DISEÑO+ARQUITECTURA Nº 49 by D+A MAGAZINE CHILE

PUBLICACION BIMESTRAL / $5.000 (CHILE) / WWW.DMA.CL / Aร O 10

XV Bienal de Arquitectura Venecia 2016

Kaws en el Parque de Las Esculturas de Yorkshire

-4 -

Moca: Museo de Arte Contemporรกneo de Yinchuan

NUEVOS ESPACIOS CULTURALES JULIO/AGOSTO 2016

___Publirreportaje

o es casualidad que Volvo haya elegido Suecia para revelar el último hito de la marca: la entrada en el segmento de los sedanes grandes Premium con el lanzamiento del esperado All-New S90, englobando los nuevos parámetros de la marca a la hora de crear vehículos bajo el concepto Made by Sweden.

CONSOLIDACIÓN AL ESTILO ESCANDINAVO

El nuevo sedán de Volvo consolida su apuesta de posicionarse en el segmento de lujo, con un modelo totalmente nuevo que emana liderazgo, confianza y que promete llevar a esta clase al siguiente nivel. Dicha apuesta -que se dio inicio con el premiado SUV The All-New XC90- se encuentra en tierra firme y manifiesta sin complejos que Volvo ha alcanzado un nuevo nivel de exclusividad y sofisticación. “El S90 es un gran paso para la industria automotriz de alta gama, donde creamos algo totalmente nuevo para un segmento más bien conservador, basado en la filosofía de la marca de lograr diseños atractivos y centrados en las necesidades de las personas”, aseguró Marcelo Haristoy, gerente general de Volvo Chile. “La experiencia de conducción de Volvo ofrece una sensación de precisión, control y confort que busca cumplir con el anhelo de ser la

marca de lujo más progresiva y deseada del mundo”, concluye su gerente general. Con una inversión de US$ 11 mil millones, Volvo continúa perfeccionando las tecnologías, las características semiautónomas de conducción y la nueva Arquitectura Escalable de Producto (SPA). De esta forma, se ha logrado un vehículo capaz de frenar de manera automática si detecta una posibilidad de colisión; de mantener al automóvil alineado dentro de las marcas de la carretera con velocidades de hasta 120 km/h; y capaz de identificar superficies resbaladizas e incluso animales en el camino. Además, permite una interacción más natural, intuitiva y humana gracias al sistema Sensus, el cual establece una comunicación instintiva con el vehículo para que el conductor no aparte sus manos del volante ni sus ojos del camino. Todo lo anterior está enmarcado en la promesa de la marca de que para el 2020 ninguna persona involucrada en un accidente con un nuevo modelo Volvo resulte gravemente herida o tenga consecuencias fatales. All-New S90 de Volvo se basa en un mismo principio y un mismo fin: las personas. Es así como continúa con el compromiso de un día a día más fácil, más seguro y más cómodo, innovando para hacer la vida de sus usuarios menos complicada. Su llegada a Chile se espera para mediados de este año.

___Editorial

XV Bienal de

Kaws en el Parque de Las Esculturas de Yorkshire

PUBLICACION BIMESTRAL / $5.000 (CHILE) / WWW.DMA.CL / AÑO 10

Arquitectura

Portada: Harbin Opera House. Arquitectos: MAD. Foto: Hufton-Crow

Moca: Museo de Arte Contemporáneo de Yinchuan

a Arquitectura es considerada desde la antigüedad, la madre de las artes, la expresión máxima de las artes, que incluye por cierto aspectos formales que nos vinculan con el volumen y la espacialidad en un sentido inclusivo, donde otras expresiones artísticas se manifiestan vinculadas o desvinculadas, pero nunca indiferente a las formas que adopta la arquitectura. En occidente el arquitecto pasa a ser un profesional a quien se le consulta sobre la forma que debe tomar un espacio, una casa, un edificio, y en el que se deposita la confianza resolutiva del desarrollo de una obra, a partir de la imaginación, derivando en “objetos” que son referencias en el tiempo. Es tal vez la disciplina más clara donde se reconoce esa transformación de la imagen inicial, en un objeto de características tridimensionales, que se instala en la espacialidad de otros. A raíz de esta reflexión D+A magazine ha desarrollado el premio “Trayectoria en la Arquitectura”, donde se premiará la continuidad erudita y acertada, que será entregada a un arquitecto/(a), a modo de reconocimiento por “otros”, que no serán sus pares o profesionales del área.

Director Walter Junge Editora Sonia Rabagliati Diseño Cristián Villegas Coordinación Comercial Jacqueline Cammás Consejo Editorial Jorge Figueroa Cristián Boza Luis Fernando Moro Paula Aguirre Bernd Haller

Administración Pamela Guerra Edita Tradeshows Chile Ltda. Distribución Directa Speedmailer Venta de Publicidad contacto@dma.cl Dirección Comercial y Venta Directa Pedro de Villagra 2365, Vitacura, Santiago de Chile. +56 2 2710 58 68

El premio reconoce la labor de un arquitecto(a) que en su trayectoria se haya destacado por su aporte en diseño reflejado en su obra, la arquitectura en la forma como resuelve el encargo, y en su aporte a la comunidad, en su preocupación por el desarrollo de la profesión en un contexto social y comunitario. El jurado estará compuesto por personas de diferentes ámbitos del quehacer periodístico, críticos de arte, empresarios del sector, académicos, diseñadores y editores. Con esta iniciativa buscamos destacar la arquitectura como disciplina mayor, llamar la atención de obras construidas que tengan nombre y apellido, contribuyendo de esta manera elevar la atención y la comprensión histórica de nuestras ciudades y espacios públicos. El desarrollo de esta sensibilidad en esta edición Nº49 la hemos dirigido a los espacios de la cultura. Esperamos que los disfruten. El Director

www.dma.cl contacto@dma.cl Suscripciones Patricia Vera suscripcion@dma.cl Suscripción anual (5 ediciones) *Santiago: $36.000 (IVA incl.) *Regiones: consultar Representante Legal Walter Junge Impresión Ograma S.A.

EN DINAMARCA ENCONTRAMOS UN MUSEO PARA EL ROCK__ Se acaba de inaugurar y fue proyectado por el estudio holandés MVRDV en conjunto con la firma local Cobe.

LAS MONUMENTALES OBRAS DE KAWS EN EL PARQUE DE LAS ESCULTURAS DE YORKSHIRE___ El mayor parque de esculturas de europa, ubicado en el norte de Inglaterra, exhibe por primera vez las esculturas de Kaws, el artista norteamericano del pop art.

UN TATE MODERN RENOVADO__ Los mismos arquitectos que sorprendieron hace años con la transformación de una antigua central eléctrica en el Tate Modern de Londres, la firma suiza Herzog & De Meuron, lo hacen nuevamente con este nuevo edificio que aumenta a más del doble la capacidad del museo.

HUMBERTO ELIASH__ Jurado del pabellón chileno en la Bienal de Arquitectura de Venecia, nos “reporta” desde Venecia y nos entrega sus impresiones sobre esta XV edición.

06.

HARBIN OPERA HOUSE. EL GRAN TEATRO QUE SURGIÓ DEL FRÍO

REPORTING FROM VENICE.

IMPRESIONES SOBRE LA XV BIENAL DE ARQUITECTURA DE VENECIA

RACKNAROCK. UN MUSEO PARA EL ROCK

KAWS EN EL PARQUE DE LAS ESCULTURAS DE YORKSHIRE

UNA NUEVA ERA PARA EL TATE MODERN DE LONDRES

PROYECTO ELYTRA: INSPIRADO POR INSECTOS

THE BROAD. CENTRO DE ARTE CONTEMPORÁNEO EN

LOS ÁNGELES, CALIFORNIA

NUEVA DIRECTIVA CHILE DISEÑO

SF MOMA. UNA NUEVA EXPERIENCIA PARA LA VISUALIZACIÓN DEL ARTE

ACCESIBILIDAD UNIVERSAL

MOCA. MUSEO DE ARTE CONTEMPORÁNEO DE YINCHUAN

ESPACIOS DE LUZ. EN EL MARCO DE 100 SHOWROOMS

32 YAYOI KUSAMA. LAS ÚLTIMAS OBRAS DE LA ARTISTA JAPONESA

Foto: Adam MÃ¸rk

___Arquitectura

HARBIN OPERA HOUSE. EL GRAN TEATRO QUE SURGIÓ DEL FRÍO LLAMADO A CONTEMPORIZAR CON UN INVIERNO EXTREMADAMENTE FRÍO, ESTE EDIFICIO FUE DISEÑADO POR MAD COMO UN TEATRO DEL FUTURO, CAPAZ DE ACOGER DOS REPRESENTACIONES Y DE INTERACTUAR CON EL PÚBLICO. Fotos: Gentileza de MAD Architects

na especie de nave espacial aterrizada a orillas del río Songhua. Es lo que para algunos asemeja el edificio de la Casa de la Opera de Harbin, capital y ciudad más importante de la provincia de Heilongjiang, en la histórica región china de Manchuria, al norte de ese gran país. Diseñado por la firma de arquitectos MAD, de Beijing, este proyecto se hizo acreedor al premio WAN 2016 a la arquitectura de espacios escénicos. Altamente especializado, WAN fue establecido para celebrar y promover lo mejor de la arquitectura internacional de centros de artes escénicas. Si bien, la oportunidad de diseñar un espacio de este tipo es muy buscada por los arquitectos, el proceso que ello implica no deja de ser complejo. Se trata sin duda de un tipo de edificio destinado a enriquecer la experiencia, tanto de los intérpretes escénicos como de las audiencias y también de los técnicos especializados en estas artes. Las necesidades que el proyecto debía satisfacer se relacionan con los objetivos de sus mandantes, expresados en el concurso internacional abierto organizado en 2010 como primer paso del plan director de la Harbin

Foto: Adam Mørk

La arquitectura hace referencia al paisaje sinuoso de la zona circundante. La fachada curvilínea está compuesta de paneles de aluminio blanco.

Cultural Island. Estos eran lograr un nuevo referente cultural para la ciudad que pudiera incluir dos lugares de actuación. La Casa de la Ópera pretende ser más que un simple edificio donde las personas puedan ver, sino que su hincapié está puesto en la interacción y participación del público con el edificio. Diálogo con el edificio El viaje comienza al cruzar el puente hacia la llamada isla cultural de Harbin, donde la masa arquitectónica ondulante envuelve una gran plaza pública. Uno de los propósitos de su diseño es que el público pueda explorar los caminos tallados en la fachada y ascender como si atravesara la topografía local. En la cúspide, los visitantes pueden descubrir un espacio abierto de actuación, que sirve como plataforma de observación donde tienen una vista panorámica del área metropolitana de Harbin y los pantanos de sus inmediaciones. Al descender, los usuarios regresan a una plaza pública expansiva para explorar el gran vestíbulo, donde pueden observar grandes paredes de vidrio transparente que conectan visualmente su interior con la fachada y la plaza exterior.

__LOS ARQUITECTOS DE MAD VISUALIZAN LA OBRA COMO UN CENTRO CULTURAL DEL FUTURO, QUE INTEGRA AL SER HUMANO, EL ARTE Y LA IDENTIDAD DE LA CIUDAD.

Foto: Hufton + Crow

En el interior, el proyecto es un contraste entre la calidez de la madera y la frialdad del aluminio blanco y el cristal.

Foto: Adam Mork

Terraza superior con vista panorĂĄmica hacia la ciudad de Harbin y el rĂo Songhua.

Ocupando una superficie de casi 79.000 m², posee una estructura espectacular que sin embargo alcanza apenas 56 metros de altura. Su oferta espacial es un gran teatro que puede albergar a más de 1.600 personas y un teatro más pequeño para dar cabida a una audiencia de 400. El teatro principal es un elemento acogedor en el corazón del edificio, con aislamiento dentro de una suerte de “sobre de nieve”. Vestido con una chapa de madera cálida, su masa emula un singular bloque de madera erosionado suavemente por las fuerzas naturales para revelar capas de rica historia. Dentro del teatro, las ondulaciones del proscenio del escenario principal se pliegan suavemente en las paredes y los balcones íntimos abrazan el asiento central del piso. Este espacio está diseñado acústicamente para atender a óperas occidentales y chinas, que por lo general dependen de la proyección del sonido sin ayuda. En cambio, el segundo

Foto: Hufton + Crow

La luz natural ilumina el lobby de acceso al teatro pequeño.

teatro acoge espectáculos con artistas que utilizan micrófonos. Un cálido montón de nieve La forma del lugar ha sido diseñada de manera que se funde con el paisaje de Harbin. La altura de las entradas se ha mantenido baja, mientras que el edificio se extiende horizontalmente de modo continuo con el paisaje circundante. Este efecto es especialmente notable durante el largo y frío invierno de Harbin, cuando el revestimiento de aluminio blanco de almohada hace que el aspecto del edificio sea el de un montón de nieve. La ópera representa los patrones estacionales del río, en una serie de líneas onduladas que unen a la masa del edificio con el paisaje dinámico, justamente como respuesta a la dureza del clima de Harbin, donde los inviernos suelen ser en verdad extremos. La fachada curvilínea resultante se convierte en la poesía de borde y la superficie, en suavidad y nitidez.

