Manual de laboratorio Fotografía Publicitaria (Diseño Gráfico) by Humanidades Universidad Don Bosco

Manual

de laboratorio UNIVERSIDAD DON BOSCO

FotografÃa Publicitaria

CONTENIDO

Introducción. ................................................................................................................ 4 Guía 1 Fotografía de productos reflejantes para revistas especializadas ......................................................................................... 5 Guía 2 Fotografía publicitaria gastronómica ......................................................................... 18 Guía 3 Fotografía publicitaria con bebidas ............................................................................ 34 Guía 4 Macrofotografía. ....................................................................................................... 49 Guía 5 Fotografía artística y de espectáculos con flash painting ........................................... 58 Guía 6 Fotografía publicitaria con modelo ............................................................................ 76 Guía 7 Fotografía de tendencias ........................................................................................... 87

Este manual ha sido elaborado para orientar al

INTRODUCCIÓN

estudiante de Fotografía Publicitaria en el desarrollo de sus prácticas de laboratorio.

Está diseñado para utilizarlo antes, durante y después de la práctica, facilitando así el proceso de enseñanza/aprendizaje de la asignatura. La asignatura se desarrolla en 16 sesiones, que incluyen una práctica semanal y el desarrollo de un proyecto por unidad, en los cuales, el estudiante aplicará los conceptos y las técnicas fundamentalmente necesarias para el dominio de programas en el tratamiento de imágenes.

Todas las guías de laboratorio están estructuradas de la siguiente forma:

La asignatura de Fotografía Publicitaria está dividida en el ciclo de la siguiente manera: - Guía 1: Fotografía de productos reflejantes para revistas especializadas - Guía 2: Fotografía publicitaria gastronómicaI - Guía 3: Fotografía publicitaria con bebidas - Guía 4: Macrofotografía - Guía 5: Fotografía artística y de espectáculos con flash painting - Guía 6: Fotografía publicitaria con modelo

- Objetivos - Materiales y equipos - Introducción teórica - Procedimiento - Bibliografía - Ficha de asignaciones

- Guía 7: Fotografía de tendencias

FOTOGRAFÍA DE PRODUCTOS REFLEJANTES PARA REVISTAS ESPECIALIZADAS GUÍA 1

GUÍA 1 Fotografía de productos reflejantes para revistas especializadas

FOTOGRAFÍA PUBLICITARIA GUÍA 1

FP U

CONTENIDOS En esta guía, el alumno podrá experimentar la fotografía con elementos altamente reflejantes, tales como: aluminio, cristal o vidrio, plata, espejos, entre otros. Los cuales ilumina todo a su alrededor y genera un efecto distorsionado. Así mismo, el alumno podrá utilizar este tipo de fotografía en portadas de revistas, aplicando los principios del diseño.

COMPETENCIA

• Conoce y aplica las técnicas de iluminación para fotografiar objetos con alta capacidad reflejante, aplicando los principios de diseño.

MATERIALES Y EQUIPO • Cámara digital manual • Trípode • Tarjeta de memoria • Baterías • Boceto de las fotografías a realizar • Todos los elementos u objetos a fotografiar • Elementos necesarios para la escenografía o ambientación • Estructura para colocar los elementos y desviar los reflejos (housing se proveerá).

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Introducción te órica

La luz es imprescindible para la fotografía, para el fotógrafo valerse de la luz para su propia conveniencia se ha convertido en una necesidad, los profesionales la utilizan para lograr los efectos deseados; una misma fotografía tendrá un aspecto totalmente diferente dependiendo del uso que se haga de la luz, por ejemplo: si se utiliza luz frontal las figuras se aplanan, se anulan texturas y aumentan los detalles; con la luz lateral se destacan los volúmenes y la profundidad; con la luz cenital se aísla a los objetos del fondo; mientras que haciendo un contraluz la imagen se convertirá en una silueta.

La luz puede provenir de fuentes naturales o artificiales, en el caso de la luz natural, el control es muy difícil, porque cambia constantemente, pero es gratuita y la extensión que cubre es muy superior a la de la artificial, siendo ésta necesaria para una iluminación controlada. Para iluminar objetos o elementos que tienen una capacidad reflejante bastante grande, el trabajo de iluminación es aún mayor, los elementos que son considerados como altamente reflejantes pueden ser: joyas, plata, vasijas de colores metálicos, objetos de metal como el oro, plata, bronce, etc.; que por la superficie o composición que posee, tienden a reflejar más de lo que se cree, y es por eso, que es necesario planificar la fotografía de este tipo, y la iluminación que se utilizará no es la excepción. Es un hecho, que las sombras aparecen cuando la luz incide sobre un objeto y éste a su vez, proyecta su silueta. En ocasiones, estas sombras se atenúan por la existencia de múltiples fuentes luminosas o porque el haz de luz se ha difuminado antes de incidir en el objeto. Esto es debido a que nuestro ojo puede captar una gama de luces mucho más amplia de lo que puede hacerlo el LCD. Un ejemplo puede ser la fotografía de los jarrones, que tienen una apariencia muy brillante, y reflejan todo aquello que se encuentra en la escena de la fotografía, y que no se debería ver. Por ello es necesario crear un tipo de estructura de tela o un material que permita iluminar los objetos reflejantes,

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sin que éstos a su vez reflejen sombras, siluetas o peor aún rebote la luz en ellos; estas estructuras son también conocidas como "housing", las cuales hacen que en la fotografía no se observen aspectos poco agradables o que distorsionen el objetivo fotográfico. Haciendo combinaciones con los reflectores, puede recorrerse todo el espectro, desde una luz fría de alto contraste, hasta una luz suave y cálida, permitiendo expresar la variada gama de emociones en las tomas. Algunos ejemplos de estructuras o housing para este tipo de fotografías son:

Al tomar fotografías utilizando un "housing" para evitar reflejos, se pueden obtener efectos más suavizados, e incluso se pueden tomar escenas completas como una serie de jarrones en una mesa. Las siguientes fotografías son un ejemplo del resultado obtenido con la utilización de housing para elementos altamente reflejantes.

A través de nuestros ojos, tenemos la capacidad de interpretar, tanto en las luces como en las sombras, muchos más detalles sin excesivos contrastes, no obstante, esto no sucede cuando captamos la misma escena en una imagen fotográfica, así, una sombra que a ojo desnudo apenas si es relevante, en una fotografía adquiere un terrible matiz negro y una opacidad negativamente relevante. Para llevar a cabo este tipo de fotografías, es necesario crear una estructura que nos bloquee toda la iluminación innecesaria o altamente reflejante, estos son algunos ejemplos:

También ésta técnica puede ser utilizada en los elementos de joyería como relojes, anillos. Collares, etc.

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Se ha definido a la iluminación como“el arte de controlar las sombras”. Aunque en un principio podría parecer que las sombras deberían ser eliminadas o reducidas a su mínima expresión en cualquier toma, hemos visto que gracias a ellas apreciamos nuevos detalles, y asimismo, dotamos a las imágenes de dimensiones substanciales, si no la más importante, una de las más importantes tareas de la iluminación fotográfica es garantizar un buen uso de las sombras y luces. Iluminación para evitar reflejos

Iluminación lateral Utilizar una luz frontal recta, como la del flash de una cámara, la luz rebotará en el objeto como un espejo y creará una imagen de aspecto plano. En su lugar, utiliza unailuminaciónlateralparacreardimensiónenelobjeto brillante. Coloca dos luces alimentadas uniformemente en el lado derecho e izquierdo del objeto, fijadas en ángulos de 45 y 135 grados de distancia del material. Estas luces (que deben ser de color blanco en vez de amarillo) crearán sombras suaves en el objeto al mismo tiempo que ayudarán a iluminar para la fotografía. Iluminación baja Cuando trabajas con objetos brillantes, translúcidos o transparentes (como perlas, vasos o figuras decorativas) ilumina el objeto para la foto por debajo. Utiliza un panel de iluminación plano, que sea un panel especializado con una bombilla de luz en el interior. Coloca el objeto en la parte superior de este panel y vuelve a encenderlo. La luz brillará hacia arriba a través del objeto sin crear reflejos. Si necesitas más luz sobre el elemento, utiliza dos luces de posición para iluminarlo antes de tomar la fotografía. Luz natural Toma el objeto brillante exterior y utiliza la luz natural del sol para iluminarlo para la fotografía. Sal a la calle durante la mañana o la tarde, o en un día nublado, cuando el sol no brille directamente sobre el material. A diferencia del flash de una cámara, esta luz suave y natural creará un tono uniforme sobre el objeto de tu fotografía. Coloca el producto en una zona sin sombras.

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Consejos para lograr mejores fotografías gastronómicas Si no quieres un fondo al aire libre, cuelga una sábana sobre el área para crear un efecto de estudio. Al fotografiar, asegúrate de que tu propia sombra no proyecta ninguna sombra sobre el objeto. Luz suavizada Para evitar que la luz de un flash de la cámara o las luces laterales brillen detrás de ti en un objeto reflectante, utiliza un filtro de luz para distribuir más uniformemente la luz sobre el objeto. Estos filtros vienen en una variedad de formas, como hojas que se pueden colocar directamente sobre la fuente de luz. También puedes colocar el objeto dentro de una cúpula o tienda de campaña diseñada para la fotografía. Las luces brillan a través del material translúcido sobre el objeto, distribuyen uniformemente la luz por todo el objeto sin crear un deslumbramiento reflexivo en la imagen. MATERIALES PARA TRABAJAR ESTA GUÍA

Vidrio

Acero inoxidable

Cromo

Oro y plata

Otras opciones pueden ser: Metales diversos que puedes encontrar en herramientas, cubiertos, cuchillos, tornos, tuercas, etc., porcelana, acrílicos, entre otros.

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Esquema de iluminación para fotografiar productos

Para realizar fotografía de productos es necesario contar con un equipo de luz continua, lo que sí es necesario mirar de las fuentes de luz es su potencia. Para elegir qué potencia necesitamos, tenemos que tener presente la necesidad de usar una profundidad de campo grande para tener todo el producto enfocado y, en muchas ocasiones, también tener el fondo enfocado. Por otro lado, el equipo de iluminación que elegimos debe poder usar ventanas de luz, que también restan intensidad a las fuente de luz. Para iluminar los productos necesitaremos que la luz pase por un material difusor para tener sombras suaves sobre el producto. Podemos usar ventanas de luz, que colocadas en nuestras luces harán que los rayos de luz cambien de dirección al atravesar el material difusor. Por último, necesitamos una mesa de bodegón que ayuda a que el fondo de papel se adapte a la formas curvas que provoca la visión sin fin. Si no tenemos al alcance una mesa de bodegón, basta con sujetar el fondo con un trípode y darle la curva sobre cualquier mesa, lo ideal en este caso es trabajar con un housing como se mostró al principio de esta guía. Luz cenital y lateral

La ventana cenital descansará sobre el fondo de papel, iluminando el fondo y la parte superior del producto. La ventana lateral dará volumen a nuestro producto, creando un degradado de luz. Una vez colocados los flashes y el producto, el trabajo está en ajustar la potencia de los flashes para tener una luz equilibrada, teniendo una relación de más potencia en la fuente de luz superior y menos potencia en la luz lateral, debido a que una luz está más alejada que la otra. Desde este esquema de iluminación podemos realizar cuatro variaciones de manera fácil. Si las analizamos veremos como funciona este esquema. Si apagamos la luz lateral, tendremos una iluminación cenital, que mantendrá el fondo iluminado. El producto tendrá sombra en la parte frontal y su proyección sobre el suelo será de la misma forma que el producto.

Si queremos eliminar la sombra sobre el producto, al esquema anterior, añadiremos dos reflectores blancos, uno a cada lado de la cámara. Con esto, conseguiremos eliminar la sombra, pero también el volumen del producto, teniendo una imagen más plana.

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Si sólo dejamos encendida la luz lateral, lo primero que notaremos es que el fondo pierde iluminación y se potencia la sombra sobre el producto dándole más volumen. Para suavizar esta sombra y la que se crea sobre el suelo, añadimos un reflector en la parte contraria a la fuente de luz.

Si queremos una sombra más dura, mantendremos la luz lateral encendida y quitaremos el reflector. El efecto será más dramático, pero en ocasiones puede ser interesante. Advertencia: Este esquema de iluminación funcionará bien para productos u objetos opacos o tonalidad mate. Si desea fotografiar productos de cristal o brillantes, el planteamiento debe ser diferente. A continuación se presenta un esquema de iluminación de ejemplo para fotografiar una botella de vino. Como se puede ver, el esquema necesita de cuatro fuentes de luz: las ventanas laterales, situadas un poco de contra, perfilarán la botella, creando las franjas blancas laterales, la luz semilateral iluminará la etiqueta y el capuchón y dedicaremos una luz para iluminar el fondo. Este esquema de iluminación necesita que la habitación esté completamente a oscuras para no tener reflejos de la pared u otros objetos sobre la botella. Si no dispones de cuatro fuentes de luz, se puede iluminar la botella por partes y luego armarlas como rompecabezas en Photoshop, abriendo todas las imágenes como capas y, usando máscaras de capa, unirlas para conseguir sólo una con todos los reflejos y zonas iluminadas juntas, aunque es un procedimiento más extenso y quizás tedioso donde debes cuidar mucho los detalles y talvez el resultado no sea el esperado. ¿Cómo lograr fotografías para elementos reflejantes con iluminación de bajo presupuesto? El proceso de iluminación de estos materiales no debe significar un aumento en el presupuesto que tienes para fotografíar tus productos; puedes construir un estudio fotográfico funcional en la comodidad de tu casa o negocio.

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La retroiluminación es ideal para tomar fotografías de productos de vidrio transparente o de color, como botellas, vasos de vino o material decorativo. Es una técnica sencilla que aprovecha la traslucidez del vidrio, creando una apariencia cristalina, mostrando una forma favorecedora del producto. Por ejemplo, las fotografías de este frasco de vidrio se tomaron utilizando la caja de luz para el fondo: Es una configuración de luz para el fondo de la imagen, en donde se coloca la fuente de luz directamente detrás del producto. Posicionar bien tu fuente de luz te puede ayudar a que la parte más brillante de la luz brille a través del cristal, mostrando mucho mejor las curvas naturales y las líneas exteriores del producto. Nivela tu producto y la fuente de luz, para que se mantengan en el mismo plano. Puedes utilizar iluminación continua o estroboscópica, pero siempre difumina la luz. Lo ideal es que tengas una sombrilla de iluminación, pero la tela blanca y las capas de papel blanco en el fondo pueden salvarte del apuro. Ubica tu difusor de luz entre la luz y el producto, y luego coloca una placa de espuma blanca debajo y en ambos lados del producto. Coloca otro pedazo de espuma en la parte superior. La idea aquí es que la luz suave se refleje de nuevo en el producto, desde todos los ángulos, envolviéndolo alrededor de manera uniforme. Las manchas blancas y los reflejos que a veces aparecen en las fotos de vidrios son el resultado principalmente del rebote de luz directa, así que puedes evitar esto al suavizar el recurso de la luz al utilizar luz indirecta. Para bordes exteriores más definidos, utiliza planchas de espuma de color negro, en lugar de blanco, en este caso para crear sombras y no reflejos de luz. Esto incrementa la saturación y crea contornos en las líneas exteriores, bordes y colores. En el siguiente ejemplo se puede ver cómo las líneas oscuras ayudan a dibujar las formas del elemento.

Con reflectores blancos

Con reflectores negros

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Iluminación lateral para detalles

La iluminación lateral funciona bien para productos de vidrio con detalles, como los lentes de sol y relojes. Una configuración con caja de luz de fondo no funcionará bien con productos con más detalles porque, en parte, se utiliza para sobre exponer detalles.

Para utilizar la luz lateral en pequeños productos, vas a necesitar una buena mesa, una luz continua y estroboscópica, una sombrilla, placas de espuma y un rollo de papel blanco sin costura. Coloca la luz, difundida por la sombrilla, exactamente a la izquierda del producto.

En algunos casos, como las fotografías de productos, puede que tengas que mantener tu iluminación directa o con 45°, con el fin de iluminar de manera efectiva la cara del producto, sin deslumbrar a las personas.

Este reloj, por ejemplo, tuvo una toma fotográfica con luz lateral de 45°. La cámara debe estar en un trípode, a una altura en la que la toma este ligeramente hacia abajo del producto. La elevación en esta configuración ayudará a minimizar todos los reflejos, pero no debes ir tan alto ya que puedes perder el ángulo favorecedor de tu producto.

Cuelga el papel blanco de tal manera que se arrastre y quede debajo del producto, y quede en toda la mesa. Trata que la curva del papel no tenga líneas definidas, eliminando las sombras causadas por los pliegues. Conecta el extremo del papel con la parte inferior de la lente de la cámara, para evitar reflejos en primer plano.

Posiciona dos piezas de placas de espuma blanca justo enfrente de la fuente de luz, júntalas hasta que formen una “V”, la cual va a canalizar la luz directamente en tu producto. Echa un vistazo al resultado de estas acciones:

Doble iluminación por encima para productos de metal

El metal es una superficie mucho más difícil de fotografiar, debido a que es altamente reflejante. Es algo difícil, pero no es imposible. Puedes minimizar e incluso eliminar los reflejos mediante el uso de doble iluminación, sobre todo para tomar fotografías de productos muy pequeños como joyería, ollas, sartenes y cubiertos. Necesitaras una mesa, dos luces con sombrillas y papel blanco.

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El tablero de espuma en este momento no ayuda, porque tienes dos luces que van a ser difundidas por sombrillas. Con las otras dos configuraciones, no importa si utilizas luz continua o estroboscópica, pero sí se recomienda iluminación intermitente para reforzar el control. Coloca una luz en cada lado del producto y difunde cada uno de ellos con las sombrillas. Incluye los ángulos de las luces hacia abajo del producto y configura cada uno a la misma potencia. Coloca la cámara en un tripie, para que mires el producto y lo enfoques ligeramente hacia abajo. Pon el papel blanco por debajo del producto y fija el lente de tu cámara para minimizar los reflejos que caen. Si el producto ya está limpio y preparado, con la iluminación correcta, vas a terminar con fotografías similares a las siguientes:

1. Revisa que el balance de blancos, la apertura del lente y los ajustes del ISO estén optimizados para tu configuración de iluminación. Ajusta tu balance de blancos de acuerdo al recurso de iluminación que estés utilizando, como el ajuste de flash, si estás utilizando luz estroboscópica. Si no estás seguro, el balance de blancos automático es generalmente confiable. Elige una parte del producto que este definida en la cual enfocarte, como la cara del reloj o el borde exterior de un producto de vidrio claro. 2. Asegúrate de que los ajustes de la cámara estén preparados para sacar el máximo provecho de tu configuración de iluminación, o todo tu esfuerzo puede perderse. 3. Dispara de manera manual y determina el ajuste de apertura, al menos en f/11, pero preferiblemente más alto (como f/16). Utiliza el ISO lo más bajo posible, al igual que la norma ISO 100, para capturar el mayor nivel de detalle. 5. Para la configuración de luz de fondo, es probable que necesites bajas la velocidad del obturador a un par de paradas por debajo de la recomendación de luz, con el fin de sobre exponer la imagen. Para la iluminación lateral y la iluminación superior, debes seguir la recomendación del medidor de luz.

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Consejos para la fotografía de productos Tener en cuenta estos consejos a la hora de fotografiar productos, ayudará a ahorrar tiempo aunque parezca que retrasen el inicio de la sesión. 1. Limpiar a fondo el producto antes de fotografiarlo e intentar no dejar huellas sobre el producto al manipularlo. Si pasa esto, es mejor limpiarlo cuantas veces sea necesario que tratar de hacerlo en Photoshop. 2. Usar un tele objetivo medio para no deformar el producto. A a partir de un 70 mm., si usas un full frame o un 55mm. Es decir, trata de tomar un escenario más amplio y luego recorta el espacio innecesario del encuadre. 3. Nivelar bien el trípode y enderezar bien el encuadre para no tener problemas de inclinación. Si se desea hacer una serie de productos, marcar el lugar donde se sitúa el producto para no tener que mover la cámara. 4. Medir bien la luz con el esquema que se va a trabajar y comprobar el histograma. Si se trabajará con las luces sincronizadas colocar la configuración idónea y regular la intensidad del disparo de las luces para no tener sobre o sub exposición. 5. Si puedes trabajar con la cámara conectada a la computadora, facilita mucho el trabajo para la edición. 6. Este esquema es un punto de partida muy general para la fotografía de producto. Si lo deseamos y tenemos el equipo, podemos complicar mucho el esquema.

Procedimiento Primera parte “Producción” 1. La práctica se realizará en una sola sesión, y se elaborará en el estudio de iluminación. 2. Los productos seleccionados deberán estar en buen estado de preferencia nuevos de ser posible, los elementos a utilizar deben ser de materiales como: aluminio, vidrio, cristal, acero, cuchillos nuevos, etc. No se utilizarán botellas de vino o licor. 3. Losalumnossonlosresponsablesdelaambientaciónylaescenografíarequeridaparacada composición. 4. Cada alumno es responsable de traer su material de trabajo ( producto y accesorios). 5. Leer la guía de laboratorio antes de realizar la práctica. 6. Antesdelaprácticaelaboreunboceto, éstelodebeentregareldíadelaprácticaparaevitar improvisacionesy dejar constancia de la planificación de su trabajo. 7. En el laboratorio, elegir el fondo con el cual trabajará, montar y ambientar su escenario para la toma de fotografías. 8. Utilice el “Housing“ para sus fotografías. 9. Evalúe el tipo de iluminación que utilizará para la toma de fotografías.

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10. Se tomarán diferentes ángulos, encuadres y planos de los productos altamente reflejantes. 11. Recuerde ser creativo. No se permite improvisar, composición ni el desarrollo de su trabajo ni utilizar los mismos materiales que sus compañeros. 12. Hagaunaseriede 10 fotografías, con diferentes direcciones deluz , ocambiedeposiciónsucomposición. 13. Las aberturas, velocidades, ISO, iluminaciónsetrabajarándeacuerdoconlaideadecadaalumno, segúnlo estime conveniente, para lograr su objetivo.

Segunda parte “Aplicación” 1- Se sugiere traer a la práctica una serie de fotografías y sus fichas técnicas con el objetivo que el instructor le ayude a elegir la mejor fotografía para trabajar en ella esto se realizará individualmente. 2- Una vez elegida la fotografía, debe darle retoque digital correctivo, aplicar efectos y crear una portada de revista quevayaacordeaeltipodeelementoqueseeligiófotografiar, comoporejemplo: “Hogar”, “Ideas”, “Buen hogar”, “Motor”, etc. Que tendrá como fondo la fotografía seleccionada como la mejor, y las secciones de la revista, el precio, código de barras, etc. 3- La portada de revista se realizará en casa con las fotografías, bocetos y concepto ya establecido. El programa a utilizar para la elaboración de la portada queda a consideración de cada alumno.

