DJ MAG LA 001

001 DJMAGLA.COM

ULTRA MUSIC FESTIVAL BUENOS AIRES

Los artistas que van a llegar a la tercera edición del festival...

DJ MAG LATINOAMÉRICA

HARDWELL JOHN DIGWEED PAUL VAN DYK FERRY CORSTEN SHOWTEK GUY J W&W Y MÁS...

UMEK PROFETA EN SU TIERRA DIMITRI VEGAS & LIKE MIKE DIFUNDIENDO LA LOCURA UNER AL NATURAL

XCLUSIVA E A T IS V E R T EN A IBIS C H R U S S E L L FS A K O F F A D A M R U Sdetrás de Ultra.

LOS MOMENTOS DE GUY MANTZUR

Los cerebros

EL METEÓRICO ASCENSO DE ADAM ELLIS

No. 001 Febrero 2014

EL VERANO LATINOAMERICANO Estuvimos en Playa del Carmen - México Punta del Este - Uruguay Mar del Plata - Argentina San Pablo - Brasil, San Salvador - El Salvador Santiago de Chile - Chile.

Argentina $39.90 // Colombia $12.000 // Chile $3.300 // Uruguay $130 // El Salvador C52

BELTEK SIGUE SU CAMINO

Ecuador 367 piso 13 oficina A - CP: 1214 Ciudad Autónoma de Buenos Aires Buenos Aires - Argentina

Editorial +54 11 4778 1500 Director de Proyecto B A N Dirección Nicolás Barlaro, Pety Peltenburg Editor Hernán Pandelo hernanp@dgmagla.com Web Alejandro Ramos aleramos@dgmagla.com

Comercial Relaciones Institucionales Gustavo Rana gustavorana@djmagla.com Relaciones Internacionales Cristian Caseb cristian@djmagla.com

¡YA LLEGAMOS!

Publicidad y Comercial Belén Casas info@djmagla.com Producción de Eventos Roberto Fernández rfernandez@djmagla.com

Luego de dos años consolidando la marca, decidimos lanzar la primera edición impresa de DJ Mag Latinoamérica y llevar al papel todo el crecimiento que vivimos en la región. Motivado

Diseño Grupo MDP S.A. mdp@loaded.vg

por una fuerte globalización de la música electrónica, el

Coordinación General Maximiliano Peñalver

sector latinoamericano no para de engrosar su calendario de

Director de Arte Daniel Herbón

eventos, multiplicando la llegada de artistas internacionales

Diseño y Diagramación Emiliano Martínez, Gonzalo Ballina

semana a semana y dándole ruedo a, cada vez más, artistas

locales.

Con esta consolidación de los países latinoamericanos en el circuito internacional, mediante el desarrollo constante de las escenas de Argentina, Chile, Colombia, Uruguay, Brasil, México y El Salvador, más otras que parecen emerger como Perú, Ecuador o Guatemala, entre muchas otras, la región se posiciona de manera cada vez más favorable y no muestra signos de retardar la marcha.

Acompañando esta evolución, llegamos con el objetivo de

Agradecimientos Adrián de Bernardi, Carlos Gómez, Cristian Paredes, Damián Pinto, Demi Vecchio, Diego Romero, Eddy Karmona, Elio Riso, Enrique Ponce, Facundo Rodríguez, Fernando Kriete, Fram Paez, Gonzalo Cirulli, Guido Weijerman, Henno Dambrink, Ian Hindmarsh, Jasper Wagenmans, JM Knoopper, Juani Vender, Laura Bertora, María Barlaro, Mariana Erramouspe, Martin Carvell, Mika Aracil, Nicolás Basaure, Paola Nos, Pedro del Buono, Russ y Adam, Tim Smeets, Tommy Jacobs, Agustín Festa, Nicolás Festa.

Especialmente agradecido a David Lewis.

apoyar a nuestros artistas latinoamericanos y expandir

Pre prensa e impresión

nuestra escena, construyendo un nuevo espacio de calidad

Latingráfica - latinos@latingrafica.com.ar

en el que podamos dejar inmortalizado el momento en el que

Rocamora 4161 - Ciudad Autónoma de Buenos Aires.

nos encontramos.

Buenos Aires - Argentina

HERNÁN PANDELO Editor

DJ MAG LATINOAMÉRICA es una publicación de Paste S.A. Todas las notas firmadas son opinión de sus respectivos autores. Se prohíbe la reproducción total o parcial de esta revista, sin previa autorización por escrito de Paste S.A. Los avisos comerciales de esta revista son responsabilidad exclusiva de los respectivos anunciantes. All the brands and/or product names and artwork are trademarks or registered trademarks of their owners. Todas las imágenes y marcas reproducidas en esta revista son Copyright de sus respectivos autores o compañías y aparecen aquí por motivos exclusivamente periodísticos.

DJ MAG LATINOAMÉRICA número 001 - Impresa en Argentina, Febrero de 2014.

004 djmagla.com

Contenido 18 YO SOY HARDWELL

El artista del momento regresa a Ultra Buenos Aires.

22 VIVIENDO EL PRESENTE La actualidad de John Digwweed.

24 DESDE CERO

Paul Van Dyk y sus más de 20 años al mando de la escena trance.

26 AMOR INCONDICIONAL

Enamorado de Argentina, Guy J continúa agrandando su figura.

28 DOMINANDO ESCENARIOS Los chicos de W&W y su excelente 2013.

30 A EXPLORAR EL MUNDO

Sebastian Mullaert decidió seguir su camino en solitario.

32 UN VIEJO CONOCIDO

Ferry Corsten vuelve a la Argentina...

34 TECHNO A LA CARTA

El techno y la comida, las dos pasiones de Len Faki.

35 DUROS DE DOMAR

Showtek llega a la Argentina por primera vez.

36 LOS CREADORES

Detrás del Ultra Music Festival.

38 AL NATURAL

Uner lanza su álbum debut “Tune 432” en Diynamic.

40 DIFUNDIENDO LA LOCURA Dimitri Vegas & Like Mike se disponen a conquistar el mundo.

42 PROFETA EN SU TIERRA

Umek quiso ser DJ y tuvo que crearse el camino en su Eslovenia natal.

¿Qué está pasando?

6 GRAMMYS, ASOT Y MÁS

Índice

18

8 EL 2013 DE CHILE, EL

DESARROLLO DE UNA ESCENA

10 SOUL & SENSES: DE CHILE AL MUNDO

12 BRILLA COLOMBIA 13 EL CLÁSICO 14 ULTRA EUROPA

En la pista 60 “AOKIFY” PASÓ POR EL SALVADOR

62 BPM FESTIVAL 64 ¡ENTER EN EL MARQUEE! 66 LA DEFINICIÓN DE SÚPER CLUB 68 A TODA COSTA 72 UN NUEVO FESTIVAL DE ARTES ELECTRÓNICAS EN LONDRES

76 ANZU

42

24

40

77 PUNTA DEL ESTE

Tech 80 EN EL ESTUDIO CON SOLOMUN 84 TRAKTOR KONTROL X1 MK2 86 SUPERSÓNICO 94 GEMINI

68

97 SONOS

46 LOS MOMENTOS DE GUY MANTZUR

El álbum debut de Guy Mantzur en el sello de Hernán Cattaneo.

48 UNA BÚSQUEDA INTERMINABLE

Danny Howells no desapareció.

52 UN ASCENSO METEÓRICO

El notable y explosivo éxito del inglés Adam Ellis.

98

54 EL CONSQUISTADOR

Jimmy Van M y su importancia en la historia de la música electrónica.

58 SIGUE SU CAMINO

Firme en cada paso, Beltek no para de crecer.

98 LUCKY SEVEN

Ali Love nos cuenta qué canciones influyeron en su vida.

84

94 djmagla.com 005

¿QUÉ ESTÁ PASANDO? Todo lo que tenés que saber...

EN TRANCE

El tour por los 650 episodios de ASOT llegará a Buenos Aires y Santiago de Chile.

CON el lema ‘Nuevos Horizontes’ la marca liderada por el holandés Armin Van Buuren llegará a las ciudades sudamericanas para celebrar una historia que ya lleva más de 13 años. La celebración de los 650 episodios de “A State Of Trance” tendrá lugar en Chile por primera vez, el 28 de febrero. La cita se dará en el Espacio Broadway de la capital chilena y se podrán de disfrutar las performances de Aly & Fila, Armin Van Buuren, Dash Berlin, Orjan Nilsen y Tomas Heredia. Esta será la primera vez que el pueblo chileno podrá disfrutar de uno de los festejos del radioshow más famosos del mundo.

Por su parte, Buenos Aires fue elegido, por segunda vez, para convertirse en una de las sedes que verán el desembarco del gigantesco tour del ASOT 650.

Con lugar en la Ex Ciudad Deportiva de la Boca, el pueblo argentino podrá disfrutar nuevamente de un evento de estas características, tal como lo había 006 djmagla.com

vivido en abril del 2011, cuando la celebración del ASOT 500 se hizo presente en el estadio de G.E.B.A. Casi 3 años después, el show volverá guiado por los divertidos ‘cadets’ del ASOT con un line up envidiable que tendrá las presencias de Aly & Fila, Armin Van Buuren, Chris Schweizer, Dash Berlin, Heatbeat, Orjan Nilsen y Ruben de Ronde.

Los ‘Nuevos Horizontes’ que propone la celebración giran en torno a las mascotas del “A State Of Trance”, esas criaturas pequeñas que, llegadas desde el espacio exterior, buscan la forma de expandir sus horizontes y conquistar la mayor cantidad de ciudades posibles al rededor del mundo entero.

De esta manera, se sumarán las dos ciudades sudamericanas con mayor movimiento electrónico de la actualidad a otros puntos exóticos de todo el mundo donde ya ha pasado esta celebración.

Abriendo el camino en Moscú (Rusia) el 30 de enero,

pasando por las ciudades de Almaty (Kazajistán), Ekaterimburgo (Rusia) y la gigantesca presentación en Utretch (Holanda) -con cuatro escenarios e interesantísimas presentaciones en conjunto, como las de Aly & Fila junto a John O’Callaghan o Ferry Corsten junto a Markus Schulz bajo su alias New World Punx, y la representación sudamericana de la mano del colombiano KhoMHa-, el “A State Of Trance” aterrizará en Sudamérica con dos imponentes celebraciones para luego partir hacia Kuala Lumpur (Malasia) y Yakarta (Indonesia) y finalizar, el 30 de marzo, inmerso en el Ultra Music Festival que año a año se celebra en la ciudad de Miami en los Estados Unidos.

Así, los sudamericanos tendremos la oportunidad de vivir una de los festejos más importantes del mundo de la música electrónica. Así, quedaremos en estado de trance…

¡LA ELECTRÓNICA PISÓ FUERTE EN LOS GRAMMYS! Daft Punk se llevó los cinco galardones en los que competía.

CON sus típicos cascos puestos, Thomas Bangalter y Guy-Manuel de Homem-Christo fueron los artistas que más destacaron en la 56° edición de los Grammys. Además de ganar con el single “Get Lucky” las categorías de “Mejor Tema del Año” y “Mejor Performance Pop”, su álbum “Random Access Memories” les significó tres celebraciones más en las categorías “Mejor Álbum Dance”, “Mejor Ingeniería de Sonido” y, el más importante, “Mejor Álbum del Año”. De esta manera, el legendario dúo sumó 5 Grammys más a los conseguidos en 2009 con su álbum “Alive 2007” y su single “Harder Better Faster Stronger” y, además, se convirtió en el primer trabajo de música electrónica en alzarse como “Mejor Álbum del Año” en la categoría general.

Sumado a estas grandes noticias, Daft Punk se presentó en el escenario junto a Nile Rodgers y

Pharrel Williams, ambos ganadores junto a los franceses por su participación en “Get Lucky”, tema con el que empezaron su tan esperada presentación en vivo. Sumado a ellos, Stevie Wonder emocionó a todos cantando junto a Pharrel Williams y los robots le pusieron un poco de energía a la performance agregando algunos de sus clásicos en medio del emocionante show, acompañados de un predio lleno de famosos que bailaban al son de “Get Lucky”. Un momento muy lindo para los que nos emocionamos al ver la electrónica tan firme en lo más alto. La canción electrónica del año fue “Clarity”, obra de Zedd junto a la voz de Foxes. El galardón al mejor remix quedó en manos de Cedric Gervais por su remezcla del “Summertime Sadness” de Lana del Rey.

TOMAS HEREDIA lanzó “Memories of You” en el sello Aropa. Una excelente producción de uplifting trance que vio la luz en el sello de DASH BERLIN el 3 de febrero y sigue manteniendo al joven argentino en lo más alto de la escena trance. Otro de los Tomas Heredia representes argentinos volvió a lanzar música en Armada. Es CHRIS SCHWEIZER y el pasado 27 de enero lanzó sus producciones “Phoenix” y “The Secret” en Captivating Sounds, una de las plataformas de Armada Music...El colombiano KHOMHA editó “Vapor EP” en el sello Coldharbour de su mentor MARKUS SCHULZ. El trabajo cuenta con cuatro tracks originales y sus respectivos Chris Schweizer edits… El sello argentino Unique Community editó, en su quinta referencia, una compilación con tracks de artistas como GABRIEL FERREIRA, BODELER, JUAN ZOLBARAN, ARIEL RODZ, DIEGO CID Y MEKAS, entre otros…

SEPH, otro integrante de la comunidad Unique, remixó “Greenpass” de DAVID DURANGO, en un EP que vio la luz el 27 de enero en el Khomha sello Surface. Forward Music lanzó un compilado que incluye canciones de SOUND PROCESS, MARIANO MELLINO, MAXI DEGRASSI y MARCELO VASAMI llamado “Progressive Collection Vol. 3”. LUIS BONDIO remixó “Sense of an Ending” de Scotty.A para el sello Proton Music. El argentino GUTI remixó “Who Will Comfort Guti Me”, de Wally Callerio y Poncho Warwick, para el sello DFTD, propiedad de Defected. FOSKY colaboró junto al alemán SABLE SHEEP en el track Barricades of Nowhere que salió en “Barricades EP” en el sello Moon Harbour Recordings. Los chilenos FELIPE VALENZUELA y MARCELO ROSSELOT fueron incluidos Felipe Valenzuela en la compilación “Tech House Sektor” del sello Achterdeck.

ELIO RISO lanzará

Gabriel Ferreira

un nuevo EP titulado “La Passione” en el sello de STACEY PULLEN, Blackflag Recordings, con remixes de NACHO CASCO y Chris VON NUNCHAKU.

djmagla.com 007

¿QUÉ ESTÁ PASANDO? Todo lo que tenés que saber...

EN TRANCE

El tour por los 650 episodios de ASOT llegará a Buenos Aires y Santiago de Chile.

CON el lema ‘Nuevos Horizontes’ la marca liderada por el holandés Armin Van Buuren llegará a las ciudades sudamericanas para celebrar una historia que ya lleva más de 13 años. La celebración de los 650 episodios de “A State Of Trance” tendrá lugar en Chile por primera vez, el 28 de febrero. La cita se dará en el Espacio Broadway de la capital chilena y se podrán de disfrutar las performances de Aly & Fila, Armin Van Buuren, Dash Berlin, Orjan Nilsen y Tomas Heredia. Esta será la primera vez que el pueblo chileno podrá disfrutar de uno de los festejos del radioshow más famosos del mundo.

Por su parte, Buenos Aires fue elegido, por segunda vez, para convertirse en una de las sedes que verán el desembarco del gigantesco tour del ASOT 650.

Con lugar en la Ex Ciudad Deportiva de la Boca, el pueblo argentino podrá disfrutar nuevamente de un evento de estas características, tal como lo había 006 djmagla.com

vivido en abril del 2011, cuando la celebración del ASOT 500 se hizo presente en el estadio de G.E.B.A. Casi 3 años después, el show volverá guiado por los divertidos ‘cadets’ del ASOT con un line up envidiable que tendrá las presencias de Aly & Fila, Armin Van Buuren, Chris Schweizer, Dash Berlin, Heatbeat, Orjan Nilsen y Ruben de Ronde.

Los ‘Nuevos Horizontes’ que propone la celebración giran en torno a las mascotas del “A State Of Trance”, esas criaturas pequeñas que, llegadas desde el espacio exterior, buscan la forma de expandir sus horizontes y conquistar la mayor cantidad de ciudades posibles al rededor del mundo entero.

