NIram Art Nº. 17-18

NIRAM ART FUNDADOR: ROMEO NIRAM

AÑO IV, Nº 17 - 18, 2009 4,80€

LOURDES LEITE FÁTIMA RIOS CASAS

LORENZO MIJARES

MATEI VISNIEC SIEGFRIED STILLER MARIA CHIRILA SORIN ONISOR

NIRAM ART

™

Director: Fabianni Belemuski Jefe de redacción: Lora Haranaciu Redactores:

Colaboradores:

Eva Defeses Yana Klotchkov Kuznetsova Thomas Abraham Javier de la Fuente Ángeles Rodriguez Sofia D’Addezio Teresa Carvalho

Marta Loubet (España) Álvaro Lobato de Faria (Portugal) Zeferino Silva (Portugal) Oscar Castelo (Argentina) A. Stefanescu (Rumanía) Ioana Geier (Alemania)

Fotógrafo: R. Victor Darolti Maquetación: White Family S.R.L. Web design: Defeses Fine Arts, PR Agency Graphic Adviser: N. Anu Public Relations: Sanda Elena Darolti Dirección: Independencia 2, Madrid, 28013 Email: revista_niram_art@yahoo.es Revista NIRAM ART online en: http://www.niramart.mosaicglobe.com

Editor: Rubén Darío Impresión y acabamiento: Copri Chisinau Tiraje: 12 000 (1000 en colores, 11 000 en blanco y negro) Periodicidad: bimestral (6 números al año) Registro: I.C.S. 124441 Depósito Legal 210277/04

Propietario: Rubén Darío Publicación fundada por: Romeo Niram

Para Sara Lavan

S U M A R I O

“El misterio es lo más hermoso que nos es dado sentir. Es la sensación funda-

Publicación Multilingüe

mental, la cuna del arte y de la ciencia verdaderos.” (Albert Einstein)

Encuentro con Matei Visniec en Madrid

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Entrevista: Lorenzo Mijares…..Fabianni Belemuski

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Mi manifiesto de Hemoficción…...Lorenzo Mijares

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Autorretrato de un fotógrafo - Sorin Onisor

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Fátima Ríos Casas - “Trece”, fotografía

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Parsec………………………………..Marta Loubet

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El grafiti os hará libres………………Marta Loubet

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Homenaje a Alberto Cedrón…………Oscar Castelo

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Carta al Greco…………………..Nikos Kazantzakis

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Grandes pintores portugueses: Lourdes Leite Arte Portuguesa hoje: Fernando D’F Periera

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A espontaneidade da forma….Geraldo E.de Andrade 40 As Faces de Miguel Barros

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German Contemporary Art: Siegfried Stiller

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El Greco: A Brief Voyage

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Paul Lisak: “Judas before the end”, 2008

Maria Chirilă, oglinda lui Dali ...Fabianni Belemuski 52 Ioana Geier şi Ro-Ge Art Gallery, Augsburg

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Matei Vişniec, Contemporanul nostru...A.Stefănescu 54 Siegfried Stiller, Arta este Liberă

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Sărutul lui Iuda…………………………Eva Defeses 58

NIRAM ART Nº 17-18 - DEDICADO A LORENZO MIJARES

ENCUENTRO CON MATEI VISNIEC EN MADRID

Matei Vişniec, dramaturgo, nacido en Rumania, en 1956, reside en Francia desde hace 20 años. Vişniec ha escrito unas 30 obras que son representadas frecuentemente en las principales capitales del mundo. Durante el pasado Festival de Avignon se presentaron cuatro obras suyas dentro del festival Off, lo que habla de la vitalidad de este autor, ya que son compañías que eligen con toda libertad la obra que quieren representar y Vişniec apareció en la programación del Off desde su llegada a Francia en 1987. Poseedor de un estilo en el que mezcla visones poéticas y situaciones contemporáneas, Matei Vişniec es un heredero de la mejor dramaturgia francesa y rumana, y sigue con la tradición de dramaturgos extranjeros que escriben en francés, como el conocido Eugen Ionesco o Samuel Beckett, entre otros. Vişniec tiene una vena poética y del absurdo. Sus obras de vitalidad sorprendente siguen representándose en festivales y temporadas teatrales. La Compañía del Umbral de Francia eligió presentar en 2009 su obra "Historia del comunismo contada por enfermos mentales”, con la que ganó un premio de estímulo a la creación del Festival Off. Matei Vişniec trabaja actualmente a Paris, en el departamento rumano de Radio France Internacional.

La obra El hermoso viaje de los osos panda, contado por un saxofonista que tenía una amante en Frankfurt, del dramaturgo rumano Matei Visniec, está representándose del 12 al 29 de marzo de 2009, en la Sala Mirador - Centro de Nuevos Creadores, c/ Doctor Fourquet 31, 28012 Madrid.

En anteriores montajes la directora y actriz Pamela Dürr ya demostró su querencia por romper los límites del teatro convencional. Por ejemplo en la obra Caravanes, que tenía lugar en una roulotte. En El hermoso viaje de los osos panda, contado por un saxofonista que tenía una amante en Frankfurt, son las decididas rupturas entre la imagen y el texto las que llevan la historia repentinamente al abstracto, a la vez que los suaves tonos emocionales nos conmueven por su cercanía. La actriz Isabelle Stoffel infunde a su compañero de escena, Joaquín Candela, docilidad y obediencia. Se enzarzan en compromisos y la excelente actuación de ambos, oscilando entre la atracción y el rechazo, se convierte en una revelación alegórica igualmente lograda por las instalaciones de lámparas, embaladas al inicio, de la escenógrafa Asi Föcker. A lo largo de la obra no sólo la acertada iluminación adquiere gradualmente mayor peso escénico, también la propia escenógrafa, a su vez responsable de una ingeniosa música en vivo, interviene cada vez más en el desarrollo del montaje. Con proyectores y luz se crea un ambiente amenazador que quita el aliento al protagonista de la misma manera que lo hace el animal invisible que le regala su misteriosa acompañante. Un animal que se multiplica sin parar e invade a su dueño de la cabeza a los pies, apareándose con su olor, su sombra, su respiración, y que le obliga a soltar de sus manos las riendas de la vida.

“Con reducidos medios Pamela Durr crea una fuerza tan intensa que alcanza un persistente efecto amenazador (… ). Cada sonido, cada rayo de luz, cada movimiento forma parte de un solo cuerpo, una vívida obra integral que no sólo se incuba en las fundas huecas del decorado sino también en los densos y gozosos vacíos del arte teatral” .

St. Galler Tagblatt, 2008, Suiza

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Matei Visniec, Isabel Stoffel (actriz) y Rubén Darío (propietario Niram Art) en Espacio Niram, Madrid

La obra El hermoso viaje de los osos panda, contado por un saxofonista que tenía una amante en Frankfurt, del dramaturgo rumano Matei Visniec, está representándose del 12 al 29 de marzo de 2009, en la Sala Mirador - Centro de Nuevos Creadores, c/ Doctor Fourquet 31, 28012 Madrid. El Instituto Cultural Rumano (ICR) de Madrid ha apoyado esta producción teatral, invita el dramaturgo rumano de Paris a Madrid y recomienda esta extraordinaria obra de teatro. Dentro de la programación de La Noche de Los Teatros el 27 de marzo de 2009, 20:30 horas, habrá una Mesa redonda “¿Siempre nos quedará el teatro…?”, con la participación de Matei Visniec, en la misma Sala Mirador.

Posteriormente, a las 23:30, el “Espacio Niram”, c/ Independencia 2, 28013 Madrid, alberga un encuentro con el dramaturgo rumano y los actores dentro de su Café literario – con la proyección de un documental sobre Matei Visniec y su obra de teatro presentada en la Sala Mirador.

Dirección de la obra: Pamela Durr Reparto: Isabelle Stoffel, Joaquim Candelas Traducción al español: Angelica Lambru GO Theaterproductionen y Valldum Producciones

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Matei Visniec, Isabel Stoffel (actriz) en Espacio Niram, Madrid

Lorenzo Mijares, actor y director de obras de hemoficción, es uno de los representantes más destacados de esta nueva corriente del teatro. Está dedicado enteramente a su trabajo que ama de verdad.

Su vida gira en torno al teatro, a la hemoficción que le condujo hacía un gran descubrimiento: el viaje hacía el interior es el viaje hacía la nada. Una vez emprendido el viaje, el mundo se sirve como postre, con cucharitas, con honestidad y con alegría.

Fabianni Belemuski. Al preparar sus obras de un determinado modo, ¿en que se inspira? ¿Cómo las organiza?

Lorenzo Mijares. Intuitivamente, sin duda. Pero por supuesto que tiene que ver conmigo, inevitablemente. Muchas veces más de lo que yo quisiera. Y no. Más de lo que mi ego quisiera. La obra siempre terminará siendo un reflejo de mí.

F.B. Pero siempre será diferente también.

L.M. Al mismo tiempo si, porque es teatro. Porque la representación es única y porque aun cuando estoy haciendo un texto con absoluto rigor y precisión, y también estoy intentando seguir rigurosamente un trazo escénico, ciertos tonos de voz, ciertas entonaciones, cierto ritmo, todo eso tiene el matiz de la inmediatez, del momento en el que ocurre, siempre hay algún factor que lo hace único.

F.B. ¿Y que papel juega la improvisación?

“La propia hemoficción como vanguardia quebrantó todas mis formas aprendidas”

ENTREVISTA CON LORENZO MIJARES FABIANNI BELEMUSKI

L.M. A la improvisación, hace muchos años que lo digo y que lo he descubierto además en la práctica y en el diario hacer como actor, yo le doy cabida solamente en el caso de que surja como algo urgente, no como un recurso. Lo que ocurre es que eventualmente tengo una laguna.

Porque estoy hablando ochenta o noventa minutos como en un monólogo. O eventualmente pensar que estoy implicado de una manera muy intensa en diez o doce obras de teatro al mismo tiempo. Y entonces tengo veinte, veinticinco personajes adentro. “estoy hablando ochenta o noventa minutos como en un monólogo” … “estoy implicado en diez o doce obras de teatro, y entonces tengo veinte, veinticinco personajes adentro”

Y por supuesto puede haber y los hay, momentos en que tengo una laguna. Ahí cabe la improvisación. No como un recurso burlesco, no como un recurso fácil en un momento dado para seducir o para cautivar al espectador, eso me parece que degrada mi trabajo y mi oficio. A un actor se le olvida el texto. Tengo que pensar en como retomar esa linea.

Si yo pueda respetar un texto tal cual está escrito. Como una orquesta, cuando el director intenta que todos los instrumentos suenen como tienen que sonar.

F.B. O el pianista que tiene que tocar cuarenta minutos una obra y ahí no puede fallar.

L.M. Y si el pianista falla, al mismo tiempo que no falle, que ese fallo no sea algo que lo detiene, que lo abisma en un colapso brutal. Que simplemente sea un error humano y continúe.

F.B. Y es así en todas la obras de teatro, sean de hemoficción o no.

L.M. Desde mi punto de vista, si. En mi ejercicio si. Llevo muchos años haciendo hemoficción, a partir del 2000.

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F.B. ¿Y antes actuaba también en obras clásicas?

L.M. En la hemoficción eso ocurre. Por eso sigo aquí. Porque yo lo he vivido en carne propia. Lo que yo comparto como director y como actor es mi experiencia viva. No trabajo con teoría. No F.B. ¿Que piensa del teatro del clásico, y de la hemoficción, que es lo parto de otros modelos, ni siquiera del propio modelo. Durante muchos años lo hice, porque pensé que había formas y estructunuevo? ras que me podían funcionar para hacer hemoficcion. Tuve que L.M. A mi el teatro me ha hechizado. Entiendo el teatro como un quebrantarlo todo. La propia hemoficción como vanguardia quefenómeno fabuloso que nos acerca como seres humanos a la posibili- brantó todas mis formas aprendidas.

L.M. Si, hacía cosas, actuaba y dirigía.

Lorenzo Mijares en actuación en Espacio Niram, Madrid

dad de conocernos más a nosotros mismos y de poder a través de nuestras carencias, de la humildad y del reconocimiento de nuestras carencias adentrarnos, en un juego de ficción, en nuestras más profundas oscuridades y en ese proceso de admisión entrar en contacto con lo sublime. Con lo absoluto.

Entiendo el teatro como un fenómeno fabuloso que nos acerca como seres humanos a la posibilidad de conocernos más a nosotros mismos, y de poder adentrarnos nuestras más profundas oscuridades.

Todo ha sido absolutamente nuevo y renovador porque la vanguardia paradójicamente está ligada a lo clásico. Siempre ha ocurrido así. Sin embargo es algo totalmente nuevo. Y por ser algo totalmente nuevo es algo que me está enfrentando al vacío.

Me está literalmente llevando a un abismo y ahí me debo dejar caer para ver que ocurre. Como es que puedo acceder, que puedo llegar al fondo. Hablo obviamente como director en mi puesta de escena y como actor en la representación de la obra.

F.B. ¿Usted entiende que mediante el teatro de hemoficción se puede F.B. Pero el mundo no conoce muy bien la hemoficción. Porque es una corriente nueva. ¿Que lugar ocupa en el panorama de las llegar mejor a eso?

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Lorenzo Mijares en actuación en Espacio Niram, Madrid

L.M. El Guernica de Picasso es una obra que está viva, es una obra que explica el drama de la guerra civil española mejor que cualquier libro. ¿Tu crees que a Picasso le importa si le gusta a la gente o no le gusta? Le tiene sin cuidado. Es una obra absolutamente capital en la plástica del siglo XX y a Picasso le es absolutamente irrelevante si a la señora le parece o no le parece. De hecho hay una anéctoda de Picasso que le hizo un retrato a una señora muy rimbombante de la alta sociedad y la señora viendo el retrato le dijo: “maestro, no me parezco” y Picasso le contestó: “ya se parecerá señora”. Lo que usted no ve hoy en la obra lo verá después, cuando su sensibilidad si es que tiene la capacidad de abrirse a ello, se lo permita. Y lo que ocurre con la vanguardia es eso: el espectador cree que entiende, cree que sabe lo que va a presenciar, pero no tiene ni la menor idea de lo que presencia cuando se enfrenta a una vanguardia. Le ocurrió a Stravinski cuando estrenó el Pájaro de fuego que la gente se salió de la sala. Porque les pareció que la obra era una mierda. Ahora, ¿donde estaba el error?

F.B. Todavía hoy, hay una gran parte del público “entendido” que no comprende a Igor Stravinski. Lo mismo le pasó cuando estrenó la consagración de la primavera en Francia, que una señora se levantó y gritó: “es una vergüenza que hagan escuchar esto a una viuda de guerra”.

La opinión unánime es que esta obra es la más representativa del siglo pasado.

L.M. Todos los grandes han tenido que trascender la opinión pública de las masas para colocarse por encima de la misma. Y que llegue el día en que el público tenga la capacidad de recibirlos en toda su dimensión.

F.B. Pero luego hay “entendidos” que no aceptan la música moderna, criticándola por que no tiene fondo, a partir de John Cage.

artes escénicas?

L.M. ¿Y que me dices de Schoenberg?

L.M. No lo se. Esa respuesta no te la puedo dar yo. Creo que la hemoficción tomará el lugar que le corresponde al tiempo. El lugar que ocupan las grandes obras y por supuesto los grandes movimientos culturales. No está determinado por el movimiento en sí. No está determinado tampoco por el artista. Estoy seguro.

F.B. Schoenberg suena raro.

L.M. Es que no importa si los comprenden o no, es irrelevante.

Ya los comprenderán.

F.B. ¿Y que me dice del teatro? ¿Puede ocurrir algo así?

F.B. ¿Pero está determinado por el público?

L.M. No. Tampoco. Es falso. El público cree y lo hacen creer en el mundo melodramático de Hollywood que tiene voz y voto y que tiene capacidad de opinión al respecto de una obra de arte. Pero no la tiene.

F.B. Esto es así en todo. La opinión se forma.

L.M. Sin duda. Lo que pasa es que una gran obra es infinitamente superior a la opinión de cualquiera. Te voy a poner el ejemplo de la Guernica de Picasso.

F.B. Viene de la inspiración.

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L.M. No puede ocurrir. Está ocurriendo. Con la hemoficción está pasando. A mi durante muchos años la gente se me salió del teatro. En Mexico yo hice hemoficción durante cinco años. Y las propias instituciones culturales de México, algunas de las más importantes, fueron capaces de rechazar un proyecto artístico de hemoficción. Por no entender la obra. Yo les di el texto dramático a grandes intelectuales, y fue juzgado por un comité de selección en una institución reputada y de altísimo reconocimiento cultural en mi país. Y te estoy hablando de una obra de un dramaturgo mejicano. Pues no la entendieron. Ni una sola palabra del texto. Ahora hago una representación de esa obra tal como hoy está montada y te aseguro que el 95% de la gente se queda hechizada con la representación. ¿Que ocurre? ¿Que es vanguar-

Lorenzo Mijares en actuaci贸n en Espacio Niram, Madrid

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dia? Si. ¿Que es difícil de leer? Si. Dificilisimo. Ha habido obras del maestro Juan Trigo que me han tomado años digerirlas, no he podido comprenderlas. ¿Por que? Porque son muy elevadas.

Ha habido obras del maestro Juan Trigo que me han tomado años digerirlas, no he podido comprenderlas.

F.B. La obra Déjame que te mate para ver si te extraño. A partir de ahí usted empezó a dejarlo todo.

L.M. Si. F.B. Y se convirtió.

L.M. A la hemoficción (ríe). Exactamente. Ahí viví mi conversión en todos los sentidos. Ahora soy un místico de la hemoficción.

