Directores de cine top 20 by enfasis

TOP 20

Mejores Directores de cine

BiografĂa Steven Spielberg Tim Burton

Films mĂĄs reconocidos

Amblin Vicent

Top 20 Mejores Directores de cine

PRÓLOGO “Cuando me surgió la idea de realizar este Top 20, me sentí muy atraída con la idea de traer a colación y recordar algunos de los Directores de Cine más importantes a nivel mundial. Esta idea surgió gracias a mi inclinación por el Séptimo Arte, mi gusto por estar actualizada con las películas que han marcado la historia del cine y sobre todo, por el legado que estos hombres han venido dejando a través de los años. Antes tenía conocimientos sobre algunos de estos directores, otros ni siquiera los conocía, pero ahora, indagando a profundidad, pude darme cuenta que no podemos linitarnos con lo que ya conocemos, sino que debemos ir más allá de lo que nuestro ojos pueden ver. Conocer la vida de estos personajes me ha servido para darme cuenta que el mundo no gira solamente a través de las matemáticas, la ingeniería o la medicina, sino que al contrario, el mundo del cine es algo verdaderamente fantástico; así como te puedes divertir realizando una película, también lo puedes hacer divertir, como en la mayoría de los casos, yendo a las salas de cine a ver grandes películas como las mencionadas en este top. El orden que le di a este top no se ha basado en mi gusto personal, fue hecho gracias a una investigación que realicé previamente que me ayudó a darles el orden que decí darles. Espero que disfruten la lectura y la recopilación de esta información, así como yo disfruté conociendo la vida de cada uno de ellos en la realización de esta revista”.

Top 20 Mejores Directores de cine

SUMARIO Pr贸logo

Sumario

Steven Spielberg

Alfred Hitchcock

Stanley Kubrick

Akira Kurosawa

Peter Jackson

Quentin Tarantino

Orson Welles

Woody Allen

Clint Eastwood

Francis Ford

Oliver Stone

Sergio Leone

John Ford

Billy Wilder

Martin Scorsese

Charles Chaplin

Christopher Nolan

George Lucas

Ridley Scott

Tim Burton

82 5

STEVEN

Spielberg Director, productor y guionista estadounidense

1 6

Top 20 Mejores Directores de cine

CANDIDATO SIETE VECES A LOS PREMIOS ÓSCAR EN LA CATEGORÍA DE MEJOR DIRECTOR Biografía En el mundo del espectáculo, se le conoce como “El Rey Midas de Hollywood”. Obtuvo el premio en dos ocasiones, con La lista de Schindler (1993) y Saving Private Ryan (1998). Tres de sus películas (Jaws, E.T.: the Extra-Terrestrial y Jurassic Park) lograron récord de taquillas y se convirtieron en las películas de mayor recaudación en su momento. Ha sido también condecorado con la Orden del Imperio Británico y la National Humanities Medal.

De formación autodidacta, comenzó a rodar cortos a comienzos de los años 60 (debutando con un film del Oeste titulado “The Last Gun”) hasta que a los 18 años dirigió y escribió su primer largometraje, “Firelight” (1964), extenso título de ciencia-ficción basado en una historia ideada por su hermana Nancy (quien también aparece como actriz en la película) que consiguió ser proyectado comercialmente en un cine de Phoenix, ciudad en la que residió durante su juventud.

En e año 1965 sus padres se divorciaron y Spielberg, quien siempre mantuvo en esta primera etapa de su vida una relación distanciada con su padre, se mudó con su madre y hermanas a California. En Los Angeles Steven Spielberg intentó ingresar sin éxito en la Universidad de Southern California para estudiar Cinematografía. Tras dos tentativas infructuosas, logró ser admitido en la Universidad del Estado de California.

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Gran aficionado al cómic, tiene una gran colección, que incluye el número 1 de la revista Mad

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Para 1993, Spielberg seguiría con su tendencia a estrenar, algunos años, dos películas al mismo tiempo . La primera de ellas fue la exitosa Jurassic Park, que revolucionó los efectos especiales en los años 90 (como algunas otras contemporáneas). Una maestría de la narrativa visual, la película le devolvió la fama y la popularidad a esas olvidadas criaturas de miles de años: los dinosaurios. Pero en su filmografía, esta película sería opacada por Schindler’s List (también de 1993), por la que recibiría el tan postergado reconocimiento por parte de la Academia y de los Premios Óscar. Gracias a este film fue reconocido como Mejor Director y ganó Mejor Película (habiendo sido nominado 3 veces anteriormente al primer premio). Otro doblete de películas llegaría

Camino a los Óscar

ras tres películas que dejaron mucho que desear para la crítica y la taquilla (aunque no fueron consideradas “malas”), Spielberg volvería para fin de año con la tercera parte del aventurero que hizo famoso a Harrison Ford. Indiana Jones and the Last Crusade (1989) fue un éxito, con la incorporación de Sean Connery como el padre de Indiana Jones. Para los fanáticos de la saga (y obviando la cuarta parte), esta es considerada como la más normal, sin el empuje que tuvieron las dos anteriores. En 1991, decidió abordar un tema de su infancia. Es reconocido su fanatismo por los clásicos de Disney que vio en su niñez, pero preferentemente por la historia de Peter Pan.

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Y aunque su versión de la historia original que quería filmar con actores de carne y hueso no pudo hacerse (pero se puede encontrar un guiño a la historia en E.T., cuando Mary le lee el cuento a Gertie, y E.T. las observa), si consiguió estrenar su propia versión, que sería una continuación a la historia conocida por todos. Michael Jackson iba a ser Peter Pan, originalmente, pero por diversos inconvenientes el papel recayó en el comediante Robin Williams. Hook fue un éxito, aunque no gozó de la popularidad que tuvieron otras películas del director.

Es uno de los directores más reconocidos y populares de la industria cinematográfica mundial

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En 1997, con Amistad y The Lost World: Jurassic Park, secuela de la entrega de 1993, y que sería la última de la franquicia con Spielberg como director (aunque no dejó sus funciones de productor). Al año siguiente eligió regresar a las historias de la Segunda Guerra Mundial (tema recurrente como director y productor, tanto en películas como series y videojuegos), estrenando Saving Private Ryan (1998), que le valió su segundo Óscar.

Films

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más reconocidos

“Steven rodó básicamente cortometrajes, episodios de series y telefilmes”

Amblin El título del cortometraje “Amblin” posteriormente bautizaría su primera productora cinematográfica.

El diablo sobre ruedas La película tuvo excelentes críticas y todavía hoy permanece como uno de sus mejores films y un ejemplo de su dominio del suspense.

Dirección Steven Spielberg

Producción Dennis Hoffman

Producción George Eckstein

Guión Steven Spielberg

Guión Richard Matheson

Música Michael Lloyd

Música Billy Goldenberg

Fotografía Allen Daviau

Fotografía Jack A. Marta

Montaje Allen Daviau

Montaje Frank Morriss

País Estados Unidos

Año 1968

Año 1971

Duración 26 minutos

Duración 74 minutos

Idioma Inglés

ALFRED

Hitchcock Director de cine y productor britรกnico

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Top 20 Mejores Directores de cine

PIONERO EN MUCHAS DE LAS TÉCNICAS DEL SUSPENSE Y EL THRILLER PSICOLÓGICO

Biografía Figura indiscutible del cine de misterio y de intriga, la capacidad del cineasta Alfred Hitchcock para aplicar recursos narrativos innovadores al servicio del suspense tuvo una importancia fundamental para el desarrollo del lenguaje cinematográfico moderno. Con un dominio excepcional de las técnicas cinematográficas, produjo películas que mantienen al espectador en un constante estado de tensión hasta el final de la proyección y que lo llevan a vivir apasionadamente lo relatado en la pantalla.

mpezó a trabajar como montador, director artístico y guionista en películas de directores como Donald Crisp y Hugh Ford. En la Famous Players Lasky conoció a Alma Reville, que trabajaba como montadora, y con la que se casaría en 1926. Alma fue ayudante de dirección y guionista de varias películas de su marido. En el lado profesional, Hitchcock estuvo tres años trabajando como ayudante de dirección de Graham Cutts. En 1923, se le encargó el rodaje del corto Number 13 aunque la producción se detuvo y la película quedó inacabada.

Films

más reconocidos Dirección Alfred Hitchcock Producción Alfred Hitchcock Guión Joseph Stefano Música Bernard Herrmann Fotografía John L. Russell Montaje George Tomasini

Psycho Considerada hoy como una de las mejores películas de Hitchcock, y elogiada como una obra de arte cinematográfica de la crítica internacional.

País Estados Unidos Año 1960 Duración 109 minutos Idioma Inglés

Top 20 Mejores Directores de cine

Rear Window

El director crea una atmósfera claustrofóbica en la que un lesionado Stewart intenta resolver un crimen observando por la ventana. Dirección Alfred Hitchcock Producción Alfred Hitchcock Guión John Michael Hayes

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Tras una exitosa carrera en el cine británico en películas mudas y en las primeras sonoras, llegó a ser considerado el mejor director de Inglaterra”

Música Franz Waxman Fotografía Robert Burks Montaje George Tomasini País Estados Unidos Año 1954 Duración 112 minutos Idioma Inglés

Alfred Hitchcock desarrolló en sus películas una tendencia hacia temas que se repiten y mecanismos cinemáticos como el suspense, el público como voyeur, y su conocido “MacGuffin”, un detalle aparentemente menor que sirve de pivote sobre el que hacer girar la narración. Se puede casi sentir muchas veces que como director se repite la misma película. Si Hitchcock es hoy considerado con mucho uno de los principales realizadores de cine, no era ésa la sensación en el momento del estreno de sus películas. La crítica le acusaba a veces de explotar siempre la misma historia, o incluso reprocharle que hiciera sus películas en función del público.

STANLEY Fot贸grafo, director de cine, guionista y productor estadounidense

Kubrick

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Top 20 Mejores Directores de cine

SE DESTACÓ POR SU PRECISIÓN TÉCNICA Y POR LA GRAN ESTILIZACIÓN DE SUS CINTAS Y SU MARCADO SIMBOLISMO Biografía Fue un fotógrafo, director de cine, guionista y productor estadounidense. Considerado por muchos como uno de los más influyentes cineastas del siglo XX. Su afición a la fotografía le permitió, en primer lugar, trabajar para la revista Look, donde hizo reportajes fotográficos a importantes estrellas del momento, y donde se labró una reputación profesional. Su melomanía le permitió a lo largo de toda su carrera poder discutir todos los aspectos relacionados con la banda sonora de sus películas, llegando en ocasiones a prescindir de compositor y escogiendo personalmente piezas de música clásica para sus películas

Kubrick tuvo su primera cámara a los trece años, obsequio de su padre, un médico y que le hizo conocer los principios fundamentales de la fotografía. Aficionado a la música, especialmente al jazz, fue batería en la Taft Swing Band.

ba un día en la vida de un boxeador (Walter Cartier), Days of fight (Días de lucha, 1950), un documental de quince minutos que le compró la RKO Pathé. Gracias a ello Stanley Kubrick consiguió el respaldo de esta compañía para hacer el documental Flying Padre (1951).

Comenzó a trabajar como reportero en la revista Look convirtiéndose en uno de los fotógrafos más prestigiosos del país. En 1950 abandonó la fotografía y realiza su primer cortometraje, que refleja-

El que se convertiría en uno de los cineastas más perfeccionistas y difíciles de la historia. Rodó su primer largo con dinero prestado, Miedo y deseo (1953), en el que el fue el encargado del guión, la dirección, la cámara y el montaje.

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Fue un director increíblemente meticuloso en todas sus obras, en las que invertía un promedio de dos años de arduo trabajo

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Kubrick obtuvo un fracaso comercial pero buena acogida de la crítica. Sus dos siguientes películas, El beso del asesino (1955) y Atraco perfecto (1956), tuvieron idéntica aceptación y pese a su fracaso de público, le valieron un contrato con la United Artists. Stanley Kubrick controlaba todo el proceso de producción de sus trabajos, supervisa el doblaje de sus películas a otros idiomas, y salvo ocasiones excepcionales, nunca permitió que se proyecten por televisión. Además, al abordar cualquier tipo de género, dota a sus películas de una fuerza creativa que lo libera de la dependencia de los grandes estudios. Fue candidato al Oscar en varias ocasiones.

Su legado

a influencia de Kubrick en el cine contemporáneo es enorme y difícil de definir en su real dimensión. No sólo por la gran cantidad de libros dedicados a su persona y a su trabajo, las compilaciones que lo sitúan entre los más importantes de la historia, así como documentales televisivos sobre su vida y ensayos publicados en diversos medios de comunicación, sino también por los logros fílmicos que alcanzó en vida y el aporte que realizó al statu quo de rol del director dentro la industria cinematográfica. Sin estudios formales de cine, participó en cada etapa de la producción de una cinta, aprendiendo las técnicas y el oficio, llegando a aportar innovadores procedimientos técnicos (efectos especiales,

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sistema de filmación, nuevas cámaras, focos, luces y lentes) y narrativos que le permitieron a la industria en general avanzar varios años. Otro apartado donde fue decisivo fue en el empleo de la banda sonora en las cintas que dirigió, anticipándose a varias tendencias, incorporando tanto la enciclopédica revisión de la música perteneciente a la época en la que se ambientaba la película de turno, así como también emplear los aportes de la electrónica cuando ésta se aplicaba mayormente en el campo experimental.