De esta manera, se sumarán las dos ciudades sudamericanas con mayor movimiento electrónico de la actualidad a otros puntos exóticos de todo el mundo donde ya ha pasado esta celebración.

Abriendo el camino en Moscú (Rusia) el 30 de enero,

pasando por las ciudades de Almaty (Kazajistán), Ekaterimburgo (Rusia) y la gigantesca presentación en Utretch (Holanda) -con cuatro escenarios e interesantísimas presentaciones en conjunto, como las de Aly & Fila junto a John O’Callaghan o Ferry Corsten junto a Markus Schulz bajo su alias New World Punx, y la representación sudamericana de la mano del colombiano KhoMHa-, el “A State Of Trance” aterrizará en Sudamérica con dos imponentes celebraciones para luego partir hacia Kuala Lumpur (Malasia) y Yakarta (Indonesia) y finalizar, el 30 de marzo, inmerso en el Ultra Music Festival que año a año se celebra en la ciudad de Miami en los Estados Unidos.

Así, los sudamericanos tendremos la oportunidad de vivir una de los festejos más importantes del mundo de la música electrónica. Así, quedaremos en estado de trance…

¡LA ELECTRÓNICA PISÓ FUERTE EN LOS GRAMMYS! Daft Punk se llevó los cinco galardones en los que competía.

CON sus típicos cascos puestos, Thomas Bangalter y Guy-Manuel de Homem-Christo fueron los artistas que más destacaron en la 56° edición de los Grammys. Además de ganar con el single “Get Lucky” las categorías de “Mejor Tema del Año” y “Mejor Performance Pop”, su álbum “Random Access Memories” les significó tres celebraciones más en las categorías “Mejor Álbum Dance”, “Mejor Ingeniería de Sonido” y, el más importante, “Mejor Álbum del Año”. De esta manera, el legendario dúo sumó 5 Grammys más a los conseguidos en 2009 con su álbum “Alive 2007” y su single “Harder Better Faster Stronger” y, además, se convirtió en el primer trabajo de música electrónica en alzarse como “Mejor Álbum del Año” en la categoría general.

Sumado a estas grandes noticias, Daft Punk se presentó en el escenario junto a Nile Rodgers y

Pharrel Williams, ambos ganadores junto a los franceses por su participación en “Get Lucky”, tema con el que empezaron su tan esperada presentación en vivo. Sumado a ellos, Stevie Wonder emocionó a todos cantando junto a Pharrel Williams y los robots le pusieron un poco de energía a la performance agregando algunos de sus clásicos en medio del emocionante show, acompañados de un predio lleno de famosos que bailaban al son de “Get Lucky”. Un momento muy lindo para los que nos emocionamos al ver la electrónica tan firme en lo más alto. La canción electrónica del año fue “Clarity”, obra de Zedd junto a la voz de Foxes. El galardón al mejor remix quedó en manos de Cedric Gervais por su remezcla del “Summertime Sadness” de Lana del Rey.

TOMAS HEREDIA lanzó “Memories of You” en el sello Aropa. Una excelente producción de uplifting trance que vio la luz en el sello de DASH BERLIN el 3 de febrero y sigue manteniendo al joven argentino en lo más alto de la escena trance. Otro de los Tomas Heredia representes argentinos volvió a lanzar música en Armada. Es CHRIS SCHWEIZER y el pasado 27 de enero lanzó sus producciones “Phoenix” y “The Secret” en Captivating Sounds, una de las plataformas de Armada Music...El colombiano KHOMHA editó “Vapor EP” en el sello Coldharbour de su mentor MARKUS SCHULZ. El trabajo cuenta con cuatro tracks originales y sus respectivos Chris Schweizer edits… El sello argentino Unique Community editó, en su quinta referencia, una compilación con tracks de artistas como GABRIEL FERREIRA, BODELER, JUAN ZOLBARAN, ARIEL RODZ, DIEGO CID Y MEKAS, entre otros…

SEPH, otro integrante de la comunidad Unique, remixó “Greenpass” de DAVID DURANGO, en un EP que vio la luz el 27 de enero en el Khomha sello Surface. Forward Music lanzó un compilado que incluye canciones de SOUND PROCESS, MARIANO MELLINO, MAXI DEGRASSI y MARCELO VASAMI llamado “Progressive Collection Vol. 3”. LUIS BONDIO remixó “Sense of an Ending” de Scotty.A para el sello Proton Music. El argentino GUTI remixó “Who Will Comfort Guti Me”, de Wally Callerio y Poncho Warwick, para el sello DFTD, propiedad de Defected. FOSKY colaboró junto al alemán SABLE SHEEP en el track Barricades of Nowhere que salió en “Barricades EP” en el sello Moon Harbour Recordings. Los chilenos FELIPE VALENZUELA y MARCELO ROSSELOT fueron incluidos Felipe Valenzuela en la compilación “Tech House Sektor” del sello Achterdeck.

ELIO RISO lanzará

Gabriel Ferreira

un nuevo EP titulado “La Passione” en el sello de STACEY PULLEN, Blackflag Recordings, con remixes de NACHO CASCO y Chris VON NUNCHAKU.

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¿QUÉ ESTÁ PASANDO?

¿QUÉ ESTÁ PASANDO? un artista de música electrónica como Deadmau5 para un live en uno de los escenarios exteriores reservados, hasta ese momento, para bandas de los estilos que son el fuerte del evento. También debemos considerar a Primavera Fauna, un festival de factura 100% nacional que mantiene la constante de incluir en su parrilla a un alto porcentaje de artistas de música electrónica en sus variantes más alternativas. Aquí nos encontramos con los nombres de Cut Copy, The Twelves, Moon Boots, DJs Pareja y uno de nuestros embajadores en el extranjero, Matias Aguayo y su inmejorable performance junto al proyecto ‘Mostro’. Mención especial es la que merecen las alternativas ofrecidas por las ediciones del pasado año de los festivales de origen local, como son los ya clásicos Quinto Sol y Montemapu, que han elevado por años la bandera de lucha del movimiento EDM nacional.

Los medios especializados también han tenido una destacada participación durante el año que ya terminó. En formato digital, encontramos la versión local de una de las marcas más importantes que se relacionan con la música electrónica a nivel internacional como es DJ Mag. El magazine ha visto un importante incremento de sus lectores en el país gracias a la periódica actualización de sus contenidos y el apoyo a presentaciones de artistas del primer orden. Notable temporada tuvo, también, el sitio especializado Mute Control, un website que, gracias a entrevistas a nombres relevantes y a su variada producción de podcasts, ha logrado una progresiva consolidación en 2013. Tranceworld, desde la trinchera del trance, también aportó su cuota de trabajo profesional para nuestra cada vez más generosa y activa escena. El a estas alturas “legendario” Panoramas Online, el siempre bien informado blog Agenda Electrónica y la frecuencia de Radio Pulso, también finalizaron el año con un gran trabajo en lo que a difusión se refiere. Variables importantísimas que hacen posible la expansión de la música electrónica en Chile a un rango cada vez más amplio.

EL 2013 DE CHILE, EL DESARROLLO DE UNA ESCENA. Sin lugar a dudas, el 2013 cerró como uno de los años con mayor desarrollo en la historia de la música electrónica en Chile debido, principalmente, a la masividad lograda con los cada vez más constantes e importantes eventos realizados, la consolidación de medios especializados y el crecimiento que han tenido los productores y DJs locales.

Ya lejanos se ven aquellos días en que sólo nos enterábamos, con sana envidia, que lo más selecto de la escena internacional pasaba por las cabinas de nuestros vecinos como Argentina, Perú y Brasil mientras que, a los fanáticos del país, sólo les quedaba conformarse con visitas esporádicas y, generalmente, de limitada convocatoria. Ese panorama cambió notablemente en los últimos años y se hizo más latente en 2013, período que nos entregó un centenar de DJ sets y live acts de inmejorable calidad, con énfasis en los festivales especializados y, también, aquellos que incluyen un 008 djmagla.com

segmento de música electrónica dentro de su line up global.

Si hablamos de los festivales que destacaron en 2013, debemos mencionar el importante debut que tuvo en Chile el Ultra Music Festival, espectáculo que revolucionó la escena, con su propuesta innovadora y un cartel de lujo las dos noches en las que se llevó a cabo. La continuación de la versión local de UMF se encuentra asegurada para 2014 incluyendo, además, la realización de un evento previo denominado Road To Ultra Chile. Otro actor relevante del año pasado fue Creamfields Chile que, en esta última edición, celebró su décimo aniversario en el país con una masiva fiesta. Así, dejó en claro que la marca británica es, hoy por hoy, un clásico en el circuito nacional de música electrónica, siempre de la mano de la productora Street Machine, responsable de haber movilizado la temporada que pasó con la sexta edición de Sensation White -que anunció un receso para 2014- y la tercera

de Mysteryland, junto con la llegada, por primera vez a nuestro territorio, del esperado The Sound of Q-Dance.

Sólo gracias a estos cuatro eventos, pudimos disfrutar de los shows de nombres como Underworld, Steve Angello, Luciano, Above & Beyond, Sven Vath, Maceo Plex, Nic Fanciulli, Hardwell, Afrojack, Marco Carola, Armin Van Buuren, Carl Cox, Avicii, Dash Berlin, UMEK, Nina Kraviz, Alex M.O.R.P.H., Fedde Le Grand, Mark Knight, Chuckie y Zatox.

Un aporte indirecto que repercutió en el ascenso de la música y cultura electrónica en Chile, fue el que realizó la tercera edición local de Lollapalooza, que nuevamente apostó fuerte con su stage dedicado a los beats de alto impacto, presentando artistas como Kaskade, Diplo, Porter Robinson, Stevie Aoki, DJ Marka y los chilenos Daniel Klauser y RVSB, entre otros. Todos ellos le reportaron a la organización una contundente respuesta del público que se tradujo en un lleno total, sumado a la apuesta de presentar, por primera vez, a

Gigamesh, Paolo Mojo, Yousef, Booka Shade, Richie Hawtin, Midnight Juggernauts, James Zabiela, Cosmic Gate, Nick Curly, Pig & Dan, Pan Pot, Danny Tenaglia, Kevin Saunderson, Technasia y Carl Craig, entre muchos otros.

El 2013 fue un año espectacular en cuanto al movimiento de la escena electrónica en Chile. Algo que era inimaginable hace no muchos años atrás y que indica, para este año que recién comienza, otra temporada muy favorable para todos los amantes de este maravilloso género musical plagado de beats, groove y sensaciones. Eso sí, algo aún queda en el debe de esta escena chilena. Algo que el año pasado se hizo más latente: la cultura electrónica de “las grandes masas”. Si bien se estableció una

importante paleta de alternativas para ir absorbiendo conocimientos y sonidos, todavía se mantiene una negativa tendencia, por lo menos en los eventos que convocan a una mayor cantidad de gente, hacia el desinterés por lo que realmente significan las fiestas o festivales, el nulo respeto por los artistas y el trabajo que entregan. Aquel antiguo concepto conocido como “P.L.U.R.”, hoy en día está absolutamente fuera de foco y lleva, a un gran porcentaje de los asistentes a cada evento, a creer que “sólo hay que estar ahí” sin importar el por qué. A pensar, de manera incorrecta, que ellos son el centro de la atención y no, como debe ser realmente, la música y los artistas. Esto es, sin dudas, algo a mejorar.

Es parte del desarrollo y el aprendizaje por lo que, en algún momento, debería cambiar, al igual que cambió el aislamiento que tuvo a Chile, muchas veces apartado de la escena electrónica internacional.

Los productores y DJs locales también crecieron en 2013, con cada vez más producciones destacadas en plataformas especializadas como Beatport y Resident Advisor. Fabian Argomedo, Soul & Senses, Felipe Valenzuela, Román & Castro, Alejandro Paz y el cada vez más trascendental Luciano, han hecho del sonido con sabor chileno algo reconocible en cualquier parte del planeta. Algo que, de paso, les ha permitido tener un lugar cada vez más importante en los diferentes escenarios a los que son invitados. El mayor ejemplo lo encontramos en Luciano, quién se convirtió en el primer artista chileno en presentarse en el inmenso festival Coachella.

Cada fin de semana, nos encontramos con fiestas de alto impacto. Principalmente, en la zona central del país. Clubes como La Feria, Club Dot, Suka Club y productoras como Sinnergy, Sundeck y Street Machine han hecho de las noches algo imperdible para los amantes de la música electrónica. Gracias a la incansable apuesta por artistas de renombre, en fechas cada vez más potentes y sorprendentes, quedó en el olvido aquello que decía que a Chile sólo llegaban los grandes artistas de lunes a miércoles. Destacamos, del largo listado disponible, las visitas en 2013 de John Digweed, Chris Liebing, Digitalism, Gabriel & Dresden, Fat Boy Slim, Dubfire, Layo & Bushwacka!, Loco Dice, djmagla.com 009

¿QUÉ ESTÁ PASANDO?

¿QUÉ ESTÁ PASANDO? un artista de música electrónica como Deadmau5 para un live en uno de los escenarios exteriores reservados, hasta ese momento, para bandas de los estilos que son el fuerte del evento. También debemos considerar a Primavera Fauna, un festival de factura 100% nacional que mantiene la constante de incluir en su parrilla a un alto porcentaje de artistas de música electrónica en sus variantes más alternativas. Aquí nos encontramos con los nombres de Cut Copy, The Twelves, Moon Boots, DJs Pareja y uno de nuestros embajadores en el extranjero, Matias Aguayo y su inmejorable performance junto al proyecto ‘Mostro’. Mención especial es la que merecen las alternativas ofrecidas por las ediciones del pasado año de los festivales de origen local, como son los ya clásicos Quinto Sol y Montemapu, que han elevado por años la bandera de lucha del movimiento EDM nacional.

Los medios especializados también han tenido una destacada participación durante el año que ya terminó. En formato digital, encontramos la versión local de una de las marcas más importantes que se relacionan con la música electrónica a nivel internacional como es DJ Mag. El magazine ha visto un importante incremento de sus lectores en el país gracias a la periódica actualización de sus contenidos y el apoyo a presentaciones de artistas del primer orden. Notable temporada tuvo, también, el sitio especializado Mute Control, un website que, gracias a entrevistas a nombres relevantes y a su variada producción de podcasts, ha logrado una progresiva consolidación en 2013. Tranceworld, desde la trinchera del trance, también aportó su cuota de trabajo profesional para nuestra cada vez más generosa y activa escena. El a estas alturas “legendario” Panoramas Online, el siempre bien informado blog Agenda Electrónica y la frecuencia de Radio Pulso, también finalizaron el año con un gran trabajo en lo que a difusión se refiere. Variables importantísimas que hacen posible la expansión de la música electrónica en Chile a un rango cada vez más amplio.

EL 2013 DE CHILE, EL DESARROLLO DE UNA ESCENA. Sin lugar a dudas, el 2013 cerró como uno de los años con mayor desarrollo en la historia de la música electrónica en Chile debido, principalmente, a la masividad lograda con los cada vez más constantes e importantes eventos realizados, la consolidación de medios especializados y el crecimiento que han tenido los productores y DJs locales.

Ya lejanos se ven aquellos días en que sólo nos enterábamos, con sana envidia, que lo más selecto de la escena internacional pasaba por las cabinas de nuestros vecinos como Argentina, Perú y Brasil mientras que, a los fanáticos del país, sólo les quedaba conformarse con visitas esporádicas y, generalmente, de limitada convocatoria. Ese panorama cambió notablemente en los últimos años y se hizo más latente en 2013, período que nos entregó un centenar de DJ sets y live acts de inmejorable calidad, con énfasis en los festivales especializados y, también, aquellos que incluyen un 008 djmagla.com

segmento de música electrónica dentro de su line up global.

Si hablamos de los festivales que destacaron en 2013, debemos mencionar el importante debut que tuvo en Chile el Ultra Music Festival, espectáculo que revolucionó la escena, con su propuesta innovadora y un cartel de lujo las dos noches en las que se llevó a cabo. La continuación de la versión local de UMF se encuentra asegurada para 2014 incluyendo, además, la realización de un evento previo denominado Road To Ultra Chile. Otro actor relevante del año pasado fue Creamfields Chile que, en esta última edición, celebró su décimo aniversario en el país con una masiva fiesta. Así, dejó en claro que la marca británica es, hoy por hoy, un clásico en el circuito nacional de música electrónica, siempre de la mano de la productora Street Machine, responsable de haber movilizado la temporada que pasó con la sexta edición de Sensation White -que anunció un receso para 2014- y la tercera

de Mysteryland, junto con la llegada, por primera vez a nuestro territorio, del esperado The Sound of Q-Dance.

