DISEÑO+ARQUITECTURA Nº 50 by D+A MAGAZINE CHILE

José Cruz Ovalle. Premio a la Trayectoria en Arquitectura 2016

Making Africa. Un continente de diseño contemporáneo.

Le Corbusier. Patrimonio de la humanidad.

PUBLICACION BIMESTRAL / $5.000 (CHILE) / WWW.DMA.CL / AÑO 10

NÚMERO

EDICIÓN ESPECIAL 10 AÑOS

___Publirreportaje

LÍNEA IMAGEPROGRAF DE CANON PARA ARQUITECTURA, INGENIERÍA Y CONSTRUCCIÓN

APLICACIONES QUE FACILITAN LA IMPRESIÓN EN GRAN FORMATO Con casi 80 años de historia, Canon ha revolucionado la industria marcando la pauta con tecnologías innovadoras y una mirada al futuro que hoy lo posicionan como un referente en soluciones de impresión. Gracias a su constante búsqueda por innovar, la compañía japonesa ha podido ir un paso más allá en el desarrollo de tecnologías que facilitan el trabajo de profesionales en diversas áreas. Canon no sólo cuenta con el mayor portafolio del mercado en gran formato, con equipos de alta calidad y productividad para gráfica y CAD, con tecnología tinta y laser, mono y multifuncional, sino que también apuesta por el desarrollo de software sencillos de usar y listos para satisfacer las diversas necesidades de impresión. En este sentido, los equipos de la línea imagePROGRAF para CAD son ideales para profesionales que se desempeñan en áreas como la arquitectura, ingeniería y construcción, ya que entregan una mejor calidad de imagen a un menor costo e incluyen una serie de programas que permiten administrar los procesos de impresión. El objetivo no es solo facilitar el trabajo de quienes realizan dichas tareas, sino que también ayudar a las compañías a aumentar su productividad y seguir creciendo. Para ello, las aplicaciones juegan un rol fundamental. Ideal para quienes están constantemente viajando o trabajan en terreno, la solución “Direct Print & Share” da a los usuarios la posibilidad de compartir e imprimir archivos JPG, TIFF, PDF y HP-GL/2 desde cualquier parte del mundo. Gracias al espacio de almacenamiento en la nube de Canon, también se puede escanear y cargar documentos. Una función similar, pero pensada para quienes utilizan el sistema iOS, es la que entrega “Print Utility”. Con ella, los usuarios pueden

imprimir archivos PDF de manera remota, directamente desde un iPad® hacia un equipo imagePROGRAF. Si diseñar carteles requiere de tiempo y dedicación, Canon también incorpora aplicaciones para facilitar el trabajo de quienes llevan adelante esta labor. Con el software para PC “Poster Artist Lite” arquitectos, ingenieros o diseñadores encontrarán todas las herramientas necesarias para diseñar impresionantes pancartas en simples pasos. Y si la administración de costos en los procesos de impresión puede ser difícil de controlar, Canon desarrolló un software que precisamente ayuda a asignar gastos de impresión a los proyectos de forma fácil. “Accounting Manager” realiza un seguimiento a los trabajos impresos por el usuario, lo que permite calcular la tinta y los materiales manteniendo el presupuesto para este ítem dentro de los límites establecidos. Por su parte, la línea de sistemas multifuncionales imagePROGRAF M40 cuentan con el software SmartWorks para el escaneo hacia impresión, archivo, edición y uso compartido que incluye una serie de configuraciones previas personalizadas, es decir, se adaptan a las necesidades de cada usuario. Por ejemplo, incorporando una interfaz que ayuda a una navegación sencilla, mejora de imágenes e integración a la nube. De este modo, Canon está constantemente generando aplicaciones que ya son parte de los procesos de una empresa y que tienen a la innovación como su mejor aliado. Por último, cabe destacar que la compañía cuenta con servicio técnico certificado a lo largo de país, una línea 800 de atención y soporte, así como el respaldo y garantía de la marca.

___Editorial

QR D

+A Magazine Nº 50!

¿Cómo desarrollar el proyecto de una revista en épocas donde todo se digitaliza, se transforma, con información rápida y sintética, generándose una comunicación fluida y disponible en computadores, teléfonos celulares, tablets y otros…? Cuando nos planteamos esta pregunta hace 10 años nos abrimos al impulso de querer llevar adelante este proyecto por dos razones: la primera por la motivación de publicar diseño y arquitectura en el formato conocido de papel couché, procurando un buen diseño de revista como objeto, reflejando tendencias, dar a conocer obras de actores establecidos y nuevas figuras en estas grandes disciplinas que son el diseño y la arquitectura. La segunda razón fue la de querer extender y rescatar la experiencia obtenida en Londres en publicaciones, como también en publicaciones del ramo en Chile. D+A Magazine nació bajo las turbulencias de cambios y ferocidad tecnológica. Podemos casi dividir la historia de las publicaciones en un antes y después de internet. Hace diez años no dimensionamos bien el fenómeno. Siempre se pensó que todo iba a coexistir, como lo hizo el cine con la aparición del video y hasta la fecha ha sido el caso. El formato de revista cumple con el propósito de informar, de pasar re-vista

Director Walter Junge Editora Sonia Rabagliati Diseño Cristián Villegas Coordinación Comercial Jacqueline Cammás Consejo Editorial Jorge Figueroa Cristián Boza Magdalena Dueñas Paula Aguirre Colaboradores Humberto Eliash

Felipe Novoa Macarena Achurra Administración Pamela Guerra Edita Tradeshows Chile Ltda. Distribución Directa Speedmailer Venta de Publicidad contacto@dma.cl Dirección Comercial y Venta Directa Pedro de Villagra 2365, Vitacura, Santiago de Chile.

a los hechos de un determinado tema u oficio, de tal manera que hay un comienzo, la portada, y un final, cuando se cierra el objeto, quedando el lector así se espera, plenamente informado. Esa es nuestra fortaleza versus eternos “scrolls” que nos llevan a un interminable pasadizo de sobre información sin foco. El proyecto fue y aún lo es, ambicioso, pero finalmente existe y es solo posible gracias al aporte de nuestros auspiciadores, que cada año nos han acompañado en esta tarea, su propósito es vincularse como marcas, con los profesionales que especifican productos. Son ellos los que permiten que estas iniciativas coexistan con otros medios. Este modelo donde todo puede costar menos a cambio de un retorno positivo, ha dado un buen resultado… el tema es cómo medimos los resultados. Para nosotros publicar y poder hacerlo es en sí un gran logro. Celebramos diez años de publicaciones que orgullosamente producimos cada año para la satisfacción nuestra, la imprenta, los editores, diseñadores, distribuidores y administradores, nuestros lectores y colaboradores. Nos satisface haber logrado sobrevivir esta tormenta tecnológica, que hace que se respete el tiempo de lectura pausada y el enriquecimiento de la observación. El Director

+56 2 2710 58 68 www.dma.cl contacto@dma.cl Suscripciones Patricia Vera suscripcion@dma.cl Suscripción anual (5 ediciones) *Santiago: $36.000 (IVA incl.) *Regiones: consultar Representante Legal Walter Junge Impresión Ograma S.A.

100 SHOWROOMS_ 60 expositores y más de 4 mil visitantes congregó la sexta versión de esta feria, que reúne las últimas tendencias y novedades para la arquitectura y el diseño.

CONCURSO DE ARQUITECTURA ELECTROLUX_ Gastronomía itinerante en espacios públicos fue el tema de esta tradicional convocatoria.

IGNACIO BAHNA_ La fuerza de la naturaleza en su exposición en la galería Artespacio.

THE FLOATING PIERS_ La más reciente intervención del artista visual Christo.

JOSÉ CRUZ OVALLE_PREMIO A LA

REIMAGINANDO EL LAGO DE ISEO_ EL ÚLTIMO REGALO DE CHRISTO

TRAYECTORIA EN LA ARQUITECTURA 2016

“FUGAZ: DETENER UNA ACCIÓN”_IGNACIO BAHNA EN ARTESPACIO

100 SHOWROOMS_FERIA INTERNACIONAL DE ARQUITECTURA Y DISEÑO

CONCURSO DE ARQUITECTURA ELECTROLUX_

LE CORBUSIER_ PATRIMONIO DE LA HUMANIDAD

GASTRONOMÍA ITINERANTE EN ESPACIOS PÚBLICOS

30 MAKING ÁFRICA_ UN CONTINENTE DE DISEÑO CONTEMPORÁNEO

UL 2818

___Arquitectura

JOSÉ CRUZ OVALLE PREMIO A LA TRAYECTORIA EN LA ARQUITECTURA 2016

Edificio de postgrado, Universidad Adolfo Ibáñez

PARA EL ARQUITECTO JOSÉ CRUZ, CADA OBRA POSEE ORIGEN Y NO SOLO GENERACIÓN. DESDE ESTA PERSPECTIVA, PUEDE INSCRIBIRSE, POR SÍ MISMA Y SU CONDICIÓN, EN EL TERRITORIO DEL ARTE. ESTA MANERA DE VIVIR EL OFICIO DE ARQUITECTO -NO LO CONSIDERA UNA PROFESIÓN-, ES UNA DE LAS RAZONES POR LAS CUALES RECIBIÓ EL PREMIO A LA TRAYECTORIA, RECONOCIMIENTO QUE POR PRIMERA VEZ ENTREGA D+A, EN EL MARCO DE LA FERIA DE DISEÑO 100 SHOWROOMS. Por Sonia Rabagliati / Fotos: Gentileza José Cruz

igurosidad, fundamentación y sensibilidad van de la mano en la obra de José Cruz Ovalle, cuyo trabajo se caracteriza por un delicado manejo de la luz y la espacialidad, un particular uso de la madera en sus proyectos y una cuidada interpretación del paisaje. Estas características le han traído reconocimiento internacional. Como el Premio de Honor de la IV Bienal Iberoamericana de Arquitectura (2004), el prestigioso “Spirit of Nature Wood Architecture Award” (Finlandia, 2008) y el Premio Nacional de Arquitectura en 2012. Entre sus obras destacan el Pabellón de Chile en la Expo Sevilla 1992; las bodegas de las viñas Pérez Cruz y Los Robles de los Viñedos Orgánicos Emiliana; los hoteles Explora en Patagonia, Rapa Nui y Valle Sagrado en Perú, y los edificios de pregrado y postgrado de la Universidad Adolfo Ibáñez. José Cruz Ovalle inició sus estudios de arquitectura en la Universidad Católica de Chile en 1968. Durante los años 70 se instala en España y termina la carrera en la Universidad Politécnica de Barcelona.

Manzana viviendas Madrid.

FILOSOFÍA, ESCULTURA Y LA CATÓLICA DE VALPARAÍSO En ese período realiza también estudios de filosofía y comienza a explorar el camino de la escultura. Recibe una influencia fundamental de la Escuela de Arquitectura de Valparaíso a través de su tío Alberto Cruz Covarrubias. Factores todos que, sin duda, se manifiestan en lo que es su aproximación a la arquitectura. A fines de los años 80 vuelve a Chile para quedarse; y es cuando comienzan a surgir esas obras que son poesía, sensibilidad y un oficio y rigurosidad admirables. Nos reunimos con José Cruz en su taller en la calle Espoz de Vitacura, una tarde del mes de agosto pasado. Partimos hablando de la relación de la arquitectura con el arte desde la aproximación de su hacer escultura, y nos encontramos con su primera convicción. “A la arquitectura la considero un arte, porque es una concepción de mundo y no simplemente edificación. Por eso la obra de arquitectura no es solo generación sino requiere de un origen. En este sentido no se funda en la técnica”.

Para él, el inicio de una obra nunca es hacia adelante. Es como un retroceder para quedar suspendido, para desprenderse de cualquier prefiguración o representación, que estén inscritas en nuestra manera de mirar la realidad. Así, cada obra de arquitectura busca levantarse desde su propio origen, constituyéndose, de ese modo, en un caso único y, en tal sentido, en el territorio del arte. -Uno de los factores que tomó en cuenta el jurado para entregarte el Premio a la Trayectoria, fue justamente la relación con el arte que se plasma en tu obra. ¿Cómo se desarrolla esta relación? -Te daré un ejemplo: El pájaro y su nido son una unidad que no puede separarse, cada especie tiene, por así decirlo, impreso en sus genes la conformación de su nido; quiero decir, de la forma y tamaño del nido y, así, esa forma del nido, en el caso del zorzal o de la tenca, es siempre la misma. A diferencia de los pájaros, nosotros estamos siempre debatiendo cuál es la casa del hombre, para la que no hay palabra final, pero no porque vayamos en la línea de un progreso como la ciencia, en la que un peldaño es base para el siguiente. No. En la arquitectura no hay progreso, una obra del románico no es superada

por una del gótico, ni esta última por una del renacimiento. Desde la mirada de la creatividad, cada cual alcanza su propia plenitud sin excluir a la anterior, en tal sentido no se conforma una cadena con obras antecesoras y sucesoras. Es esto lo que constituye al arte, ese no estar en la línea del progreso como la ciencia. La medicina, que es una ciencia aplicada, hoy cuenta con muchos más conocimientos o acumulación empírica que hace 50 años, por lo que el progreso va dejando obsoletas, por ejemplo, las técnicas de cirugía anteriores. En el arte no hay progreso sino una simultaneidad, donde el desenvolvimiento histórico no es una dimensión que hace excluyente lo anterior para reemplazarlo por lo último. Lo último no por ser último cobra mayor estatura creativa. -¿Y cómo se recoge entonces el progreso en la arquitectura? - Cuando la arquitectura se fundamenta en cosas que están sujetas al progreso, de algún modo pasa a ser edificación y no arquitectura; el paso del tiempo la supera porque aparece una tecnología con mayor

Edificio de pregrado, Universidad Adolfo Ibáñez.