Dado que Harbin es muy frío durante la mayor parte del año, con mínimas que pueden llegar a los -30°C, Ma Yansong, fundador y presidente de MAD Architects, señala haber imaginado para la Ópera de Harbin un edificio que pudiera mezclarse con el paisaje invernal, como una duna de nieve blanca surgiendo de los humedales. Y ciertamente aparece como si hubiese sido esculpido por el viento y el agua, combinando a la perfección naturaleza y topografía, una transferencia de la identidad local, el arte y la cultura. No obstante, el líder de esta oficina advierte que el edificio fue pensado como un centro cultural del futuro. “Un lugar de gran actuación, así como un espacio público importante que encarna la integración de los recursos humanos, el arte y la identidad de la ciudad, mientras que de forma sinérgica se mezcla con la naturaleza que lo rodea”, comenta Yansong.

Foto: Hufton + Crow

Foto: Adam Mørk

El auditorio está edificado en madera de fresno de Manchuria, tiene una acústica perfecta y espacio para mil seiscientas personas.

Foto: Ossip van Duivenbode

___Arquitectura

UN MUSEO PARA EL ROCK EN LA CIUDAD DANESA DE ROSKILDE, EN ABRIL PASADO SE INAUGURÓ RAGNAROCK, UN NUEVO MUSEO PROYECTADO POR EL ESTUDIO HOLANDÉS MVRDV EN CONJUNTO CON LA FIRMA LOCAL COBE. Fotos: Gentileza de MVRDV

“Caminar hacia el edificio de oro sobre la alfombra roja, transforma a cada visitante en una estrella”, ha dicho Jacob van Rijs, socio fundador de MVRDV.

Foto: Ossip van Duivenbode

El edificio está recubierto por paneles dorados de aluminio anodizado con forma de tachas, como referencia a las vestimentas de los artistas del rock.

a ciudad de Roskilde, ubicada a 30 kilómetros de Copenhague, es conocida por realizar, desde 1971, uno de los festivales de música más importantes de Europa. En este lugar, abrió sus puertas recientemente Racknarock, un museo dedicado a la música, especialmente el rock, que espera inspirar a una nueva generación de músicos, artistas y profesionales creativos. El diseño, realizado por la firma holandesa MVRDV junto al estudio danés COBE, forma parte de un masterplan para revitalizar este sector, ocupado por las instalaciones de una antigua fábrica de cemento, en lo que será un nuevo barrio cultural llamado Rockmagneten. La zona ya ha sido declarada barrio creativo y cultural; y el primer paso es este museo. Ragnarock, que toma su nombre de la batalla del fin del mundo en la mitología nórdica, cuenta con 3.100 metros cuadrados que incluyen galerías expositivas, una biblioteca, un auditorio, estudios de grabación, un bar y un espacio al aire libre para conciertos. Cada visitante es una “estrella” La experiencia lleva a los visitantes en un viaje hacia la vida de una estrella de rock. La alfombra roja les da la bienvenida, el ascenso a la fama del artista los lleva al espacio escénico que cuelga del aire, y la inevitable caída de la estrella se proyecta hacia el bar. “Caminar hacia el edificio de oro sobre la alfombra roja, transforma a cada visitante en

una estrella”, comenta Jacob van Rijs, socio fundador de MVRDV. Para él, “Ragnarock es la traducción de la música rock en la arquitectura; su energía, su actitud desafiante, es el volumen máximo llevado a la arquitectura”. Y Dan Stubbergaard, de COBE, agrega que es “un homenaje a las estrellas del pop como Bowie, Hendricks y Jagger”. El encargo demandó que las construcciones industriales se mantuvieran, como también el carácter informal del barrio, actualmente utilizado por artistas, skaters y músicos. Los arquitectos propusieron nuevos volúmenes que se posan sobre la estructura del edificio existente, conservando el carácter del espacio. Con cuatro niveles y un auditorio en volado de 20 metros que desafía la gravedad al más puro estilo rockero, el edificio está recubierto en su exterior por paneles dorados de aluminio anodizado con forma de tachas, motivo que se repite en los espacios interiores donde predomina el rojo. A través de los materiales, en el interior se produce una división que permite distinguir lo nuevo de la construcción existente: el hormigón en contraste con el revestimiento modular metálico color rojo intenso. La combinación de materiales irradia una atmósfera totalmente rockera; desde la fachada dorada que rinde homenaje a los cantantes de Rock a lo largo de la historia, hasta el color rojo del interior, que recuerda el suave terciopelo del

forro interior de un estuche de guitarra. COBE y MVRDV continuarán trabajando en las siguientes fases del masterplan. Así, este “edificio de oro” le da la bienvenida a los visitantes no solo al museo, sino que también en el futuro actuará como puerta de entrada al masterplan de Rockmagneten, que, en 11 mil metros cuadrados, contempla, además de este museo, una escuela secundaria y la nueva sede del Festival de Roskilde.

__RACKNAROCK FORMA PARTE DE UN MASTERPLAN PARA REVITALIZAR EL SECTOR Y TRANSFORMARLO EN UN NUEVO BARRIO CULTURAL.

Las construcciones industriales se mantuvieron y los nuevos volúmenes se posan sobre el edificio existente.

Foto: Ossip van Duivenbode

Diagrama conceptual de este ‘viaje al interior del rock’.

Foto: Tate Modern © Iwan Baan

___Arquitectura

UNA NUEVA ERA PARA EL TATE MODERN LOS MISMOS ARQUITECTOS QUE SORPRENDIERON HACE YA DIECISÉIS AÑOS CON LA TRANSFORMACIÓN DE UNA ANTIGUA CENTRAL ELÉCTRICA EN EL TATE MODERN DE LONDRES, LA FIRMA SUIZA HERZOG & DE MEURON, LO HACEN NUEVAMENTE CON ESTE NUEVO EDIFICIO QUE AUMENTA A MÁS DEL DOBLE LA CAPACIDAD DEL MUSEO, CONSIDERADO UNO DE LOS MÁS IMPORTANTES DEL MUNDO EN EL ARTE CONTEMPORÁNEO. Fotos: Gentileza de Tate Modern

Ubicado en un área de aproximadamente 22 mil metros cuadrados, el edificio amplía la oferta del Tate y le ha permitido destinar más lugares para talleres, espacios para performances, oficinas, restaurantes, y tiendas capaces de recibir el actual flujo de visitantes. El tema del aprendizaje fue definido como el núcleo de la nueva Tate Modern, reflejando su compromiso por aumentar el conocimiento y la comprensión del arte; su interpretación y discusión, la participación y talleres basados en la práctica.

Foto: Tate Modern © Iwan Baan

Con 10 pisos, la ampliación se conecta con el antiguo edificio a través de los pisos 1 y 2, y también posee un gran puente peatonal en el piso cuatro que, sin duda, se transformará en

Foto: Tate Photography

a Tate Modern fue diseñada en el año dos mil por la firma suiza Herzog & de Meuron, para una audiencia anual de 2 millones de visitantes. Con el tiempo, las razones para esta ampliación se hicieron evidentes, ya que actualmente la galería recibe alrededor de 5 millones de visitantes cada año. Tal éxito ejerció una gran presión sobre las instalaciones y programas existentes, como también para dar cabida a las nuevas tecnologías en cine, video y fotografía, que los artistas han adoptado en ambiciosas instalaciones y performances que se hacían difíciles de resolver en la galería tradicional. Esta ampliación, que se hacía ya urgente, la realizó también el mismo estudio de arquitectos.

Roni Horn. “Pink Tons”, 2009. Vidrio. 1100 x 1200 x1200 mm.

una de sus principales atracciones turísticas. Ubicado al sur de la galería existente, el diseño del edificio es una combinación de espacios industriales con una arquitectura contemporánea, que ofrece una serie de espacios que, en su dinamismo, son capaces de albergar una amplia gama de diferentes tipos de arte. Como una pirámide torcida Su fachada de ladrillo rugosa coincide con la superficie de la estructura existente, mientras que la creación de celosías de ladrillos perforados permiten que la luz natural penetre al interior durante el día y que se puedan entrever las luces interiores desde las calles por la noche. Su forma de pirámide torcida culmina en una nueva terraza en la azotea con vistas panorámicas al río Támesis, la Catedral de San Pablo y el horizonte de Londres. La pirámide es la parte ampliada o Switch House, la vieja central es el museo existente o Boiler House.

Foto: Tate Modern © Iwan Baan

Con este edificio, llegan también una serie de cambios en las políticas de exposiciones y en el montaje, que responden a una visión más integral del arte. Su directora, Frances Morris, ha señalado que el Tate Modern no volverá a presentar el arte en cronología.”Las obras ahora podrán reunirse, por ejemplo, por disciplinas, materiales, motivaciones, la

Multicolour TM.© Peter Saville. Courtesy Herzog & de Meuron

Instalación El susurro de Tatlin #5, 2008. Performance 2 personas, 2 caballos. Colección Tate.

historia, geografía o raíces”, explica. Asimismo, también indica que esta nueva mirada ya no estará tan centrada en el arte europeo y norteamericano, sino que le dará mayor cabida a creadores de otros continentes, con énfasis en las artistas mujeres. En esta etapa que se inicia, habrá mucha performance, cine y espectáculo en el programa de este mega museo. Los asistentes a la inauguración, en junio pasado, fueron recibidos por un coro de quinientas voces de distintas comunidades de Londres. La celebración duró tres días con acciones de arte tan emblemáticas como las performances de Tania Bruguera que incluye policías montados a caballos que guían y controlan a la audiencia; y recientes adquisiciones como la de Cildo Meireles y su torre de Babel hecha de radios, la escultura árbol de 7 metros del artista chino Ai Weiwei y las instalaciones de Louise Bourgeois. Por supuesto, seguirán estando las obra de artistas como Matisse, Roy Lichtenstein y Mark Rothko.. pero ahora junto a piezas recientemente adquiridas de artistas africanos, latinoamericanos, asiáticos, de Oriente Medio o Europa del Este. “Ingresamos a una nueva era -ha dicho el director del conglomerado Tate, Nicholas Serota-. El objetivo es un nuevo museo para el siglo XXI que refleje una visión verdadera y real del arte, porque el cuadro del mundo del arte que la Tate Modern puede pintar en 2016 es muy diferente al que pudimos hacer en el año 2000, cuando se abrió”.

Foto: © Ai Weiwei

Foto: © Tania Bruguera.

foto: cortesía de Tate Photography © The Easton Foundation.

__ABAJO, VISTA DE UNA INSTALACIÓN EN LA SALA DE LA ARTISTA LOUISE BOURGEOIS.

Gustav Metzger, Liquid Crystal Environment, 1965, remade 2005. © Gustav Metzger

Ai Weiwei Tree 2010, 6800 x 2559 x 2559 mm.

Foto: Benny Chan

___Arquitectura

THE BROAD: CENTRO DE ARTE CONTEMPORÁNEO EN LOS ÁNGELES

UBICADO EN LA GRAN AVENUE DE LA CALIFORNIANA CIUDAD DE LOS ÁNGELES, ESTE ESPACIO PARA EL ARTE CONTEMPORÁNEO ES DISEÑO DE DILLER SCOFIDIO + RENFRO, ESTUDIO INTERDISCIPLINARIO CONFORMADO POR ARQUITECTOS Y ARTISTAS VISUALES. Fotos: Gentileza de The Broad y Diller Scofidio + Renfro

n una superficie de once mil metros cuadrados, muy cerca del Walt Disney Concert Hall de Frank Gehry y de otros espacios para la cultura, como el Music Center y el Museum of Contemporary Art, se emplaza este museo inaugurado el año recién pasado en Los Ángeles, California. Diseñado por Diller Scofidio + Renfro con la colaboración de Gensler -estudio de diseño y arquitectura con sede en San Francisco-, el encargo vino de la Broad Art Fundation, y reúne la importante colección de arte contemporáneo de la pareja de filántropos Eli y Edythe Broad. Situado en la Grand Avenue, sector eje del gran proyecto de revitalización del centro de Los Ángeles, el edificio es el contenedor perfecto para alojar las dos mil piezas que conforman esta colección reunida por los Broad a través de cinco décadas; y cuenta con galerías de exhibición, laboratorio de conservación y almacenamiento, un auditorio, un restaurante y un parque. Asimismo, también es la casa de The Broad Art Fundation, creada en 1984 como una biblioteca pionera dedicada a incrementar el acceso del público al arte contemporáneo

Foto: Bruce Damonte

Tres obras de Roy Lichtenstein en las galerias del tercer piso de The Broad.

mediante un programa de préstamos a museos y galerías de todo el mundo. “Velo y bóveda” El edificio cuenta con alrededor de 52 mil metros cuadrados distribuidos en tres pisos, entre los que destaca un gran espacio libre de pilares en el tercer piso. Los arquitectos trabajaron los conceptos de “veil-and-vault” (velo y bóveda) para unir los dos programas principales del edificio: espacio de exposición pública y de almacenamiento de obras y de actividades de préstamo de obras de la conservación. En lugar de relegar el almacenamiento a una condición secundaria, el proyecto enfatiza la gran importancia que el almacenamiento tiene para la fundación y la trae a un primer plano, ubicando el depósito de la colección en el corazón del edificio, jugando un papel clave en la formación de la experiencia del museo desde la entrada hasta la salida. Se trata de un gran volumen opaco y pesado al que los arquitectos llaman ‘la bóveda’ y que está siempre a la vista en el interior del edificio. Su parte inferior tallada conforma el acceso principal y las circulaciones, mientras que su superficie es el piso de la galería de la tercera planta.