El Inspector Gubernamental Virgil Ştefan NiŃulescu, Horia Barna (Dir. ICR Madrid) y Lorenzo Mijares en Espacio Niram, Madrid

F.B. ¿La hemoficción se acerca a la locura, con todos sus personajes estrambóticos e irregulares?

se daña la posibilidad de creer en ti como individuo para florecer y salir adelante, es en el seno de la familia.

L.M. Si. A la verdad, diría yo (ríe).

F.B. ¿Que le dice la expresión “valores universales”?

F.B. ¿Deberíamos tomarnos el mundo menos en serio?

L.M. Peligro. Y no porque no los haya, sino porque ahí se refugia el mal. En esa moral totalizadora y propagandística, amenazante que además nos mantiene en el temor.

L.M. Sobre todo las formas y las convenciones sociales. No es el mundo, es la humanidad la que ha enfermado. Hemos cerrado el camino, sin lugar a duda. Y lo más triste de todo es que todos entramos en el juego, y me incluyo, porque yo vengo de ahí. Porque me puedo reír de mi mismo, de lo estúpido y de lo incapaz que he podido llegar a ser yo en relación a mi propia vida.

Me puedo reír de mi mismo, de lo estúpido y de lo incapaz que he podido llegar a ser yo en relación a mi propia vida.

F.B. Yo he entendido eso de sus obras.

L.M. Es así. Si yo no soy capaz de reírme de mis propias estúpidas afirmaciones, ¿entonces quien? Me río de esa aparente absoluta seguridad, con la que llevaba una vida en la que en fondo detrás de esa imagen y detrás de esa fotografía, había una inseguridad brutal. Vivo ese no saber a donde voy, el no saber que quiero, el no saber quien soy, el no saber que me importa y es un vivir gobernado por valores estúpidos, por el estatus, por la imagen social, por la forma, por el dinero, por la familia, eso es lo que hay que romper. Eso no es la vida.

F.B. ¿Cual es la salida, entonces?

L.M. Yo creo que la honestidad. Tengo que ser capaz de reconocer. Cuando no he entendido algo tengo que admitir que no lo he entendido. No puedo jugar a que lo entiendo todo, porque entonces estoy perdido.

F.B. La dignidad de afirmar que no se nada.

L.M. Exactamente. De reconocerlo. Que no se que es el afecto, que no se querer. Que las relaciones que he construido están construidas en función de las formas. Me dijeron que había que querer a mis padres porque ellos me dieron la vida, porque no me podían hacer daño. Todo eso son valores aprendidos y falsos. Porque además donde más daño hay, en el quebranto de la sensibilidad humana, donde más se daña la seguridad en si mismo, donde más

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F.B. ¿Como definiría la hemoficcion en pocas palabras?

Creo que es el anhelo grandioso de llegar a la conciencia, de poder adquirir la absoluta responsabilidad adulta en el ser humano.

L.M. Creo que es el anhelo grandioso de llegar a la conciencia, de poder adquirir la absoluta responsabilidad adulta en el ser humano. Y no hay limites. Porque no hay fin. Yo debo aspirar a la perfección, no porque la vaya a alcanzar, pero tengo el derecho de aspirar a ella. Es la hemoficción. ¿Que límite puede tener un cuadro de Rubens? ¿Y el Cristo de Velásquez? ¿Y el de Dalí? Ninguno.

F.B. Observo cierta afición por las artes.

L.M. Toda. Gracias en parte a mis padres. Una educación muy vinculada al arte, a la arquitectura, etc.

F.B. ¿Que proyectos tiene pendientes?

L.M. Recientemente he estrenado una obra que se llama El vampiro y la señora garrafón que me tiene todavía muy capturado y aún la estoy trabajando. Posteriormente he de montar otras dos para el próximo Festival Internacional de Hemoficción, que es el proyecto que me tiene centrado. Hay una obra que se llama Muro de distancias, que además incluye fragmentos operísticos de una opera que nosotros hicimos con video digital en San Petersburgo. Estará dentro de la representación, a manera de cine, teatro, opera, multimedia. Esa obra la voy a estrenar en Barcelona, en el festival. Aquí en Madrid voy a traer cuatro puestas en escena de las cuales dos serán estrenos en Madrid y en Barcelona voy a estrenar también el hombre reloj pero traducida al catalán. Para poder entrar al mundo del teatro catalán no solamente como director sino como actor.

F.B. Aparte de dirigir y actuar, ¿ha pensado en escribir?

L.M. No. A mi me gusta leer a los grandes. He escrito mi manifiesto, y cuando lo leo me doy cuenta de que comulgo con todo lo que digo ahí en relación al teatro y de que no soy escritor. (rie). Yo nací para dirigir y para actuar, pero bueno, es bastante. (rie).

EL TEATRO DE HEMOFICCIÓN Teatro de Hemoficción surge en el año 2000 con la puesta en escena de la obra “Déjame que te mate para ver si te extraño”, de Juan Trigos en la Ciudad de México. Surge, por un lado de reconocer nuestra fragilidad humana ante el poder del fenómeno teatral y por el otro de la necesidad de dar continuidad a esta nueva visión del teatro buscando adentrarnos cada vez más en ese mundo mágico para seguirnos descubriendo.

Buscamos desempolvar, quitar velos, deshacer formas y profundizar en el drama familiar. Desentrañar allí en donde “todo está bien”. Quebrantarlo todo por necesidad de descubrir. La familia, la religión, la moral, la patria, el gobierno, la nación, la escuela, la academia, la institución, la educación, el snobismo cultural… el control, el afecto, el amor… la pareja, los padres, los hijos, los hermanos, los amigos.

La intención de trabajar la obra de Juan Trigos obedece a su enorme riqueza, a su magistral forma de acercarnos a nuestra esencia y a que en pocas palabras, crea una poderosa nueva dramaturgia que nos religa con el arte del teatro como mágico transformador de conciencias y nos conduce a asumir esa responsabilidad.

Nuestras puestas en escena son tragicomedias urbanas, mexicanas por excelencia, llenas de sentido del humor, de pasión y de dolor. México sin concesiones corruptas ni pretensiones. Convencidos del valor de exponernos tal como somos y en contra de aquellas posturas tan frecuentes que celebran el juego de apariencias y que suelen cobijar nuestras miserias: -“Como si al reconocernos quedáramos debilitados ante los ojos del mundo.” Como si negar la realidad bastara para resolverla -“Ojos que no ven, corazón que no siente.”

Luego de trabajar ininterrumpidamente en México durante cinco años, y ya contando con algunas experiencias en Europa gracias a nuestra incursión en la ópera de Hemoficción, elegí España, y de España, Barcelona, Catalunya para dar continuidad al proyecto y extender la semilla de conciencia de esta poderosa corriente de vanguardia. Iniciamos aquí en Barcelona con “Contra-Sujeto” y el estreno mundial de “Diana, cazadora de cabezas”. Ambas actuadas por Guillermo Jair y Bertha Vega respectivamente, actores mexicanos que viajaron hasta aquí en la apuesta por la vanguardia (y persisten ahora desde México y América del Sur). Yo retorné de la gira con la ópera “Mis dos cabezas piensan peor que una” en otoño del 2005 a dar continuidad al trabajo y a reiniciar la creación de la compañía de repertorio aquí en Barcelona convocando actores de todas las latitudes, convencido de que el arte no tiene fronteras y percute culturalmente en el mundo entero. Desde entonces se ha formado lo que ahora es Repertorio Teatro de Hemoficción . Hay Teatro de Hemoficción en México, Argentina y aquí en Barcelona ya sumamos media

docena de puestas en escena de Teatro con un equipo de actores noveles, inquietos, talentosos y deseosos de desarrollarse en esta vanguardia artística. Originarios de países tan diversos como ofrece esta cosmopolita ciudad de Barcelona. Ecuador, Colombia, Bolivia, Argentina, Uruguay, México, Marruecos, Catalunya, España, Italia son los paises que hasta ahora forman parte de este fenómeno cultural de Hemoficción.

Con la ópera de Hemoficción viajaremos ahora nuevamente a reestrenar la última versión de DeCachetitoRaspado (2007) de Juan Trigos R. en version de Cámara, para ser presentada en Festival Spazzio Musica en Cagliari, Cerdenya. Atraídos por su complejidad y el reto de trabajar con sustancia dramática y no como suele suceder en la ópera, usando los libretos como mero pretexto para el lucimiento vocal y musical. Esta visión de ópera tiene un equilibrio formal entre lo teatral y lo musical, ambos al mismo nivel de importancia. Se exige del director musical y de escena, de los cantantes, de los actores, de los músicos y especialmente de los escuchas que modifiquen el concepto convencional de ver y oír la ópera (poco teatro y mucha música), para atreverse a entrar al mundo descarnado e irreverente de la Hemoficción.

Cabe mencionar que para este proyecto hemos contado con el apoyo de diversas instituciones en México y el mundo entre las que destacan: Universidad Nacional Autónoma de México, Instituto Nacional de Bellas Artes, Secretaría de Cultura de la Ciudad de México, Sociedad General de Escritores Mexicanos, Music Biennale Zagreb/ Internacional Festival of Contemporary Music, 00Phonos/Rusia, Festival Internacional Cervantino, Festival Spazzio Música, Cerdenya, Italia. Consulado Ecuatoriano. Rai Art Teatre de la bona sort, Generalitat de Catalunya, Centro Civico de Poble Sec El Sortidor, La Serilla, Teatre Antic Riereta, Café Teatre Llantiol, Teatre Foment Hortenc.

La dirección escénica está a cargó de Lorenzo Mijares (cuerpo), pionero de la Hemoficción en los escenarios tanto en el teatro como en la ópera, actor, promotor y director de escena especializado en esta corriente de vanguardia. La dramaturgia es de Juan Trigos (palabra), genio poeta dramático creador de la Hemoficción. Las escenografías y vestuarios son diseñados por Luciano Trigos (ojo), gran artista plastico Hemofictivo. Y las óperas son de Juan Trigos R. (oídos) también creador de los sonidos de Hemoficción, ópera y musica, genio compositor y director de orquesta. La dirección general de Repertorio Teatro de Hemoficción corre a cargo del maestro Amaruk Caizapanta (alas), profesional de las artes marciales, actor, director, productor de teatro, cine y t.v. especializado en la producción y promoción internacianal de espectáculos escénicos.

Lorenzo Mijares Director Artístico

Lorenzo Mijares y la actriz Marxela

MI MANIFIESTO DE

Todo cuadra de manera misteriosa, todo. Mi historia, esos seres que pasaron y han pasado por mi vida. Esas precisas cosas que ocurrieron, los hechos. Todo es y ha sido por algo misterioso, profundo e inexplicable; ese lugar, ese tiempo, ese país, ese barrio, ese entorno, esos padres, esas escuelas, esos amigos, esos vecinos, ese vacío, esa penumbra, esa soledad, esa tristeza...ese dolor, esa fascinación, esa infancia ese mundo y no otro, esos hijos, todo es y ha sido y estado ahí por algo.

Todo ello me hace ser hoy, ahora, el que soy, animal teatral de Hemoficción. Yo afirmo que soy Hemoficción desde antes de nacer, desde que fuí concebido, desde ese mismo instante.

Afirmo y declaro aqui que no es como me dijeron, no.

De ninguna manera, no. Es al revés. Dejarlo todo, y apostar ciego, con todo lo que soy, sí, con todas mis inseguridades y flaquezas, pero también con toda mi potencia y con toda la fuerza que me ha dado el teatro desde la Hemoficción y que me hace invencible porque cumplo la voluntad de Dios y no la mía y si hago lo que Dios quiere para mí, misión, entonces, nada me detiene, nada, es así de simple. Y ese poder lo adquiero si y solo si, renuncio a todo desde dentro con toda mi capacidad de aceptación y honestidad. Cualquier clase de reserva sale a relucir, de hecho estoy seguro que al tiempo detectaré las mismisimas resistencias que ahora obnubilan y limitan mi acción. Bendito sea Juan Trigos. He vuelto a mi gracias a él. Soy Lorenzo, soy yo, retorno a esa fé, fuerza, sensibilidad y candor de mi niñez temprana. Vuelvo a reencontrarme con mis anhelos y confirmo que estoy aqui por algo serio, misterioso, profundo, mágico e importante. Hoy me acepto. Acepto el regalo y tomo la responsabilidad de diseminar la Hemoficción por el mundo.

HEMOFICCIÓN LORENZO MIJARES

Debo confesar que el primer resistente a la Hemoficción fuí y he sido yo, me avergonzaba de solo pronunciar la palabra durante años, además me dolía, me incomodaba, me irritaba, me violentaba, me molestaba enormemente, me ha dolido hasta lo más profundo. Adorar a un vivo es difícil para mi. He querido salir corriendo casi siempre pero no lo he hecho, algo me lo impide. Me he pasado más de siete años montando obras y boicoteándolas al mismo tiempo. Me estremece verlo pero así ha sido, para reír y llorar. Dentro de las burbujas emocionales no veo nada, solo gozo emociones torcidas, inquietud y guerra interna. Ha sido después, al tiempo que he podido enfriar las emociones, ver objetivamente, aceptar los fallos, corregir mis actitudes y mejorar mis montajes.

En mi caso, la libertad tiene que ver con la aceptación, las desinhibiciones. Tiene que ver con sacar del armario todo. Abrir hasta los más recónditos y pequeños cajones. Tiene que ver con no guardar secretos. La libertad tiene una estrecha relación con la responsabilidad, la total seriedad y el compromiso. Tiene que ver con la honestidad y con la aceptación y con la continuidad. Yo tengo la necesidad de exponerme y no de exhibirme...al exhibirme, me debilito, puteo, reconozco que me seduce la putería, por corrupto, por tomar el camino fácil, por complaciente, sin embargo si sólo me expongo, si consigo sólo exponerme a través de lo que hago, HEMOFICCIÓN, de mi ser director con mis puestas en escena, de mi ser actor, intentando ponerme al servicio de mi personaje, al ser promotor siendo solo un emisario del arte de Hemoficción, rejuvenezco, vivo, me lleno de luz, de la fuerza, de la energía y el poder de la verdad, del poder del amor. La libertad tiene que ver con la acción y no con decir.

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acción pura.

La libertad la voy conquistando con renuncias, rigor, disciplina, compromiso y determinación pero sobre todo fe ciega acompañada de acciones concretas y congruentes. Dejarlo todo por lo que creo y anhelo. *** Hablo a los artistas, a los responsables de los Teatros, a los funcionarios de la cultura, a los periodistas, a los críticos, a las revistas especializadas, a los festivales internacionales, a los canales de tv, a las radiodifusoras, en fin, a todas las instituciones y personas ocupadas de hacer y difundir la cultura.

Manifiesto y comparto que: Yo me he convertido en artista, siéndolo, haciendo y haciendo y haciendo. Atreviéndome, haciendo oídos sordos a los demás, escuchando a la obra, atendiendo a la ficción dramática, escuchando a mi intuición y no a otros, equivocándome, corrigiendo, atreviéndome sin reservas y exponiendo mis carencias, mis flaquezas, mi ego y mis debilidades. En mi vida dentro de la Hemoficción he aprendido que es así, haciendo incansablemente y siempre expuesto, como he podido doblegar el ego y servir al arte.

Crecer en productividad, en eficiencia y capacidad creativa, no reservarme nada, darlo todo siempre; en mis montajes, en los ensayos y en las funciones, siempre. Ahí es donde fluye la luz, dándolo todo sin reservas mezquinas. Crecer en la ruta incorruptible del arte de Hemoficción, poderosa, bendita, verdadera.

No pretendo encontrar el significado de la palabra Hemoficción me basta expresar y compartir el impacto que esta tiene y ha tenido en mi. Por medio de mi intuición entro a un juego de la imaginación sin censura, me regala libertad, me conduce a verme a mi mismo, me exige congruencia, me acorrala y me obliga a aceptarme sin piedad y con toda generosidad. De ahí me nutro, ahí me descubro, me reconozco, me reencuentro, me expongo, me acepto, me religo, de ahí soy, acto de fe.

No busco escandalizar, ni agradar ni complacer ni mucho menos convencer de nada a nadie. Lo que deseo es compartir jubilosamente esta misteriosa, mágica, fascinante y devastadora luz de conciencia que es y ha sido para mi la Hemoficción.

Y POR TODO LO ANTERIOR AFIRMO QUE:

La producción ha de ser la que hay, el espacio el que es, las luces, cuando hay, el sonido y los efectos, prescindibles... entonces...

En palabras del creador de esta corriente, Juan Trigos: el teatro de Hemoficción busca identidad mediante la imbricación de drama y comedia: lo que mueve a risa es llanto ahíto de júbilo para los protagonistas y viceversa, cuando los actores ríen el público se vuelca en lágrimas cargadas de deseos festivos. La Hemoficción busca hacer arte que augure la individuación, proceso que se alarga durante infinidad de momentos sujetos como mariposas por el alfiler que punza y provoca la depuración del alma. Camino que conduce a un lugar interno y definido, mi sitio, territorio perfecto donde crece la flor de oro. El propio espacio del creador y del espectador, tan extraño como el ser mismo.

si hay honestidad si hay ficción dramática PUEDE HABER TEATRO!

No envolver a los actores en mi camino de renuncias y temple, no. Ese es mi camino y ni debo flagelar a los demás con mi seriedad, ni con mi compromiso, mis convicciones son mías y es mi responsabilidad. Sé que lo hago para flagelar, para torturar y para divertirme y de paso me coloco arriba, me entretengo y no me siento solo pero no es correcto, es corrupción. No.