Sus películas no dejaban de incorporar sus propios intereses intelectuales y la reflexiones sobre el hombre y su lucha constante con su entorno

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Sus películas no dejaban de incorporar sus propios intereses intelectuales y la reflexiones sobre el hombre y su lucha constante con su entorno, ya sea físico, social, psicológico o metafísico. Su observación del ser humano siempre guardaba una distancia prudente, que en vez de frialdad (como lo tachaban algunos críticos), podría más bien leerse un verdadero interés y abierta curiosidad por entender el proceder del personaje como pieza dentro de un engranaje más complejo que lo puramente cultural.

Films

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más reconocidos

“Se destacó por su precisión técnica y por la gran estilización de sus cintas y su marcado simbolismo”

A Clockwork Orange

The Shining

Se caracteriza por contenidos violentos que facilitan una crítica social en psiquiatría y el pandillerismo juvenil.

Basado en la exitosa novela de terror de Stephen King del mismo nombre. Su título original en inglés es The Shining, en español El resplandor (novela).

Dirección Stanley Kubrick

Producción Stanley Kubrick

Guión Stanley Kubrick

Música Wendy Carlos

Fotografía John Alcott

Montaje Bill Butler

Montaje Ray Lovejoy

País Reino Unido

País Estados Unidos

Año 1971

Año 1980

Duración 136 minutos

Duración 144 minutos

Idioma Inglés

AKIRA

Kurosawa Guionista y director de cine japonĂŠs

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Top 20 Mejores Directores de cine

SE CONVIRTÓ EN EL MÁS CONOCIDO DE LOS DIRECTORES JAPONESES Biografía Aunque como ocurre con cualquiera, la vida de Akira Kurosawa (1910-1998) iba más allá de las películas, o bien, digamos que las películas se nutrían de su experiencia vital. Sin ir más lejos, su afición al alcohol le ayudó en El ángel ebrio. Akira nació en Omori, en la provincia de Tokio. Y se vio estimulado a escribir su `casi autobiografía´por el ejemplo de Jean Renoir y el no-ejemplo de John Ford. Advertía que para los que se acercaban a su cine, saber de él ayudaba a entenderle.

En un primer momento Kurosawa se siente atraído por la cerámica japonesa y la pintura occidental sin embargo su caracter exigente y su miedo al fracaso terminará alejandole de esta afición. No obstante esta dualidad de estilos manifestados en la pintura y la cerámica empezará a marcar el que será su estilo personal como artista: la integración de elementos de Oriente y Occidente. Finalmente en la Escuela Doshusha complementa su formación estudiantil recibiendo formación sobre pintura europea.

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El estilo narrativo de Kurosawa es extraordinariamente rico

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Es un joven taciturno que comienza a desarrollar ya una de las notas fundamentales de su carácter: una depresión recurrente que a veces lo situará al borde del suicidio. Sin embargo, a pesar de estos problemas se ve irresistiblemente interesado por el mundo del cine, campo en el que además podrá dar rienda suelta a su vocación de escritor y sus afinidades plásticas. El realizador japonés es, sin duda, el más internacional de los cineastas de su país.

Kurosawa se puso tras la cámara por última vez en 1993 para rodar Madayo. Viudo desde 1985, decidió retirarse y falleció en Setagaya, Tokyo, el 6 de septiembre de 1998. Tras de sí dejaba una huella imborrable en el séptimo arte y un sello inconfundible que todavía sigue siendo referencia para muchos directores. Quizá su secreto fue que pensaba en el cine las 24 horas del día, según sus allegados. Una pasión que él justificaba diciendo que el cine le permitía aunar literatura, música, pintura y teatro bajo un mismo prisma.

La vida según Akira Kurosawa

a vida de Akira Kurosawa imita a su cine. El detonante de sus películas siempre es un momento de crisis que demanda una respuesta radical por parte de sus protagonistas. Asumir el reto o sucumbir, apenas caben otras alternativas. Los personajes del director y, no lo olvidemos, guionista japonés son supervivientes, vocacionales algunos de ellos, héroes imprevistos, casi diríamos por accidente, la mayoría. La carrera de Kurosawa, no tanto su vida privada, en la que hubo una estabilidad sentimental y familiar sin disruptivos sobresaltos que le permitió volcarse en su arte, puede ser contem-

plada como una montaña rusa de subidas vertiginosas y descensos en picado. Como una sucesión de esos momentos críticos que son el alimento del que se nutre su cinematografía. Resulta imposible imaginar a Kurosawa filmando una historia intrascendente, sólo para entretener y divertir; no, las suyas son fábulas morales, películas de tesis, que pretenden desentrañar las terribles o sublimes verdades de la existencia humana para mostrarlas aún palpitantes y calientes sobre la pantalla de un cine.

En 1950 obtuvo el León de Oro de la Mostra de Venecia y el Oscar a la mejor película extranjera con su filme Rashomon, una refinada versión de un relato tradicional japonés que le situó en el mapa cinematográfico internacional. En 1954 repitió máximo galardón en el certamen veneciano con Los siete samurais, filme objeto de un célebre remake con el título de Los siete magníficos. En 1965, Barbarroja sufrió un rechazo de crítica y público que se repitió en su siguiente obra, Dodes Ka-den, circunstancia que le empujó a un intento de suicidio en 1971.

Films

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más reconocidos

“Steven rodó básicamente cortometrajes, episodios de series y telefilmes”

Rashômon

Vivir (‘Ikiru’)

Nos traslada al siglo XII, donde, bajo las ruinas de un templo, se habla sobre un complicado caso asesinato

Un narrador omnisciente nos describe el negro futuro de nuestro personaje ya desde el comienzo de la historia, Watanabe tiene cáncer de estomago y pronto morirá

Dirección Akira Kurosawa

Dirección Steven Spielberg

Producción Dennis Hoffman

Producción Sojiro Motoki

La película se hizo famosa por su estructura dividida, para mostrar las diferentes versiones de los implicados en el crimen.

Se centra en la reflexión y el cambio de actitud de un veterano y aburrido funcionario. Preciosa, humana, crítica y, de nuevo, perfectamente digerible para el público occidental.

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En 1950 obtuvo el León de Oro de la Mostra de Venecia y el Oscar a la mejor película extranjera con su filme Rashomon

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PETER

Jackson

Guionista, productor y director de cine neozelandĂŠs

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LOS GÉNEROS FANTÁSTICO, CIENCIA-FICCIÓN Y AVENTURAS SE CONVIRTIERON EN SUS PREFERIDOS

Biografía

ras el rodaje de diversas películas de vampiros durante su infancia trabajó en un periódico hasta que decidió entrar en el mundo del cine. En 1988 dirigió ‘Mal gusto’, una película muy gore que mostró el camino de un nuevo género cinematográfico. Un año más tarde, se ofrece una versión más erótica y gamberra del Show de los Muppets, ‘Los Feebles’. Pero fue en 1992 que Peter Jackson demostró a todo el mundo con la película de terror ‘Braindead: Tu madre se ha comido a mi perro’, el potencial que tenía. La película autodefine al director como un experto en cine gore. Poco después se desmarcó con ‘Criaturas celestiales’, un drama basado en una historia real que le valió el León de Plata en el Festival de Cine de Venecia y que descubrió a Kate Winslet. Tras ella volvió al terror con ‘Atrápame esos fantasmas’.

Tras siete años de proyecto en Nueva Zelenda, presentó su saga más ambiciosa ‘El señor de los anillos’, que se estrenó en 2001 con ‘La comunidad del anillo’, en 2002 llegó ‘Las dos torres’ y un año después ‘El retorno del Rey’, por la que consiguió el Oscar al mejor director y a la mejor película. Con este éxito, Universal le ofreció organizar una nueva versión de ‘King Kong’. Peter Jackson acepta y finalmente realiza su sueño de niño. Va a estrenar su versión de ‘Tintín’ junto a Spielberg, la adaptación de ‘El Hobbit’.

Films

más reconocidos

Durante su adolescencia rodó multitud de cortos, ocupándose de tareas de guión, dirección, actuación y efectos especiales. En el año 1978 consiguió un trabajo de litógrafo en un periódico y comenzó a rodar películas en 16 mm. Su primer largometraje se tituló “Mal Gusto” (1987). Gracias a su exhibición en el Festival de Cannes terminó convirtiéndose en un film de culto por su imaginativa mixtura entre comedia satírica y descocado horror gore. El film, rodado con bajo presupuesto y la participación de varios amigos, narraba la visita de unos aliens a la Tierra con la intención de conseguir carne humana para sus restaurantes intergalácticos de comida rápida.

Trama Unos extraterrestres invaden el pueblo de Kaihoro en Nueva Zelanda, los habitantes del pueblo son asesinados y encerrados en cajas para convertirse en comida rápida. El gobierno envía a cuatro paramilitares para detener la invasión. Un civil que pasó por el pueblo es atrapado y llevado a una casa, la guarida de los extraterrestres. Los protagonistas van a su rescate, convirtiendo al patio de la casa

en todo un campo de batalla. El civil es rescatado, y el líder de los extraterrestres huye en una nave. Para desgracia del extraterrestre, uno de los paramilitares, Derek, estaba en la nave y lo mata con una motosierra.

Dirección Peter Jackson Producción Peter Jackson Guión Tony Hiles Música Michelle Scullion Fotografía Peter Jackson Montaje Peter Jackson

Mal gusto La trama gira en torno a un grupo de extraterrestres que llegan a Nueva Zelanda para secuestrar personas y convertirlas en comida.

País Nueva Zelanda Año 1987 Duración 91 minutos Idioma Inglés

Top 20 Mejores Directores de cine En 1989 realizó su segunda película como director, El Delirante Mundo de los Feebles, una comedia musical protagonizada por marionetas similares a los Teleñecos. En un principio, la película iba a ser un cortometraje para la televisión, pero finalmente se convirtió en largometraje gracias al inesperado entusiasmo de los inversores japoneses que lo financiaban. Esta película supuso la primera colaboración entre Jackson y los especialistas en efectos visuales Richard Taylor y Tania Rodger. Tres años después se estrenó su tercer film como director, Braindead. Tu Madre se ha Comido a mi Perro, una cinta entre comedia y terror considerada una de las películas más gore

Meet the Feebles

Es una comedia de humor negro del director Peter Jackson y presenta unas marionetas al estilo de Jim Henson en una perversa sátira cómica Dirección Peter Jackson Producción Jim Booth Guión Peter Jackson Música Peter Dasent Género Comedia y cine musical Montaje Jamie Selkirk País Nueva Zelanda Año 1989 Duración 94 minutos Idioma Inglés

de la historia. Curiosamente, la cinta en un principio estaba previsto que fuera una coproducción española, pero finalmente los productores se echaron atrás. En 1994 coescribió y co-produjo la película Jack Brown Genius, de Tony Hiles. Ese mismo año, Jackson sorprendió a todo el mundo con un giro radical en su carrera al estrenar Criaturas Celestiales, un drama romántico con toques de thriller basado en hechos reales. La película se estrenó en 1994 después de que Jackson y su mujer Fran Walsh lucharan durante bastante tiempo por llevar la historia a la gran pantalla.

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Esta película supuso la primera colaboración entre Jackson y los especialistas en efectos visuales Richard Taylor y Tania Rodger

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De hecho, el propio Jackson admitió unos años después en una entrevista que la película sólo se pudo hacer gracias al entusiasmo de Fran. El film supuso además el debut en el cine de una jovencísima Kate Winslet. Aunque en un principio parte de la sociedad receló que fuera Jackson, por su historial de cine gore, el que llevara estos hechos al cine, la película fue todo un éxito de crítica y público a nivel internacional. Entre otros reconocimientos, la cinta ganó el León de Plata en el Festival Internacional de Cine de Venecia, y por ella, Jackson y Fran Walsh obtuvieron su primera nominación en los Premios Oscar, al Mejor Guión Original. Un año después, en 1995, Jackson co-escribió y co-dirigió junto al cineasta Costa Botes el falso documental La Verdadera Historia del Cine (Forgotten Silver) para la televisión neocelandesa.

