DJ MAG LA 011 by DJ Mag Latinoamérica

Ecuador 367 piso 13 oficina A - CP: 1214 Ciudad Autónoma de Buenos Aires Buenos Aires - Argentina +54 11 4778 1500

EDITORIAL Director de Proyecto B A N Dirección Nicolás Barlaro, Pety Peltenburg Editor Hernán Pandelo hernanp@djmagla.com

COMERCIAL Relaciones Institucionales Gustavo Rana gustavorana@djmagla.com

Publicidad y Comercial Belén Casas

HETEROGÉNEO

info@djmagla.com

Producción de Eventos Roberto Fernández rfernandez@djmagla.com

Siempre que llega este momento del año, ponemos el foco en

DIRECTORES LOCALES

los eventos que ocurren en el verano del hemisferio norte. No

Hernán Pandelo

Jorge Mealla

Argentina/Uruguay

Bolivia

Juani Vender

Carlos Gomez

Chile

Colombia

Fernando Kriete

Enrique Ponce

El Salvador

Guatemala

José Javier Canterano

Rodrigo Nogues

Perú

Paraguay

es que aquí no haya cosas sucediendo pero, digamos la verdad, allá, en este momento del año, hay propuestas que, simplemente, no podemos pasar por alto. La temporada en Ibiza, este año, vive un momento especial, con una de sus franquicias más grandes despidiéndose en lo que puede ser uno de los hechos más importantes de la historia de la isla. Space Ibiza ha forjado toda una cultura alrededor de su terraza y de sus intenciones musicales, con Carl Cox como principal abanderado de un movimiento genuino y hedonista que se rehusó a ceder todo ante el avance de los tratamientos VIP que vive la isla. Ahora, con el cambio de dueños del antiguo local, Carl Cox decide culminar con su residencia de 15 años de antigüedad para no perder el balance que lo llevó a ser quién

DISEÑO Dirección Alejandro Ramos aleramos@djmagla.com Diseño María Laura Sánchez info@micapsula.com Diagramación Sergio Aguirre

AGRADECIMIENTOS Agustín Festa, Ariana Ramos, Bad Boy Orange, Belén Prado, Charlotte, Damian Pintos, Dennis De Bruin, Emma Buezas, Facundo Adrián Carrizo, Facundo Rodríguez, Gonzalo Cirulli, Gonzalo Solimano, Kevin Muter, Lemonade, Marcelo Fratini, María Florencia Dorado, Mariano Trocca, Martin Carvell, Mental Crew, Natalie Wills, Nelson Alvarado, Nicolás Festa, Paola Testa...

es. Mientras, en la nota de tapa, Dash Berlín habla de Las Vegas como nuevo polo electrónico, superando ampliamente a Ibiza por el hecho de funcionar los 365 días del año. ¿Está empezando un proceso de descentralización de los eventos importantes? ¿Vivimos una heterogeneización de las propuestas? Nos ilusiona creer que es así y que, desde Latinoamérica, les abrimos los brazos a los aventureros que quieran desprenderse de algunos clichés y venir a probar suerte a esta región hambrienta de propuestas.

HERNÁN PANDELO Editor

DJ MAG LATINOAMÉRICA es una publicación de Paste S.A. Todas las notas firmadas son opinión de sus respectivos autores. Se prohíbe la reproducción total o parcial de esta revista, sin previa autorización por escrito de Paste S.A. Los avisos comerciales de esta revista son responsabilidad exclusiva de los respectivos anunciantes. All the brands and/ or product names and artwork are trademarks or registered trademarks of their owners. Todas las imágenes y marcas reproducidas en esta revista son Copyright de sus respectivos autores o compañías y aparecen aquí por motivos exclusivamente periodísticos. DJ MAG LATINOAMÉRICA número 011 - Agosto de 2016.

ÍNDICE ¿Qué está pasando?

Contenido CABEZA DE CARTEL

Nota de tapa con el siempre amable Dash Berlin.

BUSCAR LO INESPERADO

36 40

Suenan las montañas

SIGUIENDO LAS SEÑALES

Sin muros

Free

Joven realidad

Pionera electrónica

Conectados al máximo

DANDO EL SALTO

¡TODOS DICEN HYTE!

Solano está buscando la libertad creativa.

En la pista

Chris Liebing, Loco Dice y Pan Pot hablan de su residencia en Ibiza.

Alto rendimiento

CARNAGE FLAMEA SU PROPIA BANDERA

Mutek

El capo del festival trap habla de todo.

Vanguardia Sónica

EXCLUSIVE MIX

Una historia de amor

DJ Paul y Edu Imbernon te regalan sus sonidos.

A PASO FIRME

Un repaso por los 25 años de historia del sello Soma.

UNA HOSTORIA APROPIADA

Shifted nos habla de su nuevo álbum.

SEXISMO ELECTRÓNICO

Helenna Hauff y Julianna hablan sin pelos en la lengua.

LOS ÚLTIMOS PASOS

Justice Unlock en vinilo

Sick Individuals y un presente cada vez más promisorio.

9 11

LOCA OBSESIÓN

DJ MAG TOP 10O

Boys Noize y una profunda charla sobre su nuevo álbum de estudio. Mariano Mellino cosecha los frutos de su esfuerzo.

CARA A CARA CON VIRGINIA

La alemana habla de su nuevo álbum de estudio.

LUCKY 7: MARKUS SCHULZ

112

El alemán y siete canciones fundamentales.

Deep House

Mainstream

Bass

Tech House

Trance

Techno

Tech 100

Mordiendo la manzana

101

Rey de reyes

103

Procesos de producción

104

Imágenes en síntesis

109

El regreso de Technics

109

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Música

Carl Cox nos llena de nostalgia hablando de Space Ibiza.

¿QUÉ ESTÁ PASANDO?

¡LA VOTACIÓN DEL TOP 100 DJS ESTÁ ABIERTA! La encuesta MÁS GRANDE

DEL MUNDO DE LA MÚSICA vuelve a abrirse al público. ¿Quién triunfará este año? 8

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VAMOS. APÚRENSE. Preparen

sus teclados y sus computadoras. El momento que hemos estado esperando todo el año ya está aquí. La votación del Top 100 DJs está abierta y es necesario que apuntes tu voto para apoyar a tus artistas favoritos. Se pude votar a través de la web de DJ Mag, eligiendo a los mejores cinco DJs de los últimos 12 meses, hasta el miércoles 14 de septiembre a las 11.59 pm.La

votación, que abrió el pasado 6 de julio, lleva buen tiempo abierta y espera por la opinión de todos. Cada uno de los votos cuenta. ¡Deberías hacer lo propio y apuntar el tuyo! Una vez más, el verdadero climax de la encuesta más grande del mundo de la música coincidirá con la gran celebración de la música electrónica que tiene lugar en Ámsterdam en el mes de octubre –Amsterdam Dance Event (ADE).

¿QUÉ ESTÁ PASANDO?

Desde que se mudó la ceremonia del Top 100 DJs a Holanda, ha pasado por una serie de diferentes predios incluyendo el Passenger Terminal, Convention Factory y hasta el mismísimo estadio del equipo de fútbol AFC Ajax, el año pasado, llamado The ArenA. Este año, el ganador será coronado en el increíble espacio del Heineken Music Hall, que alberga a unas 5500 personas, el miércoles 19 de octubre. El show, además, será la primera noche del Amsterdam Music Festival (AMF), donde se presentarán sets de parte del DJ N°1 del mundo y de algunos de los nombres más importantes de la escena electrónica global. Los resultados completos del Top 100 DJs se harán presentes a través del Twitter y el Facebook de DJ Mag y de nuestras plataformas digitales, hasta llegar al gran anuncio del nuevo N°1 que tendrá lugar a la medianoche de Ámsterdam. Luego de las celebraciones en Holanda, el equipo de DJ Mag volverá a sus tierras de Inglaterra con la fiesta del Top 100 DJs Awards Party el sábado 22 de octubre en el 02 Brixton Academy de Londres. El año pasado, el dúo belga Dimitri Vegas & Like Mike se convirtió en el único dúo en llegar al primer puesto, desplazando al dos veces ganador Hardwell al segundo lugar. El jovencito Martin Garrix se llevó la medalla de bronce, mientras que el resto del Top 10 fue completado por artistas del nivel del cinco veces ganador Armin Van Buuren, Tiësto, Skrillex y David Guetta. No es un secreto que estos nombres, año a año, tienden a generar reacciones negativas en el mundo del underground pero, antes de pensar que el Top 100 DJs sólo se trata de EDM, debes entender que se trata sólo de una encuesta pública, votada por ustedes. La razón por la que los gigantes del EDM dominan es, simplemente, porque hacen campaña pero, el año pasado, artistas como Jamie Jones, Maceo Plex, Paul Kalkbrenner, Seth Troxler y Marco Carola se metieron en los “Next 50” –del puesto 101 al 150- sin mover un solo dedo para promoción. Los seguidores de los estilos más underground –y los DJs del underground- no deberían tener vergüenza de participar. Con casi un millón de votos llegando de todas partes del mundo -todos con cinco elecciones cada uno- y la plataforma de votos expandiéndose a más territorios este año –incluyendo traducciones de la aplicación de votos al ruso, chino y japonés, más otros siete lenguajes-, ¡todo puede pasar! Si no te gusta la lista actual, la única manera de cambiarla es votando. De hecho, deberías avisarles a todos tus amigos que voten. Y si crees que las posiciones están bien, sólo pueden mantenerse así si tu votas. De cualquier manera, volveremos a tener la expectativa puesta en estos meses que se vienen, y no podemos esperar por los resultados. n

JUSTICE LANZA NUEVO MATERIAL

DESPUÉS DE CINCO AÑOS El dúo francés sorprendió con “Safe And Sound”.

l sello discográfico de origen francés Ed Banger Records lanzó la primera pieza musical del dúo parisino en los últimos cinco años. “Safe And Sound” es el verdadero regreso de Xavier De Rosnay y Gaspard Auge, quienes han estado trabajando en su tercer álbum de estudio a lo largo de los últimos dos años. Con la presencia de la Orquestra Contemporánea de Londres y un coro, el flamante corte es una pieza de electro-disco romántica que llega repleto de emoción e intensidad en manos del dúo. En una entrevista con Annie Mac, en Radio 1 de la BBC de Londres, aseguraron que su tercer álbum de estudio, que aún no tiene demasiadas cosas confirmada, ha estado siendo creado en los últimos dos años y, aunque no hayan estimado nombres en particular ni se haya establecido una fecha de lanzamiento, los fanáticos de Justice especulan con que puede llegar a llevar el nombre “Church”, debido a que es el nombre que lleva el nuevo sitio web del dúo, donde -por un tiempo limitado- se podía descargar el interesante y esperanzador tema. Los fanáticos del dúo que lanzó como último trabajo el álbum “Audio, Video, Disco”, hace unos cinco años, han estado en vilo, esperando por una pista que los lleve a nueva música de Justice. Ahora, crece la expectativa y todos esperamos por la obra completa. n www.justice.church

¿QUÉ ESTÁ PASANDO?

UNLOCK RECORDINGS

lanza nueva serie de EPs El primero llegó con tracks de Leonel Castillo, Franco Cinelli, Jorge Savoretti y Fosky.

l sello que dirige Gonzalo Solimano comienza el año con el primer EP de “Collaborations”, la nueva serie en vinilo que propone unir a artistas amigos del sello con el objetivo de editar música underground de calidad. La idea que nació detrás de este nuevo concepto tiene como objetivo englobar las producciones de diferentes artistas que compartan una visión y una forma de hacer música. Para esta primera edición, se hicieron presentes las canciones de los héroes locales Leonel Castillo, Franco Cinelli, Jorge Savoretti y Fosky. El primer corte es “Vibraphonistix” y, como su nombre lo indica, es una pieza musical en la que el vibráfono ocupa el rol principal. Además, las líneas de bajo dejan en evidencia las influencias del dub y la habilidad de Leonel Castillo a la hora de producir. Seguido, aparece la única colaboración del disco: “Din Cartier”, el tema a cargo de Jorge Savoretti y su partner rumano Paco Wegmann, sube la temperatura del lado A con sus sintes ondulantes y un trabajo impecable del ritmo. Definitivamente, un tema para poner en la hora pico.

El lado B comienza con “Benefits”, la producción que aporta Fosky y que llega cargada de techno climático y unos pads profundos. Para el final, “Mindout” de Franco Cinelli cierra el disco con una secuencia súper caliente y un beat contundente. Otro de los tracks que, sin dudas, va a causar daño en cualquier pista de baile. Además de contar con una excelente conceptualidad sonora, el arte de tapa de cada disco es una obra de arte coleccionable de la artista gráfica y visual Gisela Faure, completando así un producto digno de cualquier colección. “Collaborations 1” ya está a la venta en las principales disquerías especializadas del mundo y en Argentina, a través de la tienda de Unlock Recordings: shop@unlock-e.com La segunda entrega de la serie, al parecer, tiene fecha prevista para septiembre de este año y contará con las interesantes participaciones de Barem, Christian Burkhardt, Federico Molinari y Solimano + Bruno De Vincenti.

¡Excelente apuesta del sello argentino! n

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¿QUÉ ESTÁ PASANDO?

SUENAN LAS MONTAÑAS La cuarta edición del Breakfest Festival se realiza el 1 de octubre y tiene a la cabeza a Paul Kalkbrenner y Capital Cities. Texto: MAURICIO ATENCIA

iempo, ritmo, y melodía, la triada primigenia que, después de tres exitosas ediciones, el festival Breakfest quiere desarrollar en su cuarta edición. “Desenterraremos de las profundidades los primeros rastros de nuestros ancestros y sus ofrendas. Bailaremos alrededor de la marca sagrada donde, alguna vez, aquellos antepasados eligieron su gran ofrenda y solicitaremos con humildad a Tahmi, Nutab y Katío, para que las montañas de nuestro valle, resuenen a lo lejos”, expresaron los organizadores sobre esta nueva experiencia, haciendo referencia a los tres dioses ficticios que se encargarán de hacer que las montañas suenen en el Valle de Aburrá. El festival, que contará con dos escenarios diferentes, tiene a la cabeza a Paul Kalkbrenner,

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quien llegará presentando toda su música clásica y moderna. Junto a él, habrá otros headliners que se harán presentes, trayendo toda su impronta para la región. Entre ellos, aparecen el cada vez más convocante Claptone, el francés Vitalic y todo su electro y Skream, uno de los mayores referentes de la escena dubstep y garage del Reino Unido que no tiene tanta rotación en tierras sudamericanas pero sí prestigio a nivel internacional. Por otro lado, habrá presentaciones más versátiles, como la del grupo Capital Cities, proyecto que cautivó al mundo con hits como “Kangaroo Court”. Ryan y Sebu llegarán con ese electro pop fiestero para hacer que en Medellín las montañas suenen al oír su música -y la de otros artistas como Popstitute, Dany F o el dúo bogotano Nuclear Digital Transistor.

Por fuera de la electrónica, habrá propuestas como Molotov, Julian Marley & The Uprising, Frente Cumbiero, Telebit, Caloncho y Saail, apostando a sonidos más alternativos y folclóricos. El Parque Norte de Medellín vuelve a ser el lugar idóneo para llevar a cabo el festival que, el 1 de octubre, le entregará al público más doce horas de música. Oportunidad ideal para disfrutar varias atracciones del lugar mientras se escuchan algunos de los mejores talentos musicales, tanto a nivel nacional como internacional. n

¿QUÉ ESTÁ PASANDO?

SIN MUROS Jorge Ciccioli sigue posicionado firme en la elite del techno internacional. Pasado, presente y futuro que convergen en una figura que tiene cuerda para rato...

esde que lanzó el “Gum EP” en el año 2009 en la plataforma discográfica Dekadent Schallplatten de Alemania, Jorge Ciccioli empezó a tener visitas regulares a Europa y pudo permanecer en tierras del Viejo Continente por períodos de tiempo más extensos. Con Berlín como base, fue acrecentando su status, sumando experiencias y plasmándolas en su sonido, tanto en presentaciones en el extranjero como en su Argentina natal. El pasado mes de julio, volvió a la capital alemana luego de tres años de ausencia y nos contó cómo fue la aventura. “No podía dejar pasar más tiempo sin volver.” ¿En qué lugares estuviste tocando? “La primera fiesta fue en el club Supersonic de Paris. Es una locación en el barrio ‘República’, donde se desarrollan diferentes tipos de ciclos. En este caso, los organizadores eran Asio -conocido como RPlay- y Arnaud Noaria, ambos artistas, de un sonido emparentado con el mío, del sello Orbeatal. También, fue parte del line up el argentino Cristian Burstein, quien pasa seis meses por año en Goa haciendo una residencia, y un DJ de Mumbai. Era una sala para unas 150 personas y fue mi primera experiencia en esa ciudad. La fiesta estuvo buena y quedamos que, para el año 2017, vamos a ir por un club aún más importante. La segunda fue en Burg Schnabel, en Berlín. Es un club con dos pistas, muy cerca de Chalet y el Club der Visionaere. El line up estuvo integrado por Talul, un alemán del sello Grate Staff, y mi amigo y gran DJ Nacho Sauchelli -Deep Sense Recordingsde Córdoba, que reside en Berlín desde hace tres años. Lo más destacable, la cantidad de amigos argentinos que vinieron a sumarse a la noche. La tercera fue la más especial de las fechas. Sisyphos es, para algunos, el mejor club de Berlin, hoy en día. Tiene tres pistas, la propuesta musical es variada, y tuve la oportunidad de tocar en la más grande que es de techno y se llama ‘Hammerhalle’. Tiene sonido Funktion One y todo es absolutamente imponente, profesional y de primera linea. Compartí el line up, ese sábado a la noche, con Daniele Papini. Entrar a Sisyphos es entrar un submundo electro hippie muy colorido y amigable. Se destaca por la buena onda de la gente y lo particular que es el lugar. Sus salas y las decoraciones en todos sus espacios. Recomiendo visitar el website para que se den una idea. Hubo una cuarta fecha pactada en el club Magdalena, de Berlin, que cuenta con un sistema de Audio Pioneer imponente pero, finalmente, la fecha se canceló y quedó pendiente para la próxima visita.” ¿Cómo fue la experiencia en general? “En una gira te pasa de todo… Pasás por todos los estados de ánimo y eso, quizás, es lo que hace enriquecedora la experiencia. Nunca deja de ser una aventura llena de enseñanzas y dificultades de todo tipo. También, de increíbles sorpresas. De todas las veces que estuve allá, siento que fue la mejor, tanto a nivel musical y

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personal. Y, con vistas a regresar el 2017 para incluir nuevos destinos…” ¿Qué sensaciones te trajiste de este viaje? “Volví muy motivado para continuar y seguir desarrollando esto que hago. A nivel giras y a nivel trabajo en el estudio. También, sentí que, gracias a las redes sociales, todo se sabe acá y allá.” ¿Cuáles fueron los mejores momentos? “La última semana fue muy divertida. Llegaron muchos amigos a Berlin, toqué dos veces ese último fin de semana y eran dias de verano muy lindos, donde era un gusto ir a reunirse en el Club Der Visionare y disfrutar de la música y el lugar. Otra gran experiencia fue ir a un evento de Ableton, donde pude compartir una comida con los fundadores de este software que ganó tanto protagonismo en los últimos años y saber un poco más de todo esto. Además, cruzarme con Kevin Saunderson en el Aeropuerto Charles de Gaulle, de Paris, o a Tricky caminando por la calle. También, pude disfrutar algunas sesiones en el estudio junto a Moog Conspiracy, donde compartimos tips y e hicimos un poco de música.” ¿Qué cosas extra musicales pudiste hacer durante tu estadía en el Viejo Continente? “En este momento de verano, lo que más se aprovecha es poder estar por la calle, los parques, los lagos, las caídas del sol... Disfrutar el lugar que luego pasa un invierno de seis meses. Hacer caminatas y perderse por la ciudad.” Siendo un experimentado DJ de tierras latinas… ¿Cómo ves a la escena allá? “Los clubes tienen mucha identidad y es parte de la cuestión integrarse a esa comunidad que pasa muchas horas allí. Por momentos, creo que eso supera, inclusive, a lo musical. Son de preferir más los clubes rústicos que los modernos, pero hay de todo y para todos los gustos. La duración de las fiestas y clubes hace que la música y los sets sean más una cuestión de musicalización que de performance. El DJ no tiene que salir a demostrar sino, más bien, a generar un momento musicalmente agradable o interesante, y los sets suelen ser, mínimo, de tres o cuatro horas.” ¿Cómo se vive allá y cómo ven a los artistas argentinos? “Es una ciudad cosmopolita y esta todo bien con todos. Lo común es reunirte con gente de todos lados. A nivel musical, considero que ya hace tiempo hemos sido reconocidos y bien recibidos.” Hablando de tierras latinas, fuiste el encargado de darle rienda al proyecto del desembarco de Crobar Be Techno en Montevideo… ¿Cómo estuvo esa experiencia acompañando a Julian Jeweil? “¡Estuvo increíble! El club tiene una estética muy similar a Crobar de Buenos Aires. Es grande y de techo alto. El sonido muy bueno y el público

de Montevideo se conecta con la música desde el primer track. Toqué 5 horas y 40 minutos esa noche, así que pude pasar por todo el abanico de géneros por donde me suelo mover y fue más que un gusto compartir el line up con Julian Jeweil por segunda vez en tierras uruguayas. La anterior fue en Ovo de Punta del Este.” ¿Qué opinión te merece que la escena latina cuente con este tipo de eventos? “Creo que en Latinoamerica hay muchísimo por crecer y por generar. Todo resulta novedoso porque en muchos lugares no es mucha la propuesta que reciben. Entonces, la expectativa es grande cuando algún DJ, fiesta o club llega a alguna ciudad de la región.” Estás dentro hace mucho tiempo… ¿Se vive una expansión de los sonidos electrónicos? ¿Paró un poco el crecimiento? ¿Cómo lo ves? “Creo que cada vez son más los destinos posibles para un DJ, a la hora de viajar por la región latina. Cada vez hay más DJs y productores, fiestas, clubes y público. Lo veo creciente.” Y, personalmente, ¿en qué momento de tu carrera te encontrás? El presente parece ideal, siendo número puesto en muchas de las fiestas del género en el país. “Estoy disfrutando mucho todo lo que me dio dedicarme enfocadamente a esto. Fiestas, amigos, bookings -Unique Community-, contactos y ediciones en sellos donde soñaba estar e ir mejorando también la técnica y el desarrollo de

lo que hago en vivo y en el estudio. El hecho de poder tocar seguido en buenas fiestas también es parte de ese poder crecer. Es como para un piloto tener horas de vuelo… Por un lado, recojo logros por lo que hice tiempo atrás y, por otro lado, tengo muchas cosas que hacer por delante. Digamos que entre ese promedio se encuentra el ‘tiempo presente’.” ¿Cómo te comparás con tus primeros días dentro del mundo de la música? “La escencia sigue siendo la misma de siempre. Musicalmente, podría buscar un set o un demo del 2004 y aún seria escuchable. Lógicamente, el camino es lo que te va a dando la experiencia y los cambios.” ¿Y cómo te ves en el futuro? “Me tienta mucho abrir mi propio sello pero no sé si aún es el tiempo de eso. En algún momento, sin dudas, lo voy hacer. Quizás, también tener algún programa de radio y que las giras sean cada vez más y mejores.” ¿Qué objetivos tenés musicalmente? ¿Sueños por cumplir? “Seguir haciendo y haciendo.” ¿En qué proyectos estás metido ahora que nos podés contar? “En estos días, estoy terminando un par de remixes y, después de esto, tengo pensado dedicarme de lleno a producir una seguidilla de tracks originales.” n djmagla.com

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“FREE” EL NUEVO TRACK

DE EDDY KARMONA Y ALEX ARMES Los artistas contaron la colaboración de Bay Brooks en las vocales. Texto: MAURICIO ATENCIA

uego de éxitos individuales como “Only You” de Eddy Karmona y “Fall”, de Alex Armes, los productores paisas, representados por la agencia E Label Music, unieron su talento en una nueva producción que se estrenó a nivel mundial. “Free” es la más reciente apuesta de los DJs antioqueños de progressive house, que cuentan con una importante trayectoria, la cual suma grandes festivales electrónicos y escenarios junto a los nombres más importantes del género. El nuevo sencillo, contó con la colaboración de Bay Brooks, participante del concurso The Voice en los Estados Unidos, que logró captar la atención y participación de nombres tan importantes en la industria, como el de Simón Brand, quien participó como director del video.

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Con la firma del director caleño, quien ha recibido tres nominaciones al premio Grammy y ha trabajado para cantantes como Juanes, Enrique Iglesias, Paulina, Rubio, Ricky Martin, Shakira y Celia Cruz, entre otros, la canción cuenta la historia de un sentimiento de libertad donde el amor y la música juegan un papel importante. El video, que fue filmado en un escenario increíble ubicado en Big Bear LA, fue lanzado en Los Ángeles el pasado 23 de julio y en Colombia el 4 de agosto. Además, ha generado ruido gracias al contagioso ritmo de la canción y la melódica voz de la cantante que combina una excelente fotografía con la nueva producción de los artistas. n

¿QUÉ ESTÁ PASANDO?

JOVEN REALIDAD Hablamos con Danny Avila sobre su último paso por México. El jovencito nos habló sobre el presente de su carrera y de la escena española, de sus visitas a la región y de las ganas de iniciar su propio sello discográfico...

OLA, DANNY. ¿CÓMO ESTÁS? ¡CUÉNTANOS UN POCO SOBRE TU ÚLTIMO PASO POR MÉXICO! ¿DÓNDE TE HAS PRESENTADO?

“Mi última parada en México fue en Chihuahua, con Deorro. ¡Fue algo espectacular! Cada vez que voy a México me sorprende la energía del público. Incluso, antes de mis primeras actuaciones ahí ya recibía mucho apoyo en redes sociales, etcétera… ¡México es uno de los públicos mas entregados del mundo!” ¿CÓMO TE HA IDO? HÁBLANOS DEL EVENTO Y EL LINE UP DEL MISMO...

“Era en un recinto para unas cuatro o cinco mil personas, si mal no recuerdo. Actué con Deorro. No me pude quedar a escuchar más de 30 minutos de su set ya que tenía que volar directo a Estados Unidos. El show fue increíble. Como ya decía antes, cada vez me sorprende más la energía del público y lo entregados que son. Hubo un pequeño percance a comienzo de mi set pero, como dicen, son cosas del directo. Básicamente, la mesa donde estaban colocados los platos no continuaba hasta los monitores que estaban a cada lado mío y yo desconocía esto. No veía 20

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muy bien ya que la cabina estaba bastante oscura y al subirme a la mesa, fui a apoyarme en el lateral y me caí sobre el monitor. Pero no pasó nada grave y continué con normalidad…” EL EDM ESTÁ FUNCIONANDO BIEN EN MUCHOS LUGARES DE LA REGIÓN. ¿QUÉ OPINAS DEL FENÓMENO?

“Ha sido muy interesante ver esta evolución en los últimos años. Sobre todo, en mi caso, ya que yo empecé a hacer música y tocar antes de la gran explosión de estos géneros, que ocurrió hace unos cinco años, aproximadamente. Es increíble ver la cantidad de subgéneros y artistas que siguen saliendo todos los años. Creo que la clave para seguir motivado y creciendo es ser tú mismo, respetar tu estilo y personalidad, pero siempre estar abierto a nuevas influencias.” ¿QUÉ DIFERENCIAS EXISTEN ENTRE LA MADURACIÓN DE LA ESCENA AQUÍ Y EN EUROPA?

“Hay que reconocer que la escena en Europa lleva muchos más años y es, de alguna forma, un poco más madura que en el resto del mundo. Más que nada, por experiencia... Es

difícil explicarlo pero hay muchos sitios de Europa en los que realmente tienes que tocar un buen set para sorprender al público ya que han escuchado a miles y miles de artistas y tienes que saber destacar. Pero la parte positiva de esto es que, el viajar a otros países como México o, incluso, Asia, te abre los ojos y ves el hambre que tiene el público de ver a nuevos artistas y escuchar nuevos géneros.” ¿QUÉ COSAS TE GUSTAN DE LLEGAR A ESTAS TIERRAS?

“Lo que más me gusta de todo es la amabilidad de la gente. Me parece una cultura muy entregada y positiva. Sobre todo con los fans que son muy entregados.” ¿QUÉ TIENES PLANEADO PARA ESTE AÑO?

“En cuanto a actuaciones y giras, estoy intentando estar más a menudo por México y toda Latinoamérica. La respuesta del público y el apoyo que recibo por esos países es increíble y, por eso, quiero intentar devolver, de alguna forma, este cariño a mis seguidores. Por supuesto, continúo con el resto de girar a nivel mundial por Europa, Asia y Estados Unidos. Hago mi primer tour en Australia, alrededor de septiembre u octubre.

¿QUÉ ESTÁ PASANDO? Y, en cuanto a música, tengo muchas ganas de ver las reacciones de toda la música que he estado haciendo durante el último año. Me he dejado la piel durante los pasados doce meses, haciendo música con cantantes, compositores, guitarristas, etcétera… Tengo mucha música preparada y creo que la gente no espera de mí todo el material que voy a empezar a sacar y que espero que sea muy pronto. Estoy muy motivado y con muchas ganas de ver lo que se presenta el futuro.” ERES MUY JOVEN. DE HECHO, UNO DE LOS ÚNICOS TRES MENORES DE 21 AÑOS DEL TOP 100 DJS. ¿CÓMO SE VIVE ESO?

“Por una parte, es algo que me hace sentir un poco más especial y, también, me da satisfacción el haber conseguido ciertos logros con mi edad. Pero, por el otro lado, la edad es simplemente un número y no creo que ningún artista deba ser juzgado por esto. Hay artistas de menos edad con un gran talento y mayor recorrido que artistas de mayor edad y, por supuesto, al revés también. El hecho de ser un artista más joven con respecto al resto te motiva a trabajar incluso más duro día a día, para estar al nivel del resto.”

en mi propia música durante todo el día, cuando descanso, no me apetece escuchar nada y descansar los oídos. Aunque, de vez en cuando, escucho cosas diferentes como más pop o incluso hip hop.” ¿QUÉ HAY DE LA PRODUCCIÓN? ESTÁS REGALANDO UN INTERESANTE BOOTLEG. CUÉNTANOS CÓMO SURGIÓ Y QUÉ QUISISTE LOGRAR.

“Escuché la canción original hace un tiempo ya y, la primera vez que lo hice, me llamó mucho la atención. El vocal tenía algo muy especial por lo que decidí hacer un bootleg que se ajustara más a mis sets. Mi equipo y yo pensamos si había que sacar este bootleg/remix como oficial o no pero, en muchos casos, esto se demora demasiado tiempo por eso decidimos sacarlo como descarga gratuita y de alguna forma dar gracias a mis fans por todo el apoyo constante.”

¿QUÉ SENSACIÓN TE GENERA COMPARTIR ESE MOTE JUNTO A AQUELLOS DOS GRANDES NOMBRES?

“Heldens y Garrix, ¿verdad? Si es así, me alegra rodearme de gente como ellos. No por su posición más o menos alta sino porque me parecen artistas con los pies en la tierra.” ¡ERES EL ÚNICO ESPAÑOL DE LA LISTA! ¿QUÉ OCURRE CON EL EDM EN ESPAÑA?

“En los últimos años, la escena en España ha ido creciendo. Hay más festivales y el público está más actualizado musicalmente pero cuando yo empecé a actuar, hace unos seis o siete años, la escena en España era muy pequeña y yo era prácticamente el único artista que apoyaba mi sonido. El resto era más de géneros como el tech house. Por eso, me tuve que ir fuera de España, donde veía más proyección. Y por eso, creo que ahora mismo soy el único artista español a nivel internacional.” ¿QUÉ MÚSICA ESCUCHAS EN CASA?

“Tengo muchos amigos, sobre todo en la industria, que escuchan música totalmente diferente en su tiempo libre. Yo, la verdad, al estar trabajando

¿SUEÑOS POR CUMPLIR? ¿ARTISTAS POR COLABORAR? ¿CONCEPTOS POR DESARROLLAR? ¿EN QUÉ TE ENCUENTRAS PROFESIONALMENTE EN ESTE MINUTO DE TU VIDA?

“Lo que más me gustaría en un futuro es tener mi propio sello discográfico. Hay veces que es bastante complicado trabajar con sellos por deadlines. También, intentan involucrarse demasiado en la producción y hacerte cambiar cosas que uno no quiere. El tener tu propia plataforma y no depender de nadie, o de otros sellos, es algo que quiero conseguir. Y, también, por otros muchos motivos, como el poder ayudar a otros artistas jóvenes...” n

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PIONERA ELECTRÓNICA Alexa, la primera mujer colombiana que incursionó como DJ en una escena electrónica comandada por hombres, nos contó, entre otras cosas, sobre sus inicios y cómo Onbeat refleja su amor por el género, la escena y el país.

¿CÓMO FUE TU ACERCAMIENTO A LA MÚSICA ELECTRÓNICA?

“Desde muy pequeña, recuerdo que tuve una inclinación por la música electrónica, por medio de reuniones familiares. También, recuerdo a mis primos, quienes escuchaban y bailaban lo que estaba de moda en la época que, en los noventa, se le decía música dance, y a mí me encantaba. Luego, al ir creciendo, y en mi época de la universidad, empecé a 22

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coleccionar los vinilos y CDs que sonaban en ese entonces. Cuando tenía forma de viajar, también pasaba horas escuchando y comprando música en las tiendas de Estados Unidos. Por otro lado, estaba Bogotá, donde compraba música en Dance Box, que era del reconocido DJ colombiano Fruto Mejia. Él y otro DJ reconocido en esa época –Ciro Remixfueron quienes se encargaron de darme un empujón para que aprendiera y me lanzará

como la primera mujer DJ en Colombia. De ahí, recuerdo mi primera presentación que fue en Zona Franca, el mejor club underground que existió en la capital colombiana.” ¿POR QUÉ LLEGÓ PRIMERO EL DJING Y NO LA PRODUCCIÓN MUSICAL?

“Comencé por el lado correcto. Me considero DJ, que es muy diferente a productora. Hay DJs muy buenos que son muy malos

¿QUÉ ESTÁ PASANDO? productores, como muy buenos productores que no saben ser DJs.” USTED FUE LA PRIMERA MUJER EN EMPEZAR A TOCAR EN FIESTAS. ¿QUÉ PENSABAN SUS PADRES AL RESPECTO?

“Fue algo muy controversial, ya que ellos eran muy conservadores y tradicionalistas. Fue muy duro... Mis papás me consideraban como la niña de la casa, me decían que era terrible estar a tan altas horas de la noche. Que qué iba a pensar la gente y que ese medio no era para una mujer. Al pasar el tiempo, ellos se dieron cuenta que lo estaba haciendo bien, a tal punto que su apoyo fue total y con toda confianza.” ¿CUÁL ERA LA PERCEPCIÓN DE LA GENTE CUANDO VEÍA QUE UNA MUJER ERA QUIEN LOS IBA PONER A BAILAR?

“¡Buenísima! A veces, la gente no bailaba porque quería ver si era capaz de tocar y que era lo qué hacía con un vinilo tras otro. Después de un tiempo, se dieron cuenta que lo hacía bien, y la respuesta era increíble.”

no lo recuerdan y otros no me conocen, lo represento por medio de mis eventos, que también los he hecho y los sigo haciendo con el alma. Es la mejor forma de seguir en el medio y que me recuerden. Onbeat nació después de muchos tropiezos en mi pasado y de lo que, de verdad, representa la música electrónica para mí. Hablo de música electrónica porque es en general y no me estoy enfocando hacia ningún género.” HOY EN DÍA, ¿CUÁL ES EL ESTILO CON EL QUE MÁS SE IDENTIFICAN?

“Onbeat es música electrónica. Odio radicalizarme en un solo estilo. Amo todos los géneros, lo cual hay mucha que gente no lo entiende. La música electrónica es como los colores: tienes muchos de dónde escoger. Escoge el que más te guste pero respeta a los demás.” ¿QUÉ HA SIDO LO MEJOR DE SER LA PRIMERA DJ EN INCURSIONAR EN ESTO DE LA MÚSICA ELECTRÓNICA?

“Que di el primer paso para que otras mujeres siguieran detrás. Que la música electrónica no tiene fronteras, raza, color, ni estrato social. Es para todos.” ¿CUÁL ES EL MEJOR CONSEJO QUE LE COMPARTE A LAS NUEVAS GENERACIONES?

“Si quieres ser buen DJ, empieza por lo difícil: por la esencia. No empieces por lo fácil. La tecnología sirve pero es para complementar lo que ya sabes. No lo hagan por moda. Hay gente que, en realidad, es muy buena y no tienen la oportunidad de surgir porque están opacados por estos pseudo DJs que no tienen idea de nada.” ¿CÓMO VA SER EL RESTO DEL 2016 PARA USTEDES?

“De mucho trabajo. Pensando, creando, manteniendo, contactando… No es fácil trabajar en este medio. En este momento, es muy competitivo y difícil. La competencia desleal abunda por doquier.” n

¿Y HA CAMBIADO ESA PERCEPCIÓN O AÚN SIENTE QUE SIGUE IGUAL?

“Sí, ha cambiado algo. La música ya no es tan exclusiva como lo era antes. Ahora, conseguirla es muy fácil y tener acceso a ella, también. Cualquiera puede ser DJ y no importa la música. Buenos DJs hay contaditos con los dedos de la mano.” EN ESE ENTONCES, ¿QUÉ TAN GRANDE ERA EL AUGE DEL GÉNERO EN COLOMBIA?

“Era bueno. Las fiestas eran más underground y estas fueron las que me ayudaron a surgir en el medio. Las fiestas más recordadas de esa época, en Bogotá, fueron con Dave Seaman, Carl Cox, Tiësto, Girl With Decks, y muchas más. Todas gracias a Nano Pombo, el empresario número uno en eventos de música electrónica de aquella época.” ¿CÓMO HACÍA PARA CONSEGUIR LA MÚSICA Y OFRECERLE AL PÚBLICO UNA EXPERIENCIA DIFERENTE?

“Fue muy difícil porque, si no viajaba, tocaba pedir los vinilos, y se demoraban muchísimo. Además, los costos también eran astronómicos. Mantenerse actualizado costaba muchísimo. La experiencia era tener temas que nadie pudiera conseguir antes que yo, o los denominados white labels que, a veces, ni yo sabía los nombres, ni de quién era, ni cómo se llamaban los tracks.” ERES UNA MUJER QUE LE HA ENTREGADO AL PAÍS MEMORABLES FIESTAS CON ONBEAT. ¿QUÉ VALOR REPRESENTA EL PROYECTO PARA TI Y LA ESCENA DEL PAÍS?

“LA MÚSICA ELECTRÓNICA ES COMO LOS COLORES: TIENES MUCHOS DE DÓNDE ESCOGER. ESCOGE EL QUE MÁS TE GUSTE PERO RESPETA A LOS DEMÁS.”

