Genius Child— Basquiat by Diego Gtz.

Universidad Autónoma Metropolitana Unidad Xochimilco División de Ciencias y Artes para el Diseño Diseño de la Comunicación Gráfica 11º Trimestre Semiotica Prof. Francisco Pérez Cortés Alumno: Diego Alfonso Gutiérrez Sandoval No. de cuenta: 208240240

GENIUS CHILD by Langston Hughes This is a song for the genius child. Sing it softly, for the son gis wild. Sing it softly as ever you canâ&#x20AC;&#x201D; Lest the song get out the hand. Nobody loves a genius child. Can you love an eagle, Tame or WILD? Can you love an Eagle, Wild or TAME? Can you love a monster Of frightening name? Nobody loves a genius child. Kill him â&#x20AC;&#x201D; and let his soul run wild.

CONTEXTO SOCIAL Y CULTURAL DEL ARTISTA

Al amanecer de la década de 1980 esta marcado por las tensiones

de la Guerra Fría entre Estados Unidos y la Unión Soviética. La inminente amenaza de un ataque nuclear se vuelve palpable, por lo que a mediados de la década se produce un acercamiento entre los dos bloques, que se ve favorecido principalmente por las políticas conocidas en occidente como Glásnost y Perestroika, llevada a la práctica en todo el territorio Soviético por iniciativa del mandatario Mijaíl Gorbachov. El halo del terrorismo internacional que se había manifestado en años anteriores se presenta y prolonga en esta nueva década, intensificándose de manera considerable. Estados Unidos como una medida de reprimenda por los ataques terroristas patrocinados por Libia, toma acciones y ataca al país de Muamar Gadafi. En 1981 inicio de la era Reagan en los Estados Unidos, el 20 de enero de 1981, accedió a la presidencia el republicano Ronald Reagan. Su campaña electoral, el orgullo nacional, la defensa de los valores tradicionales y el patriotismo, bajo la promesa de reconducir al país hacia el rol de potencia mundial. Reagan permaneció en el cargo 8 años. En el plano económico, el presidente de Estados Unidos, Ronald Reagan, presenta una serie de medidas económicas de libre mercado, popularmente conocidas como Reaganomics, que sientan las bases de la economía neoliberal de los años venideros. 9

Mientras tanto en latinoamérica, Perú que salía de un régimen militar de 11 años y que retornaba a la democracia de forma dictatorial, se enfrenta al movimiento terrorista maoísta Sendero Luminoso, que inicia su lucha armada en Ayacucho y que poco a poco fue incursionando en la capital. En 1983

Argentina vuelve a la democracia de forma insegura, luego de que el año anterior fuera la Guerra de las Malvinas y resultaran derrotados, y asume Raúl Alfonsín a la presidencia. En 1985 se condena en el recordado Juicio a las Juntas a los represores militares de la dictadura, siendo Argentina el primer y único país de Latinoamérica en hacerlo. El 6 y 7 de noviembre de 1985 un comando de la organización guerrillera del Movimiento 19 de abril (M-19) asalta con armas el Palacio de Justicia, en Bogotá. Por órdenes presidenciales el rescate de los rehenes y la retoma por los militares se lleva a cabo con extrema violencia. Tras 15 años de régimen militar los chilenos vuelven a las urnas en 1988 para decidir la continuidad del general Augusto Pinochet en el gobierno. El plebiscito le fue adverso y la democracia vuelve de forma insegura en 1990. Otro aspecto importante de esta década fueron las desapariciones forzadas en Latinoamérica que ya habían comenzado en la década anterior. Mientras tanto en europa; Chernóbil, localidad ucraniana al norte de Kiev, se convierte en el símbolo de la incapacidad del hombre para controlar el

monstruo que ha creado: el riesgo continuo e inapelable de la técnica nuclear. La catástrofe nuclear contamina toda una región y provoca una lluvia radiactiva en amplias zonas de Europa. En 1989 la urss y el bloque soviético en general se encuentran más debilitados que nunca.

En noviembre el muro de Berlín que encarnaba la división de dicha ciudad desde el fin de la Segunda Guerra Mundial, fue demolido por los propios berlineses, dando con ello el golpe de gracia a la era soviética. Por otra parte, las diferencias en el desarrollo entre los diferentes pueblos del mundo se evidencian con la hambruna que devasta a varios países de África. En Etiopía la situación se torna particularmente dramática debido a la sequía. En la década de los 80’s, el sida se extendió por el mundo. La existencia del sida se hace pública por primera vez en junio de 1981 y acabará presentándose ante el mundo como una epidemia de enormes proporciones. Países asiáticos como Corea del Sur, Taiwán y Singapur experimentan un rápido desarrollo industrial que no se detendría durante el resto del siglo. Los videojuegos se hacen cada vez más populares y comienza a extenderse, de este modo, una industria que en la actualidad genera beneficios superiores a los del cine o la literatura. Una nueva cultura, una nueva forma de aprender, interactuar, pensar o entretenerse. En el ámbito cultural, esta década tiene muchos seguidores de su estilo de vida, como la moda, la música y exhibiciones televisivas y del séptimo arte, exclusivas, en la opinión de muchos admiradores, de este decenio. En 1987, eta perpetra la matanza de Hipercor. Un nuevo atentado de la banda terrorista eta conmocionó a Barcelona y a toda España el 19 de Junio de 1987. Aquel día, un coche bomba estallaba en el aparcamiento de los almacenes Hipercor, pertenecientes al grupo El Corte Inglés, en la capital catalana. Con 11

un balance de 21 personas asesinadas, era, sin duda, el más atroz de los crímenes cometidos hasta aquel momento por el grupo terrorista. Durante los años ochenta en las ciencias sociales, se presenció de nuevos sujetos colectivos, que rompen con ciertas tradiciones: no se trata ni de los antiguos movimientos de origen «estructural» (el viejo movimiento obrero), ni tampoco de partidos de masa (aprismo o peronismo) o del brazo político de una vanguardia. Estamos más bien frente a un conjunto diverso de sujetos colectivos, tanto en su origen, composición, así como con relación a sus objetivos, formas de organización y sentidos de su acción.