QUENTIN

Tarantino Director, guionista, productor y actor estadounidense

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GANÓ LA PALMA DE ORO DEL FESTIVAL DE CANNES (1994) Y EL OSCAR AL MEJOR GUIÓN ORIGINAL Biografía Nacido en el estado de Tennessee, a los dos años su familia se trasladó a Los Ángeles. Aficionado al cine desde niño, Quentin Tarantino fue un mal estudiante; a los 22 años empezó a trabajar en un videoclub de Manhattan Beach, y se matriculó para tomar clases de interpretación. El videoclub se convertiría en su escuela de cine, y pronto empezó a redactar guiones. Al mismo tiempo se fabricó un currículum falso como actor, en el que incluía su participación en King Lear de Jean-Luc Goddard, porque afirmaba que nadie en Hollywood conocía esa película.

En 1985 apareció por primera vez en la pantalla, en televisión, en un episodio de Las chicas de oro, imitando a Elvis Presley. En 1987 escribió el guión de True Romance (Amor a quemarropa), que se estrenaría en 1993. De esa misma época es el guión de Asesinos natos. Tarantino siempre afirmaría que los dos directores (Tony Scott y Oliver Stone) habían “destrozado” sus guiones. Cuando se enteró de que en el Sundance Institute, fundado por Robert Redford, había un labora-

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torio de aprendizaje y experimentación para directores independientes, sufragó sus cursos con sus trabajos de acomodador de una sala X y empleado en el videoclub, mientras seguía con sus guiones. En 1991, gracias a la venta de dos de ellos, pudo empezar a rodar. Contó con el apoyo de Danny De Vito, uno de los primeros que confiaron en él, y de Harvey Keitel, un actor siempre dispuesto a colaborar en producciones independientes. Tarantino pudo controlar su primera película, Reservoir Dogs (1992), en todos los aspectos: la escribió y dirigió, seleccionó la banda sonora e incluso se permitió aparecer como actor.

El trabajo cinematográfico de Tarantino ha logrado posicionarse en lo más alto del séptimo arte

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n mayo de 1994 presentó en Cannes su segundo trabajo, Pulp Fiction, que en poco tiempo se convertiría en una película de culto. Aunque la crítica se dividió y algunos le reprocharon excesiva violencia y achacaron su éxito a una moda pasajera, la verdad es que la película triunfó y supuso la consagración del director. Pulp Fiction se alzó con la Palma de Oro de Cannes y fue nominada a siete Oscar, incluidos a la mejor película y mejor director. Al final, Tarantino se tuvo que conformar con ganar el Oscar al mejor guión. Pulp Fiction es un homenaje a los cómics y novelas baratas de serie negra. La película entrecruza las vidas de una serie de persona-

Pulp Fiction Debido a sus eclécticos diálogos, su combinación irónica de humor y violencia, y sus múltiples referencias cinematográficas a la cultura pop, que fueron tan utilizadas posteriormente, influyó en la forma de hacer cine. Dirección Quentin Tarantino Producción Lawrence Bender Guión Quentin Tarantino Vestuario Betsy Heimann Fotografía Andrzej Sekuła Montaje Sally Menke País Estados Unidos Año 1994

jes característicos de los bajos fondos y del mundo de la delincuencia organizada que resultan sin embargo curiosamente entrañables. Tras el prometedor debut que supuso el primer largometraje de Quentin Tarantino, Reservoir Dogs, el director de Tennessee volvió a sorprender a la crítica y al público con este segundo trabajo. A partir de tres relatos del propio Tarantino y del coguionista Roger Avary, elaboró una estructura original y compleja, en la que los episodios y situaciones no se desarrollaban por orden cronológico, sino que iban apareciendo en pantalla como flashbacks y flashforwards, o sea, saltos atrás y adelante en el tiempo.

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Desde niño e influenciado por su madre, Tarantino acudió a menudo al cine, escuchaba música rock, leía publicaciones pulp y veía numerosas series de televisión

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En los primeros años de la década de los 90, Tarantino conoció al productor Lawrence Bender, quien recibió con entusiasmo el guión de “Reservoir Dogs”. Poco después puso el texto en conocimiento del actor Harvey Keitel. En la línea de su anterior trabajo, destacan sobre todo tres aspectos: los diálogos, muy ingeniosos y escritos con un lenguaje conciso y punzante, la falta de complejos a la hora de mostrar los estallidos de violencia, y, por último, la elección del reparto, con sorpresas tales como la recuperación de Travolta para un cine de más calidad. Posteriormente dirigió Four Rooms (1995) con otros cineastas y colaboró como productor en varios proyectos. En 1997 presentó Jackie Brown y, tras seis años de silencio, volvió a ponerse detrás de la cámara en 2002 para rodar Kill Bill.

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más reconocidos

Carrera cinematográfica El talento cinematográfico de Tarantino, inspirado por un eclecticismo cinéfilo que bebe de fuentes diversas (desde John Woo, Martin Scorsese o Sam Fuller hasta Howard Hawks, Phil Karlson, Sergio Leone o la Nouvelle Vague) y singularizado por una sugestiva estructura temporal, un destacado dominio del espa-

cio cinematográfico y un amplio conocimiento de la cultura pop apreciable en sus sagaces textos, se consolidó dos años después con el triunfo de “Pulp Fiction” (1994),

Dirección Quentin Tarantino Producción Lawrence Bender Guión Quentin Tarantino Género Thriller Fotografía Andrzej Sekula

Reservoir Dogs Fue el estreno de Quentin Tarantino como director, y contó con Harvey Keitel, Tim Roth, Chris Penn, Steve Buscemi, Lawrence Tierney y Michael Madsen como actores principales

Montaje Sally Menke País Estados Unidos Año 1992

ORSON

Actor, director, guionista y productor de cine estadounidense

Welles

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CONSIDERADO UNO DE LOS ARTISTAS MÁS VERSÁTILES DEL SIGLO XX EN EL CAMPO DEL TEATRO, LA RADIO Y EL CINE Biografía Pionero y genio del cine, maestro y profundo renovador de los recursos estéticos y narrativos del lenguaje cinematográfico, figura influyente por su estilosa e imaginativa estética, mezcla de influencias expresionistas con su gusto por la barroca elaboración visual. Welles fundó junto a Houseman el Mercury Theatre, consiguiendo el éxito con sus representaciones radiofónicas y teatrales, entre ellas otras adaptaciones shakesperianas como “Macbeth” y “Julio César”.

El suceso que cambió su vida profesional ocurrió en el año 1938. Con actores de su compañía, Orson representó la obra de H. G. Wells “La Guerra De Los Mundos” en una versión radiofónica tan realista que provocó una gran conmoción y pánico entre sus oyentes, quienes, después de escuchar la presunta invasión de New Jersey por los alienígenas, salieron corriendo atemorizados a las calles pensando que el ataque extraterrestre era cierto. En 1946, bajo la sospecha de ser comunista, su carrera en Hollywood se estancó y se vio obligado a trasladarse a Europa, donde trabajó como actor para financiar sus producciones. Este suceso fue muy común a lo largo del periodo conocido como Macarthismo durante el cual numerosos personajes de la vida pública fueron acusados de pertenecer a este corriente ideológico y, con ello, ser enemigos de los Estados Unidos. Comenzó a interiorizarse de la técnica y del lenguaje del cine, contribuyendo además con un estilo visual propio, inédito para la época, como el uso del “documental” dentro de la propia historia.

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Admirador de la obra de William Shakespeare desde su infancia, antes de desembarcar en Hollywood

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Recorrido cinematográfico

u versión radiofónica del original literario de H. G. Wells La guerra de los mundos (1938) fue hasta tal punto realista que sembró el pánico entre miles de oyentes, convencidos de que realmente se estaba produciendo una invasión de extraterrestres. Avalado por este éxito, firmó con la productora RKO un contrato que le otorgaba total libertad creativa, circunstancia que aprovechó hasta el límite en su primer filme, Ciudadano Kane (1941). Considerada como una de las obras más significativas de la historia del cine, esta especie de biografía imaginaria del magnate de la prensa William Randolph Hearst, protagonizada por

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el propio Welles -coautor también del guión, que escribió en colaboración con Herman J. Mankiewicz-, fue capital a la hora de sentar las bases del moderno lenguaje narrativo cinematográfico. Sin embargo, el propio Hearst aprovechó los resortes de su poder para criticar duramente la película, que no consiguió el éxito esperado en Estados Unidos, mientras que hasta después de la Segunda Guerra Mundial no se estrenaría en Europa, donde enseguida se convirtió en una cinta de culto minoritaria.

En 1975 recibió del American Film Institute el reconocimiento al conjunto de su carrera artística

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Su segundo filme, El cuarto mandamiento (1942), el único de los que dirigió en que no apareció como actor, sufrió considerables recortes de la productora, final feliz incluido, antes de su estreno. El fracaso económico de estas dos películas indujeron a RKO a rescindir el contrato y en adelante Welles se vio obligado a trabajar con graves penurias presupuestarias, lo cual no le impidió filmar otro título considerado clave, La dama de Sanghai (1947), un thriller protagonizado por Rita Hayworth, entonces su esposa.

Tras rodar la primera de sus versiones de obras shakespearianas, Macbeth (1945), se exilió en Europa, cansado de las presiones de las productoras y temeroso del Comité de Actividades Antiamericanas. En el Viejo Continente regresó a Shakespeare con su versión de Otelo (1952), filme cuyo caótico rodaje se prolongó durante tres años y que, pese a haber sido galardonado con la Palma de Oro del Festival de Cannes, representó un nuevo fracaso comercial. Gracias a la insistencia del actor Charlton Heston, protagonista y productor de la película, Welles pudo regresar a Hollywood para dirigir Sed de mal (1958), majestuoso thriller en blanco y negro en el que destaca el plano-secuencia que abre el filme, el más largo de la historia del cine.

Films

Top 20 Mejores Directores de cine

más reconocidos

The Stranger

The Magnificent Ambersons

Se caracteriza por contenidos violentos que facilitan una crítica social en psiquiatría y el pandillerismo juvenil.

Fue la segunda película de Welles, tras Ciudadano Kane, y en esta película volvía a dirigir y a escribir el guion, aunque esta vez no interpretaba ningún papel.

Dirección Orson Welles

Producción S. P. Eagle

Producción Orson Welles

Guión Anthony Veiller

Guión Orson Welles

Música Bronislaw Kaper

Música Bernard Herrmann

Fotografía Russell Metty

Fotografía Stanley Cortez

Montaje Ernest Nims

Montaje Robert Wise

País Estados Unidos

Año 1946

Año 1942

Duración 92 minutos

Duración Versión actual, 88 minutos

Idioma Inglés

WOODY Director, guionista, actor, mĂşsico, dramaturgo, humorista y escritor estadounidense

Allen

8 34

Top 20 Mejores Directores de cine

LOGRÓ EL ÉXITO CON SUS APARICIONES TELEVISIVAS, SUS DISCOS DE HUMOR Y SUS ACTUACIONES EN EL GREENWICH VILLAGE

Biografía

an amante de las peripecias humorísticas de los Hermanos Marx o Bob Hope como de las películas de Federico Fellini o Ingmar Bergman, Woody Allen ha creado sarcasmo sobre pautas de comportamiento de su país, retratado con ironía los avatares sentimentales e intelectuales de la clase burguesa neoyorquina, homenajeado al mundo del espectáculo y diatribado desde una perspectiva de autor sobre sus cuestiones predilectas: el sexo, Dios, el amor, el judaísmo y la muerte, ya sea a través de la farsa, la comedia agridulce o el drama existencial. Trabajó en el programa de televisión “Your Show Of Shows”, escribiendo guiones para gente como Carl Reiner, Art Carney o Sid Caesar.

Poco amigo de los libros académicos y no demasiado sociable, Allen pasó como pudo sus estudios primarios y secundarios. Más que por el estudio Allen se decantaba por el visionado de películas, la lectura de libros y cómics, la música y el deporte. A comienzos de la década de los 60 decidió lanzarse como cómico en solitario, logrando el éxito con sus apariciones televisivas, sus discos de humor y sus actuaciones en el Greenwich Village. Esta creciente fama en el mundo del entretenimiento le llevó al mundo del cine. 35

comienzos de la década de los 60 decidió lanzarse como cómico en solitario, logrando el éxito con sus apariciones televisivas, sus discos de humor y sus actuaciones en el Greenwich Village. En el año 1965 escribió el guión y apareció en un papel secundario en la película “Qué Tal, Pussycat?” (1965), divertida farsa dirigida por Clive Donner y protagonizada por Peter Sellers, Romy Schneider y Peter O’Toole. Un año después debutó como director en “Lily La Tigresa (What’s up Tiger Lily?)” (1966), aunque este título es sencillamente una adaptación en inglés de una mala película japonesa con nuevos diálogos escritos por Allen y puestos en boca de los intérpretes nipones. No es nada del otro mundo y su resultado no satisfizo a Woody, que quiso suprimir su nombre de los títulos de crédito.