La bóveda es envuelta por ‘el velo’, una estructura exterior porosa en forma de panal de abejas que cubre el edificio y proporciona luz natural. Este espectacular “velo”, se levanta en las esquinas, recibiendo a los visitantes en la zona de acceso que incorpora una librería y una cafetería. Desde ahí, se accede al espacio de exhibición a través de escaleras mecánicas alojadas en un tunel que atraviesa la “bóveda”, y que llevan al gran espacio de 8 metros de altura del tercer piso bañado de luz natural y es donde se encuentran las principales salas de exposición. Allí se inicia un recorrido que parte en la década de los años 50, con obras de artistas como Jasper Johns y Robert Rauschenberg, así como obras clásicas pop de Andy Warhol y Roy Lichtenstein; y avanza en el tiempo con artistas contemporáneos influyentes como Jean-Michel Basquiat, Bárbara Kruger, Cy Twombly, Ed Ruscha, Kara Walker, Christopher Wool, Jeff Koons, Joseph Beuys, Cindy Sherman y muchos más. Cada vez con mayor representación de artistas jóvenes, The Broad Museum enriquece, inspira y fomenta la apreciación del arte de nuestro tiempo.

__LA ‘BÓVEDA’, UN GRAN VOLUMEN OPACO Y PESADO, ES ENVUELTA POR EL ‘VELO’, UNA ESTRUCTURA EXTERIOR EN FORMA DE PANAL DE ABEJA QUE CUBRE EL EDIFICIO.

Foto: Iwan Baan

Las escaleras mécanicas del lobby, alojadas en un tunel, atraviesan la “bóveda”.

Foto: Â© Henrik Kam.

___Arquitectura

SF MOMA, UNA NUEVA EXPERIENCIA PARA LA VISUALIZACIÓN DEL ARTE SE INAUGURÓ HACE POCO LA AMPLIACIÓN DEL MUSEO DE ARTE MODERNO DE SAN FRANCISCO , DISEÑO DE SNØHETTA, QUE SE INCORPORA Y RENUEVA EL EDIFICIO ORIGINAL, CONSTRUIDO EN 1995 POR MARIO BOTTA. Fotos: Gentileza de SF MOMA.

uando abrió sus puertas, en 1995, el Museo de Arte Moderno de San Francisco (SF MOMA), diseñado por Mario Botta, lideró una profunda transformación del distrito South of Market, un barrio que rápidamente se convirtió en un núcleo cultural de la ciudad. Veinte años después, el SF MOMA ampliado continúa con su función regeneradora de la zona. La ampliación, diseñada por Snøhetta con la colaboración de los arquitectos locales EHDD, reimagina el SFMOMA como una nueva experiencia de arte y como la puerta de entrada a la ciudad de San Francisco; dejando de ser un santuario introvertido que encierra al objeto de arte en sí mismo, para volcarse a la ciudad y comprometerse con sus condiciones y comunidades locales de manera proactiva. De esta manera, pasa a cumplir la función de ser un centro de acogida para la educación artística y un espacio público importante para el área de la Bahía.

Más vida al paisaje urbano Al duplicar la cantidad de espacio de exposición, ampliar las zonas de galería a las que se puede acceder sin ticket y también los espacios públicos al aire libre, el museo será más accesible que nunca. La ampliación también le hado vida al paisaje urbano circundante mediante la apertura de nuevos espacios de circulación peatonal que atravesarán el barrio de South of Market, rodeando el museo, lo que permitirá una mejor integración en el lugar. Esta nueva ala del museo se encuentra a lo largo de la parte posterior del edificio existente, y cuenta con una perfecta integración de las dos estructuras. En esta oportunidad, recupera las conexiones y la circulación entre el edificio y la ciudad, creando nuevos espacios públicos y galerías a orilla de calle, convirtiéndolo en un lugar público de reunión, y se hace accesible desde cualquier punto de su entorno.

Para lograr esta permeabilidad, el nuevo volumen se retranquea liberando estos nuevos espacios urbanos y rutas peatonales, y enmarcando las perspectivas del paisaje urbano con el que se conecta a través de los paños de vidrio en la fachada y las dos terrazas exteriores. La icónica fachada de la ampliación, inspirada en parte por las aguas y la niebla de la Bahía de San Francisco, está compuesta por más de 700 paneles de polímeros reforzados con fibra de vidrio de fabricación local. A lo largo del día, el movimiento de la luz y la sombra, anima la superficie ondulada de manera natural. Craig Dykers, socio fundador de Snøhetta y líder del equipo de diseño para SFMOMA, dijo: “Nuestro diseño busca crear una experiencia íntima, dar la bienvenida a la magnífica colección a gran diversidad de visitantes, y fomentar una conexión entre el visitante y el museo durante los próximos años. El uso

Vista desde los jardines de Yerba Buena.

Foto: © Iwan Baan.

Foto: © Henrik Kam

Foto: © Iwan Baan.

Foto: Jon McNeal, © Snøhetta.

‘’Sin Título’ de Joel Shapiro (1989).

‘Sin Título’ de Alexander Calder visto desde el atrio.

Foto: Jon McNeal, © Snøhetta.

Foto: © Henrik Kam

La escultura ‘Maquette for Trois Disques (Three Disks), formerly Man’ (1967) de Alexander Calder.

Muchas de estas galerías tienen terrazas adyacentes que extienden las exposiciones hacia la ciudad, en ellas se pueden presentar esculturas al aire libre y cuentan con unas vistas incomparables de San Francisco. La terraza del tercer piso es el hogar de la pared vegetal pública más grande los Estados Unidos con más de 19.000 plantas y 21 especies nativas. Esta secuencia cuidada de espacios permite que los visitantes se muevan entre increíbles obras de arte y disfruten amplios miradores.

recursos y aulas de estudio. Asimismo se asoció con la innovadora empresa Meyer Sound para instalar soluciones de sonido, incluyendo un nuevo sistema acústico denominado Constellation en el Teatro Phyllis Wattis. Las pantallas del teatro archivan y ofrecen innovadoras proyecciones en 4K. El nuevo Gina Peterson and Stuart White Box es un espacio flexible, con un entramado teatral que es compatible con una gran variedad de espectáculos, eventos u obras de arte a gran escala. También está en camino de recibir la certificación LEED Oro, y es uno de los primeros museos de este país en emplear iluminación LED en todas las galería; que medida ayudó al museo a cumplir con sus ambiciosos objetivos de sostenibilidad.

EL SFMOMA cuenta también ahora con un dinámico programa educativo y de performances. El nuevo Centro de Educación Koret sirve a estudiantes, profesores y apasionados del aprendizaje con una biblioteca de

Acercándonos a la Abstracción Americana: Exhibición de la Fisher Collection.

Foto: © Iwan Baan.

Galerías minimalistas y flexibles En sus nuevas diez plantas y 25.000 metros cuadrados, acoge el aumento de la colección permanente del SFMOMA, así como la colección de arte contemporáneo Fisher, una de las más importantes del planeta. Las nuevas salas en la ampliación son íntimas en escala y crean las condiciones ideales para la visualización de obras de arte. Son galerías minimalistas, flexibles y libres de columnas que permiten innumerables diseños con paredes temporales. En

la apertura, los visitantes pudieron experimentar una galería contemplativa, con forma octogonal dedicada a siete obras de Agnes Martin y galerías de tipo loft en el séptimo piso que ofrecen espacio para obras de arte contemporáneas.

Foto: © Henrik Kam

de todos los sentidos forma parte de la experiencia. Maravillosas escaleras iluminadas durante el día conducirán a los visitantes de piso en piso, las galerías crean una cómoda experiencia para visualización del arte, y las terrazas permiten momentos de reposo, en ellas uno puede ser revitalizado por el aire puro, la luz del sol y las vistas de la ciudad, entre las galerías. El visitante debe sentir que el edificio está inspirado en una de las grandes ciudades del mundo, San Francisco“.

___Arquitectura

MOCA: MUSEO DE ARTE CONTEMPORÁNEO DE YINCHUAN ALEGORÍA DE LA HISTORIA GEOLÓGICA DEL LUGAR DONDE SE ENCUENTRA, EL DISEÑO DE ESTE CENTRO CULTURAL, OBRA DEL ESTUDIO WAA, REPRESENTA EL RESULTADO DE LA ACCIÓN EROSIVA DEL RÍO AMARILLO SOBRE LA ROCA. Fotos: Gentileza Museum of Contemporary Art Yinchuan.

32 El museo imita las variadas capas del sedimento que lo sostiene.

Como una gran grieta, aparece el acceso principal.

Sus paredes onduladas con 1.600 paneles de hormigón armado con fibra de vidrio que van desde los 8 hasta los 40 metros de largo.

u meta es ser el museo más importante de la región del noreste de China y albergar importantes colecciones de arte contemporáneo. Está ubicado en la ciudad de Yinchuan, entre un árido desierto y una zona de humedales con protección medioambiental, divididos por el río Amarillo, el segundo más largo de China. El nuevo museo MOCA, en la provincia de Ning Xia, es el primer proyecto de este tipo en la mencionada región del gigante asiático. Y su entorno no es casual. En efecto, a la complejidad del sitio escogido para levantar este museo se suma su rica historia ecológica. El edificio de este nuevo centro de arte, que fue proyectado por el estudio WAA (We Architech Anonymus), encuentra su identidad en la topografía local. Pese a que esta es complicada, debido al movimiento del suelo, como resultado, la estructura resalta finalmente la belleza del paisaje. Diseñado para unir a las comunidades loca-

les, este proyecto se origina claramente en su entorno, que es único. Centrándose en un estudio geomorfológico, una observación de las formaciones naturales de la tierra, el diseño del edificio representa una gran roca erosionada por la acción del río Emulando procesos naturales, el proyecto libera un lenguaje propio vinculado con el lugar, mientras se hace alusión a ese lugar como un tiempo antes de la historia humana. Este experimento ha tomado la forma del paisaje acentuado, creando distintas inserciones hechas por el hombre para aumentar la topografía existente y dar a este edificio una identidad. Diálogo con el entorno Durante los últimos milenios la zona aludida ha sido escenario de inundaciones frecuentes, que es posible observar a través de imágenes de satélite, provocando un constante cambio de ubicación de los ríos. Los vastos humedales actuales son los únicos restos

de esas variaciones, inspirando el diálogo del museo con ese sitio. En consecuencia, el museo se convierte en una especie de diagrama de fuerzas geológicas, visible en los diferentes pliegues de su fachada que buscan ser verdaderos fósiles de la historia del lugar. En síntesis, documentos de la sedimentación de materiales y simulacros del relieve que los procesos naturales provocan en el medio ambiente. Los responsables del proyecto arquitectónico –Zhang Di, Jack Young, Ruben Bergambagt y Huang Yisu– explican que ellos han utilizado técnicas paramétricas. Con estas han sido capaces de calcular las geometrías de la superficie de la fachada, de visualizar estas capas y la textura de la fachada, para implantar así una identidad que se hace eco a través de su tiempo a la intemperie. Sus paredes onduladas, con 1.600 paneles de GRC (hormigón armado con fibra de vidrio)

que van desde los 8 hasta los 40 metros de largo, se curvan entre las líneas arquitectónicas del edificio. La extensión del edificio cubre más de 15.000 m2 y alcanza cuatro plantas de altura. La roca por dentro Si el resultado exterior es atractivo, el interior no lo es menos, ya que el edificio presenta un gran vacío central que divide al museo en dos. Luego de atravesar una especie de gran grieta, que define la puerta principal de acceso, tallada como una fachada degradada cavernosa que se extiende en toda la altura del museo, un atrio de circulación ocupa toda la altura del edificio, inundado de luz cenital. Con sus paredes interiores también labradas por la misma acción que descrita en la fachada, este museo de arte contemporáneo contiene dos grandes galerías en el tercer nivel, destinadas a colecciones temáticas, y una colección permanente en el segundo piso. Las salas de exhibición son espaciosas para que los visitantes se sientan alentados

La exposición “Very Addictive-Re Extension of Aesthetic In Daily Life”.

a observar no solo el arte, sino las obras y la estructura como un conjunto. También dispone de salas educativas, de conferencias, una biblioteca, varias aulas y un restaurante en la parte final del recorrido, junto a un parque con esculturas al aire libre que rodea el edificio. El subsuelo, las galerías del sótano y los pisos inferiores son de color oscuro, mientras que los superiores son blancos y luminosos. Esta técnica, que hace notar una transición de luz y materiales, es una manera de representar a través de la arquitectura el paso del tiempo, un hecho que también ha quedado grabado en las capas del suelo en las que se inspira la arquitectura. La inspiración del diseño fue la impresionante topografía del lugar.

