IMAGINANZA

Rector Dr. Fernando Parra Ferro

Editor Juan Camilo Díaz B. imaginanza@unitec.edu.co Coeditora Nelly Acosta Comité Editorial Fernando Parra Ferro Olga Teresa Parra Juan Camilo Díaz B. Nelly Acosta Carlos Soto Gilberto Valderrama Fernando Marroquín Federico Rodríguez Diana Marcela Grosso Noguera Director de Arte Carlos Soto Coordinadora de Diseño y Diagramación Diana Marcela Grosso Noguera Taller de Diseño Digital Corporación Universitaria Unitec Diseñador Jeisson Rojas Vargas Ilustraciones Jeisson Rojas Vargas Paula Eliana Vergara Guevara Fotografía César Escobar Instructor de Fotografía Corporación Universitaria Unitec Corrección de Estilo Juan Camilo Díaz B. Preprensa e Impresión Artes Gráficas Unidas - AGU Revista Imaginanza ISSN: 1794 - 8878 Corporación Universitaria UNITEC www.unitec.edu.co Calle 76 No 12 - 58 Tel 212 93 21 - 217 69 36 Bogotá - Colombia 2008 Escuela de la Imagen: Diseño y Producción Gráfica Cine y Televisión Publicidad

U

na idea (del griego , ‘yo ví’) es una imagen que existe o se forma en la mente humana. Esa capacidad está asociada al raciocinio, la autorreflexión, la creatividad, la innovación y a la habilidad y capacidad de generar conocimiento.

Desde su creación, Imaginanza, idea que surgió de la necesidad de abrir nuevos espacios de discusión artística y cultural, se ha caracterizado por ofrecer nuevas formas visuales, temáticas y de producción intelectual a todos aquellos que sienten y viven el cine, el diseño, la publicidad, la comunicación y el arte en general, desde su experiencia y óptica.

Son ya tres años de trabajo ininterrumpido, esfuerzo realizado por la Escuela de la Imagen de la Corporación Universitaria Unitec, que han sido muy satisfactorios. Además de revolucionar el concepto visual de una revista, de dar a conocer nuevas formas y expresiones, Imaginanza, en poco tiempo, se convirtió en un referente de producción académica universitaria. Tanto así, que fue seleccionada y referenciada en el libro “Publicaciones periódicas de cine y video en Colombia 1908 – 2007” de la Fundación Patrimonio Fílmico Colombiano.

Seguimos con la idea de proyectar aun más Imaginanza. Es por eso que en esta séptima edición la dedicamos al diseño, desde sus perspectivas socioambientales, culturales y visuales; al oficio de ser actor, a la importancia de la palabra y a los esfuerzos universitarios por conformar un grupo sólido de trabajo en pro del desarrollo audiovisual colombiano, además del papel de la publicidad en las nuevas dinámicas sociales, entre otros destacados temas.

No nos detenemos ahí. Ya estamos trabajando en la octava edición.

Imaginanza tiene sus páginas abiertas. Los invitamos a hacer parte de esta idea. ¡Bienvenidos todos!

Juan Camilo Díaz B. Editor General Profesor Asistente del Programa de Cine y Televisión El Comité Editorial de IMAGINANZA lo invita a escribir en nuestra revista: imaginanza@unitec.edu.co

Donde mueren las ideas

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”Actitud, manejo del inglés y experiencia son fundamentales para vincular a un estudiante a McCann Erickson”: Samuel Estrada

12 ”La publicidad es una profesión fascinante”: Socorro Jaramillo

CONTENIDO

El actor como ser vivo en la escena

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El cine que hace vivir y soñar

28 El filtro 3D en llustrator CS3

Imagen tridimensional

La unión hace la fuerza: Alianza de centros de producción audivisual universitarios

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Imagen como expresión

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Imagen en movimiento

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Revista Imaginanza catalogada

34 La importancia de la palabra

36 Un laboratorio de Cine en Colombia ¿será demasiado tarde?

Imagen como escuela

Un árbol de peras sólo dará... peras

Los escritos publicados reflejan exclusivamente el pensamiento de sus autores y no necesariamente una posición institucional.

Queda prohibida la reproducción total o parcial del material publicado sin autorización de sus editores

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La estética en la creatividad desde la postura metodológica de la lúdica, dentro del aula de clases

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El diseño dentro del contexto socioambiental

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Imagen destacada

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Imagen como promoción

”Alerta amarilla”: un S.O.S en la publicidad exterior

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¿Quién eres?

Un Actor Si, pero ¿quién eres?

Eugenio Barba.

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P

orque un actor sin humildad, es un pez que al sentir la transparencia del agua goza de libertad, hasta que choca con los cristales.

¿Cómo lograr la libertad necesaria del actor en la escena para después introducir la técnica, el método o sistema, cuando al sistematizarlo podemos iniciar, paradójicamente, la muerte de lo vivo?

“He visto espectáculos que poseen textos admirables, montajes deslumbrantes y actores que “dicen” muy bien y que se cubren de algunos rasgos característicos del personaje y a partir de ahí ocurre el avance del espectáculo gracias al texto, siendo esto lo único realmente vivo sobre la escena, comentaba Raúl Serrano en su último libro “Nuevas tesis sobre Stanislavski”, y continuaba en su excelente discurso: “no encuentro sobre el escenario una verdadera relación dramática y dinámica entre los cuerpos de los actores, sólo se intercambian réplicas…; si se pudiera apagar el “audio” se verían apacibles y elegantes desplazamientos…”1 o acrobáticos-experimentales movimientos que dan una destreza física, una excelente preparación del cuerpo gimnástico, más no escénico.

“Ciertas puestas de vanguardias en sus afanes de “modernismo” e “interdisciplinariedad”, acertaba Serrano, llevan al cuerpo a situaciones dinámicas y de movimientos extremos, pero frías. El actor actúa como si se tratara de cosas para ser vistas, nada interior ni cambiante les ocurre. Todo lo expresivo

sucede en la dimensión plástica y coreográfica. Y siempre, en estos dos ejemplos extremos lo que falla es la Actuación, estar vivos en la escena. El actor, deberá enfrentarse a su corporalidad y sus límites y deberá hacerlo en las condiciones que le impone la escena: es decir, deberá partir sin estímulos reales y procurar que no queden huellas demasiado indelebles luego de la función. Adoptar un punto de vista interior al personaje, entablar relaciones dialógicas con el resto, actuar a partir de lo voluntario y movilizar todos los componentes no racionales de la conducta, raras veces se observa en la mayoría de las actuaciones contemporáneas”.2 Necesitamos una escena que viva desde la verdad y nos produzca un acercamiento a ella, no un alejamiento que nada dice, que nada siente y que nada aporta a los dolores y a las risas de hoy.

Si se quiere llegar a la verdad –porque cuando no se quiere llegar a ella hay miedo y miedo no es una condición propia de la estética del arte- , si se quiere rescatar la excelencia de la escena, que cada día se acerca más al facilismo, debemos hacer énfasis en el centro: EL ACTOR. Algunos directores en sus afanes de “hacer lo nuevo” a través de la expresión, olvidan la profundidad conflictual, conceptual y psicológica de la historia que es en definitivas la que vivirá el público para quienes trabajamos, quien debe recibir el producto terminado como un todo, en armonía.

Qué hacer con el ACTOR. Sucede que la mayoría de los “actores graduados” poseen escuelas, algunas coherentes y continúas, otros formados a base de talleres con diferentes maestros, sin embargo, de los miles que dicen llamarse “actores”, un pequeño número logra dar verdadera vida a un personaje. No sólo debemos dominar la técnica sino desarrollar una visión y personalidad propia, un poder creador que posibilite confrontarse en todos los momentos de la vida; lo que no representa dotar-

El actor como ser vivo MIGUEL GARCIA ORDAZ / Director de Teatro / Licenciado en Educación Artística / Especialista en Arte y Folclore y en Docencia Universitaria / Aspirante al grado de Doctor en Ciencias sobre Artes - Mención Teatro.

Una posible y audaz respuesta a estos fenómenos sería culpar al Director, y es muy posible, muchos directores tienen antecedentes formativos en biología o sociología, y aunque se le reconoce los esfuerzos por hacer un buen papel creativo, no poseen una base cognitiva poderosamente organizada, y esto lastra la perfección de una puesta en escena.

Pudiera justificar, por otro lado, que el actor pudo quedar en lo técnicamente aprendido sin saber, ya postgraduado, como trasmitir todo este mundo en el escenario, o que, a pesar de los años de estudios nunca pudo levantar barreras del inconsciente, o de la traicionera inhibición que resurge, del Yo infantil e insuficientemente autosuficiente, y del super YO cada vez más temible del entorno, por lo que siempre mantuvo tapadas las vía de acceso a la creación humana –aspecto manejado desde Freud hasta Grotowski- y, teniendo esto en cuenta, no existe ejercicio de concentración, relajación ni imaginación que cambie esta postura, si antes no hemos tratado lo relacionado con los elementos culturales acondicionados en el actor, para que éste inicie su propia asimilación respecto a lo vivido a tal punto que no interfiera en la escena.

Pudiera también justificar que el estudiante, participó en un proceso de enseñaza mecánico donde, incluso, no se le trabajó desde lo personal, sino como una globalidad o colectivo en pos de la propia puesta en escena. Pero todo esto son meras justificaciones, y de ellas estamos hartos.

Nada como tapar lo que es visible a los ojos, lo esencial.

Concluiría o me atrevería, y es que de cierta forma somos atrevidos, a decir

que en el fondo de todo y excavando con sinceridad, estas personas equivocaron la profesión porque sencillamente equivocaron sus vidas; pasión y razón juegan a quitarse terreno… vacíos personales aun no superados atentan en el presente y esto apunta a entorpecer los libres procesos de la actuación, incluyendo al más simple método que es el de una correcta observación, o la capacidad para trabajar en equipo como un niño cuando toma en sus manos el primer sonajero.

El verdadero actor con un pequeño empuje avanza, tan de prisa, que es capaz de adelantar al maestro. Un actor que necesite cientos de estímulos, acciones, circunstancias, objetivos, tareas escénicas, explicaciones y más explicaciones para llegar a un punto aproximado en su hacer, debe revisar primero los fenómenos socio culturales que impiden una vivencia, que imposibilitan trascender lo ficticio en real: su verdadero propósito o tarea en el medio escénico, para llegar a lograr ese punto exacto donde el público al final grita un también sincero ¡¡¡¡“Bravo”!!!. Hace mucho tiempo no escucho este sonido en muchas premieres, sólo aplausos de consolación –de amigos y familiares- seguidos de una también común frase de cajón que ronda nuestro hacer: “lo que importa es el esfuerzo”, pero es que el esfuerzo no es válido si no se concreta en una gran obra.

Corren tiempos en que todos quieren ser actores y a esto debemos agregarle el factor: belleza-economía-tiempoproducción inmediata. Urge entonces contar con actores dotados de un alto grado de observación, concentración, creencia, vivencia y organicidad, lo que contrasta a su vez con la poca experiencia de vida y escénica del joven actor. Es aquí donde apuntaría a correr un riesgo que he querido llamar, por así decirlo, trabajo sobre la liberación de la mente3 en pos del libre fluir del actor –cuerpo, voz, vida- en la escena en menos cantidad de tiempo. Me re-

en la escena

fiero a ahondar en la mente –psiquisdel individuo, explorar sus vacíos, inhibiciones, miedos, estima, creencias, contexto socio-cultural, historia, relación y posición con el entorno y con el universo, entre otras variables de un proceso que dura toda la vida porque cuando tapamos un hueco, en la otra esquina ya está surgiendo el otro.

La única absoluta verdad es el ACTOR EN ESCENA, en donde puede demostrar su orgasmo actoral, el ser ACTOR, venga de donde venga, conozca lo que conozca, y eso es una implacable verdad: ¡VIVIR!, lo demás es mentir y creerse o hacernos creer el cuento con todo tipo de palabrerías huecas y justificativas ante el impedimento de poder llegar al punto indescriptible que cuando se llega, todos –actor, director, público- gritamos ¡Eureka! en un armonioso coro de felicidad.

Estamos creando, desde el artificio actores que tienen miedo a reconocer su verdad, y en esta problemática existencial, involucran la verdad del personaje. Estamos cada día violando el arte, es una violación continua cargada de mentiras, de las propias mentiras que superviven con la máscara nuestra de cada día. Sólo la historia decidirá qué hacer con tanta mediocridad y hasta cuando estaremos obligados a ver y escuchar.

