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REVISTA DE DISEÑO GRÁFICO 1˚ EDICIÓN 2020
DISEÑO EDITORIAL
@yhezkoc
¿Como surge? ¿Por qué surge? ¿Para qué surge?
La revista es una publicación bimestral con el objetivo de tener una visivilidad a un nuevo campo de aprender y reforzar conocimientos de personas orientadas e involucradas en esto que es el Diseño Gráfico tanto ilustradores, publicistas, animadores, etc, en nuestro país México y en el mundo.
MOULIN VISUEL EDITORIAL: DESIGN EDITORIAL Por: @yhezkoc CONTENIDOS: REDACCIÓN: Litzi Estefania Hernández Valencia. DISEÑO Y MAQUETACIÓN: Litzi Estefania Hernández Valencia. ILUSTRACIONES: @Saner @Andonella “NeoMexicanismos” Litzi Estefania Hernández Valencia. yhez097@gmail.com PORTADAS/ CONTRAPORTADA Litzi Estefania Hernández Valencia. Instagram: @yhezkoc Página de Facebook: YHEZ https://m.facebook.com/YHEZ113854113374826/ Correo: yhez097@gmail.com Behance Litzi Hernández .. Facebook: Natty YheZz Dreaad U REDACCIÓN MOULIN VISUEL Estudiante de Diseño Gráfico Litzi Estefania Hernández Valencia
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“Prohibida su reproducción total o parcial”.
SI gn e DI t o r I Al
MOULIN VISUEL
Nota: El editor no se hace responsable por textos e imágenes que aparecen en el presente número que atente contra la ética y la moral de la sociedad.
DE
DIRECTORIO
La revista Moulin Visuel se constituye en información de conocimiento referente al tema de Diseño Gráfico relacionado con su Iniciación ¿Cómo surge?¿Por que surge? y ¿Para qué surge?, ¿Cuál es el objetivo principal del Diseño gráfico?, ¿Qué lugar y por qué es importante en nuestra sociedad actualmente? así tanto como sus diferentes areas y ramas con las que se vincula, a tráves de la publicación de artículos originales, biografías de reconocida trayectoria a nivel de formación profesional que ayudaron y proporcionaron nuevas tecnicas y conocimientos al Diseño gráfico a manera de auge en la sociedad, de igual manera lleva un paso a la orientación a un Diseñador ayudándolo a responder todas esas preguntas que surgen en su preparación durante la Licenciatura.
Por: @yhezkoc
CARTA EDITORIAL
ÍNDICE EL GRAN INICIO 6-7 Diseño 8- Biografía 9- Historia del diseño “EVOLUCIÓN” 10- Conceptos básicos del Diseño Gráfico”FUNDAMENTOS” 11- Precursores Difusiones y Difusores 100% Mexicanos 12-13 ¿Cómo surge?¿Por qué surge?¿Pará que surge? 14-15 Ramas del Diseño Gráfico
ARTE 16-17 El mundo del Arte y su importancia en el Diseño Gráfico 18- Influencia/ MUSEOS 19- Artículos y materiales 20-21 Calle y Museos
APLICACIONES 22- Ilustradora Mexicana 23- Punto de partida ”Iniciación” 24- ¿Cómo saber cobrar un Diseño? 25,26,27- Derechos fundamentales del Diseñador Gráfico 28- 29 Programas de Diseño Gráfico 30-31 Tips “El ojo humano” 32-33 Plataformas 34- Redes sociales “Influencia” 35- Empresas dedicadas al Diseño Gráfico
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Modernismo y renovación 36- Actualidad 37- Complejidad 38-39 De lo Complejo a lo diverso 40-41 Posters Multi- Diversidad 42- Amor por el Diseño
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“DISEÑO”
PROFESORA CLAUDIA MERCADO PEÑA
Conocer. Análizar, Reflexionar y Diseñar.
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En cuanto al saber- hacer el diseñador debe conocer y aplicar conocimientos y técnicas que le permitan resolver problemas de diseño. Así el diseño desempeña una actividad inteligente que pertenece al ámbito cognitivo: tiene un carácter discursivo por que se establece desde la perspectiva del conocimiento, del pensamiento, por lo cual diseñar es pensar, es reflexionar antes de producir. El diseño es interdisciplinario por que implica el uso de otras disciplinas involucradas en este proceso, como semiótica, retórica, antropología, psicología, fotografía, mercadotécnia, entre otras, utilizando medios tecnológicos destinados a transmitir y persuadir, a tráves de un mensaje tanto línguistico como visual, a usuarios determinados. Al determinar el usuario, estamos implicando elementos asociados con la experiencia, emociones, conocimientos, cultura y lo social.
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El Diseño Gráfico a lo largo de su camino como disciplina ha tenido distintas definiciones y replanteamientos, por ejemplo: algunas definiciones hacen referencias a que el Diseño es solo una adecuación de distintos elementos gráficos seleccionados en un espacio visual, esta definición hace ver al Diseño Gráfico como una disciplina simple y reduccionista, la cual hay que tener un poco del sentido del espacio para poner los elementos de una manera equilibrada, logrando que se perciba el Diseño como una cuestión de estilo.
El diseño Gráfico es una disciplina intelectual, social , cultural e interdisciplinar orientada a la comunicación , a la solución de problemas indeterminados, que apela a la funcionalidad, el proceso del diseño es complejo, creativo, depende de la toma de desiciones, analizar y aplicar estrategías distintas a desarrollar una solución efectiva teniéndo un impacto positivo en la sociedad. Por lo tanto el Diseñador Gráfico tendría que estar centrado en resolver problemas de comunicación visual.
Los Murales de Saner
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DEGAS
Nacido en la Ciudad de México, Saner (tomado de la palabra en inglés, que quiere decir más sano mentalmente) mostró un interés por el muralismo mexicano Saner nació en 1981. Cre- y el dibujo desde muy joven. ció en Ecatepec, en el Es- Su trabajo está fuertementado de México. Estudió te influenciado por el folklor, en la UNAM diseño grá- las tradiciones de México, fico y hasta 1999 recorría resaltando sus tradiciones y calles pintando grafitis. costumbres y la cultura pop.