___Arte

YAYOI KUSAMA LAS RECIENTES OBRAS DE LA ARTISTA JAPONESA YAYOI KUSAMA ESTÁN SIENDO EXHIBIDAS EN LA GALERÍA VICTORIA MIRÓ DE LONDRES, EN LA MÁS GRANDES EXHIBICIÓN DESDE SU RETROSPECTIVA EN LA TATE MODERN EN 2012. ESTA INCLUYE SUS NUEVAS PINTURAS, SUS ESCULTURAS “CALABAZAS” Y SUS ESPEJOS, SIEMPRE CON ESA INTENSIDAD ALUCINANTE QUE REFLEJA SU PARTICULAR MIRADA DEL MUNDO.

Foto: © Noriko Takasugi

Fotos: Gentileza de Kusama Enterprise, Ota Fine Arts, Tokyo / Singapore and Victoria Miro, London © Yayoi Kusama

a Galería Londinense Victoria Miro está presentando una de las más grandes retrospectivas de la reconocida artista japonesa Yayoi Kusama, abarcando tres locaciones de la galería con su colección de pinturas, esculturas de calabazas y sus clásicas habitaciones de espejos. La permanente exploración de Yayoi Kusama sobre su relación con el cosmos infinito ha dado lugar a una carrera muy influyente, en la que continuamente ha estado innovando y reinventando su estilo. Una de las obsesiones permanentes de Kusama ha sido representar el espacio infinito. Un buen ejemplo es el uso que le ha dado a los espejos, transformándolos en un elemento recurrente hasta hoy. Especialmente para esta exposición, Yayoi ha creado tres espacios espejo: “Todo el amor eterno que le tengo a las calabazas”, ”Lámparas araña de aflicción” y ”Donde las luces de mi corazón van”, todas las cuales colocan al espectador en un variado universo de proliferación de reflejos.

36 All the Eternal Love I Have for the Pumpkins, 2016. Instalación.

Mis pinturas del alma eterna Junto a estas galerías de efectos caleidoscópicos, aparece la serie “Mis pinturas del alma eterna” iniciada por Kusama en 2009. Cada una de ellas desborda en imágenes lúdicas de ojos, rostros de perfil y otras formas indeterminadas, a menudo en combinaciones de colores vibrantes, que recuerdan ornamentos aborígenes. Sus pinturas responden a una preocupación permanente por la multiplicación de lunares (polka dots) y a densos patrones ondulados. La repetición obsesiva de Kusama de estas formas se ha descrito como una forma activa de auto-obliteración, respondiendo a las alucinaciones experimentadas por la artista de 87 años durante su niñez. Las calabazas, otro motivo que se ha mantenido a lo largo de su carrera, también están presentes en forma de esculturas de espejo pulidas. De hecho, una de las salas es una completa oda a este humilde vegetal, que ella siempre ha dicho admirar por su “falta de pretensión y su forma encantadora”. Tres nuevas esculturas de bronce de calabaza conducen hasta una caja blanca que contiene el llamado “Todo el amor eterno que tengo por las calabazas”. “Estas han sido un gran consuelo para mí desde mi infancia: me hablan de la alegría de vivir y siempre han estado y van a estar en mi arte” , ha señalado en varias oportunidades.

My Hearts Abode, 2016. Acrílico sobre tela, 194 x 194 cm.

37 Chandelier of Grief, 2016. Instalación.

En otro sector de la galería, el estado de ánimo se vuelve gótico con la teatral “Chandelier of Grief” o Lámpara de la Aflicción, con luces pulsantes contenidas dentro de una columna hecha de un espejo unidireccional. El infinito, lo sublime, la repetición obsesiva son temas que impregnan este espectáculo, que da cuenta del recorrido que ha hecho esta artista durante sus 60 años de carrera, siempre desafiando cualquier categorización. Son también un medio neutralizar sus demonios, ya que desde niña ha experimentado alucinaciones visuales y auditivas abrumadoras y períodos agudos de inestabilidad mental “Uso mis complejos y miedos como temas... estoy persiguiendo el arte con el fin de corregir la incapacidad que comenzó en mi infancia”. Desde 1977, Kusama ha elegido vivir en un hospital psiquiátrico ubicado al frente de su gran estudio, donde ella va a trabajar todos los días con el apoyo de un pequeño equipo de asistentes. El arte de Kusama puede ser en parte enfermedad o en parte terapia, pero despliega una energía tan poderosa y positiva, que bien puede hacer magia en todos nosotros, tanto como en la propia artista.

Shedding Tears to the Season, 2015. Arílico sobre tela.194 x 194 x 7cm.

Foto: Francesco Galli

___Arquitectura

REPORTING FROM VENICE IMPRESIONES SOBRE LA XV BIENAL DE ARQUITECTURA VENECIA 2016. Por Humberto Eliash (*) Fotos: Gentileza La Biennale di Venezia

El pabellón egipcio, con la curatoría del arquitecto Ahmad Hilal, busca revelar las historias de arquitecturas que narran las dificultades y desafíos dentro del entorno construido en ese país.

Foto: Giorgio Zucchiatti

Aunque estuve expuesto dos veces en la Bienal de Venecia a través de mis proyectos, esta es la primera vez que estoy de cuerpo presente y además durante la semana de las inauguraciones. Fue una experiencia notable. Pienso que todo arquitecto debiera, al menos una vez en su vida, conocer Venecia y visitar la Bienal. La primera es una enciclopedia

Foto: Andrea Avezzù

l vaporetto que nos lleva de Lido a Arsenale tiene en su costado el cartel de la XV Bienal con el lema “Reporting from the front”. El tema central es la foto de Bruce Chatwin que muestra a la arqueóloga María Reiche observando un desierto desde una escalera manual (1946), lo que más tarde será conocido como las figuras de Nazca en Perú: es la imagen elegida por Alejandro Aravena para representar el espíritu de esta Bienal: creatividad para re-descubrir la realidad y pertinencia para abordar los temas arquitectónicos. En el mismo vaporetto se escucha hablar en acento chileno: los estudiantes y los invitados a la muestra internacional están alojados en hoteles de Lido.

abierta y compacta sobre la historia de la arquitectura universal y la segunda es una apuesta sobre el futuro de la disciplina.

Es imposible para un arquitecto caminar por Venecia y no recordar los proyectos no construidos del Hospital de Venecia de Le Corbusier con Guillermo Jullian de la Fuente, el Centro de convenciones de Louis Kahn

Foto: Andrea Avezzù

“Beyond Bending”, instalación que forma parte de la exposición principal de la bienal en el Arsenale.

Rock Garden – Kingdom of God & Goddess.

Foto: Italo Rondinella

Mayo 2016. La ciudad de Venecia está en pleno esplendor. No hace frío ni calor. No hay demasiados turistas como los que se esperan para el verano. El murmullo de los pasos y las voces se superpone con algunos acordes de música barroca. Las tiendas de souvenir han renovado stock para hacer frente a la avalancha que se viene. Los turistas se mezclan con los nativos y con los extranjeros que “trabajan de venecianos”, como diría mi amigo Jorge Moscato alertando sobre los excesos del turismo de masas. Las arquitecturas de los siglos XV al XIX conviven en curiosa armonía entre sí y con las intervenciones más modernas. Tengo la impresión de que incluso la arquitectura contemporánea se integra más rápidamente que en otras ciudades, quizás debido al peso histórico que impone la ciudad. Quizás sea la presencia del agua o la fragilidad del suelo la que provoca esa unidad. Las obras de Scarpa (todas geniales) Ando, Stirling, Siza, Sverre Fehn, Chipperfield (en construcción) Calatrava (menos genial) se integran sin mimetizarse con las obras de carácter patrimonial, al contrario manteniendo su identidad.

Foto: Andrea Avezzù

Curada por Juan Román y José Luis Uribe, la muestra de Chile -A Contracorriente- presenta 15 proyectos arquitectónicos diseñados por estudiantes de la Universidad de Talca con el objetivo de transformar la vida cotidiana de las personas que viven en regiones rurales del país.

La Bienal explaya sus generosos 46.000 m2 en dos sectores adyacentes: Arsenale y Giardini rodeados de canales, de vegetación y de arquitectura típicamente veneciana. La inauguración es como una fiesta medieval que dura varios días: una jornada es para autoridades y auspiciadores, otra es para invitados especiales. Durante dos días se suceden las inauguraciones de cada país o cada stand de invitados. Alejandro Aravena se pasea de un lugar a otro con su equipo de asesores y seguidores. Se muestra satisfecho por la recepción de la convocatoria y la afluencia masiva de público. La variedad de las propuestas y la calidad de las mismas muestra que su convocatoria ha sido un éxito. Esta vez la Bienal, a diferencia de las

anteriores que duraba tres meses, durará seis, lo que representa todo un desafío de organización. Bajo las enormes techos de los grandes galpones de Arsenale está la muestra internacional que incluye 65 países y 84 invitados. A medida que avanzo por las exposiciones con mi amigo argentino Oscar González Moix, me voy encontrando con arquitectos conocidos de América Latina: Giancarlo Mazzanti que intenta explicarnos por qué Colombia nunca ha tenido pabellón, el uruguayo Julio Gaeta que nos cuenta su vida en México tras abandonar Montevideo. Jean Pierre Crousse nos enseña la propuesta del pabellón peruano junto a Sandra Barclay, su mujer y socia. El pabellón peruano ganará la mención honrosa en la premiación de los mejores pabellones por su enfoque del tema arquitectura, educación y Amazonia. Carlos Salaberry nos invita a la inauguración del pabellón argentino (un potpourri de proyectos y obras sin relación con el tema de la Bienal) y de paso nos invita a la próxima Bienal de

Foto: Oscar González

y el proyecto de ampliación de la escuela de arquitectura del IAUV de Enric Miralles. Este último es trazado con pintura por los estudiantes chilenos de la PUC y la UFT en el mismo terreno donde debiera haberse construido el edificio tras haber ganado un concurso en 1998.

Humberto Eliash y Wang Shu (premio Pritzker 2012) en la muestra de Arsenale.

Foto: Andrea Avezzù

Transsolar, una de las instalaciones dentro del Arsenale, concebida como una colaboración entre Transsolar y Anja Thierfelder.

Buenos Aires junto a Manuel Cuadra, Víctor Jurado y Roberto Converti. Pablo Labbé y Renato Vivaldi me invitan a visitar la muestra de Cecilia Puga. Cada tanto nos encontramos con Cristóbal Molina, Felipe Assadi, Albert Tidy, Felipe Vera y Tomás Villalón. Recorrer la bienal es una experiencia para los sentidos y para la imaginación. Los países y los invitados no escatiman esfuerzos para encajar sus propuestas dentro del tema de la convocatoria. Algunos lo logran, otros ni siquiera lo intentan. En el deambular uno se encuentra con el ex alcalde Medellín Sergio Fajardo o el paraguayo Solano Benítez. También están Paulo Mendes da Rocha, Alvaro Siza, Peter Zumptor, Shigeru Ban, Kasuyo Sejima, Norman Foster, Renzo Piano. Parece que nadie quiso perderse esta fiesta de la arquitectura. Me llama la atención la arquitectura sensible de Wang Shu (Premio Pritzker, 2012) y su mujer Lu Wenyu por su pertinencia con el lugar y su calidad material. Aunque no han visitado América Latina, conocen mucho de arquitectura chilena. Me hablan de su

admiración por ella especialmente en lo que concierne a su capacidad para hacer edificios que, aparte de bellos, sean resistentes a grandes terremotos y tsunamis. La inauguración del pabellón de Chile encabezada por el ministro Ernesto Ottone, el presidente de la bienal Paolo Baratta y Alejandro Aravena transforma su éxito en un pequeño caos: demasiada gente para un pabellón tan pequeño (140 m2), ubicado en una esquina de uso público donde el desborde de asistentes genera congestión. Por suerte los discursos son breves atendiendo el calor que hace y el taco que se provoca. Converso con Juan Román y José Luis Uribe del grupo Talca, curadores del pabellón de Chile titulado “A contracorriente”. Les comento que en mi calidad de jurado del pabellón quedé conforme con el resultado no obstante nuestra preocupación, pues al momento de premiarlos solo teníamos a la vista una idea general y no un proyecto, lo cual implicaba un gran riesgo. Pero todo ha salido bien y la presión por entrar lo confirma.