No discutir, no entrar en controversias. No estoy aquí para convencer a nadie de nada. Estoy aquí para compartir una revelación, mi visión y mi iluminación. Estoy para servir y ser útil a la humanidad a través de la Hemoficción y en la escena, sobre los escenarios. Yo he de dirigir actores, dirigirlos, no convencerlos ni explicarles. Solo dirigir en la

La Hemoficción apunta hacia la salida del manicomio cotidiano. Riendo a carcajadas permito que caigan las hojas secas de los moldes aprendidos. Llorando con verdadera amargura aceito la maquinaria espiritual. Esta corriente desborda el rango de lo convencional para adentrarse en situaciones extremas. Rebusca en el pasado la conciencia que impone en el presente impunidad y otros vicios. Ataca el borreguismo criminal. Contradice los valores obligados por una inquisición interna. El camino hacia la lucidez inalcanzable da sentido al drama de Hemoficción, que busca la conciencia pero siempre se topa con la inconsciencia.

Afirmo que la Hemoficción es un regalo de México para el mundo que pasa por este mágico país y elige establecerse aquí en España como un merecido tributo. Llegó aquí para quedarse.

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Lo que aquí manifiesto va mas allá de la comprensión pero debo decirlo con todas sus letras porque es así. Mis afirmaciones no son producto de la especulación ni de teorías ajenas sino de mi propia experiencia como artista. Yo llegue aquí en noviembre del año dos mil cuatro con el propósito de difundir la Hemoficción en este país.

Es solo el principio pero ahora comienzo a consolidar el proyecto creciendo dio con día. Llevándolo a todos los lugares y foros que hasta hoy nos han abierto sus puertas sin reservas ni esclusas burocráticas.

Comienza ya a repercutir la Hemoficcion en España:

"Contra-Sujeto" (presentada ya en Madrid, 2004 y en Barcelona desde 2005) "Diana, cazadora de cabezas" (2005)

Lo afirmo y tengo el derecho de hacerlo dado que yo no soy el creador de esta poderosa corriente artística de vanguardia. El creador es Juan Trigos. Yo me he ligado a la Hemoficción y le pertenezco ahora a solo ocho años de dedicarle mi vida.

Hace muchos siglos que se ha dejado de lado la verdadera importancia, el poder místico, el poder alquímico y la magia del fenómeno teatral, (hablo de lo que supieron los griegos, los aztecas con sus danzas y rituales, mis antepasados indígenas, los mayas, los raramuris, los huicholes, los mazatecos, por solo nombrar algunos...) Por cierto, cabe mencionar que no sólo se supo, esto de lo que hablo, aquí en España sino que además, se hizo uso del poder del fenómeno teatral con los autos sacramentales como parte del proceso de evangelización que emprendió España en toda América del sur y naturalmente también en México con obras de, entre otros, el genial Calderón de la Barca.

"El HombreReloj" (2007) "Mamá es loca o está poseída" (2007) Aqui en Barcelona se monto la ópera:

Hace 75 años Antonin Artaud, el más brillante e iluminado filosofo del teatro que ha habido supo y declaró, que la llama de la luz del arte sublime que es el teatro era extinta en Europa desde hacía siglos y fué claro al decirlo e ir en su busca curiosamente a México.

"Mis dos cabezas piensan peor que una". (estrenada en Zagreb y de gira por Palacio de Bellas Artes y Teatro Juárez en México, Festival Cervantino 2005).

"Déjame que te mate para ver si te extraño" Por venir para ser estrenada en Barcelona el 14 de septiembre 2007.

Esto no es casual. No existen las casualidades y la magia de la vida sorprende y nos deja sin palabras. La Hemoficcion viene de ahí, de esa raíz indígena, ancestral, nativa, ligada con los dioses mexicanos, con las danzas rituales y claro esta, también ligada entrañable, amorosa, terrible y dolorosamente con los más de trescientos años de colisión cultural con España.

"Diana, cazadora de cabezas" Por reestrenar en otoño 2007.

Sé lo difícil que resulta abrirse a la verdadera vanguardia y no me sorprende, en el arte siempre ha sido así y ésta no es la excepción.

Está uno ante lo absoluto, ante lo ilegible, lo nunca antes visto.

Escribo esto porque hacerlo me compromete. No estoy aquí para competir ni mucho menos para imponer nada. El arte se coloca solo, la Hemoficción ha tomado su lugar y sitio en la realidad, yo soy solo el participe de un regalo divino, emisario de un concilio espiritual con mi madre patria España. Nada menos.

Antes de concluir me atreveré a decir algunas cosas más para poder acercarle aún más a este fenómeno. Lo expreso con mi mayor claridad.

Lo digo honestamente y por encima de cualquier petulancia. La "Hemoficcion" es un legado cultural para la humanidad que ahora pasa por aqui como un tributo y regalo de México para España y el mundo. Ha llegado aquí para quedarse.

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Esa luz que es el arte puro, siglos atrás extinta en Europa Artaud la supo en México y si bien él no vivió para descubrirla, la vio venir y lo dijo sin importarle el juicio vacuo de su época, como todo verdadero visionario y animal teatral ligado al dolor profundo de la humanidad.

Hablo y asumo la seriedad de mi declaración. Es la Hemoficción la luz de conciencia de que habló Antonin Artaud. La historia no me dejará mentir, estoy cierto de que la verdad se defiende sola por encima de cualquier juicio.

Con la tranquilidad y seguridad que me confiere la experiencia viva y mimética del teatro de Hemoficción manifiesto todo esto y deseo con toda mi alma que acepte usted este bendito regalo que, en todo caso, ya está aquí.

Quedo a su disposición para cualquier comentario al respecto de este escrito.

¿Quién soy yo?

Un simple profesor de pueblo, y desde hace unos años, mas exacto 6,fotógrafo por mi propia cuenta(freelancer, como se diría en el mundo “civilizado”).

Pero vamos a empezar por el principio, a lo mejor podría explicar mis afinidades con la fotografía, y en especial mi relación indestructible con el mundo del pueblo rumano.

Nacido en Timisoara, el 10 de abril, 1970, tuve una infancia feliz, en un pueblo hallado en los campos de Banat, Ghilad, a 37 km. distancia sur. oeste de la ciudad en la que nací. Siempre consideraré mi infancia como un privilegio que no todo el mundo podría tener. Los padres, mi madre y mi padrastro han sido mis profesores en la escuela, cosa que probablemente marcó mi evolución ulterior. Mi madre estudió artes plásticas, y mi padrastro era profesor de educación física, de donde vino también mi inclinación hacia lo estético y mucho movimiento al aire libre, con la lectura, que desde luego fue mi primera gran pasión.

Asi que aprendí sobre el mundo y la vida allí, en el pueblo, hasta los 14 años…y ha sido muy, muy bonito !Mi vida estaba dividida entre la lectura, largos paseos en las colinas con la bici o a pie, muchas veces sin una razón en especial ,pesca ,mucha pesca…juego y otra vez lectura .Y con todas estas cosas….los sueños!

Así que he tenido mucho tiempo para soñar con un mundo bueno y generoso, un mundo que no encontré mas tarde, allí en la ciudad, donde tuve que ir para continuar mis estudios.

El bachillerato, con perfil económico, impuesto por mi padre, resultó ser una elección infeliz…lo acabé bien, e incluso casi llego a entrar en una universidad con este perfil!!!

Todos estos años (1984-1988) me han beneficiado por que me acercaron a la cultura urbana, a la cinematografía y a la música sinfónica, que escuchaba en paralelo con la música underground (o punk, como la llamábamos), prohibida en ese tiempo, durante el régimen comunista.

Timisoara se encontraba entonces en la cumbre cultural del país, antes que la propia capital. Esto se daba gracias a la posición en el extremo oeste, más cerca de las influencias occidentales.

Siguió un periodo raro, extraño hasta 1992, en el cual no me reencontraba para nada, huí de la ciudad pero no pude huir del ejercito, fuimos el primer ciclo de un año, gracias a la llamada revolución de 1989,que me pilló allí, en una ciudad tranquila donde no pasó nada en especial, así que me salió relativamente bien, aunque fue una gran perdida de tiempo….

Luego en el pueblo en el que pasé mi infancia, leyendo mucho, en especial a Cioran, haciendo de vez en cuando suplencias para los profesores que faltaban…pescando o paseando por los campos, daba igual el tiempo que hacia.

Un momento muy decisivo fue en el ’92, cuando de repente

¿QUIÉN SOY YO? AUTORRETRATO DE UN FOTÓGRAFO

SORIN ONISOR

me decidí ir a la universidad. Elegí la historia por la arqueología, de la cual me sentía muy atraído.

De nuevo Timisoara, de nuevo aglomeración, ruido y cemento…utilizaba cualquier cosa para escaparme.

Por un tiempo estuve contento con las obras arqueológicas y con el atmósfera del museo.

Cinco años de universidad, luego otros dos de master…el tiempo pasaba y aun no sentía que estaba haciendo lo que necesitaba.1999 es el año en el cual llegué a ser profesor…elegí una escuela de un pueblo que estaba cerca de Timisoara, pero no el pueblo de mis abuelos, aunque también podría haber sido. Quise empezar una nueva vida en otro sitio. Y resultó estar bien.

2003,empieza la aventura fotográfica, por pura casualidad.

Un buen e inspirado amigo, Sipos Ianos, me puso entre las manos ,en 2003,una cámara Kodak, compacta, de las mas baratas…y eso fue le me faltó! La fotografía se acopló de una forma perfecta a mi estilo de vida y a mis necesidades espirituales.

Tras mes y medio había comprado el primer slr, un Zenit E,y luego llegaron dos cuerpos Nikon, manuales.

Trabajé durante tres años en película, luego me pasé al digital, por motivos objetivos y con mal sabor! No juzgo, el digital tiene muchas ventajas, pero la calidad de la imagen, por todos los puntos de vista, resulta ser superior en el caso de la película.

Ahora utilizo una Canon 40D y unos objetivos (10-22mm, 50mm, 70.200mm).

Prefiero los objetivos fijos ,pero de momento trabajo con lo que tengo.

He elegido, como se puede observar con facilidad, el medio rural, un mundo del cual estoy irremediablemente enamorado y que de momento está en un momento de lenta agonía, desgraciadamente.

Así que paso una gran parte de mi vida caminando y conociendo pueblos rumanos, inmortalizando sitios y gente que desaparecerán en muy poco tiempo…

Si al principio me sentí atraído por el color, desde hace un buen par de años, la mayoría de las fotografías que realizo son el blanco-negro.

Al principio fue difícil, como freelancer, aunque después mi trabajo tuvo bastante éxito y atrajeron atención. Siguieron numerosos premios nacionales y cooperaciones en proyectos ligados al patrimonio cultural nacional acciones humanitarias en medios rurales desfavorizados.

He realizado dos álbumes con las Iglesias de madera del municipio Timis, y ahora tiene que salir un álbum sobre Maramures.

Al mismo tiempo estoy trabajando con otros dos proyectos que tienen también como finalidad la publicación de álbumes foto, sobre las iglesias de madera de Transilvania y sobre el trabajo de herrería de la zona.

A todo esto se le añade un estudio sobre la antropología sobre la herrería de Transilvania mi próximo trabajo para el doctorado, que tiene una fecha limite, el verano de 2011, estudios en el cual la fotografía tendrá un rol muy importante.

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FOTOGRAFÍAS DE SORIN ONISOR

LA GALERÍA DE ARTE NICOLE BLANCO DE ESPACIO NIRAM ORGANIZA LA EXPOSICIÓN DE FOTOGRAFÍA DE FÁTIMA RÍOS CASAS, "TRECE".

Fátima Ríos Casas nació en 1981, en Madrid. Cubrió eventos

FÁTIMA RIOS CASAS

deportivos internacionales como El Campeonato del Mundo de Floorball Division C en Mayo del 2006 y colaboraciones con diferentes páginas web y publicaciones de índole deportiva.

Durante los años 2005 - 2008 realizó reportajes sociales y colaboró con diferentes publicaciones en prensa, actualmente es colaboradora de las revistas Business & Class y Dmusik.

En el año 2008 realizó trabajos de Foto Fija en la serie "Españoleando" dirigida por Javier Manrique y comenzó su colaboración con la revista digital Kukumbar.

FOTOGRAFÍAS DE FÁTIMA RIOS CASAS

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Quizás has tenido la suerte de encontrarte con sus obras mientras paseas por Madrid. Sienten predilección por el centro y los encontrarás en la zona de Malasaña, San Bernardo y Conde Duque. Ellos son Pársec.

PARSEC MARTA LOUBET

Parsec es un grupo de amigos que recogen material de la calle y sobre el crean pequeños cuadros de formato irregular que luego cuelgan por la calle, en sus rincones más escondidos, como un regalo para los transeúntes más observadores.

La mayoría de su trabajo lo encontrarás en Madrid, pero también han colgado sus obras en las calles de otras ciudades y países.

El grupo Pársec nace y muere en la calle, según explican ellos mismos.

Cada salida nocturna para colgar sus obras es una especie de performance.

Los miembros del grupo salen con caretas de animales, ya que para ellos es muy importante en anonimato. Critican con ello que el arte urbano, no sólo el graffiti sino también acciones como colgar cuadros por la calle, sean un delito en España.

Para ellos cualquiera que esté en la calle es un potencial espectador y las paredes, vallas…etc. son su particular galería.

La idea es que no es el espectador el que va a buscar arte a un museo sino que el arte le sorprende a él.

No tienen ánimo de lucro ni venden sus obras.

Cualquiera que vea un Parsec puede cogerlo y llevárselo a casa. Detrás de él encontrará una dirección, donde deberá escribir para decir que lo ha encontrado.

Sus obras están numeradas y se corresponden con las que aparecen en su fotolog (grupo_parsec). En él podrás ver estas pequeñas tablas y otras obras muy interesantes.

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PARSEC

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Soy parsec. Existo a modo de supra entidad cosmológica formada por entidades singulares que orbitan a mi alrededor a una distancia de paralelajes de un segundo arco o parsecs. Aproximadamente 3,26 años luz.. En realidad tomé el nombre de una canción de stereolab.

Nací con otros propósitos pero el sonido de los años 60 y la electrónica alteraron mi configuración original.

Recojo maderas, cartones y sucedáneos olvidados en las calles y aplico acrílicos, tintas y magia para construir retratos de humanos en su medio natural.

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El grupo parsec se encarga de completar el hasta ahora infinito bucle devolviendo a las calles a sus hijos desheredados. Humanoides que se detienen ante ellos mismos y razonan: ¿Qué hace esto aquí?

Me gusta, me lo llevo.

Me gusta, no me lo llevo.

Me están vigilando. ¿Cuál es mi sentido de la propiedad?

Divagan. Su sentido es efímero.

Pero los humanos no entienden razonamientos complejos. Ignoran la potencialidad de la inmediatez. Frente a su concepto clásico y primitivo de enfrentarse a una obra con una formalidad intrínseca yo les ofrezco coyuntura y contexto.

Aquí y ahora. Está pasando. http://grupoparsec.blogspot.com/

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EL GRAFFITI OS HARÁ LIBRES MARTA LOUBET

El Muro de Berlín cayó una noche de noviembre de 1989. Habían pasado veintiocho años desde su construcción. Las autoridades soviéticas decidieron aislar la parte oriental de Berlín de la occidental dado el éxodo que se vivió en los primeros días y ordenaron la colocación de alambradas. Pocos después comenzó la construcción del muro, un muro que dividió a familias, amigos y en el que más de doscientas cincuenta personas perdieron la vida. Occidente lo llamó “el muro de la vergüenza”, la URSS, “ barrera contra el fascismo occidental”.

Además de los muertos por intentar cruzarlo hubo 75.000 arrestados y una enorme cantidad de ciudadanos acusados de colaborar en huidas.

Se cree que más de 40.000 personas lograron cruzar, cantidad que aumento

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considerablemente en los últimos años de la década de los ochenta. En esta época no sólo conseguían pasar el muro de Berlín sino que llegaban a la zona occidental ciudadanos procedentes de países bajo el comunismo como Hungría.

En Berlín se llegaron a hacer cosas como atravesar el Báltico con un mini submarino para llegar a Dinamarca, pasar en globo aerostático, o esconderse en la calefacción de un vehículo. La última víctima murió nueve meses antes del derribo del muro.

Durante esos veintiocho años Occidente no llevó a cabo una política firme contra el Muro. Kennedy, al ser informado de su construcción contestó que no podía hacer nada si la URSS se ceñía a la parte oriental de Berlín, y esa fue la política que se llevó a cabo a lo largo de esos años. Fue el deseo de los berlineses de estar unidos y ser libres lo que consiguió que finalmente cayera el Muro.

El Muro era una sucesión de placas de hormigón de hasta cuatro metros de alto con siete pasos fronterizos, entre ellos Checkpoint Charlie. Medía más de 155 Km. En la construcción del Muro trabajaron más de 50.000 obreros siguiendo las órdenes de Hagen Koch, que años más tarde declaró que el pensaba que estaba haciendo lo correcto y que trabajaba por la paz. Cuando a Koch le fue encargado el proyecto del muro tenía veinte años.

Poco a poco esta superficie fue convirtiéndose en uno de los espacios favoritos de la zona occidental para los graffiteros. Éstos plasmaban a menudo mensajes de protesta contra la obra, pero también todo tipo de motivos que no tenían que ver con la política. El muro se transformó en un gigantesco lienzo que partía Berlín en dos.