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Edgar “Saner” Flores es un artista visual, ilustrador y diseñador gráfico cuya obra ha sido exhibida y reconocida internacionalmente.
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Comenzó por expresar su creatividad artística a través del graffiti para después recibir un título en Diseño Gráfico de la Universidad Nacional Autónoma de México. Desde entonces, ha pintado murales en las calles y su obra ha sido expuesta en lugares públicos y privados en México, Estados Unidos y Europa.
EVOLUCIÓN DEL DISEÑO
Tomando como punto de partida a los últimos sesenta años del siglo XV que enmarcaron el nacimiento y desarrollo de la tipografía, las secuelas de las iniciativas y experimentaciones gráficas surgen en el siglo XVI con la energía creadora con que se dieron origen a innovadores diseños de tipos, normas de composición, ilustraciones “L a e voluc i ón del dis e ño g ráf ic o s e y encuadernaciones, conjuntamente d es ar rol l a a me di ados del sig lo XV con representantes de gran prestigio. con l a R e volu c ión Indust r i a l ( … ) ”
GRÁFICO
DAVID CARSON, 1956
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La evolución del diseño gráfico se desarrolla a mediados del siglo XV con la Revolución Industrial, consolidándose definitivamente en el siglo XX a lo largo de sucesivas etapas históricas. Primero, destacan los años 20, época arraigada a profundos cambios que favorecieron la aparición del Art Deco. El diseño gráfico en los años 30, influenciado negativamente por la Gran Depresión, que restringe el Art Deco seguido del movimiento futurista. La propaganda política soviética protagonizará el periodo de los 40, dando paso al modernismo de la etapa posbélica de los 50. En el diseño gráfico de los años 60 destaca la contraposición del estilo modernista con el psicodélico. En consecuencia, en los años 70 nace el estilo pop-retro. Asimismo, la evolución del diseño gráfico se acelera con la aparición de internet en los 80. Finalmente, el diseño digital minimalista está a la orden del día en Su Arte se caracteriza por ser radical, los 90, y se convierte en indispensable en los 2000, etapa de auge para el branding. arriesgado y polémico.
FUNDAMENTOS DEL DISEÑO GRÁFICO Las formas y los trazos se pueden producir espontáneamente cuando estamos experimentando con instrumentos ,substratos o sustancias para obtener efectos gráficos, de textura o relieve y decidir entonces nosotros sobre la marcha lo que es hermoso o atractivo, sin saber conscientemente cómo y por que . Podemos incorporar sentimientos y emociones durante el proceso, dando por resultado un tipo de expresión artística que refleja nuestra personalidad en forma de nuestros gustos e inclinaciones. Este es el enfoque intuitivo de la creación visual. Por el contrario, podemos tener un conocimiento previo a partir de los problemas concretos con los que tenemos que enfrentar. Cuando definimos los objetivos y los límites, analizamos las situaciones, consideramos todas las opciones disponibles, escogemos los elementos para sintetizarlos y tratamos de llegar a las soluciones más apropiadas, éste es el enfoque intelectual.
PUNTO La línea es la sucesión de puntos y tiene longitud pero no ancho, aunque puede cambiar su grosor hasta llegar al punto de convertirse en plano. Conecta con dos puntos o es la propia trayectoria que hace uno a otro.
PLANO
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El volumen es un objeto gráfico que crea un espacio tridimensional con sus características de ancho, altura y profundidad.
El punto marca posición en el espacio, es un par de coordenadas x e y.
LÍNEA El plano es una superficie plana con largo y ancho, posición, dirección y está limitado por líneas, las cuales lo forman. Es el recorrido de una línea en movimiento.
Los principios se refieren a las relaciones y estructuras específicas de los elementos, formas y figuras, Parecería que predomina una sola tendencia hacia la regularidad de las relaciones y estructura invariablemente tienen una base y con frecuencia se covierte en un punto de par- Se crea por medio de planos en movitida del que se pueden buscar las posibili- miento y también perspectivas variando dades de transformación y modificación. el tamaño, todo ello de manera ilusoria.
DIFUSORES 100% MEXICANOS Muchos personajes permearon el desarrollo del diseño gráfico mexicano, pero sin lugar a dudas algunos lograron dejar una huella mucho más grande dentro la historia de este arte en el país azteca. Posada tan grande como Goya o Callot, fue un creador de una riqueza inagotable que producia como un manantial de agua hirviente. Posada interprete del dolor, la alegría y la aspiración angustiosa del pueblo de México, hizo más de 15 mil grabados. Mano de obrero, armada de buríl de acero, hirío el metal ayudado por el ácido corrosivo. La producción de Posada, libre hasta la sombra de una imitación, tiene un acento mexicano, puro. Analizando la obra de Posada puede realizarse el análisis más completo de la vida social del pueblo de México.
JOSÉ “GUADALUPE POSADA“ EL NOVIO
DE LA
MUERTE Uno de los más grandes representantes dentro del diseño gráfico mexicano es sin ninguna duda, quién nació en Aguascalientes en 1852 y murió en la ciudad de México en 1913. Realizó grabados en varias técnicas pero son especialmente famosas sus xilografías.
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Rafael López Castro (Degollado, Jalisco, 1946), diseñador prácticamente autodidacta, formó parte del Grupo Madero bajo la dirección de Vicente Rojo, dirigió el Departamento de Diseño del Fondo de Cultura Económica (1978-1986), y fundó en 1985, Ediciones del Ermitaño. Fue invitado a presidir el jurado de la Segunda Bienal Internacional del Cartel en México en 1992 y ha sido acreedor, entre otros, al Premio Quórum al mérito profesional 1999, y al premio Artes de Jalisco 2000. Sus críticos lo llaman “mexicanista”, a lo que él responde que le produce mucho orgullo querer a su país.