Estos movimientos se desenvuelven en medio de profundos cambios en el sistema capitalista mundial, fenómeno conocido como «globalización neoliberal», el fin de la historia o la postmodernidad. La denominación varía según sea el punto de vista que se elija para el análisis, pero lo que no está en discusión es que el mundo ha cambiado, al menos en dos sentidos globales: el capitalismo no es el mismo que hace 30 años atrás y el socialismo como «sistema alternativo de sociedad» ha vivido sus mayores retrocesos con el derrumbe de los socialismos del este europeo, a fines de los años 80. Por cierto que estos cambios han influido de modo muy significativo en América Latina, que cerró el ciclo de las dictaduras del cono sur y abrió paso a los ajustes y transformaciones que le impuso el denominado «consenso de Washignton» en los años 90, transformaciones que han comprometido tanto la organización económica de nuestras sociedades como las tradicionales funciones del Estado, lanzando al desempleo a miles de latinoamericanos, ensanchando la brecha entre ricos y pobres e informalizando la economía y la subsistencia popular.

La relación entre el desarrollo de los nuevos movimientos sociales y el nuevo contexto socio económico y político de América Latina no es claro ni unívoco, al revés es muy complejo y representa avances, impasses y también regresiones. Se podría sostener que el desarrollo de los movimientos se desenvuelve entre sus capacidades de producir transformación con altos grados de autonomía (sería el caso del mst y del zapatismo) y su compleja relación con la política y el estado que agota a los propios movimientos, interroga los tiempos de la política o se estanca colocándonos nuevas interrogantes (seria el caso de los movimientos sociales argentinos y con anterioridad a ellos, el de los movimientos sociales chilenos en los años 80).

En la década de los ochenta, se empieza a utilizar el término de «Aldea Global», cuando la nueva tecnología hizo posible la comunicación virtual inmediata con cualquier parte del mundo, por ejemplo: fax, módem, correo electrónico, celular, etc. Los avances tecnológicos produjeron cambios muy relevantes en la penúltima década del siglo xx. La era de los ordenadores habían llegado definitivamente, y se utilizaban programas cada vez más complejos en muchos de los procesos de diseño de productos 13

que tradicionalmente se habían dibujado o hecho a mano. Como el disco compacto, el cual aparece revolucionando la industria musical desde 1982. La nueva tecnología ofrecía a los diseñadores numerosas y diferentes posibilidades de manejar la composición y reproducción de imágenes. El diseño gráfico, tal como se practica hoy en día, es un ejemplo típico de un medio popular y accesible que presta todos los síntomas característicos del posmodernismo. El posmodernismo surge a la emergencia del diseño pop y antidiseño. Durante la década del sesenta, se discutía el estado de todos los ámbitos de vida, incluso del diseño moderno. La modernidad se vio realmente cuestionada por primera vez en el libro de Jane Jacobs Muerte y vida de las grandes ciudades (1961), centrado en el fin de la cohesión social de la construcción y el urbanismo utópico del movimiento moderno habían provocado en las urbes, y en el de Robert Venturi, Complejidad y contradicción en la arquitectura (1966), que argumentaba que la arquitectura carecía de sentido ya que no poseía la complejidad e ironía que enriquecía los edificios históricos. En 1972, Ventura, Denise Scott Brown y Steven Izenour publicaron la obra seminal Aprendiendo de las vegas, que elogiaba la honradez cultural del comercialismo de los rótulos y edificios de es ciudad del desierto. Ese mismo año, la traducción al ingles del libro de Roland Barthes Mitologías (1957) dio paso a la diseminación de sus teorías sobre semiótica (el estudio de los signos y símbolos como instrumentos de comunicación cultural). Se creía que si los edificios y objetos estaban imbuidos de simbolismo, y sus espectadores y sus usuarios podrían relacionarlos psicológicamente. Los primeros defensores del posmodernismo argumentaban que la adhesión al movimiento moderno a la abstracción geométrica que negaba el ornamento y por tanto el simbolismo, deshumanizaba y a la larga alienaba el diseño y la arquitectura. El posmodernismo no puede entenderse sin hacer referencia a lo moderno. Aunque el prefijo «pos» pueda

hacer creer que el posmodernismo es una consecuencia de lo moderno, sustituyéndolo o rechazándolo, muchos criterios apuntan a que es una especie de parásito que depende de su huésped moderno y exhibe muchos de sus rasgos, excepto su significado, que ha variado. La principal diferencia del posmodernismo es su pérdida de confianza en los ideales progresistas que defendían el movimiento moderno, herencia de la fe ilustrada en el siglo xviii que creía en el progreso humano a través de la razón y de la ciencia.

