto artigianalmente (in Francia si dice “fait maison”, fatto in casa).

I DOLCI Sono un po' diversi dai nostri: difficilmente troverete la pasticceria mignon, i pasticcini sono tutti abbastanza over-size.

Famosi sono i gateau come i macarons (abbastanza cari), la crème brûlée, la tarte tatin, il Paris-Brest. Ma anche la Tarte tropézienne, torta soffice realizzata con due dischi di pan brioche farciti con una deliziosa crema chiboust, o gli eclairs al cioccolato, caffè , vaniglia, cioè pasticcini di pasta choux, la stessa che si usa per fare i bignè, con forma di filoncino e sono ripieni di golosa crema.

Qualche curiosità: Le Petit Pain au chocolat, brano di Joe Dassin, è diventato il titolo della nostra Luglio, di Riccardo del Turco.

Le nostre chiacchiere, chiamate oreillettes o bougie, si

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trovano tutto l’anno ed il panettone italiano è molto amato.

LA BISE Vi stupirete, ma nell’epoca pre-covid, anche a Messa, quando il curato dice “Scambiatevi un segno di pace”, i congiunti, in Francia, si danno il bacino. Il bacio sulla guancia è molto in voga tra i francesi come forma di saluto, soprattutto tra amici.

Se in Svizzera, si scambiano tre baci, in Francia è abbastanza soggettivo. Due a Nizza e Parigi - ma in città come Montpellier si può salire a tre e perfino a quattro. D’altronde, i francesi sono molto più amicali di noi.

Ogni anno, in Francia, si celebra la Festa dei vicini. Quel giorno le persone che abitano nello stesso palazzo o nello stesso quartiere si ritrovano per chiacchierare o per fare conoscenza.

Istituito nel 1999, questo evento è seguito oggi da milioni di “vicini”.

Ognuno porta qualcosa da mangiare o da bere, si canta e si balla nel cortile condominiale.

Diversa concezione invece per i cartelli Voisins Vigilants: un sistema per tenere sotto controllo la zona e le case intorno e, quando si nota qualcosa di strano, avvertire le forze dell’ordine, dopo essersi iscritti ad un sito apposito. Un po’ come le vecchiette dei nostri paesini, no? • RS

TRADITIONS

Mesdames et messieurs, c’est la France!

VOYAGE AMUSANT ENTRE LES CLICHÉS ET LES TRADITIONS FRANÇAISES LES PLUS COURANTS, MAIS PEUT-ÊTRE PEU CONNUS EN ITALIE

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ays que vous allez, coutume que vous trouvez et chaque nation, dans notre imagination collective, est représenté par quelque chose: en Italie, nous ne sommes pas seulement la pizza et la mandoline, mais essayez de dire que vous êtes italien en Amérique. Eh bien, quand on pense à la France, à nos cousins et pas trop loin, pensons à un Monsieur avec une moustache, basque, écharpe rouge, gilet rayé bleu et, pourquoi pas, une baguette sous le bras.

Bien sûr, ce n’est pas vraiment le cas, bien que dans de nombreuses boulangeries Français traditionnelles, ils vous don-

neront le pain allongé typique, seulement avec un mouchoir en papier dans le centre.

Mais chaque cliché, comme les légendes, a un fond de vérité.

Je présente un tour d’horizon d’entre eux, comme vous pouvez l’imaginer pas exhaustive: juste quelques petites curiosités pour apprendre à mieux connaître et aimer nos voisins plus.

De nombreux thèmes ont été abordés dans ce numéro par des contributeurs, comme les musées ou la danse et je vais combler quelques trous dans des sujets non abordés... mais il aurait été vraiment sans fin. Et donc…bon voyage!

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LE DRAPEAU La couleur blanche symbolise la monarchie, tandis que le bleu et le rouge représentent la ville de Paris, l’une des premières villes à s’élever contre le régime monarchique.

LE BASQUE L’écharpe basque et rouge a été apportée principalement par les habitants du Béarn et, bien sûr, par les Basques, tandis que la veste, si semblable à celle de nos gondoliers, était portée par les Bretons.

LA BAGUETTE Sur le site franceculture.fr, on

de Silvia Arosio

parle même de trois légendes différentes. Selon la première légende, il a été inventé par les boulangers de Napoléon, parce qu’il était plus facile à transporter dans les poches des soldats.

Selon une autre source, c’est un boulanger autrichien August Zang qui introduisit la baguette en France en 1839, dans sa boulangerie qui ouvrit ses portes à Paris. Pour d’autres sources, il a été inventé sur le chantier du métro parisien au début du XXe siècle.

A cette époque, la main-d’œuvre est amenée de toute la France, et les élingue entre les ouvriers bretons et ceux de L’Hiver sont fréquentes: pour éviter les effusions de sang, un pain est créé qui n’a pas besoin du couteau pour être coupé.

Mais des gens plus accrédités, et celui concernant une loi qui, en 1919, interdisait le travail de nuit pour les boulangers.

Les professionnels ont ensuite trouvé un moyen plus simple et plus rapide de faire du pain et du pain allongé cuit plus rapidement. Selon certains, cependant, la baguette est plus aimée à l’étranger que par les Françaismêmes.

LES FESTIVITÉS La Fête des fous ou fête des innocents, si chère aux lecteurs et aux fans d’Hugo de Notre-Dame de Paris, a en effet commencé les 26, 27 et 28 décembre (dérivés des Saturnes romains) et de nombreux membres du clergé y ont également participé. On le trouve dans de nombreuses traditions d’Europe du Nord.

Les légendes disent que de telles fêtes masquées et parodies liturgiques ont donné naissance aux origines médiévales du théâtre. La tradition Français de la Fête des Fous a commencé comme un événement ecclésiastique dans les villes qui abritent des cathédrales comme Paris et Autun.

Le 6 janvier est devenu connu comme le jour des rois, parce que les Mages sont arrivés à Bethléem à la même date. Ce jour-là, pendant vingt-quatre heures, les cléricals ont pris les privilèges habituellement réservés à leurs supérieurs

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dans l’Église catholique romaine. Au XVe siècle, lorsque le roman d’Hugo se déroule, la coutume s’est répandue du clergé à la rue; est devenu un événement public attendu par tous.

Chaque ville a ensuite élu un «roi (ou évêque ou pape) des fous», qui est marché en grande pompe dans les rues en chantant des versets porte-parole.

Enfin, 2306, tout le monde va à l’église pour la « Messe des imbéciles ». Tout est donc permis. Le roi peut être n’importe qui. Le «roi» ou «évêque des imbéciles» est finalement conduit sur un âne, précédé d’une procession d’étudiants et de musiciens, à la place du banquet où des «bénédictions» imaginatives sont distribuées au public.

De l’ancienne «élection du roi» (des imbéciles), aujourd’hui, il ne reste plus que la Galette de Roi, un gâteau à la pâte feuilletée avec un haricot caché (mais aujourd’hui une surprise), qui donne le droit à ceux qui le trouvent roi.

LA CHASSE AUX ŒUFS La tradition veut que du Jeudi Saint au matin de Pâques il ne doit pas y avoir de carillon de cloches. Dans cette période, en effet, la légende veut que les cloches s’envolent pour Rome pour assister à l’annonce de la résurrection du Christ directement du Pape, puis revenir en France pour annoncer l’heureux événement. À leur retour en France, les cloches déposent des œufs de chocolat sur le sol, donnant aux plus petits l’occasion de les chercher et de les manger. Grâce à cette tradition amusante, de nombreux parents, mais aussi Français organisent des chasses au trésor pour les enfants.

© Photo Couleur da Pixabay

LA RATATOUILLE La ratatouille est un plat d’accompagnement de légumes très savoureux, typique de la cuisine provençale, très répandu dans toute la France, originaire de Nice, où il s’appelle ratatouille niçoise.

Nous pourrions le parader à notre poivre, mais il contient un mélange de légumes frais.

aubergines, courgettes, tomates, oignons, poivrons, d’abord coupés de la même taille, puis mijotés dans une poêle aux herbes aromatiques. Le film Pixar du même nom est un petit chef-d’œuvre d’animation.

L’équipe de réalisateurs s’était rendu à Paris, pour le dessiner, où plus de 4500 photographies ont été prises pour capturer ce qui allait devenir les décors du film et s’est rendu dans les restaurants les plus célèbres de Paris : du Procope au Tour d’Argent, d’Hélène Darroze à Chez Michel: Le plat Ratatouille que l’on voit en finale a été créé par le Chef Thomas Keller, par le restaurant The Français Laundry à Napa Valley.

L’un des chefs les plus connus au monde. Soyez marchandises, cependant: ratatouille dans le film prévoit que les légumes à couper en tranches et cuits au four au lieu de s’attendre à être bouilli dans une casserole.

Nous pouvons également trouver ratatouille en conserve dans nos supermarchés, mais il est différent de celui que vous trouvez en France.

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LES SANTONS DE PROVENCE ET LES VILLAGES MINIATURES Ils sont nés pour la crèche et le nom vient du « santoun » provençal qui signifie «petits saints». Il y a l’Enfant Jésus (Enfant Jèsu/Enfant-Jésus), Saint-Joseph (Saint Jousè/Saint-Joseph), la Sainte Vierge (Sainte Vierge/ Sainte Vierge), l’âne (ase/âne) et le bœuf (biou/boeuf) et sont faits d’argile et peints en couleurs vives.

En plus des Santons, les maisons miniatures de Gault Original, qui représentent des bâtiments provençaux, dont le Mas (sont les maisons rurales de la Français Riviera) ou des boutiques typiques, sont vraiment caractéristiques.

Chacune de ces œuvres miniatures est faite à la main en céramique, et chacune est unique. Vous pouvez recréer de vrais petits villages, grâce aussi aux figurines de personnages, allant de Don Camillo à vélo (très aimé, pour l’acteur Fernandel), au lampadaire avec le chien qui fait pipi, à l’élégante dame à la baguette.

LES PARFUMS Les parfums français sont vraiment célèbres et c’est probablement le Français en a fait un atout de luxe. Mais en plus des grandes marques, connues dans le monde entier, par exemple en Provence vous trouverez de petites utilisations, avec des parfums tout aussi bons et plus artisanaux. Souvent, dans les usines de la Français Riviera, vous pouvez visiter des musées dédiés et parmi les procédés de fabrication.

Grasse, dans le sud de la France, est la capitale des parfums, car elle a le climat idéal pour la culture de fleurs à partir de laquelle les essences sont extraites, y compris le jasmin et la lavande, le couleur violet que l’on voit dans les peintures et les photos de Provence Parmi les noms des parfumeurs de Grasse, on se souvient de Galimard, la troisième plus ancienne parfumerie du monde, Fragonard, ou Molinard, une parfumerie toujours gérée par la famille, mais aussi d’autres plus petites, que l’on retrouve encerclant dans les rues étroites.

Si vous aimez le violet, qui est si démodé, mais qui revient à la mode, une visite des délicieuses Tourrettes-sur-Loup, un village médiéval qui a le plus maintenu sa disposition d’origine, et qui fonde sa renommée sur la fleur délicate, est obligatoire.

Vous y trouverez du violet, par opposition à la lavande, dans des parfums, des savons, des nettoyants pour le corps et la maison, mais aussi des violettes confite (essayez d’en mettre une dans une flûte à champagne et vous verrez le bouquet qui libère!) et de la crème glacée violette, fabriquée à la main (en France on l’appelle «fait maison»).

LES GÂTEAUX Ils sont un peu différents des nôtres: vous trouverez à peine de

la pâtisserie mignon, les pâtisseries sont toutes assez surdimensionnées. Célèbres sont gâteaux tels que macarons (assez cher), crème brûlée, tarte tatin, Paris-Brest. Mais aussi la Tarte tropézienne, un gâteau moelleux fait de deux disques de brioche pan farcie d’une délicieuse crème chiboust, ou les éclairs au chocolat, café, vanille, c’està-dire les pâtisseries de pâtes choux, la même qui est utilisée pour faire des bouffées, sous la forme d’un fainéant et sont farcies avec de délicieuses crèmes.

Quelques curiosités: Le Petit Pain au chocolat, une chanson

les Français comme une forme de salutation, en particulier parmi les amis. Si en Suisse, on échange trois baisers, en France c’est assez subjectif. Deux à Nice et Paris - mais dans des villes comme Montpellier, vous pouvez monter à trois et même quatre. D’autre part, les Français sont beaucoup plus sympathiques que nous. Chaque année, en France, la Fête des voisins est célébrée. Ce jour-là, les gens qui vivent dans le même bâtiment ou dans le même quartier se réunissent pour discuter ou faire connaissance. Créé en 1999, cet événement est suivi aujourd’hui

de Joe Dassin, est devenue le titre de notre Juillet, de Riccardo del Turco. Nos chats, appelés oreillettes ou bougies, se trouvent toute l’année et le panettone italien est très apprécié.

par des millions de «voisins».

Tout le monde apporte quelque chose à la magie ou à la boisson, vous chantez et dansez dans la cour de condominium.

Conception différente au lieu de cela pour voisins vigilants signes: c’est un système pour garder la zone et les maisons autour sous contrôle et, lorsque vous remarquez quelque chose d’étrange, avertir la police, après s’être inscrit à un site spécial. Un peu comme les vieilles dames de nos villages, n’est-ce pas? • RS

LA BISE, Vous serez surpris, mais à l’époque pré-covid, même à la messe, quand le vicaire dit «Échangez un signe de paix», les parents, en France, se donnent le bassin. Le baiser sur la joue est très populaire parmi

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I LUOGHI DEL CINEMA

Studi della Victorine, la

Hollywood della Côte d 'Azur

PER FESTEGGIARE I LORO PRIMI CENT'ANNI, I CELEBRI STUDIOS NIZZARDI HANNO APERTO LE PORTE AL PUBBLICO

N

el 1919, Serge Sandberg e Louis Nalpas decisero di dotare Nizza di nuovi studi e di mettere gli occhi sulla tenuta di Victorine ad ovest della città. Serge Sandberg fondò la società Ciné-Studio e acquistò la proprietà nel marzo 1919.

Lo scopo è quello di importare il modello americano e di unirlo all’arte francese. "Vogliamo costruire degli Studio, che permettano il lavoro di diversi registi insieme, senza problemi".

Le aspettative sono alte e la stampa accoglie con entusiasmo "la nuova Los Angeles", la "Hollywood Nizzese", la "Città del Cinema" . È tra l’altro un cineasta americano, Rex (Rex) Ingram, bambino prodigio della Metro Goldwyn Mayer, che porta uno

secondo slancio per moltiplicare Il numero dei film e per dota Victorine di attrezzature moderne. Rex rilancia l’attività degli studio dopo la crisi del 1923-1924 che vede Victorine cambiare tre volte di mani, mentre altri studi Nizza falliscono e chiudono loro porte, incapaci di adattarsi per alla rivoluzione del cinema sonoro.

Nonostante le difficoltà riscontrate da alcuni, nel 1930 sono sei gli studi che costellano Nizza, riproducendo sulla Costa Azzurra lo stesso fenomeno che si era stabilito sulle colline di Los Angeles, a Hollywood.

Alla fine della seconda guerra mondiale, a differenza degli studi di Saint Laurent du Var, distrutti dall’aviazione alleata, Victorine è l’unico studio del-

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la Costa Azzurra ad essere sopravvissuto alla tragedia.

UNA FABBRICA DI GRANDI OPERE... E DI INCONTRI Victorine ha fatto quindi parte di quella “Fabbrica” di Nizza, che ha visto il fiorire di una filmografia prodigiosa in un secolo in cui si ritrovano vere pepite che hanno segnato la storia del cinema. Per menzionarne solo uno per decennio, ricordiamo La Montée vers l’Acropole (René Le Somptier, 1920), Shéhérazade (Alexandre Volkoff, 1927), Les Pirates du rail (Christian-Jaque, 1937), Les Enfants du paradis (Marcel Carné, 1945), Le Mystère Picasso (Henri-Georges Clouzot, 1955), Lady L. (Peter Ustinov, 1964), La Nuit américaine

di Daniele Colzani

(François Truffaut, 1972), Le Diamant du Nil (Lewis Teague, 1985), À propos de Nice, la suite (Collectif, 1994), Les Vacances de Mr.Bean (Steve Bendelack, 2006), Magic in the Moonlight (Woody Allen, 2013).

Gli studi si presentano anche come luogo di incontri decisivi: è in essi che Rex Ingram si stabilisce con la moglie Alice Terry, eroina di Mare Nostrum; è anche qui che Grace Kelly incontra il Principe Ranieri, durante le riprese del film La main du Collet di Alfred Hitchcock. È negli studi Victorine, Infine, che Brigitte Bardot danza davanti alla telecamera di Roger Vadim in E Dio creò la Donna. Richard Burton e e Liz Taylor si conobbero ugualmente durante le riprese di Des Comédiens di Peter Glenville, adattato da un romanzo di Graham Green (poi stabilito ad Antibes nel 1966).

Ormai situato nel cuore della metropoli di Nizza, a meno di un chilometro dal secondo aeroporto di Francia, è della Città de Nizza il compito di stimolare la rinascita di Victorine, attraverso nuovi incontri, esattamente un secolo dopo la fondazione

degli studi, nel bel mezzo di una rivoluzione digitale.

PORTE APERTE PER FESTEGGIARE I 100 ANNI In occasione del centenario degli studi di Victorine, Christian Estrosi (il sindaco di Nizza) ha voluto organizzare un open day il 28 e 29 settembre!Questo luogo storico, ancora in funzione, ha ospitato più di 600 lungometraggi tra cui un gran numero di capolavori della settima arte. Durante i due giorni, i

visitatori hanno potuto scoprire set, laboratori di falegnameria, spazi per le riprese all’aperto frequentati da Brigitte Bardot, Alain Delon, Jean-Paul Belmondo, Abel Gance, Alfred Hitchcock, Jacques Tati, Francois Truffaut.

L’opportunità è stata quella di visitare questi spazi mitici e scoprire due mostre monumentali che hanno reso omaggio ai film Les Enfants du Paradis de Marcel Carné et La Nuit américaine de François Truf-

Grace Kelly e Cary Grant in una scena del capolavoro di Alfred Hitchcock, Caccia al ladro Grace Kelly et Cary Grant dans une scène du chef-d'œuvre d'Alfred Hitchcock, To Catch a Thief

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Brigitte Bardot sul set di E Dio creò la donna di Roger Vadim

LE TAPPE DELLA STORIA

• Marzo 1919: Serge Sandberg

Brigitte Bardot sur le tournage de Et Dieu créa la femme de Roger Vadim

faut. Le riprese dei film sono state raccontate attraverso le fotografie di Léo et Yves Mirkine, fotografi di scena, Momenti intimi e curiosi, incontri e pettegolezzi sulla storia degli studi hanno permesso al pubblico di scoprire le testimonianze inedite di attori e critici di cinema.

Attraverso un tour guidato del patrimonio culturale, i visitatori hanno anche potuto scoprire le iniziative della città della città e il progetto della nuova Victorine, attraverso un Totem appositamente dedicato che ha chiuso il percorso. Grazie alla partnership con AIEN, 6 concerti gratuiti si sono tenuti al Victorine (Plateau 3) con musica da film,

e con appuntamento culminante nel concerto omaggio Francis Lai con Natalie Dessay all’Acropoli il sabato sera.

Nel Plateau 3, uno spazio di proiezioni è stato dedicato alla restituzione delle tante proposte artistiche prodotte da giovani nizzesi in collegamento con associazioni partner della città, così come la proiezione del film La notte Americana. Infine, grazie a una partnership con ESRA, Antoine Raimbault, noto regista, ha sovrainteso le riprese di 10 cortometraggi di studenti realizzati negli studi durante questi due giorni sul tema de La notte americana.• RS

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e Louis Nalpas esplorano il territorio di Nizza e contrattano con Jules Scherrer, che offre loro la sua proprietà di un’ex villa della famiglia Masséna. Nello stesso anno nasce la Fondazione per opera di Gaston Leroux e René Navarre della CinérOmans Society • 1924: Rex Ingram, sostenuto da Metro Goldwyn Mayer, riprende l’attività dopo la crisi del 1923-24.

Il regista americano equipaggia la Victorine con attrezzature moderne.

• 1926: Riprese di Mare Nostrum di Rex Ingram. I Victorine Studios sviluppano un’abilità speciale per film con i battelli • 1930: Sonorizzazione degli studi che dicono addio al cinema muto.

• 1943 - 1944: Riprese nel bel mezzo della guerra del film Figli del Paradiso di Marcel Carné.

• 1951: Riprese di Fanfan La Tulipe di Christian-Jaque.

• 1955: Riprese di La Main au collet di Alfred Hitchcock. Grace Kelly incontrerà il principe Ranieri a margine delle riprese di The Hand at the Collar.

• 1956: Riprese del film Et Dieu créa la femme di Roger Vadim. È al Victorine che il mito Brigitte Bardot nasce.

• 1960: La città di Nizza acquista gli studi e li affitta a SOVIC. è il susseguirsi di diversi affittuari.

• 1963: Riprese di La Baie des Anges di Jacques Demy. Assistente alla regia Costa-Gavras.

• 1970: Un nuovo incendio distrugge tre settori.

• 1973: Riprese de La notte d’America di Francois Truffaut • Novembre 2017: La città di Nizza assume la gestione degli studi.

• 2018: Costituzione del Comitato Victorine Composto da molte personalità del mondo del cinema e dell’audiovisivo, il Comitato Victorine • 2019 - Il progetto di rinnovamento La posizione della Victorine nel cuore della regione meridionale.

Questo progetto di rinnovamento prevede la messa in rete dei principali studi mediterranei da Martigues a Roma, al fine di soddisfare la crescente domanda delle principali piattaforme di streaming.

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95 Per informazioni e acquisto di spazi pubblicitari: riflettorisumagazine@gmail.com

LES LIEUX DU CINÉMA

Études Victorine, le

Hollywood

de la Côte d’Azur

POUR FÊTER LEURS CENT PREMIÈRES ANNÉES, LES CÉLÈBRES STUDIOS NIÇOIS ONT OUVERT LEURS PORTES AU PUBLIC

E

el n 1919, Serge Sandberg et Louis Nalpas décident d’équiper Nice de nouvelles études et de mettre les yeux sur le domaine victorin à l’ouest de la ville. Serge Sandberg fonde la société Ciné-Studio et rachète la propriété en mars 1919. L’objectif est d’importer le modèle américain et de le rejoindre avec l’art Français.

«Nous voulons construire un studio, qui permet le travail des différents réalisateurs ensemble, sans problèmes».

Les attentes sont élevées et la presse accueille avec enthousiasme «le nouveau Los Angeles», le «Hollywood Nizzese», la «Cité du Cinéma». C’est aussi un cinéaste américain, Rex (Rex) Ingram, enfant prodige de Metro Goldwyn Mayer,

qui apporte un second élan pour multiplier le nombre de films et équiper Victorine d’équipements modernes. Rex relance l’activité des studios après la crise de 1923-1924 qui voit Victorine changer de mains à trois reprises, tandis que d’autres studios niçois échouent et ferment leurs portes, incapables de s’adapter à la révolution du cinéma sonore.

Malgré les difficultés rencontrées par certains, en 1930, six études parsèment Nice, reproduisant sur la Français Riviera le même phénomène qui s’était installé dans les collines de Los Angeles, à Hollywood. A la fin de la Seconde Guerre mondiale, contrairement aux Études de Saint Laurent du Var, détruites par l’aviation alliée, Victorine

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est la seule étude sur la Côte d’Azur Français à avoir survécu à la tragédie.

UNE USINE DE GRANDES ŒUVRES... ET DES RÉUNION Victorine faisait alors partie de cette «Usine» de Nice, qui a vu fleurir une prodigieuse filmographie dans un siècle où se trouvent de véritables pépites qui ont marqué l’histoire du cinéma. Pour n’en citer qu’un seul depuis une décennie, on se souvient de La Montée vers l’Acropole (René Le Somptier, 1920), Shéhérazade (Alexandre Volkoff, 1927), Les Pirates du rail (Christian-Jaque, 1937), Les Enfants du paradis (Marcel Carné, 1945), Le Mystère Picasso (Henri-Georges Clouzot, 1955), Lady L. (Pe-

de Daniele Colzani

ter Ustinov, 1964), La Nuit américaine (François Truffaut, 1972), Le Diamant du Nil (Lewis Teague, 1985), À propos de Nice, la suite (Collectif, 1994), Les Vacances de Mr.Bean (Steve Bendelack, 2006), Magic in the Moonlight (Woody Allen, 2013).