La parte oriental no tenía acceso a la superficie del muro por la vigilancia de los soldados y otros dispositivos como dobles alambradas. Esto hace que la parte occidental del Muro sea la más decorada. Pero cuando cayó el muro los trozos que continuaban en pie fueron aprovechados también por su parte oriental, con lo que ahora podemos ver graffitis en ambos lados del muro.

En 1990 un sector del muro fue convertido en la mayor galería al aire libre del mundo.

Es la East Side Gallery, declarada monumento nacional desde 1991 por la importancia artística e histórica que encierra. Está ubicada en Friedrichshain, en el centro de la ciudad. En ella podemos ver la obra de más de cien artistas de más de veinte países que reflexionan sobre temas políticos, sociales o poéticos. Estos artistas consideran todas las intervenciones como una única obra que abarca los más de mil trescientos metros que quedaron en pie del muro.

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Entre estos graffitis destacan el “Beso de hermanos”, beso entre Brezhnev y Honecker, al que Bruvel añadió un poema en ruso que dice “ dios mío, ayúdame a sobrevivir a este amor mortal”.Además del famoso “Beso de hermanos”, encontramos también la imagen del Trabant, el clásico coche del Berlín oriental, atravesando el Muro, obra de Kinder. Entre otros graffitis a destacar en este kilómetro de arte hay homenajes al “Guernica”, poemas…

En la actualidad el estado de conservación del Muro no es bueno, y los artistas luchan por su conservación porque lo consideran una parte fundamental de la memoria de Berlín. La actitud de las autoridades berlinesas en los últimos años ha demostrado la desidia de los poderes públicos frente a asuntos de arte urbano como éste.

El año pasado no se pudo impedir la retirada de quince paneles llenos de graffitis por parte de las autoridades. En las manifestaciones que precedieron a la destrucción de estos paneles destacó Erich Stanke, un ciudadano alemán que en 1989 compró a un oficial de fronteras más de cien metros de muro que éste estaba decidido a llevar al vertedero. Desde principios de los noventa Stanke se encuentra envuelto en procesos con la administración local para defender lo que el declara de su propiedad. Los tribunales no se lo han reconocido y Stanke afirma que lleva gastados en los 57 proceso unos 400.000 euros.

La destrucción de estos restos del muro estaba planeada desde hacía tiempo por la administración para construir la sede del Ministerio Federal de Medio Ambiente. La zona es una de las más codiciadas urbanísticamente de Berlín ( los alrededores de Potsdamer Platz). Los arquitectos, en respuesta a las protestas de los grupos que consideran que el muro debe conservarse, prometieron colocar los paneles en el mismo sitio una vez hubiesen terminado las obras.

En las protestas participaron también numerosos artistas, entre ellos graffiteros. Entre los graffitis que decoran estos paneles se encuentra el famoso “Beso de hermanos”. Esta pieza ha sufrido daños como consecuencia del traslado. Los turistas allí presentes se mostraron contrarios al derribo del muro.

En la actualidad quedan en pie apenas cuatro kilómetros de un enorme muro que rodeaba todo lo que fue Berlín Oriental.

A día de hoy Stanke y las asociaciones de defensa del muro siguen luchando por su conservación.

Las últimas novedades en materia de conservación y restauración las encontramos en agosto de este año, cuando Kani Alavi, presidente de la asociación de artistas, anunció que se va a repintar la zona de la East Side Gallery. Los trabajos comenzarán este otoño y se espera haber terminado en otoño del 2009, coincidiendo con el aniversario de la Caída del Muro.

El proyecto de Alavi es limpiar el Muro y luego repintarlo, dado que en la época se emplearon pinturas de mala calidad y en la actualidad las obras son casi irreconocibles.

Alavi lamenta la falta de apoyo de las instituciones.

Las ilustraciones: diferentes grafiti en el Muro de Berlín

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HOMENAJE A ALBERTO CEDRÓN

Como hablar de un maestro sin estereotipar su grandeza y cometido con fanfarrias y adjetivos. Como abrir la compuerta de un talento en múltiples disciplinas reconociendo sus contradicciones profundas y su riqueza expresiva.

Alberto Cedrón fue, en su vida y su obra, un desafío permanente. Si bien su ejercicio principal giró alrededor del dibujo, lo polifacético de sus búsquedas lo llevó a investigar y crear con materiales a menudo inimaginables, piedra laja, fuego, brea, aluminio, chatarra. Su producción fue vertiginosa por momentos pero jamás dejó de ser apasionada. Los resortes que lo impulsaban provenían de un inconformismo y un desparpajo que lo atravesaban como un filo, desbordando el compromiso con las criaturas que gestaba. Sin bien lo conocían como “el brujo” es posible que haya ejercido la magia a sabiendas de un enorme desconcierto.

UN ADIÓS AL MAGO FEROZ OSCAR CASTELO

Quienes vivimos experiencias cotidianas de su quehacer, sabemos de esa rara condición de bordear la locura y acogotar las fuerzas compulsivas de su imaginario. Siempre desde el borde del abismo y por lo general no sabiendo si estaba dentro o fuera de él. Aplicaba el mayor esfuerzo en una autodisciplina desesperada y exigente con las técnicas de trabajo. En los momentos de pausa su ritmo continuaba hasta extenuarlo. Con los amigos, las mujeres, los hijos, los disparates, el dolor, las dudas. Esta mezcla para la mayoría agobiante, terminaba volcándola en su obra. El tango, la mitología, la historias, la poesía fueron, para él, laberintos atemporales que le hacían vivenciar y atropellar cada día en un cambalache de dioses, reos, héroes y putas escurridas en las escenas de sus cuadros.

Nada le fue fácil. Fue un quijote con traje goyesco, los pantalones a media asta enarbolando los más insólitos despropósitos en una obra que no se acomoda a nada. Fue muy querido y muy odiado pero él transitaba esta emergencia embebido y despavorido ante sí mismo. Trabajó el grabado, la cerámica, la joyería, el muralismo, el caballete, la escultura y la vida con una vehemencia inadmisible para muchos pero indispensable para su necesidad de aferrarse a bellísimas imágenes plenas de destreza y humor que luego desechaba con aires olímpicos por una especie de desmedida autocrítica. Conoció la pobreza muy de cerca, de muy adentro y sin embargo su despilfarro era tan emocionante como un torrente.

Notablemente argentino, el país aún le debe el reconocimiento que merece.

Los que asistimos a su prepotencia de laburo tendremos siempre la sensación de no haber terminado de captar sus enseñanzas, siempre por encima de nuestra comprensión. Para el cierre, sólo su carcajada envuelta en los vapores de la farra como señal ante tanto pacato con jerarquía suelto, de que se puede vivir y morir de otra manera.

Para el mundo, su obra.

Gracias Hermano.

Neuquén, marzo 2007

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El Greco: Apóstoles Pedro y Pablo, 1592

Abuelo amando, beso tu mano, beso tu hombro derecho, beso tu hombro izquierdo. Mi confesión ha terminado; ahora, formula tu juicio. No te he hablado de detalles de mi vida cotidiana, son cáscaras vacías que tú has arrojado a la basura en el abismo, yo también las he arrojado. Grandes y pequeñas amarguras, pequeñas y grandes alegrías, a veces la vida me hería, a veces me acariciaba, son los incidentes triviales de cada día; todo esto nos ha abandonado, nosotros lo hemos abandonado también, no vale la pena mirar hacia atrás para sacarlo del abismo. (...) He amado a algunas mujeres; he sido afortunado en esto, he encontrado en mi camino mujeres maravillosas, nunca los hombres me han hecho tanto bien ni me han ayudado tanto en mi combate como estas mujeres. Y más que todas la última. Pero tiendo sobre el cuerpo enamorado el velo que los hijos de Noé tendieron sobre su padre ebrio. He amado, tú lo has amado también, abuelo, este mito de nuestros antepasados que habla de Eros y Psique. Existe una gran vergüenza, un gran peligro en hacer la luz, en ahuyentar la oscuridad para ver dos cuerpos abrazados. Tú no lo sabías, tú que has ocultado en la sombra divina del amor a tu amada compañera, Jerónima de las Cuevas; yo he hecho lo mismo con mi Jerónima, valiente compañera de lucha, gran consuelo, fuente fresca en el desierto inhumano porque atravesamos. La pobreza, la miseria, razón tienen los cretenses al decirlo, no son nada, siempre que se tenga una buena esposa. Nosotros dos tuvimos una buena esposa, la tuya se llamaba Jerónima, la mía Helena. ¡Qué suerte tuvimos, abuelo!

Cuánta veces, al mirarlas, nos hemos dicho: - ¡Bendita sea la hora de nuestro nacimiento!

Pero las mujeres, ni siquiera las más amadas, no nos han extraviado. No hemos seguido su camino sembrado de flores, la hemos traído con nosotros, o mejor dicho, no las hemos traído, ellas nos han seguido por su propia voluntad, como animosas compañeras, en nuestra ascensión.

CARTA AL GRECO NIKOS KAZANTZAKIS

Los dos hemos cazado durante toda nuestra vida una sola cosa, una visión cruel, sanguinaria, indestructible, la sustancia. ¡Cuántas copas de amargura nos han llenado los dioses y los hombres, cuánta sangre, sudor y lágrimas hemos vertido por ella! Durante toda nuestra vida un demonio -¿era un demonio o un ángel?- no nos ha dejado reposar; se agachaba, se pegaba contra nosotros y nos musitaba al oído: ¡Inútil! ¡Inútil! ¡Inútil! Creías que nos cortaría brazos y piernas, pero nosotros sacudíamos la cabeza, lo expulsábamos y apretábamos los dientes: -¡Esto es lo que queremos! -le respondíamos-, no trabajamos por un salario, no queremos cobrar el premio de nuestro esfuerzo, luchamos más allá de la esperanza, más allá del Paraíso, en el vacío.

Esta sustancia ha tomado muchos hombres; a medida que la perseguíamos cambiaba de máscaras- ya la llamábamos suprema esperanza, ya cumbre del alma del hombre, ya espejismo del desierto y ya pájaro azul y libertad. Y finalmente se nos aparecía como un círculo perfecto cuyo centro era el corazón del hombre y la circunferencia la inmortalidad; y nosotros le dábamos arbitrariamente un nombre cargado del peso de todas las esperanzas y de todas las lágrimas de la tierra: Dios.

(*) Fuente: Nikos Kazantzakis, Carta al Greco, Buenos Aires, ed. Carlos Lohlé.

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Todo hombre cabal tiene en sí, en el corazón de su corazón, un centro secreto alrededor del cual gira el universo; esta revolución secreta da una unidad a nuestro pensamiento y a nuestras acciones y nos ayuda a descubrir o a inventar la armas del mundo. Unos tienen el amor, otros la sed de conocimiento, otros la bondad o la belleza; o también la pasión del oro o del poder: todo esto lo refieren y los someten a esta pasión central.

Desdichado el hombre que no siente en el fondo de sí mismo a un monarca absoluto que lo gobierna: su vida, anárquica ce incoherente, se dispersa a todos los vientos. Abuelo, nuestro centro, que en su torbellino se ha apoderado de todo el mundo visible, esforzándose, por levantarlo al estadio superior del calor y de la responsabilidad, es este: la lucha con Dios. ¿Cuál Dios? La cumbre salvaje del alma humana que siempre estamos a punto de alcanzar y siempre se nos escapa un salto y sube más arriba.

-¿Se ha visto a alguien luchar con Dios?- me preguntaron un día los hombres, por burla.

-Con quien otro queréis que luchemos?- le respondí.

Y verdaderamente, ¿con quién otro?

Por eso, abuelo, toda nuestra vida ha sido una ascensión. Una ascensión, un abismo, un desierto. Partimos con muchos compañeros de lucha, muchas ideas, una escolta numerosa; pero a medida que subíamos la cuesta y la cumbre se desplazaba y alejaba, las ideas, las esperanzas, los compañeros de lucha, se despedía de nosotros; estaban sin aliento, no querían, no podía subir más alto. Y quedábamos solos, con los ojos clavados en la Monada movediza, en la cumbre que se desplazaba. Si subíamos, no era porque teníamos la presunción ni la ingenuidad de creer que un día la cumbre se detendría y la alcanzaríamos; ni tampoco porque, si la alcanzábamos, encontraríamos allá arriba la felicidad, la salvación y el Paraíso: subíamos porque la propia subida era para nosotros la felicidad, la salvación y el Paraíso.

Yo admiro el alma del hombre: ningún poder en el cielo ni la tierra es tan grande; llevamos en nosotros la omnipotencia y no lo sabemos; aplastamos nuestra alma bajo un montón de carne y de grasa, sin darnos cuenta de lo que somos y de lo que podemos. ¿Qué otro poder en el mundo puede mirar de frente, sin quedar ciego, el comienzo y el fin del mundo? Al principio no era, como lo proclaman las almas aplastadas bajo la carne, la grasa, el Verbo, ni la Acción; ni la mano del Creador llena de la arcilla vital: al principio era el Fuego, y al final no es la inmortalidad, ni la recompensa, Infierno o Paraíso: al final es el Fuego. Entre estos dos fuegos marchamos los dos, amando abuelo, y nos esforzábamos, acatando el mandamiento del Fuego, trabajando con él, de hacer de la carne una llama, del pensamiento una llama, una llama también de la esperanza y de la desesperación , y del honor y del deshonor y de la gloria. Tú marchabas delante de mí y yo te seguía. Tú me enseñaste que la llama que está en nosotros, contrariamente a las leyes de la carne, puede expandirse sin cesar a lo largo de los años. Por eso te veía y te admiraba: a medida que declinabas te volvías más feroz, a medida que te acercabas al abismo de tu corazón se volvía más reírme. Y tú arrojabas los cuerpos, los santos, los señores, los monjes, en el crisol de tu mirada, los fundías como metales, los purificabas de su herrumbre y afinabas el oro puro de su alma. ¿Qué alma? La llama y tú la unía a la hoguera que nos ha parido y a la hoguera que nos devorará.

Los prudentes nos han acusado de dar alas demasiado grandes a los ángeles y de tener la imprudencia de querer lanzar nuestra flecha mas allá de las fronteras de lo humano. Pero no éramos nosotros quienes queríamos lanzarla más allá de las fronteras; había en el fondo de nosotros un demonio, llamémoslo Lucifer por ser portador de la luz, y él era quien nos impelía. Él era quien quería superar las fronteras de lo humano para ir no sabemos dónde -solo sabemos una cosa: íbamos más alto. Como San Jorge, que llevaba en la grupa de su caballo a la princesita que el dragón quería devorar, este demonio llevaba la vida que se ahogaba, estaba en peligro en cada hombre y quería irse, liberarse. Así debieron sentir en su los monos el impulso del universo entero que los empujaba, ya a aullar de dolor, a sostenerse sobre sus patas traseras y frotar dos trozos de piedra, ante la risa de los otros monos, para sacar una chispa. Así nació el pitecantropo, así nació el hombre. Así también esa fuerza indómita e implacable se precipitaba en nuestro pecho, abuelo, para liberarse del hombre, para ir más allá. Por eso hemos sido tan desgarrados, por eso hemos sufrido tanto entre los hombres: no iremos más lejos, gritaban, cortad las alas, no lancéis vuestra flecha tan alto, ¿ no teméis a Dios? ¿no entendéis la razón? ¡Sentáos!" Pero nosotros no hablábamos, nosotros trabajábamos; trabajábamos las

alas, poníamos tenso el arco. Desgarrábamos nuestras entrañas para que pasara el demonio.

- No me gustan los santos que pintas, ni tus ángeles- te reprocho un día el gran inquisidor de Toledo. No os incitan a orar sino a admirar: la belleza se interpone como un obstáculo entre Dios y nuestra alma.

Te reíste: - Pero yo no quiero hacer orar a los hombres. ¿Quién te ha dicho que yo quiero hacer orar a los hombres?- lo pensaste, pero nada dijiste.

Y otro, un pintor amigo tuyo, cuando vio Toledo en la tempestad, meneó la cabeza y te dijo: - Tú violas las leyes, esto no es arte; tú sales de los límites de la razón, ya entras en la locura.

Y tú - ¿ cómo hiciste para no enojarte?-, tú sonreíste: - ¿Quién te ha dicho que hago obras de arte, no me preocupo de la belleza; la razón es demasiado estrecha para mí, y también la ley. Como el pez volador yo salto fuera de las aguas tranquilas y entro en un aire más ligero, lleno de locura.

Tu guardaste silencio un instante y miraste la Toledo que habías pintado, envuelta en nubes negras, desgarrada por los relámpagos - las torres, las iglesias, los palacios que se habían liberado de su cuerpo de piedra y surgía del fondo de la noche negra, espectros revestidos de un brillo inquietante. Tú lo mirabas y tus fosas nasales palpitaban, respiraban un olor a azufre. Callabas, pensativo, y luego, al cabo de un momento: - ¿Qué demonios hay en mí?- gritaste- ¿Quién ha pegado fuego a Toledo? En verdad respiro un aire lleno de locura y muerte.

Quiero decir lleno de libertad.

Y clavaste tus diez uñas en tu pecho. Sufrías.

Sólo un poeta, poco importa que también haya sido monje, el Padre Hortensio Félix Paravicino, pudo comprender tu divina locura. Él veía las tinieblas amenazadoras, los relámpagos sagrados, las grandes alas, los santos que habían consumido su cuerpo, se habían convertido en antorchas y ardían; tomo un día tu mano manchada de colores y la beso: - Tú haces arder la nieve, tú has superado la naturaleza y el alma permanece indecisa en su admiración y no sabe, entre la criatura de Dios o la tuya, cuál es más digna de vivir- dijo, y al pronunciar estas últimas palabras su voz temblaba.