perfección. Pero una obra de arte no excluye a otra. Picasso no excluye a Goya o a Velázquez. Eso es propio del arte, que valga decirlo, para el mundo actual es un asunto difuso. Ahora bien, que la obra de arquitectura no se funde en la técnica no significa que la deje fuera, pues le da lugar en ese segundo momento, aquel de la generación, que pone al origen en la dirección de la propia época. LA ARQUITECTURA ES ARTE PORQUE TIENE ORIGEN -Desde esta perspectiva, ¿qué influencias tienen las nuevas tecnologías y la innovación en la arquitectura? -Hay que distinguir innovación de nuevas tecnologías. La innovación se refiere simplemente a lo nuevo sin entrar a distinguir si lo es en el terreno de la técnica o de una creatividad, por así decirlo, anterior a la técnica, y que no necesariamente la presupone. El asunto es qué significa aquí la palabra influencia. Si ella expresa una realidad que tiene un cierto grado de presencia en la obra, o si la obra se sustenta y tiene su razón de ser solo desde ella. En el primer caso está

la arquitectura, abierta a recibir el aporte de la técnica pero cuyo origen, en cada caso, es anterior al hecho técnico –y por tanto tiene la libertad para darle lugar en diferente grado–, pero no se funda ni descansa en este. El segundo caso, me parece, se trataría de edificación. El problema es que hoy se tiene a la generación por origen. Por ejemplo, los avances de la computación han abierto, y lo hacen cada día, nuevas posibilidades para generar las obras. Finalmente se trata de posibilidades. Pero la libertad creativa de una obra, me parece, no depende de las posibilidades, reposa en un momento anterior a ellas. Si algo tiene propio eso que llamamos arte, obra de arte, es que se ilumina desde ese anterior al que llamo origen, el que requiere la obra para levantarse como arquitectura. -¿y cómo influye en este origen el mandante? -Creo que no se pueda generalizar, cada caso es único. El mandante, siendo el causante de la obra, es también parte de su circunstancia, y para la arquitectura, podríamos decir, la circunstancia crea forma. Pero aclaremos,

la causa de la obra no tiene nada que hacer con su origen, son instancias distintas, pues la causa es un hecho externo a la creatividad, en cambio el origen es un asunto de la creatividad interna de la obra. -Esto tiene que ver con la nueva abstracción que tú has planteado, ¿cómo la defines? -Sí, está ligado. Lo que plantea esta tesis es que la abstracción es un modo de pensar que toca la creatividad y que supone un desprendimiento de configuraciones dadas. Es fácil constatar que resulta habitual pensar por analogías y por representación –llevar el pensar al representar. Esto, en el caso de la arquitectura conlleva partir desde una generalidad, suponiendo, por ejemplo, concebirla a partir del edificio, que es como para un pintor pensar la pintura desde el cuadro. Pero se trata de otra cosa: poder concebir una obra pictórica o una obra arquitectónica, que es una instancia anterior. La palabra “obra” es abstracta porque no lleva consigo ninguna representación y como tal no permite analogías y nos deja abiertos, vale decir, libres de toda imagen. Nos otorga el poder

Bodega Viña Pérez Cruz.

de iniciar cada vez desde esa libertad que requiere el origen, sin que se entrometa la generalidad. Creo que no se repara suficientemente en este hecho. Por eso se trata de una abstracción que no es una generalidad, una abstracción universal, sino una que tiene grados y por lo tanto da cabida a la singularidad que supone cada obra. Para las vanguardias de principios del siglo XX se trataba precisamente de esta abstracción universal, que no admitía grados, quizás, por ello se la terminó percibiendo casi como un estilo. Ahora bien, las vanguardias centraron su esfuerzo de abstracción en una cierta desmaterialización de la materia en un camino de aligerar la masa hasta encontrarse con la transparencia. -¿Y cómo se recoge esto en la arquitectura? -En este sentido, Le Corbusier fue el primero en separar la estructura del cerramiento. Así suspendió el muro inventando su propio suelo elevado del terreno. Y se hizo posible que el muro desapareciera para sustituirse por una envolvente transparente. Esa abstracción era entonces una peripecia que

desafiaba a los medios técnicos y por ello una verdadera aventura en la construcción del mundo. Creativamente hablando, somos hijos de este hecho y, por lo tanto, hemos de ubicarnos frente a ello, cuestión que lleva a preguntarse si la abstracción arranca para nosotros desde allí. -¿Y tú, qué te respondes? -En el mundo actual un edificio con una envolvente evanescente está al alcance de los medios técnicos disponibles, por lo cual aquel camino ya no supone hoy en día ninguna aventura en la construcción del mundo, es un asunto dado. Con la mirada de las vanguardias, por ejemplo, la madera vendría a aparecer como una materia arcaica fuera de esa batalla por la abstracción. Pero ¿es moderna o arcaica una materia por sí misma? Vicente Huidobro, el poeta, decía que no se era moderno por cantar el aeroplano sino por cantar a la rosa con un lenguaje nuevo. Está claro que la materia no conlleva de suyo la abstracción, ella forma parte de la constitución del espacio y, por tanto de la obra, y lo que está en

juego en cada obra es si la materia es parte de la invención espacial y no simplemente un adorno. Quizás la abstracción es la que enciende el fuego que lo hace posible. LA DISTANCIA ENTRE ACOMETER Y CONSUMAR -¿Y desde dónde fue tu mirada entonces? - Lo pensé primeramente desde la escultura, que me quedaba más cerca, porque la arquitectura es más difícil porque no se acomete y consuma inmediatamente. El acometer y consumar quedan muy distantes. Cuando un pintor toma una tela y comienza a pintar está directamente ejecutando la obra, sin mediación alguna. Pero cuando un arquitecto acomete una obra, sabe que requiere del concierto de una gran cantidad de manos ajenas y que se encuentra situado ante una infinidad de pasos y fases antes que la obra pueda ejecutarse; mentes y manos externas, ajenas al secreto que esa obra lleva consigo. Eso nos lleva a permanecer en la vigilia de una vacilación hasta que en la obra se coloca el último ladrillo, hasta que esta se consuma. Pero la escultura tiene menos distancia y así me permitió acometer y consumar. Trabajar ya no desde un tronco o bloque, como lo había hecho Henry Moore, sino desde la rama o varilla –que es varilla y espacio simultáneamente en el árbol y el follaje–, pensando en cómo lograr un vacío, no ya en como traspasar el bloque, para lograr un equilibrio entre materia y espacio.

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Esto me permitió pensar en la materia desde la relación de la mente, las manos y el ojo. Uno, como arquitecto, piensa con todo el cuerpo; lo inteligible y lo sensible deben ir al unísono, porque la sensibilidad sin cabeza es pura espontaneidad, y con la sola cabeza sin la dimensión sensible no puedes hacer una obra de arquitectura, no puedes hacer una obra de arte, porque la obra no alcanza ninguna de las dimensiones que son decisivas. -¿Cómo cuáles? - Lo fundamental es que una obra de arquitectura es una totalidad que propone un espacio habitable, y que con todas sus invenciones debe dejarte en libertad para habitar. Eso es quizás lo más difícil. Porque es habitual que en muchas de ellas, con innumerables logros, el habitar queda dirigido, guiado, incluso, hay veces en que el cuerpo debe adaptarse, no se queda libre. Es que la arquitectura orienta pero no dirige ni tampoco guía. Hay una ecuación de naturaleza creativa, en la cual la invención plástico-espacial de una obra, despertando los sentidos y avivando el espíritu, debe dejarte completamente libre para habitar. Que eso se cumpla es lo esencial. -¿Existe o consideras algún común denominador en tus obras? -Creo que todas son obras únicas, porque así han sido pensadas, dado que las circunstancias son distintas en cada una. Pero me

parece que en todas ellas la proposición espacial despliega una plástica que quizás pueda tener relación entre unas y otras. - ¿Y tiene relevancia el dibujo, el croquis, en tu manera de hacer arquitectura? - Pienso que sí, pero hay dos instancias distintas del dibujo: Hay un dibujo de observaciones, acompañado de notas, y que forma parte del hábito de estudio de un arquitecto, que es un cierto registro del acontecer, no desencadenado por las obras sino que guarda su propia autonomía, aunque luego muchas de esas observaciones sean materia en la invención de una obra, y hay el dibujo que desencadenan las obras mismas. Quizás, al principio dibujaba para ver y hoy lo hago, más bien, cuando ya he visto, una vez que he tenido una anticipación; el arquitecto puede anticipar, porque puede ver totalidades. Pero hay obras en que tal vez he estado meses hasta poder alcanzar una anticipación. EL LUGAR, UNA INTERSECCIÓN ENTRE EDIFICIO Y PARAJE -¿Y qué ves cuando te llega una obra, que es lo primero? -Depende, cada obra tiene un origen tan distinto. En algunas será la extensión, pero las relaciones en una obra de arquitectura son complejas porque son múltiples. Cuando era muy joven fui a Grecia a ver los templos, y no eran lo que yo imaginaba: que el templo era solo lo construido. Me di

cuenta que el templo era la intersección de edificio y paraje. Y eso creaba el lugar; se trataba de una suerte de mutua pertenencia inseparable. Más tarde leí que los griegos hacían los templos donde veían la fuerza de los dioses actuando en ese allí, por lo cual, los templos no eran una representación de la casa de Dios, sino que la casa del Dios mismo, así como las tragedias griegas no eran una representación de la lucha entre los dioses sino el acontecimiento de la lucha misma. Eso me abrió un cierto horizonte y caí en la cuenta que iba con la idea de estudiar los templos como objetos en sí mismos. Años después, visitando los templos romanos, percibí que tenían algo muerto, como que hubiesen nacido muertos... Porque habían tomado los edificios de los griegos sin tener presente la fuerza del allí, esa que confería la presencia del dios. Esa experiencia me permitió entender que la arquitectura es lo más distante de un objeto; en ese sentido es irreductible, no solo porque la naturaleza lo sea, sino porque el arte también lo es, pues lleva consigo el inalcanzable de un límite que no termina de cerrar la obra. Me parece que hoy en día se tiende a no considerar la dimensión irreductible de ciertas realidades y creo que sin ello no se puede entender qué es realmente la arquitectura. Quizás por esto a los alumnos les es casi imposible parir una proposición, siempre se trata de un armado que trabaja recomponiendo partes o elementos de

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distintas procedencias; se han educado en un mundo modelado desde la computación, los teléfonos móviles…, en cuya operatividad la realidad se vuelve un sistema homogéneo de equivalencias. Por eso hoy, desde el punto de vista creativo, la posibilidad vale por sí misma, y así, las opciones, hijas de la posibilidad, son suertes equivalentes. Es un mundo construido solo por la transparencia, sin la opacidad; se trata, desde el punto de vista creativo, finalmente de una realidad sin grados. Bien, recapitulando, cuando me he estado refiriendo al origen estoy tocando todo esto, el núcleo de un irreductible en una obra de arquitectura. -Tus obras están insertas en la naturaleza, ¿cuál sería el desafío de proyectar en la ciudad? Depende dónde, qué lugar, de cuál ciudad. Mi punto de vista es que la ciudad planteada como una generalidad no es realidad para la arquitectura, aunque sí pueda serlo para otras disciplinas que operan con dimensiones reductibles; por ejemplo, a modelos matemáticos. Solo puedo responderte con casos concretos. En la manzana de viviendas que la Municipalidad de Madrid nos encargó, de entrada les planteé que la ordenación en manzana cerrada, que contemplaba la normativa, carecía de sentido en esta manzana que remataba un parque. Me contestaron que hiciera un estudio y lo demostrara. Finalmente aprobaron el cambio de normativa

y propuse una manzana abierta que, definida a partir de una diagonal sinuosa, recogía el pronunciado desnivel del terreno conservándolo, e introducía el orden de la variación y no el de la repetición, por ello las viviendas son prácticamente todas diferentes. -Y en el caso de la Universidad Adolfo Ibáñez, ¿cómo se inserta en el paisaje? -Hay que pensar que está situada en la pre cordillera de los Andes, un paraje situado en la extensión de una vastedad que atraviesa América, por lo que se trata de inventar cómo se recoge esta extensión y esa vastedad en la pendiente de los cerros para volverla habitable. Y contempla varios conjuntos (pregrado, postgrado, laboratorios...), y cada uno de ellos, dentro de un propósito común de lo que se piensa debe ser la universidad, enfrenta de manera muy distinta el paraje donde se asienta para hacer de él un lugar. Ello implica una postura frente a lo que llamamos “campus universitario”, pues en este caso se plantea que la naturaleza, por sí misma, sin la arquitectura, no puede conferir una condición que trascienda la recreación. Para ello se propone una arquitectura que introduzca la extensión en las circulaciones, respondiendo al hecho de que en la universidad el estar se lleva a cabo en el circular, que con sus pausas y detenciones sostiene el ritmo entre el estudio y la contemplación.

DISPUTA ENTRE EL CENTRAMIENTO Y DESCENTRAMIENTO -¿Y esto tiene que ver con el centramiento y descentramiento en la obra? -Sí, tiene relación con la forma de pensar el espacio. Nos podemos imaginar que en el paso del nómade al sedentario aparece el centramiento, en el inicio de la arquitectura. El fuego ha constituido un centro durante siglos –hogar parece tener relación con hoguera, lugar del fuego. La casa romana de recintos en torno a un patio es un elogio al centramiento… Y esos patios que durante siglos han insistido su centro con diversos elementos, como por ejemplo las fuentes… Se trata de una larga tradición del centramiento del espacio por medio de la geometría. El asunto es que el centramiento da lugar a la detención, en cambio el descentramiento abre el movimiento. Para mí la arquitectura es, en cierta forma, la disputa del centramiento, y creo que esta sucede no únicamente desde la geometría del espacio… Y esto del centramiento toca de algún modo otro asunto: la relación entre la profundidad y la fuga, que de algún modo la tradición ha tendido a juntar. He intentado hincarle el diente a este dúo, construyendo, en ciertas obras, una profundidad desligada de la fuga. En fin, son cosas que me parecen decisivas a la hora de pensar el espacio de una obra.

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-¿Pero centras de alguna manera? -Por disputar el centramiento no quiero decir eliminarlo, sino abrir otras relaciones entre centrar y descentrar el espacio. Es que entiendo que la arquitectura acontece en estas cosas y no tanto, por así decirlo, en el diseño de la ventana. Una obra de arquitectura fundamentalmente es la invención de un espacio habitable y por tanto hay que mirarla en su capacidad para crear lugares; y en ello se pone en juego algo que no depende del diseño de ciertos elementos que no son esenciales en la constitución del espacio. Por eso es que en esta invención del espacio es donde se juega la creatividad. -Revisando tus proyectos ¿qué diferencias o similitudes vez entre proyectar en Isla de Pascua y el Valle Sagrado? -Isla de Pascua fue lo más difícil que hemos hecho porque, en parte, es ajena a la tradición occidental. Fue muy arduo acometerlo, digamos, más que una larga vacilación. Por eso, por ejemplo, no iría jamás a hacer nada a China, por poner un extremo, es algo que me resulta completamente ajeno. -¿Y qué te pasa con la globalización? -Que ello sea una realidad del mundo presente no significa que uno la abrace sin más. Es que hay una parte que es cierta pero otra que no lo es, porque la globalización es antes que nada una realidad en las comunicacio-

nes y en los negocios, pero no es lo mismo para una obra de arquitectura. Por otra parte, ¿por qué habría que estar en todo y en todas partes? Volviendo a lo de Isla de Pascua, fue difícil esa ajenidad, requirió muchísimo tiempo; finalmente dejar que las observaciones hechas allí fuesen madurando. Empezaron a aparecer primero los suelos, pero todo lo demás continuaba invisible. La obra empezó a surgir a partir de los suelos y cómo estos podían recibir el orden del cielo. Se trató de ir dejando aparecer eso, lentamente, como dentro de un gran silencio en el cual permanecemos atentos. En realidad, el mundo de hoy no da lugar al silencio y, sin embargo, la creatividad, las más de las veces lo requiere. -¿Y cómo fue con el Explora de Valle Sagrado? -Fue complicado porque el proyecto que teníamos realizado, al pasar por el cedazo del Instituto Nacional de la Cultura de Perú, tuvo tantas modificaciones, que hubo que olvidarse de él y partir de nuevo. Tuvimos que repensarlo completo y partir al revés. Había gran cantidad de requerimientos de todo orden y, por supuesto, en lo que concierne a la forma y a la materialidad. Esas eran las circunstancias y había que inventar el espacio a partir de allí. Lo cual tiene un valor, porque se trata de volver favorable esta circunstancia, que en principio aparece como

desfavorable. Finalmente, siempre hay algo que puede florecer. LA MADERA, UN MODO DE HACER REVERSIBLE -Volviendo al material ¿qué te ha dejado trabajar la madera en la arquitectura, cuál es el aprendizaje? -Lo que tiene la madera es que como se trata de piezas, no está dada la continuidad. El hormigón, en cambio, es una masa que es como hacer un pan, es una sola cosa. Entonces se da que uno podría hacer un edificio de hormigón que tuviera un solo plano general de toda la forma y espacio, y a lo mejor el detalle es nada más que la discontinuidad de alguna ventana, por ejemplo. La madera tiene algo muy bonito, que es darle continuidad a una materia que es discontinua, ya que son miles de piezas distintas. También, la madera se monta y es especial, porque no hay diferencia entre obra gruesa y terminaciones. En el momento en que se levanta el primer pilar y la primera viga, ya tiene plenitud, ya tiene su máxima luz. Es también un modo de hacer que es reversible. Todo se está montando, por lo que se puede modificar, no tiene demolición. Esto te enseña que la reversibilidad de ese proceso tiene relación con la reversibilidad del espacio. En general, los arquitectos han quedado muy influidos por el cine, y piensan la arquitectura