Serrano, Raúl, Nuevas Tesis sobre Stanislvaski, Fundamentos para una teoría pedagógica, Editorial M Artes Gráficas, Provincia de Buenos Aires, agosto, 2005.

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Idem, p.30

En proceso de tesis doctoral. Una investigación que aborda el trabajo multidisciplinar del juego teatral, la filosofía y la psicología, en pos de mermar los obstáculos acumulados en la mente del individuo, y la necesidad de deculturizarlo, para posibilitar reencontrar el ser VIVO en el actor. Es una hipótesis del autor, y basado en su experiencia, que trata de resolver algunos problemas de la actuación contemporánea partiendo del factor tiempo, espacio y práctica creativa de quienes pretenden ser actores.

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se de rebeldía y desafíos sin sentido, mucho menos creerse el play boy del arte escénico; y es aquí donde cuestiono ciertos procesos que endiosan a sus pupilos aumentando el ego hasta convertirlos en seres repulsivos.

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n este momento y como están las cosas, se podría decir que el recurso más importante para el futuro de la humanidad no es otro que sus ideas. ¿Por qué? Porque la mayoría de las estructuras sociales humanas (hasta la económica) se han basado y dependen de recursos finitos (oro, tierra, petróleo, etc.).

Fantástico! dirán algunos, Todos tenemos ideas! Pero no se percatan de la debilidad intrínseca de éstas. Y es que por grandes y buenas que parezcan cuando se generan dentro de nosotros, son irreconciliablemente frágiles cuando se exteriorizan queriendo que estas formen parte de la realidad de un entorno, de un quehacer o simplemente de un problema.

Si lo pensamos objetivamente, la mayoría de las ideas que concebimos simplemente mueren, ya sea en manos de un extraño o en las nuestras, conformándonos con expresiones como: “el cliente nunca aceptará eso”, “no se puede hacer” o “en este país no funciona algo como eso”.

Donde Mueren las Ideas Juan Camilo Bermúdez Roa / Programa de Publicidad / Corporación Universitaria Unitec

1. Primero la investigación En el ejercicio publicitario, constantemente nos vemos forzados a trabajar un concepto basándonos en un Brief bastante pobre. Esto efectivamente resulta en semanas perdidas con ideas desorientadas, que se hubiesen podido filtrar fácilmente con un proceso previo de investigación. Aplicable en todas las actividades, no solo en publicidad. Y como nadie aprecia el tiempo perdido, es mejor saber antes de actuar.

2. Lo que no te dicen pregúntalo Debemos conocer todas las limitantes del proyecto para el que estamos generando ideas. Por ejemplo: si un cliente detesta un color, debemos saberlo y evitarlo. ¿Cómo? Preguntándolo previamente. Pequeños detalles como este han acabado con una increíble cantidad de proyectos.

3. A las ideas no se les puede soltar el dobladillo Si la tripulación del Titanic, una vez visto el iceberg, hubiera detenido la

marcha en vez de intentar evadirlo, el navío no se hubiera hundido. Debemos saber cuándo detenernos.

Mi recomendación es: Si una idea/ concepto/diseño/etc. ha tenido que ser revisada más de tres veces y aún no funciona, debe ser descartada porque probablemente nunca ajustará.

4. El modelo de la “Única Gran Idea” está Out Las personas estamos muy acostumbradas a recibir permanentemente una inmensa cantidad de estímulos.

Por eso el impacto de una “Gran Idea”, no importa lo buena que esta sea, puede verse disminuido mientras no se complemente armónicamente con otras más pequeñas (detalles).

Una gran idea complementada, va a lograr inexorablemente un estímulo mayor reflejado en su facilidad para venderla

Sin embargo, aunque a esta altura del escrito muchos de mis lectores se habrán percatado de lo aparentemente obvio de los principios que he propuesto, y tal vez esto les inspire un análisis más profundo del tema, quiero proponer otro principio que relaciona el análisis racional con el ejercicio creativo: Todas las buenas ideas o conceptos parecen obvias solo después de haber sido trasladadas a la realidad. Un análisis nos puede decir por qué es o no una buena idea. Sin embargo, sería necio proponer una racionalización de la creatividad, pues es desde esta misma irracionalidad en donde en muchas ocasiones se generan las buenas ideas. Recomiendo entonces, darle a cada una el peso que le corresponde dentro del proceso creativo. Las ideas son reciclables, y lo que no funciona en la solución de un problema puede funcionar en la solución de otro.

5. Las ideas no se venden solas Siempre se necesita una persuasión efectiva para volver realidad un concepto. Aún la idea más brillante y creativa puede morir, si no cuenta con la racionalización y presentación que requiere para mostrarla interesante y ofrecer seguridad. Conceptualizar lo que se logró con la creatividad evita tener que depender del discernimiento del cliente o del público.

6. No hay mapas al éxito, solo guías No pretendo tomar el camino del ego y decir que lo que acá he escrito sea el mapa para el éxito en la generación de ideas. Tal cosa no existe. Mucho menos trataré de convencerles de que está completo. Solo ofrezco estos tips que bastante tiempo y frustración me han ahorrado en la universidad y en mi actividad profesional.

La actividad creativa, en cualquiera de sus formas, debe reconocer las oportunidades en cuanto a la construcción de procesos que reconozcan la generación de ideas constantemente. No obstante, asegurar que se pueden construir modelos para llegar a la consecución de estas, es arriesgado. El proceso creativo es inherente a la condición humana, y aunque necesariamente debe tener ese carácter objetivo que lo hace funcional y aplicable, también es necesario reconocer esa subjetividad que hace parte del individuo como ser creativo.

Lo que he propuesto en este artículo hace parte de mi proceso. De mi subjetividad.

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Por esto, cuando me invitaron a escribir para esta publicación, decidí que lo más acertado era construir un artículo dando pautas para generar ideas que perduren o que por lo menos sean más sencillas de “vender”. Aunque es un tema común al contexto de las disciplinas artísticas, por las mismas características de éstas, también lo es al público en general. Sin embargo, los principios que expondré a continuación están basados en mi perspectiva particular como estudiante destacado y profesional activo, tratando de relacionar lo comercial y lo académico en una óptica mucho más global. Es necesario tener en cuenta que los he descifrado de mi propia experiencia y que además me ha servido de marco para poder trasladar algunas ideas a la realidad.

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amuel Estrada, Vicepresidente Creativo de McCann-Erickson en Colombia, conversó con Luisa Fernanda Hernández Alvarado y Paola Camacho Murcia, estudiantes de sexto semestre de Publicidad de UNITEC sobre la importancia de la agencia y el desarrollo del trabajo publicitario.

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McCann-Erickson realmente se llama McCann World Group, grupo de empresas de comunicaciones. Es una agencia que cuenta con todos los servicios de publicidad: Universal McCann, central de medios; Momentum, eventos; M. R. M, mercadeo relacional; McCann Health Care, mercadeo medico; Publicomunicacion, para mercadeo medico; McCann Digital, una asociación corporativa de comunicaciones; Retail Solutions, empresa especializada en comunicación en punto de venta. Como podemos ver, cubre diferentes áreas, buscando la diversificación y la satisfacción total de sus clientes.

“Actitud,

“Actitud, manejo del inglés y experiencia son fundamentales para vincular a un estudiante son a McCann-Erickson”: Samuel Estrada

manejo del inglés y experiencia son fundamentales para vincular a un estudiante a McCann-Erickson”: Samuel Estrada “Actitud, manejo del inglés y experiencia fundamentales para vincular a un estudiante a McCann-Erickson”: Samuel Estrada

Luisa Fernanda Hernández Alvarado y Paola Camacho Murcia / Estudiantes de sexto semestre de Publicidad / Corporación Universitaria Unitec Imaginanza: ¿Cómo es el proceso del desarrollo del Brief?

Samuel Estrada: Desde que un cliente tiene una necesidad de comunicación, lo que hacemos es que nos reunimos para elaborar el brief; realmente tratamos que el brief sea elaborado entre la agencia, es decir el departamento creativo, de cuentas y de planeación estratégica, con el cliente, para que exista mucha más retroalimentación y mucha más información con que trabajar. Después de que se crea ese brief, el cliente lo lleva a todas sus aprobaciones y no lo manda, ese brief llega a acá a la parte de cuentas, se remite a planeación estratégica, hace una reunión con cuentas y creativos para definir la estrategia a seguir. Se trabaja para sacar lo que queremos hacer, de ahí en adelante planeación se va a contextualizar todo lo que nosotros pensamos que debemos hacer y a validarlo con investigaciones de Cali; cuando está validado pasan ese brief con la estrategia al área creativa y ahí empieza todo el proceso en donde simplemente nos sentamos a pensar ya en las ejecuciones y las aplicaciones de esa estrategia.

Tenemos una herramienta estratégica que se llama Demain chain o la cadena de demanda, que le aplicamos a todos los briefs para que después nosotros podamos generar una campaña o una actividad de comunicación como tal.

I: ¿Cuales son los principales clientes de McCann-Erickson?

SE: Bueno los principales clientes de McCann-Erickson son todos, porque aquí la idea es que todos los clientes se sientan bien atendidos y se les de la importancia que requieren, pero digamos para mencionar clientes bien grandes esta General Motors, Chevrolet, American Airlines, Exxon Móvil, Cafam, Alimentos Cárnicos, que es Americana Extrema; Nestlé, Nescafe, L’Oreal, Bimbo, Cereales de Nestlé, Monsanto, Noel, Banco de Occidente, seguramente deje muchos por fuera y me da pena pero esos son los que tengo mas en la cabeza. Yamaha, PCI, una constructora en Medellín, Occiautos, en este momento estamos en dos licitaciones por Sony y la ETB.

El año pasado ganamos 33 premios Nova y uno de esos fue el gran Nova en Televisión por el comercial de Luv Dimax-Granizada; también ganamos bastante por un comercial de Z-Bec, con una valla interactiva también ganamos y con una campaña institucional de Chevrolet. Esos han sido como los últimos reconocimientos importantes.

McCann-Erickson tiene 3 oficinas en Colombia, en Bogotá, Medellín y Cali, todas totalmente operacionales. Somos en total alrededor de 170 personas en todo Colombia.

I: ¿Con quien tiene alianzas?

SE: Con Indexcol, que es una empresa de marketing digital o de comunicación digital, internet; tenemos alianzas con empresas para las activaciones y las relaciones publicas.

I: ¿Cómo manejan las pasantías en McCann-Erickson?

SE: Tenemos un programa de prácticas, básicamente cada semestre se re-

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ciben hojas de vida de las universidades, se hace un filtro, unas pruebas, para ver quienes son los de cuentas, el área creativa o el área de plantación, quienes pueden hacer practica acá.

I: ¿Qué tienen en cuenta a la hora de recibir un pasante?

SE: Su disposición, si es bilingüe o no es bilingüe, los trabajos que ha hecho en la universidad, se le hace una entrevista, se le hacen unas pruebas psicotécnicas, se le hacen unas pruebas de capacidades, básicamente eso.

I: ¿Están recibiendo ahora?

SE: Ahora están full, porque estamos a mitad de semestre.

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I: ¿Como es el proceso de contratación en la agencia y que lo rige?

SE: Nosotros estamos certificados por el sistema de gestión de calidad, lo que avala la calidad de nuestros procesos. Recursos Humanos para eso es muy estricto en pruebas y entrevistas.

COPY: Descubre por qué lo extremo nos gusta.

Agencia: Mccan Erickson Bogotá Anunciante: Frigorífico Suizo Producto: Carnes Frías Americana Director General Creativo: Samuel Estrada Director Creativo: Samuel Estrada, Jimena Correa, Juan Jaramillo Redactor: Eduardo Ángel Director Arte: Eduardo Ángel, Andrés Bolívar Realizador: Michael Reyes (ilustrador) País: Colombia Categoría: Alimentos Fecha: 26-12-2007

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“La publicidad

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a colombiana Socorro Jaramillo recibió el galardón al Publicista Latinoamericano que otorga el Festival Mundial de Publicidad de Gramado, en Brasil. Este evento es el más grande e importante que se realiza en América Latina. El reconocimiento destaca los 27 años que Socorro ha dedicado a esa profesión.