Y tu escuchabas, impasible, los insultos y los elogios y sonreías; y si a menudo simulabas enojarte, la cólera era una tempestad superficial sobre tu rostro, el fondo de tu ser permanecía inmóvil. No tenías esperanza, ni temor, ni vanidad, porque conocías el gran secreto. Los hombres luchan con la cabeza baja contra los dos grandes elementos - o tal vez los dos rostros de Dios: el bien y el mal. Los más irreflexivos dicen: el bien y el mal son enemigos; otros suben un grado más alto y dicen: el bien y el mal son complementarios. Y otros, abarcando de una mirada total el juego de la vidas y de la muerte sobre esta corteza de la tierra, gozan de la armonía y dicen: Bien y Mal son sólo Uno. Pero nosotros, abuelo, conocemos el gran secreto. Nosotros lo revelamos, aunque nadie lo crea, y es mejor que no crean: el hombre es débil, tiene necesidad de consuelo, y si creyera este secreto, estaría completamente desanimado. ¿Cuál secreto? Tampoco este Uno existe. Un día fui a tu casa de Toledo, abuelo, para ver tus santos, tus apóstoles, los señores que pintaste, cómo los has aligerado del peso de la carne y preparado para convertirse en llamas. Nunca había visto llamas tan ardorosas. Así es, pensé, como se triunfa en la carne, así es como se salva la ruina,

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no estos pies ni estas manos de arcilla, ni estos cabellos rubios o negros, sino la sustancia preciosa que lucha en este odre de cuero y que unos llaman alma y otros llama.

Si todavía estuvieras revestido de tu carne, abuelo, te traería un poco de queso fresco, miel y naranjas, obsequios de Creta; y al buen tañedor de viola, Caridemos, con una ramita de albahaca en la oreja, para cantarte los tres dísticos que tanto amabas: Vamos, elige tu camino, y suceda lo que suceda, Triunfe o fracase tu obra, ¡no importa!

Cuando piensas en un trabajo, ve derecho y no temas; Entrega tu juventud y no la ahorres.

Soy hijo del rayo y nieto del trueno Y si quiero trueno y relampagueo y si quiero nievo.

Pero tú ya te habías convertido en una llama. ¿Dónde podría encontrarte, cómo podría verte, qué obsequio podría traerte para hacerte recordar de Creta; para hacerte subir de tu tumba? Sólo la llama puede hallar misericordia ante ti. !Ah, si pudiera convertirme en llama para reunirme contigo! (...) ( Meneghis, el narrador de la carta, sueña y, en su soñar, se ve Creta, mientras lo visita El Greco joven, que habla sobre la obra que éste proyecta realizar cuando abandone la isla para trasladarse a Italia).

- No te atormentes, pequeño Meneghis- me dijiste... -. tengo grandes designios en mi mente, un gran poder en mis manos. En Europa donde voy, lucharé con los más grandes, para obligar a mi alma a perderse o a triunfar. Ya verás, ya verás. Y primero que todo, voy a competir - no tengas miedo- con Miguel Ángel. He visto hace un tiempo una pequeña reproducción del Juicio Final que ha pintado en Roma. No me gusta.Tus ojos a la luz de la luna lanzaban llamas; tu voz se había puesto áspera. Te agachaste, recogiste una piedra del suelo y la lanzaste violentamente abajo al mar. Parecía que querías mostrar tu fuerza lapidando las olas.

- ¿Por qué me miras así? ¿Crees que he bebido demasiado y estoy borracho? No estoy borracho, no, eso no me gusta. Él resucita la carne, llena de nuevo el mundo de cuerpos, ¡no quiero eso! Yo pintaré otro Juicio Final. Habrá dos planos: en el de abajo, tumbas que se abren, de ellas salen grandes larvas, del tamaño de un hombre, inquietas, la cabeza levantada, parecen husmear el aire; en el de arriba: Cristo. Cristo completamente solo. Se inclina, sopla sobre las larvas y el aire se llena de mariposas. Esto es lo que se llama resurrección: que las larvas se conviertan en mariposas en lugar de renacer simplemente y ser larvas inmortales.

Levanté la cabeza y te mire a la luz mágica de la luna; el aire, en torno a tu cabeza ardiente, se había inundado de mariposas. Ya abría yo la boca para hablar, este Juicio Final me parecía en verdad demasiado herético, pero tú te habías lanzado y te apresurabas estaba a punto de amanecer- para tener tiempo de revelarme tus secretos antes de dejarme. Me parecía que tú no me hablabas, sino que caminabas hablando para ti solo.

- Ellos pintan el Espíritu Santo bajando sobre la cabeza de los Apóstoles en forma de una paloma. ¿No tiene vergüenza? ¿Nunca se han sentido quemados por el Espíritu Santo? ¿Dónde han ido a buscar ese pájaro inocente y comestible, para presentárnoslo como el Espíritu? No, el Espíritu Santo no es una paloma, es un fuego, un fuego devorador de hombres, que se aferra a la cima del cráneos de los santos, de los mártires, de los grandes luchadores, y los reduce a cenizas. Son las lamas mediocres las que lo toman por una paloma, los que creen que puede degollarlo y comerlo. Te pusiste a reír: - Yo, si Dios quiere, pintaré un día al Espíritu Santo sobre la cabeza

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de los Apóstoles, y entonces verás. Callaste, movías nerviosamente tu mano de arriba a abajo, como si pintaras en el aire la futura Pentecostés.

- ¿No puedes trasformar el fuego en luz?- te pregunte, pero inmediatamente lo lamente, pues tu rostro se había ensombrecido. Frunciste el ceño: -¡Qué es esta manía de la luz!- me respondiste, y me pareció por un instante que me mirabas con colores -¿Por qué tanta prisa? No es nuestro trabajo. Aquí es la tierra. No es una nube, es la tierra con sus cuerpos hechos de carne, de grasa, de huesos, hay que hacer una llama con ellos. Esto lo podemos, ir más lejos es imposible, ya está bien así. En un tronco muerto, en una hoja de árbol, como en el más resplandeciente manto de seda de un rey dormita el fuego y espera a que el hombre lo despierte. Una llama atraviesa las piedras, los hombres, los ángeles, esto es lo que yo quiero pintar. No quiero pintar la ceniza, soy pintor y no teólogo. Quiero pintar el instante en que las criaturas de Dios arden: un poco antes de que caigan en cenizas. Siempre que tenga tiempo. Por eso tú me ves jadear, apresurarme: tengo que pintarlas antes que se conviertan en cenizas.

- Cállate -le dije; yo había sentido las llamas que rodeaban tu cuerpo, cállate, compañero, tengo miedo.

- No tengas miedo, pequeño Meneghis, el fuego es la Virgen Madre de quien nace el niño inmortal. ¿Qué niño? La luz. La vida es un Purgatorio en que ardemos. Su trabajo está en el paraíso, y es hacer la luz con la llama que nosotros hemos preparado. Te detuviste y luego, al cabo de un momento: - Esta es, sábelo bien, la colaboración y Dios. Algunos me dicen hereje, dejémoslos decir. Tengo mi propia Sagrada Escritura, que dice lo que la otra ha olvidado de decir o no se ha atrevido a decirlo. La abro y leo el Génesis: Dios ha creado el mundo y el séptimo día reposó. Entonces llamó a su última criatura, el hombre, y le dijo: "Escucha, hijo mío, y tendrás mi bendición.- Yo he hecho el mundo, pero no lo he terminado, lo he dejado a medio hacer; a ti te toca continuar la creación: quema el mundo, conviértelo en fuego y entrégamelo así. Y yo lo trasformaré en luz".

El aire puro y la grave discusión empezado a expulsar la embriaguez. Nos sentamos en una roca y miramos el mar. El cielo en oriente había tomado ya un tinte lechoso; a nuestros pies el mar, todavía sombrío, bramaba.

- Eres un inquisidor implacable -te dije; atormentas y matas los cuerpos para sacar su alma.

- Lo que tú llamas alma, yo le digo llama- me respondiste.

- Amo los cuerpos, la carne me parece santa, ella también viene de Dios. Y déjame decirte esto, no te encolerices; la propia carne tiene un reflejo del alma y el alma tiene algo así como una pelusilla carnal; ellas se equilibran armoniosamente, viven juntas, buenas amigas y buenas vecinas. Tu rompes el santo equilibrio.

- Equilibrio quiere decir inmovilidad. E inmovilidad quiere decir muerte.

- Pero entonces la vida es una negación perpetua; tú niegas lo que habría podido, al realizar el equilibrio, poner un obstáculo a la destrucción. Tú lo rompes y buscas lo incierto.

- Busco lo cierto. Yo rompo las máscaras, levanto las carnes; me digo: es imposible que sea de otro modo, existe bajo las carnes de algo inmortal, esto es que lo que busco, esto pintaré. Todo lo demás, máscaras, carnes, bellezas, se las dejo a los Ticianos y a los Tintoretos, ¡que les hagan provecho!

- ¿Quieres superar al Ticiano y al Tintoreto? No olvides la copla cretense: Haces un nido muy alto, se romperá la rama débil.

Meneaste la cabeza:

- No, no quiero superar a nadie; soy el único de mi especie.

- Eres desmesuradamente orgulloso, Meneghis, eres semejante a Lucifer.

- No, soy desmesuradamente solo.

- Dios castigas la presunción y la soledad; ten cuidado, amado amigo. No respondiste. Lánzate una última mirada al mar que bramaba, recorriste largamente con la mirada la ciudad aún dormida, cantaron los primeros gallos. Te levantaste: - Partamos, ya amanece.

Me tomaste nuevamente del brazo, nos pusimos en camino. Tu murmurabas, tus labios se movían, sin dudada querías decir algo y vacilabas. Al fin, no has podido contenerte.

- Voy a decirte algo grave, pequeño Meneghis, perdóname; achácalo a mi embriaguez. Me reí: - Hermosa ocasión de decir ahora que estás ebrio lo que no te atreves a expresar cuando estás en tus cabales. No eres tú quien habla, es el vino de Malvasía. ¿Y bien?

que dormí en Toledo, en que olisqueaste que un cretense estaba cerca de ti- y te levantaste de la tumba y tomaste la forma de un sueño para venir a encontrarme? ¿El lapso de un relámpago o tres siglos? ¿Quién podría, en el clima del amor, distinguir un relámpago de la eternidad? Ha pasado una vida desde entonces: los cabellos negros se han blanqueado, las sienes se han hundido, los ojos han perdido su brillo. ¿Ha rechinado el arca entre las manos de Dios? ¿Entre las manos del demonio? Nunca pude distinguirlo.

- Pero yo era feliz de sentir que una fuerza mucho más grande que la mía, mucho más pura, me armaba de una flecha y tiraba. Todos los pedazos de madera son pedazos de la verdadera Cruz, porque con cada uno de ellos puede hacerse una cruz; asimismo todos los cuerpos son santos, porque de cada cuerpo puede hacerse un arco entre manos implacables, insaciables. ¡Cuántas veces estas manos invisibles lo han tendido, tendido con todas sus fuerzas, cuántas veces lo sentido crujir, a punto de romperse! ¡Que se rompa! gritaba yo. Tú, abuelo, me habías ordenado elegir y yo había elegido.

Y ahora el crepúsculo humea sobre las colinas, las sombras se han alargado, el aire se ha llenado de muertos.

La batalla cesa. ¿Ha triunfado? ¿Estoy vencido? Sólo sé una cosa: estoy cubierto de heridas y me sostengo de pie.

Tu voz resonó en la mañana pálida, muy grave, afligida: - Una noche pregunté a Dios: -Señor, ¿cuándo perdonarás a Lucifer? - Cuando él me perdone, me respondió. ¿Has comprendido, compañerito? Si un día te preguntan cuál es las más grande colaborador de Dios, responderías: Lucifer. Si te preguntaras cuál es el Hijo Pródigo, para quién su padre mata el ternero cebado, al recibirlo con los brazos abiertos, responde: Lucifer.

"Yo te revelo mis secretos más ocultos, para que sepas. Si no tengo tiempo, si no soy capaz de realizar todo lo que tengo en la mente, tú debes continuar mi lucha. Continúala y no tengas miedo; y no olvides nunca el precepto feroz que el cretense da al cretense: "¡Entrega tu juventud y no la escatimes!"

"Esto es lo que se llama ser un hombre, esto es el valor y el deseo sumo de la llama sagrada. "¿Me das tu palabra? ¿Eres bastante fuerte? ¿No desfallecerás? ¿No mirarás atrás, no dirás: que bueno es le bienestar, y los brazos de la mujer, y la gloria? "¿Por qué no respondes?"

- Pesado mandamiento me das, Meneghis. ¿No puedes suavizar un poco la tarea del hombre?

- Es posible, pero no para ti, ni para mí. Hay tres clases de almas, tres clases de plegarias: "Soy un arco entre tus manos, Señor; tiéndeme para que no me pudra. " No me tiendas demasiado, Señor; me romperé.

"Tiéndeme lo que tú quieras, Señor. y si me rompo tanto peor.

"Elige."

Me desperté. Las campanas de Santo Tomé en la vecindad sonaban a maitines; resonaron gritos en la calle, taconeos de mujer crujieron en el pavimento, un gallo en el patio cantó con voz roncas: Toledo se despertaba. El sueño permanecía pendiente ante mis párpados y aún oía la última palabra, implacable, que me había llenado de terror y me había sacado brutalmente del sueño: "¿Elige!"

Abuelo amado, ¿cuánto tiempo ha pasado desde aquella noche en

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Estoy cubierto de heridas, todas recibidas de frente. Hice lo que pude, abuelo, y como me lo habías ordenado, más de lo que pude, para no deshonrarte. Ahora que la batalla ha llegado a tu lado, a fin de que esperemos juntos el Juicio Final.

Beso tu mano, beso tu hombro derecho, beso tu hombro izquierdo, abuelo, gracias por haberme recibido.

LOURDES LEITE nasceu em Lisboa em 1935. Iniciou os seus estudos em Desenho e Pintura na Sociedade Nacional de BelasArtes. Curso de gravura da Cooperativa de Gravadores Portugueses (1966); Curso complementar de pintura ESBAL. Entre 1963 e 1967 foi Bolseira da Fundação Calouste Gulbenkian. A sua obra encontra-se representada em inúmeras colecções particulares e também, no Banco Fomento Nacional, na Caixa Geral de Depósitos, na Câmara Municipal de Lisboa e na Secretaria Regional do Turismo e Cultura da Madeira.

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LOURDES LEITE

Lourdes Leite, tem uma trajectória das mais fecundas nas artes plásticas portuguesas, dedicada à construção segura, de uma pintura extremamente pessoal, o que lhe assegura, sem dúvida, o patamar das grandes mestres.

GRANDES ARTISTAS

O rigor e a disciplina da pintura e da gravura, de Lourdes Leite, tornaram-na, desde logo, uma artista destacada na sua geração.

PORTUGUESES

Em “Janelas do meu Mundo”, Lourdes Leite opta pela abstracção, o que não é exactamente uma surpresa, já que Ela sempre foi uma artista muito ligada à sua lógica interna. Mas criou a expectativa de saber como se comportaria a sua pintura sem o apoio declarado da figuração.

São paisagens de grande qualidade formal, em que a composição é excelentemente estruturada e as relações cromáticas são inovadoras de contraste e plenas de vigor e originalidade.

A textura utilizada com sabedoria, matiza a emoção da artista e confere densidade à pintura. O importante é que estas obras de Lourdes Leite estão impregnadas de entusiasmo e energia. Para a artista a abstracção traz alegria e novos desafios. E ela tem uma marca própria, tem um reconhecido estilo, identifica a autora, da mesma maneira como ocorreria com a sua pintura figurativa.

Talvez Lourdes Leite nos esteja a questionar sobre as verdadeiras diferenças entre figurativo e abstraccionismo, descontadas, é claro, as aparências do real.

Zeferino Silva Director do MAC Movimento Arte Contemporânea

Amadeu

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Desde o meu primeiro encontro com as paisagens de Lourdes Leite, que me surpreenderam as pulsações tensas, contidas, sedutoramente serenas, que emanam da sua excelente obra. O límpido cromatismo de um universo cujo provir da sua gramática se ajusta a novos conceitos, constrói e desfaz Toulouse-Lautrec

ícones, mitos, sob o jugo de irrestrita fidelidade, atrás da qual se escondem labirintos lógicos, previstos pela artista.

Sempre mestre do seu ofício, Lourdes Leite, na sua obra não deixa localizar vestígios de submissão a aventuras inconsequentes. É com lugar de crescente destaque no meio artístico português, que o seu trabalho originário de profunda reflexão, se fertiliza por força de um quotidiano artístico rigoroso e impecável. Pairando sobre a sua obra aquela dimensão lírica e de grande mestria, só uma artista subtil e refinada como Lourdes Leite, tem a graça e o poder de a ostentar.

A arte de Lourdes Leite, extraordinariamente sensível na fluidez da linguagem, na vigorosa materialidade da cor, na força e no encanto da sua evasão e do seu êxtase, é uma fascinante, uma esplêndida aventura espiritual e técnica.