Edificio de postgrado, Universidad Adolfo Ibáñez.

como una secuencia, pero eso es para los cineastas. Para la arquitectura, es el espacio, que es simultáneo, el tiempo no lo es. Entonces la madera te muestra la reversibilidad de una obra, con idas y vueltas, con transversales, con asuntos que son en múltiples dimensiones. -El manejo de la luz es otra característica de tu obra, ¿cómo la concibes? -La luz es inseparable de sus tonalidades, aquellas del color; de las sombras, del claroscuro, de la penumbra…, y su despliegue en el espacio requiere una invención, que es parte de la invención plástica de cada obra. Es muy diferente la luz del amanecer que la del zenit o la del crepúsculo, pero entre ellas acontece un tránsito –que da cuenta del tiempo– y, así como va variando a lo largo del día, también lo hace a través de las estaciones. En rigor nunca hay una misma luz y eso es algo de la naturaleza que nos revela la arquitectura. Por eso que en la arquitectura la luz no es una instancia agregada al espacio, sino una de sus coordenadas. Las obras que hemos realizado tienen que ver con la forma cómo se habita y por ello cómo la luz da lugar al centramiento o el descentramiento del espacio.

“LA LUZ ES INSEPARABLE DE SUS TONALIDADES Y SU DESPLIEGUE EN EL ESPACIO REQUIERE UNA INVENCIÓN, QUE ES PARTE DE LA INVENCIÓN PLÁSTICA DE CADA OBRA”.

___Eventos

La empresa italiana AVE estuvo presente con su sistema domótico “Domina Plus”, que permite una completa automatización de los sistemas de la casa.

100 SHOWROOMS 2016 FERIA INTERNACIONAL DE ARQUITECTURA Y DISEÑO 60 EXPOSITORES Y MÁS DE 4 MIL VISITANTES CONGREGÓ LA SEXTA VERSIÓN DE ESTA FERIA DE DISEÑO QUE TODOS LOS AÑOS REÚNE LAS ÚLTIMAS NOVEDADES Y PRODUCTOS PARA LA ARQUITECTURA, EL DISEÑO, INTERIORISMO Y CONSTRUCCIÓN. Fotos: Gentileza 100 Showrooms y expositores.

isita obligada de los profesionales de la arquitectura y el diseño es esta ya tradicional feria que, en esta oportunidad, tuvo muchas novedades. No solo porque se ha transformado en “el lugar” donde presentar y conocer tendencias y nuevos productos, sino que también, porque hubo importantes innovaciones en su formato. Por primera vez, se realizó una exhibición de escultores chilenos organizada por la Galería Artespacio, con obras de grandes formatos de los artistas Francisco Gazitúa, Francisca Cerda y Mauricio Guajardo, entre otros. También hoy cuenta con el reconocimiento oficial por parte del Gobierno de Chile como feria internacional. Esto la proyecta como una excelente plataforma para nuevos negocios en Chile y América Latina. En el marco de la feria, se realizaron charlas, mesas redonda, exhibiciones y concursos, que convocaron a los profesionales del sector. Entre ellos, destacan los concursos de arquitectura “Dispositivo Gourmet Itinerante” de Electrolux (ver artículo aparte); Espacios de Luz y el de Accesibilidad Universal, ambos organizados por DAC. Asimismo, se entregó el “Premio a la Trayectoria en la Arquitectura”, galardón que recibió el arquitecto José Cruz Ovalle, entrevistado en esta edición de D+A.

Novedosas terminaciones en pisos y revestimientos de la firma belga Beaulieu.

Mosaico Lab exhibió griferías de última generación de la marca italiana Aggio.

Un recorrido por las novedades Plataforma ideal para dar a conocer nuevos productos para la arquitectura y el diseño, las empresas participantes nos pusieron al día en cuanto a materiales y las últimas tendencias. En este sentido, una de las áreas que nos sorprendió fue la de los revestimientos para pisos, muebles y muros. Cement Design presentó su nueva colección “Metallic”, integrada por materiales de texturas como el acero y el cobre, que tiene la particularidad de estar elaborada con metales extraídos de la naturaleza en estado puro. Su aplicación es ideal para fachadas, suelos, techos y mobiliario. Se asemeja a una verdadera segunda piel metálica, que le valió recibir el Premio Muuuz, en la categoría “Mejor Innovación Decorativa”, otorgado por ArchiDesignClub, comunidad francesa de profesionales de arquitectura y la decoración, y la revista “Muuuz”, especializada en las tendencias en arquitectura y diseño. Las maderas de castaño y teca en contraste con rojos, púrpuras y azules, inspirados en los colores de la tierra y los textiles autóctonos, son la nota en la nueva colección 2016 Bohemian Folk de Lamitech. Se trata de laminados decorativos de alta presión para la creación de ambientes eclécticos con mucha personalidad. Destaca una espectacular interpretación de los mosaicos hidráulicos

españoles que rememoran diferentes culturas y permiten obtener ambientes personales enriquecidos a partir de objetos representativos. Masisa, por su parte, exhibió sus melaminas Fusión en tonos que van de grafitos a grises, que pueden ser utilizadas tanto en muebles como en revestimientos interiores de muros. Esta colección contempla los diseños Concreto Metropolitan, con textura de piedra para ambientes con carácter; Tweed, un motivo textil en tonos visón y marrón; y Ondas 3D, que simula ondas en movimiento libre, generando la sensación de volumen. Todos productos en sintonía con las últimas tendencias internacionales de la industria del mueble y arquitectura de interiores. En el stand de la empresa de maderas CLC pudimos ver una llamativa gama de colores de los productos europeos Sikkens, especialistas en imprimantes para maderas en interiores y exteriores. Lo novedoso es que cumplen una doble función: proteger y vestir de color muros, puertas y revestimientos en general. También CLC presentó su nueva línea de pisos de madera con aplicación de color, ideales para aportar calidez y contemporaneidad a cualquier espacio de la casa, un deck, una terraza o un quincho. Estos pisos de madera cuentan con la tecnología de los productos daneses Woca.

Las tendencias actuales en muebles y decoración en los diseños con melaminas Vesto de Arauco.

La empresa de maderas CLC destacó con su nueva línea de madera con aplicación de color.

Potenza Home, empresa distribuidora de materiales de construcción para el área de arquitectura y diseño, presentó la línea Panelate consistente en innovadores revestimientos decorativos para muros y fachadas con gran variedad de texturas, soportes y acabados, que entregan resultados estéticos sorprendentes y texturas únicas. La domótica en la casa La automatización de los espacios es un tema que cada día adquiere más fuerza, no solo porque tiene un ingrediente tecnológico del cual nadie puede ser ajeno, sino porque está creada para facilitar la vida y generar ahorros importantes que incluso tienen efectos visibles en el medio ambiente. Con un sistema domótico se puede tener acceso a la distancia y manejar, a través de un teléfono celular o internet, todos los sistemas de una casa. La firma italiana AVE estuvo presente con el completo sistema Domina Plus que permite la configuración de escenarios con funciones múltiples, según las necesidades de cada propietario. De esta manera es posible, por ejemplo, controlar y configurar alarmas técnicas (fugas de agua y/o gas) y antirrobo, cámaras de seguridad, audio y video; y comunicación a un Videoportero en el exterior. Mediante una app, ofrece además la posibilidad de controlar la casa desde una tablet o smartphone.

Obra de Francisca Cerda en el Patio de las Esculturas del recinto.

Lo nuevo en la cocina Con el boom de los loft y los departamentos cada vez más pequeños con un solo espacio funcional, las Mini Cocinas llegaron para quedarse. Estos muebles lo integran todo en un mínimo volumen: placa de vitrocerámica, refrigerador, lavamanos e incluso lavavajilla. Lo mejor: luego de su uso se cierran como un armario. Las vimos en el stand de Minassian en diversos formatos y capacidades. La experiencia en la cocina va cambiando. Hoy la tendencia es personalizar. La marca italiana Aggio, representada en Chile por Mosaico Lab, llama la atención con una gama de griferías de última generación, como la denominada electrónica 0! para la cocina, que posee un dial para regular el caudal y la temperatura del agua, pudiendo ser personalizada a gusto. La línea Gourmet, también de Aggio, destaca por su estilo funcional y ergonómico. Finalizamos el recorrido por esta versión de 100 Showrooms en el área iluminación, que es todo un tema. De la empresa austríaca Eglo, nos llamó la atención su línea de lámparas colgantes Troy, en acero y vidrio satinado; y la lámpara de mesa Campilo, una especie de huevo en blanco o gris, de textura textil. De Led Light ¬ Design, sus coloridos diseños entramados en aluminio y vidrio, que aportan un toque contemporáneo a cualquier espacio.

Las “minicocinas” llegaron para quedarse. Esta la vimos en el stand de Minassian.

PREMIO MEJOR STAND 100 SHOWROOMS 2016

Primer lugar: Lamitech

Segundo lugar: Abet Laminati

Tercer lugar: Minassian

___Arquitectura

Foto: Oliver Martin-Gambier

LE CORBUSIER, PATRIMONIO DE LA HUMANIDAD “LA ARQUITECTURA DE LOS TIEMPOS MODERNOS ES UNA NUEVA ETAPA DE LA HISTORIA DE LA HUMANIDAD. LAS TÉCNICAS MODERNAS NOS HAN DADO EL FUNDAMENTO PRODIGIOSO DEL APARECER DE UN NUEVO LIRISMO”. “TRABAJÉ POR LO QUE MÁS NECESITAN LOS HOMBRES HOY: EL SILENCIO Y LA PAZ.” LE CORBUSIER (1887-1965) Por Humberto Eliash (*) / Fotos: Gentileza UNESCO Casa Curutchet, La Plata, Argentina.

Se trata de un reconocimiento que rompe la tendencia de UNESCO de destacar principalmente a sitios y edificios de siglos anteriores. De cerca de 1.000 edificios catalogados son menos de 20 los contemporáneos. En esta declaratoria además se incluyeron tres obras del arquitecto brasileño Oscar Niemeyer en Pampulha: la Iglesia de San Francisco, el Casino y el Salón de baile, todas ellas realizadas con la colaboración de Burle Marx y Cándido Portinari en la década del 40.

Foto: Oliver Martin-Gambier

Con esta nominación Le Corbusier pasa a ser el arquitecto con más obras reconocidas como patrimonio mundial, superando largamente a Frank Lloyd Wright, Mies van der Rohe, Luis Barragán y Oscar Niemeyer.

Petite villa au bord du lac Léman

Foto: Bénédicte Gandini

l pasado 15 de julio de 2016 el Comité de Patrimonio UNESCO, reunido en Estambul para su sesión anual declaraba un hecho inédito: un conjunto de diecisiete obras de un mismo autor repartidas en siete países, era catalogado como patrimonio de la humanidad. Son diecisiete obras de Charles Edouard Jeanneret, “Le Corbusier” uno de los arquitectos más importantes del siglo XX. En otro hecho inédito, la reunión tuvo que suspenderse debido a la conmoción que provocó el intento de golpe de estado contra el presidente Erdogan, que ese mismo día provocó 265 muertos y casi 3.000 detenidos.

Cité Frugès, Pessac, Francia.

Foto: Oliver Martin-Gambier

Casa La Roche

Foto: Oliver Martin-Gambier

El proceso comenzó en el Congreso ICOMOS celebrado en Sevilla el año 2009. Desde entonces, la Fundación Le Corbusier hizo primar la idea de presentar diecisiete edificios de modo de valorar la idea de conjunto de obras repartidas por todo el mundo más que una obra en particular.

Molitor, París, Francia

Los 17 de la fama Entre los edificios clasificados como patrimonio mundial, hay seis casas. Estas son: el conjunto de viviendas económicas para un barrio obrero en Pessac (1924-26), la Ville Savoie (1928), la casa La Roche-Jeanneret (1923-25, que se compone de dos casas donde hoy funciona la Fundación Le Corbusier en París), la pequeña casa para sus padres frente al Lago Leman en Suiza, su famosa Cabanon de vacaciones (1952), la Casa Giuette en Amberes (1926) y la casa Curutchet (La Plata, Argentina 1949), única obra suya en el continente americano. Las primeras casas fueron realizadas en conjunto con su primo Pierre Jeanerett y la casa Curutchet fue realizada con la colaboración de Amancio Williams. Tres edificios de departamentos están incluidos en la lista: el edificio Clarte en Ginebra (1930-32), el edificio Molitor en Paris (193134), donde tenía su apartamento junto a su estudio de pintura, y la Unidad habitacional

de Marsella (1945), que iba a cambiar para siempre el concepto de edificio de viviendas en altura al incluir en su misma estructura la totalidad del equipamiento: el edificiociudad.

Foto: Paul Koslowsky

Las obras religiosas mencionadas en la lista UNESCO son la iglesia de Ronchamp y el convento de monjes domínicos de Santa María de la Tourette, ambos en Francia. Pese a declararse ateo, Le Corbusier supo interpretar en clave contemporánea el lenguaje y la espacialidad del espíritu religioso. Ambas obras se han convertido en paradigmas de arquitectura sacra del siglo XX y han influido en muchas obras de su tipo en todo el mundo.

Foto: Oliver Martin-Gambier

Capilla Notre Dame du Haut, Ronchamp, Francia.

Convento Santa María de La Tourette.