Actualmente es la vicepresidenta ejecutiva de la empresa Toro Vázquez Mora Fisher, pero durante su exitosa carrera también se ha desempeñado como vicepresidenta ejecutiva de DDB, ha ocupado la dirección latinoamericana de nuevos negocios de Young & Rubicam, fue directora nacional de publicidad de Bavaria S. A. y además ha compartido sus conocimientos como docente y conferencista en diferentes universidades del país.

Socorro nos comparte algunos pensamientos relacionados con la actividad académica y el trabajo de un publicista, en una interesante entrevista realizada por Juan David Rojas y Juliana Casali, estudiantes de 5º Semestre de Publicidad de UNITEC.

IMAGINANZA: ¿Para ti que es una biblioteca?

SOCORRO JARAMILLO: Para mí es un sitio fantástico, es un lugar inspirador, lleno de imaginación, es un lugar lleno de silencio si se quiere silencio y es un lugar lleno de amigos si se quiere encontrar a través de sus páginas, alguien con quien conversar.

I: ¿Qué importancia tiene la investigación en tu trabajo y que medios utilizas?

SJ: Bueno la investigación es una herramienta muy importante en la toma de decisiones en mercadeo, yo perso-

es una profesión fascinante”: Socorro Jaramillo Juan David Rojas y Juliana Casali / Estudiantes de quinto semestre de Publicidad / Corporación Universitaria Unitec

Hoy en día estamos usando mucho investigación etnográfica, trabajando mucho con antropólogos, sociólogos y psicólogos pues me parece que este tipo de investigación etnográfica ayuda mucho a encontrar esos Insight y a leer un poquito el alma del consumidor.

Spanglish es entonces una combinación entre español e ingles y creo que los publicistas somos muy dados a hablar la mitad de los términos en ingles y la otra mitad en español, de hecho no por esnobismo como se cree, sino porque hay algunas palabras que realmente no tienen una traducción o en algunos casos son más inspiradoras en su idioma original.

I: ¿Un consejo para que tengamos en cuenta los estudiantes?

Me parece apasionante la investigación, pero no me gusta la gente que usa la investigación para no correr riesgos, simplemente para buscar un responsable de sus errores.

SJ: Yo creo que hay que tener mucha PASION por lo que se hace, se debe ser muy ETICO, muy responsable como comunicador y sobre todo hay que DIVERTIRSE.

La investigación hay que saber leerla, en algunos casos es necesario tomar algunas cosas con pinzas , leer entre lineas, saber analizarla. Definitivamente creo que un buen hombre de mercadeo no solo requiere trabajar con la investigación sino que se puede inspirar en ella.

Creo que esta profesión que ustedes están estudiando y que yo a pesar de tener tantos años continuo estudiando todos los días de mi vida, es una profesión fascinante y que nunca, nunca podemos dejar de pasarla rico y mi gran recomendación mas que consejo para las nuevas generaciones en las que creo muchísimo, es que estudien profundamente al Consumidor, que salgan a la calle, que se monten en un camión, que tengan en cuenta a la fuerza de ventas, que hablen con los tenderos, pues mirando atrás y analizando los errores que he cometido en mi vida profesional, concluiría que han tenido que ver tal vez con el consumidor , entonces entre más profundamente uno conozca al consumidor y a la Marca, más nivel de acierto va a tener en cualquier estrategia que escriba o en cualquier campaña que cree para una marca.

I: ¿Qué tan relevante es para ti el uso de la biblioteca en una investigación?

SJ: La biblioteca me parece muy interesante y muy relevante cuando quiero enterarme, aprender o investigar más sobre un tema, entonces digamos que suelo ir o pedir a alguien que vaya y busque algún documento o algún libro en una biblioteca, pero yo diría que es más para aprender y enriquecer el tema en que estamos trabajando.

En algunos casos usamos las bibliotecas simultaneamente mientras estamos haciendo una investigación.

I: ¿Qué libro nos aconsejarías?

I: ¿Si hablamos de idiomas que entiendes por spanglish?

SJ: Bueno por spanglish entiendo lo mismo que por BRUNCH que es una palabra que viene de BREAKFAST & LUNCH es decir es un desayuno almuerzo a partir de las 11 de la mañana y puede durar hasta las 3:00 o 4:00 de la tarde y a mi me encanta ese concepto.

SJ: Estoy leyendo un libro que me tiene encantada, se llama COMER, REZAR, AMAR, es de una mujer Escritora – Periodista de 32 años que se llama ELIZABET GILBERT, quien a raíz de su reciente divorcio decide emprender un viaje, así que primero va a ITALIA, segundo va a la INDIA y tercero a INDONESIA y como

su título lo dice, en Italia obviamente está la magia de la cocina, en la india el encuentro con DIOS a través de la meditación y de la oración, y me falta llegar a Indonesia que es seguramente donde de nuevo encontrará el AMOR. (Esto lo estoy inventando pues aún no he llegado al tercer capítulo). A propósito esto último es para mi definitivo, pues estoy metida con el tema del TOP OF HEART así que todo lo que tenga que ver con el CORAZON me parece trascendente y muy aplicable al mercadeo pues insisto en que hoy hay que ir más allá del TOP OF MIND y encontrar un vínculo entre la marca y el consumidor. Bueno como ven cada vez comparo más el mercadeo con la vida misma, entonces les recomiendo este libro, que me tiene tan atrapada que no veo no veo la hora de estar el fin de semana en una hamaca leyendo o pidiendo a gritos una noche de desvelo para esconderme en sus páginas y en las historias delirantes de esta gran autora.

Saludos para los estudiantes de Unitec: “Queridos publicistas de UNITEC: les mando un saludo muy especial, creo mucho en la gente jóven y en los estudiantes, los respeto mucho, me seduce la frescura de sus ideas, aprendo todos los días de personas como ustedes y estoy muy orgullosa a dar paso a su generación y que muy pronto sean ustedes los protagonistas de la PUBLICIDAD y el MERCADEO, pero nunca olviden que la nuestra es una profesión muy respetable, que requiere de mucha dedicación e imaginación, pero sobre todo de pasión y ética y espero que se diviertan tanto como me he divertido yo en estos casi 30 años de ejercicio profesional.”

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nalmente creo muchísimo en la investigación, la uso frecuentemente y dependiendo del tipo de trabajo que se esté haciendo, usamos investigación cuantitativa o cualitativa.

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ebido a la captación de un alto índice de contaminación visual en la capital del país, producto de la desordenada colocación de publicidad exterior visual, el gobierno distrital expidió el decreto 459 de 2006, en donde se establece que durante los próximos doce meses se declara el estado de prevención o “alerta amarilla”, queriendo decir con ésta medida que no se colocará más publicidad exterior visual en algunas zonas de Bogotá, además se desmontarán algunas vallas consideradas “piratas”, es decir sin ninguna autorización, y se buscará recuperar dinero producto del valor e impuesto de las mismas, creado por el Acuerdo No. 111 de 2003.

La Secretaria Distrital de Ambiente y el DAMA (Departamento Administrativo del Medio Ambiente) lideran la campaña en referencia. Para ahondar en el tema, algunos estudiantes de UNITEC, Facultad de Publicidad y Mercadeo, liderados por el profesor de Medios, iniciaron un estudio – taller sobre dicha situación. Para ello se tomó como muestra una de las zonas afectadas y se decidió por la carrera 15 entre calles 72 y 77, tanto el costado oriental como el occidental. Se determinó claramente que los objetivos específicos serían: • Analizar el impacto visual que tienen las vallas publicitarias sobre los usuarios que transitan por dicha vía.

• Examinar las bases legales correspondientes a la publicidad exterior en Bogotá.

• Evaluar si las vallas publicitarias existentes en dicho sitio causan Contaminación Visual.

“Alerta amarilla”: Un S.O.S.

CONCLUSIÓN:

En dicho sector se percibió la siguiente publicidad exterior visual:

La publicidad exterior visual es un medio muy efectivo, que ocupa un importante rango en el ámbito de la publicidad, con los datos tomados y estudiados corroboramos que la publicidad en este sector de la Capital está contaminando de una forma agresiva el ambiente y por consiguiente trae una depredación visual que satura al consumidor y hace que este se canse por la cantidad de anuncios que hay no solo en este sector sino en varios más. Por otro lado la Alcaldía Mayor de Bogotá y el DAMA expidieron un decreto que prevé el exceso de publicidad exterior visual, pero los anunciantes hacen caso omiso de esta disposición.

TIPO DE AVISO

CANTIDAD

%

Rompetráfico Pendón Afiche Valla BTL Cartel en poste Volantes Cartel Aviso adosado Dummie Eucol Aviso en anden pintado Aviso no adosado

2 20 6 3 1 1|1 8 4 5 1 4 1 1

2.99 29.85 8.96 4.48 1.49 16.42 11.94 5.97 1.49 1.49 5.97 1.49 0

Total

67

100

ENCUESTAS: Al trabajar este sector de la Capital se observa la gran afluencia de personas y tráfico que todos los días por allí transitan, es por esto que se tuvo en cuenta hacer una encuesta acerca de ¿Cómo ven la publicidad sobre este sector y si les parece contaminante o no?

RESULTADOS: De 50 personas encuestadas: • Treinta y dos respondieron que la publicidad en el sector era muy buena y que se sentían influenciados por ella, pero era excesiva.

• Once encuestados respondieron que les parecía buena y que para ellos no había contaminación por la publicidad en el sector.

• A siete les parecía buena pero mejor no opinaban acerca de la contaminación.

14%

BUENA PERO CONTAMINANTE BUENA Y NO CONTAMINANTE BUENA PERO NO OPINAN

Por último, se hace un llamado de atención a las autoridades competentes, para efectos que se cumpla con la disposición, pues el DAMA y la alcaldía local deberían tener un control más estricto sobre este tipo de contaminación que al igual que la polución va cansando al organismo hasta el punto del exceso y “muerte visual”, en este caso para los transeúntes que a diario recorren el sector.

Director: ELKER BUITRAGO LOPEZ. Alumnos: CAMILO ANDRES RODRIGUEZ, ALEJANDRA URUEÑA, DIANA CAROLINA FIERRO G., PASCUAL EDUARDO MARIN B.,DIANA MARICELA MARTINEZ, MONICA MARIA MONRROY, MARISOL SANDOVAL LOPEZ, GUILLERMO BORRAIS, YINA MERCEDES BORRERO, JUAN GUILLERMO PEÑA LOPERA, PAOLA ARTUNDUAGA, LINA GARCIA, FELIPE SUAREZ, LORANA CARDENAS

22%

64%

En la publicidad exterior

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RECAPITULACIÓN

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El diseño

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n el Diseño, la imagen socioambiental es uno de los elementos que conforman la globalidad de las actuaciones de esta disciplina. Esta área del diseño surge a partir de los cambios que se vienen gestando a nivel mundial y los cuales requieren de la formulación de nuevas líneas y proyectos de investigación acordes con esos sucesos.

De igual manera, contiene un complemento de alto interés por su carácter informativo y educativo y por su habilidad de expresar las diversas manifestaciones cul-

turales que se evidencian en el hacer, comunicar y habitar en el espacio. En diversas ocasiones la imagen se describe en dos y tres dimensiones facilitando el concepto de la secuencialidad, en el caso del diseño socioambiental, el resultado visual está determinado a partir de la construcción de una serie

Socioambiental Andrea Carolina Díaz Gómez / Arquitecta / Docente del Programa de Diseño y Producción Gráfica / Corporación Universitaria Unitec

de sensaciones que convergen entre lo descriptivo, lo simbólico, lo significativo y todo aquello que relaciona directamente al ser humano con el espacio en el cual interactúa.

El estudio sobre la relación entre el diseño y el componente socioambiental permite delinear la necesidad de reorientar la formación de los diseñadores para que sean capaces de direccionar sus conceptos y las temáticas de los mensajes a partir de la dinámica actual.

El naciente interés por descubrir mecanismos que promuevan la preservación medioambiental y la participación ciudadana en cada uno de estos procesos, ha sido la motivación para que los diseñadores desde sus propuestas incorporen a su trabajo todos los medios de comunicación, aportando formas revolucionarias de interacción que sobrepasan las limitaciones conceptuales y textuales. Por tal razón, se hace necesario adaptar dentro de los modelos pedagógicos procesos de investigación que permitan identificar los modelos sociales utilizables en el diseño. Es decir, la investigación multidisciplinaria es el instrumento que permite contextualizar a los diseñadores de tal manera que no queden segmentados en áreas cada vez más reducidas en el campo laboral.