Si el movimiento moderno pretendía crear un mundo mejor, el posmodernismo —ante la estupefacción de muchos observadores— parece aceptar el mundo tal como es. Mientras que la modernidad solía atacar la cultura comercial de masas, como si desde su postura superior supiera lo que es mejor para los demás, el posmodernismo establece una relación de complicidad con la cultura dominante. En el posmodernismo, se suprimen las distinciones jerárquicas entre alta cultura, digna de consideración, y baja cultura sin valor. Ambas se sitúan en igualdad de condiciones, la supresión de las antiguas fronteras posibilita la aparición de nuevas formas híbridas, y el gran cambio experimentado por el diseño en los últimos años, al adoptar algunas de las características expresivas del arte. Los productos de la cultura posmoderna tienden a distinguirse por características como la fragmentación, la impureza de la forma, la falta de profundidad, la indeterminación, la intertextualidad, el pluralismo, el eclecticismo y un retorno a lo vernáculo. La originalidad, en el sentido imperativo moderno de crear algo nuevo, deja de ser un objetivo; proliferan la parodia, el pastiche y el reciclaje irónico de formas previas. El objeto posmoderno problematiza el significado, ofrece 15

múltiples puntos de acceso y está lo más abierto posible a la interpretación. El posmodernismo en el diseño se remonta a la década de los 60, cuando emergen el Pop, el antidiseño y las críticas de las esferas intelectuales y artísticas a diversos aspectos de la Modernidad. Los diseñadores gráficos han seguido invocando la necesidad de absorber primero las normas del diseño profesional para luego resistirse a ellas y superarlas. A finales de los ochenta el estilo se había diversificado más aun y engloba el deconstructivismo y postindustrialismo. Sin embargo, la recepción de principio de los noventa motivó a los diseñadores a buscar enfoques menos expresivos y más racionales. El atractivo del posmodernismo empezó a desvanecerse. Las atractivas manifestaciones del antidiseño de los ochenta han sido sustituidas por el silencioso minimalismo de los noventa, pero la influencia del posmodernismo sigue viva, ya que al cuestionar el movimiento moderno ha causado una importante e interrumpida revalorización de lo esencial en el diseño. El arte minimal se ha llegado a considerar un punto de inflexión entre el arte de vanguardia, de la modernidad, y el de la postvanguardia, la posmodernidad. La narrativa vanguardista plasmada en sus obras vislumbra su fin, el comienzo de una narración diferente a manos del arte minimal. Si bien se adentra en la tradición de creación de objetos, resultado de una actividad dependiente, sin funcionalidad social, apolítica, y cuya finalidad es la creación de una experiencia estética. El argumento a destacar es la desmaterialización de la obra de arte, que parte de los artistas minimalistas para evolucionar en los conceptuales, a favor del valor teórico, político e intelectual del arte frente al puramente estético o el estrictamente artístico. El arte minimal logro ser concebido en el primer clásico de las postvanguardias, en el sentido de que algunos de sus rasgos formales más evidentes, como la simplicidad formal, la factura industrial o la repetición se encuentran presentes en otras tendencias.

En los años ochenta, el arte minimal comenzó a ser objeto de polémicas desde el momento mismo de su nacimiento, en el ámbito teórico como en el práctico. Representaría en el seno de la institución artística a la fetichización del objeto y la ideologización de la cultura. Junto a Rosalind Krauss, Foster defiende el arte minimal como el verdadero continuador de los principios radicales de la vanguardia. Krauss mantiene que la obra minimal representa una crítica de la noción cartesiana de mente y de la noción de significado entendido como contenido interno y privado que una artista expresa en su obra. Según esa concepción, el yo del artista, sus experiencias, intuiciones, deseos, creencias, que son privados y accesibles directamente sólo para él, son expresadas y comunicadas a los demás a través del gesto artístico.

Arte minimal, suele designar un tipo de obras abstractas normalmente esculturas, de estructura geométrica regular, realizadas con materiales industriales, sin contenido representacional y poco expresivas. El término empezó a se utilizado en alusión a la obra de escultores americanos de los años sesenta, las obras coincidían a pesar de ser todas geométricas y sencillas, carecían de un estilo común, no compartían los mismo procedimientos, materiales ni temas. La geometría sencilla, el carácter abstracto y antiexpresivo y el origen expresionista se han convertido de hecho en los elementos descriptivos fundamentales del arte minimal. Minimalismo se usa aquí para denotar un movimiento con principio en la posguerra americana, a favor de un arte visual, musical, literario o cualquier otro, que produce sus enunciados con recursos limitados, sino los menos posibles; un arte que elude la abundancia de detalles compositivos, la opulencia de textura y la complejidad estructural. 17

El arte minimal debe diferenciarse del minimalismo. El arte minimal se considera a un tipo de escultura, en el sentido amplio de producción de objetos, de obras de arte tridimensional y relativamente inmóviles y estables. Las obras de arte minimal consisten en un único objeto de tamaño cercano al humano y que ocupa un lugar no marcado en el suelo de la habitación, bien en una serie que repite el módulo o lo desarrolla de un modo sencillo. El arte minimal rechaza cualquier alusión figurativa y emocional en el nivel representativo, es decir, no crea imágenes de objetos, estados de cosas o conceptos, pero no elide el contenido más abstracto.

El arte minimal se vio beneficiado por la convivencia con le arte pop y el arte conceptual y evolucionó rápidamente hacia la corriente ante–formal que le abrió inmensas posibilidades expresivas, alejándolo de las acusaciones de frialdad y autoritarismo que la geometrización favorecía. En al distancia temporal, su importancia crece de frente a otros movimientos el arte óptico o el arte cinético.