¿CÓMO SURGE? Situándonos en el final de la segunda guerra mundial, mitad del siglo XX, con el asentamiento del capitalismo y en plena sociedad de bienestar y consumo, en el que el diseño comienza formar parte de las sociedades desarrolladas e industrializadas. También podemos retroceder un poco más, situándonos a finales del XIX cuando nacieron las primeras escuelas de artes y oficios, destacando la revolucionaria forma de entender el diseño como una herramienta terriblemente industrial, funcional a la vez que estética de la Bahuaus. Muy cerca de este contexto irrumpieron las vanguardias, concretamente el modernismo enriqueció enórmemente la gráfica publicitaria ayudada por la técnica de la litografía y gracias al sorprendente trabajo de artistas como Alphone Mucha o Lautrec.
¿POR QUÉ SURGE? Bajo la necesidad de comunicación del hombre ha hecho que las auténticas raíces del diseño gráfico se pierdan en la nebulosa del tiempo y mientras algunos expertos aseguran que las pinturas rupestres pueden ser calificadas como unas de las primeras muestras del diseño gráfico, otros en que fue desde el nacimiento de la imprenta.
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¿PARA QUÉ SURGE? El diseño gráfico siendo el arte y proceso de combinar texto e imágenes (figuras, fotografías, dibujo, para comunicar un mensaje de forma efectiva. Diseño gráfico es todo aquello que comunica un mensaje visual. Así, su máxima es obtener manifestaciones o mensajes gráficos. Su auge actual se debe a la gran expansión de todo tipo de mensajes visuales a través de diversos dispositivos digitales y tecnológicos.
Ambassadeurs TOULOUSE-LAUTREC HENRI 1892 Grabado 137 x 95 cm Art Museum (San Diego) MOULIN VISUEL
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Ramas del Diseño Gráfico
DISEÑO EDITORIAL
Diseño publicitario.
Diseño en señalética.
Tiene que ver con la maquetación y composición de libros, revistas, periódicos, entre otros. Su función es informar, entretener, captar lectores y convertirlos en compradores leales y fieles de contenidos atractivos, gráficos, como textual de forma clara y atractiva.
Creación, maquetación y diseño de diversas publicaciones impresas, así como para otros medios visuales. Su objetivo es incentivar la compra de un producto o servicio. Está enfocado básicamente en la creación de flyers, carteles, anuncios e impresos entre muchos más.
Es el área en la que se producen manuales, paneles y circuitos especiales de información. En ella es importante la simplicidad y al igual que en la identidad corporativa, la instantaneidad perceptiva, así que para esta mira área es necesario el uso de pictogramas.
Ramas del Diseño Gráfico
Diseño tipográfico
Diseño de identidad corporativa o branding es de lo que trata, crear una marca. Tiene como función comunicar de una manera instantánea en la percepción visual y personalizar las comunicaciones visuales. Llegando a un efecto social de identificación de imagen
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Es una actividad que consiste en la planificación, diseño, implementación y mantenimiento de sitios web. Se necesita la organización y la jerarquía del diseño editorial, la simplicidad y funcionalidad de la identidad corporativa, la percepción visual del p u b l i c i t a r i o .
Diseño IDENTIDAD CORPORATIVA
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Esta disciplina está siendo un arte gracias al auge de esta expresión gráfica mezclada con ilustración y sobre todo, creatividad. Trata de dar una personalidad única y estilo diferente al contexto que se le incluye, según sus características puede expresar modernismo.
Diseño web
ARTE
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ARTE MILTON GLASER Existe una delgada línea entre el diseño y el arte. Cada vez esa línea es más fina, ya que ambas disciplinas tienen una vocación estética y además hay una extendida estetización de lo cotidiano. Por ello cada vez es más difícil saber distinguir entre arte y diseño gráfico y saber donde acaba una disciplina y donde comienza la otra. Sin embargo como dijo Milton Glaser “Diseño y arte son dos asuntos distantes”. El arte tiene que ver con transformar al que mira, con hacerle ver el mundo de otra manera. El diseño acomoda a un público con un cliente.
DISEÑO JOAN COSTA El diseño no es arte. Es diseño. Es una cuestión sin fin, sin duda. Tienen una relación cercana y ambigua, porque el diseño abreva en el arte, pero la función del arte es hacer preguntas y la del diseño resolver problemas de comunicación. Un diseñador lo que hace es comunicarse, creando un mensaje para los ojos y para la mente. Un mensaje que debe tener fundamentalmente en cuenta al destinatario. MOULIN VISUEL
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MUMEDI
Museo del Palacio de Bellas Artes.
Museo FRIDA KAHLO
El objetivo principal de la creación del primer Museo Mexicano de Diseño es apoyar y promover el trabajo de los diseñadores de origen nacional e internacional, a través de la Fundación Mumedi, A.C. En este espacio se expone la historia del diseño en nuestro país.
Ubicado en Avenida Juárez y Eje Central s/n, en el Centro Histórico del Distrito Federal. En sus muestras permanentes están los murales importantes personajes de la historia del arte en México como lo son Diego Rivera, Orozco, Siqueiros, por mencionar algunos.
La llamada Casa Azul Museo Frida Kahlo es el lugar donde los objetos personales develan el universo íntimo de la artista latinoamericana más reconocida a nivel mundial. En esta casona se encuentran algunas de las obras importantes de la artista(1954).
Antiguo Colegio de San Ildefonso
Museo NACIONAL de LA ESTAMPA
Museo NACIONAL de ARTE (MUNAL)
Un símbolo de la arquitectura colonial del Centro Histórico de la Ciudad de México, así es como se le conoce a este hermoso museo, en el cual se muestra el trabajo artístico de muralistas.
Integrada por 12,351 obras, entre estampas, ediciones y matrices originales. A partir de su caracterización, es posible comprender una tradición artística que sitúa a México.
El Museo está localizado en el centro histórico de la Ciudad de México, en la plaza Manuel Tolsá. Alberga una colección representativa de arte mexicano, desde la era virreinal hasta la década de 1950.
MEDIOS Y MATERIALES GRÁFICOS PARA EL DISEÑO El conocimiento de los medios materiales y técnicos del dibujo facilita la interpretación de los diferentes matices, tonos y valores de nuestro trabajo. Mejora nuestro lenguaje y facilita la comunicación de nuestro producto, resalta aquello que conviene, lo hace posible de nuestra mente y finalmente en la realidad. Actualmente, existe una gran variedad de medios y soportes de dibujo e instrumentos auxiliares que se utilizan en la realización de nuestros diseños, muchas de estas herramientas las comparte con otras disciplinas como las Bellas Artes o la Arquitectura.