Foto: Francesco Galli

EL León de Oro al mejor pabellón nacional fue para Unfinished, el pabellón español curado por Carlos Quintáns e Iñaki Carnicero. El jurado destacó la “selección concisa de jóvenes arquitectos emergentes, cuyo trabajo muestra cómo el compromiso puede trascender las limitaciones materiales”. Unfinished alude a la problemática arquitectónica surgida en España tras la crisis del boom inmobiliario.

Foto: Andrea Avezzù

Foto: Francesco Galli

El Leon de Oro al Mejor Participante Individual fue para el estudio paraguayo Gabinete de Arquitectura, liderado por Solano Benitez y Gloria Cabral. El jurado destaco de su practica “la utilización de materiales simples, el ingenio estructural y la utilización de mano de obra no especializada para acercar la arquitectura a comunidades marginadas”.

En el Pabellón irlandés trabajó se recrea la experiencia de los enfermos de alzheimer y sus cuidadores.

Los arquitectos chilenos ocupan un lugar destacado en esta Bienal. No solo porque Aravena es su curador, sino por la presencia masiva de estudiantes (PUC y UFT), profesores y arquitectos, que en número superior a 200 se hacen notar en las calles de Venecia y en los espacios de la bienal. Aparte del equipo curatorial de Chile, están los invitados especiales (Pezzo- Von Ellrichsausen, Cecilia Puga, Tere Moller, Felipe Vera, Elton-Léniz, Grupo Talca) que se lucen cada uno en lo suyo. La arquitectura chilena se ha ganado un lugar en el ámbito internacional y ello es reconocido por todos con quienes compartí. Otro compatriota que se destaca es David Basulto quien ha oficiado de curador del pabellón nórdico, cuyo edificio fue diseñado nada menos que por Sverre Fehn lo cual inhibiría a cualquier arquitecto de intervenirlo y quizás por eso eligieron a un chileno. Del pabellón de España nos atrae el enfoque sumamente autocrítico hacia la arquitectura del derroche que significó dejar gran canti-

dad de obras UNFINISHED y una deuda económica y social monumental que tardarán años en saldar. En contrapunto con aquello, se muestran obras contenidas en costo y austeras en el lenguaje pero de gran calidad espacial y material. Ganó con toda justicia el premio Leon de Oro de la Biennale. Me llama la atención las exposiciones dedicadas al tema de emergencias humanitarias, refugiados, al tema ambiental y reciclaje y a la arquitectura efímera. Todo ellos repartidos por varios continentes y sin perder el foco en la calidad arquitectónica. También me llama la atención que el cartel oficial de la Bienal tenga un solo sponsor, “Rolex”, en contraste con las decenas de patrocinadores, auspiciadores y organizadores de una Bienal chilena. En fin hay tantas cosas que llaman la atención que es imposible recorrerlas todas y menos aún recogerlas en este breve relato. Si durante el día los encuentros son en Arsenale o Giardini, durante las noches el encuentro se produce en los bares y restaurantes repartidos por las calles y canales de

Como en todas las bienales o festivales culturales se percibe algo en el aire. Así como en esta atmósfera fecunda se cocinan los platos que alimentarán las tendencias y los parámetros de los próximos años, también ahí se cuece a fuego lento la competencia de egos. Pienso en nuestra propia hoguera

Foto: Andrea Avezzù

Construido con 100 toneladas de material de desecho generado por el desmantelamiento de la bienal anterior, la exhibición promueve la idea de reutilización con cientos de piezas de metal suspendidas del techo.

de las vanidades más provinciana pero no por ello menos ardiente y rápidamente me pregunto: Qué sería del arte sin vanidad y sin la competencia de egos? Al iniciar el regreso y navegar por el gran canal hacia el estacionamiento en Tronchetto, veo el cartel de la exposición de originales de Zaha Hadid que no alcancé a visitar, lo mismo que la exposición de jóvenes arquitectos. Será para otra ocasión. Dejo Venecia en auto con mi hija Olivia y mi yerno checo Ondraj Bartusek rumbo a Praga donde ellos viven, con la sensación de querer volver a Venecia lo más pronto posible. Parece que no soy el único: Jacopo d’Antonio Sansovino sostiene que la palabra VENETIA significa VENI ETIAM, (ven de nuevo) o sea, vuelve una y otra vez porque por muchas veces que vengas, siempre verás nuevas cosas y nuevas bellezas”.

Foto: Andrea Avezzù

Venecia pero sobretodo en la Plaza Margaritta. Ahí, sentados en torno a una mesa, en la barra de un bar o simplemente en las piedras del pavimento, cientos de personas se reúnen a comer, beber y charlar. Eso es Europa. Como dice George Steiner, Europa es ante todo un café repleto de gentes y palabras, donde se escribe poesía, conspira, filosofa y practica la civilizada tertulia”. Y agrega: “en Europa lo viejo y lo gastado por los siglos es un valor, algo que da solera y belleza, en tanto que en América es un estorbo porque la vida está proyectada hacia adelante”. Para reflexionar.

“The Capital of Uncurated Design Citizenship” es el nombre de la muestra de Sudáfrica, una selección de proyectos del experimento urbano Cool Capital.

Foto: Farzad Owrang.

___Arte

“Ups and Downs”, detalle, 2012. Acrílico sobre tela. Cortesía del artista y de YSP.

KAWS EN EL PARQUE DE LAS ESCULTURAS DE YORKSHIRE

EL MAYOR PARQUE DE ESCULTURAS DE EUROPA, UBICADO EN EL NORTE DE INGLATERRA, EXHIBE POR PRIMERA VEZ LAS ESCULTURAS DE KAWS, EL ARTISTA NORTEAMERICANO DEL POP ART.

Fotos: Gentileza de Yorkshire Sculpture Park.

Foto: © Jonty Wilde

“At this Time” (detalle), 2013. Madera. 574 x 260 x215 cm. Cortesía del artista y More Gallery.

l Parque de las Esculturas de Yorkshire (Yorkshire Sculpture Park, YSP), está situado en Bretton Hall, West Yorkshire, en el norte de Inglaterra. Se trata de una propiedad de 200 hectáreas del siglo XVIII y es el centro internacional número uno de la escultura moderna y contemporánea. El YSP dispone de un programa de exposiciones temporales de primer nivel durante todo el año que incluyen proyectos de los principales artistas a nivel mundial que se muestran tanto en sus cinco galerías interiores como al aire libre. En él es posible ver The Family of Man, de Bárbara Hepworth, además de una significativa colección escultórica de autores como Henry Moore, David Nash y James Turrell, y esculturas de exteriores de Anthony Caro, Dennis Oppenheim y Niki de Saint Phalle. Junto a ellos, durante el primer semestre de este año, estuvo Kaws con sus monumentales esculturas de hasta 10 metros de altura, realizadas en fibra de vidrio, bronce, aluminio y madera exhibidas al aire libre; y con una serie de pinturas y obras de diseño gráfico en la Longside Gallery del parque.

Foto: © Jonty Wilde

“Companion (Resting Place)”, 2013. Pintura y aluminio 153,7 x 160 x 203,2 cm. Cortesía del artista y de YSP.

Foto: © Jonty Wilde

__UN HUMOR IRÓNICO Y UN LENGUAJE MARCADO POR GESTOS MONUMENTALES Y LLAMATIVAS PRODUCCIONES, CARACTERIZAN LA OBRA DE KAWS.

Nacido y criado en New Jersey en 1974, Kaws actualment vive en Brooklyn. Su obra ha acercado el arte contemporáneo a generaciones; abriendo la cultura a los jóvenes y a todo tipo de audiencias, con una dinámica cultural que atraviesa el arte, la música y la moda. Posee un humor irónico y un peculiar lenguaje marcado por gestos monumentales y llamativas producciones.

Ha colaborado también con fotógrafos y diseñadores comerciales, teniendo como resultado una larga serie de originales trabajos que fusionan arte y merchadising con el deseo de comunicar a nivel de la calle. Estos han sido extensamente publicados, y abarcan desde productos y diseño industrial hasta pintura, dibujos, esculturas, murales y serigrafías. Asimismo ha trabajado con marcas de consumo globales como Comme des Garzons, Nike, Lucas Films y MTV; ha creado portadas para la edición de arte de la revista W Magazine y para el álbum del 2008 de Kanye West -808s & Heartbreak; y ha editado juguetes coleccionables desde finales de los noventa. Así, el estadounidense ha traspado las esfera del mercado del arte para ocupar una posición única en la escena internacional. Alternando entre la abstracción y la figuración, sus obras recientes presentan imágenes más abstracta, haciendo referencia a la cultura popular y la historia de la pintura moderna. Su marca reconocible son unas

“Companion (Passing Through)”, 2010. Fibra de vidrio, estructura de metal, pintura. 487,68 x 288,3 Cortesía del artista, YSP y Galerie Perrotin.

Foto: © Jonty Wilde

La cultura popular Considerado uno de los artistas Pop Art más relevantes de su generación, Brian Donnelly, o KAWS como se le conoce, estudió en la Escuela de Artes Visuales de Nueva York especializándose en ilustración. Trabajó durante un tiempo en la Walt Disney World, pero muy luego se interesó en los graffitis y se dedicó a intervenir letreros de publicidad por todo Nueva York. En los años 90 se dio a conocer al mundo gracias a su particular interpretación de íconos populares de los dibujos animados, como Mickey Mouse o Bob Esponja, para crear un lenguaje universal que pudiera ser comprendido por todos.

Foto: © Jonty Wilde

“Small Lie”, 2013. Madera. 1000 x 464 x 427 cm. Cortesía del artista y Galerie Perrotin.

“Along the Way”, 2013. Madera. 550 x 448 x306. Cortesía del artista y de More Gallery.

Las obras de Kaws en la exposición al aire libre del YSP alcanzan proporciones monumentales y apuntan a una serie de narrativas psicológicas, sugiriendo la compasión, la sorpresa y la desesperación. Uno de estos personakes gigantes se ve tímido, otro aparece avergonzado, otro arrepentido; guiando las emociones que provocan en el espectador. En las galerías interiores del parque, el artista exhibe una serie de 10 lienzos acrílicos como también 5 pinturas creadas especialmente para esta exposición. Junto ellos también están algunos de sus personajes: Born to be Bend (2013), un espermatozoide “nacido para ser doblado”; Acconplice (2010); y dos figuras de la serie Companion: Resting Place, 2013, y Original Fake de 2016; entre otras propuestas que han conmovido a grandes y chicos desde sus comienzos.

Foto: © Jonty Wilde

inconfundibles equis que todos sus personajes tienen en ojos y manos.

“Survival Machine”, 2015. Acrílico sobre tela, 5 piezas. Tamaño cada una: 284,5 x 233,7 cm. Cortesía del artista y de YSP.

___Diseño industrial

PROYECTO U ELYTRA: INSPIRADO POR INSECTOS Y CONTRUIDO POR ROBOTS

n robot de alta tecnología está creando una instalación inspirada en insectos en los jardines del museo Victoria and Albert de Londres. Se trata de Elytra Filament Pavilion, que consiste en un toldo formado por cuarenta hexágonos con forma de árbol, fabricados a partir de fibra de vidrio transparente y fibra de carbón negra que han sido tejidas por un brazo robótico industrial.

LA INSTALACIÓN ELYTRA FILAMENT PAVILION FORMA PARTE DE LA TEMPORADA DE INGENIERÍA DEL MUSEO VICTORIA AND ALBERT, QUE INCLUYE UNA SERIE DE INSTALACIONES, EXPOSICIONES Y CHARLAS QUE EXAMINAN EL CRUCE ENTRE EL ARTE Y LA INGENIERÍA. Fotos: Gentileza Victoria and Albert Museum, Londres.

Inspirándose en las alas anteriores de un escarabajo, conocidas como élitros (elytra en inglés), un equipo de la universidad de Stuttgart desarrolló un proceso para tejer fibras alrededor de un marco de metal y tratarlas para conseguir estructuras ultraligeras. Cada una de las piezas de la instalación de 60 metros cuadrados pesa menos de 45 kilos. El Elytra Filament Pavilion continuará creciendo hasta el 6 de noviembre, por lo cual ninguna visita a los jardines del museo será igual que la anterior, ya que el brazo sigue tejiendo como si fuera una araña, nuevos hexágonos en este verdadero bosque de fibra de carbón. El proyecto, que recoge más de cuatro años de investigación sobre la integración de la arquitectura, ingeniería y principios de biomimética (ciencia que estudia a la naturaleza como

fuente de inspiración), en una exploración de cómo los sistemas de fibra biológica pueden ser transferidos a la arquitectura y fue desarrollado por el arquitecto e investigador Achim Menges, el arquitecto Moritz Dörstelmann, el ingeniero civil Jan Knippers y el ingeniero medioambiental Thomas Auer. La muestra forma parte de la temporada de ingeniería del museo, que incluye una serie de instalaciones, exposiciones y charlas que examinan el cruce entre el arte y la ingeniería.