Entrega de trabajos • De la sesión fotográfica que realizó, elija las 4 mejores fotografías para subirlas a su portal de Flickr además, debe agregar la aplicación de portada de revista especializada y su boceto correspondiente. • Recuerde crear un álbum para cada práctica de laboratorio para que su trabajo este organizado y sea más fácil su evaluación. • No olvide colocar en todas sus fotos la información general de cada una de las imágenes que son: Título de la foto. Nombre de la guía y del ejercicio al que la foto corresponde. Racional de la imagen y/o justificación de su aplicación y diseño. • Agregarle a cada fotografía un título de acuerdo al ejercicio que se realizó, especificando la guía a la que pertenece y un pequeño racional/descripción por cada una. Recuerde que si su firma no aparece en la lista de asistencia, se anulará su nota inmediatamente.

• Mide bien con el Balance de Blancos, es importante para lograr una temperatura de color adecuada al motivo y resaltar bien los colores. Y mejor usa una velocidad ISO baja.

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1. Manual completo de fotografía. Editorial Blume Barcelona 2005. 2. Como hacer buenas fotografías. Editorial Libsa. Barcelona. España, 2001. 3. El placer de fotografiar. Eastman Kodak Company. Editorial Folio. Barcelona. España.1980. www.fotonostra.com www.dzoom.com

REFERENCIAS BIBLIOGRÁFICAS -El libro de la Fotografía Digital. George, Chris. Editorial BLUME. España 2007. - At Kane the Persuasive Image. Fotografía, Ingledew. John. Editorial BLUME. España 2006. - Cómo leer fotografía. Jeffrey Ian. 2008. - Diseño fotográfico. Marshall, Hugh. 1993.

FOTOGRAFÍA PUBLICITARIA GASTRONÓMICA GUÍA 2

GUÍA 2 Fotografía publicitaria gastronómica

FOTOGRAFÍA PUBLICITARIA

FPU

GUÍA 2

GUÍA 2 Tema: Fotografía publicitaria gastronómica CONTENIDOS

En esta guía, se podrá conocer un poco más sobre las técnicas fotográficas y de iluminación para fotografiar a limentos, e l alumno t endrá q ue seleccionar e l t ipo de a limentos con l os que h ará su composición, y por ende también deberá pensar en la aplicación de la fotografía en una portada de revista de cocina, de postres, una guía gastronómica, etc. Aplicando así mismo, las herramientas de diseño, color, texturas y manejo de la imagen.

COMPETENCIA • Conoce y aplica la técnicas fotográficas en la realización de fotografías de alimentos aplicando herramientas para el manejo de la imagen

MATERIALES Y EQUIPO • • • • • • •

Cámara digital manual Trípode Tarjeta de memoria Baterías cargadas Boceto de la portada de revista o menú a realizar Alimentos para la composición a fotografiar Elementos necesarios para la escenografía o ambientación

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Introducción teórica

Destacar la Comida Con cámaras de formato reducido pueden obtenerse también tomas de aproximación atractiva de alimentos, especialmente si la composición es sencilla. Debe prestarse atención a la iluminación, con el fin de que la comida caliente se reproduzca en colores cálidos y la fría aparezca como tal. La textura del motivo, y también su tonalidad, determinarán la iluminación.

Para iluminar motivos muy reflectantes, como cuchillos o vajilla de plata, emplee luz indirecta rebotada o un housing de luz como los que utilizamos en la guía anterior; utilice proyectores de haz concentrado para las superficies mates, e iluminación trasera para traslúcidos o transparentes.

Ciertas comidas preparadas únicamente producen buenos resultados en fotografía, si la cámara y las luces están dispuestas de modo que permitan realizar la toma antes de que pierdan el color o aspecto que las hace apetitos. Los helados, que se derriten con rapidez, y los soufflés (galicismo de soufflé) , que se desinflan en poco tiempo, deben fotografiarse recién hechos.

No obstante, existen diversos medios para prolongar la vida de la comida recién preparada. Por ejemplo, para mantener frío un helado basta introducirlo en un recipiente bajo en cuya base se ha apretado nieve carbónica; el ácido cítrico aplicado a un trozo de fruta recién cortado impedirá que adquiera una coloración parda, la glicerina da brillo a las salsas cuando se aplica sobre ellas; por último, el dióxido de carbono añade burbujas a la cerveza y a la champaña.

Otros trucos del oficio consisten en rociar la fruta con una mezcla de agua y glicerina, que les dá aspecto de frescura, sustituir el merengue por crema de afeitar o emplear acetato transparente arrugado en lugar de hielo, utilizar jugos de uva o sodas de frutas para hacerlas pasar por vino tinto. No obstante, resulta más difícil reemplazar un líquido muy conocido por otro que reproduzca exactamente su color, viscosidad y turbiedad.

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Sea cual fuere la técnica empleada en las fotografías publicitarias de alimentos, éstos deben parecer auténticos y conseguir que el consumidor se fije en ellos. Y por ningún motivo se conozca el secreto. Debemos recordar que la fotografía de alimentos tienen como único fin, el lograr que las personas que vean las imágenes, sientan instantáneamente el deseo de probar dichos alimentos, y se vean persuadidos por ese sentimiento de“casi saborearlos”. La historia es de sobra conocida. Acudimos a un establecimiento de comida rápida (o incluso al supermercado) y compramos un producto atraídos por la fotografía del mismo. Una fotografía que, desgraciadamente, poco tiene que ver con la realidad. Y es que la fotografía de alimentos no es ni mucho menos un trabajo fácil. En muchas ocasiones, por sabroso que sea un producto, directamente no es fotogénico. Y si no es fotogénico… no“vende”. Fotografiar a limentos n os ayudará a m ejorar n uestra técnica fotográfica pu esto aq uí te nemos qu e concentrarnos minuciosamente en el resultado de la imagen mucho más que en otro tipo de fotografía, así como en un trabajo creativo de múltiples posibilidades. Si además te apasiona la gastronomía te permitirá acercarte a la cocina no solamente buscando platos deliciosos sino también hermosos. Existen una gran cantidad de consejos y trucos para la fotografía, muchas opiniones discordantes y opciones muy diferentes según si queremos sacar fotografía de alimentos en estudio, en la cocina, en restaurante, con objetivos profesionales o personales, con mucho equipo o con el mínimo posible.

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Consejos para lograr mejores fotografías gastronómicas La elección y preparación del alimento protagonista indiscutible de la toma son fundamentales. Siempre hay que buscar el mejor producto posible, aquel que resulte apetecible a primera vista, tanto si es un plato conocido como un alimento crudo. Para conseguirlo vale cualquier cosa, así que habrá que olvidarse de que lo que vamos a retratar sea necesariamente comestible. Es importante disponer de varias muestras de un mismo alimento por si hay que sustituirlas durante la sesión fotográfica. Del mismo modo, cuando preparemos el bodegón y su iluminación es recomendable utilizar elementos ficticios que sustituiremos por los productos reales en el último momento. Los vegetales y las frutas son una buena elección para empezar a practicar. Lucen colores muy potentes y precisan muy poco estilismo. Basta con sumergir una lechuga un buen rato en agua, rociar un tomate con gotas de agua o aplicar un poco de cera o glicerina a una fruta para que dé sensación de frescor. La luz hará el resto. Si en la foto aparecen vegetales (como principales elementos o acompañamientos), tenemos que procurar mantenerlos frescos a pesar del calor generado por la iluminación. Un recipiente con agua durante la preparación del bodegón (o incluso convenientemente camuflado cuando realicemos la foto) puede ser suficiente para ello. Cuidar mucho la base o el plato sobre el que va a aparecer el alimento que estamos retratando. En muchas ocasiones, una superficie como un trozo de pizarra, una placa cerámica o una madera pueden ejercer de plato y contribuir a resaltar el producto. Es muy importante que nada reste protagonismo al alimento, así que habrá que tener en cuenta que el tamaño del acompañamiento determinará en gran medida que el alimento principal parezca más grande o pequeño. Para dar brillo al producto se puede emplear un poco de agua rociada, glicerina o vaselina. Hay que pensar que la luz con la que vamos a trabajar -muchas veces un contraluz- puede llegar a destacar mucho esos brillos, así que habrá que dosificarlos adecuadamente. Una vez que el producto ya está preparado, el siguiente paso es la iluminación. Aunque hay muchas opciones, uno de los esquemas más sencillos para empezar es un contraluz, ya que nos permitirá conseguir bastante relieve y resaltar las texturas.

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Incluso podemos recurrir a una ventana como fuente principal de iluminación. Si la luz es muy dura, se puede suavizar con una lámina difusora de papel vegetal o una cortina. Para que las sombras en primer plano no sean muy fuertes es recomendable atenuarlas y rellenarlas con un espejo o un reflector que acercaremos y alejaremos del producto hasta conseguir el efecto deseado. Colocada la cámara en un trípode, hay que elegir la focal y el ángulo. Un objetivo gran angular nos permitirá destacar más el primer plano del alimento, pero contextualizado con el fondo y el acompañamiento que hayamos preparado. Una focal más larga nos proporcionará una perspectiva más cerrada y mucho más focalizada en el producto por separado. A la hora de enfocar, lo más recomendable es seleccionar el punto más próximo a la cámara, cuidando la profundidad de campo y el diafragma escogido de tal forma que todo el producto salga enfocado. Ten en cuenta el fondo. La comida tiene que ser la protagonista, por lo que no hagas que los objetos que entren en escena, como el mantel, o el propio plato, llamen más la atención que la comida. Mantén un fondo simple y utiliza platos de un solo color. Deja que la comida sea la que llame la atención. Intenta quelosfondosseanneutralesycontonostierra, éstoshacenbrillaralacomida, perosinopuedes, intenta que la paleta de colores del fondo sea la opuesta a la de la comida que estás fotografiando. Por ejemplo, los tomates podrían ser fotografiados en un tazón verde claro y destacarían bien.

Usa todas las herramientas a tu alcance, va a serte muy útil. Pinzas, brochas, sprays y cualquier accesorio que pueda ayudarte a manipular la comida o mejorarla de forma más fácil. Por ejemplo, colocar unos guisantes en la posición adecuada siempre será más sencillo y más limpio con unas pinzas. Un truco que usan muchos fotógrafos de comida es usar una botella con spray llena de agua para crear pequeñas gotas en determinados alimentos, haciéndolo parecer mucho más frescos y relucientes. Y por supuesto, no desprecies las herramientas digitales de nuestros días como Photoshop o Lightroom. En definitiva, usa todas las herramientas a tu alcance. El objetivo es hacer lucir la comida lo mejor posible. Cocina poco la comida Es mucho mejor hacerle fotos a la comida cuando no está completamente cocinada. Los vegetales, por ejemplo, en ocasiones pierden color cuando se cocinan demasiado. La carne o el pescado también cuentan. Un pavo por ejemplo, pierde volumen cuando se cocina mucho.

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Haz que los ingredientes se vean. Si quieres que esa sopa, ese guiso o ese sandwich destaquen en la foto hay ciertos trucos que se aprenden con el oficio para cada uno de ellos. Para las sopas y guisos, por ejemplo, ¿cómo conseguir que los ingredientes se vean y no se vayan al fondo como es normal con ciertos ingredientes? pues es habitual utilizar puré de patatas, canicas u otros elementos en el fondo que sirvan como soporte para poner los ingredientes encima y luego, añadir la sopa, haciendo que estos permanezcan a la vista. Normalmente, las hamburguesas se fotografían con todos los ingredientes perfectamente saliendo del pan, pero cuando vamos a un restaurante de comida rápida no es lo mismo ¿verdad? parecen mucho más pequeñas que las perfectamente preparadas para la foto. Cuando fotografiamos una hamburguesa o un sandwich procura mover todos los ingredientes para que se muestren por el lado que vamos a realizar la foto, o mueve el pan hacia atrás para que parezca que los ingredientes sobresalen. La foto cambiará considerablemente. No olvides el Balance de blancos. Ya que la luz es tan importante, el balance de blancos también lo es de igual manera. Un ausencia de un buen balance puede convertir una comida apetitosa en una imagen pálida o completamente falsa. Ángulo. Hay muchos posibles ángulos para este tipo de fotografía. En general se buscará mostrar la tridimensionalidad del plato, con ángulos entre los 10 y 45 grados, pero es posible realizar otro tipo de experimentos. Enfoque. Depende el objetivo de la imagen se realizarán fotos con gran profundidad de campo para mostrar todo el plato, o enfocándose en un elemento visual significativo.

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Tips útiles al momento de fotografiar • Sabías que hace años se utilizaba aceite de carro para que, en las fotos de las tortitas, el sirope pareciera más consistente; y la carne que aparece en las fotos con unas líneas perfectas de haberse hecho al grill (parrilla), pues simplemente se hacen a la plancha y se marcan con un aparato de hierro conocido más como cautín. • Los cereales nunca están sobre leche, sino sobre cola blanca (sí, sí, como Pegamento Resistol) o pintura a base de agua, ya que como todos sabemos, los cereales se quedan todos blanditos cuando los metemos en leche y ésta salpica demasiado por la liquidez. Con el café y el tocino se utiliza agua jabonosa para que parezca que tiene espumita. • Y el brillo maravilloso que tienen los pastelillos se consiguen pintándolos con vaselina, y que las semillitas que están pegadas no están caídas al azar sino que han sido colocadas estratégicamente, una a una, con unas pinzas y pegamento de contacto. Interesante ¿no? • Los cubitos de hielo que aparecen en los anuncios, no son verdaderos, son unos cubitos de acrílicos, tallados a mano. Si haces la prueba y pones agua sobre hielos, éstos se quedan blancos y nunca transparentes y además flotan. La cerveza siempre se fotografía caliente, nunca fría, ya que así tiene más burbujas… si se baja la espuma se le echa una cucharadita de sal y se bate con una pajita pero dentro de su envoltorio de papel… y el vaso se rocía con un spray de agua o glicerina, para que aparente estar frío. • Las tartas de frutas están rellenas de puré de patata, para que después que la cocción no queden hundidas. • Los licores tostados (whisky, ron, coñac...) se simulan con té cargado. El punto de color se afina, añadiendo cantidades de agua. Esto es porque el té, una vez filtrado, no tiene ni impurezas ni hace “las aguas” tan típicas de los licores que provocan un aspecto turbio en las fotos. • Por la misma razón, el café, se simula con un concentrado de carne, rebajado con un poco de agua. En el caso de las sopas, el humo, se puede simular con un poquito de hielo carbónico (hielo seco), y en otros montajes, por ejemplo el café, se puede simular con humo de tabaco. El truco del hielo seco, sirve también para conseguir primero planos de sopas hirviendo, sin que se empañen los objetivos. • Y para que las bebidas frescas, lo aparenten, se deposita con una jeringuilla, un cuentagotas o un pulverizador, una mezcla de glicerina y agua, que hace que las gotas sean muy estables y no corran por el vaso o la botella. • Las croquetas, con pequeños trozos de madera, los “san jacobos”, libritos y carnes rebozadas se hacen con trocitos de listón de madera... y los calamares a la romana y los aros de cebolla, con aros de madera de los de colgar cortinas ¿te has fijado el lo extraordinariamente iguales y perfectos que son esos aros en las fotos?.

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Al momento de fotografiar alimentos en en cuenta lo siguiente: 1- Ser rápido. Algunas partes del plato pueden estropearse “visualmente”si dejas pasar mucho tiempo. Por ejemplo si el plato contiene queso derretido éste se irá poniendo duro en poco tiempo y el plato empezará a resultar menos apetitoso en la foto. En realidad necesitas saber qué quieres fotografiar y cómo lo quieres hacer antes de que se sirva el plato, para así no desperdiciar ni un segundo. 2- Cuidalosdetalles.Porejemplosiestásfotografiando carne a la parrilla asegúrate de que esas marcas de la parrilla queden bien visibles en la carne, eso le dará mayor atractivo. 3- Evita los excesos. Nada resulta más desagradable que la foto de un plato lleno de comida a rebosar. En fotografía gastronómica las pequeñas cantidades triunfan más. 4- Dispara con luz natural. Siempre. No hay excepciones. Dispara en horas de plena luz diurna y hazlo cerca de alguna ventana despejada de cortinas. Así tu plato obtendrá todo el protagonismo que necesita. 5- Juega con la profundidad de campo. Para ello necesitas disponer de un buen objetivo y aplicar la técnica varias veces para los retratos, pero esta vez con el plato. 6- Enfoca el punto del plato más cercano a la cámara. Este consejo combinado con el anterior de la profundidad de campo reducida hará que la parte más cercana del plato aparezca nítida, muy muy nítida, mientras todo lo demás tirando atrás va perdiendo enfoque y nitidez. 7- Disparadesdeelniveldelplatoocasi. Si encuadras la foto desde muy arriba apuntando hacia abajo en la mayoría de los casos tendrás una perspectiva poco atractiva. En cambio, bajarte casi al nivel del plato y dispararlo desde ahí de cerca crea una mayor sensación de cercanía y realismo en la mente del espectador. 8- Algunos alimentos quedan mejor en un trozo de papel dentro del plato. Los platos con salsa o aceitosos no permiten esta regla, pero sí otros como sándwiches, hamburguesas, nuggets y cosas así. Dan un toque genuino y muy artesanal. 9- A ser posible, deposita tus platos en una mesa de madera. La madera queda muy bien como fondo en las fotos de platos, transmite autenticidad, tradición y simpleza.

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10- No sirvas la comida en el mejor plato que tengas, ni te molestes en desplegar ese mantel de motivos artísticos que tienes guardado para las ocasiones especiales. Recuerda que en las fotos que quieres hacer la protagonista tiene que ser la comida. No interesa por lo tanto estropearle su momento de gloria ni hacer que la atención del espectador se divida entre comida, recipiente, mantel, etc. Necesites que la gente se fije en el plato, no en el mantel. 11- Muévete. No caigas en el error de disparas todas las fotos desde la misma perspectiva. A veces dar una vuelta alrededor de la mesa e ir disparando desde distintos puntos de vista nos puede revelar grandes fotos que desde la perspestiva original no parecían tan interesantes. 12. Fotografiando en estudio. El estudio nos ofrece ventajas tremendas como la posibilidad de modificar la luz a nuestro antojo pero requiere de un mayor tiempo de planificación para conseguir una buena fotografía. Debemos cuidar al máximo el resultado para conseguir una iluminación que imite a la luz natural ya que de lo contrario la fotografía quedará artificial y eso afectará al resultado final. Una solución mixta podría ser fotografiar en casa con flashes para conseguir mayor naturalidad en el resultado final. 13. La perspectiva define el resultado final. ¿Cuántas fotografías de alimentos has visto tomadas en un encuadre cenital? Precisamente, el plano cenital es uno de los peores encuadres que podemos encontrar: se anulan los volúmenes, la fotografía queda plana y muchas veces no somos capaces de distinguir nada. Disparando casi a nivel del plato, se obtiene una imagen realista y cercana en la que podemos apreciar mejor tanto el ingrediente como sus volúmenes. Para pizzas, tartas o cremas sí que es efectivo, pero para otros muchos alimentos no. 14. La iluminación, trasera y lateral. Es muy recomendable que la iluminación principal venga de la parte trasera y lateral. Este tipo de iluminación nos permite apreciar mejor los volúmenes del plato que si lo iluminarlo de forma frontal, con la que se aplanaría y la comida no resaltaría. La clave está en transmitir que además de que lo que se muestra tiene buen sabor, es grande, jugoso y apetecible. 15. El procesado, mejor al natural. Los ajustes básicos de la fotografía como el contraste, la exposición o la corrección de color no son un problema siempre y cuando no realicemos procesados agresivos. Grandes contrastes o filtros de colores son recursos que no deberíamos emplear para conseguir una imagen lo más natural y realista posible.

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Procedimiento Primera parte “Producción” Antes de hacer la práctica, lea cuidadosamente las explicaciones y sugerencias de la parte teórica.

1) En esta toma fotográfica es imprescindible que se ejecute con el mayor cuidado posible, de preferencia traer sus alimentos y bebidas asesorados por un profesional de cocina. 2) La utilería: Se requiere que los platos, cubiertos, vasos, manteles, individuales, servilletas, entre otros, sean de la mejor calidad posible aunque no estén nuevos, que no sean los que tienen en la cocina de su casa, la limpieza y nitidez es imprescindible. A veces es necesario un plato de color sólido y monocromático para que no compita con los alimentos y su textura y color. 3) Es necesario que piense en la ambientación del plato a fotografiar no solo en la decoración de éste como tal sino también, en el mantel de la mesa, copas con alguna bebida, velas, el fondo, etc. Realizaránunasesióndealmenos 10 fotografías aplicando diferentes puntosde vista, encuadresyángulos. De las cuales, se seleccionará la mejor propuesta para diseñar la portada de una revista para cocina, recetarios , menú de restaurantes, etc. Recuerde • Verificar la carga de la batería de la cámara fotográfica y la capacidad de la tarjeta de memoria • Trabajar con fotografías de alta calidad y tamaño L • Realizar el respectivo WB personalizado, según las indicaciones del instructor • Seleccionar el ISO adecuado para mejorar la sensibilidad de la luz • Hacer una previa medición de la luz para el ajuste de aberturas y velocidade. • Trabaje con base a su boceto

Fotografía con alimentos: 1. La práctica se realizará en dos sesiones. La mitad del grupo trabajará la primera semana y el resto del grupo posteriormente, ambas en el estudio de iluminación. 2. Los alumnos son los responsables de la ambientación y la escenografía requerida para cada composición. 3. Cada alumno es responsable de traer su material de trabajo ( producto y accesorios). 4. Antes de la práctica, elabore un boceto, éste debe entregarlo el día de la práctica para evitar improvisaciones y dejar constancia de la planificación y elaboración de su trabajo. 5. En el laboratorio deberá elegir el fondo con el cual trabajará, y montar y ambientar su escenario para la toma de fotografías. 6. Evalúe el tipo de iluminación más idónea para la toma de fotografías. 7. Se tomarán diferentes ángulos, encuadres y planos del modelo y también del producto al cual responde a la portada de revista. 8. Recuerde ser creativo. No se permite improvisar, la composición ni el desarrollo de su trabajo, ni utilizar los mismos materiales que sus compañeros. El trabajo es individual. 9. Las aberturas, velocidades, ISO, iluminación se trabajarán de acuerdo con la idea de cada alumno, según éste estime conveniente, para lograr su objetivo. 10. Se sugiere a los alumnos traer platos de colores neutros, de preferencia blancos, o decorados que no compitan con los alimentos ni saturen la escena. En este caso se trabajarán especialmente las composiciones con platos fuertes.