JEAN-MICHEL BASQUIAT

«Papa, I’m going to be famous» Jean-Michel Basquiat

A finales de la década de los setentas Nueva York esta crisis, es un paraíso del crimen, Times Square está dominado por las drogas, la prostitución y las tiendas de sexo. Es el vivo reflejo de las películas que lo exhibe sin pudor, Midnight cowboy, Taxi driver, y es el simple hecho de que Nueva York tiene una especie de aura misteriosa que cautiva e hipnotiza. El centro de Manhattan atrae a los estudiantes de arte, a los marginados, a las almas perdidas, todas las circunstancias se usan para la creatividad y la inspiración, que conviven en un esplendor oscuro y dramático. Jean-Michel Basquiat nació en el hospital de Brooklyn, Nueva York, el 22 de diciembre de 1960. Su padre, Gerard Basquiat, era un contador nacido en Haití y su madre, Matilde Andradas, diseñadora gráfica nacida en Brooklyn pero de origen portorriqueño. Probablemente su madre fue la mayor influencia artística que tuvo, y el impulso que le llevó a ser quien fue pues gracias a ella, Basquiat desde corta edad pudo visitar los museos más importantes e influyentes de la ciudad de Nueva York: Brooklyn Museum, The Museum of Modern Art y el Metropolitan Museum of Art. Uno fr los grandes hitos en su vida fue el accidente que tuvo a los siete años, en 1968, un coche le atropelló mientras jugaba con una pelota; se rompió un brazo y tuvo lesiones internas, lo que le dejó hospitalizado durante un mes. Mientras se recuperaba, su madre le regaló un ejemplar de Gray’s anatomy. Las láminas del libro le dejaron fascinado y más adelante se vería la influencia en sus obras. 21

A los 15 años intentó escaparse de casa sin éxito. En el día de Acción de Gracias de 1976, la familia regresó de PuertoRico a Boerum Hill Brownstone. Unas semanas más tarde ingresó en la City-As-School, centro escolar para niños con talento, en el que el aprendizaje se realizaba sobre la práctica. En esta escuela Basquiat conoció a Al Díaz, un graffitero del Lower East Side; pronto se harían muy buenos amigos y colaborarían juntos en sus pinturas. En diciembre de ese mismo año, Basquiat volvió a escaparse de casa y huyó a Washington Square Park en Greenwich Village, donde solía ir con Al Díaz. Tras dos semanas de búsqueda, su padre lo encontró y lo llevó de regreso a casa. Basquiat reconoció años más tarde que sólo estaba sentado allí tomando drogas. Una de las premisas del graffiti es la fama, alcanzar un estatus, reconocimiento. Y esa fue una de las ideas del joven Basquiat que para entonces firmaba como SAMO (SAMO, que son las siglas de SAMe Old shit, es decir, «la misma vieja mierda», «la misma mierda de siempre») en las calles; lo que empezó como una forma de vida, se convirtió casi en una religión para él y para su amigo Díaz. Comenzaron a tener fama por pintar sus graffitis en las calles y en los vagones del metro, donde abundaban las galerías de arte: escribían frases y poemas que tenían mucho cargamento poético y filosófico, pero sobre todo crítico.

Los rayones callejeros de SAMO resaltan por su lógica poética y su cualidad artística: a diferencia de muchos otros amantes del graffiti, aquí parece no operar ningún sistema aleatorio, como el de las manchas sobre otras manchas, ni una actitud juvenil de rebeldía. Consideraban su «Proyecto SAMO» como una forma de salvación para las mentes inútiles; los murales que pintaba llevaban inscripciones como «SAMO salva idiotas» o «SAMO pone fin al lavado de cerebro religioso, la política de la nada y la falsa filosofía».

Durante dos años, Basquiat estuvo viviendo en las calles, en edificios abandonados o en casas de varios amigos suyos en el bajo Manhattan. Frecuentaba fiestas de graffiteros y músicos, donde conoció a los futuros miembros de su banda de música. La banda actuaba por los clubes de la zona. Jean-Michel comenzó a pintar a mano camisetas y postales. Las vendía para adquirir algo de dinero. En una ocasión, mientras vendía sus postales en un restaurante en el SoHo, coincidió con Andy Warhol, a quien vendió una postal, lo cual no tuvo trascendencia para ninguna de las partes. Por aquella época, la subcultura de los barrios marginales que se desarrolló a finales de los años sesenta comenzó a extenderse y llegó hasta la zona que frecuentaba Basquiat. La cultura hip-hop, el rap, el graffiti, las bandas callejeras, las drogas. Basquiat comentó que «no había demasiada gente negra en esas calles». Gracias a un amigo, Basquiat conoció a Rammellzee, un conocido Dj graffitero de la zona con quien tuvo una fuerte amistad. El 11 de diciembre de 1978, Philipe 23

Faflick escribió un artículo para The Village Voice en el que hablaba de «SAMO», las pintadas realizadas por Basquiat pocos años atrás. Causó un gran interés por toda la ciudad de Nueva York; los textos iban acompañados de fotografías en las que sólo se identificaban los nombres de «Al» y «Jean». Poco después del artículo, en 1979, Basquiat y Al Díaz quisieron terminar con SAMO, y escribieron «SAMO is dead» (SAMO está muerto) en las paredes de las calles del SoHo. Basquiat se centró entonces en seguir pintando camisetas, postales, en hacer collages y dibujos. Combinaba el arte del graffiti con el expresionismo abstracto, en este momento es cuando por invitación de Kenny Scharf participa en una expo en el Times Square organizada por The Village Voice, la cual fue la primera exposición de arte radical de los 80’s, todo el mundo podía venir y proclamarse un artista. Habiendo un centenar de artistas, JeanMichel Basquiat quién participaría por primera vez en una exposición organizada., resultando en una de las nuevas estrellas junto con Keith Haring y Kenny Scharf.

La crítica la clasificó de algo en estado bruto, rebelde, un ejemplo del mal gusto. Desde la exposición, el sistema le prestó una creciente atención al graffiti. Glenn O’Brien llamó a Basquiat para realizar el papel de un personaje en una película que él mismo había escrito. Pero la película nunca llegó a ser lanzada; sin embargo, Basquiat pudo conocer a Andy Warhol a través de O’Brien. Con el dinero que ganó con la película, Basquiat compró materiales artísticos, y las oficinas de la producción de la película en la calle Great Jones le proporcionaron un nuevo espacio donde comenzar a pintar seriamente por primera vez.