La instalación consiste en un toldo formado por cuarenta hexágonos con forma de árbol, fabricados a partir de fibra de vidrio y de carbón que han sido tejidas por un brazo robótico industrial.

___Diseño industrial

NUEVA DIRECTIVA CHILE DISEÑO Nuestro propósito es hacer del diseño un factor clave en el desarrollo económico y social de Chile. Somos fieles creyentes en que el diseño tiene la capacidad de transformar industrias, así como de mejorar la calidad de vida de las personas. En consecuencia, queremos aumentar la valoración y el reconocimiento del diseño, como disciplina profesional, demostrando que nuestra organización y cada uno de sus asociados son actores relevantes y protagónicos del desarrollo y crecimiento nacional. Trabajamos por crear instancias de colaboración, apoyo y aprendizaje que fomenten el desarrollo del Diseño en Chile, además de

asegurar la adecuada rentabilidad de nuestros socios para su progreso y proyección en el tiempo. Adicionalmente, en este nuevo período trabajaremos para aumentar: -El sentido de pertenencia y orgullo entre nuestros asociados. -El reconocimiento de nuestra asociación, con voz y opinión propia. -Su valoración entre todas las industrias e instituciones chilenas. Hemos definido trabajar sobre tres ejes, asociados a tres grandes conceptos: Comunicación: Mayor visibilidad y protagonismo Crecimiento: Recaudación de más fondos y recursos Estructura: Profesionalizar estructura interna Creemos que el diseño como disciplina esta viviendo un momento único en el mundo, vemos que los países industrializados llevan el liderazgo del que hacer en materia de diseño y que Chile no puede quedarse atrás.

Es por esto que uno de nuestros avances han sido las redes de comunicación y colaboración con el Gobierno de Chile, trabajo que se ha desarrollado desde Directorios anteriores y que hoy nos corresponde continuar y capitalizar. Hoy, junto al CNCA, nos encontramos con instancias de trabajo inéditas que sin duda harán que la posición del Diseño en Chile avance hacia el lugar que se merece. Directorio 2016 - 2018 Roberto Concha / Presidente Socio - Director General Creativo - Procorp Agustin Quiroga / Vice presidente Socio Fundador - Director de proyecto - CQ Michelle Douglas / Director Socia - Directora de diseño - Taco Alto Rodrigo López / Director Socio - Director ejecutivo -Panda Dan Weitzman / Director Comercial Socio Fundador - Director Comercial Siente Cinco Mónica Vargas / Director Socia Directora - Dioslascría

___Eventos

NUEVA IMAGEN DEL BIM La útlima versión de la solución de software BIM líder en la industria para arquitectos. ARCHICAD 20 Presenta una nueva interfaz de usuario de diseño plano y de alta resolución que lo destaca de las demás herramientas BIM convencionales. Debajo de la superficie, una serie de importantes mejoras funcionales pone el énfasis en la “I” de BIM. • Rendimiento #BIM • Nueva imagen del #BIM • Visualización • Favoritos Gráficos Expositor Roderick Anderson: Roderick Anderson, CEO y Director Internacional de Diseño en SARCO Arquitectos Costa Rica.Roderick es propietario y diseñador principal de SARCO Arquitectos, firma galardonada tres veces por sus diseños con el premio “Highly Commended, Residencia Unifamiliar” otorgado por “International Property Awards”. SARCO Arquitectos se distingue por su filosofía Design-Build, que consiste en responsabilizarse no solo del diseño BIM mediante ARCHICAD sino también de la construcción de sus proyectos.

Roderick Anderson Arquitecto Invitado, Miklós Szovenyi-Lux Jefe de Relaciones Estratégicas GRAPHISOFT Hungría, Enzo Valladares Pagliotti Ingeniero Calculista Usuario de ARCHICAD.

___Eventos

ACCESIBILIDAD D UNIVERSAL DESDE MARZO DE ESTE AÑO, COMENZÓ A REGIR UNA NORMATIVA DE ACCESIBILIDAD UNIVERSAL QUE ESTABLECE NUEVOS PARÁMETROS PARA LA CONSTRUCCIÓN DE EDIFICIOS Y ESPACIOS PÚBLICOS, BASADA EN EL PRINCIPIO DE “RUTA ACCESIBLE”, QUE BENEFICIA A LAS PERSONAS CON MOVILIDAD REDUCIDA.

AC ha lanzado el Concurso Accesibilidad Universal, invitando a profesionales y oficinas de arquitectura y diseño y estudiantes de las carreras, a un concurso de ideas, con el propósito de generar innovadoras propuestas para acercar por medio de cambios culturales y constructivos, los conceptos de accesibilidad universal. En esta primera versión se han enfocado en ideas de arquitectura, llamando a crear “La Ruta Inclusiva” en un espacio edificado, que consideren propuestas para utilizar los verbos de la cadena de accesibilidad que facilitan la autonomía, comodidad y seguridad en el desplazamiento y movilidad, y de adaptación creciente a una forma de vida cada vez más inclusiva: Acceder, usar, circular, salir, informar. El Concurso se exhibirá a fines de julio 2016 y publicará como libro digital. La Premiación cerrará un Encuentro sobre Accesibilidad Uni-

versal el 29 de julio, en que se han invitado a un Jurado y personalidades de diversas profesiones y miradas a exponer desde su especialidad al público asistente, en 100 Showrooms, Feria Internacional Arquitectura y Diseño D+A, entre el 28 y 30 de julio próximo en Casapiedra. http://concursoaccesibilidad.cl/ Organiza: DAC Diseño Arquitectura Comunicación Patrocinan: Colegio de Arquitectos de Chile, AOA, Senadis, Chile Diseño Auspician: Socodren, Rey, Atika, Duplex Chile, Trespa Colabora: BAU Accesibilidad Foto: C.J. Walsh

___Eventos

ESPACIOS DE LUZ EN EL CONTEXTO DE 100 SHOWROOMS DAC organiza la segunda versión del “Concurso Espacios de Luz”, invitando a profesionales arquitectos, diseñadores, lighting designers, escenógrafos y artistas, a un concurso de obras realizadas que aspira a mostrar y premiar la especialidad en todas sus formas y en todo tipo de espacio, ya sea Light Art, Iluminación Interior o Exterior. En esta versión se sumará la convocatoria a titulados y estudiantes de las carreras, a proponer ideas sobre Luz y Movilidad, que también premiaremos, con el objetivo de gene-

Hoy más que nunca está la necesidad de irrumpir y actualizarnos, ya que la Iluminación está asociada a la creatividad, imaginación, emoción, participación, expresión, convivencia, seguridad; y la tarea de DAC es convertir la luz y energía en un tema relevante que se difunda, estudie y profundice en forma permanente, en torno a lo que es inherente a la vida cotidiana y la habitabilidad en las ciudades.

rar innovadoras propuestas para promover, acercar e instalar el referente del diseño de

Promover las buenas prácticas y el desarrollo de nuevas tecnologías a las que podemos acceder, apoyados por profesionales, instituciones, universidades, especialistas y empresas, y el correcto uso de luz y energía, es lo que motiva a DAC para unir esfuerzos entre todos los actores, quienes proveen, quienes especifican y quienes planifican para comunicarlo a los usuarios.

http://concursoespaciosdeluz.cl/

iluminación como un elemento que cambia la ciudad y la manera de vivir de las personas. El concurso se exhibirá y se publicará en forma digital. La premiación cerrará un Encuentro sobre Espacios de Luz y Energía, el día jueves 28 de julio, en que participarán el Jurado y personalidades de diversas profesiones y miradas, exponiendo desde su especialidad a los invitados y público asistente, en 100 Showrooms, Feria Internacional para Arquitectura y Diseño, entre el 28 y 30 de julio 2016. Organiza: DAC Diseño Arquitectura Comunicación Patrocinan: Colegio de Arquitectos de Chile, Chile Diseño Auspician: Schréder, Eglo, Trespa, Escuela de Diseño UC Colabora: Luxia Lighting

Foto: Células (2) - Izakaya Dubai / Créditos Luxia Lighting

AC (Diseño Arquitectura Comunicación) invita a empresas y profesionales a participar en su web http://luz.disenoarquitectura.cl sobre arquitectura y diseño de luz y energía. Dirigida a profesionales y usuarios, a quienes estén interesados en sumarse e innovar en luz y energía en su vivienda, lugar de trabajo, estudio, recreación, barrio, comuna y ciudad y conocer las múltiples tecnologías, desarrollos y obras relacionadas a la luz.

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BORN ELECTRIC: LA RESPUESTA DE BMW i PARA LA MOVILIDAD ELÉCTRICA

La creación de un auto 100% eléctrico desde cero, sin emisiones y pensado para la comodidad de la ciudad. Esa es la propuesta que ha desarrollado BMW i, ofreciendo una nueva forma de movilidad en sintonía con el medio ambiente. El desarrollo de BMW i es sustentable en todos los aspectos y en toda la vida útil del auto; su proceso de producción es prueba de ello. La fábrica de ensamblaje de BMW i en Leipzig, Alemania, representa un nuevo concepto de producción automotriz. Ésta es suministrada con un 100% de corriente eléctrica proveniente de cuatro turbinas eólicas instaladas para este fin dentro de las propias instalaciones. En este proceso, el consumo de energía necesario para la fabricación de los vehículos se ha reducido en un 50%, y el consumo de agua en un 70%. Además, dispone

de un sistema inteligente de ventilación con efecto de refrigeración que renueva el aire varias veces al día, por lo que no es necesario un sistema de aire acondicionado adicional. BMW i se destaca por su ADN “verde”. Ejemplo de esto, es que el 95% de los materiales usados por el modelo eléctrico BMW i3 corresponde a materiales reutilizables. Asimismo, para cumplir con el desafío de buscar un destino útil y sustentable a sus baterías de iones de litio, una vez que cumplan su vida útil, BMW i resolvió reutilizarlas como almacenaje intermedio para energía solar o eólica. De esta forma, cada uno de los detalles de BMW i se basa en los pilares de la nueva movilidad urbana, en la que la sofisticación y la sustentabilidad se complementan para la experiencia de manejo.

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Proyecto Departamento Piloto Edifico las Hualtatas, Grupo Magal, Santiago de Chile

Proyecto Modulex, Billund, Dinamarca

BOCONCEPT BUSINESS

empresas. Desde pequeños negocios hasta grandes multinacionales tienen la oportunidad de crear sus ambientes corporativos de la mejor forma posible, ajustándose a su estilo y presupuesto.

BoConcept Business

Contamos con profesionales experimentados, quienes sólo buscarán la satisfacción de nuestros clientes y quienes ayudarán a desarrollar una propuesta profesional a la altura de sus requerimientos particulares, ya sea, soluciones de interiorismo para restaurantes, salas de conferencias, lounge, departamentos piloto, hoteles y mucho más .

La esencia de BoConcept Business es crear el espacio adecuado para tu equipo y tus clientes Los hacemos sentirse en casa incluso cuando no lo están BoConcept Business busca crear una experiencia más personal en los ambientes corporativos. El gran diseño, alta calidad y el sinnúmero de posibilidades de personalización que han hecho de BoConcept la opción preferida por miles de clientes alrededor del mundo durante más de 60 años, ahora también están disponibles para

Per Nielsen, director de BoConcept Business a nivel mundial, comenta: “Con BoConcept Business tomamos lo mejor de nuestra exitosa estructura de ventas en tienda y la llevamos a otro nivel de calidad y servicio ajustado a las necesidades particulares del mercado corporativo”

Proyecto Herning Arena, Jyske Bank BOXEN, Herning, Dinamarca

Proyecto Grupo Visabeira, Viseu, Portugal

Los deseos especiales son más que bienvenidos La imaginación debe ser el único límite cuando se trata de elegir los muebles adecuados para su proyecto. Con más de 30 sillas diferentes para elegir, estamos seguros que encontraremos el diseño perfecto para cada situación, desde comedores hasta salas de conferencias, para exteriores o interiores, soluciones funcionales de almacenamiento y muchos diseños más. Los toques finales también son muy importantes, por esta razón BoConcept Business también pone a disposición del mercado corporativo una gran variedad de sus lámparas, alfombras y accesorios que marcan la diferencia y hacen que sus visitantes y clientes se sientan como en casa. BoConcept Business Póngase en contacto con BoConcept Business y comencemos a trabajar en tu próximo proyecto.