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Segunda parte “Aplicación” 1- Se sugiere traer a la práctica una serie de fotografías y sus fichas técnicas con el objetivo que el instructor le ayude a elegir la mejor fotografía para trabajar en ella esto se realizará individualmente. 2- Una vez elegida la fotografía, debe darle retoque digital correctivo, aplicar efectos y crear una portada de revista de cocina, postres, guías gastronómicas, etc. que vaya acorde al tipo de producto que se eligió fotografiar. 3- La portada de revista se realizará en casa con las fotografías, bocetos y concepto ya establecido. El programa a utilizar para la elaboración de la portada queda a consideración de cada alumno. Ejemplos de trabajos realizados por alumnos:

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Entrega de trabajos • De la sesión fotográfica que realizó, elija las 4 mejores fotografías para subirlas a su portal de Flickr además, debe incluir también la aplicación del menú de restaurante, portada de revista, recetario y el boceto en total entregará 6 fotografías.

• Recuerde crear un álbum para cada práctica de laboratorio para que su trabajo este organizado, y sea más fácil su evaluación.

• No olvide colocar en todas sus fotos la información general de cada una de las imágenes que son:

Título de la foto Nombre de la guía y del ejercicio al que la foto corresponde Racional de la imagen y/o justificación de su aplicación y diseño • Agregarle a cada fotografía un título de acuerdo al ejercicio que se realizó, especificando la guía a la que pertenece y un pequeño racional/descripción por cada una. Recuerde que si su firma no aparece en la lista de asistencia, se anulará su nota inmediatamente.

Investigación complementaria - La iluminación en la fotografía, Child. John. Galer, Mark. Editorial ANAYA. España 2005. - Avanza Fotografía Digital. Stone, David. 2003. - El ABC de la fotografía. 2007. - Manual completo de fotografía, Editorial Blume Barcelona. 2005. - Como hacer buenas fotografías. Editorial Libsa. Barcelona, España. 2001. - El placer de fotografiar. Eastman Kodak Company. Editorial Folio. Barcelona, España, 1980.

www.fotonostra.com www.dzoom.com

REFERENCIAS BIBLIOGRÁFICAS -

El libro de la Fotografía Digital. George, Chris. Editorial BLUME. España 2007. At Kane the Persuasive Image. Fotografía, Ingledew. John. Editorial BLUME. España 2006. Cómo leer fotografía. Jeffrey Ian. 2008. Diseño fotográfico. Marshall, Hugh. 1993.

FOTOGRAFÍA CONCEPTUAL EN BLANCO Y NEGRO 30

GUÍA 6 FOTOGRAFÍA cio Servi FPU PUBLICITARIA de DHCP y D N S

ACTIVIDAD EVALUADA UNIDAD I

ACTIVIDAD

Tema: Fotografía conceptual en blanco y negro CONTENIDOS

En este apartado se encuentra la información general de la actividad evaluada de la primera unidad así como los lineamientos que debe seguir el estudiante para la presentación de su actividad.

COMPETENCIA • Domina la técnica fotográfica en blanco y negro aplicando una correctamente la configuración de las opciones manuales de la cámara fotográfica, así como también la exposición adecuada de iluminación y conceptualización.

MATERIALES Y EQUIPO

• Es responsabilidad de cada alumno leer previamente cada una de las guías antes de asistir a las prácticas de laboratorio, así como traer los materiales y equipo que se le solicite.

1- Cámara Digital 2- Correa de colgar 3- Tarjeta de memoria vacía 4- Baterías cargadas 5- Trípode No olvide entregar su hoja de evaluación. (si no la presenta no tendrá calificación). No se recibirán trabajos incompletos y fuera de la fecha límite.

FOTOGRAFÍA CONCEPTUAL EN BLANCO Y NEGRO

FOTOGRAFÍA CONCEPTUAL La fotografía tradicional consiste en captar la realidad con nuestra cámara bajo nuestra manera de ver las cosas. Partimos de una realidad que ya existe y tratamos de capturarla en una foto. Un retrato, un paisaje, etc… Sin embargo, existe una corriente de fotografía que va de todo lo contrario: la Fotografía Conceptual – una disciplina del arte conceptual, movimiento que surgió a mitad de los años sesenta. Partimos de una fotografía que todavía no existe pero que visualizamos en nuestra mente y tratamos de construir la realidad que nos permita capturar con nuestra cámara la foto que habíamos imaginado. Otra diferencia importante radica en el protagonismo que toman los objetos retratados en la foto. Mientras en la fotografía tradicional el objeto retratado es lo más importante, en la fotografía conceptual lo más relevante es el concepto que el objeto retratado representa.

¿Cómo podemos crear nosotros nuestras propias fotografías conceptuales? 1.- DEFINE EL CONCEPTO El primer paso consiste en pasar de un concepto abstracto a una idea concreta de fotografía. La fotografía conceptual es, en primer lugar, sobre el concepto de la foto. Un fotógrafo conceptual está tratando de llevar algún mensaje acerca al espectador, ya sea un anuncio político o un comentario social o una protesta emocional.

Hay un cierto nivel de abstracción, por lo tanto, en una foto conceptual: la imagen no es un ejemplo explícito del concepto, sino una expresión general de la idea. 2.- VISUALIZA LA IMAGEN Una vez tenemos clara la idea de fotografía que queremos realizar, debemos centrarnos en la composición; debemos visualizar mentalmente la imagen. La composición consiste en disponer espacialmente los diferentes elementos que queremos que aparezcan en la imagen.

3.- CONSTRUYE TU REALIDAD En la fotografía conceptual es necesaria una etapa de producción. En muchas ocasiones, no existe la realidad que queremos capturar y somos nosotros quienes debemos crearla. La idea ya está ahí en la mente, todos los elementos necesarios para hacer llegar la idea se planean hasta conseguir una fotografía “perfecta” para transmitir el concepto, grande o pequeño, se llena de vida.

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4.- DISPARA! La última etapa consiste en la realización de la fotografía teniendo en cuenta todos los consejos sobre luz, obturación, diafragma, etc…De lo que se trata es de obtener una imagen que sea lo más parecida a la visión mental que hemos tenido.

5.-USO DE SÍMBOLOS La fotografía conceptual hace un uso saludable de los símbolos gráficos para representar ideas, movimientos, estados de ánimo, cualquier cosa y todo lo que el fotógrafo puede ser que desee incluir en el mensaje de su fotografía. Símbolos con connotaciones fuertes y bien establecidas se utilizan generalmente, desde un corazón sangrante, tréboles y hasta un billete de dólar. Por supuesto, un problema que los fotógrafos conceptuales se encuentran es si utilizar símbolos que son más universales, es decir, si sus fotos y los conceptos correspondientes deberían estar destinados a ser interpretados de la misma manera por todos, o si se debe jugar con ambigüedades para una gran cantidad de significados diferentes.

6.-SUBJETIVIDAD U OBJETIVIDAD Si una foto tiene la intención de ser interpretada subjetiva u objetivamente varía considerablemente por el fotógrafo. Algunos fotógrafos conceptuales les gusta afirmar que su foto tiene sólo un significado objetivo, y a través de su fotografía, se esfuerzan por hacer que signifique exactamente lo mismo para todas las personas, independientemente de su origen. Si bien se puede jugar con distintos conceptos todo el día, y llegar a unas buenas fotografías que transmitan un claro concepto, ¿será el significado de una foto exactamente lo mismo para personas diferentes? Este es el objetivo de algunos fotógrafos.

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ACTIVIDAD 1. Cada estudiante deberá trabajar con un concepto, esto es muy importante antes de la producción de las fotografías pues de esta manera podrá tener más claro qué tipo de personas, objetos, colores o fondos debe utilizar. 2. Debe buscar los es cenarios o fondos que le ayuden a reforzar su concepto y resaltar los elementos en la fotografías. 3. Tome las fotografías necesarias que reflejen el concepto elegido. 4. Ajuste adecuadamente las opciones manuales de la cámara fotográfica para lograr una perfecta exposición de la escena. 5. La iluminación es clave en esta técnica, recuerde que se trata de lograr un excelente contraste entre las luces y las sombras. 6. Para lograr resaltar el punto anterior, es muy importante obtener un blanco y negro lo más contrastado y no solo una escala de grises, por lo que debe ajustar la nitidez y el contraste de la opción monocromático en su cámara. 7. En el proceso digital se permite un pequeño retoque que le permita intensificar más el contraste y la apariencia de la escena.

APLICACIÓN

Cada estudiante realizará con su fotografía una portada de libro, el género de éste queda a elección y creatividad del estudiante, la obra literaria debe ser real y la fotografía debe responder al concepto o tema que trata el libro. La fotografía debe ser en blanco y negro, la composición debe ser original una propuesta nueva y no una réplica, la aplicación comprende retoque digital de la imágen y/o montaje, título del libro, texto adicional, entre otros.

Aspectos a evaluar Dicha actividad tiene el valor del 4% de la nota total de la materia. En esta ocasión los ítems a evaluar pueden variar dependiendo del docente o de los resultados del diagnóstico del alumno. Entregarán 2 fotografías: la fotografía original y la fotografía retocada. 1. Concepto y racional del trabajo 2. Aplicación de la técnica 3. Configuración de la cámara (Abertura, Velocidad, ISO y WB) e Iluminación 4. Selección y composición de la escena 5. Autoevaluación

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GUÍA 3 Fotografía publicitaria con bebidas

CONTENIDOS

En esta guía, se podrá conocer sobre las técnicas fotográficas y de iluminación para fotografiar bebidas, el alumno tendrá que seleccionar el tipo de bebidas con los que hará su composición, y por ende también deberá pensar en la aplicación de la fotografía en una carta de bebidas, etc. Aplicando así mismo, las herramientas de diseño, composición, color, texturas y manejo de la imagen.

COMPETENCIA

• Conoce las técnicas creativas para realizar fotografías con bebidas, aplicando herramientas de

diseño y manejo de imágenes.

MATERIALES Y EQUIPO

Es responsabilidad de cada alumno leer previamente cada una de las guías antes de asistir a las prácticas de laboratorio, así como traer los materiales y equipo que se le solicite. • Cámara Digital • Correa de Colgar • Tarjeta de Memoria vacía • Baterías cargadas • Elementos para una composición libre con bebidas • Trípode

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Introducción teórica Fotografía de bebidas En general, las bebidas y los líquidos por igual pueden ser especialmente difíciles de fotografiar. Si no tiene cuidado, las bebidas pueden parecer aburrido y poco interesante, lo cual es inaceptable en el mundo de la publicidad, o incluso si usted está tratando de convertirse en un fotógrafo de renombre. Hay una multitud de factores que pueden influir en la fotografía y bebidas varias maneras que usted puede controlarlos. Con la información correcta, usted puede tomar las fotografías atractivas de bebidas para promover su éxito en el mundo de la fotografía. La fotografía publicitaria de alimentos y bebidas requiere de una serie de elementos que permite cumplir con su objetivo fundamental que es el de crear un “antojo” por medio de la sola vista del espectador. Muchas veces vamos a un restaurante a tomar una bebida y terminamos por consumir más productos que en la carta se anunciaban apetitosamente por medio de una imagen bien lograda. En la mesa, únicamente resta crearles una necesidad para complacer su paladar. Determinar qué tipo de bebida que desea fotografiar, ya que hay diferentes precauciones a tomar en función del tipo que usted elija. Bebidas claras, por ejemplo, requieren más técnica para conseguir una foto adecuada. Bebidas con color ven el más intenso y atractivo a la vista a contraluz, o iluminado por detrás con un reflector. Averiguar qué tan grueso que el líquido que busca fotografiar es, si es pesado y denso, entonces tiene el potencial para aparecer demasiado oscuros en las fotografías, si este es el caso, se diluye mediante la adición de agua para obtener al instante deshacerse del problema. Obtener el movimiento líquido que se sumará al instante la vida a su bebida y hacer que la fotografía mucho más atractivo. Usted podría mezclar, verter o agitar suavemente la bebida para dar la apariencia de movimiento. Determine si desea que la condensación en el cristal. Puede ser un efecto ordenado, pero si no es la mirada que usted está esperando, asegúrese de mantener su bebida a temperatura ambiente sin hielo. Para crear una imagen de alimento o bebidas exitosa, es necesario pasar por varios filtros.

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Todo inicia desde su preparación, utilizando químicos y sustitutos que visualmente atraerán la vista del comensal, haciéndolo creer que miran un alimento totalmente comestible, algo así como lo que usualmente las personas decimos: “es más antojable el de la foto que el platillo real.”

Los dueños de negocios de comida saben que la producción de la imagen de un platillo fresco, limpio y apetitoso es el mejor gancho para aumentar sus ventas, porque por más apetitoso que suene un alimento de una carta, poder mirarlo es dar más que una buena idea. Por ello el la elaboración de éstas fotografías se recurre a las herramientas de maquillaje, iluminación (calidad de luz y sombras) producción detrás del alimento, edición de cada imagen, hasta el estudio del elemento y su presentación más favorable. Todos los recursos que pueden destacar la imagen.

Al fotografiar se corre el riesgo de que los elementos cambien su apariencia fresca mientras se ajustan los equipos y las luces así que se suele cambiar ingredientes de la receta original para que la consistencia y apariencia se conserve por más tiempo. El maquillaje es indispensable para lograr imitar la forma y aspecto que tiene cuando esta recién hecho, pues con el paso del tiempo durante la sesión, pierde la temperatura y factores como el oxígeno lo hacen ver “no fresco y deseable”. La glicerina en spray nos puede servir para parezcan gotitas de de agua en la fotografía.

EL FONDO

Elfondoydecoracióndelsetesimportante. Botellas y copas de vino, canastas de pan, pasta cruda, vegetales, frutas, frascos de aceite de olivo, trigo, flores, en fin la combinación de estos alimentos permiten una composición más atractiva y que el elemento luzca más. Hay muchos estilos de fotografía de alimentos y bebidas. Encuadres abiertos con poca o mucha profundidad de campo y encuadres mas cerrados con la parte principal del platillo muy acercada, incluso cortada para ver solamente un detalle.

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Normalmente se trabaja con fondos neutros o planos, generalmente de color blanco o gris para poder resaltar el color y la textura de algunas bebidas para evitar demasiada saturación en la escena, es ahí donde nos permite jugar con más elementos en el bodegón que formemos.

EL FOTÓGRAFO DEBE TOMAR EN CUANTA LAS SIGUIENTES CONSIDERACIONES: El tiempo lo es todo Recuerde que los alimentos tienen tendencia a derretirse, transpirar, enfriarse, calentarse, quedar mustios, secarse, contraerse, decolorarse o perder textura, de modo que el tiempo es esencial. Asegúrese de tener puesta la mesa con servilletas, vasos, cubiertos, fondo, flores, etc. antes de presentar el elemento“estrella”. Finalmente, dé los últimos toques de iluminación y realice ajustes a la disposición. Disposición de la mesa Cree una disposición sencilla que tenga un aspecto profesional y realista, pero que no distraiga la atención del elemento principal. Pruebe diferentes tipos de vasos, copas, cubiertos, salvamanteles, e incluso palillos mezcladores como accesorios para crear el ambiente para cada plato. Utilice maderas o superficies reflejantes para lograr efectos interesantes en la escena, más en aquellas composiciones en las que se trabajará con un poco de splash, será más fácil limpiar y empezar de nuevo que trabajar con telas o superficies absorb entes. Iluminación Intente hacer las fotografías de alimentos con luz natural, usando pantallas difusoras o reflectoras. Tomar las fotografías junto a una ventana abierta difuminada por una cortina blanca ofrece resultados estupendos. De esta manera la fotografía de alimentos o bebidas es sumamente interesante, constituye muchos retos para sus creadores y la ventana abierta para las ventas exitosas de un negocio de este rubro.

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Otra forma de iluminar este tipo de composición es la iluminación a contraluz o la luz baja, para lograr dibujar los envases de las botellas o los vasos y hacer mucho más vistosa la coloración de los líquidos y su textura. Se puede utilizar también, la luz lateral o en diagonal y a su vez acompañarla con pantallas reflectoras para rellenar sombras, podemos trabajar con linternas de manos y tratar de darle una iluminación puntual a los elementos, algo que es muy funcional en cuanto a la iluminación de las botellas especialmente es la manera de reflejar la luz a través de papel aluminio en la parte trasera de las botellas y de esa manera podemos iluminar el líquido y evitar que se pierda ese detalle aunque trabajemos con fondos negros u oscuros.

Una técnica muy utilizada y bastante funcional para poder separar los elementos con el fondo es usar una luz para el fondo sin tener que dirigirla directamente al producto, esto nos ayudará a separar los planos y darnos un poco más de dimensiones y evitaríamos que sea una composición plana.

Un consejo adicional sobre la iluminación es utilizar una sola luz y rellenar con algún reflector si nos hace falta, pero además si queremos darle un brillo más impactante aún al líquido del interior, podemos recortar cartulina reflectante (metalizada muy clara o tipo espejo) con la forma de la proyección de la botella y/o del vaso/copa y colocarla detrás cuidando que refleje la luz principal a través del líquido hacia cámara (recuerde quitar la etiqueta trasera de las botellas).

Vasos y copas Cualquier bebida sabe mejor si la bebemos en un vaso. En el vaso, el agua adquiere la consistencia y frescura adecuada, mientras que una copa de vino lo dota de una mayor elegancia, color y sabor.

Para cada tipo de vino encontramos un tipo de copa diferente, según se trate de un vino tinto, blanco o espumoso dispondremos de la copa adecuada para ensalzar sus virtudes.

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Las cervezas también requieren vasos especiales, más grandes, así como cada tipo de alcohol tiene su tipo de vaso o copa ideal que se adapta a sus propias necesidades, de ventilación o temperatura. FOTOGRAFÍA DE CERVEZAS

Para lograr esto de forma muy simple recurrimos a una de las propiedades básicas de la luz que es la reflexión. Cuando la luz llega a una superficie reflectante como puede ser agua, un espejo o cualquier cuerpo opaco de un color claro o brillante, no atraviesa el cuerpo sino que se refleja. Esto nos permite dirigir ese reflejo variando el ángulo en que incide la luz simplemente moviendo y variando la inclinación de la superficie reflectante. Lo interesante de esta técnica es que nos puede servir para fotografiar otra serie de bebidas en las que se requiera el mismo efecto, como por ejemplo: las bebidas gaseosas. Efecto nevado en botella de cerveza

Ingredientes:

• Mateador para fotografía en spray o aerosol, que s e encuentra en comercios de fotografía en el caso también se puede utilizar Spray adhesivo 3M o similar. • Glicerina pura, también la venden en cualquier tienda especializada o farmacias. • Un atomizador recargable, un trapo y todo el material fotográfico que queramos utilizar para nuestro bodegón (cartulina/fondo, mesa de bodegones, iluminación, etc.). • Los elementos a fotografiar (al gusto de cada uno) • Vaso o copa. • Botella. ¡Muy importante que esté al tiempo, es decir tibia, Si está fría no saldrá bien ya que el estado de “helado”no es muy fotografiable y las gotas se deslizan. • Alguna botella más de repuesto (también del tiempo) que necesitaremos para llenar el vaso sin tener que abrir la botella del bodegón (se puede usar otro líquido sustitutivo que quede aparente, como crema soda, ginger ale, té, etc.) o de recambio en caso de que se nos rompa o se estropee algo de la etiqueta, por ejemplo. Y cómo no, el líquido elemento: agua.

Paso 1: Limpieza de la botella y vaso/jarra y preparación de materiales Para este ejemplo se utilizó muestras de papel metálico, pero cualquier otro material de características similares (papel de aluminio) puede funcionar correctamente. Paso 2: Efecto congelado. Para que el resultado sea perfecto, la botella no debe estar tibia y limpia.

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Ahora le aplicaremos el adhesivo en spray sobre la superficie que va a salir en la fotografía, no es necesario que cubramos toda la superficie de la botella. La botella parecerá ahora que está recién salida del congelador y aplíquele las capas que crea conveniente. En esta última fotografía podemos observar cómo queda la botella de cerveza después de aplicarle el pegamento en aerosol.

Paso 3: La capa de aceite. Ahora tenemos que aplicar el aceite de cocina con un pincel sobre la botella. Como en el paso anterior, solo es necesario hacerlo sobre la parte que va a ser visible en la fotografía, la misma parte que lleva el pegamento que hemos aplicado en el punto anterior.

Paso 4: Las gotas en la superficie. Mezclamos en la botella con el difusor 70% de agua y 30% de glicerina. Hay quien recomienda hacerlo al 50-50. El agua y el aceite se repelen, por lo que se formarán gotas en la superficie de la botella. Además, la glicerina ayudará para que estas gotas estén un poco más firmes y permanezcan en su sitio, sin que caigan hacia abajo.

Paso 5: El brillo interior. Tenemos que colocar un reflector detrás de la botella. No a unos metros fuera de la toma. El reflector debe estar pegado a la botella y debe reflejarse en él la fuente principal de luz para que adquiera un mejor color, podemos ver en esta fotografía como parte del reflector asoma a la derecha de la botella.

Esquema de iluminación Si no cuentas con iluminación de estudio no te limites, puedes lograr efectos de este tipo con cualquier lámpara que tengas en tu casa o con la luz natural de una ventana. La iluminación funciona muy bien de forma lateral, cenital, frontal y contraluz de manera que la luz pueda reflejarse a través del líquido y el envase.

En éstas fotografías se puede ver la forma de empleo de la iluminación reflejada y el resultado final.

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10 PASOS PARA FOTOGRAFIAR VINOS

1. Iluminación: La luz natural es siempre la mejor. No utilices el modo de flash ya que se reflejará y dominará la imagen. El juego entre las sombras y la iluminación son buenas, pero no deben hacer el énfasis de la etiqueta. Si se necesita luz de estudio para dar la forma a la botella, se recomienda una luz envolvente con difusores, housing o soft box. 2. Ángulos: Las tomas directas a las botellas llenas son aburridas. Una toma directa estará bien siempre y cuando no intentes incluir toda la botella en la toma, prueba con bodegones y en ángulos paralelos o un poco en contrapicados. 3. Reflejos: Debes estar pendiente de los reflejos que pudieran salir en la foto. Hay imágenes que muestran claramente el trípode, el fotógrafo y todo el sistema de iluminación. 4. Ambientación: Accesorios complementarios, ya sea por el color o por la asociación del país de origen del vino. La idea es dar una sensación única en una imagen. Corchos, sacacorchos, varias copas de vino y otros objetos pueden mejorar una foto. 5. Fondo: Acércate, trata de llenar el encuadre, así se eliminará cualquier distracción por fondos o ambientes de poca iluminación y sombras, utiliza fondos neutros o naturales como maderas. Además se debe evitar el desorden en la toma. 6. Foco: Te recomendamos el uso de una lente macro y aperturas bajas para permitir la atención selectiva. El enfoque debería concentrarse en el nombre del productor o del vino en la etiqueta. 7. Profundidad: Necesitas tratar de crear una imagen de 3 dimensiones. La imágenes planas y sin vida no funcionan. Puedes usar reflectores combinados con cartulinas de papel blanco o láminas de poli estireno para hacer rebotar la luz en la botella. Destacar algunas burbujas en una copa de vino añade textura y vida. 8. Color y Tono: Experimenta con la reducción de la saturación de color o incluso puedes ir en blanco y negro. Pero, recuerda que al cliente le gusta ver exactamente lo que está comprando.