En enero de 1981 Basquiat se fue a vivir con su novia Suzanne Mallouk, artista y cantante, a un apartamento. Un mes más tarde, Diego Cortez organiza la exposición «New York/New Wave», en el Instituto de Arte y Recursos Urbanos de Long Island City esta en respuesta al arte minimal que tenía grandes adeptos en las galerías de arte, Cortez decía: «estar cansado de ver paredes blancas, con gente blanca, con vino blanco». Para dicha exposición se contó con la participación de Basquiat y más de veinte artistas, entre los que se encontraba Andy Warhol, y algunos artistas graffiteros. Ese mismo año viajó por primera vez a Europa, para llevar acabo su primera exposición individual en la Galleria d›Arte Emilio Mazzonide Módena, Italia, la exposición se tituló «SAMO». Annina Nosei le invitó a participar en una exposición que realizó en su galería, junto con obras de otros artistas. En las obras de Basquiat se podían ver policías, conejos y nativos americanos, él tenía el don de capturar la energía de la calle para hacer grandes obras de arte. Teniendo la capacidad para acceder a casi todo lo que había en su mente y memoria, y canalizarlo a través de su cuerpo y ponerla sobre lienzo o en papel. Nosei se enteró de que Basquiat no tenía 25

estudio donde trabajar, y por ello le dejó que usase su galería como estudio. Acerca de su obra se trata de un proceso continuo de montaje donde hacia varias cosas y el ejercicio de ensamble no era nada fácil, agregar o quitar. En enero de 1982 Basquiat y su novia se mudaron a un apartamento en el SoHo, que Nosei había conseguido para él. Conoció a Shenge Kapharoah, artista procedente de Barbados. Ambosse hicieron grandes amigos ya que compartían intereses en ideología africana. En abril viajó a Los Ángeles para realizar una exhibición en la Larry Gagosian Gallery, con Gagosian y Annina Nosei como organizadores de la misma, Gagosian se refiere a Basquiat: «Sus trazos nunca eran calculados, sin embargo, era muy cuidadoso en lo que hacía. Su trabajo era por instinto, tenía un talento único para su generación». Basquiat se enamoró de Los Ángeles, donde residió en casas de amigos durante medio año, y estuvo volviendo siempre que pudo hasta el final de su vida; además, allí consiguió varios compradores de arte que se convirtieron en coleccionistas de sus obras.

De todos modos, Basquiat no era el representante principal del graffiti porque los mensajes que había escrito con «SAMO» no coincidían con los dogmas del arte del graffiti, incluyendo su paleta de colores. No obstante, debido a su raza y a su juventud, el arte de Basquiat se consideraba graffiti por todo el mundo. En el otoño del 82, ciertas diferencias personales llevaron al fin de la relación amistosa con Annina Nosei; trabajó entonces duramente en su estudio, y él consideró que realizó las mejores pinturas hasta el momento, y no paraba de consumir drogas. En noviembre, Bill Stelling y Patti Astor contaron con Basquiat para llevar a cabo una exposición en la Fun Gallery, pero el precio de los cuadros se había marcado sin tener encuenta el valor actual del arte de Basquiat. La exposición se había celebrado a pesar de los consejos sobre no hacerla de Annina Nosei; las instalaciones diseñadas por Basquiat parecían un completo desastre, y obtuvo malas críticas en todo el SoHo por ello. 27

Basquiat seguía firme con sus aspiraciones de exponer en galerías de arte muy importantes, Mary Boone, Leo Castelli. Pero no era reconocido por la élite del mundo del arte. Era considerado un artista que podía aparecer en la tapa de New York Times Magazine porque su trabajo poseía un perfil underground. En diciembre expuso en Rotterdam; muchas de las obras de la exposición fueron las mismas que las que se expusieron en la Fun Gallery. A principios de 1983 Annina Nosei presentó el portafolio y algunas obras de Basquiat en su galería. Basquiat aparece entonces en la Exhibición Bienal de 1983 en el Whitney Museum of American Art de Nueva York. Basquiat fue uno de los artistas más jóvenes en participar en la Bienal de Whitney. En una entrevista, Basquiat confesó su buena relación con Andy Warhol; además, adquirió un edificio que le alquiló el propio Warhol en la calle Great Jones. Warhol y Basquiat trataban temas sobre

arte, sobre filosofía de vida, hacían obras juntos, se retrataban mutuamente. Ambos artistas trabajaban de forma conjunta, a pesar de las críticas sobre la mezcla entre arte blanco y arte negro. Basquiat se preocupaba mucho por los problemas racistas; un joven graffitero de 15 años de raza negra murió a manos de la policía de Nueva York por vandalismo, y el artista quedó muy afectado por ello. Si bien sus obras siempre plasmaron su interés por sus raíces afroamericanas, este hecho fue sintomático.