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MOSAICO LAB, UNA EXPERIENCIA ÚNICA

Con más de 25 años de presencia en el mercado nacional e internacional y haciendo gala de la innovación como uno de los pilares fundamentales de la compañía, Mosaico S.A abre las puertas de su casa presentando un espectacular espacio expositivo que invita a vivir, interactuar y experimentar con los productos.

Mosaico Lab, es un completo espacio de innovación y vanguardia desarrollado en las dependencias de Mosaico S.A. Se trata de un elegante showroom donde se exhibe el line up completo de la marca italiana Aggio y la marca nacional Stretto -pertenecientes a la compañía-, además de las prestigiosas marcas internacionales Sanitana, Presto y Gamco, representadas exclusivamente para Chile por la empresa. El espacio además cuenta con un laboratorio abierto a los clientes donde se pueden hacer distintos tipos de pruebas.

Mosaico Lab está inspirado en el concepto de conocer los productos a través de la experiencia, de manera que la exhibición es 100% funcional, permitiendo que cada visitante tenga la oportunidad de comprobar in situ las prestaciones que brinda cada producto exhibido, además de apreciar los distintos diseños y terminaciones creados para cubrir las necesidades de cada consumidor. Más información en: www.mosaico.cl

Prepรกrate a vivir una experiencia inspiradora... Juan de la Fuente 234, Parque Industrial, Lampa, Santiago. (+56 2 ) 2731 7600 | info@mosaico.cl | www.mosaico.cl

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DECORADOS De la fábrica Codicer tenemos la serie Heritage que es un porcelanato esmaltado con impresión digital, es lo último en tecnología. El formato de 25x25 en diferentes diseños que puedes mezclar a tu gusto. Excelente alternativa para decorar espacios con personalidad. Disponible en 29 combinaciones.

MUEBLES DE BAÑOS Destacamos a nuestro proveedor Klipen, con muebles de baños de diferentes dimensiones y acabados. Todo para proyectar el espacio de baño en un lugar cómodo y práctico. Algunos de nuestros diseños suspendidos dan la sensación de amplitud en los espacios más reducidos.

PORCELANATO TIPO CEMENTO En porcelanatos tipo cemento de impresión digital tenemos la serie Trudos de Baldocer, fábrica Española, en un formato de 40x60 moderno recomendado tanto para pisos como muros. Los porcelanatos tipo cemento están muy de moda por sus colores sobrios y look minimalista, especialmente en espacios abiertos, como terrazas dando un aspecto único y natural a espacio urbanos.

MADERAS En maderas tenemos una gran selección de proveedores, dentro de las novedades destaca la fábrica Brasileña Indusparquet, con formatos modernos de 190 mm x largos variables, lo que permite flexibilidad en el diseño. Instalación flotante y espesor de 19 mm. Disponible en diferentes tonos y diseños.

DISEÑO Y VANGUARDIA INNOVA DSN se preocupa de ofrecer diseños de tendencia con productos diferenciados para cada proyecto y espacio a precios accesibles, otorgando asesoría profesional y calificada a nuestros clientes con un sello de cercanía. Nuestras líneas de productos son cerámica, porcelanatos, mosaicos, piedras + pizarras, sanitarios, pisos de madera, fotolaminados, griferías y sanitarios. Nuestras tiendas se ubican en Av. Consistorial 2701, Local C-08, Peñalolén y el año pasado abrimos nuestra segunda sucursal en Av. Vitacura 9075, Vitacura. También nos puedes encontrar en Facebook/InnovaDSN.

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NUEVAS IMPRESORAS DE GRAN FORMATO CANON iPF770/670

INNOVACIÓN, TECNOLOGÍA DE ALTA PRECISIÓN Y VERSATILIDAD Canon cuenta hoy con soluciones de impresión en gran formato que cubren todas las necesidades de alta tecnología y extraordinaria precisión en tinta y láser, color y monocromático, multi y monofuncional, ideales para las áreas de arquitectura, ingeniería y construcción. En tecnología a base de tinta para CAD/GIS, Canon cuenta con equipos que van de 17 a 44 pulgadas de cinco colores que permiten imprimir en alta calidad fotográfica, entregando una mayor definición y precisión en la línea negra frente a distintas tonalidades de colores. En este sentido destacan los nuevos equipos imagePROGRAF iPF770 MFP L36 e iPF670 MFP L24 que, con un diseño compacto y multifuncional, permiten un costo de impresión más económico, así como una mayor productividad gracias a sus tintas de gran capacidad y su tecnología “Hot Soap” que permite cambiar los tanques sin necesidad de interrumpir un trabajo de impresión y una calidad de impresión con líneas extrafinas con precisión de +/- 0,1% y anchura de hasta 0,02mm. Además, ambos dispositivos incorporan la función de escaneado a USB, agilizando el proceso de impresión. En tanto, las opciones de escaneado y copiado se pueden ajustar

al modo “Draft to Best” para trabajos como planos y carteles de gran formato. Mientras tanto, el ajuste simple de imagen también está disponible para entornos de diseño CAD, que requieren impresiones más detalladas. Por otro lado, complementan la línea los equipos imagePROGRAF iPF785/iPF780 MFP M40 AIO, que están dirigidas a los entornos de documentación técnica. Ambos dispositivos son de 36’’, cinco colores y tanques de tinta de gran capacidad. Incluyen una serie de funciones, como el “Direct Print & Share”, que permite imprimir y compartir directamente, además de la función “Shortcut” que extiende la capacidad para imprimir sin tener que abrir los ficheros, permitiendo a los usuarios la impresión automática –en configuraciones predefinidassimplemente con arrastrar los ficheros a Shortcut, y que está especialmente indicado para entornos en los que la automatización y el control centralizado de la impresión resultan claves. De este modo, la personalización alcanza un nuevo nivel con el sistema iPF MFP 40. Cabe destacar que Canon cuenta con servicio técnico certificado a lo largo de país, una línea 800 de atención y soporte, garantía y respaldo de la marca.

imagePROGRAF iPF670 MFP L24 ÚNICO EN SU CATEGORÍA

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ROCHA S.A. MULTIOFICINA MEJORAR LOS ENTORNOS DE TRABAJO ES SU APORTE A LA CALIDAD DE VIDA DE LOS COLABORADORES. Rocha S.A. - Multioficina es una empresa dedicada a la habilitación de oficinas, y cuya visión es Ser líderes en el mercado chileno por altos estándares de calidad de servicio y vanguardia en la creación de espacios. Fundada en 1996, esta empresa lleva hasta la fecha más de 350.000 estaciones de trabajo instalados. Esta empresa de un marcado carácter familiar y con un equipo multidisciplinario de excelencia, busca optimizar los entornos de trabajo de las personas, y así poder mejorar la calidad de vida de cada uno de sus colaboradores. La calidad, el compromiso, el profesionalismo, la cercanía y el servicio al cliente son algunos de los valores que definen a esta empresa y a sus colaboradores. Esta Filosofía está arraigada en la empresa desde sus inicios y desde su principal ges-

tor, Jhon Jairo Gomez, Gerente General de la empresa, que a lo largo de sus años y de su amplia experiencia en el mercado de oficinas en Chile y en gran parte de Latinoamérica ha forjado los cimientos de Rocha S.A. - Multioficina y de su equipo de trabajo.

Rocha S.A. - Multioficina se mueve con sus clientes, se mueve con el crecimiento y se mueve generando ideas, productos y proyectos, porque cuando descubres lo que te mueve nada puede detenerte sostienen como empresa.

Esta visión empresarial entrega a sus clientes soluciones integrales llave en mano, incorporando diferentes alternativas de mobiliario, sillería y de obras civiles, además del conocimiento y la atención personalizada en cada uno de sus nuevos proyectos y clientes.

Esta empresa está ubicada en Avenida Los conquistadores 2635, Providencia donde cuentan con su oficina administrativa y su showroom está ubicado en Av. La Dehesa 181, oficina 409.

Rocha S.A. - Multioficina se ha dedicado a crear espacios cuyo único objetivo es poner en el centro a las personas y a incorporar con sus proyectos no tan solo productos tangibles en muebles y sillas, sino a conducir a sus clientes a vivir experiencias, a sentir sensaciones, entendiendo qué mueve a sus clientes y cuáles son sus objetivos. Su amplio portafolio de productos como Arkitek, línea inspirada en la arquitectura de Santiago Calatrava, sus mesas de regulación de altura inspiradas en la solución del trabajo parado – sentado, la novedosa línea Prisma que evoca el diseño nórdico o sus exitosas líneas Vital Plus o Dalí Lt, buscan con su eficiencia entregar diferentes alternativas para generar proyectos corporativos adecuados para cada cliente.

Cuentan también con su propia fábrica ubicada en la comuna de San Miguel, en donde elaboran sus proyectos nacionales y desarrollan proyectos especiales y diferentes para cada necesidad. Para Jhon Jairo Gómez, Su Gerente General, su éxito radica en la vocación de servicio, en entregar la mejor asesoría a las necesidades de sus clientes, a sus inquietudes y seguir con ellos el camino del éxito y del crecimiento. Por este trabajo que desarrollan y por su preocupación y visión empresarial, es que sus clientes instalados en los diferentes rubros comerciales, tales como bancos, telecomunicaciones, educación, industrias, estado, entre otros, se han mantenido a lo largo de los años con Rocha S.A. - Multioficina, confirmándolo como un excelente proveedor en Soluciones Integrales para la Oficina.

MEJORAR LOS ENTORNOS DE TRABAJO ES NUESTRO APORTE A LA CALIDAD DE VIDA

Showroom y casa Matriz: Av. Los Conquistadores 2635, Providencia, Santiago - (562) 2586 2196 - 2586 2197 Showroom La Dehesa : Av. La Dehesa 181, Of. 409, Lo Barnechea, Santiago - (562) 2321 2094 - 2321 2095

www.multioficina.cl - facebook.com/multioficina - ventas@multioficina.cl

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DIMOBILI IMPONE TENDENCIA Nuevas marcas y multiples productos, tanto importados como de fabricacion Nacional, componen el mix de productos que Dimobili ofrece , compañia creada hace 7 años de la mano de sus socios , que estan presentes en el rubro del mobiliario y terminaciones hace mas de 20 años. El mundo está cambiando, y nuestra manera de estar en él también. Por esto, es lógico que nuestros ambientes de trabajo y educacionales evolucionen junto a nosotros.

Tenemos 3 tendencias predominantes en las oficinas de hoy. 1.DISEÑOS COLABORATIVOS Los tiempos en los que se buscaban oficinas con mucha privacidad han quedado atrás, y ahora se busca crear espacios abiertos donde las distintas áreas de la organización puedan compartir constantemente e intercambiar ideas. 2. AUTOMATIZACIÓN Los ambientes profesionales cada vez están más conectados con la tecnología y eso es algo que debe reflejarse también en su espacio de trabajo; elementos que integren las últimas tecnologías con los espacios físicos, hacen que cada parte de su oficina pueda ser aprovechada al máximo. 3. OFICINAS ERGONOMICAS El primer paso en el camino hacia un trabajo saludable es equipar nuestra oficina con muebles ergonómicos, para luego organizarlos en nuestra oficina de la manera más cómoda posible. Por último, al igual que un conductor debe ajustar la posición del espejo antes de arrancar, tenemos que ajustar la altura de nuestra silla de oficina para que esta esté nivelada con respecto al escritorio y al computador, es por esto que se han diseñado mesas las cuales son regulables en altura para que asi el usuario pueda tener la opción de trabajar de pie y descansar la columna.

En los ambientes educacionales, la revolución es total, historialmente , las salas de clases estaban desarrolladas en pequeñas ambientes en las cuales participaban niños de diferentes edades e intereses , luego se fueron diseñando pupitres en que el asiento y mesa estaban unidos , ya que el sistema educativo era mas rígido y solo se escuchaba al profesor que dictada a modo de monologo . Todo eso evoluciona y ahora los ambientes educacionales están enfocados a áreas más colaborativas, flexibles, dinámicas y el diseño de mobiliario marca tendencia para apoyar estas exigencias. Las salas de clases hoy, tienen mesas de distintas formas, sillas adaptadas para cada edad, estas son ergonómicas, lo cual permite mucho mayor tiempo de concentración de los alumnos ya que están muy cómodos, y asi lo demuestran estudios en los cuales han cambiado su mobiliario y los resultados académicos han mejorado enormemente.