“Le he metido el corazón a mi carrera, desde el año ‘96. El hecho de que fui, en algún momento, muy reconocida, y aunque algunos djmagla.com

¿QUÉ ESTÁ PASANDO?

CONECTADOS AL MÁXIMO

Impulsado por la emoción, la melodía y la narración, el residente de Berghain, que ha moldeado una sólida carrera como selector y productor, nos dejó conocer su larga relación con el techno, hasta convertirse en una pieza clave de la escena underground. Lo cruzamos antes de visitar Argentina y Colombia... Texto: MAURICIO ATENCIA ¿CÓMO TE INVOLUCRASTE EN EL MUNDO DEL DJING?

“Siempre he hecho música así que fue algo natural pero, cuando empecé a salir, y conocer algunos clubes y observar varios DJs, sentí una mayor atracción. Un día, en un set, puse algunos tracks y alguien se me acercó, preguntándome si quería mezclar en el club que iba a abrir. Inmediatamente, y sin pensarlo mucho, le dije que sí. Desde ese momento, aprendí a mezclar.” HAS EMPEZADO CON EL JUNGLE, ¿VERDAD?

“Un poco, sí.” 26

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¿QUÉ TE CAUTIVÓ DEL GÉNERO?

“Al principio de mi carrera, cuando empecé a mezclar música, alrededor de 1994, inicié mis primeros seis meses como DJ, donde el jungle, drum n’ bass y trip hop con un poco de house y techno, me marcaron bastante durante ese lapso de tiempo. Pero debo decir que era la moda del momento.” ¿AÚN SIGUES ESCUCHANDO MÚSICA AMBIENT?

“No mucho. El ambient, a veces, puede ser aburrido porque sólo puedes tocar este tipo de música en ciertas partes, y no siempre la gente suele llamarlo ambient. Pero siempre estoy feliz de oír buenos tracks.” TIENES UNA CARRERA MUY EXTENSA. ¿HA CAMBIADO LA ACTITUD EN TU TRABAJO DURANTE TODO ESTE TIEMPO? ¿ESTA CONEXIÓN ENTRE EL ARTISTA Y EL PÚBLICO PERMANECE CUANDO TOCAS PARA MILES DE PERSONAS?

“Por supuesto, la conexión con el público es un poco diferente cuando toco en un club de 500 personas o en un escenario delante de 10 mil personas. Me encanta el ambiente íntimo del club. Me encanta sentir a la gente cerca mío. Esa es la razón por la que siempre le digo a los promotores que no deben deben poner la cabina demasiado alta y ni demasiado lejos de la multitud. Simplemente, uno se siente mejor y más conectado cuando está cerca de las personas porque, al final, el set va ser mejor, debido a que

¿QUÉ ESTÁ PASANDO? obtienes un apoyo inmediato. Siempre voy amar cuando un gran festival se siente como un club y no tanto como un escenario para bandas de rock. Al final, el techno proviene de la cultura de club.”

si no quiero. No tengo que demostrar más de lo que mi estilo ya es así que, creo, soy bastante libre de hacer lo que quiera ahora y, también, cuando produzco. Así que vamos a ver a dónde me lleva el camino...”

TE HAS PRESENTADO EN COACHELLA, HAS GANADO EL ESSENTIAL MIX DEL AÑO PARA BBC, TU SELLO YA CUMPLIÓ DIEZ AÑOS ¿HAS CONQUISTADO TODOS TUS SUEÑOS?

PRONTO ESTARÁ EN ARGENTINA. ¿QUÉ ES LO QUE MÁS LE GUSTA CADA VEZ QUE VISITA EL PAÍS?

“Ganar el Essential Mix fue, sin dudas, mucho más importante para mí que haber hecho parte de Coachella donde el techno es, en realidad, una cosa muy pequeña en comparación con festivales de Europa o de otro lugar. La verdad, no se sentía como un evento importante en absoluto. Es sólo que la gente habla de más, porque es Coachella. También, puede ser una meta o un gran reto mantenerse en la cima para seguir siendo relevante, aunque ya he logrado muchos de mis sueños y metas. Sigo siendo muy ambicioso y siempre estoy buscando nueva música para mantenerme fresco, cosa que nunca cambia. Klockworks es un sello pequeño pero siempre ha existido el potencial de crecer y de llegar a nuevas ideas. Por ejemplo, Klockworks Showcases, en términos de producción y efectos visuales, es algo que siempre termina brindando toda una experiencia.” TAMBIÉN, HAS SIDO TESTIGO DE LOS CAMBIOS EN BERGHAIN ¿ENCUENTRAS DIFERENCIAS EN LOS ÚLTIMOS AÑOS? ¿SIENTES EL TURISMO?

“Bueno, ahí es donde los hombres de la puerta tienen que hacer su trabajo: que Berghain no se convierta en un lugar turístico para las personas que ni siquiera tienen realmente una conexión con el techno. Siempre he sentido que la mayoría de las personas que van allí saben mucho sobre la música. En realidad, saben más que en muchos otros lugares del mundo. Berghain siempre fue y sigue siendo un club para personas que están bien informadas de lo que sucede allí.”

“Siempre estoy sorprendido por los comentarios que recibo de Argentina. Hay un ambiente muy acogedor y la gente, cada vez que vengo, se emociona demasiado. ¡Ustedes tienen algunas personas muy bellas!”

“ME ENCANTA SENTIR A LA GENTE CERCA MÍO. ESA ES LA RAZÓN POR LA QUE SIEMPRE LE DIGO A LOS PROMOTORES QUE NO DEBEN PONER LA CABINA DEMASIADO ALTA Y NI DEMASIADO LEJOS DE LA MULTITUD.”

CUANDO NO ESTÁS TRABAJANDO, ¿VISITAS ALGÚN CLUB?

¿QUÉ TE GUSTARÍA APRENDER DEL PAÍS EN SU NUEVA VISITA?

“Realmente, no tengo tiempo para salir porque siempre estoy tocando en algún lugar. Mi trabajo es una fiesta así que rara vez salgo. Por lo general, el único momento libre es cuando toco antes del cierre en Berghain y no tienen un show después. Entonces, ahí si me quedo y el asunto se pone peligroso.”

“De hecho, me gustaría aprender más sobre la historia, si tuviera más tiempo. Estoy tratando de aprender algo de español a causa de mis viajes a Sudamérica pero me estoy dando cuenta que la aplicación Duolingo que tengo en mi teléfono, probablemente, no sea suficiente para aprender un idioma.”

¿ASPIRAS A ESCRIBIR MÚSICA QUE DIFIERA UN POCO DE TU HABITUAL ESTILO MINIMALISTA?

TAMBIÉN ESTARÁS EN COLOMBIA POR SEGUNDA VEZ ESTE AÑO. ¿QUÉ HACE TAN ESPECIAL VISITAR COLOMBIA?

“La cuestión es cómo definir el estilo minimalista. Lo que suelo hacer es reproducir una amplia gama de estilos dentro de este género musical. A veces, agresivo; a veces, crudo; a veces, más house. En realidad, todo depende del estado de ánimo y el flujo de la energía a dónde me lleva la corriente. En términos de lo que puedo hacer o no, me siento muy libre.”

“La última vez que estuve allí, me encantó todo. Estaba realmente con ganas de permanecer más tiempo y explorar más el país. Además, ¿cómo no hacerlo con esa hermosa naturaleza que tienen? ¡Y esas frutan frescas tan sorprendentes que venden allí! Esperemos que, esta vez, pueda conocer más del país.” ¿POR QUÉ ES TAN ESPECIAL TOCAR EN LATINOAMÉRICA?

¿HAY ALGO QUE NO PUEDAS HACER DEBIDO AL HECHO DE QUE ERES UNA ESTRELLA TECHNO?

“Para ser sincero, estoy en una posición agradable porque la gente conoce de mí por ser DJ y, realmente, no siento que deba producir nada

“Tengo la sensación de que algo nuevo está pasando y que la escena underground está creciendo. Al menos, esa fue la sensación que tuve en la última gira. En Latinoamérica se siente especial conocer nuevos lugares. La escena de ustedes parece fresca y con hambre.” n

“EN LATINOAMÉRICA SE SIENTE ESPECIAL CONOCER NUEVOS LUGARES. LA ESCENA DE USTEDES PARECE FRESCA Y CON HAMBRE.”

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DASH BERLÍN ES UNA DE LAS PRINCIPALES ATRACCIONES QUE TIENE EL MUNDO DE LA MÚSICA ELECTRÓNICA Y SU RESIDENCIA EN UNA DE LAS CAPITALES DEL ENTRETENIMIENTO LO VALIDA. POR CINCO AÑOS, HA ESTADO AL FRENTE DE UNA RESIDENCIA EN EL MARQUEE NIGHTCLUB & DAYCLUB EN LAS VEGAS, Y NO PRETENDE PARAR. HABLAMOS CON JEFFREY SUTORIUS SOBRE LOS PORMENORES DE UNA VERDADERA RESIDENCIA... Texto: HERNÁN PANDELO Fotos: MARC VAN DER AA

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Sólo estoy probando si la conexión es correcta”, nos explica Borys, tour manager de Jeffrey Sutorius, el hombre detrás de los shows en vivo de Dash Berlín. Están juntos en la habitación del Cosmopolitan Hotel, en Las Vegas, donde Jeff se prepara para tocar en su residencia semanal en el Marquee Nightclub & Dayclub, ubicado en el mismo hotel donde se está hospedando. Luego de unos segundos de Skype con la videocámara encendida, y de que comprobemos que son ellos dos quienes hablan desde el otro lado, nos disponemos a hablar con quién será nuestro nuevo artista de tapa: el siempre amable Dash Berlín. “Apagamos la cámara para que sea mejor la conexión”, asegura Borys para que no nos enojemos.

MARQUESINAS “Todo anda muy bien”, nos saluda Jeffrey con su habitual parsimonia. “Estoy aquí, en Las Vegas, como siempre”, cuenta. Desde hace muchos años, este holandés lleva adelante su residencia. Unos cinco años para ser más exactos. “Aquella vez, tuve un show en Rain, un club nocturno que se ubica adentro de The Palms y, de alguna manera, impresioné a los promotores del Marquee”, rememora sobre cómo llegó a convertirse en residente de la Ciudad del Pecado. Como no podía ser de otra manera, ellos quedaron impresionados con el show y la música de Dash Berlín e, inmediatamente, quisieron cerrar el trato para convertirlo en residente de su flamante espacio. “Empezamos a hablar en ese entonces y, hoy, ya estamos en nuestro quinto año de relación laboral”, nos explica acerca de su trabajo allí. Él ha estado en el club desde el principio y eso lo enorgullece. “Soy parte de la historia de Marquee”, se enorgullece. Nosotros queremos ahondar sobre aquella residencia. Una que le ha dado muchas alegrías ya. “Tienes que entender que Las Vegas, para un continente como Norteamérica, funciona como el único lugar donde la gente viene 100% a disfrutar e irse de fiesta”, nos pone en lugar. “Siempre está lleno. ¡Todos los días! Los hoteles, siempre llenos… Las fiestas, siempre llenas. Es increíble.

Las pool parties son increíbles.” Para él, Las Vegas es un lugar increíble para estar. No sólo como DJ sino como un artista en general. Grandes intérpretes del mundo del espectáculo, ya sean músicos o actores, todos convergen en un lugar así y aquello enriquece mucho a quienes forman parte de la industria. “Antes de venir a Las Vegas, yo estaba haciendo shows en Ibiza. Eventualmente, tomamos la decisión de quedarnos en Vegas. Creo que es la capital de la fiesta en todo el mundo. Para mí, es genial poder ser parte y estar presente por quinto año consecutivo. Y en el Marquee es sabido que las pool parties fueron nombradas las mejores de Las Vegas. Y eso dice mucho. La atmósfera es increíble, aunque sea una pool party, es algo súper íntimo y excepcional”, reconoce. Por supuesto, en la fiesta de adentro, en el nightclub de Marquee, también se vive esa vibra íntima de club, aunque entran unas 2500 personas. “Es increíble. Hay muchísimas personas y no se pierde ese sentimiento de intimidad. Es algo que disfruto mucho. Es uno de los mejores ingredientes que tiene este espacio en el Cosmopolitan”, nos reconoce. El hotel es uno de los más modernos e importantes que tiene la Ciudad del Pecado y Jeff se siente como en casa estando allí. Desde hace tiempo,

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semana a semana, convierte alguna habitación en su hogar transitorio y disfruta de los servicios de una institución de primera. “Es un hotel de lo más moderno. Es uno de los pocos hoteles que tiene balcones aquí en Las Vegas”, nos informa sobre su segunda casa. “Es un lugar increíble. Vegas es único y el Cosmopolitan lo es aún más. ¿Qué mejor que estar presente desde siempre en un lugar como el Marquee que se adapta de manera excelente a esa singularidad?”, remata.

RESIDENCIA

VERDADERA A veces, las fiestas se dan en la pileta, a veces en la discoteca que lleva la etiqueta de nightclub y, además, los lunes suele presentarse en la fiesta de Marquee Mondays. Allí, Dash suele musicalizar el sector de la pileta del Cosmopolitan Hotel, presentándose antes muchos personajes de la industria que utilizan el lunes para relajarse luego de los furiosos fines de semana. “No importa mucho que día sea. A mí me gusta igual y el concepto siempre está bien pensado y hay gente disfrutando, sea lo que sea lo que propongamos. Considero que es uno de los lugares más importantes de la escena internacional. ¡Y es genial poder formar parte de eso!” Es la única residencia que lleva adelante desde hace cinco años. Realmente, es un paladín del Marquee. “No tengo residencias en otro lugar. Sólo en Vegas”, deja en claro. Jeffrey ha contado con espacios en discotecas como Privilege, en Ibiza, pero sólo se desarrollaban los meses de verano donde la temporada está en su punto más elevado. “No es realmente una residencia”, plantea. “Una residencia, para mí, es un lugar en donde uno toca todo el año. Que tiene tiempo para desarrollarla. Que se presenta allí una o dos veces por semana, o incluso más”, desarrolla su punto de vista. De esa manera, nos explica, uno puede sentirse relajado. Confiado. Así, las cosas se pueden llevar delante de una mejor manera. “Me inspiran los alrededores. Conozco a la gente de aquí, a los locales... Eso es fundamental. Uno se conecta mucho con la gente que vive aquí. Te conviertes casi en un habitante de Las Vegas”, describe, mientras llevamos el desarrollo de la charla hacia aquella residencia que alguna vez tuvo en Privilege, la gigantesca discoteca de la Isla Blanca. “Hoy, podría ser visto como una competencia lo que hay entre Ibiza y Las Vegas. Por ejemplo, si quieres venir a verme, tienes que venir a Vegas”, argumenta y, sin querer, se pone del lado de su segundo hogar. “La diferencia es que Las Vegas está presente todo el año. Los 365 días del año está funcionando. Con su vida nocturna, sus espectáculos, restaurantes… Y eso es algo que no tienes en Ibiza. Hay cosas increíbles aquí, como el Gran Cañón. Hay

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mucho para hacer: salir a pasear por el desierto, relajarse, salir a hacer deportes. ¡Hay mucho para hacer! Es increíble la oferta que tiene.” La concentración de gente y de espectáculos que tiene Ibiza deja de ser tal los meses de invierno y eso es lo que termina por hacer inclinar a Jeffrey hacia el lado de Vegas – además de su escondido fanatismo- aunque, por supuesto, tenga claro que es un lugar increíble. “Obviamente, hay que ir a Ibiza. No puedes no conocer ese lugar”, aclara. Pero es justamente esa concentración momentánea la que lo inclina a decir que se trata de un espacio más comercial que el mismísimo Las Vegas. Poder tocar regularmente a lo largo de todo el año en un mismo lugar, seguramente, permitirá desarrollar una curaduría musical mucho más clara que, en definitiva, de música se trata. ¡De eso hablamos! “Estuve haciendo muchos mainstages a lo largo del año y eso modifica mi manera de encarar los sets. Cambia el estilo orgánicamente. Y eso encaja muy bien con mis shows en Vegas. Es algo que no está planeado pero funciona de manera perfecta”, explica sobre su querida residencia que, además, le sirve para poder mantener de manera corriente un flujo de eventos más íntimos, como los que se dan en el nightclub de Marquee que, el mismo describe, tienen la atmósfera de club intacta. “Puedes ver las caras de la gente y verlos caminar”, intenta explicarnos y compara con sus tiempos pasados: “Por ejemplo, si lo comparo con un club increíble y gigantesco como Privilege –el club más grande del mundo- eso es como un concierto. Es como un estadio.” Hoy en día, sus presentaciones están más ligadas a las escenas ascendentes de la electrónica y, por supuesto, Norteamérica. “Los que siguen a Dash Berlin saben que yo no hago muchos shows en Europa. La mayoría es Norteamérica, Sudamérica y Asia”, asegura. En realidad, no se trata de una decisión propia o, al menos, es eso lo que nos dice. “Es, simplemente, por mi agenda. Porque hago muchos shows por toda America. Simplemente, no hay tiempo para

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Soy parte de la historia de Marquee ”

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Una residencia, para mí, es un lugar en donde uno toca todo el año. Que tiene tiempo para desarrollarla. Que se presenta allí una o dos veces por semana, o incluso más.”

planear tantos shows por Europa”, se excusa. Así ha sido desde hace tiempo. Al principio, hacía shows en países como Polonia, Rumania, República Checa, Eslovaquia y algunos shows en Holanda e Inglaterra. Pero nunca pasó de eso. Ahora, son más puntuales las fechas en donde se presenta en el Viejo Continente. “Toqué recientemente en Ultra Croacia y muchos me pidieron que vuelva a esos países a tocar. Yo suelo tocar en Ministry Of Sound, en Londres, y muchos fanáticos de allí, de toda la región, se acercan a esa fecha para escucharme tocar. Entonces, se arma algo muy interesante. Es como un lugar de reunión para todos.” Londres es un excelente destino y Ministry Of Sound es un club icónico de aquella ciudad. La última vez que tocó allí, había un público de lo más diverso. Gente de Irlanda, Escocia, Francia y hasta de Dubai se acercó sólo para disfrutar el show. “Ver que la música unió a tantas culturas y poder ser partícipe de eso es increíble.”

CURADOR

COSMOPOLITA Su principal destino sigue siendo Norteamérica donde, haciendo base en Las Vegas y su residencia en el Marquee, se las ingenia para recorrer el extenso territorio estadounidense y sus terrenos aledaños. En las otras escenas donde se hace presente, como Latinoamérica y algunos sectores de Asia, el acercamiento es diferente. Allí, la estructura general de las industrias locales de la música no están tan desarrolladas y es su figura la que funciona como la de un curador para ellos, llegando regularmente para ponerlos al día con su sonido y las tendencias actuales. Así lo vemos nosotros. “Si, en realidad, va avanzando como se puede pero creo que podríamos verlo así como dicen”, asegura humilde, mientras el análisis se extiende por algunas de las escenas donde suele presentarse. “Puedes ver que China

está yendo genial y todo está popularizándose mucho. La gente se está metiendo cada vez más. No tienen tanto conocimiento aún pero los niveles de producción y de organización son sorprendentes”, describe. “Brasil también. Está creciendo y la gente se está involucrando cada vez más. Es genial poder verlo y ser parte de eso.” Su contribución a estas escenas es palpable y se puede medir con cada una de sus presentaciones, cada vez más convocantes. Él sabe que, su visita a determinados países va más allá de un simple show y tiene muchas variables que lo posicionan en un lugar privilegiado. “La gente no se olvida que estuviste allí en los inicios, cuando todo se estaba desarrollando”, nos dice e instantáneamente pensamos en la residencia en Las Vegas, donde estuvo desde el día cero. ¿Será que le gusta ser el catalizador de eventos, discotecas y hasta escenas electrónicas enteras? Parece ser así. Se involucra con estos lugares y se siente como si fuera parte.

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Obviamente, hay que ir a Ibiza. No puedes no conocer ese lugar.”

“Hay mucha pasión por la música electrónica en toda Latinoamérica. Para mí, no es sorprendente que, desde el principio de Dash Berlin, pude ir a México y que disfruten de ese sonido. Hay gran pasión por las melodías y lo sienten mucho. Me eriza la piel cuando lo pienso. El Salvador, Paraguay, Guatemala... Hay un conglomerado de países donde la música electrónica ha sido concebida como un aspecto positivo en sus vidas. Me siento muy orgulloso de que la gente se sienta de esa manera con mi música. Es un escape a la vida diaria, una motivación de conocer a nueva gente. Gente que, quizás, pueda formar una parte importante en tu vida. Ese misticismo de la vida que se relaciona con la música me encanta. Allí son muy cálidos y te dan la bienvenida a su mundo siempre. No sólo conmigo sino entre ellos.” Él es, hoy, uno de los nombres más queridos de nuestra región. Eso se vive en cada una de sus visitas. Y, por supuesto, es algo recíproco. “Es un lugar donde la música y la gente se conectan de manera única. Puedo decirte que Latinoamérica es un lugar verdaderamente especial. Es constante y siempre lo siento”, reconoce. “Todo se volvió más grande y más profesional. Empezó a crear oportunidades a las personas. Empezaron a tomar riesgos y a intentar nuevos eventos, y cosas relacionadas a la escena. Creo que mucha gente del mundo está mirando a Latinoamérica y preguntándose ‘¿Qué está pasando allí?’. Lo hablo con muchos colegas y me hacen preguntas sobre eso.” En cuanto a la producción, Dash sigue firme lanzando tracks que son todo un éxito alrededor del mundo. Colaborando con grandes figuras de la música como Waka Flocka, Jake Reese y DBSTF en el single “Gold” –con un sonido algo distinto a la melodía típica que desprende su música. “Eso es increíble. Demuestra un poco de qué se trata la música electrónica. No tiene por qué siempre seguir los estándares. Uno puede ir por caminos paralelos y, eso, para nosotros en Dash Berlin, es verdaderamente inspirador”, reconoce. Continúa hablando sobre este nuevo sonido, el cual describe como un Dash Berlin 2.0 y nos divierte el término. “Es algo diferente pero, aún, cuando lo escuchas, sigue teniendo ese sentimiento Dash Berlin.” Además, remixó el track “Faded” de Alan Walker y tiene en mente la salida de un nuevo álbum de estudio. “Tiene que salir un nuevo álbum”,

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Creo que mucha gente del mundo está mirando a Latinoamérica y preguntándose ‘¿Qué está pasando allí?’. Lo hablo con muchos colegas y me hacen preguntas sobre eso.”

dice con firmeza. La parte 2 de “We Are” está en su cabeza y no saldrá de ahí hasta que se termine de materializar. “Estoy seguro de que a la gente le va a encantar. Me entusiasma mucho que escuchen lo que tenemos para ofrecer”, contesta emocionado. “Es algo que tiene que pasar este año”, sorprende. ¡Y nos emociona! Queremos escuchar de qué se trata este nuevo proyecto que sigue la línea del “We Are Pt. 1”, lanzamiento que vio la luz el pasado 29 de agosto de 2014. La conversación con Jeffrey va terminando, después de más de una hora de agradable charla. Él tiene todo el día por delante hasta su presentación de esa noche, en su querida residencia. Una que lo tiene desde hace cinco años como protagonista. Esa que lo llevó a ser la cabeza del cartel. u

r a c s bu O D A R E LO iNESP BOYS NOIZE TIENE NUEVO ÁLBUM DE ESTUDIO.

HABLAMOS CON ALEX RIDHA SOBRE SU ÚLTIMO TRABAJO LLAMADO “MAY DAY” Y EL POR QUÉ DE SU ÉXITO NUNCA BUSCADO...

MAY DAY

uper relajado, Alex Ridha atiende nuestra llamada desde su propio estudio en Berlín. A partir de lo que nos cuenta, y de cómo suenan sus palabras, todo anda muy bien por allí. Es día de entrevistas en el mundo de Boys Noize y no es algo que le moleste mucho. “Tengo que terminar algún que otro trabajo aquí en el estudio y, sí, varias entrevistas que ya he tenido y algunas otras por venir”, nos anticipa y se siente curioso: “¿Dónde están ustedes?”, pregunta. Nosotros hablamos desde las oficinas centrales de DJ Mag Latinoamérica en Buenos Aires y, cuando le contestamos, empieza a recordar la única vez que pasó por la capital argentina, hace varios años. Alex solía tener el estudio en su casa pero, debido a las quejas recurrentes de un vecino, decidió mudarlo. “Hace poco tiempo se mudó un nuevo vecino y es un completo idiota. Está muy loco. Por seis años, nunca tuve un problema y un día se mudó este tipo y me ha llenado de dolores de cabeza”, se queja risueño. Por estas razones de fuerza mayor, hoy cuenta con dos estudios. El que tuvo que ir abandonando en su hogar y una nueva adquisición, donde se encuentra la mayoría de su equipamiento. Allí, además de haber sido utilizado por otros grandes artistas de renombre como el grupo Modeselektor, terminó su último trabajo de estudio “May Day”. No todo fue grabado allí. La mayoría de las cosas las grabó en su antiguo estudio y terminó por darles el toque final en su nueva guarida. “Por ejemplo, ‘Los Niños’ lo grabé en el nuevo estudio”, cuenta interesado en hablar de este nuevo proyecto.

“May Day” salió a la venta el pasado 20 de mayo en el sello que dirige el propio Alex y que llamó Boys Noize Records –por si quedaban dudas de quién era el dueño. Según sus palabras, había comprado unas máquinas nuevas que fueron inspirándolo hasta llegar al resultado final. “Para el álbum, no tuve una idea específica o algo específico que quería hacer. Siempre voy por lo que va saliendo en el momento”, nos define. A lo largo de los años, Alex ha intentado siempre empezar desde cero sus producciones, usando sonidos que jamás hayan sido usados. “Y esa era la principal idea en este nuevo trabajo. Además, quería alejarme del típico patrón rítmico del four to the floor. Entonces, traté de inventar ritmos nuevos. Algunas cosas salieron como sonidos más rotos y hay diferencias en los tempos”, describe. “Era algo que necesitaba, como para tener la inspiración de buscar y encontrar cosas que resulten frescas.” Este, su cuarto álbum de estudio, cuenta con muchas colaboraciones. Muchas más de las que nos tenía acostumbrado. De hecho, sólo una colaboración había sido participe de un anterior álbum de Boys Noize. “Es verdad. En todos mis álbumes, sólo he tenido una colaboración. Precisamente, había sido con Snoop Dog y era la última canción del álbum. Es algo nuevo para mí pero he hecho muchísimas colaboraciones en los últimos años”, se defiende. Es que, claro, se ha juntado con muchos músicos y lanzado productos diferentes como los interesantes Octave Minds junto a Chilly Gonzalez y Dog Blood con el mismísimo Skrillex. Pero no había muchas personas colaborando en el sonido de Boys Noize hasta este momento. “Tienes razón. Estuve más abierto a ver qué pasaba. Me gusta cuando las cosas suceden orgánicamente. La mayoría de las colaboraciones en el álbum fueron momentos donde yo me detuve a disfrutar con amigos y empezamos a hacer música”, entiende. Y nos da ejemplos: “Con Remy Banks hicimos un poco de música antes”, empieza. Banks es un rapero exitoso de Queens que fue a verlo en uno de los shows que hizo en el MoMA –Museo de Arte Moderno de Nueva York-, donde se armaron una excelente fiesta, agregando un sistema de sonido en el patio mismo del museo. “Él vino y yo estaba tocando temas de house y de techno bien crudos, y me decía ‘debemos hacer algo así’. Porque yo, antes, ya había intentado hacer unos beats de rap para él… Entonces, programé el 808 e hice

unos beats de house súper simples y él se puso a improvisar sobre la música y, luego de dos horas, salió ‘Euphoria’”, relata con simpleza sobre una historia que, para muchos, sería un hito de los más importantes de su carrera. Es que él ya tiene varias hazañas en su haber.

“La mayoría de las colaboraciones en el álbum fueron momentos donde yo me detuve a disfrutar con amigos y empezamos a hacer música.” Otra de las colaboraciones se materializó con la ayuda de un amigo suyo: TEED. El artista que se presenta al mundo bajo el alias Totally Enormous Extinct Dinosaurs se lleva muy bien con Alex y ambos pusieron la voz detrás del tema “2 Life”. “Fuimos a ver un show de POLIÇA, tomamos unas cervezas y pasamos por mi estudio. Grabamos tres o cuatro canciones y, una de esas, terminó siendo ‘2 Life’”, continúa con su relato natural sobre las diferentes canciones que inmortalizó en su álbum de estudio Mayday. “Todo se fue dando así, ¿sabes? El único tema que tenía planeado era con POLIÇA porque yo era un gran fan de su música”, destaca. Alex estaba tocando por primera vez en Minneapolis, hace algunos años, cuando el equipo de Bon Iver fue a ver su show. Se presentaron y él pudo entablar una buena relación con Justin Vernon, escritor y productor de la música de Bon Iver. “Me mostró algo del material de POLIÇA y, desde ese momento, me enamoré de los vocales y pensé: ‘tenemos que hacer algo’. Así que pasamos dos noches en el estudio y yo programé estos ritmos locos, que eran el principio de la canción ‘Starchild’. Y ni siquiera escribió la letra. Entró y grabó los vocales. Se hizo una imagen en su cabeza y luego trató de cantarla. Y fue algo mágico poder hacer eso. Es otro gran desafío. Hacer música con alguien que está tan lejos de lo que yo hago y está en un pasaje musical tan distinto al mío…” djmagla.com

INDEPENDENCIA ESTRUCTURAL

A diferencia de lo que puede hacer con proyectos como Dog Blood u Octave Minds, aquí trató de involucrar a terceros en el sonido de Boys Noize y eso es una completa novedad acerca del trabajo que salió por su propia plataforma. “Ya sabes… la industria musical es muy extraña. He hablado con otros sellos y tuve la chance de firmar el disco en otros lugares pero es muy difícil porque mi música no es música que suena en las radios. No se trata de eso. Entonces, mucha gente de la industria sólo mira eso, sólo ve los números. Y, para llegar a esos números, uno debe hacer ciertas cosas y yo no quiero romper mi fluidez creativa por pensar en lo que funciona para la industria”, nos explica con conocimiento de causa. “Puede que haya gente en algún sello que entienda mi idea y esté contento con lo que yo quiera hacer pero, después, dos años más tarde, esa persona abandona la compañía y quedas atrapado nuevamente. Y vuelven a mirar los números y no están funcionando, entonces te piden que escribas una canción para la radio…”, intenta hacernos entender Alex, sobre algo que asegura haber visto en las carreras de muchos de sus amigos.

“He hablado con otros sellos y tuve la chance de firmar el disco en otros lugares pero es muy difícil porque mi música no es música que suena en las radios.

No se trata

de eso. Entonces, mucha gente de la industria sólo mira eso, sólo ve los números. Y, para llegar a esos números, uno debe hacer ciertas cosas y yo no quiero romper mi fluidez creativa por pensar en lo que funciona para la industria.” 38

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SHOW

DEBE

CONTINUAR “Tengo que volver a Argentina”, afirma al comenzar. “Fue en Creamfields, en 2008 o 2009. Me acuerdo que estaba muy enfermo. Creo que me quedé en la ciudad por tres o cuatro días y sólo pude salir un poco. Tomé algunos medicamentos para poder asistir al show. Recuerdo que un médico tuvo que inyectarme para poder salir a escena. El show fue increíble. Y, luego, tuve unas pequeñas vacaciones a unos noventa minutos de la capital. Allí descansé, comí buena comida, anduve a caballo y cosas así.”

Por ello empezó su sello discográfico. Ya han pasado unos diez años desde que esto ocurrió. “El sello siempre fue pensado para los DJs. Al principio, estaba todo lanzado en vinilos. Así que era música que podías encontrar en la tienda de discos”, recuerda. Con los años, encontró más artistas que hacían increíble música pero no tenían un sello así que los pasó a su espacio. Así, una pequeña crew nació y, hoy, son varios los artistas que se jactan de formar parte del roster de Boys Noize Records, como Djedjotronic, Housemeister o SCNTST, entre otros que él mismo enumera. “Hay unos diez artistas ahora en el sello y todos hacen cosas diferentes. Desde house hasta techno, con un poco de rap y electrónica. Todo lo que me emociona como DJ y productor está allí. Y yo trato de darles esa libertad creativa de la que hablábamos recién. Cuando firmo a alguien, lo hago porque creo en lo que hacen y me gusta. A veces, todos hacemos música de mierda pero, incluso en esos momentos, te puedes dar cuenta si te gusta o no. Es música que yo podría tocar en mis sets, de alguna manera.” Alex es un fanático. Compra música todas las semanas en tiendas de discos y en las plataformas digitales. Tiene claro cuáles son los sonidos que dan vueltas en la escena y es eso lo que no quiere copiar. “Yo trato de firmar para el sello o de hacer las cosas que no tengo, que no puedo encontrar en otras producciones. Es una reacción”, describe. “Por ejemplo, en May Day. Allí, la música no es muy techno, ni es muy house. Hay algo interesante en tomar la esencia del house y del techno, y transformarla en algo nuevo con diferentes estructuras. Algo que uno no espera. Algo que cuando uno lo escuche no sepa que va a pasar en los próximos 30 segundos. Siempre es un desafío el traspasar eso y agregar nuevas capas y hacer otro sonido que no exista”, detalla. Nos sorprende su capacidad de entendimiento y queremos saber de qué manera puede llevar adelante esta especie de “no fórmula”. En primera instancia, su respuesta se basa en la intuición. “No creo que sea algo que pueda controlar muy bien pero me sale. Confío en mis oídos y siempre trato de hacer algo nuevo que no suene a cosas viejas. Siempre me desafío a mí mismo porque es fácil sentirte confiado en usar los mismos sonidos siempre, y saber que funcionan. Yo trato de ignorar eso y buscar lo nuevo. Por eso tengo tantos instrumentos en el estudio.” Esa búsqueda lo ha llevado a convertirse en un artista con música underground que ha traspasado los límites y se ha establecido como un verdadero headliner, vaya a donde vaya. En su teoría, lo que ocurre es extraño y gracioso a la vez. Se considera un afortunado por haber logrado llegar a dónde llegó. “No estoy en contra del mainstream.

No estoy en contra de tocar en festivales y que mi música se conozca en todo el mundo. Pero no hago la música para eso. Nunca tuve esa idea a la hora de crear música. Lo hago porque es lo que quiero hacer y lo que quiero tocar. Para impresionar a otros productores que les gusta mi música. Y cuando escucho a Mr. Oizo o a Gessafelstein decirme que les gusta lo que hago, eso es más reconfortante, para mí, que sonar en las radios. Es interesante. Sigo sin entenderlo muy bien...”

“No estoy en contra del mainstream. No estoy en contra de tocar en festivales y que mi música se conozca en todo el mundo. Pero no hago la música para eso. Nunca tuve esa idea a la hora de crear música.” Alex Ridha tiene la mezcla ideal entre una súper estrella y el más recóndito DJ del underground. Conoce el house y el techno como pocos y eso lo ayuda a no repetirse y sonar siempre fresco. “Trabajé en tiendas de discos por muchos años y, básicamente, estudié todos los temas y géneros de música electrónica. Tengo una colección enorme. En los años ‘90 o principios de los 2000, estaba claro qué tocaba cada DJ. Y siempre intenté pelear contra esos encasillamientos. ‘May Day’ es la bandera de esa lucha contra la producción conformista”, cierra sobre su nuevo trabajo de estudio. Para el cierre de la charla, Alex nos comenta que está en plena producción de su nuevo show en directo, que debutará semanas más tarde en el Sonar de Barcelona, y que, además, está trabajando en el diseño sonoro de la nueva película que Oliver Stone ha de realizar sobre el sueco Edward Snowden. “Hice algunas cosas para esa nueva película. Es muy emocionante y muy refrescante poder trabajar en algo distinto. Puedo jugar con imágenes y crear sonidos. Es genial”, cuenta entusiasmado. La película saldrá a mediados de septiembre y no podemos esperar por ver los resultados. u djmagla.com

SIGUIENDO

LAS SEÑALES MARIANO MELLINO ES UNA DE LAS ESPERANZAS QUE TIENE LA ESCENA ARGENTINA DEL UNDERGROUND Y DESDE HACE UN TIEMPO, SUS PRODUCCIONES SUENAN EN LOS SETS DE LAS PRINCIPALES FIGURAS DE LA INDUSTRIA. ADEMÁS, COMO DJ, ESTÁ POR CONCRETAR UN NUEVO TOUR EUROPEO, VOLVIENDO A COMPARTIR CABINA CON SUS MÁXIMOS ÍDOLOS. UNA HISTORIA DE REINVENCIÓN QUE LO PUSO A PRUEBA Y HOY LO ENCUENTRA COSECHANDO FRUTOS...

on la simpleza que brota de su piel, Mariano nos recibe en la casa donde vive junto a Gabriela, su compañera de vida, ubicada en plena Ciudad de Buenos Aires. Esquivamos a Lupe, la mascota que hace las veces de guardián del hogar, y nos metemos en el estudio, su lugar en el mundo, donde nos disponemos a tener una relajada charla sobre el camino que lo llevó a este inmejorable presente. Mariano le da play a uno de sus últimos proyectos para que husmeemos en lo que está trabajando, mientras nos relajamos y escuchamos una de sus anécdotas en la discoteca La Boite de Tucuman, donde estuvo tocando el pasado fin de semana a nuestra reunión.

Las buenas noticias llueven para Mariano. Este octubre, volverá por segunda vez a formar parte del evento que realizan los sellos Sudbeat y Hope Recordings en la discoteca Panamá, durante el Amsterdam Dance Event, precisamente, en la capital holandesa. Allí, al igual que el año pasado, volverá a compartir line up con grandes nombres como Hernán Cattaneo, Nick Warren, Graziano Raffa y Darin Epsilon, además de los recientes agregados Henry Saiz y Marc Marzenit. Él compartirá este año su presentación junto al argentino Marcelo Vasami, otro talento emergente de la escena argentina que pisa fuerte en los terrenos del progressive y que desde hace un tiempo se juntó en reiteradas ocasiones con Mariano para tocar extensos back to back en diversas partes de su país natal. Ahora, será cruzando el charco. Quizás, cerrando una etapa en la carrera de Mariano y abriendo un nuevo mundo. “Estuve trabajando mucho para este tour. Haciendo mucha música. Incluso, trabajo en un nuevo remix de Moby y algunas producciones más para poder testearlas durante los viajes.”