Basquiat decía: «Eres un rey negro», pensando en terminar con la élite de este mundo que controla el valor de los individuos. La contemplación de este mundo nos hace como somos, pero sabemos que podemos ser olvidados. «¿qué soy yo para ellos?, nada más que un negro del año pasado» mencionaba Basquiat. Alrededor de octubre del 83, Basquiat y Warhol viajaron por el mundo: Milán, Madrid, Zúrich, Tokio. En noviembre regresaron a Nueva York para trabajar juntos con Franceso Clemente. A finales de año hizo un viaje a Los Ángeles, donde conoció a la cantante Madonna; con ella pasaba el tiempo. Sólo le quedaba entonces un distribuidor oficial de su arte, en Suiza. Había tenido ya problemas con los distribuidores. A principios del 84 Basquiat alquiló un rancho en Hawaii, que tomó como estudio para realizar sus pinturas y dibujos con los materiales que había comprado en Los Ángeles. Regresó a Nueva York para conseguir más distribuidores gracias a Warhol; el distribuidor de Warhol en Europa organizó exposiciones para Basquiat. Contaron con algunas obras de Basquiat para la reinauguración del Museum of Modern Art de Nueva York, en mayo. En la subasta de primavera de Christie de pintura contemporánea, un cuadro de Basquiat alcanzó la cifra récord de 19 000 dólares. Durante el resto del año participó en exposiciones por ciudades de todo el mundo. 29

Conoció a Jennifer Goode, hermana del dueño del New York club Area; con ella tuvo la relación amorosa más romántica de su vida. Sus amigos estaban cada vez más preocupados por el excesivo uso de las drogas. Iba a fiestas y bares de moda, donde lo encontraban casi en coma o con ideas de persecución; en cualquier caso, había sido amenazado varias veces de muerte y le habían robado pinturas de su estudio, incluso sus propios galeristas se llevaban obras sin terminar para exponerlas o venderlas.

Basquiat había conseguido con veinticuatro años un grado de éxito que no era común: poseía un sentido audaz de color y de composición, manteniendo equilibrio entre el color y la espontaneidad, la amenaza y el ingenio. Mientras se movía exponiendo entre las galerías de Nueva York, Los Ángeles, Europa y Japón, su salud se deterioraba por culpa de las drogas. En el 86 participó en Luna, en Hamburgo, con artistas como Salvador Dalí. El 22 de febrero de 1987 Andy Warhol murió. Basquiat quedó muy afectado por esta pérdida, ya que la unión que habían tenido el último año había sido muy fuerte. Los amigos de Basquiat consideraron que aquélla había llevado a la muerte del mismo inevitablemente. Basquiat no había realizado ninguna exposición en Nueva York desde hacía un año y medio, pero finalmente tuvo la oportunidad en enero de 1988 y además se instalaron exposiciones en París y en otras ciudades europeas. Sus últimas pinturas resultaban ambiciosas en términos de tamaño y tema, siendo obras maestras. La exposición fue escasa, simple, pero poderosa al tratarse de pinturas amplias e irónicas, típico de un artista maduro. En abril de ese mismo año trató de abandonar su adicción alas drogas y se retiró a su casa de Hawaii. Volvió a Nueva York en junio,

anunciando que se había liberado de esas sustancias, pero el 12 de agosto de 1988, a los 27 años, muere en su apartamento de la calle Great Jones. La autopsia reveló que se trataba de una sobredosis de heroína y otras drogas opiáceas. A su funeral, cinco días después de su muerte, acudieron sus amigos y familiares; está enterrado en el cementerio Greenwood de Brooklyn.

«SAMO© is dead»

JEAN-MICHEL BASQUIAT FIRST BECAME FAMOUS FOR HIS ART,

AND THEN BECAME FAMOUS FOR BEING FAMOUS,

AND THEN HE BECAME FAMOUS FOR BEING INFAMOUS.

Richard Marshall 33

ANÁLISIS DE OBRAS

Arroz con pollo, 1981 Acrílico y óleo sobre lienzo, 172.7 x 213.4 cm Colección de Felipe Grimberg

Se trata de una obra de grandes dimensiones. Hay

que destacar que la mayoría de obras de Basquiat tiene unos tamaños considerables. Basquiat se representa en la obra a sí mismo con Suzanne Mallouk, su novia. Ambos personajes aparecen deformados, o casi con forma de esqueletos, recuperando un estilo que se asemeja al primitivo africano. Los dos protagonistas aparecen desnudos, plasmados por delante de una gran masa de color amarillo que asoma por encima de otra con magentas y naranjas. Suzanne es blanca, con tonos azulados. Sujeta con una de sus manos un seno, mientras que con la otra mano, que es apenas un trazo en color negro con tres trazos más representando los dedos, sostiene un tenedor. La cara de ella tiene unos garabatos de color rojo alrededor de los ojos y de la boca, y se unen con el pecho para culminar en el pezón. Se le pueden ver unos dientes blancos en la boca abierta. Su cabello parece estar formado por alambres que salen de la cabeza, de distintas longitudes y con diferentes direcciones. El sexo de ella parece una almendra amarilla, situada en medio de todo su cuerpo, que es una masa azul y blanca. 35

En contraposición a Suzanne, aparece Basquiat de color negro. Igualmente deformado físicamente, se le pueden ver las costillas, las vísceras y los intestinos, está abierto. Los elementos en su cara son de color blanco: ojos, nariz y boca. No tiene dientes, no se le ven; ni las pupilas. Su pelo está garabateado, y por encima de éste, asoma un sombrero de color rojo. Está acercando el plato humeante de pollo a una mesa, tal vez de cristal; la superficie no aparece representada, sino que es una mesa esquemática. El humo que sale del pollo no es un humo realista, es un humo expresivo, abstracto, representado con tres pinceladas a modo de remolinos que ascienden. El plato de comida está encuadrado en un pequeño rectángulo blanco, dentro del fondo amarillo que une a Suzanne y a Basquiat. Para Basquiat, la figura de su madre fue un elemento fundamental en su niñez; ésta era portorriqueña y había transmitido sus costumbres al pequeño Basquiat: el idioma y las comidas, como el arroz con pollo. Al lado de ella se puede leer la palabra «TAR». La inscripción tenía un gran sentido metafórico para Basquiat y para Suzanne; ella había sido una niña con cierto aspecto árabe, a la que su madre sometió a no exponerse al sol para aumentar la blancura de su piel. Basquiat siempre le dio una gran importancia al tema de la raza y del color de las pieles. Demostró siempre tener la facilidad de plasmar todo aquello que lo rodeaba con agilidad, lograba canalizar la energía de todo para darle salida a través de su manos para ponerlo en cualquier lienzo.