Les études se présentent aussi comme un lieu de rencontres décisives: c’est en elles que Rex Ingram s’installe avec sa femme Alice Terry, héroïne de Mare Nostrum. C’est aussi là que Grace Kelly rencontre le prince Rainier, pendant le tournage de La Main du Collet d’Alfredo Hitchcock. C’est dans les studios Victorine, Enfin, que Brigitte Bardot danse devant la caméra de Roger Vadim dans E Dio créé la Femme.

Richard Burton et Liz Taylor se sont également rencontrés pendant le tournage de Des Comédiens de Peter Glenville, adapté d’un roman de Graham Green (plus tard installé à Antibes en 1966).

Aujourd’hui située au cœur de la métropole niçoise, à moins d’un kilomètre du deuxième aéroport de France, la ville de Nice a pour mission de stimuler

Richard Burton e Liz Taylor sul set de I commedianti di Peter Glenville Richard Burton et Liz Taylor sur le tournage de Les comédiens de Peter Glenville

la renaissance de Victorine, à travers de nouvelles rencontres, exactement un siècle après la fondation des études, en pleine révolution numérique.

PORTES OUVERTES POUR CÉLÉBRER 100 ANS A l’occasion du centenaire des études de Victorine, Christian Estrosi (le maire de Nice) a souhaité organiser une journée portes ouvertes les 28 et 29 septembre ! Ce lieu historique,

toujours en activité, a accueilli plus de 600 longs métrages dont un grand nombre de chefs-d’œuvre du septième art.

Pendant deux jours, les visiteurs ont pu découvrir décors, ateliers de menuiserie, espaces de tournage extérieurs fréquentés par Brigitte Bardot, Alain Delon, Jean-Paul Belmondo, Abel Gance, Alfred Hitchcock, Jacques Tati, François Truffaut.

L’occasion était de visiter ces espaces mythiques et de

IL SITO / LE SITE WEB

Inquadra il QRcode e visita il sito degli Studios Victorine Encadrez le QRcode et visitez le site web de le Studios de la Victorine

Studios restaurant Salle Galion

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découvrir deux expositions monumentales qui rendent hommage aux films Les Enfants du Paradis de Marcel Carné et La Nuit américaine de François Truffaut.

Le tournage des films a été raconté à travers des photographies de Léo et Yves Mirkine, des photographes de scène, des moments intimes et curieux, des rencontres et des ragots sur l’histoire des studios qui ont permis au public de découvrir les témoignages inédits d’acteurs et de critiques de cinéma. Grâce à une visite guidée du patrimoine culturel, les visiteurs ont également pu découvrir les initiatives de la ville et le projet de la nouvelle Victorine, à travers un Totem spécialement dédié qui a clôturé le parcours.

Grâce au partenariat avec l’AIEN, 6 concerts gratuits ont eu lieu à Victorine (Plateau 3) avec de la musique de film, et avec un point culminant culminant dans le concert hommage francis lai avec Natalie Dessay à l’Acropole le samedi soir.

Sur le Plateau 3, un espace de projection a été consacré au retour des nombreuses propositions artistiques produites

LES ÉTAPES DE L’HISTOIRE

• Mars 1919 : Serge Sandberg et Louis Nalpas explorent le territoire niçois et négocient avec Jules Scherrer, qui leur offre sa propriété d’une ancienne Villa de la famille Masséna. La même année, la Fondation a été fondée par Gaston Leroux et René Navarre de la Société CinérOmans • 1924 : Rex Ingram, soutenu par Metro Goldwyn Mayer, reprend ses activités après la crise de 1923-1924. Le réalisateur américain équipe victorine d’équipements modernes.

• 1926 : Tournage de Mare Nostrum par Rex Ingram. Victorine Studios développe des compétences particulières pour les films nautiques • 1930 : Sonorisation des studios qui disent adieu au cinéma muet. • • 1943-1944 : Tournage en pleine guerre du film Sons of Paradise de Marcel Carné.

• 1951: Tournage de Fanfan La Tulipe de Christian-Jaque.

• 1955: Tournage de La Main au collet d’Alfred Hitchcock. Grace Kelly rencontrera le prince Ranieri en marge du tournage de The Hand at the Collar. Tournage du Mystère de Picasso d’Henri-Georges Clouzot.

• 1956 : Tournage du film E Dio... créé la femme de Roger Vadim. C’est à Victorine que le mythe Brigitte Bardot est né.

• 1960 : La ville de Nice achète les studios et les loue à SOVIC. est la succession de différents locataires. • 1963 : Tournage de La Baie des Anges de Jacques Demy.

Assistant réalisateur Costa-Gavras.

• 1970 : Un nouvel incendie détruit trois secteurs.

• 1973 : Tournage de La Nuit de l’Amérique de François Truffau • Novembre 2017 : La ville de Nice reprend la gestion des studios.

• 2018 : Constitution du Comité Victorine Composé de nombreuses personnalités du monde du cinéma et de l’audiovisuel, le Comité Victorine • 2019 - Le projet de rénovation L’emplacement de Victorine au cœur de la région sud. Ce projet de rénovation implique la mise en réseau des principaux studios méditerranéens de Martigues à Rome, afin de répondre à la demande croissante des principales plateformes de streaming.

par les jeunes en lien avec les associations partenaires de la ville, ainsi qu’à la projection du film La Nuit américaine. Enfin, grâce à un partenariat avec l’ESRA, Antoine Raimbault,

Maya e Pablo Picasso sul set de Il mistero Picasso Maya et Pablo Picasso sur le plateau de Le Mystère Picasso

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un réalisateur bien connu, a supervisé le tournage de 10 courts métrages réalisés par des étudiants dans les studios au cours de ces deux jours sur le thème de La Nuit américaine. • RS

99le qrcode et lisez le guide Inquadra il qrcode e leggi la guida / Encadrez

FESTIVAL

Artisti e cineasti insieme

per esplorare la creatività

L’ACCADEMIA DI FRANCIA A ROMA – VILLA MEDICI LANCIA IL FESTIVAL DI FILM DI VILLA MEDICI CINEMA E ARTE CONTEMPORANEA

L'

’Accademia di Francia a Roma e il suo direttore Sam Stourdzé danno avvio al Festival di Film di Villa Medici, nuovo festival di cinema dedicato agli artisti e ai cineasti che esplorano le pratiche contemporanee dell’immagine in movimento. La prima edizione si terrà a Roma, a Villa Medici, da mercoledì 15 a domenica 19 settembre 2021.

Da oltre un decennio, i contatti tra cinema e arte contemporanea non cessano di intensificarsi e di stimolare nuove scritture cinematografiche. Il ruolo di Villa Medici è di fare dialogare le arti e di esplorare questi nuovi territori della creatività. Il festival metterà in mostra film che inventano una propria forma e che incarnano una libertà di pensiero, di ricerca e di condivisione come tanti

sguardi personali sul mondo.

Saranno presentati in competizione internazionale circa quindici film, di ogni formato e genere (documentario, fiction, saggio), realizzati nel 2020 o nel 2021. Saranno assegnati due premi da una giuria nominata annualmente: il Premio Villa Medici del miglior film e il Premio della Giuria per un film particolare che ha attirato l’attenzione della giuria. Questi premi, in denaro, offriranno inoltre l’opportunità ai due autori o autrici di svolgere una residenza di scrittura cinematografica a Villa Medici.

Per cinque giorni questo nuovo festival presenterà inoltre proiezioni serali all’aperto nei giardini della Villa, performances e installazioni, focus su cineasti o artisti affermati, cartes blanches alle istituzioni che

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difendono la creazione contemporanea, incontri sui film proiettati, ma anche su tematiche relative alla produzione e alla diffusione, riunendo programmatori, curatori, galleristi e collezionisti.

Il festival si svolgerà negli spazi di Villa Medici con due sale interne, un cinema all’aperto, delle installazioni e dei luoghi di incontro, per fare di questo sito straordinario di Roma una vetrina dedicata al cinema.

Il suo coinvolgimento all’interno del territorio culturale italiano si concretizzerà, in uno spirito di collaborazione, in partenariati con le principali istituzioni come il Romaeuropa Festival, la Fondazione Cinema per Roma e il MAXXI. La pandemia ha immerso nel buio gli schermi di tutto il mon-

di SIlvia Arosio

do per molti mesi; il prossimo settembre, a Villa Medici, ripartiremo alla ricerca di nuove narrazioni, quelle che favoriscono ancora e sempre la poetica delle immagini.

L’ÉQUIPE DEL FESTIVAL • Olivia Cooper-Hadjian (Comitato di selezione) è coordinatrice della selezione al festival Cinéma du Réel di Parigi. È co-programmatrice della sezione “Saggi” della piattaforma Tënk. È inoltre critica e membro del comitato di redazione dei Cahiers du cinéma.

• Arthur Godard-Saulgeot (Comitato di organizzazione) è referente per la programmazione culturale e la produzione di Villa Medici. Si interessa dei legami artistici che uniscono la Francia e l’Italia nonché del ruolo specifico che ricoprono le residenze d’artista nel processo di creazione.

• Hou Hanru (Comitato di selezione) è un autore prolifico e curatore di mostre con sede a Roma, Parigi e San Francisco.

Attualmente è Direttore artistico del MAXXI (Museo nazionale delle arti del XXI secolo) a Roma.

• Lili Hinstin (Comitato di organizzazione & Comitato di selezione) è programmatrice e direttrice artistica. Referente della sezione cinema di Villa Medici fra il 2005 e il 2009, diventa direttrice artistica aggiunta del festival Cinéma du Réel dal 2010 al 2013. Lili

Hinstin assume in seguito la direzione artistica del Festival di Film di Belfort (2013 – 2018), poi del Festival Internazionale di Locarno (2018 – 2020).

• Evelyne Jouanno (Comitato di selezione) è curatrice di mostre e ricercatrice in arte contemporanea con sede a Roma, Parigi e San Francisco. Il suo lavoro si concentra sul ruolo dell’arte come strumento di ristrutturazione istituzionale e di trasformazione sociale.

• Laurent Perreau (Comitato di organizzazione) è autore e regista per il cinema e la televisione, ed è inoltre autore di scenografie di immagini nell’ambito del festival di fotografia Les Rencontres d’Arles.

• Sam Stourdzé (Comitato di organizzazione) è specialista delle immagini e delle relazioni fra arte, fotografia e cinema. È curatore di numerose mostre e autore di varie opere di riferimento. Dal 2020 è direttore dell’Accademia di Francia a Roma - Villa Medici.

• Véronique Terrier Hermann (Comitato di organizzazione) è insegnante e responsabile del programma di sostegno alla ricerca (Belle Arti di Nantes, Istituto per la Fotografia di Lille). In particolare, ha co-diretto Jeux sérieux. Cinéma et art contemporain transforment l’essai, edizione Head/Mamco, Ginevra, 2015.

L’ACCADEMIA DI FRANCIA A ROMA – VILLA MEDICI Fondata nel 1666 da Luigi XIV, l’Accademia di Francia a Roma – Villa Medici è un’istituzione culturale francese avente sede dal 1803 a Villa Medici, villa del XVI secolo circondata da un parco di sette ettari e situata sulla collina del Pincio, nel cuore di Roma. Ente pubblico dipendente dal ministero della Cultura francese, l’Accademia di Francia a Roma – Villa Medici svolge tre missioni

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complementari: ospitare artisti e artiste, creatori e creatrici, storici e storiche dell’arte di alto livello in residenza annuale o per soggiorni più brevi; realizzare un programma culturale ed artistico che interessa tutti i campi dell’arte e della creazione e che si rivolge ad un vasto pubblico; conservare, restaurare, studiare e far conoscere al pubblico il proprio patrimonio architettonico e paesaggistico e le proprie collezioni.

IL CINEMA A VILLA MEDICI Dal 1974, l’Accademia di Francia a Roma - Villa Medici accoglie fra i propri borsisti cineasti o sceneggiatori (Clément Cogitore, Mitra Farahani, Benjamin Crotty, Thomas Salvador, Nora Martirosyan, Xavier Beauvois, Rémy Belvaux...) e artisti che realizzano film di corto e lungo metraggio (Éric Baudelaire, Valérie Mréjen, Lola Gonzàlez).

A partire dai primi anni Duemila, Villa Medici valorizza la creazione cinematografica e la sua storia attraverso delle iniziative di programmazione quali Cinemondo, Re | visioni o Cinema all’aperto. • RS

IL SITO LE SITE WEB

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FESTIVAL

Artistes et cinéastes ensemble pour explorer la créativité

L’ACADÉMIE DE FRANCE À ROME – VILLA MÉDICIS LANCE LE FESTIVAL DE FILM DE LA VILLA MÉDICIS CINÉMA ET ART CONTEMPORAIN

L'

Académie de France à Rome et son directeur Sam Stourdzé lancent le Festival de film de la Villa Médicis, nouveau festival de cinéma dédié aux artistes et aux cinéastes qui explorent les pratiques contemporaines de l’image en mouvement. La première édition se tiendra à Rome, à la Villa Médicis, du mercredi 15 au dimanche 19 septembre 2021.

Depuis plus d’une dizaine d’années, les liens entre cinéma et art contemporain ne cessent de s’intensifier et d’engendrer de nouvelles écritures filmiques.

La vocation de la Villa Médicis est de faire dialoguer les arts et de défricher ces nouvelles zones de création. Ce festival donnera à voir des films qui inventent leur propre forme et incarnent une liberté de penser, de chercher et de partager autant de regards sur le

monde. La compétition internationale présentera une quinzaine de films, de toutes durées et genres confondus (documentaire, fiction, essai), réalisés en 2020 ou 2021. Deux prix seront décernés par un jury nommé chaque année : le Prix Villa Médicis du meilleur film et le Prix du Jury pour un film singulier ayant retenu l’attention des jurés. Ces prix, dotés, offriront aussi l’opportunité aux deux auteurs ou autrices d’effectuer une résidence d’écriture à la Villa Médicis.

Pendant cinq jours, ce nouveau festival présentera également des séances en plein air le soir dans les jardins de la Villa, des performances et des installations, différents focus sur des cinéastes ou des artistes confirmés, des cartes blanches à des institutions défendant la création contemporaine, des rencontres autour des

films projetés, mais aussi sur les conditions de production et de diffusion, rassemblant programmateurs, curateurs, galeristes, et collectionneurs.

Le festival se déploiera dans les espaces de la Villa, deux salles en intérieur, un cinéma en plein air, des installations, des lieux de rencontres, pour faire de ce site remarquable à Rome un écrin dédié au cinéma. Son inscription dans le territoire culturel italien se matérialisera, dans un esprit de collaboration, par des partenariats avec les institutions incontournables que sont le festival Romaeuropa, la Fondazione Cinema per Roma et le MAXXI. La pandémie a plongé dans l’obscurité les écrans du monde entier durant de longs mois ; en septembre prochain, à la Villa Médicis, nous repartons en quête de nouveaux récits, ceux qui privilégient encore et toujours la poétique des images.

L’ÉQUIPE DU FESTIVAL • Olivia Cooper-Hadjian (Comité de sélection) est coordinatrice de la sélection au festival Cinéma du Réel à Paris. Elle coprogramme la plage «Essais» de la plateforme Tënk. Elle est également critique et membre du comité de rédaction des Cahiers du cinéma.

• Arthur Godard-Saulgeot (Comité d’organisation) est chargé de la programmation culturelle et de la production de la Villa Médicis.

Il s’intéresse aux liens artistiques unissant la France et l’Italie ainsi qu’au rôle spécifique qu’occupent les résidences dans les processus de création.

102

de SIlvia Arosio

• Hou Hanru (Comité de sélection) est un auteur prolifique et un commissaire d’exposition établi à Rome, Paris et San Francisco. Il est actuellement le Directeur artistique du MAXXI (Musée national des Arts du XXIe siècle), Rome, Italie.

Lili Hinstin (Comité d’organisation & Comité de sélection) est programmatrice et directrice artistique. Chargée du cinéma à la Villa Médicis entre 2005 et 2009, elle devient directrice artistique adjointe du Cinéma du Réel de 2010 à 2013. Lili Hinstin assure ensuite la direction artistique du Festival du Film de Belfort (2013 – 2018), puis du Festival International de Locarno (2018 – 2020).

• Evelyne Jouanno (Comité de sélection) est commissaire d’exposition et chercheuse en art contemporain établie à Rome, Paris et San Francisco. Son travail se concentre sur la place de l’art comme appareil de restructuration institutionnelle et de transformation sociale.

• Laurent Perreau (Comité d’organisation) est auteur et réalisateur pour le cinéma et la télévision, et met aussi des images en scène dans le cadre des Rencontres d’Arles.

• Sam Stourdzé (Comité d’organisation) est spécialiste des

images et des relations entre art, photographie et cinéma. Il est commissaire de nombreuses expositions et auteur de plusieurs ouvrages de référence. Depuis 2020, il est directeur de l’Académie de France à Rome - Villa Médicis.

• Véronique Terrier Hermann (Comité d’organisation) est enseignante et responsable de programme de soutien à la recherche (Beaux-arts de Nantes, Institut pour la photographie, Lille). Elle a notamment co-dirigé Jeux sérieux, cinéma et art contemporains transforment l’essai, Head/Mamco, 2015. À PROPOS DE L’ACADÉMIE DE FRANCE À ROME – VILLA MÉDICIS Fondée en 1666 par Louis XIV, l’Académie de France à Rome – Villa Médicis est un établissement français installé depuis 1803 à la Villa Médicis, villa du XVIe siècle entourée d’un parc de sept hectares et située sur le mont Pincio, au cœur de Rome. Établissement public national relevant du ministère de la Culture, l’Académie de France à Rome – Villa Médicis rem-

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plit aujourd’hui trois missions complémentaires: accueillir des artistes, créateurs et créatrices, historiens et historiennes de l’art de haut niveau en résidence pour des séjours longs d’une durée d’un an ou des séjours plus courts ; mettre en place une programmation culturelle et artistique qui intègre tous les champs des arts et de la création et qui s’adresse à un large public ; conserver, restaurer, étudier et faire connaître au public son patrimoine bâti et paysager ainsi que ses collections.

LE CINÉMA À LA VILLA MÉDICIS Depuis 1974, l’Académie de France à Rome accueille des pensionnaires cinéastes ou scénaristes (Clément Cogitore, Mitra Farahani, Benjamin Crotty, Thomas Salvador, Nora Martirosyan, Xavier Beauvois, Rémy Belvaux...) et des artistes réalisant des films de court et long métrage (Éric Baudelaire, Valérie Mréjen, Lola Gonzàlez).

La Villa Médicis met en valeur depuis le début des années 2000 la création cinématographique et son histoire, avec des programmations telles que Cinemondo, Re | visioni ou Cinema all’aperto. • RS

LUOGHI DA FAVOLA

Hotel

Negresco:

il palazzo inaspettato

UN VIAGGIO (VIRTUALE) ALLA SCOPERTA DEL PIÙ ICONICO E FAMOSO HOTEL DELLA COSTA AZZURRA

C

ome una felice sorpresa rinnovata senza soluzione di continuità, il Negresco scrive giorno dopo giorno la leggenda di Nizza e della Costa Azzurra da oltre un secolo.

LA PAZZA IDEA DI UN "HOTEL DA RICCHI" Henri Négresco, all'anagrafe Alexandru Negrescu, figlio di un oste, lavorò in gioventù come pasticciere presso la Casa Capsa a Bucarest. Lasciò la Romania e si trasferì prima a Parigi, poi a Monte Carlo e infine a Nizza: in questo periodo studiò e lavorò come maggiordomo per diverse famiglie, tra cui anche i Rockfeller, come maître d'albergo, per divenire poi direttore del Casinò municipale di Nizza. Ebbe l'idea di costruire un albergo di lusso che potesse attirare i clienti più facoltosi: ottenuti i finanziamenti, grazie anche all'interesse di alcuni magnati del settore automobilistico come De Dion-Bou-

ton e Pierre Alexandre Darracq, assunse l'architetto Édouard Niermans.

L'albergo venne inaugurato il 4 gennaio 1913: fu edificato su un terreno di circa 6 500 metri quadrati nei pressi di Villa Messéna ed era ispirato nelle forme al Grand Hotel di Madrid. Simbolo dell'albergo divenne la sua cupola tinteggiata in rosa: contava circa 450 camere arredate con mobili di Paul Dumas, era dotato di interruttori elettrici e aspirapolvere e possedeva una sala ellittica in stile Luigi XVI, pavimentata con marmo di Carrara, un tappeto dal costo di oltre 300 mila franchi e un lampadario prodotto dalla Baccarat composto da 16 800 cristalli, commissionato inizialmen- te dallo zar Nicola II di Rus-

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sia, a cui dovette rinunciare a causa della rivoluzione d'ottobre.

Nei primi periodi di attività ebbe un profitto semestrale di oltre 200 mila franchi. Durante la prima guerra mondiale l'albergo fu trasformato in un ospedale: al termine del conflitto, il basso numero di turisti che frequentavano la Costa Azzurra, sommati agli ingenti lavori per ripristinare la struttura, portarono Henri Négresco alla bancarotta e l'albergo venne venduto ad una società belga.

N e l

di Daniele Colzani

1928 fu tra i membri fondatori dell'associazione The Luxury Hotels of Europe and Egypt, divenuta poi The Leading Hotels of the World. Nel 1957, l'hotel fu acquistato da Jean-Baptiste Mesnage, la cui moglie aveva da poco subito un intervento chirurgico ed era costretta su una sedia a rotelle: all'epoca il Négresco era l'unico hotel a disporre di un ascensore.

Me-

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snage affidò l'albergo a sua figlia Jeanne, la quale aveva sposato Paul Augier, un avvocato e politico di Nizza.

L’ARTE IN TUTTI I SUOI STATI Soggiornare al Negresco significa immergersi in una gioiosa miscela di epoche e di stili.

Artisti contemporanei, quadri di maestri, sculture monumentali: la sua identità forte, il Negresco, la deve in effetti a un’importante collezione di opere d’arte e di arredamento d’epoca composta da

più di 6.000 articoli.

Dai saloni dedicati a Luigi XVI° o a Napoleone III° fino alle camere veneziane o “street art”, passerete dalle sorprese alle scoperte percorrendo una selezione unica di opere d’arte francesi dal XVII° secolo fino ai giorni nostri. I nuovi proprietari iniziarono ad arricchirlo con numerose opere d'arte, arrivando ad ospitarne circa 6 000, tra cui la Nana Jaune di Niki de Saint Phalle, ritratti di monarchi come quello di Luigi XIV, dipinto da Hyacinthe Rigaud, Luigi XV, Napoleone III e quello dell'Imperatrice Eugenia, numerosi busti tra cui quello della regina Maria Antonietta, la scultura Le Chat di Cyril de La Patellière, un'opera di Sacha Sosno, dipinti di Victor Vasarely, la più grande collezione privata di manifesti di René Gruau, un camino monumentale proviene dal castello di Haute-

fort e il soffitto a cassettoni del XVIII secolo proveniente dal castello di Miolans a Saint-Pierre-d'Albigny. Inoltre Jeanne Augier acquistò, presso i negozi di antiquariato, mobili per arredare i salotti, le 21 suite e le 96 camere.

Nel 2003, l'Hôtel Negresco venne nominato dal governo francese monumento storico.

Dal 4 gennaio al 1º luglio 2010 fu chiuso per lavori di ristrutturazione in vista dei festeggiamenti del centenario: il quinto piano venne completamente rinnovato, diventando interamente privato, dotato di un ascensore diretto, nove suite, un bar e sala da pranzo.

Jeanne Augier, morta senza discendenti nel 2019, decise di lasciare il Negresco e la sua eredità alla fondazione Mesnage-Augier-Negresco, il cui statuto fu depositato in prefettura il 17 aprile 2009: la fondazione concentra la sua attività sulla difesa degli animali, sull'assistenza alle persone disabili e alla conservazione del patrimonio culturale francese, in particolar modo quella del Négresco e delle sua collezioni.