SEÑAL

La historia de Mariano en el mundo de la música electrónica es de larga data. Nació en Villa Madero, una ciudad de la Zona Oeste de Buenos Aires, y vivió ahí hasta hace no mucho tiempo. “La influencia musical la saqué por mi hermano Nazareno, que era DJ”, cuenta. “Él ponía música de otros géneros pero era un muy buen DJ”, asegura y nos ubica en los fines de los años ochenta. “No fue algo que me partió la cabeza y dije en ese momento que quería hacerlo. Yo era chico. Quería jugar al fútbol y escuchaba la música popular que escuchaban los chicos con los que me rodeaba”, relata. Con el tiempo, sin embargo, empezó a abrir su mente a nuevas culturas y la electrónica pasó a tener un lugar importante en sus ratos libres. “Había un grupo de amigos que eran un poco más grandes que yo e iban siempre a Pacha. ¡La tenían re clara! Y me invitaron”, recuerda sobre sus inicios. Ese día, la fiesta se llamaba Cream Spring y en la cabina de Pacha se presentaba el británico Paul Oakenfold y un joven Hernán Cattaneo. “Todos me hablaban de un tal Hernán Cattaneo y yo me preguntaba qué pasaba con ese tipo. Yo tenía en mente el estereotipo de un DJ como una súper estrella. Y, por supuesto, esperaba una persona con ese look y esa imagen. Cuando lo vi, no pude sorprenderme más, me quedé escuchándolo completamente impresionado. A los pocos minutos, me di cuenta que ese DJ sonaba distinto a los demás.”

La motivación lo llevó a estudiar música en una de las escuelas más importantes de Buenos Aires. “Yo apenas sabía usar internet y estaba terminando el colegio. Aprendí y conseguí unas Gemini doble comando y unas bandejas de vinilo que le compré a un vecino del barrio que las vendía muy baratas”, rememora. Al poco tiempo, la pérdida de su padre terminó por conectarlo a la música y él lo recuerda muy bien. “Compartíamos buenos momentos escuchando los vinilos que yo compraba. Al poco tiempo, cuando falleció, me agarré muy fuerte de la música. Fue mi cable a tierra.” A las semanas de la muerte de su padre, cuando la música invadía muchos de sus momentos, Mariano fue a una recordada Southfest donde se hacían presentes Sasha, John Digweed, Faithless y Hernán Cattaneo. “Se me vino a la cabeza mi papá y sentí como si me hubiera mandado una señal. Estaba tocando Cattaneo y lo tenía relativamente cerca. Verlo parado solo frente a mas de veinte mil personas me chocó, porque yo, en ese momento, me sentía de esa manera. Si bien tenía el apoyo de mucha gente, me sentía a la deriva por la pérdida de mi papá. Entonces, me sentía en una situación similar. Él trabajando y yo en la vida”, analiza. “Ahí fue cuando dije ‘yo quiero hacer eso’.” La señal tomó fuerza y Mariano empezó a dedicar más tiempo a la práctica y a la idea de encontrar una verdadera identidad musical. Su primera fiesta fue un evento en su club de barrio, donde los padres tenían que juntar dinero para un viaje del plantel de fútbol. “Me acuerdo que armé un escenario para que se llene de gente y terminaron viniendo unas 120 personas”, recuerda sonriente sobre aquel primer paso. De a poco, empezó a tener un poco más de idea sobre los movimientos que necesitaba un DJ para vivir en este mundo y a dedicarle cada vez más tiempo a lo que, hasta ese entonces, era un hobby. “Cuando agarré el estudio, fue peor. Me encerraba todo el día. Llegué hasta a perder amigos”, bromea. Por supuesto, no fue sencillo y las frustraciones se hicieron presentes con algunas pistas vacías y algunos promotores que no hacían las cosas como correspondían. “Hace poco que estoy más afianzado y tengo un lugar en la escena.”

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GENUINO

SEVEN ELEVEN

En sus inicios, Mariano tocaba en clubes pequeños de Zona Oeste y fue allí donde uno de sus amigos, Matías Granato, que era DJ desde antes que él, se le sumó para formar un dúo llamado Seven Eleven. Eventualmente, tuvieron contacto con Javier Bussola, uno de los grandes promotores y DJs que tiene la escena Argentina. “Le dimos un CD a un socio de Javier, Roberto Menghi, y, hablando con él, surgió la posibilidad de tocar en la fiesta Magic en Niceto Club”, cuenta sobre la experiencia. Por supuesto, para ellos, era dar un paso firme hacia adelante. “Cuando llegamos a Niceto, la técnica venía un poco atrasada porque había tocado una banda de rock adelante así que nos dijeron que íbamos a tocar en la parte de atrás. Fue una gran desilusión porque estábamos preparados para tocar en el espacio grande y, además, cuando entramos, vimos la parte de adelante llena de globos y una producción increible. Para nosotros, era un sueño”, cuenta con algo de nostalgia. Finalmente, empezaron a tocar en la pista trasera y, a falta de veinte minutos, los hicieron pasar hacia el salón principal, con veinte minutos de set por delante, mientras la gente empezaba a entrar al recinto. “Esto fue algo que marcó mi carrera”, nos adelanta. En ese momento, el propio Javier Bussola ingresó a la cabina y les comentó que era momento de terminar el set y Mariano fue preciso en su respuesta. “Yo le dije algo así: ‘Mirá, Javier, nos vinieron a ver un montón de amigos. Dejanos tocar un rato más’. Fue una locura lo que hice pero él lo valoró mucho y nos dejó tocar varios temas más. Y, a Javier, le encantó esta actitud.” Esa chance que tuvieron, lejos de ser sólo suerte, fue buscada y, a posteriori, queda claro que la supieron aprovechar. “Ahí nos empezaron a dar, de a poco, algunos warm up”, agrega. En ese entonces, el apogeo de la música electrónica llegaba a sus niveles más altos en la escena local y nuevas fiestas empezaron a aparecer. Las míticas Get Out Of The City, originalmente orientadas al género trance, sumaron un segundo stage y Seven Eleven empezó a construir un espacio allí, poniendo algo de progressive y progressive techno. “Esa música iba muy bien para los warm up de trance. Javier, y los artistas que venían, se sentían muy cómodos con el sonido que nosotros poníamos”, explica. Entre muchos otros, Mariano se dio el lujo de tocar con Infected Mushrooms, Astrix, Simon Paterson y John 00 Fleming. Nada mal, ¿no?

Con el tiempo, la masividad llegó a este tipo de eventos y se presentaban frente a miles de personas semana a semana. Sobre todo, en los eventos llamados “Insomnia” e “Insomnia Outdoor”, donde la productora con la que trabajaban dio un vuelco hacia sonidos un poco más comerciales, cercanos al house. Aquellos cambios en las cantidades de público vinieron aparejados con un cambio en el sonido y Mariano empezó a sentir que no estaba siendo sincero consigo mismo. “Yo me di cuenta que no era lo que yo quería. Necesitaba involucrarme más con el sonido que me hacía bien”, confiesa. Aún con giras por países como México, respeto y dinero ganado, Mariano empezó a sentir que las presentaciones no le daban satisfacción. “Me la jugué, hablé con ellos y me entendieron y me apoyaron. El producto funcionaba excelente y la última fecha tocamos ante seis mil personas. Pero yo no estaba siendo fiel a lo que me generaba pasión”, aclara. Mariano quería volver a ser genuino y disfrutar 100% de lo que, desde joven, había perseguido. Luego de eso, le tocó un extenso período de nueve meses sin tocar, ya que tenía toda la experiencia en sus manos pero ya no era más parte del producto Seven Eleven que contaba con el éxito y había abierto incontables noches con artistas extranjeros. Pero él sabía que debía perseguir las señales que la música le ponia en frente. “Arranqué de nuevo, de a poquito”, continúa. Una residencia en la discoteca porteña Non Serviam lo acercó a muchos artistas debido a que era el encargado de los bookings del club. Lentamente, consiguió su propia identidad sonora y eso lo llevó a decidirse. La producción sería el próximo paso. Luego de un largo tiempo de práctica, sintió que había logrado avances significativos y comenzó a tener la confianza necesaria para enviar su música a algunos referentes. “Y, una vez, Hernán -Cattaneo- me contestó. Me acuerdo que el track se llamaba ‘Borderline’. Me dijo que estaba bien pero que sentía que el track era un poco básico. Y esa crítica me sirvió un montón. Eso era lo que yo pensaba del track y nadie me lo decía. Todos me decían: ‘está buenísimo’. Y yo sentía que algo faltaba. Y necesitaba ese tipo de crítica. Él tenía razón. Era un tema que sonaba muy bien pero no tenía frescura. Era básico”, recuerda. Esa respuesta de su principal ídolo fue clave para Mariano, quien aprovechó para sacarle todo el jugo posible a la relación con el ícono argentino quien seguía dándole tips de producción, hasta que el primer support llegó y “El Globo Rojo” salió mezclado en su radioshow Resident. Desde ahí, todo fue un ida y vuelta. Mariano hizo un track llamado “The Idol” dedicado a él y ese tema terminó sonando en algunas presentaciones de Cattaneo en aquel entonces. Siguió firme en su búsqueda y, a través de Guy Mantzur, a quien él había traído a tocar a la Argentina junto a algunos amigos con quienes realizaban eventos, llegó a contactarse con Graziano Raffa. Allí, la química fue instantánea y nació una amistad interminable. Al poco tiempo, Mariano partió hacia Berlín a probar suerte en la ciudad alemana y, una vez allí, fue el italiano el que lo invitó a La Terrraza, el espacio donde Hernán suele realizar sus presentaciones cuando se halla en Barcelona. “Esa fue una de las mejores noches de mi vida, Fue increíble porque ahí lo veía muy de cerca. En Moonpark siempre lo veía muy lejos. Yo tenía la esperanza de cruzar, al menos, un ‘hola’.”

MARIANO ELIGE SUS MEJORES PRODUCCIONES El Globo Rojo “Primer support público de Hernan Cattaneo a una de mis producciones en su chart mensual.”

Mockembrucke “Es el track que encabeza el lanzamiento de mi EP en Sudbeat. Lo considero mi lanzamiento más importante al momento. Además, es mi track más vendido.”

Warm Summer Evening & The Morning After (con Lonya) “Ambos fueron utilizados de manera consecutiva por John Digweed en su última presentación en The Bow, en Buenos Aires, y uno de ellos sonó en su radioshow Transitions.”

Sigur Ros - Svefn G Englar

(Mariano Mellino Back to Roots Edit) “Dedicado a los mejores momentos vividos en Moonpark. Este track sonando de la mano de Hernán Cattaneo es uno de los recuerdos mas lindos que tengo de la época dorada.”

VIVIENDO EL SUEÑO

Hoy, Mariano está en su mejor momento. Las cosas están encaminándose hacia los terrenos del éxito. Sus producciones son cada vez más buscadas y, además de haber editado música en sellos como Sudbeat, Global Underground, Darkroom Dubs y Plattenbank se posiciona fuerte en la escena local, encabezando fechas semana tras semana en diferentes ciudades de la región y, cada vez con mayor continuidad, comparte cabina con los grandes nombres que llegan a la Argentina. En el último tiempo, por ejemplo, le dejó la pista caliente a artistas como James Zabiela, Cid Inc, Guy J, Guy Mantzur y Marc Poppcke, entre muchos otros, y, seguramente, seguirá sumando nombres de primera a su curriculum. En breve, volverá a Europa para seguir pregonando su música en el Viejo Continente, repitiendo cartel junto al evento que encabezan Hernán Cattaneo y Nick Warren en formato back to back en Ámsterdam y agregando a este algunas fechas satélites de gran nivel que se desprenden en lugares como Malta, Berlín, Kavala, Thessaloniki, Budapest y Tel Aviv, de la mano de Audioholics, su radioshow que pretende girar por el mundo entero. ¿Es inmejorable? Por supuesto que no. Seguro habrá nuevos objetivos en el camino y podrá continuar el ascenso que ha estado viviendo en estos últimos años. Lo cierto es que, siguiendo las señales, Mariano Mellino ha logrado sentirse pleno y, hoy, gracias a un impulso que parecía sacarlo del camino hacia el éxito, vive su sueño. u

Estrella Del Universo “Un track que aún no salió a la luz, cargado de mucho sentimientos. Dedicado a la memoria de mi padre.”

Graziano terminó por presentarlos y, además del “hola”, hubo una agradable charla entre los dos. “Hernán saludó a los que estábamos ahí. ‘Soy Mariano Mellino’, le dije. ‘¿Qué hacés acá?’, me preguntó. Hablamos un buen rato, le conté un poco de mi vida y me terminó diciendo que estaba poniendo algunos de mis temas”, recuerda emocionado. Para cerrar la noche como correspondía, Hernán terminó por tocar el tema de Mariano “Void To Void” y la sorpresa fue total. Ese día, salieron caminando juntos y Mariano lo recuerda de la mejor manera. “Fue ahí donde me di cuenta que valió la pena buscar mi camino y mantenerme fiel a lo que a mí me generaba pasión.”

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RAY Y JIM LLEVAN AÑOS PRESENTÁNDOSE POR EL MUNDO ENTERO BAJO EL ALIAS SICK INDIVIDUALS. EL PRESENTE LOS ENCUENTRA EN UNA INMEJORABLE FORMA, CON LANZAMIENTOS POR TODOS LADOS, REMIXES A GRANDES NOMBRES Y UN PROYECTO QUE COMBINA ARTES VISUALES Y MÚSICA DE LO MÁS INTERESANTE. RAY NOS CONTÓ LOS PORMENORES DE ESTE DÚO PROMINENTE...

DE LA ESCUELA “Nos conocimos en la escuela, hace muchos años ya”, explica Ray cuando le preguntamos sobre su compañero de equipo Jim, quien hoy no se encuentra disponible para hablar con nosotros. “Yo al principio no estaba metido en el mundo de la música electrónica, aunque aquí en Holanda la escuchas aunque no quieras”, recuerda. La relación entre estos dos empezó desde temprana edad. Jim y Ray no compartían gustos musicales, en un principio. Era Jim el que estaba metido en la música electrónica, mientras que Ray escuchaba cosas como hip hop o jazz. En la escuela, lentamente, empezaron a llevarse mejor y hasta fueron al estudio para divertirse un rato. Primero, su idea estaba relacionada con crear música para comerciales pero, con el tiempo, las cosas se pusieron algo más serias y luego de que un primo de Ray le llevase algunos discos de house más clásico, su visión cambió por completo. Allí en Hilversum, lugar de donde son ambos, las cosas tienen mucho sentido para los músicos. Parece ser un lugar musicalmente muy rico. “Aquí están todas las estaciones de radio y muchos músicos viven aquí. Es realmente interesante para poder seguir enriqueciéndonos de la cultura del lugar. Es sencillo. No tiene muchos habitantes y la vida es bien tranquila.” El primer éxito llegó en Cloud 9 Music. Luego de enviar la música que estaban haciendo a algunos grandes nombres de la escena, fue el actual manager de Hardwell el que los descubrió y decidió darle vida a Sick Individuals lanzando este track. “Desde ese momento, la producción fue todo para nosotros”. Los jóvenes compañeros empezaron a meterse en el estudio más seguido y las cosas fueron tomando su lugar, yendo por terrenos del progressive para grandes escenarios. Sneakerz Muzik, el sub sello de Spinnin’ Records fue fundamental en su exposición y los terminó por llevar a la cima de los charts, hasta que llegó el momento de tocar. “Nos ofrecían fechas pero nunca habíamos agarrado unas CDJs. Así que, un amigo de Jim nos prestó el dinero para comprarlas y empezamos a practicar hasta que pudimos hacerlo de manera correcta”, asegura Ray. Hoy, con más de 160 shows djmagla.com

por año en todo el mundo, parece que han aprendido a la fuerza. “Hoy, sin dudas, somos de igual manera DJs que productores y no tenemos que estar practicando mucho más. Las cosas se nos han dado bien naturales y, por suerte, contamos con toda la habilidad para llevar adelante un show.” En este momento, están viviendo una masiva exposición con mucha música saliendo del estudio. Hicieron un tema llamado “Mrs” con la voz de Stevie Appleton que se aleja un poco de los escenarios y de su estirpe dancera, y viene más cercano al mundo del tropical house más relajado. “Si, queríamos hacer algo que no fuera lo mismo de siempre. Ampliar un poco el espectro musical. Y creo que lo logramos con este track. Nos encanta”,

deja en claro. Otra de las grandes novedades que nos cuenta Ray entusiasmado es el remix que lanzaron para Revealed Recordings de Moby. “Es increíble. Nos encantó poder meter las manos en un track seminal como lo es este”, se enorgullece. Ellos ya habían trabajado con producciones del mundo del pop, algo alejadas de las pistas de baile y parecen tener en claro que es algo que les gusta mucho. “Si, ya lo habíamos hecho con otras producciones anteriormente. Trabajamos con artistas como Rihanna, Flo Rida… Incluso, Justin Bieber. Trabajar con canciones con vocales te permite inspirarte más. Uno tiene bien claro cuál es el sentimiento que se busca en ellas e intenta aportar desde su lado”, detalla con increíble claridad.

LO MEJOR DE SER UN DÚO: “¡Nunca viajas solo! No te aburres y te mantienen siempre alerta el uno con el otro.”

“Te diviertes en el escenario y puedes entregar mucha más energía.”

“Ayudarnos entre nosotros y aprender el uno del otro.”

“Ambos tenemos nuestro propio estudio en el mismo edificio, ¡así podemos producir más rápido!”

“Si tenemos un afterparty demoledor durante un viaje, ¡uno puede llevar al otro en andas hasta el hotel!”

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COMPLETAMENTE LOCOS Su compañero no está con él. Está en su hogar por lo que no podemos verlos juntos en acción, pero Ray se encarga de hacernos saber que la relación entre ellos es excelente. “No podría ser de otra manera. Lo veo más que a mi familia. Es una relación increíble que tenemos desde que nos conocimos, hace ya muchos años”, asegura con cariño. Tan bien se llevan que no necesitan nada más para sus viajes. De hecho, entrado en confianza, Ray cuenta cómo fue que su último tour manager dejó de trabajar con ellos. “Si, no estamos listos para que alguien nos maneje las cosas

porque somos bastante obsesivos con todo. Siempre queremos estar sabiendo qué cosas pasarán y controlando qué cosas vamos a hacer”, explica. Se siente así. No sólo en sus tours sino también en las cosas que producen. El producto en general parece estar creado por gente dedicada, con intenciones de hacer las cosas bien y no dar pasos en falso. “Sin dudas, podríamos tener a un tour manager pero creo que deberíamos entrenarlo un buen rato”, se ríe. Son así de ambiciosos. Esa manera de ver las cosas, Ray la describe en sus propias palabras como control freaks. Es decir, locos del control. Esa forma de ser los llevó a realizar un nuevo hito en sus carreras. Un nuevo proyecto que han estado desarrollando y que quieren presentar en los

próximos meses. Se llamará “This Is Sick” y tiene como principal concepto el manejo en vivo tanto de la música como de los visuales. Si, son algo locos, realmente. Ray ha estado los últimos meses junto con un amigo suyo diseñador gráfico llevado adelante el proceso y espera poder debutarlo pronto. “Es mucho más fuerte poder darle a la gente un producto tan cuidado, que no sólo se siente a través de la música sino que pueda experimentarse desde el sentido de la visión. Cuando las imágenes van juntas con la música, la experiencia es superior”, nos convence. “Yo voy a estar presentándome en el momento y desde allí voy a estar manejando tanto la música como las imágenes que se irán sucediendo en las pantallas”, reconoce, dejando en claro que su visión tiene más que ver con un producto completo y ambicioso que con sólo pasar música. Son productores devenidos en DJs que, hoy, se jactan de poder hacer las dos cosas por igual y que no tienen sólo una etiqueta. Pero su lugar en el mundo, asegura Ray, es el estudio.

LOS REMIXES FAVORITOS DE SICK INDIVIDUALS: Icona Pop – I Love It (SICK INDIVIDUALS Remix) “Este fue uno de los primeros remixes que hicimos y, a decir verdad, fue la primera gran irrupción que tuvimos en la escena. Sigue siendo genial tocarlo en los shows porque todos los cantan con nosotros.” Madonna – Bitch I’m Madonna (SICK INDIVIDUALS Remix) “Produjimos este remix el año pasado

LLENAR ESTADIOS En el futuro, su más grande sueño, está puesto en poder hacer giras internacionales con eventos masivos, llenando estadios y siendo el foco de atracción para miles y miles de jóvenes que se introducen en la música electrónica, como alguna vez ellos lo fueron. “Ya he cumplido muchos de mis sueños pero creo que poder llegar al status en nuestra carrera en donde podramos viajar por el mundo, realizando performances en lugares enormes, para públicos masivos, sería mi sueño más grande.” Si bien no sabemos hacia dónde llegará su carrera ni si el destino de la música electrónica seguirá detonando tal ascenso como para que estos dos se la pasen de escenario en escenario divirtiendo y haciendo bailar a miles de personas semana a semana, ya sus credenciales son lo suficientemente amplias como para darles un voto de confianza: lanzamientos en sellos discográficos como Revealed Recordings, Doorn Records, Ultra Music y Armada, donde tienen un nuevo trabajo a punto de salir. “Se llama ‘Against All Odds’ y, a diferencia del track ‘Mrs.’, este sí que es lo que nos representa. Un track de progressive muy interesante que hemos estado tocando en todos lados y ha funcionado a la perfección”, nos dice lleno de coraje. Ese es el sonido de Sick Individuals. Ese que los ha llevado a la cima de las listas de ventas en varias oportunidades o a colaborar con artistas de la talla de Axwell y Dannic. Hoy, siguen expandiendo su sonido, ahondando en nuevas corrientes y apostando a su versatilidad, no sólo para hacerse un lugar en lo más alto de la escena si no para

y estamos extremadamente honrados de remixar a tremenda leyenda. Hemos recibido unos cumplidos de parte de la mismísima Madonna.” Moby - Porcelain (SICK INDIVIDUALS Remix) “Este es nuestro más reciente remix. Nos encanta este clásico de Moby. Mantuvimos las vocales y le metimos nuestro sonido todo alrededor.” Avicii – Addicted To You (SICK INDIVIDUALS Remix) “La versión original es increíble así que fue difícil remixar este tema pero estamos muy felices con el resultado y lo tocamos junto a Avicii en Ámsterdam.” Rihanna ft. David Guetta – Right Now (SICK INDIVIDUALS Remix) “Un remix antiguo pero lo amamos y seguimos tocándolo, de vez en cuando.”

nutrir sus necesidades de expresar el arte que más les gusta. Tomaron el control de sus carreras y han llevado su obsesión al punto más alto, capitalizándola y convirtiéndola en éxito y viajes. Una loca obsesión que los mantiene andando… u djmagla.com

DANDO EL SALTO EL DJ Y PRODUCTOR SOLANO ESTÁ EMPEZANDO UNA NUEVA ETAPA EN SU CARRERA. SACÁNDOSE ALGUNOS ESTEREOTIPOS DE ENCIMA, BUSCA LIBERTAD CREATIVA PARA PODER SER FIEL A SÍ MISMO Y DISFRUTAR DE UN PRESENTE SOÑADO. Fotos: DEMMEE

esde hace un año y medio vive en Los Ángeles pero nació y se crió en Bogotá, y se convirtió en un adulto en la ciudad de Miami, en los Estados Unidos. Hoy, vive en la otra costa del país norteamericano por elección propia. “Quería un cambio”, desliza. “Los Ángeles es genial para poder codearte con gente de la industria y para poder trabajar con artistas”, dice convencido. David, como dijimos, nació en Bogotá, Colombia, y desde siempre se movió entre dos mundos: la música y el fútbol. “La música empezó porque me gustaba mucho el metal. Tuve una banda por muchos años y al mismo tiempo jugaba al fútbol. Eso era mi vida: Fútbol y mi banda”, recuerda. Eventualmente, el fútbol ganó algo de terreno y comenzó a viajar con su equipo por los Estados Unidos. Algo que le abrió el mundo a la segunda de sus pasiones. Pero ya no se trataba de metal. “Cuando empecé a viajar con mi equipo de futbol por los Estados Unidos, empecé a conocer un poco más de electrónica y empecé a componer en el bus”, comenta. Así comenzó el camino que llega hasta hoy. Su primer contacto con la música electrónica, recuerda, se dio con un CD de George Acosta que llegó a sus manos cuando era un niño colombiano de 15 años viviendo en Miami. “Empecé lentamente a meterme en la

onda de la música electrónica”, relata. Mucho tiempo pasó hasta que se decidió que quería probar suerte en el mundo de las bandejas. Con 24 años, decidió abandonar el fútbol y probar suerte con el DJing. Lo del fútbol se estaba acabando y había tenido varias lesiones. David no quería trabajar en una oficina y empezó a interesarte por la carrera de DJ. “Estábamos trabajando junto con mi mejor amigo y le dije que quería ser DJ y que no me alcanzaba el dinero para comprar equipos. Entre los dos ahorramos y compramos algunos equipos que nos servían para tocar”, va enumerando. De ahí, todo fue dándose paulatinamente. Luego de un año de práctica, llegó la primera gran oportunidad. Un promotor de Miami se acercó a él, lo escuchó tocar en su casa y terminó por darle un espacio en su discoteca. Primero, tuvo que ingeniárselas para tocar en un espacio open format, donde había que poner los temas comerciales que sonaban en el momento. “Tocaba algo de house y hip hop. Era más lo que la gente quería escuchar. Yo creo que a todos los DJs les toca empezar así.” Esa primera vez terminó saliendo todo de maravillas y David lo sintió como una señal para seguir adelante con su búsqueda. “Al final de la presentación, la gente en vez de irse, empezó a corear mi nombre y dije: ‘Oh, shit. This is what I got to do”, nos relata mezclando su idioma natal con el que habla a diario. Lo

cierto es que se dio cuenta que debía darle una chance al mundo electrónico. “Fue como la señal. Ahí pare todo, llamé a mi trabajo y les dije que renunciaba.”

PRODUCTO De ahí en más, las cosas nunca volvieron a ser iguales. Atrás quedó el fútbol y las lesiones y, frente a él, apareció todo un mundo de música y experiencias. Poco a poco, fue creándose un personaje en el mundo electrónico que lo fue llevando a donde se encuentra hoy. “La verdad es que yo creo que uno tiene que estar reinventándose siempre. Evolucionando todo el tiempo. Aprendiendo. Sin darse cuenta, va cambiando”, hace referencia a su carrera. David es muy consciente del lugar que ocupa. Siempre lo fue. “Sobre todo, al principio, cuando era algo nuevo. Ahora, la industria ha cambiado mucho. Cuando yo empecé a tocar, los DJs no eran como hoy. No eran rockstars que viajan por todo el mundo. Cuando yo empecé, la escena no era tan grande. Y hoy los DJs son artistas inmensos que tienen todo un equipo detrás. El DJ de hoy comparado al DJ de hace cinco años es totalmente distinto”, compara. Por supuesto, él tiene bien claro que forma parte de la industria y que, al igual que esos DJs de los que habla, tiene un montón de preocupaciones más que, antes, no tenían sentido alguno. “Es importante que uno conozca eso y tenga

en cuenta todos los hechos. Tiene que tener su buena imagen y todo puede estar bien conectado. Muy calculado. La industria, hoy en día, es muy específica. Uno tiene que estar preparado.” David recuerda cuál fue el momento en donde se dio cuenta que se había convertido en uno de esos DJs. Fue su madre la que le terminó por hacer entender que su figura ya no era más la de un desconocido. “Fue mi madre la que empezó a decirme que yo era famoso. Una niña que trabajaba con ella no sabía que ella era mi madre y, cuando se enteró, se volvió loca. Eso emocionó mucho a mi madre que decía ‘mi hijo es famoso’.” Desde ese entonces, David ha ido elevando su figura tanto en los terrenos norteamericanos en los que vive o en tierras sudamericanas, donde tiene sus raíces. Su caso es particular ya que pertenece a ambas escenas. “Acá, los americanos me consideran como DJ americano pero también sé que la gente latina me considera como un DJ latino”, analiza. Eso es algo muy importante para él y nos lo hace saber. De hecho, habla sobre otros DJs latinos que supieron triunfar en el mercado norteamiericano y pone como ejemplo a su compatriota Erick Morillo, quien supo conquistar no sólo al mercado americano sino a todo el mundo. “Con mi éxito y desde mi lugar, intento tratar de inspirar a la gente latina a que entre al mercado americano”, confiesa, poniéndose una responsabilidad en los hombros que, nos dice, le gusta asumir. Y no se olvida de Sudamérica. Sigue poniendo mucha de su energía en su región natal y viene aquí constantemente. “Voy unas dos veces por año a presentarme por Sudamérica. Por alguna razón, ahí me va muy bien y a la gente le encanta”, nos hace saber. Perú, Chile, djmagla.com

Colombia, Paraguay… esos lugares lo reciben con brazos abiertos año a año. Y aquí vuelve a hacerse presente la figura del producto que él tiene bien presente: “Es importante que te vean pero no mucho, ¿me entiendes? Yo quiero ser accesible para ellos pero no estoy interesado en saturarlos y hacer fechas todos los meses”, se sincera. Entendemos perfectamente su punto de vista y coincidimos en que, para armar un nombre, se requiere una planificación de este tipo. “Cada vez que voy a Sudamérica, el público es increíble. Siento que me conecto con la gente cada vez un poquito más, y más rápido. Me entienden inmediatamente”, reconoce sobre Sudamérica y explica que mucho del éxito que tiene en estas tierras, y también en Norteamérica, tiene que ver con un festival que desde siempre ha estado ligado a su nombre: Life In Color. Con el festival, estuvo presente en Colombia y Paraguay, nos comenta. “Cuando fui a Colombia, era mi primera vez tocando ahí desde que me fui. Partí a los 15 años de Colombia. Entonces, iba a Bogotá, donde yo nací, donde yo viví y a donde no iba desde hacía unos 10 años… Fue una experiencia muy emocional. Tocar en donde nací y con mis amigos de la infancia fue increíble.” Este año, tocó en Storyland, una gran reunión de música electrónica en Cartagena, ubicado en un lugar increíble, a metros de la playa y analiza un de la escena de su tierra natal: “Colombia está muy bien pero me he dado cuenta que el underground perdió algo de terreno. Siempre ha estado presente en Sudamérica y el EDM es algo nuevo que sigue creciendo.”

SOLANO ELIGE

JUGADORES DE FÚTBOL FAVORITOS 01. James Rodríguez

“Es el mejor jugador colombiano, en este momento. Me gusta James por su liderazgo y habilidad de cambiar un partido en un segundo con sus pases y goles.”

02. Mesut Özil

“Probablemente, el jugador más inteligente en el futbol de hoy en día. Juega con mucha categoría y tiene una paciencia increíble con el balón.”

03. Carlos Valderrama

“El jugador favorito de mi infancia. Sus pases y su visión en la cancha fueron incomparables. Así mismo, su carisma como persona se reflejaba cuando jugaba. El Pibe le pone color y sabor a cualquier partido. Valderrama es uno de mis ídolos.”

SONIDO PROPIO En términos musicales, está claro, lo de Solano no sería para nada underground pero no todo es lo que parece. “A mí me encanta el underground”, sorprende. “Me gusta Green Velvet, Hot Since 82, Richie Hawtin… Me gusta el underground porque es pura música. No se trata de la imagen, ni de quién es tu amigo. Es pura música y eso me encanta.” La charla se vuelve amena y confiesa: “Tengo un proyecto secreto. No he sacado ninguna canción, todo está en mi computadora ahora, pero me gustaría, algún día, sacar un proyecto con un alias, involucrado con el techno. Es algo que trabajo cuando estoy en casa pero no estoy listo para mostrarle a nadie. Pienso que son cosas buenas pero no estoy listo para empezar a poner mi fuerza en otro proyecto.” ¡Tiene razón! Hay muchos compromisos bajo el nombre Solano que no puede descuidar. De hecho, acaba de firmar con Universal Music y su sub sello latino dedicado a la música electrónica Aftercluv Dancelab. “Acabo de empezar una segunda fase de mi carrera y tengo el foco puesto en ello”, asegura. La primera fase ha terminado muy bien. Es que, si bien había 50

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04. Cristiano Ronaldo

“Es una estrella mundial. Una persona que supo hacer de su nombre una marca mundial y también logró ser uno de los mejores jugadores de la historia futbolística. También, admiro mucho a Cristiano por su forma de trabajar. Tuve la oportunidad de trabajar con su hermana Katia Aveiro, una cantante muy talentosa y una persona increíble. Ella me contaba que él sale del entrenamiento del Real Madrid y sigue entrenando en la casa, con sus entrenadores personales de lunes a viernes y es, también, un excelente papá. Es una persona que yo admiro mucho.”

05. Lionel Messi

“El mejor jugador de fútbol de esta generación. Su velocidad con el balón es imparable y su control y técnica es muy similar a la de Pele y Maradona. Ojalá Messi vuelva a jugar con la selección de Argentina. Se merecen una copa.”

LOS HIMNOS DE

LIFE IN COLOR

“Rise Up” “Do it”

“Unleash”

“Big Bang”

“Esta fue una colaboración con R3hab. Queríamos hacer un tema que representara la fiesta pero, también, que representara nuestro sonido. Así es como decidimos hacer una canción con mucha energía, más en el género del electro y el progressive. Una canción con el sonido grande que requiere un festival pero, también, melódico.”

“Esta fue una colaboración con Adventure Club. Esta vez, quise hacer algo distinto. Algo menos agresivo, más vocal y melódico, algo que sirviera para la radio y las fiestas. ‘Unleash’ fue una canción con mucho corazón y sentimiento. La letra habla de una persona que tiene que soltarse más a la vida y olvidarse de sus miedos.”

“Esta fue una colaboración con Borgeous. El nombre del tour de Life In Color se llamaba ‘Big Bang’ ese año y nos pareció un nombre excelente para la canción. Hicimos un tema que simbolizara un big bang, un tema con mucha energía y melodías impactantes. Y queríamos que el drop se sintiera como una explosión y creo que sí, lo logramos.”

conseguido muchos logros y estaba contento con su presente, se dio cuenta que el sonido en la industria estaba cambiando. “David Solano produce progressive house, David Solano trabajaba con R3hab y Borgeous… todo muy bueno pero la música cambió mucho”, intenta hacernos entender el por qué. Entonces, quiso cambiar las cosas un poco. Cambió su nombre a Solano y empezó a producir cosas distintas que siempre había querido hacer. Dejando de hacer cosas para encajar con la imagen que sus fanáticos tenían de él. “Sentía que todo estaba cambiando y dije ‘fuck it’. Voy a hacer lo que yo quiera”, resume. Por supuesto, esto fue un verdadero alivio para él y, hoy, la libertad con la que trabaja le ha devuelto la felicidad. “Decidí cambiar y hacer música más libre. No me importa lo que creo que la gente quiere, ahora soy yo.”

DESCONECTAR

Ahora forma parte de la casa discográfica de Universal. “Luis Estrada tuvo una conferencia con mi hermano Sebastian y él le mencionó que era mi hermano, y Luis no sabía nada. Se enteró así, de sorpresa, y le comentó que empezaba una disquera bajo Universal”, se pone a narrar. Finalmente, después de un largo proceso que terminó durando casi un año, Solano terminó por ser un artista del roster de Aftercluv. “Se dilató mucho el proceso y me frustré. No sacaba música hacía un año y eso no era justo para mis fanáticos. Estaba muy frustrado”, reconoce. “Pero todo se resolvió, estoy muy feliz con el contrato y creo que ellos también están felices. El primer tema salió hace un mes.” Este tema es “Rise Up”, el himno de Life In Color, un proceso que ha estado repitiendo desde hace varios años para el festival de las pinturas. Y este, en particular, representa el final de esa primera fase y el inicio de un nuevo camino. “El himno de Life In Color es importante, obvio, por ser la canción de un gran festival pero es más

“Esta vez, escogí trabajar en la canción solo. Life In Color quería algo que representara a ‘Kingdom’, el tour del 2016. Entonces quise componer algo más épico, con sonido de tambores orquestarles y coros que simbolizaran un sonido tribal o africano. La cantante en la canción es Bitter Kiss. La escogí a ella porque tiene una voz muy suave y un tono muy lindo. De todas las canciones que he hecho para el festival, esta es mi favorita.”

importante, para mí, lo que sigue. Solamente yo. He estado tan conectado con Life In Color que, por supuesto, fue una bendición pero lo que sigue ahora lo quiero hacer solo. Lo que sigue es más importante para mí y la disquera sabe esto y me apoyan y la música que sigue es mucho mejor.” “Estaba componiendo música para encajar con la marca de ellos”, observa. Obviamente, fue una bendición para él que lo ayudó a ganar enorme notoriedad pero su libertad creativa tenía límites. “Por eso, este año quise hacer solo el himno”, explica. “A la canción le ha ido muy bien”, destaca y recuerda uno de sus viajes en taxi por Las Vegas donde sonaba su track en la radio. Sin dudas, el cambio es algo positivo y, con el apoyo de un gigante como Universal, a través de Aftercluv Dancelab, podrá cumplir todos sus objetivos y llevar esta segunda fase al lugar que él quiere. Sólo era cuestión de romper las cadenas, y dar el salto… u djmagla.com

¡TODOS DICEN HYTE! DJ Mag se reunió con Loco Dice, Chris Liebing y Pan-Pot en Ibiza para hablar sobre su residencia compartida en HYTE que se lleva adelante en el club Amnesia de la Isla Blanca. Cierre de clubes, nuevas propuestas, afterparties locos y “perderse” -esto pasa cuando nos sentamos con tres de los actos más grandes del techno... Texto: CHARLOTTE LUCY CIJFFERS

oco Dice, Pan-Pot y Chris Liebing posan los tres, uno al lado del otro, en la terraza de un lujoso y altísimo hotel, el famoso The Ibiza Grand. No se da muy seguido que tres DJs superestrellas se junten, aunque estos están tocando juntos todos los miércoles en la Isla Blanca este año, como parte de la residencia HYTE, en Amnesia. Pan-Pot –sus nombres reales son Tassilo Ippenberger y Thomas Benedixson los más animados del grupo, riéndose y sonriendo constantemente, bromeando entre ellos en alemán, mientras el equipo de Loco Dice merodea sus cercanías y va probando diferentes vestimentas y combinaciones. Liebing es el mayor del grupo –con unos increíbles 25 años detrás de las bandejas y un influyente sello discográfico de techno llamado CLR- y espera ago dormido en uno de los costados de la altísima terraza. ¿Quién puede culparlo? Acaba de bajar de un avión que lo ha llevado allí directo desde su presentación en el Movement Festival de Detroit, mientras PanPot y Loco Dice llegaron a Ibiza desde Berlín.