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Su ritmo de producción siempre ha sido elevado, ofreciendo a sus múltiples seguidores películas con mucha regularidad

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En 1966 escribió la obra teatral “Don’t Drink The Water”, que se estrenó con éxito en Broadway y ese mismo año se casó con Louise Lasser, actriz que apareció junto a Allen en varias de sus películas iniciales. Se divorciaron en 1969. Como actor Woody también participó en “La Tapadera” (1976), film dirigido por Martin Ritt. En 1967 Woody intervino en la parodia de James Bond “Casino Royale” (1967) junto a David Niven, Peter Sellers, Ursula Andress y Orson Welles. SSu primera película como director, al margen de “Lily La Tigresa”, es “Toma El Dinero y Corre” (1969), una gran comedia rodada con un estilo documental que el mismo Allen protagonizó junto a Janet Margolin.

Las películas que dirigió en la primera mitad de su carrera, la satírica “Bananas” (1971), la episódica “Todo Lo Que Siempre Quiso Saber Sobre El Sexo y No Se Atrevió a Preguntar” (1972), “El Dormilón” (1973), burlesco film en el que contaba la historia de un hibernado en los años 70 que despierta doscientos años después, o “La Última Noche De Boris Grushenko” (1975) estupendo film ambientado en la Rusia del Siglo XIX que juega con varias señas de identidad cultural de ese país, conformaron un inicio como autor en el que rebotaban las temáticas antes citadas de sexo, muerte y Dios,en un contexto lleno de slapstick y divertidos diálogos con predilección por la comedia absurda y anárquica estilo hermanos Marx y parte de Bob Hope. En esa época también protagonizó la película “Sueños De Seductor” (1972), una película basada en la obra teatral del propio Allen “Play It Again, Sam” que dirigió para el cine Herbert Ross.

Films

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más reconocidos

“ Es uno de los directores más respetados, influyentes y prolíficos de la era moderna”

Lily La Tigresa

Bananas

Se desarrollan gags y chistes a montones durante toda la película, basados en su mayoría en estereotipos asiáticos

La película se desarrolla a modo de sátira política siguiendo una historia que hace bastante alusión a la Revolución Cubana (o alguna que otra sucedida en América Latina)

Dirección Woody Allen

Producción Henry Saperstein

Producción Axel Anderson

El guión fue encargado a Allen, quien se reunió con un grupo de amigos en Nueva York y crearon un nuevo guión en pocas semanas

La película introduce distintos sketchs cómicos que marcan el humor de la época, además, el nombre del filme responde a un chiste de doble sentido que mezcla los países bananeros con la frase to go bananas (volverse loco)

CLINT

Actor, director, productor, guionista, mĂşsico y compositor estadounidense

Eastwood

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UNO DE LOS ACTORES Y DIRECTORES MÁS DESTACADOS DE LA SEGUNDA MITAD DEL SIGLO XX Biografía Tras lograr el estrellato en los años 60 en Europa gracias a su colaboración con el director italiano Sergio Leone, Clint Eastwood desarrolló una impecable carrera en Hollywood con una sobria pero penetrante capacidad interpretativa y un gran talento como autor cinematográfico. El adolescente Eastwood sintió atracción por la música, especialmente por el jazz y el blues, consiguiendo aprender y tocar el piano en diferentes clubes de la localidad californiana de Los Angeles.

Según un comunicado de prensa de la cadena de televisión CBS sobre la serie Rawhide, los Universal Studios estaban rodando en Fort Ord cuando un asistente conoció a Eastwood y le ayudó a conseguir un encuentro con el director de la serie.24 Según su biografía oficial, un hombre llamado Chuck Hill consiguió colar a Eastwood en los estudios Universal en Hollywood para que lo conociera el camarógrafo Irving Glassberg.24 Éste le facilitó realizar una audición con el director Arthur Lubin, quien a

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pesar de quedar impresionado con su 1,93 m de estatura,25 cuestionó en un principio sus habilidades actorales26 y le recomendó asistir a clases de interpretación. Lubin le consiguió su primer contrato en abril de 1954, por el que recibiría 100 dólares a la semana.26 Una vez contratado, Eastwood recibió críticas por su rigidez, su estrabismo y por pronunciar sus diálogos entre dientes, características todas estas que han sido seña de identidad del actor durante toda su carrera cinematográfica Desde 1967 Eastwood posee su propia productora de cine, Malpaso Productions, que ha producido la mayor parte de sus películas.

Eastwood fue galardonado con los premios Óscar a mejor director y mejor película

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Films

más reconocidos

En 1956 logró debutar en el cine al aprovechar una oportunidad que le brindó la Universal. Entre sus primeras películas (muchas de ellas sin acreditar su intervención) figuran títulos como “Francis in the navy” (1955) de Arthur Lubin, “Lady Godiva” (1955), también de Lubin, “Tarántula” (1955) de Jack Arnold o “The first traveling saleslady” (1956), otra comedia de Arthur Lubin, el director con quien más trabajó Eastwood en estas primeras y breves apariciones en Hollywood. Además de dirigir muchas de las películas que le han convertido en una estrella del cine, Eastwood ha dirigido otros filmes en los que él no actúa, como Mystic River (2003) y Cartas desde Iwo Jima (2006), por las que fue nominado a los Óscar, y Changeling (El intercambio, 2008).

Carrera cinematográfica En el año 1959 y gracias a la televisión, Clint Eastwood alcanzó la popularidad con el personaje de Rowdy Yates, protagonista de “Rawhide”, una serie del Oeste en la que participaron directores como Charles Marquis Warren, Jack Arnold, Stuart Rosenberg, Tay Garnett, George Sherman, Laszlo Benedek o Andrew V. McLaglen. La serie permaneció durante siete años en la pequeña pantalla.

Su primer título conjunto fue “Por un puñado de dólares” (1964), al que siguieron “La muerte tenía un precio” (1965) y “El bueno, el feo y el malo” (1966), tres excelentes películas que convirtieron a Clint en uno de los actores más populares de la época. Dirección Clint Eastwood Producción Clint Eastwood Guión Jason Dean Hall Género Acción Fotografía Tom Stern Montaje Joel Cox

American Sniper Basada en la autobiografía del marine Chris Kyle. Se habla sobre la historia de su vida, además de tener una gran pasión por ser un “cowboy” de Texas

País Estados Unidos Año 2014 Duración 132 minutos Idioma Inglés

Top 20 Mejores Directores de cine La imagen de duro y solitario que Eastwood ofreció desde sus tiempos con Leone y Siegel se fue ensanchando en los 70 y 80 con títulos como “Joe Kidd” (1972) de John Sturges, “Un botín de 500.000 dólares” (1974) de Michael Cimino, “El aventurero de medianoche” (1982) de Eastwood, “Firefox, el arma definitiva” (1982) de Eastwood, “Ciudad muy caliente” (1984) de Richard Benjamin, “En la cuerda floja” (1984) de Richard Tuggle, “El jinete pálido” (1985) o “El sargento de hierro”, Su respetada filmografía como director conoció elogios gracias a películas como “Cazador blanco, corazón negro” (1990) y sobre todo, dos obras de primera entidad, “Bird” (1988), film sobre el músico de jazz Charlie

Million Dollar Baby

El largometraje fue galardonado con más de cuarenta premios nacionales e internacionales. Recibió cuatro premios Óscar. Dirección Clint Eastwood Producción Clint Eastwood Guión Paul Haggis Música Clint Eastwood Fotografía Tom Stern Montaje Joel Cox País Estados Unidos Año 2004 Duración 132 minutos Idioma Inglés

Parker, y “Sin perdón” (1992), película crepuscular del Oeste por el que ganó el Oscar al mejor director y a la mejor película además de ser nominado como mejor actor. Además de sus facetas como actor y realizador, Clint Eastwood fundó en el año 1968 una productora cinematográfica propia a la que llamó Malpaso Productions, compone discos de jazz, posee diferentes empresas deportivas y hosteleras, entre ellas un complejo turístico de lujo con campo de golf en la localidad de Monterey County, y ocupó el cargo de alcalde entre 1986 y 1988 de la población californiana en la que reside habitualmente, Carmel.

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Clint Eastwood ha participado en más de cincuenta películas durante toda su carrera, ya sea como actor, director, productor o compositor

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En “Banderas de nuestros padres” (2006) y “Cartas desde Iwo Jima” (2006) ofrecía dos versiones desde diferentes perspectivas de la batalla de la Segunda Guerra Mundial que aconteció en la isla de Iwo Jima. Clint Eastwood ha participado en más de cincuenta películas durante toda su carrera, ya sea como actor, director, productor o compositor. Eastwood ha contribuido también poniendo música a varias de sus películas, ya sea como intérprete, escritor o compositor. Las películas en las que ha actuado han sido generalmente de género dramático, de acción o westerns. Según la página web que tiene los datos de recaudación de las películas, Box Office Mojo, los filmes protagonizados por Clint Eastwood han recaudado más de 1710 millones de dólares solo en los Estados Unidos, es decir, una media de más de 37 millones por película.

FRANCIS Ford

Guionista, productor y director de cine estadounidense

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Top 20 Mejores Directores de cine

FUERA DE LAS LUCES DEL SÉPTIMO ARTE SE DESEMPEÑA COMO VITICULTOR, HOTELERO Y PUBLICISTA Biografía Es considerado uno de los más grandes directores de la segunda mitad del siglo XX y uno de los más grandes de todos los tiempos, siendo El padrino recurrentemente elegida en encuestas como una de las mejores películas de la historia, y Apocalypse Now una de las más grandes películas de culto en el sistema de producción de Hollywood. Desde sus inicios Coppola desarrolló de igual forma su carrera como productor, destacando los dos primeros filmes de su amigo George Lucas, THX-1138 y American Graffiti, y otras como Kagemusha, Kinsey o Sleepy Hollow.

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Colaboró con Roger Corman en varias películas de terror

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Fuera de las luces del séptimo arte se desempeña como viticultor, hotelero y publicista. Es padre del director de películas y videos musicales Roman Coppola y de la actriz, directora, productora y guionista ganadora del Óscar Sofia Coppola, así como tío del actor Nicholas Kim Coppola, conocido como Nicolas Cage, hermano de la actriz Talia Shire y abuelo de la directora Gia Coppola. A principios de la década de los sesenta empezó a hacer películas, aunque lo primero que hizo son nudies (películas eróticas) de bajo presupuesto, pero esto no le importó. En este período completó los filmes Tonight for Sure y The Bellboy and the Playgirls, mediometrajes con desnudos y en los que demostró escaso interés.

En 1969 recibió un Oscar por su trabajo como guionista de Patton. Galardonado con tres Oscar, el filme arrasó en taquilla y aún hoy día es un auténtico símbolo de lo mejor que dio de sí el cine en la década de los 70. Realizada por un Coppola que contaba tan sólo 33 años de edad, la adaptación de la novela de Mario Puzo es un deslumbrante retorno al género de gángsters de una intensidad narrativa excepcional, testimonio de una gran madurez creativa del director.

Films

más reconocidos

Dementia 13

El padrino

Es una película de terror estadounidense de 1963. Fue el primer trabajo de Francis Ford Coppola como director.

Está basada en la novela del mismo nombre, de Mario Puzo, quien adaptó el guion junto a Coppola y Robert Towne, este último sin ser acreditado.

Dirección Francis Ford

Producción Roger Corman

Producción Albert S. Ruddy

Guión Francis Ford

Guión Mario Puzo

Música Ronald Stein

Música Nino Rota

Fotografía Charles Hanawalt

Fotografía Gordon Willis

Género Terror

Montaje Williams Reynolds

País Estados Unidos

Año 1963

Año 1972

Duración 75 minutos

Duración 175 minutos

Idioma Inglés

Top 20 Mejores Directores de cine En 1969 recibió un Oscar por su trabajo como guionista de Patton. Ello motivó que la Paramount le encargara el guión y la dirección de El padrino (1972). Galardonado con tres Oscar, el filme arrasó en taquilla y aún hoy día es un auténtico símbolo de lo mejor que dio de sí el cine en la década de los 70. Realizada por un Coppola, la adaptación de la novela de Mario Puzo es un deslumbrante retorno al género de gángsters de una intensidad narrativa excepcional.

Otros proyectos potenciales Coppola supo desarrollar durante 176 minutos de perfección técnica el éxito de la familia mafiosa de origen italiano de los Corleone frente a sus competidoras, y el fracaso de todos los intentos de evitar la guerra de familias por parte de don Vito Corleone (Marlon Brando), superado por la lógica de venganzas y contravenganzas y por la aparición de las drogas en el mundo del tráfico ilegal. Michael (Al Pacino), su hijo y sucesor, al que pretendía mantener alejado de los asuntos sucios de la familia y permitirle una carrera respetable, asume finalmente su papel dentro de la estructura férrea y ritualizada de la Mafia, palabra que no se menciona en toda la película. Tras la eliminación física de todos sus competidores, el triunfo corresponde a la familia, pero, ante todo, a la lógica de la Mafia, una ley que llega a parecer natural e irresistible al espectador, atrapado él también en los lazos de la familia y la venganza, superiores al poder casi sagrado del padrino.