Salon Versailles

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IL SITO LE SITE WEB

Inquadra il QRcode e visita il sito dell' Hotel Negresco Encadrez le QRcode et visitez le site de l'Hôtel Negresco

Jr Suite Pompadour

© Servizio fotografico di Gregiore Gardette

L'ACCOGLIENZA E LA RISTORAZIONE Suite Impero o design contemporaneo? Street art o letto a baldacchino? Il connubio fra antico e contemporaneo: ecco il tratto distintivo del Negresco. Arredate con mobili e quadri d’epoca, tutte le 100 camere e le 25 suite vi raccontano una storia, quella delle grandi epoche dell’arte francese. Al Negresco il lusso e la grande storia vi danno appuntamento per farvi vivere un’esperienza unica al mondo.

Scoprite un mondo leggendario con le suite Lusso del Negresco, rifugio dei più grandi artisti del secolo scorso. Lussuose, spaziose e raffinate, le suite vi offrono una magnifica vista e una comodità impareggiabile.

Le junior suite e suite d’Eccezione vi fanno viaggiare attraverso le epoche all’insegna della raffinatezza con la R maiuscola.

In stile Luigi XV°, Impero o Riviera francese, vi permettono di beneficiare del top dell’eleganza in un contesto eccezionale, aperto sulla baia degli Angeli. Annidata in modo straordinario sotto alla cupola dell’hotel, la Suite degli Angeli è la quintessenza di ciò che il Negresco può offrirvi.

L'Hôtel Negresco dispone inoltre di un salone di bellezza, una palestra, una spiaggia privata e una boutique di lusso. Ha anche un proprio studio di arte che impiega un restauratore, un marmista, un tappezziere e due ebanisti dell'École Boulle. Nell'albergo non è presente una spa o una piscina, ma accetta animali: particolare il caso quando Salvador Dalì fu ospitato insieme al suo ghepardo. Caratteristico e iconico è l'abbigliamento dei suoi portieri, tipico del personale dell'alta borghesia del XVIII secolo.

All'interno dell'albergo si trova il ristorante Le Chantecler (due stelle nella Guida Michelin) che rivisita con abilità i codici della grande gastronomia conferendo loro un tocco di leggerezza e sincerità. Propone un talentuoso omaggio ai prodotti della regione. Anche il servizio

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al tavolo gode di un'ottima reputazione. Discreto - sa anche trasformarsi in spettacolo con i momenti del “flambage” o del taglio in sala, secondo la grande tradizione della buona tavola. Con le sue sontuose finiture in legno realizzate nel 1751, Le Chantecler offre un arredamento in stile XVIII° secolo al tempo stesso delicato e sfarzoso per le vostre cene eccezionali.

Tutta nuova, tutta bella, con i suoi colori oro e bianco, La Rotonde è l'espressione stessa della Riviera - versione chic e rilassata. Questa grande brasserie è un'autentica istituzione cara agli abitanti di Nizza. Il suo nuovo look mantiene l'atmosfera calorosa già nota con un nuovo piccolo tocco "glamour"... decisamente in stile Negresco. I graziosi cavalli della giostra offrono al tutto un tocco simpatico e leggero al tempo stesso. • RS

CONTES DE FÉES

Hôtel Negresco:

le palais inattendu

UN VOYAGE (VIRTUEL) POUR DÉCOUVRIR LES PLUS EMBLÉMATIQUES ET CÉLÈBRE HÔTEL SUR LA CÔTE D'AZUR

C

omme une surprise heureuse et sans faille renouvelée, le Negresco écrit la légende de Nice et de la Français Riviera jour après jour depuis plus d’un siècle.

Monte Carlo et enfin à Nice : pendant ce temps, il étudie et travaille comme majordome pour plusieurs familles, dont les Rockfellers, comme maître d’hôtel, puis devient directeur du Casino municipal de Nice. Il a eu l’idée de construire un hôtel de luxe

L’IDÉE FOLLE D’UN « HÔTELS RICHES » Henri Négresco, né Alexandru Negrescu, fils d’un aubergiste, a travaillé dans sa jeunesse comme chef pâtissier à la Casa Capsa de Bucarest. Il quitte la Roumanie et s’installe d’abord à Paris, puis à

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de Daniele Colzani

qui pourrait attirer les clients les plus riches : il a obtenu le financement, grâce aussi à l’intérêt de certains magnats de l’automobile comme De Dion-Bouton et Pierre Alexandre Darracq, a embauché l’architecte Édouard Niermans.

L’hôtel a été inauguré le 4 janvier 1913 : il a été construit sur un terrain d’environ 6500 mètres carrés près de la Villa Messéna et a été inspiré en forme au Grand Hôtel de Madrid.

Symbole de l’hôtel est devenu son dôme teinte de rose: il

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avait environ 450 chambres meublées avec des meubles par Paul Dumas, il a été équipé d’interrupteurs électriques et aspirateurs et avait une chambre elliptique dans le style Louis XVI, pavée de marbre de Carrare, un tapis coûtant plus de 300 mille francs et un lustre produit par Baccarat composé de 16 800 cristaux, initialement commandé par le tsar Nicolas II de Russie , qu’il a dû abandonner à cause de la révolution d’octobre.

Dans les premières périodes d’activité, il a eu un bénéfice semestre de plus de 200 mille francs. Pendant la Première Guerre mondiale, l’hôtel a été transformé en hôpital : à la fin de la guerre, le faible nombre de touristes fréquentant la Français Riviera, combiné à d’importants travaux de restauration de la structure, a conduit Henri Négresco à faire

faillite et l’hôtel a été vendu à une entreprise belge. En 1928, il a été l’un des membres fondateurs de The Luxury Hotels of Europe and Egypt, qui est devenu plus tard The Leading Hotels of the World. En 1957, l’hôtel a été acheté par Jean-Baptiste Mesnage, dont la femme venait de subir une intervention chirurgicale et a été forcée dans un fauteuil roulant: à l’époque, le Négresco était le seul hôtel à avoir un ascenseur. Mesnage confie l’hôtel à sa fille Jeanne, qui avait épousé Paul Augier, avocat et homme politique niçois.

L’ART DANS TOUS SES ÉTATS Séjourner au Negresco, c’est s’immerger dans un joyeux mélange d’époques et de styles. Artistes contemporains, peintures de maîtres, sculptures monumentales : sa forte identité, le Negresco, le doit en effet à une importante collection d’œuvres d’art et de meubles d’époque composée de plus de 6 000 objets. Des salons dédiés à Louis XVI° ou Napoléon III° aux salles vénitiennes ou au street art, vous passerez des surprises aux découvertes le long d’une sélection unique d’œuvres d’art Français du XVIIe siècle à nos jours. Les nouve-

Suite Marie Antoinette

aux propriétaires commencent à l’enrichir de nombreuses œuvres d’art, en accueillant environ 6 000 d’entre elles, dont Nana Jaune de Niki de Saint Phalle, des portraits de monarques comme celui de Louis XIV, peint par Hyacinthe Rigaud, Louis XV, Napoléon III et l’impératrice Eugénie, de nombreux bustes dont celui de la reine Marie Antoinette, la Sculpture Le Chat de Cyril de La Patellière. , une œuvre de Sacha Sosno, des peintures de Victor Vasarely, la plus grande collection privée

© Gregiore Gardette (2)

Suite 214-215

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d’affiches de René Gruau, une cheminée monumentale provient du château de Hautefort et le plafond à coffres du XVIIIe siècle du château de Miolans à Saint-Pierre-d’Albigny. Jeanne Augier a également acheté des meubles dans des antiquaires pour meubler les salons, 21 suites et 96 chambres.

En 2003, l’Hôtel Negresco a été nommé par le gouvernement Français monument historique.

Du 4 janvier au 1er juillet 2010, il a été fermé pour rénovation en vue des célébrations du centenaire : le cinquième étage a été entièrement rénové, devenant entièrement privé, équipé d’un ascenseur direct, de neuf suites, d’un bar et d’une salle à manger.

Jeanne Augier, décédée sans descendants en 2019, a décidé de laisser le negresco et son héritage à la Fondation Mesnage-Augier-Negresco, dont les statuts ont été déposés en préfecture le 17 avril 2009 : la fondation concentre son activité sur la défense des animaux, l’aide aux personnes handicapées et la préservation du patrimoine culturel Français, notamment celui du Négresco et de ses collections.

peut vous offrir. L’Hôtel Negresco dispose également d’un salon de beauté, d’une salle de sport, d’une plage privée et d’une boutique de luxe. Elle dispose également de son propre atelier d’art employant un restaurateur, un marmiste, un tapissier et deux ébénistes de l’École Boulle.

Il n’y a pas de spa ou de piscine dans l’hôtel, mais accepte les animaux, surtout quand Salvador Dali a été logé avec son guépard.

Caractéristique et emblématique est l’habillement de ses gardiens de but, typique du personnel de Le Chantecler

© Anthony Lanneretonne

LA RÉCEPTION ET RESTAURATION Suite Empire ou design contemporain? Street art ou lit à baldaquin? La combinaison de l’ancien et contemporain: voici la particularité de Negresco. Meublées de meubles et de peintures anciens, les 100 chambres et 25 suites vous racontent une histoire, celle des grandes époques de l’art Français. Chez Negresco luxe et grande histoire vous donner un rendez-vous pour vous faire vivre une expérience unique dans le monde.

Découvrez un monde légendaire avec les suites Lusso del Negresco, un refuge pour les plus grands artistes du siècle dernier. Luxueuses, spacieuses et raffinées, les suites vous offrent une vue magnifique et un confort inégalé. Les suites et suites juniors exceptionnelles vous font voyager à travers les époques de sophistication avec un R majuscule. Dans le style Louis XV°, Empire ou Riviera Français, ils vous permettent de profiter du haut de l’élégance dans un cadre exceptionnel, ouvert sur la Baie des Anges. Magnifiquement annihilée sous le dôme de l’hôtel, la Suite des anges est la quintessence de ce que le Negresco

la haute bourgeoisie du 18ème siècle. A l’intérieur de l’hôtel se trouve le restaurant Le Chantecler (deux étoiles dans le Guide Michelin) qui revisite avec déraillé les codes de la grande gastronomie en leur donnant une touche de légèreté et de sincérité.

Il offre un hommage talentueux aux produits de la région. Le service de table jouit également d’une grande réputation. Discret - il sait aussi se transformer en spectacle avec les moments de flambage ou de coupe dans la salle, selon la grande tradition de la bonne nourriture. Avec ses somptueuses finitions en bois réalisées en 1751, Le Chantecler propose un décor de style XVIIIe siècle à la fois délicat et fastueux pour vos dîners d’exception.

Toute nouvelle, toute belle, avec ses couleurs or et blanc, La Rotonde est l’expression même de la Riviera - version chic et décontractée. Cette grande brasserie est une authentique institution chère aux niçois. Son nouveau look garde l’ambiance chaleureuse déjà connue avec une nouvelle petite touche « glamour »... certainement dans le style Negresco. Les jolis chevaux du carrousel offrent une touche agréable et légère à la fois. • RS

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APPUNTAMENTI

La magia e la bellezza

del Festival dei Giardini

© Camille MOIRENC - Cannes

UN'ESPERIENZA DA SOGNO, SULLE RIVE DEL MEDITERRANEO, LUNGO I SENTIERI PROFUMATI DELLA COSTA AZZURRA

I

l Festival des Jardins de la Côte d'Azur vi regalerà un'esperienza onirica, sulle rive del Mediterraneo, lungo i profumati sentieri della Costa Azzurra. Le Alpi Marittime ospitano tesori turistici di fama mondiale. I suoi paesaggi aspri, lungo la costa, offrono panorami sublimi dove splendidi palazzi belle Époque e giardini lussureggianti si sfregano sulle spalle.

Apprezzato per il clima mite, rinomato per la sua costa e la sua arte di vivere, il dipartimento delle Alpi Marittime è anche una terra di scelta di fiori con un know-how di fama mondiale riguardante il fiore di profumo (Grasse) ma anche

nell'arte dei giardini con oltre 75 giardini, tra cui 14 etichettati "Garden Remarkable" (3° dipartimento di Francia in questa zona).

Che si tratti di testimoni viventi di un ricco passato o immaginati da designer contemporanei, i giardini della Costa Azzurra offrono magnifiche prospettive e angoli di paradiso che incantano visitatori e turisti. Il Dipartimento è lieto di poter mantenere questa edizione, che si svolgerà dal 9 maggio al 9 giugno 2021.

IL PROGETTO E GLI OBIETTIVI Un concorso internazionale di creazioni paesaggistiche

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naturali, in mostra nei giardini pubblici delle Alpi Marittime e del Principato di Monaco per: • evidenziare il patrimonio culturale della Costa Azzurra scoprendo i giardini, la flora e le piante tipiche del clima mediterraneo; • rendere le Alpi Marittime una delle principali destinazioni per il turismo legato ai giardini; • introdurre un vasto pubblico al know-how dei professionisti del paesaggio e dell'orticoltura, settori di primo piano nella zona; • sensibilizzare l'opinione pubblica sulla gestione di questo tipo di patrimonio e sulle

di Daniele Colzani

IL SITO LE SITE WEB

buone pratiche che rispettano l'ambiente.

UN FESTIVAL GRATUITO APERTO A TUTTO IL PUBBLICO È destinato a visitatori, amanti della natura e dei giardini, appassionati botanici, studenti in scuole di agraria, architettura, design o orticoltura, artisti e professionisti del settore.

Inquadra il QRcode e visita il sito del Festival dei Giardini Encadrez le QRcode et visitez le site de le Festival des Jardins

UNA PROMOZIONE PER LA COSTA AZZURRA Oltre al suo successo popolare, il Garden Festival ha un grande impatto mediatico.

Nel 2019 sono stati accolti 50 giornalisti e circa 30 media in-

Where the plants tell the tales Nice - Andrea Russo, Vincenzo Nardi

Le jardin de l'Orientaliste de Vincent Confortini et Louise Lefebvre BLOC PAYSAGE - Nice

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ternazionali (Italia, Germania, Belgio) grazie alle azioni congiunte del Dipartimento e della CRT Costa Azzurra Francia.

Tra le principali pubblicazioni, figurano oltre 200 articoli di stampa generali e specialistici pubblicati a livello locale, nazionale ed europeo.

Un’importante condivisione di foto sui social network e sul web con l'hashtag #FestivalJardins06.

AUDREY FLEUROT, LA MADRINA 2021 Attrice e autrice poliedrica, Audrey Fleurot è affascinata dall'arte popolare. Il giardino è per lei un mezzo di espressione artistica e accettare di essere la madrina del "Festival dei Giardini della Costa Azzurra 2021" è stato automatico.

Con un particolare interesse per il garden design fin dai suoi studi artistici, è particolarmente interessata alla "land art". Per lei, arte e giardini sono un terreno fertile per emozioni e ispirazioni per trasmettere un forte messaggio ecologico.

Per essere il più vicino possibile alla natura, si è stabilita in campagna, e vuole realizzare un progetto botanico nel suo giardino per renderlo "un grande campo di espressione e sperimentazione".

Giardiniere principiante e autodidatta, il giardino del suo artista preferito è quello di Giverny (Giardino di Claude Monet).

LE NOVITÀ DELL'EDIZIONE 2021 L'edizione 2021 è lieta di avere un 6° luogo ospite per il concorso il Principato di Monaco - Terrazze del Casinò.

Il festival sarà caratterizzato da 24 creazioni uniche ed effimere. 13 creazioni paesaggistiche in competizione in: An-

tibes-Juan-les-Pins, Cannes, Grasse, Mentone, Nizza e il Principato di Monaco.

11 giardini effimeri "fuori concorso" realizzati dai servizi degli spazi verdi dei comuni in concorso e dei comuni di Cap D'Ail, Mandelieu-la-Napoule e Saint-Jean-Cap-Ferrat.

Ma anche giardini creati per l'occasione dai nostri partner: Campus Vert d'Azur in collaborazione con l'Unione Nazionale imprese paesaggistiche e l'Associazione giornalisti del giardinaggio e dell'orticoltura.

Libérez les nanas Christophe Gautrand - Monaco

UN PROGRAMMA DI ANIMAZIONI PER PROLUNGARE L'ESPERIENZA DEI GIARDINI Il Dipartimento delle Alpi Marittime offre agli escursionisti momenti di fuga, scoperta e passeggiate bucoliche in 75 notevoli giardini pubblici e privati. Una caccia al tesoro è organizzata per i bambini nei fine settimana e nei giorni festivi durante il festival.

Per il Côte d'Azur Garden Festival, i creatori diventati giardinieri e appassionati implementeranno progetti inventivi con materiali vegetali con arte e know-how. Creazioni

Complantation - Contemplation Baas Catherine et Tardy Christophe - Cannes

innovative, a volte a loro immagine o con l’immagine che desiderano comunicare in una forma di espressione collettiva.

© Camille MOIRENC - Nice

I LUOGHI I comuni delle Alpi Marittime e del Principato di Monaco ospiteranno creazioni paesaggistiche di 200 m2 ciascuna, in luoghi emblematici: Antibes-Juan-lesPins (Pinède Gould), Cannes (Giardino di Villa Rothschild), Grasse (Giardino di Villa Fragonard), Mentone (Giardini Biovès), Monaco (Terrazze del Casinò), Nizza (Giardino Albert 1°). • RS

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RENDEZ-VOUS

de Daniele Colzani

Magie et beauté

du Festival des Jardins

© Camille MOIRENC - Antibes

UNE EXPÉRIENCE DE RÊVE, AU BORD DE LA MÉDITERRANÉE, SUR LES SENTIERS PARFUMÉS DE LA CÔTE D'AZUR

L

e Festival des Jardins de la Côte dAzur vous fera vivre une expérience onirique, sur les rivages méditerranéens, le long des sentiers parfumés de la Côte dAzur.

Les Alpes-Maritimes recèlent de trésors touristiques réputés dans le monde entier.

Ses paysages escarpés, le long du littoral, offrent de sublimes panoramas où se côtoient des palaces de la Belle Époque et des jardins luxuriants.

Prisé pour la douceur de son climat, réputé pour son littoral et son art de vivre, le département des Alpes-Maritimes est aussi une terre d’élection des fl eurs avec un savoir-faire mondialement reconnu concernant

la fl eur à parfum (Grasse) mais aussi dans l’art des jardins avec plus de 75 jardins, dont 14 labellisés «Jardin Remarquable» (3e département de France dans cedomaine).

Qu’ils soient témoins vivants d’un riche passé ou imaginés par des créateurs contemporains, les jardins de la Côte d’Azur offrent de magnifi ques perspectives et des coins de paradis qui enchantent visiteurs et touristes. Le Département est heureux de pouvoir maintenir cette 3e édition qui aura lieu du 9 mai au 9 juin 2021.

LE CONCEPT, LES OBJECTIFS Un concours international de créations paysagères

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éphémères exposées dans les jardins publics des Alpes-Maritimes et de la Principauté de Monaco pour.

• mettre en valeur le patrimoine culturel de la Côte d’Azur par la découverte des jardins, de la fl ore, des essences et végétaux typiques du climat méditerranéen.

• placer les Alpes-Maritimes comme l’une des destinations phares du tourisme lié aux jardins.

• faire découvrir à un large public le savoir-faire des professionnels du paysage et de l’horticulture, filières de premier plan dans le département.

• sensibiliser le grand public sur la gestion de ce type de pa-

Jean Mus

Charles Ange Ginesy

trimoine et sur les bonnespratiques respectueuses de l’environnement.

UN FESTIVAL GRATUIT ET OUVERT À TOUT PUBLIC Il est destiné aux visiteurs, amoureux de la nature et des jardins, aux passionnés de botanique, aux scolaires et étudiants en écoles de paysage, d’architecture, de design ou d’horticulture, aux artistes et professionnels du secteur.

UNE CAMPAGNE D’IMAGE POUR LA CÔTE D’AZUR En plus de son succès populaire, le Festival des Jardins bénéfi cie d’un impact médiatique majeur. En 2019, 50 journalistes et une trentaine de médias internationaux ont été accueillis (Italie, Allemagne, Belgique) grâce aux actions conjointes du Département et du CRT Côte d’Azur France.

Des retombées substantielles: plus de 200 articles de

Audrey Fleurot

Il existe un autre ciel, Jardin conçu et et realisè‚ par les services des Parcs et Jardins de la ville de Menton

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presse généraliste et spécialisée, publiés au niveau local, national et européen. Une belle dynamique de partage de photos sur les réseaux sociaux et le web avec le #FestivalJardins06.

AUDREY FLEUROT, LA MARRAINE 2021 Actrice et auteure aux multiples facettes, Audrey FLEU-

Le reflet de l'infini, Jardin propos‚ par la Direction de l'amènagement Urbain de la Principaut de Monaco

ROT est fascinée par l’art populaire. Le jardin est pour elle un moyen d’expression artistique et accepter d’être la Marraine du «Festival des Jardins de la Côte d’Azur 2021», est dès lors une évidence.

Avec un attrait particulier pour l’aménagement des jardins depuis ses études d’art, elle s’intéresse notamment au «land art». Pour elle, l’art et les jardins constituent un terreau d’émotions et d’inspirations permettant de transmettre un message écologique fort.

Pour être au plus près de la nature, elle s’est installée à la campagne, et souhaite réaliser un projet botanique dans

son jardin pour en faire «un grand terrain d’expression et d’expérimentation».

Jardinière débutante et autodidacte, son jardin d’artistes préféré est celui de Giverny (Jardin de Claude Monet).

NOUVEAUTÉ L’édition 2021 a le plaisir de compter un 6e site d’accueil pour le concours: La Principauté de Monaco(Terrasses du Casino). Le festival proposera 24 créations uniques et éphémères. 13 créations paysagères en compétition à: Antibes-Juan-les-Pins, Cannes, Grasse, Menton, Nice et en Principauté de Monaco. 11

Plantes stars, Jardin propos‚ par la commune de Saint Jean Cap Ferrat en collaboration avec Henri Olivier, Ivana Boris et Elia Ascheri

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jardins éphémères «hors concours» réalisés par les services des espaces verts des communes en compétition et des communes de Cap D’ail, Mandelieu-la Napoule et SaintJean-Cap-Ferrat. Mais également des jardins créés pour l’occasion par nos partenaires : Campus Vert d’Azur en partenariat avec l’Union Nationale des Entreprises du Paysage et l’Association des Journalistes de jardin et d’horticulture.

UN PROGRAMME D’ANIMATIONS POUR PROLONGER L’EXPÉRIENCE DES JARDINS… • Le Département des Alpes-Maritimes proposera aux maralpins des moments d’évasion, de découverte et des balades bucoliques dans 75 jardins remarquables publics et privés.

• Une chasse aux trésors est organisée pour les enfants les week-ends et jours fériés pendant le festival.

Pour le Festival des Jardins de la Côte d’Azur, des créateurs de jardins devenus des artistes- jardiniers et passionnés mettront en oeuvre avec art et savoir-faire des projets inventifs aux matières végétales.

Des créations innovantes parfois à leur image ou l’image qu’ils souhaitent communiquer et véhiculer sous une forme d’expression collective.

LES SITES Les communes des Alpes-Maritimes et la Principauté de Monaco accueilleront des créations paysagères de 200 m2 chacune, sur des lieux emblématiques: Antibes-Juanles-Pins (Pinède Gould), Cannes (Jardin de la Villa Rothschild), Grasse (Jardin de la Villa Fragonard), Menton (Jardins Biovès), Monaco (Terrasses du Casino), Nice (Jardin Albert 1er). • RS

SPASSOADUE

Pensieri, parole

opere e confessioni

BRANDELLI DI PENSIERO IN LIBERTÀ IN UN LIBERO PENSARE TRA PERSONE CHE SE SI FOSSERO CONOSCIUTE AVREBBERO FORSE VOLUTO CONOSCERSI MEGLIO

I

o non so se a voi è mai capitato, in un tempo non previsto, in un posto qualunque, ascoltando una musica, annusando un profumo, leggendo due frasi di un libro aperto a caso o cedendo al fascino di un'immagine, di un oggetto... esprimere il desiderio: “mi piacerebbe fare uno Spassoadue con l’autore". gipeto incontra a distanza Simona Lombardo.

Cos’è la trama? gipeto:“Scivola la penna verso l’inguine della pagina, e in silenzio si raccoglie a scrittura.

Questo foglio ha i confini geometrici di uno stato africano in cui disegno I filari paralleli delle dune (…)”

Il testo come il tessuto, non è solo il manufatto, ma è il rinascere dell’operato dentro chi lo guarda e l’immagine del telaio come metafora del mondo e della vita umana. Trama, trans e meo, per andare oltre e Ordito, da ordo, per ordine. Un andare ordinatamente, mano a mano che fai camminare il te/ filo tra pieni e vuoti lasciando una scia… segno del tuo cammino che unisce luoghi e intenzioni, in un tentativo di dominare il vuoto. Il filo unisce estraneità con un ago che entra ed esce da qualcosa lasciandola integrale, dove niente seppur attraversato ne è fisicamente trasformato.