De muchos centros culturales que proyectó se seleccionó el Museo de arte occidental en Tokio (1954-59) y la Casa de la cultura en Firminy- Vert (1963). En esta ciudad, cercana a Lyon, Le Corbusier diseñó un espacio urbano llamado “Centro de recreación del cuerpo y el espíritu”, donde construyó una unidad habitacional, un estadio, la casa de la cultura y la iglesia San Pedro que se construyó 40 años después de su muerte. Cierra la lista la fábrica Saint Die en Francia. En 1945 recién terminada la segunda guerra mundial Le Corbusier realiza un plan de

Foto: Oliver Martin-Gambier

Fábrica Duval, Francia.

reconstrucción de la ciudad industrial de Saint Die que había sido destruida por el fuego alemán. Su plan era bastante ambicioso pues planeaba poner en práctica un nuevo paisaje urbano, siguiendo los principios del urbanismo moderno del CIAM (Congresos internacionales de arquitectura moderna). De todas las propuestas que incluía su plan, las siete vías (que luego concretaría en Chandigarh, India) un nuevo centro cívico, y ocho unidades habitacionales, sólo logró concretar la fábrica textil de su amigo J.J. Duval, un edificio compuesto de dos barras paralelas de 5 plantas donde combina la fábrica con las oficinas. Los grandes ausentes de esta lista son el edificio Carpenter Center en la Universidad de Harvard, USA (1959-63), el edificio del Ejército de Salvación (1950) en París, las obras en Ahmedabad en la India (1951-57), el Centrosoyuz en Moscú (1928-33), las casas Jaoul (1951-55) en París y la Maison de l’Homme / Museo Heidi Weber en Zurich (1962-67). Es interesante notar que se ha nominado sólo obras de arquitectura y ninguna de urbanismo, lo que puede ser leído como un síntoma de las dificultades que tuvo para llevar a buen término sus planes urbanísticos en todo el mundo o como una muestra del contraste que hay entre su calidad de arquitecto y de urbanista.

Le Corbusier

Foto: Oliver Martin-Gambier

América moderna América, que está presente en esta lista a través de la casa Curutchet, ejerció para Le Corbusier una atracción tan fuerte como la que sentía América hacia la modernidad. Estuvo 12 veces en este continente, en las cuales visitó Argentina, Uruguay, Paraguay, Brasil, Colombia y Estados Unidos. Realizó ambiciosos planes urbanísticos para Bogotá y Buenos Aires que no se llegaron a concretar. Sembró bocetos y proyectos de

Living room, departamento de Le Corbusier, Molitor.

Foto: P. De Prins

Esta nominación es un reconocimiento para este suizo (posteriormente nacionalizado francés), hijo de un relojero y una pianista, que se hizo arquitecto autodidacta pues no fue a la universidad debido a que sus padres, escasos de recursos suficientes, optaran por enviar a estudiar música a su hermano mayor. Se reconoce así a uno de los arquitectos más importantes del siglo XX, cuyo trabajo trascendió más allá del propio ámbito de la arquitectura, impregnando el arte, el diseño y el urbanismo con su genialidad. Con obras y proyectos en cuatro continentes, cambió los paradigmas de la arquitectura, integró arte-diseño-arquitectura-urbanismoplanificación territorial, cuestionó la forma de concebir y de crecer las ciudades y sentó -junto a otros pioneros de su época Mies, Gropius, Wright, Aalto- las bases de la Arquitectura moderna del siglo XX.

Casa Guiette, Amberes, Bélgica.

Foto: Oliver Martin-Gambier

Estudio de pintura de Le Corbusier, Molitor.

arquitectura de norte a sur del continente, pero solo logró construir la mencionada casa del doctor Curutchet en La Plata y el Carpenter Center de la Universidad de Harvard en Boston. También participó en el proyecto de la Sede ONU en Nueva York y el Ministerio de Educación y Salud en Río de Janeiro. La embajada de Francia en Brasilia quedó a nivel de anteproyecto el cual en definitiva terminó por diseñar bajo otro partido, el chileno Guillermo Jullian de la Fuente. Realizó innumerables bocetos para propuestas urbanas en Río, Sao Paulo y Montevideo. En Buenos Aires imaginó, en base a croquis, un edificio de cuarenta pisos en el parque Palermo y un condominio de diecisiete casas tipo Ville Savoie. Durante su viaje a Sudamérica el año 1929, Victoria Ocampo y Matías Errázuriz le encargaron sus respectivas casas en Buenos Aires y Zapallar, ambas sin construir hasta hoy. Pese a sus intentos, no concretó sus planes de hacer urbanismo a gran escala en Buenos Aires ni Río de Janeiro, como tampoco lo logró el año 1939 en Chile con la reconstrucción de las ciudades de Chillán y Concepción en el terremoto de ese año. Pero su tesón inclaudicable consiguió que le contrataran en 1938 el plan Director de Buenos Aires con Ferrari y Kurchan y el Plan Piloto y Plan Regulador de Bogotá en 1947 con Sert y Wiener.

Foto: Oliver Martin-Gambier

Le Corbusier y Chile

Villa Savoye.

__LE CORBUSIER NUNCA ESTUVO EN CHILE, PERO REALIZÓ DOS PROYECTOS -EN ZAPALLAR Y EN SANTIAGO PONIENTE-, QUE NO LLEGARON A SER CONSTRUIDOS.

Le Corbusier nunca estuvo físicamente en nuestro país pero realizó dos proyectos que no llegaron a ser construidos: la casa para Matías Errázuriz en Zapallar (que finalmente la diseñó para el mismo cliente el arquitecto mexicano Carlos De Landa) y la ampliación de la Casa de Roberto Dávila en Santiago Poniente. Sin embargo, esas casas fueron en definitiva meras excusas para establecer redes de contactos que lo llevaran a concretar encargos de mayor escala como grandes edificios o reconstrucción de ciudades. El veía al continente americano como una tierra de oportunidades donde hacer germinar la nueva arquitectura, lo que en definitiva no pudo lograr como sí lo consiguió en la India. Entre sus colaboradores americanos podemos mencionar al pintor Roberto Matta y los arquitectos Emilio Duhart, Roberto Dávila y Guillermo Jullian de Chile. A los colombianos Rogelio Salmona y Germán Samper. A los argentinos Amancio Williams, Jorge Ferrari Hardoy y Juan Kurchan, y al mexicano Teodoro González de León. En EEUU, José Luis Sert y Paul Lester Wiener.

La obra más pequeña de las diecisiete reconocidas como Patrimonio mundial por la UNESCO, es una cabaña de madera de apenas 14 m2 diseñada con las proporciones de su sistema Modulor. Era su lugar favorito para vacacionar con Ivonne, su mujer y está ubicada en Roquebrune-Cap Martin, frente al Mediterráneo. El 31 de agosto de 1965 salió de esa cabaña para disfrutar su último día de playa pero un paro cardíaco lo sorprendió en el mar. Estaba nadando contra la corriente como siempre lo hizo en su vida. Unos pescadores lo encontraron y reportaron como la muerte de un anciano anónimo. En esa cabaña le había dicho a su amigo fotógrafo Brassai (el mismo que lo fotografió pintando desnudo) algunos años antes: “me encanta este lugar…aquí me gustaría morir algún día”.

(*) Humberto Eliash es arquitecto chileno, autor de varias obras y proyectos en América Latina y profesor titular en la Facultad de arquitectura y urbanismo de la Universidad de Chile. Es miembro de los SAL (Seminarios de arquitectura latinoamericana) y de DOCOMOMO, Chile. Ha publicado más de 12 libros y cerca de 50 artículos sobre arquitectura moderna en Chile y el extranjero. Actualmente forma parte del comité organizador del Ciclo LC-50 que organiza el departamento de arquitectura de la Facultad de arquitectura y urbanismo de la Universidad de Chile.

Foto: Bénédicte Gandini

Las críticas que han reaparecido recientemente por episodios de su pasado que lo vinculan con Benito Mussolini y sus simpatías con el régimen de Vichy para conseguir encargos, no han logrado disminuir el peso de su influencia sobre la arquitectura y el urbanismo del siglo XX. Un peso que ha sido particularmente importante en la definición de un modelo de modernización que siguieron varios países de nuestro continente. Fue un artista integral, un activista cultural, un visionario que siempre estuvo mirando más allá de la contingencia apostando a la arquitectura como “el punto de partida del que quiera llevar a la humanidad hacia un porvenir mejor”.

Casa de la Cultura y la Juventud, Firminy, Francia.

Casa del Peregrino de Notre Dame Du Haut , Ronchamp; Francia.

Foto: Bénédicte Gandini

La obra de Le Corbusier permanece con su legado cargado de humanismo y creatividad que plasmó en obras, dibujos, pinturas, manifiestos y textos que aún siguen siendo válidos como referentes culturales.

The shopping street UH, Marseille

Foto: Oliver Martin-Gambier

En Chile su influencia es más gravitante que cualquier otro de los maestros de la modernidad, Mies, Wright, Gropius, Aalto. Ello se puede apreciar en obras tan diversas como la iglesia de los Benedictinos, la sede Cepal en Santiago, el edificio Copelec en Chillán, la Unidad Vecinal Portales, la Facultad de agronomía de la Universidad de Chile y el Instituto de Biología Marina en Reñaca, por citar algunos. Tanto sus cinco principios de diseño, como su lenguaje brutalista en hormigón a la vista, se encuentran presentes en numerosas obras.

Foto: Oliver Martin-Gambier

Cabaña de Le Corbuiser en Roquebrune-Cap-Martin, Costa Azul, Francia.

___Arte

MAKING AFRICA: UN CONTINENTE DE DISEÑO AFRICANO CONTEMPORÁNEO

CON LAS OBRAS DE 120 ARTISTAS Y CREADORES AFRICANOS, QUE TRABAJAN EN VARIAS DISCIPLINAS ROMPIENDO CON LAS DEFINICIONES CONVENCIONALES DE DISEÑO, ARTE, FOTOGRAFÍA, ARQUITECTURA Y CINE; ESTA GRAN EXPOSICIÓN DEL VITRA DESIGN MUSEUM NOS ENSEÑA CÓMO EL DISEÑO PROMUEVE LOS CAMBIOS ECONÓMICOS Y POLÍTICOS DE ESTE CONTINENTE Y CÓMO ÁFRICA SE PRESENTA COMO UN CAMPO EXPERIMENTAL DEL QUE PARTEN NUEVAS IDEAS Y SOLUCIONES HACIA EL MUNDO.

Fotos: Gentileza Vitra Design Museum

“Big Cat”, gafas escultóricas Cyrus Kabiru, 2012. imagen de la serie de fotografías C Stunners, edición de 10.

Vista de la exhibición.

n nuevo enfoque del diseño africano contemporáneo es el que se aprecia en esta exposición que estuvo abierta entre marzo y septiembre del año pasado en el Vitra Design Museum, museo ubicado en la localidad alemana de Weil am Rhein, y luego desde noviembre de 2015 a febrero de este año en el Guggenheim Bilbao. Con obras de alrededor de 120 artistas y creadores africanos, que trabajan en varias disciplinas Making Africa se exhibió también, durante gran parte de este 2016 en el CCCB de Barcelona, mostrando la manera en que el diseño promueve los cambios económicos y políticos de este continente. © Victor Omar Diop, 2014, Cortesía Magnin-A Gallery, París.

En esta exposición, que es una coproducción del Vitra Design Museum y el Guggenheim Bilbao, con la colaboración de la fundación alemana de cultura Kulturstiftung des Bundes y del Art Mentor Foundation Lucerne, África se presenta como un campo experimental del que parten nuevas ideas y soluciones hacia el mundo entero.

“Aminata”, Omar Víctor Diop, 2014, fotografía de las series “The Studio of Vanities”, 2013.

Destacan en la muestra numerosos trabajos en los medios más variados, como las gafas esculturales del artista Cyrus Kabiru, de Kenia, los muebles del diseñador Cheick Diallo, de Mali, o las fotografías del mozambiqueño Mario Macilau y de J.D. Okhai Ojeikere, de Nigeria. Asimismo, exhibe la arquitectura de Francis Kéré (Burkina Faso), David Adjaye (Tanzania) y Kunlé Adeyemi (Nigeria), las maquetas urbanas de cartón del congoleño Bodys Isek Kingelez y los cortometrajes animados del sudafricano residente en Berlín Robin Rhode. El tema central que atraviesa todas estas obras es el de las cuestiones de la cultura material y la estética cotidiana. Denotan que el diseño en África se entiende de una forma más amplia que en los círculos culturales occidentales, y de qué manera esta comprensión es capaz de crear futuros enfoques de diseño.

Vista de la exhibición del escultor y artista visual Cyrus Kabiru. “Caribbean Sun”, 2012.

Lo digital con lo analógico La muestra destaca disciplinas como el diseño de objetos y muebles, la ilustración, la moda, la arquitectura, el urbanismo, el arte, la artesanía, el cine, la fotografía, los sitios web, las redes sociales y las publicaciones. Son justamente los nuevos medios, que desempeñan un papel central, los que en un principio hicieron posible este cambio de perspectiva. A menudo realizadas por colectivos y en un contexto urbano, las obras de Making Africa conectan la revolución digital con la existencia analógica. Tienen ellas también como característica centrarse más en el proceso que en el resultado e interpretar los materiales de una forma radicalmente nueva. Asumen asimismo su responsabilidad en relación con la sociedad y no en relación con el mercado y se atreven a hacer previsiones respecto al futuro. En ese sentido, la exhibición ofrece un relato nuevo acerca de África e implica una invitación a valorar el continente desde una perspectiva completamente diferente a la tradicional. Hay que decir que en muchas de las grandes capitales africanas se está consolidando una generación que, alrededor de la cultura y a través de la creación y del

“Trono”, Gonçalo Mabunda, 2012. Colección Vitra Design Museum.

Foto: © Vitra Design Museum, Jürgen Hans.

Algunos la describen como una puerta que facilita un cambio de perspectivas, ofreciendo otra visión acerca de lo que el diseño puede rendir en este siglo XXI, poniendo especial énfasis en una nueva generación de empresas africanas, así como en pensadores y creadores.

CrĂŠdito: ÂŠ BAHA (Baileys African History Archive).

Drum Magazine, Portada Miriam Makeba, junio 1957.

__LA EXPOSICIÓN MUESTRA LAS OBRAS DE CREADORES AFRICANOS QUE SE DIRIGEN A UNA AUDIENCIA GLOBAL, ENTREGANDO UNA NUEVA PERSPECTIVA DE SU CONTINENTE.

Foto: © Malick Sidibe, Cortesía CAAC y Magnin-A Gallery, Paris.

diseño, reivindica su derecho a construirse en libertad, sin tutelas externas y contra los estereotipos generalmente proyectados desde Occidente. No es de extrañar, por lo mismo, que Making Africa muestre proyectos de creadores africanos que se dirigen a una audiencia global y que proporcionan con ello al mundo una nueva perspectiva de su continente. Por otra parte, las piezas expuestas se sustentan en una investigación que aborda cuestiones de la cultura material y la estética cotidiana. Ellas muestran que en África el diseño se entiende de una forma más inclusiva que en las sociedades occidentales y demuestran de que esta concepción puede generar enfoques innovadores. Pero el objetivo de esta exposición no es mostrar un panorama exhaustivo del diseño en África, sino más bien ofrecer un nuevo relato de este continente, una invitación a valorarlo desde una perspectiva totalmente nueva, teniendo en cuenta que África ha entrado en el siglo XXI con la determinación de romper las cadenas de la pobreza. En este continente diverso y complejo coincide así una nueva generación que, en torno a la cultura y a través de la creación y del diseño, reivindica su derecho de construirse en libertad y en contra de los estereotipos y el imaginario que se proyecta desde el mundo occidental.