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9. Comida y Vino: Colocar alimentos a una imagen pueden añadir ambiente, pero tiene una tendencia alejar la atención de la botella. El mundo de la fotografía de alimentos es todo un tema en sí mismo. Mejor evítalo. 10. Siendo Creativo: Si se requiere una foto artística, en lugar de una del producto tienes que buscar una imagen un poco diferente, piensa más en los ángulos, colores, texturas, repetición. Todos tienen un papel que desempeñar.

FOTOGRAFÍAS DE LICORES Y BOTELLAS OSCURAS

La iluminación de campo oscuro es una forma de iluminaciónpor transparenciadirigidahaciaelmotivo por debajo, de modo que éste resplandezca ante un fondo oscuro. Es muy indicada para destacar bordes espinosos o peludos, así como motivos de estructura ramificada y delicada, y también para hacer visible la estructura interna de objetos traslúcidos hecho de cristal.

El medio más simple de preparar una toma de este tipo es colocar una hoja de papel negro con un agujero ligeramente mayor que el motivo en el centro, sobre una lámina de cristal.

A continuación, el conjunto de cristal y máscara negra se coloca a unos 15 cm de altura sobre un fondo de tercio pelo negro. El motivo puede colocarse directamente sobre el cristal o, si se trata de un organismo líquido, en un recipiente poco profundo situado sobre el mismo.

Disponga dos o más fuentes luminosas por debajo del sujeto y dirigidas al mismo, pero desde fuera del campo de toma. La máscara negra sirve para impedir que los rayos de luz directos incidan sobre el objetivo; el motivo refracta los rayos que lo iluminan.

DECORACIÓN DE BEBIDAS

Las decoraciones para cócteles son tan variadas y existen tantas formas de hacerlas como los mismos cócteles, es decir, todo depende de la creatividad y cuánto entusiasmo se tenga para hacerlo.

Todos los tragos cuentan con distintos tipos de decoración, ya que esta tiene que combinar con los ingredientes, colores o sabores de la bebida, a continuación las decoraciones más fáciles y comunes de hacer.

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Escarchado: Rodear el borde la copa con granitos de azúcar o de sal. Para ello, lo único que hay que hacer es tener un platito con jugo de limón o de naranja, y otro con sal o azúcar, se introduce el borde de la copa en el jugo y después se pone en el que contiene la sal o el azúcar, para que los granitos se adhieran a la humedad. Frutas: Se pueden hacer adornos para las bebidas con las cáscaras de los cítricos, las frutas pequeñas o los trozos de las frutas más grandes. Los adornos de frutas se pueden preparar dándoles diversas formas: círculos, rombos, medias lunas, etc. Los colocaremos tanto en el interior del líquido como en el borde de la copa. Flores: La decoración con flores resulta un sistema muy sofisticado consiste en adornar el cóctel con alguna flor vistosa pero debemos tener cuidado a la hora de elegir que flores usar, no pueden ser muy grandes y no deben estar marchitas. No sólo se pueden emplear flores, sino también hojas de menta como variable. Hierbas y especias: En algunas bebidas, de textura más espesa, y generalmente en los que contienen elementos como leche, cremas, etc. Se pueden emplear ciertos ingredientes granulados como canela, chocolate rallado, etc. por encima del cóctel.

Algunas hojitas aromáticas, como la menta y la hierbabuena, se usan con frecuencia para adornar ciertos cócteles, sobre todo combinadas con frutas. Las hojas de menta son indispensables para decorar los cócteles del tipo julepe, que se preparan precisamente a base de crema de menta, un licor dulce de color verde. Las cañas de canela se convierten en motivo decorativo para ponches y cócteles que llevan canela y tanto la canela en polvo, como la nuez moscada en polvo, se espolvorean sobre muchos cócteles espumosos que tienen especias entre sus ingredientes. Vegetales para bebidas: Los cócteles a base de tequila generalmente no requieren más adorno que el escarchado de la copa y una rodaja de limón o una cáscara de este cítrico cuidadosamente recortada.

Para los Martini, el decorado clásico son las aceitunas rellenas. Sin embargo, en algunas versiones nuevas el Martini clásico se recomienda decorar la bebida con cebollitas de cambray de frasco o lata.

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Hielo: En muchas bebidas el hielo es indispensable para darle textura, sabor y vistosidad, sin dejar de lado el principal objetivo que es la temperatura deseada, pero en la fotografía publicitaria de bebidas no funciona tan bien ya que a veces con el calor de las luces el hielo dura a penas unos minutos, es por eso que se recomienda la utilización de cubos de hielo falsos que pueden ser comprados en tiendas de conveniencia o incluso se pueden fabricar de manera artesanal.

¿Como hacer cubos de hielo falsos? 1. Compra una bolsa de cuentas de plástico transparente. La mayoría de las tiendas de artesanías las venden y son relativamente baratas. 2. Consigue una bandeja para cubos de hielo de metal o aluminio. Varios minoristas en línea las venden. Si no puedes encontrar una, mira en recursos para aprender cómo hacer un molde por ti mismo con papel de aluminio. 3. Llena cada molde hasta el tope con cuentas de plástico para artesanías. Precalienta tu horno a 375 grados F (190,5 grados celsius). 4. Hornea las cuentas por 15 a 20 minutos para que se derritan. Una vez que estén terminadas, deja que se enfríen por una hora y luego quita los “cubos de hielo” del molde.

Otra forma de hacer hielo falso es trabajar con pedazos de poliéster transparente, humedecerlo para moldearlo un poco para darle la forma de hielo y esperar a que se seque, este proceso puede llevar un poco más de tiempo pero el resultado es siempre muy bueno. • También puedes probar con silicón líquido, se vierte una cantidad considerable de este material en un molde que tengas o en la bandeja para hacer hielo de la refrigeradora y con un papel como base y esperas a que se seque y tendrás un resultado bastante parecido al hielo real. • Una forma adicional es trabajar con papel celofán transparente y con la ayuda de silicón líquido empezar a formar los cubos de hielo de manera que nos permita manipular el tamaño y la forma justa que necesitamos para nuestra foto, se deja secar muy bien y listo.

Agua mineral: En este caso el agua mineral podría ayudarnos a resaltar las frutas o hierbas dentro de la bebida, ya que los trozos se cubrirán de interesantes burbujas de oxígeno que le darán textura a nuestra decoración, se recomienda utilizar en líquidos blancos como ron, vodka, etc.

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Elementos decorativos: Son los objetos no consumibles, utilizados como complemento de presentación y servicio de un cóctel o combinado. Ejemplo de ellos son: pajitas o cañas, paraguas de madera, frutas simuladas de papel, cucharillas removedoras de plástico, incluso pequeñas bengalas, etc. Algunos de ellos, por lo sofisticados o por el motivo significativo, son propios únicamente de establecimientos muy específicos, y es muy surtida la gama existente en el mercado, haciendo alusión en ocasiones a temas muy peculiares.

¿Cómo es el fondo y el decorado a la hora de fotografiar bebidas?

Predominan los fondos unicolor, principalmente negro, blanco y gris. En otras ocasiones se usan fondos que contrasten con los colores de la botella, si ésta es transparente, el fondo hace contraste con el líquido. Al igual que en la fotografía de alimentos, las bebidas pierden su belleza al pasar demasiado tiempo bajo las luces, la recomendación es trabajar con rapidez. Tener toda la decoración dispuesta, la medición hecha antes de colocar el producto principal y luego realizar ajustes finales.

Al usar elementos decorativos para equilibrar la composición, cuidar que los mismos no causen distracción. Se debe tener presente la regla “menos es más”. Muchas veces el minimalismo funciona mejor. Si la superficie donde se coloca la botella es reflectante puede aumentar la sensación de tridimensionalidad, por otro lado es mucho más fácil de limpiar cuando se quiere repetir la fotografía.

¿Cómo es la iluminación al fotografiar bebidas?

Al fotografiar bebidas también se puede usar la técnica de iluminar con luz natural a través de una ventana que difumine la luz con una cortina blanca. Cuando el frasco lo permite, es útil la iluminación a contraluz. Esto realza el contorno de la de la botella y le da vistosidad a los líquidos.

La linterna frontal también tiene un uso recurrente para lograr una iluminación puntual sobre el líquido. Cuando se trabaja con fondos negros sirve para “levantar” elementos que queden oscuros. Otra técnica importante es usar una luz únicamente para el fondo (sin que toque los productos), se pueden marcar los halos, a veces usando colores a través del de un filtraje específico.

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Sirve para separar a la botella fotografiada del fondo y que por contraste resulte más atractiva su forma. Resulta más efectivo el uso de una sola luz sobre el producto y el resto trabajarlo con rebotes (las cartulinas metalizadas son útiles para dar brillo a los líquidos) Una de las propiedades de la luz más presente en la fotografía de botellas es la reflexión. Cuando la luz choca con una superficie reflectante, se producen reflejos, los cuales pueden ser usados a favor modificando la direccionalidad de la fuente de luz o cambiando la posición de la superficie que genera el reflejo. Si la botella es muy oscura, conviene colocarla sobre una superficie de vidrio e iluminarla desde abajo.

Procedimiento Primera parte “Producción”

Antes de hacer la práctica, lea cuidadosamente las explicaciones y sugerencias de la parte teórica. 1) En esta toma fotográfica es imprescindible que se ejecute con el mayor cuidado posible, de preferencia traer sus materiales y bebidas, si puede asesórese por un experto. 2) La utilería: Se requiere que los vasos, mezcladores y ambientación estén en buena condición y lo más limpios posibles, recuerde traer todos los recursos que necesita. 3) La elección de su bebida es libre se recomienda en este caso trabajar con bebidas gaseosas en botellas de vidrio, cervezas, vinos, licores, cocteles, jugos naturales, etc. 4) Es necesario que piense en la ambientación de la composición a fotografiar no solo en la elaboración de la bebida como tal sino también, el fondo, los elementos acompañantes, la decoración, los vasos y copas, etc. Fotografía con bebidas:

1. La práctica se realizará en dos sesiones, La mitad del grupo trabajará la primera semana y el resto del grupo posteriormente, se elaborará en el estudio de iluminación. 2. Los alumnossonlosresponsablesdelaambientaciónylaescenografíarequeridaparacadacomposición. 3. Cada alumno es responsable de traer su material de trabajo ( producto y accesorios). 4. Antes de la práctica, elabore un boceto, éste debe entregarlo el día de la práctica para evitar improvisaciones y dejar constancia de la planificación y elaboración de su trabajo. 5. En el laboratorio deberá elegir el fondo con el cual trabajará, y montar y ambientar su escenario para la toma de fotografías.

Es muy importante realizar bocetos y pruebas previas a la práctica de laboratorio, para asegurar el resultado y tomar en cuenta hasta los mínimos detalles para garantizar el trabajo.

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6. Evalúe el tipo de iluminación más idónea para la toma de fotografías. 7. Se tomarán diferentes ángulos, encuadres y planos del modelo y también del producto al cual responde a la portada de revista. 8. Recuerde ser creativo. No se permite improvisar, la composición ni el desarrollo de su trabajo, ni utilizar los mismos materiales que sus compañeros. El trabajo es individual. 9. Las aberturas, velocidades, ISO, iluminación se trabajarán de acuerdo con la idea de cada alumno, según éste estime conveniente, para lograr su objetivo. Algunos ejemplos:

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Entrega de trabajos • Las 4 mejores fotografías de la sesión, más la aplicación de la carta de bebidas para restaurante o bar y el boceto, deberán subirse a un portal de fotos en internet, se sugiere flickr, donde tiene que crear su usuario y armar ahí su álbum para esta guía, este portal permite que automáticamente se pueda visualizar la ficha técnica de cada una de las imágenes. En total entregará 4 fotos , 1 aplicación y su boceto en total se entregarán 6 fotos. • Agregarle a cada fotografía un título de acuerdo al ejercicio que se realizó, especificando la guía a la que pertenece y un pequeño racional/descripción por cada una. Recuerde que si su firma no aparece en la lista de asistencia, se anulará su nota inmediatamente. La información general de cada foto es la siguiente: Título de la foto Nombre de la guía y del ejercicio al que la foto corresponde Racional de la imagen y/o justificación de su aplicación y diseño

Investigación complementaria - La iluminación en la fotografía. Child, John. Galer, Mark. Editorial ANAYA, España 2005. - Avanza Fotografía Digital. Stone, David. 2003. - El ABC de la fotografía. 2007. - Manual completo de fotografía. Editorial Blume Barcelona 2005. - Como hacer buenas fotografías. Editorial Libsa. Barcelona, España, 2001. - El placer de fotografiar. Eastman Kodak Company. Editorial Folio, Barcelona, España, 1980.

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REFERENCIAS BIBLIOGRÁFICAS -El libro de la Fotografía Digital. George, Chris. Editorial BLUME. España 2007. -At Kane the Persuasive Image. Fotografía, Ingledew. John. Editorial BLUME. España 2006. -Cómo leer fotografía. Jeffrey Ian. 2008. -Diseño fotográfico. Marshall, Hugh. 1993.

MACROFOTOGRAFÍA GUÍA 4

GUÍA 4 Macrofotografía

CONTENIDOS

En esta ocasión, los alumnos podrán conocer las técnicas de iluminación creativa, para crear fotografía con efecto macro aplicado a objetos o naturaleza en plano detalle, en donde se busca resaltar formas, texturas o superficies de los objetos y colores, estructuras y detalle de los elementos naturales, tratando de destacar los elementos que pasan inadvertidos por el ojo humano.

COMPETENCIA • Conoce las diferentes técnicas para la toma de macrofotografía y las aplica en áreas profesionales y artesanales.

MATERIALES Y EQUIPO

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Introducción teórica

Primero... ¿qué es la fotografía Macro exactamente? “Macro” significa grande. La Macrofotografía es por lo tanto una rama de la fotografía en la que el sujeto fotografiado resulta “grande” en la foto, igual de grande que en la vida real o más aún. Por ejemplo si el tamaño de una hormiga en la foto es igual o más grande que su tamaño en la vida real, ésa es una foto Macro. ¿Para qué se utiliza la fotografía Macro? El primer uso es el de contemplar la belleza de las cosas“pequeñas”que nos rodean ahí es donde surge la utilidad de la Macrofotografía, que es capaz de enseñarnos la belleza del sujeto (sea objeto, animal o planta) en cuestión. Otros usos más objetivos son el de la investigación biológica, que es un campo que le debe mucho a la fotografía Macro, pues ésta ha permitido documentar muchos estudios relacionados con muchas especies animales y vegetales. También gracias a la Macrofotografía es posible contemplar y disfrutar de algunas joyas u objetos valiosos cuyo tamaño muy reducido normalmente impide que sean apreciados en todo su detalle. ¿Qué necesito para empezar a hacer fotos Macro? Aunque muchas cámaras digitales compactas ofrecen un modo “Macro”(normalmente lleva el símbolo de una flor), en realidad no se trata de un modo “Macro” real, sino simplemente de una fotografía de mucho acercamiento, en la que el sujeto parece grande pero realmente no se alcanza el nivel de “agrandamiento” necesario para poder hablar de una foto Macro. La función Macro no es una característica de la propia cámara, sino más bien del objetivo empleado. Mucha gente quiere comprar su primera cámara de fotos réflex y me pregunta por cuál es la más indicada para hacer fotografía Macro. Todas. Realmente la cámara sólo hace la foto, el que enfoca es el objetivo y por lo tanto no debemos preocuparnos por el tema Macro a la hora de comprar la cámara. Es un detalle a tener en cuenta más a la hora de mirar objetivos. Una vez conseguida la cámara tenemos dos opciones: Logramos la fotografía con lentes, anillos, tubos o accesorios propios para lograr ese efecto o, tratamos de buscar una manera más experimental y artesanal de lograr el mismo objetivo.

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Lente conversor Macro

Es la opción de quien no puede costearse un objetivo Macro auténtico. Consiste en emplear la cámara con cualquier objetivo que tengamos a mano, incluso el del kit original, y engancharle a este objetivo un pequeño lente conversor que, como su propio nombre indica, convierte el objetivo normal en un Macro. Es una opción muy barata la verdad, ya que los lentes conversores suelen tener un precio muy asequible. Pero cuidado, también te tengo que prevenir de que la calidad óptica que ofrecen estos lentes conversores está años luz lejos de la calidad que un objetivo Macro real te puede ofrecer.

Objetivos Macro

Si ha intentado enfocar con su objetivo normal a una distancia muy pequeña habrá comprobado que éste tiene una distancia de enfoque mínima, debajo de la cual ya no enfoca. Pues bien, los objetivos Macro son objetivos que gozan de la habilidad de poder enfocar a distancia muy muy reducidas. Son objetivos que siguen pudiendo enfocar incluso estando casi pegados al objeto o sujeto que estamos fotografiando. Es fácil encontrar este tipo de objetivos ya que en su caja, nombre o descripción suele aparecer la palabra“Macro”, y suelen tener una distancia focal comprendida normalmente entre los 50 y los 200mm (aunque los hay incluso de 500mm).

Estas lentes permiten una distancia mínima de enfoque muy reducida, por lo que acercarnos a un objeto no debería ser ningún tipo de problema. Asimismo, la calidad que ofrecen difícilmente se puede alcanzar mediante otras opciones. Así, un objetivo macro es la mejor opción para hacer macrofotografía. Sin embargo, el problema es que muchos de los objetivos macro disponibles alcanzan un precio que no puede ser asequible para muchos consumidores. No obstante, existen otros métodos que, sin ser tan efectivos, también pueden hacernos lograr magnificar un objeto diminuto.

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Tubos de extensión

La función de estos accesorios es la de separar el objetivo del CCD, quedando entonces reducida la distancia mínima de enfoque. Es una opción barata para realizar macrofotografía, ya que un juego con 3 anillos de 13mm, 21mm, 31mm (o similares). Sin embargo, los más económicos no suelen permitir la sincronización entre la cámara y el objetivo, por lo que no responderá a las variaciones de diafragma o autofocus. Los anillos se pueden combinar entre sí hasta obtener el enfoque mínimo deseado para nuestro sujeto. Eso sí, al extender el objetivo también perdemos en luminosidad, algo que se deberá corregir abriendo diafragma o reduciendo la velocidad de obturación. Filtros Close UP o de aproximación

Es una alternativa para hacer macrofotografía todavía más barata que la anterior. Todo depende de la calidaddelosfiltros, peroinclusosepuedenencontrar por un precio bastante cómodo. A grandes rasgos, es como poner una lupa delante del objetivo. Del mismo modo que ocurría con los tubos de extensión, los filtros “close up” también suelen venderse en un juego de 3 lentes que pueden variar desde +1 a +10 dioptrías. Sin embargo, no todo son maravillas. Como era de esperar, la calidad de algunos de estos filtros dejan bastante que desear y en ocasiones pueden arruinar la nitidez de la imagen. Aun así, sigue siendo una opción económica para conseguir este tipo de imágenes. Fuelle

Este accesorio se coloca entre el objetivo y la cámara, permitiendo entonces variar la distancia mínima de enfoque a medida que agrandamos o reducimos la extensión del fuelle. El funcionamiento es muy parecido al de los tubos de extensión, solo que en este caso podremos cambiar el enfoque de una forma mucho más precisa. Asimismo, uno de sus inconvenientes es la pérdida de luminosidad cuanto más extendemos el fuelle, ya que la luz debe realizar un recorrido más amplio hasta que impacta en el sensor, siendo también una opción a barajar por aquellos que no desean invertir demasiado en un nuevo accesorio.

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Anillo inversor Aunque no lo parezca, al invertir nuestro objetivo éste se convierte en una lente apta para enfocar a distancias mínimas. Esto se debe a que los objetivos suelen estar construidos para que de forma óptima enfoquen al infinito, así que al darles la vuelta también se invierte ese efecto. Por lo tanto, cuanto menor sea la distancia focal de nuestra lente, más nos tendremos que acercar al objeto al que vamos a fotografiar. Quizá es la opción más económica de todas, ya que se puede encontrar por precios muy bajos o incluso atreverte a sostener el lente con tu mano podría funcionar, pero también es la que menos calidad ofrece. Además, el enfoque se encuentra limitado a la distancia focal del objetivo que utilicemos, no tenemos posibilidad de manejar el diafragma ni el autofocus, y puede mostrar cierta difracción, simplemente tenemos que acercarnos o alejarnos de con el lente de la escena a fotografiar para lograr más o menos enfocar.

ASPECTOS A TOMAR EN CUENTA A LA HORA DE TOMAR MACROFOTOGRAFÍAS 1. La luz necesaria

En general, la fotografía macro necesita de mucha luz. Los objetivos macro acostumbran a tener diafragmas que se pueden abrir mucho, pero ¿qué pasa si usamos alguna de las otras alternativas para hacer macrofotografía? Exacto, necesitaremos puntos de luz que nos ayuden. Luz ambiente. Lo mejor será que te acerques a una ventana, o hagas las fotografías al aire libre, buscando días soleados. Te será más difícil trabajar con la luz natural porque no podrás controlarla, pero los resultados que obtendrás serán más “reales” (o sea, más parecidos a lo que el ojo humano está acostumbrado a ver)

Flash incorporado. Es probablemente, la peor opción de todas. Si te acercas mucho al sujeto a fotografiar, es posible que el objetivo y/o los tubos de extensión te creen sombras no deseadas en él. Si tienes que usar el flash incorporado de la cámara, puedes intentar adquirir un difusor para evitar estos problemas. Flashexternodezapata. Si diriges la luz del flash directamente al sujeto, seguramente te acabes encontrando con los mismos problemas que con el flash incorporado. Por eso debes jugar con la dirección de la luz (rebotándola, por ejemplo) y también con su difusión, para que ilumine el sujeto de manera más homogénea.

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Flash anular. Si quieres dedicarte a la fotografía macro, debes hacerte con uno de estos. Se trata de un flash circular, situado justo delante del objetivo. La principal ventaja de este flash respecto a otros tipos de iluminación es que la luz llega al sujeto desde muchos puntos diferentes y de manera muy uniforme. Elresultado, porlotanto, esparecidoalqueseconseguiría con un flash de zapata y un reflector, con la ventaja de que, además, por muy cercano que esté el objetivo al sujeto, no habrá sombras en éste.