Los cuatro artistas comparten algo en común: son todos alemanes, como la misma marca HYTE que llegó a Amnesia el año pasado por primera vez. Originalmente, encabezada por Maceo Plex, quien ha dejado esta residencia para empezar su propia aventura en Pacha. Nosotros tenemos agendado pasar por la fiesta de HYTE hoy y sabemos que tenemos un increíble show garantizado. Anticipándonos a lo que será, sin dudas, una fiesta de techno de lo más poderosa, nos sentamos a charlar con Loco Dice, Chris Liebing y Pan-Pot para desarrollar una agradable y extraña charla con tres de los intérpretes más influyentes del género. Todos son residentes de HYTE en Amnesia este año. Sabemos que Chris y Loco Dice son amigos desde hace mucho tiempo pero, ¿cómo se conocieron entre todos? LOCO DICE: “Yo, realmente, no recuerdo como nos conocimos. Pero fue hace mucho tiempo…” djmagla.com

TASSILO (PAN-POT): “Si, yo lo recuerdo. Fue la primera vez que tocamos en Cocoon. Debe haber sido hace algunos seis o siete años, en la cena de artistas. Aunque todo es un poco más borroso, ahora.” THOMAS (PAN-POT): “Fue nuestro primer y único show live. Estábamos súper nerviosos. Veníamos practicando sin parar desde hacía tres meses. ¡Y no lo volvimos a hacer desde entonces!” CHRIS LIEBING: “Si, conozco a Dice desde hace más de diez años. Ya es bastante tiempo…” Dice, tú tienes mucha historia aquí en la isla. ¿Cuán especial es Ibiza para ti? LOCO DICE: “Es que, como todos los artistas van a decir, una y otra vez, Ibiza es la mecca de la música electrónica. Si estás haciendo música electrónica, tienes que enamorarte de Ibiza –no tienes otra opción. No importa lo que estés haciendo pero debes estar aquí. Para un DJ, primero que todo, es muy importante para la inspiración. Uno se inspira y puede escuchar muchos estilos diferentes. DJs de todo el mundo van a Ibiza. Y, por supuesto, la experiencia de ver a todas las nacionalidades unirse en la pista es algo que ocurre sólo en Ibiza. Algunas personas se las arreglan para hacer negocios aquí, también, y convertirse en súper estrellas de la isla. Uno puede, definitivamente, utilizarla como una plataforma para dar un salto. Pensemos en Pan-Pot, por ejemplo. Vinieron como un acto en directo y y hoy son DJs estrellas. ¡Esto va muy rápido!” ¿Y qué hay de tí, Chris? CHRIS LIEBING: “La primera vez que vine a la isla fue en el año 1996 y tenía una presentación en Space. Había una fiesta alemana llevándose adelante los jueves, creo. Conocía a esa gente de Colonia que solía hacer algunos after parties por allí. En ese entonces, yo me había convertido en residente del club Omen en Frankfurt. Recuerdo que compré mi tabla de surf y, definitivamente, no se puede surfear aquí. Yo no tenía mucha noción. Desde el principio, siempre pensé que Ibiza era un lugar muy interesante para estar musicalmente, aunque vengo de un terreno más industrial de la música, o más del rock. No estaba todo limitado al sonido baleárico y eso me gustó.”

“En los últimos veinte años, he sido testigo de muchos cierres de clubes legendarios y siempre duele que ocurran estas cosas. Pero las cosas deben terminar, ¿sabes? Las cosas deben terminan y los cambios tienen que aparecer…” - CHRIS LIEBING Dice, dijiste en el pasado que Sven Vath fue una gran inspiración para ti, cuando viniste a Ibiza por el año 1999. ¿Qué te inspira hoy en la isla? LOCO DICE: “Sabes… es casi lo mismo. Yo crecí en las pistas de aquí, escuchando a los DJs presentarse, viendo como manejaban diferentes situaciones, como tocar en un after party o en un momento cumbre en una discoteca. O una terraza, en vez de una pool party, todo es distinto. Así que, para mí, es muy emocionante ver a los nuevos talentos en la isla pero, también, a los viejos. Carl Cox es el perfecto ejemplo de esto. Cuánto entusiasmo a desplegado este tipo en la pista de baile. Es increíble. Es hermoso para ver que alguien, después de tantos años, sigue teniendo esa misma energía y ese mismo amor por la música. Eso es algo que nos hace a todos seguir creciendo. Luego, te vas a escuchar a un DJ completamente desconocido en un after y está tocando tracks increíbles y vos estás hablando todo el tiempo hasta que de pronto frenas y dices: ‘Dios mío. ¿Qué tema es este?’. Esa es la belleza de Ibiza.” ¿Y qué hay de ustedes, Pan-Pot? ¿Han encontrado a la isla como un lugar interesante para descubrir música? THOMAS: “Para ser honesto, no he pasado mucho tiempo en after parties oficiales. Sólo en las mías. Lo que realmente me gusta de Ibiza es que puedes ser un anónimo. Eres alguien pero, a la vez, no eres nadie. Hay tanta historia y tantos artistas que están y estarán siempre antes que ti… Siempre se siente fresco.”

“Lo que realmente me gusta de Ibiza es que puedes ser un anónimo. Eres alguien pero, a la vez, no eres nadie. Hay tanta historia y tantos artistas que están y estarán siempre antes que ti… Siempre se siente fresco.” - PAN-POT

Dice, nombraste a Carl Cox. ¿Qué piensan todos con el cierre de Space? TASSILO: “Sí, es una lástima, ¿sabes? Es un nombre legendario. No sólo en Ibiza, es una marca que se ha desplegado por todo el mundo. Con respecto a lo que dice Dice, puedo confirmarlo literalmente y coincido 100% con él. Conocimos a Carl por primera vez hace unos cuatro años, cuando tocamos en Space. No lo habíamos conocido antes y él era súper cálido. Haber vivido eso, y ser parte de la historia de Space, es algo increíble para nosotros. Es un poco triste y es el final de una era pero veremos que sucede…” LOCO DICE: “Sin faltarle el respeto a lo que se creó allí o lo que pasó allí. Yo tuve excelentes momentos en ese lugar pero, simplemente, es una evolución. Es un proceso de lo más normal. Nada es para siempre. Quizás es bueno que se termine ahora.” CHRIS LIEBING: “En los últimos veinte años, he sido testigo de muchos cierres de clubes legendarios y siempre duele que ocurran estas cosas. Pero las cosas deben terminar, ¿sabes? Las cosas deben terminan y los cambios tienen que aparecer. Tresor, Omen.. muchos clubes de Nueva York cerraron hace años, también. Pero podemos conservar las memorias vividas en aquellos lugares, ¡y esperamos tener incluso mejores en nuevos lugares!” ¿Entonces es mejor irse en el mejor momento? LOCO DICE: “¡Exacto! Ha sido genial, ha sido increíble, pero todos los clubes terminan bajando en algún momento. Es como una carrera de DJ, o un jugador de fútbol, o cualquier cosa. A veces, hay que desenchufar. Fue un gran momento pero ya es tiempo de pensar en otras cosas para hacer...” THOMAS: “Quizás el público ha cambiado, también. Quizás, la escena no es la misma...” LOCO DICE: “Totalmente. Estuvieron por décadas presentando los más grandes nombres del house y el techno. ¿Qué más podían hacer?”

Muchos fanáticos de Space están preocupados de que se convierta en otro espacio VIP cuando el grupo Ushuaia tome el control. ¿Crees que Ibiza está enfocándose en este público? LOCO DICE: “Odio que digan eso. Ibiza siempre estuvo enfocada a ese público. Piensen en las personas que bailaban en la terraza de Amnesia a lo largo de la historia. Grace Jones, los Rolling Stones, Naomi Campbell... todos estaban en la isla en sus años de gloria, llenos de excesos y lujo. ¿Me quieres decir que algo ha cambiado? Bueno, puede que ahora se vea un poco más pero toda la isla y su infraestructura está cambiando. Ya no es una isla. ¡Es una mega ciudad! Me molesta porque si hablas con gente de la vieja escuela, como David Morales o alguien que haya estado en la isla por más de una década, te van a decir: ‘Lo siento pero siempre ha sido VIP’.” Ibiza es un espacio para perderse. ¿Cómo manejan las tentaciones de la isla? TASSILO: “Creo que depende de tu caracter pero es muy sencillo perderse aquí. Al final, si eres obstinado y quieres hacer algo, simplemente, lo haces.” THOMAS: “La primera vez que vine a Ibiza no fue tan malo como cuando me mudé a Berlín a los veinte años. En ese entonces, me perdí por dos años. Eso sí que fue una locura. Pero, hablando en serio, hay dos lados de la isla. No todos aquí son ravers. Hay cosas hermosas fuera del circuito de clubes, también.” LOCO DICE: “Oye, me perdí aquí toda una temporada, una vez. No llamé a mis amigos, no llamé a mi madre, no llamé a mi manager –nada. Hice lo que quise, no me importó mucho, ¡era libre! Nunca pensé en el día de mañana cuando llegué aquí. No tenía un sello que dirigir, no tenía hijos ni responsabilidades. De pronto, llega el final de septiembre y la temporada termina y te quedas como diciendo ‘hey, ¿dónde se fueron todos?’. Eso, realmente, es perderse.” djmagla.com

Pan-Pot, ustedes son relativamente nuevos en la isla. ¿Esta residencia se siente como un objetivo cumplido en su carrera? TASSILO: “Por supuesto. Es algo que siempre hemos soñado, desde nuestros tiempos en la escuela de música. Estudiamos ambos la carrera de Ingeniería en Sonido en SAE, en Berlín y siempre tuvimos el sueño de ser –como dice Dice- DJs súper estrellas. Simplemente, ganar dinero mientras disfrutamos haciendo lo que amamos, todos los días. La isla es nueva para nosotros. No hemos tocado aquí tan seguido en los últimos años y debo decir que es una especie de sueño cumplido. ¡Estamos muy emocionados!” Chris, estás tocando un set bastante corto hoy, respecto de lo que acostumbras. ¿Cómo preparas las sesiones en HYTE? CHRIS LIEBING: “Para ser honesto, no construyo mis sets así. Yo siempre viajaba con mis discos así que siempre tenía esos vinilos favoritos para tocar. Ahora, tengo un set up nuevo, con computadoras y, en principio, es bastante similar. Uno tiene las tracks principales que ama tocar, además de todo lo que fue recolectando. Es bastante sencillo, para mí, hacer esas elecciones en tiempo real.” Y eso es algo que te da la experiencia, ¿verdad? CHRIS LIEBING: “¡Sí! Espero que, luego de 25 años, haya aprendido algo acerca de cómo tocar. ¡Aprendí una cosa o dos! Diría que es una combinación entre improvisación y rutina. Sobre todo, cuando algo sale mal durante el set o algo inesperado pasa. Cuando digo rutina, no quiero decir que sea algo aburrido –sigo teniendo mucha pasión por el DJing. Es raro, siento como si la pasión sólo estuviera creciendo a medida que pasan los años. He trabajado muy duro para lograr tener un balance entre mi vida privada y mi vida profesional. Eso es muy importante. ¡Pregúntale a cualquier DJ!”

“Oye, me perdí aquí toda una temporada, una vez. No llamé a mis amigos, no llamé a mi madre, no llamé a mi manager –nada. Hice lo que quise, no me importó mucho, ¡era libre!” - LOCO DICE ¿Y por qué creen que HYTE ha sido tan exitoso en la isla? THOMAS: “El hecho que me gusta de esta fiesta, y de HYTE en particular, es que no se trata sólo de un tema. Tiene muchas caras, diferentes personajes se hacen presentes semana a semana. Es más flexible. Me encanta el sonido de esta fiesta.” CHRIS LIEBING: “Siempre estuve cerca cuando HYTE empezó a formarse y muchos de nosotros estamos conectados, de alguna manera. Cuando uno mira la oficina de Berlín donde se encuentra HYTE, se da cuenta que es un grpo de gente muy lindo, con una visión similar. No se equivoquen: puede ser una locura de lo más caótica, ¡pero todo está hecho con mucho amor!” ¿Creen que la nueva hora de cierre de Amnesia puede afectar a la fiesta? TASSILO: “Por lo que puedo decir, siempre ha habido cambios a los inicios de temporada, con muchas discusiones en el medio. Pero, al final del día, sigue siendo lo mismo. Si termina antes, ¡el after party empieza antes!” LOCO DICE: “Esto mismo pasó hace algunos años y las fiestas eran forzadas a cerrar antes. No siempre ha sido esto de seguir hasta cualquier hora. Recuerdo estar bailando en la terraza de Cocoon hace 10 años y que está repleto para la una de la mañana. Sólo los locales llegan a las cuatro. ¿Por qué? Porque trabajan en el pueblo y a esa hora pueden llegar. Sería algo interesante para probar: ¡abramos las puertas más temprano y veamos que ocurre!” THOMAS: “Quizás sea mejor irse más temprano a dormir. Guardar algo de energía y tocar al día siguiente –en mejor estado de lo que suele suceder. HYTE, con la presencia de Loco Dice, Chris Liebing y Pan-Pot, estará vigente en Amnesia hasta el 5 de octubre. u

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CARNAGE

FLAMEA SU PROPIA

BANDERA

pesar de lo que dicen las fuentes que consultamos en internet, que afirman que nació en Guatemala, él confirma que el dato es erróneo. Diamante Blackmon nació en la ciudad norteamericana de Washington D.C. y, a temprana edad, partió junto con sus tíos a Guatemala. Por supuesto, en ese entonces, lejos estaba de renacer bajo el alias Carnage. “Viví en la Ciudad de Guatemala por unos nueve años, con mis tios, pero nací en Estados Unidos”, confirma. En sus años en el país centroamericano, como suele suceder en nuestras tierras, las influencias musicales tenían como principal vehículo a la radio. “En ese entonces, yo no tenía idea que era la música electrónica. No lo supe hasta los dieciséis o diecisiete años. Yo escuchaba la música popular. Música guatemalteca, la marimba”, comenta. Cuando cumplió los nueves años, sus tíos empezaron a realizar los papeles para mudarse a los Estados Unidos y hacerse ciudadanos del país norteamericano. Allí, Diamante pudo volver con su madre a Washington D.C., donde había nacido. Con los años, la cultura musical norteamericana empezó a moldear sus gustos y, para cuando cumplió los dieciséis, ya tenía una idea bastante bien lograda de lo que era el mundo electrónico. “A los 16 años comenzó mi búsqueda en la electrónica y empecé a hacer música en mi computadora”, relata el joven de 26 años desde su casa en Los Ángeles. Sus inicios estuvieron relacionados con algunos de sus amigos con los que pasaba sus ratos libres, que eran asiduos oyentes de actos electrónicos como Above & Beyond, Showtek y Headhunterz. “Así me empezó a gustar. En ese tiempo de mi vida, yo escuchaba, más que nada, hip hop y rap”, agrega. Cuando terminó la escuela, sin ningún tipo de ingresos, dispuso todo su tiempo a crear música. Había trabajado unos meses limpiando pisos en un mercado, con quince años, pero no le duró mucho. “En ese momento, mi vida era música y música. Era lo único que podía hacer. Yo no tenía un solo peso a mi nombre y me mudé a Los Ángeles. Tenía que hacer música para ganar algo de dinero”, explica. Empezó creando beats, solo, en su ordenador y, lentamente, sus canciones tuvieron algo de repercusión. “Cuando la música

comenzó a pegar acá en el internet, me hice buen amigo de Borgore”, nos cuenta. “Yo sabía que necesitaba tomar clases para poder tocar y, así, ganar algo de dinero”, aclara. Además, era una buena idea para que se empiecen a hacer más conocidos sus temas, nos ilumina. Se pasaba doce horas en su estudio y no hacía otra cosa más que crear música. “Mi sueño era tocar en todos los mainstages. Tomorrowland, EDC… Tocar en todo el mundo.” Lentamente, las cosas comenzaron a darse. Tuvo sus primeros shows en Los Ángeles y en Nueva York y, como dice con su español chapín, “todo comenzó a pegar”. Después de cobrar los primeros 500 dólares por un show, se dio cuenta de que su tiempo había estado bien invertido y pisó el acelerador. Con sus extensos períodos en el estudio, empezó a experimentar fusiones que pudieran llevarlo más alto. Una de sus primeras canciones conocidas fue “Teke Teke” y, si bien él asegura que no fue tan grande, fue la semilla que iba a terminar germinando una completa revolución sónica, apoyada principalmente por él y su sonido particular. “Fue lo primero que hice cuando comencé a hacer el trap electrónico. La primera canción en la que probé si podía hacer trap al estilo EDM pero, sinceramente, no me gustó mucho”, reconoce. Aunque no terminó por lograr su cometido, fue creando el camino para el verdadero boom: la integración del trap al costado más comercial de la música electrónica. “Antes, los DJs que tocaban trap nunca lo hacían en los mainstages. Siempre lo hacían en lugares más pequeños, escenarios más chicos”, asegura. Se terminó llamando festival trap y llevó ese nombre porque el mismísimo Carnage le puso así. “Claro que sí. El festival trap es todo mío, yo lo comencé. Y ahora es un sub género…” Continúa analizándolo y, en su mente, todo comenzó a ir por la senda del éxito cuando realizó el remix del track “Spaceman” de Hardwell, un éxito absoluto del holandés que Carnage se encargó de reinventar con grandeza.

“El remix a ‘Spaceman’ y otros remixes que hice con la misma idea empezaron a ser tocados por artistas como Tiesto o Afrojack. Así fue como los grandes DJs empezaron a tocarlo y llevaron el género a los mainstages. El trap que tocaban ahí, era el festival trap… el mío”, se enorgullece. Carnage aparece como aire fresco para un género

ES CONSIDERADO EL RESPONSABLE DE QUE EL TRAP HAYA LLEGADO PARA QUEDARSE A LOS ESCENARIOS PRINCIPALES DE LOS FESTIVALES ELECTRÓNICOS. CON 26 AÑOS, ESTÁ AL FRENTE DE TODA UNA CORRIENTE, Y TIENE AMBICIÓN PARA SEGUIR ESCALANDO. PIONERO, JOVEN Y CON UNA GRATA CONEXIÓN CON LATINOAMÉRICA, CARNAGE TIENE TODO BIEN CLARO...

CINCO

CANCIONES

QUE MOLDEARON EL SONIDO DE CARNAGE

AFROJACK “AMANDA” “Lo que me encantaba de esa canción es que está llena de bajos.”

DON OMAR & IVY QUEEN “LA BATIDORA” “No sé por qué pero ese era el reggaetón que a mí me encantaba.”

HEADHUNTERZ VS. ABJECT “SCANTRAXX ROOTZ” “La primera canción de hardstyle de la que me enamoré.”

NAUGHTY BY NATURE “HIP HOP HOORAY” “Era la primera canción de rap que oí cuando vivía en Guatemala.”

50 CENT FT. NATE DOGG “21 QUESTIONS” “Cuando salió era una excelente canción y yo siempre quise hacer una canción así. La producción era buena y el video también.”

que estaba saturándose de fórmulas con el término EDM englobando más de lo necesario y lo reconoce así. “La gente está aburrida de escuchar la misma música cada día. Cada festival, cada show, era todo lo mismo”, dispara. Ahora, de alguna manera, se han abierto las puertas a la experimentación y se salió, según

su propio discurso, de la comodidad de los 128 bpm. “No es tan aburrido ahora. Está bueno salir un poco del 128 y el house. Ahora, los DJs más grandes tocan de otra manera y es más amplio. Tocan cosas a 140, 150 bpm… a 110 también. El twerk y el trap están ganando esapcio. Es un buen momento para hacer música.”

“Nunca lo hice pero me gustaría hacer, alguna vez, una canción con una marimba de Guatemala. Lo voy a probar”, nos da el gusto. Su español es bueno y su cercanía con el público latino es real. Suele pasar por nuestras tierras con algo de periodicidad. Al menos, una vez al año. “A donde no he ido hace bastante tiempo, es a djmagla.com

CARNAGE

ELIGE SUS FAVORITAS

CARNAGE FT TOMAS BARFOD & NINA KINERT “NOVEMBER SKIES” “Es una canción que trabajé por un lapso de tres años. Tengo guardadas unas 10 diferentes versiones de esa canción pero la final fue mi favorita.”

CARNAGE FT TIMMT TRUMPET & KSHMR “TOCA” “Porque me parece una canción buenísima.”

CARNAGE & BORG RE “INCREDIBLE” “Esta fue la primera canción que si pegó con la gente y me encanta.”

CARNAGE FT MIGOS “BRICKS” “Porque todavía la puedo tocar ahora y en todos mis shows. Y la gente se sabe todas las palabras.”

HARDWELL “SPACEMAN (CARNAGE FESTIVAL TRAP REMIX) “Fue la primera canción de trap que se le pegó a todos los fans y la primera que me tocaron todos los DJs cuando salió.”

CARNAGE FT. YOUNG THUG & SHAKKA “DONT CALL ME” “Es la nueva canción. Está buenísima y se puede oír en todos lados. Triste o alegre, se puede escuchar siempre.”

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Nicaragua y a Guatemala”, hace memoria y aparece un dato que no teníamos presente. Su última ver en Guatemala, donde vivió nueve años, la utilizó para inaugurar una escuela que él mismo construyó y que le enorgullece por completo. “Quiero construir más escuelas en todo el mundo”, dice entusiasmado. “Las cosas en Latinoamérica están muy bien. Cuando voy a los shows, los fans son buenísimos. De principio hasta el fin están ahí contigo gritando y cantando las canciones palabra a palabra. En los países latinos, no hay muchos shows así pero cuando va un DJ o un artista es más especial. No están acostumbrados a eso, no lo dan por sentado. Están alegres cuando lo ven ahí. El DJ no va a regresar tan rápido. Seguro se tarde un año en volver. En los Estados Unidos es diferente porque ahí pueden ver al DJ a cada semana.” El año pasado lanzó un álbum de estudio. Se llamó “Papi Gordo” y vio la luz el 30 de octubre. A nosotros nos sorprendió el hecho de que haya lanzado un trabajo de este estilo, teniendo en cuenta la dinámica que existe en el mundo del mainstream. En quince canciones, el artista hizo un repaso por algunos de los géneros que engloban su sonido, colaborando con nombres importantes de la escena del EDM. “Todos se van para el lado de los EP y yo no soy como todos los otros DJs y artistas. Yo hago un montón de música. Y, ¿para qué? Yo no quiero esperar dos o tres meses para sacar una canción. Si yo tengo una canción que quiero sacar, la saco ahorita. O espero un poco pero te doy veinte canciones juntas”, da su explicación sobre lo que él mismo proclama “el mejor álbum del año”. Este LP, como dijimos, es bien variado y, el él, encontraran música de todo tipo. Twerk, trap, house, hardstyle… el Papi Gordo fue por la gloria en este lanzamiento que le llevó un año y medio. “Hay un montón de música que ya estaba hecha pero que necesitaba terminar y eso fue bastante duro”, recuerda sobre el proceso de producción del álbum. Las colaboraciones las hizo por internet, enviando y recibiendo nuevas ideas con los artistas que quiso sumar. “Todos los artistas con los que trabajé eran personas con las que yo estaba interesado en trabajar. Eran aquellos a los que, cuando no estoy haciendo nada, les escucho sus canciones. Me encanta trabajar con ellos porque me encanta la música que hacen.” A este artista, DJ, productor e intérprete con actitudes de gangster le llegó el momento porque lo buscó. Ahora, lo que viene, sigue los cursos naturales de cualquiera que ha haya encontrado el éxito. “Relajar, dormir y terminar mi próximo disco”, así lo detalla. Sueña con convertirse en el DJ N°1 del mundo y hacer un álbum de estudio junto a Kanye West y, cuando nos lo dice, no creemos que sea algo tan imposible. Sobre todo, pensando en lo que logró con tan solo 26 años. En estos días se mudará a Las Vegas, dejando de lado su hogar en Los Ángeles, y esperamos que esa refrescada le ayude a ganar de nuevo esa inspiración que lo llevó al frente de una nueva corriente que él mismo se jacta de haber creado. Una de la que es, sin dudas, el principal abanderado. u

EXCLUSIVE MIX DJ PAUL Pablo de Mattei lleva más de 29 años de carrera musical como una verdadera figura de la escena local bajo el alias DJ Paul. Sus comienzos, a fines de los años ochenta, lo posicionaron como una verdadera influencia para las corrientes modernas y, al día de hoy, sigue presente entre los fanáticos con su radioshow “Selections” y sus producciones exitosas. Residencias para el cierre de milenio compartiendo cabina con grandes nombres como Nick Warren, Hernan Cattaneo, Sasha, Deep Dish, Dave Seaman y Paul Oakenfold; presentaciones en festivales de gran envergadura como Ultra Buenos Aires, Creamfields Buenos Aires – festival donde se presentó por 10 años consecutivos- y Lollapalooza Argentina; y tours por toda Latinoamérica y países de Europa son algunos de los puntos que dejan a la vista su rica y exitosa carrera. Nos deja su mezcla para deleitar nuestros oídos.

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EXCLUSIVE MIX - VOL 5 - PARTE 1 01. NICOLAS RADA “ROOFTOP SIXTYNINE” 02. MARCELO VASAMI “THUNDER” 03. DJ BORA “SEVEN LAKES & ONE MAN (THE FLORIST REMIX)” 04. KIERAN J “WAVE THERAPY (HOT TUNEIK REMIX)” 05. GUILLERMO DE CAMINOS “UNTITLED 01 (DEEP MARIANO REMIX)” 06. MICHAEL GIN “SUBTIE TOUCH” 07. QUIVVER “CALL” 08. DJ PAUL “VOICES INSIDE MY HEAD” 09. ANHAUSER & WHO ELSE “ROAD TRIP”

EDU IMBERNON Oriundo de la hermosa ciudad de Valencia, este productor, DJ y director de sello es una de las caras visibles más exitosas que tiene el presente de la escena española. En el año 2008, su explosión en la escena electrónica internacional lo llevó, entre otras cosas, a ganar el premio a Mejor Tema Underground Del Año junto a Coyu, por su trabajo en el track “El Baile Alemán”. Desde entonces, acompañado por el crecimiento de sus sellos independientes Eklektisch y Fayer, ha conseguido innumerables hitos en su carrera, sumando a sus plataformas a artistas de la talla de Henry Saiz, Pleasurekraft, Uner y Los Suruba, entre muchos otros, y remixando a grandes nombres como Solomun, Metronomy, Maya Jane Coles y David August. ¡Ya está consolidado y aún sigue en ascenso! Nosotros tenemos esta gran oportunidad para escuchar la mezcla que nos regaló de manera exclusiva.

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EXCLUSIVE MIX - VOL 5 - PARTE 2 01. THE MULE “HUMAN MACHINE” 02. SHAROKH DINI “GOHAR” 03. RAFAEL CERATO “MIRRORS OF LIFE (VICTOR RUIZ REMIX)” 04. TIGA “MAKE ME FALL IN LOVE (EDU IMBERNON REMIX)” 05. TIM FISHBECK “WITNESS TO WISDOM” 06. LAUER “TRAINMAN (TENSNAKE TRANCEMAN REMIX)” 07. WHOMADEWHO “HEADS ABOVE (KOLLEKTIV TURMSTRASSE REMIX)” 08. KOLLEKTIV TURMSTRASSE “FREIFLUG” 09. ISAAC TICHAUER “HIGHER LEVEL (BICEP REMIX)” 10. KIRSTY SHAWKSHAW “FINE DAY (JAMES HOLDEN REMIX)”

A PASO FIRME Slam celebra los primeros 25 años de vida de su prestigioso sello discográfico Soma Records. Mantuvimos una agradable charla con los escoceses para saber más sobre la plataforma en su año de festejos. Un proyecto que empezó en Escocia con la llegada de las tendencias electrónicas de Norteamérica y terminó siendo una tendencia en sí mismo, siendo fundamental para el desarrollo de la industria electrónica a nivel global. ¿Qué estaban haciendo cuando decidieron empezar el sello? ¿Ya se habían convertido en Slam? “Sí, habíamos empezado a tocar y promocionarnos como Slam en Glasgow para ese momento en el que lanzamos Soma, en 1991, junto con otros socios en el sello.” ¿Cómo era la escena electrónica en ese entonces? ¿Qué pasaba en Glasgow? “La escena estaba comenzando a dispersarse con la salida de algunos sellos de Detroit y de Chicago que se filtraban en el Reino Unido, junto con otros sellos discográficos locales que empezaban, como Warp. Glasgow ya era una vibrante capital de la vida nocturna, pero aún no tenía grandes representantes en cuanto a la escena electrónica local.” ¿Cuándo decidieron empezar este sello? “Ya nos habíamos aventurado en los reinos de la música y de la producción de remixes, con un set up muy básico, antes de empezar con Soma. Había una fuerte corriente del ‘hágalo usted mismo’ que provenía de las revoluciones del punk y del indie, de los años ochenta.” ¿Por qué? ¿Qué objetivo tenían? “Veíamos a Soma como un vehículo para lanzar nuestra propia visión de la música y la de otros amigos. Sin todas las restricciones comerciales impuestas a la hora de firmar contratos con los grandes sellos, que no entienden el verdadero ethos de los nuevos géneros musicales.” ¿Había alguien que los ayudaba en los inicios? “No, no recibíamos ayuda de parte de nadie. Tuvimos que aprender todo por nuestra cuenta: cómo producir los vinilos, cómo manejar los temas del packaging, la distribución y la prensa, entre otras cosas.” ¿Y cómo se fue desarrollando el equipo de trabajo del sello con los años? “Los miembros principales de Soma Records siempre han sido los mismos, a lo largo de estos primeros 25 años, con varias

personas que nos acompañaron en diferentes momentos de la historia. Obviamente, ahora tenemos más gente involucrada que al principio pero siempre ha sido un equipo fuerte, muy leal e increíblemente dedicado.” ¿Y qué hay del sello? ¿Cómo fue la evolución en estos diez años? “Ha sido, realmente, una muy orgánica. Los primeros años fueron increíbles. Luego de los primeros quince lanzamientos, nos convertimos en un sello de música electrónica independiente con reconocimiento a nivel global. Recibíamos demos de todas partes del mundo. No siempre ha sido fácil. Durante mucho tiempo, lo trabajamos a puro amor.” ¿Qué grandes diferencias pueden marcar entre aquellos días y el presente del sello? “Para ser honestos, no mucho ha cambiado en términos de objetivos y del ethos de Soma. Obviamente, hoy tenemos una oficina y estudios, y ya no trabajamos en una habitación, estampando y numerando los discos a mano…” ¿Cómo impactó el internet y la globalización en el trabajo diario del sello? “El comienzo de la revolución digital trajo aparejado grandes cambios en todo el modelo de negocios del sello. Ya estábamos previniendo la caída de los terrenos físicos y el aumento del ecommerce en el mundo musical. Siempre hemos estado bastante actualizados en lo que respecta al crecimiento del mundo digital y los cambios que se fueron dando.” ¿Cómo se toman las críticas? ¿Suelen encontrarlas acertadas? “A decir verdad, nunca las leemos. No sabemos qué dicen. No nos interesan los reviews. Siempre hemos hecho lo que quisimos.” ¿Qué es lo mejor de Soma? “El mayor logro de Soma es que a lo largo de toda su historia, el sello ha sido dirigido con los mismos valores, apoyando y lanzando música electrónica de avanzada, liberada de consideraciones comerciales.”

LA COLUMNA

VERTEBRAL DE SOMA

01. ENVOY “DARK MANOEUVRES” “Un tema que sigue rompiendo las pistas de baile.”

02. PERCY X “X TRACK 1”

“El track favorito de muchos DJs.”

03. CLOUDS “COMPLETE CONTROL”

“Un clásico de la era moderna.”

04. FUNK D’VOID “DIABLA” “Apareció de la nada y se convirtió en una verdadera sensación.”

05. SLAM “POSITIVE EDUCATION” “El track que llevó a Soma a ser reconocido internacionalmente.”

SOMA

RECORDS

DIRECCIÓN:

342 Argyle st, Glasgow G2 8LY.

FECHA DE ORIGEN: Agosto de 1991.

PRIMER LANZAMIENTO:

“Eterna / IBO” de Slam y Rejuvination.

CANTIDAD DE LANZAMIENTOS: 470 singles y 114 álbumes.

LANZAMIENTO MÁS VENDIDO: “Da Funk” de Daft Punk.

ARTISTA CON MÁS LANZAMIENTOS: Slam.

¿Qué cosas diferencian al sello del resto? “Esa es una pregunta bastante complicada. Siempre hemos transitado nuestro propio camino y no hemos mirado mucho acerca de lo que estaban haciendo los otros. Se trata de tener una fuerte convicción en nuestras elecciones musicales.” ¿Qué necesita un tema para ser lanzado a través de Soma? “No estamos seguros, exactamente, de qué sea lo que necesito. Es difícil pasar elecciones musicales a palabras. Pero podríamos decir originalidad, que el artista tenga consistencia –que no sea sólo productor de un hit-, e integridad. Eso debería estar en lo principal de la elección.” ¿Cuántos tracks reciben semanalmente y cuántos de ellos terminan firmando? “Soma recibe cientos de demos por semana. Pero, la mayoría de los tracks ni llegan a nuestras reuniones de A&R. Sólo firmamos con unos pocos artistas por año. A muchos de los actos que firmamos, tratamos de alentarlos a que lancen un álbum.” ¿Cuál es el proceso que un track salga firmado por Soma? “Una vez que el sello realiza la decisión colectiva de firmar a algún artista, la oficina empieza a hacerse cargo de la masterización de los tracks, el diseño del packaging, los registros de publicación, la publicidad, algunas fotos de prensa y se coordinan entrevistas.” ¿Qué artistas les gustaría sumar al roster del sello? “La lista de artistas que nos gustaría firmar en infinita. Como DJs, hemos escuchado muchos artistas emergentes que respetamos. Pero los espacios para lanzamientos por año no son tantos así que debemos movernos con templanza, permitiéndoles a nuestros artistas establecidos un espacio para el desarrollo.” u djmagla.com

SHIFTED:

UNA HISTORIA APROPIADA

CUATRO AÑOS ATRÁS, ALEXANDER BREWER EMPEZÓ UN NUEVO CAMINO AL DEBUTAR CON UN LP EN MOTEEVOLVER, SELLO INGLÉS DE LUKE SLATER. CON EL TIEMPO, EL CABECILLA DE AVIAN ESPARCIÓ SU VISIÓN HASTA BED OF NAILS, DISCOGRÁFICA FUNDADA POR VATICAN SHADOW QUE, LUEGO DE TRES AÑOS, LE ABRE LAS PUERTAS DE HOSPITAL PRODUCTIONS PARA MOSTRAR SU NUEVA MIRADA ENTRE DRUM & BASS, TECHNO Y AMBIENT. A MESES DE LANZAR “APPROPRIATION STORIES”, CHARLAMOS CON EL PRODUCTOR...

ablemos un poco de trayectoria. Musicalmente, ¿cuáles fueron esos clubs, personas y tracks que te marcaron y te impulsaron a seguir trabajando como DJ, artista y productor en esto de la música electrónica? “Diría que este impulso y el enfoque vienen en olas. Hay momentos en los que sientes que has dicho todo lo posible y, luego, de repente, otro pico de la creatividad se presenta. Es probable que sea la misma para cualquiera que haga algo remotamente creativo.” Eres buen conocedor de la escena electrónica del Reino Unido, ¿Qué destacarías sobre ella y sus productores? “Mi primera experiencia de hacer parte de una “escena”, fue definitivamente en Londres. Cuando empecé a hacer drum n bass, había un poco de movimiento en torno a ese momento, todos nos ibamos todos los miércoles por la noche a Swerve at The End, en West Central Street, Londres. Veías la misma gente semana tras semana. Supongo que esta vez tengo algunos buenos recuerdos para mí. Yo era joven, y emocionado por lo que cada uno estaba haciendo. En este momento, no estoy seguro de decir mucho sobre la escena en el Reino Unido, porque he estado lejos durante mucho tiempo. Todavía sigo una gran parte de la música que viene de mi condado, por supuesto, el Reino Unido siempre ha tenido un gran impacto cultural y su influencia es inevitable. Vamos hablar de Appropriation Stories. ¿Qué fue lo que hiciste para ir generando las composiciones de las canciones para el nuevo álbum? Básicamente seguí mi método de trabajo habitual: voy me siento y empiezo a programar una sección de ritmo, -la mayor parte del

Texto: MAURICIO ATENCIA

tiempo- la construcción de elementos a su alrededor, entonces cuando estoy feliz con los ingredientes, empiezo a pensar en el movimiento de la pista, arreglos, etc. Sin embargo, en este disco, yo tenía un plan para utilizar algunos old drum y bass breakbeats de manera clandestina; procesaría las cosas en una cantidad enorme, de modo que nadie podía decir cuál era la muestra original, y enterrarlo dentro de la música. ¿Cuál fue la identidad propia que le quiso añadir a su trabajo? Básicamente, se trata de un disco de techno, bastante purista en su enfoque y estructura. En mi último álbum, las mezclas eran bastante crudas y sin refinar -no tanto de procesamiento. Quería que este álbum fuera muy diferente a eso, su información sobre las capas, brillo y contraste. ¿Qué tan difícil fue añadirle un nombre al disco y a cada pista? El título del álbum es directamente sobre el proceso que he descrito anteriormente: apropiándose de mí mismo, tomando mi viejo trabajo dentro del drum n bass y enterrándolo en el tejido de lo que hago como Shifted. Durante mucho tiempo, me escondí lejos de mi existencia anterior, pero ahora he llegado a mirar hacia atrás con afecto. Tal vez, esta es una manera de querer reconocer todo esto, como alguna forma de aceptación. Para usted, ¿cuál es la forma correcta de oír el disco y apreciar cada sonido y textura? Como he dicho antes, esto es, predominantemente, un registro purista del techno. Así que supongo que su entorno natural sería un club. Pero, también espero que tenga suficientes capas para ser apreciadas en otros niveles. Al igual que

gran parte de mi trabajo, se basa en gran medida, en la textura y el ambiente, que no es melódico. Siempre he usado otros trucos dentro de mi paleta -algo limitada- para tratar de mantener la atención de los oyentes.

“

Me gusta que me entreguen un producto casi terminado cuando se trata de la música, porque quiero que el disco quede como una fiel representación a la visión del artista, no al sello.”

En Avian, tú puedes escoger los tracks, el artwork y hacer sugerencias de nombre, pero, cuando lanzas música en otro sello, los papeles cambian. ¿Qué libertad te permitió Vatican Shadow al debutar en Hospital Productions, su otro sello? Yo trabajo con Dominick Furnow, porque hay una confianza mutua y un respeto entre nosotros. Cuando trabajo con la gente en Avian, trato de tener algo similar, ya que no me gustaría estar trabajando con las personas que necesitan ser tratados como bebés. Me gusta que me entreguen un producto casi terminado cuando se trata de la música, porque quiero que el disco quede como una fiel representación a la visión del artista, no al sello. Dicho esto, no es una cualidad estética obvia con el arte y Sonics que necesita. En Avian ha sido la misma historia, cuando hice la elaboración de este disco, las cosas a veces se discuten, y ajustan. Pero la visión del álbum es mía, por supuesto.