Sólo gracias a estos cuatro eventos, pudimos disfrutar de los shows de nombres como Underworld, Steve Angello, Luciano, Above & Beyond, Sven Vath, Maceo Plex, Nic Fanciulli, Hardwell, Afrojack, Marco Carola, Armin Van Buuren, Carl Cox, Avicii, Dash Berlin, UMEK, Nina Kraviz, Alex M.O.R.P.H., Fedde Le Grand, Mark Knight, Chuckie y Zatox.

Un aporte indirecto que repercutió en el ascenso de la música y cultura electrónica en Chile, fue el que realizó la tercera edición local de Lollapalooza, que nuevamente apostó fuerte con su stage dedicado a los beats de alto impacto, presentando artistas como Kaskade, Diplo, Porter Robinson, Stevie Aoki, DJ Marka y los chilenos Daniel Klauser y RVSB, entre otros. Todos ellos le reportaron a la organización una contundente respuesta del público que se tradujo en un lleno total, sumado a la apuesta de presentar, por primera vez, a

Gigamesh, Paolo Mojo, Yousef, Booka Shade, Richie Hawtin, Midnight Juggernauts, James Zabiela, Cosmic Gate, Nick Curly, Pig & Dan, Pan Pot, Danny Tenaglia, Kevin Saunderson, Technasia y Carl Craig, entre muchos otros.

El 2013 fue un año espectacular en cuanto al movimiento de la escena electrónica en Chile. Algo que era inimaginable hace no muchos años atrás y que indica, para este año que recién comienza, otra temporada muy favorable para todos los amantes de este maravilloso género musical plagado de beats, groove y sensaciones. Eso sí, algo aún queda en el debe de esta escena chilena. Algo que el año pasado se hizo más latente: la cultura electrónica de “las grandes masas”. Si bien se estableció una

importante paleta de alternativas para ir absorbiendo conocimientos y sonidos, todavía se mantiene una negativa tendencia, por lo menos en los eventos que convocan a una mayor cantidad de gente, hacia el desinterés por lo que realmente significan las fiestas o festivales, el nulo respeto por los artistas y el trabajo que entregan. Aquel antiguo concepto conocido como “P.L.U.R.”, hoy en día está absolutamente fuera de foco y lleva, a un gran porcentaje de los asistentes a cada evento, a creer que “sólo hay que estar ahí” sin importar el por qué. A pensar, de manera incorrecta, que ellos son el centro de la atención y no, como debe ser realmente, la música y los artistas. Esto es, sin dudas, algo a mejorar.

Es parte del desarrollo y el aprendizaje por lo que, en algún momento, debería cambiar, al igual que cambió el aislamiento que tuvo a Chile, muchas veces apartado de la escena electrónica internacional.

Los productores y DJs locales también crecieron en 2013, con cada vez más producciones destacadas en plataformas especializadas como Beatport y Resident Advisor. Fabian Argomedo, Soul & Senses, Felipe Valenzuela, Román & Castro, Alejandro Paz y el cada vez más trascendental Luciano, han hecho del sonido con sabor chileno algo reconocible en cualquier parte del planeta. Algo que, de paso, les ha permitido tener un lugar cada vez más importante en los diferentes escenarios a los que son invitados. El mayor ejemplo lo encontramos en Luciano, quién se convirtió en el primer artista chileno en presentarse en el inmenso festival Coachella.

Cada fin de semana, nos encontramos con fiestas de alto impacto. Principalmente, en la zona central del país. Clubes como La Feria, Club Dot, Suka Club y productoras como Sinnergy, Sundeck y Street Machine han hecho de las noches algo imperdible para los amantes de la música electrónica. Gracias a la incansable apuesta por artistas de renombre, en fechas cada vez más potentes y sorprendentes, quedó en el olvido aquello que decía que a Chile sólo llegaban los grandes artistas de lunes a miércoles. Destacamos, del largo listado disponible, las visitas en 2013 de John Digweed, Chris Liebing, Digitalism, Gabriel & Dresden, Fat Boy Slim, Dubfire, Layo & Bushwacka!, Loco Dice, djmagla.com 009

¿QUÉ ESTÁ PASANDO?

SOUL & SENSES DE CHILE AL MUNDO Desde hace un par de años que Soul & Senses viene haciendo ruido y hablar de ellos ya no es una rareza. Ya han pasado más de 6 años de carrera desde que comenzaron el sueño que muchos jóvenes han tenido alguna vez en su vida: ser DJs. Esto, que para muchos suena lejano y casi imposible de lograr, para Cristián y José Tomás ha marcado su horizonte durante muchos años.

A

lgunos de sus singles han visto la luz en el sello Armada Music y en la plataforma Future Sound of Egypt, a cargo de los egipcios Aly & Fila, y han participado en importantes festivales como Lollapalooza, Godskitchen y Ultra Music Festival, entre otros. Para la primera edición del Ultra Music Festival Chile, su track “Unity” fue utilizado como soundtrack oficial y su presentación dejó una inmejorable imagen, repleta de energía, justo a la hora del atardecer. Han tenido la oportunidad de compartir escenario con casi todos los artistas con los que alguna vez soñaron tocar y, actualmente, son embajadores de la compañía Pioneer en Sudamérica.

Además, éxitos como su track “Natural Symbiosis”, han sido tocados en diversos países de todo el mundo por DJs de primera línea. Solo con estos argumentos podemos decir, sin lugar a dudas, que la carrera de Soul & Senses va por un muy buen camino.

“Es realmente impresionante la cantidad de cosas buenas que nos han pasado en tan poco tiempo. Es un sueño hecho realidad el camino recorrido hasta ahora. Sobre todo, ver cómo la gente baila y disfruta en nuestras presentaciones”, comenta Cristián.

En carpeta, aún está la creación de su propio sello discográfico, que pretende apoyar a los nuevos talentos que están apareciendo y, también, a los que tienen un camino avanzado, como es el caso del productor nacional Alejandro Arroyo. “Es uno de los mejores nuevos talentos locales”, dicen. “Se ha preocupado

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por encontrar un sonido y una identidad propia como artista, algo que se agradece en estos tiempos.”

Cuentan que, en sus continuos viajes, han conocido a muchos productores que están creando buenos temas y que, si no cuentan con el apoyo de un sello nacional, puede que el camino se les haga más difícil.

“Nos llegan muchos demos de productores nacionales que están trabajando a muy buen nivel pero que, lamentablemente, no se pueden dar a conocer más allá de su círculo cercano. Y, ahí, nosotros nos sentimos muy representados. Es como cuando nosotros comenzamos. El camino es largo y duro, cuesta mucho crear un nombre y, sobre todo, llegar a los circuitos internacionales. Pero, al fin, estamos viendo los frutos y esperamos seguir creciendo”, señala José Tomás.

“No llegamos hasta donde estamos de la noche a la mañana. Hemos pasado por situaciones difíciles, pero todo es parte de la experiencia y del proceso de aprendizaje. Ojalá que podamos ayudar a más artistas nacionales a crecer y expandir sus límites”, opina Cristián.

Para los que están interesados en seguir los pasos de Soul & Senses, ya están confirmados para Road to Ultra Chile, Ultra Buenos Aires y ASOT 650 Santiago, entre otros tantos shows que tienen agendados para este año pero que aún no pueden revelar. Por lo que hay que preparar ropa cómoda y muchas ganas para sus shows, donde prometen hacernos bailar de principio a fin.

¿QUÉ ESTÁ PASANDO?

¿QUÉ ESTÁ PASANDO?

DONNA SUMMER HIIO

‘I Feel Love’ (Casablanca)

DJ Mag habló con la leyenda de la música electrónica Giorgio Moroder acerca de cómo produjo este clásico de la música disco...

Moska KhoMha

Talentosos artistas colombianos destacaron en el 2013.

EN los primeros meses del 2013 se vislumbró un futuro prometedor para muchos artistas colombianos. El compromiso que asumieron con la música electrónica daba sus primeros resultados. Artistas como Jose M y Tacoman, Cut Knob, Figueroa y Obando, Matt Klast, DJ Fronter y Sean Random, entre otros, lograron cautivar los oídos internacionales con sonidos que oscilan entre el techno y tech-house, dando pasos de gigante y logrando ingresar a importantes sellos del mercado, concretando tours alrededor del mundo.

Eddy Karmona, Moska, Hiio y KhoMha fueron los que tuvieron sus años más ajetreados. La participación de Hiio en el Tomorrowland, los viajes de KhoMha alrededor del mundo apadrinado por Markus Schulz, el lanzamiento del video del single “Only You” de Eddy Karmona y las constantes participaciones de Moska en los sets de Tiesto, marcaron un momento importante para todos estos artistas, algunos nuevos en el medio y otros, con una larga trayectoria. ¡La música electrónica se mueve a un paso firme en Colombia!

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Eddy Karmona

así que vino una semana después con su idea de ‘Love To Love You Baby’. En ese entonces, tenía un estudio (Musicland, en Munich) pero estaba alquilado. Los Rolling Stones estaban ahí -o Deep Purple, era uno de Considerado uno de los más prolíficos compositores, los grandes. Pero ese día estaba vacío, así que fui con pionero de la música electrónica en los setenta y Donna y comenzamos.” ochenta, Giorgio Moroder nació en Italia y empezó a Grabaron el resto del tema disco con unos músicos, tocar la guitarra en una banda de jazz a los 16. “Fui unos días después, completando la versión de tres músico por más de 10 años con un pequeño grupo”, le minutos. “Un amigo mío lo llevó a MIDEM y me llamó dice a DJ Mag en el backstage de la fiesta del Top 100, diciéndome ‘le gusta a todos’”, recuerda. donde iba a presentar el galardón del DJ N° 1. “Viajar “Luego fui a Estados Unidos y se lo mostré a Neil como músico era una linda vida pero veía que iba a Bogart de Casablanca, y le encantó”, continúa Giorgio. tener unos 50 o 60 años e iba a continuar tocando en “Una o dos semanas después, me llamó una noche clubes. Así que pensé en convertirme en compositor. y me dijo que estaba en una fiesta -luego escuché Me ofrecieron un trabajo como ingeniero de sonido en que era una orgía- y que las chicas querían escuchar Berlín y ahí empecé a trabajar en los estudios.” la canción una y otra vez. Me llamó a las tres de la Hizo algunas cosas en solitario que fueron mañana y me pidió que grabe una versión extendida. Y moderadamente exitosas y comenzó a hacer su nombre esa fue la primera canción extendida que existió.” como productor, aprendiendo las nuevas tecnologías Con unos 17 minutos, el orgásmico ‘Love To Love You y grabando música con sintetizadores. Giorgio cuenta Baby’ fue un éxito en las discotecas en 1975 y en las como reventó su primer cheque como productor “en listas pop, con su corta versión de tres minutos. Pero, una noche de champagne. Estaba tan emocionado... De ¿cómo hizo Giorgio que Donna haga el ‘orgásmico y repente, la cuenta era de diez mil, ¡y descubrí que no me sexy bit’? “Al principio, era algo divertido. La miré y le iban a volver a pagar en los siguientes dos años!” dije: No podemos solo tener “Love to love you baby”..

Conoció a un inglés llamado Pete Bellotte, que se Me tenés que dar un poco más”, nos dice Giorgio. convirtió en su co-productor, y en 1971 escribieron “Después de media hora empezó a gemir pero aún no “Son Of My Father”. “Esa fue la primera canción pop que estaba lista. Así que saqué a todos afuera. Su marido usaba sintetizadores,” exclama Giorgio. “Le di las cintas estaba ahí, Pete Bellotte, el ingeniero de sonido, a una amiga editora, se fue a Inglaterra y se las dio a un uno o dos amigos más... Apagamos todas las luces y hombre llamado Roger Easterby. Inmediatamente, en lo hizo. Creo que hizo una canción, y gemió por diez ese mismo día, fue a un estudio con un grupo llamado minutos. ¡Creo que tuvo un orgasmo! No estoy seguro, Chicory Tip, y se convirtió en Nro. 1. Básicamente, me la igual. La podía ver, pero no tan bien como para habían robado. En Estados Unidos, mi versión llegó al confirmarlo.”

Top 100 pero no le fue tan bien.”

El track era excelente pero aún seguía los principios Sin inmutarse, Giorgio produjo otro par de hits para básicos del disco. Con su siguiente single junto a Chicory Tip y después conoció a una cantante negra Donna, Giorgio cambiaría el juego. “Con ‘I Feel Love’, de Estados Unidos que había estado viajando por quería hacer un sonido del futuro”, explica. “¿Cómo Alemania con un tour del musical ‘Hair’... “Probamos con sonaría una canción en diez años? Así que investigué, Donna Summer y otras dos chicas inglesas. Ella tenía busqué y no pude encontrar mucho. Luego, escuché una voz hermosa, obviamente,” dice Giorgio. “Así que una escena de La Guerra de las Galaxias, donde los Pete Bellotte y yo tuvimos la idea de hacer un canción músicos están en la cantina, y pensé ‘Esto no es una llamada ‘The Hostage’ (“El rehén”). Donna era muy canción del futuro’. Y ahí me dije que el único camino buena. Una gran letrista.” era usando solo sintetizadores.”

Este single de Donna Summer empezó bastante bien Giorgio nos explica cómo empezó con un sintetizador pero, justo cuando lo iban a presentar en un gran show modular Moog en ocho notas. “La afinación era televisivo, cuenta Giorgio, el director del Deutsche Bank malisima y, luego de 20 segundos, estaba fuera de fue asesinado en una toma de rehenes. “La canción sintonía, entonces tenía que tocar (canta la línea de murió.” bajos de ‘I Feel Love’) dung-dung-dung-dung-dung“Después me dije, ‘siempre que tenga una gran dung-dung-dung, y cuando estaba fuera de sintonía, cantante, debería hacer una canción sobre sexo’”, empezar de nuevo.” continúa, sonriendo. “Le dije a Donna que traiga ideas, Luego, agregó todo lo demás. El hi-hat, snare, bass

Giorgio Moroder drum y keys… todo usando el sintetizador. “Luego, cuando lo mezclamos en Nueva York, el ingeniero en vez de usar el reverb- puso el delay y, de repente, comenzó a sonar como ‘duddle-luddle-umm-da-duddleluddle-umm-da’. Fue una verdadera revelación.”

Poco sabía Giorgio que había iniciado el eurodisco y ayudado a concretar los cimientos del trance, el techno y mucha de la música dance moderna. Brian Eno, escuchando la canción en Berlín, en medio de la grabación del álbum “Berlin Trilogy” con David Bowie, le dijo a Bowie: “Este single va a cambiar el sonido de la música de club por los próximos 15 años.” Algo que fue un gran acierto. “Sabía que era un sonido que no había existido antes,” le cuenta a DJ Mag. “Solo que no sabía que iba a tener ese impacto. De hecho, en Estados Unidos, no empezó yéndole tan bien. Pero si lo había hecho en Europa, sobre todo en Inglaterra, y luego se fue a Estados Unidos. Llegamos al puesto Nº2 o Nº3 allá, mientras que en Inglaterra llegamos al Nº1.”

La mayoría de tracks de disco, hasta 1977, era hechos con orquestas o bandas en vivo como Chic o Earth, Wind & Fire pero desde “I Feel Love” en adelante, Giorgio solo usaría sintetizadores manipulados por él mismo.

Los paralelismos con los DJs y productores de hoy son obvios. “I Feel Love” se convirtió en un himno duradero en las discotecas gay y, en los ‘80, Bronski Beat lanzó una versión con Marc Almond, originario del dúo Soft Cell. “Me gustó esa versión. Jimmy Somerville me dijo que ‘Love To Love You Baby’ fue la razón por la que empezó a cantar con falsete”, cuenta Giorgio. Lean algún review de DJ Mag y siempre habrá alguien que se referirá a una línea de bajos “a lo Moroder” en una canción trance, breakbeat o nu disco. “Una vez que lo escuchás, es difícil encontrar una línea mejor,” dice modestamente.