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Del filme destaca sobre todo el equilibrio dramático que supo imprimir Coppola a la epopeya, donde la violencia está siempre presente, y, sin embargo, no se explota de forma gratuita ni efectista. La composición de los personajes que realizan Brando y Al Pacino es otro de los atractivos fundamentales del filme, de donde extrae gran parte de su credibilidad. A este mismo objetivo responden una ambientación y una decoración detalladísimas. Crónica ajena a todo juicio moral explícito, El padrino reproduce a la perfección la opresión y la contundencia implacable de la lógica mafiosa, que termina siempre por reproducirse a sí misma. Él adquirió los medios económicos y el prestigio necesarios para desarrollar y producir sus propios filmes

Sus primeros trabajos como director, recibieron una tibia respuesta del público y la crítica

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OLIVER Stone

Director de cine y guionista estadounidense

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Top 20 Mejores Directores de cine

HA GANADO TRES ÓSCAR Y CINCO GLOBOS DE ORO POR SUS TRABAJOS

Biografía William Oliver Stone nació en Nueva York. Su padre era un agente de bolsa judío y su madre, francesa y católica; él más adelante se convertiría al budismo. Estudió en las universidades de Yale y de Nueva York. Participó como soldado en la guerra de Vietnam, en la que fue herido dos veces, obteniendo la condecoración del Corazón Púrpura. Este hecho marcó su vida y es protagonista de algunos de sus mejores trabajos. Su producción cinematográfica se inspira en hechos reales. Sus primeros contactos con la industria del cine (sin contar los trabajos de guion y/o dirección en películas menos conocidas) fueron como guionista de gran éxito. Suyos son los guiones de El expreso de medianoche, de Alan Parker (1978), de Conan el Bárbaro, de John Milius (1982), y de Scarface, el precio del poder, de Brian De Palma.

El paso al primer plano de la actualidad cinematográfica se produce con la dirección de Platoon en 1986, con la que obtendrá el Óscar a la mejor dirección. En 1987 realizó Wall Street, una de sus mejores películas, y en la que narraba las peripecias de un tiburón de las finanzas, bien interpretado por Michael Douglas, que ganó un Óscar por este papel. Tras una breve pausa con la menos ambiciosa Talk Radio, Stone regresó con su segunda película sobre Vietnam, que sería muy diferente en enfoque y objetivos respecto a Platoon.

Vida cinematográfica El primer largometraje de su filmografía fue el título de terror “ ” (1974). Posteriormente ganaría un Oscar por el guión de “El expreso de medianoche” (1978), una película dirigida por Alan Parker que adaptaba un libro de Billy Hayes y William Hoffer. En 1977 Stone contrajo matrimonio con Majwa Sarkis, de quien se divorció seis años después. En 1981 Oliver se casaría con la asistente de dirección Elizabeth Burkit Cox. Ambos tendrían dos hijos en común llamados Sean y Michael. Stone retornó al horror para realizar su segundo largometraje, “La Mano” (1981), un título basado en una novela de Mark Brandel que estaba protagonizado por Michael Caine.

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El film resultó fallido y el autor neoyorquino retomó su labor como guionista, escribiendo junto a John Milius “Conan el bárbaro” (1982), adaptación de Robert E. Howard, “El precio del poder” (1983), remake del “Scarface” de Howard Hawks, y “Manhattan Sur” (1985), film de Michael Cimino protagonizado por Mickey Rourke que estaba basado en una novela de Robert Daley. Cinco años después de “La Mano”, Stone lo intentó de nuevo como director con “Salvador” (1986), su primer film de contenido político.

John Woods recibiría una nominación al premio Oscar, al igual que Oliver Stone, que fue candidato al mejor guión original junto al propio Boyle. Esta película fue la primera en la cual Stone coincidiría con su habitual director de fotografía, Robert Richardson. El mismo año del estreno de “Salvador” Oliver Stone escribió el guión de “8 millones de maneras de morir” (1986), un film de Hal Ashby que adaptaba a Lawrence Block, y rodó una de sus mejores películas, “Platoon” (1986), título antibélico ambientado en la guerra del Vietnam. “Platoon” resultó ser todo un éxito, ganando cuatro premios Oscar, entre ellos los galardones a la mejor película y al mejor director. Stone también sería premio en los Globos de Oro y en el Festival de Berlín.

Sus primeros contactos con la industria del cine fueron como guionista de gran éxito

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Después de “Platoon” el prestigio del controvertido director y guionista neoyorquino subió como la espuma, especialmente tras triunfar al año siguiente con “Wall Street” (1987), drama que contaba, al igual que en “Platoon”, con el protagonismo de Charlie Sheen. Michael Douglas, el co-protagonista de la película, se llevaría el Oscar y el Globo de Oro al mejor actor del año. Curiosamente, Daryl Hannah ganaría el Razzie a la peor intérprete femenina.

Films

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más reconocidos

Platoon

JFK: caso abierto

Oliver Stone participó en la guerra de Vietnam, y tras su regreso comenzó a escribir el guion para Platoon, quizás para contrastar

Se examinan los eventos que llevaron al asesinato del presidente John F. Kennedy y el presunto subsecuente encubrimiento, a través de los ojos del ex-fiscal de distrito de Nueva Orleans Jim Garrison

Dirección Oliver Stone

Producción Arnold Kopelson

Producción Oliver Stone

Guión Oliver Stone

Música Georges Delerue

Música John Williams

Fotografía Robert Richardson

Montaje Claire Simpson

Montaje Joe Hutshing

País Estados Unidos

Año 1986

Año 1991

Duración 120 minutos

Duración 189 minutos

Idioma Inglés

SERGIO Leone

Guionista, productor y director de cine italiano

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Top 20 Mejores Directores de cine

ES UNO DE LOS DIRECTORES MÁS FAMOSOS DE LA HISTORIA DEL CINE, Y ES SOBRE TODO CONOCIDO POR SUS SPAGHETTI WESTERN

Biografía Director de cine italiano, responsable de la moda de los spaghetti western durante los años 60. Empezó su carrera como ayudante de directores como Comenicini, Soldati y Camerini, y de directores estadounidenses que rodaban en Italia. Tuvo una destacada participación en Sodoma y Gomorra (1961), de Aldrich, filme en el que dirigió los exteriores. Debutó como realizador en 1961 y, varios años más tarde, inició, con Por un puñado de dólares, una serie de westerns violentos y algo brutales, pero rodados con estilo, que le dieron una gran popularidad y batieron récords de taquilla. Esta película, caracterizada por su elegante estilo y la abundancia de primeros planos, imprimió un gran impulso a la entonces estancada carrera de Clint Eastwood, caracterizado como “El hombre sin nombre”. Hasta tal punto influyó el estilo de Leone en este actor que, cuando le concedieron el Oscar por Sin perdón (1992), en parte se lo dedicó al director italiano. mejoró la fórmula en las dos secuelas que formaron, junto con la anterior, una trilogía. Respaldado por un cuantioso presupuesto de la Paramount, rodó Hasta que llegó su hora (1968), una película épica y coral que muchos consideran su obra maestra, aunque fue un fracaso de taquilla. 51

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Renovó por completo el western y desarrolló una estética y un estilo inconfundible que se puso de moda

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eone encontró el camino cuando acudió a una sala de cine a ver Yojimbo, de Akira Kurosawa, con Toshiro Mifune como samurái que presta sus servicios a dos grupos de delincuentes distintos, para conseguir que se enfrenten entre ellos. Leone pensó que si Hollywood había reconvertido un film de Kurosawa, Los siete samuráis, en el western Los siete magníficos, él podría realizar una maniobra similar con este otro título, y rodar en España, que ofrecía facilidades y técnicos formados en las películas de Samuel Bronston. Él mismo escribió el guión con Duccio Tessari, trasladando la acción a San Miguel, un pueblo de la frontera de Estados Unidos con México. Se olvidó del pequeño ‘problemilla’ de adquirir los derechos del original...

Después de que Henry Fonda y Charles Bronson rechazaran interpretar al protagonista, Leone vio un episodio de la serie Látigo, protagonizada un tal Clint Eastwood que le fascinó por su mirada vacía, que le hacía parecer imperturbable ante lo que ocurría a su alrededor. Eastwood no estaba teniendo mucho éxito y aceptó el trabajo por un puñado muy reducido de billetes, 15 mil dólares. Pensaba que la cinta no tendría ninguna repercusión en su carrera, pues las producciones europeas no se estrenan en Estados Unidos, pero se lo tomó como unas vacaciones pagadas en la soleada España. El rodaje de Por un puñado de dólares, en Hoyo de Manzanares y Almería, no fue del todo idílico, pues hubo problemas económicos y Eastwood apenas podía hablar con Leone, que seguía sin saber nada de inglés, salvo cuando se prestaba a ejercer de traductor el coordinador de especialistas. También hubo alguna alegría, sobre todo cuando la productora le

anunció a Leone que tenía en nómina a un joven compositor al que convenía entrevistar para ver si podía encargarse de la banda sonora. Aunque quería a otro músico, Leone aceptó encontrarse con el tal Ennio Morricone, al que pensaba que no había visto en su vida. Pero Morricone sí parecía conocerle a él. A finales de los 80, Leone puso en marcha la preproducción de Leningrad: The 900 Days, una ambiciosa reconstrucción del asedio de Leningrado, a través de la historia de un periodista americano (iba a ser Robert De Niro), que se enamoraba de una soviética durante la invasión nazi. Pero el cineasta estaba enfermo, y los médicos le habían diagnosticado problemas del corazón. A finales del 88, le visitó su viejo compañero Clint Eastwood. Antes de que iniciara el rodaje previsto, Sergio Leone sufrió un infarto que dio al traste con su vida, el 30 de abril de 1989, en su casa de Roma.

Films

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más reconocidos

“Reformó el western clásico americano, con su ritmo dinámico, estética sucia y sus elementos humorísticos”

¡Agáchate, maldito!

Érase una vez en América

Perteneciente al subgénero del spaghetti western, protagonizada por los conocidos actores James Coburn y Rod Steiger

Por su duración, se llegó a presentar en las pantallas de cine en dos partes, y la obra grabada se encuentra también en dos partes, aunque en el rodaje no hay intención de intermedio

Dirección Sergio Leone

Producción Fulvio Morsella

Producción Arnon Milchan

Fue la penúltima película dirigida por Sergio Leone, ambientada en el México revolucionario de principios del siglo XX

Es una coproducción cinematográfica italo-estadounidense de 1984, dirigida por Sergio Leone, protagonizada por Robert De Niro y James Woods. Es un film sobre la amistad, la traición, el amor, los sueños, las ilusiones, y la muerte

JOHN

Actor, director y productor cinematogrรกfico estadounidense

Ford

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Top 20 Mejores Directores de cine

PARTICIPÓ EN CASI TODAS LAS FACETAS DEL ARTE CINEMATOGRÁFICO ANTES DE DEDICARSE A LA DIRECCIÓN Biografía Con una carrera profesional de más de 50 años, en la que participó en casi todas las facetas del arte cinematográfico antes de dedicarse a la dirección, Ford dirigió más de 140 películas, muchas de ellas de cine mudo, y está ampliamente considerado uno de los cineastas más importantes e influyentes de su generación, siendo muy respetado por otros colegas de su profesión como Ingmar Bergman y Orson Welles quienes lo consideraban como uno de los grandes directores de cine de todos los tiempos. Fue también marino y militar. Participó en la Segunda Guerra Mundial como oficial de

los servicios cinematográficos de la Armada de los Estados Unidos y fue herido en combate durante la Batalla de Midway. Tras el final de la guerra continuó siendo reservista, colaboró en la realización de documentales durantes la Guerra de Corea y la de Vietnam y alcanzó el grado de contraalmirante. Afortunadamente para Ford, las películas del Oeste no gozaban de mucho prestigio entonces y los directores de los estudios Universal eran reacios a dirigirlas.

Con la irrupción del sonoro, el cine de Ford experimentó una evolución no ya en lo temático, donde siguió abordando con gran hondura psicológica temas como la forma de vida propiamente estadounidense (en películas corales como la trilogía protagonizada por Will Rogers) o el comportamiento del individuo frente a acontecimientos que lo desbordan (entre los que cabe encuadrar títulos como La patrulla perdida o La diligencia, de 1934 y 1935 respectivamente), sino en lo visual y narrativo, terreno en el que se hizo patente la influencia del expresionismo alemán .

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Está ampliamente considerado uno de los cineastas más importantes e influyentes de su generación” 55

Films

más reconocidos

Afortunadamente para Ford, las películas del Oeste no gozaban de mucho prestigio entonces y los directores de los estudios Universal eran reacios a dirigirlas. Eso provocó un vacío que su hermano Francis aprovechó recomendándole al estudio. Ford rodaría un total de 37 films para Universal en cinco años.9 De allí nació una relación profesional y de amistad entre John Ford y el actor Harry Carey, quienes rodarían juntos un total de veinticinco películas mudas de apresurada realización y creciente rentabilidad.10 Carey fue la respuesta de Universal a actores como Tom Mix o Broncho Billy y, de la mano de Ford, compuso un héroe alejado de los arquetipos tradicionales. Su personaje habitual recibió el nombre de Cheyenne Harry aunque no era muy diferente cuando recibía otros nombres.