2. El sujeto

A la hora de hacer macrofotografía tienes dos opciones que explorar: Fotografiar cosas pequeñas. Esta es la premisa de la fotografía de insectos pero también puedes encontrar cosas pequeñas y crear fotografías con ellas: botones, joyas, juguetes... Fotografiar cosas de cerca. Es una opción que también puede ser interesante. Es cierto que para fotografiar cosas pequeñas, por normal general, deberás acercarte a ellas. Pero con este punto me refiero a buscar la macrofotografía en sujetos más grandes. Buscar detalles, texturaso, incluso, intentarllevaralabstractoelementosdetudíaadíamedianteladescontextualización.

3. La mejor composición

Como en todas las otras disciplinas de la fotografía, la composición es muy importante en las tomas macro. En general, si te dedicas a fotografiar cosas de cerca, tenderás a rellenar el encuadre con ellas. En cambio, si buscas sujetos más pequeños te será más difícil llenar toda la composición. Por supuesto, puedes romper estas “reglas” cuánto desees! Lo que sí es muy importante es que identifiques muy bien el sujeto principal de tu fotografía e intentes situarlo en una posición interesante dentro del encuadre. Las reglas de composición fotográfica pueden (y deben) aplicarse, también, en la fotografía macro para conseguir imágenes atractivas visualmente. 4. La profundidad de campo

La profundidad de campo en una fotografía macro es, por definición, muy pequeña. Si, además, utilizas tubos de extensión, lentes de aproximación u otro elemento para acercarte al sujeto o ampliarlo, la profundidad de campo de tus fotografías se verá aún más reducida. Ya hemos comentado que, en la fotografía macro, necesitarás mucha luz. Por esta misma razón los objetivos macro tienen diafragmas que se pueden abrir hasta f1.2 y similares.

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A tu elección está el escoger la profundidad de campo que quieres en tus fotografías: puedes disparar con el diafragma más abierto que puedas o cerrarlo para conseguir más profundidad de campo. De todas maneras, debes ser consciente de un par de cosas: Diafragma más abierto, menos nitidez. Los extremos no son buenos y objetivos como los 50mm f1,8 tienden a mostrar aberraciones cromáticas y problemas de nitidez cuando se hacen fotografías con el diafragma abierto al máximo. Si cierras un paso o dos el diafragma, la profundidad de campo será prácticamente la misma pero tendrás fotografías más nítidas y evitarás, en gran medida, las aberraciones. Diafragma más cerrado, menos luz. Seguro que ya habías pensado en esto, pero si quieres tener una profundidad de campo más grande, deberás cerrar el diafragma a f8 o f11. Las consecuencias de esto es que necesitarás más luz para tener una fotografía correctamente expuesta.

Procedimiento La dinámica para desarrollar la guía 4 será la siguiente: Se trabajará individualmente, y se realizará la práctica en el campo de la universidad a objetos de pequeña escala o elementos de la naturaleza como hojas, texturas, insectos, pistilos, en el caso de naturaleza, pero también puede traer elementos electrónicos, textiles, joyería, medicina, etc. La idea es que se pueda capturar una escena que difícilmente se pueda ser perceptible por el ojo humano a primera vista, es decir, una escena que muestre lo que no está a simple vista. Como es una técnica experimental, deberá trabajar con el equipo que posea o pueda conseguir como por ejemplo, la función macro de su cámara si es compacta o con lupas sobre el lente o trabajar con el objetivo invertido de su cámara. Si decide trabajar con objetos deberá llevarlos al laboratorio para hacer sus prácticas, si por el contrario hará sus fotografías con elementos naturales deberá tener en cuenta la selección de sus escenas.

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Tome en cuenta que las fotos de esta práctica pueden ser las definitivas para entregar si es que su instructor se las aprueba caso contrario, deberá realizar otra sesión fotográfica fuera de la Universidad hasta lograr el resultado esperado. Se aclara que se puede trabajar con velocidades lentas, por lo que es necesario traer su respectivo trípode. Trabaje al menos 10 fotografías en la sesión fotográfica, aplicando diferentes tipos de ángulos y encuadres y composición, si usted lo desea puede variar de igual manera el motivo a fotografiar.

Entrega de trabajos • Las 4 mejores fotografías de la sesión, más la aplicación de una portada de libro o revista científica y el boceto, deberán subirse a un portal de fotos en internet, se sugiere flickr, donde tiene que crear su usuario y armar su álbum para esta guía, este portal permite que automáticamente se pueda visualizar la ficha técnica de cada una de las imágenes. En total entregará 6 fotos (4 fotos de la sesión sin retoque, 1 aplicación y su boceto son 6 fotos en total). • Agregarle a cada fotografía un título de acuerdo al ejercicio que se realizó, especificando la guía a la que pertenece y un racional/descripción por cada una. Recuerde que si su firma no aparece en la lista de asistencia, se anulará su nota inmediatamente.

La información general de cada foto es la siguiente: Título de la foto Nombre de la guía y del ejercicio al que la foto corresponde Racional de la imagen y/o justificación de su aplicación y diseño

Investigación complementaria - La iluminación en la fotografía. Child, John. Galer, Mark. Editorial ANAYA. España. 2005. - Avanza Fotografía Digital. Stone, David. 2003. - El ABC de la fotografía. 2007. - Manual completo de fotografía. Editorial Blume Barcelona 2005. - Como hacer buenas fotografías, Editorial Libsa, Barcelona, España, 2001. - El placer de fotografiar, Eastman Kodak Company, Editorial Folio, Barcelona, España, 1980. www.fotonostra.com www.dzoom.com

REFERENCIAS BIBLIOGRÁFICAS -El libro de la Fotografía Digital. George, Chris. Editorial BLUME. España 2007. -At Kane the Persuasive Image. Fotografía, Ingledew. John. Editorial BLUME. España 2006. -Cómo leer fotografía. Jeffrey Ian. 2008. -Diseño fotográfico. Marshall, Hugh. 1993.

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Ejemplos de materiales con los que puede trabajar para esta guía: Hilos naturales

Madera

Electrónicos

Electricidad

Agua

Medicina

FOTOGRAFÍA ARTÍSTICA Y DE ESPECTÁCULOS CON FLASH PAINTING GUÍA 5

GUÍA 5

Fotografía artística y de espectáculos con Flash painting FOTOGRAFÍA PUBLICITARIA

FPU

GUÍA 5

CONTENIDOS

En este guía conoceremos el tema de la fotografía de retrato y paisaje iluminada con el efecto de flash painting una nueva técnica de coloración de la luz que ayuda a lograr una imagen que pareciera tener retoque digital y que puede ser aplicada a fotografía publicitaria o de modas.

COMPETENCIA Conoce y aplica la técnica de Flash-Painting en fotografías de personas para crear efectos modernos y creativos

MATERIALES Y EQUIPO

• Cámara digital manual • Trípode • Tarjeta de memoria • Baterías cargadas • Boceto de la aplicación que realizará • Alimentos para la composición a fotografiar • Elementos necesarios para la escenografía o ambientación

FOTOGRAFÍA ARTÍSTICA Y DE ESPECTÁCULOS CON FLASH PAINTING GUÍA 5

Introducción teórica

“Flashpainting” que literalmente se traduce como “pintar con flash”. En realidad, más que pintar es colorear y el sistema es bastante sencillo. El equipo que necesitarás es mínimo. Bastará con tu cámara, los flashes o luces strobs, el trípode y los geles de colores. Para fijar los geles de colores al flash puedes utilizar velcro.

GELES Y FILTROS DE COLOR EN EL FLASH: INTRODUCCIÓN

Parte1: Introducción

Últimamente se ha puesto de moda el término “strobist” y que no es otra cosa que un puñado de aplicaciones sobre iluminación, que en vez de emplear los tradicionales equipos de luz continua o flashes de estudio, se usan flashes compactos, que a pesar de que su ampolleta es lineal y las sombras generadas no son las más idóneas, éstos flashes tienen la ventaja de ser ligeros y facilitar de ese modo el transporte.

La historia es de sobra conocida. Acudimos a un establecimiento de comida rápida (o incluso al supermercado) y compramos un producto atraídos por la fotografía del mismo. Una fotografía que, desgraciadamente, poco tiene que ver con la realidad. Y es que la fotografía de alimentos no es ni mucho menos un trabajo fácil. En muchas ocasiones, por sabroso que sea un producto, directamente no es fotogénico. Y si no es fotogénico… no “vende”.

FOTOGRAFÍA ARTÍSTICA Y DE ESPECTÁCULOS CON FLASH PAINTING GUÍA 5

El uso de flashes compactos en iluminación ofrece algunas ventajas, entre ellas, que por su reducido tamaño, es barato y sencillo cambiarles el color con lo que se conocen como “geles” o en términos más correctos, filtros, ya que hay muestrarios gratuitos que cubren bien la antorcha de estos flashes, las aplicaciones son válidas para cualquier clase de flash, siempre que se emplee un filtro de tamaño apropiado. También podrían serlo para cualquier clase de fuente luminosa como las luces strobs, siempre que ésta sea de espectro continuo (halógena por ejemplo), se considere la temperatura de color original de la fuente y se tomen las consideraciones respecto de la cantidad de calor que genera cada fuente elegida. En los muestrarios que habitualmente se pueden conseguir vienen una gran cantidad de unidades de diferentes tipos, los cuales si se aprenden a usar individualmente, el espectro de posibilidades creativas crece muchísimo, pero lamentablemente por la web, hay poca información.

Ahora bien, ¿Por qué usar estos filtros y no cualquier plástico semi transparente de color? Por muchas razones. • Estos filtros están hechos en su mayoría para soportar altas temperaturas sin fundirse. Las unidades de flash suelen generar altas temperaturas en las milésimas de segundo que dura su destello. De ésto hablaré en detalle unos párrafos más adelante. •Estos filtros son ingnífugos y autoextinguibles, frente a cualquier recalentamiento excesivo, sólo vamos a tener plástico arrugado. • La pigmentación está diseñada para que el filtrado sea continuo en el espectro electromagnético que corresponde a luz visible. Tener un espectro discontínuo genera problemas irresolubles de reproducción de color como suele suceder con los tubos fluorescentes baratos (por ejemplo un tubo fluorescente barato se ve verdoso en las fotos no por la predominancia de ese color, si no, por que carece de luz magenta, por ende, todas las superficies con tonos de magenta simplemente no se reproducen con fidelidad). •Finalmente, por que un filtro de calidad no debería contener concentraciones de esfuerzos residuales producto de su manofactura, lo que tiene por consecuencia que la luz que atraviesa estos filtros no se polariza. Esto no se ve a simple vista, pero es importante, porque, es usual que las polarizaciones que se producen en los plásticos baratos sea muy heterogénea, a diferencia de cuando se usa un filtro polarizador para polarizar la luz de forma deliberada o de lo que sucede de forma natural en la atmósfera con la luz solar. Todos los materiales de calidad óptica diseñados para el manejo de la luz deben cumplir al menos con este requisito (prismas, lentes, espejos, filtros, etc.).

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Trabajando con geles de colores EL EQUIPO QUE USTED NECESITARÁ 1. El flash y los flashes que ya tienes. Aparatos de iluminación continua también funcionará, pero hay que tener cuidado y asegurarse de que la temperatura más alta de la lámpara no se derrite los geles, que a su vez dañar la bombilla. 2. Geles o filtros fotografía de color adecuados Pero también se pueden utilizar rollos de celofán de colores o papel de regalo y la artesanía. La densidad de celofán y color de las geles hojas puede ser diferente y celofán de colores es a menudo muy delgada, por lo que los colores resultantes pueden no ser tan vívida. Para resolver este problema simplemente de doble o triple veces antes de montar en la luz estroboscópica hasta lograr la coloración que se desea incluso, podemos mezclar colores de papel para lograr colores que quizás no encontremos por sí solo como aqua, rosa, etc. 3. Bastidor / gel o un rollo de cinta adhesiva, puede optar por geles de colores adecuados y ensamblaje del marco de gel de su fabricante de equipos de iluminación o fabricarlos artesanalmente. Si usted termina de decidirse a utilizar celofán de colores y cinta adhesiva, tenga en cuenta, que el celofán se derretirá si se coloca demasiado cerca de la lámpara de modelado como la lámpara se calienta durante el rodaje. El celofán se arruinará y también puede dañar la lámpara si no tienes cuidado. Siempre apague las lámparas de modelado después de ponerlo, y las posiciones de las luces se ajustan para el rodaje, así que no tiene que preocuparse por ello.

DISPARO Aquí viene la parte divertida! Hay tantas maneras que usted puede utilizar sus geles de colores. Hay un par de las principales formas de cómo usar las geles de colores en las configuraciones de iluminación: colorear las luces de borde y colorear la luz principal, y un montón de variaciones de cada uno.

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Aquí hay algunos ejemplos de configuraciones y esquemas de iluminación y su resultado para tener más claro el ejercicio. Diagramas de iluminación para estas configuraciones son generalmente similares y varían ligeramente en diferentes brotes. Puede agregar uno o dos (o más) las luces de borde, luz de fondo, luz de relleno, etc.

1. El uso de una sola luz estroboscópica de luz de borde de color, sutil toque de color.

2. Utilizando una sola estroboscópica para luz de borde de color, colores vivos y ricos. Es necesario para darle vida a la potencia estroboscópica y utilizar un gel de color denso, o retirarse a su celofán de color un par de veces para obtener el color más bonito y más rico.

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3. En la siguiente imagen se puede ver que a pesar de que la configuración de iluminación es similar a la anterior (con espejo), hay mucho más color en el cuerpo de la modelo. Usted puede lograr esto mediante el movimiento de la luz estroboscópica con la luz de color ligeramente más cerca del plano de la cámara que permite más luz se derrame en la cara y el cuerpo de la modelo, y, por supuesto, coloque el modelo en consecuencia.

También puede controlar el ancho de luz de borde ("rim light") de la luz mediante el ajuste de la posición de la luz estroboscópica, moviéndose a lo largo del eje de la cámaramodelo-fondo (ver ilustración). Cuanto más cerca de la luz estroboscópica al plano de la posición de la modelo, más amplia será la luz de borde. Y cuanto más atrás del plano de la modelo se ubique la luz, (en el mismo eje) más delgada la luz de borde será.

Tenga cuidado de no mover la luz estroboscópica demasiado cerca del plano en el que se coloca la modelo, o la luz de “rim light” (luz de borde), se convertirá en “side light” (luz lateral, y esta puede crear sombras marcadas en el rostro de la modelo y arruinar la toma. Pero, por supuesto, depende de lo que estamos tratando de lograr en su foto.

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4. Dos luces estroboscópicas con geles de color, una a cada lado, sutil toque de color. Cuando quiero una luz de borde muy delgado en la mejilla del modelo, por lo general apuntan aproximadamente la luz de color en la parte posterior de la cabeza del modelo.

5. Dos luces estroboscópicas con geles de color, una a cada lado, colores vivos y ricos. También añade un gel de color rojo en la luz de fondo. El contexto gris puede parecer aburrido detrás de un sujeto colorido.

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6. También puede jugar con velocidades de obturación más largas y lograr interesantes efectos sin congelamiento e incluso con exposiciones múltiples.

COLOREANDO LA LUZ PRINCIPAL

Esto es cuando se tiene rollo de celofán de colores, puede cortar un trozo generoso y se envuelve alrededor de la luz o incluso una caja de luz, si lo desea.

Variaciones:

Básicamente, todo se puede mezclar luces estroboscópicas y flashes, y tratar diversos modificadores de luz. Normalmente se combinan colores complementarios, pero nunca está de más experimentar con parejas inesperadas de colores.

1. En esta configuración que utiliza un "soft box" en un flash (rojo) yunflashsencillo(verde).

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El estroboscopico con la caja de luz (rojo) es mucho más cercano al modelo, la luz es más suave (mayor tamaño de la fuente de luz, además de difusor y está más cerca de la materia) y su misión es sólo para llenar la sombra detrás de la modelo con intenso color rojo.

PREPARACIÓN ANTES DE UNA SESIÓN DE FOTOS (PRE-PRODUCCIÓN) ¿Estas a punto de tener una sesión fotográfica personal? Aquí unos cuantos consejos a seguir para hacer el trabajo más fácil.

1. Si es posible, estudiar a la persona, observar sus rasgos, personalidad, carácter, gestos etc. De esta manera puedes hacerte una idea de qué tipo de fotos van a funcionar. Fotos de belleza, de acción, muy preparadas y formales, relajadas y con más expresiones naturales, entre otras.

2. Intenta crear las fotos en la cabeza antes de llevarlas a cabo, es decir, tener ideas e intentar visualizarlas para luego poder ir al grano. Puede ser de gran ayuda ver fotos que te gusten de grandes fotógrafos, más si tienes poco tiempo para tu sesión. Internet es una fuente infinita. Lleva esquemas de poses y bastantes fotos que me aporten ideas y el modelo entienda lo que quieres más facilmente.

3. Si llevas amigos ayudantes mejor que mejor, te pueden echar una mano colocando el paraguas, reflector e incluso colaborar en las poses, maquillaje, ambientación y demás.

4. Una vez acabada la sesión, hay que mostrar la satisfacción por el trabajo realizado. Es agradable que te digan lo bien que lo has hecho así que halaga a tu modelo y a los que te han ayudado.

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Sobre el modelo La elección de la modelo. Es muy importante pues será la cara de tu trabajo. También puedes contar con alguien que no sea modelo pero, por la razón que sea, quieras que salga en las fotos (una amiga, un familiar...). Sea como sea, elige bien y concienzudamente. De estilismo. ¿Qué tipo de ropa y maquillaje va a usar tu modelo? Puedes buscar un estilista o un maquillador que quiera o pueda trabajar contigo. Pero también existe la opción de organizar esta parte de la sesión por ti mismo o con la modelo. En este caso, puedes empezar por preguntarle a tu modelo si tiene el tipo de ropa que necesitas para las fotos. En caso afirmativo, pídele que te mande fotografías de la ropa, para saber exactamente con qué material cuentas. El maquillaje debe ser muy apegado a tu tema o concepto e incluso coherente al vestuario, y recuerda que muchas veces la uliminación aplana muchos tonos naturales o neutros, por lo que será necesario que vayas midiendo la cantidad de maquillaje que tu modelo necesite de acuerdo con la intensidad de las luces con la que vas a trabajar. De asistente. Para poder dedicarte a hacer las fotos con los cinco sentidos, quizás necesitas de alguien que te ayude en otras cosas como puede ser, por ejemplo, la iluminación. Un asistente también puede ayudarte a montar el escenario (en caso de que necesites un escenario concreto para hacer tus fotos) o cualquier otra cosa que se te pueda ocurrir y con la que puedas necesitar ayuda. Aplicaciones para poses. Puedes buscar alguna aplicación para fotógrafos en la que se expliquen distintas poses para las modelos. Esto te puede servir de inspiración y, como en el caso anterior, de apoyo el día de la sesión. Mientras la modelo se viste, se maquilla o se prepara en general antes de tomar las fotos, puedes echarle un ojo a la aplicación o a las fotos de modelos que tengas en tu teléfono. Lleva esquemas de iluminación en la mente de acuerdo a tu objetivo o temática, para que el trabajo sea más rápido y fluido y tengas suficiente tiempo para hacer las pruebas de iluminación.

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TRATO CON EL MODELO Es el último punto, pero no por ello el menos importante. La manera que tengas de tratar un modelo determinará en gran medida el resultado final de la sesión de fotos. Seguramente, cuando empieces a realizar retratos no tendrás mucha soltura en la dirección de modelos. Lo más importante que debes saber:

•

El modelo no se toca. Lo ideal es que mantengas un clima profesional, de confianza y de respeto. Así que evita tocar físicamente el/la modelo. Si quieres arreglar un mechón de pelo que se ha descolocado o quitar una arruga que se ha formado en alguna prenda de ropa, pídeselo al modelo o, si dispones de un asistente y/o estilista, a ellos. Órdenes claras y sencillas. “Pon el brazo así”, “mira a ese punto”. Esas instrucciones son las mejores: ayudarán al modelo a saber lo que quieres y a realizarlo de manera rápida. Si usas tu propio cuerpo como ejemplo para enseñar lo que esperas de tu retratado, mejor aún. Sé agradable. Como en todos los aspectos de la vida: muy importante. Te ayudará a crear el clima de confianza y respeto que mencionábamos anteriormente. Preocúpate de sus necesidades: si tiene sed o calor, si está cómodo... Y ayúdale en todo lo que puedas. Habla con tu modelo. es importante romper el hielo y crear un ambiente de confianza, haz que hable, sonría, muchas veces es apropiado una música suave en el entorno para evitar ese molesto silencio. Enseñaalgunasfotos. Notodas, sólolasmejores. Aquellasquevayanamotivarleaseguirtrabajando. Te ayudará a transmitir seguridad en tu trabajo y a enseñar que todo está saliendo correctamente.

Procedimiento La Dinámica para desarrollar para la guía 5 será la siguiente: Se trabajará individualmente, las fotografías de flashpainting, se realizará en el estudio de iluminación, el equipo se proveerá y los modelos serán los mismos alumnos del grupo de laboratorio. Se buscarán las mejores escenas para esta técnica fotográfica.

Fotografía con flash painting: 1. La práctica se realizará en dos sesiones, La mitad del grupo trabajará la primera semana y el resto del grupo posteriormente, se elaborará en el estudio de iluminación. 2. Los alumnos son los responsables de la ambientación y la caracterización de su modelo (vestuario, maquillaje, peinado, accesorios, etc). 3. Cada alumno es responsable de traer su modelo para la sesión asi como imágenes de referencia sobre la iluminación que desea y las poses requeridas. 4. Antes de la práctica, elabore un boceto, éste debe entregarlo el día de la práctica para evitar improvisaciones y dejar constancia de la planificación y elaboración de su trabajo. 5. En el laboratorio deberá elegir el fondo con el cual trabajará 6. Evalúe el tipo de iluminación más idónea para la toma de fotografías. 7. Se tomarán diferentes ángulos, encuadres y planos del modelo y también del producto al cual responde a la portada de un disco de música o afiche de artista. 8. Recuerde: Aplicar su creatividad. 9. Las aberturas, velocidades, ISO, iluminación se trabajarán de acuerdo con la idea de cada alumno, según éste estime conveniente, para lograr su objetivo.

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No se permite improvisar, la composición ni el desarrollo de su trabajo, ni utilizar los mismos materiales que sus compañeros. El trabajo es individual.

Entrega de trabajos Tome una serie de al menos 10 fotos de esta técnica, aplicando diferentes tipos de ángulos y encuadres, trate de utilizar poses interesantes que destaquen a su modelo, de ser posible utilicen vestuario y maquillaje adecuado a su objetivo, en total serán 4 fotografías las que subirá a flickr más la aplicación que en este caso sería una portada de disco de música o afiche promocional para un artista (podría ser de un concierto). En total entregarán 6 fotografías (4 fotos de la sesión sin retoque, 1 boceto, 1 aplicación en total entregará 6 fotografías).