“I Feel Love” fue reempaquetada, reeditada y relanzada incontables veces, y vendió de a millones de copias, tan solo, en el Reino Unido. Giorgio trabajó con The Three Degrees, Sparks, David Bowie, Blondie, Japan, y muchos otros, y produjo soundtracks de películas que ganaron premios como Expreso de Medianoche, Gigolo Americano, Scarface, Flashdance y La Historia Sin Fín, entre otras. Por su parte, luego de una exitosa carrera en solitario, Donna Summer falleció en 2012.

Hace algunos años, Giorgio jugaba al golf con su mujer, semi retirado, pero tuvo un almuerzo con Daft Punk en París y le pidieron que volviera al estudio para contar su historia. Eso se convirtió en ‘Giorgio By Moroder’, uno de los tracks de “Random Access Memories”, y ahora, además de producir de nuevo, ¡empezó a tocar como DJ a los 73! “Me encanta”, dice. CARL LOBEN djmagla.com 013

¿QUÉ ESTÁ PASANDO?

¿QUÉ ESTÁ PASANDO?

DONNA SUMMER HIIO

‘I Feel Love’ (Casablanca)

DJ Mag habló con la leyenda de la música electrónica Giorgio Moroder acerca de cómo produjo este clásico de la música disco...

Moska KhoMha

Talentosos artistas colombianos destacaron en el 2013.

EN los primeros meses del 2013 se vislumbró un futuro prometedor para muchos artistas colombianos. El compromiso que asumieron con la música electrónica daba sus primeros resultados. Artistas como Jose M y Tacoman, Cut Knob, Figueroa y Obando, Matt Klast, DJ Fronter y Sean Random, entre otros, lograron cautivar los oídos internacionales con sonidos que oscilan entre el techno y tech-house, dando pasos de gigante y logrando ingresar a importantes sellos del mercado, concretando tours alrededor del mundo.

Eddy Karmona, Moska, Hiio y KhoMha fueron los que tuvieron sus años más ajetreados. La participación de Hiio en el Tomorrowland, los viajes de KhoMha alrededor del mundo apadrinado por Markus Schulz, el lanzamiento del video del single “Only You” de Eddy Karmona y las constantes participaciones de Moska en los sets de Tiesto, marcaron un momento importante para todos estos artistas, algunos nuevos en el medio y otros, con una larga trayectoria. ¡La música electrónica se mueve a un paso firme en Colombia!

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Eddy Karmona

así que vino una semana después con su idea de ‘Love To Love You Baby’. En ese entonces, tenía un estudio (Musicland, en Munich) pero estaba alquilado. Los Rolling Stones estaban ahí -o Deep Purple, era uno de Considerado uno de los más prolíficos compositores, los grandes. Pero ese día estaba vacío, así que fui con pionero de la música electrónica en los setenta y Donna y comenzamos.” ochenta, Giorgio Moroder nació en Italia y empezó a Grabaron el resto del tema disco con unos músicos, tocar la guitarra en una banda de jazz a los 16. “Fui unos días después, completando la versión de tres músico por más de 10 años con un pequeño grupo”, le minutos. “Un amigo mío lo llevó a MIDEM y me llamó dice a DJ Mag en el backstage de la fiesta del Top 100, diciéndome ‘le gusta a todos’”, recuerda. donde iba a presentar el galardón del DJ N° 1. “Viajar “Luego fui a Estados Unidos y se lo mostré a Neil como músico era una linda vida pero veía que iba a Bogart de Casablanca, y le encantó”, continúa Giorgio. tener unos 50 o 60 años e iba a continuar tocando en “Una o dos semanas después, me llamó una noche clubes. Así que pensé en convertirme en compositor. y me dijo que estaba en una fiesta -luego escuché Me ofrecieron un trabajo como ingeniero de sonido en que era una orgía- y que las chicas querían escuchar Berlín y ahí empecé a trabajar en los estudios.” la canción una y otra vez. Me llamó a las tres de la Hizo algunas cosas en solitario que fueron mañana y me pidió que grabe una versión extendida. Y moderadamente exitosas y comenzó a hacer su nombre esa fue la primera canción extendida que existió.” como productor, aprendiendo las nuevas tecnologías Con unos 17 minutos, el orgásmico ‘Love To Love You y grabando música con sintetizadores. Giorgio cuenta Baby’ fue un éxito en las discotecas en 1975 y en las como reventó su primer cheque como productor “en listas pop, con su corta versión de tres minutos. Pero, una noche de champagne. Estaba tan emocionado... De ¿cómo hizo Giorgio que Donna haga el ‘orgásmico y repente, la cuenta era de diez mil, ¡y descubrí que no me sexy bit’? “Al principio, era algo divertido. La miré y le iban a volver a pagar en los siguientes dos años!” dije: No podemos solo tener “Love to love you baby”..

Conoció a un inglés llamado Pete Bellotte, que se Me tenés que dar un poco más”, nos dice Giorgio. convirtió en su co-productor, y en 1971 escribieron “Después de media hora empezó a gemir pero aún no “Son Of My Father”. “Esa fue la primera canción pop que estaba lista. Así que saqué a todos afuera. Su marido usaba sintetizadores,” exclama Giorgio. “Le di las cintas estaba ahí, Pete Bellotte, el ingeniero de sonido, a una amiga editora, se fue a Inglaterra y se las dio a un uno o dos amigos más... Apagamos todas las luces y hombre llamado Roger Easterby. Inmediatamente, en lo hizo. Creo que hizo una canción, y gemió por diez ese mismo día, fue a un estudio con un grupo llamado minutos. ¡Creo que tuvo un orgasmo! No estoy seguro, Chicory Tip, y se convirtió en Nro. 1. Básicamente, me la igual. La podía ver, pero no tan bien como para habían robado. En Estados Unidos, mi versión llegó al confirmarlo.”

Top 100 pero no le fue tan bien.”

El track era excelente pero aún seguía los principios Sin inmutarse, Giorgio produjo otro par de hits para básicos del disco. Con su siguiente single junto a Chicory Tip y después conoció a una cantante negra Donna, Giorgio cambiaría el juego. “Con ‘I Feel Love’, de Estados Unidos que había estado viajando por quería hacer un sonido del futuro”, explica. “¿Cómo Alemania con un tour del musical ‘Hair’... “Probamos con sonaría una canción en diez años? Así que investigué, Donna Summer y otras dos chicas inglesas. Ella tenía busqué y no pude encontrar mucho. Luego, escuché una voz hermosa, obviamente,” dice Giorgio. “Así que una escena de La Guerra de las Galaxias, donde los Pete Bellotte y yo tuvimos la idea de hacer un canción músicos están en la cantina, y pensé ‘Esto no es una llamada ‘The Hostage’ (“El rehén”). Donna era muy canción del futuro’. Y ahí me dije que el único camino buena. Una gran letrista.” era usando solo sintetizadores.”

Este single de Donna Summer empezó bastante bien Giorgio nos explica cómo empezó con un sintetizador pero, justo cuando lo iban a presentar en un gran show modular Moog en ocho notas. “La afinación era televisivo, cuenta Giorgio, el director del Deutsche Bank malisima y, luego de 20 segundos, estaba fuera de fue asesinado en una toma de rehenes. “La canción sintonía, entonces tenía que tocar (canta la línea de murió.” bajos de ‘I Feel Love’) dung-dung-dung-dung-dung“Después me dije, ‘siempre que tenga una gran dung-dung-dung, y cuando estaba fuera de sintonía, cantante, debería hacer una canción sobre sexo’”, empezar de nuevo.” continúa, sonriendo. “Le dije a Donna que traiga ideas, Luego, agregó todo lo demás. El hi-hat, snare, bass

Giorgio Moroder drum y keys… todo usando el sintetizador. “Luego, cuando lo mezclamos en Nueva York, el ingeniero en vez de usar el reverb- puso el delay y, de repente, comenzó a sonar como ‘duddle-luddle-umm-da-duddleluddle-umm-da’. Fue una verdadera revelación.”

Poco sabía Giorgio que había iniciado el eurodisco y ayudado a concretar los cimientos del trance, el techno y mucha de la música dance moderna. Brian Eno, escuchando la canción en Berlín, en medio de la grabación del álbum “Berlin Trilogy” con David Bowie, le dijo a Bowie: “Este single va a cambiar el sonido de la música de club por los próximos 15 años.” Algo que fue un gran acierto. “Sabía que era un sonido que no había existido antes,” le cuenta a DJ Mag. “Solo que no sabía que iba a tener ese impacto. De hecho, en Estados Unidos, no empezó yéndole tan bien. Pero si lo había hecho en Europa, sobre todo en Inglaterra, y luego se fue a Estados Unidos. Llegamos al puesto Nº2 o Nº3 allá, mientras que en Inglaterra llegamos al Nº1.”

La mayoría de tracks de disco, hasta 1977, era hechos con orquestas o bandas en vivo como Chic o Earth, Wind & Fire pero desde “I Feel Love” en adelante, Giorgio solo usaría sintetizadores manipulados por él mismo.

Los paralelismos con los DJs y productores de hoy son obvios. “I Feel Love” se convirtió en un himno duradero en las discotecas gay y, en los ‘80, Bronski Beat lanzó una versión con Marc Almond, originario del dúo Soft Cell. “Me gustó esa versión. Jimmy Somerville me dijo que ‘Love To Love You Baby’ fue la razón por la que empezó a cantar con falsete”, cuenta Giorgio. Lean algún review de DJ Mag y siempre habrá alguien que se referirá a una línea de bajos “a lo Moroder” en una canción trance, breakbeat o nu disco. “Una vez que lo escuchás, es difícil encontrar una línea mejor,” dice modestamente.

“I Feel Love” fue reempaquetada, reeditada y relanzada incontables veces, y vendió de a millones de copias, tan solo, en el Reino Unido. Giorgio trabajó con The Three Degrees, Sparks, David Bowie, Blondie, Japan, y muchos otros, y produjo soundtracks de películas que ganaron premios como Expreso de Medianoche, Gigolo Americano, Scarface, Flashdance y La Historia Sin Fín, entre otras. Por su parte, luego de una exitosa carrera en solitario, Donna Summer falleció en 2012.

Hace algunos años, Giorgio jugaba al golf con su mujer, semi retirado, pero tuvo un almuerzo con Daft Punk en París y le pidieron que volviera al estudio para contar su historia. Eso se convirtió en ‘Giorgio By Moroder’, uno de los tracks de “Random Access Memories”, y ahora, además de producir de nuevo, ¡empezó a tocar como DJ a los 73! “Me encanta”, dice. CARL LOBEN djmagla.com 013

¿QUÉ ESTÁ PASANDO?

¡ULTRA EUROPA REGRESARÁ A CROACIA EN JULIO DE 2014!

Del 11 al 13 de julio de 2014, el Ultra Music Festival volverá a Croacia para su segunda edición de Ultra Europa. Preparándose para dar el presente en el impresionante Poljud Stadium de la ciudad de Split, en las hermosas costas de la Dalmacia croata, Ultra Europa disfrutará de algunos de los mejores DJs en uno de los escenario más grandes del mundo durante tres días consecutivos en julio.

Agrandándose a tres días en 2014, Ultra Europa recibirá algunas caras familiares y otras nuevas, posicionándose entre los pesos pesados y agregándose al calendario de los festivales que uno no se puede perder.

Ya están confirmadas las presentaciones de artistas como Afrojack, Armin Van Buuren, Carl Cox, David Guetta, Hardwell y Tiesto, para situarse en las ardientes pistas con sus presentaciones únicas de alto octanaje.

Junto a estos grandes actos, se han sumado otros del más alto nivel como Blasterjaxx, Fedde Le Grand,

Laidback Luke, Martin Garrix, Nicky Romero y W&W. Aunque los “Early Birds” y las entradas generales “Advance” se han agotado a las pocas horas de salir a la venta a fines del año pasado, ya se pueden comprar los accesos a los tres días del festival por unos 129 euros.

Con la expectativa de recibir a unos 150.000 fanáticos de más de 100 países, ingresá a la página oficial de Ultra Europa para asegurarte tu lugar y evitarte una desliusión.

Como si el Ultra Europa no fuera suficiente para que los fanáticos gasten todas sus energías, los organizadores han confirmado Ultra Beach, una fecha más que tendrá lugar el martes 15 de julio. ¡Los detalles de esta edición se confirmarán pronto!

ULTRA EUROPA 2013 El año inaugural de Ultra Europa albergó presentaciones como las de Avicii, Afrojack, Armin Van Buuren, Hardwell, Nicky Romero, Porter Robinson,

DÍA 1

DÍA 2

Ultra Europa da inicio al primero de los tres días del evento inaugural en el Poljud Stadium en la ciudad de Split, Croacia.

Miles de amantes de la música electrónica provenientes de más de 75 países llenan el main stage de 1800 metros cuadrados para disfrutar los actos de Avicii, Fedde Le Grand, Porter Robinson, Nicky Romero, Knife Party, Sander Van Doorn, Arty y más.

El favorito de Ultra, Carl Cox, se presenta con su legendario escenario “Carl Cox & Friends”, junto a Luciano, Adam Beyer, Umek, Art Department y Guy Gerber, cerrando la noche con un energizante set de dos horas de puro frenesí.

La cautivante pirotécnia KRYOMAN se hace presente en ambos escenarios.

El main stage más grande en la historia de Croacia recibe al gran Afrojack y, luego, al N°1 Armin Van Buuren, para vivir tres horas y media de locura musical con una producción sin precedentes al estilo Ultra. Hardwell cierra la noche dominada por artistas holandeses transportando a todos en un viaje melódico con un set de hora y media.

Más temprano, realizaban su performance los actos repletos de bajos como los exitosos británicos Chase & Status, el súper trío norteamericano Krewella y el electro de Bingo Players.

Carl Cox vuelve a cerrar la arena de “Carl Cox & Friends” tocando por tres horas, luego de 9 horas del house y el techno más underground de la mano de artistas como Marco Carola, Reboot, Jamie Jones, Yousef y Jon Rundell.

014 djmagla.com

Krewella, Bingo Players, Chase & Status, Sander Van Doorn, Steve Aoki, Chuckie, Nervo, Cazzette y más, que fueron disfrutadas por más de 103.000 visitantes durante los tres días de duración.

Los días 1 y 2, ambos transmitidos en vivo por UMF TV, contaron con una impresionante cantidad de espectadores, superando las 700.000 personas, que fueron testigos de los visitantes, de más de 75 países, que llegaron al imponente Poljud Stadium de Split para hacerse presentes en el evento que se convirtió, oficialmente, en el más grande de la historia de Croacia.

El día 3, en contraste, el festival viajó por el Mar Adriático hasta el majestuoso Hotel Amfora Grand Beach Resort de la isla de Hvar, para un número exclusivo de concurrentes. Fue una inolvidable pool party de 9 horas, con una producción fuera de serie, dictaminando el perfecto final de un fin de semana que está destinado a ser uno de los eventos más exitosos que tiene lugar en Croacia.

DÍA 3 Ultra Europa empaca sus cosas y se traslada a la hermosa isla de Hvar ubicada en la Dalmacia croata.

5.000 personas disfrutan de una excelente pool party de 9 horas, desde las 3 de la tarde hasta medianoche, en el imponente Hotel Amfora Grand Beach Resort.

Steve Aoki proporciona la mejor performance de la noche, luego de los brillantes actos de Chuckie, Dada Life, Nervo y Cazzette.

Yo soy

“E

stoy en casa, trabajando en un nuevo track que espero que sea mi próximo single.”

Al parecer, este joven de 26 años, que nació el 7 de enero de 1988, no para de trabajar.

Es que, aquellos momentos en los que no está en medio de un show o subido a un avión, los pasa encerrado en el estudio, trabajando en lo que más ama. “Me armo algunos períodos donde puedo estar tranquilo en el estudio para terminar los tracks pero la mayoría del tiempo estoy afuera, viajando.”

Coronado como el DJ N°1 del mundo en el 2013, el presente de Hardwell no presenta fallas. Agotando las localidades de casi todos los shows que se organizan con su presencia, lanzando singles que se proyectan directamente a las pr imeras posiciones de cualquier lista de ventas y hasta dir igiendo uno de los sellos más exitosos de la actualidad –que ha tenido var ios números 1 en Beatpor t en el último año– Robber t van de Corput se desliza de tr iunfo en tr iunfo.