Álvaro Lobato de Faria Director Coordenador do MAC – Movimento Arte Contemporânea

"Incursões" de Lourdes Leite Próxima exposição No MAC—Lisboa 5—29 de Maio 37

o do vento

Fernando d`F. Pereira nasceu em Lisboa. Em 1962 inicia um périplo pela Europa, desde o sul de Espanha, expondo em Marbella, Paris (onde estuda e trabalha no atelier de Du Buffet) e Lyon. Frequenta depois a Freikunstakademie, em Salzburgo (Áustria) e em Kunstschüle Rodel, em Mannheim (Alemanha), onde fixou residência durante três décadas, expondo permanentemente nas Galerias Reichardt e Quadrat. Realizou trabalhos de arte integrada e decoração para diversas instituições e sob encomenda particular, em simultâneo com intensa actividade expositiva. A sua obra, influenciada pelo expressionismo alemão, geralmente considerada de cariz surrealizante e simbólico, foi objecto de estudo e análise por críticos e historiadores de arte como Anna-Luise Marz, Clemens Jockle, Gabriele Schulte Plaga, Hans L. Schulte, Hans W. Borgmann, Harald Kramer, Hieke Marx, Ilana Schenhave, Michael Hierholzer, Santiago Campill, José Luís Ferreira, Beate Kukatzki, Rodrigues Vaz, Luísa Ribeiro, Eduardo Nascimento ou Frithjof-Shwartz.

FERNANDO D`F. PEREIRA

Estar perante a pintura de Fernando d’ F. Pereira é estar diante de um mundo muito próprio em que a obra se oferece ao fruidor um espectáculo de cor e forma em que estas se autodeterminam para aparência do

NO MAC - LISBOA

acaso. F. Pereira não se inscreve enquanto criativo no mundo massificado da arte global. Antes, dela se distancia na medida em que não se detecta qualquer influência próxima, não pondo de lado contudo o manancial de saber que advém do conhecimento de toda a pintura anterior, desde um Pollock a um De Kooning, passando mesmo por um Du Buffet, tendo contudo sabido traduzir a síntese de todas as correntes estéticas do século XX num modo muito peculiar de operar no campo plástico a sua interioridade pelo prazer lúdico com que manipula os diversos materiais. Esse modo de prazer, de um fazer acidental em que formas e figuras parecem surgir do acaso, tornando-se inteligíveis pela forma dinâmica como se relacionam no campo plástico. É um jogo de pequenas e grandes áreas que se vão tornando conotáveis ao olhar e capacidade de captação e relação formal, criando uma rede de encenação como que divindades saindo de um plasma inicial. Isto provém da alta técnica de Fernando d’ F. Pereira no uso dos materiais e no tratamento das cores. Confirmando o talento e a alta qualidade do autor desta mostra, eis o motivo pelo qual nos sentimos compensados com esta exposição de Fernando d’ F. Pereira no MAC-Movimento Arte Contemporânea.

"Continuação " de Fernando d'F. Pereira Álvaro Lobato de Faria

Próxima exposição No MAC—Lisboa 5—29 de Maio 38

Director Coordenador do MAC Movimento Arte Contemporânea 2009

RETORNO ÀS ORIGENS

SAULO SILVEIRA

SAULO SILVEIRA nasceu em 1950, em João Pinheiro, pequena cidade do interior do Estado de Minas Gerais, Brasil. Passou a maior parte da sua infância em contacto com a natureza, em fazendas onde rios e florestas virgens marcaram para sempre a sua memória. Em 1988 inicia o curso de Pintura na Escola de Artes Visuais do Parque Lage, no Rio de Janeiro onde também trabalhava como publicitário. No mesmo ano é seleccionado para vários salões de artes visuais do Brasil, conquistanto o prémio aquisição no 5º Salão de Arte Contemporânea Americana em 1989. Em 1990 muda-se para Lisboa, dando prosseguimento à sua pintura que realizava paralelamente à ilustração publicitária. Começa a expôr em 1994, dedicando-se desde então unicamente à pintura.

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"cantos"

Um pintor brasileiro que conquistou seu lugar em Portugal. Assim poderíamos definir a trajetória de Saulo Silveira, artista nascido no estado de Minas Gerais, um dos mais ricos e diversificados estados brasileiros, onde convivem na mesma paisagem de montanhas e riquezas minerais, a herança barroca dos colonizadores portugueses e a criação atávica do seu povo. Saulo, após estágio bastante promissor no Rio de Janeiro, foi fazer a Europa a partir de Portugal, ou mais precisamente, de Lisboa. A recepção foi a melhor possível.

Pois é este pintor, dono de vontade férrea e com garra suficiente para atingir ao que realmente deseja, o que mais caracteriza sua pintura. Ao deixar sua cidade natal, João Pinheiro, no interior do Estado de Minas Gerais, seu objetivo já estava definido. Com vocação nata para o desenho desde criança, e bastante audacioso no que diz respeito ao seu talento, enfrentou o Rio de Janeiro de maneira decisiva. Justamente com Sâo Paulo, o Rio sempre exerceu enorme fascínio entre os artistas regionais,ou sejam, aqueles atuantes fora do seu eixo, pois foi uma cidade cantada em prosa e verso pelos nossos mais ilustres vates. Um cidade, portanto, que respirava cultura e com a vantagem de projetar o artista Brasil a fora.

A ESPONTANEIDADE DA FORMA E O VIGOR DA FIGURAÇÃO GERALDO EDSON DE ANDRADE

Depois, o Rio de Janeiro foi sucessivamente a capital da Colônia, a sede do Reinado e do Império, bem como abrigou a República desde a sua proclamação até a transferência da Capital Federal para Brasília, em 1960, um dos grandes empreendimentos do também mineiro, o presidente Juscelino Kubitschek, que contou com o talento do urbanista Lúcio Costa e do arquiteto Oscar Niemeyer, dois nomes de indiscutível trânsito internacional.

No Rio de Janeiro, Saulo Silveira transformou-se num excelente profissional do desenho publicitário, sendo disputado pelas mais importantes agências do país.O sucesso nessa área, porém, serviu apenas como trampolim para vôos mais ambiciosos, qual seja a pintura plena.O veículo que utilizou foram os salões de arte, certames nacionais que se realizam anualmente em várias regiões do Brasil.

Foi num desses salões, o 5° Salão Brasileiro de Artes Plásticas, patrocinado pela Fundação Mokiti Okada, realizado no final dos anos 80 na cidade de São Paulo, a mais industrializada das nossas urbes, que como crítico de arte, integrante da comissão julgadora do referido certame, vi pela primeira vez a pintura de Saulo Silveira.

Impressionou-me sobretudo a sua segurança como pintor numa linguagem como o abstracionismo, levando-se em conta que, no Brasil, há um verdadeiro celeiro de excelentes pintores abstratos, apesar de a figura ainda ser um dos esteios da nossa arte desde os pioneiros anos de sua formação. Ressalte-se que a contemporaneidade da arte brasileira data de 1951 quando foi realizada a Primeira Bienal Internacional de São Paulo, com a presença significativa de consagrados artistas modernos e de importantes críticos de arte, como Herbert Read, Lionello Venturi e outros.

Antes desse evento, a arte brasileira, apesar da realização da Semana de Arte Moderna ter sido fato marcante em 1922, ainda

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sofria dos ranços acadêmicos de uma geração que teimava em não "despojado" sair de cena. A herança barroca ainda era forte e a figuração acadêmica quase uma forma de representar a cultura do país. Havia o trabalho pioneiro de uns tantos nomes, dos quais se sobressaíam Di Cavalcanti, Vicente do Rego Monteiro, Guignard, Cícero Dias, Tarsila do Amaral, Anita Malfatti, dentre muitos outros.

A bienal paulista, portanto, teve entre outros méritos o de introduzir entre os artistas brasileiros novas e fascinantes linguagens contemporâneas, como o concretismo desenvolvido pelo suíço Max Bill, justamente um dos premiados naquela lª Bienal Internacional. Lembre-se ainda que o mundo estaba recém-saído de uma guerra mundial cujas conseqüências são por demais conhecidas, não só na economia européia como também na arte. A tal ponto que alguns artistas de fama, como a pintora Maria Helena Vieira da Silva e seu Mário, Arpad Szenes, também pintor, o gravador Axel Leskoschek, André Lhote, dentre outros, passaram longa temporada no Rio de Janeiro fugindo da crise na Europa, quando aproveitaram para entrar em contato com a classe artística local e ministraram cursos de muita repercussão nos anos 40.

Pintores brasileiros já tinham direcionado seu trabalho para o não figurativo, como o pernambucano Cícero Dias, em 1945, o romeno Sanson Flexor e o cearense Antônio Bandeira. As tentativas da criação de uma arte concreta brasileira foram conceituadas por jovens pintores radicados em São Paulo e no Rio de Janeiro, com o néoconcretismo, mas o l° Salão de Arte Abstrata no Brasil só seria inaugurado oficialmente em 1953, no qual emergiram nomes como Fayga Ostrowe, Ivan Serpa. Décio Viera, Volpi e muitos outros.

Voltando a Saulo Silveira, seu trabalho se destacava naquele salão realizado em São Paulo, em cuja comissão julgadora figuravam, além da minha pessoa, também os pintores nipo-brasileiro Manabu Mabe, Wakabayashi, os críticos Nelson Aguilar, Olney Krüse e Marc Berkowitz, pela maneira pessoal com que captava formas de extrema es- "antologia" pontaneidade integradas ao colorido forte, vibrante, uma pintura que respirava sua identidade cultural mineiro-brasileira.

Infelizmente não chegou à primeira premiação mas conquistou uma honrosa terceira colocação. Seus trabalhos foram selecionados para uma grande exposição que, inaugurada em São Paulo, foi posteriormente montada no Rio de Janeiro.

Durante certo período, Saulo Silveira faz da não figuração sua linguagem principal. Foram telas de grandes dimensões nas quais uma determinada cor era o motivo a ser decantado nas suas diversas nuanças, com excelente textura, na qual sobressaíam as fortes pincelas gestuais do autor. Com essas pinturas, com as quais participou de outros salões de arte e expôs em algumas mostras coletivas, que Saulo Silveira chegou a Lisboa.

Não resta dúvida, Portugal foi responsável pela grande reviravolta na carreira do pintor brasileiro. Em contato com a cultura luso-européia, ainda vivendo profissionalmente do desenho publicitário, Saulo Silveira conscientizou-se de que a pintura era de fato a sua vocação mais premente. Ainda timidamente, expôs em algumas galerias lisboetas e sua pintura abstrata, de composição ousada, boa feitura, com cores

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fortes, vibrantes, começou a interessar galeristas e público.

Como todo artista, Saulo Silveira quer mais, muito mais. Sua etapa artística seguinte foi conseguir a junção entre o abstracionismo e a figura. Proposta ambiciosa sem dúvida. Nela, muitos artistas famosos sucumbiram.Dono de sólida técnica, em que emprega materiais diversos e pinceladas de lúdico gestualismo, o artista brasileiro deu vazão à sua tendência de pintar telas de enormes dimensões, obtendo uma fascinante combinação do abstrato com a figuração, muitas vezes apenas sugerida pelo vigor do seu desenho.

Desenhista Saulo Silveira sempre foi.Um desenhista nato, autodidata, que foi aperfeiçoando a técnica ao longo de sua passagem pela publicidade. A facilidade com que percorre as linhas da composição eas integra no gestual das pinceladas é o que mais fascina nas suas atuais pinturas.

Nada é gratuito em suas telas.Ao contrário, Saulo é um pintor racional. Às vezes, ao meio da abstração, ícones populares, como o poeta Fernando Pessoa, por exemplo, surgem não como motivo e, sim, como valorização do desenho, ou seja, das linhas, em contraponto às formas coloridas da composição plástica. Também não é à toa que cavalos selvagens, em cavalgada, interrompam o abstrato da proposta para se impor imponentes no quadrilátero do quadro, como a refletir na tela as trilhas de sua terra, tão impregnadas de fantástico como as descrições extraordinárias do universo das Minas Gerais do seu maior cantador, o grande escritor Guimarães Rosa.

O que faz uma pintura uma obra de arte é a sinceridade do seu criador com o tema que desenvolve. No caso de Saulo Silveira, a simbiose de linguagens lhes proporciona fincar uma pincelada no seu interior mineira e expandir pelo mundo seu vocabulário plástico com a força telúrica de sua pintura. Mais sincero em sua criação, impossível.

GERALDO EDSON DE ANDRADE é escritor e Professor de História da Arte / Universidade do E s t a d o d o R i o d e J a n e i r o Presidente de Honra da Associação Brasileira de Criticos de Arte / AICA

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"milénio"

FACES MIGUEL BARROS

até 30 de abril 43

The painter and photographer Siegfried Stiller was born on the 29th of January 1950, in Welden, Bavaria, Germany. He started to study at the Augsburg School of Fine Arts in 1978 and Siegfried Stiller , “Observing”

in 1990 he began his art studies at the University of Fine Arts of Berlin. After graduation, he returned to Augsburg, where he began a very active painting activity. Between 1986 – 1994 he held over 50 exhibitions in Germany. From 1994 to 2006, he dedicates his time to art teaching, as a Professor.

GERMAN ART TODAY

2006 marks a return to painting and the birth of a new project: “Rahmenlos”, a group of young artists that work together under his close guidance, in a unique artistic project for young talents. Between 2006 and 2008 he had over 12 exhibitions in several cities in Germany. In August

SIEGFRIED STILLER

2008, upon invitation by the Art Gallery Ro-GE Art, from Augsburg, managed by Ioana Geier, he joins the project “Without Frontiers”. Along with other 3 German painters and a Swedish artist, he participates in 2 collective exhibitions in Romania, at Baia-Mara and Hunedoara. The artist donates one of his works to the Baia-Mara Art Museum. The artist is presently participating in other exhibitions in Germany and abroad.

As part of the project “Without frontiers”, undertaken by Ro-Ge Art Gallery, he will hold a personal exhibition in Madrid, at Nicole Blanco Art Gallery, in Espacio Niram, in October 2009.

Siegfried Stiller , “Rocks”

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Siegfried Stiller , “The Dance of the Blood”

“Siegfried Stiller exhibits on big almost terrifying surfaces, a graphic of symbols in suspended enclosures, a composition that bears some similitude to Dadaist - Surrealism from the point of view of the inner rebellion. The technique is complex, congested, with gematric elements where the human body is explored as a projection of figuration. The nudes are brought together by collages; the drawing is reductively shaped, the feminine characters being portrayed as in a photographic still, upside down. The drawing is full of signs, symbols, hieroglyphs, that speak of an esoteric approach. One can establish some links between his art and Max Ernst or Paul Klee, without any affectedness. The big surfaces exert some kind of tension on our perceiving capabilities in need of a symmetrical perspective. Stiller is a visionary, his art assimilating even elements belonging to sculpture.” (EUGEN EVU, writer)

Siegfried Stiller , “Feeling”

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The painter Doménikos Theotokópoulos, better known by his spanish name El Greco (‘The Greek’), is considered by many to be one of the greatest painters in the history of European art. Relatively little, however, is known about his personal history, particularly the first 25 years or so following his birth in 1541 in Crete. He apparently descended from a wealthy and socially prominent family and early in his career received training in the Byzantine style of painting. This style is concerned with religious expression and more specifically the impersonal presentation of church theology in artistic terms.

EL GRECO A BRIEF VOYAGE INTO HIS ART

His Venetian citizenship (Crete was under the control of Venice) allowed El Greco at age 27 to begin the study of painting in Italy. He studied with Titian, who was considered one of the greatest painters of the time and El Greco adopted in his work the Venetian features of bright colours, movement, and dramatic light. For a short period of time, El Greco lived in Rome where he was exposed to the work of Michelangelo, Raphael and Parmigiano. These artists practiced the style of Mannerism, which valued the portrayal of the nude in complex and artificial poses. The figures often have elongated limbs, small heads, and stylized facial features, which can be seen in exaggerated form in El Greco’s later works.

For reasons that remain unclear, El Greco left Italy for Spain in the springtime of 1577 . One of the most accepted explanations for the move was Philip II’s project of building the monastery of San Lorenzo at El Escorial, near Madrid.

Despite the rejection of his sole painting for the King and the lack of further royal commissions, his work was highly popular. It was praised by the church and frequently copied well into the seventeenth century.

In 1579, El Greco completed the first of two works that were commissioned for the church of Santo Domingo el Antigua in Toledo. The completion of the second work established a local reputation that would sustain El Greco for the rest of his life. At about the same time, the most recognizable feature of El Greco’s style emerged - the elongation of figures.

The “Burial of Count Orgaz” (1586-88; Santo Tomé, Toledo) shown to the left, is universally recognized as El Greco’s masterpiece. The picture commemorates the burial in 1323 of the Lord of Orgaz, a benefactor of the Church of Santo Tomé, when Saints Augustine and Stephen miraculously appeared and placed the deceased in his sepulcher. This vision is fabricated by an astonishing handling of brilliant colour and radiant light. El Greco’s Mannerist method is nowhere more clearly expressed than here, as the frontal plane is where all of the action takes place.

As his career progressed, the elongation of human figures in El Greco's work became more pronounced. This can be seen in his classic “St. Martin and the Beggar”. His cultural blend of Greek, Italian, and Spanish, created a unique and inimitable style. After El Greco’s death in 1614, there were no followers who adopted his artistic style.

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El Greco: The Burial of the Count of Orgaz, 1586, oil on canvas, 460 cm × 360 cm, Santo Tomé, Toledo, Spain

The theme of the painting is inspired from a legend of the beginning of the 14th century. In 1312, a certain Don Gonzalo Ruíz, native of Toledo, and Señor of the town of Orgaz, died (his family later received the title of Count, by which he is generally and posthumously known). The Count of Orgaz was a pious man who, among other charitable acts, left a sum of money for the enlargement and adornment of the church of Santo Tomé (El Greco's parish church). He was also a philanthropist and a rightthinking Knight. According to the legend, at the time he was buried, Saint Stephen and Saint Augustine descended in person from the heavens and buried him by their own hands in front of the dazzled eyes of those present.