TIENDAS/ PRODUCTOS DE DISEÑO
Empresa mexicana reconocida por su variedad de productos en: papel, arte, fotografía, mobiliario, manualidades, dibujo, escritura, adhesivos,
Los cartones de proyectos son caros pero aguantan bien la cinta de enmascarar y los raspados, teniendo en cuenta que no son muy absorventes. ya que son rígidos y ligeros.
El Grafito: Es un material de naturaleza quebradiza, grasa, de fácil borrado y que proporciona un trazo limpio y preciso. Puede encontrarse en diferentes formatos como lápices, minas o barras y en distintas gradaciones que determinan la intensidad del trazo.
MOULIN VISUEL Dado que es un material graso puede emplearse sobre diferentes papeles de grano fino, grueso o satinado.
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Papelería Lozano ubicada en el Centro Histórico, en la calle República del Salvador 46, cuenta con más de 200 líneas de las marcas más prestigiadas de papeles y cartones, además de una amplia gama de especialidades.
El papel de croquis o layout es indispensable en el trabajo del diseñador. Se comercializa en múltiples formatos, grosores y tipos. El papel se elige con arreglo de acabados.
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La calle es un Museo busca acercar el Arte contemporรกneo urbano a las personas a trรกves del conocimiento personal de los artistas y sus procesos creativos. Queremos conectar al que contempla las obras con los autores, sus planteamientos y experiencias al concebirlas y en general con sus universos creativos.
La calle es un Museo, las obras transpasan los muros del museo, se pasean por la ciudad, por las calles, avenidas, plazas, pequeños rincones o grandes espacios. Los habitantes de estos núcleos reactualizan la mirada que tienen de las obras, que ya forman parte de su cotidianidad, y le añaden las impresiones del artista haciéndolas más suyas, ampliando su conocimiento y valoración. Del mismo modo, los visitates que conocen, estos trabajos por primera vez, aprenden a verlos de manera más completa y atractiva.
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Se trata de una nueva forma de descubrir la ciudad, su historia, su cultura a tráves de una nueva perspectiva y abrir los ojos a las calles, a encontar el arte en murales en paredes y edificios, en graffitis, en obras de arte plasmadas mostrando una historia narrada por sus autores.
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NDREA RSUAGA
Ilustradora Mexicana
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PUNTO DE PARTIDA “INICIACIÓN”
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en DISEÑO GRÁFICO
Cualquier proceso creativo no es solo fruto de la imaginación, sino que lleva detrás un trabajo de análisis y estudio. Pero, ¿Cuáles son las etapas del diseño creativo? Pues son muy similares a las de cualquier otra técnica artística. Primero que nada, debes saber que hay varios tipos de diseño gráfico. Una vez con esto en mente, piensa que el truco está en empezar a construir la casa por los pies, no por el tejado y, en base a esto, los pasos que tienen interiorizados los profesionales del diseño son los siguientes:
ANÁLISIS INICIAL
DISEÑO
Hablar con el cliente debe ser el punto de partida de cualquier proyecto de diseño gráfico porque lo primero que hay que saber es qué busca la compañía que solicita nuestros servicios. Conocer su visión, misión y valores nos puede ayudar a tener una perspectiva más amplia de la misma, no solo de lo que vende u ofrece sino también de cómo lo quiere hacer.
Esta es la etapa clave del proceso y en donde muchos profesionales cometen algunos de los errores más comunes en diseño gráfico. El diseño gráfico publicitario es el momento en el cual el trabajo va a empezar a ser visible. Consiste en, siguiendo todo el estudio previo, crear bocetos y borradores sobre los que apoyarse.
CONTEXTUALIZACIÓN
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El trabajo ya no es con el cliente, sino que corre a cuenta de los diseñadores. Hay que hacer un brainstorming para ver qué ideas novedosas podemos sumar a las que ya hemos recogido durante la reunión previa e ir sumándolas e integrándolas entre sí. Cuanto más amplio sea el mapa sobre el cual vamos a trabajar, menos nos costará diseñar algo interesante.
PUBLICACIÓN
En esta etapa el proceso creativo ya está finalizado y solo queda sacarlo a la luz. Es recomendable programar en qué momento vamos a lanzarlo para hacerlo de forma instantánea en todos los soportes. Sin embargo, habrá que decidir antes si queremos lanzarlo en una fase beta, es decir, de prueba. Aquí será el cliente el que decida.
Ahora que ya sabemos cuáles son las etapas del diseño gráfico solo nos queda entender otra cosa, ¿por qué este es importante? Muy sencillo, el éxito de una campaña reside en si se consigue calar o no en el público al que queremos dirigirnos. Para entendernos, ¿cuántos anuncios de publicidad te sabes de memoria? Todos estos se aglutinan en el montón de campañas exitosas y con el diseño gráfico sucede algo similar. ¿A que sabes cómo es el logo de las grandes corporaciones? Esa es su imagen, su representación, y como tal, está pensada y cuidada al detalle.
¿CÓMO SABER COBRAR UN DISEÑO? La mayoría de las veces saber cuánto cobrar es tan simple que no podrías creerlo. Normalmente los diseñadores, cuando nos enfrentamos a estos escenarios, dudamos por muchas razones: • El mercado de diseño es muy variable, los costos s o n m u y d i v e r s o s . •N i n g ú n p r o y e c t o es igual a otro. • Siempre estamos compitiendo contra alguien más. •Somos inseguros y no, queremos quedarnos fuera de la jugada. • No sabemos ni siquiera lo que debemos cotizar.
¿Cobrar por horas?