Nacido en Breda, un pequeño pueblo del sur de Holanda que tiene la característica de haber sido el lugar de nacimiento de otros grandes ar tistas electrónicos holandeses como Tiesto, el dúo W&W, Funkerman y otros más –“Breda no tiene una escena electrónica. Es un pequeño pueblo que no tiene la cultura nocturna que tienen lugares como Ámsterdam”, nos explica-, Hardwell se interesó por la música electrónica a muy temprana edad. “Todo empezó cuando tenía 12 años. A esa edad toqué por pr imera vez en una f iesta de un amigo, poco tiempo después de haber empezado a producir”, cuenta.

Dos años más tarde, comenzaría esa seguidilla de éxitos encadenados que lo depositaron en el lugar que hoy ocupa, en la cima de una escena en constante expansión. “A los 14 años, f irmé por pr imera vez una canción para un sello.”

DETERMINACIÓN

Con 26 años, este joven DJ y productor ha conquistado el mundo de la música electrónica por completo y llega al Ultra Music Festival de Buenos Aires en su mejor momento.

Determinación, trabajo duro y una mente privilegiada son algunos de los elementos que lo ayudan a mantener los pies sobre la tierra…

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djmagla.com

La histor ia de Hardwell no es una histor ia de suer tes ni del destino. Es la histor ia de un joven con un sueño, y todos los esfuerzos que tuvo que hacer para conseguirlo. “Siempre creí que podía crearme mi propio camino como DJ y productor full time. Pero supe desde siempre que no podía hacer una cosa sin la otra. Se trataba de crecer por mi cuenta, hacer mi propio camino”, exter ior iza.

Al parecer, las cosas están claras en su mente.

Siempre ha sido así. Sobre todo, cuando está en casa. “Vivo en el camino pero no me siento incómodo. Es lo que siempre soñé. De cualquier manera, es algo muy lindo poder volver a casa, cerrar la puer ta y disfrutar tiempo con mi familia.

Este año tuve sólo unos pocos momentos junto a ellos. Por eso es tan lindo poder disfrutar una r ica comida junto a la gente que amo.”

Cuando soñaba con ser, al menos, un poco de todo lo que logró hoy, los ar tistas con los que hoy se codea solían ser sus influencias. “Me influencié de personas como Tiesto y Armin. Eran una gran inspiración para mí y mis amigos cuando íbamos creciendo”, relata. Lo cier to es que, en el 2002,

año en que Hardwell cumpliría 14 años e iniciaría su carrera, Tiesto conquistaba por pr imera vez el Top 100, un premio que iba a ganar en tres ocasiones consecutivas. Años más tarde, precisamente en el 2011, Hardwell y Tiesto se unirían para crear “Zero 76”, una colaboración entre los dos ar tistas que hacía referencias al código de área de su pueblo natal Breda. “La producción personal que más me enorgullece es ‘Zero 76’, por la relación con Tiesto y todo el impacto que tuvo.”

Esa determinación, que lo llevó a colaborar junto a una de las personas que había moldeado sus intereses, es la que lo llevó al lugar donde se encuentra. “Son las vibras y la energía de esta música que me tienen agarrado.”

YO SOY HARDWELL

Como DJ, sus presentaciones tienen una potencia inigualable y, desde hace casi una década, se la pasa de escenar io en escenar io haciendo bailar a los más diversos públicos alrededor de todo el mundo con su verdadero sonido para grandes escenar ios que hoy solemos llamar big room. “El mundo puede conectarse a través de la música y he tenido la suer te de poder exper imentar esto a través de mi carrera.” Una carrera que ya cuenta con más de 10 años y que le permitió pasearse por los escenar ios de los festivales más impor tantes del mundo como Ultra Music Festival, Tomorrowland, Electr ic Zoo, EDC y Coachella.

“Me gusta que mi set up me br inde la mejor posición para interactuar con el público pero también quiero asegurarme que no me va a fallar en la mitad del set. Honestamente, no impor ta con lo que toques. Se trata de dar lo mejor para el público que está viendo el show.” Pero, ¿qué es lo mejor? “Nunca planeo mis sets así que siempre estoy modif icando las cosas dependiendo del entorno en el que me encuentro. Se trata de trabajar sobre los tracks, elegir los correctos y meterse de lleno en la vibra de la noche. Me gusta diversif icar mis sets con grandes canciones y algunos lanzamientos desconocidos para mantener todo fresco e interesante para el público.” Y esa es la frescura que lo deposita en la cima. Y, esa cima, la que no le permite realizar tantos shows íntimos al año debido a la demanda que acarrea su f igura.

“Es difícil lograr encajar esas fechas. Sin embargo, todavía toco en lugares íntimos. Me encanta tocar en este tipo de shows y no puedo imaginar dejar de hacerlo tan sólo por mi reciente éxito. Tienen una atmósfera muy especial,” cuenta. “Por supuesto, es difícil lograr encajar todas estas fechas, sobre todo con mi actual tour de ‘I Am Hardwell’, que ocupa mucho tiempo.”

“I Am Hardwell” es una de las más grandes ambiciones de Hardwell. Desde su pr imera presentación en Holanda el 27 de abr il, se ha paseado por el mundo con este concepto que intenta dar a conocer todos los aspectos de este verdadero número 1. Con fechas realizadas en ciudades de Indonesia, Singapur, India, Gran Bretaña, México, Sudáfr ica, Por tugal, Israel y Guatemala –todas con sus localidades agotadas-, todavía Brasil y Turquía esperan su turno en el calendar io. “Es una idea conceptual que tuve en mi cabeza por mucho tiempo. Se lo propuse a mi

REVEALED RECORDINGS ¿Qué es Revealed Recordings para vos?

“El sello es una extensión de mi vida.

Vivo y respiro esta escena, mi música y mi sello. He invertido mucho sudor y mucha energía en el armado del perfil que tiene el sello y siento que está empezando a brillar.” ¿Cómo les está yendo?

“Hemos logrado gran notoriedad con gente como Dyro y Dannic. Ambos teniendo grandes éxitos con algunos de sus singles e ingresando en el Top 100.

Tuvimos una seguidilla de números 1 en Beatport. No solo yo sino, también, artistas como W&W, Ummet Ozcan, Dyro, Dannic, Thomas Newson… Eso es algo de lo que estoy muy orgulloso.” ¿Quiénes conforman el equipo de Revealed?

“Todo pasa por mí porque soy el que termina decidiendo qué se firma y que se lanza. Yo hago todo el A&R, por ejemplo, pero tengo un equipo fantástico que trabaja en el sello.

Esto incluye un manager, manager de producto, publicistas y gente que maneja las redes sociales. Tengo un asistente de A&R, un editor, un diseñador gráfico y un manager de eventos. Somos una familia que crece y que ha trabajado junta desde hace mucho tiempo, algo que nos da una buena percepción acerca de lo que podemos llegar a conseguir.” ¿Qué buscas con el sello?

“En términos de lo que busco con el sello, sigue siendo el hogar para mi música pero, también, es una plataforma para impulsar nueva música y nuevos artistas a los cuales darle un lugar y apoyar sus lanzamientos y guiar sus carreras de la mejor forma que podamos.”

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Yo soy

“E

stoy en casa, trabajando en un nuevo track que espero que sea mi próximo single.”

Al parecer, este joven de 26 años, que nació el 7 de enero de 1988, no para de trabajar.

Es que, aquellos momentos en los que no es t á en medio de un show o subido a un avión, los pasa encer r ado en el es tudio, tr abajando en lo que más ama. “Me ar mo algunos períodos donde puedo es t ar tr anquilo en el es tudio par a ter minar los track s pero la mayoría del tiempo es toy afuer a, viajando.”

Coronado como el DJ N°1 del mundo en el 2013, el presente de Hardwell no present a f allas. Agot ando las localidades de casi todos los shows que se organizan con su presencia, lanzando singles que se proyect an direct amente a las pr imer as posiciones de cualquier lis t a de vent as y has t a dir igiendo uno de los sellos más e xitosos de la actualidad –que ha tenido v ar ios números 1 en Beatpor t en el último año– Robber t v an de Cor put se desliza de tr iunfo en tr iunfo.

Nacido en Breda, un pequeño pueblo del sur de Holanda que tiene la car acterís tica de haber sido el lugar de nacimiento de otros gr andes ar tis t as electrónicos holandeses como T ies to, el dúo W&W, Funker man y otros más –“Breda no tiene una escena electrónica. Es un pequeño pueblo que no tiene la cultur a noctur na que tienen lugares como Áms terdam”, nos e xplica-, Hardwell se interesó por la música electrónica a muy tempr ana edad. “ Todo empezó cuando tenía 12 años. A esa edad toqué por pr imer a vez en una f ies t a de un amigo, poco tiempo después de haber empezado a producir”, cuent a.

Dos años más t arde, comenzaría esa seguidilla de éxitos encadenados que lo deposit aron en el lugar que hoy ocupa, en la cima de una escena en cons t ante e xpansión. “A los 14 años, f ir mé por pr imer a vez una canción par a un sello.”

DETERMINACIÓN

Con 26 años, este joven DJ y productor ha conquistado el mundo de la música electrónica por completo y llega al Ultra Music Festival de Buenos Aires en su mejor momento.

Determinación, trabajo duro y una mente privilegiada son algunos de los elementos que lo ayudan a mantener los pies sobre la tierra…

018

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La his tor ia de Hardwell no es una his tor ia de suer tes ni del des tino. Es la his tor ia de un joven con un sueño, y todos los esfuer zos que tuvo que hacer par a conseguirlo. “Siempre creí que podía crear me mi propio camino como DJ y productor full time. Pero supe desde siempre que no podía hacer una cosa sin la otr a. Se tr at aba de crecer por mi cuent a, hacer mi propio camino”, e xter ior iza.

Al parecer, las cosas es t án clar as en su mente.

Siempre ha sido así. Sobre todo, cuando es t á en casa. “ V ivo en el camino pero no me siento incómodo. Es lo que siempre soñé. De cualquier maner a, es algo muy lindo poder volver a casa, cer r ar la puer t a y disfr ut ar tiempo con mi f amilia.

Es te año tuve sólo unos pocos momentos junto a ellos. Por eso es t an lindo poder disfr ut ar una r ica comida junto a la gente que amo.”

Cuando soñaba con ser, al menos, un poco de todo lo que logró hoy, los ar tis t as con los que hoy se codea solían ser sus inf luencias. “Me inf luencié de personas como T ies to y Ar min. Er an una gr an inspir ación par a mí y mis amigos cuando íbamos creciendo”, relat a. Lo cier to es que, en el 2002,

año en que Hardwell cumpliría 14 años e iniciaría su carrera, Tiesto conquistaba por pr imera vez el Top 100, un premio que iba a ganar en tres ocasiones consecutivas. Años más tarde, precisamente en el 2011, Hardwell y Tiesto se unirían para crear “Zero 76”, una colaboración entre los dos ar tistas que hacía referencias al código de área de su pueblo natal Breda. “La producción personal que más me enorgullece es ‘Zero 76’, por la relación con Tiesto y todo el impacto que tuvo.”

Esa determinación, que lo llevó a colaborar junto a una de las personas que había moldeado sus intereses, es la que lo llevó al lugar donde se encuentra. “Son las vibras y la energía de esta música que me tienen agarrado.”

YO SOY HARDWELL

Como DJ, sus presentaciones tienen una potencia inigualable y, desde hace casi una década, se la pasa de escenar io en escenar io haciendo bailar a los más diversos públicos alrededor de todo el mundo con su verdadero sonido para grandes escenar ios que hoy solemos llamar big room. “El mundo puede conectarse a través de la música y he tenido la suer te de poder exper imentar esto a través de mi carrera.” Una carrera que ya cuenta con más de 10 años y que le permitió pasearse por los escenar ios de los festivales más impor tantes del mundo como Ultra Music Festival, Tomorrowland, Electr ic Zoo, EDC y Coachella.

“Me gusta que mi set up me br inde la mejor posición para interactuar con el público pero también quiero asegurarme que no me va a fallar en la mitad del set. Honestamente, no impor ta con lo que toques. Se trata de dar lo mejor para el público que está viendo el show.” Pero, ¿qué es lo mejor? “Nunca planeo mis sets así que siempre estoy modif icando las cosas dependiendo del entorno en el que me encuentro. Se trata de trabajar sobre los tracks, elegir los correctos y meterse de lleno en la vibra de la noche. Me gusta diversif icar mis sets con grandes canciones y algunos lanzamientos desconocidos para mantener todo fresco e interesante para el público.” Y esa es la frescura que lo deposita en la cima. Y, esa cima, la que no le permite realizar tantos shows íntimos al año debido a la demanda que acarrea su f igura.

“Es difícil lograr encajar esas fechas. Sin embargo, todavía toco en lugares íntimos. Me encanta tocar en este tipo de shows y no puedo imaginar dejar de hacerlo tan sólo por mi reciente éxito. Tienen una atmósfera muy especial,” cuenta. “Por supuesto, es difícil lograr encajar todas estas fechas, sobre todo con mi actual tour de ‘I Am Hardwell’, que ocupa mucho tiempo.”

“I Am Hardwell” es una de las más grandes ambiciones de Hardwell. Desde su pr imera presentación en Holanda el 27 de abr il, se ha paseado por el mundo con este concepto que intenta dar a conocer todos los aspectos de este verdadero número 1. Con fechas realizadas en ciudades de Indonesia, Singapur, India, Gr an Bret aña, México, Sudáfr ica, Por tugal, Isr ael y Guatemala –todas con sus localidades agot adas-, todavía Br asil y Turquía esper an su tur no en el calendar io. “Es una idea conceptual que tuve en mi cabeza por mucho tiempo. Se lo propuse a mi

REVEALED RECORDINGS ¿Qué es Revealed Recordings para vos?

“El sello es una extensión de mi vida.

Vivo y respiro esta escena, mi música y mi sello. He invertido mucho sudor y mucha energía en el armado del perfil que tiene el sello y siento que está empezando a brillar.” ¿Cómo les está yendo?

“Hemos logrado gran notoriedad con gente como Dyro y Dannic. Ambos teniendo grandes éxitos con algunos de sus singles e ingresando en el Top 100.

Tuvimos una seguidilla de números 1 en Beatport. No solo yo sino, también, artistas como W&W, Ummet Ozcan, Dyro, Dannic, Thomas Newson… Eso es algo de lo que estoy muy orgulloso.” ¿Quiénes conforman el equipo de Revealed?

“Todo pasa por mí porque soy el que termina decidiendo qué se firma y que se lanza. Yo hago todo el A&R, por ejemplo, pero tengo un equipo fantástico que trabaja en el sello.

Esto incluye un manager, manager de producto, publicistas y gente que maneja las redes sociales. Tengo un asistente de A&R, un editor, un diseñador gráfico y un manager de eventos. Somos una familia que crece y que ha trabajado junta desde hace mucho tiempo, algo que nos da una buena percepción acerca de lo que podemos llegar a conseguir.” ¿Qué buscas con el sello?

“En términos de lo que busco con el sello, sigue siendo el hogar para mi música pero, también, es una plataforma para impulsar nueva música y nuevos artistas a los cuales darle un lugar y apoyar sus lanzamientos y guiar sus carreras de la mejor forma que podamos.”

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TOP 5 FESTIVALES Tomorrowland Ultra Music Festival Electric Zoo EDC Coachella

TOP 5 PRODUCTORES DEL MOMENTO Dyro Dannic Kill the Buzz W&W Julian Calor

management y me ayudaron a conver tir este sueño en una realidad. Se trabajó en conjunto por más de un año para asegurar que el show esté 100% bien. He estado involucrado en todo, incluso en la producción de los visuales, porque quiero estar seguro de que el show cumpla con lo que prometemos. Y estoy muy orgulloso de poder decir que lo hace. Hemos tenido una increíble respuesta hasta el momento y cada show se ha vendido por completo. Fechas como las de Manchester y Edimburgo se vendieron en minutos y hubo otros shows, como en Mumbai, en donde hubo unas 5000 personas bailando en el estacionamiento porque adentro ya estaba lleno. ¡Una locura!”