El diseño socioambiental es un prototipo que nace del interés por abordar las diversas necesidades representadas en los sectores y en las clases sociales, creando líneas de estudio acerca de las conductas, imágenes, escenarios y demás factores que conforman cada una de estas dinámicas.

Es importante reconocer que para contextualizar el trabajo del diseñador deben formularse perfiles de contextos sociales, tales como son las relaciones entre la sociedad, su medio ambiente y el diseño como respuesta a las necesidades de este territorio cambiante.

búsqueda e identificación de las relaciones sociales para que puedan ser utilizadas en su trabajo y así alcanzar el impacto que se requiere. El diseño incide en la concepción de las cosas y de la vida y en la manera de abordarlas prácticamente.

En la actualidad, reconocemos el poder de la interacción del color – sensación - textura en las imágenes que comunican situaciones variables; lo anterior tiene relación a que el diseñador elabora modelos y piezas gráficas que amarran la percepción de múltiples maneras, atendiendo únicamente aspectos estéticos y de mensaje, limitando su campo de acción a la aprobación o desaprobación del mismo.

La investigación social orientada al diseño genera propuestas de trabajo multidisciplinario en el que afianza el conocimiento social y recrea herramientas visuales, conceptuales, etc., necesarias en la composición de escenarios socioambientales coexistentes.

Por lo tanto, el diseñador está llamado a enriquecer la comunicación humana por medio de recursos creativos que potencializarán su campo de acción hacia una dimensión socioambiental en la que se ejerce.

Desde el ámbito socioambiental, el diseñador esta invitado a reflexionar acerca de las pautas de conducta que direcciona a partir del uso de un lenguaje actual, situado en las diferentes caras que vive la ciudad y sus intenciones por adaptarse dentro de su propio hábitat. No resulta extraño encontrar recursos de diseño dirigidos a diferentes sectores de la sociedad, destinados a impactar deacuerdo con sus funciones instintivas.

Es así, como se hace uso de las múltiples intenciones cromáticas para hacer referencia a un sentimiento, a una sensación, para atraer la atención o simplemente para explorar instintos arraigados en cada ser humano.

Es en este contexto cuando el avance investigativo acerca de las dinámicas sociales y medio ambientales se debería incluir dentro del campo del diseño, apoyando al diseñador en la

Con la implementación de esta línea de diseño que actúa paralelamente a la de los medio publicitarios y comerciales, se busca intervenir no solo con la finalidad de promocionar o vender algo, sino con la condición de intervenir en la acción comunitaria propia de la sociedad.

En esta dirección, es indispensable conocer las necesidades e intereses de la comunidad, así mismo, compartir experiencias, debilidades y oportunidades, las cuales serán de gran utilidad en el proceso de creación y elaboración del diseño, el cual tiene como función adaptarse a las variables de la vida cotidiana donde los profesionales del diseño se involucran cada vez con más fuerza en este campo de juego.

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La estética en la creatividad desde la postura metodológica de la lúdica, dentro del aula de clase

Ángela Camargo Amado / Artista / Magíster en Docencia Universitaria / Docente del Programa de diseño y Producción Gráfica / Corporación Universitaria Unitec

Teniendo en cuenta los cuatro indicadores de la creatividad y formalizando la lúdica como método para que ésta se desarrolle, aquí en Unitec tuve la oportunidad de poner en práctica mis conocimientos sobre esta metodología, cada grupo, con sus diferencias de pensamiento, habilidad mental y habilidad óculo manual, dieron avances progresivos y agigantados, demostrando así que la lúdica aplicada con mecanismos, talleres establecidos pensados y una buena charla, funciona para desarrollar la creatividad en jóvenes con pequeños criterios estéticos en su formación.

Pensemos cuantas veces ¿Te has manchado otra vez de tinta? ¿Tienen las hojas de tus libros más dibujos tuyos que palabras? ¿No puedes evitar hacer garabatos cuando hablas por teléfono? ¿Has garabateado el teléfono? ¿No puedes evitar pintarle bigotes y sombrero al gallo del Corn Flakes? Si es así, no hay duda: Te gusta dibujar, te gusta ver para entender y te gusta disernir para confrontar. Si estás leyendo esto, probablemente hayas pensado en hacer de ese don que tienes tu forma de ganarte la vida. Esa es la forma de pensar de alguien con iniciativa.

Un diseñador es un artista estético que pone su capacidad profesional al servicio de sus clientes. Desarrolla un estilo personal y lo plasma en las imágenes que crea para apoyar las necesidades de comunicación de una amplia variedad de aquellos. Pero sin poder ver y apreciar la vida con una formación de expresión más dinámica y menos rígida, no lo lograría.

Por tanto y como una pequeña conclusión: Si el diseñador genera emotividad práctica, con una formación técnica pero basada en el mejoramiento de su pensamiento a través de la lúdica, logrará ser, y será, uno de los mejores o más aún, el mejor.

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a estética, contemplada desde la historia, es y ha sido el eje central de todo tipo de expresión humana, sin embargo es la estética misma quien, en muchas ocasiones frena el pensamiento y habilidad creativa del hombre, ¿Por qué? No es fácil asumir una postura estética creativa cuando de por si te está exigiendo parámetros de presentación y transformación. Hay que tener en cuenta que la creatividad podría dividirse en diferentes indicadores, pero las que el futuro diseñador mas trabaja, son la flexibilidad (dando ideas con posturas cambiantes frente a estas), la fluidez (donde su sentido de aportación de ideas y léxico es claro, continuo y rápido), la divergencia (con el propósito de discernir, problematizar y lograr generar polémica con criterios) y la originalidad (dándose por hecho que sus ideas y creaciones son novedosas y únicas).

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El diseño se hace escuela UN ARBOL DE PERAS SÓLO DARÁ…PERAS

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egún el concepto tradicional, una Escuela es un establecimiento público o privado en donde se da cualquier tipo de instrucción a grupos compuestos por individuos con similares características, con un sistema de evaluación y el conocimiento parcelado en materias. En Unitec, el término -por fortuna- es mucho más amplio.

Para el Diseño, la Escuela de la Bauhaus con Walter Gropius estableció lo siguiente: “La recuperación de los métodos artesanales en la actividad constructiva, elevar la potencia artesana al mismo nivel que las Bellas Artes e intentar comercializar los productos que, integrados en la producción industrial, se convertirían en objetos de consumo asequibles para el gran público”. Nacían de esta forma, impulsados por una Escuela, los principios del diseño gráfico, en particular.

La Escuela de la Imagen sólo puede dar postulados de Escuela así como el árbol de peras sólo puede dar peras. En Diseño y Producción Gráfica entendemos que somos más que “dictadores” de clase y trabajamos sobre los principios de la funcionalidad, la estética y la preocupación constante por el ser humano: nuestro estudiante.

No descubrimos nada nuevo, sólo lo evidenciamos y lo hacemos vivencia diaria.

La funcionalidad es inherente al diseño gráfico. No hay que evaluar su importancia pues es una condición consustancial a su misma esencia. En cuanto a la estética, el problema es la subjetividad que hay implícita en la percepción de la “belleza”. Para Aristóteles la belleza se da en las cosas por tener ordenadas sus partes y no ser casuales; y para Hegel, se representa como regularidad, simetría, conformidad y armonía. A la percepción humana le parecen estéticamente agradables las armonías y simetrías en las formas y

El diseño hecho para los ojos constituye, hoy, el medio fundamental de la comunicación social. Su designio más noble es trabajar para mejorar nuestro entorno visual, hacer el mundo inteligible y aumentar la calidad de vida, aportar informaciones y mejorar las cosas, difundir las causas cívicas y de interés colectivo y la cultura. Su especificidad como disciplina es transmitir «sensaciones, emociones, informaciones y conocimiento».

En 13 años de funcionamiento, estos postulados se han hecho una realidad en el trabajo con la Institución y la comunidad; adicionalmente, existe la preocupación por la formación integral, por el Ser, por tener buenos profesionales pero de manera especial, buenas personas. Es una realidad en las instituciones de hoy en día, ya lo sabemos, lo mejor es cómo se evidencia, cómo se vive y a qué profundidad se ha llegado. En este número de la Revista Imaginanza, los docentes contribuyen con su visión sobre este tema de manera libre y espontánea, y se hace evidente la identidad de nuestro quehacer en las aulas, en las asesorías, en los trabajos de grado, en todas nuestras actividades, con la esencia misma de la disciplina, repito, no es el gran descubrimiento, pero es una realidad que marca nuestro destino y fortalece el ser consecuentes con lo propuesto como profesión ante los retos de la comunicación visual al servicio de la sociedad tecnificada y en total significancia con la imagen.

Si existe esa congruencia medular, podemos afirmar que no “dictamos” clases, y sin pretensiones vanas concluir que estamos formando diseñadores gráficos enmarcados en postulados de Escuela, con la seriedad que esto conlleva, con el compromiso y la visión prospectiva de una profesión que está llamada a liderar, desde los principios de la comunicación funcional y estética, los grandes cambios de un mundo en constante evolución, como testigos de excepción, como actores y protagonistas desde la formación de una Escuela, nuestra Escuela de la Imagen.

CARLOS ROBERTO SOTO Maestro en Bellas Artes Jefe del Programa de Diseño y Producción Gráfica Corporación Universitaria UNITEC

LOS DOCENTES FRENTE A LA ESCUELA

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o que viene a continuación, es una reflexión personal de algunos docentes del Programa de Diseño y Producción Gráfica de UNITEC, ante la pregunta de LA ESTETICA Y LA FUNCIONALIDAD EN EL DISEÑO vista a través de sus materias dentro de la consideración de “hacer” Escuela como un acto que va más allá del hecho de “dictar clase”.

Con esto queremos iniciar un debate sobre nuestra labor en las aulas de clase, en una posición un tanto pretensiosa o por lo menos evidente, frente al verdadero papel de la Academia en la formación de diseñadores gráficos en el marco de postulados estéticos y funcionales bajo la premisa de una preocupación constante por la persona, sus expectativas y proyección de realizarse como ser humano y profesional.

Los comentarios están en concordancia con la consolidación del diseño gráfico como disciplina formal y pretenden aportar una visión más profunda, seria y comprometida en esta construcción.

En el contexto del Diseño del Espacio Arquitecta Andrea Carolina Díaz Gómez Área: Diseño del Espacio

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uando nos referimos al tema del diseño del espacio inmediatamente surgen múltiples ideas que nos transportan a través de escenarios interiores y exteriores, de modelos y piezas buscando una escala adecuada dentro del sentido de la proporción volumétrica y de piezas que se encajan y se transforman a través de diversas dimensiones.

En este sentido, la interpretación gráfica de los objetos o conjuntos representados en diferentes sistemas de proyección dan paso a la bi y tridimensionalidad, las cuales relacionadas entre si establecen mapas de representación que favorecen el razonamiento espacial en el estudiante. La metodología debe buscar no solo integrar criterios de estética que desarrollen en los estudiantes un especial interés por la composición y el uso de valores cromáticos, sino que se hace importante equilibrar este proceso pedagógico con criterios de razonamiento y funcionalidad que amplíen y fortalezcan las líneas de diseño espacial en el plano mental.

Todos estos contenidos se materializan a partir de la identificación de conceptos que consagran el diseño de un modelo desde un análisis de la percepción de la forma y su funcionalidad, de su estructura envolvente, de su composición volumétrica, y de la elaboración de maquetas y prototipos que faciliten la lectura de la pieza desde su origen hasta su representación más evolucionada.

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los colores suaves, sin embargo en muchos casos, estos recursos gráficos dificultan la usabilidad de los sitios web, de ahí la relatividad subjetiva e intimista. Los problemas de estética en el diseño responden en gran medida a la falta de estándares arquetípicos para el trabajo gráfico, máxime si se considera la estética como un agregado a la funcionalidad, los resultados de esta suma o alianza no serán jamás una totalidad gráfica. Cualquier producto diseñado será siempre estético y útil.

Que concuerde o no con alguna categoría estética y que cumpla su función de una manera eficaz es otro asunto.

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stablecer un vinculo entre el lector y el diseñador, cuando uno se encuentra con una pieza editorial, bien o mal diseñada, en este caso un libro… es bastante complejo, ya que comienzan a competir dos variables: el libro es muy bello y variado, o el libro está muy bien diseñado pero es poco funcional y no hay un orden.

¿Bonito... o Funcional?

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Diseñador Gráfico Julio Vanoy Área: Diseño Editorial

¿Qué se debe evaluar en una pieza de diseño?