Es en estas primeras obras en las que encaminara su estilo neo-expresionista cargado de intensidad haciendo de él un artista primitivo, menciona Gagosian «sus trazos nunca eran calculados, sin embargo, era muy cuidadoso en lo que hacía. Su trabajo era por instinto. Tenía un talento único en su generación». Podemos denotar en esta obra y en las subsecuentes, que posee el perfil de un gran artista pues resulta ser un hombre multidisciplinario y manifiesta seguridad, incluso con 18 o 19 años.

Self-Portrait, 1982 Acrílico, óleo y aerosol sobre lienzo, 193 x 238.8 cm Colección de Bo Franzen

En esta pintura, también de grandes dimensiones, realizada con una técnica que combina el barniz a pistola con los colores al óleo, Basquiat se representó a sí mismo como un guerrero tribal que sostiene un arma. Perteneciente a una de las primeras etapas del artista (1980-82), se puede ver cómo utiliza gestos pictóricos en el lienzo, usando una figura para representar su propio cuerpo; éste es una mancha negra, con brazos, dedos delgados y largos. Podría recordar a un esqueleto, evidencia de su obsesión por la muerte. También puede recordar al sentimiento africano que Basquiat siempre anheló, ya que se asemeja a las antiguas estatuas primitivas de África. El brazo que sostiene el arma está estirado hacia arriba, en alto; el arma es una lanza, más bien una flecha grande, que se asemeja a las antiguas flechas africanas, con la punta en «V» y plumas al final. La deformación expresiva agranda los ojos, los dientes, las manos y los pies.

En su cabeza, los pelos se expanden a su libre gusto. A pesar de las deformaciones que se producen en la figura negra, tosca y bruta, destaca en el cuadro por su peso frente a un fondo blanco en el que resaltan pequeñas figuras, y en el cual se revela el conocimiento de algunos clásicos del arte norteamericano del siglo xx: Pollock, Rauschenberg, Twombly. Se pueden apreciar con claridad los trazos blancos por encima de un fondo negro y gris.

No obstante, incluye de nuevo imágenes como iconografía de su vida en las calles en el fondo del cuadro; por ejemplo la presencia de los graffitis, las palabras, formas que simulan edificios o elementos de los mismos (se pueden apreciar ventanas, puertas). Existe una monocromía en el cuadro; los grises, blancos y negros se extienden por todo el lienzo. Sin embargo, unas pequeñas manchas amarillas, rojas y marrones resaltan en la monocromía. De cualquier modo, la forma del autorretrato de Basquiat es la mancha más pesada en el cuadro. 41

Jim Crow, 1986 Acrílico y óleo sobre madera, 206 x 244 cm

Jim Crow fue una ley promulgada en Estados

Unidos que consistía en tratar a los negros por igual que a los blancos, pero por separado. Basquiat siempre tuvo en mente la preocupación racial, para él era muy importante el color de la piel, siempre sintió la infravaloración de su raza y quiso demostrar al mundo en una época donde apenas existía la tolerancia, que lo importante no era ser negro o blanco. Ningún negro había conseguido triunfar en el mundo del arte, exponer en galerías y menos aún en los museos o exposiciones más importantes a nivel mundial. Esta obra nos ofrece una declaración social por parte de Basquiat. El artista incluye textos de nuevo e imágenes pictóricas. 43

Esta obra está pintada sobre madera, lo que le da una apariencia como si se tratase de un graffiti pintado en la pared de un granero o de un rancho en algún lugar remoto de Estados Unidos. Utiliza las palabras para enumerar varios ríos: el río Hudson, el río de Ohio, el Támesis («THAMES RIVER» en la obra); pero la escritura del río Mississippi se repite por todas partes, haciéndose destacar. En el centro, una figura esquelética negra con ojos contorneados enrojo se sitúa bajo un arco, rojo también, que a su vez se encuentra debajo del letrero de «JIM CROW». No tiene rostro, ni ropa. Únicamente se pueden ver unos ojos grandes, sin pupilas, como si fueran dos almendras blancas rodeadas de rojo en medio de una cabeza negra. Hay tanta pintura en la cabeza, que se pueden ver la pintura negra desbordándose entre las maderas. Su cuerpo sólo son costillas negras y dos finos brazos extendidos, trazados un par de veces únicamente. Las manos son dos meros puntos. Basquiat podría haber representado a la sociedad negra a través de este personaje, un personaje que quizá se trate de él mismo; un autorretrato que sirviera para generalizar sobre la raza negra y todo el sufrimiento que tuvo que pasar. Al fondo hay una franja azul, donde se pueden leer unas letras amarillas que escriben «MISSISSIPPI». Es el propio río, en el que el personaje negro navega en un barco del mismo color. La obra en sí podría dar también la sensación de un dibujo en el cuaderno escolar: las rayas que forman las maderas serían el papel del cuaderno; la repetición de varios ríos, como si quisiera aprenderlos; el nombre de dicha ley, como si se lo acabasen de explicar en la clase de historia y hubiera sentido la necesidad de representarlo en su cuaderno de esta manera.

A la izquierda del protagonista se aprecian unos garabatos, conformas sinuosas y con rectas; las rectas parecen cárceles, rejas. Es la separación entre ambas razas, donde su experiencia viaul expone lo que a muchos artistas negros atravesaron.