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Art historian Max Dvořák was the first scholar to connect El Greco's art with Mannerism and Antinaturalism.

Modern scholars characterize El Greco's theory as "typically Mannerist" and pinpoint its sources in the Neo-Platonism of the Renaissance. According to Brown, the painter endeavored to create a sophisticated form of art. Nicholas Penny, senior curator at the National Gallery of Art in Washington, asserts that "once in Spain, El Greco was able to create a style of his own one that disavowed most of the descriptive ambitions of painting".

In his mature works El Greco demonstrated a characteristic tendency to dramatize rather than to describe. The strong spiritual emotion transfers from painting directly to the audience.

According to Pacheco, El Greco's perturbed, violent and at times seemingly careless-in-execution art was due to a studied effort to acquire a freedom of style. The preference of El Greco for very tall and slender figures and elongated compositions, which served both the expressive purposes and the aesthetic principles of the master, led him to disregard the laws of nature and elongate his compositions more and more, particularly when they were destined for altarpieces.

The anatomy of the human body becomes even more otherworldly in the painter's mature works. For example, for the "Virgin of the Immaculate Conception" that he painted for the side-chapel of Isabella Oballe in the church of Saint Vincent in Toledo (1607-1613), El Greco asked to lengthen the altarpiece itself "because in this way the form will be perfect and not reduced, which is the worst thing that can happen to a figure'".

The minutes concerning the commission, which were composed by the personnel of the municipality, describe El Greco as "one of the greatest men in both this kingdom and outside it". A significant innovation of El Greco's mature works is the interweaving between form and space; a reciprocal relationship is developed between them which completely unifies the painting surface. This interweaving would re-emerge three centuries later in Cézanne's and Picasso's works.

Another characteristic of El Greco's mature style is the use of light. As Brown notes, "each figure seems to carry its own light within or reflects the light that emanates from an unseen source". Fernando Marias and Agustín Bustamante García, the scholars who transcribed El Greco's handwritten notes, connect the power that the painter gives to light with the ideas underlying Christian Neo-Platonism. The later works of the painter turn this use of light into glowing colors. In "The Vision of Saint John" and the "Fifth Seal of the Apocalypse" the scenes owe their power to this otherworldly stormy light, which reveals their mystic character. The renowned "View of Toledo" (c.

1600) also acquires its visionary character because of this stormy light. The grey-blue clouds are split by lightning bolts, which vividly highlight the noble buildings of the city. His last landscape, "View and Plan of Toledo", is almost like a vision, all of the buildings painted glistening white. According to Wethey, in his surviving landscapes, "El Greco demonstrated his characteristic tendency to dramatize rather than to describe".

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Mannerism and Byzantine Influences

During the first half of the 20th century some scholars developed certain theories concerning the Byzantine origins of El Greco's style.

Professor Angelo Procopiou had asserted that, although El Greco belongs to Mannerism, his roots were firmly in the Byzantine tradition. According to art historian Robert Byron "all Greco's most individual characteristics, which have so puzzled and dismayed his critics, derive directly from the art of his ancestors". On the other hand, Cossío had argued that Byzantine art could not be related to El Greco's later work.

The discovery of the "Dormition of the Virgin" on Syros, an authentic and signed work from the painter's Cretan period (The iconographic type of the "Dormition" was suggested as the compositional model for the "Burial of the Count of Orgaz" for quite some time), and the extensive archival research in the early 1960s contributed to the rekindling and reassessment of these theories. Significant scholarly works of the second half of the 20th century devoted to El Greco reappraise many of the various interpretations of him, including his supposed Byzantinism.

Based on the notes written in El Greco's own hand and on his unique style, they see an organic continuity between Byzantine painting and his art. German art historian August L. Mayer emphasizes what he calls "the oriental element" in El Greco's art. He argues that the artist "remained a Greek reflecting vividly the Oriental side of Byzantine culture ... The fact that he signed his name in Greek characters is no mere accident". In this judgement, Mayer disagrees with Oxford University professors, Cyril Mango and Elizabeth Jeffreys, who assert that "despite claims to the contrary, the only Byzantine element of his famous paintings was his signature in Greek lettering". Hadjinicolaou, another scholar who is opposed to the persistence of the El Greco's Byzantine origins, states that from 1570 on the master's painting is "neither Byzantine nor post-Byzantine but Western European. The works he produced in Italy belong to the history of the Italian art, and

those he produced in Spain to the history of Spanish art".

The English art historian David Davies seeks the roots of El Greco's style in the intellectual sources of his Greek-Christian education and in the world of his recollections from the liturgical and ceremonial aspect of the Orthodox Church. Davies believes that the religious climate of the Counter-Reformation and the aesthetics of mannerism acted as catalysts to activate his individual technique. According to Davies, "El Greco sought to convey the essential or universal meaning of the subject through a process of redefinition and reduction. In Toledo, he accomplished this by abandoning the Renaissance emphasis on the observation and selection of natural phenomena. Instead he responded to Byzantine and sixteenth-century Mannerist art in which images are conceived in the mind". Additionally, he asserts that the philosophies of Platonism and ancient NeoPlatonism, the works of Plotinus and Pseudo-Dionysius the Areopagite, and the texts of the Church fathers and the liturgy offer the keys to the understanding of El Greco's style.

Summarizing the ensuing schorarly debate on this issue, José Álvarez Lopera, curator at the Museo del Prado, concludes that the presence of "Byzantine memories" is obvious in El Greco's mature works, though there are still some obscure issues about El Greco's Byzantine origins needing further illumination. According to Lambraki-Plaka "far from the influence of Italy, in a neutral place which was intellectually similar to his birthplace, Candia, the Byzantine elements of his education emerged and played a catalytic role in the new conception of the image which is presented to us in his mature work". According to LambrakiPlaka, El Greco employed a deliberately non-naturalistic style and his completely spiritualized figures are a reference to the ascetics of Byzantine hagiography.

El Greco: Saint Jerome, 1610—1614

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El Greco, St. James (Santiago el Mayor) (ca. 1610) Credit: Museo del Greco, Toledo

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El Greco in his lifetime was highly esteemed as an architect and sculptor.

He usually designed complete altar compositions, working as architect and sculptor as well as painter, for instance at the Hospital de la Caridad.

There he decorated the chapel of the hospital, but the wooden altar and the sculptures he executed have in all probability perished. For "Espolio" the master designed the original altar of gilded wood which has been destroyed, but his small sculptured group of the "Miracle of St. Ildefonso" still survives on the lower centre of the frame. His most important

EL GRECO

architectural achievement was the church and Monastery of Santo Domingo el Antiguo, for which he also executed sculptures and paintings.

El Greco is regarded as a painter who incorporated architecture in his painting. He is also credited with the architectural frames to his own

Architecture

paintings in Toledo. Pacheco characterized him as "a writer of painting, sculpture and architecture".

In the marginalia El Greco inscribed in his copy of Daniele Barbaro's translation of Vitruvius' "De Architectura", he refuted Vitruvius' attach-

and Sculpture

ment to archaeological remains, canonical proportions, perspective and mathematics. He also saw Vitruvius's manner of distorting proportions in order to compensate for distance from the eye as responsible for creating monstrous forms.

El Greco was averse to the very idea of rules in architecture; he believed above all in the freedom of invention and defended novelty, variety, and complexity. These ideas were, however, far too extreme for the architectural circles of his era and had no immediate resonance.

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MARIA CHIRILĂ cochetează cu Dalí, pe care îl închipuie viu în lucrările sale. Cel puŃin aşa au înŃeles cei care au fost prezenŃi la ultima ei prezentare, printre care şi Ruben Darío, de la revista Niram Art, o expoziŃie de desene inspirate, dar adaptate modului de a trăi arta al Mariei Chirilă.

Lucrările reprezintă frământările artistei aflate deja la a doua sa expoziŃie în Espacio Niram, după cum declară chiar ea: “lucrurile care cu adevărat mă frământă sau mă ating în viaŃă le pun pe foaie desenând”.

MARIA CHIRILĂ, OGLINDA LUI DALÍ FABIANNI BELEMUSKI

Arta Mariei Chirilă nu vrea să transmita privitorului senzaŃia liniştitoare a frumosului, a bunului gust, a perfecŃiunii: “Nu desenez pentru a transmite linişte, ci din contră, pentru a răscoli sentimente”. Ea “vorbeşte” mai degrabă despre lucrurile ascunse pe care le scoate la suprafaŃă, indiferent de riscuri. De aceea, Maria îl preferă pe Dalí, artistul care “şi-a exprimat fără frică excentricul ascunziş”. Timidă şi emoŃionată, la prezentare, Maria nu vrea să vorbească foarte mult despre ea şi despre munca sa, preferă, ca orice artist, să transmită prin operele sale un mesaj interpretabil. Işi doreşte mai ales ca oamenii care o privesc prin prisma lucrărilor ei, să simtă acel mesaj, acea dorinŃă născută din interior care este rebelă, să fie chiar ei liberi, rebeli şi excentrici, ca Dali.

Fiind o persoană activă, Maria Chirilă pregateşte deja următoarea expoziŃie despre care nu ştie prea multe, pentru că ea însăşi se afla într-o continuă schimbare, iar desenele şi tablourile ei sunt inspirate din ceea ce citeşte în oameni. Iar oamenii sunt schimbători. Uneori oamenii, “cele mai rele dintre animale”, cum spune Maria, îi inspiră durere. “Toată lumea minte”, trebuie să aflăm doar în ce.

Intrebată despre impactul desenelor ei, Maria spune că mesajul se transmite cu întârziere, iar când ajunge să fie înŃeles, este deja pierdut.

Artista îi admiră pe Van Gogh, Toulouse Lautrec şi Frida Khalo, nu se declară o artista completă şi îşi doreşte să mai crească şi să mai înveŃe. S-a gândit deja şi la vânzarea operelor sale, dar nu la un preŃ simbolic, ca şi până acum. Odată cu un tablou vandut, o parte din ea se dăruieşte cumpărătorului, spune Maria Chirilă zâmbind.

Maria Chirila si Ruben Dario, proprietarul revistei Niram Art

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NemŃii spun că o galerie are nevoie de 7-8 ani pentru a-şi găsi propriul drum şi identitate. RO-GE ART Galerie este abia la început de perioadă, în martie 2009 sărbătorind un an de înfiinŃare.

Principalul scop rămâne promovarea artei, prin expoziŃii, contacte cu galerii din afara Germaniei, prin serate literare organizate periodic.

Momentan, sunt la vedere lucrări de pictură şi grafica din Germania (5 autori), România (10 autori), America (1 autor) dar şi câteva lucrări de sculptură, România (2 autori).

RO-GE ART- GALERIE AUGSBURG

Nota aparte faŃă de celelalte galerii augsburgheze o constituie expoziŃiile externe prin programul "Fără Frontiere", iniŃiat în august 2008, când, un grup de 4 pictori germani şi o suedeză au avut onoarea de a expune cu succes în România, respectiv Baia Mare şi Hunedoara.

Urmează ca uşa să se deschidă şi invers, RO-GE ART Galerie pregatind pentru toamnă venirea câtorva plasticieni transilvaneni în Augsburg.

Sunt receptivă, deschisă, flexibilă la noi idei, propuneri, proiecte, schimburi pe linie de artă. Desigur, îndrăzneala mea uneori este mare, dar oare nu astfel mulŃi autori ies din anonimat?!...

Să lăsam aşadar muchiile luminii, fie ele şi imperfecte, să ne atingă!

IOANA GEIER Manager Ro-Ge Art Galerie

IOANA GEIER

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Volumul recent publicat de Editura Cartea Românească* dovedeşte că Matei Vişniec a făcut şi ultimul pas care îl mai despărŃea de marea dramaturgie. Abia acum putem considera că el n-a greşit când a abandonat poezia şi s-a consacrat exclusiv teatrului.

Reducerea la tăcere a poetului Matei Vişniec de către dramaturgul Matei Vişniec părea, acum un deceniu, o crimă literară absurdă. Poezia de o claritate stranie cu care se remarcase tânărul din RădăuŃi încă de la vârsta de 16 ani îi cucerise pe cunoscătorii de poezie prin forŃa de sugestie, prin eleganŃa stilistică şi prin însuşi faptul că nu semăna cu a nimănui altcuiva. Să fii atât de repede acceptat ca un poet original, inconfundabil într-o literaturã care numai de poeŃi valoroşi nu duce lipsă şi să renunŃi la acest senzational succes atras de caii verzi pe pereŃi ai dramaturgiei echivala - pentru un observator obiectiv - cu un gest iresponsabil.

MATEI VIŞNIEC,

Primele piese ale lui Matei Vişniec au fãcut o bună impresie şi au circulat chiar sub formă de samizdat, dar era evident că nu depăşeau semnificaŃia unor ingenioase jocuri textuale. AtenŃia care li se acorda în lumea literară şi artistică se datora mai mult calităŃii lor de mărfuri procurate la negru decât valorii propriu-zise.

CONTEMPORANUL

Impresia că Matei Vişniec îşi administrează neinspirat propriul talent s-a accentuat atunci când încă tânărul autor (avea 31 de ani) a cerut azil în FranŃa şi a continuat să scrie teatru şi numai teatru. Cum să te afirmi ca dramaturg într-o tară în care existau ca termen de comparaŃie textele lui Samuel Beckett şi Eugen Ionescu?

NOSTRU O CRIMĂ LITERARĂ PRESCRISĂ

ALEX ŞTEFĂNESCU

Si totuşi, Matei Vişniec, acest don Quijote al teatrului, este cel care a avut dreptate. Piesele sale au reuşit, treptat, să se impunã într-un spaŃiu suprasaturat de valori culturale. Jucate întâi de teatre de amatori din oraşe de provincie, de studenŃi, de adepŃii teatrului experimental, susŃinute de la distanŃă, din România, de simpatia necondiŃionată a compatrioŃilor autorului, aceste piese s-au infiltrat - ca apa într-un dig - în indiferenŃa publicului occidental şi au fãcut-o să se prăbuşească. S-a ajuns în situaŃia ca instituŃii teatrale prestigioase, întâi din România şi apoi si din străinătate, să includã în repertoriul lor, la loc de cinste, titluri din creaŃia lui Matei Vişniec.

Mai lipsea însă ceva. Textele autorului român aveau toate calităŃile posibile, în afară de forŃă emoŃională. Inteligente, subtile, scrise impecabil, ele rămâneau suspendate într-o atemporalitate care le împiedica să zguduie conştiinŃele contemporanilor. Ultimele douã piese publicate în România Teatru descompus şi Femeia ca un câmp de luptă - sunt rezultatul efortului (titanic) pe care l-a făcut autorul de a-şi depăşi propria virtuozitate literară, de-a o transforma dintr-un scop într-un mijloc. El a devenit mai receptiv la drama lumii în care trăieşte şi şi-a asumat riscul artistic de-a o reprezenta.

Putea să piardă totul procedând la această schimbare, dar n-a pierdut. Dimpotrivă, teatrul său a devenit acum un mesaj de care nu se mai poate face abstracŃie, un mereu posibil eveniment artistic.

BieŃii cuceritori ai lumii Piesa intitulată Teatru descompus (titlul ei complet este Teatru descompus sau Omul-ladă-de-gunoi) are în componenŃă monologuri şi dialoguri care "se doresc a fi nişte elemente de arhitectură textuală pentru un teatru modular." În aceste condiŃii - explică autorul - "spectacolul, îşi poate modifica imaginea de la o seară la alta în cazul în care regizorul (sau actorii) reorganizează modulele textuale la fiecare reprezentaŃie."

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"Teatrul descompus" este, aşadar, un teatru care poate fi în numeroase feluri recompus. "Modulele textuale", monologuri, în marea lor majoritate, seamănă cu cărŃile de joc, în sensul cã au valoare şi luate separat, şi incluse într-o combinaŃie. Fiecare dintre ele este, în mod inconfundabil, un text de Matei Vişniec. Autorul pleacă de obicei de la o premisă stupefiantă pentru noi, dar pe care el o dezvoltã logic, cu un calm imperturbabil şi cu un fel de graŃie ştiinŃifică, până la epuizarea tuturor semnificaŃiilor posibile. Procedeazã ca un conferenŃiar care ar vorbi mereu reverenŃios şi distant, indiferent dacă sala în care vorbeşte ia foc sau dacă lui însuşi îi cad pantalonii. PoliteŃea desăvârşită a discursului lui Matei Visniec are o indefinibilă tentă ironicã, dar şi ceva neliniştitor, ca obiectivitatea ceremonioasã a discursului lui Kafka.

Tot acest arsenal de seducŃie literară este folosit însă nu pentru a obŃine aplauze, ci pentru a ajunge la conştiinŃa cititorului şi a-i comunica situaŃii de un răscolitor dramatism. Personajul care îl obsedează pe dramaturg este omul secolului douăzeci, incapabil, cu toată măreŃia lui de cuceritor al planetei şi, în ultima vreme, şi al cosmosului să-şi găsească liniştea sufletească, măcar aşa cum şi-o găsea pe vremuri un Ńăran, integrat armonios în colectivitatea lui săteascã. În era telecomunicaŃiilor, fiinŃa omenească nu mai reuşeşte să comunice aproape deloc cu semenii săi: "Dacă vreau să fiu singur mă opresc, scot creta neagră din buzunar şi trag un cerc în jurul meu. În interiorul cercului sunt la adăpost. Când sunt în cerc, nimeni nu poate şi nici nu are dreptul să mi se adreseze. (…)

Potrivit unor sondaje recente, locuitorii oraşului îşi petrec mai bine de trei sute de zile pe an în interiorul cercurilor. S-a fãcut, deja, un recensământ al celor care n-au mai ieşit din cercul lor de cinci ani, de zece ani, de douăzeci de ani."