Il ragno tende una tela per

prendere delle mosche o prende delle mosche perché tende una tela? Il ragno sa che la mosca cadrà nella sua trappola? Pare di no. Il ragno tende una tela per necessità di evacuare la sostanza serica racchiusa nei suoi intestini e in questo bisogno lui prova piacere, perché talvolta la natura ha unito al bisogno il piacere. Tramare è vivere in tensione e vivere in tensione non significa fare poesia o fare arte, significa immergersi nella poesia e nell’arte nella grande Fabrica dei Pensieri di Mefistofele: “La fabbrica dei pensieri è per davvero come il telaio di un maestro tessitore eccita mille fili in una pedata... i fili fluiscono invisibili... così era il primo e cosà il secondo, il terzo e il quarto poi così e cosà. Del mondo proprio tutti gli studenti questo discorso hanno in grande onore ma nessuno è diventato tessitore”.

Simona: trama, tramare, amare... l’universo ha tramato affinché ci incontrassimo per questo spasso a due... Per me, tessitrice, la trama è la possibilità visibile e concreta di ciò che attraverso me si può realizzare sull’ordito per far venire al mondo un nuovo

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tessuto. La trama è il prendersi la responsabilità delle scelte dei colori, delle lavorazioni, dei filati e delle forme perché io possa creare il meglio che posso.

Insieme alla trama mi lascio andare, mi lascio trasportare da ciò che vedo nascere, da ciò che sento tra le dita, faccio un’esperienza di tutte le parti di me presenti all’atto del tessere. La trama è un’esperienza emozionante.

Hai paura? gipeto: “Il coraggio non mi manca è la paura che mi frega” disse il Principe. “Ma forse il coraggio è proprio il non farsi condizionare dalla paura” rispose Giovanni. Io ho sempre paura. Per combatterla mi affido agli Dei che pare sia-

di gipeto

no stati creati dall’uomo a questo scopo e allo studio del funzionamento dell’oggetto della mia paura, per poi aver voglia di agire. Stabilisco per iscritto un piano di azione, una scaletta, una procedura; faccio delle prove, “recito lo spettacolo” nella mia mente visualizzando le procedure di emergenza precedentemente allenate con l’arte della ripetizione fino all’automatismo.

La paura è compagna vigile, in me sempre presente, è la mia salvezza e fonte inesauribile di sopravvivenza. Mi protegge fino a suscitare in me anche una sensazione di eccitazione e perfino di passione e mi basta il riconoscere il brivido che può offrirmi per accettarne la sfida. La paura che più temo è quella immaginata; fi-

glia del mio ignorare un luogo, una situazione, una persona su cui costruisco un immaginario peggiore della realtà.

Simona: si, ho paura, la sento... non sono la paura, la sento e mi alleno ad osservare cosa succede in me quando si palesa. È la sentinella, è la chiave dei desideri nascosti.

Così la percepisco, l’ascolto, l’accolgo.

Mi avvisa che sto per tuffarmi in un’esperienza intensa, sentirò i miei limiti e nello stesso tempo le mie possibilità ancora non vissute.

E poi nella paura si affaccia il coraggio, la sua parte più lucente, e mi sfida a viverlo, a sperimentarlo. Coraggio, il raggio del cor.

Qual’ è la tua forma di meditazione?

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gipeto: La meditazione per me è pulire lo specchio appannato dal fiato delle mie elucubrazioni impaurite, perché nella mia meditazione le chiacchiere stanno a zero.

Meditando cerco di muovermi verso un centro, verso un silenzio, e se meditare migliora la vita e la vita è fatta di azioni, meditar-agendo è il mio punto d’arrivo. Quindi quando sarà, se avrò molto meditato, avrò molto agito. Perché non esiste l’attore se non nell’azione, come la sperimentazione, quando è reale, fa sparire lo sperimentatore dentro se stessa, divenendo percezione, consapevolezza… Arte di vivere con me stesso. La mia meditazione è saper stare gioiosamente solo e a quel punto condividere appassionatamente questa gioia con qualcuno.

Simona: la meditazione per me è un atto naturale, l’ho imparato tessendo. La tessitura è meditare in azione, medit-azione, mi tiene presente, sveglia e attenta a ciò che faccio nel preciso momento in cui lo faccio. Nel silenzio ascolto ogni sussurro delle mie cellule e la mente si fa sgombra rilassandosi.

Il corpo agisce con ritmo costante e gesti sapienti creando uno spazio, un tempo e un suono che permette a tutto il resto del mio essere di viaggiare in diversi piani per osservare, sentire ciò che con e in me vive.

Come vivi la fragilità? gipeto: Come è noto l’uomo è una canna, la più fragile della natura. Un vapore, una goccia d’acqua bastano a ucciderlo ma, quand’anche l’universo lo schiacciasse, l’uomo sarebbe pur sempre più nobile di quel che lo uccide, perché sa di morire e quanto l’universo sia a lui superiore. La consapevolezza del potersi rompere, la paura di spezzarsi, è all’origi-

ne della comprensione dei bisogni e dei propri punti deboli.

La fragilità è il fondamento della saggezza umana, perché rende l’uomo capace di riconoscere che la ricchezza del singolo è capire quanto sia necessario l’altro. Il fragile non sono Io solo, ma siamo Noi, e quindi se ci riconosciamo è più facile anche stare insieme.

Fragile non è solo essere debole o malato, poco efficiente, ma è anche essere “delicato” come il fragile Leopardi, Petrucciani, Messi e una infinita moltitudine di alieni che partendo da una condizione di vita sofferente, hanno utilizzato il loro modo di fare arte per produrre dei capolavori e per far di loro stessi opera assoluta.

Simona: come la possibilità di passare da una percezione di debolezza a una percezione di forza. Nel processo di passaggio, posso riconoscere

una forza vera, autentica, non di resistenza ma di esperienza ed essenza (esistenza), lo sento nella carne. Rimanere fragili, vulnerabili vuol dire permettere che le esperienze mi tocchino, mi trasformino.

Come usi le tue mani? gipeto: Man-tenersi, tenersi per mano. Ri-mani, toccami prendimi per mano e tutto peserà la metà disse con sguardo delicato e mani intelligenti e libere...

"Per riempire il cuore dell’umanità Io vorrei spingermi un poco più aldilà Dove la musica è un fuoco che ci unisce E fa brillare tutta la realtà Dove la verità non appassisce Mani libere, mani mani libere oh oh oh oh Mani libere, mani mani libere oh oh oh oh

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Quante persone ci son passate già Da questo incrocio pieno di domande Milioni di milioni da qui all’eternità Ma la risposta non è mai abbastanza grande Per riempire il vuoto che ci manca Per riempire il cuore dell’umanità … Quante domande mi affollano la testa, In questi giorni di grande dolore Oggi è il primo giorno del tempo che ci resta Un giorno buono per ricominciare ...Io vorrei spingermi un poco più aldilà Dove la musica è un fuoco che ci unisce E fa brillare tutta la realtà…

L’uso delle mani libera la mia mente rendendola più leggera".

Simona: amo le mie mani.

Attraverso la maestria, le mani sapienti uniscono e creano, come in una danza che unisce cielo e terra. Penso che le mani siano uno strumento di creazione di meraviglie, di bellezza che a volte mi sorprende.

Mani estensioni del mio sentire, che permettono al mio talento di vivere e manifestarsi.

Attraverso le mie mani posso infondere buone energie e vibrazioni nei miei tessuti essendo certa che chi li indosserà potrà sentirle e goderne i benefici se risuona con quelle armonie. Le mani mi permettono di essere pratica di quella pratica concreta che è al servizio di ciò che vuole materializzarsi lasciando una traccia da seguire o da abbandonare.

Penelope o Ulisse? gipeto:...”Considerate la vostra semenza: infatti non foste a viver come bruti, ma per seguir virtute e canoscenza”.

Ulisse è la storia dell’avver-

TESTI POETICI • Scivola la penna di Valerio Magrelli • Faust di Johann Wolfgang von Goethe • Mani Libere di Jovanotti • Divina Commedia di Dante Alighieri • Cyrano de Bergerac di Edmond Rostand OPERE ARTIGIANE

• A-go e filo su Carta di Anna Troiano

sato, quello preso in giro dal destino, dal fato ma anche la storia di quello che se ne frega completamente, che va avanti superando qualsiasi avversità, inventando la vita attimo per attimo. Ha dubbi, insicurezze, incertezze: perché lui è l’elemento umano degli eventi, è l’antropos. Chi può dirsi più uomo di lui? Calipso gli promette di renderlo immortale, ma a lui non interessa.

Lui vuole fare solo continuamente l’amore con lei perché è troppo bella poi però va a piangere sulla spiaggia perché sente la lontananza da quello che è per lui più familiare: Penelope… La sua Itaca. A lui non interessa l’immortalità perché non sa assolutamente cosa e quando accadrà quello che succederà dopo, perché se sei Nessuno, quello che conta è costruire la tua vita qui e ora come Achille, Aiace, Gandhi, Giovanni Falcone e tutti i loro compagni affini per dignità aliena. Il racconto di Ulisse è legato all’alterità, l’altro, quello che non conosci, e all’andarci a sbattere contro senza aver paura. La curiosità senza fine …Eros… Hybris: ..." Tre volte il fé girar con tutte l’acque; a la quarta levar la poppa in suso e la prora ire in giù, com’altrui piacque infin che ’l mar fu sovra noi richiuso”.

Simona: avrei voluto essere Ulisse, sempre in viaggio alla scoperta di nuove esperienze ed emozioni…ma sono diventata una Penelope, sarà che devo imparare qualcosa da lei? Nel tempo ho imparato ad amare Penelope, ho pensato che potevo tirar fuori una Penelope nuova.

Certo non rimango ad aspettare Ulisse, vivo appieno la vita, mentre il mio amato fa le sue esperienze io faccio le mie e nel momento del ritorno sarò felice di accoglierlo consapevole del fatto che la vita ci avrà tessuto e che pur essendoci amore potrebbe aver cambiato forma.

Del resto, l’unione di Penelope e Ulisse è come l’unione della trama e dell’ordito, una non può fare a meno dell’altro.

Un’altra cosa certa è che non desidero disfare la tela intessuta di vita, energia, espe-

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rienze, mi piace l’idea di continuare a tessere il nuovo.

Non vorrei vivere il sacrificio della mia esistenza ma viverne la sua sacralità.

Frequenti l’esattezza? gipeto: “ … e stasera, quando in cielo entrerò fiero l’azzurra soglia salutarne io potrò, spazzerà il mio saluto l’azzurro sfavillio, con l’orgoglio che mai macchiai né macchio l’indomita purezza del mio pennacchio!”

La precisione per gli antichi Egizi era simboleggiata da una piuma che serviva da misura sul piatto della bilancia dove si pesano le anime. Quella piuma leggera aveva nome Maat, dea della bilancia. Che cos’è più preciso della precisione?

L’illusione. Perché l’esattezza, qualora esistesse, sarebbe una menzogna, un’invenzione:

BIOGRAFIA • Mi chiamo Simona Lombardo e sono tessitrice dal 1990. La mia esperienza con la tessitura manuale dura da oltre venticinque anni. Sono innamorata dei tessuti e anche degli strumenti per realizzarli.

• Ho iniziato subito con studio e produzioni a contatto con l’alta moda, con brand conosciuti a livello internazionale come Alexander McQueen, Stella McCartney, Versace e Chanel.

• Produco tessuti per abbigliamento e arredamento nel mio laboratorio con telai manuali di diverse misure e forme. Ho sperimentato molte tecniche per lo sviluppo di tessuti speciali e ricercati usando soprattutto fibre naturali e preziose come il cashmere e la seta. Realizzo e confeziono abiti da sposa, abiti baby, accessori d’abbigliamento.

• Una parte del mio lavoro è dedicata a tessuti più artistici per arazzi, ho potuto interpretare quadri di Paul Klee in versione tessile insieme ad altri tessitori. Ho sviluppato lo studio di tessuti antichi per ricreare abiti esposti in musei.

• Collaboro con diversi stilisti e artisti, più o meno conosciuti, per alcuni progetti che trovo interessanti e unici come con Alessandra Benetatos, a cui avete dedicato già un’intervista, con lei creo abiti e tessuti unendo la nostra creatività con il nostro percorso personale e spirituale. il mondo in fondo è un certo numero di tenere imprecisioni.

Ho compassione per i gesti imprecisi, uno che inciampa, l’altro che urta il bicchiere, quello che non ricorda, mi stanno a cuore, perché vedo in loro il tremore, Il tintinnio familiare del meccanismo rotto in lui qualcosa balla. Del resto, si sa che è solo grazie all’attenta pianificazione, alla precisione nei dettagli, alla minima cura di ogni particolare, a quella sorta di sicurezza, che si rischia di non essere pronti a reagire all’imprevisto che è una delle nostre pochissime sicurezze.

Simona: l’ho frequentata molto fino a che ho scoperto la perfetta imperfezione.

L’errore fa scoprire nuove vie per attivare il cambiamento.

Includo l’imperfezione da cui può nascere qualcosa di bello e inaspettato.

Le sporcature sono legate all’esigenza dell’anima di ricerca per rinsaldare il legame che esiste tra eccellenza ed errore. Si può eccellere restando umani, indossare un tessuto che include un errore è vestirsi di umanità vera e viva. E poi cos’è un errore? Da quale punto di vista lo guardiamo,

se sbaglio posso scoprire cose nuove. È capitato molte volte che da un errore ho creato arte, bellezza, sorprese.

Numero 8 gipeto: È per me un promemoria della g minuscola distesa a infinito, e dell’unione grafica del 6 e dello 0 come a monitorare sempre in me il concetto di: seizero. L’ottava casa, la casa dello Scorpione, è la mia, essendo nato la notte delle streghe. Il numero 8 è la quantità innumerevole, il non definibile, l’innumerabile, il nuovo inizio, il primo giorno

dopo la Creazione, il primo di nuovi sette petali di Loto.

L’8 come simbolo e sprone all’uguaglianza e all’unità che può essere suddiviso in due cifre pari e uguali (4 + 4) ulteriormente suddivisibili in parti perfettamente equivalenti (2 + 2 + 2 + 2). L’ottagono come figura intermedia tra il quadrato, simbolo della dimensione umana, e il cerchio, simbolo di transito e di dialogo con il Divino.

Simona: le mie mani 2, i miei piedi 2, il mio telaio poggia su 4 gambe chiamato castello…tutti insieme siamo 8 = infinite creazioni. Tessendo con presenza entro in uno stato meditativo così che posso spostarmi di un'ottava includendo altri piani e accedendo a informazioni sottili, ecco il mio 8. Un intenso viaggio il mio mestiere, mi offre insegnamenti che sperimento anche in altri ambiti della mia vita.

8 è anche il mio logo, mi accompagna e mi accorda a quell’ottava che risuona dentro di me e che mi fa sentire estasi. Mi piace saltare in un’ottava sopra essendo fiduciosa che ne uscirò viva, nutrita e auspicabilmente evoluta. • RS

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SPASSOADUE

Pensées, mots, œuvres et confessions

LIBRE PENSÉE DANS UNE PENSÉE LIBRE ENTRE LES GENS QUI, S’ILS AVAIENT RENCONTRÉ, ILS AURAIENT PU VOULOIR MIEUX SE CONNAÎTRE

J

e ne sais pas si cela vous est arrivé, à une époque imprévue, n’importe où, en écoutant de la musique, en sentant un parfum, en lisant deux phrases d’un livre ouvert par hasard ou en cédant au charme d’une image, d’un objet... exprimer le désire « Je voudrais avoir un Spassoadue (divertissement à deus) avec l’auteur ». gipeto rencontre Simona Lombardo à distance.

Qu’est-ce que l’intrigue, la trame? gipeto:"Il glisse sa plume vers l’aine de la page, et en silence l’écriture est recueillie. Cette feuille a des limites géométriques d’un État africain où je dessine Les rangées parallèles des dunes (...)"

Texte comme le tissu, n’est pas seulement l’artefact, mais est la renaissance de l’œuvre à l’intérieur du spectateur et l’image du cadre comme une métaphore pour le monde et la vie humaine. Parcelle, trans et meo, pour aller plus loin et « ORDITO » (en italien), par ordo, par ordre. Un aller proprement, comme vous faites le thé / fil marcher entre plein et vide laissant une hache ... signe de votre voyage qui unit les lieux et les intentions, dans une tentative de dominer le vide. Le fil combine l’étranger avec une aiguille qui entre et sort de quelque chose qui la laisse intégrale, où rien, même s’il est traversé est physiquement transformé.

L’araignée a-t-elle tendance à attraper des mouches ou à prendre des mouches parce qu’el-

le tend une toile? L’araignée sait-elle que la mouche tombera dans son piège ? Apparemment non.

L’araignée tend une toile pour la nécessité d’évacuer la substance soyeuse enfermée dans ses intestins et dans ce besoin, il ressent du plaisir, parce que parfois la nature a combiné le plaisir avec le besoin. « Tramare » (en italien) vit dans la tension et vivre dans la tension ne signifie pas faire de la poésie ou faire de l’art, c’est s’immerger dans la poésie et l’art dans la grande Fabrica dei Pensieri de Méphistophélès: «L’usine des pensées est pour de vrai comme le cadre d’un maître tisserand excite mille fils dans une bande de roulement ... les fils coulent invisibles. ... donc c’était le premier et était donc le second, le troisième et le quatrième alors ainsi et ainsi de suite. Du monde juste tous les étudiants ce discours ont en grand honneur mais personne n’est devenu tisserand» Simona: Intrigue, intrigue, amour... l’univers a tracé pour nous de se rencontrer pour ce dans les deux sens ... Pour moi, tisserand, la texture est la possibilité visible et concrète de ce qui à travers moi peut être fait sur la distorsion pour appor-

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ter un nouveau tissu au monde. L’intrigue est de prendre la responsabilité des choix de couleurs, processus, fils et formes afin que je puisse créer le meilleur que je peux. Avec l’intrigue que je me laisse aller, je me laisse emporter par ce que je vois naître, par ce que je ressens entre mes doigts, je fais une expérience de toutes les parties de moi présentes au moment des tuiles. L’intrigue est une expérience passionnante.

Avez-vous peur? gipeto: «Je ne manque pas de courage, c’est la peur que je me soucie », a déclaré le prince. « Mais peut-être le courage est précisément de ne pas être conditionné par la peur », répondit Jean. J’ai toujours peur. Pour le combattre, je compte sur les dieux qui semblent avoir été

de gipeto

créés par l’homme à cette fin et d’étudier le fonctionnement de l’objet de ma peur, puis veulent agir. J’établis par écrit un plan d’action, une liste fixe, une procédure; Je fais des répétitions, « Je récite le spectacle » dans mon esprit en regardant les procédures d’urgence précédemment formés avec l’art de la répétition jusqu’à l’automatisme. La peur est un compagnon vigilant, en moi toujours présent, c’est mon salut et ma source inépuisable de survie. Il me protège au point de susciter en moi aussi un sentiment d’excitation et même de passion et j’ai juste besoin de reconnaître le frisson qui peut m’offrir d’accepter le défi. La peur que je crains le plus est celle imaginée; fille de mon ignorer un lieu, une situation, une personne sur laquelle je construis un imaginaire pire que la réalité.

Simona: Oui, j’ai peur, je le sens ... Je n’ai pas peur, je le sens et je m’entraîne à observer

ce qui se passe en moi quand cela devient évident. C’est la sentinelle, c’est la clé des désirs cachés. Alors je le perçois, je l’écoute, je l’accueille favorablement. Il m’avertit que je suis sur le point de plonger dans une expérience intense, je vais sentir mes limites et en même temps mes possibilités n’ont toujours pas vécu. Et puis dans la peur vient le courage, sa partie la plus brillante, et me met au défi de le vivre, de l’expérimenter. Allez, le rayon du cor.

Quelle est votre forme de méditation? gipeto: La méditation pour moi est le nettoyage du miroir terni par le souffle de mes pensées de peur, parce que dans ma méditation le bavardage est nul. Méditant, j’essaie d’aller vers un centre, vers un silence, et si méditer améliore la vie et la vie est faite d’actions, méditer est mon point d’arrivée. Donc, quand c’est le cas, si j’ai beaucoup réfléchi, j’au-

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ras beaucoup agi. Parce qu’il n’y a pas d’acteur mais dans l’action, comme l’expérimentation, quand elle est réelle, fait disparaître l’expérimentateur en lui-même, devenant perception, conscience... Art de vivre avec moi-même. Ma méditation est savoir comment être joyeusement seul et à ce moment-là passionnément partager cette joie avec quelqu’un.

Simona: La méditation pour moi est un acte naturel, je l’ai appris en tissant. Tisser, c’est méditer dans l’action, méditer, me garder à l’esprit, éveillé et attentif à ce que je fais au moment précis où je le fais. En silence, j’écoute chaque murmure de mes cellules et l’esprit se dégage en se relaxant. Le corps agit avec un rythme constant et des gestes sages créant un espace, un temps et un son qui permet à tout le reste de mon être de voyager dans différents plans pour observer, sentir quoi avec et en moi vit.

Comment vivez-vous la fragilité? gipeto: Comme on le sait, l’homme est une canne, la plus fragile de la nature. Une vapeur, une goutte d’eau suffisent à le tuer mais, même si l’univers l’écrase, l’homme serait encore plus noble que ce qui le tue, parce qu’il sait qu’il est mourant et à quel point l’univers lui est supérieur. La conscience de pouvoir rompre, la peur de la rupture, est à l’origine de la compréhension des besoins et de ses faiblesses.

La fragilité est le fondement de la sagesse humaine, parce qu’elle rend l’homme capable de reconnaître que la richesse de l’individu est de comprendre à quel point l’autre est nécessaire.

Le fragile n’est pas seulement Moi, mais nous sommes Nous,

et donc si nous nous reconnaissons les uns les autres, il est plus facile d’être ensemble aussi.

Fragile, ce n’est pas seulement être faible ou malade, inefficace, mais aussi être « délicat » comme les fragiles Leopardi, Petrucciani, Messi et une multitude infinie d’extraterrestres qui, à partir d’une condition de vie souffrante, ont utilisé leur façon de faire de l’art pour produire des chefs-d’œuvre et se faire une œuvre absolue.

Simona:: Comme la capacité de passer d’une perception de faiblesse à une perception de force. Dans le processus de passage, je peux reconnaître une force vraie et authentique, non pas de résistance mais d’expérience et d’essence (existence), je la sens dans la chair.

Rester fragile, vulnérable, c’est

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laisser les expériences me toucher, me transformer.

Comment utilisez-vous vos mains? gipeto: Continuez, tenez la main. Re-mains, touchez-moi me prendre par la main et tout va peser à moitié dit avec un regard délicat et les mains intelligentes et libres ... Pour remplir le cœur de l’humanité J’aimerais aller un peu plus loin Où la musique est un feu qui nous unit Et il fait briller toute la réalité Là où la vérité ne se desserre pas Mains libres, mains libres oh oh oh oh Mains libres, mains libres oh oh oh oh Combien de personnes y sont déjà passées. De cette intersection pleine de questions Des millions de millions d’ici l’éternité. Mais la réponse n’est jamais assez grande Pour combler le vide qui nous manque.

Pour remplir le cœur de l’humanité ... Combien de questions me pressent la tête, En ces jours de grande douleur Aujourd’hui est le premier jour de temps qui nous reste Une bonne journée pour recommencer ... J’aimerais aller un peu plus loin Où la musique est un feu qui nous unit Et il fait briller toute la réalité...

L’utilisation des mains libère mon esprit en le rendant plus léger.

Simona: J’adore mes mains.

Par la maîtrise, les mains sages s’unissent et créent, comme dans une danse qui unit le ciel et la terre. Je pense que les mains sont un outil pour créer des merveilles, pour la beauté qui me surprend parfois. Mains extensions de mon sentiment, qui permettent à mon talent de vivre et de se manifester. Par mes mains, je peux insuffler de bonnes énergies et vibrations dans mes tissus en étant sûr que ceux qui les portent seront en mesure de les sentir et profiter des avantages si elle résonne avec ces harmonies.