Usted nunca ha tenido la necesidad de lanzar un álbum en Avian, ¿por qué? También he pensado en ello. En el período previo a mi último LP, decidí hacerlo en Avian. Pero entonces, me encontré con Dominick y decidí que sería más interesante trabajar con él en su sello. Me fue bien, ya que ahora es por eso que hemos decidido hacer un segundo disco, del cual pronto sabrán más. Para este material, ¿tienes alguna influencia de tus proyectos anteriores, por ejemplo, hablando de Commix, Alexander Lewis, Covered In Sand o hasta Metalheadz, hay algo de esto? ¡Sí, totalmente! Creo que todos se alimentan mutuamente. Cuando estoy haciendo las cosas que se basa en más ruido/experimental y menos funcional, se siente totalmente informado por mi trabajo dentro del techno y viceversa. Creo que es muy difícil separar las propias identidades musicales que se van adquiriendo en el camino. Todo viene de ti, así que se pone un poco de sí mismo en él, sin importar lo que estés tratando de lograr. Continuando con el disco, ¿cuál fue el ‘modus operandi’ de ‘Life Backwards’, ‘Watchers’ y ‘Spires’? Siempre hay pistas claves en un disco que lo mantienen unido. A veces, cuando se escribe un disco son las primeras en aparecer, y de hecho de esta manera es más fácil de llenar el vacío, o la sombra entre las líneas que ya ha dibujado. Otras veces, se puede pasar meses y meses de trabajo generando las cosas que le sean relevantes para no caer en el último momento. Por ejemplo, cuando escribí ‘Flatlands & The Faintest Trace’ y ‘The Quietest Whisper’, las cosas, de repente, sucedieron como si se hubiera hecho clic. Antes de ello, estaba un poco preocupado por el disco. ¿Qué planes tiene para presentar su nuevo álbum, por ejemplo, un live act, tour por Europa y Latinoamérica…? Estoy trabajando un nuevo live set, pero en realidad, no va a ser “presentando el nuevo disco”. Cuando toco en vivo, simplemente es para improvisar y ver qué pasa. Así que nunca he estado en la idea de llevar a cabo cualquier material que he lanzado. También, estoy mezclando mucho más que tocando en vivo, y me gusta que sea así. Espero estar haciendo una gira por Suramérica y que suceda alrededor de este disco. ¡Vamos a ver! u djmagla.com

Sexism o

electrónico CONVERSAMOS CON JULIANNA, INTEGRANTE DE MOVE Y GESTORA DE DOCE Y NÓTT, Y HELENA HAUFF, FUNDADORA DE “RETURN TO DISORDER” Y PIEZA CLAVE DE WERKDISCS, PARA SABER CUÁL ES EL PAPEL QUE LA MUJER REPRESENTA EN LA ESCENA ELECTRÓNICA DE LATINOAMÉRICA Y EUROPA. Texto: MAURICIO ATENCIA | Fotos: JULIÁN GALLO y KATJA RUGE

¿Hay censura para hablar sobre la desigualdad de las mujeres en la escena electrónica latinoamericana? Julianna: “Es interesante. Desde hace un año, he estado trabajando en un proyecto que está tratando de traer más mujeres a la escena electrónica. Ahora, estoy trabajando con dos mujeres: Andrea Arias de Wick Pointed Music y María Arango, DJ de Manizales. Es bastante gracioso. En la tienda de discos Doce, que creamos hace dos años, sólo han ido dos mujeres a buscar discos. Entonces, a veces, me pregunto: ‘¿Qué está pasando? ¿Cuál es el problema?’ y creo que es algo de empoderamiento. En estos diez años que llevo siendo DJ, he tenido el apoyo de todos mis amigos porque apoyan mi trabajo pero ellos no saben qué es lo que está pasando en el circuito femenino. La cultura de Sudamérica, de cómo se ven las mujeres, ha sido construida de una manera muy discriminatoria a la hora de verlas. A la mujer la ponen en un estereotipo, como si fuera un envase. También, hay otras que explotan sus atributos físicos para poder tocar –cosa que les fascina a otros promotores. Recuerdo, cuando le dije a un promotor que hay muchas mujeres tocando muy bien y que necesitan un espacio para 68

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tocar. ‘Ellas, no están listas’, me dijo pero yo le contesté: ‘¿qué es estar lista?’… Si ellas no tienen un espacio para tocar, entonces, nunca van estar listas para ello. Es algo muy difícil pero ahora quiero pensar que esto va cambiar, y por eso estoy creando un movimiento para que las mujeres puedan tener un espacio.”

Julianna: “Hace poco tuve la oportunidad de estar en Europa y fui a diferentes tiendas de discos, como Record Loft, Hard Wax, y Syncrophone, en París. Estaba muy feliz de ver a mujeres comprando discos. No sé si en realidad eran DJs pero, para mí, fue algo muy importante e impactante porque no pasa aquí. Tal vez, es por la idiosincrasia de cómo construimos la sociedad y de cómo los hombres ven a las mujeres. En Latinoamérica, no sé ve que haya un empoderamiento en la música electrónica pero aquí necesitamos más personas que puedan motivar a las mujeres. Todo eso fue muy inspirador. El poder ver ese tipo de movimiento en Europa fue especial.”

¿Qué piensas tú acerca de que las mujeres puedan trabajar en una red?

No sé si recuerdas pero en una entrevista para Resident Advisor, Resom dijo que te agendo, y creo que ese fue tu debut en Berlín… Helena Hauff: “No sé si fue mi primera vez en Berlín... Mi primera vez allí fue en una fiesta solamente para mujeres. Al principio, recibí consejos de muchos hombres a la hora de tocar y algunos de ellos eran promotores hombres. Pero, cuando llegué a Berlín, en realidad, recibí consejos de varias mujeres. Puedo ver un cambio en los festivales, en los clubes y, especialmente, en Europa. La escena está cambiando. Definitivamente, hay más mujeres tocando. Hace siete años, cuando empecé en la música electrónica, no podía ver muchas metas para que las mujeres pudieran lograr lo que se ha hecho hasta ahora. En mi época, sólo éramos tres mujeres las que estábamos incursionando en la escena. Dos años después, habían más mujeres que estaban tocando, y ahora, hay muchas mujeres tocando música así que todo está, definitivamente, cambiando.”

Helena: “La verdad, no estoy segura si me gustaría participar en este tipo de redes. Ellas están haciendo un buen trabajo. No me mal entiendas pero no creo que sea necesariamente útil estar juntando mujeres para crear algo para ellas mismas. Creo que lo más importante es que sea algo mixto, que hombres y mujeres puedan hacer cosas juntos porque, si es para ganar el respeto de los DJs hombres, no puedes hacer eso de construir un círculo de mujeres. No tendría sentido. Ellos nos van a mirar y van a decir: ‘Oh, las mujeres están haciendo algo por allá pero nosotros estamos haciendo las verdaderas fiestas y estamos tocando en los verdaderos festivales, y ellas están tocando en festivales para mujeres’. Debes tener mucho cuidado de no excluir a los DJs hombres de ese grupo que estás pensando construir. No creo que sea algo bueno para hacer pero, al principio, creo que puede ser útil tener presión por parte de las mujeres para mostrar que ellas también pueden hacer esto. También, puedes mostrar que hay una puerta abierta para ellas, que pueden tocar y que no será un problema. Es bueno ayudar a alguien. Algunas personas podrán decir que hay mujeres que son como héroes por haber tocado en una época donde no había suficientes mujeres DJs, pero ellas mostraron que lo podían hacer y demostraron, a otras mujeres, que ellas también podían hacer eso. Mientras más mujeres toquen en diferentes lugares, más van a pensar: ‘Yo también puedo hacer esto. Yo también puedo tocar’. Eso me pasó a mí en diferentes ocasiones. Varias mujeres me dijeron: ‘Oye, te vi tocar. Eso me inspiró y me hizo empezar a tocar por mí misma’. Eso fue muy bueno. Ahora, puedo ver que hay muchas mujeres que también producen música y sacan discos, lo cual es muy importante.” Julianna: “Sí, es verdad…” djmagla.com

“Puedo ver un cambio en los festivales, en los clubes y, especialmente, en Europa. La escena está cambiando. Definitivamente, hay más mujeres tocando.” Helena Hauff

Helena: “Cuando me dijeron que íbamos a hacer este tipo de entrevista, que es nuevo para mí, pensé que iba ser muy interesante porque Colombia, y toda Latinoamérica, pueden ser muy diferentes respecto a Europa. Tal vez, puedes ver mujeres viviendo diferentes estilos de vida pero notó que hay muchas cosas en común…”

Helena, ¿cuál es tu opinión acerca del tratamiento que se le da a la mujer en Europa? Hablando de los espacios que reciben para tocar en grandes fiestas o festivales… Helena: “Es una pregunta muy difícil porque, por ejemplo, en Alemania, hay clubes underground pequeños que son políticamente activos. Están metidos dentro de la política y, por ello, están muy despiertos y muy al tanto de muchas cosas, como el tratamiento hacia la mujer y la idea de no excluirlas. Por ejemplo, hay clubes de Berlín o de Hamburgo en donde puedes ver que hay muchas mujeres tocando y ellas obtienen buenos lugares porque muchos de los clubes están al tanto de ellas y se preocupan por ello, y quieren cambiar este tratamiento hacia las mujeres. Pero, también, puedes ver clubes y festivales mucho más grandes y comerciales donde las cosas pueden parecer un poco diferentes. Ellos sólo piensan en sí mismos. Ellos no sienten la necesidad de cambiar algo. Yo tengo suerte porque, en la mayoría de lugares y festivales que he tocado, han sido muy buenos conmigo. He tenido buena suerte pero, igual, siento que hay cierto tipo de sexismo. Por ejemplo, en una entrevista, alguien me preguntó si yo producía mi propia música, cosa que sí hago. Está bien hacer la pregunta pero el problema de la pregunta es que a un DJ hombre nunca le harían ese tipo de preguntas. Es ahí donde está el sexismo del cual hablo. También, recuerdo que en otra entrevista, me preguntaron si yo pensaba que era posible tener hijos y ser una DJ que está constantemente viajando. Pienso que es un problema de la sociedad, en general. No importa lo que hagas o digas. Siempre te van hacer preguntas que nunca le preguntarían a un DJ hombre.” Julianna: “Pienso que las mujeres debemos aplicar presión, pero, estaba pensando que yo tengo el apoyo de muchos DJs hombres, pero sólo de hombres. No tengo el apoyo de ninguna mujer y, en realidad, es algo muy raro. Yo he tratado de hacer algunos proyectos, pero he recibido el rechazo de estas DJs mujeres. Pienso que no está bien porque, entre todas, deberíamos hacer algo para ayudar. Ellas no quieren estar en ello, no quieren ayudar, entonces, eso también puede ser sexista. Por ejemplo, ellas ven a otras DJs mujeres como una competencia y esto está pasando en Colombia…” Helena: “Eso es algo muy malo…” Julianna: “Incluso, hay algunas mujeres que son más sexistas que los DJs hombres…” Helena: “Tienen un tipo de competencia rara. Puedes oír gente diciendo 70

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cosas como que Nina Kraviz se presenta a sí misma y que les parece algo fuera de lugar, pensando que ella no debería hacer eso, que no está bien. Lo peor es que esos comentarios son de mujeres. La verdad, son muy pocas las que dicen: ‘Ella, en realidad, está haciendo lo que quiere, lo que le gusta y lo que disfruta’. No se oye nada así. En realidad, no se escuchan ese tipo de comentarios porque siempre piensan que eso no está bien, que ella no es un buen ejemplo, en vez de decir: ‘Yo también puedo hacer eso. Puedo ser famosa y puedo ser DJ’, pero no. El pensamiento es: ‘No nos gusta la manera en que ella toca. No nos gusta cómo se presenta a sí misma’. A mí no me gusta ese tipo de comentarios. Las mujeres hacen ese tipo de cosas y eso es algo dañino porque nosotras no deberíamos irnos unas contra las otras.” Julianna: “Actualmente, aquí, es lo mismo. No tenemos muchas mujeres en el campo. Entonces, es un poco difícil. Por ejemplo, para mí, fue difícil entrar a la escena porque no había muchas mujeres DJs y los hombres eran como escépticos acerca de la idea. A mí no me gustan las fotos. No tengo un press kit, porque no me gustan las fotos. Generalmente, los DJs mandan las fotos de las fiestas que han tenido pero yo no tengo porque no me gustan las fotos. Trato de enfocarme más en la música pero, a veces, ellos tratan de enfocarse en otras cosas…” Helena: “Sí, siento lo mismo. Al principio, yo no tenía ninguna foto mía online donde se pudiera ver mi cara porque, en realidad, tampoco me gustan las fotos. No me gusta eso. Además, no quiero que alguien piense que yo me promuevo a mí misma como si estuviera vendiendo mi imagen con mis fotos. Ahora las tengo, sí, pero lo hago porque no había ninguna manera de pasar por alto el tema. La gente siempre preguntaba por las fotos. Al principio, hice lo mismo: quería estar segura de que no me estaban buscando por las fotos sino por la música.”

Julianna, como gestora de la tienda de discos Doce e integrante del colectivo Move, ¿qué te gustaría seguir mostrando del papel tan importante que una mujer puede representar y lograr en la música electrónica?

Es importante trabajar unidas como una red para hacer que las cosas sucedan. Julianna

Juliana, tú también has estado en Argentina. Viviste allí cinco años. Argentina es un país que está muy al tanto de la música electrónica de Europa. ¿Cómo se da la lucha de una mujer allí?

“No importa lo que hagas o digas. Siempre te van hacer preguntas que nunca le preguntarían a un DJ hombre.” Helena Hauff

Julianna: “Creo que culturizar es una palabra muy grande para Move. Incluso, para la tienda de discos Doce. Cuando nosotros empezamos queríamos traer algo que nos gustará y, también, algo que la gente no escucha generalmente. Nosotros hemos traído DJs que, gracias a nosotros, han estado por primera vez en Sudamérica o Colombia. Respecto a las mujeres, creo que es algo más para que una mujer pueda ver a otra y sienta que ella puede hacer lo mismo. Yo no soy el tipo de persona que piensa que tenemos que dejar a los hombres a un lado porque, en realidad, ellos me han brindado su apoyo. Ellos también piensan que hay mujeres con mucho poder. Por ejemplo, en el equipo de Move, tenemos a Natalia Ríos. Ella es la administradora de Mansion Club y no es DJ pero está muy involucrada en la música. Queremos involucrar más gente al equipo, crecer con eso y lograr algo diferente, algo más unido. Algo más que sólo hombres y mujeres. Nosotros no queremos eso de hacer cosas por separados. Es muy importante que todos trabajemos juntos y buscar que más mujeres se involucren en la escena.”

Julianna: “Para mí, Argentina está teniendo una gran relación con Europa. Diría que, en Argentina, a veces, las mujeres tienen un poco más de voz, porque ellas han tenido mujeres con una voz muy poderosa en el pasado, como Eva Perón y otras mujeres que han hecho parte de la política. ¡En la escena Argentina, hay muchas mujeres! Incluso, creo que pude ver muchas mujeres dentro de la escena, tocando. Aunque no puedes ver a muchas mujeres un fin de semana en un club. Para mí fue lo mismo. Definitivamente, hay más reporteras, más escritoras y cosas así. Es importante y bueno tenerlas pero creo que es lo mismo. Es esa concepción que tenemos que romper con el tiempo y espero que lo podamos lograr dentro de algunos años.”

Helena, y tú que eres considerada una de las nuevas influencias en la escena electrónica femenina, ¿qué puedes aportar? Por ejemplo, desde tu sello y tu bagaje artístico... Helena: “Como decía antes, a veces, vienen mujeres hacia a mí y me dicen que ellas en realidad empezaron a tocar porque me vieron tocar. Creo que ese es el punto. Es como, ‘oh, mira, esto es lo que tú puedes hacer y, si tu estás en la música y quieres simplemente hacerlo, tú puedes hacerlo’. Tú puedes ser una DJ mujer y las puerta están abiertas. Espero que la gente se dé cuenta y pueda hacerlo. Yo sé que vengo de Europa y hay muchas puertas abiertas pero es obvio que no es así en todos los países del mundo. Tal vez, incluso, si no es posible donde tu estás, puedes luchar. Deberías luchar por ello, para alcanzar lo que quieras hacer y, si quieres ser DJ y eres una chica, pues no hay nada de malo con ello. Sólo hazlo. Simplemente, has que las cosas sucedan.”

Finalmente, ¿qué creen ustedes acerca del trabajo que están haciendo de The Black Madonna y Discwoman? Julianna: “Es algo muy bueno. Como dije antes, es importante trabajar unidas como una red para hacer que las cosas sucedan.” Helena: “Estoy totalmente de acuerdo. La única diferencia entre las mujeres y los hombres es que, allí abajo, ellos tienen algo diferente.” u

¿Qué piensas acerca de ello Helena? ¿Qué crees que Julianna puede mostrarle a las otras mujeres con los roles que desempeña en el país? Helena: “¡Es genial! Como decíamos antes, es muy importante tener un modelo a seguir. Si alguien de afuera les demuestra a las otras mujeres que es posible hacer algo, será así. Entre más mujeres estén haciendo cosas como ella, más respeto vamos a tener de los hombres y nos vamos a sentir muy orgullosas. Muchos hombres deben acostumbrarse al hecho de que hay muchas mujeres haciendo este tipo de cosas. Pienso que no es necesario ni siquiera hacer la pregunta, o esta entrevista… Quiero decir: todos somos iguales y podemos hacer lo que queramos, cuando queramos y cómo queramos.” djmagla.com

SPACE LOS ÚLTIMOS PASOS

ste año es la temporada final de, quizás, el club más famoso del mundo. Space Ibiza cierra sus puertas por última vez al final del verano europeo y todos estamos esperando por ver cómo se suceden los hechos, al igual que la mayoría de involucrados en la industria, hayan tenido relación con la discoteca o no. Ha cambiado mucho en los últimos 27 años –algo que pueden ver en las fotos vintage de este artículo. Space apareció en el momento indicado a fines de los ochenta, cuando la música house explotaba por toda Europa. Clubbers y DJs empezaron a convertir a Ibiza en la mecca de la música electrónica y Space tomó impulso desde allí: primero que todo, abriendo la terraza

descubierta a inicios de los noventa, gracias a una inspirada idea de parte de los DJs británicos Alex P y Brandon Block. Los aviones pasando bajo, cerca de la terraza, se convirtieron en una de la experiencias más icónicas de la isla. Pero también lo fue cuando le pusieron techo, y la gente se pudo perder en las sesiones de los mejores DJs del mundo en un espacio de lo más cosmopolita. En las próximas páginas, leerán detalles y pormenores de una persona que convirtió a Space en su casa desde principios del milenio. Las próximas semanas en Space van a ser verdaderamente emocionales... u djmagla.com

¡UNA RONDA MÁS! Mientras Carl Cox llega al punto medio de su última temporada en Space y DJ Mag se sienta con el hombre más amable de la escena electrónica para hablar de nuevos comienzos, el futuro de Ibiza y qué se siente ser considerado una leyenda viviente. Texto: CHARLOTTE LUCY CIJFFERS

igámoslo simple: Carl Cox es el mejor. Ha estado en la cima de Ibiza por dos décadas, además de haber dirigido su plataforma discográfica Intec Digital. De hecho, está tan ocupado que a DJ Mag le resulta casi imposible encontrarlo –finalmente, nos las ingeniamos para charlar en su casa, en las colinas ibicencas a eso de las 10 de la mañana. Mientras hablamos en medio del desayuno, no es difícil escucharlo hablar sobre el inminente cierre de Space –está lleno de una mezcla poderosa de emoción y tristeza cuando mencionamos la fiesta de cierre que se viene. Pero, a pesar del trago agridulce, Cox está sonriente y feliz como siempre mientras vamos hablando sobre la cultura VIP y la presión de ser considerado, para muchos, el DJ más famoso del mundo. ¿Qué opinas de los personajes de los DJs? Parece que las performances se han vuelto tan importantes como la música en sí… “Creo que cuando un artista crea un buen personaje es porque no hay personaje, ¿sabes? Nunca habrá otro Eats Everything u otro Seth Troxler, por ejemplo. Estos chicos tienen sus propias ideas, sus propias locuras, y no es algo que se aprenda. No hay libros para aprender cómo ser un gran intérprete. ¡No se puede enseñar!” Hablando de performances, mucho ha cambiado desde aquellos primeros días en que tocabas en la terraza. Ahora hay producciones masivas, luces, pirotécnia… ¿Qué prefieres? “Es dificil decir cuál es la que prefiero pero, tienes razón, son cosas totalmente diferentes. El último set que toqué, el jueves pasado fue tan rudo como el primero que toqué en la terraza. Al final del día, se trata de tu música, que nunca cambia –sin importar qué estás tocando o con qué equipos lo estás haciendo. No sé si es mejor o peor, ambos me generan placer. Crudeza, sí, me encanta. Alta producción, por supuesto, también me gusta. Al final, es la música lo que importa.”

Cuando no estás en Ibiza, pasas mucho tiempo en Australia. ¿Qué te atrae de ese lugar? “Fui uno de los primeros DJs británicos en ir a Australia. Creo que fue en el año 1989. Pude ir porque mi track ‘I Want You Forever’ fue un hit en las radios de Australia así que tenía sentido presentarme allá. No esperaba mucho, al principio, pero estaba muy entusiasmado con que se me presente esa oportunidad. Creo que tuve cuatro escalas antes de llegar. Sigo yendo todos los años porque es verano cuando termina la temporada aquí. ¡Puedo ir a la playa y disfrutar de los amaneceres. Siempre estuve más interesado por Melbourne que por Sydney ya que a esta ciudad la veía muy transitoria. Así que, ahora, vivo la mitad del año a unos 45 minutos de Melbourne en un lugar de lo más suburbano –todo cierra a las 9 pm. Al final, me sirve como cable a tierra y puedo vivir mi propia vida y no la de un DJ súper estrella. Ya sabes, aquel que va a fiestas con todas las celebridades y bla bla… Yo no disfruto de eso. Siempre busqué cosas reales. Tener amigos reales cerca mío y un lugar al que pueda llamar hogar. Siempre sentí que no podía ser esa persona en muchos lugares del mundo, incluido el Reino Unido. Pero, en Australia, puedo. Pero eso vivo tanto tiempo allí.” ¿Y cómo manejas todas las cosas de ser una súper estrella? Siempre andas con gente de seguridad en Space. ¿Se vuelve tedioso? “No se vuelve tedioso y no siempre es así. Estamos en la boca del lobo aquí. Esto es Ibiza. Y, a veces, sí puedo sentir que hay gente que quiere algo de mí. Puedo vivir con eso hasta cierto punto pero, al tiempo, debo alejarme de eso. Imaginate, cuando voy a un aeorpuerto, por ejemplo. Desde que salgo del auto hasta donde el sector de partidas, me frenan para sacarse unas cinco selfies. Después, en el área de check in, más gente me pide fotos. ¡Hasta mis seguridad me piden fotos! No puedo escapar de eso, debo aceptarlo. Años atrás, no teníamos estas situaciones: la gente tenía cámaras de fotos o pedían que les firmemos un autógrafo. Hoy, con las selfies,

pienso que sienten que tienen el derecho a sacarse una con nosotros, y es difícil decir que no. Me tuve que adaptar a esta situación. De alguna manera, es un monstruo que yo mismo me he creado. Pero mi escape llega cuando me subo al avión y viajo a Australia porque es allí donde puedo manejar mis motocicletas y caminar por la calle. A nadie le importa mucho. Pero cuando estoy en la boca del lobo, es otra la historia…” Dijiste que “All Roads Lead To The Dancefloor” será tu ultimo album. ¿Por qué? “Bueno, ese fue mi cuarto álbum de estudio. Si yo fuera una banda de música, mi primer álbum hubiera sido: ‘Oh, dios mío, ¡es increíble! El mejor álbum’. Luego, el segundo, algo así: ‘Lo peor que he escuchado. Es

NIC FANCIULLI SOBRE CARL COX “Carl no sólo es un increíble DJ, es uno de mis héroes, mi mentor y una de las personas más increíbles a la que tengo el gusto de llamar amigo. Es tiene una pasión tan grande por la música y siempre una sonrisa en su cara, sin importar cuál sea la situación. No puedo pensar en otra persona que merezca tanto éxito como lo merece Carl. Toqué en formato back to back con un montón de gente estos años y siempre es una sensación especial cuando comparto la cabina con él. La energía siempre es increíble. Tocaremos junto en The Social este año y habrá algunas sorpresas por el mundo. Estoy muy emocionado.”

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JON RUNDELL ACERCA DE CARL COX “Carl se ha mantenido fiel a los orígenes. Es la misma persona que hace muchos años atrás, a pesar de todos los logros que consiguió. Constantemente está dándole oportunidades a otros para expresarse a través del DJing y la producción, y mantiene una energía única que no se encuentra en otra persona. Se conviritó en un hombre del pueblo y merece todos los halagos que recibe.”

horrible’. El tercero algo como ‘bueno, ha cambiado su sonido. Obviamente, está enamorado. Son todas baladas’. No mucha gente pasa del tercer álbum y yo he hecho cuatro. Pero, para este último álbum, decidí que quería hacerlo en Australia con los mejores percusionistas y vocalistas. Además, lo llevamos al directo e hicimos dos presentaciones así. A la gente le encantó y yo también lo disfruté mucho. Creo que a la gente le gustó verme fuera de la cabina. Pero nos costó una increíble fortuna. Lo cierto es que nunca tuvimos un hit específico de ese álbum así que no se sumaron todos los que creíamos. Tenías que comprar el álbum entero y seguir el concepto general. Pero no creo que la gente siga escuchando las cosas así. Sólo quieren el hit. Todo ese proceso nos llevó unos dos años. Sentí que ocupó una gran parte de mi vida. Me gustaría lanzar otro álbum. ¡Nunca digas nunca! Pero quizás, no bajo el nombre Carl Cox. La expectativa es muy grande.” Es interesante que hables de las expectativas. Suelen etiquetarte como una leyenda viviente. ¿Sentís la presión de vivir bajo este tipo de comentarios? “No, realmente, porque no me veo así. Simplemente, no me sale. Si ahora me dijeras ‘vamos a comer una porción de pastel y a pasar un buen rato’ yo te diría que sí. Y no estoy seguro de que eso sea algo legendario. Sólo sé que me gusta comer pasteles y pasar un buen rato. Otros pueden verme de esa manera y debe ser por las cosas que me han visto hacer a lo largo de mi vida. Si me ves cómo alguien que es una leyenda, es genial pero, por mi parte, yo no lo siento así.” Muchas noches han ido y venido en Ibiza. ¿Por qué la tuya pudo mantenerse a lo largo de tanto tiempo? “Porque creo que entendemos de verdad a la isla. Vivimos en la isla y respetamos a la isla por lo que es y por lo que nos ha dado. Eso, para mí, es muy importante para que una noche sea exitosa aquí porque la gente te apoya si tú los apoyas. Me alejo de

Ibiza y sigo hablando desde mi corazón. He estado viniendo aquí desde el año 1984, eso es más tiempo que lo que han vivido muchos que están en la pista de baile. Esos actos que vienen a Ibiza sólo para hacerse famosos o para hacer plata, no funcionan. O, si piensas: ‘Si hago bien esta noche o si compro mi lugar allí, podré establecerme’. Si sólo quieres a Ibiza para llamar la atención, no va a funcionar. Antes de empezar a tocar en la isla, venía a disfrutarla. Ya sabes, conocer gente, escuchar a otros DJs tocar su música. Al fin y al cabo, somos extranjeros aquí. No puedo ir y venir. La isla está en mi corazón. Siempre estará en mí.” Empieza a crecer la nostalgia mirando hacia atrás en la historia de Space. No puede haber sido todo color de rosas. ¿Cuál fue el desafío más grande? “Creo que el desafío más grande fue que, cuando empezamos aquí, no había nada como nosotros en la isla. Musicalmente hablando, sobre todo. No había nada cerca nuestro que pueda competirnos. Ahora, parece que todo lo que anda por aquí es competencia. Aparte de Sankeys, que se fue para el hip hop las noches de los martes, está Maceo en Pacha, y algunos otros más. No es que nos moleste, para ser honestos, pero está un poco más saturado. Todo lo que puedo hacer, es asegurarme de hacer siempre lo correcto, de presentar cosas nuevas semana a semana. Cada año de residencia que elijas, verás que siempre fuimos cambiando el sonido, la energía, el concepto… Siempre lo hicimos único. Nunca nos quedamos con un formato viejo. Por ejemplo, sumar algo de drum & bass y hip hop en la terraza. Es importante generar un impacto.” La gran pregunta: ¿qué harás el año próximo? “Bueno, no voy a retirarme. Estaré satisfecho, de alguna manera, pero no me retiro aún. Pepe – Rosello- tiene 80 años y ha estado aquí y ha hecho todo, y se ha decidido a alejarse del club ahora. Si el se va, yo me voy con él, porque ambos crecimos en las mismas situaciones.”

Pepe realmente ama al club, ¿verdad? “A pesar de todos los DJs que él ha conocido y la gente con al que se cruzó, aún me sigue viendo como si fuera su hijo. Es muy entrañable. Por supuesto, tengo a mi padre pero Pepe siempre me ha apoyado, desde el inicio, siempre con esa idea de que yo forme parte de la cultura de la isla. No puedo darle más que amor y respeto por todo lo que me ha dado. No es una relación de dueño de club y DJ en la que el me paga para tocar. Él me lo ha dado todo para que yo triunfe y sabemos que lo logramos.” ¿Quieres que termine? “El tema es que no se termina porque no está funcionando. Si Pepe me dijera: ‘¡Hagamos otros cinco años más!’, yo aceptaría. Se nota que podríamos seguir por un buen rato. Pero es así, se termina. Tengo que aceptarlo, ahogar mis penas con algunos tragos y moverme a otro plano. Como todos sabemos, la isla está cambiando y el cierre de Space es un gran cambio. Todo lo que voy a hacer es seguir viniendo. Como pueden imaginarse, tengo muchas ofertas y, donde sea que toque, lo prometo, será algo especial.” Mencionas que la isla está cambiando. ¿Está muy enfocada en los tratamientos VIP? “Si, absolutamente. Ahí está el dinero. Todos van en busca del dinero y hay gente que tiene ganas de gastarlo. Es una lástima porque cuando vine aquí, no tenía dinero y, sin embargo, la pasé excelente. No había una cultura VIP, realmente. No de la forma que se ve ahora. Si quieres una mesa te preguntan quién eres y, si no eres nadie, puede que no te dejen quedarte ahí. Fijate cómo es para ingresar a los bares en la playa y los clubes, pagando sobreprecios en las entradas… pero son niveles de gasto que te aseguran cuánto vas a disfrutar de tu noche. La gente no llega y pregunta: ‘¿está abierto? ¿quién es el DJ que toca hoy?’. No. Llegan y preguntan: ‘¿podemos ocupar una mesa?’. Y yo pienso: ‘Oye, ¿sales a bailar y quieres quedarte sentado toda la noche?’. Eso pasa cada vez más. Y es una lástima…” u

Carl Cox toca todos los martes en Space Ibiza hasta la fiesta despedida de Music Is Revolution, el 20 de septiembre.

CARA A CARA CON VIRGINIA

La talentosa cantante, DJ, compositora y productora Virginia, que ha estado involucrada en la música por más de una década, se sentó hablar con nosotros vía Skype para conocer todo sobre su nuevo álbum y esa inyección rica, colorida y vibrante que ha plasmado en Ostgut Ton. Fotos: STEPHAN REDEL | Texto: MAURICIO ATENCIA

Cuáles son los factores que han contribuido a la evolución de la música electrónica? “La única cosa que puedo decir es que, 20 años atrás, la música electrónica era underground y, ahora, el género se ha convertido en algo mainstream, en una tendencia. Obviamente, esto también sucede con la música pop y rock. Incluso la música de antes fue algo muy diferente de lo que es el EDM y las grandes estrellas de Las Vegas. La música electrónica de hoy en día es la más popular del mercado. Simplemente, ha evolucionado y se ha vuelto muy grande en los últimos tiempos, trayendo ventajas y desventajas. Además, hoy en día, todo se digiere más rápido. Por ejemplo, tú tienes a algunos DJs pioneros y chicos americanos como Jeff Mills, que aún sigue en el juego y sigue siendo importante en la música electrónica, pero, ahora, es muy difícil construir una reputación como la de él, porque hay muchos sellos y mucha música saliendo constantemente. Entonces, es realmente difícil desarrollar un gran perfil.” ¿Cómo los escenarios de las súper estrellas? “Sí, porque estamos llenos de productores y ahora es difícil volverse grande. Tú escuchas un disco que se vuelve un hit y suena por todos lados pero, luego de un lapso de tiempo, la fama se acaba, y creo que lo mismo sucede con la música electrónica. Se puede decir que han habido algunas figuras claves que se han mantenido durante muchos años pero la escena y el mercado ha crecido bastante.” ¿Tiene que ver esto con la era del internet? “Sí. Hay muchas cosas buenas acerca del

internet pero las redes sociales y todas esas cosas pueden ser aburridas. En los clubes y en la pista puedes ver gente posteando cosas en Facebook o Twitter. Esto me sorprende porque, cuando empecé a ir a clubes, simplemente, había música en la pista de baile. Nosotros no teníamos celulares mientras que, ahora, todo el tiempo la gente está online compartiendo cosas desde sus celulares. Simplemente, tuve que acostumbrarme y ajustarme a la era del internet. No sé qué tanto el internet ha influenciado pero las personas se toman muy en serio estos aparatos y no oyen la música. No estoy diciendo que deben estar mirando mientras voy a estar en la cabina, no se trata de eso…” Si están en el celular, van estar absortos en sus redes sociales y no van a estar oyendo la música… “Sí. En realidad, se pierde el feeling.” ¿Piensas que, hoy en día, se trata más de los mecanismos tecnológicos y no de la música? “No sé, la verdad. Pienso que cada artista debe decidir cuál es el mejor medio para tocar su música o buscar el mejor recurso para ello. Si ellos creen que es, simplemente, trayendo un USB, funciona. En mi caso, me siento mucho mejor si llevo mis discos pero hay veces, por ejemplo, en los festivales que no es algo bueno, ya sea por el stage, el movimiento o las personas alrededor tuyo. Tal vez, en esa ocasión, sí deba tocar con USB y ofrecer un DJ set digital. Pero, para mí, cuando toco con discos, es como un plan que ya tengo en mente, porque sé qué es lo que llevó y es muy diferente a cargar una USB con 128 GB de música, donde todo podría ser muy aleatorio.

Yo sé que cuando hago un set con música digital, creo una carpeta en mi computador donde voy a estar segura de las canciones que van a sonar esa noche, pero creo que todo el mundo necesita encontrar la manera de tocar de una forma cómoda. Aunque, si hablamos de mí como consumidora, es mucho mejor ver un live porque, si veo a alguien mezclando, será mucho más interesante. Por ejemplo, si voy a un live set de Octave One, habrá muchos efectos y secuenciadores en el stage, y tú puedes ver todas estas máquinas y eso va ser algo muy interesante de ver.” Para algunos artistas, el tema de los smartphones y las selfies son la mejor atmósfera que se puede producir con el público. Para ti, es todo lo contrario. ¿Cuáles son esas cosas que te hacen vivir una mejor atmósfera con el público? “La mejor atmósfera con el público es que en realidad disfruto y me encanta cuando la gente viene y se unen a mi travesía musical. Ellos me siguen pero no están ahí mirando si voy a poner una canción más fuerte o qué estoy haciendo. No, ellos dejan que yo toque mi música y les muestre mi idea en cada set que realizo. Y eso es lo más importante. Otra cosa que podría hacerme sentir bien con el público en el club es cómo la gente, simplemente, deja el celular en su bolsillo y oye la música, o al menos que sean respetuosos con el flash. Utilizar el flash cuando realizan una foto o un video, para mí, mata vibras. Si en realidad le quiere sacar una foto a un DJ, ten la decencia de apagar el flash. Es bueno ver a la gente emocionada filmando y sacando fotos, pero no con el flash encendido…”

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¿Por qué crees que hay tanto pesimismo cultural en la escena electrónica? Sobre todo, en el eterno debate entre los DJs del underground y del mainstream, donde algunos piensan que un género es mejor que el otro… “Eso también sucede en el punk, rock y pop. Siempre tiene que haber un camino más popular que le gusta a la gente pero nada es mejor o peor. Simplemente, es una contradicción. No estoy muy informada de la música comercial, pero eso no significa que odio a los DJs comerciales. Todo el mundo hace su música como se sienta más cómodo. Desde que uno se sienta cómodo con lo que hace, no hay necesidad de juzgar. Cada quien tiene su enfoque diferente hacia la música y le da su propia interpretación. Hay algunas personas que están en la música por dinero pero, también, hay otros que están porque simplemente tienen el motivo de hacer música. Hay algunas personas que son intérpretes y hay otros que son artistas reales, ¿me entiendes? Es como un sentimiento personal, sin importar si es comercial o underground. Es como decir: ‘Oh, estoy en la clase de los negocios, los hoteles, y las champañas’, o decir: ‘Oh, estoy aquí simplemente porque me gusta producir música, mezclar y tocar con artistas que comparten mi punto de vista y pasión por el género’. Tú también tienes esto en el rock y en el pop. Nosotros no somos los únicos. Por ejemplo, si voy a Las Vegas con mi maleta de vinilos y toco en el mismo lugar donde va a tocar Tiësto, el club va a estar vacío a en dos minutos. Lo mismo pasaría si Tiësto va a tocar en un club en el que habitualmente toco yo.” ¿Qué piensa de esos artistas underground que critican artistas mainstream a la hora de pedir votos, cuando ellos también lo hacen? “Todo debe crecer naturalmente. Si yo compro votos o likes para promocionarme, creo que es algo patético, pero es mi opinión. Las cosas surgen naturalmente y, si las personas votan por mí, está bien pero, sino, no voy a estar como: ‘Oh, por favor, vota por mí’. Eso no tiene sentido. En realidad, al pedir votos o likes, no vas a ver cómo se construyó tú perfil porque no será algo real. No vas a saber qué es y que no es real, así que no tienen ningún sentido, al menos, para mí.” Cuando un artista lanza un álbum, muestra su lado personal con sonidos experimentales o con sonidos para la pista de baile. Con esto en mente, ¿se puede considerar tu álbum como una crítica a ese formato de crear un trabajo para un momento en específico? “Simplemente, puedo contarte mi receta para este álbum. Mis intenciones para el disco fueron producir, escribir y crear algo que pueda ocurrir en la pista de baile y pueda ser tocado en vivo, como una banda. Ese fue mi interés principal. No sé si haya sonidos 80

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Además, te encargaste de añadir una letra a cada canción, donde las voces se convierten en un mensaje de libertinaje que motiva a relajarse, disfrutar y tomar lo mejor de cada canción… “¡Sí! Por ejemplo, en las canciones lentas es donde hay un desarrollo más personal. Yo misma trato de evolucionar todos los días, entonces, escribir canciones acerca del amor, de perder a alguien, ya sea un amigo o un pariente, sirve mucho. Y no sólo es escribir sobre la felicidad. También, hay momentos tristes porque no todo es: ‘Oh sí, ¡felicidad!’. A veces, no se puede negar que hay momentos donde uno está triste, y eso quería presentar en el disco y en el formato live.”

más experimentales o cosas así pero estoy segura que hay sonidos relacionados con la época de los ochenta y noventa, con esa sabiduría musical que se puede utilizar con una drum machine o sintetizadores. Pero no estoy aquí para criticar nada acerca de la música o tratar de reinventar algo. La música salió naturalmente con la gente que estaba trabajando: Steffi, Dexter y Martyn. Es una mezcla o una muy buena historia acerca de los géneros musicales que a mí me gustan, como el funk, el drum n’ bass y el garage.”

esta canción fue producida por Martyn, en su estudio y está por Steffi, en su estudio’. En vez de eso, todos trabajamos en cada una y eso convierte todo en un mismo paquete con una misma firma, lo cual se quiso lograr desde el principio. Obviamente, tuvimos que mover algunas cosas en ciertas canciones, como varias cuerdas y sonidos de tambores porque, en realidad, no funcionaba con las otras canciones del disco. Fue una experiencia y una aventura emocionante encontrar el sonido correcto.”