Ridding with Death, 1988 Acrílico y óleo sobre lino, 248.9 x 289.6 cm Colección de Francesco Pellizzi

Para concluir el análisis de las obras de Basquiat, parece adecuado comentar esta pintura, ya que resume el estilo de vida que llevaba el artista y la filosofía de su vida de forma muy clara. Basquiat murió joven y de forma trágica a causa de sus hábitos y de la drogadicción en la que se vio envuelta su vida. Parece como si hubiera sabido que el día de su muerte se acercaba; Riding with Death es una de sus últimas pinturas antes de enfrentarse a su fatídico destino en agosto de 1988. La diferencia entre esta pieza tardía y las que había realizado anteriormente en su vida es notable. Es un cuadro que destaca frente al resto del repertorio de obras de Basquiat, debido a su simplicidad tal vez. Sin embargo, se reitera que la muerte era un tema al que Basquiat recurría constantemente, un tema que tenía muy presente debido a la vida que llevaba, y probablemente también por el escaso período de tiempo que había pasado desde la muerte de su gran amigo e influyente artista Andy Warhol.

La estética de lo tribal y lo primitivo africano persiste en la obra; la deformación expresiva de las figuras también. El personaje que monta encima del esqueleto, podría ser él mismo. Basquiat ya no es negro, ahora es marrón, con un fino trazo negro que lo rodea y define sus delgados brazos, los cuales dejan entrever huesos; las costillas, las falanges, los blancos resaltan en varias zonas de su cuerpo. Se está muriendo lentamente. El esqueleto en el que el personaje monta está pintado, a cuatro patas. Basquiat demuestra aquí la sabiduría que adquirió con el libro de Gray’s Anatomy que le regaló su madre en su infancia: el cráneo y las formas de los huesos se asemejan más a la realidad que los cuerpos expresivos que realiza. No están tan deformados, ni tampoco le hace falta pintar las costillas ni la pelvis; la postura se entiende perfectamente con ver el movimiento de ambos fémures y casi se puede adivinar cómo sería su siguiente movimiento y la manera en la que caminaría. Tiene manchas marrones y negras en la boca, como si le hubiera dado un mordisco al personaje que monta sobre él. El lugar envuelve a la escena. Quizá sea lo que lo distingue del resto de las obras, se trata de una característica definitiva. Es un lugar sólido y la pintura es muy refinada. Parece que se remonta al graffiti antiguo de Basquiat.

Sin duda parece que esta obra se trataba de una predicción de la vida de Basquiat. Se debe recordar que sus ídolos fueron artistas que murieron jóvenes, a la edad de 27 años —como murió él—: Jim Morrison, Jimmy Hendrix, Janis Joplin. Basquiat solía decir: «vive rápido y muere joven». En esta pieza resulta ser un réquiem que él mismo ejecuto.

OBJETO COMPLEJO

«Un rizoma es un modelo descriptivo o epistemológico en el que la organización de los elementos no sigue líneas de subordinación jerárquica con una base o raíz dando origen a múltiples ramas, de acuerdo al conocido modelo del árbol, sino que cualquier elemento puede afectar o incidir en cualquier otro» Gilles Deleuze y Félix Guattari El cerebro humano es el órgano mayor del sistema nervioso central y a su vez el centro de operativo para todo el cuerpo, proporcionando control actividades voluntarias como actividades involuntarias. También es responsable directo de la complejidad del pensamiento, memoria, emociones y lenguaje. Su función biológica más importante es la de administrar los recursos energéticos de los que se dispone para fomentar comportamientos basados en la economía de su supervivencia. Los cerebros son sumamente complejos. La complejidad de este órgano emerge por la naturaleza de la unidad que nutre su funcionamiento: la neurona. 51

Estas se comunican entre sí por medio de largas fibras protoplasmáticas llamadas axones, que transmiten trenes de pulsos de señales denominados potenciales de acción a partes distantes del cerebro o del cuerpo depositándolas en células receptoras específicas. Mi objeto es una metáfora del cerebro en función del concepto de rizoma antes mencionado por Deleuze y Guattari, donde el rizoma es una partícula de conocimiento complejo, que en su desarrollo tiene la capacidad de mutar, transformarse pero lo más importante asociarse y desasociarse con otras partículas. En concreto resulta en un orden arborescente que conecta un trazo con otro, en una secuencia aleatoria, para generar tramas de conocimiento. Esta idea se vierte en mi objeto complejo, donde una pieza de Lego tras otra fue colocada, ensamblada sin ningún orden, patrón o secuencia establecido para dar forma a lo que sería el hemisferio derecho del cerebro. De un modo equivalente se continuo con la construcción del hemisferio izquierdo, que si bien el orden de ensamblaje fue otro se logro una pieza similar a la del hemisferio derecho.

Es en este punto donde podemos contrastar que la construcción del cerebro con piezas de Lego se vuelve un objeto complejo, al unir piezas de diferentes tamaños y colores que articulados entre sí son capaces de crear un solo elemento. Así es como funciona el rizoma; la asociación de sistemas, mutándose en sistemas diferentes con la capacidad de generar nuevo conocimiento.

BIBLIOGRAFÍA

Bibliografía específica. Cirlot, Juan Eduardo. Arte del siglo xx, Ed. Labor, Barcelona, 1972. Clement, Jennifer. La viuda de Basquiat, Ed. Debate, Barcelona. 2003 Huychez, Rene. El arte y el mundo moderno, Ed. Planeta, Barcelona,1974. Ricard, Rene. The radiant child, Artforum, Volumen XX No. 4, diciembre 1981, p. 35-43

Bibliografía general. Página oficial de Jean-Michel Basquiat: http://basquiat.com/ Documental sobre el artista: Tamra Davis. Jean-Michel Basquiat: The radiant child, Arthouse Films, Estados Unidos, 2010.

ÍNDICE

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Genius child Contexto social y cultural del artista Jean-Michel Basquiat Análisis de obras Objeto complejo Bibliografía