Aceasta este însă numai una dintre ipostazele nefericirii. Mai există omul tratat de cei din jur ca o ladă de gunoi, omul care îşi face o profesie din întreŃinerea maşinilor utilizate pentru recoltarea cadavrelor de pe câmpurile de luptă, omul care propovăduieşte, în stilul reclamelor de la TV, spălarea creierelor, omul care suportă insistenŃa absurdã a unor anchetatori şi aşa mai departe. Piesa s-ar putea intitula, de fapt, "omul descompus" - descompus în elementele ultime ale condiŃiei sale tragice. Regizorul - dar şi cititorul, pentru că şi el se află în postura unui regizor - poate recompune din aceste elemente, în multe feluri, masca plângătoare a omului secolului douăzeci.

curajul - unui autor cunoscut pentru luciditatea lui - de a fi melodramatic. Pentru prima oarã în cariera sa, Matei Vişniec recurge la melodramă - şi totuşi nu abdică de la bunul-gust.

De altfel, semnul distinctiv al marii literaturi îl constituie tocmai atingerea acestei performanŃe care pare de domeniul imposibilului: să fii melodramatic fără să fii ridicol. Matei Vişniec "povesteşte" în piesa sa ce se întâmplã cu o femeie care a fost violată în împrejurãrile rãzboiului din Bosnia şi care îl repudiază pe copilul din burta ei ca pe un odios intrus, ca pe un violator intern, la fel de autoritar şi nerăbdător ca violatorii propriu-zişi. "Istorisirea" ne prinde în patetismul său dezlănŃuit, fiind realizată cu artă. Femeia violată refuză să dialogheze şi în cele din urmă dialoghează inutil cu o americancă de la un centru medical al NATO. Între ele existã o prăpastie. Prima îşi strigă deznădejdea, în timp ce a doua îi acordã... asistenŃă psihiatrică, folosind în mod mecanic cunostintele conspectate din manualele de specialitate.

Ca orice melodramă, şi aceasta are un happy-end. Dorra, femeia violată, o anuntă pe Kate, americanca naivă în conştiinciozitatea ei, că a luat hotărârea să păstreze copilul. Cu menŃiunea, însă, că această rezolvare fericită nu este deloc convenŃională. Dorra renunŃă la avort în momentul în care, plimbânduse pe malul lacului, citeşte inscripŃia de pe un copac: "VĂ INFORMĂM CĂ ACEST ARBORE ESTE MORT. EL VA FI DOBORÂT ÎN SĂPTĂMÂNA DINTRE 2 SI 8 APRILIE. ÎN LOCUL SĂU VA FI PLANTAT IMEDIAT, PENTRU BUCURIA SI FERICIREA DUMNEAVOASTRĂ, UN ARBORE TÂNĂR." Cu alte cuvinte, "înŃeleapta" hotărâre a Dorrei reprezintă de fapt un abandon. Femeia se sinucide generos, dar se sinucide. Analizat cu atenŃie, happy-end-ul dezvăluie o tristeŃe metafizică.

Ceea ce se termină, în schimb, în mod sigur cu bine este aventura artistică în care s-a angajat autorul. Pe el putem să-l aplaudăm la sfârşit fără reŃinere ca pe un învingător.

*Matei Visniec, Teatru descompus sau Omul-ladă-de-gunoi, Femeia ca un câmp de luptă sau Despre sexul femeii - câmp de luptă în războiul din Bosnia, Bucureşti, Ed. Cartea Românească, col. "Teatru", 1998. 148 pag.

Curajul de a fi melodramatic Impresionantă prin tragismul amplu orchestrat şi prin ducerea la bun sfârşit a unei întreprinderi artistice pline de riscuri este piesa cu titlul Femeia ca un câmp de luptă sau Despre sexul femeii - câmp de luptă în războiul din Bosnia. Un subiect al mass-media din întreaga lume, incompatibil - teoretic -, prin actualitatea lui brutală, cu teatrul superartistizat al lui Matei Vişniec, a intrat totuşi în atenŃia dramaturgului, care s-a întrecut pe sine pentru a-l trata într-un mod memorabil.

(Articol apărut "România Literară", 17.03.1999)

Curajul de a face literatură din gazetărie este depăsşt doar de

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Matei Visniec si actrita Isabel Stoffel, in Espacio Niram, Madrid

MATEI VISNIEC: Născut în nordul României, în Bucovina, la RădăuŃi, pe 29 ianuarie 1956. Mama, Minodora, este educatoare, tata, Ioan, este funcŃionar. Foarte repede descoperă în literatură un spaŃiu de libertate. Citeşte cu aviditate Kafka, Dostoievski, Camus, Poe, Lautréamont… Ii plac foarte mult suprarealiştii, dadaiştii, povestirile fantastice, teatrul absurdului şi al grotescului, poezia onirică şi chiar teatrul realist anglo-saxon, pe scurt, îi place totul cu excepŃia realismului socialist.

Studiază la Bucureşti filozofia şi devine foarte activ în sînul generaŃiei 80, fiind membru fondator al Cenaclului de luni. Crede în rezistenŃa culturală şi în capacitatea literaturii de a demola totalitarismul. Crede mai cu seamă că teatrul şi poezia pot denunŃa manipularea omului prin "marile idei", precum şi spălarea creierelor prin discursurile ideologice.

Inainte de 1987 se afirmă în România prin poezia sa epurată, lucidă, scrisă cu acid. Incepînd din 1977 scrie piese de teatru care circulă masiv în mediul literar, dar care sunt interzise pe scenele profesioniste. Proza sa rămîne însă una de sertar, precum romanul "Cafeneaua Pas Parol" scris în 1982/1983 şi publicat abia după căderea lui Ceauşescu.

In septembrie 1987 părăseşte România, ajunge în FranŃa unde cere azil politic, începe să scrie în limba franceză şi lucrează pentru Radio France Internationale. Devine cetăŃean francez în 1993. Piesele sale scrise în franceză sunt editate de Actes Sud - Papiers, L'Harmattan, Lansman, Crater, Espace d'un Instant. Numele său a figurat pe afişe teatrale în peste 30 de Ńări.

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SIEGFRIED STILLER "Kunst ist frei Pictor şi fotograf liber profesionist, SIEGFRIED STILLER s-a născut la 29 ianuarie 1950, în Welden, Bavaria. In 1978, începe Scoala de Arte în Augsburg iar în 1980 se înscrie la Universitatea de Arte din Berlin.

După terminarea studiilor, se reîntoarce în Augsburg, dedicându-şi timpul creaŃiei, astfel încât, în perioada 1986-1994 are la activ în jur de 50 de expoziŃii în Germania natală. Din 1994 şi până în 2006 intră în pauză creativă, ocupând un loc la catedră, ca profesor de arte. In 2006, Siegfried Stiller revine în forŃă pe linie creatoare, dar şi cu un nou proiect:"Rahmenlos"-(Fara rame)- o trupă de tinere talente pe care o constituie şi o conduce spre performanŃe artistice.

Incepe să expună din nou -12 apariŃii– în diverse oraşe germane, în intervalul 2006-2008.

Arta este liberă"

In august 2008, Siegfried Stiller răspunde provocării Galeriei RO-GE ART Augsburg, patronată de Ioana Geier, mergând să expună în România -Baia Mare si Hunedoara- prin acŃiunea "Fără Frontiere", alături de alŃi trei pictori germani şi o pictoriŃă suedeză stabilită în America. In România, se bucură de un succes bine meritat, cu toŃii devenind CetăŃeni de Onoare ai Municipiului Baia Mare. In Muzeul Judetean de Artă "Centrul Artistic Baia Mare" sunt donate lucrări de mare valoare, Stiller, personal, dăruind piesa-forte a creaŃiei sale până în acel moment: "Tu aşteptai în moartea ta roşcată dupa mine, însă eu mai trăiesc un pic."

In prezent, Stiller pregateşte noi expoziŃii interne, dar şi una în afara Ńării, împreună cu RO-GE ART.

"Lucrările artistului Stiller frapează prin curajul expresiei plastice, prin contrastul cromatic puternic şi libertatea de mânuire a culorilor, fără nici o reŃinere de ordin estetic, în încercarea de depăşire a barierelor canoanelor impuse de şcolile de artă, pentru a deveni cât mai original prin expresia culorilor, prin expresia formelor, lucrarile sale dorindu-se a fi continuatoare ale expresionismului german"- Ioana Anghel Negrean- pictor Baia Mare (Gazeta de Maramures 9-15 august 2008)

Ro-Ge-Art la Baia-Mara

Dacă m-ai fi scuipat, te-aş putea ierta.

Dacă nu te-aş fi iubit, te-aş putea ierta.

Pentru că m-ai sărutat şi pentru că te-am iubit, nu te pot ierta.

Nicolae Steinhardt, în profund antagonism cu învăŃătura Bisericii Ortodoxe, susŃinea că cel mai greu şi de neiertat păcat este Prostia. Aş prefera să păcătuiesc din mândrie, din răutate, din lacomie, din orice alt motiv, dar să mă ferească Dumnezeu să păcătuiesc vreodată împotriva fratelui meu, aproapelui meu, din Prostie.

De sute de ani ni se bagă pe gât imaginea creştinului ideal, om mai slab de înger, “sărac cu duhul”, dar plin de tot felul de virtuŃi religioase, cum ar fi moralitatea, umilinŃa, abnegaŃia, pioşenia. Totul ar fi foarte bine, nu suntem cu toŃii nişte mici genii ambulante, iar un om moral şi neîngâmfat este vrednic de toată lauda. Din păcate, de cele mai multe ori, lucrurile nu stau atât de angelic, atunci când este vorba despre super-religioşii de orice credinŃă.

Paul Lisak: “Am I dammed for all time?”, 2008

SĂRUTUL LUI IUDA EVA DEFESES

Inca nu am găsit o explicaŃie logică pentru acest fenomen, dar, după propia mea experienŃă cu tot felul de oameni religioşi, virtuŃile propăvăduite mai sus par a merge mână în mână cu ipocrizia şi prostia. Un suflu - al Duhului Sfânt, desigur - îi umple pe aceşti oameni credincioşi de o ştiinŃă rară: aceea de a fi singurii posesori ai adevărului suprem, pe orice fel de subiect. Sub protecŃia divină, se simt mereu îndreptăŃiŃi să intre cu bocancii peste viaŃa celorlalŃi, oferindu-le, fără a fi întrebaŃi, sfaturi despre orice: cum să-şi crească fii, cum să se poarte în societate, cum să-şi trateze nevasta, etc. Bineînteles, este vorba de un impuls provenit dintr-o generozitate extremă, cum ar putea să-i rabde pe ei Dumnezeu dacă nu ar împarŃi aceste preŃioase cunoştinŃe cu restul lumii. Visându-se cu toŃii apostoli, ultimii apărători ai moralităŃii într-o lume deşucheată şi atee, se grăbesc să salveze de la damnarea eternă sufletele tuturor celor din jur.

Am avut odată o întâlnire mai mult decât bizară. Un oaspete în propria mea casă, cu Biblia în mana, se trezise din senin preocupat de lipsa “prietenelor” mele şi începuse să-mi dea sfaturi, pentru binele meu, desigur, despre cum ar trebui să trăiesc, să nu mai fiu atât de apropiată de bărbatul meu, să-mi caut prietene şi să ies cu ele, să am unde să mă duc dacă, Doamne fereşte, se întâmplă ceva rău în căsnicia mea. Mi-am înfipt unghiile în scaun şi am zâmbit cucernic. Decisesem să mă port şi eu moraliceşte şi nu l-am dat afară.

ViaŃa religioasă a unei persoane este mai intimă chiar decât cea sexuală. Te găseşti singur în faŃa lui Dumnezeu, singur cu îndoielile tale, cu gândurile tale, contempli moartea şi speri către nemurire. Este cel mai intim moment al unui om, pe care nu îl imparŃi nici cu iubitul sau iubita, postura în care eşti cel mai vulnerabil. De unde acest avânt de exhibiŃionism religios? De ce a fi religios, înseamnă, astăzi, a umbla cu Biblia în mână şi a fi mai preocupat de cum trăiesc alŃii, decât de cum trăieşti tu însuŃi? De ce credinŃa în Dumnezeu vine laolaltă cu sentimentul de superioritate morală: tu eşti religios, moral, pluteşti undeva sus, în valuri de spiritualitate, noi, cei de jos, înotăm prin nămolul imoralităŃii şi avem nevoie de ajutorul tău însă nici măcar nu ne dăm seama, atât de orbi şi împietriŃi la inimă suntem.

UmilinŃa omului religios este suprema ipocrizie. Pioşenia religioasă este doar un mod de a te simŃi superior celor din jur, a pierduŃilor fără nici un fel de morală.

“Inainte de creştinism, femeia era o sclavă, creştinismul a eliberat-o din ghearele în care o Ńinea închisă iudaismul” îmi spunea acelaşi sfetnic în ale

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moralităŃii. Nu am auzit cu totii, de atâtea ori, despre dragostea, libertatea şi înŃelegerea creştină? Mai ales oferite femeilor, celor mai slabi, celor în minoritate. Două mii de ani de libertate creştină acordată femeii m-au făcut cam suspicioasă, recunosc. Drepturile pe care femeia şi le-a câştigat cu greu sunt datorate laicizării societăŃii şi nicidecum religiozităŃii ei. Un frate trecut la o formă bizară de creştinism spumega de furie împotriva avortului şi decretase ca femeii care avortează ar trebui să i se extirpeze ovarele. Oh, mai daŃi-mi libertate şi iubire creştină! Marşurile împotriva homosexualitaŃii şi homofobia sunt iaraşi un exemplu de înŃelegere creştină. De ce se tem fraŃii din ASCOR? Cei care se adună la întruniri diverse sau pe site-urile creŃtine, pline de sfaturi de suflet, noua modă în România, - unde se pun întrebări de genul: este păcat să mergi la teatru? este păcat să asculŃi muzică rock? este păcat să ai relaŃii sexuale cu propria soŃie? – se tem oare să nu fie violaŃi pe stradă de hoarde de homosexuali gata să se năpustească asupra lor? Care este acest “pericol” al homosexualităŃii despre care suntem avertizati cu disperare pe toate siteurile?

Occidentul imoral şi Orientul apostolic - singurul bastion al moralităŃii întro lume prăbuşită în orgii. Societatea consumistă care ne obligă să consumăm fără încetare. Aceste slogane ne sunt repetate zilnic, suntem în pericol de ne pierde identitatea din pricina globalizării, moralitatea din cauza televizorului, valorile naŃionale din cauza americanilor, spiritualitatea ortodoxă pe care vrea cu orice preŃ să ne-o fure occidentul…suntem mereu în pericol, să stăm mereu cu frică, “să stăm bine, să luăm aminte”, să nu cumva să ne ridicam capul şi să fim diferiŃi. Cei din jur sunt cei răi, cei imorali, pervertiŃii occidentali, ateii fără de suflet, nenorocitele ucigatoare de prunci. Moralitatea este apanajul omului religios, un ateu este din start imoral, şi din dragoste frăŃească religiosul doreşte să îi aducă pe toŃi la lumină, cu de-a sila.

Am primit şi eu sărutul lui Iuda pe obraji. Din politeŃe, din avânt moral poate, gest negândit şi realizat mecanic, poate. Pentru binele meu, poate.

Insă nu din dragoste fierbinte, nu din pasiune şi durere în piept, nu din dor nesfârşit. Obrajii atinşi doar de bărbatul şi copilul meu, i-ai atins tu, fratele meu moral, pentru că aşa se salută politicos. Mai bine m-ai fi scuipat, aproape al meu. Mai bine Ńi-ar fi Ńie azi, dacă în acea zi, când ai intrat în casa mea, m-ai fi scuipat. Sângele care îti curgea odată prin vine, curge azi prin vinele sufletului meu, nu există altă lege morală decât cea pe care Ńi-a dat-o mama ta şi pe care ai uitat-o. Recuperează-Ńi creierul, reînvaŃă să fii tu însuŃi, începe să gândeşti de unul singur şi vino înapoi. Treimea există, dar tu te rogi unei treimi, fără să-Ńi dai seama că erai parte vie dintr-alta.

Paul Lisak: “Jesus and Judas”, 2008

De asta nu îmi plac oamenii morali. Prefer să fiu amanta unui golan imoral şi violent care înjură de Dumnezeu la fiecare trei cuvinte dar şi-ar da viaŃa pentru femeia, copilul şi fratele sau, decât soŃie sau soră respectabilă de cetăŃean moral şi pios, care oferă săruturi politicoase şi ieftine tuturor.

ViaŃa mea religioasă este doar a mea. La sfaturile voastre pioase şi la avertismentele despre pericolul care îmi paşte sufletul spun: sunt atee sau satanistă, mi-e indiferent, ce vă şochează pe voi mai mult, imorală, lesbiană, alcoolică şi fumătoare, ascult “ParaziŃii” pana dimineaŃa, avortez de 4 ori pe lună din pură plăcere sadică şi mă dezlănŃui în orgii în fiecare noapte, împreună cu imoralul meu barbat ateu şi zecile de amante ale sale.

Dar atunci când sarut, iubesc şi mi-aş fi dat şi ultima picătura de sânge pentru tine, fără ca tu măcar să bănuieşti. Tu poŃi spune asta, aproapele meu religios? Oh, uitasem, femeile nu sunt în stare să iubească.

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NIRAM ART FUNDADOR: ROMEO NIRAM