EVOLUCIÓN

Acompañando esas increíbles performances, sus producciones son igual de fuer tes y, según él, representan un papel fundamental en su carrera como ar tista. “Yo me veo tanto como DJ y como productor. Son dos cosas diferentes que me permiten ser creativo y expresarme como un ar tista”, explica. Como productor, su éxito es irreprochable. En 2013 fue el ar tista que más tiempo pasó en el pr imer puesto del Top de Beatpor t, alcanzando ese lugar con var ias de sus producciones. “Todavía disfruto mucho cuando tocó ‘Spaceman’ en mis sets. Y, por supuesto, ‘Apollo’ y ‘Never Say Goodbye’ son igual de especiales, y me siento orgulloso de ellos también. Mi sonido siempre está evolucionando y creo que es algo que se puede apreciar fácilmente escuchando mis pr imeros trabajos y mi más reciente track ‘Dare You’ con Matthew Koma”, nos guía. Y tiene razón. Sus producciones cuentan con una cuota de frescura que las hace únicas. “Hoy estoy inspirado por tantas cosas nuevas y tantos ar tistas que es una verdadera mezcla pero, realmente, eso me ayuda a canalizar mi creatividad”, cuenta.

Esa creatividad que, dice, es fundamental para mantener el status que desea, se da naturalmente para el N°1 más joven en la histor ia del DJ Mag Top 100. “Realmente, no tengo algo planeado ni ningún ingrediente especial. Es un proceso que se da naturalmente. Hago música desde hace mucho tiempo y es como si entrase en piloto automático y me pierda en ideas creativas. Me gusta explorar y probar nuevas ideas cuando estoy en el estudio”, comenta. En una escena que vive una constante expansión, está claro el énfasis con que produce música. “No creo que puedas sobrevivir como un 020

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ar tista electrónico sin tu propia música. Desde mi visión de la escena, obviamente.” Le preguntamos qué pasaría si de un momento a otro dejase de hacerlo. “Si dejo de producir, ¿la gente me dejaría de escuchar? No pretendo dejar de hacer música. De hecho, el 2014 va a ser, hasta el momento, el año que comienzo con más lanzamientos programados”, nos ilusiona. “De hecho, voy a estar lanzando mi álbum debut este año. He estado esperando el momento perfecto y siento que el 2014 es el momento. Tengo algunos tracks terminados pero sigo trabajando en él, por lo que no tiene una fecha de lanzamiento todavía. He recibido mucho aliento de par te de mis fans y de mis compañeros así que estoy ansioso por ver que piensa todo el mundo una vez que esté terminado.” Es una muy buena noticia para todo el mundo. Un álbum siempre es bienvenido. Y, más, si hablamos del pr imer álbum de estudio del ar tista electrónico más convocante del momento. “El álbum va a revelar una mirada más intensa acerca de lo que soy como ar tista.

Creo que la gente va a estar un poco sorprendida pero, a la vez, creo que les va a gustar. No quiero decir nada todavía pero prometo que habrá cosas realmente nuevas.”

UNO MÁS DEL PÚBLICO

Con todas estas cuestiones, es difícil pensar que alguien pueda arrebatarle la corona que lleva con tanto orgullo, y que con tanto sacr if icio consiguió pero, ¿cómo logra mantener los pies sobre la tierra una persona que agota las entradas de cualquier show que organice a lo largo y a lo ancho del planeta? “Bueno, he estado trabajando en este sueño desde que tengo 12 años así que no ha sido algo que se dio de la noche a la mañana. Creo que eso me ayuda mucho a mantenerme sobre la tierra porque tuve que trabajar mucho para llegar a donde estoy. Además, tengo muy buenos amigos y una gran familia cerca que me ayuda a mantener el foco. Es impor tante recordar que esto se trata sobre la música y los fanáticos. Soy solo una persona normal de un pueblo pequeño que le gusta tocar la música que ama a la gente que tiene gustos musicales similares”, nos explica. Y, aunque se lo tome bien enser io, se permite pasarla bien. “Me divier to todos los días. Si no disfrutara esto no lo estaría haciendo. Compar tir mi música con la gente me da más felicidad de la que podría descr ibir te.

Yo crecí estando dentro de la escena así que, aunque la mayoría de mi tiempo lo viví como DJ,

también encontré tiempo a lo largo de los años de poder disfrutar como un fanático. Creo que es muy impor tante esto. De otra manera, perderías de vista cómo es la escena desde la visión del público.

Todavía sigo siendo uno de esos chicos del público.

Siempre que puedo, me gusta tomarme una noche libre y pasarme por algún club.”

EL MUNDO, SU MUNDO

Y además de diver tirse, se emociona con el presente, y sobre todo el futuro, de la escena electrónica inter nacional. “Seguimos en los pr imeros años de es t a e xplosión global de la cultur a dance. En lugares como India y Sudamér ica es t á creciendo mucho el EDM así que creo que tenemos otro increíble año por venir, y muchos más después de es te. Es emocionante ver como se ha desar rollado la escena en los últimos años y es toy esper ando ver qué viene después. Creo que veremos emerger muchos sonidos del underground que dominar án los char ts, e xpandiendo aún más la dominación de la música electrónica a nivel inter nacional”, manif ies t a.

“En la Argentina tuve una e xper iencia increíble la pr imer a vez que fui. Había escuchado mucho acerca de lo linda que er a, y lo r ica y apasionante que er a la cultur a y la gente de ahí. Fue un placer poder ir y e xper iment arlo por mí mismo. Pude tocar frente a un público que se mues tr a f anático, con un gr an entusiasmo por la música y la atmosfer a fes tiv a. Es un her moso lugar par a visit ar y uno de mis des tinos f avor itos.” Y, lo piensa bien y agrega: “ Todos los públicos de Latinoamér ica han sido siempre muy cálidos y siempre me han demos tr ado mucho afecto y yo eso lo v aloro muchísimo.”

Y lo veremos present arse una vez más en nues tr as tier r as. Es t a vez, llegar á a la tercer a edición del Ultr a Music Fes tiv al como máximo emper ador del mundo electrónico. “Ultr a es sinónimo de música electrónica en todo el mundo. Y, por otro lado, la escena latinoamer icana aparent a seguir creciendo así que, la unión de es t as dos cosas, merece una gr an celebr ación. He es t ado tr abajando en algunos edits muy especiales y espero tener nuevos track s propios par a ese entonces. Quiero hacer de es t a una ocasión especial par a los f anáticos. Es toy seguro que la f ies t a v a a ser uno de los mejores momentos del año.”

Considerado uno de los grandes responsables de la presente globalización de la música electrónica, John Digweed no se duerme en los laureles.

Cómo evolucionar y mantener la vista siempre al frente…

VIVIENDO EL PRESENTE

John Digweed es una de las personalidades más importantes de la música electrónica, sin duda alguna. Su sello discográfico Bedrock lleva años apoyando constantemente a la escena techno y house del underground como una de las plataformas más influyentes y requeridas del mundo. Su figura como DJ es respetada desde todos los ámbitos de la escena y su capacidad para desarrollar nuevos talentos está a la orden del día. Su radioshow “Transitions” se transmite a través de las estaciones radiales más importantes de la escena internacional y llega a una audiencia que supera los 14 millones de oyentes. Pero, más allá de todos estos logros, lo que más sorprende, es la pasión que siente por la música. Una pasión que lo mantiene en la cima de este movimiento desde hace más de una década.

"Hice siempre lo que amo y conseguí tantas cosas que ahora sólo se trata de ser consistente y dar el 100% en todo lo que hago para asegurarme que le doy a mis seguidores lo mejor.”

EVOLUCIÓN

John Digweed nació el 1 de enero de 1967 en Hastings, una ciudad del sur de Inglaterra –de las más cercanas a las costas francesas. Desde muy pequeño, se fue influenciando de bandas como New Order y Heaven 17, nos dice. Incluso, se introdujo, desde sus inicios, en el hip hop y el electro y, también, en la ola house que había nacido en Chicago y, lentamente, iba llegando al Reino Unido.

Junto a Sasha, es considerado una de las personalidades que abrió el juego de la música electrónica en Norteamérica con sus residencias en la discoteca Twilo de Nueva York –1995 a 2001- y el famoso Delta Heavy Tour, que llevó a estos artistas por todo el territorio estadounidense durante seis largas y brillantes semanas en 2002. Sin embargo, nos sorprende con la vista puesta en el presente. “Una de las cosas que he aprendido es que no podés mirar hacia atrás. Estoy orgulloso de todo lo que hice y de lo que pude ver en el pasado pero las cosas continúan y cambian tan rápido en estos días que tenés que estar siempre atento para mantenerte en lo más alto. El hecho de que en estos día pueda tocar en todo el mundo, comparado a como era diez años atrás, es increíble. La gente ama la música electrónica y los niveles de los eventos que hay en el presente son realmente impresionantes. Así que, estoy feliz de poder haber estado en la escena desde el comienzo pero más feliz de poder estar ahora."

Y, aunque para algunos resulte difícil de entender, y para otros no, lo de Digweed es puro amor. “Tengo pasión por encontrar música nueva y emocionante para poder tocarla para gente que quiera oírla."

LIVE IN ARGENTINA

En los últimos años, se ha paseado por los territorios latinoamericanos de manera frecuente, generando siempre una excitación en el público que pocos ídolos generan. Hace algunos meses lanzó el “Live in Argentina”, una de las series que edita en Bedrock donde presenta los tracks que sonaron en algunas de sus presentaciones alrededor de todo el mundo –esta última unió sus performances en Rosario y Buenos Aires y hasta sacó un DVD. Lejos de ser casualidad, de cuatro referencias que ha lanzado, dos han sido de sus shows en territorio argentino –la primera fue “Live in Córdoba” y luego hubo lugar para Londres y Eslovenia. "El público en Argentina es, simplemente, el mejor del mundo. Recibo mucho cariño desde la pista y es siempre un placer tocar ahí. Creo que el DVD que viene con el CD de 'Live In Argentina: A Tale Of Two Cities' muestra cuán locos y apasionados son.

Tocar ahí por más de ocho horas es algo inmejorable", cuenta. Y lo resume con esa simpleza que lo caracteriza. “Amo tocar, y amo hacerlo en Argentina.”

Durante el verano argentino pasó por Córdoba y Mar del Plata y, antes de volver en marzo para presentarse en Mendoza, será uno de los atractivos principales del Ultra Music Festival que se llevará a cabo en Buenos Aires este febrero. “Los eventos de Ultra siempre están muy bien armados. Tienen una producción audiovisual fascinante. Estoy esperando con ansias mi segunda presentación en Ultra Buenos Aires", exclama. Y, otra vez, nos regala un halago. "Nunca se con exactitud qué es lo que voy a hacer en cada show como este pero, como es un set de estilo más corto, voy a tratar de generar el mayor impacto posible. El público argentino es el mejor del mundo así que pienso que será bien recibido.

SIN PASARSE DE LA RAYA

Sus extensos sets se caracterizan por crear una atmósfera extremadamente particular, con una visión del futuro que es difícil de encontrar en otras 022

djmagla.com

performances. En muchos de ellos, sobre todo en sus presentaciones en Latinoamérica, el line up no presenta más de dos artistas. Y, en esta última etapa de shows latinos, los afortunados elegidos por el DJ británico para abrir la noche han sido los argentinos Martín García y Deep Mariano. “Ellos tocan música increíble y siento que son ideales para prepararme el camino”, afirma. “Hacer un buen warm up es una de las cosas más difíciles de hacer en una fiesta porque necesitás mantener a la gente interesada sin pasarte de la raya. Si el set es demasiado apagado podés aburrir al público y hacer de la fiesta algo muy llano. Y, si le imprimís demasiada energía, puede ser muy difícil para el acto principal empezar desde dónde quería. Martin y Deep entienden muy bien qué se necesita para armar una noche de manera correcta." Y nos explica un poco de eso. “Para mí, el mejor equipamiento que necesitás para ser un DJ son tus oídos. Si no podés diferenciar un buen track de uno malo, no vas para ningún lado. La programación es también muy importante. Y saber cuándo y dónde tocar ciertos tracks es algo que lleva muchos años para terminar de desarrollarlo correctamente”, aclara.

Es emocionante ver como una persona que lleva tantos años en lo más alto de la escena electrónica, y que ha vivido tantos cambios en la misma, continúa conmoviéndose por las alteraciones que van surgiendo con tanta naturalidad. “Yo disfruto muchísimo esta nueva era digital. Te permite hacer muchísimas cosas que antes, cuando tocábamos vinilos, sólo podías soñar.” Pero hay que tener cuidado.

“Siempre y cuando no lo sobrecargues y lo eches a perder."

DESCUBRIENDO TALENTOS

"Si te gusta y disfrutás de algo las 24 horas, no te importa trabajar duro y por mucho tiempo”, se justifica. Sin dudas, para él debe ser así. Sobre todo, manejando las riendas de un sello tan importante como es Bedrock que, desde hace unos quince años, dirige junto a su compañero Nick Muir. Un sello que ha proyectado a artistas de la talla de Jimmy Van M, Danny Howells, Steve Lawler, Guy Gerber, Timo Maas y, actos más recientes como el israelí Guy J. “Guy J es un gran ejemplo de alguien que creció muchísimo desde que firmamos su música por primera vez.

Siempre buscamos nuevos talentos para que brillen con algún lanzamiento en el sello.”

“Tengo mucha suerte de poder recibir increíbles tracks de artistas de alrededor de todo el mundo.” Nos sentimos curiosos por saber si tiene tiempo para escuchar material viejo. “Los proyectos de álbumes y los lanzamientos de singles son todos parte de dirigir un sello. Teniendo tantas promos y demos que me envían a diario, se limita el tiempo que tengo para escuchar cosas viejas pero está bien porque, al menos, escucho música emocionante que puede llegar a salir en el sello", responde.

Entonces, lo confirmamos. John Digweed respira música electrónica. Incluso en épocas de expansión, donde las criticas y la banalización de la escena es inminente, él se encuentra positivo. "Esta bueno que haya muchas cosas dando vueltas. ¡Más de donde elegir! Todo se resume a los gustos personales y a cómo lográs imprimir esos gustos en tus sets. Con tantos nuevos DJs y productores saliendo a la superficie, todo continúa moviéndose en una dirección nueva y positiva. Mientras el sonido del EDM es enormemente global, el house y techno del underground están siendo masivos y creciendo todo el tiempo entre la gente que se interesa por un sonido más creíble. Creo que es muy difícil predecir a dónde va la escena ahora porque parece seguir creciendo y creciendo a cada año. De lo que estoy seguro es que voy a estar apoyando la mejor música que encuentre."" djmagla.com

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Considerado uno de los grandes responsables de la presente globalización de la música electrónica, John Digweed no se duerme en los laureles.

Cómo evolucionar y mantener la vista siempre al frente…

VIVIENDO EL PRESENTE

John Digweed es una de las personalidades más importantes de la música electrónica, sin duda alguna. Su sello discográfico Bedrock lleva años apoyando constantemente a la escena techno y house del underground como una de las plataformas más influyentes y requeridas del mundo. Su figura como DJ es respetada desde todos los ámbitos de la escena y su capacidad para desarrollar nuevos talentos está a la orden del día. Su radioshow “Transitions” se transmite a través de las estaciones radiales más importantes de la escena internacional y llega a una audiencia que supera los 14 millones de oyentes. Pero, más allá de todos estos logros, lo que más sorprende, es la pasión que siente por la música. Una pasión que lo mantiene en la cima de este movimiento desde hace más de una década.

"Hice siempre lo que amo y conseguí tantas cosas que ahora sólo se trata de ser consistente y dar el 100% en todo lo que hago para asegurarme que le doy a mis seguidores lo mejor.”

EVOLUCIÓN

John Digweed nació el 1 de enero de 1967 en Hastings, una ciudad del sur de Inglaterra –de las más cercanas a las costas francesas. Desde muy pequeño, se fue influenciando de bandas como New Order y Heaven 17, nos dice. Incluso, se introdujo, desde sus inicios, en el hip hop y el electro y, también, en la ola house que había nacido en Chicago y, lentamente, iba llegando al Reino Unido.