Carrera cinematográfica El actor fue la segunda influencia en importancia en el cine de Ford tras su hermano Francis. El éxito en taquilla de Carey permitió subir poco a poco el salario de Ford. Parece que las películas tenían una excelente fotografía y unos escenarios exteriores que resaltaban la trama violenta. Sólo se conservan Straight Shooting (A prueba de balas, 1917) y Hell Bent (El cowboy vengador o El barranco del diablo, 1918).

En enero de 1920, Ford rueda The Prince of Avenue A, reseñable por ser su primera película ajena al western. En ese mismo año, su hermano Francis abandona definitivamente la dirección y se centra en el trabajo como actor.

Dirección John Ford Producción John Ford y Cliff Reid Guión Dudley Nichols Género Drama Fotografía Joseph H. August Montaje George Hively

El delator Es una historia ciruclar, un relato oscuro que intercambia los papeles de los personajes con cada soplo de niebla en Dublínm y su protagonista Gypo Nolanm

País Estados Unidos Año 1935 Duración 91 minutos Idioma Inglés

Top 20 Mejores Directores de cine En 1924, Ford rueda su mayor producción hasta la fecha, el western de tonos épicos The Iron Horse (El caballo de hierro). La película no estaba concebida inicialmente como una superproducción, pero la Fox no reparó en gastos conforme avanzaba el rodaje, desarrollado durante el primer trimestre del año. El film narra en tono de epopeya la construcción del ferrocarril Transcontinental por las compañías Union Pacific y Central Pacific entre los años 1863 y 1869, trama acompañada de una relación sentimental entre los protagonistas, encarnados por George O’Brien y Madge Bellamy. El rodaje se desarrolló en difíciles condiciones, pues el numeroso equipo no fue a Neva-

¡Qué verde era mi valle! La película narra las vivencias y los problemas de una familia de mineros galeses durante el siglo XIX. Dirección John Ford Producción Darryl F. Zanuck Guión Philip Dunne Música Alfred Newman Fotografía Arthur C. Miller Montaje James B. Clark País Estados Unidos Año 1941 Duración 118 minutos Idioma Inglés

da preparado para el duro clima propio de la estación. Hubo que improvisar alojamientos adecuados para el numeroso equipo. La productora hizo un importante esfuerzo económico encaminado a potenciar el tono épico. Hubo que construir dos ciudades enteras para las tomas generales. Dado que uno de los ejecutivos de la Fox se había encaprichado de la actriz protagonista, se añadieron posteriormente escenas rodadas sin el concurso de Ford para realzar su papel. Quizá El caballo de hierro no sea la mejor película de la época silente de Ford,13 pero el director demostró saber hacer frente a las adversidades y dirigir a un numeroso equipo en condiciones difíciles.

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Ford dirigió más de 140 películas, muchas de ellas de cine mudo y participó en casi todas las facetas del arte cinematográfico antes de dedicarse a la dirección

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El resultado fue un éxito de taquilla que permitió que la compañía recuperase con creces su elevada inversión. Ello reforzó la posición de Ford en Fox y en la industria de Hollywood, en general. El tono grandioso del film es compensado con cierta ironía, en la que colaboran, como no, los personajes de tres viejos borrachines irlandeses (tipo que se hará habitual en posteriores películas de Ford). El éxito de El caballo de hierro garantizó a Ford la continuidad como director, realizando a continuación películas de diversa temática con las que experimentó géneros distintos al western. Tras la desaparecida Hearts of Oak, melodrama de ambiente marítimo, Ford rodó Ligtnin’ (Don Pancho), amable comedia sin pretensiones aunque excesivamente larga, cuya acción se desarrolla en el peculiar Hotel Calivada, situado justo sobre el límite fronterizo entre los Estados de California y Nevada.

BILLY

Wilder

Director de cine y productor estadounidense

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SE DESTACÓ POR SU BRILLANTE DIRECCIÓN DE ACTORES, SU FINA IRONÍA Y LA CALIDAD DE SUS GUIONES Biografía Conocido principalmente por sus ácidas y corrosivas comedias, también mostró su genialidad en todos los géneros que abordó, desde el cine negro, hasta el drama social, pasando por el suspense o la sátira hollywoodiense. Maestro en la narración fílmica, en la construcción de tramas y situaciones, en la escritura de chispeantes e ingeniosos diálogos y en establecer una mirada cáustica al mundo que le rodeaba, Wilder permanece como uno de los personajes más talentosos que ha conocido la historia del cine.

Sería en Alemania y en el año 1929 cuando Billy Wilder comenzó a coquetear con el mundo del cine al escribir una buena cantidad de guiones para películas germanas, como “Der Teufelsreporter” (1929) o “Emil und die detektive” (1931). En esta primera etapa coincidió con personajes posteriormente importantes en el cine de Hollywood como Robert Siodmak, Fred Zinnemann o Edgar G. Ulmer. La subida al poder del totalitarismo hitleriano en Alemania obligaría a Wilder, debido a su procedencia judía, a huir del país y asentarse en Francia, lugar en

donde continuó trabajando como guionista y en donde dirigiría su primera película titulada “Curvas peligrosas” (1934). Tras una breve estancia en el país galo, Wilder decidió dar el salto a los Estados Unidos, acompañado por otro exiliado germano, el actor Peter Lorre, con quien compartió apartamento californiano. La primera ocasión en la que escribió directamente un texto para un film americano fue para el musical “Music in the air” (1934).

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Su talento como director y guionista fue reconocido por sus colegas de profesión a lo largo de su carrera

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Aunque lo había aprendido todo sobre la comedia trabajando con Lubitsch, cultivó también otros géneros, como el cine bélico o el drama. Antes de dedicarse de lleno a la comedia y ser considerado el digno heredero y sucesor de Lubitsch, Wilder dirigió cintas bélicas, como Cinco tumbas a El Cairo (1943), o policíacas como Perdición (1944), considerada la primera película del cine negro y cuyo argumento serviría de guía para multitud de filmes posteriores.

Otros proyectos potenciales Con la colaboración de Charles Brackett y del también guionista D. M. Marshman Jr., Billy Wilder elaboró esta ácida mirada a la cara más trágica de Hollywood. Para interpretar a Norma Desmond se pensó en Mary Pickford, Mae West y Pola Negri, pero fue finalmente Gloria Swanson quien aceptó el papel, que supuso su regreso a la gran pantalla después de nueve años de retiro. En una de las escenas más conmovedoras del filme, la Desmond obliga a Gillis a contemplar el filme La reina Kelly (1928), dirigido por Von Stroheim y protagonizado por una Swanson en su máximo esplendor. Considerada de forma unánime la mejor película realizada sobre el mundo del cine, El crepúsculo de los dioses tuvo sin embargo que conformarse con los Oscar al mejor guión, al mejor decorado en blanco y negro y a la mejor banda sonora en filme dramático. Realizaron breves apariciones los cineastas Buster Keaton y Cecil B. De Mille.

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Cuando rompió su colaboración con Brackett, el amargo cinismo de Wilder se hizo cada vez más evidente. A medida que avanzaba su carrera, Billy Wilder fue decantándose por la comedia hasta perfilar lo que se conocería como el estilo Wilder, mezcla de la sutileza heredada de Lubitsch y la mirada ácida con que Wilder contempla la vida. En la base de todas sus comedias se encuentra una dura crítica al sistema, a ese modo de vida americano conocido como american way of life, al que ataca por medio de una fina ironía no exenta de sarcasmo. En la creación de esta forma de hacer comedia tuvo mucho que ver su habitual colaboración con el guionista I. A. Diamond, quien compartía con él una visión crítica de la sociedad.

Cultivó también otros géneros, como el cine bélico o el drama

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Films

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más reconocidos

“Como guionista, Wilder escribió 60 películas. Como director, realizó 26 películas”

El Apartamento

Días sin huella

Ganó cinco Oscar: al mejor director, al mejor montaje, a la mejor película, a la mejor dirección de arte y al mejor guion original.

Basada en una novela de Charles R. Jackson, es uno de los alegatos cinematográficos más notables contra el alcoholismo. Pertenece a la etapa negra de Wilder.

Dirección Billy Wilder

Producción Billy Wilder

Producción Charles Brackett

Guión Billy Wilder

Guión Charles Brackett

Música Adolph Deutsch

Música Miklós Rózsa

En 1954 rodó Sabrina, con Audrey Hepburn y un Humphrey Bogart mostrando su vena cómica. Al año siguiente dirige una comedia ligera, La tentación vive arriba, en la que que aprovechó todo el encanto de una Marilyn Monroe en la cumbre de su carrera. En 1957 dio un nuevo giro en su filmografía para internarse de nuevo en el cine de suspense, creando una obra maestra de final imprevisible, Testigo de cargo, apoyado en

las magníficas interpretaciones de Marlene Dietrich y Charles Laughton. Dos años más tarde llegaría al cenit de su carrera con la irrepetible Con faldas y a lo loco. Obra fundamental, la película marca el nacimiento de la nueva comedia estadounidense, inscrita en la tradición de Frank Capra, pero dotada de una notable acidez crítica. Protagonizada por los actores estadounidenses Jack Lemmon, Tony Curtis y Marilyn Monroe, se estructura en cuatro grandes bloques, apoyados por un diálogo chispeante. El mayor mérito del versátil Wilder fue su reelaboración la comedia estadounidense tradicional de Capra partiendo de la herencia de Lubitsch

MARTIN

Scorsese Director, guionista, actor y productor estadounidense

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FUE UNO DE LOS FUNDADORES DE WORLD CINEMA FOUNDATION. CONDECORADO CON LA LEGIÓN DE HONOR FRANCESA EN 1987 Biografía

Las obras de Scorsese abordan principalmente los temas de la vida italo-estadounidense y los conceptos de culpa y redención de la Iglesia católica, así como la corrupción y la violencia endémica en la sociedad estadounidense. Le gusta mucho la música, mundo al que ha dedicado alguna de sus películas (No Direction Home sobre Bob Dylan y Shine a Light, sobre los Rolling Stones). Es ampliamente considerado como uno de los directores más influyentes de su generación.

anó un premio MFA por su obra como director de cine otorgado por la prestigiosa Escuela de Cine de la Universidad de Nueva York. Tras múltiples nominaciones a lo largo de su carrera, ganó finalmente el Óscar al mejor director por su película Los infiltrados, la cual también ganó el Óscar a la mejor película en la 79.ª edición de los Premios de la Academia celebrados en 2007. El Óscar le fue entregado por Francis Ford Coppola, George Lucas y Steven Spielberg, quienes son buenos amigos suyos. A su vez, el 17 de enero del año 2010 se le otorgó el premio honorífico Cecil B. DeMille en la entrega de los Globos de Oro por su “sobresaliente contribución al campo del entretenimiento” Scorsese es presidente de The Film Foundation, una fundación sin fines de lucro dedicada a la preservación del material fílmico en deterioro.

Recorrido cinematográfico Lo primero que se vio en 1990 dirigido por él fue el alabado corto documental Made in Milan, en torno a la figura de Giorgio Armani. Pero ese año Scorsese dirigiría su primera película sobre la mafia desde Mean Streets. Con Goodfellas Scorsese regresa al aprendizaje acumulado en Little Italy, para contarnos la historia verídica del exgángster Henry Hill, interpretado por el entonces emergente Ray Liotta. En tono elegíaco, crispado y cínico, narra tres décadas en la vida de un trío de gángsters (Liotta, un recuperado Joe Pesci y De Niro) que trabajan para una familia siciliana asentada sobre todo en los alrededores del aeropuerto de

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Nueva Jersey. Considerada por muchos analistas como una de las películas más importantes sobre la mafia que se han hecho, Goodfellas propone una irónica versión del sueño americano, pervirtiéndolo a través de los ojos de Hill. La película obtuvo un sinfín de alabanzas, y era la favorita para los premios Óscar, largamente codiciados por Scorsese dada su cinefilia, pero perdió en favor de Dances with Wolves de Kevin Costner (Bailando con lobos), aunque Pesci se alzó con la estatuilla a mejor actor en papel de reparto.

Las obras de Scorsese abordan principalmente los temas de la vida italo-estadounidense y los conceptos de culpa y redención de la Iglesia católica

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Scorsese prosiguió su carrera haciendo un remake de una película clásica que protagonizó Robert Mitchum en 1962: Cape Fear, (El cabo del terror, El cabo del miedo), contó con De Niro como Max Caddy, Nick Nolte como Sam Bowden, Jessica Lange como su mujer y una debutante Juliette Lewis como la hija de ellos. Resultó el mayor éxito económico de su director hasta la fecha, hasta el estreno de The Departed.