Recuerde que si su firma no aparece en la lista de asistencia, se anulará su nota inmediatamente. • De la sesión fotográfica que realizó, elija las 4 fotografías mejores fotografías para subirlas a su portal de Flickr además, debe agregar la aplicación de portada de revista especializada y su boceto correspondiente. • Recuerde crear un álbum para cada práctica de laboratorio para que su trabajo este organizado y sea más fácil su evaluación. • No olvide colocar en todas sus fotos la información general de cada una de las imágenes que son: Título de la foto Nombre de la guía y del ejercicio al que la foto corresponde Racional de la imagen y/o justificación de su aplicación y diseño

Investigación complementaria - La iluminación en la fotografía, Child, John. Galer, Mark. Editorial ANAYA. España. 2005. - Avanza Fotografía Digital. Stone, David. 2003. - El ABC de la fotografía. 2007. 1. Manual completo de fotografía. Editorial Blume. Barcelona. 2005. 2. Cómo hacer buenas fotografías. Editorial Libsa. Barcelona, España. 2001. 3. El placer de fotografiar. Eastman Kodak Company. Editorial Folio. Barcelona, España. 1980. www.fotonostra.com www.dzoom.com

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FOTOGRAFÍA DE PAISAJE EN HDR 71

FOTOGRAFÍA PUBLICITARIA ACTIVIDAD EVALUADA UNIDAD II

FP U

Tema: Fotografía paisajística en HDR

CONTENIDOS

En este documento se encuentra la información general de la actividad evaluada de la segunda unidad así como los lineamientos que debe seguir el estudiante para la presentación de su actividad.

COMPETENCIAS

Conoce la técnica HDR (High Dynamic Range) y la aplica en fotografías paisajista con adecuados escenarios y selección de escenarios.

MATERIALES Y EQUIPO

Es responsabilidad de cada alumno leer previamente cada una de las guías antes de asistir las prácticas de laboratorio, así como traer los materiales y equipo que se le solicite. 1- Cámara Digital 2- Correa de colgar 3- Tarjeta de memoria vacía 4- Baterías cargadas 5- Trípode 6- Programas sugeridos para trabajar HDR: Photoshop a partir de la versión CS3 en adelante Artizen HDR, Photomatix Pro, Easy HDR, http://www.fotor.com/es/hdr/ Dynamic Photo HDR

FOTOGRAFÍA DE PAISAJE EN HDR

¿QUÉ ES EL HDR? Es una técnica para procesar imágenes que busca abarcar el mayor rango de niveles de exposición en todas las zonas. Esto se consigue mediante la mezcla de varias fotos de la misma imagen con diferentes exposiciones, (subexpuesta, equilibrada y sobreexpuesta). La técnica de HDR permite que todas las zonas de la fotografía queden perfectamente expuestas, aunque tengan niveles de luminosidad muy diferentes y contrastados. Con esto se consigue obtener detalle en toda la fotografía aunque una única toma tenga un gran contraste entre las altas luces y las sombras.

¿Qué se necesita para hacer imágenes HDR? Ya que se necesitan montar varias fotos, para poder hacer fotografías de alto rango dinámico se necesita una cámara digital con modo “bracketing” o, al menos, con posibilidad de ajustes manuales. También necesitaremos un trípode, ya que se deben tomar varias tomas con diferentes exposiciones. Teóricamente, cuantas más fotos, mejor, y como mínimo, dos. Trabajando con HDR no podremos prescindir del trípode, ya que siempre va a ser mejor opción contar con varias imágenes diferentes.

Consejos para hacer un HDR 1. Utiliza un trípode. Para poder combinar una imagen de alto rango dinámico necesitarás varias exposiciones. Lo ideal es hacer varias fotos con el mismo encuadre y distintos parámetros de exposición. En caso de que dispares en JPEG necesitarás necesariamente usar un trípode, porque de otro modo no podrás juntar las distintas fotos que saques. 2. Usa el menor valor ISO posible. Cualquier valor ISO por encima del mínimo que permita la cámara se traducirá en un mayor nivel de ruido en las fotografías resultantes. En HDR es fundamental disponer de imágenes lo más limpias posibles, ya que el ruído tiende a dispararse en la fase de tone mapping. 3. Fotografía objetos con fuertes texturas y diferencias de color. Los contrastes fuertes generan gran diversidad de luces y sombras, que es la esencia de la fotografía HDR. Al igual que ocurre con los objetos metálicos, cualquier tipo de contraste fuerte es un recurso muy agradecido a la hora de crear imágenes HDR. 4. Utiliza el modo de bracketing. Si tu cámara dispone de este modo de disparo, úsalo. Fija el valor de la apertura para conseguir la misma profundidad de campo en todas las tomas y haz varias fotos con distintos tiempos de exposición. Cuantas más fotografías tomes, más información tendrás y mejores resultados podrás obtener en el tratamiento HDR posterior.

FOTOGRAFÍA DE PAISAJE EN HDR

¿Qué es el braketing?

El bracketing u horquillado en español se trata de una técnica fotográfica que consiste en fotografíar varias veces una misma escena con diferentes valores de exposición (enfoque, velocidad de obturación o apertura del objetivo entro otros). Se puede realizar de dos formas diferentes: automática o manual. Si tenemos la suerte de disponer en nuestra cámara de bracketing automático, basta con seleccionar éste modo, encuadrar la escena y pulsar el disparador, la cámara se encargará de realizar 3 fotografías con diferentes valores de exposición. Para realizarlo de forma manual, tendremos que hacer uso del trípode, encuadrar la escena, seleccionar el valor de exposición deseado y disparar, tendremos que repetir el proceso tres veces al menos.

Algunas cámaras digitales disponen directamente de un botón u opción de menú que activa y desactiva el modo de disparo en bracketing. Al activarlo y disparar la foto, la cámara realizará una serie de fotos en las que variará automáticamente la configuración de la apertura del diafragma o de la velocidad de obturación, consiguiendo con esto distintas fotografías más claras o más oscuras, al haberlas hecho con más o menos luz.

Como el bracketing es una técnica, aunque tu cámara no disponga de esta funcionalidad, siempre se puede aplicar a mano, realizando varias fotos variando uno de estos dos parámetros, siempre y cuando dispongas de una cámara que te permita realizar estos ajustes manuales. Pero donde resulta especialmente útil la aplicación de esta técnica es en las situaciones en las que el entorno fotografiado cuenta con fuertes contrastes de luces y sombras, con los que al disponer de tomas con distintas exposiciones podremos trabajar en la fusión posterior de ciertas partes de cada imagen, obteniendo una imagen final con más información que cada una de ellas por separado.

Ten en cuenta, que si trabajas con el bracketing con el objeto de fusionar posteriormente las distintas fotos obtenidas, deberás usar necesariamente un trípode para que en el procesado las fotos encajen a la perfección. Esta técnica es útil cuando la escena a fotografiar contiene varias zonas de iluminación, unas mas claras y otras mas oscuras. Teniendo varias fotografias con diferentes valores de exposición podremos fusionar después en el ordenador las diferentes tomas para obtener una fotografía correctamente iluminada en todas sus zonas. Obtendremos por tanto una fotografía HDR.

FOTOGRAFÍA DE PAISAJE EN HDR

ACTIVIDAD 1. Cada estudiante deberá trabajar con un escenario a fotografiar, esto es muy importante antes de la producción de las fotografías pues de esta manera podrá tener más claro qué tipo de escenario es el que necesita. 2. Debe buscar los fondos, elementos y/o arquitectura que se desean fotografíar, recuerde que se trata de una imagen paisajística para una aplicación de turismos, la imagen que realice deberá responder a esto. 3. Tome las fotografías necesarias que destaquen el lugar elegido de la mejor manera. 4. Ajuste adecuadamente las opciones manulaes de la cámara fotográfica para lograr una perfecta exposición de la escena, apóyese de un trípode para que las 3 fotografías sean con el mismo encuadre y ángulo. 5. La iluminación es clave en esta técnica, se recomienda utilizar la opción de bracketing en su cámara, sino lo posee, deberá lograr las tres exposiciónes de manera manual variando únicamente la velocidad de obturación, la abertura se mantiene para respetar la prof. de campo, y mantenga el valor de ISO lo más bajo posible. 6. Muy importante para lograr un buen HDR es buscar escenas coloridas y con cielos contrastados con nubes, un día nublado sería excelente para destacar el cielo, se sugiere parques, iglesias, jardines, calles, casas, etc. 7. En el proceso digital es indispensable que trate de resaltar más los colores, contrastes y texturas, pero debe tratar de mantener la credibilidad a través de la naturalidad de la escena, pues fácilmente se puede llegar al efecto de ilustración o dibujo.

En esta ocasión los ítems a evaluar pueden variar dependiendo del docente o de los resultados del diagnóstico del alumno. Entregarán 2 fotografías: la fotografía original y la fotografía retocada.

1. Selección de la escena a fotografiar 2. Aplicación de la técnica HDR 3. Configuración de la cámara (Av, Vel, ISO y WB) BKT 4. Diseño y Composición (ángulo, encuadre, planos) 5. Autoevaluación

FOTOGRAFÍA DE PAISAJE EN HDR 75

APLICACIÓN En esta ocasión los alumnos realizaran una escena paisajística con la técnica de HDR, dicha igamen deberá realizarse con tres fotografías con diferente exposición y el modo braketing o de forma manual.

La imagen HDR resultante se realizará para una aplicación con finalidades turísticas, por ejemplo para el Ministerio de Turismo MITUR, agencias de viajes, turismo cultural, compañías de turismo, sitios web, alcaldías, organizaciones, entre otras. La aplicación debe contener el resultado de la técnica, retoque o montaje si se requiere, texto principal, eslogan, texto adicional (esto puede depender del tipo de aplicación que haga), logotipos y demás elementos del diseño. Ejemplos:

Si su firma no aparece en la lista de asistencia no se le recibirá su trabajo, al igual que su insolvencia. No olvide su hoja de evaluación. (Si no la presenta no tendrá derecho a su nota). Si no entregan el trabajo completo y en la fecha límite no se le recibirá.

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GUÍA 6

Fotografía publicitaria con modelo

FOTOGRAFÍA PUBLICITARIA

FPU

GUÍA 6

CONTENIDOS

En esta guía se podrá conocer, experimentar y aplicar las diferentes técnicas de iluminación de estudio, para crear fotografías de contenido publicitario, en esta ocasión, se utilizará como punto de interés modelos humanos. Al obtener las fotografías se elaborará un anuncio publicitario donde se colocará las partes básicas de un anuncio.

COMPETENCIAS

Realiza fotografías publicitarias de producto acompañado de modelos para crear anuncios impactantes.

MATERIALES Y EQUIPO

Es responsabilidad de cada alumno leer previamente cada una de las guías antes de asistir a las prácticas de laboratorio, así como traer los materiales y equipo que se le solicite. 1- Cámara Digital 2- Correa de colgar 3- Tarjeta de memoria vacía 4- Baterías cargadas 5- Trípode 6- Cada alumno deberá traer a la práctica el boceto de las fotografías que planea realizar y el anuncio publicitario

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7Traer a la práctica todos los materiales necesarios para la escenografía de la fotografía publicitaria. 8- Los alumnos deberán traer al laboratorio al modelo que se utilizará para la sesión fotográfica. 9Tome en cuenta los elementos necesarios para la imagen del modelo que utilizará en cuanto al vestuario, maquillaje, peinado y demás elementos. 10- Tomar 5 fotografías como mínimas que se requieren para esta práctica, con diferentes ángulos, encuadres y planos, siguiendo las indicaciones señaladas en la guía. 11- Recuerde que el producto final de esta guía, será un anuncio publicitario elaborado principalmente con imágenes que refuerzan el concepto que se ha manejado, en éste aspecto se debe retomar los aspectos y criterios publicitarios que ya se estudiaron, como son: logotipo de la marca, eslogan, distribución del espacio, etc. 12- En el boceto a presentar se debe dejar constancia de la diagramación que se ha elegido para el anuncio, tomando en cuenta los criterios publicitarios antes mencionados.

Introducción teórica

“Los desafíos que plantean en la actualidad las nuevas tecnologías destinadas a crear las piezas gráficas, donde conviven la fotografía, la palabra y el diseño gráfico, así como la valorización de la imagen fotográfica en ese contexto, incluso el social, deben ser analizados por el autor.” COMUNICACIÓN GRÁFICA A partir de los 70´s tenemos la sensación de que las imágenes fotográficas ocupan todo el espacio de los anuncios en los medios gráficos. Como reemplazo de la ilustración, la fotografía otorga más realismo a los mensajes y su estética se ubica en una línea de comunicación basada en las grandes campañas que se construyen con series de avisos sobre un mismo producto.

En las fotografías que ilustran los grandes avisos, perfumes, cervezas, vinos y los nuevos protagonistas: 77

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Los servicios, generalmente se apela a sugerir sensaciones muchas veces no vinculadas directamente al producto.

Entonces la fotografía opera como una alegoría. “Si tengo esto, puedo ser aquello”. Podríamos vincular este perfil estético a los cambios culturales, la crisis de la modernidad, el universo postmoderno donde el sujeto hace descansar sus deseos en la autonomía económica y simbólica.

Las fotografías deben significar las expresiones más pretenciosas de ser uno mismo, de seguir un estilo de vida, aunque esto implique la mayor dificultad de ser uno mismo. En el ámbito de los cambios tecnológicos, los medios digitales permiten hoy recrear la instantánea fotográfica de esos deseos “inalcanzables”.

Laideaactualesquelafotografíapuedebrindarnosunacercamientoobjetivoalostemasquequeremos comunicar. Desde esta perspectiva la fotografía publicitaria debería salir de estrechas definiciones y entenderse conceptualmente como fotografía aplicada. A partir de considerar a la fotografía como una herramienta para registrar información, la que con los medios adecuados todas las que la tecnología actual brinda, la estética y el estilo que se elija, posibiliten una mejor interpretación del mensaje a transmitir.

En la fotografía publicitaria la justificación está en la funcionalidad de la imagen para lo que puede optar a todo tipo de recursos. La originalidad, la aportación de una imagen totalmente nueva, aún a pesar del riesgo de pasar totalmente desapercibida.

La estimación de la fotografía publicitaria debe de tener presente dos supuestos conjuntamente: por un lado, la limitación creativa que supone la funcionalidad de la publicidad pero, por otro lado, también está la exigencia de originalidad para que esa funcionalidad se pueda imponer.

Por lo tanto, se puede puntualizar que su margen de creatividad puede ser amplio, aún a pesar de las restricciones de la funcionalidad.

Uno de los recursos más importantes de la fotografía publicitaria es la estética para la búsqueda de la originalidad.

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MENSAJES PUBLICITARIOS

La fotografía publicitaria está formada por dos tipos de mensajes: denotativo y connotativo. El mensaje denotativo es un mensaje tímido pero veraz, afirmando la existencia del producto que se anuncia. La denotación no admite ni mecanismos ni complejidades, pero lo cierto es que apenas existen fotografías publicitarias formuladas únicamente en base a la denotación.

En su habilidad seductora, la publicidad crea una apariencia que encubre un inventario de connotaciones, para emitir un mensaje que implica indirectamente más a las emociones que a la racionalidad. Las connotaciones también facilitan la creatividad publicitaria cuando se trata de visualizar una cualidad o atributo del producto. Las cualidades atribuidas a un producto son fácilmente visualizables por medio de las figuras publicitarias.

El primer paso para hacer atractiva la publicidad fue hacer atractivo el artículo. Los productos eran feos y vulgares. Y dado que había que introducir el artículo a vender en la fotografía publicitaria, se presionó al fabricante para elaborar bienes o empaques dignos de situarse en el ámbito artístico fotográfico. Se estimuló, entonces, el factor“belleza”del producto dirigiéndolo hacia su estética como una manera de vender y atraer clientes, pero actualmente también se ha utilizado este factor para vender imágenes y estilos de vida.

Las personas se dieron cuenta que con la utilización de la imagen humana en la publicidad se creaban ciertos tipos de reacciones que favorecían a la aceptación de los productos, y así destacar más unos de otros, de manera selectiva. Otro factor que acaparaba mucho la atención de la gente era que personajes públicos y estrellas de la televisión dieran su testimonio sobre el producto en cuestión, resaltando las bondades del mismo e invitando a la prueba y compra de éste.

En éste caso, se realizarán fotografías publicitarias con modelos para la creación de piezas publicitarias, y algo muy importante a tomar en cuenta es, que para cualquier imagen de éstas, se debe tener muy clara la idea que se desea plasmar en la fotografía, un boceto es indispensable, ya que en este tipo de imágenes la improvisación podría salir muy cara, dado que en la publicidad todo, absolutamente todo tiene su razón de ser y estar ahí, porque cada elemento en la pieza publicitaria lleva un objetivo consigo para lograr el impacto deseado en las personas.

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FOTOGRAFÍA Y PUBLICIDAD

La fotografía es muy usada en publicidad, sobre todo cuando se toman fotos para vallas, anuncios, ilustraciones en libros y otras publicaciones. Se ha recurrido a ella para inspirar e influir opiniones políticas o sociales. Además, desde la década de 1920 se ha usado mucho con la intención de impulsar y dirigir el consumo, y como un elemento más de la publicidad.

Los aficionados utilizan una amplia gama de sofisticadas técnicas para que sus imágenes sean atractivas. Y en mucho de los casos, hacen retoques en ellas para que se aproxime a la perfección que los medios y la publicidad han establecido en cuanto a la belleza humana.

Esta clase de imágenes ha tenido un fuerte impacto dentro de la cultura porque ha representado también un gran impulso en la industria gráfica junto con los avances en las técnicas de reproducción fotográfica de gran calidad.

La fotografía ha ido evolucionando con el paso del tiempo. Muchos expertos han ido descubriendo la forma más sencilla de hacer las fotografías, tomando como referencia a los antecedentes para que este tipo de arte vaya mejorando cada vez más. A pesar de su evolución, a estas alturas hay expertos que se inclinan por las fotos en blanco y negro. Cada uno de ellos le da un significado, dependiendo del tipo de mensaje que quiera dejar. Gracias al blanco y negro, los detalles se pueden observar mejor, cosas que no ocurre en la fotografía a color.

Las técnicas de iluminación son ayudan a una mejor orientación en cuanto a la luz, ya que esta tiene una gran influencia en la fotografía.

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Ejemplos de esquema de iluminación

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También es fundamental tomar en cuenta los factores nombrados anteriormente porque nos sirven como base para una exitosa sesión fotográfica. Podría decirse que la composición es uno de los métodos donde el fotógrafo expresa su mayor creatividad porque él mismo selecciona los elementos y los va ordenando se acuerdo con el mensaje que quiera expresar. Con respecto a la fotografía y publicidad, muchas modelos, actores, actrices y cantantes han sido retocados fotográficamente para que se acerquen a la teoría de la “perfección” de la belleza humana. Como una conclusión total, podemos afirmar que, sin importar la tendencia que se está utilizando, la fotografía es una forma de comunicación entre el fotógrafo y su medio. PREPARACIÓN ANTES DE UNA SESIÓN DE FOTOS (PRE-PRODUCCIÓN) ¿Estas a punto de tener una sesión fotográfica personal? Aquí unos cuantos consejos a seguir para hacer el trabajo más fácil. 1. Si es posible, estudiar a la persona, observar sus rasgos, personalidad, carácter, gestos etc. De esta manera puedes hacerte una idea de qué tipo de fotos van a funcionar. Fotos de belleza, de acción, muy preparadas y formales, relajadas y con más expresiones naturales… etc. 2. Intenta crear las fotos en la cabeza antes de llevarlas a cabo, es decir, tener ideas e intentar visualizarlas para luego poder ir al grano. Puede ser de gran ayuda ver fotos que te gusten de grandes fotógrafos, más si tienes poco tiempo para tu sesión. Internet es una fuente infinita. Lleva esquemas de poses y bastantes fotos que me aporten ideas y el modelo entienda lo que quieres más facilmente. 3. Si llevas amigos ayudantes mejor que mejor, te pueden echar una mano colocando el paraguas, reflector e incluso colaborar en las poses, maquillaje, ambientación y demás. 4. Una vez acabada la sesión, hay que mostrar la satisfacción por el trabajo realizado. Es agradable que te digan lo bien que lo has hecho así que halaga a tu modelo y a los que te han ayudado. Sobre el modelo La elección de la modelo. Es muy importante pues será la cara de tu trabajo. También puedes contar con alguien que no sea modelo pero, por la razón que sea, quieras que salga en las fotos (una amiga, un familiar...). Sea como sea, elige bien y concienzudamente. De estilismo. ¿Qué tipo de ropa y maquillaje va a usar tu modelo? Puedes buscar un estilista o un maquillador que quiera o pueda trabajar contigo. Pero también existe la opción de organizar esta parte de la sesión por ti mismo o con la modelo. En este caso, puedes empezar por preguntarle a tu modelo si tiene el tipo de ropa que necesitas para las fotos. En caso afirmativo, pídele que te mande fotografías de la ropa, para saber exactamente con qué material cuentas. El maquillaje debe ser muy apegado a tu tema o concepto e incluso coherente al vestuario, y recuerda que muchas veces la uliminación aplana muchos tonos naturales o neutros, por lo que será necesario que vayas midiendo la cantidad de maquillaje que tu modelo necesite de acuerdo con la intensidad de las luces con la que vas a trabajar.