Junto a Sasha, es considerado una de las personalidades que abrió el juego de la música electrónica en Norteamérica con sus residencias en la discoteca Twilo de Nueva York –1995 a 2001- y el famoso Delta Heavy Tour, que llevó a estos artistas por todo el territorio estadounidense durante seis largas y brillantes semanas en 2002. Sin embargo, nos sorprende con la vista puesta en el presente. “Una de las cosas que he aprendido es que no podés mirar hacia atrás. Estoy orgulloso de todo lo que hice y de lo que pude ver en el pasado pero las cosas continúan y cambian tan rápido en estos días que tenés que estar siempre atento para mantenerte en lo más alto. El hecho de que en estos día pueda tocar en todo el mundo, comparado a como era diez años atrás, es increíble. La gente ama la música electrónica y los niveles de los eventos que hay en el presente son realmente impresionantes. Así que, estoy feliz de poder haber estado en la escena desde el comienzo pero más feliz de poder estar ahora."

Y, aunque para algunos resulte difícil de entender, y para otros no, lo de Digweed es puro amor. “Tengo pasión por encontrar música nueva y emocionante para poder tocarla para gente que quiera oírla."

LIVE IN ARGENTINA

En los últimos años, se ha paseado por los territorios latinoamericanos de manera frecuente, generando siempre una excitación en el público que pocos ídolos generan. Hace algunos meses lanzó el “Live in Argentina”, una de las series que edita en Bedrock donde presenta los tracks que sonaron en algunas de sus presentaciones alrededor de todo el mundo –esta última unió sus performances en Rosario y Buenos Aires y hasta sacó un DVD. Lejos de ser casualidad, de cuatro referencias que ha lanzado, dos han sido de sus shows en territorio argentino –la primera fue “Live in Córdoba” y luego hubo lugar para Londres y Eslovenia. "El público en Argentina es, simplemente, el mejor del mundo. Recibo mucho cariño desde la pista y es siempre un placer tocar ahí. Creo que el DVD que viene con el CD de 'Live In Argentina: A Tale Of Two Cities' muestra cuán locos y apasionados son.

Tocar ahí por más de ocho horas es algo inmejorable", cuenta. Y lo resume con esa simpleza que lo caracteriza. “Amo tocar, y amo hacerlo en Argentina.”

Durante el verano argentino pasó por Córdoba y Mar del Plata y, antes de volver en marzo para presentarse en Mendoza, será uno de los atractivos principales del Ultra Music Festival que se llevará a cabo en Buenos Aires este febrero. “Los eventos de Ultra siempre están muy bien armados. Tienen una producción audiovisual fascinante. Estoy esperando con ansias mi segunda presentación en Ultra Buenos Aires", exclama. Y, otra vez, nos regala un halago. "Nunca se con exactitud qué es lo que voy a hacer en cada show como este pero, como es un set de estilo más corto, voy a tratar de generar el mayor impacto posible. El público argentino es el mejor del mundo así que pienso que será bien recibido.

SIN PASARSE DE LA RAYA

Sus extensos sets se caracterizan por crear una atmósfera extremadamente particular, con una visión del futuro que es difícil de encontrar en otras 022

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performances. En muchos de ellos, sobre todo en sus presentaciones en Latinoamérica, el line up no presenta más de dos artistas. Y, en esta última etapa de shows latinos, los afortunados elegidos por el DJ británico para abrir la noche han sido los argentinos Martín García y Deep Mariano. “Ellos tocan música increíble y siento que son ideales para prepararme el camino”, afirma. “Hacer un buen warm up es una de las cosas más difíciles de hacer en una fiesta porque necesitás mantener a la gente interesada sin pasarte de la raya. Si el set es demasiado apagado podés aburrir al público y hacer de la fiesta algo muy llano. Y, si le imprimís demasiada energía, puede ser muy difícil para el acto principal empezar desde dónde quería. Martin y Deep entienden muy bien qué se necesita para armar una noche de manera correcta." Y nos explica un poco de eso. “Para mí, el mejor equipamiento que necesitás para ser un DJ son tus oídos. Si no podés diferenciar un buen track de uno malo, no vas para ningún lado. La programación es también muy importante. Y saber cuándo y dónde tocar ciertos tracks es algo que lleva muchos años para terminar de desarrollarlo correctamente”, aclara.

Es emocionante ver como una persona que lleva tantos años en lo más alto de la escena electrónica, y que ha vivido tantos cambios en la misma, continúa conmoviéndose por las alteraciones que van surgiendo con tanta naturalidad. “Yo disfruto muchísimo esta nueva era digital. Te permite hacer muchísimas cosas que antes, cuando tocábamos vinilos, sólo podías soñar.” Pero hay que tener cuidado.

“Siempre y cuando no lo sobrecargues y lo eches a perder."

DESCUBRIENDO TALENTOS

"Si te gusta y disfrutás de algo las 24 horas, no te importa trabajar duro y por mucho tiempo”, se justifica. Sin dudas, para él debe ser así. Sobre todo, manejando las riendas de un sello tan importante como es Bedrock que, desde hace unos quince años, dirige junto a su compañero Nick Muir. Un sello que ha proyectado a artistas de la talla de Jimmy Van M, Danny Howells, Steve Lawler, Guy Gerber, Timo Maas y, actos más recientes como el israelí Guy J. “Guy J es un gran ejemplo de alguien que creció muchísimo desde que firmamos su música por primera vez.

Siempre buscamos nuevos talentos para que brillen con algún lanzamiento en el sello.”

“Tengo mucha suerte de poder recibir increíbles tracks de artistas de alrededor de todo el mundo.” Nos sentimos curiosos por saber si tiene tiempo para escuchar material viejo. “Los proyectos de álbumes y los lanzamientos de singles son todos parte de dirigir un sello. Teniendo tantas promos y demos que me envían a diario, se limita el tiempo que tengo para escuchar cosas viejas pero está bien porque, al menos, escucho música emocionante que puede llegar a salir en el sello", responde.

Entonces, lo confirmamos. John Digweed respira música electrónica. Incluso en épocas de expansión, donde las criticas y la banalización de la escena es inminente, él se encuentra positivo. "Esta bueno que haya muchas cosas dando vueltas. ¡Más de donde elegir! Todo se resume a los gustos personales y a cómo lográs imprimir esos gustos en tus sets. Con tantos nuevos DJs y productores saliendo a la superficie, todo continúa moviéndose en una dirección nueva y positiva. Mientras el sonido del EDM es enormemente global, el house y techno del underground están siendo masivos y creciendo todo el tiempo entre la gente que se interesa por un sonido más creíble. Creo que es muy difícil predecir a dónde va la escena ahora porque parece seguir creciendo y creciendo a cada año. De lo que estoy seguro es que voy a estar apoyando la mejor música que encuentre."" djmagla.com

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LOS 5 TRACKS QUE CAMBIARON LA MÚSICA ELECTRÓNICA POR PAUL VAN DYK: Born Slippy - Underworld Cafe del Mar - Energy 52 Blue Monday - New Order IMA - BT Synasthesia - Thrillseekers

Con más de 20 años de trayectoria, Paul Van Dyk nos cuenta cómo vive inmerso en la escena del trance que él mismo ayudó a crear…

Paul Van Dyk es un nombre que ha sonado fuerte en la escena electrónica desde los primeros tiempos. Su figura trascendió las fronteras y, su aparición fue fundamental para darle ruedo a uno de los géneros que más locura generan en el público. Paul Van Dyk es, sin dudas, una de las personalidades que más ha contribuido a la concepción del trance.

TRAS EL MURO Nacido en Alemania del Este, detrás del muro de Berlín, Paul no la tuvo fácil. Eran tiempos duros en una Alemania dividida y el régimen oprimía fuertemente a la sociedad alemana que había quedado aislada tras el muro de Berlín. De niño, Paul solía escuchar la radio todo el tiempo y así fue como, desde muy temprana edad, comenzó a empaparse de esos sonidos electrónicos que luego él reinventaría. “Eran momentos de opresión bajo el gobierno comunista y escuchar esas estaciones radiales era penado muy dura y activamente. Nada bueno te podía pasar si te encontraban con la radio sintonizando la estación equivocada”, cuenta Paul. Por suerte, no lo agarraron, y muchas cosas buenas pasaron. Todo resultaba cuesta arriba y conseguir música durante el régimen no era algo sencillo. De hecho, era bastante imposible. “El primer disco que compré fue ingresado a Alemania del Este de contrabando por parte de mi abuela, a la que le permitían viajar al oeste. Los DJs conseguían la música grabándola de las transmisiones radiales especializadas que hacían en Alemania Occidental.”

El muro cayó y las cosas no parecían mejorar mucho para él. Seguían siendo tiempos difíciles y él lo recuerda mejor que nadie. “Empecé a tocar cuando cayó el muro. Eran tiempos muy duros y no teníamos mucha plata. Lo poco que tenía me lo gastaba en discos y, bastante seguido, tenía que decidir entre comer o conseguí mi vinilo favorito”, nos cuenta. “Creo que esto es lo que algunos llaman pasión.” Por supuesto, coincidimos.

Esa pasión fue creciendo constantemente y Paul se introdujo cada vez más en la electrónica, haciéndose residente de las fiestas “Dubmission” junto a Kid Paul en diferentes discotecas de Berlín. Una de ellas, “Turbine”, sería recordada para siempre. “Era en la primavera de 1991. Kid Paul y yo éramos los residentes y tengo muy buenos recuerdos de esas largas noches en la calle Glogauer.” En es calle se encontraba “Turbine”, y “esas largas noches” fueron las que llevaron a este hombre a convertirse en uno de los pioneros de un género. “En ese lugar tocábamos lo que después fue definido como trance así que, en cierto sentido, todo empezó ahí.”

RECONOCIMIENTO Al poco tiempo de empezar a tocar se introdujo en el mundo de la producción y algunos de sus trabajos comenzaron a resonar, incluso, fuera de su país. Singles como “For and Angel” y su álbum “Seven Ways” fueron una de las razones por las que su nombre transcendió las fronteras y se convirtió en una figura internacional.

Pero fue su llegada al Reino Unido lo que terminó de depositarlo en un lugar de privilegio. “La música alemana, en general, no era muy popular en el Reino Unido porque no había mucho cantado en inglés”, explica. Fue la música alemana, y en parte su música, la que cambió eso. “Una vez que empezaron a aceptar esa música, todo cambió. Podías ser de cualquier país si el track era bueno. Es una de las lindas cosas que tiene la música electrónica”, explica. Y nos presenta un análisis digno de un verdadero conocedor. “En realidad, ayudaba mucho que los buenos tracks vinieran de afuera. Si la música llegaba por importación, era más difícil retenerla y eso la hacía más exclusiva y más exótica para los clubbers.” Muchos adjetivos describen a Paul Van Dyk pero su condición de pionero es la que lo destaca por sobre la media. “Se, por supuesto, que es algo que se dice seguido. Pero eso lo deben decir otros, no voy a definirme a mi mismo”, se explica. “Nunca pensé si lo que hice cambió algo. Para mí, siempre se trató de hacer música. Es lo que me apasiona y, si algo de lo que hice tuvo influencia en el desarrollo general de la escena, se reflejó mucho tiempo después. No cuando lo estaba haciendo.” Nos dice que cuando trabaja en un track no piensa ‘esto va a ser masivo’. Él trabaja en esa idea hasta que la considera adecuada y, por supuesto, se enorgullece cuando la audiencia reconoce su visión.

Otro de los grandes reconocimientos que consiguió, llegó varios años después de sus primeros éxitos y fue una especie de consagración para él. Fue en 2005 y 2006, cuando se alzó como el DJ Nº1 del mundo según la encuesta anual de DJ Mag. Pero, ¿qué pasaba en ese entonces para que Paul se quede con el galardón por dos

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años consecutivos? “Es difícil de decir. Si tengo que decir algo, imagino que debe haber sido por haber guiado la escena trance y por haber sido uno de los que no se ha repetido una y otra vez sino que ha explorado otros sonidos, otros vocalistas y estilos. Creo que esa evolución me ayudó a mantener la base de fanáticos que tenía, mientras continuaba sumando fanáticos de otras áreas de la música electrónica." Esa evolución es la que no le permite “gastar mucho tiempo pensando en los días del pasado con nostalgia”. O al menos, es lo que nos dice. “Estoy más interesado en lo que va a pasar mañana que en lo que ya pasó”, cierra.

LA RESPONSABILIDAD DEL DJ Con su foco puesto en el presente, nos cuenta sobre su reciente compilación “VONYC Sessions 2013”. El trabajo engloba una mezcla entre sus canciones favoritas con aquellas favoritas de los oyentes de su radioshow, que lleva el mismo nombre. Lo hace todos los años y, cuando le preguntamos dónde está parado musicalmente, nos recomienda que lo escuchemos. “Creo que es un muy buen panorama anual que refleja en dónde me encuentro, musicalmente hablando,” dice. Paul se quiere alejar de esa corriente que hoy gobierna el mainstream de la industria electrónica internacional. Se considera lejos de lo que llamamos EDM. “No tuvo ningún impacto en mi sonido”, asegura. "La música electrónica empezó como un pequeña subcultura y terminó evolucionando hasta convertirse en la cultura musical más grande del mundo. Lo que ampliamente se llama EDM no tiene mucho que ver con ‘el mundo de la música electrónica’. Nuestra música se trata de probar cosas nuevas y ser creativos y traspasar fronteras. Ese sonido EDM es repetitivo y está en un nivel muy pizzero. La música electrónica se trata de divertirse lo más posible pero manteniendo la calidad al más alto nivel. Al final del día, esta es la responsabilidad del DJ. Hay mucha buena música afuera y hay grandes y talentosos DJs y productores que van a sobrevivir cuando se termine esta moda del EDM." Se mantiene positivo y, aunque no le simpatice esta corriente del EDM, guarda esperanzas para esta escena a la que él tanto alimentó. “Creo que, teniendo en cuenta que la música electrónica ha sido una corriente tan fuerte en los últimos 20 años, la escena está más saludable de lo que podíamos haberlo previsto”, piensa.

Y el análisis se extiende un poco. “Al principio, el DJ era un loquito. Ahora hay grandes festivales con producciones de primer nivel y la gente se interesa en lo que hace el DJ. La ropa, la tecnología que usa, qué géneros y sub géneros toca, el tempo, etcétera. Creo que si le preguntás a cualquier productor que ha trabajado en la escena tanto como yo, probablemente, te diría que haber entrado en la era digital fue el mejor cambio de todos."

SANGRE LATINA Esta era digital, que contribuyó al constante desarrollo de sonidos, géneros y artistas, tuvo vital importancia para introducir nuevos territorios al circuito internacional. Y fue ahí cuando aparecimos nosotros. "Va a ser fabuloso volver a Buenos Aires para tocar, especialmente, después del año pasado”, confiesa haciendo referencia a su paso por Mandarine Park el pasado mes de octubre. “Fue un evento increíble con un público muy apasionado. Me acuerdo cuando tiré ‘The Ocean’ y vi la reacción expandirse por el público. Fue uno de los mejores momentos del 2013." Así, Paul se suma a la extensa lista de DJs que reconocen la pasión del público latino. “Latinoamérica siempre ha estado enchufada en las corrientes de la música electrónica. Hay un fanatismo hacia el núcleo de la escena que es masivo.

Siempre es increíble poder experimentarlo y estoy muy agradecido por todo el apoyo que le dan a nuestra música en general y, por supuesto, el apoyo que recibo.”

Ese apoyo volverá a recibirlo en la próxima edición del Ultra Music Festival en Buenos Aires, la cual espera con ansias. “Espero que sea más grande y más espectacular que el año pasado. El 2014 va a ser un ‘año de álbum’ para mí porque saldrá ‘The Politics of Dancing 3’. Así que habrá nueva música para estrenar y todos podrán disfrutar de contenido exclusivo en mi presentación. Y, por supuesto, voy a tocar mis viejos tracks.” ¡Ya nos convenció!

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LOS 5 TRACKS QUE CAMBIARON LA MÚSICA ELECTRÓNICA POR PAUL VAN DYK: Born Slippy - Underworld Cafe del Mar - Energy 52 Blue Monday - New Order IMA - BT Synasthesia - Thrillseekers

Con más de 20 años de trayectoria, Paul Van Dyk nos cuenta cómo vive inmerso en la escena del trance que él mismo ayudó a crear…

Paul Van Dyk es un nombre que ha sonado fuerte en la escena electrónica desde los primeros tiempos. Su figura trascendió las fronteras y, su aparición fue fundamental para darle ruedo a uno de los géneros que más locura generan en el público. Paul Van Dyk es, sin dudas, una de las personalidades que más ha contribuido a la concepción del trance.