Les mains me permettent d’être pratique de cette prati-

que concrète qui est au service de ce qu’elle veut matérialiser laissant une trace à suivre ou à abandonner.

Pénélope ou ulysse ? gipeto: Considérez votre semence: car vous ne deviez pas comme des brutes, mais pour suivre la vertu et le canoë ».

Ulysse est l’histoire de l’adversité, celle taquinée par le destin, par le destin mais aussi l’histoire de ce qui se soucie complètement, qui continue à surmonter toute adversité, à inventer la vie moment par moment.

Il a des doutes, des insécurités, des incertitudes: parce qu’il est l’élément humain des événements, il est l’antropos. Qui peut dire plus d’homme que lui?

Calypso promet de le rendre immortel, mais il s’en fiche. Il veut juste lui faire l’amour tout le temps parce qu’elle est trop belle mais elle va pleurer sur la plage parce qu’elle sent la distance de ce qui lui est plus familier: Pénélope... Son Itaca.

Il ne se soucie pas de l’immortalité parce qu’il ne sait absolument pas quoi et quand ce qui va se passer ensuite, parce que si vous n’êtes personne ce qui importe est de construire votre vie ici et maintenant comme Achille, Ajax, Gandhi, Giovanni Falcone et tous leurs compagnons partageant les mêmes idées pour la dignité extraterrestre.

L’histoire d’Ulysse est liée à l’adité, l’autre, celle que vous ne connaissez pas, et va s’écraser dedans sans avoir peur. Curiosité sans fin ... éros... Hybris:..."Trois fois le fait tourber avec toute l’eau; a le quatrième lever la poupe en suso et prora aller vers le bas, comme d’autres ont aimé enfin que « la mer était au-dessus de nous fermé".

Simona: J’aurais aimé être Ulysse, toujours sur la route pour découvrir de nouvelles expériences et émotions... mais je suis devenue Pénélope, est-ce que je dois apprendre quelque

chose d’elle? Au fil du temps, j’ai appris à aimer Pénélope, j’ai pensé que je pourrais faire ressortir une nouvelle Penelope. Bien sûr, je n’attends pas Ulysse, je vis pleinement la vie, tandis que mon bien-aimé fait ses expériences que je fais mienne et au moment du retour, je serai heureux de l’accueillir conscient que la vie nous aura tissés et que, bien qu’il y ait de l’amour, il peut avoir changé de forme.

De plus, l’union de Pénélope et d’Ulysse est comme l’union de l’intrigue et de la distorsion, l’une ne peut se passer de l’autre. Une autre chose sûre est que je ne veux pas déballer le web tissé avec la vie, l’énergie, les expériences, j’aime l’idée de continuer à tisser le nouveau. Je ne voudrais pas vivre le sacrifi-

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ce de mon existence, mais vivre son sacré.

Fréquentez-vous la précision? gipeto:... et ce soir, quand j’entre dans le ciel, je vais entrer fier du seuil bleu sain que je serai en mesure, balayera mon salut le scintillement bleu, avec la fierté que je n’ai jamais repéré ou moucheté la pureté indomptable de mon panache! La précision pour les Anciens Egyptiens était symbolisée par une plume qui servait de mesure sur la plaque de l’échelle où pèsent les âmes.

Cette plume légère s’appelait Maat, déesse de l’échelle.

Qu’y a-t-il de plus précis que la précision? L’illusion. Parce que l’exactitude, si elle existait, serait un mensonge, une invention: le monde est essentiellement un certain nombre d’inexactitudes.

J’ai de la compassion pour les gestes inexacts, l’un trébucher, l’autre cogner le verre, celui dont il ne se souvient pas, je me soucie, parce que je vois en eux le tremblement, le tintement familier du mécanisme brisé en lui quelque chose danse.

De plus, nous savons que ce n’est que grâce à une planification minutieuse, une précision dans les détails, le moindre soin

BIOGRAPHIE • Je m’appelle Simona Lombardo et je suis tisserande depuis 1990. Mon expérience du tissage manuel dure depuis plus de vingt-cinq ans. Je suis amoureux des tissus et aussi des outils pour les fabriquer.

• J’ai commencé immédiatement avec des études et des productions en contact avec la haute couture, avec des marques de renommée internationale telles que Alexander McQueen, Stella McCartney, Versace et Chanel.

• Je produis des tissus pour les vêtements et les meubles dans mon laboratoire avec des cadres manuels de différentes tailles et formes. J’ai expérimenté de nombreuses techniques pour le développement de tissus spéciaux et raffinés utilisant avant tout des fibres naturelles et précieuses comme le cachemire et la soie.

Je fais et emballe des robes de mariée, des robes de bébé, des accessoires de vêtements.

• Une partie de mon travail est consacrée à des tissus plus artistiques pour tapisseries, j’ai pu interpréter des peintures de Paul Klee en version textile avec d’autres tisserands. J’ai développé l’étude des tissus anciens pour recréer des vêtements exposés dans les musées.

• Je collabore avec différents designers et artistes, plus ou moins connus, pour certains projets que je trouve intéressants et uniques comme avec Alessandra Benetatos, à qui vous avez déjà consacré une interview, avec elle je crée des vêtements et des tissus combinant notre créativité avec notre parcours personnel et spirituel.

de chaque détail, ce genre de sécurité, que nous risquons de ne pas être prêts à réagir à l’imprévu qui est l’une de nos très rares sécurités.

Simona: te suis sorti souvent avec elle jusqu’à ce que je découvre l’imperfection parfaite. L’erreur découvre de nouvelles façons de déclencher le changement. J’inclus l’imperfection à partir de laquelle quelque chose de beau et inattendu peut naître. La «salissation» est liée à la nécessité pour l’âme de recherche de renforcer le lien qui existe entre l’excellence et l’erreur. Vous pouvez exceller tout en restant humain, le port d’un tissu qui comprend une erreur est de s’habiller dans l’humanité réelle et vivante. Et qu’est-ce qu’une erreur ? De quel point de vue nous le regardons, si je me trompe, je peux découvrir de nouvelles choses.

Il est arrivé à plusieurs reprises que d’une erreur, j’ai créé l’art, la beauté, les surprises.

Numéro 8 gipeto: C’est pour moi un rappel du petit g tendu à l’infini, et de l’union graphique de 6 et 0 comme pour toujours suivre en moi le concept de: six zero.. La huitième maison, la maison du Scorpion, est à moi, étant née la nuit des sorcières. Le nombre 8

est l’innombrables quantité, l’infini, l’innombrables, le nouveau départ, le premier jour après la création, le premier des sept nouveaux pétales de Loto. Le 8 comme un symbole et stimuler l’égalité et l’unité qui peut être divisé en deux chiffres égaux et égaux (4 + 4) qui peuvent être divisés en parties parfaitement équivalentes (2 + 2 + 2 + 2).

L’ottagon comme figure intermédiaire entre le carré, symbole de la dimension humaine, et le cercle, symbole de transit et de dialogue avec le Divin.

Simona: Mes mains 2, mes pieds 2, mon cadre repose sur 4 jambes appelées château... tous ensemble, nous sommes 8 = créations infinies. Tissage avec présence dans un état méditatif afin que je puisse déplacer un acte, y compris d’autres étages et l’accès à des informations subtiles, voici mon 8. Un voyage prévu mon travail, il m’offre des enseignements que j’ai aussi l’expérience dans d’autres domaines de ma vie. 8 est aussi mon logo, m’accompagne et m’accorde à cette octave qui résonne en moi et qui me fait sentir l’extase.

J’aime sauter dans une octave au-dessus d’être confiant que je vais sortir vivant, nourri et j’espère évolué. • RS

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I nostri

contributors

CHRISTINE GRIMANDI PRODUCTION ORGANIZATION AND CASTING DIRECTOR

SIMON LEE

MAURIZIO TAMELLINI

MUSIC SUPERVISOR E DIRETTORE D’ORCHESTRA

DIRETTORE ARTISTICO FESTIVAL DEI 2 MARI DI SESTRI LEVANTE

AGNESE OMODEI SALÉ COREOGRAFA E DIRETTRICE BALLETTO DI MILANO

FEDERICO VERATTI

STAY TUNED...

COSTUMISTA E COREOGRAFO

UN NUOVO PROFESSIONISTA DELLA FOTOGRAFIA...

ANGELA VALENTINO MAKE UP ARTIST

FILIPPO SORCINELLI

ANTONELLO RISATI

ARTISTA, SARTO, E CREATORE DI PROFUMI

Quotidiano on line www.silviaarosio.com

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IL DANZATORE

Italia - Francia, un vero connubio per la danza

È

sempre esistita una sorta di collaborazione dai tempi lontani tra le due nazioni in fatto di cultura e di danza, soprattutto dall'Italia, che fa scoprire il balletto alla Francia, la quale ne fa un'arte, la innalza ai massimi vertici, la rende di grande prestigio e la fa conoscere in tutta Europa.

Si sa, la danza nasce in Italia, culla di grandi danzatori, coreografi e scenografi. Questi ultimi rinnovano macchine, come Giacomo Torelli, considerato uno stregone per gli spettacoli che si tennero alla corte di Luigi XIV. Nello stesso tempo alla corte di Francia è lo stesso Lulli a rinfrescare il pomposo armamento della danza, a creare

spartiti e pantomime, primo ballerino del Re Sole, inventore e creatore di balletti e dell'opera francese.

Intere famiglie, generazioni dopo generazioni di italiani germogliano in Francia. I Bibiena sono una dinastia, lo stesso vale per i Viganò e i Taglioni.

Vestris a Parigi nel 1750 è il trionfatore dell'opera, dieu de la danse, come lo chiamano i contemporanei. Si deve a Lui l'invenzione della piroletta! Tornando ai giorni nostri, la danza è davvero tornata alla ribalta sia in Italia, ma soprattutto in Francia, dove il Palais Garnier è un faro Giovan Battista Lulli

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© Anna La Naia

IL DIRETTORE ARTISTICO DEL FESTIVAL DEI 2 MARI DI SESTRI LEVANTE CI RACCONTA IL SUO MONDO

per tutte le compagnie francesi, un unico modello ben definito, ben strutturato, capace di dettar legge e di farsi strada tra tutte le compagnie mondiali per la sua prestigiosa compagnia di danza, per il suo sapere, per il prestigioso nome e metodo nell'insegnamento della danza classica.

A parte l'artisticità e parlando delle risorse riguardanti le somme stanziate dal Governo francese per la cultura, la Francia in questo investe moltissimo, sostiene gli eventi, ha maggiori centri culturali e se parliamo di Conservatori per la danza a Parigi, ne possiede uno in ogni arrondissement. Se la Francia trae beneficio da questo, in Italia non è così. Se dall' Oltralpe i nostri cugini francesi sostengono che "investire in cultura vuol dire investire sul futuro": da noi non lo è allo stesso modo.

Nel 2020 il Governo francese ha stanziato quasi due miliardi alla cultura che sono andati già ad aggiungersi ad altre sovvenzioni d'urgenza, in un momento di crisi di Covid-19. Si sa che da noi il settore danza è il piu bistrattato, ma mai come

di Maurizio Tamellini

in questi ultimi anni.

Dov'è l'impegno e la voglia di competere per salvaguardare il nostro patrimonio artistico, letterario, musicale e per ultimo, come al solito, dei lavoratori dello spettacolo?

Se in questo momento stiamo uscendo forse da una tragica situazione che assomiglia più ad una guerra che a un periodo di crisi, dobbiamo ricordarci che la Francia uscì nel primo dopoguerra e in tutti gli anni '20, con uno straordinario laboratorio di idee, creatività e di molteplici sperimentazioni in tutti i campi artistici che segnarono in un modo indelebile il Novecento.

Questa corrente venne chiamata col termine "annèes folles", "una generazione perduta" per le persone che vivevano attivamente oltre i limiti. Fiorirono nelle strade, sotto la cattedrale del Sacre Coeur a Parigi e nelle piazzette attestanti moltissimi artisti di varie nazionalità, un vero quartier generale dell'arte. Insomma una fioritura di artisti pronti a cambiare le regole e instaurare un nuovo percorso artistico nella pittura soprattutto: i locali, i bar culturali, dove sedevano grandi pittori in cerca di nuove tecniche, da Marc Chagall, De Chirico,

Modigliani, Braque, per non parlare poi dell'avvento in quegli anni dello sviluppo artistico dei Balletti russi di Diaghliev, dove presero parte molti artisti, costumisti, coreografi come Léonide Massine, musicisti e compositori come Eric Satie… insomma una grande svolta per l'arte come negli anni '80 per la danza in Italia, e non solo. Ricordo quei giorni, quel periodo dove c'era veramente un ri-fiorire d'arte, per la danza soprattutto.

Erano davvero gli "anni d'oro", per la moltitudine di spettacoli che nascevano, c'erano le piazze più importanti d'Italia che si prestavano alla danza, come Venezia, l'Arena di Verona, il Castello Sforzesco di

BIOGRAFIA

• Inizia i suoi studi accademici nel 1974 a Verona, sua città natale. Entra all'Accademia Nazionale di Danza di Roma, nel Gruppo Stabile A.N.D., nel Ballet Classique de Paris, Arena di Verona, Teatro Comunale di Firenze e nel 1980 nel corpo di ballo del Teatro alla Scala per quasi 30 anni. Solista del Ballet National de Marseille R.Petit. Direttore Artistico Danza del Balletto di Varese, del Teatro V.Alfieri di Cast./Garfagnana (Lu), Performing. A. A. Moveon di Milano e dal 2020 del Festival dei 2 mari di Sestri Levante (Ge). Firma per la danza, i costumi per "Workshop" con il Teatro alla Scala e una t-shirt per la linea "Porselli". Prende parte a diversi programmi televisivi su RAI2 e a numerose altre interviste su varie piattaforme. Maitre de ballet e Presidente di Giuria in prestigiosi Concorsi di danza nazionali e internazionali.

• Nel 2019 pubblica il suo primo libro, Nonsola(mente)danza. Collabora con scuole e Accademie, promuove stage, rassegne, master-class, lezioni private e prepara allievi/e per audizioni e Concorsi.

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Milano, dove la Scala era ospite ogni anno con i suoi spettacoli, un via vai di artisti, nuove esperienze con stilisti del calibro di Versace che aveva iniziato a disegnare e produrre i suoi costumi per la danza per varie produzioni nei teatri nazionali.

La Francia non era da meno, erano sorte moltissime compagnie sperimentali di danza contemporanea. Ricordo quando abitavo a Parigi in quegli anni, il fervore di scoprire e di far parte di quelle nuove produzioni. La danza corre ultimamente: tutte le arti si sono fuse un po’ insieme, si sono amalgamate, hanno trovato nuove espressioni di linguaggio nella danza e molte compagnie in Francia e in Italia hanno riscoperto l'essenzialità di un gusto e di una visione alternativa alla tradizione classica.

Il prossimo anno, nel 2022, Le Ballet National de Marseille, poi sostituito qualche anno dopo con il nome di, Ballet National de Marseille R.Petit, spegnerà le sue 50 candeline. Una delle più significative compagnie d'avanguardia francesi, che ha fatto di Marsiglia un punto di riferimento per la danza come Roland Petit voleva che diventasse. • RS

LE DANSEUR

Italie - France, une véritable mariage pour la danse

LE DIRECTEUR ARTISTIQUE DU FESTIVAL DES 2 MERS DE SESTRI LEVANTE NOUS PARLE DE SON MONDE

I

l y a toujours eu une sorte de collaboration depuis des temps lointains entre les deux nations en matière de culture et de danse, notamment d’Italie, qui fait découvrir le ballet à la France, ce qui en fait un art, l’élève au plus haut niveau, le rend de grand prestige et le fait connaître dans toute l’Europe. Vous savez, la danse est née en Italie, berceau de grands danseurs, chorégraphes et set designers. Ces derniers renouvellent des machines, comme Giacomo Torelli, considéré comme un sorcier pour les spectacles qui se déroulent à la cour de Louis XIV. Dans le même temps à la cour de France Lulli lui-même rafraîchit l’armement pompeux de la danse, la création de partitions et pantomimes, premier danseur du Roi Soleil, inventeur et créateur de ballets et d’Français. Des familles entières, des générations après des générations d’Italiens, poussent en France. Les Bibiena sont une dynastie, il en va de même pour les Viganò et les Taglioni.

Vestris à Paris en 1750 est le triomphant de l’opéra, dieu de la danse, comme l’appellent ses contemporains. C’est grâce à lui l’invention du pirouette!

Pour en revenir à nos jours, la danse est vraiment revenue sur le devant de la scène en Italie, mais surtout en France, où le Palais Garnier est un phare pour toutes les compagnies de Français, un modèle unique bien défini et bien structuré, capable de dicter la loi et de

faire son chemin parmi toutes les compagnies du monde pour sa prestigieuse compagnie de danse, pour sa connaissance, pour le nom prestigieux et la méthode dans l’enseignement de la danse classique.

Au-dessus de l’art et de la discussion sur les ressources allouées par le gouvernement Français à la culture, la France investit beaucoup là-dedans, soutient les manifestations, a plus de centres culturels et si l’on parle des Conservatoires de danse à Paris, elle en possède un dans chaque arrondissement.

Si la France en profite, ce n’est pas le cas en Italie. Si des Alpes nos cousins Français disent que « investir dans la culture, c’est investir dans l’ave-

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nir » : ce n’est pas de la même manière avec nous. En 2020, le gouvernement Français a alloué près de deux milliards à la culture qui ont déjà été ajoutées à d’autres subventions d’urgence, en période de crise covid-19.

Nous savons que le secteur de la danse est le plus maltraité de nos pays, mais jamais comme il l’a été ces dernières années.

Où est l’engagement et le désir de concourir pour sauvegarder notre patrimoine artistique, littéraire, musical et, enfin, comme d’habitude, des travailleurs du spectacle ?

Si nous sortons peut-être en ce moment d’une situation tragique qui ressemble plus à une guerre qu’à une période de crise, il ne faut pas oublier que la France est sortie dans la pre-

de Maurizio Tamellini

BIOGRAFIA

• Il a commencé ses études universitaires en 1974 à Vérone, sa ville natale. Il entre à l’Accademia Nazionale di Danza à Rome, au Stabile A.N.D. Group, au Ballet Classique de Paris, à l’Arène de Vérone, au teatro Comunale à Florence et en 1980 dans le corps de ballet du Teatro alla Scala pendant près de 30 ans. Soliste du Ballet National de Marseille R.Petit. Directeur artistique Danse du Ballet de Varese, du Teatro V.Alfieri de Cast./Garfagnana (Lu), Performing. A. A. Moveon à Milan et à partir de 2020 du Festival dei 2 mari di Sestri Levante (Ge). Signature pour la danse, costumes pour « Workshop » avec Teatro alla Scala et un t-shirt pour la ligne « Porselli ». Il participe à plusieurs émissions de télévision sur RAI2 et à de nombreuses autres interviews sur différentes plateformes. Maitre de ballet et président du jury dans de prestigieux concours nationaux et internationaux de danse.

• En 2019, elle a publié son premier livre, Nonsola(mente)danza. Il collabore avec les écoles et les académies, promeut des stages, des expositions, des master-classes, des cours privés et prépare les élèves aux auditions et aux concours.

mière période d’après-guerre et dans les années 1920, avec un extraordinaire laboratoire d’idées, de créativité et de multiples expériences dans tous les domaines artistiques qui ont marqué le XXe siècle d’une manière indélébile. Ce courant s’appelait «annèes folles», «une génération perdue» pour les personnes qui vivaient activement au-delà des limites.

Ils ont prospéré dans les rues, sous la cathédrale du Sacre Coeur à Paris et sur les places attestant de nombreux artistes de différentes nationalités, véritable siège de l’art. Bref, une floraison d’artistes prêts à changer les règles et à établir un nouveau parcours artistique dans la peinture avant tout : les clubs, les bars culturels, où les grands peintres étaient assis à la recherche de nouvelles techniques, par Marc Chagall, De Chirico, Modigliani, Braque, sans oublier l’avènement en ces années du développement artistique des Ballets russes de Diaghliev, où de nombreux artistes ont participé , costumiers, chorégraphes comme Léonide Massine, musiciens et compositeurs comme Eric Satie... bref, un grand tournant pour l’art comme dans les années 80 pour la danse en Italie, et au-delà.

Je me souviens de cette époque où il y avait vraiment un re-fleur de l’art, pour la danse avant tout. C’était vraiment les

« années d’or », pour la multitude de spectacles qui sont nés, il y avait les places les plus importantes en Italie qui se sont prêtés à danser, comme Venise, l’Arena di Verona, le château de Sforzesco à Milan, où la Scala était un invité chaque année avec ses spectacles, une façon d’artistes, de nouvelles expériences avec des designers du calibre de Versace qui avait commencé à concevoir et produire ses costumes pour la danse pour diverses productions dans les théâtres nationaux.

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La France n’en était pas moins, de nombreuses compagnies expérimentales de danse contemporaine avaient vu le jour. Je me souviens quand j’habitais à Paris à cette époque, la ferveur de découvrir et de faire partie de ces nouvelles productions. La danse a été en cours d’exécution ces derniers temps: tous les arts ont fusionné un peu ensemble, fusionné, trouvé de nouvelles expressions de la langue dans la danse et de nombreuses compagnies en France et en Italie ont redécouvert l’essentialité d’un goût et la vision alternative à la tradition classique.

L’année prochaine, en 2022, le Ballet National de Marseille, remplacé quelques années plus tard par le Ballet National de Marseille R.Petit, soufflera ses 50 bougies. L’une des compagnies d’avant-garde les plus importantes de France, qui a fait de Marseille un point de référence pour la danse comme Roland Petit le souhaitait. • RS

LA COREOGRAFA

Il fascino della canzone

francese ne "La vie en rose" IL DIRETTORE DEL BALLETTO DI MILANO CI PARLA DELL’ARTE DI COMPORRE LA DANZA E IL BALLETTO

I

quella Ville Lumière caratterizzata da un vivace fermento artistico-intellettuale e considerata capitale della cultura a 360°.

Piaf, oltre ad essere un’interprete straordinaria, è generosissima nel lanciare giovani, spesso a lei vicini anche sentimentalmente.

Grazie a lei si forma il nucleo dei cantautori, autori di chansons e chansonniers che domineranno il panorama culturale della canzone francese, influenzando anche i paesi confinanti. “Mostri sacri” come Jacques Brel, Leo Ferré, Georges Brassens, Charles Trenet, Gilbert Bécaud, Yves Montand, Georges Moustaki, Juliette Greco, Barbara e colui che dominò le scene inter-

© Carla Moro e Aurelio Dessì

n un numero dedicato alla Francia non si poteva non riservare uno spazio agli chansonniers, considerato il fenomeno più grande e culturalmente più accreditato della canzone europea che ha il suo centro nel periodo compreso tra gli anni ‘30 e i primi anni ‘50. Sono gli anni dei luoghi di ritrovo sulla rive gauche parigina, anni in cui grandi autori come Cocteau, Prévert e Vian scrivono canzoni per alcuni interpreti sublimi. Tra questi, proprio negli anni ‘30, si afferma una personalità che si impone con la forza di una voce singolare e caratterizzata da mille sfumature: Edith Piaf. La celebre chanteuse incarna un french-style che profuma di Senna, Montmarte e Montparnasse, di

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nazionali fino alla sua scomparsa nel 2018: Charles Aznavour.

La grande chanson française rompe con i vecchi stereotipi e si apre ad un gusto moderno anche in virtù dei forti legami fra la parte sonora e quella letteraria. Oltre le parole e le musiche, tutto ruota attorno ad un afflato drammaturgico e l’interprete mette tutto sé stesso a partire dai gesti, dai movimenti, dagli

di Agnese Omodei Salè

BIOGRAFIA

• Dopo il diploma in danza classica presso Istituto Civico Musicale Brera e si è perfezionata in varie tecniche con professeur di fama mondiale tra cui R. Hightower, C. Zingarelli, M. Popescu, E. Villella, M. Mattox, T. Beatty. Ha iniziato la carriera professionale nel 1978 e ha fatto parte di importanti corpi di ballo (Teatro alla Scala, Arena di Verona, Teatro Comunale di Bologna) dove ha ricoperto anche ruoli solistici e dove ha avuto modo di lavorare con grandi coreografi e interpreti.