Diseñadora gráfica Katherine Leyva Área: Diseño Básico

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o que se debe evaluar en los procesos de creación de cualquier diseñador gráfico, especialmente en los de los estudiantes de diseño, es que el resultado final de la composición sea funcional y estéticamente aceptable.

El diseño editorial persigue un fin forzoso: exhibir las ideas del autor, y no del diseñador, y lograr que esas ideas sean estéticamente dignas de forma, color, diagramación, manejo de espacios, reglas y estructuras ortográficas.

Para lograrlo es necesario enseñar qué es un autor, las diferentes clases de autores, lo que quiere transmitir éste a su público, cómo el diseñador lo interpreta para después aplicarlo en la

En cuanto a la evaluación de la funcionalidad, se debe lograr que la pieza sirva para lo que fue hecha, ya sea un afiche, una revista, una página de internet, un plegable. En cuanto a la evaluación de lo estético, debemos considerar que es igual de importante a lo funcional, ya que los diseñadores se preparan precisamente para desarrollar piezas que tengan una serie de características tales como la unidad, el contraste, la armonía, la limpieza, el equilibrio, que hacen que al unir los elementos de diseño en un proceso creativo dichos componentes en conjunto sean estéticamente agradables o impactantes al espectador. No hablo aquí de términos como bonito o feo, ya que eso va de acuerdo a gustos personales, me refiero al resultado final de un diseño que debe cumplir con todas las características que permitan que estéticamente funcione.

Cada diseño debe tener única y exclusivamente los elementos que necesite para cumplir con el objetivo de la pieza y estos deben estar distribuidos de tal forma que logren que estéticamente funcione y alcance su objetivo comunicacional, de la forma más clara y directa posible, por lo tanto… será buena a nivel de diseño.

parte gráfica, también darles las herramientas, técnicas y elementos básicos de lo que se compone una pieza editorial, en este caso un libro.

Cuando llegamos a la parte del diseño, el gráfico se enfrenta a la parte de “embellecer” el libro, con viñetas, fondos, fotografías y cualquier cantidad de elementos. Es muy importante tener en cuenta la diagramación, la retícula, el enrejado básico a nivel de espacios, el diseño tipográfico, el manejo del color, los formatos, la orientación, el tipo de letra a utilizar, saber a qué público va dirigido el original y las reglas y parámetros que nos exige una publicación.

En conclusión, “La obra impresa que no puede leerse se convierte en un producto sin sentido”

“No gracias, lo que necesito es diseño” Diseñador gráfico Jorge Alberto Peña Delgado Coordinador Área de Diseño

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i ante un cliente expongo el argumento que el diseño que le muestro para comunicar su idea posee un gran valor artístico y estético por encima de su funcionalidad

La diferencia entre el arte y el diseño es que el primero mantiene la libertad de dejar que el espectador interprete de acuerdo a múltiples factores lo que ve mientras que el diseño comunica una idea concreta, tiene un fin especifico y si el que está en frente no recibe la información propuesta se puede decir, sin temor a ofender, que el diseño en este caso falló porque no comunicó lo que pretendía.

El arte está implícito de alguna manera en el acontecer educativo de nuestra carrera y así lo evidenciamos en nuestra malla curricular pero el diseño va mas allá de la simple estética, es comercial, empresarial, consumista, debe producir resultados específicos trazados desde un requerimiento del cliente.

Tal vez lo que lamento ahora con el uso de las nuevas tecnologías en diseño es que nuestros alumnos dejan de lado muy pronto lo análogo, el boceto, el trabajo manual que en cierta medida se podría considerar un arte por el proceso que implica, pero siento que el diseñador gráfico, por encima de todo, es un comunicador visual y su fin es ayudar al cliente para que a través de la imagen y el texto logre vender, posicionar una idea o producto en un público determinado.

Mi experiencia con los alumnos reafirma mi posición cuando veo que mas que arte, estética, belleza, lo que se necesita es reforzar los contenidos de materias como diseño básico, composición gráfica, tipografía, teoría del color, los cuales contienen los parámetros esenciales para la funcionalidad de un buen diseño y así poder argumentar con propiedad los elementos que conforman su propuesta de gráfica.

En diseño gráfico lo puramente estético no vende.

El Artefacto contemplativo Diseñador gráfico Carlos Alfonso Vargas Cuesta Coordinador Área Diseño Digital

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l ser, el hacer, y el deber ser, son cuestionamientos naturales de los artefactos que ocupan un espacio dentro de la composición estética de la vida cotidiana, con estas preguntas hacen entender su esencia en cuanto a sus posibilidades de uso y su trascendencia como facilitadores de la vida en cuanto a necesidades tanto tangibles como intangibles.

El ser humano desde sus propias solicitudes interiores es tanto Dios como penitente elevador de plegarias sentimentales, objetuales, visuales y mediáticas, estos dos roles podrían identificarse mucho más claramente con los nombres de Creador y Usuario, en simbiosis equilibrada para sobrevivir uno del otro, el primero productor de imaginarios y el segundo productor de necesidades, el creador se destaca por su cualidad de poder sintetizar desde la neutralidad del pensamiento y de su propio conocimiento la generación de ideas que en algún momento pueden ser materializadas por él mismo como individuo o mediante a su capacidad de organización para seleccionar un grupo de pares para dicho fin y así mediante metodologías proyectuales, producir de manera práctica, funcional y estética los artefactos que en esencia tienen parte del alma de su autor. El alma del autor hace que el artefacto implore por tener características contemplativas, donde lo estético enmarca su ser desde lo subjetivo y lo funcional, desde lo objetivo según la idealización para lo cual fue destinado.

Es aquí cuando el rol del diseñador se hace evidente, el diseñador como propiciador de las condiciones anteriormente expuestas, y además, con grandes muestras de atrevimiento y responsabilidad se apropia de su entorno y es capaz de reinterpretarlo con una narrativa coherente con las necesidades que a éste le propongan o las que él mismo se quiera imponer.

El rol hace que se produzca la búsqueda de herramientas de expresión con las cuales el diseñador pueda concretar y materializar el intangible concepto que reposa como idea, aquí la experimentación en el uso de las herramientas y quien las utilice, evolucionan y se forman tendencias y tecnologías aplicadas al fin estético propuesto, que no es más que su trabajo metodológico en función de permitir un goce para una determinada tribu social, pero esto no lo es todo, la contemplación y el disfrute desde la visión del diseñador debe tener valores agregados a nivel de uso, donde preguntas básicas como el porqué?, Para qué?, cómo?, donde? y otras que se debe formular el diseñador desde su mutación como usuario y consumidor, hacen que el elemento sea funcional y jerarquice su labor y posición creativa; el Diseñador debe tener una visión dual tanto subjetiva como objetiva donde conjugue su capacidad y competencias hacia la síntesis de la lectura de la cotidianidad como elemento identificador y determinante de la naturaleza humana.

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tal vez recibiría por respuesta el título de esta nota.

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El ejemplo de casa

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Diseñador gráfico Carlos Ernesto Guzmán Área: Tipografía, Diseño de Empaques

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xiste un aforismo del cual soy un ferviente seguidor y practicante devoto, “Al que madruga Dios le ayuda”, creo que la mejor manera de evidenciar nuestra labor como docentes y formadores de jóvenes es mostrar el trabajo realizado y exhibir un gran compromiso con la academia y con la sociedad, el ser primero en llegar al aula de clases, participar en los mecanismos de control en la universidad o en la ciudad y observar las normas básicas para la convivencia debe ser la premisa que oriente nuestras vidas.

La integralidad es una de las metas que con más frecuencia se persigue, sobre todo en el campo artístico, hay quien sostiene que los diseñadores son artistas, pero yo difiero de ese concepto, debe haber un toque de genialidad para poder hacer la diferencia con los demás, la estética debe estar presente, como bien lo dice Amelia Valcárcel “Toda reflexión es estética y propiciada por hombres estéticos, es decir, por quienes conocen los pasos de la danza, pero nunca sabrán realizarlos. Si

se entiende la cultura como una masa acumulada de reflexión, la cultura es radicalmente estética. Consiste en partituras. Y las partituras tienen con la música una relación similar a la que el discurso tiene con la vida: o se interpretan o no hay música. Las partituras no suenan. La ética son movimientos.

La fe son movimientos.”

El hecho de ser formadores nos exige un mayor compromiso, como bien lo dice el filósofo Fernando Savater: “Los maestros deben siempre recordar, aunque lo olviden los demás, que las escuelas sirven para formar gente sensata, no santos. No vaya a ser que por querer hacer a los jóvenes demasiado buenos no le enseñemos a serlo lo suficiente...”

Independientemente de la materia que tenemos a nuestro cargo es la responsabilidad de los futuros profesionales la que esta en nuestras manos.

Hacer Escuela Artista plástico FERNANDO MOLINA Área: Teoría del color

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ablar de una Escuela de la Imagen en principio podría parecer pretensioso, pero, cuando “hacer” escuela es una práxis permanente con varios años de exigente y riguroso trabajo académico y empresarial, como la Escuela de la Imagen de Unitec, se demuestra que sí es posible lograr un conjunto de particularidades con caracteres comunes entre sí, fundamentando un nivel conceptual para un lenguaje con una estética y un estilo propio.

en el Diseñador Gráfico

Los programas Cine y Televisión, Diseño y Producción Gráfica, y Publicidad, que conforman la Escuela de la Imagen, han logrado un reconocido posicionamiento de sus egresados, como también de sus múltiples productos con las competencias propias de cada Programa, innumerables exposiciones de trabajos y ponencias en foros académicos y círculos empresariales.

Maestra en Bellas Artes Gloria Munera Área: Dibujo Artístico e Historia del Diseño

Esto significa hacer escuela dentro de la Academia, ya que es una labor con múltiples referentes acumulando y procesando en una dinámica permanente ricas experiencias y a su vez a logrado destacarse para ser “referente obligado” de otras Instituciones de Educación Superior y diferentes círculos Académicos y Empresariales.

os palabras que se complementan una a la otra en el bello oficio del Diseño gráfico. ¿Qué debe tener un dibujo para que

Estética y dibujo

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El Niño que yace dormido Maestro Miguel Angel Franco Salas Área: Dibujo artístico

tenga estética? Podríamos acudir a los filósofos para poder analizarlo de manera científica, sin embargo esta reflexión no pretende otra cosa diferente a pensar en el sentido estético, elemento fundamental inherente e imprescindible del diseñador gráfico, desde el dibujo.

Son muchas las variables que intervienen en un dibujo para que sea estético, la primera es su fuerza expresiva, lo que comunica sin palabras, aquello que nos dice de lo representado con el lenguaje de líneas, sombras, puntos, tramas, todos ellos van con el sello particular de quien los hace, allí está el núcleo; otras variables son los materiales, lápices, tintas, carboncillos, etc., colores, sustratos, texturas que permiten hacer lo que se quiere, dan vía, abren el camino y son el vehículo para la realización. Previamente hay que tener visualizadas las intenciones a realizar, teniendo en cuenta la proyección de la unidad, tanto de laspartes como del todo, las ideas y los

El interés y enorme entusiasmo, la despreocupación por los resultados, la ingenua espontaneidad que tenemos todos cuando dibujamos de niños, los primeros garabateos que responden y corresponden exclusivamente a nuestras propias emociones y visión personal, y no al juicio valorativo que generalmente imponemos los adultos, se pierden con el tiempo y, por supuesto, con la edad. Es inexorable. Y es lógico, el tiempo se encarga de filtrar, aclarar y seleccionar los dones, las aptitudes y vocación de cada individuo.

cómos, no solo la función sino la estética. Ahora bien, el sentido estético se adquiere en un marco de formación donde intervienen muchos sujetos y circunstancias. De todos modos el diseñador gráfico debe cuidar este aspecto, sus dibujos, bien sean bocetos, artes finales o procesos de creación deben dar cuenta de signos, símbolos que comuniquen gráficamente algo efectivamente y estéticamente, el producto tiene que ser creativo, cumplir con su funcionalidad y con el atractivo visual al grupo que esté dirigido.

El trabajo digital ha facilitado la expresión a los diseñadores gráficos, sin embargo el lápiz y el papel (hablando de forma general) siguen siendo las herramientas del diseñador, en cualquiera de estas dos formas de trabajar la acción comunicativa estará, en virtud de criterios de composición, color, texturas, formas, es decir de su sentido estético y que este a su vez favorezca el proceso del diseñador gráfico.