Dimobili Chile dimobili_chile

Showroom: San Patricio 4099 Of. 204, Vitacura, Santiago / 56-2-29536498 / contacto@dimobili.cl / www.dimobili.cl

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EXPO HOTELES EN MILÁN ESCOGEN INTERRUPTORES AVE Grandes hoteles eligen ave, no sólo por el diseño de sus estilizadas placas, sino también por su sofisticada propuesta de automatización hotelera. El famoso arquitecto Simone Micheli ha seleccionado para su exposición ”Diferentes Suites para Diferentes Personas”, los productos de ave. Según el arquitecto, tanto la elegancia en su diseño como su alta tecnología, ”visten bien” las suites diseñadas por él con la línea full domótica, interruptores y enchufes ave. Ave es una empresa que tiene más de 110 años en el mercado, presente en 80 países alrededor del mundo y en Chile está representada y distribuida por Deveco S.A. Los productos ave ya se encuentran en los principales proyectos de arquitectura nacional

ya sea en viviendas, comercio y hoteles y las muestras se encuentran exhibidas en los distintos Showrooms dedicados a terminaciones arquitectónicas. El nuevo proyecto en construcción Hotel Regal Pacific, diseñado por A4 arquitectos, también eligió productos ave para sus instalaciones y, recientemente, Bercia inauguró una completa muestra de los distintos productos y domótica que, ya se imponen en el mercado. La celebrada exposición realizada en Milano durante Fuorisalone 2016, ”Diferentes Suites para Diferentes Personas” no fue sólo una exposición, sino un proyecto real para reformar la industria hotelera. Un evento, tal como se define por su propio creador, ”de gran encanto, gran contenido intelectual y comunicativo” que fue capaz de involucrar a miles de personas. Los visitantes pudieron experimentar e interactuar con los modernos y futuristas ambientes, donde el diseño y los sistemas de automatización hotelera y domótica de ave fueron elegidos para construir las fundaciones del hotel del mañana. Cabe señalar que esta exposición ha tenido gran impacto en el rubro. Se logró una combinación armoniosa de diferentes simulaciones reales que dieron forma a cuatro lujosas suites de hoteles, en 80 metros cuadrados cada una, creada para grupos hoteleros de prestigio. Exclusiva, comunicativa, e integradora, son

los adjetivos que más definen el carácter de la suite número uno de Room Mate Hotels. Un lugar dinámico que ofrece una experiencia llena de energía podría describir la suite número 2, dedicada a ibis Styles de AccorHotels, concebida como un auténtico refugio urbano, donde los productos de ave se incluyen para mejorar la acogida. Si seguimos avanzando nos encontramos con la suite número 3 de hoteles Best Western, diseñada para ofrecer la mejor experiencia de hospitalidad al pasajero. El mobiliario es dinámico, vanguardista, minimalista y multifuncional, así como las placas blancas Touch de ave que entregan una solución sofisticada, moderna y personalizada a las necesidades y exigencias de las personas que viven en el mundo de hoy. Finalmente, apreciamos el diseño de Ascend Hotel Collection by Choice Hotels. Esta cuarta Suite está configurada como un entorno flexible e inteligente, dedicado a la libertad de movimiento. Las placas Touch de ave se insertan en estos espacios para ofrecer al visitante un contacto innovador y evolucionado con los interruptores, luces y hospitalidad, que abarca totalmente el proyecto de reforma dirigido por Micheli y su exposición.

Hoteles participantes: Room Mate Hotels - AccorHotels - ibis Styles - Best Western Hotels - Ascend Hotel Collection by Choice Hotels

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EGLO EGLO, la empresa austriaca de Iluminación Decorativa y Técnica tiene su origen en el año 1969 y que actualmente está celebrando 12 años en Chile siendo líder de la industria gracias a su amplia variedad de diseños que ofrecen tanto para el hogar como para proyectos culturales, inmobiliarios, oficinas, clínicas, auditorios, pasillos, estacionamientos, entre otros; abarcando más de 5.000 productos con sus colecciones que van desde Basic, Avantgarde, Trend, Outdoor, Style, Traditional, Solar y Vintage. EGLO se ha dedicado a entregar soluciones para todo tipo de proyectos, ya sea el que se enfoca a iluminar y decorar un hogar,

además de adaptarse a las necesidades de las más modernas obras inmobiliarias como también a las obras históricas de arquitectura, en donde esta última EGLO ofrece distintos diseños los cuales son ideales para mantener la armonía de estas obras patrimoniales y culturales, sin que se interrumpa la esencia de la época de cuando fueron construidas. Durante estos 12 años en Chile, EGLO ha crecido constantemente y siempre manteniendo los más altos estándares de calidad en iluminación. Actualmente EGLO está presente en distintas ciudades alrededor de Chile, especialmente en donde tiene sus Showrooms ubicados en Iquique, Viña del

Mar, Concepción y en 3 puntos dentro de la Capital, en donde podemos mencionar el de Vespucio Norte, Las Condes y en Ñuñoa, a la espera de expandirse a otras ciudades eventualmente; por otro lado, EGLO tiene sus distribuidores autorizados a lo largo de todo el país. El objetivo de EGLO es mantener el liderazgo que posee tanto en Iluminación Decorativa como Técnica, ofreciendo constantemente nuevos diseños y productos innovadores junto a la calidad que lo ha caracterizado durante estos años.

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ECOBOXHAUS LA PROPUESTA DEL ARQUITECTO MARCELO BUDNIK PARA VIVIR EN CONTACTO CON NUESTRO HÁBITAT NATURAL A PARTIR DE LA EXPERIENCIA CON LA MADERA.

budhaus@budhaus.cl

¿El desarrollo de trabajos en madera y materiales nobles es una clara distinción en tu trabajo, como se despertó en ti el interés por estos materiales? Desde los 3 años me atrajo la carpintería, las manualidades y sobre todo la madera. Mi habitación era mi mundo y como tal debía proveerme un espacio cálido, pero a la vez funcional para desarrollar mis proyectos. Ahí construía modelos, diseñaba juguetes de madera, máquinas y creaba casas dento de mi habitacion con muebles y frazadas. Entendí desde muy pequeño que el espacio donde vivimos es como una célula, es decir nos debe asegurar un ambiente equilibrado y estable para poder desarrollar todo nuestro potencial. Así surgió un concepto que trato de llevar hoy en día a mis casas, la cito arquitectura (la arquitectura de la célula). Es decir un ambiente óptimo y personalizado para cada individuo y familia, de tal forma de potenciar sus capacidades. Así trabajan las células de nuestro cuerpo, en armonía y sincronía para que podamos respirar, sentir y movernos. Al pasar los años, titularme de arquitecto en la Universidad de Urbanismo y Arquitectura de Buenos Aires, UBA, y especializarme en construcciones en madera en USA, fue un proceso natural. Siempre supe que debía diseñar un hábitat armonioso con el hombre y la naturaleza y que fuese asequible para todos. De esa forma lograba hacer mi aporte a la sociedad.

Siento una fuerte afinidad natural con la madera y es notable, porque no hace falta intelectualizar, solamente sentir su calidez y vibración armónica para equilibrar a cualquier persona. Además, es naturalmente sismoresistente, con una relación peso resistencia casi único, renovable e indispensable para la vida del planeta. La piedra por otra parte, como elemento primario, y entrelazado con la madera, permite potenciar sus cualidades ya que entran en una simbiosis y la madera recibe las bondades de la piedra, sin perder sus propias cualidades como la resitencia a la flexcompresion. Esto motivó que el 2014, creara Budwoods, una empresa dedicada a la investigación y dotar a la madera de algunas características de la piedra, como son la incombustibilidad, resistencia a los hongos y parásitos, y mayor dureza. ¿Qué es Ecoboxhaus? Teniendo en mente el concepto de cito arquitectura y después de más de 30 años en diversas áreas de la profesión, quise diseñar viviendas unifamiliares, personalizadas que se resume en un Ecoboxhaus. Esta figura es la síntesis de la racionalización de las formas de la naturaleza, y la caja en la cual habita la familia de hoy en su máxima diversidad. Ecoboxhaus tiene unas dimensiones de 8 x 8 x 6 metros sin apoyos intermedios lo que lo hace muy flexible y eficiente. Es un espacio abierto, que según las necesidades del cliente puede permanecer abierto, sin muros ni columnas. Esta característica es lo que la hace diferente de las casas prefabricadas, es decir contar con un volumen sin limitantes a disposición de cada familia, para subdividirla según los requerimientos o bien dejar el espacio abierto tipo loft o estudio. Ecoboxhaus tiene como directriz asegurar un mínimo impacto en el medio ambiente en su construcción. Esto se logra al utilizar maderas de plantación y no de árboles nativos, con alta tecnología de conformado, pegado y ensamblado. Ecoboxhaus está despegado del suelo mediante pilotes de hormigón armado, lo que permite con minimo impacto, respetar el terreno, aislar de la humedad y garantizar una adecuada ventilación. Todo esto se traduce en confort para los habitantes y mayor durabilidad de los materiales en el tiempo. Por otra parte, utilizamos materiales como eps proyectado, membranas tipo tyvek o typar, muros ventilados que aseguran un alto grado de sellado ademas de una gran eficiencia energetica.

¿Que duración tiene un trabajo con estos materiales, versus otros? En la construcción, dependiendo de las terminaciones 90 días. Por la calidad y caracteristicas de los materiales que se ocupan y la forma de construcción las casas tienen una durabilidad de más de 100 años y con muy bajo mantenimiento y gran sustentabilidad. ¿Que proyección ves a la Ecoboxhaus y en que ambientes se maneja en cuanto a clima? Creo en la descentralización, las ciudades como Santiago están saturadas, afectando seriamente nuestra salud mental y física. Con la proliferación de la tecnología y el transporte , hoy en día podemos vivir en lugares apartados, no necesitamos aglomerarnos de esta manera insana. Los avances en movilidad y conectividad sitúan a las casas cada vez más en lugares diversos, y la morada tiene que responder adecuadamente a diversos escenarios de clima y suelo. Al igual que el ser humano que puede adecuarse a un gran rango térmico mediante su vestimenta y acciones biológicas como la transpiración, Ecoboxhaus fue concebido para poseer una amplia adaptabilidad a diferentes medios ambientes. Además no hay que olvidar el aspecto económico pero al mismo tiempo personalizado a la individualidad de la familia. Esto requerimientos los cumple Ecoboxhaus a cabalidad.

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CONCURSO INTERNACIONAL IDEAS LAB, LO NUEVO DE ELECTROLUX Ignacio Toro, Gerente Marketing Electrolux Chile.

Una nueva competencia a nivel mundial lanza en agosto próximo Electrolux desde su casa matriz en Estocolmo. Se trata del ELECTROLUX IDEAS LAB, un concurso internacional que convoca a todas las personas creativas, mayores de 18 años, que se sientan capaces de generar una idea genial que permita mejorar la alimentación en los hogares del futuro. Ignacio Toro, Gerente de Marketing de Electrolux Chile, especifica que este nuevo certamen reemplaza al ya conocido Electrolux Design Lab, que por más de una década buscó talentos jóvenes del diseño industrial. Hoy la compañía desafía “no sólo a profesionales del diseño sino además a mamás, arquitectos, bloggers, expertos en nutrición, chefs, médicos, en fin...quien se sienta capaz de generar nuevas experiencias de alimentación para las familias. Estamos en busca de un proyecto o artículo que inspire y contribuya a mejorar lo que preparamos y comemos. Una idea que haga nuestra rutina alimenticia una experiencia más sabrosa, saludable y a la vez sustentable”. En cuanto a los proyectos mismos, en ELECTROLUX IDEAS LAB cabe también de todo tipo de formato para concursar: aplicaciones de teléfonos inteligentes, programas de intercambio de alimentos, utensilios de cocina, ideas de negocio en toda su variedad. Sólo la imaginación de los participantes será el límite. “Vivimos en un mundo que evoluciona muy rápidamente. Por eso, en Electrolux

nos hemos dado cuenta que las ideas más innovadoras no tienen que venir forzosamente de nuestros laboratorios de Diseño; probablemente, muchas de ellas, pueden nacer en la mente de una dueña de casa o de un aficionado a la cocina. Es por eso, que con esta nueva plataforma queremos dar tribuna al ingenio y creatividad de nuestros consumidores y ayudarlos a desarrollarlas profesionalmente”, advierte Ignacio Toro. La idea ganadora accederá a un premio de 10.000 € y también una experiencia única en Suecia. Durante cinco días en Estocolmo -una de las capitales incubadoras de talento más importantes de Europa- el ganador recibirá el coaching empresarial de parte de organismos y compañías de primera línea, donde sus ingenieros en Marketing y de expertos en diseño lo apoyarán y conectarán con sus propias redes profesionales para materializar el proyecto. Existe desde ya un pre-registro en el sitio web www.electroluxideaslab.com, al que los participantes tendrán acceso una semana antes de la competición que comienza oficialmente el 15 de agosto. En tanto, los detalles completos del desafío, el proceso de competencia, criterios de evaluación y el premio se darán a conocer en esa misma fecha y en el sitio mencionado. ELECTROLUX IDEAS LAB desafía entonces, a todas las mentes creativas a unirse a los esfuerzos de su compañía para crear experiencias notables de alimentación a través de ideas que pueden cambiar el futuro.