También, refleja tú amor por la música disco y muestra ese amplio y experimentado gusto que has adquirido en Berghain/Panorama Bar. ¿Cómo funcionó ese balance al manejar una línea entre techno con UK Garage, drum n’ bass, boggie y dubstep? “Si tú escuchas el álbum, el tracklist es muy importante porque el álbum es una historia contada que va desde la primera canción hasta la última. Entonces, si cambias el orden de las canciones, el álbum no tendría sentido. Es una travesía en la cual te adentras, al principio, con algo de drum n’ bass para seguir después con garage, donde todo va teniendo sentido hasta ir del disco al electro buggie con algo más slow, culminando otra vez en garage.”

¿Qué fue lo mejor de producir un álbum con otros artistas y no cerrarse en esa idea de que el álbum debe ser el reflejo musical de una sola persona? “En algún momento, tuve varias ideas y le mostré a Martyn lo que tenía. Luego, él trabajó en ello y, en ese punto, todo se salió de mis manos. Recuerdo que Steffi me dijo que el proceso no se podía dejar a la deriva. Después, cuando pude escuchar las grandes ideas de otras personas, todo pasó al siguiente nivel, y es grandioso compartir ideas entre todos porque cada uno brindo su especialidad y ponía todo sobre la mesa.”

Sí, es una completa montaña rusa de emociones… “¡Sí, sí! ¡Muchas gracias! Digo, el tracklist fue un poco difícil de encontrar y descubrir en el proceso de producción. Cada uno de nosotros -Martyn, Steffi, Dexter y yo- trabajó en todas las canciones y esto hace que tengan algo homogéneo. Porque no es algo como: ‘Oh,

¿Es mejor producir música sola o en compañía? “En este punto, diría que nunca había podido tener un álbum con esta calidad tan perfecta, y nunca lo había podido lograr sin mi equipo porque, si nunca los hubiera invitado a trabajar conmigo y mi álbum, no sabría cuál hubiera sido el resultado. Sólo digo que si no estás abierto a la creatividad de otras personas, entonces, no deberías colaborar con nadie.”

Ostgut Ton es un proyecto híbrido por naturaleza y no por condición: techno, house, ambient, R&B, y otros estilos conectan sin que se noten las brechas. ¿La estética pop y house de tu nuevo álbum concibe un nuevo futuro en el sello? “La verdad, no lo sé. En realidad, creo que hay chances de que Ostgut saque un álbum tan bueno como este. Como tú dijiste, ahora hay muchos estilos en el sello y es una diversidad muy grande, porque todos los artistas que hay en Ostgut Ton ofrecen mucha diversidad. Yo veía mi trabajo como un desafío al tener todos estos géneros en el sello. Para mí, es un desarrollo natural. Cuando digo que voy a escribir un álbum, definitivamente, canto más en las letras que en los EPs que he producido. Yo quiero traerle mucha estructura al sello como si fuera música pop, cantando coros… Y estoy feliz de que el sello este teniendo todo en cuenta, dando este siguiente pasó conmigo.” ¿Cuánto duro la producción del disco? “Entre cinco y seis meses. También, hubieron algunas ideas, como ‘Bally Linny’ o ‘Funkert’, que fueron hechas uno o dos años atrás pero, en ese entonces, eran algo muy básico y no estábamos muy enteradas que en el futuro iba salir en el álbum. Nosotras vimos posible incluir las dos pistas pero, principalmente, el trabajo se desarrolló entre cinco y seis meses.” ¿Crees que hay una diferencia entre el que siente pasión por la música y el que escucha música simplemente? Por ejemplo, DJs que están por fama y los que están por amor… “Sin importar la razón que sea, escuchar música en casa, bailar por ahí o estar sentado en el sofá con tus amigos, lo que importa es disfrutar y liberar las emociones dentro de ti, haciéndote sentir feliz o triste. La música tiene alma y todo el mundo necesita decir por sí mismo por qué están escuchando la música que oyen. No creo que haya ninguna diferencia entre el que escucha música para ir a una gran fiesta o si escucha música para analizar a algún productor o saber qué tipo de sintetizadores, micrófonos o plugins utilizó…” u

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EN LA PISTA

ALTO RENDIMIENTO La final del Miller Soundclash superó las expectativas.

ntrando al Marquee Day Club en pleno mediodía somos golpeados por un intenso muro de calor. Y no se trata sólo de las altas temperaturas del desierto. Hoy es la Gran Final del Miller Soundclash, la culminación de unos cuantos meses de trabajo árduo y la oportunidad para nueve talentosos DJs de hacerse un nombre en la escena internacional y saltar a los escenarios más importantes del circuito.

Por todo el club, los amantes de Las Vegas se reclinan en sus sillas reposeras, o se mezclan entre los espacios de las cabañas y las piletas que rodean a todo el predio. El soundtrack tempranero lo provee Augusto Yepes, quien regresa a Las Vegas como actual campeón del Miller Soundclash. Yepes trabaja con el público eligiendo un poco de deep y algunos grooves para días soleados, demostrando las habilidades que lo llevaron a la victoria unos diez meses atrás. Cuando Augusto termina su set, los favoritos del Soundclash, Sphe y Naves, suben al escenario. “¿Están listos para la Gran Final del Miller Soundclash?”, dice Sphe al micrófono. La respuesta de parte del público es empática.

Tim Gim de Argentina es el encargado de continuar. El amor que tiene por el house el residente de Buenos Aires se reconoce inmediatamente. El set fluye con agradable precisión, mientras Gim eleva sus manos arengando a la pista de baile frente a él. Ahora, todo el espacio está viviendo la fiesta intensamente. Los banquillos son reutilizados como plataformas, mientras los gritos le dan la bienvenida a Oscar Bohorquez. En la performance más movida hasta el momento, el DJ Oscar B eleva el tempo con un set diverso que trae consigo clásicos del big room y vibras alegres, mientras lo vemos rebotar a él por toda la cabina. El turco Jaffer le sigue. A pesar de considerarse a sí mismo un DJ novato, trabaja sobre la cabina y la pista con verdadera maestría. Su presentación, repleta de un tech house arrollador y frontal, no es la típica sesión que suele funcionar en Las Vegas, pero la calidad del set tiene a todos bailando despreocupados. El riesgo que asume al elegir sonidos más underground, siguiendo el espíritu de encontrarse en Vegas, termina siendo una excelente apuesta.

Sr. Saco, de República Dominicana, es el primer finalista en subir a escena. A pesar de comenzar bien deep y lleno de groove, Saco cambia las cosas a mitad de set con un remix del clásico del hip hop “Let Me Clear My Throat” de DJ Kool, recibiendo la aprobación con gritos del público desde las piletas.

Cuando Jaffer abandoba las bandejas, el club está al rojo vivo. Demo Santana de Panamá aparece como el DJ ideal para aquel momento. Su selección entusiasta de big room termina por poner en estado de ebullición el espacio de las piletas del hotel Cosmopolitan. Santana, claramente, se siente como en casa, y pone en marcha un increíble show que tiene respuesta inmediata del público. 82

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LAS VEGAS, ESTADOS UNIDOS George Marino, representante hondureño, mantiene la vibra EDM con un set fuerte, caracterizado por subidas épicas y drops pesados. Cuando el final se va acercando, con sólo tres DJs por participar, las cabañas están a tope. El agua salpica desde las piletas mientras los entusiastas bailan dentro. Ike Azcué, ganador de la Wild Card de DJ Mag es el que sigue. El DJ y productor mexicano abre su presentación con su propio single “Never Stop Loving You”, antes de poner manos a la obra con una serie de mash ups con poderío vocal. Termina su set con la intro de “Welcome To The Jungle”, el clásico de las leyendas Guns N Roses, mientras toca una guitarra imaginaria parado sobre la cabina. La presentación de Azcué es dificil de seguir pero el anteúltimo finalistas, Scorsi, ha hecho su tarea. El oriundo de Brasil despliega una diversa selección que toma partes del progressive house, el big room y hasta un poco de trap.

En la pista La jornada se termina muy rápido. Con sólo 20 minutos por DJ para impresionar a los jurados, los finalistas del Miller Soundclash tienen que empaquetar sus habilidades en un plazo corto, generando una experiencia de lo más intensa.

El último DJ en tocar es Audioiko de Paraguay. Este DJ ya es una especie de leyenda de los festivales en su país natal y se lo ve súper relajado, sin volverse loco por la ocasión, trabajando con la pista en una selección musical llena de energía, arengando al público con el micrófono.

Finalmente, el ganador es Jaffer y lo anuncian al día siguiente, durante una cena en Hyde, el increíble espacio que depende del hotel Bellagio. El DJ turco recibe el premio de parte de las hermanas Nervo, encargadas de agraciar al ganador del concurso. Si bien la competición registró excelentes performances de parte de todos los concursantes, lo de Jaffer conmovió a todos. Mientras los jueces se retiran para deliberar los resultados, los campeones del 2014 y desde entonces artistas regulares de Miller, Tom & Collins, se hacen cargo de la música. El dúo mexicano ha transitado un largo recorrido desde que cantaron victoria hace dos años. Una serie de singles y una agenda de eventos cada vez más cargada ha propulsado su carrera a las grandes ligas. Vuelven hoy como headliners, y son tratados así por el público que enfoca su atención cuando toman las bandejas. Su siempre interesante mezcla de música house intensa es el soundtrack ideal para el espectáculo que representa el Marquee y el clima de Las Vegas, mientras las Millers y los bikinis son cada vez más comunes en este día.

El DJ, que sólo ha estado tocando por dos años hasta la fecha demostró una habilidad y experiencia propias de un veterano. Apostando por el sonido tech house que él ama, se la jugó por un género poco común en la ciudad norteamericana y con un interesante uso de vocales y ganchos musicales familiares, se ganó al público en el Marquee Day Club y al jurado presente. Luego del anuncio, debe cumplir el primero de sus deberes y presentarse en el club nocturno Hakkasan Las Vegas. Su presentación, una vez más, se gana al público y demuestra sus aptitudes a la hora de mezclar. Ahora, firmará un contrato con el sello discográfico Aftercluv Dancelab y sin dudas, su carrera registrará su más grande ascenso hasta la fecha. Sabremos más de él en el futuro. n

Jaffer, ganador del Miller Soundclash, durante su exitosa presentación. djmagla.com

En la pista

MUTEK: COMPLETA EXPERIENCIA… Solimano pasó por la edición madre del festival en Canadá y nos cuenta cuáles fueron sus momentos favoritos... Texto: GONZALO SOLIMANO

espués de cinco días y cinco noches de lo más intensas, la decimoséptima edición del festival canadiense MUTEK dio por terminada su tercera edición que tuvo lugar en el Museo de Arte Contemporáneo de Montreal (MAC). Esta edición presentó un cierre muy emocionante, que resumió los valores artísticos que hacen a la reputación del festival: calidad y diversidad en las interpretaciones junto con ejecuciones audiovisuales magistrales, ubicadas en el punto de equilibrio justo entre música y tecnología. Como ya es costumbre, MUTEK presentó en Montreal a una variedad de artistas que realmente sorprendieron al público asistente a lo largo de sus presentaciones. Algo que, en gran parte, se hizo posible gracias a la participación de la plataforma SHAPE. Entre ellos, pudimos disfrutar de la entrenada voz -para soprano- de Aisha Devi, el magnífico 84

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despliegue en vivo de Lorenzo Senni y un acto, tan atractivo en la experimentación musical como en la visual, a cargo de Peder Mannerfelt. Este año, como nunca antes, se vio reflejado el espíritu colaborativo de la red internacional que creó MUTEK, gracias a un programa bilateral de intercambio de artistas que realizó con MUTEK México. Esta nueva aventura permitió llevar a los escenarios de la edición principal a artistas como Siete Catorce, quien causó sensación en la noche de apertura del festival y hasta tuvo la oportunidad de regresar en vigor el sábado, para contribuir a cubrir el hueco ocasionado por una desafortunada cancelación. Los ya recurrentes amigos de la casa Atom™ y Burnt Friedman demostraron con sus impecables actuaciones en solitario

por qué son solicitados una y otra vez. Prolíficos en su variedad de proyectos, nos generaron un momento electrizante al poder vivir su nuevo show del proyecto compartido Flanger, presentado en sistema cuadrafónico. Otro regreso esperado fue el de NONOTAK, la dupla conformada por la ilustradora francesa Noemi Schipfer y el músico japonés Takami Nakamoto. Juntos, presentaron un show en vivo con una instalación audiovisual verdaderamente impresionante. El viernes por la noche, con su estilo efervescente, JLIN convirtió al MAC en un verdadero templo para aficionados del footwork. El espacio, además, brindó momentos de gran introspección, como en el show de Tim Hecker en colaboración con el artista visual MFO y las apasionantes composiciones en cello de Julia Kent.

MONTREAL, CANADÁ

En la pista

El gran venue Metropolis vibró bajo el sometimiento techno de varios artistas que atraviesan un gran momento creativo en el género, como lo son Lakker, Dasha Rush, el melódico Francesco Tristano y el debut en Canadá del rumano Barac, quien se hizo presente con un live set que dio de qué hablar. En el marco de la programación A/VISIONS, nuestros sentidos se vieron definitivamente estremecidos por el estreno mundial de “Dark Hearts of Space”, una pieza tridimensional de Dasha Rush y Stanislav Glasov, delicada y potente a la vez. Y, claro, también nos emocionamos con la colaboración de Paul Jebanasam y Tarik Barri en “Continuum”: una bella realización audiovisual que transmitía sensaciones surreales-digitales de escenas realistas con una intensidad extraordinaria. Una mención especial merecen los talentos locales que nunca dejan de sorprendernos cada año. Entre los que se presentaron esta vez, podemos destacar a los canadienses Sarah Davachi, Simon Chioini, Project Pablo y Ohm Hourani. Esta edición se caracterizó, una vez más, por la variedad, la calidad, la inspiración y, sobre todo, la naturaleza participativa de la comunidad que integró tanto a los asistentes del festival como a los artistas del mismo. Una audiencia que se distingue por la atención, apertura y entusiasmo, creando un ambiente especial y muy popular entre los artistas de todo el globo. n djmagla.com

En la pista

VANGUARDIA SÓNICA Vivimos toda la experiencia que ofrece el festival Sonar que se lleva adelante desde hace dos décadas en Barcelona.

ada año, desde hace 20 años, en el mes de junio coinciden miles de simpatizantes de la música electrónica y la tecnología de todo el mundo en la bellísima ciudad catalana de Barcelona para dejarse sorprender a lo largo de tres días por el afamado festival “SONAR: Música, Creatividad & Tecnología”. Con una programación envidiable se divide en “Sonar Día” & “Sonar Noche” en dos predios distintos preparados para albergar miles de fanáticos. En el espacio destinado al día la propuesta artística está enfocada en live shows con un gran escenario principal al aire libre llamado “Sonar Villlage” donde tocan bandas y algunos DJs que cumple la función de patio central desde donde se distribuyen los distintos espacios del predio: “Sonar Dome”, “Sonar Hall”, “Sonar Complex”, el nuevo “Sonar +D” orientado a instalaciones tecnológicas y un costado del patio destinado especialmente a un extenso surtido de trailers con distintas propuestas culinarias armado como un camp. El segundo predio esta ubicado a unas cuantas cuadras del espacio diurno, comienza a funcionar desde las 21hs y se siente como un gran club. Acá, la propuesta artística se enfoca en DJs e incluye algunos live shows pero la mayoría son DJs de variados estilos con mucho peso cada uno en su género. También, se divide en distintos espacios: “Sonar Club” y “Sonar Car”, armados en grandes pabellones, y “Sonar Lab” y “Sonar Pub”, al aire libre. La propuesta es tan extensa y variada que es humanamente imposible abarcar todo por lo que, luego de un profundo análisis, y habiendo resuelto algunas luchas internas sobre elecciones, armamos nuestro propio line up de shows -¡imperdibles!- distribuidos en los tres dias de festival. Texto: JUAN MANUEL BRAVO LONGSTAFF

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Arrancamos el día jueves por la tarde en el “Sonar Hall”, una especie de anfiteatro techado recubierto por telones de terciopelo rojo donde se presenta el mexicano Nicola Cruz en formato live set, presentando música electrónica autóctona latinoamericana, vocals en español, melodías aborígenes y un groove muy particular que logra hacer bailar. Luego, vamos hacia el patio principal donde está arrancando el DJ set de The Black Madonna. La nacida en Estados Unidos tiene buena técnica para pinchar y un repertorio muy ecléctico con algunos hitazos disco que funcionan sorprendentemente bien. Ya son las 20 hs y continuamos al aire libre en el “Sonar Village”, todavía con luz del sol. Finalmente, llega el turno de los canadienses Bob Moses que son, sin dudas, nuestros favoritos del día jueves. Es uno de los shows en los que más expectativas hemos estado depositando previamente y, por la respuesta del público luego de su aparición en el escenario, parece que no éramos los únicos que los esperaban. Gritos y aplausos -y un “Gracias, Barcelona. Nos encanta estar aquí”, en español rústico- marcan el comienzo del show que arranca excelentemente bien con “Talk”, uno de los hits de su álbum debut “Days Gone By” y que va pasando por las canciones que todos queremos escuchar. A las 20.30, comienza David August en otro de los escenarios pero no queremos irnos hasta escuchar “Tearing Me Up” en vivo, otro de los grandes hits de Bob Moses que, cuando suena, hace enloquecer a toda la audiencia. Cumplido el cometido, salimos corriendo para el show de David August y su live band que ya ha empezado en el anfiteatro del “Sonar Hall”. Nos metemos entre la gente y logramos ir hacia adelante de todo, para encontrar una buena ubicación central.

En la pista

BARCELONA, ESPAÑA

David August en el Sonar Hall

Los canadienses Bob Moses

Experimentos en el Sonar+D Charla de vigilancia, arte y nueva ética de datos a cargo de Kate Crawford

Todo el lugar está a oscuras, hay mucho humo y tres siluetas principales, con los equipos armados alrededor, se divisan iluminadas por detrás. En el medio se encuentra David August, con sus sintetizadores, ofreciendo un show muy enérgico y bastante freak. Música electrónica con pinceladas de música clásica donde lo que sobresale son los grandes momentos de tensión, construidos por la magistral ejecución del trío, que contrastan con momentos de calma y bellas melodías que van logrando un resultado muy especial. Terminado el show de August, pasamos por el sector del campamento de comidas y nos sentamos un rato a comer un ceviche delicioso, descansar unos minutos y planear cómo será el recorrido del día 2. Luego de un breve descanso, a las 22.30, nos dirigimos hacia el “Sonar Complex”, una sala de cine dispuesta en semicírculo, donde se presencian los shows sentados en butacas –o, como nosotros, en el piso. Está tocando 65daysofstatic en formato audiovisual con una gigantesca pantalla detrás que permite sumergirnos en distintos mundos animados que acompañan el rock electrónico-progresivo de la banda que recuerda a otras grandes como Mogwai o Explosions in the Sky. Así, ¡damos por terminado el primer día del Sonar! Regresamos a casa a descansar, ya que el viernes nos toca doble jornada con el Sonar de Día & Sonar de Noche. Decidimos arrancar el segundo día un poco más tarde, para guardar energías para el turno noche que, de antemano, ya sabemos que va a ser fuerte. Llegamos alrededor de las 20 y recorremos un poco más del predio que el primer día nos habían quedado algunos rincones por descubrir. Nos vamos a escuchar el DJ set del chileno Matías Aguayo que, para nuestra decepción, propone un sonido demasiado extraño y raw que, simplemente, no logra lo que esperamos de su performance. Bastantes personas se habían reunido para el comienzo de su presentación y, poco a poco, las vemos irse hacia otros lados, incluidos nosotros que decidimos reincidir en el ceviche, que el primer día había estado fantástico, e ultimar detalles sobre el recorrido del Sonar de Noche que comienza en apenas unas horas. Luego de cenar, salimos del complejo diurno para dirigirnos al nocturno. Hay infinitas colas para tomar los buses que ofrece el festival para ir de un predio al otro por lo que decidimos ir por nuestros propios

Sector de comidas en el Sonar de Día

medios, algo que resulta bastante más complicado de lo que pensamos. El predio de los eventos de noche es lejos y conseguir un taxi se convierte en toda una aventura. Luego de mucho caminar, conseguimos subirnos a un vehículo, compartiendo la tarifa con dos alemanes que estaban en la misma situación que nosotros. Finalmente, llegamos al predio de noche. Entramos a un pabellón enorme donde está tocando Jean Michel Garre, presentando un show audiovisual como nunca antes habíamos presenciado. La puesta en escena es inmensa, con gran cantidad de luces, lasers, imágenes 3D, pantallas y un balcón elevado central, desde donde el francés dispara toda su artillería MIDI, ofreciendo una performance demoledora. Seguimos recorriendo el predio y pasamos por el “Sonar Car”, una sala circular equipada con el famoso sistema de sonido Funktion One y una propuesta súper original: un set extendidísimo de siete horas de Four Tet, quien se encarga de pasar por estilos muy variados como dub, reggae, jazz y un poco de house y de techno. Al continuar con nuestro recorrido, nos encontramos con una pista djmagla.com

En la pista

Mind Against, el duo de hermanos italianos

de autitos chocadores a la cual no nos pudimos resistir. Nos metemos a jugar dos rondas de velocidad y choques, ¡como cuando éramos niños! Sin dudas, un toque muy divertido para el festival. Para la 1 de la madrugada, es el turno del inglés James Blake. Escuchamos algunos de sus conocidos hits y seguimos camino hacia el “SonarPub”, una pista al aire libre donde está arrancando la estrella del bass music Flume. El espacio presenta otra notable puesta en escena, armada con un domo muy futurista desde donde Flume hace enloquecer a cientos de fans que no paraban de saltar y revolear sus cabezas al ritmo de los bajos penetrantes, a pesar de la lluvia que se hace presente desde el segundo track que pone el artista australiano. Se hacen las 2:30 y decidimos ir a escuchar al dúo de hermanos italianos Mind Against que nunca decepcionan. Cuando llegamos, están incendiando el “Sonar Club” con su techno melódico, presentando ese estilo súper efectivo, ideal para grandes masas de gente. Ya es tarde y emprendemos la vuelta para dormir y alistarnos para el último día. Nos despertamos al mediodía del sábado un poco golpeados de la noche anterior pero con muchas ganas de escuchar a Howling en vivo esa tarde en el “Sonar Hall”. Llegamos a media tarde al predio de Sonar de Día y nos dedicamos a recorrer minuciosamente los distintos stands e instalaciones del sector “Sonar +D” donde, por ejemplo, jugamos con un robot ayudante -capaz de hacer variadas tareas domésticas-, testeamos el nuevo mixer de MODEL1, vemos las nuevas propuestas de impresoras 3D, jugamos arcades clásicos usando controladores MIDI como interfaz y hasta nos metemos en una máquina de realidad virtual, en un sinfín de atracciones vanguardistas. Finalmente, llegan las 8 de la noche y vamos al anfiteatro en donde van a presentarse nuestros favoritos de Howling. El show empieza a las 20:30hs pero queremos tener la mejor ubicación posible. Vamos antes, con tiempo, y nos sentamos en el piso, delante de todo y hacia el centro, para tenerlos a muy pocos metros. Lentamente, el lugar se va llenando y 20.35 se apagan todas las luces, el escenario se colma de humo espeso y, en un clima de oscuridad total, aparecen los integrantes de la banda. Sin dudas, el plato fuerte de todo el festival. Frank Wiedemann –Âme- & RY X, al frente de la banda, logran generar un clima profundo como pocos artistas pueden, inundando la sala con melodías melancólicas, con la capacidad de generar regocijo en el espectador. La puesta en escena es simple pero efectiva, usando permanentemente el contraste entre las luces, el humo y la oscuridad. Sobresalen los momentos donde las luces y las secuencias de las 88

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Jean Michel Jarre en Club Sonar

Howling en su presentación en el Sonar Hall

maquinas se apagan, para dejar a RY X cantando solo entre penumbras, dejando lucir su celestial voz que logra sensibilizar hasta al más rudo. Asi finalizamos nuestra aventura, felices por la gran experiencia de haber escuchado a varios de nuestros favoritos en un contexto inmejorable donde resaltan el orden y el detalle de “reloj suizo” para un festival español en el que se respira sofisticacion y vanguardia en cada paso. ¡Hasta el año que viene! n

En la pista

UNA HISTORIA DE AMOR Love Festival Aruba es el sueño de todo amante de la buena vida. Una de las mejores playas del mundo que alberga un festival hecho con el más puro amor. DJ Mag Latinoamérica se acercó a vivir su tercera edición y la pasó realmente bien...

l festival empieza el viernes 29 pero, debido a la complejidad de los vuelos hacia la isla, llegamos un día antes a través de algunas escalas que son imposibles de evitar. Desde el crudo invierno en Buenos Aires, partimos hacia la siempre cálida Aruba. Es allí nuestra primera vez y nos emociona pisar suelo caribeño. Aún sin saber a ciencia cierta cómo se desarrollará todo, estamos ansiosos por vivir la experiencia. Y no tardamos en empezar a sentirlo. Desde que bajamos del avión, el calor del ambiente y de la gente nos pone en cuadro. Nos recibe Omar, el mismísimo creador y director del evento que, junto a su hermano, ha llevado adelante este proyecto con un amor y una dedicación sorprendente. “Todos hacemos todo”, nos dice mientras viajamos en su Porsche camino al hotel. Él es residente de la isla pero no habla mucho español, por lo que fluye el inglés en nuestra conversación. La calidez con la que nos recibe es sorprendente. Descubrimos que su equipo de trabajo es igual de sencillo cuando llegamos a Studio 106, la estación radial que ha creado Omar en estos años y que suena en el dial 106.7 de toda la isla. Por supuesto, en su auto suena aquella estación y las palabras

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“house” y “Love Festival” se repiten cada pocos minutos. El recibimiento es excelente y estamos más ansiosos que antes por disfrutar de lo que pueda llegar a ofrecer esta gente. Ya es de noche por lo que, ir a conocer la playa, ya no tiene mucho sentido. Un breve recorrido por el predio apostado en la increíble Eagle Beach nos muestra la disposición de los stages y a algunos lugareños aun trabajando para dejar todo listo para el día siguiente. La historia del Love Festival no se remonta mucho atrás pero si es fuerte en emociones. En 2014 realizaron la primera edición, apostando y poniendo el foco en aquella palabra: el amor. Desde allí, todo ha ido en aumento. Las cosas les han salido bien y al año siguiente decidieron subir la vara un poco. Pero no esperaban jamás lo que sucedió. Miles de personas acudieron a su fiesta y terminó por ser un completo éxito, posicionándose como el mejor festival de la isla, por encima de otras propuestas que parecían tener a todos obnubilados con sus line ups onerosos y la presencia de nombres del primer orden mundial. ¿La razón? No la sabemos a ciencia cierta. Quizás haya sido la filosofía con la que encaran las cosas estos hombres.

Este año, Love Festival, a partir de lo que vemos, está poniendo en vilo a la ciudad. Por primer año, recibe el apoyo del gobierno de la isla y lo aprovecha a toda marcha. La ciudad está empapelada de carteles del festival y todos parecen saber de qué se trata. Lo descubrimos todo caminando por las calles. El Love Festival está por empezar. El viernes, Omar nos lleva a hacer un último recorrido por el predio antes de que abra sus puertas, a horas del mediodía. El calor es agobiante y el cielo celeste nos ayuda a impresionarnos cuando vamos camino a Eagle Beach, espacio donde se hace la fiesta. Es una de las playas más importantes de Latinoamérica y muchos sitios de turismo la ponen en los puestos más altos de sus rankings. “¿Es privada la playa?”, le preguntamos a Omar. Su cara se transforma y parece que hubieramos dicho una mala palabra. “Aquí no hay playas privadas y espero que no las haya en ningún lugar del mundo”, responde. Cuando llegamos al predio -¡dios mío!-, entendemos por qué los rankings ubican a Eagle Beach tan alto. Es una hermosa playa extensa con arenas claras y un agua celeste a más no poder. Si bien algunas vallas separan el agua de las pistas, pasamos un rato a mojar nuestros pies y relajarnos un instante ante

En la pista

ORANJESTAD, ARUBA semejante belleza. Son tres escenarios: Power, Love y Techno son sus nombres –y en ese orden están ubicados si los miras con los pies en el mar. Luego de investigar algunos detalles del armado del evento, volvemos al hotel en busca de un pequeño descanso antes de empezar a vivir el evento propiamente dicho. Rudolf, mano derecha de Omar, nos está esperando en el lobby del hotel cuando ya han pasado algunos minutos de las 7 de la tarde. Él es el encargado de llevar a algunos de los artistas al venue esta vez, y nos sumamos a ese viaje. Es súper amigable y nos sorprende su capacidad de hablar seis idiomas. Todos estamos impresionados, incluidos Adrian Hour y Saeed Younan, dos de los artistas con los que compartimos el aventón. La charla entre ellos fluye hasta que llegamos al predio montado sobre Eagle Beach. Ya es de noche y los arboles están adornados con luces de colores rosas que hacen todo bien cálido. Ingresamos como cualquier asistente normal, luego de que los artistas reciban sus precintos para moverse con tranquilidad y, una vez dentro, bailamos un rato en el Love Stage al ritmo de Oscar Booy, hasta que partimos a ponernos cómodos en el espacio que tienen los artistas para relajarse, detrás del escenario de techno donde ya pone música el venezolano Bryan Sanchez. Lentamente, el lugar delante nuestro se va llenando, a medida que los beats se ponen interesantes en manos del joven que divide sus días entre Venezuela y Miami, con vocales distorsionados y mucha tensión. En el Love Stage, Fisë ya ha iniciado su presentación y nos vamos a ver lo que hacen. Nos subimos a la estructura que se sitúa frente al escenario principal para disfrutar de la

energía de este dúo. Ellos son Sebastian Morxx y Maksym, dos DJs de Colombia y Canadá, respectivamente. Estos dos se conocieron en Panamá y han llegado a la isla con canciones amigables que disparan del escenario del amor para atrapar a los presentes en una performance súper astuta. Incluso, se ganan nuestros respetos al estirar su mezcla por unos cuantos minutos debido al atraso en la llegada de Chris Lake, quien continúa con la línea sonora más big room y pone algo de future house cuando llega su turno. La gente se enciende en las playas de Eagle Beach y para nuestra sorpresa, dispara una versión de “Let’s Go Dancing” de Tiga que nos eriza la piel. Partimos hacia el Techno Stage a experimentar las sensaciones que propone Alex Young. La dinámica presentación del colombiano que hoy vive en Ciudad de México pone las cosas en el ambiente que corresponde. Su música tiene aquello que vinieron a buscar los presentes que se refugiaron baja la estructura del Techno Stage y allí nos quedamos un buen rato, tras la cabina, en charlas interminables con algunos de los presentes. La gente está feliz y nosotros nos permitimos contagiarnos. La noche termina allí mismo, con Adrian Hour comandando el barco, con techno beats que emanan energía y melodías en los momentos justos. La gente estaba esperando su presencia y nos complace ver que uno de los headliners más esperados es alguien de aquí, de bien cerca, entendiendo el acercamiento que tiene Omar y su equipo con el festival y la escena electrónica no sólo de Aruba sino de toda la región. El día dos amanece soleado y con unos 29 grados centígrados, similar a como nos había tratado en la primera jornada. Hay viento y eso

ayuda aunque, al sol, está abrasador. Luego de almorzar, nos reunimos con una comitiva compuesta por DJs, organizadores y prensa que espera para partir hacia la isla privada del hotel Rennaisance Aruba Resort. Sí, como leyeron. Minutos más tarde, un pequeño barco con capacidad para unas 30 personas nos lleva, desde dentro del hotel mismo –un canal llega desde el océano directo hasta el lobby del hotel- hasta una increíble porción de paraíso a sólo 5 minutos de allí. Una pequeña y cuidada experiencia donde los huéspedes tienen todo para disfrutar, incluidos masajes y flamencos caminando a su lado. No nos podemos quejar. Cuando empieza a caer el sol, volvemos al hotel a recargar energías para vivir el día dos con todo. Aruba ya nos ha atrapado con su extraña mezcla de sencillez y esplendor. Las palmeras en la calle a lo Miami, lo lujoso del hotel a lo Las Vegas y la increíble humildad y camaradería de la gente son factores que nos hacen querer ir más allá y conocer los pormenores de una sociedad llena de mixturas. El espacio donde se lleva adelante el Love Festival Aruba ya cuenta con más gente que el día anterior cuando llegamos. Vamos hacia el Power Stage a ver un poco de acción de parte de Daniville y Oscar Booy, quienes sazonan con un poco de EDM el escenario de los beats más comerciales. Esta carpa está completamente cerrada y el heat, como le dicen aquí, se siente. Casi en estado de ebullición, los más jóvenes buscan allí los sonidos más radiales, disfrutando de los hits del momento. Para las nueve de la noche, el escenario principal recibe a Le Bonx. Puede que para muchos sea un djmagla.com

En la pista algo. El clásico “Music Is The Answer” despierta nuestras emociones y nos unimos a la tribu sin pensarlo. Patrick M y Saeed completan la noche como ellos bien saben y el público los retribuye con mucho baile y aplausos. Para cuando el evento finaliza su segunda jornada, algunos siguen la fiesta en un after organizado que tiene a Joe Grossman en las bandejas.

desconocido y, de hecho, para nosotros también lo es. Pero cuando lo vemos subir a escena entendemos de quién se trata. Es el hermano de Omar y se dispone a tocar en la estructura principal, en un horario central. ¡Nos encanta lo que hace! Parece ser como si intentase educar a la gente y suenan “Let’s Dance” de David Bowie y el sensual remix que Nicole Moudaber creó de “Giv Me Luv” de Alcatraz, para el aniversario del sello Yoshitoshi. La gente se deja seducir y Le Bonx baila en la cabina con su sombrero de cowboy y descalzo. 92

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Cuando termina, volvemos hacia el escenario orientado al techno donde Saeed Younan presenta a su tribu. “Join The Tribe” es la marca del artista nacido en Irak que vive en Washington DC hace décadas. Junto a él, llegan sus amigos Patrick M y Donnie Lowe, y allí nos quedamos a disfrutar de lo que proponen. Mientras Donnie Lowe pone algo de tech house y la gente responde a sus intenciones, nosotros hablamos detrás de la cabina con Patrick M, Alex Young y Adrian Hour, en una charla relajada donde, a cada rato, los organizadores pasan a consultar si necesitamos

El tercer día nos tiene algo nostálgicos. Sabemos que nuestra estadía en Aruba está llegando a su fin. Paseamos, disfrutamos de la playa y tratamos de absorber cada segundo de energía en esta preciosa isla antes de volver al predio para disfrutar el cierre del evento. Hoy, al ser domingo, todo está programado para terminar antes. A medianoche, para ser más exactos. Cuando llegamos, David Tort ya se encuentra pinchando en la estructura más imponente que tiene Eagle Beach. Con su esencia española, pone en vilo a todos con ritmos acertados y algunos clásicos como “Touch Me”, canción que nos hace prestar atención, mientras los visuales de la pantalla muestran su logo prendiéndose fuego. Su presentación nos resulta dinámica y llena de buenos momentos y allí nos quedamos perdidos un buen rato con sus mezclas. Luego llega el turno de volver a pasar por el Power Stage, donde los sonidos más hiperquinéticos se hacen presentes. El mexicano Broz Rodriguez está por comenzar su presentación y nos metemos al único stage cerrado para apreciar su presentación. Su infusión de sonidos latinos y las corrientes modernas del mundo electrónico ponen al público más joven del evento a bailar. Suenan porciones de reggaetón mezcladas con percusiones aceleradas y algunas de sus producciones originales, como el reciente remix que, según nos acaba de contar, firmó para lanzar en Panda Funk, sello de Deorro. Para las 10.30 está planeado el cierre de aquel escenario pero, cuando partimos hacia el Techno Stage, parece que un nuevo DJ está tomando el control de las bandejas. Los dejamos atrás, en busca de los sonidos de Andre Hommen, encargado de cerrar la fiesta con sus cálidas mezclas de techno volador. Nos perdemos en sus beats y allí nos quedamos hasta el final. La fiesta se excede poco más de una hora de lo programado y nadie se queja. Es la policía quien pone punto final al asunto y empieza a organizar todo para que mañana la playa vuelva a ser disfrutada por los turistas que buscan el mar celeste y las blancas arenas de Eagle Beach. El after party tiene lugar en el mismo hotel así que allí nos quedamos. El Love Festival Aruba es toda una experiencia. Desde el espacio en donde se lleva a cabo, hasta la calidez con la que se manejan, todo está hecho con el más puro amor y no hay dudas de que, con estas mismas ganas, podrán convertir a Aruba en un centro electrónico para latinos en los próximos años. Nosotros esperamos que así sea y poder experimentar el crecimiento de la propuesta año a año, siguiendo de cerca esta historia de amor… n

Deep House REVIEWS LEMONADE lemonade@deportedmusic.com

9.5

la gran remezcla de Fur Coat, la dupla venezolana que ya ha dado muestras de ser real animadora de la escena. ¡Derecho a los mejores charts!

7.5

Little Helpers 237 El destacado de esta edición llega de la unión de uno de los mejores sellos conceptuales del momento con un artista que parece no tener techo. El exquisito y milimétrico trabajo en el groove que ofrecen las producciones de James queda demostrado en estos cinco fantásticos originales, ideales para los amantes de los warm ups y el deep más puro. Nuestro favorito es el “237-1”, por ser uno de esos tracks que logran encender la pista con estilo. ¡Imperdible!