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Así, es se cotiza calculando así prácticamente todo: web, impresos, señalizaciones, identidades, videos, Después divide tu ingreso anual en- campañas, tipografías, publicidad, apps, interacciones. tre los días hábiles, y a su vez divídela en el número de horas que realmen- El secreto está en conocer tu cifra, en cuánto sale la te vas a trabajar en diseño. No son 8, hora de diseño. La explicación de ello puede ser un serán entre 4 y 6, ya que lo demás lo poco larga, piensa en cuánto quieres ganar (un suelpierdes en lo que prendes la compu- do mensual), súmale tu aguinaldo, tus vacaciones, tu tadora, te haces tu café, atiendes lla- renta, teléfono, luz, agua, transporte, seguros, intermadas, haces pagos en el banco, estás net, programas, limpieza y saca una cantidad anual. en el tráfico y checas tu Facebook. Añádele compras que no haces tan seguido, y divídeUsualmente la hora de traba- la entre su vigencia, por ejemplo: la computadora quijo está en un rango bastante am- zá la renuevas cada cuatro años, así que divide su cosplio, entre los $450 y $2,000 pesos. to entre cuatro. Haz lo mismo con tu escritorio, tu silla, el regulador de corriente, impresora, cámara y tableta. Normalmente a tus clientes no les cobras por hora, Cuando tengas la cantidad no te asustes, puede resultar sino por proyecto, pero tus en millones de pesos: divídela entre días hábiles (365 días, costos vienen justificados menos 104 fines de semana, 10 festivos, 10 de vacaciones, en una base por hora, lo 5 días que estarás enfermo o deberás ir a hacer algún trácual siempre resultará mumite), te dará un total aproximado entre 230 y 240 días. cho más eficiente y ajustable en estos tiempos de cambio.
Derechos fundamentales del diseñador El trabajo de un diseñador gráfico es muy bello, tremendamente enriquecedor y motivador. Sin embargo es un tipo de trabajo que cuenta con ciertas debilidades, puntos débiles que nos afectan, que juegue en nuestra contra hasta el punto de hacernos aborrecer esta profesión. Por eso me gustaría compartir una pequeña iniciativa para reivindicar de alguna manera los derechos fundamentales que un diseñador gráfico debe exigir ante cualquier trabajo o proyecto. En total son diez derechos y cada uno de ellos tiene su razón de ser, su lógica. Ser diseñador gráfico nunca debería ser sinónimo de explotación, desvalorización o falta de rigor. Sobre todo para aquellos nuevos diseñadores que están acabando sus estudios o lanzándose al mercado laboral por primera vez, este listado es muy útil. Aquí encontrarás de una forma muy concisa qué tipo de cosas mereces y te corresponden por el simple hecho de ser un diseñador gráfico, por dedicarte al mundo de la imagen y por prestar un trabajo útil, valioso y de calidad. Procura no ceder demasiado en este tipo de puntos y no olvides que aceptando trabajos y condiciones abusivas no sólo te perjudicas a ti mismo, sino que nos perjudicas a todos los demás. Es un hecho que si todos los nuevos diseñadores que salen al mundo laboral cobran un logotipo malpagado (no sería tan extraño), irremediablemente se acabará desvalorizando el precio de los logotipos y afectará de lleno a todo el sector. Simplemente se trata de valorar lo que hacemos, cuidarlo y defenderlo con dignidad.
POR CRISTIAN ESLAVA DISEÑADOR Y BLOGGER.
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Pedir anticipo 6 C
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DERECHO DEL DISEÑADOR
Derechos fundamentales del diseñador
PEDIR UN ANTICIPO Esto es un punto muy importante. En el momento en que desarrolles tu presupuesto, debes pedir SIEMPRE un tanto por ciento por adelantado. Necesitamos una especie de garantía un pacto sellado con un adelanto junto con un contrato firmado es la mayor garantía con la que podemos contar. Vas a emplear tiempo, esfuerzo y dedicación en tu proyecto, por lo que deberás tener mucho cuidado. Aunque no es lo habitual, sí que pueden darse malentendidos bastante desagradables y totalmente innecesarios.
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TENER UN HORARIO DE TRABAJO FIJO Y QUE SE LE PAGUEN LAS HORAS EXTRAS Este tema puede resultar bastante problemático sobre todo para los trabajadores freelance. Para calcular el precio que deberás establecer por hora puedes recurrir a herramientas muy útiles en la red como por ejemplo Cuanto Cobrar, Calculadora Freelance o Calkulator.
EXIGIR FECHAS LÍMITE PARA RECIBIR CONTENIDO Desde el momento en que firmamos un proyecto hasta que recibimos el material de trabajo o los documentos pertinentes, puede pasar más tiempo del razonable. Conozco casos en los que se ha hecho llegar el material de trabajo dos días antes de la fecha de entrega y esto debe evitarse. De esta manera obtenemos un trabajo forzado y donde impera el estrés, algo que en ningún caso repercutirá positivamente en el trabajo final.
COBRAR AUNQUE EL PROYECTO SEA CANCELADO Puede darse en algunas ocasiones así que hay que andarse con pies de plomo. Procura establecer esta condición en una de las cláusulas del contrato. En cualquier caso tú has ofrecido un servicio y has desempeñado un trabajo que debe ser valorado. Que el proyecto haya sido cancelado finalmente es algo que no te incumbe a ti directamente.
POR CRISTIAN ESLAVA DISEÑADOR Y BLOGGER.
Derechos fundamentales del diseñador
que se le paguen gastos laborales y de viaje Es menos frecuente aunque también puede darse. Un proyecto determinado puede requerir desplazamientos y gastos adicionales que lógicamente no deben correr a tu cargo.
QUE SE CUENTEN LAS REUNIONES COMO HORAS DE TRABAJO
No resultará raro que el cliente sea bastante exigente y no quede satisfecho fácilmente, esto dentro de lo que cabe es algo bueno pero hay unos límites que no se deben traspasar. Hacer modificaciones, cambios y revisiones es tiempo de trabajo por lo que debemos aprender a dosificar. Si no ponemos un límite en este tipo de cosas al final indirectamente volvemos a desvalorizar nuestro trabajo.
ELGIR CUANDO EL TRABAJO NO SE COBRARÁ Antes de firmar un proyecto deberemos establecer las condiciones en que el contrato estará vigente y las condiciones en las que no lo estará. Esto es básico.
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POR CRISTIAN ESLAVA DISEÑADOR Y BLOGGER.