Investigación sobre diseño africano único Aspecto distintivo de Making Africa lo constituye su propio proceso de desarrollo, pues en una investigación que duró dos años se llevaron a cabo numerosos encuentros y entrevistas con grupos de expertos en las principales ciudades africanas: Lagos (Nigeria), Dakar (Senegal), Ciudad del Cabo (Sudáfrica), El Cairo (Egipto) y Nairobi (Kenia). En estas sesiones se consultó a unos 70 diseñadores, artistas, investigadores, arquitectos, galeristas y curadores, proceso en el que se recopiló un material de investigación primaria sobre diseño africano único, que apoya y enriquece la exposición, así como el catálogo de la misma. En la producción han tenido un rol importantísimo la comisaria de la exposición, Amelie Klein, especialista en diseño contemporáneo del Vitra Design Museum, y su comisario consultor, Okwui Enwezor, director de la Haus der Kunst de Múnich y comisario de la Bienal de Venecia de 2015. Pero cuenta además con un comité asesor integrado por nueve expertos de distintas partes del mundo, como Ciudad del Cabo, Lagos, Dakar, Londres y Nairobi, entre otras. Con todo, esta exposición tiene como fundamento histórico-cultural numerosas retrospectivas de la temprana África poscolonial, pues ya en los 60 los fotógrafos Seydou Keïta y Malick Sidibé, ambos de Mali,

Foto: © Pierre-Christophe Gam

“Nuit de Noël”(Happy Club), Malick Sidibé,1963.

“El Reino de Taali M, Pierre-Christophe Gam, 2012. Página web de la cantante franc-congolesa Taali M.

Detalle de la exhibición, con las fotografías de Omar Viíctor Diop, de la serie “El Estudio de las Vanidades”, retratos de la escena urbana africana contemporánea.

lo mismo que la revista sudafricana Drum, dejan ver un continente más allá de guerras, crisis y catástrofes. Del mismo modo, la arquitectura, que se originó en muchos países durante los primeros años de independencia, simbolizaba aquel cambio. Documentos históricos de esta era se extienden a lo largo de toda la exposición y se contraponen a obras contemporáneas, mostrando de qué manera la generación de hoy se conecta a menudo con el diseño de esa era, cuya búsqueda de innovación se puede comparar con la de la actualidad. Desde el punto de vista de la estructuración de su contenido, Making Africa se divide en cuatro partes. La primera, el Prólogo, tiene que ver con la idea preconcebida occidental de África, pero también plantea una serie de preguntas. La segunda parte, Yo y nosotros, explora la manera en que el diseño proporciona una herramienta eficaz para comunicarse y por lo tanto busca representar a los desarrollos sociales y culturales actuales y pasados en África.

Foto: © Chris Saunders, courtesy PAPA Photographic Archival y Preservation Association, Kapstadt/Cape Town.

La tercera parte, El espacio y el objeto, se dedica a la persona y su entorno inmediato, que es la ciudad, donde los desarrollos tecnológicos y materiales ocupan espacios similares. Finalmente, la cuarta y última parte, Origen y futuro, explora la cultura africana contemporánea y sus raíces a través de objetos y artefactos.

Chris Saunders, fotografía para Dazed Magazine, de la serie”Smarteez”, 2010.

Vista de la exhibición “Yo y Nosotros”, que busca representar los desarrollos sociales y culturales del continente.

Crédito: ©R!OT, Johannesburg

“My Africa Is”, Studio Riot, 2012. Poster, edición limitada.

___Arte

REIMAGINANDO EL LAGO DE ISEO: EL ÚLTIMO REGALO DE CHRISTO

ENTRE EL 18 DE JUNIO Y EL 3 DE JULIO DE 2016 EN EL LAGO ISEO, ITALIA, SE DESARROLLÓ “LOS MUELLES FLOTANTES” (THE FLOATING PIERS) DEL ARTISTA VISUAL CHRISTO. UN PROYECTO QUE GENERÓ GRAN EXPECTACIÓN Y REVUELO EN LA GENTE QUE TUVO LA SUERTE DE VISITARLO. SE TRATA DE UNA OBRA QUE, PARA LOS QUE HAN SEGUIDO SU HISTORIA, MARCA UN PUNTO DE INFLEXIÓN, YA QUE ES LA PRIMERA INSTALACIÓN QUE REALIZA DESPUÉS DE LA MUERTE DE JEANNE-CLAUDE, SU ETERNA COMPAÑERA EN EL ARTE Y EN LA VIDA.

Por Felipe Novoa Mackenna Fotos: Gentileza Christo and Jeanne-Claude/ The Floating Piers.

hristo y Jeanne-Claude se conocieron a fines de los 50 en París. Él nace en Bulgaria en el año 1935, en donde estudia arte, además de Checoslovaquia y Austria. Ella nace en Casablanca y estudia filosofía y latín en la Universidad de Túnez. Empezaron a trabajar juntos desde el momento en que se conocieron y lo siguieron haciendo hasta noviembre de 2009, año en que muere Jeanne-Claude. Si bien Christo ya estaba trabajando el recurso de envolver objetos, cuando empezaron a colaborar juntos, la escala de los proyectos fue creciendo. La larga relación personal y laboral entre el artista y su compañera, hace que este proyecto sea uno de los más importantes que realiza el artista.

Christo dice que las obras que crea con Jeanne-Claude no pretenden ser eternas. Estas tienen breve duración como la vida de las flores, como la juventud. Una de las primeras ideas de intervención que surgió de esta colaboración es la de los “Muelles Flotantes” en los años 70 y, por diferentes razones, sólo se pudo realizar recién el 2016.

El trabajo de la pareja se podría dividir en dos partes; por un lado, las intervenciones al paisaje y obras de mayor envergadura y, por otro, los dibujos y collages del proceso previo de dichas intervenciones. La venta de este material gráfico es el que permite el financiamiento de las obras de mayor escala, ya que siempre han considerado que sus intervenciones del paisaje deben ser gratuitas y, además, se deben financiar exclusivamente con fondos personales. Esta fórmula ha sido aplicada desde los inicios y, de cierta manera, marca la pauta de cómo son las obras.

De los “Caminos Envueltos” a “Los Arcos” Para entender la intervención en el lago Iseo, es conveniente referirse a los proyectos anteriores. En 1978, en el parque Jacob Loose, Kansas, EEUU, realizan “Caminos Envueltos”, una intervención que consiste en cubrir 4.4 kilómetros de senderos con tela. Esta estuvo activa por 12 días e intentó ser lo menos invasiva con el ambiente, tomando especial cuidado en la manera en que la tela era asegurada a los senderos y escaleras.

Revisando la obra de los artistas, es posible encontrar en algunas de las intervenciones anteriores una especie de preparación para esta última. Pareciera ser la suma de varios gestos de representación para generar una gran obra y parece hasta poético que esta culminación de pruebas sea la primera entrega en solitario de Christo.

En 1983, “Islas Rodeadas” consistió en rodear once islas situadas en la bahía de Biscayne, Miami, EEUU. Se cubrió una superficie total cercana a los 603.870 metros cuadrados con una tela rosada, la cual bordeaba cada una de estas once islas y avanzaba en el agua. Este proyecto también estuvo activo por 2 semanas y pudo ser visitado por agua, tierra y aire. “Los Arcos”, por su parte, tuvo lugar en 2005, en el Central Park de Nueva York, EEUU, y se trató de una intervención en la gran mayoría de los senderos peatonales. Se instalaron 7.500 arcos metálicos separados a 2,13 m entre sí (si es que no habían elementos existentes como arboles o mobiliario urbano que lo impidiera), de los cuáles colgaban tela de color naranjo. Al igual que en los proyectos anteriores, solo estuvo habilitado por un corto período y no se cobró por ingresar.

Cada proyecto tiene su lenguaje propio, pero, como pasa con la mayoría de los trabajos de la pareja, busca lo mismo: por medio de la tela, dar un nuevo significado a un objeto o paisaje existente, independiente de su escala. Esta búsqueda genera una paradoja: si bien son intervenciones muy sutiles y simples, la escala las transforman en un trabajo extremadamente complejo de ejecutar.

“The Floating Piers” o “Los Muelles Flotantes” Durante 2014 Christo y su equipo recorren diferentes lagos del norte de Italia, encontrando en el lago Iseo el lugar ideal para desarrollar el proyecto que durante tanto tiempo esperó ser completado. Este consiste en una serie de senderos, tanto en el agua como en tierra firme, que conectan los pueblos de Sulzano y Pescheria Maraglio con la isla San Paolo. La intervención significó un trabajo muy complejo en la ejecución de la obra y también debido a los aspectos técnicos que se debió considerar. Christo ya había trabajado con telas de grandes dimensiones, por lo que este punto, si bien complejo, era el que menos le preocupaba. La real preocupación fue cómo crear los senderos flotantes y que fueran lo suficientemente resistentes y seguros. Por esta razón, el desarrollo del proyecto se dividió en dos partes. Por un lado, estaban los encargados de la tela, tarea que estuvo a cargo de la textil Setex ubicada en la ciudad de Greven, Alemania, donde se confeccionaron más de 90.000 m2 de tela, los cuales después fueron enviados al sitio final; y por otro, el grupo a cargo de fabricar 200.000 cubos de poliestireno de alta densidad, los que fueron elaborados en una fábrica italiana, cerca del lago Magiore.

El proceso de instalación también significó varios desafíos técnicos y logísticos, y se realizaron varias pruebas tanto en Alemania como en Italia. Se decidió fabricar secciones de 100 m de largo por 16 m de ancho, las que posteriormente fueron conectadas entre sí. Se instala un taller en la península de Montecolino, lugar donde se van armando estas secciones y se van apostando en un verdadero estacionamiento en el agua. Realizar este pre-armado fuera del lugar final, sirve para optimizar los tiempos de instalación in situ, dejando en un plazo de dos meses la instalación de las secciones en el lago, partiendo en abril del 2016. Los desafíos La primera área a intervenir es la isla San Paolo. Se recorre todo su borde con los cubos de poliestireno y después se van instalando las secciones que conectarán con los dos pueblos. Para asegurar que los senderos estuvieran fijos y seguros, se instalan cerca de 190 anclas a una profundidad de hasta 90 metros. A medida que se iban instalando los cubos, se fueron cubriendo con una capa de fieltro para, posteriormente, poner encima la tela. Con los cubos en ubicación y fijados, se instala la tela, amarrada con cables a los bloques plásticos. Todo esto por debajo del agua, lo que le otorga un aspecto limpio y de un solo elemento a la instalación. La intervención tiene 3 kilómetros de senderos sobre el agua y 2.5 kilómetros por las calles de los pueblos.

Pueblos y lago teñidos de naranjo De a poco los dos pueblos y el lago se empiezan a teñir de naranjo y las ilustraciones e imágenes de estudio creadas por Christo empiezan a transformarse en realidad. Los senderos y muelles se apoderan del paisaje y crean una nueva percepción del mismo. Una vez inaugurada, los primeros 5 días la instalación fue visitada por 270.000 personas, estimándose que en total asistieron 1.2 millones de personas. Como en la mayoría de las obras de Christo y Jeanne-Claude, lo más importante, aparte de la envergadura y escala, es la sensación y experiencia que deja en los visitantes. La mayoría de las notas que se hicieron al respecto, hablan de la sensación de caminar sobre el agua, casi como una metáfora entre el juego de Christo - Cristo y la interpretación bíblica. Christo, por su parte, compara la sensación del recorrido con lo que se sentiría al estar sobre el lomo de una ballena. Independiente de las interpretaciones que puedan existir, es indudable el tremendo impacto que generó la obra. No fue necesario ser un entendido en arte o un intelectual para disfrutar de la experiencia; la primera que realiza el artista en solitario después de la muerte de Jeanne-Claude. Una especie de tributo… un regalo.

Collage, 2015/ 28 x 21,5 cm/Lápiz, lapices de cera, pintura al esmalte, fotografía de Wolfgang Volz, fotografía aérea y muestra de tela.

PREMIO D+A “TRAYECTORIA EN LA ARQUITECTURA”

Rosita Lira, José Cruz Ovalle, Walter Junge y Catalina Plaza.

En el marco de 100 SHOWROOMS Feria Internacional de Arquitectura y Diseño D+A , que tuvo lugar en Casapiedra, Revista D+A entregó el premio “Trayectoria en la Arquitectura”. La iniciativa se concentró en la entrega de un galardón a un arquitecto “por su aporte a la profesión desde la innovación y diseño, el modo en que se resuelve el encargo desde el punto de vista arquitectónico y su aporte a la comunidad”.

Francisco Gacitúa y Cristián Boza.

Marianne Balze y Sebastián Gray.

Jorge Iglesis, Yves Besancôn y Sergio San Martín

Sonia Rabagliati y Humberto Eliash

El galardón se refiere a la obra y a la trayectoria de un profesional que aporta al conjunto y a la profesión. Lo novedoso de esta premiación fue la entrega por parte de profesionales que no pertenecen a gremios de la arquitectura , sino que reflejan a la comunidad. El jurado estuvo compuesto por, Editores, Empresarios, Editores, Periodistas y Escultores, quienes reconocieron la labor de un arquitecto y su obra, dedicación y consecuencia. En esta primera entrega de este premio, el ganador fue el destacado arquitecto José Cruz Ovalle.

___Arte

IGNACIO BAHNA EN ARTESPACIO LA TENSIÓN Y EL MOVIMIENTO DE LAS ONDAS EXPANSIVAS CON SU EXPOSICIÓN “FUGAZ: DETENER UNA ACCIÓN”, EL ARTISTA CHILENO CONTINÚA EL TRABAJO INICIADO DESDE QUE CONSTRUYÓ SU CASA OBSERVATORIO EN LA ARAUCANÍA, DONDE HA EXPERIMENTADO LA FUERZA DE LAS ERUPCIONES VOLCÁNICAS. Fotos: Macarena Achurra y archivo del artista.

on estudios de Bellas Artes en la Universidad de Barcelona, ha disfrutado de residencias en España, Estados Unidos y México. Desde 2000 hasta hoy, Ignacio Bahna ha expuesto sus trabajos en innumerables museos, galerías y ferias del mundo. A la YAM Gallery (México), la Galería Artespacio y el Museo de Artes Visuales(Chile), l Galería Aranapoveda (Madrid), Austro Gallery (Estados Unidos), Universidad de Barcelona y Sala de Arte Casa Elizalde (Barcelona), entre otras, se suman ferias como Volta (Basel), Pinta (Nueva York), Ch.ACO (Chile), Art Lima (Perú), J A 3bandas (Madrid). Asimismo, tiene numerosos trabajos de gran formato en espacios públicos y privados. Empleando la madera como medio de expresión, su trabajo hace relevantes situaciones sociales y medioambientales, aproximando al espectador a su compromiso con el devenir del hombre moderno en convivencia con la naturaleza y buscando el cuestionamiento interno de su realidad. Su nuevo trabajo, en el primer piso de la galería Artespacio, continúa lo hecho para su exposición “Magma”, presentada en Yam Gallery, México. “Fugaz: detener una acción”

Vista de la exposición en Galería Artespacio.

consta de dos instalaciones más un video, con los que el artista traslada una experiencia vivida en un contexto de naturaleza salvaje a plena ciudad. Sus obras, construidas con maderas, carbón, piedra volcánica, madera quemada y resina natural, expresan la tensión y el movimiento explosivo de las ondas expansivas. Algunas de sus piezas incorporan luces LED para citar ciertos fenómenos puntuales. Para este trabajo, con posterioridad a la erupción del volcán Villarrica, Bahna recorrió durante un año diferentes zonas, recolectando materiales y registrando la ruta por los faldeos de volcanes del sur. Gracias a ello pudo generar un proyecto interdisciplinario que reúne geología, biología, física, tecnología, arte y medios audiovisuales. Fuerzas naturales, intervención humana El artista explica el nombre de la muestra a través de la idea de detener una acción fugaz, específicamente una explosión volcánica, una acción latente natural, un gesto, la observación de la luz, el movimiento, el sonido, todo ello fugaz, y de congelar dichos actos o acciones.