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De asistente. Para poder dedicarte a hacer las fotos con los cinco sentidos, quizás necesitas de alguien que te ayude en otras cosas como puede ser, por ejemplo, la iluminación. Un asistente también puede ayudarte a montar el escenario (en caso de que necesites un escenario concreto para hacer tus fotos) o cualquier otra cosa que se te pueda ocurrir y con la que puedas necesitar ayuda. Aplicaciones para poses. Puedes buscar alguna aplicación para fotógrafos en la que se expliquen distintas poses para las modelos. Esto te puede servir de inspiración y, como en el caso anterior, de apoyo el día de la sesión. Mientras la modelo se viste, se maquilla o se prepara en general antes de tomar las fotos, puedes echarle un ojo a la aplicación o a las fotos de modelos que tengas en tu teléfono. Lleva esquemas de iluminación en la mente de acuerdo a tu objetivo o temática, para que el trabajo sea más rápido y fluido y tengas suficiente tiempo para hacer las pruebas de iluminación. TRATO CON EL MODELO Es el último punto, pero no por ello el menos importante. La manera que tengas de tratar un modelo determinará en gran medida el resultado final de la sesión de fotos. Seguramente, cuando empieces a realizar retratos no tendrás mucha soltura en la dirección de modelos. Lo más importante que debes saber: • El modelo no se toca. Lo ideal es que mantengas un clima profesional, de confianza y de respeto. Así que evita tocar físicamente el/la modelo. Si quieres arreglar un mechón de pelo que se ha descolocado o quitar una arruga que se ha formado en alguna prenda de ropa, pídeselo al modelo o, si dispones de un asistente y/o estilista, a ellos. • Órdenes claras y sencillas. “Pon el brazo así”, “mira a ese punto”. Esas instrucciones son las mejores: ayudarán al modelo a saber lo que quieres y a realizarlo de manera rápida. Si usas tu propio cuerpo como ejemplo para enseñar lo que esperas de tu retratado, mejor aún. • Sé agradable. Como en todos los aspectos de la vida: muy importante. Te ayudará a crear el clima de confianza y respeto que mencionábamos anteriormente. Preocúpate de sus necesidades: si tiene sed o calor, si está cómodo... Y ayúdale en todo lo que puedas. • Habla con tu modelo. es importante romper el hielo y crear un ambiente de confianza, haz que hable, sonría, muchas veces es apropiado una música suave en el entorno para evitar ese molesto silencio. • Enseñaalgunasfotos. Notodas, sólolasmejores. Aquellasquevayanamotivarleaseguirtrabajando. Te ayudará a transmitir seguridad en tu trabajo y a enseñar que todo está saliendo correctamente.

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Procedimiento 1. Montar su ambientación o escenario. 2. Realizar el White Balance personalizado según el tipo de luz bajo la cual trabajará. 3. Se tomarán diferentes ángulos de productos de uso personal, por ejemplo: Perfumes, Accesorios, Shampoo, Joyería o Fijadores de cabello, vestuario (nuevo), licores, etc. Debe quedar claro que no es una toma de modas y que no se aceptaran productos de vestir. 4. Es necesario aclarar que los productos deben verse como nuevos o en el mejor de los casos, estar nuevos, con respecto a los perfumes y shampoos, si es joyería, es recomendable que no se vea rayada ni opaca, sino vistosa y brillante. 5. Es obligatorio que en esta composición, se realice utilizando el producto con un modelo de acuerdo a las características del producto, no será válido usar como modelos a sus propios compañeros o compañeras. 6. No se aceptarán escenas explícitas o indecorosas, bajo ninguna razón se permitirán productos de imitación, tampoco deberá estar a medio uso o perceptiblemente deteriorados. 7. Tomar una serie de 10 fotografías como mínimo con diferentes ángulos, tipos de iluminación combinaciones de velocidad, abertura o ISO. 8. Las aberturas, velocidades, ISO, iluminación se trabajarán de acuerdo con la idea de cada alumno, según éste estime conveniente, para lograr su objetivo.

Primera parte “Producción” Fotografía publicitaria con modelos: 9. La práctica se realizará en dos sesiones, la mitad del grupo tomará sus fotos en la primera semana y el resto de alumnos, la semana sigueinte, se elaborará en el estudio de iluminación. 10. Los alumnos son los responsables de la ambientación y la escenografía requerida para cada composición. 11. Cada alumno es responsable de traer su material de trabajo ( producto, ambientación y accesorios). 12. Antes de la práctica elabore un boceto, entregarlo el día de laprácticaparaevitarimprovisaciones y dejar constancia de la planificación de su trabajo. 13. En el laboratorio deberá elegir el fondo con el cual trabajará, montar y ambientar su escenario para la toma de fotografías. 14. Evalúe el tipo de iluminación más idónea para utilizar en la toma de fotografías. 15. Se tomarán diferentes ángulos, encuadres y planos del modelo y también del producto al cual responde el anuncio publicitario. 16. Recuerde: Aplicar su creatividad No se permite improvisar, composición ni el desarrollo de su trabajo ni utilizar los mismos materiales que sus compañeros. Su trabajo es individual. 17. Las aberturas, velocidades, ISO, iluminación se trabajarán de acuerdo con la idea de cada alumno, según éste estime conveniente, para lograr su objetivo.

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Segunda parte “Aplicación” 1- Deberá traer a la práctica una serie de fotografías y sus fichas técnicas con el objetivo que el instructor le ayude a elegir la mejor fotografía para trabajar en ella esto se realizará individualmente. 2- Una vez elegida la fotografía, debe darle retoque digital correctivo, aplicar efectos y crear un anuncio publicitario que vaya acorde al tipo de producto que se eligió fotografiar. 3- El anuncio publicitario se realizará en casa con las fotografías tomadas en el laboratorio, bocetos y concepto ya establecido. El programa a utilizar para la elaboración del anuncio queda a consideración de cada alumno.

Entrega de trabajos Tercera parte “Presentación” • Las 4 fotografías de la sesión, más el anuncio publicitario y su boceto, deberán subirse a un portal de fotos en internet, se sugiere flickr, donde tiene que crear su usuario y armar ahí su álbum fotográfico, este portal permite que automáticamente se pueda visualizar la ficha técnica de cada una de las imágenes. • Agregarle a cada fotografía un título de acuerdo al ejercicio que se realizó, especificando la guía a la que pertenece y un pequeño racional/descripción por cada una.

Investigación complementaria - La iluminación en la fotografía. Child, John. Galer, Mark. Editorial ANAYA. España 2005. - Avanza Fotografía Digital. Stone, David. 2003. - El ABC de la fotografía. 2007 1. Manual completo de fotografía. Editorial Blume. Barcelona, España. 2005. 2. Cómo hacer buenas fotografías. Editorial Libsa. Barcelona, España. 2001. 3. El placer de fotografiar. Eastman Kodak Company. Editorial Folio. Barcelona, España. 1980. www.fotonostra.com www.dzoom.com

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GUÍA 7 Fotografía de tendencias

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FP U

CONTENIDOS

En esta guía, el estudiante podrá conocer, experimentar y aplicar las técnicas de fotografía de retrato al área de modas, para ello seleccionará una tendencia de moda a la cual adaptará su trabajo y así, planificará, buscará el vestuario, accesorios correspondientes, la fotografía será utilizada como portada de revista acorde a una tendencia actual de la moda.

COMPETENCIAS

Sabe producir una fotografía de modas, a partir de la selección del modelo, vestuario, maquillaje profesional y adecuada escenografía e iluminación.

MATERIALES Y EQUIPO

Es responsabilidad de cada alumno leer previamente cada una de las guías antes de asistir a las prácticas de laboratorio, así como traer los materiales y equipo que se le solicite.

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Cámara Digital Correa de colgar Tarjeta de memoria vacía Baterías cargadas Trípode Cada alumno deberá traer a la práctica el boceto de las fotografías y el concepto que planea realizar y el afiche a presentar

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7Traer a la práctica todos los materiales necesarios para la escenografía y los accesorios de la fotografía de modas que se desea obtener. 8Los alumnos deberán traer al laboratorio a la persona que utilizará como modelo para la sesión fotográfica. 9Tome en cuenta los elementos necesarios para la imagen del modelo en cuanto al vestuario, maquillaje, peinado y demás elementos de acuerdo a la tendencia de moda que eligió trabajar. 10- Tomar 5 fotografías como mínimas que se requieren para esta práctica, con diferentes ángulos, encuadres y planos, siguiendo las indicaciones señaladas en la guía. 11- Recuerde que el producto final de esta guía, será una portada de revista elaborado principalmente con imágenes que refuerzan el concepto que se ha manejado, en éste aspecto se debe retomar los aspectos y criterios de moda de la década que trabaje. 12- Puede retomar una revista ya existente que esté de acuerdo con la tendencia que eligió o bien, crear una revista nueva con una imagen gráfica desarrollada por usted mismo, si es así debe presentar racional del concepto. 13- En el boceto final a presentar se debe dejar constancia de la diagramación que se ha elegido para la portada de revista, tomando en cuenta los criterios antes mencionados.

Introducción teórica

EL MUNDO DE LA MODA

Durante el siglo XX se produjeron los cambios más importantes y radicales en la moda. En los primeros años, el vestuario masculino se hizo más informal, aunque apenas evolucionó. Las mayores transformaciones se dieron en el vestuario femenino: las faldas se volvieron más ligeras, en forma de tubo y normalmente por encima de las rodillas, hasta que en 1925 apareció la gran revolución: la falda corta. Con ella surgió un nuevo tipo de mujer; además, favoreció el desarrollo de las medias (primero de seda y después de otros tejidos) y también de los zapatos de tacón. La moda fue consiguiendo poco a poco mayores libertades, y comenzaron a aparecer los grandes diseñadores, que creaban líneas nuevas para cada temporada, como los famosos Dior, Balenciaga, Chanel o Yves Saint Laurent. Durante la década de 1960 se sucedieron las novedades: en 1965, Mary Quant creó la minifalda, y comenzaron a usarse los primeros tejidos artificiales.

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Actualmente, existen muy diversas tendencias, y abundan los tejidos artificiales para distintas funciones. EL MODELO Y LA CÁMARA FOTOGRÁFICA

Al realizar una sesión fotográfica, algunas personas tratan de “salir bien” y terminan con poses rígidas y poco naturales. Comprobará que el modelo estará más relajado conforme se vaya acostumbrando a la cámara. Para conseguir un buen retrato se necesita sacar muchas fotos. Cualquier persona está más a gusto, cuando tiene la atención concentrada en alguna actividad. Es conveniente sacar las fotografías desde distintos ángulos para encontrar el mejor.

Una persona de rostro alargado, deberá fotografiarse de abajo a arriba (el ángulo contrario acentuaría esa particularidad física). Un rostro redondo jamás ha de captarse de frente, sino de perfil. Si el modelo está sentado frente a nosotros con un brazo o una pierna muy cerca de la cámara, el brazo o la pierna resultarán desproporcionados. VESTUARIO

La manera de vestir es la forma como nos comunicamos con el mundo de una manera no verbal. Antes de cruzar palabras, la manera de vestir envía un claro mensaje sobre quién somos o lo que queremos ser en un determinado momento. Entonces, se puede decir que la ropa es nuestra segunda piel, la cara que nos ponemos para el mundo que nos rodea. La tendencia general de moda es proverbialmente variable, un medio divertido para reinventar y expresar la alegría de vivir. Pero, desde que Chanel evocó al espíritu de la mujer emancipada con trajes de corte exquisito creando toda una imagen de marca alrededor del mismo, los diseñadores junto con sus vestidos han vendido siempre el concepto de un estilo de vida. Aprovechando esta idea a la inversa, los detallistas como Gap y Muji aprovecharon de lleno el potencial de la función y de la simplicidad. El hábito hace al monje, o el vestido identifica a la persona. Si la ropa está en contacto directo con nuestro cuerpo, de modo físico e inmediato.

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MENSAJES PUBLICITARIOS La moda enaltece muchos de los conceptos claves del diseño. La alta costura se cultiva paralelamente al mercado de masas del centro comercial, cada uno encerrado en su propia sinergia de influencias.

La moda es artesanía, e industria, excéntrica y corriente, variable y cíclica, que actúa como un conductor iluminador de la tendencia del momento. No hay nada que dure menos o que se repita más; y esto es justo por lo que se diseña. La moda bien definida es, efímera, pero nos ofrece una posibilidad irresistible de participar en la cultura. Además, proporciona trabajo a diseñadores, fabricantes, comerciantes y fotógrafos profesionales. EL FONDO DEL RETRATO Es muy importante escoger y elegir con cuidado el fondo de la imagen, tanto si se trabaja en estudio, como si se hace en casa del sujeto. En el retrato no deben aparecer elementos que disturben o líneas que atraviesen la fotografía. El fondo debe ser neutro, para que no se confunda el motivo principal. En las fotografías se recomienda, fondos monocromáticos. El individuo no debe permanecer muy cerca del fondo para evitar que se formen sombras innecesarias y violentas.

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TENDENCIAS

VINTAGE:

Las creaciones vintage intentan recrear o imitar productos antiguos que siguen siendo valorados. Otros productos vintage son verdaderamente añejos (como vestidos de colecciones de años anteriores, zapatillas de segunda mano, shorts de talle alto, vestidos ceñidos a la cintura (tipo pin- up), faldas estampadas, etc.). En este sentido, el vintaje favorece el reciclaje ya que productos que se suponían pasados de moda vuelven al presente sin que se descarten.

Quienes apelan al vintage suelen conservar objetos antiguos ya que, por cuestiones de las tendencias, pueden revalorizarse en cualquier momento.

Algunos complementos vintage pueden ser: zapatos de cordones, gafas estilo retro, joyas y bolsos antiguos... En resumen que la moda vintage es llevar algo viejo, combinado siempre con algo nuevo.

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En cuanto a la ropa y la moda, una prenda vintage es una que sigue el estilo de los años 20 hasta los 80 (1920-1980). La palabra vintage puede hacer referencia tanto al modelo como al estilo o la edad de los objetos o prendas de vestir. Los objetos y ropas con este estilo usan viejos patrones y materiales antiguos. En cuanto a la ropa, suele ser formal y elegante; se incluyen los vestidos con muchos detalles y diseños; con cortes y longitudes muy modestas en comparación con la ropa moderna. La ropa vintage tiene proporciones más pequeñas y es considerada como original y auténtica en cuanto a términos de inspiración y diseños se refiere

MODA RETRO Retro es el más usado como adjetivo, y, a menudo significa simplemente “pasado de moda” o viejo (que funciona muy parecido a los términos “eterno”o“clásico”). Un término relacionado con lo vintage, es retro. Retro es un estilo que se refiere a los diseños y tendencias de moda anteriores. También se conoce como “inspiración vintage”. Lo retro es diferente a los vintage con respecto a la apariencia y lo material. La ropa retro tiene una apariencia más moderna y pulida, es decir; que para elaborar las prendas de vestir se inspiran en los estilos y diseños viejos, pero se utilizan materiales nuevos o contemporáneos. Retro es sobretodo, prestado, reproducido y diseño imitado. Moda retro data de c. 1940-1990. Moda Retro es un estilo de ropa que consiste en el uso de ropa de uso común en el pasado. Esta forma de la ropa a menudo incluye prendas y accesorios que son característicos de esos momentos, y muchas personas las utilizan de una manera exagerada y en combinación con la ropa actual.

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Moda retro data de c. 1940-1990. Moda Retro es un estilo de ropa que consiste en el uso de ropa de uso común en el pasado. Esta forma de la ropa a menudo incluye prendas y accesorios que son característicos de esos momentos, y muchas personas las utilizan de una manera exagerada y en combinación con la ropa actual. Ejemplos de ello son los bolsos de cuero de la década de 1950, “pantalones de campana”, faldas del caniche, grandes gafas de sol, sombreros de ala, chaquetas de funky (comúnmente Adidas Clásicos) y zapatos, corbatas, pañuelos pequeños gasa, material de deporte, pantalones vaqueros flacos [cita requerida], etc. El maquillaje también puede desempeñar un papel en las modas retro femenino, con los puntos focales de ser los ojos fuertemente alineados y el lápiz labial de color rojo brillante; peinados como copetes, colas de caballo, y "ducktails" podrán adoptarse, así como los estilos que las estrellas de cine modelo de los años 1940 y 1950.

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CLÁSICA

Uno de los grandes referentes de la década en cuanto a la moda fue el diseñador Christian Dior, quien impuso el llamado “New Look”, con el clásico traje de falda y chaqueta al cuerpo. También, Chanel marcó su regreso con las polleras angostas, su nuevo traje de chaqueta ribeteada y los bolsos con cadenas. Durante los años 50, la moda estuvo también influenciada por los artistas y personajes famosos del momento como Elvis Presley, Marlon Brando, Marilyn Monroe y Brigette Bardot.

Los peinados de la época oscilaban entre las imitaciones al look Elizabeth Taylor, más bien corto y algo ondulado y los arreglos recogidos y con flequillo, más usual en las adolescentes. Los sombreros y moños, característicos de los 40, iban perdiendo protagonismo. Modelos propios de esta década son los vestidos hasta la rodilla, de hombros anchos y cinturas bien sujetadas, tipo“avispa”, que pretendían dejar a la vista las curvas armoniosas de la mujer. De manera paralela al Glamour ostentado por las mujeres, hace incursión también en esta década una moda juvenil, de carácter callejero denominada “Beatnik”, la cual estuvo caracterizada por un estilo desalineado que respondía a las influencias rockeras de aristas americanos. Vestidos ceñidos a la cintura, sujetadores armados, faldas por debajo de la rodilla. La mujer quiere volver a ser sensual, quiere dejar en manifiesto sus curvas, pero sin ser muy provocativa. Ante todo está el recato y el buen gusto. La mujer debía ir siempre correctamente maquillada, y comenzaron a valorizarse mucho el uso de accesorios: guantes, tocados, los bolsos eran el complemento indispensable de todo atuendo.

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BOHEMIO/HIPPIE

La contracultura Bohemia nace en Estados Unidos durante la década de los 60, marcando una época con una línea de pensamiento y política que apoyaba la revolución sexual y el amor libre entre otras premisas. Aunque actualmente su influencia social corresponde sobretodo a los 60 y 70, los Hippies bohemios dejaron algunos legados importantes como su filosofía de amor y respecto por el prójimo y la naturaleza, y claro su vestimenta que ha sido adaptada al nuevo siglo.

Lo primero, antes de hablar de cualquier tipo de prenda, es que no puedes temerle a los colores, el estilo hippie se caracteriza por ser colorido, por el uso de accesorios y por la alegría en su vestimenta, también por el uso de elementos que evocan a la naturaleza. Usa pantalones de bota ancha, no tienen que ser necesariamente campana, los que marcaron tendencia durante los 60 y 70, pero si debes considerar una bota algo amplia. Los pantalones corte recto con bota ancha son un perfecto ejemplo de este tipo de moda.

Losvestidosofaldaslargashastalospies, con estampados coloridos y divertidos, son también un elemento clave en el estilo Hippie bohemio. Además las prendas de este tipo de moda no suelen ser ceñidas al cuerpo, permiten distinguir bien las formas pero se basan en el uso de vuelos y telas sueltas que permitan la libertad de movimiento.

Las camisas, un poco ceñidas en el área del busto para las chicas y luego sueltas, con telas suaves que permitan el movimiento, son distintivas de la moda Hippie, para los chicos camisetas sencillas, con cualquier estampado que recuerde a la época, como alguna banda de rock o algún símbolo estará bien.

Los accesorios son una clave fundamental para vestirte como un hippie, las gafas grandes se adaptan a chicos y chicas, pero es en este punto donde ellas pueden jugar más. Tiras para el cabello, collares largos, pulseras gruesas en estampados variados y grandes bolsos son parte importante de la moda Hippie bohemio y completarán de forma exitosa tu atuendo.

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MINIMALISTA La moda conlleva cierto imaginario de estatus aspiracional, esto es, lo que deseamos ser o tener. Sabemos que la imagen en la sociedad tiene un valor simbólico de pertenencia. Para derribar el mito, podría afirmarse que la moda sólo es necesaria en cuanto creemos que lo es. Las preguntas acertadas serían: ¿qué necesitamos? y ¿para qué? Y la respuesta es muy simple: necesitamos lo mínimo y básico. Este tipo de indumentaria minimalista, conlleva cierta austeridad porque depura los diseños hacia sus líneas más simples y geométricas, en colores puros, con nulo desarrollo de accesorios y tampoco inscripciones en sus telas. Un pantalón negro recto y hasta un poco ceñido le gana a cualquier otro que sea capri, cargo o babucha. Lo ideal es que la tela tenga caída. Luego, el ingrediente exacto es saber usarlo con un buen calzado que otorgue cierta altura y un cinturón fino. Otra prenda que tiene aires de minimalismo y sencillez es el blazer. Da con el objetivo cuando precisamos armar un equipo prolijo y elegante. Una magnifica apuesta son las botas de montar o caña alta en tonalidades de color marrón. Ellas visibilizan las piernas y dan un cierto charme irresistible. Las destaca aún más combinarlas con prendas en la gama del beige, verde inglés, gris melange, bordó y rojo. Un detalle importante es conocer sobre telas y su calidad porque al elegirlas también invertimos en su duración: el cashmere, la angora, la lana merino, el lino y el algodón prima son texturas que perduran. El sello de lo simple es llevar en el cuerpo sólo un accesorio para darle protagonismo. Un reloj, una pulsera, un anillo, aros, un dije, algo especial que elijamos e irradie un poco lo que somos. No te olvides: la sutileza es la dama de compañía del minimalismo.

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HIPSTER

Los hipster destacan por huir de las marcas y de las modas. A los hipster les encantan los pantalones super ajustados (skinny o de pitillo) y si llegan por encima del tobillo y puedes enseñar los calcetines mejor. Les encantan los calcetines de colores, de rallitas o de topitos. Las chicas hipster también llevan pantalones muy altos de cintura.

También les encanta llevar ropa mal combinada y con muchas capas. Aunque parezca que no quede bien se pasan tiempo decidiendo cómo “no combinar” la ropa para que quede“combinablemente hipster”. Las chicas hipster llevan mucho vestidos primaverales floreados y los combinan con cinturones vintages. Y si es invierno se ponen unos leggings debajo y una chaqueta de punto encima o un gran jersey de lana.

Usa camisetas irónicas. Los rebeldes les encanta mostrar su ironía. Esto generalmente viene en forma nostalgia de los 80 o 90, con dibujos animados antiguos, comedias canceladas, juegos de vídeo, o cualquier cosa que pudiera interpretarse como una referencia de la cultura popular de ese período de tiempo.

Gafas: a los hipster les encantan las gafas y cuánto más grandes mejor. Muchos de ellos no las necesitan pero dan un toque muy cool entre ellos. Bolsos: Si quieres ser un hipster de verdad olvídate de las mochilas y de los bolsos que se llevan en la mano o se cuelgan de un hombro. Los bolsos hipster por excelencia son los que van cruzados por delante y los llevan tanto hombres como mujeres. Los gorros, sombrero, pajaritas, tirantes.. también son complementos 100% hipster. Zapatos cómodos ante todo: Los hombres se reconocen por sus Reeboks clásicos, , o los populares . A las mujeres las verás con botas vaqueras, una gran variedad de flats o sandalias cómodas. Cabello largo y despreocupado: Si hay algo que distingue a los hispeters es que su cabello luce totalmente natural y despreocupado, aunque hayan invertido cientos de dólares en un moderno corte. Muchos hombres van por la vida con abundantes barbas, mientras las mujeres tienden a llevar su cabello recogido en un chongo o suelto.

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PIN UP Se tiene conocimiento de la existencia del movimiento pin-up desde 1920, momento en el cual un determinado número de mujeres rompieron todos los esquemas sociales existentes. En los años 20, el movimiento pin-up se comienza a incorporar dibujos de pared en algunas publicaciones y debido a esto fue que se les llamo pin up, Pin de “Pinchar” y Up de “Arriba”, es decir, que eran “imágenes colgadas”aunque no tuvo esta denominación hasta los comienzos de los años 40’s.