• Ha preso parte a numerose produzioni liriche nonché produzioni di danza contemporanea, trasmissioni televisive di successo, convention, pubblicità e sfilate per importanti aziende. Direttrice, maître e coreografa del Balletto di Milano per la Compagnia ha creato numerose coreografie tra cui i balletti Verdi in Danza, rappresentato con successo in Italia, Marocco, Estonia e Lettonia e Carmen. Ha inoltre al suo attivo numerose collaborazioni per i balletti in ambito lirico anche per importanti festival internazionali come La Perla (Pfäffikon, Svizzera), Saaremaa Opera Festival (Estonia), nonché per serate di gala, convention e spettacoli per ragazzi.

• Nel 2017 ha firmato le coreografie per La Vedova Allegra prodotta dall’Orchestra Filarmonica del Marocco a Rabat. È spesso invitata in commissioni di concorsi di danza, giurie, incontri e convegni. è direttore di redazione del periodico tuttoDanza e cura progetti ed iniziative dedicate alla danza.

sguardi, ora sussurrando ora urlando di gioia o di disperazione, narrando storie in maniera anticonformista. I testi sono lirici, poetici e amorosi, nei quali fa comunque capolino la realtà sociale dei quartieri malfamati e, intorno agli anni ’60, si fanno più duri, parlando anche della vita nelle baraccoli delle banlieu parigine e di politica. Sono nate canzoni tuttora indimenticate ed

IL VIDEO / LE VIDEO

indimenticabili, dal fascino intatto negli anni.

Un fascino cui il direttore artistico del Balletto di Milano Carlo Pesta non ha resistito, tanto da dedicare alla canzone francese il balletto La vie en rose che, dal 2010 a oggi, è stato rappresentato in numerosi paesi riscuotendo successi incredibili: dalla Russia al Marocco, Estonia, Svizzera, Finlandia e Francia, dove ha inaugurato la celeberrima Salle Pleyel di Parigi dopo i lavori di restauro. In una coinvolgente successione di quadri, La vie en

Inquadra il QRcode e guarda il video de La vie en rose del Balletto di Milano Encadrez le QRcode et regardez la vidéo de La vie en rose du Ballet de Milan 135

rose reinterpreta i testi poetici e, spaziando dall’ironia alla nostalgia, racconta storie di tutti i giorni ed emozioni individuali in un’intesa perfetta tra i passi e le note. Elegantissimi nel total black con qualche cromatismo qua e là degli abiti di scena haute couture di Armani, Max Mara e Bianchi Milano, i danzatori dell’ensamble stupiscono, divertono, emozionano, rivelando, oltre a straordinarie doti tecniche, grande espressività.

Così come nell’idea coreografica di Adriana Mortelliti la cui visione danzata di celebri brani come La Bohème, Toutes les visage de l’amour, Les comédiens, Hier encore, Sur la table tra i tanti, ha una forte componente interpretativa. Mentre sul fondale scorrono le immagini della Tour Eiffel, dell’Arc du Triomphe e degli chansonniers, lo spettacolo conduce in quel clima effervescente, ma anche po’ nostalgico, inebriando di “pariginità”.

La vie en rose segna il rientro sulle scene del Balletto di Milano dopo oltre un anno di assenza: in maggio a Milano (Teatro Pime, 27) e Savona (Teatro Chiabrera 28) mentre in estate sarà ad Arenzano, Fermo e al Castello Sforzesco di Milano. • RS

LE CHORÉGRAPHE

Le charme de la chanson

française dans " La vie en rose" LE DIRECTEUR DU BALLET DE MILAN NOUS PARLE DE L’ART DE COMPOSER DE LA DANSE ET DES BALLETS

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ans une édition consacrée à la France, on ne pouvait manquer de réserver une place aux chansonniers, considéré comme le phénomène le plus grand et le plus culturellement accrédité de la chanson européenne qui a son centre dans la période entre les années 1930 et le début des années 1950.

Ce sont les années des lieux de rassemblement sur la rive gauche parisienne, années où de grands auteurs comme Cocteau, Prévert et Vian écrivent des chansons pour des interprètes sublimes. Parmi celles-ci, rien que dans les années 1930, une personnalité s’affirme qui s’impose avec la force d’une voix singulière et caractérisée par mille nuances: Edith Piaf. La

célèbre chanteuse incarne un style Français qui sent Senna, Montmarte et Montparnasse, que Ville Lumière caractérise par un ferment artistique-intellectuel vivant et considéré comme capitale de la culture à 360 °.

Piaf, en plus d’être un interprète extraordinaire, est très généreux en jetant les jeunes, souvent près d’elle, même sentimentalement.

Grâce à elle, le noyau d’auteurs-compositeurs, de chansons et de chansonniers qui domineront le paysage culturel de la chanson Français, influençant également les pays voisins, se forme. «Monstres sacrés» comme Jacques Brel, Léo Ferré, Georges Brassens, Charles Trenet, Gilbert Bécaud, Yves Montand,

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Georges Moustaki, Juliette Greco, Barbara et celui qui a dominé la scène internationale jusqu’à sa mort en 2018: Charles Aznavour.

La grande chanson française rompt avec les vieux stéréotypes et s’ouvre aussi à un goût moderne en raison des liens forts entre le son et la partie littéraire.

Au-delà des mots et de la musique, tout tourne autour d’un souffle dramaturgical et l’interprète met tout lui-même à partir de gestes, de mouvements, de regards, chuchotant maintenant hurlant de joie ou de désespoir, racontant des histoires d’une manière anticonformiste.

Les textes sont lyriques, poétiques et amoureux, dans lesquels la réalité sociale des

de Agnese Omodei Salè

quartiers infâmes regarde encore et, vers les années 60, ils se durcissent, parlant aussi de la vie dans le champ de foire du banlieu parisien et de la politique.

Des chansons sont nées qui sont encore indivises et inoubliables, avec un charme intact au fil des ans. Un charme auquel le directeur artistique du Ballet de Milan Carlo Pesta n’a pas résisté, à tel point qu’il dédie à la chanson Français le bal-

let La vie en rose qui, de 2010 à aujourd’hui, a été représenté dans de nombreux pays avec des succès incroyables: de la Russie au Maroc, en Estonie, en Suisse, en Finlande et en France, où il a inauguré la célèbre Salle Pleyel à Paris après les travaux de restauration.

Dans une succession engageante de peintures, La vie en rose réinterprète des textes poétiques et, allant de l’ironie à la nostalgie, raconte des histoires

BIOGRAPHIE • Après avoir obtenu son diplôme en danse classique au Brera Civic Musical Institute et elle a étudié diverses techniques avec des professeurs de renommée mondiale, dont R. Hightower, C. Zingarelli, M. Popescu, E. Villella, M. Mattox, T. Beatty. Il a commencé sa carrière professionnelle en 1978 et a fait partie d’importants corps de danse (Teatro alla Scala, Arena di Verona, Teatro Comunale di Bologna) où il a également occupé des rôles solo et où il a eu l’occasion de travailler avec de grands chorégraphes et interprètes.

• Il a participé à de nombreuses productions d’opéra ainsi qu’à des productions de danse contemporaine, à des émissions de télévision à succès, à des conventions, à des publicités et à des défilés de mode pour d’importantes compagnies. Directeur, maître et chorégraphe du Ballet de Milan pour la Compagnie a créé de nombreuses chorégraphies dont les ballets Verdi à Danza, joués avec succès en Italie, au Maroc, en Estonie et en Lettonie et Carmen. Il a également de nombreuses collaborations pour des ballets d’opéra également pour d’importants festivals internationaux tels que La Perla (Pfäffikon, Suisse), Saaremaa Opera Festival (Estonie), ainsi que pour des soirées de gala, des conventions et des spectacles pour les enfants.

• En 2017, il a signé les chorégraphies de La Vedova Allegra produites par l’Orchestre Philharmonique Marocain de Rabat. Elle est souvent invitée à des comités de concours de danse, des jurys, des réunions et des congrès. il est rédacteur en chef du périodique tuttoDanza et s’occupe de projets et d’initiatives dédiés à la danse.

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quotidiennes et des émotions individuelles dans une parfaite compréhension entre les étapes et les notes. Très élégants en noir total avec un peu de chromatisme ici et là des robes de scène haute couture d’Armani, Max Mara et Bianchi Milano, les danseurs de l’ensamble étonnent, amusent, excitent, révèlent, en plus d’extraordinaires compétences techniques, une grande expressivité.

Ainsi que dans l’idée chorégraphique d’Adriana Mortelliti dont la vision dansée de chansons célèbres telles que La Bohème, Tous les visage de l’amour, Les comédiens, Hier encore, Sur la table parmi tant d’autres, a une forte composante interprétative. Alors que des images de la Tour Eiffel, de l’arc du Triomphe et des chansonniers coulent sur le fond marin, le spectacle mène à ce climat effervescent, mais aussi un peu nostalgique, enivrant de «parisianité».

La vie en rose marque le retour sur les scènes du Ballet de Milan après plus d’un an d’absence: en mai à Milan (Teatro Pime, 27) et Savone (Teatro Chiabrera 28) alors qu’en été ce sera à Arenzano, Fermo et le château de Milan. • RS

IL COSTUMISTA

Jean - Paul Gaultier “ l’enfant terrible ”

FEDERICO VERATTI RACCONTA LA STORIA E L'EVOLUZIONE DEL COSTUME TEATRALE

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n questa occasione dove il numero è totalmente dedicato alla Francia, la mia rubrica sugli stilisti, dovrebbe dedicare l’articolo sicuramente al couturier parigino per antonomasia Monsieur Dior, ma non sarà così.

Ho deciso di raccontare in poche parole la vita e la carriera di Jean-Paul Gaultier, indiscusso “enfant terrible” della moda. Stilista formatosi da sè senza aver frequentato scuo-

le di moda, inizia a proporre i suoi bozzetti già prima degli anni 70, anno in cui verrà assunto da Pierre Cardin, indiscusso stilista dei “tessuti d’avanguardia”. Una carriera quella di Gaultier che lo vede star della moda già alla sua prima collezione nel 1981, dove, la mariniére, farà breccia nei cuori degli appassionati di moda.

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Sulle passerelle questo stile a strisce azzurre e bianche diventerà il marchio di fabbrica, ispiratosi al guardaroba della sua infanzia e al film “Querelle de Brest, l’immagine dell’uomo che oggi possiamo ancora vedere nel packaging dei suoi profumi.

La sua “pazzia” continuò e nel 1985 uscì la Jupe pour homme ovvero la gonna per l’uomo. Non solo un kilt, ma bensì un pantalone a gamba molto larga, con una falda ripiegabile sul davanti che dava l’idea di una vera e propria sottana. Il primo messaggio di abbattimento delle convenzione di genere. Erano gli anni di rivoluzione, dello streetwear punk e trasgressivo, gli anni in cui osare era una trasgressione. Sicuramente oggi sarebbe una normalità o forse un mettersi in mostra ? All’epoca era MODA. Addentrandoci negli anni 90 dove la moda subisce un leggero cambiamento, tornando a forme meno pronunciato, spalle leggermente più piccole e colori più cupi; Jean- Paul

di Federico Veratti

IL SOCIAL / SOCIAL

Inquadra il QRcode e guarda il suo profilo Instagram Encadrez le QRcode et regarde le sien profil Instagram Gaultier produce il suo “corset conique” il famigerato corsetto con il seno conico. L’indumento della donna oggetto già eliminato dal guardaroba femminile dal gruppo femminista, viene rilanciato ed estremizzato dallo stilista, cambiando sempre tessuti e forme. Il capo che verrà lanciato da Madonna nello storico “Blond Ambition Tour” nel 1990 e che rimane presente sulle passarelle dello stilista ancora oggi.

Inizia per Gaultier un susseguirsi di collaborazioni con il mondo del cinema e della musica, dagli abiti per Marilyn Manson, Kylie Minogue, fino ad arrivare a film come Kika di Almodovar.

La donna parigina diventa sfacciata, ma allo stesso tempo di classe, ricercata e allo stesso tempo “popolare”. Se penso a Jean-Paul Gaultier, penso allo stesso tempo a Rosy de Palma, musa dello stilista dal volto picassiano, elegante e trasgressiva. Rileggendo svariate interviste fatte allo stilista, mi rendo conto che in realtà, Gaultier non ha mai voluto dare scandalo, ma semplicemente raccontare quello che lo cir-

condava. In un’intervista apparsa su Repubblica, racconta come per esempio il seno conico venne realizzato da lui su un suo orsacchiotto di pelouche così da poterlo trasformare in una donna. Creando cosi il primo orsacchiotto transgender.

Un uomo che ha sempre cercato di mixare culture, religioni, battendosi per la libertà anche attraverso il suo lavoro, dalle immagini delle riviste patinate dove componenti della religione buddista si fondono con la religione ortodossa e cattolica.

Una guerra che per lo stilista si dovrebbe combattere con piume e lustrini. • RS

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BIOGRAFIA

• Federico Veratti, ex primo ballerino del Balletto di Milano, insegnante e coreografo freelance, dopo diversi anni nel mondo della danza, decide di specializzarsi in costume e sartoria teatrale.

• Ha sempre avuto una passione per la moda e la storia del costume:questa è stato il via che lo ha spinto ad aprire una sua sartoria/ atelier.

• Grazie alla possibilità offertagli da Carlo Pesta e Agnese Omodei Salè nel 2016 ho intrapreso la carriera da costumista, disegnando e dirigendo la sartoria per il SAAREMA OPERA FESTIVAL in Estonia e successivamente lavorando per teatri, privati e case di moda.

LE COSTUMIER

Jean - Paul Gaultier “ l’enfant terrible ”

FEDERICO VERATTI RACONTE L’HISTOIRE ET L’ÉVOLUTION DU COSTUME THÉÂTRAL

A

cette occasion où le numéro est totalement dédié à la France, ma chronique sur les créateurs, devrait dédier l’article certainement au couturier parisien par excellence Monsieur Dior, mais ce ne sera pas le cas.

J’ai décidé de raconter en quelques mots la vie et la carrière de Jean-Paul Gaultier,

incontestable «enfant terrible» de la mode. Designer auto-formé sans fréquenter les écoles de mode, il commence à proposer ses croquis avant même les années 70, année où il sera engagé par Pierre Cardin, designer incontesté de «tissus d’avant-garde».

Une carrière celle de Gaultier qui le voit déjà star de la mode dans sa première collection en 1981, où, le mariniére, va percer dans le cœur des passionnés de mode. Sur les podiums, ce style rayé bleu et blanc deviendra la marque de fabrique, inspirée par la garde-robe de son enfance et le film Querelle de Brest, l’image de l’homme que l’on peut encore voir aujourd’hui dans l’emballage de ses parfums.

Sa «folie» a continué et en 1985 est venu la Jupe pour homme ou jupe pour l’homme.

Non seulement un kilt, mais un pantalon jambe très large,

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de Federico Veratti

avec un toit pliable sur le devant qui a donné l’idée d’un jupon réel. Le premier message de la rupture des conventions de genre. Ce furent les années de révolution, streetwear punk et transgressif, les années où oser était une transgression.

Sûrement aujourd’hui serait-ce une normalité ou peut-être un show-off? À l’époque, c’était LA MODE. Entrer dans les années 90 où la mode subit un léger changement, retournant à des formes moins prononcées, des épaules légèrement plus petites et des couleurs plus foncées; Jean-Paul Gaultier produit son «corset conique» le corset infâme aux seins coniques.

Le vêtement de l’objet femme déjà éliminé de la garde-robe féminine par le groupe féministe, est relancé et exacerbé par le créateur, changeant toujours de tissus et de formes. Le vêtement qui sera lancé par Madonna dans l’historique Blond Ambition Tour en 1990 et qui reste présent sur les passages du créateur encore aujourd’hui.

Une succession de collaborations avec le monde du cinéma

et de la musique commence pour Gaultier, des vêtements pour Marilyn Manson, Kylie Minogue, à des films tels que Kikad’Almodovar.

La Parisienne devient effrontée, mais en même temps classe, recherchée et en même temps «populaire». Si je pense à Jean-Paul Gaultier, je pense en même temps à Rosy de Palma, muse du styliste au visage picassien, élégant et transgressif.

Relisant plusieurs interviews faites au créateur, je me rends compte qu’en réalité, Gaultier n’a jamais voulu faire scandale, mais simplement dire ce qui l’entourait. Dans une interview

BIOGRAPHIE

• Federico Veratti, ancien premier danseur du Ballet de Milan, professeur indépendant et chorégraphe, après plusieurs années dans le monde de la danse, décide de se spécialiser dans le costume et la couture théâtrale.

• Il a toujours eu une passion pour la mode et l’histoire du costume : c’est le début qui l’a poussé à ouvrir son propre atelier de couture.

• Grâce à la possibilité qui lui a été offerte par Carlo Pesta et Agnese Omodei Salè en 2016, j’ai commencé ma carrière en tant que costumier, concevant et dirigeant des tailleurs pour le FESTIVAL D’OPÉRA SAAREMA en Estonie et travaillant ensuite pour des théâtres, des particuliers et des maisons de couture.

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réalisée sur Repubblica, il raconte comment par exemple le sein conique a été fait par lui sur son ours en peluche afin qu’il puisse le transformer en femme. Créant ainsi le premier ours en peluche transgenre.

Un homme qui a toujours essayé de mélanger les cultures, les religions, la lutte pour la liberté aussi à travers son travail, à partir des images de magazines sur papier glacé où les membres de la religion bouddhiste fusionnent avec la religion orthodoxe et catholique.

Une guerre qui pour le designer doit être menée avec des plumes et des paillettes. • RS

STUPORI E ODORI

L 'odore di incenso che

richiama Notre Dame

L'ARTISTA, SARTO E CREATORE DI PROFUMI CI ACCOMPAGNA IN UN VIAGGIO SENSORIALE

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arlare di Francia è come ripiombare nei ricordi. Dal 2007 non mi ha più abbandonato. Furono giorni piovosi, forse per questo le immagini sono ancora scolpite.

Corsi una di quelle mattine alle 7,30 quasi come se arrivassi un minuto dopo la cattedrale di Notre-Dame sparisse o venisse deturpata nella sua intima essenza. E rimasi lì, con la testa appoggiata ad una colonna per ore ed ore. Era la Cattedrale, viva, e con essa tutta l’energia del Medioevo. Era lei che racchiude in sé tutta l’idea della città, un mondo che vive di essa e con essa, con le case raccolte ai suoi piedi e molte quasi a farle l’inchino, le strade che l’avvolgono

e a cui convergono.

Gli uomini hanno cambiato costumi ed abitudini dalla sua edificazione.

Il povero, il delinquente ed il nobile hanno partecipato in egual misura nel loro profondo a costruirne le membra e a dar ad essa alimento poiché la loro vita era dentro di essa ed attorno ad essa.

L’ascesi, la visione altamente spirituale, l’annullamento spaziale del quotidiano fanno della cattedrale di Notre-Dame l’esempio per i tempi a venire fino a diventare una vera e propria ispirazione fino ai giorni nostri.

Difficile oggi immedesimar-

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si nel mondo spirituale e sentimentale di allora, forse perché ha predominato la Fede sulla ragione.

La Francia dell’abate Suger brilla di questa scintilla, vero simbolo di Rinascimento culturale e artistico che si riflette sulla società di allora, lasciando una testimonianza che nessun’altra

di Filippo Sorcinelli

IL SOCIAL / SOCIAL

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forma artistica può permettersi di comparare. Il fermento degli anni di Parigi producono conseguenze incredibili: crescono cattedrali ovunque, crescono università, si cerca di ottenere ricchezza, prima di tutto attraverso la cultura.

Ma i veri “costruttori” sono i commercianti di vino, di lana e di frumento: questa nuova Arte urbana si è concretizzata attraverso gli sforzi di innumerevoli pionieri, piantatori di vigne, costruttori di fossati e di dighe.

Parlare di Notre-Dame oggi è parlare anche di dolore: sembra muta dopo l’incendio ma al contempo viva, quasi elettrica a desiderosa di riaprire le sue porte per stupirci ancora.

Ma qual è la sua essenza? Immediatamente siamo portati a credere che possegga solo il forte odore dell’incenso. Niente di più incompleto!

L’odore di Notre-Dame non è l’incenso. È oggi quell’attimo di fumo che incide a storia. E’ anche acqua che trabocca dalle

pietre, che scende ai lati dell’organo. È oggi squarcio delle volte che fa entrare la luce dal cielo nudo. E’ odore della vita non interrotta, dell’Anima non intaccata, è Croce d’oro che zampilla.

È Verità che avanza. In un mondo sempre più solo muto e lacerato quanto conta oggi vederla?

Quanto sentirla? Quanto viverla? Forse è questo che si prova ad essere francofili… essere costruttori di Rinascita.

Ma quanto siamo capaci oggi di comprenderne non soltanto la Bellezza ma la sua necessità? • RS

BIOGRAFIA

• Pittore, musicista, direttore creativo, fotografo, grafico. Nato a Mondolfo nel 1975. Diplomato Maestro d'Arte presso l'Istituto d'Arte di Fano (Italia), inizia ben presto a lavorare negli atelier di artisti contemporanei.

• Oltre all'arte ha compiuto studi musicali, presso il Conservatorio “G. Rossini” di Pesaro e presso il Pontificio Istituto di Musica Sacra di Roma.

• Fin dall’età di tredici anni è stato organista a Rimini, Fano e San Benedetto del Tronto presso le Cattedrali del paese. È anche diventato direttore artistico di molti prestigiosi festival musicali in Italia. Ha partecipato a numerose mostre di pittura e installazioni d'arte in Italia e all'estero.

• Nel 2001 ha creato LAVS, Atelier che realizza Paramenti Sacri per la liturgia del culto cattolico e che L'Atelier in breve temo un punto di riferimento degli ultimi due Papi: Benedetto XVI e Francesco.

• Per la sua operosità, Filippo riceve richieste da musei che vogliono accogliere le sue opere; altre agenzie chiedono consigli d'arte.

• Filippo è anche fondatore e art director di di un’omonima maison che produce profumi d’eccellenza. Le fragranze sono caratterizzate da rigorose ricerche che hanno le loro origini nella storia, nei viaggi, nell'arte di Filippo. È fondatore e direttore artistico di SYNESTHESIA Festival, unico in Italia dedicato ai cinque sensi.

• È organista e direttore artistico della Chiesa della Croce di Senigallia, gioiello barocco tra i più importanti in Italia.

• Nel 2015 riceve la Benemerenza Civica per i meriti artistici dal Comune di Santarcangelo di Romagna.

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STUPEURS ET ODEURS

Le parfum de l’encens

qui rappelle Notre Dame

L’ARTISTE, TAILLEUR ET PARFUMEUR NOUS ACCOMPAGNE DANS UN VOYAGE SENSORIEL

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arler de la France, c’est comme retourner dans la mémoire. Il ne m’a pas abandonné depuis 2007. C’était les jours de pluie, c’est peut-être pourquoi les images sont encore sculptées. J’ai couru un de ces matins à 7h30 presque comme si arriver une minute plus tard cathédrale Notre-Dame a disparu ou a été défiguré dans son essence intime. Et je me tenais là, la tête reposant sur une colonne pendant des heures. C’était la cathédrale, vivante, et avec elle toute l’énergie du Moyen Age. C’est elle qui incarnait toute l’idée de la ville, un monde qui y vit et avec elle, avec les maisons rassemblées à ses pieds et beau-

coup s’inclinant presque devant elle, les rues qui l’enveloppent et convergent. Les hommes ont changé les coutumes et les habitudes depuis sa construction.

Les pauvres, les délinquants et le noble ont participé dans la même mesure dans leurs profondeurs à la construction de leurs membres et à son alimentation parce que leur vie était en elle et autour d’elle.

L’ascétisme, la vision hautement spirituelle, l’annulation spatiale de la vie quotidienne font de la cathédrale Notre-Dame un exemple pour les temps à venir jusqu’à ce qu’elle devienne une véritable inspiration à ce jour. Il est difficile aujourd’hui

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de s’identifier au monde spirituel et sentimental de l’époque, peut-être parce que la foi l’emportait sur la raison.

La France de l’abbé Suger brille par cette étincelle, véritable symbole de la Renaissance culturelle et artistique qui se reflète dans la société de l’époque, laissant un témoignage qu’aucune autre forme artistique ne peut se permettre de comparer. Le ferment des années parisiennes a des conséquences incroyables : les cathédrales poussent partout, les universités grandissent, la richesse est recherchée, d’abord et avant tout par la culture.