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Uno de los puntos más importantes en el desempeño de nuestro empleo es el feedback entre nuestro cliente y nosotros. Será importante que contemos con reuniones donde tengamos oportunidad de intercambiar información. Debemos ofrecer consejos al cliente que se adapten a su situación y sus necesidades y también debemos crear un ambiente de confianza en donde él pueda expresarse con la mayor precisión que le sea posible. Estas reuniones (dependiendo de cómo sean y durante cuánto tiempo) deberán suponer complementos en el presupuesto final. Al fin y al cabo se trata de tiempo que estamos dedicando a un proyecto.
límitar el número de revisiones y cambios
Programas de Diseño Gráfico Hoy día los diseñadores gráficos cuentan con variadas herramientas para realizar su trabajo de manera más rápida y efectiva. Pero para llegar a este punto, hubo que atravesar por varias etapas de experimentación y pruebas que favorecieron la aparición de nuevos programas de diseño gráfico que son con los que mayoritariamente trabajamos.
Durante el siglo 20, sobre todo en los años 90, la era digital sumó un nuevo desafío; la aparición de las «world wide web» (www), que contribuyó a una veloz evolución del diseño gráfico a nivel mundial. Más tarde, con la implementación de la tecnología y la aparición del lenguaje de etiquetado HTML, las páginas web pasaron a tener más color, fondos y texturas, botones, barras e iconos. Todo esto pasó a formar parte del futuro campo del diseñador gráfico y a la utilización de programas de diseño gráfico específicos, para diseñar de una manera más impactante y profesional.
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Los avances tecnológicos han dado paso (claramente) a una gran evolución en diseño gráfico, facilitando herramientas de diseño para la creación de páginas web innovadoras.
Los programas de diseño gráfico que han contribuido a la evolución de la profesión son, entre otros: Photoshop, Corel Draw, Phox-pro, Free Hand, Adobe iIlustrator, Macromedia Flash.
Cada uno tiene una función particular y un objetivo diferente, esto permite sumar a las habilidades propias con las que cuenta cada diseñador, unas herramientas sofisticadas y profesionales.
En este artículo vamos a ver para qué se usan los programas utilizados por Diseñadores Gráficos.
Programas de Diseño Gráfico más utilizados
Adobe Indesign es una herramienta de maquetación y composición de textos, se pueden crear páginas con varias columnas, tipografía elegante, e imágenes, tablas y gráficos sofisticados. se utiliza para crear carteles, Flyers, libros, eBooks.
Adobe Premiere es un software de edición de video des ar rol l a do p or Adob e. Está orientado a la edición de vídeos profesionales, mientras que su derivado, Adobe Premiere Elements, apunta al mercado de consumidores.
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Sin duda Adobe Photoshop es uno de los mejores programas de diseño gráfico y una herramienta imprescindible para cualquier diseñador. Con Adobe Photoshop podemos crear, editar y mejorar fotografías, ilustraciones e imágenes 3D.
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Adobe Ilustrator es la herramienta más utilizada para el trabajo vectorial con imágenes e ilustraciones. Con Adobe Ilustrator podemos crear logotipos, íconos, dibujos, tipografías e ilustraciones para ediciones impresas, la web, vídeos y dispositivos móviles.
TIPS Cómo crear efectos de semitonos en Adobe Illustrator Los medios tonos son puntos de diferentes tamaños y espaciado, que se combinan para simular un tono o degradado. Aunque es un método relacionado con la impresión, su estética lo ha hecho popular incluso para contenido digital.
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Cómo crear el arte lineal Primero necesitamos Primero necesitamos crear un boceto a la que se aplicarán los medios tonos. Ejemplo boceto de una mujer sorprendida, como referencia al arte pop, con el que muchos asocian los medios tonos. Abrir un nuevo documento en Adobe Illustrator e importar el boceto yendo a Archivo> Colocar.
EL
HUMANO
PASO 3 Agregar tonos de Hacer doble clic en la gris capa actual en la que se coloca el boceto, marcar la casilla Plantilla y presionar aceptar .
Utilice la herramienta Pluma para crear las formas del cabello. Haz dos formas, una para cada lado en el que se divide el cabello. Para obtener un degradado en blanco y negro, simplemente presione la tecla Período en PASO 2 su teclado. Ahora se empieza a entintar el boceto suelto con la herramienta Pincel. elijiendo el pincel que use según sus preferencias.
Una vez que el cabello está listo, agrego las formas para los labios y el iris también. Como su cabello cubre parte de su rostro, agrego una gran sombra debajo del gran mechón de cabello.
Para el cabello, quiero algo un poco más atrevido y subo un poco los valores.
Ahora tenemos una imagen en escala de grises, pero queremos tenerla en medios tonos.
PIEL Al sombrear la piel, trato de tener en cuenta de dónde proviene la fuente de luz en la imagen, desde la izquierda en este caso, y trato de dividir las formas de esa manera. Al sombrear la lengua, hago un objeto gris oscuro a medio con la herramienta Pluma y luego agrego puntos de gris más claro con la herramienta Malla .
¡Excelente trabajo, ya está!
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Crear medios tonos no es muy difícil en Illustrator. El mejor enfoque es aplicar medios tonos a una imagen que ya tiene su tamaño final. De esa forma no tendrás sorpresas desagradables al exportar la imagen.
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Una buena forma de mantener el control sobre el aspecto general de su imagen es crear una paleta de escala de grises a partir de la cual elija sus colores.
Empiezo seleccionando todos los objetos que componen el sombreado de piel. Una vez seleccionados estos, voy al menú Efecto y elijo Pixelar , luego Color semitono . A pesar de que dice “Medios tonos de color”, recomiendo comenzar a crearlos en blanco y negro, simplemente porque es más fácil realizar un seguimiento de cómo se comportan esos dos colores. Hacer semitonos en color implica la combinación de varios colores y los resultados pueden ser más difíciles de manipular.
Aquí puede ver realmente cómo funcionan los puntos, haciéndose más pequeños cuanto más claro se vuelve el degradado. Y para la boca, experimentar un poco más con los valores de la malla antes de aplicar el medio tono.