Un aspecto primordial a considerar en mi misión como docente, está enfocado en ayudar a despertar ese niño que yace dormido en el interior de cada alumno. Pero que ya ha crecido y tiene unas exigencias, unas expectativas y unos elementos de juicio, acordes a su edad y estudios universitarios elegidos. Es en este punto, justamente, donde interviene y adquiere fundamental importancia lo académico, orientado a una práctica pedagógica flexible –con miras a ser lo más efectiva posible-, que oscile entre la creatividad, imaginación y espontaneidad del “niño dormido” y los conceptos, procedimientos, métodos, técnicas y destrezas requeridas para que el “niño crecido” se manifieste y exprese.

Para finalizar es importante no dejarse llevar por discusiones enfrentadas respecto a la estética y al diseñador gráfico, el diseñador tendrá necesariamente que trabajar en productos que tengan componentes comunicativos, funcionales y estéticos, para lograr su efectividad.

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ibujar es entrar en ese espacio vital, absolutamente personal, donde aflora toda la vida interior plena de vivencias íntimas y subjetivas, la memoria e imaginación, el temperamento y el carácter, amalgamados y traducidos en nuestros trazos.

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uchos de los desarrollos en términos productivos se han dado en torno a la aplicación práctica del concepto de alianza, tanto en el ámbito productivo, social, político y cultural. Entendiéndola como un simple concepto, no es más que la unión de unos y otros alrededor de un mismo propósito, esta unión puede darse de manera temporal o permanente, en donde cada uno aporta al proceso, conocimiento, experiencia, tecnología, capacidad de trabajo, talento humano y tiempo, todo esto direccionado en beneficio de los aliados en igualdad de condiciones y mediante una relación que se establece desde un diseño netamente horizontal, en donde todos ganan y todos contribuyen al desarrollo de los procesos necesarios para el cumplimiento de las metas, mediante un intercambio que seguramente será enmarcado por la concertación y legitimado por la claridad y la honestidad, dentro de una actitud proactiva de todos los involucrados.

La alianza es un terreno propicio para el intercambio de saberes, de información, la construcción colectiva de redes, proyectos, el trabajo conjunto, pero además se establece como lugar de encuentro, de reflexión, análisis conjunto y discusión, que seguramente propiciará el enriquecimiento de la conciencia colectiva y la construcción de conocimiento.

Una alianza es para unos y para otros la posibilidad de abordar temas y proyectos que individualmente no serian posibles o viables, ya sea por costos, recurso humano insuficiente, capacidad de cubrimiento en términos territoriales o geográficos, capacidad tecnológica y tiempo a invertir en cualquiera de los procesos comprometidos.

Una alianza, es la posibilidad de crecer y fortalecerse, de marcar nuevos referentes y de ver otras posibilidades, de potenciar los conocimientos propios y ajenos y de avanzar en el ciclo evolutivo con mejores logros en menor tiempo.

Teniendo en cuenta los anteriores postulados es que viene trabajando la Alianza de Centros de Producción Audiovisual Universitarios, la cual ratificó su conformación y propósitos en el pasado encuentro realizado en Cartagena de Indias, durante el cierre de la programación de Latín Screens, en el marco de Andina Link 2008, en donde se hicieron presentes 26 universidades de diversos lugares del territorio nacional a través de sus delegados, entre las que se encontraba UNITEC, lo que confirma el valor representativo de esta alianza y el propósito de avanzar en el desarrollo del tema audiovisual desde la academia, sobresaliendo dentro de su agenda la producción audiovisual, la investigación, la conservación de materiales audiovisuales, la generación de jornadas académicas y la organización de encuentros de televisión, entre otros.

Todos unidos bajo un mismo propósito, parece ser el lema que tácitamente se percibe en estos encuentros, ya que se evidencia un gran deseo de contribuir, crecer, ampliar, llegar, forta-

LA UNION HACE LA FUERZA: Federico A. Rodríguez E. / Documentalista / Coordinador Centro de Producción Audiovisual y Apoyo a la Investigación – CEPAAI / Corporación Universitaria Unitec.

Imagen en movimiento 27 lecer y potenciar el desarrollo audiovisual en beneficio de nuestra nación y las instituciones que la promueven.

Los primeros frutos dejan ver el gran potencial que tiene esta Alianza, como la serie de microdocumentales realizada recientemente y denominada “Coja oficio”, que será adquirida por la Corporación Ca- nal Universitario Nacional; la investigación acerca de las preferencias televisivas de los jóvenes, que también algunas instituciones de la Alianza adelantaron para el Canal Universitario Nacional; la creación de un comité asesor para los encuentros de televisión que se viene realizando anualmente; la creación del banco de proyectos de la Alianza y la conformación de la comisión para el estudio y diseño del archivo para la conservación de los materiales audiovisuales realizados por ésta.

El panorama es muy favorable si lo vemos en su conjunto, es significativo para la Alianza contar en los diferentes puntos de la geografía nacional con el apoyo de los centros de producción audiovisual de las universidades que

la conforman, contar también en cada uno de estos lugares con recurso humano para la producción audiovisual, talento idóneo y formado académicamente para esta labor, grupos de investigación experimentados, unidades de producción igualmente experimentadas, que permitirían entre otras actividades explorar la posibilidad para el intercambio de personal entre las regiones, el cruce de saberes, de llevar practicas y conocimientos a otros territorios, lograr estandarizar formatos y protocolos de producción, ampliar los marcos de investigación, interlocutar directamente con todas las instituciones y sus regiones.

La Alianza manifiesta que su espíritu se basa netamente en una voluntad colaborativa, flexible y democrática para que todos trabajen de acuerdo a sus propias posibilidades, intereses y competencias, dispuesta a recibir y acoger a todas las instituciones que tengan un mínimo de recurso para la producción audiovisual o que estén en proceso de conformación de sus unidades de producción audiovisual.

En los propósitos expuestos anteriormente y los que puedan surgir a futuro, la Alianza está dispuesta a recibir las colaboraciones y apoyos que tengan origen en cualquier organismo estatal, publico, mixto o privado, sin perder de vista que la alianza es en primer termino para las universidades y sus centros de producción, el fin es el de aportar al desarrollo del panorama audiovisual y de Nación desde la academia, en este orden de ideas se han unido a los propósitos de la Alianza, en calidad de instituciones de apoyo, el Ministerio de Cultura través de la Dirección de Comunicaciones, el recién creado Canal Universitario Nacional y ha manifestado la misma intención el Ministerio de Educación Nacional, a través de un cordial saludo comunicado a los miembros de la Alianza en el encuentro de Cartagena.

Seguramente en muy corto tiempo tendremos más noticias acerca de las actividades emprendidas por esta joven Alianza de productoras universitarias.

Alianza de Centros de Producción Audiovisual Universitarios

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s verdaderamente estimulante el efecto de la Ley del Cine sobre la producción cinematográfica colombiana, estímulo que se proyecta al resto del continente, permitiendo ver en este “fenómeno” nacional una clara referencia de lo que se puede lograr, cuando hay voluntad política de las partes. Ahora bien, una cosa es lograr potenciar la producción y otra, muy distinta, es darle sostenibilidad al proceso; y en eso es en lo que debemos concentrarnos. Comprendemos que en ello deben intervenir factores como el seguimiento de todo el estamento cinematográfico a la normatividad generada por la mencionada ley, creando iniciativas que la fortalezcan, y exigiendo los ajustes a que haya lugar.

Por el lado del campo productivo juega un papel fundamental el departamento de producción en cabeza del Productor Ejecutivo.

Este punto nos conduce a reflexionar sobre lo determinante que resulta para llevar a buen término los intereses de un proyecto cinematográfico, contar con verdadero criterio de producción que conlleve a discernir entre bajar costos y apoyar las “reales” necesidades de una producción (estéticas, dramatúrgicas, locativas, de infraestructura, de tiempo, etc.); plantear un diseño de producción acorde con las circunstancias, características y particularidades del proyecto que se emprenda, y determinar una adecuada estrategia de mercadeo que garantice la venta y distribución de la película en mercados locales y extranjeros, que dicho sea de paso es lo que nos permite asegurar la continuidad en el oficio. Por supuesto que las responsabilidades de producción no se agotan aquí, sin embargo, el objetivo del presente artículo es hacer una muy somera reflexión sobre la calidad general de la producción local, lo que consideramos como lo más relevante del proceso.

El cine que me h

Gilberto Valderrama Bernal / Realizador / Jefe del Programa de Cine y Televisión / Corporación Universitaria UNITEC

una permanente confrontación interior que requiere tiempo para lograr su sosiego, es decir, tiempo para aceptarse a sí mismo a través de su obra, en la que comienza a distinguirse su actitud ante la vida, su visión del mundo, el alcance de su creatividad, sus concepciones personales, en fin, su dimensión sensorial, su verdadero talento.

Es claro que el conjunto de elementos y su disposición en la partitura cinematográfica es lo que da al cine la suficiente contundencia sugestiva como para despertar en el espectador ese gusto (bueno o malo) por aquello que transcurre en la pantalla. A través de la historia del cine hemos evidenciado que una filmografía crece en prestigio cuando las circunstancias se dan para que haya continuidad en el oficio, lo que permite que el equipo humano gane en experiencia y calidad, sin lo cual difícilmente se llegaría a tener plena consciencia del arte que se está moldeando, imposibilitando la calidad necesaria para que de esa producción surjan obras que trasciendan en el contexto local, continental y universal. La continuidad en el oficio es la condición que permite a los integrantes de los diferentes departamentos involucrados en el proceso optimizar su calidad. Para el director o realizador– responsable artístico del proyecto -, esa continuidad debe constituirse en un espacio permanente de reflexión sobre su obra; igualmente debe traducirse en tiempo necesario para el desarrollo de sus habilidades y destrezas, la potenciación de su creatividad y afinación de su estilo, procesos que demandan una concienzuda autoevaluación y un agudo análisis del efecto de su obra en la audiencia. Este es un proceso que en la mayoría de los casos es largo, a menudo tortuoso, porque se trata de una confrontación consigo mismo, de un continuo auto-cuestionamiento, de

Una rápida panorámica sobre la producción general del cine colombiano a partir de la Nueva Ley del Cine, nos permite observar, salvo algunas excepciones, un desbocado afán por producir, por aprovechar la coyuntura, lo cual no es del todo malo dado que eso estimula la conformación de la cultura cinematográfica, sin embargo se ha dejando en segundo lugar la calidad del proyecto. Deben quedar atrás aquellos días en que el quehacer cinematográfico era sinónimo de poder económico, político o de pretensiones artísticas sin fundamento. Precisamente por las condiciones actuales, por las oportunidades para producir que finalmente se han hecho realidad en el país, es por lo que debemos asumir una postura responsable y profesional, que respalde con calidad este momento de oportunidades.

Desde el punto de vista técnico, indudablemente la producción nacional ha mejorado, no obstante, no debemos olvidar que el cine es producto de la fusión técnica – sensibilidad, y por lo tanto ambos aspectos deben desarrollarse paralelamente. La parte estética, es decir aquello que está relacionado con los sentidos, es la que debe imponerse en el proceso, como condición sinecuanum para la construcción del sentido artístico, construcción que resulta compleja por la naturaleza de la narración fílmica que conjuga un sinnúmero de elementos heterogéneos que al final constituyen la expresión

cinematográfica. Lo ideal es que la conformación del equipo técnico, entendiéndose como la totalidad de personas que hacen parte de una producción, sea conformado por especialistas altamente calificados y actualizados.

Kandinsky dice: “Toda obra de arte es hija de su tiempo”, lo que nos lleva a reflexionar sobre dos aspectos: el conocimiento que debemos tener de nuestro entorno (fuente inagotable de inspiración) y de la evolución de la expresión artística cinematográfica y del arte en general. En la construcción de cualquier propuesta estética es pues fundamental tener conciencia tanto de aquello que nos motiva a expresarnos como de la manera misma de hacerlo. Esto quiere decir que aquello que nos motiva a expresarnos debe ser, por un lado, producto de un conocimiento profundo del tema a tratar, el cual debe obedecer a una exhaustiva investigación que contemple todas las fuentes posibles de indagación, y por otro lado, un interés basado en motivaciones profundas que nos mueva y nos conmueva a tratar el tema. En cuanto a cómo expresarnos, es entre otras cosas, cuestión de sensibilidad, de tacto, de talento, de imaginación, de profundo conocimiento del lenguaje y del aspecto dramatúrgico del relato fílmico.