Mais les véritables «bâtisseurs» sont les négociants en vin,

de Filippo Sorcinelli

laine et blé : ce nouvel art urbain s’est réalisé grâce aux efforts d’innombrables pionniers, planteurs de vignobles, constructeurs de fossés et de barrages. Parler de Notre-Dame aujourd’hui, c’est aussi de la douleur: il semble muet après l’incendie mais en même temps vivant, presque électrique désireux de rouvrir ses portes pour nous étonner à nouveau. Mais quelle est son essence ?

Immédiatement, nous sommes amenés à croire qu’il n’a que la forte odeur de l’encens. Rien de plus incomplet! L’odeur de Notre-Dame n’est pas de l’encens.

C’est aujourd’hui ce moment de fumée qui affecte l’histoire.

C’est aussi l’eau qui déborde des pierres, qui descend sur les côtés de l’orgue. Aujourd’hui, je déchire les voûtes qui laisse entrer la lumière du ciel nu. C’est l’odeur de la vie ininterrompue, de l’âme non affectée, c’est la croix d’or qui pattes. C’est la vérité qui progresse. Dans un monde de plus en plus muet et

BIOGRAPHIE • Peintre, musicien, directeur créatif, photographe, graphiste. Né à Mondolfo en 1975. Diplômé d’une maîtrise en art de l’Institut d’Art de Fano (Italie), il a rapidement commencé à travailler dans les ateliers d’artistes contemporains.

• En plus de l’art, il a étudié la musique, au Conservatoire G. Rossini de Pesaro et à l’Institut pontifical de musique sacrée de Rome.

• Depuis l’âge de treize ans, il est organiste à Rimini, Fano et San Benedetto del Tronto dans les cathédrales de la ville. Il est également devenu directeur artistique de nombreux festivals de musique prestigieux en Italie.

Il a participé à de nombreuses expositions de peinture et d’installations artistiques en Italie et à l’étranger.

• En 2001, il a créé LAVS, un Atelier qui crée des vestments sacrés pour la liturgie du culte catholique et que L’Atelier en bref je crains un point de référence des deux derniers papes: Benoît XVI et François.

• Pour son travail acharné, Philippe reçoit des demandes de musées qui souhaitent accueillir ses œuvres; d’autres agences demandent des conseils artistiques.

• Filippo est également le fondateur et directeur artistique d’une maison homonyme qui produit d’excellents parfums. Les parfums se caractérisent par des recherches rigoureuses qui ont leurs origines dans l’histoire, les voyages, l’art de Philippe. Il est fondateur et directeur artistique du SYNESTHESIA Festival, unique en Italie dédié aux cinq sens.

• Il est organiste et directeur artistique de l’Église de la Croix de Senigallia, l’un des joyaux baroques les plus importants d’Italie.

• En 2015, il a reçu la Civic Benemerenza pour des mérites artistiques de la municipalité de Santarcangelo di Romagna.

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déchiré, quelle est son importance de le voir aujourd’hui ?

Combien l’entendre ? Combien le vivre ? C’est peut-être ce que ça fait d’être francophile... être les bâtisseurs de la Renaissance.

Mais sommes-nous aussi capables aujourd’hui de comprendre non seulement sa Beauté, mais aussi sa nécessité? • RS

LA TRUCCATRICE

Maschere di bellezza e

parrucche a Versailles

IN VIAGGIO CON LA MAKE UP ARTIST ANGELA VALENTINO NEL MONDO DEL TRUCCO ARTISTICO

Q

uale era, di solito, il make up abituale di una dama francese del ‘700? Le fortunate signore che avevano la possibilità di passare da Versailles, ma anche le nobildonne un po’ meno altolocate, trascorrevano ore e ore davanti allo specchio ogni giorno per essere alla moda e presentarsi al cospetto degli altri nel migliore dei modi.

A volte, quando ammiriamo la maggior parte dei ritratti del XVIII secolo rimaniamo stupiti dalla bianchezza dei volti dei protagonisti di tali quadri.

Questo pallore ritratto dagli artisti dell’epoca, molte volte viene attribuito alla gamma di colori molto freddi utilizzati nel ‘700: non molte persone,

però, sanno che quel candido pallore e quelle guance rosee erano dati dalla moda del tempo che imponeva alle dame di truccarsi il viso con una sostanza chiamata biacca o cerusa, velenosa all’organismo e dannoso alla pelle perché conteneva tracce di piombo.

La biacca conferiva a donne e uomini un effetto alquanto spettrale che si può vedere nella maggior parte dei quadri risalenti al XVIII secolo. Questo trucco rendeva il volto delle persone simili a statuine di porcellana, fragili e delicati.

I canoni dell’epoca, come ho accennato prima, prevedevano

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come base per il trucco una pelle bianchissima, simile al colore dei visi delle bamboline di porcellana.

La biacca conferiva al viso un aspetto diafano, liscio e levigato, ed era in grado di nascondere alla perfezione gli antiestetici segni lasciati dal vaiolo, una patologia in quel periodo diffusissima. Il trucco proseguiva poi con tocchi

di Angela Valentino

di colore per occhi, guance e labbra. Le preferenze andavano a tutta gamma dei rosa, fino al carminio e al violetto: erano queste le tonalità più in voga, ricordiamo la famosissima Marie Antoniette.

Ma molto importante a quell’epoca non era solo il trucco ma anche le maschere di bellezza, davvero in voga tra le dame francesi, in verità piuttosto complicata nel procedimento, ma efficaci.

Il primo passo per realizzare la maschera consisteva nell’unire vino caldo, allume, gelatina di piedi di vitello, albume e garofani pestati, nel lasciarli macerare e infine nel distillarli a fuoco lento. Si prendevano poi alcuni fazzoletti bianchi di cotone o di lino, si immer-

gevano nel liquido ottenuto, vi si lasciano per dodici ore, si strizzavano delicatamente e si lasciavano asciugare all’aria aperta ma rigorosamente all’ombra; la suddetta operazione doveva essere ripetuta, per intero, tre volte.

Alla fine, i fazzoletti si posavano sul viso e vi si lasciavano per qualche ora, si toglievano, si massaggiava delicatamente la pelle e si sciacquava con acqua tiepida.

Ma un altro simbolo importante nel ‘700, soprattutto in Francia, oltre a make up e maschere di bellezza era l’uso della parrucca. Inizialmente, la parrucca aveva il semplice compito di sostituire la folta criniera andata perduta, ma nel ‘700 iniziò ad essere con-

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BIOGRAFIA

• Angela Valentino una giovane Make up artist italiana con una forte inclinazione per le arti del makeup.

• La sua passione è iniziata con le arti dello spettacolo durante il liceo artistico. Laureata in Scenografia e costume per lo spettacolo all’Accademia di Belle Arti di Brera di Milano e diplomata in Truccatore artistico alla BCM Cosmetics di Milano. Successivamente, ha lavorato per diversi teatri, televisione , cinema e moda.

• Ha vinto due premi come miglior truccatrice a Los Angeles e a New York. Ora vive da sei anni a New York.

siderata dai sovrani qualcosa di più: un completamento dell’abbigliamento con cui manifestare tutto lo sfarzo e la propria vanità, anche se i capelli crescevano ancora; questo anche perché nel ‘600 e ‘700 soprattutto in Francia, i capelli veri generalmente erano molto sporchi e pieni di pidocchi, poiché si aveva la convinzione o meglio la superstizione che lavarsi il corpo e i capelli favorisse il passaggio di molte malattie attraverso la dilatazione dei pori della pelle e del cuoio capelluto causata dall’acqua calda.

Le parrucche più utilizzate erano inizialmente coperte di cipria bianca, capace sia di conferire un aspetto luminoso ed angelico a chi la portava che di imitare il colore delle pomate utilizzate per fare uno shampoo secco ai capelli, ma nel ‘700 cominciarono a comparire anche parrucche colorate di rosa, di viola di grigio e di marrone.

Nel XVIII secolo furono soprattutto le donne ad apprezzare l’invenzione della parrucca, che divenne uno dei simboli della moda barocca e soprattutto del Settecento del Rococò. • RS

LE MAQUILLEUR

Masques de beauté et

perruque a Versailles

VOYAGER AVEC LA MAQUILLEUSE ANGELA VALENTINO DANS LE MONDE DU MAQUILLAGE ARTISTIQUE

Q

uelle était, d’habitude, la maquillage habituelle d’une dame Français des années 700? Les dames chanceuses qui ont eu l’occasion de passer par Versailles, mais aussi les nobles hommes un peu moins haut rang, passaient des heures et des heures devant le miroir chaque jour pour être à la mode et se présenter en présence des autres de la meilleure façon.

Parfois, lorsque nous admirons la plupart des portraits du XVIIIe siècle, nous sommes émerveillés par la blancheur des visages des protagonistes de ces tableaux. Cette pâleur dépeinte par les artistes de l’époque, plusieurs fois est attribuée à la gamme de couleurs très froides utilisées dans les années 700: peu de gens, cependant, savent que cette pâleur candide et ces joues roses ont été donnés par la mode de l’époque qui a exigé des dames de faire leur visage avec une substance appelée biacca ou faon, toxique pour le corps et nocif pour la peau parce qu’il contenait des traces de plomb.

Le biacca donnait aux femmes et aux hommes un effet un peu effrayant que l’on peut voir dans la plupart des peintures datant du XVIIIe siècle.

Cette astuce a fait ressembler les visages des gens à des figurines en porcelaine, fragiles et délicates. Les canons de l’époque, comme je l’ai mentionné plus tôt, ont servi de base au maquillage d’une

peau très blanche, semblable à la couleur des visages des poupées en porcelaine. Le biacca donnait au visage un aspect diaphane, lisse et lisse, et a pu cacher parfaitement les signes disgracieux laissés par la variole, une pathologie

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alors répandue. Le maquillage a ensuite continué avec des touches de couleur pour les yeux, les joues et les lèvres.

Les préférences sont allées à la gamme complète de roses, jusqu’à carmin et violet: ce sont les nuances les plus po-

de Angela Valentino

pulaires, nous nous souvenons de la célèbre Marie Antoniette. Mais très important à cette époque n’était pas seulement le maquillage, mais aussi des masques de beauté, vraiment en vogue parmi les dames Français, en fait assez compliqué dans le processus, mais efficace.

La première étape dans la fabrication du masque a été de combiner le vin chaud, alun, gelée de pied de veau, blancs d’œufs battus et oeillets, les laisser macérer et enfin les distiller à feu doux.

Ils ont ensuite pris des mouchoirs en coton blanc ou en linge, se sont immergés dans le liquide obtenu, sont partis pendant douze heures, se sont pressés doucement et se

sont laissés sécher en plein air mais strictement à l’ombre; l’opération susmentionnée a dû être répétée, en totalité, trois fois.

En fin de compte, les mouchoirs gisaient sur leur visage et sont partis pendant quelques heures, ont décollé, ont doucement massé leur peau et rincés à l’eau chaude.

Mais un autre symbole important dans les années 1700, en particulier en France, en plus du maquillage et des masques de beauté a été l’utilisation de la perruque. Initialement, la perruque avait la tâche simple de remplacer la manne épaisse perdue, mais dans les années 1700, il a commencé à être considéré par les souverains quelque

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BIOGRAPHIE

• Angela Valentino une jeune maquilleuse italienne avec une forte inclination pour les arts du maquillage.

• Sa passion a commencé avec les arts de la scène pendant l’école secondaire artistique.

Diplômé en scénographie et costume pour le spectacle à l’Académie Brera des Beaux-Arts de Milan et diplômé en maquilleur artistique à BCM Cosmetics à Milan. Plus tard, il a travaillé pour plusieurs théâtres, la télévision, le cinéma et la mode.

• A remporté deux prix du meilleur maquillage à Los Angeles et à New York. Il vit maintenant à New York depuis six ans.

chose de plus: une finition des vêtements avec lesquels manifester toute la pompe et la vanité, même si les cheveux poussaient encore; c’est aussi parce que dans les années 1600 et 1700 surtout en France, les vrais cheveux étaient généralement très sales et pleins de poux, puisque l’on avait la croyance ou plutôt la superstition que laver le corps et les cheveux favorisait le passage de nombreuses maladies par la dilatation des pores de la peau et du cuir chevelu causée par l’eau chaude.

Les perruques les plus utilisées ont d’abord été recouvertes de poudre blanche, capable à la fois de donner un aspect lumineux et angélique au porteur et d’imiter la couleur des onguents utilisés pour faire un shampooing sec pour les cheveux, mais dans les années 1700 perruques colorées de rose, gris violet et brun a également commencé à apparaître.

Au XVIIIe siècle, ce sont surtout les femmes qui apprécient l’invention de la perruque, devenue l’un des symboles de la mode baroque et surtout du rococo du XVIIIe siècle.• RS

LO SCENOGRAFO

Il Teatro della Regina IL PRODUCTION DESIGNER E "ARCHITETTO DELL'EFFIMERO" RACCONTA IL SUO LAVORO

I

n questo periodo storico di resistenza e sopravvivenza che stiamo affrontando, questo mese scopriremo un piccolo teatro che si trova all’interno dei giardini di Versailles che è riuscito a sopravvivere anche alla rivoluzione francese ed anche i tempi attuali al Covid stiamo parlando del teatro privato della regina Maria Antonietta.

La costruzione iniziò nel giugno del 1778 dall’architetto Richard Mique e come detto antecedentemente tornerà a vivere una nuova vita molto presto.

Proprio a seguito di una ristrutturazione avvenuta durante il lockdown, un team di esperti ha dichiarato nuovamente agibile il teatro. Purtroppo non potrà avere una sua programmazione

stagionale ma una volta ogni due anni potremo goderci uno spettacolo tra queste storiche mura. Ma addentriamoci in questa fantastica storia di questo piccolo ma importante teatro soprattutto per Maria Antonietta.

All’esterno troviamo un edificio molto semplice che contrasta con il suo interno fastoso, con decorazione importanti e tappezzato di velluto blu e seta.

Ai laterali gli emblemi della tragedia e della commedia, nota importante le sculture erano fatte di cartapesta e poi dorate per contenere i costi.

Posizionato per volere della regina tra tigli e noci dove prima c’era una serra era per lei il

suo posto dove ritrovarsi. Appassionata di teatro in passato si racconta che aveva addirittura costituito una sua compagnia formata ovviamente da parenti e insieme a loro si divertiva a recitare i migliori pezzi del repertorio della commedia francese.

Tornando al teatro il sipario di proscenio era una dei pochi lussi concessi era in taffetà blu con frange oro, per quanto riguarda i macchinari di scena i più moderni del tempo furono affidati a Boullet ispettore già dei teatri reali.

Nel sottopalco posizionò un grande verricello che comanda-

TRA I SUOI LAVORI

• Assistente Scenografo: 2000 teatro Buonanotte Mamma regia L. Salveti; 2001 teatro Otello regia G. Del Monaco; 2002 teatro Tancredi regia M. Gasparon; 2003 teatro Proserpine regia M. Gasparon; 2003 teatro Orfeo regia M. Gasparon; 2015 teatro Una coppia in provetta regia G. Corsi; • Scenografo: 2006 Premiere del film animato The Wild (Disney), 2017 Design Area Kids Family Hotels, 2018 teatro Romeo e Giulietta regia M. Iacopini. 2019 teatro La leggenda di Thor regia A. Ronga

Entrata

150

di Antonello Risati

IL VIDEO / LE VIDEO

Sezione

Inquadra il QRcode e guarda i suoi lavori va da un lato le funi che permettevano il movimento delle scene su telai scorrevoli e dall’altro ci permetteva di far scendere le strutture sospese di solito usate per i fondali.

L’orchestra era posizionata di fronte al palco nel golfo mistico che poteva ospitare ben 22 musicisti e la sala di forma ovale a cui si accedeva dopo il foyer di forma ottagonale poteva ospitare fino a 200 persone. Novità importante fu la buca del suggerito posta centro del proscenio dove prima invece era posto in quinta.

La prima rappresentazione avvenne il primo giugno del 1780 e l’inaugurazione solenne un paio di mesi dopo... la stessa regina volle un evento strettamente privato, la compagnia che debutto era composta da membri della famiglia e dai suoi intimi e il suo nome infatti fu “la compagnia dei signori” e il pubblico composto da personale di servizio di basso rango, che criticò ampiamente lo spettacolo.

Comunque in seguito all’interno del teatro si tenevano spettacoli con testi e musica

Platea

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Encadrez le QRcode et regarde ses oeuvres moderna quindi diciamo fuori dal protocollo dell’opera reale di Versailles che invece era riservata solo musica antica.

Detto questo il poter ancora vivere le magie e la storicità del teatro della regina mi fa ben sperare per il futuro e ci fa riflettere su come un teatro di così piccole dimensioni riesca a sopravvivere a rivoluzioni guerre e pandemie! Alla prossima! • RS

LE SCÉNOGRAPHE

Théâtre de la Reine

LE CONCEPTEUR DE PRODUCTION ET «ARCHITECTE DE L’ÉPHÉMÈRE» RACONTE SON TRAVAIL

E

n cette période historique de résistance et de survie à laquelle nous sommes confrontés, nous découvrirons ce mois-ci un petit théâtre situé à l’intérieur des jardins de Versailles qui a réussi à survivre même à la révolution Français et aussi à l’époque actuelle à Covid, nous parlons du théâtre privé de la reine Marie-Antoinette. La construction a commencé en Juin 1778 par l’architecte Richard Mique et comme mentionné avant qu’il ne revienne vivre une nouvelle vie très bientôt. À la suite d’une rénovation pendant le confinement, une équipe d’experts a déclaré que le théâtre était à nouveau utilisable. Malheureusement, il ne sera pas en mesure d’avoir sa propre programmation saisonnière, mais une fois tous les deux ans, nous pouvons profiter d’un spectacle dans ces murs historiques. Mais nous allons plonger dans cette histoire fantastique de ce petit mais important théâtre en particulier pour Marie Antoinette.

Maria Antonietta in abito da caccia rosso

PARMI SES OEUVRES

• Assistant Set Designer: 2000 Teatro Buonanotte Mamma réalisé par L. Salveti; 2001 Teatro Otello réalisé par G. Del Monaco; 2002 Teatro Tancredi réalisé par M. Gasparon; 2003 Teatro Proserpine réalisé par M. Gasparon; 2003 Teatro Orfeo réalisé par M. Gasparon; 2015 teatro Una coppia in provetta regia G. Corsi; • Scénographe : Première en 2006 du film d’animation The Wild (Disney), Design Area Kids Family Hotels 2017, 2018 teatro Romeo e Giulietta réalisé par M. Iacopini. Théâtre 2019 The Legend of Thor mis en scène par A. Ronga

Platea vista dal palcoscenico

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de Antonello Risati

A l’extérieur, nous trouvons un bâtiment très simple qui contraste avec son intérieur somptueux, avec une décoration importante et rembourré de velours bleu et de soie. Sur le côté les emblèmes de la tragédie et de la comédie, une note importante les sculptures ont été faites de carâché, puis d’or pour contenir les coûts.

Placée à la demande de la reine entre les tilleuls et les noix où avant il y avait une serre, c’était à elle de se retrouver.

Passionnée de théâtre dans le passé, on dit qu’elle avait même formé sa propre compagnie composée de parents et qu’avec eux elle aimait réciter les meilleures pièces du répertoire de la comédie Français. De retour au théâtre, le rideau de proscénium fut l’un des rares luxes accordés était en « taffetà » bleu avec franges dorées, en ce qui concerne les machines scéniques, les plus modernes de l’époque étant confiés à Boullet inspecteur déjà des théâtres royaux.

Dans le dessous, on a placé un grand treuil qui contrôlait d’un côté les cordes qui permettaient le mouvement des scènes sur les cadres coulissants et d’autre part nous a permis de faire tomber les structures suspendues habituellement utilisées pour le fond marin. L’orche-

Palcoscenico

stre était placé devant la scène dans le golfe mystique qui pouvait accueillir jusqu’à 22 musiciens, et la salle ovale accessible après le foyer octogonal pouvait accueillir jusqu’à 200 personnes. Les nouvelles importantes étaient le trou du centre suggéré de poteau du proscenium où d’abord il a été placé dans le cinquième.

La première représentation a eu lieu le 1er juin 1780

Sezione longitudinale

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et l’inauguration solennelle quelques mois plus tard... la reine elle-même voulait un événement strictement privé, la compagnie qui a fait ses débuts était composée de membres de la famille et ses intimes et son nom, en fait, était « la compagnie des seigneurs » et le public composé de personnel de service de bas rang, qui a largement critiqué le spectacle.

Cependant, plus tard à l’intérieur du théâtre il y avait des spectacles avec des textes et de la musique moderne, donc disons en dehors du protocole de l’opéra royal de Versailles qui était plutôt réservé que la musique ancienne. Cela dit, le fait de pouvoir encore faire l’expérience de la magie et de l’historicité du théâtre de la Reine me donne de l’espoir pour l’avenir et nous fait réfléchir sur la façon dont un si petit théâtre parvient à survivre aux révolutions dans les guerres et les pandémies! A la prochaine fois ! • RS

PAROLE D'ARTISTA

André

Derain e la

trasposizione della realtà I NOSTRI COLORI SONO CARTUCCE DI DINAMITE!»

Il faro di Collioure (1905)

C

onosciamo l’artista di questo mese che usa i colori come cartucce di dinamite e questo ci fa subito capire come il nostro protagonista intenda esprimere la propria arte. Ma torniamo a quando fu definito una belva del colore insieme ad altre famose belve tra cui alcuni artisti conosciuti anche al grande pubblico come Henri Matisse. È stato il critico parigino Louis Vauxcelles che al Salon d’Automne del 1905 vedendo una scultura rinascimentale vicino ai quadri del gruppo di pittori contemporanei esclamò:

"È Donatello in mezzo alle belve" e tale restò il nome attribuito a questo gruppo di pittori... Addentriamoci meglio nella poetica di Derain lui

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vede i pittori dividersi in due categorie: "i pittori di piani sono tutti servi dell’architettura, è il loro guaio. I pittori di luce sono tutti schiavi del mondo fisico nel quale tutti quanti loro sprofondano. Io penso che la pittura dei piani sia totalmente morta poiché necessita della costruzione che la prolunga e la sua natura fisica importa poco".

Derain cerca di tracciare e percorrere una strada nuova fatta di incertezze ma anche di sicurezze che ha capito e studiato dai maestri prima di lui.

Importante fu la crescita e il confronto con Matisse che

di Antonello Risati

lo portò all’apice della ricerca di questo periodo della sua vita:«tornare alla purezza dei mezzi e semplificare la pittura.» e ancora sempre dalle sue parole «questa tendenza di fare del colore una nuova materia nella quale si effettua una trasposizione proprio come nel legno e nel marmo?»

Ma andiamo a fondo e vediamo cosa intende l’artista nel forgiare «una vera e propria trasposizione» della realtà.

"Io credo che le linee, i colori, abbiano dei rapporti piuttosto forti nel loro parallelismo con la base vitale per permettere di cercare, nella loro esistenza reciproca è infinita, di trovare in un campo non nuovo, ma più reale e soprattutto più semplice nella sua sintesi".

Siamo all’inizio del luglio anno 1905 il nostro artista raggiunge Matisse nella splendida località di Collioure sulla costa catalana, lo stesso Matisse dirà che "non esiste in Francia un cielo più azzurro e dalla finestra della mia stanza vedo tutti i colori del Mediterraneo". Proprio lì nascerà in pratica ciò che fine ad adesso era stato solo In parte teorizzato.

Donna in camicia (1906)

Ma leggiamo le sensazioni di Derain "gente, volti abbronzati con la pelle cromo, arancio, brunito. Vasellame rosso, verde o grigio, barche multicolori, una luce bionda, dorata che elimina le ombre" In fin dei conti a Derain interessava trovare l’armonia pittorica con tinte piatte e riuscendo a traportare una nuova realtà nei suoi dipinti. Infatti in una delle sue lettere scriverà: "ma ciò che va fatto ad ogni costo è riformare la concezione d’armonia che credere

che per essere armonioso (...) ovvero presentare una superficie liscia senza scarti bruschi".

Tornando alla frase iniziale da cui è partito il nostro viaggio "i nostri colori diventano cartucce di dinamite; non stavamo mai abbastanza lontani per guardare le cose e fare in pace la nostra trasposizione".