PLATAFORMAS SERVICIOS PARA PUBLICAR TU PORTAFOLIO ONLINE
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Con la crisis que ha afectado a un buen sector de empresas convencionales y el aumento de empleados freelance, se ha empezado a notar que las oportunidades laborales ahora se encuentran en la red, pero al igual que en la vida cotidiana el trabajo virtual demanda innovación, creatividad, algo impactante que no se limite a la creación de un perfil en Twitter o Linkedin por ejemplo.
BEHANCE Texto, imágenes, video y audio son los tipos de archivos multimedia que pueden ser compartidos en Behance, un escaparate virtual para diseñadores y artistas que además de un público mundial que supera el millón, agrega funcionalidades hasta para conseguir empleo. Para esto los cazatalentos cuentan con herramientas de búsqueda, seguimiento de portafolios y opciones para publicar sus ofertas. Llama la atención también el buen trabajo en el detalle de los perfiles de usuario.
Adobe Portfolio Una nueva herramienta para crear un portafolio online en la que podrás crear todos tus trabajos. Solo los suscriptores de Creative Cloud podrán disfrutar de este servicio. La verdad es que resulta extremadamente rápido diseñar un portafolio online de diseño y que a la vez puede ser creativo y original.
Carbonmade Una de las plataformas más populares para diseñar un portafolio profesional que cuenta con una interfaz muy llamativa por sus colores y forma. Su funcionamiento es muy intuitivo. Puedes subir tus portafolio online y está pensada para todo tipo de artistas gráficos. También puedes ver muchos ejemplos de portafolios de diseñadores gráficos para inspirarte. La plataforma cuenta con miles de imágenes e incluso tiene una selección de “los mejores” en los que puedes ver los portafolios que han tenido más visitas y buenos comentarios. Está en inglés, pero en solo unos minutos tendrás tus trabajos a la vista de todos.
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La web más antigua en este ámbito. Su popularidad fue creciendo a lo largo de los años ya que permitía subir un portafolio online con cientos de archivos. Es una de las más populares. Se pueden ver los trabajos de otras personas o escoger plantillas de portafolios gratis con un aspecto elegante, aunque también hay plantillas de pago. La incertidumbre sobre la plataforma creció en el momento en que Wix la compró.
Portfoliobox MOULIN VISUEL BORIS PELCER Artist & illustrator
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Una de las últimas plataformas en surgir. Puedes crear un portafolio online de forma gratuita aunque también incluye una opción de pago, pero solo si te interesa. Es de las mas completas y está en español. Quizás sea la que mas plantillas ideales para portafolios incluya, y de muy bella factura. Incluso se pueden subir videos. También puedes diseñar tu portafolio para el móvil.
La importancia del diseño gráfico en las redes No todo el mundo tiene claro cuáles son las funciones de un diseñador gráfico o todas las labores que puede realizar, pero, para resumirlo en pocas palabras, es un comunicador visual y existen diferentes especializaciones de diseño gráfico.
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¿Por qué son tan necesarios? Piensa cuánto tiempo dedicas de media a cada publicación que ves. Es posible que en la mayor parte de los casos no supere los 2 segundos por foto. Por lo tanto, con tan poco tiempo tienes que conseguir que la comunicación sea lo más efectiva posible, hacer que a la otra persona se le quede grabado algo, algún detalle, forma, lo que sea. Por norma general, el contenido visual es el punto más importante que has de tener en cuenta. Según algunos estudios, hasta un 90% de la información que recordamos proviene de los impactos visuales, y de estos, sólo un 20% proviene de textos. De ahí el gran mérito que tienen algunos influencers, por conseguir cautivar con tan solo palabras.
Las publicaciones en Redes Sociales son nuestro escaparate diario y donde tenemos la oportunidad de destacar por encima de nuestros competidores en un mercado cada vez más saturado. Disponemos de apenas unos segundos para captar la atención del usuario, de ahí que debamos trabajar mucho la calidad de nuestras acciones y más concretamente, la calidad de nuestros diseños. Hasta el 90% de lo que recordamos se basa en impactos visuales, por lo que realizar una composición atractiva y elegir correctamente las imágenes, puede ser vital para alcanzar al usuario y que éste nos elija frente al resto. Si además pretendemos que lo que publicamos sea compartido y pueda llegar a viralizarse, un buen diseño será nuestro gran aliado. Para ello hay que prestar atención a varios detalles, cada red social tiene unas características distintas, si nosotros realizamos acciones en varias, es muy conveniente adaptar el diseño a cada una de ellas, debemos tener en cuenta el tamaño o la posibilidad de añadir más o menos texto. La creatividad y la originalidad son puntos clave, como hemos comentado, existe una competencia voraz en el mercado y será importante nuestra capacidad a la hora de realizar un diseño diferente que sea capaz de emocionar y de hacer actuar al usuario. Nuestras publicaciones hablan de nosotros como marca, si el diseño es cuidado y se nota que existe un trabajo detrás, eso también se percibe por parte del lector. Un buen diseño gráfico traspasa sus virtudes a la propia marca en sí, mejorando la percepción que el público tiene de nosotros, si logramos alcanzarles estableceremos un vínculo marca – consumidor.
Empresas dedicadas al Diseño Gráfico
en México
BONN COMUNICACIÓN Agencia de comunicación estratégica, diseño gráfico, ilustración y animación en after effects. Somos una agencia Mexicana con más de 15 años de experiencia Web: www.bonncomu nicacion.com Red: Facebook, Twitter Tel.: +52 55 33005330 Dir.: Paseo de la Reforma, 11000 Ciudad de México, D.F.
STOP DISEÑO
Somos una agencia sustentable de diseño gráfico estratégico, establecida en México, con más de 10 años de experiencia impulsando el desarrollo de marcas en Latinoamérica. Web: www.stopdiseno.com Red: Facebook, Twitter Dir: Guillermo González Ca marena #1450, Piso 7, Col. Centro de Ciudad Santa Fe, Del. Álvaro Obregón, 01210 Ciudad de México, D.F.