Kandinsky nuevamente nos hace reflexionar cuando dice: “el artista debe tener algo que decir porque su deber no es dominar la forma sino adecuarla a un contenido”. Entonces, ese algo que queremos narrar nos debe inducir a la exploración de la manera para expresar aquello que nos proponemos, echando mano al adecuado uso del lenguaje, explorando posibilidades y alternativas fruto de esa sensibilidad que nos es propia y que nos garantizará un trabajo personal; ese trabajo personal es el que nos distingue de los

hace vivir y soñar

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Indagar a cerca del embrujo que ejerce el cine en el espectador, en ese algo “mágico” que sólo se percibe una vez la obra ha sido terminada, permite comprender porqué esta manifestación del arte, a pesar de su elevado costo de producción ha logrado prevalecer, por más de un siglo, como el espectáculo de las grandes mayorías.

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demás. Por supuesto, innovar tiene sus riesgos, no es fácil, porque nos hace transitar constantemente por senderos peligrosos, pero es mucho mejor que imitar, a no ser que esa imitación sea algo transitorio en el camino de la búsqueda de nosotros mismos.

Si bien en la producción nacional contemporánea se ve en algunos casos un esfuerzo por mejorar la calidad estética también es cierto que ese aspecto es el más descuidado. A lo anterior contribuye el hecho de que en Colombia sólo exista una crítica cinematográfica periodística pero no una crítica académica que propenda por la reflexión y el análisis a partir de conceptos claros y conocimiento del proceso cinematográfico, una crítica que llame a la reflexión de la calidad estética de nuestro cine, una crítica comprometida que se constituya en una retroalimentación continua para todo el ámbito cinematográfico. Mientras lo anterior sea posible es preciso asumir con rigor el oficio, más vale una película que trascienda que diez llamadas a morir en el olvido. Un buen ejemplo es Tarkovski, con una corta filmografía pero quien nos dejó en sus ocho producciones lecciones de rigor, entrega y pasión por ese arte que le hizo vivir, soñar y morir.

Nuestro cine debe esforzarse por darle sentido artístico a su producción buscando la significación en la imagen, yendo más allá de las apariencias, diferenciando cine y realidad, alejándose del “concepto de arte televisivo” en el que prima la rentabilidad a ultranza, el lucro personal, el interés particular.

El cine que queremos para Colombia debe fundamentarse a partir del análisis de su valor social, cultural y artístico. Nuestros directores deben tener plena conciencia de cómo estructurar dramáticamente una determinada narración y si él no es el guionista, debe estar en capacidad y tener la potestad de hacer o solicitar los ajustes que considere necesarios. No podemos continuar produciendo películas intrascendentes, carentes de estructuras armónicas, de estructuras que no sean el resultado de un estudio profundo del qué y del cómo nos proponemos narrar.

Nuestro cine adolece igualmente de diversidad de temáticas. Pareciera que temas como la violencia no tienen sentido si no hablamos de narcotráfico, de crimen, de sangre, y nos olvidamos que el tema de la violencia tiene infinitas manifestaciones en nuestro diario vivir, inclusive en el interior de cada ser humano, pero también nos olvidamos de los demás temas de que esta constituida la existencia. ¿Acaso el conflicto, “botón de arranque” de la dramaturgia no se genera, en nuestra vida cotidiana, en la relación con nuestros hijos, en las diarias necesidades materiales y espirituales de cada individuo, en la relación con nuestros semejantes, con la realización o frustración de nuestros sueños, en el desentendimiento humano, o en relación con el entorno mismo, entre muchas otras formas…?

Se nos olvida igualmente que uno de los aspectos más atractivos del arte cinematográfico está en la diversidad de géneros; en nuestra producción local brillan por su ausencia la ciencia ficción, el cine épico, el de animación, el de aventuras, el histórico, infantil, el docudrama, el fantástico, el de terror, el policiaco, el musical, y por supuesto la comedia. Es preciso que abramos el panorama en el manejo de géneros para responder a la expectativa de un público ávido de nuevas ofertas, que por lo demás nos haría más competitivos.

No esperemos Viscontis, Bermans, Tarkovskis o Fellinis en el cine nacional, porque ya lo mencionamos, ellos fueron producto de su tiempo y de su espacio; continuemos en la brega de consolidar un cine colombiano, un cine que refleje nuestra cultura, nuestra idiosincrasia, nuestra visión del mundo. Evitemos promulgar un “cine internacional” en el sentido de quitarle identidad a la obra; hagamos un cine internacional pero en cuanto al tratamiento de temas de interés universal y narraciones que contengan personajes con motivaciones profundas, que sientan, que su trasegar a través de la historia resulte de gran interés para el espectador. No olvidemos que los sentimientos son un lenguaje universal.

Hagamos, pues, de nuestro cine una expresión verdaderamente bella, cuestionándonos a medida que avanza su proceso: ¿Es este el cine que me hace vivir y sonar?

FUENTES: -“De lo espiritual en el arte” Vassily Kandinsky “Esculpiendo el tiempo” Documental sobre Tarkovsky

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El filtro 3D en Illustrator CS3 Jorge Alberto Peña Delgado / Diseñador Gráfico / Coordinador del Área de Diseño y Producción Gráfica / Corporación Universitaria Unitec

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o primero que vamos a necesitar es tener un muy buen computador porque si entendemos que el proceso de renderizado (del inglés rendering o su equivalente en español: interpretar) consiste en que, a partir de una imagen o modelo tridimensional y utilizando un sinnúmero de procesos matemáticos la máquina genera una imagen bidimensional, entonces es claro que nuestro equipo debe ser de última generación para no fundirse en el intento.

Existen múltiples programas para generar diferentes tipos de imágenes y animaciones tridimensionales, Maya, 3D Studio Max, Blender, Rinhoceros, AutoDesk entre otros, pero en mi caso resultó bastante engorroso tratar de abordar múltiples pantallas (ensayé Maya y 3D Studio Max) para aplicar diferentes tipos de color, textura, movimiento, forma, animación, luces, vistas; desistí después de varios intentos porque además de todo lo anterior mi computador no daba la talla (ya lo actualicé).

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La firma Adobe implementó en su programa vectorial Illustrator (3 versiones atrás) la posibilidad de generar imágenes tridimensionales a partir de un vector, algo que parecía imposible si sabemos que un vector está constituido por nodos y que a partir de una línea, curva o polígono podemos generar cualquier tipo de imagen bidimensional, lo que requiere conocimiento y práctica del software para generar imágenes profesionales, pero ahora con el filtro 3D podemos dar un paso adelante y generar múltiples imágenes que simulan el entorno tridimensional reduciendo así la simulación 3D que se lograba a partir de la mezcla infinita de vectores. Lo interesante en este caso para los diseñadores gráficos que no queremos sentirnos frustrados tridimensionales, es que se requieren conocimientos básicos de 3D para abordar dicho filtro (¡solo abre una pantalla!) y mucha práctica e imaginación para que a partir de un vector

podamos generar buenas imágenes tridimensionales que apoyen nuestra labor y nuestros diseños.

El paso a seguir es finalizar dicha imagen como imagen raster, del latín rastrum (rastrillo) que es el resultado final de la renderización que para el caso del diseñador gráfico puede ser JPEG, TIFF, PSD, PNG, PDF dentro de los formatos más conocidos.

Si trabajan la nueva integración de Illustrator CS3 con Flash CS3 podrán generar animaciones 3D, es solo una sugerencia para aquellos que les gusta experimentar pues muchos dirán que para eso están los programas 3D antes mencionados, pero para los que no tienen acceso a dichos programas o la paciencia suficiente para soportar muchas pantallas abiertas con miles de opciones, esta es una buena opción y lo mejor, cuando importan un archivo de Illustrator 3D (formato .ai) a Flash el

archivo llega en muchos casos (todo es cuestión de probar) convertido en vectores lo que contribuye enormemente a controlar el peso de la animación, cosa muy distinta a cuando se usan imágenes rasterizadas o videos.

En internet encuentran múltiples links con tutoriales para generar imágenes tridimensionales a partir de un vector en illustrator, solo coloquen en su buscador preferido illustrator 3D y como dice el slogan “el limite es su imaginación” Si lo suyo es el video, la animación 3D, los efectos especiales, los video juegos, anímese a bajar alguno de los programas gratis (freeware) o de 30 días (shareware) que existen en internet y un buen tutorial, recuerde que su computador debe tener una muy buena configuración, memoria virtual suficiente, tarjeta aceleradora de video y mucha paciencia.

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• DIPLOMADO EN CRÍTICA CINEMATOGRÁFICA Con 19 participantes, varios de ellos becados, el programa de Cine y Televisión de la Corporación Universitaria UNITEC, desarrolló un Diplomado en Crítica Cinematográfica, gracias a un estímulo otorgado por el Fondo para el Desarrollo Cinematográfico.

Más de 40 personas, entre estudiantes y profesionales del sector audiovisual y afines, se presentaron, con el ánimo de hacer parte de esta importante capacitación en una de las áreas fundamentales del quehacer cinematográfico, que contó con docentes de la talla de Augusto Bernal, Julio Luzardo, Adyel Quintero y Eduardo Rousseau.

• COORDINADOR DE ÁREA DEL PROGRAMA DE CINE Y TELEVISIÓN INVITADO COMO EDITOR DE LA REVISTA KINETOSCOPIO El profesor Adyel Quintero ofició como editor invitado del número 80 de la Revista (www.kinetoscopio.com , el cual estaba dedicado al actor y la dirección de actores en el cine colombiano. La Revista Kinetoscopio constituye el único medio impreso del país especializado en cine y sirve de apoyo a la formación de públicos en el ámbito nacional.

La publicación es editada por el Centro Colombo Americano de Medellín desde hace 15 años. El número 80 salió a la venta en diciembre del pasado año y contó con entrevistas a importantes directores y actores del medio audiovisual nacional y con algunos ensayos sobre la temática

• UNITEC EN EL XI ENCUENTRO NACIONAL DE TELEVISIÓN Como miembro de la Alianza de Centros de Producción Universitaria, UNITEC, por intermedio de su Programa de Cine y Televisión, participó activamente en este importante evento, cuya temática central fue “Canal Universitario Nacional: Abriendo Espacios”. Los encuentros nacionales son eventos que congregan expertos en televisión, académicos, docentes y estudiantes en torno a la gestión, producción y programación televisiva.

• ENCUENTRO INTERUNIVERSITARIO DE CREATIVIDAD El pasado 24 de Abril, UNITEC fue sede de la presentación final y premiación del “Encuentro Interuniversitario de Creatividad”, en la que participó con una propuesta de campaña que giraba en torno al cuidado en la utilización del Piercing. En este encuentro también participaron las universidades Fundación del Área Andina, Universidad Central, Universidad Jorge Tadeo Lozano, Politécnico Gran Colombiano. El primer puesto para esta propuesta fue otorgado a la Fundación del Área Andina, y Unitec fue galardonada con la mención al “ Mejor concepto creativo”. Nuestra institución estuvo representada por Daniel Hernandez, Ramiro Neira y Sandra Gomez, estudiantes de 5to semestre de Publicidad.

• REVISTA IMAGINANZA CATALOGADA La publicación de la Escuela de la Imagen fue seleccionada y referenciada en el libro “Publicaciones periódicas de cine y video en Colombia 1908 – 2007” de la Fundación Patrimonio Fílmico Colombiano del Ministerio de Cultura.

Esta catalogación pone de manifiesto la calidad de su estructura editorial y gráfica que pretende apoyar la labor docente en UNITEC y generar espacios de reflexión entre los académicos y profesionales en el uso de la imagen en todas sus formas. IMAGINANZA queda ubicada entre revistas con más de 50 años de tradición, aspecto que denota el trabajo dedicado de su comité editorial y que se convierte en incentivo para los que deseen aportar con sus artículos y continuar posicionando la revista aún más.

• UNITEC PRESENTE EN ANDINA LINK Y LATIN SCREEN 2008 La Corporación Universitaria UNITEC, por intermedio de los profesores Juan Camilo Díaz, Asistente del Programa de Cine y Televisión, y Federico Rodríguez Espinosa, Coordinador del CEPAAI, participó en Andina Link 2008 Cartagena de Indias, encuentro que reunió un gran número de proveedores de programas, canales y equipos para la difusión de contenidos en América Latina. Además de participar activamente en los seminarios académicos en donde se estudio el tema la gestión empresarial para la producción independiente de contenidos audiovisuales, los profesores asistieron en calidad de delegados a la reunión de la Alianza de Centros de Producción Universitaria, que contó con la participación de 25 universidades del país, el Ministerio de Cultura y el Canal Universitario Nacional, en donde se discutieron temas alrededor de la producción, financiación y desarrollo de proyectos e investigaciones audiovisuales.