Da questo punto in poi le belve saranno libere di scorrazzare con i loro armoniosi colori senza più gabbie e recinti a fermarle. Alla prossima! • RS

Pescatori a Collioure (1905)

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MOTS D’ARTISTE

André

Derain et la

transposition de la réalité

« NOS COULEURS SONT DES CARTOUCHES DE DYNAMITE! »

Montagne a Collioure (1905)

C

onnaissons l’artiste de ce mois-ci, l’artiste qui utilise les couleurs comme cartouches de dynamite et cela nous fait immédiatement comprendre comment notre protagoniste a l’intention d’exprimer son art. Mais revenons à l’époque où il a été appelé une bête noire avec d’autres bêtes célèbres, y compris certains artistes également connus du grand public comme Henri Matisse. C’est le critique parisien Louis Vauxcelles qui, au Salon d’Automne en 1905, voit une sculpture renaissance près des tableaux du groupe de peintres contemporains s’exclame: " C’est Donatello au milieu des bêtes" et c’est resté le nom attribué à ce groupe de peintres...

Approfondis mieux les pensées de Derain.

Il voit les peintres divisés en deux catégories: "Les peintres de piano sont tous des serviteurs de l’architecture, c’est leur problème. Les peintres de lumière sont tous esclaves du monde physique dans lequel tous s’enfoncent. Je pense que la peinture des plans est totalement morte parce qu’elle a besoin de la construction qui la prolonge et que sa nature physique compte peu".

Derain tente de tracer et de suivre une nouvelle voie faite d’incertitudes mais aussi de sécurité qu’il a comprise et étudiée par les maîtres avant lui. La croissance et la comparaison avec Matisse qui l’ont

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Ritratto di Henri Matisse (1905)

de Antonello Risati

amené au sommet de la recherche de cette période de sa vie sont importantes : «revenir à la pureté des moyens et simplifier la peinture». Et encore, selon ses mots, "cette tendance à faire de la couleur un nouveau matériau dans lequel une transposition se fait comme dans le bois et le marbre?" Mais allons au fond et voyons ce que l’artiste entend forger "une véritable transposition" de la réalité.

"Je crois que les lignes, les couleurs, ont des relations assez fortes dans leur parallélisme avec la base vitale pour nous permettre d’essayer, dans leur existence mutuelle est infinie, de trouver dans un domaine non pas nouveau, mais plus réel et surtout plus simple dans sa synthèse".

Nous sommes début juillet 1905 notre artiste atteint Matisse dans la splendide ville de Collioure sur la côte catalane, Matisse lui-même dira qu'"il n’y a pas de ciel plus bleu en France et de la fenêtre de ma chambre je vois toutes les couleurs de la Méditerranée".

C’est précisément là que naîtra pratiquement ce qui

avait été imaginé. Mais lisons les sensations de Derain : "Les gens, les visages bronzés avec chrome, orange, peau brunie.

Poterie rouge, verte ou grise, bateaux multicolores, lumière blonde et dorée qui élimine les ombres".

Enfin, Derain était intéressé à trouver l’harmonie picturale avec les couleurs des taches et de réussir à transporter une nouvelle réalité à ses peintures.

Dans une de ses lettres, il écrira : « Mais ce qu’il faut faire à tout prix, c’est réformer le concept

L’entrata del porto (1906)

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d’harmonie qui croit que c’est harmonieux (...) ou présenter une surface lisse sans déchets brusques. Pour en revenir à la phrase initiale à partir de laquelle notre voyage a commencé " nos couleurs deviennent des cartouches de dynamite; nous n’avons jamais été assez loin pour regarder les choses et faire notre transposition en paix.

A partir de là, les bêtes seront libres de courir avec leurs couleurs harmonieuses sans plus de cages et de clôtures pour les arrêter... A la prochaine fois ! • RS

FOCUS

Nel “ Moulin Rouge” di Baz Luhrmann c'è tutto l’amore bohèmien LA NOSTRA TIROCINANTE ACCENDE I RIFLETTORI SULLA PELLICOLA DEDICATA AL FAMOSO LOCALE PARIGINO E AL CANCAN, DIVENTATO UN MITO FRANCESE IN TUTTO IL MONDO

P

arigi 1899 e la rivoluzione bohèmienne: artisti e letterati incompresi emergono e si fanno strada per diffondere i loro ideali di libertà, indipendenza e amore per la vita.

Esce nel 2001 nelle sale cinematografiche il film Moulin Rouge del regista e sceneggiatore Baz Luhrmann, che deci-

de di ambientare e raccontare l’amore all’interno del famoso locale ricevendo 8 candidature agli Oscar e vincendo premi per miglior scenografia e costumi. La città dell’amore è stata ricreata in digitale e mostra il famoso locale con richiami all’India, al centro di una grigiastra Parigi.

La sua famosa insegna va in

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secondo piano e lascia spazio all’immenso elefante indiano, il luogo dove intrighi e malintesi coinvolgono gli spettatori fino alla fine del film. All’interno del Moulin Rouge, il locale storicamente famoso per il cancan, le ballerine danzano con gonne ampie a diversi strati colorati, facendo eccitare uomini e artisti che si confrontano su idee rivoluzionarie.

La trama si divide in due filoni: il protagonista Christian (Ewan McGregor) scrive dell’amore come “il sentimento che muove il mondo”, mentre Henri de Toulouse-Lautrec, pittore realmente esistito, interagisce con il pubblico e canta la complicata storia d’amore tra lo scrittore sognatore e l’affascinante Satine (Nicole Kidman).

Satine, il diamante del Cabaret, veste perfettamente l’idea della donna/artista di fine Ottocento e diventa musa ispiratrice di Christian ma, al contrario di una Beatrice dantesca o di una Lucia Mondella, è audace, seducente, perfettamente consapevole della difficoltà della sopravvivenza in un mondo pieno di uomini senza scrupoli.

di Veronica Frasca

Gli altri personaggi del film esprimono a loro volta il loro giudizio sull’amore cercando, a volte e inutilmente, di comprenderlo come l’argentino narcolettico che canta “è inutile innamorarsi di una prostituta poiché non ricambierà mai l’amore” in un emozionante El Tango de Roxanne dei Police.

Per il film sono state scelte canzoni rock e pop celebri come Natural boy di David Bowie e Your Song di Elton John, Because We Can, Lady Marmelade, Smell Like Teen Spirit dei Nirvana e il Can Can Medley, tutte famose melodie orchestrate magistralmente. L’unico brano originale è Come What May sulle cui note l’amore trionfa sulla tragedia della vita, la morte di Satine tra le braccia del suo amato Christian.

Sono spesso citate le “regole” del credo bohémien e la trama talvolta risulta scontata: una classica storia d’amore, ma la scelta delle musiche, i dettagli dei costumi e delle scenografie rendono questo film/musical unico nel suo genere. • RS

MOULIN ROUGE APRE A LONDRA • La produzione West End di Moulin Rouge aprirà a novembre, iniziando le esibizioni al Piccadilly Theatre dal 12 novembre 2021.

MOULIN ROUGE OUVRE À LONDRES • La production West End du Moulin Rouge ouvrira ses portes en novembre et débutera les représentations au Piccadilly Theatre le 12 novembre 2021.

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FOCUS

" Moulin Rouge" de

Baz Luhrmann e tout son amour bohème

NOTRE STAGIAIRE VERONICA FRASCA MET EN LUMIÈRE LE FILM DÉDIÉ À LA CÉLÈBRE SALLE PARISIENNE ET SUR LE CANCAN, QUI EST DEVENU UN MYTHE FRANÇAIS PARTOUT DANS LE MONDE

P

aris 1899 et la révolution bohème : des artistes et des hommes de lettres mal compris, émergent et font leur chemin pour répandre leurs idéaux de liberté, d’indépendance et d’amour pour la vie.

En 2001, le film Moulin Rouge du réalisateur et scénariste Baz Luhrmann est sorti en salles, film qui a décidé de mettre et de raconter l’amour à l’intérieur de la célèbre boîte parisien, recevant 8 nominations aux Oscars et remportant les

prix de la meilleure conception de décors et costumes. La ville de l’amour a été recréée numériquement et montre le célèbre lieu avec des références à l’Inde, au centre d’une Paris toute sombre.

Son célèbre enseigne en arrière-plan et place à l’immense éléphant indien, le lieu où intrigues et malentendus impliquent les spectateurs jusqu’à la fin du film. A l’intérieur du Moulin Rouge, lieu historiquement célèbre pour le cancan,

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les danseurs dansent en jupes larges en différentes couches colorées, devant des hommes passionnants et des artistes qui confrontent des idées révolutionnaires.

L’intrigue est divisée en deux volets: le protagoniste Christian (Ewan McGregor) parle d’amour comme « le sentiment qui émeut le monde », tandis qu’Henri de Toulouse-Lautrec, peintre qui existait vraiment, interagit avec le public et chante l’histoire d’amour com-

de Veronica Frasca

pliquée entre l’écrivain rêveur et la fascinante Satine (Nicole Kidman).

Satine, le diamant de cabaret, habille parfaitement l’idée de la femme/artiste de la fin du XIXe siècle et devient la muse inspirante de Christian mais, contrairement à Béatrice de Dante ou à Lucia Mondella (I Promessi Sposi, Alessandro Manzoni), elle est audacieuse, séduisante, parfaitement consciente de la difficulté de survivre dans un monde plein d’hommes sans scrupules.

Les autres personnages du film expriment à leur tour leur jugement de l’amour en essayant, parfois et inutilement, de le comprendre comme le chant narcoleptique argentin «il est inutile de tomber en amour avec une prostituée car il ne sera jamais réciproque amour» dans un passionnant El Tango de Roxanne par The Police.

Pour le film, des chansons

rock et pop célèbres telles que Natural Boy de David Bowie et Your Song d’Elton John, Because We Can, Lady Marmelade, Smell Like Teen Spirit de Nirvana et Can Can Medley ont été choisies.

La seule chanson originale est Come What May sur les notes dont l’amour triomphe sur la tragédie de la vie, la mort

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de Satine dans les bras de son chrétien bien-aimé.

Les «règles» de la croyance bohème sont souvent mentionnées et l’intrigue est parfois prise pour acquise: une histoire d’amour classique, mais le choix de la musique, les détails des costumes et des décors rendent ce film/comédie musicale unique en son genre. • RS

RADIORAMA

Fare cultura in radio?

Per alcuni è normale

FRANCE CULTURE HA UNA PROGRAMMAZIONE 24 ORE SU 24 DEDICATA, DA NOI SOLO RADIO 3 RESISTE... ED INSISTE

L

a società nella quale viviamo, fortemente visiva, ha ancora spazio per la voce prestata all’informazione e all’approfondimento culturale?

Certo che sì. In Francia, per esempio, esiste un’emittente, France Culture, il cui palinsesto è basato totalmente su questo binomio! In questa radio, da più di 35 anni, il filosofo Alain Finkielkraut conduce il sabato mattina una trasmissione - Répliques - in cui due intellettuali si confrontano su argomenti “elevati”, altro che inutili canzonette e programmi sciocchi.

Nel panorama radiofonico italiano, solo Radio 3 può essere paragonata all’esperimento francese. Il suo storico direttore Marino Sinibaldi che, dopo tredici anni di onorato servizio, è andato in pensione, ha sempre lavorato per abbattere la concezione aristocratica della cultura, cercando di costruire, ascoltatore su ascoltatore, una forte community ma anche un’istituzione culturale.

A lui, nella seconda metà degli anni ‘90, si deve la creazione di uno dei programmi di punta del canale - Fahrenheit che senza ombra di dubbio è la

Marino Sinibaldi

migliore trasmissione sui libri della radio italiana. In un periodo storico dove la cultura è stata martoriata dalla pandemia, una riformulazione generale degli investimenti nel campo della promozione culturale, anche in

DA AMATORI A PROFESSIONISTI • Hai una radio, creata inizialmente per divertirti... e che ora vuoi trasformare in qualcosa di più ambizioso?

Consulenzaradiofonica.com nasce per soddisfare le esigenze più diverse delle imprese radiofoniche, con uno staff di specialisti con grande esperienza nel settore radiofonico. Se non sai districarti su market plan, programmazione musicale, campagne promozionali mirate all’aumento d’ascolto...c’è chi ti può aiutare.

Sempre che tu abbia deciso di fare le cose sul serio e di non rimanere in cantina a giocare...

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favore del settore radiofonico, sarebbero altrettanto benvenuti di quelli consacrati al doveroso rilancio economico del nostro paese per aziende di vario tipo, ristorazione, alberghi e sport.

Una riflessione doverosa per salvaguardare uno strumento che, in momenti di difficoltà, ha sempre rappresentato un elemento empatico di svago ma anche di fondamentale riflessione. Il poeta Eugenio Montale ha scritto: “Le comunicazioni di massa, la radio e soprattutto la televisione, hanno tentato non senza successo di annientare ogni possibilità di solitudine e di riflessione”. • RS

de Luca Varani

Faire de la culture à la radio?

Pour certains, il est normal

FRANCE CULTURE A UNE PROGRAMMATION DÉDIÉE 24H/24.

DE NOUS, SEULE RADIO 3 RÉSISTE... ET INSISTE alement en faveur du secteur de la radio, serait tout aussi bienvenue que celles consacrées à la nécessaire relance économique de notre pays pour les entreprises de toutes sortes, la restauration, l’hôtellerie et le sport.

Une réflexion nécessaire pour sauvegarder un instrument qui, en période de difficulté, a toujours représenté un élément empathique de loisirs mais aussi de réflexion fondamentale. Le poète Eugenio Montale a écrit: «Les communications de masse, la radio et surtout la télévision, ont essayé non sans succès de détruire toutes les possibilités de solitude et de réflexion». • RS

L

a société dans la quelle nous vivons, très visuelle, a-t-elle encore de la place pour la voix prêtée à l’information et à l’approfondissement culturel? Bien sûr. En France, par exemple, il y a un diffuseur, France Culture, dont l’horaire est totalement basé sur cette combinaison!

Sur cette radio, depuis plus de 35 ans, le philosophe Alain Finkielkraut dirige samedi matin une émission - Répliques - dans laquelle deux intellectuels s’affrontent sur des sujets «élevés», autres que des canzonettes inutiles et des émissions idiotes.

Dans le paysage radiophonique italien, seule Radio 3 peut être comparée à la Français.

Son directeur historique Marino Sinibaldi qui, après treize ans de service honorable, a pris sa retraite, a toujours travaillé à briser la conception aristocratique de la culture, en essayant de construire, à l’écoute de l’auditeur, une communauté forte, mais aussi une institution culturelle. Il a été la création de l’un des programmes phares de la chaîne - Fahrenheit dans la seconde moitié des années 1990, qui est sans l’ombre d’un doute la meilleure diffusion sur les livres de la radio italienne.

A l’heure où la culture a été frappée par la pandémie, une reformulation générale des investissements dans le domaine de la promotion culturelle, ég-

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DES AMATEURS AUX PROFESSIONNELS • Vous avez une radio, initialement créée pour s’amuser... et à quelle heure voulez-vous vous transformer en quelque chose de plus ambitieux? Consulenzaradiofonica. com est né pour répondre aux besoins les plus divers des entreprises de radio, avec un personnel de spécialistes avec une grande expérience dans le secteur de la radio. Si vous ne savez pas démêler les plans du marché, la programmation musicale, les campagnes promotionnelles visant à augmenter l’écoute... il y a ceux qui peuvent vous aider. Tant que vous avez décidé de faire les choses sérieusement et de ne pas rester dans la cave et jouer...

SONAR SURFANDO NEL MARE MAGNUM DELLA MUSICA ALLA RICERCA DELL'ONDA PERFETTA Bleu Toucan UNIVERSALIS

Serge Gainsbourg L’ALBUM DE SA VIE 100 canzoni distribuite in 5 cd racchiusi in un bel cofanetto per celebrare un personaggio davvero unico ed irripetibile della canzone francese d’autore. Autore e compositore di enorme talento che ha lasciato un segno indelebile ed un grande vuoto. (Vidol) 100 chansons distribuées en 5 CD enfermés dans un magnifique coffret pour célébrer un caractère vraiment unique et unique de la chanson Français chanson de l’auteur. Auteur et compositeur d’un immense talent qui a laissé une marque indélébile et un grand vide.

(Vidol)

I Bleu Toucan sono un duo formato da Léo Beccera e Emmanuel Bonzé che, dopo esperienze in band differenti, hanno trovato la giusta alchimia insieme. Una delle più belle realtà indipendenti nel panorama francese. Musica elettronica per sensazioni positive. (Labrea) Bleu Toucan est un duo formé par Léo Beccera et Emmanuel Bonzé qui, après des expériences dans différents groupes, ont trouvé ensemble la bonne alchimie. L’une des plus belles réalités indépendantes de la Français. Musique électronique pour des sensations positives. (Labrea)

Stefano Panunzi BEYOND THE ILLUSION Un disco davvero splendio, il terzo di questo musicista romano terzo che, nel tempo, ha saputo creare un entourage di collaboratori di lusso, che contribuiscono ad arricchire le sue visionarie composizioni. Art rock, cinematic e ambient in un fascinoso mix. (SP Music) Un disque vraiment splendide, le troisième de ce troisième musicien romain qui, au fil du temps, a su créer un entourage de collaborateurs de luxe, qui contribuent à enrichir ses compositions visionnaires. Art rock, cinématographique et ambiant dans un mélange charmant.

(Musique SP)

PARIGI E ROMA: DUE FESTIVAL A CONFRONTO

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ock en Seine è uno dei festival francesi più famosi e ogni anno a fine estate fa visita alla magica città di Parigi.

Si svolge su tre giornate nel bellissimo parco di Domaine National de Saint-Cloud in cui ospita una lineup internazionale di grandi star e talenti emergenti dal mondo dell’indie, della musica alternativa, del pop, dell’hip-hop e della musica elettronica. Di recente sui suoi

pachi sono saliti i Cure, Jorja Smith, i Foals e Aphex Twin.

Speriamo che la pandemia permetta lo svolgimento dell’edizione 2021... • Claudio Capéo è un cantautore francese di origini italiane che, con oltre un milione di copie vendute, è tra i volti più interessanti della scena musicale oltralpe. L’artista multi platino, che ha incantato la Francia con il suo ultimo album Penso a te, un omaggio alla cultura del nostro

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Paese, si esibirà per la prima volta in Italia al Primo Maggio 2021 di Roma. Il suo album è stato certificato platino e contiene anche il brano Ciao Mia Bella, in duetto con la nostra Gianna Nannini. • RS

di / de Luca Varani

A TRAVERS LA MUSIQUE À LA RECHERCHE DE LA VAGUE PARFAITE Bruno Putzulu LA BALADE DE JOHNNY

Osanna ROCKOMPILATION Gli Osanna di Lino Vairetti sono una delle espressioni più autorevoli del progressive italiano, virato con sonorità tipicamente partenopee.

Questa compilation celebra 50 anni vissuti al servizio della musica di qualità. (Afrakà) Les Osanna de Lino Vairetti sont l’une des expressions les plus autoritaires du progressif italien, tourné avec une sonorité typiquement napolitaine.

Cette compilation célèbre 50 ans de vie au service d’une musique de qualité. (Afrakà)

Johnny Hallyday è stato un vero e proprio idolo per i francesi, una sorta di Elvis locale.

Il suo amico attore Bruno Putzulo (che nel 2007 gli dedicò una canzone da lui scritta) ha prestato la voce per questo audio-libro che ne racconta le gesta. (Fremeaux) Johnny Hallyday était une véritable idole du Français, une sorte d’Elvis local.

Son ami acteur Bruno Putzulo (qui lui a dédié une chanson qu’il lui a écrite en 2007) a prêté sa voix à ce livre audio sur ses exploits. (Fremeaux)

Daniele Sepe DIRECTION ZAPPA Un grande jazzista napoletano, un musicista eclettico e animato da svariate passioni a 7 note.

Dopo un album dedicato al suo eroe Gato Baribieri, questo doppio cd live del 2016 celebra il genio compositivo di Frank Zappa.

(Goodfellas) Un grand musicien de jazz napolitain, un musicien éclectique et animé par diverses passions de 7 notes.

Après un album dédié à son héros Gato Baribieri, ce double CD live 2016 célèbre le génie de la composition de Frank zappa.

(Goodfellas)

PARIS ET ROME : DEUX FESTIVALS EN COMPARAISON

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ock en Seine est l’un des festivals les plus célèbres de France et chaque année à la fin de l’été, il visite la ville magique de Paris. Il se déroule sur trois jours dans le magnifique parc du Domaine National de Saint-Cloud où il accueille une programmation internationale de grandes stars et talents émergeant du monde de l’indie, de la musique alternative, de la pop, du

hip-hop et de la musique électronique.

Récemment, le Cure, Jorja Smith, poulains et Aphex Twin ont été sur sa pachi. Nous espérons que la pandémie permettra à l’édition 2021 d’avoir lieu... • Claudio Capéo est un auteur-compositeur-interprète Français d’origine italienne qui, avec plus d’un million d’exemplaires vendus, est l’un des visages les plus intéress-

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ants de la scène musicale à travers les Alpes. L’artiste multi-platine, qui a enchanté la France avec son dernier album Penso a te, un hommage à la culture de notre pays, se produira pour la première fois en Italie le 1er mai 2021 à Rome. Son album a été certifié disque de platine et contient également la chanson Ciao Mia Bella, en duo avec notre Gianna Nannini. • RS

CHI SIAMO / QUI NOUS SOMMES

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ilvia Arosio, giornalista pubblicista e press office, dopo la laurea in Lettere Moderne, collabora con diverse realtà teatrali. Ha condotto un programma di teatro in onda in diversi circuiti nazionali.

Ha fondato la testata online Riflettori su (www.silviaarosio.com), a cui nell’ottobre 2019 si è aggiunto il mensile Riflettori su Magazine, cartaceo ed online, di cui è Direttore Responsabile (Autorizzazione del Tribunale di Milano n. 249 del 21/11/2019). È stata insignita del Premio Internazionale Donne che ce l’hanno fatta, per la sua carriera nella comunicazione, durante il Congresso Mondiale delle Donne Latino Americane, al Pirellone di Milano.

aniele Colzani, art director e grafico editoriale, consegue il diploma in Arti Grafiche Industriali conseguito presso l'Istituto Rizzoli per l'Insegnamento delle Arti Grafiche di Milano dove viene a contatto con i caratteri di piombo, i barattoli di inchiostro, le risme di carta, le macchine da stampa, gli ingranditori e lo sviluppo delle fotografie in camera oscura.

Con l'avvento della tecnologia (!!!) inizia a collaborare con agenzie pubblicitarie per poi approdare nel mondo dell'editoria dove ha curato i restyling di varie testate nazionali. A lui si deve la "nascita" del magazine Riflettori su... dove scrive articoli e cura la rubrica Libreria. aniele Colzani, directeur artistique et graphiste éditorial, est diplômé en arts graphiques industriels de l’Institut Rizzoli pour l’enseignement des arts graphiques de Milan, où il entre en contact avec les caractères de plomb, les pots d’encre, les rames de papier, les machines à imprimer, les agrandisseurs et le développement des photographies en chambre noire. Avec l’avènement de la technologie (!!!), il commence à collaborer avec des agences de publicité pour arriver dans le monde de la presse où il a organisé les relookings de diverses journaux nationals. On lui doit la «naissance» du magazine mensuel Riflettori su (annexe au journal quotidien en ligne) où il écrit des articles et organise la rubrique Livres.

ilvia Arosio, journaliste et attachée de presse, après avoir obtenu son diplôme en lettres modernes, collabore avec différentes réalités théâtrales. Il a dirigé une émission TV, diffusée sur plusieurs circuits nationaux. Elle a fondé le magazine en ligne Riflettori su (www.silviaarosio.com), auquel s’est ajouté en octobre 2019 le mensuel Riflettori su Magazine, papier et numérique, dont elle est directeur responsable (Autorisation de la Cour de Milan n° 249 du 21/11/2019). Elle a reçu le Prix international Femmes qui l’ont fait, pour sa carrière dans la communication, lors du Congrès mondial des femmes latino-américaines, à Milan.

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Palazzo Viani Dugnani, Via Ruga 44, Verbania Pallanza Ingresso disabili in Via Marconi / Access for the disabled in via Marconi INFO +39 0323 557116 segreteria@museodelpaesaggio.it www.museodelpaesaggio.it

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25/04/2016

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