Micro observatorio. 2016. Luces LED, madera carbonizada y picoyo (resina natural).

Ignacio describe este trabajo como una continuidad de su residencia y exposición Magma, centrada en las acciones físicas y explosivas de los volcanes. Y de otras otras dos anteriores, Campos de Expansión, expuesta en España, y Reacciones Exergónicas, en la misma galería Artespacio de Santiago. Relacionadas también con este tema, pero de manera más amplia, estas dos destacaron las ondas expansivas físicas de la naturaleza así como la expansión del hombre en la naturaleza a través de intervenciones como las refinerías, mineras, hidroeléctricas o desforestaciones. Especial mención puede hacerse al uso de luces LED, cuidadosamente incorporadas en ciertas obras con el fin de producir un diálogo entre la naturaleza y la tecnología de una manera equilibrada. Destaca así tanto la luz que generan los fenómenos naturales como también en algunos medios tecnológicos. En esta muestra específica, el recurso se centra en la luz térmica que generan las grietas volcánicas, el magma, la lava. Según señala el propio artista, el efecto face (tipo respiro), con subidas y bajadas de luz, cita la acción latente de este fenómeno volcánico. Por otro lado, explica que la proyección de luz sobre sus esculturas e instalaciones tiene la intención de proyectar una sombra dura de los elementos suspendidos hacia el suelo, cielo y muros de la sala, con el propósito de ampliar el campo de la instalación y recorrido.

Sus obras, construidas con madera, carbón, piedra volcánica y resina natural, expresan la tensión y el movimiento explosivo de las ondas expansivas.

Desde el Observatorio Más que realizar una exposición convencional, lo que Bahna pretende con este trabajo es crear un recorrido en el cual los sentidos son los protagonistas y, de esa manera, el espectador se ha de sentir viviendo una verdadera experiencia. En 2005, Ignacio Bahna inició la construcción de su casa, el Observatorio, en la Región de la Araucanía en el sur de Chile, colindante al Parque Nacional Villarrica. En este paisaje salvaje situado a 2.000 metros de altura y rodeado de tres volcanes –Quetrupillan, Villarrica y Lanín–, comenzaría con el tiempo una práctica artística en armonía con el medio ambiente. Fue así como el día 3 de marzo de 2015 la tierra de pronto comenzó a rugir. El cielo se puso de color rojizo y una lluvia negra vertió en el suelo una increíble cantidad de piedras volcánicas negras. El volcán Villarica había entrado en erupción. Unos meses más tarde, una nube hecha de las cenizas de otro volcán en erupción, el Calbuco, situado a 300 kilómetros al sur del hogar de Bahna, dejó el panorama completamente cubierto con una capa gris. Ambos eventos dejaron en el artista la sensación de que este lugar preciso fue capaz de atraer todos los sedimentos geológicos de la zona como un imán. Por último, pero no menos importante, un incendio forestal

(causado por humanos en esta ocasión) quemó miles de hectáreas de bosque nativo en la misma región, dejando el paisaje en un completo caos. Ignacio Bahna inició tras ello una profunda reflexión acerca del verdadero apocalipsis que había experimentado, que contrastaba con la versión romántica de ambiente que suelen acumular las personas que no están en verdadero contacto con la naturaleza. Se hizo urgente en él la necesidad de traspasar a su obra artística aquellos procesos naturales de los que había sido testigo. Inició de este modo una investigación a través de los paisajes carbonizados que pudo encontrar en su región. Realizó una profunda observación de los efectos de las explosiones volcánicas, así como un examen de los desechos expulsados por la montaña y extendidos por todo el territorio, teniendo en cuenta la fuerza destructora del fuego y la conmoción generada. Madera, fuego, carbón Recogiendo objetos encontrados en el suelo, reunió piezas de madera convertidas en carbón que más tarde integró en sus esculturas murales. Inspirado en la luz del fuego, Ignacio Bahna utiliza un material especial, el “picoyo”, que es una especie de ámbar que resulta de la descomposición de la araucaria, árbol abundante en esa zona. Cortado en delgadas rodajas, translúcido, toma un color vibrante de fuego como cuando se aplica luz sobre ella.

Utilizando la tecnología de LED, el “picoyo” se monta junto con la madera y el carbón de leña, y así las esculturas aparecen en la pared como grietas en las faldas de un volcán, brillando en la oscuridad. Al mirar las esculturas, impresiona pensar que tales materiales vienen de tan lejos y deben que pasar por una transformación de este tipo para llegar a los espectadores. El Observatorio casa-taller ha sido la plataforma permanente para la creación de las obras de Ignacio Bahna desde una realidad tangible y vivencial, pudiendo allí observar los cambios en la estructura geográfica producida por los fenómenos de la naturaleza así como también por el accionar humano. La ininterrumpida investigación, el descubrimiento y la conservación del lugar han brindado al proceso de su trabajo una valoración e identidad vinculante al origen de la materia, a su historia y transformación. Al mismo tiempo, la experiencia de construir este espacio en un clima extremo, vinculado a disciplinas como la arquitectura e ingeniería, ha sido fundamental para el desarrollo técnico, constructivo y experimental de las obras de Bahna.

La proyección de luz sobre sus obras tiene como intención proyectar una sombra dura de los elementos suspendidos con el fin de ampliar el campo de la instalación y su recorrido.

__IGNACIO DESCRIBE ESTE TRABAJO COMO UNA CONTINUIDAD DE SU RESIDENCIA Y EXPOSICIÓN MAGMA, CENTRADA EN LAS ACCIONES FÍSICAS Y EXPLOSIVAS DE LOS VOLCANES. Instalación arbórea volcánica Palo Huérfano. Yam Gallery. México Exposición MAGMA.

___Arquitectura

CONCURSO DE ARQUITECTURA ELECTROLUX GASTRONOMÍA ITINERANTE EN ESPACIOS PÚBLICOS P

LLEVAR LA COCINA A DIFERENTES LUGARES Y DESARROLLAR CON ELLA EL ESPACIO DE TODOS FUE EL FOCO DE LA SEXTA VERSIÓN DEL CONCURSO CON QUE LA MARCA CONVOCÓ A ARQUITECTOS Y ESTUDIANTES DE ARQUITECTURA, EN EL MARCO DE 100 SHOWROOMS.

“Parásito Ferroviario”, un restaurant pop up diseñado para ser montado sobre el vagón de carga de un tren, obtuvo el Primer Lugar en la categoría Estudiantes. Sus creadores son Andrea Fuentes y Fernando Torres.

ensar en un disposivo gourmet itinerante para el desarrollo de los espacios públicos, proponiendo nuevas formas de generar diseños innovadores de uso, beneficio público y comunitario. Tal fue la invitación que hizo este año el tradicional Concurso de Arquitectura Electrolux a los arquitectos profesionales así como a estudiantes de arquitectura de todo Chile. El certamen, realizado en el marco de la Feria Internacional de Arquitectura y Diseño 100 Showrooms, donde la marca especializada en electro-hogar tuvo una importante par-

El proyecto “Escuela Culinaria para Barrios Vulnerables” obtuvo el Primer Lugar en la categoría Profesionales. Sus autores son Rodrigo Torres, Oscar Vargas, Santiago Soto y Diego Canales, de la oficina XS Arquitectura.

ticipación como expositor, se enfocó en esta oportunidad –su sexta edición– en reflexionar acerca del vínculo entre la arquitectura y la gastronomía. Ambas disciplinas del quehacer humano cumplen funciones fundamentales para las personas, vinculadas a las necesidades nutritivas y del cobijo, las que una vez satisfechas deben seguir actuando en la memoria. El concurso se propuso en la versión 2016 dar movimiento al espacio que ocupa la cocina, crecientemente concebido como un lugar agradable para reunirse y disfrutar del gusto de una comida hogareña. En esta noción se observa, sin embargo, aquella idea ancestral del espacio en torno al fuego alrededor del cual se congrega una colectividad. Asimismo, se planteó como objetivo integrar dicho espacio a un concepto de recuperación urbana y colectiva, donde a través de la alimentación se logra convocar y generar espacios que acogen e invitan. Algo que puede quedar muy bien graficado si se piensa, por ejemplo, en la clásica cocina de una casa del sur de Chile o en el placer que ofrece una cava de vino. El desafío no era menor, dado que la creación de un dispositivo gourmet itinerante requiere de ideas que deben estar a la altura del mundo culinario. Por otra parte, las bases consideraron de fundamental interés que las propuestas puedan ser implementadas y construibles. Por tal motivo se les exigió incluir conceptos reales de espacios de preparación de comidas, consumo, iluminación y transportabilidad. La escuela y el vagón Entre las numerosas propuestas recibidas, la ganadora en la categoría Profesional fue una Escuela Culinaria proyectada para barrios vulnerables, desarrollada por Rodrigo Torres, Oscar Vargas, Santiago Soto y Diego Canales, de la oficina XS Arquitectura.

El Segundo Lugar categoría Profesionales lo obtuvo el restaurant “Barra Flotante” de Emanuel Astete.

Según sus creadores, la propuesta busca la “recuperación de espacios de expansión detectados en la trama urbana, que hoy se encuentran en desuso o sin una función definida y que pueden ser ocupados temporalmente y en forma itinerante para la enseñanza culinaria”. Esto contribuye además al mejoramiento de la alimentación en barrios vulnerables por medio de la inclusión de la enseñanza de conceptos culinarios. En la categoría Estudiantes, la propuesta que se quedó con el primer lugar fue la de tener un tren que recorre las ciudades entregando el máximo placer gastronómico. Sus creadores, Andrea Fuentes y Fernando Torres, explican que su Parásito Ferroviario consiste en “un dispositivo gourmet que se proyecta sobre una plataforma de tren y se aferra a los trenes de carga o de pasajeros para movilizarse de un punto a otro”. Con ello se repercute en la nutrición de las estaciones en donde se congrega a personas al disfrute de una muestra local, proveyendo un soporte gastronómico.

El Segundo Lugar en la categoría Estudiantes fue para el “Restaurant Flotante en Chiloé” de Leandro Aravena y Javiera Armijo.

Entre los arquitectos profesionales, los proyectos Restaurant Barra Flotante, de Emanuel Astete, y Dispositivo de Degustación Cava Itinerante, de Carlos Torres y Bárbara Silva, obtuvieron el segundo y tercer lugar, respectivamente. Similares lugares en la categoría de estudiantes fueron adjudicados a las propuesta Restaurant Flotante en Chiloé, de Leandro Aravena y Javiera Armijo, y Fuelle de Sabores, de Andrés Constanzo. A su vez, el Dispositivo Gourmet Ferroviario, de Fabián Rodríguez y Gustavo Schweitzer, obtuvo una mención honrosa.

__EN ESTA OPORTUNIDAD, EL CONCURSO SE ENFOCÓ EN REFLEXIONAR ACERCA DE LOS VÍNCULOS ENTRE LA ARQUITECTURA Y LA GASTRONOMÍA.

Ignacio Toro, gerente de marketing de Electrolux, comenta que para la empresa es trascendental el incentivo a las actividades de responsabilidad social empresarial. “Esperamos que nuestro concurso de arquitectura siga siendo un hito para aquellos arquitectos que quieran intervenir, en forma responsable, el entorno en pos de mejorar la calidad de vida de los ciudadanos. También de los más vulnerables”, comentó el ejecutivo.

El Tercer Lugar en la categoría Profesionales lo obtuvo el “Dispositivo de Degustación Cava Itinerante” de Carlos Torres y Bárbara Silva.

El Tercer Lugar en la categoría Estudiantes lo obtuvo “Fuelle de Sabores” de Andrés Constanzo.

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LA PERFECCIÓN DEL DISEÑO SUECO EN LAS GRIFERÍAS ELECTROLUX *La compañía de electrodomésticos comercializa en Chile sus líneas de griferías para cocina y baño Kvadrat y Rund. Minimalistas, con monomandos estilizados y ultra silenciosos.

Son objetos de gran belleza, que contribuyen a una mejor utilización de los espacios y a la disminución sustancial del ruido. Esas son las características más destacadas de las griferías para cocina y baño, además de los nuevos accesorios Electrolux. Son piezas fabricadas a partir de barras de latón y no fundidas por moldes, lo que genera un material de superficie completamente lisa y sin imperfecciones, que al ser utilizado genera menos ruido cuando el agua está corriendo. “Hoy todo está a la vista, especialmente las cocinas que son espacios abiertos, sociales y pensados para el goce de los dueños de casa y de sus invitados, por lo que las griferías deben ser armónicas con su contexto y concebidas también como objetos de diseño”, especifica Ignacio Toro, gerente de Marketing de Electrolux Chile. Mejor diseño, menos ruido “Pasamos muchas más horas en nuestras cocinas, por lo tanto, los artefactos no sólo deben ser atractivos sino silenciosos cuando

están funcionando”, explica Paula Yanes, Construction Sales Manager de Electrolux. La firma sueca comercializa –tanto en las tiendas de retail como en su showroom, Casa Electrolux-, lavaplatos con receptáculos más marcados, profundos, conforme a la necesidad de que tanto los utensilios como la vajilla queden ocultos y no generen contaminación visual. Respecto de las griferías Electrolux también se busca la reducción de ruido. “Los cuerpos principales de las griferías están fabricados a partir de barras de latón y no fundidos por moldes, con lo que se logra un material de superficie microscópicamente más lisa, sin imperfecciones”, señala Yanes. *Las líneas Kvadrat y Rund así como los accesorios para cocina y baño, se exhiben y comercializan directamente en Casa Electrolux, Avenida Kennedy 7540, Vitacura. Fono +56 2 28376460

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TENDENCIAS BOCONCEPT 2017: LUZ NÓRDICA BOCONCEPT EXPLORA TODO LO MEJOR DE LA SIMPLICIDAD ESCANDINAVA CON LA TENDENCIA “LUZ NÓRDICA”. Sofá Indivi, A83xL198xF91cm. Mesa Milano, A74xL80xL140cm. Silla Adelaide, A86/46xL45xF57cm. Gabinetes de pared Lugano, A207xL138xF35cm.

Sofá esquinero Indivi, A85xL304xF239cm. Butaca Fly, A78xL71xF84cm. Mesa de centro funcional Chiva con espacio de almacenamiento, A321⁄2/46xL115/136xL81/102cm.

Espacios llenos de la brillante luz escandinava, la comodidad del hogar, la integridad de la madera, los colores de la naturaleza, líneas limpias y toques personales. Todo lo anterior describe esta nueva tendencia que nos recuerda que algunas veces la simplicidad es lo más emocionante de todo.

los blancos puros y tonos neutros; un verdadero ejercicio de iluminación y brillo. Los accesorios en tonos cenizos y pasteles como boles, platos y jarrones con acabados rústicos ayudan a mantener una atmósfera clara y ligera, y añaden un sentido de naturaleza.