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or la palabra, somos personas; con la palabra nos hacemos entender de nuestros semejantes; gracias a la palabra los comprendemos; la palabra construye el mundo, define la vida, nombra el amor, convoca a la felicidad, entona los himnos y los cantos de heroísmo y de júbilo, le coloca piso a la danza, crea los universos en la literatura, certifica la historia, analiza el pasado, explica el presente y edifica el futuro. La palabra es el hombre, y el hombre es tal solamente en función de la palabra.

Pero hay que saber utilizarla, no sólo en el lenguaje hablado y cotidiano, que es transitorio, sino en el lenguaje escrito, que es el que permanece. Lo que escribimos, es el espejo de lo que somos.

34 Es desolador leer algo mal escrito; y la persona que escribe mal, se presenta mal ante los demás: fragmentada, confusa, dispersa, inauténtica.

La persona que no sabe escribir no inspira confianza. Y no me refiero a los analfabetas, que constituyen otro mundo, sino a los que abusan de la palabra y la denigran y la tergiversan, simplemente porque la desconocen, porque no aprendieron a valerse de ella. El

Importancia de la palabra

El texto escrito es indispensable para entender y explicar la vida. Y se precisa en todas las profesiones y las actividades de los seres humanos. Un buen texto define un dictamen, aclara un fallo, torna comprensible una arenga, le da brillo a un discurso, hace que un sermón sea convincente, resume una audiencia, explica una reunión, sostiene una propuesta, aclara un procedimiento, señala un camino.

Un abogado que no sepa manejar un texto, fracasa en la defensa de su cliente; un ingeniero que no sea capaz de poner por escrito una propuesta, jamás logrará obtener un contrato: un diseñador que no tenga la facilidad de usar las palabras para definir su trabajo, destacar sus cualidades, explicar su importancia, no pasará de ser un trazador de líneas destinadas al olvido; un gobernante que no logre comunicarse con su pueblo, irá directo hacia el fracaso. Y esto puede aplicarse a todos los oficios del hombre, a todos los momentos de su existencia, a todos los estratos donde desarrolle sus actividades: o domina el texto, es decir, sabe utilizar la palabra escrita, o quedará peor que un mudo. Porque quizás su boca hable; pero no sabrá poner su espíritu en un texto, y por eso morirá condenado al silencio.

A todo alumno, se le trata de enseñar a usar adecuadamente la palabra, a construir con ella un texto legible y agradable, a darle forma física a sus pensamientos, a utilizar el lenguaje para definir sus aspiraciones y sus sueños. Eso empieza en los años de pre-escolar, y sigue en los cinco largos años de la primaria; más adelan-

te, en el bachillerato, se insiste en la necesidad de usar la palabra, de saber lo que significa, de apoyarse en ella para expresar la vida. Así que son más o menos trece años durante los cuales un individuo debería aprender, sobradamente, a escribir de una manera coherente y correcta.

Pero muchas personas (y lo alarmante es que son cada vez más y más), no creen en la importancia del texto en todas las actividades existenciales. Y pasan como sombras, sin tener una voz propia, sin definir una idea que los identifique, sin hacer presencia real en el mundo. Los que no saben usar la palabra para escribir un texto, son los que forman las largas y dolorosas filas de los que pasaron por la vida como pasa la sombra del vuelo de un pájaro sobre el agua: no dejaron ninguna huella, no lograron edificar en torno suyo la más leve medida de un recuerdo.

La importancia de la Palabra Fernando Soto Aparicio / Escritor y Poeta / Autor del libro ”La rebelión de las ratas”

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que al escribir masacra las palabras porque no las aprendió, recuerda siempre un avestruz que envidia la agilidad de un cóndor.

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UN LABORATORIO DE CINE EN COLOMBIA Julio Luzardo / Realizador cinematográfico

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mediados del mes de Noviembre del 2006 se publicó una noticia lacónica en la prensa y a través de internet que no tuvo mucha resonancia en los medios nacionales y que poca gente comentó en su momento, pero que es de gran importancia para el medio cinematográfico del país. La nota se refería escuetamente a la compra de un gran terreno en Bogotá que estaría destinado para ser la sede de un importante centro de postproducción de cine, sucursal de un importante laboratorio argentino, que contaba con “el respaldo de empresas en Chile, Argentina, Brasil y México, entre las que se encuentran Cinecolor Argentina, Megacolor Brasil, Chile Films y Andes Films.” Además “el laboratorio ofrecerá servicios integrales en postproducción y laboratorio de cine. Tendrá una sala de revelado, dos telecines, uno de ellos Spirit, dos salas de edición, digital recording, un estudio de trascripción de sonido, entre otros servicios”. (1) Sinceramente, este es como un sueño hecho realidad para los que llevamos demasiados años trabajando con las uñas y que siempre hemos creído que el cine es de las profesiones más bellas creadas por el hombre. Pero ante la realidad de la tecnología, del poco interés o conocimiento del público de

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¿Será demasiado tarde?

37 los problemas técnicos detrás de la hechura de una película, de la masificación de los medios audiovisuales digitales, que se encuentran a la mano de cualquiera, si fundar un laboratorio de cine en Colombia en este momento es como tratar de revivir un dinosaurio, o como para ser más directos, de crear otro “elefante blanco”. No quiero pecar de ser demasiado pesimista, pero creo que debemos estudiar algunos hechos históricos como para evaluar el impacto de un hecho que nos llega demasiado tarde, como desgraciadamente siempre nos ha sucedido en Colombia.

Como dato curioso, la primer película Colombiana, “María”, realizada en 1922, por los españoles Alfredo del Diestro y Máximo Calvo, fue revelada y copiada en el oratorio de la finca El Paraíso y lavada en las aguas cristalinas del Río Amaime(2), que corrían justo al lado del sitio de filmación. Era la costumbre de la época usar la misma cámara de filmación, que normalmente era hecha de madera, como copiadora también. Todo el cine que se hizo en el país hasta los inicios de los años cincuenta se hacía en tanques hechizos y secado en barriles de madera donde se enrollaba precariamente la película.

La hija de Máximo Calvo, Esperanza, cuenta en una entrevista que secaban

la película “Flores del Valle”, donde ella era la protagonista, en bastidores que tenían en la cocina junto con los empleados de la finca familiar, a inicio de los años cuarenta (2). El sonido de cine llegó a Colombia 12 años después del resto del mundo y el sonido directo magnético se empezó a utilizar un poco después del año 1970, casi 20 años después del invento de la grabadora Nagra, así que no nos deben sorprender hoy en día los retrasos tecnológicos del cine colombiano.

Después los noticieros de Panamerican Films, Inravisión y Cinematográfica Colombiana llegaron con sus reveladoras metálicas, hechas específicamente para cine, y abrieron el paso para la producción cinematográfica en blanco y negro en el país hasta el cambio a color de la televisión durante el Mundial de Fútbol en el año 1982. El color llegó a mediados de los años 70 con Bolivariana Films, seguido o suplantada en 1981 por los Laboratorios Bacatá, empresa dedicada al copiado y revelado de películas. En ella se procesaron la mayoría de las producciones de largometrajes colombianos producidos por Focine, la serie Yuruparí y muchos cortometrajes de sobreprecio.

Por esa época, el español Joaquín Rodríguez, funcionario de este laboratorio afirmó: “Una de las razones que

nos motivó a montar este laboratorio en Colombia, fue la incertidumbre y los riesgos que le conllevan al realizador cinematográfico aquello de tener que procesar en el extranjero. Al comenzar sus labores Laboratorios Bacatá, no solo aspira a llenar un gran vacío dentro de la industria cinematográfica, ofreciendo los servicios del laboratorio; sino que pretendemos además, ofrecer los conocimientos adquiridos en nuestra prolongada vida profesional a los técnicos que deseen consultarnos”. (3) Sin embargo la falta de una producción sostenida motivó entre los dueños la venta del laboratorio y a finales de los años ochenta Cine Colombia lo compró y allí comenzó a funcionar su propio laboratorio, más que todo para hacer copias de películas que compraban en el extranjero y distribuían en varios países de Latinoamérica. Ante el avance del videotape, la tecnología digital y la edición no-lineal, sin mencionar que todo el trabajo en cine se estaba haciendo en el exterior debido al gancho de la posproducción, el laboratorio dejó de ser un negocio interesante, fuera de servir como escenario práctico para estudiantes de las carreras de cine y un poco antes del fin del siglo pasado las instalaciones fueron donadas a la Universidad Nacional.

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El panorama al que nos vemos enfrentados en el momento es el de una cinematografía en pleno “boom” de desarrollo, con mayor y mejor producción anual, en un ámbito donde están empezando a proliferar las producciones totalmente realizadas en digital debido a los supuestos costos menores que, a la larga, son un mito ya que tomando en cuenta ejemplos donde sólo cambia el material y proceso utilizado, la diferencia entre filmar en cine y en digital puede ser no más de un 3% a 5%, a favor de filmar digitalmente, pero tiene el peligro de costar mucho más ya que son más procesos costosos en postproducción los que se tienen que recorrer y cualquier error pequeño puede voltear la balanza. Por algo los productores colombianos que más han estado produciendo últimamente con una regularidad impresionante, Dago García y CMO Producciones, siempre producen en 35mm. La razón es muy simple: mayor calidad asegurada y un tiempo record en la etapa crucial de postproducción. La gente joven, sin experiencia en los rigores del cine, sin la sabiduría de los años, prefieren rodar en digital y tener la opción de filmar dos o tres o hasta cuatro veces más material que lo que podían hacer en cine, donde cada pie rodado es como oro y requiere la confianza, que solamente el tiempo y la experiencia pueden brindar.

Preocupa mucho en cualquier negocio como éste romper las tradiciones que vienen manejando los procesos

desde hace muchos años. La tremenda dependencia en la utilización de los laboratorios de Miami, Nueva York, Los Angeles, Caracas, Buenos Aires, Santiago y, en el caso de los comerciales, el famoso y altamente corrosivo “turismo creativo” del personal de las agencias de publicidad que aprovechan para estar viajando constantemente a estas ciudades, de turismo, de “shopping”, a costillas de los incautos clientes bajo la excusa de “estar supervisando” el trabajo entre manos.

Al tener un laboratorio local a la altura de cualquiera del mundo, no le va a gustar a mucha gente y es seguro que van a ser los mayores críticos de la costosa aventura. Sin embargo, Colombia está lista y preparada para dar este salto fundamental, así le haya llegado tarde, trasnochado y casi sin gasolina. Al país le va a hacer mucho bien, va a cambiar la perspectiva de cómo se realiza cine en el país y, en mi opinión, va a volver a crear otro “boom” en el medio cinematográfico que pocos pueden ver en su total magnitud en este momento.

En Colombia desde hace muchos años se han hecho evaluaciones sobre la rentabilidad de un laboratorio de cine y los resultados no han sido muy favorables, pero si el laboratorio se respalda con una solida y bien pensada inversión en postproducción, incluyendo el traspaso fundamental de digital a cine 35mm, las posibilidades pueden ser insospechadas. La seriedad de la empresa que está haciendo la inversión

está comprobada por su experiencia en Argentina, Chile, Brasil y México, y Colombia, gracias a su privilegiada posición geográfica entre los dos continentes, respaldada además por una producción cinematográfica en pleno “boom”, sin igual en Latinoamérica.

Y como en todas las cosas de la vida, lo importante es llegar, de pronto todavía no es demasiado tarde...

(1) Extraído del artículo “Laboratorio Cinecolor en Colombia” publicado en el magazine de Internet extroversia.universia.net en el mes de noviembre de 2006.

(2) Entrevista personal a Esperanza Calvo, hija de Máximo Calvo, fotógrafo y director de “María” (1922) y “Flores del Valle”(1941), la primer película sonora en la historia del cine colombiano.

(3) Frases de una entrevista concedida por Eurípides Beltrán, socio y gerente de Laboratorios Bacatá, en los años ’80 y reseñada en la página web de la Fundación Patrimonio Fílmico Colombiano.