Brigado Crew Fly To Us

Glasgow Underground

Mucha atención a este gran dúo argentino que no para de crecer. Coequipers del sello Sudam, propiedad de Kintar -otro talento local-, han logrado, a fuerza de grandes producciones, entrar en las bateas de los más grandes artistas de la escena. “Fly To Us”, incluido en el compilado “Glasgow Underground Ibiza 2016”, formó parte de los charts de las tiendas mas prestigiosas de la industria electrónica. ¡A seguirlos de cerca!

Facundo Mohrr & Valdovinos Low Pressure EP Kermesse Music

A través de su propia plataforma, y en colaboración con el ascendente Valdovinos, el talentoso DJ y productor argentino Facundo Mohrr entrega dos nuevos originales de carácter enérgico, ideales para saborear en una pista. El juego entre los stabs, vocals y una enorme línea de bajos son los abanderados en “Low Pressure”. En “Neón”, los pads, arpegios y un poderoso sinte llevan las cosas a un terreno un mas mental. ¡Gran trabajo!

Till Von Sein

Blacker Than Ever EP Suol

Desde Berlín, uno de los artistas más auténticos e innovadores nos propone este exquisito EP de tres tracks. “Dappat Se Gat” es un deep ambiental delicado con unas bells sutiles y misteriosas para soñar. En el hipnótico “Itiswhatitis”, la historia la cuentan los poderosos sintes increscendo sostenidos por una simple y minimalista pero eficaz batería. Completa el percusivo y alegre “U n U” donde los cowbells y un vocal familiar son la estrella.

Hasenheide

Edu Imbernon Bitter Fate Fayer

El nuevo trabajo del genial productor español será, con mucha seguridad, uno de los tracks que más suenen en el verano europeo. Sus mágicas melodías de sintes y la hermosa vocal masculina le dan ese tinte emocional y atmosférico, ideal para crear un momento especial dentro un set. El plus: 94

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Los británicos dueños del prestigioso label Gruuv, que ya llevan un buen tiempo editando para los mejores sellos del planeta, vuelven al gigante Crosstown Rebels con dos trackazos. “Turya” es una verdadera joya para los que gustan de ese sonido que combina elementos deep y tech, coronado con una sugestiva vocal femenina que le aporta una parte misteriosa. Atención: ¡el compañero de EP, “Event Horizon”, es otra bomba!

8.0 Rock The Groove EP Fino Y Gordo

En su quinto lanzamiento, el joven pero prometedor label español convoca a dos argentinos que se las vienen trayendo. La colaboración entre Agustín y Mauro nos deja dos tracks de gran calidad, con tintes bien houseros, percusiones inquietas y una atmósfera musical elegantemente lograda, ideal para un atardecer marino. Groove, piano y vocales perfectamente sincronizados… ¡Con eso es suficiente!

Plastic City

Propietaria de dos sellos -Lucidflow y Sofasessions- y un espíritu inquieto, la hábil DJ y productora germana logró algo que pocos ostentan: editar en una de las plataformas más destacadas del género -para muchos, la número 1. El trabajo contiene tres originales de altísima calidad, con un admirable manejo de los ambientes y un elegante aroma baleárico que nos invita a cerrar los ojos y disfrutar del viaje.

Firefly

Trojan House Records

Los húngaros, de una categoría notable, cada vez están mas afianzados en la escena, nos adelantan uno de sus próximos realeses que contará con remixes de Larry Cadge, Samu Rodriguez y del sorprendente argentino Danny Torres. ¿Cuáles son sus plug-ins/vsts favoritos? “Sin dudas, los de Spectrasonic. Tanto el Trillian, como su hermano Omnisphere son impresionantes. Hemos probado muchos instrumentos virtuales pero ninguno como estos dos.” ¿Hardware, software o ambos? “¡Ambos! La practicidad que te da trabajar con software te permite crear cosas asombrosas estando en un aeropuerto o en un tren. Pero claro que nada se compara con el sonido puro de una maquina. Además, lo impredecible de nuestro Moog Slim Phatty siempre nos sorprende. ¡Creemos que tiene alma propia!” ¿De qué se trata su plataforma “Truesounds Music”? “¡Es como una gran familia! Somos una compañía con la mente abierta y nuestra misión es generar una buena conexión con la gente que está alrededor nuestro a través de la música. Comenzamos hace doce años y hoy somos uno de los más grandes de Hungría. Promovemos jóvenes talentos, producimos nuestros propios eventos e, incluso, tenemos merchandising. Estamos rodeados de mucha gente que comparte nuestros valores de amor, amistad y buenas vibras.”

PETER MAKTO & GREGORY S

01. Peter Makto & Gregory S

8.0 Addicted

Nadja Lind

9.0

8.5

Turya

Cari Golden, Niche

7.5

Peter Makto & Gregory S

Audiojack

Agustín Dutari & Mauro Mosciaro

8.0 8.0

8.5 Crosstown Rebels

JAMES DEXTER Little Helpers

RAPIDITOS

Incorrect

El súper label Incorrect suma una nueva gema a su exquisita colección y la encargada de dicha tarea, Cari Golden, es una conocida de todos aquellos que alguna vez hayan buceado en las profundidades del deep house y sus variantes. En este caso, en colaboración con Niche, el track encanta por sus coros y vocales, aunque toda la situación instrumental esta magistralmente ejecutada. Además, un excelente remix con un toque acid de Teenage Mutants.

Truth Seeker (Original) - Truesounds Music

02. Hyenah

The Idea (Frankey & Sandrino Remix) - Freerange Records

03. Markus Homm

Anker (Mario Aureo Remix) - Bondage Music

04. Peter Makto & Gregory S

Venera (Original) - Trojan House Records

05. ILO

Prayer (Original Mix) - Rebirth

06. Chaim

Members (Original Mix) - Culprit

07. Mihai Popoviciu, David Delgado Continously (Original) - MOAN

08. Audiofly & Maher Daniel

Cluster of Stars - Souvenir Music

09. Mantu & Thomas Gandey

Far From Perfect - With Compliments

10. Peter Makto & Gregory S Firefly - Trojan House Records

MAINSTREAM REVIEWS KEVIN MUTER kevinmuter@hotmail.com

RAPIDITOS Toxic Friends

9.0

Sheriff Inédito

9.0

El ascendente dúo argentino Toxic Friends fusiona guitarras y bajos con sintetizadores y baterías electrónicas, creando una combinación de electro y rock súper recomendable. ¿De qué artistas se influencian a la hora de producir su sonido? “Crecimos escuchando bandas como The Clash, The Specials, Parliament Funkadelic, Madness, Cypress Hill, Ramones y Skatalites. Contemporáneos, nos gustan Justice, Chromeo, Breakbot, Kavinsky, Jungle, Thundercat, Boys Noize, A-Trak... Somos fieles seguidores de sellos como Ed Banger Records, Fool’s Gold y OWSLA.” ¿Por qué le pusieron “Sheriff” a la canción? “En el momento que grabamos las guitarras decidimos enfocarlas hacia un estilo western, con delay analógico, una hall reverb enorme y un sonido de guitarra bien limpio. Personalmente, nos remitió a un sheriff caminando por alguna zona árida de los Estados Unidos, con sus botas, sus espuelas y su sombrero texano.” ¿Qué tipo de instrumentos usaron para la producción de este tema? “Para este track en particular, utilizamos un Korg Ms20. El resto de los sintes que utilizamos son plugins como Nexus, Spire y Sylenth1. Por lo general, trabajamos los tracks en Ableton. En cuanto a efectos, intentamos siempre utilizar efectos analógicos. La Space Echo de Roland es una de nuestras mejores amigas. Para esta canción utilizamos una guitarra Fender Mustang.”

BORA

01. Bora

”Mawkundhu” – Ones To Watch Records (Mixmash)

Martin Garrix & Bebe Rexha

In The Name Of Love STMPD Records

El productor holandés Martin Garrix hizo su aparición fuerte en el 2013 con su hit “Animals”, un track que rompió todos los charts mundiales y trascendio las fronteras de la música electrónica. Desde ahí, el joven de 19 años fue lanzando hit tras hit, incluyendo una colaboración con el mismísimo Usher. En este caso, Martin sacó un nuevo single junto a la cantante pop Bebe Rexha titulado “In The Name Of Love” que tiene un vocal emotivo y un drop bastante uptempo y uplifting, distinto a lo que nos tiene acostumbrados habitualmente el holandés.

8.0 Kryder & HIIO La Luna

HIIO vuelve a la carga con un nuevo single en donde demuestran sus raíces y orígenes sudamericanos y houseros. “La Luna” es una colaboración con el DJ y productor británico Kryder, un fanático del groove y jefe del ascendente sello discográfico Sosumi. El track cuenta con unos vocales en español bien cargados de aura latina que, junto a unas percusiones muy marcadas, dan unas ganas de bailar tremendas.

“Umaga” – Bonerizing Records

03. Bailo X D-John X Rodrigo Howell “Batman” – Buygore Records

“Bad Bitch” – Dim Mak Records

05. Usica

“Misericordia” – Brooklyn Fire

06. Ookay

“Buck” – Dim Mak Records

07. Ookay

“Thief (Bailo & Subtronic Remix)” - Descarga gratuita

08. Firebeatz & Chocolate Puma ft. Bishøp

“Lullababy (Wiwek Remix)” – Spinnin’ Records

09. Skrillex & Rick Ross

“Purple Lamborghini” - Atlantic Records

10. Astronomar

“Shoulder Boy” – Main Course

7.5 BORA & Rodrigo Howell Umaga

Bonerizing Records

En esta sección, siempre tratamos de introducir y presentar artistas locales que, creemos, están en constante ascenso. Boris Sovieraj, también conocido como BORA, es un productor argentino que incursiona en géneros y ritmos bastante variados, desde EDM hasta jungle terror, pasando por trap y dirty dutch, entre otros. En este caso, su último track, “Umaga”, es un tema agresivo y movido en el que reinan las percusiones y los vocales bien ragga.

Spinnin’ Records

02. Bora & Rodrigo Howell

04. Botnek

géneros como el deep house, en su línea de bajos, y el garage house, en todo lo referido a percusiones y groove, en general. Personalmente, recomiendo escucharlo ya que es algo muy distinto a todo lo que se le escuchó antes a este artista.

9.0 Hardwell ft. Craig David No Holding Back

8.0 Dark Heart Hydro

THE CHAINSMOKERS

Closer Disruptor Records

Instantáneamente, al hablar de The Chainsmokers, uno sabe que va a hablar de música electrónica comercial, de alta calidad y, seguramente, de hits. El dúo neoyorquino no para de romper todos los charts y contadores de views y plays alrededor del mundo. En este caso, su nuevo y último single “Closer” cuenta con más de cien millones de vistas en Youtube y consiguió el puesto número 1 en Billboard. Una de las cosas que hace tan particular a esta canción es que cuenta con vocales tanto de hombre como de mujer. “Raise Your Hands Up” tiene un poco de tech house, un poco de electro y su punto enérgico con un agradable riff trancero que suena vintage y moderno a la vez. Inteligente y para grandes escenarios.

Panda Funk

Panda Funk, el sello de Deorro, está constantemente firmando distintos talentos a lo largo del mundo, sumándolos a una plataforma que es bastante independiente y fresca. Dentro de la búsqueda de talentos, dieron con Dark Heart, un productor oriundo de Los Ángeles que nos entrega “Hydro”, un tema trapero, extremadamente agresivo, con un breakdown melódico. Si son fanáticos del trap, no pueden dejar pasar este tema.

Revealed Recordings

Me vi sorprendido al escuchar el último single del ex número 1 del Top 100 de DJ Mag porque uno asocia su nombre directamente con el particular big room pero, en este caso, su nuevo track es todo lo contrario. “No Holding Back” es la nueva canción de Robbert Van De Corput, más conocido como Hardwell. Junto al cantante inglés de R&B Craig David hicieron este tema con una clara influencia de

8.0

7.0 Arty & Andrew Bayer Follow the Light Anjunabeats

Dos maestros del big room siempre emotivo de Anjuna pusieron manos a la obra juntos para un track que, predeciblemente, funcionará en los grandes escenarios. Bajos súper marcados y una tensión industrial que lo vuelve teatral. La bajada es épica y termina desarrollándose con ese sonido particular que engloba al sello de Above & Beyond.

Sander van Doorn & Chocolate Puma Raise Your Hands Up Musical Freedom

Interesante propuesta de parte de dos veteranos que ofrecen una colaboración que borra los límites entre los grandes escenarios y las cabinas de discotecas. djmagla.com

Bass REVIEWS BAD BOY ORANGE badboy@djorange.com

10 NOISIA

Outer Edges LP Vision

Momento en que los reviews pierden todo tipo de solemnidad... ¡Es que este álbum es épico! Este larga duración, luego de “Split The Atom”, nos trae un Noisia evolucionado y maduro, pero sin desviarse del drum & bass y de ese sonido agresivo que los caracteriza. La ingeniería del influyente trio holandés trasciende cualquier género y aplica la visión Noisia a variadas formas: dubstep en “Voodo”, big beat en “Collider”, glitch hop en “Surfaceless” y bombas drum & bass como “Get Deaded” y “Tentacles”. Indispensable.

8.0

riff acústicos. Con logradísimas piezas radiales como “Altitude” con la voz de Amy J Price, el primaveral “Like The Sun”, los funky ochentosos “Stay Here” y “Rainbow Road”, los celestiales “Nearly There”, “Living In The Past” y “Our Story” con voz de Kele de Bloc Party. Fred V & Grafix llenan tus pulmones con aire fresco y envuelven tus oídos con buenas vibraciones.

8.0 The Upbeats

De-Evolution Pt 2 Vision

Desde las selvas de Nueva Zelanda llega la segunda parte de un total de tres de la serie “De-Evolution” a cargo de The Upbeats y bajo el sello de los Noisia, con quienes a finales del año pasado rompieron todo con el “Dead Limit EP”. Entre los mejores productores de la movida, exploran los +160bpm con un complejo neuro funk de sensibilidad orgánica. En esta entrega, se destaca “Mediums” y su sinfonía de rayos laser, la radiante “Say Go” junto a Mara Tk y “Babylon” junto a Orifice Vulgatron de Foreign Beggars.

Varios Artistas Mueva Lectus #1 Mueva Records

El ambicioso proyecto argentino Mueva materializa su primer álbum compilatorio en el que reúne lo más destacado de la nueva escuela local de los ritmos alternativos, transformándose en una verdadera brújula de la bass music de Latinoamérica. Bajo la tutela del prodigioso Omar Varela -mitad de Datphoria- y Xovox, “Mueva Lectus #1” pone en el radar una gran cantidad de artistas como Mykka, Knno, MM, Yume, Halpe, Asan, Elegant Pumpkin, Madrats, Said, Weakness, Zixtone, Nogger y Script. Esencial.

8.0

North Base

Enemy Masta

I Found You Audioporn

El trío compuesto por Silver, Splice y Prophecy no para. Desembarcan en Audioporn con la hitera “I Found You”, con remixes del jefe del sello Shimon –exquisito- y los bombarderos Freestylers.

8.0 Maztek

8.0 The Promise feat Albert Mann Alux

Alux, sello con base en Mexico DF, trae “The Promise”. Ritmo progresivo y atmósfera synth rock & roll ochentera con el misterioso Albert Mann en las voces. Incluye remix del argentino Abstract People.

8.0

Grinder EP Eatbrain

Un mecanismo infernal controla la ciudad de los beats. Las personas que el sistema había rechazado son capturadas y esperan ser ejecutadas por esta picadora de colosales dientes metálicos. Es en este distópico escenario en el que transcurre el nuevo EP del italiano Maztek, quien ofrece el armamento necesario para combatir la opresora monotonía en las pistas de baile. Tecnología sónica neuro-funk al servicio de las minorías activas de los ritmos bailables alternativos. ¡Es momento de dar batalla!

Cyantific

8.0

Under The Neon/ Hollywood

Nostalgia

Máquina del tiempo a los ochentas. Vibras positivas y auto descapotable “Under The Neon” para luego ir a la escena de las patadas voladoras con “Hollywood”. ¡Me rompiste todo el boliche Van Damme!

Con un nombre en la escena dubstep, editando en sellos como Dim Mak, Rottun y Play Me, se aventura en los ritmos acelerados y nos entrega este potente EP que contiene el hit Bonus Stage. Reeeeewind!

Viper Recordings

Bonus Stage EP Multi Function

The Killer Squad EP RAM Records

Imponente proyecto de los rusos-ucranianos Teddy Killerz que reúnen a las mentes más amenazantes del ecosistema del tambor y bajo para entregarnos este letal EP. Se destaca “Outer Space” junto a June Miller en una devastadora sinfonía con reese estilo rave, machaque trance robótico junto a Audio en “Bugs”. “Louder” es un penetrante y metálico half-tempo compuesto junto a Icicle y DJ Craze y con Annix levantan la vara en el psicótico jump up “Leap Of Faith”. Incluye colaboraciones con Gridlock y Counterstrike.

Hospital

djmagla.com

8.0

AUDIO

Oxygen

RAPIDITOS

Teddy Killerz

Fred V & Grafix Segundo álbum del dúo originario de Inglaterra en el carril que mejor representan, el liquid drum & bass de influencias pop, ambient, súper coros y

El icónico Liquid V levanta la bandera de las buenas ondas en la pista de baile con la sexta entrega de las reconocidas “Club Sessions” con el selector original de V Recordings, Bryan Gee en los controles. Veintitrés gemas liquid drum & bass con artistas como Paul T & Edward Oberon, Random Movement, Bailey & MC Tali, Command Strange, L-Side, Need For Mirrors e Intelligent Manners y una amplia participación de brasileros como Simplification, L-Side y Duoscience con su hermoso “Night Traffic”.

8.0 Various Artists

Club Sessions Vol 6 Liquid V

8.0 Bass Brothers WTF EP

Playaz Recordings Con el apoyo de artistas como DJ Hype y Hazard, el dúo portugués Bass Brothers viene haciendo ruido desde 2011 y llega con este EP en su mejor forma, con un original y pulido sonido jump up minimalista. Compacto, preciso y groovero dan en el blanco con “WTF”, de imponentes bajos submarinos, tracción techno funk de laboratorio en “Kravitz”, la ragga-pudren con “Dunno A Dread”, condimentan con un poco de soulful en “I’m Out”, con las voz de Kyara, y trabajan en equipo con los Jam Thieves en el ruinoso “Pusher”.

01. Audio

“Motormouth” - RAM Records

02. Audio

“Rogue” - RAM Records

03. Misanthrop

“I Need More (Audio Remix)” - Blackout Music

04. Audio

“Sovereign” - RAM Records

05. June Miller

“Spin Test” - RAM Records

06. Phace

“So Excited” - Neosignal Recordings

07. Emperor

“Control VIP” - Critical Music

08. L33

“Drop it Down Low” - Eatbrain

09. Calyx & TeeBee

“Get it Twisted” - RAM Records

10. Audio & Prolix

“Creatures ft. Nuklear” - RAM Records

TECH HOUSE REVIEWS FESTA BROS info@festabros.com

RAPIDITOS David Keno

8.0

Chicken Fight (Original Mix) KNM Records

Último EP del vanguardista David Keno, quien ya editó para grandes sellos discográficos como Toolroom, Formatik y Glasgow Underground. Estamos impresionados con tu track “Moonshine”. ¿Cuáles son las claves para que haya tenido tantos resultados? “Es difícil decir por qué es exitoso pero, con ‘Moonshine’, sabía que era especial. El proceso de creación apareció naturalmente y no me tomó mucho tiempo. Dos días más tarde, estaba terminado y, al tocarlo, la respuesta fue increíble. Terminó funcionando mejor de lo que imaginábamos.” ¿Qué puedes contarnos de tu último lanzamiento en KatterMukke? “Son dos colaboraciones: una con el jefe del sello Dirty Doering y el otro con mis amigos de Kollektiv Ost. Con Dirty nos sentamos en el estudio y rápidamente le salió una línea de bajos ácida que completó el track. Eso es lo genial de trabajar con otra gente: nunca sabes a dónde podría terminar. Con Kollektiv estábamos más jugando que ota cosa. Al cabo de unos días escuché las grabaciones y estaban muy bien. Terminaron lanzándose bajo el nombre ‘Habicht’.” ¿A qué sellos quieres apuntar tus próximos tracks? “Tengo tres lanzamientos próximos: mi debut en Bunny Tiger de Sharam Jey, y otros en Mother Records y Snatch, de Riva Starr.”

JHONSSON

7.0 Mar-T & Luca Donzelli Modelchors 8bit

Desde el sello de los alemanes Nick Curly y Gorge, llega un EP con vistas hacia el tech house más tecnoso, no tan groovero sino mas agresivo. Mar-T y Luca Donzelli ya editaron para varios labels de los grandes. Este track es para altas horas en una pista de baile con loops de vocales bien usadas, guitarras distorsionadas y mucho juego de hats. Como siempre, un label que presenta talentosos artistas y está a la vanguardia.

10 Hot Since 82

Yourself

Knee Deep In Sound

Si existe un sonido equilibrado es, sin dudas, el de Hot Since 82 y su sello discográfico Knee Deep In Sound que es, hoy, una de las plataformas más taquilleras y renovadora de artistas. “Yourself” ya está en todos los tops de descargas, con vocales a tono y un teclado simple pero que resulta en una combinación más que efectiva. Siempre es bueno saber que con simpleza se pueden hacer grandes cosas.

9.0

“Extraction (Jhonsson Remix)” – Rules Music “Maasai” – Knee Deep In Sound

03. Ben Remember

“Pure Haze” – Solid E

04. Max Chapman

“Get Freaky” – Elrow Music

05. Santé

“909 Basement” – Knee Deep In Sound

06. Rich Wakley

“Off The Chain” – Suara

07. Hot since 82

“Yourself” – Knee Deep In Sound

Chus & Ceballos Ft Astrid Suryanto All I Want (Technasia Remix) Stereo Productions

Si de hits hablamos, el francés Technasia sí que sabe cómo hacerlos. Sonidos muy techno pero con una vocal que lo hace súper cool y más housero. Es emotivo y tiene un bajo que lo hace llevadero, con mucha percusión que nos lleva a tierras ibéricas. Es una combinación maestra. Top track!

08. Cristoph

09. Neil Parkes

8.0

“Bittersweet (Jhonsson Remix)” – Twisted Fusion “Flash (Latmun Remix)” - Relief

Green Velvet

Flash (Latmun Remix) Relief

Aparece un remix del joven Latmun con un juego de hi hats muy tecnoso, creando una muy buena combinación que resulta implacable para la pista de baile. Un sonido que le da la plataforma adecuada para poder entrar por la puerta grande y las vocales clásicas a cargo de Green velvet, que no hay forma de escucharlas y no acordarse de “La La Land”. Tiene muchos ruiditos que llenan el track. Está buenísimo detenerse a escucharlos.

AN92

Dont Go

Raw roots

9.5 CERA ALBA

Extraction (Anhauser & Who Else Remix) Rules

Un EP que cuenta con dos originales muy buenos del ascendente Cera Alba y se le suman grandes remixes de parte del inglés Jhonsson y del argentino Who Else junto al dúo Anhauser. Combinación perfecta entre la atmosfera y el sonido tech house moderno. ¡Súper efectivo! Ya está en los top de descargas... toque moderno. Ya está puesto en los tops de lanzamientos en las disquerías digitales. No descubrimos nada pero, ¡qué buen label!

8.0 Tuff London Sending Love Toolroom Trax

7.5 Dennis Cruz Rolling Stone

Desde su propio sello discográfico, el español Dennis Cruz sigue construyendo, con su sonido, una carrera ascendente. Esta vez, con vocales deep y percusiones exactas que tanto los identifican. “Rolling Stone” llega con un subidón bueno y un groove a 122 BPM que tienta para abrir una sesión o terminar un warm up. Sin dudarlo, ¡un label para chequear!

Un teclado muy parecido al mítico “Big Fun” pero aggiornado a la época con un BPM más tranquilo haciéndolo, realmente, un track muy efectivo, con las vocales que también tiene ese tinte noventoso. Toolroom Trax es una plataforma secundaria del sello de Mark Knight que siempre sabe lanzar productos efectivos. Desde festivales a clubs.

9.0 Paredi Saraceni

Liberty

8.0 Audiojack Turya

Crosstown rebels

“Divvina” – VIVa Music

10. Green Velvet

8.0

Lemon - aid

01. Cera Alba

02. Oc & Verde

La premisa, de seguro, era ser muy groovero, por eso el elegido fue Tomas Gruuve. Desde Mar Del Plata, en Argentina, llegan muchas percusiones y sonido moderno para un track que puede brillar en sesiones de house, tech o techno. Strings cortados, generando buenas preguntas, y unos claps más que presentes. Sonido de club pero que, sin dudas, puede funcionar perfecto en un big room.

Con el soporte de un gran label, el dúo Audiojack sigue editando buenos tracks. Con sonidos hipnóticos, vocales y unos bajos con reminencias de progressive, nutre las bateas de pista de baile. Super cool y con un agradable

Truesoul

Si se trata de un sello de Adam Beyer, no se puede dudar: nombre nuevo y sonidos vanguardistas. Truesoul es un label un poco más housero pero con mucha potencia. Este es el tech house que, con muchas influencias del techno, está predominando en todos los clubes del mundo. ¡Atentos con este lanzamiento! Cuando los hats están arriba, todo va bien... djmagla.com

Trance REVIEWS MARCELO FRATINI djmarcelofratini@hotmail.com

El single “Anodise” llega con una melodía clásica del uplifting trance y crea ese clima de felicidad que sólo pocos pueden lograr. Directo a rankear en lo más alto del Top 10 del género.

Relentless FSOE

Future Sound Of Egypt nos presenta uno de sus últimos lanzamientos titulado “Relentless”, nada más ni nada menos que de la mano de dos grandes referentes de este hermoso género, como lo son Sean Tyas y Darren Porter. En simples palabras, estamos frente a uno de los candidatos al número uno del chart. Una excelente entrega tanto de parte del sello como de los artistas. Esta es, sin lugar a dudas, una de las combinaciones que dará que hablar en el año.

10 John O’Callaghan & Clare Stagg

Lies Cost Nothing (Will Atkinson Remix) Subculture

Como no podía ser de otra manera, con cada nuevo lanzamiento, Subculture nos demuestra porqué es uno de los sellos más importantes en la escena mundial de la música electrónica. Esta vez, le toca el turno a su mentor, el gran John O’Callaghan. Junto a la vocalista Clare Stagg, le dieron vida a “Lies Cost Nothing” que, en esta ocasión, está remixado por el inglés Will Atkinson. Otro gran lanzamiento del sello, y van…

Mark Sherry & Alex Di Stefano Everyone Is Looking For Us Outburst Records

Estamos frente a otro de los lanzamientos más importantes del mes, editado -¿dónde sino?- en Outburst. La dupla explosiva a cargo del mismo está conformada por el legendario Mark Sherry y el italiano Alex Di Stefano. Su última obra es un track con muchísima fuerza, de esos que demuelen el dancefloor a la hora de sonar.

9.0 RAM

Elijah (Sean Tyas Remix) Grotesque

Si hablamos de trance, RAM es uno de los referentes del género, sin lugar a dudas. En esta ocasión, su nuevo single “Elijah” recibe el tratamiento de remezcla por otro gran ícono del trance, como lo es Sean Tyas. El resultado: un track digno del estilo. Es una combinación excelente que nos presenta Grotesque.

9.0 Greg Downey Rushin

Subculture

10 James Rigby Anodise

Otro de los labels que no nos deja de sorprender es Kearnage -propiedad del DJ y productor irlandés Bryan Kearney. Aquí, nos da a conocer una de sus más recientes novedades, de la mano del procedente de Manchester, James Rigby. 98

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9.0 Indecent Noise & Ram Doom Device Mental Asylum

SEAN TYAS & DARREN PORTER

Kearnage

RAPIDITOS

Nuevamente, Subculture nos presenta material de primer nivel. En esta ocasión, a cargo del irlandés Greg Downey, quien nos trae Rushin, su más reciente trabajo. Un track muy llevadero que no da respiro desde el instante en que empieza a sonar...

Sin dudas, este es el mes de las duplas. He aquí otra que dará que hablar. Hablamos de Indecent Noise & Ram quienes, mediante Mental Asylum, presentan “Doom Device”. Un track muy energético en el cual podemos apreciar la mano de ambos a la hora de realizarlo, con característicos sonidos que los identifican en la producción.

8.0 Maria Healy

10 Ederlepsy (Original Vini Vici Mix) Namaste (Static United Beats Records Movement & Off “Ederlepsy” tiene todo Limits Remix) para convertirse en uno Iboga Records de los lanzamientos psy del año sin lugar a dudas. El nuevo single de la dupla conformada por el francés Stryker y el argentino ícono del psy Javier Bussola ya está dando que hablar en la escena dance mundial.

Pure Trance

Pure Trance es otro de los estandartes del género y, a la hora de entregarnos novedades, suelen resultar un genuino pulgar arriba. Titulado “The Story”, el último single de la nativa de Dublín, Maria Healy, vuelve a sorprender a los fanáticos del trance con un nuevo track al estilo de la ‘’vieja escuela’’.

De la mano de Iboga Records, el dúo israelí Vini Vici nos presenta su última producción denominada Namaste, otro gran trabajo de la mano de Vini Vici.

9.0 10

The Story

9.0

Stryker & Javier Bussola

Simon Patterson

Liquid Soul & Neodyne

Cherub (Original Smack (Waio Remix) Mix) VII Iboga Records La reaparición de un gran clásico de Simon Patterson. Esta vez, ¡remixado por Waio! No sólo es otro de los lanzamientos fuertes del año sino que ya está sonando, tanto en clubes como en eventos masivos. Gran entrega de VII.

Nuevamente, es el sello Iboga el que nos entrega buen material. Una colaboración de Liquid Soul junto a Neodyne que da vida al single “Cherub”. Excelente resultado de la sinergia que genera esta dupla.

7.0 R.E.L.O.A.D.

JAVIER BUSSOLA

Demente

Liquid Energy Digital

Matias Ezquerro & Walter Arzamendia, bajo su alias R.E.L.O.A.D., nos presentan su más reciente single “Demente”, a través de Liquid Energy Digital. Sonido muy particular y característico de este dúo argentino que está en pleno ascenso. Cada nuevo lanzamiento se superan más y más y, desde ya, esperamos ansiosos nuevas novedades de ellos.

01. Javier Bussola & Stryker

Ederlepsy – United Beats Records

02. GMS & Pixel

Heading East - CDR

03. Talamasca feat Ivan Castro Marijuana Reaction - CDR

04. Neelix feat Caroline Harrison Makeup - Spin Twist Records

05. Stryker & Talamasca feat. Lucid Boom Fucking boom - Dacru records

06. 1200 Mics & Sesto Sento The Beat Final - CDR

07. Painkiller & Greg Hilight Zoombai - Nutek Records

08. Sesto Sento & GMS

Blast a Rasta - MainStage Records

09. Mad Maxx & Javier Bussola Mahakala - CDR

10. Vertical Mode & Oforia Billy Boy - CDR

Techno REVIEWS

JORGE CICCIOLI jorge.ciccioli@gmail.com EMMA BUEZAS emma@unique.comunity.com

RAPIDITOS 7.0 8.0

8.0

Christian Wunsh

Planetary Assault Systems

Random Mutations

Polegroup Cuanto tracks originales en un EP que, como bien dice el nombre, son loops en permanente mutación. Baterías opacas, hi hats brillantes y secuencias obsesivas.

Planetary Funk 22 Light Years Part II

Mote Evolver Un original de techno plano, percusivo y de bajos tubulares. El remix llega de parte de Josh Wink, quien propuso una versión con breaks, filtros y claps que resuenan entre delays y reverbs.

7.0

Josh Wink

7.0 Nicke, Kevin Rangel & R.Ma

Shoelaces EP

Boysnoize Records

Un EP ideal para los DJs que disfrutan mezclar en formato multi-track. Tools de breaks, rebalsantes de TB 303, como era de esperarse de parte de Josh Wink. Versiones vocales, versiones instrumentales, y piezas que proponen buenas posibilidades de mezcla. Para los remixes, los encargados fueron el residente en California, Truncate, fiel a su estilo; y Mono Junk, quien cierra el lanzamiento con un track super minimal y techno acid.

Sopot EP

Baile Musik

Orgánico y fresco, ideal para warm ups. Tiene grooves muy interesantes y salidos de las cuadraturas clásicas. Contiene algunos tool tracks y tracks que se dejan llevar por sí solos y resultan ser piezas completas para los DJs. Es un sello que lanza EPs nuevos muy seguido y que maneja una sólida propuesta de groove. Dos originales y dos remixes completan esta obra.

8.0

Noaria

Melancolie

Sui Generiz Moderno y con groove. El parisino Noaria, nos trae dos tracks totalmente deseosos de pista. “Melancolie”, más cerca del minimal y el segundo track, “Time Code”, es un mix de géneros que desemboca en el dark profundo.

7.0

Jeremy Wang

Range Finder

Planet Rythm Acid techno veloz y sin muchas vueltas en el EP lanzado por este sello holandés de larga trayectoria. Se destaca ¨Prototypes¨, presentando la mejor fórmula de deep techno. Bells en secuencias con pads atmosféricos.

JUSTIN JAMES

Varios Artistas A SIDES PT. 1 EP Elevate

No hay chart de techno en el mundo que no tenga un track de Julian Jeweil. “Orbit” podríamos definirlo como la demostración de cuál es el sonido techno, que hoy día, consigue mayor expansión y llegada. El track que suma Dast tiene un clima extenso y confortable, creado a través de pads eternos. En “Turbo”, Luca Agnelli plasmó un sonido techno clásico y entretenido, con vocales pitcheados y repetitivos.

03. Matador “Strings for Life (David Sidley Remix)” - Rukus 04. Raul Facio “Hipster Priest” - refused. 05. Dustin Zahn “Miss You (Truncate Remix)” - Drumcode 06. Josh Wink “Shoeloaces” - Boysnoize Records 07. Green Velvet “Flash (Latmun Remix)” - Relief 08. The Deals “Ignition” - Night Light Records 09. D-Unity “Holy Name (Alberto Ruiz & Carlos Perez Remix)” - Unity Records 10. Johnny Tricka “Day Tripper” - Sci+Tec

JUSTIN JAMES

Vaguely Obscure EP

SCI+TEC Es un EP dónde lo notable es que, a veces, la calidad es más importante que la cantidad. Dos tracks de pista efectivos y modernos con la calidez cruda del techno. Justin alcanza una claridad notoria en este trabajo que refleja su trayectoria y evolución trabajando para grandes sellos, como Minus o su propio Refused.

7.0

tenga a los costados. Va del techno melódico a piezas de techno raw, con vocales en BSR Tools IV B EP alemán y un sonido muchísimo Black Swan Recordings Este es un conjunto de tools que más pistero. ¡Sin recetas! Un provienen de algunos muchachos disco impredecible... de la new school rítimica del techno y el tech house, característico del sello de Estados Unidos que dirige Schubert. Se lucen los tracks de Tiziano Sterpa, llamados “The Pot” y “Below You”. Tools de groove Moog Conspiracy sin grandes misterios pero con Pulse EP sonidos pertinentes. Elektrotribe Records Si bien es un artista francés, podríamos definir esta obra como puro techno alemán: crudo, hipnótico y bien producido. Resuenan los bells y los claps en estructuras que provienen de jams en Cicuendez secuenciadores. My New Room

Varios Artistas

8.0

01. Justin James “Vaguely Obscure” - Sci+Tec 02. Justin James “Versus” - Sci+Tec

9.0

8.0 Re:Axis TEN

Monocline

Jose Doigo Correia, conocido bajo el alias Re:Axis, reaparece con un LP de diez tracks para su propio sello Monocline. Texturas ambientales y pesados tracks de techno minimalista y percusivo en un álbum sólido que va por diferentes vertientes del género, ya sea para el club o para esuchar por la calle. Tiene bells melódicos y chords de dub y se pueden encontrar tracks de pista, como “Natural Healing”, o más mentales y conceptuales como “Coming in Peace”.

Draft

El tercer track es el que llama la atención. “Basement” es el idilio de lo sencillo, frío, ancho y moderno. Es un track de esos que queres tener más y no encontrás. Más allá del acierto con este track, resulta interesante lo logrado con “My New Room”: repite la misma fórmula pero con tintes dub.

7.0 Fumihiko Takei Amateras EP Myself Music

Un EP diverso en sus intenciones. Cada track es una idea en sí misma y no tiene mucho que ver con lo que

9.0 Cari Lekebusch Green Light EP H-Productions

Dos tracks de techno con groove, sin breaks ni grandes sobresaltos en lo sonoro. Permite mezclas prolongadas por su cualidad de beat sostenido. Sencillamente, sofisticado. Sólo puede encontrarse en formato vinilo de 12¨. Un sello que desde los noventa sigue en pie renovándose pero sin dejar de ser fiel a su esencia.