Pero estas imágenes no estaban ya solo en calendarios sino también en revistas que se les enviaban a las tropas americanas y allí aparecían vestidas con uniformes militares, y también los ejércitos solían pintarlas en las cubiertas de tanques, camiones y aviones militares, Este es el arte conocido como Nose art. Las pin-up destacan por su estilo sesentero y provocador.

Recuerda que es muy sugerente, pretende llamar a lo erótico pero sin excederse. Normalmente las pin-up se caracterizan por sus vestidos ajustados. Suelen ser cortos, que marquen mucho los pechos (pueden ayudarse de un corsé que realce su figura). Además, suelen destacar sus caderas también con los vestidos y corsés. Escotes: Las chicas pin up solían utilizar escotes en forma de corazón y con hombros descubiertos, ya que esto les proporcionaba una apariencia más voluptuosa, lo cual era ideal en la fotografía. Faldas o pantalones de talle alto: Siempre se les ve con faldas estrechas o sueltas o pantalones entubados de talle alto. Este tipo de prendas al calzarse por encima de la cintura, marca el busto, crea la sensación de una cintura más pequeña y modelando el trasero, que era la figura esencial de estas chicas. Zapatos de tacón y medias de liguero: Las chicas pin up solían siempre usar zapatos de tacón alto, puntilla en la parte final del pie. En cuanto a las medias de liguero las chicas pin up de los años 40 y 50 las sugerían, o directamente las mostraban, a través de su vestidos en posiciones, actitudes y con gestos provocativos.

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En cuanto al peinado, es muy cuidado y rizado, con tendencia a los años cincuenta. Suelen llevarlo con grandes rizos y ondulaciones, a lo Betty Page con un flequillo recto y corto. Además, adornan su cabello con varios complementos, desde pañuelos, broches, etc. Un gran moño también es típico de las pin-up. Por otro lado, destaca una piel pálida y muy maquillada. Pero este maquillaje debe ser sutil. Las pin-up cuidan mucho su piel debido a los orígenes en el modelaje de este estilo. Utilizan maquillaje de tonos claros que les de un toque de palidez pero sin llegar a ser excesiva.

Un elemento importante en la estética pin-up son los ojos, puesto que son fundamentales en el juego de la seducción. Suelen utilizar eye-liners negros y de gran grosor para la raya del ojo y alargan por el rabillo acabando con un decorado seductor y creativo. En cuanto a la sombra, utilizan de colores llamativos pero sobrios, purpurina y brillos que hagansexysucaídadeojos. Muchasdeellasutilizan pestañas postizas para resaltar su mirada. Aunque parezca mentira, unas cejas bien cuidadas son algo muy esencial en la estética pin-up. Cuanto más oscuras y definidas mejor, por lo que las rellenaban con maquillaje. No las suelen dejar muy finas.

TOMBOY

Tomboy se define como una mujer que gusta de vestirse “como un chico a la moda”, tambien como la TomBOY tiene preferencias que se solían adjudicar al genero masculino, pero con la contemporaneidad del mundo se han desligado del machismo, la TomBOY se acepta a si misma como mujer y establece la diferencia entre sexo y género.

Engloba muchísimas prendas que puedes tener en casa: camisetas anchas, sudaderas, camisas XXL, blazers... Eso sí, la pieza clave para ser una auténtica tomboy son los jeans ‘boyfriend’. Para tus pies puedes optar por zapatillas, bailarinas, oxfords, stilettos... Ningún calzado se sentirá discriminado a pesar de ser una tendencia bastante masculina. Prendas no muy elaboradas de cortes rectos, simples y simétricos; algunos ven que aporta fuerza al vestuario, característicos de este género como corbatas, sombreros, chalecos, camisas de corte masculino y hasta bóxers, incluso se considera tomby a las prendas de cortes rockeros y chaquetas de cuero, pero agregándole un toque muy femenino como tacones, sandalias, un collar llamativo, unos jeans muy ajustados e incluso solo un buen peinado muy femenino.

Camisas de corte militar, pantalones de pinzas, chaquetas abrigos con grandes solapas y boinas son algunas de las prendas que configuraban su minimalista vestuario. En la parte de arriba, lo más destacado son las camisetas básicas y las camisas algo holgadas.

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Un consejo para afeminar la tendencia: haz un dobladillo en el pantalón para que se vean tus tobillos.

NAIF

Naif proviene de la palabra francesa ‘naïve’ que significa ingenuo. En realidad el ahora tan visto estilo naif proviene de una corriente artística que se caracterizaba por el uso libre del contraste y el color, la ingenuidad y espontaneidad.

Feminidad e inocencia son los denominadores de la tendencia de moda naif, aunque no se excluyen la sensualidad y atrevimiento en este estilo. El propósito fundamental es dar una apariencia de dulzura e inocencia.

Los componentes básicos de un outfit con este estilo son las prendas con encaje, las transparencias, el satín, cuellos de babero, blusas románticas, vestidos de algodón, estampados y accesorios vintage, flats, zapatos oxford, diademas, calcetines y una paleta de colores casi siempre en colores pastel o tenues.

Las prendas de seda son favoritas del estilo, lo que da oportunidad de lucir lencería sensual debajo sin caer en el mal gusto. Las pantimedias también son comunes, de preferencia que combinen cromáticamente con el calzado y que no contrasten.

El cabello en el estilo naif, debe mantenerse simple, a veces hasta poco arreglado, la idea es darle un aire natural, poco producido y casual. El cabello lacio, poco desordenado basta para un look naif. El maquillaje debe ser ligero, base y corrector, tonos de lipstick rosas o muy naturales, un delineado discreto en ojos y ya está completo el look.

El maquillaje por su parte debe ser muy ligero. Pues llevar una base delgada, labial rosa un poco de corrector de ojeras para completar el look.

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PREPPY

El preppy es un estilo que tiene su origen en la forma de vestir de los alumnos de elite de las preparatorias norteamericanas. Aunque tuvo su mayor auge a finales de los 70 y principios de los 80, en la actualidad está muy de moda.Es un estilo bastante clásico, pulcro y sobre todo muy cómodo gracias a sus toques deportivos. Su espíritu es la elegancia de vestir con comodidad pero también denotar pertenencia a una clase social distinguida que se preocupa por la buena apariencia. El preppy es pulcro y conservador.

Muchos diseños del preppy están inspirados en la náutica, por lo que son exponentes del estilo las rayas marineras, los colores pastel y verde lima, además de los clásicos blanco, amarillo y rosa. Vaqueros en tonos neutros, camisas claras, suéters a rombos, chalecos, camisetas de rugby, vestidos camiseros y zapatos de cordones, son algunas de las típicas piezas del preppy. Un atuendo común de un hombre asiduo a este look es un jersey amarrado a los hombros, una camisa pastel, bermudas, mocasines y gafas de sol. También es común sumar al atuendo accesorios comopañuelosobufandasdeescuelasbritánicas.

En cuanto a la mujer, el preppy les sienta como traje de “niña buena”, lo cual puede ser muy clásico y a la vez muy sensual. Es así que para las fanáticas de esta moda va muy bien una falda de tipo colegiala abotonada, con camisa blanca y blazer entallado; en los pies, bailarinas o tacones. Otra opción puede ser una camiseta marinera, con chaqueta, pantalón beige, tipo náutico y zapatos de punta redonda.

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Algunos accesorios son: Bolsas, todas las preppys tienen una bolsa con sus iniciales, diademas que no llamen tanto la atención algo sencillo, a rayas o de un solo color. Un cinturón de listón un cinturón a cuadros, joyería, el cabello siempre limpio y no enredado. Es esencial que el cabello este bien cuidado y brilloso. Peinado simple, o natural. Los accesorios que puedes utilizar son: diademas en un color brillante, o sofisticado. Si tienes cabello rizado, el usar una diadema es una muy buena idea, un clip para el cabello, tu cabello debe de estar perfecto y verse natural. El maquillaje perfecto, cejas perfectas, colores pasteles o neutros, es un maquillaje es más elegante y mas natural, poco rubor. No uses nada ni muy oscuro ni muy brillante; usa colores ligeros, y de tonos rosas. PREPARACIÓN ANTES DE UNA SESIÓN DE FOTOS (PRE-PRODUCCIÓN) ¿Estas a punto de tener una sesión fotográfica personal? Aquí unos cuantos consejos a seguir para hacer el trabajo más fácil. 1. Si es posible, estudiar a la persona, observar sus rasgos, personalidad, carácter, gestos etc. De esta manera puedes hacerte una idea de qué tipo de fotos van a funcionar. Fotos de belleza, de acción, muy preparadas y formales, relajadas y con más expresiones naturales, entre otros. 2. Intenta crear las fotos en la cabeza antes de llevarlas a cabo, es decir, tener ideas e intentar visualizarlas para luego poder ir al grano. Puede ser de gran ayuda ver fotos que te gusten de grandes fotógrafos, más si tienes poco tiempo para tu sesión. Internet es una fuente infinita. Lleva esquemas de poses y bastantes fotos que me aporten ideas y el modelo entienda lo que quieres más facilmente. 3. Si llevas amigos ayudantes mejor que mejor, te pueden echar una mano colocando el paraguas, reflector e incluso colaborar en las poses, maquillaje, ambientación y demás. 4. Una vez acabada la sesión, hay que mostrar la satisfacción por el trabajo realizado. Es agradable que te digan lo bien que lo has hecho así que halaga a tu modelo y a los que te han ayudado. Sobre el modelo La elección de la modelo. Es muy importante pues será la cara de tu trabajo. También puedes contar con alguien que no sea modelo pero, por la razón que sea, quieras que salga en las fotos (una amiga, un familiar...). Sea como sea, elige bien y concienzudamente. De estilismo. ¿Qué tipo de ropa y maquillaje va a usar tu modelo? Puedes buscar un estilista o un maquillador que quiera o pueda trabajar contigo. Pero también existe la opción de organizar esta parte de la sesión por ti mismo o con la modelo.

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En este caso, puedes empezar por preguntarle a tu modelo si tiene el tipo de ropa que necesitas para las fotos. En caso afirmativo, pídele que te mande fotografías de la ropa, para saber exactamente con qué material cuentas. El maquillaje debe ser muy apegado a tu tema o concepto e incluso coherente al vestuario, y recuerda que muchas veces la uliminación aplana muchos tonos naturales o neutros, por lo que será necesario que vayas midiendo la cantidad de maquillaje que tu modelo necesite de acuerdo con la intensidad de las luces con la que vas a trabajar. De asistente. Para poder dedicarte a hacer las fotos con los cinco sentidos, quizás necesitas de alguien que te ayude en otras cosas como puede ser, por ejemplo, la iluminación. Un asistente también puede ayudarte a montar el escenario (en caso de que necesites un escenario concreto para hacer tus fotos) o cualquier otra cosa que se te pueda ocurrir y con la que puedas necesitar ayuda. Aplicaciones para poses. Puedes buscar alguna aplicación para fotógrafos en la que se expliquen distintas poses para las modelos. Esto te puede servir de inspiración y, como en el caso anterior, de apoyo el día de la sesión. Mientras la modelo se viste, se maquilla o se prepara en general antes de tomar las fotos, puedes echarle un ojo a la aplicación o a las fotos de modelos que tengas en tu teléfono. Lleva esquemas de iluminación en la mente de acuerdo a tu objetivo o temática, para que el trabajo sea más rápido y fluido y tengas suficiente tiempo para hacer las pruebas de iluminación. TRATO CON EL MODELO

Es el último punto, pero no por ello el menos importante. La manera que tengas de tratar un modelo determinará en gran medida el resultado final de la sesión de fotos. Seguramente, cuando empieces a realizar retratos no tendrás mucha soltura en la dirección de modelos. Lo más importante que debes saber: •

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Ejemplos de aplicación

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Procedimiento Antes de hacer la práctica, lea cuidadosamente las explicaciones y sugerencias de la parte teórica. La guía se desarrollará en dos partes 1) Se producirá una foto de modas según la tendencia que tendrá que trabajar, en la cual se creará una escena con los elementos necesarios: maquillaje profesional para fotografía, vestuario según la tendencia seleccionada. 2) No utilizar ropa que se note demasiada usada o gastada. Ni tampoco la ropa que traen para venir a clases, se sugiere gestionar el vestuario con un modista, boutique o almacén. Con la finalidad de que ustedes mismos aprendan como negociar un préstamo de servicios y sin la necesidad de gastar en comprar lo solicitado, es decir, pueden conseguir en calidad de préstamo la ropa tal y como lo hacen los noticieros o programas producidos con bajos presupuestos. 3) El escenario es importante, por tanto, crearán su propio escenario, que responda a la tendencia de la moda a recrear. 4) Los modelos deben ser personas externas a nuestro ambiente universitario preferiblemente. 5) Recuerde que para la conceptualización de la fotografía que se desea realizar, es muy importante la investigación y fundamentación de las ideas propuestas, esta parte será supervisada y evaluada especialmente por del docente.

Entrega de trabajos Primera parte Fotografía de modas: 1. La práctica se realizará en dos partes, la mitad de este grupo trabajará la primera semana y el resto de estudiantes, la próxima semana, esta práctica se elaborará en el estudio de iluminación. 2. Los alumnos son los responsables de la ambientación, accesorios y la escenografía requerida para cada composición. 3. Cada alumno es responsable de traer su material de trabajo. 4. Antes de la práctica elabore un boceto final, éste lo debe entregar el día de la práctica para evitar improvisaciones y dejar constancia de la planificación de su trabajo. Se recomienda traer fotografías de referencia sobre el producto final esperado. 5. En el laboratorio debe elegir el fondo con el cual trabajará, montar y ambientar su escenario para la toma de fotografías. 6. Evalúe el tipo de iluminación que utilizará para la toma de fotografías. 7. Recuerde ser creativo use diferentes encuadres, planos y ángulos. No se permite improvisar, composición ni el desarrollo de su trabajo ni utilizar los mismos materiales que sus compañeros. 8. Las aberturas, velocidades, ISO, iluminación se trabajarán de acuerdo con la idea de cada alumno, según éste estime conveniente, para lograr su objetivo. Segunda parte “Aplicación” 1- Se sugiere traer a la práctica una serie de fotografías y sus fichas técnicas con el objetivo que el instructor le ayude a elegir la mejor fotografía para trabajar en ella esto se realizará individualmente.

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2- Una vez elegida la fotografía, debe darle retoque digital correctivo, aplicar efectos y crear un afiche de película según la década que trabajó, que vaya acorde al tipo de tendencia de moda que se eligió fotografiar. 3- El afiche de película se realizará en casa con las fotografías, bocetos y concepto ya establecido. El programa a utilizar para la elaboración de la portada queda a consideración de cada alumno. Tercera parte “Presentación” Las 5 fotografías de la sesión más la del boceto, deberán subirse a un portal de fotos en internet, se sugiere flickr, donde tiene que crear su usuario y armar ahí su portafolio fotográfico, este portal permite que automáticamente se pueda visualizar la ficha técnica de cada una de las imágenes. Agregarle a cada fotografía un título de acuerdo al ejercicio que se realizó, especificando la guía a la que pertenece y un pequeño racional/descripción por cada una.

Investigación complementaria

- La iluminación en la fotografía. Child, John. Galer, Mark. Editorial ANAYA. España 2005. - Avanza Fotografía Digital. Stone, David. 2003. - El ABC de la fotografía. 2007 1. Manual completo de fotografía. Editorial Blume. Barcelona, España. 2005. 2. Cómo hacer buenas fotografías. Editorial Libsa. Barcelona, España. 2001. 3. El placer de fotografiar. Eastman Kodak Company. Editorial Folio. Barcelona, España. 1980. www.fotonostra.com www.dzoom.com

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FOTOGRAFÍA PUBLICITARIA ACTIVIDAD EVALUADA UNIDAD III

FP U

Tema: Rediseño de portada de álbum discográfico CONTENIDOS

En este apartado se encuentra la información general de la actividad evaluada de la primera unidad así como los lineamientos que debe seguir el estudiante para la presentación de su actividad.

COMPETENCIAS

Realiza fotografías conceptuales aplicando iluminación, caracterización, manejo de cámara, trabajo con modelos y ambientación a la elaboración de una propuesta de portada de disco.

MATERIALES Y EQUIPO

Es responsabilidad de cada alumno leer previamente cada una de las guías antes de asistir a las prácticas de laboratorio, así como traer los materiales y equipo que se le solicite. 1. Cámara Digital 2. Correa de colgar 3. Tarjeta de memoria vacía 4. Baterías cargadas 5. Trípode

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¿Cómo hacer un buen retrato?

El secreto está en aprovechar las circunstancias al máximo, con estos consejos te será mucho más fácil, lograr una mejor fotografía de retratos y su aplicación en una portada de disco musical.

- DEFINE EL CONCEPTO El primer paso consiste en pasar de un concepto abstracto a una idea concreta de fotografía, en primer lugar, sobre el concepto de la foto. Se está tratando de llevar algún mensaje acerca al espectador, ya sea el concepto del disco, la inspiración del mismo o la visión propia del artista. - VISUALIZA LA IMAGEN Una vez tenemos clara la idea de fotografía que queremos realizar, debemos centrarnos en la composición; debemos visualizar mentalmente la imagen. La composición consiste en disponer espacialmente los diferentes elementos que queremos que aparezcan en la imagen. - FÍJATE EN LOS DETALLES El cuerpo humano es bello por naturaleza y tiene una gran cantidad de elementos que te pueden dar mucho juego. Así que no te obsesiones con retratar caras e intenta, más bien, captar la personalidad del modelo. Un peinado, una mano en la cadera o un simple plano detalle del ojo pueden darte mucho juego a la hora de hacer un retrato diferente. - ROBAFOTOS No se trata de pillar a la modelo bostezando, si no de aprovechar una mirada, un gesto o una carcajada por un chiste que haya salido entre fotos. Cualquier cosa puede regalarte una foto preciosa. Hay que tener cuidado con estas fotos porque el modelo puede no gustarse en ellas. Pero por lo general acostumbran a ser imágenes muy naturales. - APROVECHA EL ENTORNO Tumejoraliadoparaestoserálaprofundidaddecampo. Un diafragma abierto te ayudará a incluir algún elemento del entorno en la composición sin que le robe protagonismo al modelo. Esto conseguirá unas fotos más naturales, pues el modelo no se verá superpuesto en el entorno, si no que estará rodeado de él. Aprovecha ramas, mobiliario, marcos naturales, cualquier cosa es buena!

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- HAZQUE EL MODELO INTERACTÚE CON ALGO Si le das al modelo una objeto con el interactuar, se olvidará de la cámara, se relajará y, como consecuencia, las fotos saldrán más naturales. Si el modelo tiene una habilidad, tocar la guitarra, por ejemplo, pídele que te toque alguna canción. Además de conseguir que se relaje, podrás “robarle” alguna que otra foto. - ENSEÑA LAS FOTOS Ésta es otra manera de conseguir que el modelo se relaje. Intenta crear un ambiente relajado y de confianza y ayudarás a que el modelo se suelte un poco en caso de estar tenso o nervioso. El hecho de enseñar las fotos, además, puede ayudar al modelo a mejorar alguna pose e, incluso, puede servirte para tener nuevas ideas. - BUSCA EL MOVIMIENTO A todo el mundo le llaman más la atención las imágenes en movimiento que las estáticas. Puedes pedirle a la modelo que camine, que se toque el pelo, que se ponga la chaqueta. Tu misión será cazar el movimiento para que éste aporte dinamismo a las fotografías. - MIRA DESDE OTROÁNGULO Este consejo es adaptable a todos los tipos de fotografía, no sólo a los retratos. Se trata de aportar un plus de creatividad a tus fotografías. Intenta aprovechar las circunstancias para crear perspectivas interesantes. - DESDE OTRA ALTURA Para fotografiar adultos también tiene resultados muy vistosos, atrévete a tumbarte al suelo o a subirte a una silla, los resultados valen la pena! - SIGUE LA MIRADA Losojossonelreflejodelalmay, salvoalgunasexcepciones, se tiene que intentar que la mirada del modelo sea el punto fuerte de la composición. Por eso, si la mirada del modelo tiene una dirección determinada es muy importante que la respetes e intentes integrarla en la composición. Esto dirigirá, también, la mirada del espectador de la fotografía. - LA SONRISA ES PODEROSA Otro punto fuerte de la cara es la sonrisa. Aunque es cierto que la fotografía de retrato profesional acostumbra a evitar la sonrisa para conseguir imágenes más serias, una sonrisa siempre es contagiosa. Si consigues que la modelo sonría, aunque para ello le tengas que “robar la foto”, eso le dará mucha fuerza a la fotografía.

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ACTIVIDAD 1. Cada estudiante deberá trabajar con un concepto y una portada de disco definida, realizará una nueva propuesta o un rediseño del mismo, en este caso también aplica realizar una réplica del mismo con sus propias fotografías, elaborándolas de la misma manera en que la portada original del disco está hecho. Esto es muy importante antes de la producción de las fotografías, pues de esta manera podrá tener claridad qué tipo de personas, objetos, colores o fondos debe utilizar

2. Debe buscar los escenarios o fondos que le ayuden a reforzar su concepto y resaltar los elementos en la fotografías, en dado caso necesite un escenario inexistente deberá armar su propia ambientación o escenario con los elementos necesarios. 3. Tome las fotografías necesarias que reflejen el concepto elegido, dentro de la sesión es adecuado que pruebe con diferentes ángulos, encuadres y planos. 4. Ajuste adecuadamente las opciones manulaes de la cámara fotográfica para lograr una perfecta exposición de la escena. 5. La iluminación es clave en esta técnica, recuerde colocar cuantas luces necesite para recrear la escena o en dicho caso las que crea adecuadas para su nueva propuesta. 6. Muy importante para lograr resaltar el punto de interés utilice las técnicas necesarias, el tipo de enfoque que mejor le funcione, iluminación puntual y en este caso es buena opción trabajar con flash painting si lo desea. 7. En el proceso digital se permite un pequeño retoque que le permita intensificar más el contraste y la apariencia de la escena. Si desea el montaje puede hacerlo pero recuerde que todos los recursos fotográficos que utilice deben ser fotografías originales del alumno (No bajadas de Internet).

Aspectos a evaluar Dicha actividad tiene el valor del 4% de la nota global de la materia. En esta ocasión los ítems a evaluar pueden variar dependiendo del docente o de los resultados del diagnóstico del alumno. Entregarán 2 fotografías: la fotografía original y la fotografía retocada.

1. Concepto y racional del trabajo 2. Aplicación de la técnica a utlizar 3. Configuración de la cámara (Av, Vel, ISO y WB) e Iluminación 4. Selección, composición de la escena y del modelo 5. Autoevaluación