Tan solo hay que imaginarse estando en un acogedor sofá delante de la chimenea, rodeado de materiales honestos y texturas agra- dables al tacto, en un espacio donde el estilo es individual y distintivo y hay mucho para sorprender y deleitar la vista.

Actualmente, los elementos escandinavos han dado mucho de qué hablar en los ámbitos de la moda, la gastronomía y la cultura, por lo que BoConcept con sus seis décadas de experiencia en el diseño danés, se sitúa per- fectamente como una referencia en el mundo del diseño interior nórdico.

Los materiales naturales añaden un estilo auténtico junto con colores calmados como

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EL SISTEMA DE COCINA FRANKE

En Franke entendemos la cocina como un proceso, que inicia desde que usted llega con las compras hasta el momento en que usted elimina los desperdicios, para cada una de estas etapas Franke tiene una solución visualmente coordinada y con los más altos estándares de diseño y tecnología. Es asi como nace el concepto de sistema de cocina. Tu Cocina Franke Franke es el único proveedor integral de cocina para uso doméstico y toda su gama de artículos de cocina Franke las crea, en todas sus fases de diseño, en función de la plena Integración y continuidad. La elección de los materiales, la atención al detalle, el refinamiento de las líneas que hacen que todo los elementos se insertan de una manera equilibrada y armoniosa dentro de este sistema. Cada uno de nuestros productos nace de la investigación por lo que las soluciones son únicas y donde cada elemento encuentra su posición natural para completar la integración de todo el sistema.

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Imagínese que su cocina tuviera un fregadero que se limpiara solo, o un horno que le diera consejos para cocinar. Estos productos no son ninguna fantasía. Todos ellos, forman parte de nuestros sistemas integrados y aportan estilo, comodidad y artesanía a su cocina. Queremos que usted experimente el placer de cocinar, comer y entretenerse en una cocina equipada con productos Franke. Esto nos inspira para hacerle la vida maravillosa. ¿Qué aspecto tiene su cocina de ensueño? ¿Destaca por el acero inoxidable? ¿O es más discreta, con un fino acabado en piedra? ¿Cocinará para una, dos o veinte personas? En Franke creemos que cada cocina debe ser tan exclusiva como su dueño. Un lugar en el que usted se sienta libre para cocinar, comer, entretenerse, celebrar y mucho más. Por eso queremos hacer que su cocina sea perfecta desde el fregadero y el grifo hasta el horno, desde la mañana hasta la noche, día tras día.

Imagínese una cocina en la que todo trabajara conjuntamente, tuviera un aspecto increíble y un propósito. Una cocina donde todos sus componentes se hubieran diseñado para ayudarle a disfrutar aún más del día. Así es como enfoca Franke el diseño de sus sistemas de cocina. Nos esforzamos al máximo para garantizar que nuestras soluciones proporcionen un equilibrio perfecto entre estilo, confort y funcionalidad en su cocina. Maravillosamente versátiles ¿Es usted minimalista? ¿O prefiere colores y formas más atrevidos? Con Franke no tiene que ser una cosa o la otra. Nuestra amplia gama de texturas, colores y materiales disponibles le permite personalizar la cocina que desea para complementar su estilo. Maravillosamente innovadores Llevamos más de 100 años mejorando e innovando incansablemente nuestros productos y servicios. Esta historia y experiencia nos ha ayudado a diseñar y crear soluciones

para la cocina y productos que demuestran su fiabilidad día tras día en más de 100 millones de hogares de todo el mundo. En Franke entendemos la cocina como un proceso que inicia desde que usted llega con las compras del supermercado hasta el momento en que usted elimina los desperdicios, para cada una de estas etapas Franke tiene una solución, visualmente coordinada y con los más altos estándares de diseño y tecnología. Los invitamos a conocer el mundo maravillos de Franke Kitchen System, líder mundial en sistemas de cocina de uso doméstico, consolidado como el más grande fabricante de Lavaplatos de acero inoxidable, los invitamos a unirse al mundo Make it Wonderfull. Encuentranos en nuestros distribuidores autorizados y en www.franke.com www.frankechile.cl Facebook: Frankechile Twitter FrankeChile Linkedin: FrankeChile.

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Comunicado prensa:

TENDENCIAS EN EL ESPACIO LABORAL EN EXPOFFICE 2017 El Salón Internacional de equipamiento para oficinas y oferta inmobiliaria, se instala en Chile para la renovación de espacios de trabajo, muestra de tendencias y oferta inmobiliaria en oficinas. Se llevará a cabo los días 24. 25 y 26 de enero en el Santiago Convention Center (parque Titanium) eje central de Sanhattan. Santiago, Chile- Las oficinas han cambiado hoy, lo que se estila es un espacio de trabajo, concepto que significa intercomunicación laboral, comodidad para quienes lo utilizan, con las herramientas necesarias para conseguir mejores resultados, mayor productividad y aprovechamiento de tiempos laborales. El trabajo se desarrolla en un ambiente tecnológico y de mucha conexión virtual con el equipo de trabajo. En consecuencia, todo lo que se requiere para implementar estos espacios, está vinculado con computadores portátiles, sitios de información, sitios de almacenamiento y otros que comienzan a modificar también el diseño de los espacios físicos (muebles, estanterías, sillas, salas de reunión, etc.) Para reunir todo lo que se necesita en la implementación de un espacio de trabajo, útil , productivo y acogedor en un solo lugar, Tradeshows empresa organizadora de ferias internacionales, trae a Chile EXPOFFICE 2017, encuentro donde se exhibirán tendencias en muebles y estanterías para oficinas, servicios y equipamiento, oferta inmobiliaria para empresas, pymes y profesionales. Se dictarán talleres y se realizará una conferencia sobre tendencias en diseño y habilitación de oficinas a nivel internacional. Más información en www.expoffice.cl

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GUNTER MEYER MUEBLES

Durante 65 años Gunter Meyer Klein, nacido en Alemania, desarrolló en Chile un estilo de trabajo enfocado en conocer a sus clientes, interpretar sus requerimientos y producir soluciones para oficinas de alta calidad. Aplicó diseños innovadores a través del tiempo y desarrolló una producción concentrada en lograr piezas únicas. Gunter Meyer innovó el concepto del mueble desde sus inicios, aplicando diseños únicos, solidez en su manufactura y servicio de post venta a sus clientes. La empresa ha destacado desde sus inicios por la producción fiel del mueble tradicional y la técnica artesanal para producirlo. Una propuesta de valor que combina el trabajo del artesano y la alta calidad en el resultado final del producto. También ha destacado por la formación a través de los años, de un equipo humano comprometido y de inigualables condiciones de manufactura. En agosto 2015, la fábrica enfrentó un feroz incendio con perdida total. Fue un gran retroceso, donde se perdieron maquinarias,

materias primas y productos que estaban listos para su entrega. Pero esto no detuvo el espíritu de su fundador. La decisión de la familia fue levantar la empresa de las cenizas, continuar a toda costa con la tradición, y rescatar el trabajo que involucra a 40 familias y que forman parte de esta organización industrial. Durante los últimos 12 meses, aprovechando al máximo los recursos disponibles, la empresa levantó una nueva infraestructura, con 1.600 mts2 para el área de producción, nuevas oficinas aplicando estilos de espacios abiertos, iluminación natural y maderas, y así construir un espacio de trabajo apto para los nuevos desafíos. Hoy la empresa trabaja con una propuesta para el cliente “hecha a medida”, con un equipo reforzado en las áreas de producción , diseño, y área comercial. Mantiene su habitual trabajo artesanal tradicional, y adapta su estilo y servicio según los requerimientos de la época, incorporando tendencias del mercado.

Respecto al mercado de asientos para oficinas, comenta su Gerente General Malcolm Hudson: “este transita actualmente por la estandarización y se nos olvida que estamos casi un tercio de nuestra vida laboral usando sillas que deben aportar la mejor solución posible. Es por esto que nos hemos desafiado en desarrollar un producto único, combinando mecanismos italianos, telas y cueros de distintos países con un diseño tradicional.” Más de 200 colores y texturas distintos permiten dar una solución única a sus clientes, con el espíritu de los antiguos sastres europeos y la velocidad de trabajo que permite entregar en tiempo record. El compromiso histórico de calidad de por vida, contempla una garantía de mantenimiento a costos muy accesibles, solución que nuestros clientes institucionales conocen muy bien a través del tiempo. Arte-Sano hecho a mano, pensado uno a uno, son conceptos que distinguen y diferencian cada una de las piezas que se producen en Gunter Meyer. Cada uno de sus operarios trabajan, convencidos que están aportando una solución de calidad, pasión y materiales nobles al producto que se entrega. Las oficinas y planta productiva se encuentran en el sector oriente de Santiago, lo que facilita aún más que sus visitas participen en el proceso de producción de los muebles que necesitan y esperan; son la industria de mueble, donde los clientes son considerados invitados de honor y amigos de por vida.

www.guntermeyer.cl

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ESPACIOS ÓPTIMOS Y BIEN ORGANIZADOS CON LOS EXPERTOS DE HBT

Los expertos en planificación de espacios de HBT pueden ayudarte a crear cocinas y closets ideales con #Planifikitchen y #Planificloset! Con 40 años de trayectoria, Hbt se ha posicionado por entregar un servicio de asesoría integral en la planificación de los espacios de cocina y closets, en proyectos particulares o inmobiliarios, transformándose en el mejor aliado de diseñadores y arquitectos en la especificación técnica y montaje final de los proyectos. “La experticia que nos dio ser fabricantes le da mayor seguridad al comprador y mediante capacitaciones a vendedores, traspasamos ese conocimiento”, comenta Ragnar Branth, gerente general de Hbt. Este último año, ha irrumpido fuertemente en el mercado con sus conceptos #Planifikitchen y #Planificloset, siendo reconocidos como los expertos en planificación de espacios. Con #Planifikitchen aseguran que pueden lograr hasta un 30% más de espacio en la cocina, otorgando recorridos óptimos, dejando cada cosa en su lugar, confort de movimiento perfecto, suave y silencioso. Este mismo concepto es el que están incorporando a los closets.

Además, cuentan con el Test Drive Kitchen, una cocina con armarios, muebles y electrodomésticos ficticios, para experimentar el flujo de trabajo, visualizar el proyecto y detectar todos los ajustes y ventajas antes de la instalación, el complemento perfecto para los expertos en el rubro. HBT está en pleno proceso de crecimiento y diversificación. Por ello ya no sólo venden sus soluciones para muebles con tecnología de punta, sino que busca asociarse a otras empresas para comercializar otro tipo de productos. Por ejemplo, en octubre traen a Chile la marca alemana de electrodomésticos Neff, de la que serán los únicos representantes en Sudamérica. “Traeremos los últimos modelos de hornos, cocinas, encimeras a inducción, campanas, microondas, cafeteras, refrigeradores, todos productos exclusivos para personas que se apasionan por la cocina y quieren resultados perfectos”, finaliza Ragnar Branth. Hbt está presente en Santiago y Concepción y dispone de un canal de venta online en www.hbt.cl.

Placa de inducción y campana de Neff, tecnología de punta y diseño en la cocina en Hbt.

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MOSAICO LAB, UNA EXPERIENCIA ÚNICA

Con más de 25 años de presencia en el mercado nacional e internacional y haciendo gala de la innovación como uno de los pilares fundamentales de la compañía, Mosaico S.A abre las puertas de su casa presentando un espectacular espacio expositivo que invita a vivir, interactuar y experimentar con los productos.

Mosaico Lab, es un completo espacio de innovación y vanguardia desarrollado en las dependencias de Mosaico S.A. Se trata de un elegante showroom donde se exhibe el line up completo de la marca italiana Aggio y la marca nacional Stretto -pertenecientes a la compañía-, además de las prestigiosas marcas internacionales Sanitana, Presto y Gamco, representadas exclusivamente para Chile por la empresa. El espacio además cuenta con un laboratorio abierto a los clientes donde se pueden hacer distintos tipos de pruebas.

Mosaico Lab está inspirado en el concepto de conocer los productos a través de la experiencia, de manera que la exhibición es 100% funcional, permitiendo que cada visitante tenga la oportunidad de comprobar in situ las prestaciones que brinda cada producto exhibido, además de apreciar los distintos diseños y terminaciones creados para cubrir las necesidades de cada consumidor. Más información en: www.mosaico.cl

Prepรกrate a vivir una experiencia inspiradora... Juan de la Fuente 234, Parque Industrial, Lampa, Santiago. (+56 2 ) 2731 7600 | info@mosaico.cl | www.mosaico.cl

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Experiencia + Innovación Durante más de 20 años NEOFLOOR se ha enfocado en entregar el mejor servicio para el diseño y la habilitación de espacios corporativos, hospitalarios, hoteleros, casinos, entre otros. Nuestra experiencia en el rubro de la construclos mejores representantes de pisos, alfombras, cortinas y sillas a nivel mundial.

no sólo provisión de materiales. Porque eso es lo que hacemos y en eso somos expertos. Cumplimos con los plazos de entrega que son claves para una habilitación, con precios competitivos, sin tranzar calidad y con una atención personalizada.

Cortinas Coulisse Roller blinds - Screen Essentials 3003 Obra, Pabellón de Barcelona Arquitecto, Mies van der Rohe

Entre nuestra gran variedad de productos destacamos esta temporada los pisos vinílicos de 5 mm de espesor que no requieren pegamento, en múltiples diseños. Somos distribuidores exclusivos del piso técnico que permite la renovación de espacios que palmetas de piso 100% reciclado de 60, 50 y 40mm de altura, se puede evitar la sobre losa cementicia que retrasa una obra, da peso a un lay-out. Distribuimos cortinas Coulisse, marca Holandesa líder en Europa.

Showroom: Antonio Bellet 444, Of.101. Providencia, Santiago - Chile

Tel: +56 2 2979 3500

ventas@neofloor.cl

Alfombras / Cortinas / Pisos Vinilicos / Pisos Técnicos / Sillas Cortinas Roller - Persianas de madera - Doble Roller - Honeycell Coulisse.

Piso Eco CA600R, Netfloor.

Piso vinílico de 5mm, imitación madera.

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Showroom: Antonio Bellet 444, Of.101. Providencia, Santiago - Chile

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MOVING PRESENTA EN CHILE SU NUEVA LÍNEA FLEXA Con 19 años líder en el mercado de mobiliario de oficina, la reconocida marca de sillas Italianas lanza este 2016 la silla Flexa. De la mano de su fundador, el Italiano Pietro Lovato, clientes y ejecutivos ligados al sector de diseño y arquitectura se dieron cita en el Hotel Noi de Vitacura para celebrar la llegada de la marca a Chile de la mano de Dimusa. Flexible, ergonómica, cómoda y, al mismo tiempo, ecológica, Flexa es adecuada para cualquier espacio de trabajo, respetando también los 10 años de garantía que ofrece Moving para todos sus productos de mobiliario de oficina.