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TECHNEWS Apple iPad Pro

Textos: MICK WILSON

MORDIENDO LA MANZANA DJ Mag Tech echa un vistazo al iPad Pro de Apple y a lo que aporta a la comunidad de DJs y productores...

on cada actualización del iPad de Apple se vuelve más viable su utilización como una completa plataforma para producción musical. Eso no quiere decir que los DJs y productores no la han estado usando para interpretar su música pero, hasta hace poco tiempo, la mayoría de usuarios admitían utilizarlo casualmente en términos de producción de música seria. Sin embargo, con la salida del nuevo iPad Pro y su pantalla más grande, es una mejor opción para llevar a cabo proyectos serios. La extensión de la pantalla y el hardware que aparece dentro del kit lo convierte en una pieza de lo más ingeniosa, y tiene lo suficiente para sumarse a cualquier set up para tocar o producir. El iPad de Apple ha cumplido las expectativas de la fraternidad productora y los fabricantes de aplicaciones. Hasta el momento, hay unas aplicaciones increíbles que se crearon para utilizar a la hora de tocar o producir. Y, todo esto, ¡sin mirar las propias aplicaciones de Apple! Softwares para DJs como Algoriddims se benefician del display más grande, con su opción de cuatro canales -usando dos en el modo vertical te permite mezclar como si fueran dos decks distintos. Realmente funciona en un ambiente profesional. El Traktor de Native Instruments y el Remote de Serato hacen un buen uso de la pantalla grande y del poder que trae el iPad Pro. Y hay una serie de opciones alternativas para el DJing que son muy buenas para investigar. Un simple paseo por el app store abre cientos de

100 djmagla.com

puertas a nuevas aplicaciones. Y, por supuesto, también está la integración con set ups existentes. Pioneer DJ se aseguró que los DJs puedan sumar sus iPads al set up con la app RMX1000 que funciona perfecto con el nuevo hardware NXS. Remote, de Serato, es una gran opción para utilizar tu iPad en un set up más extenso. James Zabiela es un gran ejemplo de como se pueden combinar las cabinas de DJs con iPads para darle algo de pimienta a las performances. Los iPads pueden haber estado mal vistos en las cabinas -como lo estuvieron las laptops en su momentopero, hoy, son un elemento esencial para aportar una cuota de creatividad y nuevas herramientas a cualquier set up de DJ o estudio. En cuanto a la producción, el nuevo iPad Pro combinado con el GarageBand de Apple es una seria herramienta de producción. Tracks enteros se pueden crear con esta agradable unión. La última encarnación del GarageBand podría considerarse el Logic Pro del iPad y hay muchas características de ambos programas que guardan relación. Sin embargo, GarageBand -y, con él, el Live Loops- es una fantástica plataforma para nuevas ideas con su estilo launchpad para producir. Productores modernos que estén familiarizados con este estilo se acostumbrarán rápido y será sencillo para los más novatos. Una vez más, la pantalla agrandada en el iPad lo lleva a otro nivel. Pero no estamos aquí dejando de lado a los usuarios de Logic. El Logic Remote en el iPad Pro añade elementos a lo que ya es un excelente par. La verdadera belleza se deja ver con las

aplicaciones llamadas third party, las cuales demuestran la increíble ayuda que puede prestarnos el iPad Pro. Aplicaciones como Blocs Wave presentan nuevos elementos al mundo de la creación con iOS. La app Launchpad de Novation es otra gran oferta. Y hay otras interesantes como Gadget de Korg, Mixvibes Remixlive, Maschine de Native Instruments y la iMPC de Akai, entre otras que ahondan en términos de producción musical. Cubasis es, esencialmente, el Cubase para iPad y el FL Studio Mobile funciona muy bien. Estas aplicaciones no son remotas sino que son estaciones digitales de las versiones para ordenador que están repletas de herramientas. Por supuesto, hay otras pero los lectores de DJ Mag Tech seguro estén familiarizados con el Cubase y el FL -Fruity Loops. Asegúrense de explorar las opciónes DAW que existen para iOS ya que hay muchas. El Link de Ableton toma otro camino, integrando iPads con otras piezas de hardware y otras apps, para trabajar en perfecta harmonía. Muchas de las aplicaciones que están disponibles vienen con Link, que sincroniza todo de excelente manera. Audiobus e Inter-App Audio ofrecen la posibilidad de conectar aplicaciones y elementos musicales en el iPad. Y no nos olvidemos la cantidad de reversiones de sintes que se presentan allí y suenan excelente. La oferta de Moog realmente demuestra lo que puede conseguirse con el iPad Pro y el sistema iOS. ¡Y se irán agregando nuevas! n www.apple.com

TECH

Numark NS7 III

Textos: MICK WILSON

REY DE REYES ¿Puede el nuevo controlador de Numark NS7, con el agregado de la pantalla, mantenerse en su lugar?

l nuevo controlador de Numark es la nueva adición a la familia del NS7. Es el nuevo controlador de bandera que mantiene lo tradicional y agrega nuevos elementos. Los platos tienen un tacto al estilo vinilos muy realista, mientras que el controlador está firmemente apoyado sobre dominios digitales pero, ¿puede seguir siendo el rey de reyes? El NS7 original dio que hablar en la escena desde su primera aparición. Los DJs lo aceptaron abriendo el corazón ya que no se trataba de un completo alejamiento de las técnicas viejas a las que estaban acostumbrados. Mientras se movía hacia el nuevo mundo de los controladores, seguía rindiendo homenaje a las tradicionales habilidades de las bandejas. La mezcla era la protagonista, y la diversión que podía uno conseguir al pinchar unos tracks era evidente. Nosotros lo amamos y pasamos muchas noches pasando música con estos platos de acero – hasta que llegó Numark y se lo llevó de nuevo. ¡Buuuu! Luego, para nuestra felicidad, subió las apuestas al lanzar el NS7 II, que ofrecía una serie de mejoras con respecto al original –volviendo a ponerlo en los círculos del DJing. Numark escuchó a los DJs y el feedback que dejaron del equipo original de dos canales y lo aplicó a la siguiente generación. Era mejor -era sencillo y un poco más liviano, respecto del NS7 que era muy pesado. Apareció ya con cuatro decks y unos

pads que ayudaban a realizar presentaciones más completas. Se movía junto con los movimientos que hacían los softwares de DJs. Una vez más, volvió a recibir todo el respeto de la escena. Era diferente en su acercamiento pero mantenía ese factor divertido que lo hacía acreedor de muchas caricias de parte de los DJs. Ahora, llegó el momento de que aquel controlador pase a ser sustituido por el NS7 III. ¿Qué puede hacer Numark para convertirlo en el mejor controlador o, de hecho, mejorar lo que había sido considerado por muchos como uno de los más increíbles controladores del mercado? Es algo difícil y, para ser honestos, el NS7 III es casi idéntico al NS7 II –no hay características nuevas que hayan volado nuestras mentes. Un nuevo maquillaje protagoniza el cambio. Los pads fueron actualizados y la construcción fue cambió un poco para bajar el peso final del producto -y, en general, esto es un excelente cambio. Habiendo dicho esto, hay algo que llama la atención: lo que realmente se destaca aquí es la adición de una nueva pantalla, ubicada encima del controlador. Este es el área en donde Numark prestó más atención con este nuevo controlador, donde parece que se hizo uso del famoso “si no está roto, no quieras arreglarlo”. El NS7 II, en términos de performance y control, es genial. Entonces, ¿qué podían hacer para mejorar algo que, de buenas a primeras, ya era excelente? Mantenlo simple y ofrece algo que pueda dar un poco más. ¡No hagas ningún cambio

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radical! De eso se trata exactamente la adición de la pantalla... Este agregado está sumado a la unidad de una sola pieza a través de tres pantallas de cinco pulgadas ubicadas por encima de la superficie de trabajo. La idea de hacer de esto una sola unidad tiene explicación: el NS7 ocupa mucho espacio y, tener una pantalla adicional por fuera del controlador lo haría aún más grande, y eso no es un beneficio a la hora de introducirlo en una cabina. Y, además, sería muy complicado para los DJs a la hora de conectar todos los cables correctamente. Aquí, la pantalla se puede encender y apagar, algo que ayuda al proceso de seteo. Tiene que estar conectada al deck principal, con un cable de energía y un USB. La extensión de la pantalla se alimenta de energía de la unidad y se conecta por USB. Además, tiene otro puerto USB para conectar algo externo. Ponerlo a punto no tarda tanto y está lejos de ser un proceso complicado. Una vez que está todo enchufado, llega el momento. Las pantallas despliegan información de ambos platos, mientras que la pantalla central muestra tu librería de temas y las ondas de sonido. Son las mismas que se utilizan en el ingenioso controlador NV, y funcionan excelente. EL color del display lo hace aún más sencillo y la información general que se muestra en las pantallas aparece en una manera clara y concisa. djmagla.com 101

TECH

VEREDICTO Calidad Facilidades de uso Funciones Precio-Calidad Calidad de sonido

9.0 9.0 9.0 8.0 9.0

VENTAJAS

Un increíble controlador que sigue desatando el factor diversión en el mundo del DJing digital. DESVENTAJAS

Todavía hay que enchufarlo a una computadora. ¡Y es pesado! EL NS7 de Numark es un controlador fascinante que ofrece a los DJs digitales la experiencia más cercana a la mezcla tradicional con sus platos motorizados, mientras la nueva pantalla enfoca tu atención puramente en la performance.

8.8

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Tienen un uso doble: si aprietas el botón de vista, se puede ver la información del software Serato DJ. Todo lo que usualmente aparezca en una laptop está aquí frente a tus ojos. La idea es que los DJs gasten menos tiempo mirando a la computadora y tengan más tiempo con sus manos a la obra –directamente, sobre el controlador. Ahí es donde algunas personas puedan tener algún problema con el concepto, ya que una laptop sigue siendo necesaria para poder hacer funcionar la maquinaria –a diferencia de la nueva Denon MCX8000, que tiene pantallas incorporadas y puede liberarse y usarse sin necesidad de enchufar una computadora. ¿Podría el NS7 III ser el mejor controlador de todo si tuviera esa misma función? Es un buen punto para debatir y, probablemente, algo que Numark pueda buscar en una revisión futura de su controlador de bandera. De cualquier manera, para muchos, es sólo una diversión. Algo que no nos pareció tan genial de las pantallas es que la del medio sólo muestra dos ondas sonoras. Si tú eres un DJ que utiliza el software de Serato con cuatro canales, deberás mirar la pantalla de la laptop para poder ver todas las ondas juntas. Esto es un pequeño

detalle negativo pero no influye demasiado –sólo es un poco molesto. Teniendo la información del software directo en las pantallas realemente permite enfocarse en tu rutina de DJ cuando utilizas las NS7 III. Este es un cambio con respecto a mirar siempre la laptop y ayuda a una performance más integral: pone todo en vista para que lo veas. Y hay buenas noticias para los DJs que ya tienen el NS7 II –la pantalla está disponible para comprar como un agregado. Los dueños del NS7 II no han quedado afuera de la fiesta. Un movimiento honesto de parte de Numark que no obligó a sus clientes a gastarse todo el dinero en renovar su controlador para tener lo útlimo y dejar el suyo obsoleto. Algo que suele ocurrir con otros fabricantes. El NS7 III es un gran controlador. Los platos motorizados siguen siendo excelentes para usar, los pequeños avances son bienvenidos –sin cambiar nada drástico- y la nueva pantalla definitivamente le da al controlador una nueva dimensión. Si bien no será el nuevo equipo estándar de todas las cabinas en el mundo, seguro peleará por ganar su lugar como el rey de reyes en el mundo de los controladores. n

TECH

PROCESO DE PRODUCCIÓN

Con más de diez años de experiencia en la producción musical, Matheo Velez, dueño del sello Deep Disco Music e integrante de E Label Music, nos explica qué debemos tener en cuenta a la hora de entrar al estudio a producir... BUSCAR INSPIRACIÓN No sólo la música electrónica logra provocar inspiración para crear sonidos en el mundo electrónico. También, hay que saber apreciar los diferentes elementos que nos pueden brindar otros géneros musicales.

ARMAR UN BUEN ESTUDIO HOGAREÑO Es muy importante saber qué problemas nos puede dar nuestro sitio de trabajo con el choque de frecuencias a la hora de hacer música. Actualmente, los estudios hogareños son los más comunes entre los productores de música electrónica y tenemos que acomodarnos a ese espacio y adecuarlo lo mejor posible. Por ejemplo, con trampas de bajos, paneles acústicos y otros métodos que puedan ayudar a disminuir estos problemas de forma efectiva.

UNA BUENA MEZCLA Una de la cosas más relevantes para hacer música es la mezcla. Esta es la que nos hace lograr el balance perfecto de frecuencias, niveles de volúmenes y de la ubicación de cada sonido en el panorama estéreo. Trabajar y aplicar los efectos de reverb funciona para darle esa espacialidad deseada a nuestro track, con unos delay, ecos y paneos, pero sin abusar de ellos. También, funciona aplicar procesos de compresión para darle la presencia deseada a cada uno de los sonidos presentes.

NO ESFORZARSE CUANDO NO HAY INSPIRACIÓN Muchas veces, tienes la disposición de sentarte a hacer música pero luego de probar varios sonidos o sintes, nada logra funcionar como quieres. Nunca debes forzar tu inspiración. Mejor descansa, busca inspiración por otro lado e intentar todo más tarde o al día siguiente.

HACER ALGO ÚNICO Nunca es bueno copiar a otros artistas o productores. Que sean referentes de inspiración no quiere decir que vamos a hacer la música igual a la de ellos. Crear nuestra propio estilo, hacer lo que nos sale del corazón y nuestra alma -en el momento- es lo mejor que se puede lograr como productor, sin imitar otros estilos musicales.

ECUALIZACIÓN Es importante ecualizar todo para equilibrar un sonido en la mezcla y corregir problemas en las grabaciones para modificar sonidos y darle cuerpo o sacar un sonido único.

MASTERIZACIÓN La masterización es el proceso que te ayuda a pulir detalles de mezcla en tus tracks, para darle un nivel aceptable y destacar aspectos del sonido que resulten atractivos mediante algunos procesos de producción. djmagla.com 103

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IMÁGENES EN SÍNTESIS Con el techno modular, los DJs y productores están saliendo de los límites en cuanto a producción, con la idea de hacer que las formas de trabajar sean más interesantes. DJ Mag acompañó al genio del techno Surgeon al local de London Modular para entender por qué más y más productores –no sólo en el techno- están incorporando elementos de síntesis modular a su sonido... Texto: ROB MCCALLUM

usto después de tocar en el festival Dekmantel en 2013, Surgeon se encuentra al lado del stage, paralizado viendo a Blawan y a Pariah que acaban de comenzar su improvisación en directo con modulares bajo el alias Karenn. Es sólo su segundo año con el proyecto pero ya tienen mucha demanda, tocando en festivales como Freerotation, Melt!, Amsterdam Dance Event y Berghain, entre muchas otras fechas. A medida que la pista enloquece con los sonidos industriales, el par está trabajando sobre el rack, llenos de cables y módulos frente a ellos. Ahí mismo, Surgeon se da cuenta que tiene que intentarlo por sus propios medios. El show en Dekmantel llegó al principio de la última resurrección de los sintetizadores modulares, con actos británicos como AnD, Ansome y DeFeKT viajando por toda Europa, y algunos pesos pesados del old school como Carl Craig incorporando elementos de síntesis modular a su música. El boom ha sido posible, en parte, a que los fabricantes hayan podido crear equipos más económicos y accesibles para los artistas que trabajan en su estudio. Y, en Gran Bretaña, hay un nombre que destaca por sobre el resto: London Modular.

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Como un colectivo de tres personas que incluye a Phil Ventre, Simon Lynch y Gavin Pykerman, se presentan como una mezcla entre un equipo de producción, promotores de eventos, una tienda y un lugar de reunión. Y con su base en la tienda de discos Vinyl Pimp en Hackney Wick, donde empezaron hace ya cuatro años, venden un rango cada vez más amplio de equipamientos modulares a una lista de clientes que incluyen a Surgeon, Boddika, Mumdance y Untold. Después de Dekmantel, Surgeon contactó a Blawan para que le de consejos sobre cómo empezar su recorrido por sintetizadores modulares. Como un simple cliente, este lo puso en contacto con London Modular. Sólo unas semanas después de ver a Karenn, Surgeon empezó a construir su propio rack y, a un mes de usarlo, comenzó a llevarlo con él en sus viajes. “Es tan emocionante escucharlo por primera vez en un sistema de sonido grande que te enloquece”, dice Surgeon, cuyo nombre real es Anthony Child, sobre esta tecnología, mientras se sienta frente a un mar de cables y luces titilantes en la tienda de London Modular. “Las cosas que Blawan sacaba de su set up eran algo increíble.

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ARQUITECTURA MODULAR Tres clientes de London Modular dan su opinión... Y es muy divertido de usar, también”, continúa. “La interpretación es una parte olvidada de hacer música, y yo pude redescubrirla a través de los modulares.”

MÓDULOS La tecnología de la que Child está hablando usa módulos separados especiales que no están conectados entre ellos, pero sí a una serie de parches que, linkeados entre ellos, crean una especie de sintetizador personalizado. Los módulos funcionan como señales de audio, para controlar el voltaje o filtros y para que los entusiastas puedan armar sus propios racks, asignando tareas o funciones especiales a cada módulo que elijan. La tecnología modular ha estado dando vueltas desde los primeros sintetizadores de Moog, por los años sesenta, pero cambió cuando Doepfer lanzó su modelo A-100 en 1995. El tamaño de la unidad, conocido como Eurorack, se convirtió en un estándar de la industria y permitió a los fanáticos construir sistemas más grandes usando módulos de diferentes fabricantes. Esencialmente, hizo explotar el mercado. La aventura de Child con los equipos modulares es familiar para los que utilicen prácticas similares. Atrapado en la rutina, se desesperó por cambiar la manera en la que producía. “Investigar nuevos caminos de hacer música es fundamental, para mí. La idea siempre fue ir hacia adelante y no quedar estancado.” Surgeon asegura que las opciones que le da su sistema modular son infinitas, desde poder grabar una improvisación y sumarle la percusión en Ableton después o manejar todo desde su Eurorack como una sola toma. “No hay restricciones para trabajar”, explica. “Puede que haya un método que me guste mucho pero después me canso porque no siento más esa frescura del principio. Pero, está bien, mientras la tecnología me permita continuar cambiando.” La demanda por los sintetizadores modulares de artistas buscando romper el molde en sus formas de trabajar sigue creciendo. Juno empezó a tener algunos módulos, al igual que Red Dog Music y Digital Village. Pero el espacio de London Modular, atrás de Vinyl Pimp, en el este de Londres, sigue siendo el único espacio físico del Reino Unido donde los novatos y los conocedores pueden pasar a probar los equipos antes de comprarlos. Y, habiendo empezado a necesitar un espacio más grande, acaban de firmar la cesión de un espacio de más de 400 metros cuadrados a unas cuadras de distancia. Ahí, esperan poder instalar un rincón para la creatividad, combinando la tienda con un cine y un espacio para eventos, un café y un estudio,

BODDIKA ¿Construyes todos los tracks con tu sistema o sólo lo utilizas en partes? “Cuando me metí pensé que era todo lo que necesitaba. Desde entonces, lo he incoroprado al resto del estudio. Principalmente, porque me gusta usar muchas máquinas diferentes. Es divertido alimentar con sintes externos, cajas de ritmos y otros equipos el sistema modular.” ¿Cambió tu manera de ver las cosas fuera del ámbito musical? “¡Lo principal que hizo por fuera de la música es que me está lastimando la billetera! Es, definitivamente, una adición.” ¿Cuál es tu módulo favorito en la actualidad? “Ahora mismo, un sintetizador modulador de frecuencias de ALM/Busy Circuits llamado Akemie’s Castle. Lo secuencio, hago el bombo, los bajos, las percusiones y otros sonidos. Es una bestia y lo recomiendo.”

MUMDANCE ¿Usas los modulares en vivo o en el estudio? “Ambos. Estoy por mejorarlo a uno de 24 unidades en el estudio y tengo uno de 6 que tiene los módulos que uso en vivo. Todavía no confío en poner electrónica tan costosa en los aviones y ese encaja perfecto en mi maleta.” ¿Por qué te cae bien el trabajo con sintetizadores modulares? “Disfruto el hecho de que sea interminable y pueda descubrir tantas cosas. Además, disfruto de lo físico que es enchufar los módulos y cablear todo el sistema, que cobra vida y se comporta de maneras extrañas e impredecibles.” ¿Qué opina tu otra mitad de tu sistema? “Ella siempre me ha apoyado con mi hábito de comprar hardware y la cantidad de tiempo que estoy en el estudio. Así que soy muy afortunado.”

ANSOME ¿Cuál es tu módulo favorito y cómo lo usas? “Ahora tengo 12 unidades para mi presentación así que es difícil elegir una sola cosa porque todo es muy instrumental. Podría elegir el Loquelic Iteratas de Noise Engineering que crea sonidos increíbles.” ¿Qué módulo inédito te emociona? “Tiendo a no saber nada de nuevo material hasta que ya ha sido lanzado y está agotado en todos lados. Igual, estoy emocionado con el nuevo SD-909 de Tiptop Audio.” ¿Qué ocurrirá con los modulares? “Hay tantas empresas y módulos ahora… Están haciendo todo lo que uno puede imaginarse y más. Es una montaña de inspiración y el simple hecho de comprar un solo módulo extra le da aire a todo tu equipamiento viejo.”

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CINCO ELECCIONES London Modular elige cinco fabricantes de Eurorack.

01. MUTABLE INSTRUMENTS

“Manejado por el genio francés Olivier Giller, Mutable es posiblemente el nombre europeo más grande. Sus módulos tienen corazones digitales. Esto significa que todo el rango está constantemente actualizado con mejoras del firmware.”

02. MAKE NOISE MUSIC

“El incredible éxito de su módulo compartido ha hecho que sea el nombre más grande en Norteamérica en relación a Euroracks. Sus módulos tienen una profundidad impresionante. Son sistemas bien pensados y abraza toda la filosofía Buchla de la Costa Oeste. Algo que es, básicamente, muy cool.”

03. NOISE ENGINEERING

“Estos tipos están haciendo un gran impacto con sonidos modulares únicos. Los nombres son un poco extravagantes pero que no por eso menos interesantes. El Loquelic Iteritas es una bestia. Como Make Noise, un sistema completo puede armarse utilizando sólo sus módulos.”

04. 4MS

“Nos llevamos un PEG –Pingable Envelope Generator- al Bloc Weekend este año y un tipo lo resumió de manera perfecta llamándolo “un módulo excelente para entretenerse”. Esto guarda relación con todo su equipo. Un simple contador puede crear patrones increíbles cuando se le suma el tratamiento de 4ms.”

05. MANNEQUINS

“Relativamente nuevo, Mannequins ofrece algo diferente con cada uno de sus módulos. Algunos lo encuentran extraño para usar pero nosotros no lo creemos así y es muy reconfortante una vez que le tomas la mano. Su reciente módulo Just Friends es hermoso. No hay Eurorack que suene así.”

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intentando convertirlo en un epicentro para que los entusiastas de los modulares se conozcan y compartan ideas. En su locación actual, el local de London Modular tiene lo que ellos describen como “potencialmente, miles” de unidades de más de 65 fabricantes diferentes. Este rango va desde compañías internacionales como Make Noise Music, que su sistema compartido -que incorpora una serie de módulos individuales a un rack pre armado- ha vendido más de cinco mil unidades hasta el momento de impresión de esta revista, a compañías de un solo hombre como Xaoc y la compañía para emprendedores Roll Your Own, que vende kits con las partes de los módulos en caja junto con las instrucciones para armarlos. “Se convirtió en una industria artesanal”, explica Child mientras observa los modulares frente a él. “Esa parte vino de la cultura hacker. A veces, algunos tienen trabajos relacionados con la electrónica y es una verdadera pasión para ellos, como entusiastas. No están creando productos para un mercado en masa así que pueden hacer cosas mucho más jugadas. Eso lleva a que la gente tenga ideas más innovadoras, lo que significa que puedes armar un instrumento de primera usando los módulos y haciéndolos sonar exactamente como tu quieres.”

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CINCO GRABACIONES MODULARES Elegidas por London Modular.

02. Delia Derbyshire ‘Love Without Sound’ (1969) 01. Atmospheric Sounds & Effects from The BBC Radiophonic Workshop ‘Out Of This World’ (1976)

“Uno de nosotros compró esto cuando era un adolescente, antes de saber qué era un modular. Al día de hoy, sigue sonando como si fuera del futuro.”

ESOTÉRICO Child a creado un fuerte lazo de amistad con el trío detrás de London Modular, desde la primera vez que visitó el local en 2013, gracias a sus recurrentes visitas que intentaban mantenerse al corriente de lo que ocurría en la escena. Hoy, está aquí para darles un feedback del último módulo que compró: el filtro espectral Three Sisters del Whimsical Raps de Mannequins que, asegura, es una de sus piezas favoritas. “Tiendo a asombrarme con las los equipos más extraños, más esotéricos”, dice Child sobre la unidad. “Pueden pasar tres sonidos por ella y los mezcla en una forma más que interesante.” El aspecto social de la escena modular fue, también, algo que sorprendió a Child. “Lo que primero me impactó fue la manera en que todos se apoyan y están abiertos a compartir ideas e información”, explica. “Yo estaba acostumbrado a que la gente se guarde sus conocimientos. Pero sentí una energía positiva de parte de todos en la escena. Algo realmente refrescante.” Además, dice que tener el local físico de London Modular es algo invaluable para él. “Hay tantas opciones que puede ser agotador, aunque estés en esto hace mucho”, asegura. Sin poder acceder a ese lugar físico, la única manera de ver un módulo en el que está interesado sería a través de un tutorial en Youtube. “Definitivamente, no es lo mismo”, sentencia. “Pero si puedo darme cuenta si un equipo es bueno a los segundos de probarlo.”

NOVATOS Servir como guía es algo que Phil Ventre, uno de los tres del colectivo de London Modular, disfruta mucho, ya que él sintió lo mismo que Surgeon cuando empezó a usar un Eurorack, cinco años atrás. “Es muy loco que, antes de que empecemos, el único lugar en el Reino Unido para aprender sobre modulares era internet”, destaca Ventre. “Había que comprar las cosas a ciegas y se trata de equipos muy costosos.” Asegura que guiando a la gente a comprar correctamente, London Modular ayuda a establecer intereses más extensos para los que empiezan a construir un Eurorack, colaborando a que tengan el equipo modular que pueda satisfacer sus necesidades. “Mucha gente puede rendirse rápido si no compran los equipos correctos o porque empiezan con algo súper complejo y no logran progresar”, explica. El trío usa Modular Grid con los novatos, para ayudarlos a construir un sistema que pueda cumplir con lo que necesitan. El consejo es, siempre, empezar simple con un par de módulos multi-función. “Una vez que se acostumbran a eso, pueden empezar a volver cada unos meses a sumar algo. De esa manera, un año más tarde, uno tiene un sistema más productivo”, explica. “Uno siempre

puede ver la diferencia cuando alguien ha estado hurgando en internet. Emparchan dos cables y lo reproducen por los altavoces y las sonrisas salen instantáneamente.” La filosofía para con los novatos es similar a su propia historia. Empezando con dos mesas en el fondo de Vinyl Pimp, el trío ha evolucionado hasta sacar el lanzamiento “Wireless” como London Modular Alliance, a través del sello discográfico ART Records de Kirk Degiorgio, a principios de este año. Han grabado un podcast para Bicep en julio y, actualmente, están planeando lanzamientos futuros a través de Dekmantel y del sello de Londres Broken Toys. Y los planes para el nuevo local señalan un futuro brillante para el uso de Euroracks en Gran Bretaña. “Si podemos crear el espacio para que la gente comparta ideas, que los fabricantes demuestren lo que sus equipos pueden hacer y que los músicos hablen sobre lo que hacen, entonces estamos definitivamente motivados a hacerlo”, explica Ventre. Asegura que recientemente pasaron Sub Focus y Doc Scott por el local, y espera ver cómo la fiebre modular se mete en el drum & bass que es tan fuerte allí. “Todo tiene que ver con la conexión entre la gente. Las ideas saldrán solas”, concluye. “Somos adictos y nunca me había sentido tan

“Una pieza verdaderamente viajera. Delia fue pionera en usar extraños métodos y tuvo un rol fundamental en el BBC Radiophonic Workshop. Su trabajo más conocido es el tema de Dr Who. Algo completamente adelantado a su tiempo.”

03. Anthony Rother ‘Sex with The Machines’ (1997)

“Este lanzamiento elevó la vara en los años noventa. Oscurísimo pero lleno de funk. No podemos confirmar si usó un modular aquí pero en muchos de sus trabajos lo hizo. Nuestro lado romántico dice que son secuencias del clásico Doepfer A-155.”

04. Alessandro Cortini & Don Buchla ‘Everything Ends Here’ (2010) “Esta es una pieza muy simple pero muy emocional. Alessandro lo tocó con Don Buchla, uno de los padres que tiene la síntesis modular moderna. Podría decirse que es uno de los principales impulsores de las corrientes modulares.”

05. London Modular Alliance ‘Wireless’ (2016)

“Con nuestro primer EP, intentamos demostrar cómo puede un modular adaptarse a diferentes estilos musicales, desde pasajes melódicos hasta material más extraño.”

emocionado como lo estoy ahora.” n

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TECH Technics SL-1200G

Textos y fotos: DANIEL LYNCH

EL REGRESO DE TECHNICS

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Después de seis años de parate, las aclamadas bandejas SL-1200 de Technics vuelven en busca del trono...

as bandejas Technics han sido un elemento fundamental en la industria musical, desde 1972. Tiene un diseño que nunca ha sido mejorado, e incluye la innovación más importante de la industria del vinilo: el motor direct-drive. Technics introdujo esta tecnología por primera vez en 1969 pero fue con la 1200s que ganó el reconocimiento que merecía. Este motor es el que permite a los DJs disminuir el tempo del track con los dedos -luego, cuando tus dedos sueltan, instantáneamente devuelve el track a la velocidad original a la que está siendo tocados. Se lanzaron originalmente para audiófilos especalistas pero, rápidamente, se convirtieron en las bandejas de elección para DJs. Esto fue, más que nada, gracias al control inmaculado y la certeza del motor direct-drive y a la segunda adición más importante en la historia del vinilo: el control de pitch. ¿Dónde estarían los DJs sin esa pequeña perilla de la derecha que permite alterar la velocidad del track un 8%?

Junto con una construcción que aparecía indestructible, era la única bandeja que valía la pena tener. Eran sólidas y el peso de estas podía generarle una hernia a cualquiera que las levante demasiado confiado. Technics ha sido parte de la vida de quien escribe desde la adolesencia y no era el único. Tres millones y medio de bandejas se vendieron, convirtiéndolas en las tornamesas más populares del mundo. Sin embargo, los tiempos han cambiado y con los avances de las CDJs y los formatos de audio digital como el MP3, la pelea en el mundo vinilos fue perdiendo fuerza -y nadie se impresionó, en 2010, cuando Technics anunció que descontinuaban la línea de su bandeja más popular. Una gran parte de la comunidad de DJs lloró por dentro pero todos sabíamos que era inevitable. Pero, en los últimos cinco años, el vinilo ha vivido una resurrección, gracias a los amantes de la música cansados de los archivos digitales

pequeños y comprimidos. Competidores como Pioneer DJ, Numark y Reloop, y la reciente reaparecida Vestax, han vuelto a los orígenes con nuevas unidades pero todos esperaban por la vuelta de las Technics, desde que se filtraron algunos rumores.

INGENIEROS Hay dos variantes de las bandejas en oferta: el SL1200G y la edición limitada por el 50 aniversario Grand Class SL-GAE -la que tenemos para revisar aquí en DJ Mag Tech- con sólo 1200 unidades creadas. Como en 1972, Panasonic las crea con la vista puesta en los audiófilos pero la conexión con el planeta DJ será inevitable. Quizás, el precio puede ser una barrera que ayude a que esa conexión no sean tan generalizada -el SL-1200GAE vale unos 3100 dólares. Primero, las buenas noticias: siguen siendo muy similares al 1200s. Hablando con el especialista djmagla.com 109

TECH VEREDICTO Calidad Facilidades de uso Funciones Precio-Calidad Calidad de sonido

9.0 9.0 8.0 6.0 9.0

VENTAJAS Un terminao perfecto con una sólida construcción. Sin dudas, es la mejor unidad que uno podría comprar. DESVENTAJAS El precio está, sencillamente, desorbitado. Los viejos maestros están de vuelta y no desilusionan. Aunque haya que vender un riñon para conseguir una bandeja.

8.2 de audio de Technics Jonathan Danbury, explicó que las herramientas originales y los moldes se habían perdido, roto o no existían más, así que tuvieron que volver a los tableros de diseño y empezar de cero. Los viejos ingenieros -muchos se habían retirado- fueron arrastrados nuevamente a la compañía para el rediseño. Aunque tenga la imagen clásica, casi todo fue mejorado, incluido el motor. El dispositivo direct-drive a prueba de balas ha sido rediseñado y ahora tiene que ver con algo que puede encontrarse en los reproductores modernos de Blu-Ray, haciéndolo más preciso que antes y eliminando el problema de los pequeños bachecitos en el sonido, causados por el viejo motor. Personalmente, no tuvimos ese problema pero los audiófilos más férreos se darán cuenta de esas pequeñeces. El plato en sí ha sido modernizado y ahora viene en tres secciones que incluyen una parte superior sólida y un compuesto de goma debajo -ayudando a la estabilidad y, una vez más, mejorando la performance sónica en general. Incluso el brazo de lectura fue mejorado, construido ahora a partir de una alineación de magnesio -y de aluminio en la serie G-, algo que ayuda a mejorar la salida del audio gracias a la auto amortiguación -ayudando a obtener un audio más claro. Lo único que queda original es el cobertor. Algo había que mantener para atrapar a los nostálgicos...

MÁS PESADO Ahora, las malas noticias son -además de su precio- que es más pesado. Y no sólo un poco: ¡5 kg más pesado! La edición limitada que DJ Mag Tech ha estado probando viene con un plato brillante y pulido de aluminio, a diferencia del gris ceniza al que todos estamos acostumbrados. Además, vemos que cambiaron la luz estroboscópica por un azul, en vez de rojo. Algo que, estéticamente, se siente más placentero. El rango de velocidad también fue agrandado, 110 djmagla.com

con una opción de 78 rpm que se selecciona presionando los botones de 33 y 45 juntos. La performance sonora está excelentemente pulida. Especialmente, en el fondo, con líneas de bajos cálidas y unos subs enriquecidos. Desde una perspectiva de DJ, el nuevo plato es notablemente pesado al tacto y el control de pitch tiene una respuesta increíble -demasiado sensible comparado al original. Es divertido que se estén distanciando del mercado de DJing y aún mantengan el control de pitch y le agreguen a esta pieza un botón de 2x -para poder duplicar el rango de pitch. Además, vale la pena notar que mantuvieron el brazo con su clásica forma en “s” y no hay versiones disponibles con un brazo recto -los DJs de scratch prefieren brazos rectos ya que mantienen mejor al disco y no se produce tanto movimiento. Casi todas las demás bandejas ofrecen brazos rectos. Sorprende que no hayan salidas digitales -un cable óptico o similar hubiera servido para conectarlo con algún amplificador, mientras que un USB hubiera permitido conectarlo a una computadora para grabar o transferir datos. Sólo presenta los cables estándar de RCA que, ahora, son completamente desmontables -al

menos, eso es un gran plus. En modelos previos, las conexiones de RCA estaban soldadas a la bandeja, con las conexiones de metal en forma de herradura rompiéndose frecuentemente. Como una herramienta de DJs, hace exactamente lo que uno esperaría con una unidad de Technics. Hay algunas preocupaciones: la función de 78 rpm nos sacó de la mezcla en varias ocasiones. Algunos DJs tienden a ajustar la velocidad usando esos botones y un doble apretón significa terminar en modo ardilla. El eje central es un poco más pequeño y esto hace un poco más difícil poner los dedos a la obra. En verdad, nuestra opinión no importa mucho. Las tiendas que las venden se encuentran en varios lugares del mundo. En Japón, por ejemplo, hubo 300 que se agotaron en media hora. El mercado DJ se interesará en las 1200s pero hoy hay un fuerte mercado que les dará pelea a precios más accesibles. ¿Puede que la recientemente anunciada SL-1210 sea pensada para DJs a un precio más accesible? El factor más importante es que los grandes maestros de la industria del vinilo vuelven al juego y eso sólo puede ser algo positivo. n

“Lo mejor del año fue la realización, el lanzamiento y la respuesta que recibí de mi nuevo álbum”, asegura Markus. El alemán lanzó “Watch The World” en abril de este año, luego de dos años de un proceso de lo más creativo. “Estoy orgulloso de saber que estoy en la misma frecuencia que mis fanáticos.”

HULZ C S S U K MAR

Es uno de los artistas más influyentes que tiene la escena del trance en el presente y esto le permite relajarse un poco a la hora de viajar. “Últimamente, estoy tratando de quedarme más días en las ciudades que visito. Me da la oportunidad de conocer más de las culturas locales y disfrutar más”, explica. Ocupado en la búsqueda de remixers para los tracks de su último álbum y en nuevas producciones para su alias Dakota, nos regala sus siete de la suerte. Texto: HERNÁN PANDELO

¿Cuál es el track que te recuerda a tu juventud? “‘Planet Rock’ de Soulsonic Force. Este fue, probablemente, el momento definitivo que hizo que me enamore del breakdance. Y fue lo que me hizo meterme lentamente en el DJing. Cuando mi grupo de amigos empezó a organizar las fiestas de breakdance, este tema era el que yo siempre quería escuchar.” ¿Cuál fue el primer disco que compraste? “Fue ‘More Bounce to the Ounce’ de Zapp & Roger. Lo compré unos años después de que se lanzó pero sigue siendo muy valorado por mí, al día de hoy. Un poco similar a ‘Planet Rock’… me recuerda a mis años en los que viajé desde Alemania hasta los Estados Unidos y me metía lentamente en aquella escena. No estoy seguro de si ahora puedo disfrutarlo tanto como lo hacía en ese entonces.” ¿Qué cosas fuera de la electrónica te gustan? “Algunos se sorprenden cuando aseguro que mis principales influencias son del rock clásico. Bandas como Pink Floyd, Led Zeppelin, ELO y Manfred Mann. ‘The Dark Side Of The Moon’ de Pink Floyd es el álbum más importante de mi vida. Me gusta pensar que el mantra de mi carrera está basado en lo que ellos hacían. Todos iban por un lado y ellos por el contrario. En el presente, tomo influencias de bandas como U2 o Coldplay.” ¿Cuál es la canción que te hace llorar? “‘Stairway To Heaven’ de Led Zeppelin. La guitarra, la letra… todo es especial. Creo que es uno de esos tracks que inspiran a las personas a ser parte de una banda algún día y es tiene mucho valor en mi educación musical de cuando era niño. Es una de esas piezas musicales que uno estudia y trata de entender cómo funcionan los diferentes segmentos musicales cuando se combinan.” Y, últimamente, ¿qué álbum estás escuchando? 112 djmagla.com

“El álbum nuevo de Sasha, ‘Scene Delete’. Él es uno de los más grandes contribuyentes de nuestra escena y sigue innovando, a pesar de haber estado presente por más de dos décadas. Muchos de ustedes deben saber que cada verano presento un set especial de atardecer en mi transmisión de Global DJ, con una colección de tracks hermosos y más atmosféricos. Cuando escuché Scene Delete por primera vez, inmediatamente supe que quería el track ‘Vapour Trails’ para usar en la intro.” ¿Cuál es la canción en tu colección que más adoras? “Debe ser ‘Perception’ de Cass & Slide. Salió cuando yo estaba viviendo en Londres e iba todas las semanas al HMV para encontrar vinilos. Junto con vivir en el Coldharbour Lane de Brixton y adquirir influencias de varios productores en sus estudios, iba regularmente a las noches en Turnmills –lo que hoy es The Gallery- y Ministry Of Sound. Además de todas estas influencias, siempre resonó en mi este track. Un año después, cuando le agregaron las vocales de Naimee Coleman, se terminó de ubicar primero en mi lista de favoritos de todos los tiempos. El tema que quisiera haber creado yo. Y, afortunadamente, tuve la oportunidad de rendirle homenaje al original con mi propia versión en el álbum ‘Do You Dream’, con la increíble voz de Justine Suissa. La letra es increíblemente conmovedora y poderosa. El slogan ‘levantémonos juntos’ –‘rise up together’- es un mensaje para todos.” ¿Cuál es tu track favorito de todos los tiempos?

“El tema de los Pet Shop Boys, ‘West End Girls’. Es un tema tan lindo que toca mi alma. Una de las mejores líneas de bajos que he escuchado en una pieza musical, y los pads son hermosos también. Cuando aparece el saxofón, me derrito. Creo que ha sido influyente para mucha gente del mundo electrónico. Estaba muy adelantado a su tiempo.” u