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“MODERNISMO Y RENOVACIÓN” Actualmente, el Diseño Gráfico juega un papel de enorme importancia en el desarrollo económico de los países ya que actúa como nexo de unión entre las empresas, marcas e instituciones por un lado, y los ciudadanos (usuarios y consumidores) por otro lado. Es decir, el diseño gráfico forma parte de la comunicación al ser capaz de transmitir el mensaje desde su emisor hasta su receptor, y además lo hace empleando para ello el ingenio y la creatividad, creando proyectos visuales innovadores e impactantes, capaces de llegar al público y sobre todo, capaces de transmitir una idea a través de una imagen, de hacer comprensible un mensaje a través del poder de lo visual.
ACTUALIDAD DISEÑO GRÁFICO
Así, el diseño gráfico y, por extensión, el diseñador gráfico, se encuentran plenamente implicados en el proceso comunicativo y por tanto, también en la evolución constante de las nuevas tecnologías y sus variados soportes y medios. Al igual que éstas, el diseño gráfico es una disciplina artística y tecnológica en constante movimiento, siempre adaptada a las nuevas tecnologías y sus usos, y también a los cambios sociales en general. El diseñador gráfico está sometido a un proceso de perfeccionamiento constante mientras que las empresas que lo demandan, invierten cada vez más recursos en el diseño gráfico, conscientes de lo importante que resulta para dar a conocer sus productos y para darse a conocer ellas mismas y transmitir su filosofía e imagen de marca.
La constante evolución de la profesión ha servido, por sí sola, para demostrar su importancia, trascendencia y utilidad, lo que se traduce en que nos encontramos ante un sector de enorme relevancia actual, y con unas opciones de futuro increíbles.
COM ple ji dad
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La producción gráfica en el contexto digital se sitúa en un panorama disperso. Hoy es prácticamente imposible determinar sobre qué soporte se visualizará un mensaje gráfico. Leer un periódico desde el móvil por la mañana mientras vamos al trabajo y continuarlo desde un tablet al llegar a casa por la noche es una práctica más que probable. Y así con casi cualquier artefacto que estemos diseñando: libros, revistas, blogs, servicios web, etc Esta dispersión de dispositivos de lectura está convirtiendo el trabajo de diseño gráfico en un proceso de mayor complejidad y las herramientas de diseño válidas hasta ahora están iniciando un cambio de planteamiento. Fijémonos por ejemplo en las novedades que incorpora InDesign para generar automáticamente distintos layouts que se adapten a distintos dispositivos de lectura a partir de un documento “madre”. Esta es sin duda una opción más que necesaria pero su uso también implica un cambio radical en la forma de proyectar del diseñador gráfico. Para mantener un control sobre cómo afectan las decisiones que uno toma a los distintos formatos de salida es necesario una mentalidad mucho más sistemática. Este es un gran reto tanto para el diseñador gráfico como para las empresas que desarrollan software para diseñar.
Phil Baines Profesor de Tipografía en Central Saint Martins. estudió Diseño Gráfico en la St Martin’s School of Art de Londres durante los vibrantes años 80. Su trabajo en esa época estaba muy influenciado por la tipografía experimental, que tomaba como referencia los manuscritos medievales y los escritos de Marshall McLuhan y George Steiner.
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Con la llegada de los ordenadores personales a los estudios de diseño gráfico, la tarea del diseñador era principalmente la de definir parámetros sobre los que cajistas, fotomcánicos e impresores debían trabajar para conseguir el efecto proyectado. Phil Baines, en su libro Penguin by Design (Baines 2005), dedica un capítulo a describir como Jan Tschichold bajo la dirección de Arte de Penguin definió una serie de reglas muy detalladas sobre cómo los cajistas debían componer todas las portadas de la editorial (Penguin Composition Rules 1947-49). Las instrucciones de Tschichold definían aspectos muy concretos como la disposición de la tipografía sobre un eje simétrico, la composición con caracteres de caja alta, el espaciado entre ellos, el uso de una línea separadora entre título y autor, colores para identificar géneros, etc. Todas estas normas dotaban de consistencia a la imagen de la editorial, y proporcionaba a los impresores de un sistema (un estándar) sobre el que tomar decisiones ante la composición de distintas portadas.
“DE LO COMPLEJO A LO
DIVERSO” Ken Garland en su libro Graphis Handbook (Garland 1966) plantea la posibilidad que el diseñador gráfico se mueva en un entorno donde la generación de artefactos como revistas y catálogos esté automatizada y afirma que sólo hay dos cosas que pueden impedir que el diseño gráfico evolucione de forma similar al resto del desarrollo tecnológico: “su incapacidad para familiarizarse con las nuevas áreas de conocimiento que surgen y su inhabilidad para liberarse de las ideas preconcebidas sobre el tipo de tareas a las que debe dedicarse”.
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MULTI DIVER SIDAD
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Amor por el Diseño EL DISEÑO GRÁFICO ES SIGILOSO.
Es un medio que está ahí, que se impregna en nuestras vidas y penetra nuestros sentidos a veces sin darnos cuenta o reconocer su presencia: señalización, anuncios, boletines, portadas de libros, páginas web, tarjetas… prácticamente no hay día en que no encontremos logotipos o mensajes de marca en todos lados y en todas las actividades que realizamos, desde leer hasta comer.
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Los que nos dedicamos al Diseño, amamos a esta disciplina porque forma parte de nuestra experiencia visual (y seguirá haciéndolo) además de que tiene el poder de establecer un estado de ánimo, generar tensión, sorpresa o calma, puede alegrar o seducir porque las señales visuales disparan de inmediato hacia las regiones más emocionales, y emocionantes- de nuestra mente.
Y los que no se dedican al Diseño Gráfico, ¿por qué tendrían que amarlo?
Marca la Diferencia Cuando una empresa invierte tiempo para comunicar a través de una cultura de branding y material visual, crea un puente, un lazo emocional con sus clientes o consumidores. Hacerlo bien, no sólo permite esto sino que la ayuda a su crecimiento por medio de una reputación positiva de la cual la gente hablará. A nivel interno, los empleados se sentirán orgullosos de pertenecer a una corporación que lleva una imagen excelente hacia el exterior. El Diseño Gráfico permite que un mensaje sea lo suficientemente ingenioso y claro, para lograr que una compañía, empresa o marca -o hasta una persona- se vea como lo que realmente es: profesional, al tiempo de ganar un compromiso con el público objetivo y marcar una diferencia con sus competidores.
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