En 1993, Scorsese regresaría a un cine mucho más personal y arriesgado, con la adaptación de Edith Warthon, en uno de sus textos más célebres: The Age of Innocence (La edad de la inocencia). Con Daniel Day-Lewis, Michelle Pfeiffer y Winona Ryder, muchos se sorprendieron de ver a Scorsese en un proyecto a lo Visconti, no sabiendo quizá lo mucho que admira él al director italiano. La película goza de una gran consideración crítica, y se mantiene hoy como un discurso más de su director dentro de la ciudad de Nueva York. En 1995, rodó una nueva historia de gángsters, con un dúo conocido (De Niro y Pesci), y la sorprendente aportación de una fenomenal Sharon Stone, Casino, sobre los casinos controlados por la mafia en los años 70 y 80 en la ciudad de Las Vegas.

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Hugo

Goodfellas

Está basada en el libro La invención de Hugo Cabret, que narra la historia de un chico que vive solo en una estación de tren de París.

Está basada en el libro no ficticio Wiseguy de Nicholas Pileggi, quien también coescribió el guion para la película con Scorsese.

Dirección Martin Scorsese

Producción Tim Headington

Producción Irwin Winkler

Guión John Logan

Guión Nicholas Pileggi

Música Howard Shore

Música Varios

Fotografía Robert Richardson

Fotografía Michael Ballhaus

Montaje Thelma Schoonmaker

País Estados Unidos

Año 2011

Año 1990

Duración 128 minutos

Duración Versión actual, 88 minutos

Idioma Inglés

CHARLES Actor, humorista, compositor, productor, director y escritor britรกnico

Chaplin

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LA FÓRMULA DE CHAPLIN AL MOMENTO DE FILMAR CONSISTÍA EN GESTOS EXAGERADOS Y OTROS MÉTODOS DE COMEDIA FÍSICA Biografía Adquirió popularidad gracias a su personaje Charlot en múltiples películas del período mudo. A partir de entonces, es considerado un símbolo del humorismo y el cine mudo. Para el final de la Primera Guerra Mundial, era uno de los hombres más reconocidos de la cinematografía mundial. El cómico más popular del cine y uno de los artistas más geniales e importantes de toda la historia del séptimo arte, creador de un personaje mítico.

En la Keystone se produjo la revelación de Chaplin como cómico, mientras que Sydney, que tenia más éxito que Charlie en la etapa con Karno, vio disminuida su categoría artística a pesar de interpretar papeles protagonistas en varias películas, convirtiéndose en el representante de su hermano. En 1914 debutó en el cine. Durante sus primeros años en Hollywood, Chaplin intervino en muchos cortos en los que manifestaba la influencia de uno de sus ídolos y principal referente humorístico, Max Linder. El porte elegante de Linder pronto fue modificado por el actor británico por el famoso personaje de Charlot, desarrapado vagabundo de pequeño bigote con bastón y bombín. Una de las máximas innovaciones de Chaplin en el mundo del cine cómico fue que humanizó los personajes y enfatizó el mundo de las emociones dentro del slasptick y los gags frenéticos de la gente que triunfaba en Keystone, entre ellos los famosos Keystone Cops.

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Debutó con cinco años en las actuaciones de sus progenitores y estuvo durante largo tiempo girando por Gran Bretaña con su espectáculo

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En 1914 debutó en el cine. Durante sus primeros años en Hollywood, Chaplin intervino en muchos cortos en los que manifestaba la influencia de uno de sus ídolos y principal referente humorístico, Max Linder. El porte elegante de Linder pronto fue modificado por el actor británico por el famoso personaje de Charlot, desarrapado vagabundo de pequeño bigote con bastón y bombín.

Otros proyectos potenciales En 1915 Charles Chaplin, ya convertido en una estrella, firmó por Essanay, en donde dirigió, escribió y protagonizó uno de sus mejores películas de esta primera época, “The Tramp/ Charlot vagabundo” (1915). En 1916 pasó a la Mutual en donde protagonizó cortos como “Charlot tramoyista de cine” (1916), “The rink” (1917) o “Easy street” (1917).

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En 1918 firmó un contrato multimillonario con la First National, alcanzando un gran éxito con su primer largometraje, “El Chico” (1921).

Charlie debutó con cinco años en las actuaciones de sus progenitores y estuvo durante largo tiempo girando por Gran Bretaña con su espectáculo

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En 1919 Charles Chaplin había creado junto a otras estrellas de la época, como Mary Pickford, Douglas Fairbanks y David W. Griffith, una compañía independiente denominada United Artists. El primer trabajo de Charlie distribuido por la United Artists fue “Una mujer de París” (1923) en donde Chaplin no aparecía (se le vio en un pequeño cameo) como actor. El film estaba protagonizado por Edna Purviance y Adolphe Menjou. Una de las máximas innovaciones de Chaplin en el mundo del cine cómico fue que humanizó los personajes y enfatizó el mundo de las emociones dentro del slasptick y los gags frenéticos de la gente que triunfaba en Keystone, entre ellos los famosos Keystone Cops. En los años 20 Charles Chaplin produjo una de sus grandes obras maestras, “La quimera del oro” (1925) y dirigió otros títulos como la subestimada y magnífica película “El Circo” (1928). Esta década no fue muy prolífica debido a los escándalos sexuales que le montaban al pobre Charlie, un seductor (Edna Purviance, May Collins, Peggy Hopkins o Pola Negri entre muchas pasaron por su cama) muy aficionado a las jovencitas.

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“Adquirió popularidad gracias a su personaje Charlot en múltiples películas del período mudo”

Reservoir Dogs Historia de un atraco a mano armada en la que el robo tiene lugar fuera de la pantalla. Dirección Quentin Tarantino Producción Lawrence Bender Guión Quentin Tarantino Música Karyn Rachtman Fotografía Andrzej Sekula Montaje Sally Menke País Estados Unidos Año 1992 Duración 99 minutos Idioma Inglés

CHRISTOPHER Director de cine, guionista y productor inglĂŠs

Nolan

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EN SUS PELÍCULAS SE TRATAN CON FRECUENCIA TEMAS DE LA PSICOLOGÍA, COMO LA MEMORIA EN MEMENTO O LOS SUEÑOS EN INCEPTION

Biografía Director de cine, guionista y productor de nacionalidad inglesa, nominado en tres ocasiones al Óscar. En sus películas se tratan con frecuencia temas de la psicología, como la memoria en Memento o los sueños en Inception. Ya desde sus inicios fue reconocido por su trabajo en su primer largometraje Following. Nolan saltó a la fama con su segundo largometraje Memento, basado en un relato corto escrito por su propio hermano, Jonathan Nolan, que luego adaptarían juntos a un guion convencional para rodar la película y por el cual fueron candidatos al Óscar en la categoría de mejor guion original.

La primera experiencia de Nolan como director fue en la cinta Following1 de 1998, en la cual se describe a un escritor obsesionado con el seguimiento a otras personas, destaca el hecho de hacer este film durante varios fines de semana mientras aún cursaba sus estudios universitarios y el hecho de que muchos de sus compañeros hagan apariciones en la película. Acto seguido, vendría la aclamada Memento del año 2000, una cinta en la cual Nolan experimenta con el hilo narrador de la historia. 71

Films

más reconocidos

Como los buenos trucos de magia, sus películas tienen tres elementos importantes, la presentación –visualmente son rompedoras–, el truco en sí que vendría a ser una buena historia que contar y ese gran momento climático que deja poso en el espectador. Gracias a su estilo neonoir, sus impactantes planos, la riqueza psicológica de sus personajes, y otros elementos de su cine, Christopher Nolan se ha consagrado como uno de los grandes realizadores del cine actual. Sin ninguna película mala hasta la fecha, va creciendo como artista. Su especialidad son los personajes atormentados y particulares. Basándose en un relato corto de Jonathan Nolan, su hermano menor, Christopher consiguió revelarse internacionalmente con “Memento” (2000).

Carrera cinematográfica Por este film, tanto Jonathan como Christopher Nolan recibieron una nominación a los premios Oscar. También lograron diversos galardones en múltiples festivales y certámenes cinematográficos de todo el mundo, entre ellos el Independent Spirit Award al mejor director y guionista, y el premio Waldo Salt al mejor guión en Sundance.

Y es que Christopher Nolan es un hombre familiar, estrechamente vinculado a los suyos. Es el caso de su hermano menor, Jonathan Nolan, que con uno de sus escritos le inspiró para rodar Memento, uno de los films más originales que se recuerdan por su estructura. La Dirección Christopher Nolan Producción Christopher Nolan Guión Jonathan Nolan Género Acción Fotografía Wally Pfister Montaje Lee Smith

The Dark Knight Basada en el personaje de DC Comics Batman, es la segunda parte de la franquicia de Batman de Christopher Nolan, siendo esta secuela de la exitosa película de 2005 Batman Begins

País Estados Unidos Reino Unido Año 2008 Duración 152 minutos Idioma Inglés

Top 20 Mejores Directores de cine historia de Leonard, amnésico en busca del hombre que violó y asesinó a su mujer, está narrada a través de secuencias ordenadas de atrás hacia delante. Según avanza la cinta, se descubren las causas de lo que se ha visto en lugar de las consecuencias. Entre las escenas principales se intercalan imágenes en blanco y negro ordenadas cronológicamente, que al final se unen con las otras. El film provoca el mismo desconcierto que sufre el protagonista, logrando una conexión con él que pocos consiguen. Guy Pearce se luce como personaje típicamente ‘nolaniano’, o sea un tipo tremendamente particular, obligado a tomar fotografías y tomar notas

Inception Logró tres premios BAFTA por el Mejor Diseño de Producción, Mejor Sonido y Mejores Efectos Especiales. Dirección Christopher Nolan Producción Christopher Nolan Guión Christopher Nolan Música Hans Zimmer Fotografía Wally Pfister Montaje Lee Smith País Estados Unidos Año 2010 Duración 148 minutos Idioma Inglés

para informarse a sí mismo de lo que va a olvidar, e incluso llega a tatuarse importantes pistas. Gustara más o menos, según el tipo de público, lo que es evidente es que Memento dio mucho que hablar, y colocó a Nolan en el cine de primera división. Los hermanos fueron candidatos al Oscar al guión original.Con un presupuesto ya de producción media, rueda el thriller Insomnio (2002), con primeras figuras: Al Pacino, Robin Williams y Hilary Swank. También tiene protagonista especial, Will Dormer (Pacino), un policía que mientras investiga un asesinato en el norte de Alaska.

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Se ha consagrado como uno de los grandes realizadores del cine actual. Su especialidad son los personajes atormentados y particulares

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Se lleva la palma la secuencia entre brumas en las que el personaje cree haber sitiado al asesino y le dispara, pero resulta ser su compañero. El éxito de este film le permitió sentarse con ejecutivos de Warner para negociar un proyecto que viene de su afición a los comics. En 1997, tras las malas críticas de Batman y Robin, que no había obtenido los resultados de taquilla esperados, la compañía había paralizado la saga del hombre murciélago. Pero Nolan, con ayuda del guionista David S. Goyer, les convenció de reiniciar la franquicia desde cero dándole un aire más adulto. El resultado fue Batman Begins, con una intensa interpretación de Christian Bale, que subrayaba el carácter angustiado del personaje, sediento de justicia por el trauma infantil de haber perdido a sus padres a manos de un delincuente.

GEORGE Lucas

Director, guionista y productor estadounidense

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Top 20 Mejores Directores de cine

GEORGE LUCAS ES LA CABEZA PRINCIPAL DE LA FUNDACIÓN PARA LA EDUCACIÓN QUE LLEVA SU NOMBRE Biografía es un cineasta estadounidense, creador de las sagas fílmicas de Star Wars e Indiana Jones, expresidente de Lucasfilm, LucasArts Entertainment Company, Lucas Digital Ltd, Lucas Licensing, LucasBooks y Lucas Learning Ltd. Fue considerado, dos años consecutivos, el número 4 de los más poderosos de la industria del entretenimiento, justo detrás de los dueños de Time Warner, Turner y Steven Spielberg. Gran amante del cómic (en especial, Flash Gordon), es coleccionista. En la Universidad de California dirigió y escribió una decena de cortometrajes, tanto documentales como de ficción, desde mediados de la década de los 60, entre ellos “Herbie” (1966), “The Emperor” (1967) o “THX 1138 4EB: The Electronic.

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Recibió una nominación al Oscar como mejor director y el film una candidatura a la estatuilla como mejor título del año

Esa película era “El Valle Del Arco Iris” (1967), un film protagonizado por Fred Astaire y dirigido por Francis Ford Coppola. Con este último Lucas hizo buenas migas desde su primer encuentro. Su amistad les llevó a crear la productora American Zoetrope y la proposición de Coppola para que ampliase el cortometraje de “THX 1138” (1971), título que se convirtió en el primer largometraje dirigido por George Lucas. El film estaba protagonizado por Robert Duvall y Donald Pleasence. En calidad de productor y guionista creó en los años 80 junto a otro Rey Midas de Hollywood, Steven Spielberg, otro personaje que pasó a los anales de la historia del cine: Indiana Jones.