LANZAMIENTO FLEXA BY MOVING

Claudia Rasia y Pietro Lovato

Margaret Reid y Alejandra Ortiz

Oihane Lizanzu y Diana Mediano

Showroom Los Espinos, 2638 Macul Santiago, CHILE T 02.3715236-8-9 info@dimusa.cl www.dimusa.cl

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MEJORANDO LA CALIDAD DE VIDA URBANA La movilidad y el transporte es uno de los requisitos más importantes de la vida urbana, por esa razón el uso del automóvil se espera que aumente durante las próximas décadas, especialmente en las nuevas zonas de crecimiento de la ciudad. Sin embargo, sin un sistema de transporte integrado, como el metro, autobuses, etc., y las instalaciones adecuadas para regular el tráfico y estacionamiento, los centros de nuestras ciudades van a asfixiarse. Esto dañará el medio ambiente en general de la ciudad y la viabilidad económica del centro de la ciudad. La solución a este problema difícil es asegurar que las ciudades tienen el necesario grado de accesibilidad, tanto en calidad como en cantidad, manteniendo al mismo tiempo un entorno urbano aceptable, con el sistema de transporte público eficiente y con las políticas de transporte sostenible que incluyan una política de estacionamiento integrado. Políticas de estacionamiento son parte integral de este, ya que pueden tener un efecto directo sobre el movimiento del tráfico y el grado de ingreso y de tráfico en las zonas interiores de la ciudad. El aparcamiento y la gestión de estacionamiento es un componente esencial y activo de la movilidad urbana. El equilibrio entre la disponibilidad de estacionamiento, el flujo de tráfico y la calidad de vida, varía entre ciudades, porque cada ciudad tiene sus propios demonios. Es importante recordar que un automóvil regular transcurre el 90% de su vida estacionado.

La gestión eficaz de estacionamiento, puede reducir la congestión del interior de la ciudad y por lo tanto el aire y la polución. Conductores en busca de lugares de estacionamiento es una causa frecuente de innecesaria congestión en la ciudad. Cuando el estacionamiento en la calle es gratuito y no regulado, los automovilistas en busca de estos lugares, causan el permanente “el tráfico de búsqueda”. La eliminación de estacionamientos gratuito o no regulado en la calle y su sustitución por plazas de estacionamientos pagada reduce el tráfico de búsqueda y disponibiliza calles para el libre tráfico de automóviles y peatones. En vista del número limitado de plazas de estacionamiento en las ciudades, estas deben crecer permanentemente, ya que la demanda crece exponencialmente. Tipo de demanda por plazas de estacionamientos La demanda de espacio de estacionamiento está determinada principalmente por el carácter de los destinos de los automovilistas: centros comerciales, áreas de oficinas y áreas administrativas, centros de esparcimiento y ocio, edificios residenciales, etc. Aumentar las plazas de estacionamientos por cambios en la demanda de los usuarios resulta extremadamente caro y en muchos casos imposible. Pero, hoy en día tenemos la tecnología para crear un gran número de plazas de aparcamiento, ya sea sobre tierra o bajo tierra, y que requieren de un pequeño espacio ya que soluciona el el dilema con equipos mecanizados.

Klaus Multiparking Multiparking Sistemas se dedica a la creación de una variedad de soluciones de aparcamiento mecanizadas y automatizadas para mejorar la calidad de vida urbana. Fundada en Alemania KLAUS tiene experiencia de más de 50 años, representada en 80 países de todo el mundo y que tiene más de 750.000 espacios instalados. Hoy KLAUS cuenta con 2 plantas de fabricación - Aitrach, Alemania y Pune, India atienden a la demanda mundial de equipos de aparcamiento. Con su amplia experiencia en soluciones de aparcamiento, KLAUS Ventas y Técnicas equipos de trabajo en estrecha colaboración con los clientes para proporcionar consulta sobre la conceptualización, diseño y disposición del sistema de aparcamiento completa En la India, KLAUS ya cuenta con más de 50.000 espacios instalados y que tiene sartén operación de la India. Hay-Klaus productos están ayudando a ciudades de la India para hacer frente plano con los problemas de aparcamiento, mejorar la movilidad y el medio ambiente. Si requiere una solución de estacionamiento, no dude en escribirnos a info@multiparkig.cl

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SOCODREN S.A.: DAMOS SEGURIDAD A LA ACCESIBILIDAD SOCODREN S.A, junto a BAU ACCESIBILIDAD UNIVERSAL, se han preocupado de traer a Chile los ”paneles texturados para circuitos podotáctiles de guía y orientación para personas con discapacidad visual”. Estos paneles están idealmente diseñados para ser utilizados sobre pavimentos ya existentes o húmedos, debido a la versatilidad del vidrio de grado homogéneo de carbono y la fibra de vidrio reforzada que los componen como materiales. Los paneles texturados, que se ofrecen en una amplia gama de colores no desgastantes, aportan estilo y seguridad a la ciudad. Además, tienen la posibilidad de ser reemplazados e instalados con gran facilidad.

PANELES TEXTURADOS PARA CIRCUITOS PODOTÁCTILES- ADA SOLUTIONS, INC.

SUPERFICIES DE ADVERTENCIA

Colores disponibles para paneles Alerta y Guía REEMPLAZABLES Y APTOS PARA APLICAR EN SECO Y HÚMEDO

SUPERFICIES DE ORIENTACIÓN

CERTIFICACIONES: los únicos paneles del mercado que cumplen con todo lo exigido por el Decreto Supremo No. 50 del MINVU, y además, los únicos que están certificados por la American Disabilities Act Accessibility Guidelines (ADAAG) y por la International Standards ISO 23599 (Tactile Walking Surfaces). APLICACIONES: • Pasillos exteriores e interiores • Veredas • Pasos peatonales

”Nuestra tarea es buscar productos accesibles que sean de alta seguridad, es decir, productos que posean las más exigentes certificaciones internacionales de calidad. Esas certificaciones reducen la probabilidad de futuros accidentes y nos hace diferentes al resto del mercado: damos seguridad en la accesibilidad”. Felipe Tornero, Gerente de Nuevos Negocios Socodren S.A.

JUEGOS INFANTILES INCLUSIVOS FÁBREGAS

MOBILIARIO URBANO INCLUSIVO FÁBREGAS

CANALES ACO PARA DUCHAS INCLUSIVAS

OCODREN S.A.

Líder en soluciones para la construcción, el drenaje y el urbanismo

Distribuidores directos en Chile de:

Tubería para Drenaje Flexadren

Solera Drenante KerbDrain

Canal de Drenaje Multidrain ACO

Canal de Drenaje Monoblock ACO

Barrera para vapor PERMINATOR

Tapas de Cámara Fábregas

Tubos de luz natural Deplosun

Dr. Manuel Barros Borgoño 349, Providencia, Santiago, Chile / TEL: (+562) 29479344 / www.socodren.com

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VIVIENDAS EXCLUSIVAS

Oficina dedicada desde 1996, a la fecha con más de 20 años de experiencia en el sector de Proyectos de Arquitectura e Ingeniería Bioclimática ha desarrollado estos últimos años un interesante nicho en el sector Inmobiliario dedicado a la venta de VIVIENDAS EXCLUSIVAS , en sectores como El Cajón del Maipo, Pirque, Curacaví, y otros, donde lo importante es la vida en entorno vegetal, campo y natural ,proyectos que van desde los 350 m2 construidos emplazados en terrenos sobre 5000 m2 y desarrollados como “Parcelas de Agrado “ estos proyectos se presentan con un importante desarrollo en sus terminaciones, los espacios interiores y amplitud en sus terrazas y sobre todo el confort térmico durante todo el año, las finas terminaciones y los detalles constructivos las hacen especialmente atractivas a un importante segmento del mercado que busca la tranquilidad y aire de campo pero sín alejarse de la capital, viviendas especialmente diseñadas para profesionales de mediana edad con hijos y que logren una armonía completa y total con el entorno natural.

Las Viviendas normalmente son construcciones sobre los 350 m2, que contempla a lo menos de 5 dormitorios, grandes zonas de Estar familiar, Estar de visitas, Cocinas sobre los 40 m2 completamente amobladas, interiores en pisos laminados y terrazas que superan los 150 m2. Las parcelas normalmente contemplan Árboles frutales, y paisajismo completo de los terrenos en 5000 m2, la importancia de éste tipo de construcciones es su apego al entorno y no afectan la naturaleza de estos sectores en los que se emplaza, además de la importancia de descentralizar la capital con este tipo de Proyectos que a la fecha ha resultado exitoso, yá que una Vivienda Exclusiva de este tipo con finísimas terminaciones y con terrenos y calidad de vida descrita, no superan las 8000 Uf. Actualmente se encuentra en proyecto la Construcción de dos Viviendas eco sustentables en la comuna de Pirque, emplazadas en terrenos de 5200 m2 cada una, para entrega a fines de 2017. www.icaingenieria.cl / www.arquitectosica.cl

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CHILE - ARGENTINA - PERÚ - ECUADOR

CUADROS & ENMARCACIONES

HUNDERTWASSER EN CHILE

Somos representantes exclusivos de la empresa alemana WÖRNER VERLAG GmbH para Chile, Argentina, Perú y Ecuador. Esta empresa tiene los derechos exclusivos a nivel mundial para reproducir y comercializar impresiones de la más alta calidad del prestigioso arquitecto y pintor austriaco Friedensreich HUNDERTWASSER (1928-2000)

TODAS LAS IMPRESIONES HUNDERTWASSER DESTACAN POR SU VANGUARDISTA DISEÑO, COLORIDO Y ESPLENDIDAS FOLIAS METÁLICAS. ADEMÁS, ADICIONAN COLORES TALES COMO EL ORO, PLATA DE UN ROJO ESPECIAL, NEGRO Y PINTURA MATE. PERO LO QUE MÁS DESTACAN, SON SUS BRILLANTES FOLIAS DE ALUMINIO Y LACADO UV, CREANDO EXCLUSIVAS IMPRESIONES ARTÍSTICAS, EXCEPCIONALES E INDIVIDUALES, LAS CUALES SON ÚNICAS EN CUANTO A SU APARIENCIA Y CALIDAD. CON EL FIN DE GARANTIZAR LA CALIDAD EXCEPCIONAL DE LOS COLORES EN SUS IMPRESIONES, LOS PIGMENTOS SE PRODUCEN EXCLUSIVAMENTE EN ALEMANIA Y SUIZA, UTILIZANDO LAS ÚLTIMAS Y MAS AVANZADAS TÉCNICAS DE IMPRESIÓN Y PROCESAMIENTO.

PROYECTOS - ARQUITECTOS - DISEÑADORES - DECORADORES - OFICINAS - INMOBILIARIAS - HOTELES - EMPRESAS - PARTICULARES

www.decopucon.cl

CHILE - ARGENTINA - PERÚ - ECUADOR

CUADROS & ENMARCACIONES

INTERNATIONAL GRAPHICS - PRINT ON DEMAND

Representamos a INTERNATIONAL GRAPHICS WALMSLEY GmbH. Es una compañía editorial alemana que administra los derechos exclusivos para reproducir obras de importantes pintores y artistas de todo el mundo. IMPRESIONES A PEDIDO DE ALTA CALIDAD // HIGH RESOLUTION //

ELECCIONES DEL DISEÑO Y TAMAÑO SEGÚN REQUERIMIENTOS Y ESPACIOS. ELECCIÓN DEL MATERIAL DE IMPRESIÓN, TALES COMO:

High Quality Paper, Canvas (telas), Aluminum Dibond o Plexiglass® (acrílico)

PROYECTOS - ARQUITECTOS - DISEÑADORES - DECORADORES - OFICINAS - INMOBILIARIAS - HOTELES - EMPRESAS - PARTICULARES

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EGLO ILUMINACIÓN EGLO, la empresa de origen austriaco con presencia en más de 75 países, y con más de 12 años en Chile, es líder mundial en Iluminación Técnica y Decorativa teniendo en su catálogo más de 5.000 diseños, en donde podemos mencionar las colecciones Basic, Avantgarde, Trend, Outdoor, Style, Traditional, Solar, Vintage y Top Line. EGLO ha estado enfocado a ofrecer sus productos con iluminación LED, la cual facilita el ahorro de energía y a su vez entregando mejor calidad en iluminación, ya sea con luz cálida como fría. Así mismo, durante esta época, EGLO le está dando fuerza a sus diseños de Iluminación Solar, ideales para exteriores, ya sean terrazas, patios, parques, entre otros. Si bien en Chile, EGLO se ha destacado por

entregar una gran variedad de diseños en Iluminación Decorativa, últimamente ha estado dando a conocer su catálogo en Iluminación Técnica la cual es ideal para proyectos inmobiliarios como edificios, además de oficinas, clínicas, auditorios, estacionamientos, exteriores; siempre manteniendo la calidad y elegancia de los diseños los cuales provienen directamente desde Austria. A lo largo de estos 12 años en Chile, EGLO ha crecido rápidamente gracias a la diversificación de productos que ofrece, además de la apertura de sus 6 Showrooms en el país, en donde podemos mencionar a Iquique, Concepción, Viña del Mar, y los 3 de Santiago, los cuales son los de Las Condes, Ñuñoa y Ves-

pucio Norte; por otro lado, dentro de poco estará abriendo un Showroom nuevo en Antofagasta y se espera abrir nuevas sucursales dentro del próximo año. Sin dejar de lado sus distribuidores oficiales los cuales están a lo largo de todo el país. El objetivo de EGLO es mantener el posicionamiento de líder en el mundo de la Iluminación tanto Decorativa como Técnica, por lo que continuará ofreciendo su amplia variedad de diseños sin perder la innovación y la calidad que lo caracteriza.

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Gaber: La silla que crea emociones. Gaber es una empresa italiana que desarrolla, fabrica y vende en todo el mundo sillas y elementos de mobiliario destinados al contract (espacios públicos), las oficinas y el hogar. Su colección es el resultado de una intensa colaboración con diseñadores de renombre mundial que le permite ofrecer productos innovadores en cuanto a diseño y materiales. Si su filosofía es la “búsqueda de la belleza”, su fuerza es crear objetos de calidad que perduren en el tiempo, características que capturan la atención de arquitectos y especificadores en todas partes del mundo. Los productos Gaber son importados en Chile exclusivamente por Contatto y propuestos al público a través su red de distribuidores. SILLA AVENICA

Diseñador Eurolinea

SILLA BASKET

Diseñador Alessandro Busana

El confort simple e idóneo para cualquier ambiente y situación.

SILLA ISIDORA

Diseñador Favaretto & Partners

Junto con su modelo hermano, Isidoro, ha ganado el premio Outdoor Product Award de la revista Interior Design en la sesión @ Neocon 2016

Fabricada en un proceso patentado, la silla se caracteriza por su elegancia y funcionalidad.

SILLA BASKET

Diseñador Alessandro Busana

Una de las colecciones Gaber más versátiles gracias a la variedad de colores, materiales y tapices. Bella y multipropósito.

GABER.IT

SILLA BAKHITA

Dise単ador Eurolinea

TABURETE BAKHITA Dise単ador Eurolinea

MESA MUG

Dise単ador Eurolinea

MESA STEP

Dise単ador Eurolinea

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SALÓN INTERNACIONAL DE EQUIPAMIENTO PARA OFICINAS Y OFERTA INMOBILIARIA

ë17 ENE 24.25.26/’17 SANTIAGO CONVENTION CENTER COSTANERA SUR 2730 (PARQUE TITANIUM), LAS CONDES, SANTIAGO-CHILE

organiza y produce