El encargado de encarnar a este arqueólogo aventurero fue su amigo Harrison Ford. En esta década Lucas, además de divorciarse de Marcia en 1983 para mantener un romance con la cantante Linda Ronstadt, produjo títulos como “La Aventura De Los Ewoks” (1984), “Mishima” (1985), “Dentro Del Laberinto” (1986), “Howard… Un Nuevo Héroe” (1986), “Willow” (1988), “Tucker, El Hombre y Su Sueño” (1988) o el film de animación “En Busca Del Valle Encantado”.

Films

más reconocidos Dirección George Lucas Producción Francis Ford Guión George Lucas Fotografía Ron Eveslage Montaje Verna Fields País Estados Unidos

American Graffiti Ambientada en Modesto, California, trata sobre un grupo de adolescentes y sus vivencias la última noche del último verano de su juventud, en 1962.

Año 1973 Duración 110 minutos Idioma Inglés

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Indiana Jones y la última cruzada Es el tercer filme estrenado de la serie cinematográfica de Indiana Jones, siendo también el tercero en términos cronológicos de la franquicia. Dirección Steven Spielberg Producción George Lucas Guión Jeffrey Boam Fotografía Douglas Slocombe Montaje Michael Kahn País Estados Unidos Año 1989 Duración 127 minutos Idioma Inglés

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Evolucionó los cines con su sistema THX, que fue desarrollado para mantener los más altos estándares de calidad para la proyección de una película”

En 1971 fundó su propia compañía Lucasfilm Ltd en San Rafael, California. Su sistema de producción “Hago todo yo mismo” y lo original de sus temas tienen una gran repercusión; La guerra de las galaxias (Star Wars, 1977) con un presupuesto inicial de diez millones de dólares, fue un revulsivo para la FOX. La película consiguió diez Academy Awards. Guionista, productor de sus películas, dialoguista, colaboró en El imperio contraataca (I.Kershner, 1980), continuación de La guerra de las galaxias, y en El retorno del Jedi (Return of the Jedi, Richard Marquand, 1983), al tiempo que escribía y producía las películas de Steven Spielberg, En busca del arca perdida (1981) e Indiana Jones y el templo maldito (1984).

RIDLEY Scott Director y Productor britรกnico.

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HA SIDO NOMINADO EN TRES OCASIONES A LOS PREMIOS ÓSCAR A LA MEJOR DIRECCIÓN

Biografía Ridley Scott estudió Arte y Cinematografía en el West Hartlepool College of Art y en el Royal College of Art. La carrera de Scott como director se inició en la televisión. A comienzos de los años 60 trabajó para la BBC como diseñador artístico y realizador de series, entre ellas “Z Cars” y “The informer”. La primera faceta resultó esencial en su concepción como cineasta, recargando atmósferas y llegando a la paranoia con su obsesión estética.

En el cine comenzó a rodar cortos como “Boy and bicycle” (1965), protagonizado por su hermano Tony, antes de estrenar su primer largometraje, “Los Duelistas” (1977), film ambientado en la época napoleónica que está basado en una historia de Joseph Conrad. Cuenta con el protagonismo de Keith Carradine y Harvey Keitel. Esta película consiguió un premio en el Festival de Cannes al mejor director debutante. El Octavo Pasajero” (1978) logró un tremendo éxito de taquilla y proporcionó la fama a su protagonista femenina, Sigourney Weaver. 79

También ganó un Oscar a los mejores efectos visuales. Un año después de “Alien” y tras el divorcio de su primera esposa, Felicity Heywood, con quien se había casado en 1964, Ridley Scott contrajo matrimonio con Sandy Watson. El matrimonio duró diez años. Poco después Scott dio inicio a una relación sentimental con Giannina Facio. “Blade Runner” (1982), la adaptación, bastante diferente, de “¿Sueñan los androides con ovejas eléctricas?” de Philip K. Dick, confirmó al director y productor británico como uno de los principales talentos del momento.

Su carrera artística

u estilo eleva la importancia de la experiencia sensorial (visual, sonora, auditiva) en un filme. El cine de Scott utiliza a la iluminación, fotografía, creación de ambientes y sincronía con la música y el sonido como “actores” adicionales que contribuyen a la experiencia total del espectador. Esta característica puede ser percibida en los más de 2000 anuncios de televisión que Scott ha dirigido. Sus primeros filmes (especialmente Los duelistas, Alien, y Blade Runner) proporcionan al espectador una experiencia completa donde las escenas son recordadas no solamente por los actores que intervienen o por momentos específicos del guion, sino por el ambiente recreado en ellas. Se le consideró desde entonces como un visiona-

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rio del cine. Ridley Scott fue el primero en utilizar comercialmente la denominación “Director’s Cut” (‘montaje del director’) para una obra que el director reedita para el público y en la que se aprecian diferencias con la versión estrenada originalmente. También ha participado junto con su hermano Tony en la producción de la serie basada en el libro del mismo nombre Los pilares de la Tierra. Estudió en la Grangefield Grammar School y en el West Hartlepool College of Art estudios de pintura, decoración y diseño gráfico.

Nominado en tres ocasiones a los premios Óscar a la mejor dirección, fue nombrado caballero por la reina Isabel II en enero de 2003

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Formado en la televisión y rodando películas publicitarias. Con un gran talento como decorador y conocedor del trabajo de la cámara. Sus películas son realmente atractivas por su gran impacto visual. En 1968, Ridley y Tony Scott fundaron Ridley Scott Associates (RSA), compañía de cine y producción comercial. Trabajaron con profesionales como Alan Parker en la realización de muchos comerciales para RSA durante la década de 1970.

Films

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más reconocidos

“Algunas de sus películas son consideradas como auténticas obras de culto”

Gladiator

Thelma y Louise

Fue un éxito tanto por la crítica como del público y contribuyó al breve resurgir del cine épico histórico

La historia estuvo a punto de no ver la luz, ya que su guion suscitaba una importante desconfianza entre un buen número de productores y directores

Dirección Ridley Scott

Producción David Franzoni

Producción Mimi Polk Gitlin

Guión David Franzoni

Guión Callie Khouri

Música Hans Zimmer

Fotografía John Mathieson

Fotografía Adrian Biddle

Montaje Pietro Scalia

Montaje Thom Noble

País Estados Unidos

Año 2000

Año 1991

Duración 155 minutos

Duración 129 minutos

Idioma Inglés

TIM

Burton

Director, productor, escritor y dise単ador estadounidense

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TRABAJÓ COMO ANIMADOR, ARTISTA DEL GUIÓN GRÁFICO Y ARTISTA CONCEPTUAL EN PELÍCULAS Biografía Director, guionista y productor estadounidense, Timothy William Burton es uno de los autores más originales del Hollywood actual, creando un universo propio marcado por la mitomanía, el reciclaje cultural y una imaginación desbordante de notable impronta visual con personales historias, muchas de ellas con rasgos de humor negro y significadas por el protagonismo principal de caracteres inadaptados, antihéroes de fácil identificación con su autor. Siendo un niño ya realizaba cortometrajes en el patio trasero de su casa en la calle Evergreen utilizando técnicas de animación con películas de 8 mm sin sonido (una de ellas fue titulada la Isla del Doctor Agor, que hizo cuando tenía 13 años). Estudió en la Burbank High School, donde no destacó como buen estudiante; de carácter introspectivo se refugiaba en la pintura, el dibujo y en el cine. Sus trabajos futuros tuvieron una fuerte influencia de sus héroes de infancia tales como el Dr. Seuss y Roald Dahl. A los 18 años consigue una beca para entrar en el California Institute of the Arts en Santa Clarita, California, para estudiar animación de personajes.

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Desde su época de estudiante en su ciudad natal mostró un gran talento para el dibujo, lo que le llevó a matricularse en el California Institute of Arts, donde completó su formación artística. Presentó sus trabajos en los estudios Walt Disney, que serían su lugar de creación durante años. Formó parte del equipo de animadores de la compañía y participó, de ese modo, en la realización de largometrajes como Tod y Toby y Taron y el caldero mágico. Algún tiempo después el departamento de animación de Walt Disney Productions le ofreció realizar un aprendizaje de animador en el estudio.

La mayoría de sus películas se han caracterizado por la presencia de mundos imaginarios donde suelen estar presentes elementos góticos y oscuros 83

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Adoraba el cine fantástico, recordando como una de las primeras películas que vio de este género: Jason and the Argonauts, 1963

Además de recibir muy buenas críticas por las actuaciones de sus protagonistas, Michael Keaton y Jack Nicholson; la película ganó además el premio de la Academia a la Mejor Dirección de Arte. Realizó después Eduardo Manostijeras que co-escribió con Caroline Thompson y que protagonizó su amigo Johnny Depp; también la producción de Pesadilla Antes de Navidad, que dirigió Henry Selick y que fue acompañado por los dos cortos que la Disney no aprobó. En 1994, estrena Ed Wood, homenaje al denominado peor director de todos los tiempos. Realiza Sleepy Hollow, basada en un relato de Washington Irving sobre la leyenda del jinete

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Después de dirigir algunos episodios para el remake de la serie Alfred Hitchcock presenta y Faerie Tale Theatre, Recibió el encargo para dirigir Beetlejuice (1988), una comedia de terror. que fue protagonizada por Alec Baldwin y Geena Davis, y que recaudó 80 millones de dólares contando con un presupuesto relativamente bajo ganando además un premio Oscar por el maquillaje; aunque su gran triunfo por entonces fue Batman, sobre el cómic creado por Bob Kane en 1939 y que fue estrenada en 1989 con la mayor campaña de marketing y merchandising en la historia del cine convirtiéndose en uno de los mayores éxitos de taquilla de todos los tiempos al recaudar más de 250 millones de dólares sólo en los Estados Unidos y 400 más en el resto el mundo.

sin cabeza que en 1799 aterrorizó dicha localidad norteamericana. En El Planeta de los Simios representa un lugar brutal y primitivo en el que los simios tienen el poder y los humanos luchan por sobrevivir mientras son cazados y esclavizados. En el original de 1968, El planeta de los simios dio origen a cuatro secuelas, dos series de televisión y más de 100 millones de dólares en ventas de merchandising. Dirigió Big Fish en 2003, largometraje que recibió un total de cuatro nominaciones a los Globos de Oro. En 2005 Charlie y la fábrica de chocolate fue un éxito en taquilla que recaudó más de 207 millones de dólares tan solo en Estados Unidos. Con Corpse Bride fue candidato al Óscar a la mejor película de animación en 2006. En 2007 dirige Sweeney Todd, con la que obtuvo el Globo de Oro a la mejor película - Comedia o musical, que se estrenó el 9 de septiembre de 2009 en Estados Unidos, y posteriormente, realiza Alicia en el país de las maravillas, que se estrenó en 2010. En 2012 estrena Sombras Tenebrosas.

Aunque al trabajo de Burton todavía le faltaba cierta difusión, comenzó a atraer la atención de algunos sectores en la industria cinematográfica. En 1985, el actor y productor Griffin Dune, le invitó a dirigir su comedia denominada After Hours. Sin embargo, esto no fue posible debido a que el anterior responsable de dicha producción fílmica, Martin Scorsese, había decidido reconsiderar la idea de filmarla, anulando la posible intervención de Burton o cualquier otro cineasta en ésta. 84

Films

Top 20 Mejores Directores de cine

más reconocidos

“Steven rodó básicamente cortometrajes, episodios de series y telefilmes”

Vincent

Ed Wood

Un niño sueña con imitar a su ídolo del cine, el actor de terror clásico Vincent Price

La historia nos muestra a un joven Ed Wood con enormes problemas para encontrar financiación para sus películas

Dirección Tim Burton

Producción Rick Heinrichs

Producción Tim Burton

Guión Tim Burton

Guión Scott Alexander

Música Ken Hinton

Música Howard Shore

Los directores de cine son en parte gerentes, y en parte artistas. Ellos supervisan todo en un set de película y tiene que dar su visión artística a la vez. La importancia que se le ha dado al director en la histora del cine ha ido cambiando.Por ejemplo, en la época de oro de Hollywood, la persona más importante en la creación de una película era el productor, y de una película era el productor y el personaje más relevante era el actor o la actriz. El director era en la mayor parte de los casos, un técnico que dirigía cada día la filmación. En esta revista prentendo destacar los 20 Directores de Cine más importantes en el mundo, cómo han sido sus carreras en el mundo del Séptimo Arte, sus obras cinematográficas más reconocidas y algunos de los reconocimientos que han obtenido a través del tiempo. Bogotá, 09 de Abril de 2015

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Producción y Edición de Medios Impresos Cindy Katerine Martínez López Celular: 3124304612 Correo: cikamalo18@hotmail.com