TRAS EL MURO Nacido en Alemania del Este, detrás del muro de Berlín, Paul no la tuvo fácil. Eran tiempos duros en una Alemania dividida y el régimen oprimía fuertemente a la sociedad alemana que había quedado aislada tras el muro de Berlín. De niño, Paul solía escuchar la radio todo el tiempo y así fue como, desde muy temprana edad, comenzó a empaparse de esos sonidos electrónicos que luego él reinventaría. “Eran momentos de opresión bajo el gobierno comunista y escuchar esas estaciones radiales era penado muy dura y activamente. Nada bueno te podía pasar si te encontraban con la radio sintonizando la estación equivocada”, cuenta Paul. Por suerte, no lo agarraron, y muchas cosas buenas pasaron. Todo resultaba cuesta arriba y conseguir música durante el régimen no era algo sencillo. De hecho, era bastante imposible. “El primer disco que compré fue ingresado a Alemania del Este de contrabando por parte de mi abuela, a la que le permitían viajar al oeste. Los DJs conseguían la música grabándola de las transmisiones radiales especializadas que hacían en Alemania Occidental.”

El muro cayó y las cosas no parecían mejorar mucho para él. Seguían siendo tiempos difíciles y él lo recuerda mejor que nadie. “Empecé a tocar cuando cayó el muro. Eran tiempos muy duros y no teníamos mucha plata. Lo poco que tenía me lo gastaba en discos y, bastante seguido, tenía que decidir entre comer o conseguí mi vinilo favorito”, nos cuenta. “Creo que esto es lo que algunos llaman pasión.” Por supuesto, coincidimos.

Esa pasión fue creciendo constantemente y Paul se introdujo cada vez más en la electrónica, haciéndose residente de las fiestas “Dubmission” junto a Kid Paul en diferentes discotecas de Berlín. Una de ellas, “Turbine”, sería recordada para siempre. “Era en la primavera de 1991. Kid Paul y yo éramos los residentes y tengo muy buenos recuerdos de esas largas noches en la calle Glogauer.” En es calle se encontraba “Turbine”, y “esas largas noches” fueron las que llevaron a este hombre a convertirse en uno de los pioneros de un género. “En ese lugar tocábamos lo que después fue definido como trance así que, en cierto sentido, todo empezó ahí.”

RECONOCIMIENTO Al poco tiempo de empezar a tocar se introdujo en el mundo de la producción y algunos de sus trabajos comenzaron a resonar, incluso, fuera de su país. Singles como “For and Angel” y su álbum “Seven Ways” fueron una de las razones por las que su nombre transcendió las fronteras y se convirtió en una figura internacional.

Pero fue su llegada al Reino Unido lo que terminó de depositarlo en un lugar de privilegio. “La música alemana, en general, no era muy popular en el Reino Unido porque no había mucho cantado en inglés”, explica. Fue la música alemana, y en parte su música, la que cambió eso. “Una vez que empezaron a aceptar esa música, todo cambió. Podías ser de cualquier país si el track era bueno. Es una de las lindas cosas que tiene la música electrónica”, explica. Y nos presenta un análisis digno de un verdadero conocedor. “En realidad, ayudaba mucho que los buenos tracks vinieran de afuera. Si la música llegaba por importación, era más difícil retenerla y eso la hacía más exclusiva y más exótica para los clubbers.” Muchos adjetivos describen a Paul Van Dyk pero su condición de pionero es la que lo destaca por sobre la media. “Se, por supuesto, que es algo que se dice seguido. Pero eso lo deben decir otros, no voy a definirme a mi mismo”, se explica. “Nunca pensé si lo que hice cambió algo. Para mí, siempre se trató de hacer música. Es lo que me apasiona y, si algo de lo que hice tuvo influencia en el desarrollo general de la escena, se reflejó mucho tiempo después. No cuando lo estaba haciendo.” Nos dice que cuando trabaja en un track no piensa ‘esto va a ser masivo’. Él trabaja en esa idea hasta que la considera adecuada y, por supuesto, se enorgullece cuando la audiencia reconoce su visión.

Otro de los grandes reconocimientos que consiguió, llegó varios años después de sus primeros éxitos y fue una especie de consagración para él. Fue en 2005 y 2006, cuando se alzó como el DJ Nº1 del mundo según la encuesta anual de DJ Mag. Pero, ¿qué pasaba en ese entonces para que Paul se quede con el galardón por dos

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años consecutivos? “Es difícil de decir. Si tengo que decir algo, imagino que debe haber sido por haber guiado la escena trance y por haber sido uno de los que no se ha repetido una y otra vez sino que ha explorado otros sonidos, otros vocalistas y estilos. Creo que esa evolución me ayudó a mantener la base de fanáticos que tenía, mientras continuaba sumando fanáticos de otras áreas de la música electrónica." Esa evolución es la que no le permite “gastar mucho tiempo pensando en los días del pasado con nostalgia”. O al menos, es lo que nos dice. “Estoy más interesado en lo que va a pasar mañana que en lo que ya pasó”, cierra.

LA RESPONSABILIDAD DEL DJ Con su foco puesto en el presente, nos cuenta sobre su reciente compilación “VONYC Sessions 2013”. El trabajo engloba una mezcla entre sus canciones favoritas con aquellas favoritas de los oyentes de su radioshow, que lleva el mismo nombre. Lo hace todos los años y, cuando le preguntamos dónde está parado musicalmente, nos recomienda que lo escuchemos. “Creo que es un muy buen panorama anual que refleja en dónde me encuentro, musicalmente hablando,” dice. Paul se quiere alejar de esa corriente que hoy gobierna el mainstream de la industria electrónica internacional. Se considera lejos de lo que llamamos EDM. “No tuvo ningún impacto en mi sonido”, asegura. "La música electrónica empezó como un pequeña subcultura y terminó evolucionando hasta convertirse en la cultura musical más grande del mundo. Lo que ampliamente se llama EDM no tiene mucho que ver con ‘el mundo de la música electrónica’. Nuestra música se trata de probar cosas nuevas y ser creativos y traspasar fronteras. Ese sonido EDM es repetitivo y está en un nivel muy pizzero. La música electrónica se trata de divertirse lo más posible pero manteniendo la calidad al más alto nivel. Al final del día, esta es la responsabilidad del DJ. Hay mucha buena música afuera y hay grandes y talentosos DJs y productores que van a sobrevivir cuando se termine esta moda del EDM." Se mantiene positivo y, aunque no le simpatice esta corriente del EDM, guarda esperanzas para esta escena a la que él tanto alimentó. “Creo que, teniendo en cuenta que la música electrónica ha sido una corriente tan fuerte en los últimos 20 años, la escena está más saludable de lo que podíamos haberlo previsto”, piensa.

Y el análisis se extiende un poco. “Al principio, el DJ era un loquito. Ahora hay grandes festivales con producciones de primer nivel y la gente se interesa en lo que hace el DJ. La ropa, la tecnología que usa, qué géneros y sub géneros toca, el tempo, etcétera. Creo que si le preguntás a cualquier productor que ha trabajado en la escena tanto como yo, probablemente, te diría que haber entrado en la era digital fue el mejor cambio de todos."

SANGRE LATINA Esta era digital, que contribuyó al constante desarrollo de sonidos, géneros y artistas, tuvo vital importancia para introducir nuevos territorios al circuito internacional. Y fue ahí cuando aparecimos nosotros. "Va a ser fabuloso volver a Buenos Aires para tocar, especialmente, después del año pasado”, confiesa haciendo referencia a su paso por Mandarine Park el pasado mes de octubre. “Fue un evento increíble con un público muy apasionado. Me acuerdo cuando tiré ‘The Ocean’ y vi la reacción expandirse por el público. Fue uno de los mejores momentos del 2013." Así, Paul se suma a la extensa lista de DJs que reconocen la pasión del público latino. “Latinoamérica siempre ha estado enchufada en las corrientes de la música electrónica. Hay un fanatismo hacia el núcleo de la escena que es masivo.

Siempre es increíble poder experimentarlo y estoy muy agradecido por todo el apoyo que le dan a nuestra música en general y, por supuesto, el apoyo que recibo.”

Ese apoyo volverá a recibirlo en la próxima edición del Ultra Music Festival en Buenos Aires, la cual espera con ansias. “Espero que sea más grande y más espectacular que el año pasado. El 2014 va a ser un ‘año de álbum’ para mí porque saldrá ‘The Politics of Dancing 3’. Así que habrá nueva música para estrenar y todos podrán disfrutar de contenido exclusivo en mi presentación. Y, por supuesto, voy a tocar mis viejos tracks.” ¡Ya nos convenció!

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uy J tiene un encanto particular. Con origen en Tel Aviv, su sonido recorre el mundo entero con una personalidad única, propia de la desmesurada emotividad que desprenden sus producciones. Bajo el ala de John Digweed, y considerado una de las joyas de Bedrock, este artista parece dispuesto a conquistar la escena por completo y convertirse en el futuro ídolo de toda una generación. Dirigiendo Lost & Found, un sello que ya editó música de artistas como Hernán Cattaneo, Eelke Kleijn y Secret Cinema y que, constantemente, apoya a sus compatriotas Guy Mantzur y Sahar Z, reiterados participantes de los primeros showcases que organizó para su plataforma, se consolida como un artista del primer orden.

“Para mí, la música que escribo es algo muy personal. Es como si estuviéramos compartiendo un secreto.”

INCONDICIONAL

Consolidando su figura a base de producciones de calidad, Guy J transgredió las fronteras del underground y hasta se dio el lujo de tocar junto a Above & Beyond. Dispuesto a conquistar el mundo con sus emotivas melodías –y feliz de volver a Buenos Aires-, nos declara lo que siente por la Argentina…

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EL SONIDO DE TEL AVIV Desde niño, se inició en la música electrónica descubriendo en la radio diferentes sonidos que parecieron atraer su atención. Israel posee una fuerte escena y, aunque solía relacionársela únicamente –todavía ocurre- con el psy trance, muy diversa, por cierto. Sintonizando la radio correcta, podía escuchar artistas como James Holden o Way Out West e, incluso, con algo de suerte, ingresar con 14 años a un edición internacional de la imponente Love Parade –originaria de Alemaniaque se organizaba a las afueras de Tel Aviv. “Empecé a interesarme por la música electrónica a esa edad. Recuerdo haber estado en la Love Parade a los 14 años y escuchar todos esos tracks que, para mí, son clásicos, desde el progressive hasta el trance. En ese entonces fue algo tan original, una experiencia tan intensa. Algo así como descubrir a dios”, recuerda.

En el último tiempo, esta escena consiguió expandir sus horizontes con la fuerza de algunos artistas entre los que, por supuesto, él destaca. Pero, ¿qué ocurre en Israel? “No lo sé, realmente. Mucha gente pregunta por ‘el sonido de Tel Aviv’ pero me es muy difícil encasillarlo. Creo que ocurre porque es una ciudad pequeña y la escena es realmente buena. Así que la música electrónica es parte de la cultura de la ciudad y la gente tiende a hacer cosas creativas porque semana a semana pueden escuchar a los mejores DJs.” COMPARTIENDO EL SECRETO Uno de esos ‘mejores DJs’, es él. Hablamos un poco acerca de la música electrónica a nivel global y nos damos cuenta que tiene una visión muy particular acerca de la misma. "Espero encajar bien en la escena porque, para mí, cada artista tiene algo diferente para ofrecer. Yo escribo música desde el corazón y hay gente que se conecta y son esos los lugares a los que quiero volver. Para mí, la música que escribo es algo muy personal. Es como si estuviéramos compartiendo un secreto. En 2013 pude conocer muchos lugares y espero este año volver y poder regalarle un nuevo viaje musical a toda esa gente", nos cuenta. Además de viajar a nuevos destinos, el 2013 fue uno de los años más productivos del joven artista. “Creo que el 2013 fue el mejor año de mi vida hasta el momento”, sentencia. “Muchos sueños se convirtieron en realidad.”

Uno de las cosas más importantes de este año, nos dice, fue haber tocado back to back junto a Hernán Cattaneo en el legendario club Ministry Of Sound de Londres.

“Tocar back to back con alguien que respeto tanto es un gran logro”, explica. Ese respeto data de hace varios años, cuando el DJ argentino comenzó a apoyar su música antes que cualquiera. “Fue algo increíble porque Hernán fue el primero de los grandes nombres al que pude llegar y darle mi música. Tenía 18 años.”

Además, fue elegido por la serie Balance para compilar la segunda referencia de la nueva serie llamada “Balance presents…” y le fue de maravillas, presentando una mezcla de trece tracks. "Balance me eligió y me dio la libertad de hacer lo que yo quisiera. Creo que por eso es una tan buena serie de CDs. Cada álbum que saca representa en dónde está el artista en ese momento y es bueno ver que todavía hay sellos que apoyan la buena música e invierten en ella."

ENCONTRADO Sin dudas, es bueno que haya sellos que asuman responsabilidades y mantengan la calidad de la música como prioridad. Quién sino él para hablar de eso. Su propio sello Lost & Found ya suma más de diez referencias lanzadas y, bajo el ala del gigante Bedrock, continúa en ascenso. "Lost & Found empezó como idea de John Digweed. Él sabía que yo trabajaba mucho en la música y me dio la idea de comenzar mi propio sello así podía lanzar más material. Bedrock fue y sigue siendo mi casa pero hay tanta música para lanzar y tantos productores quieren aparecer en Bedrock... Ahora puedo elegir cuándo y qué lanzar. Nunca imaginé llegar al punto donde estoy lanzando música de Funk D'Void, Kevin Yost, Secret Cinema y más. ¡Estos son grandes productores que yo respeto mucho!”

Incluso, ha crecido tanto que dejó de verlo como una plataforma para ir desagotando su disco duro sino que pretende empezar a ayudar a los talentos jóvenes.

“Estoy orgulloso de cada uno de los lanzamientos que salieron por el sello. En este momento, creo que le está yendo tan bien al sello que es momento de apoyar artistas jóvenes y tratar de darle una plataforma para que se expresen”, y reconoce la situación de la Argentina, uno de sus amores… “Argentina tiene muchos productores que necesitan ese empujoncito para ser finalmente reconocidos. Y, si puedo ser ese paso para que puedan salir al mundo, ¿por qué no?"

CINCO PASOS PARA PRODUCIR…

1

PENSÁ ALGO ORIGINAL - ES BUENO INSPIRARSE CON LA MÚSICA DE OTRA GENTE PERO BUSCÁ TU PROPIA MANERA DE EXPRESAR TU SONIDO.

2

EXPLORÁ TUS EQUIPOS - APRENDÉ TODO LO QUE PUEDAS ACERCA DE LA TECNOLOGÍA QUE ESTÁS USANDO.

3

DEDICALE TIEMPO - POR SUPUESTO, TOMA TIEMPO ENCONTRAR IDEAS. HAY QUE SER PACIENTE CON LA MÚSICA.

4

BUSCÁ LA MEJOR MANERA DE EMPEZAR - YO, USUALMENTE, EMPIEZO CON UNA LÍNEA DE BAJOS O CON ALGÚN SONIDO QUE ME GUSTE, PERO ES DIFERENTE PARA CADA UNO.

5

NO PLANEES NADA ANTES DE EMPEZAR - NUNCA SÉ QUE TRACK VOY A HACER CUANDO COMIENZO.

ARGENTINA Como ocurre con muchos DJs –aunque no sabemos si con tanto entusiasmoArgentina se ha convertido en un fetiche para él. “Cada persona con la que hablo me dice lo mismo sobre Argentina”, asegura. “Es un lugar muy especial para mí. El amor por la música que tienen ahí es un sueño y la forma en que la aprecian es única. Me da energía para trabajar y ser más creativo.”

Y nos resulta imposible no volver a hablar de Hernán Cattaneo y le comentamos que hay mucha gente en la Argentina que espera una presentación de los artistas juntos acá, algún día. “Primero, es increíble que la gente pida eso. Y Hernán es el embajador de la música electrónica en la Argentina. Aprecio mucho el amor por mi música y ojalá pueda tocar junto a Hernán en su casa, algún día. Él apoya mucho mi música y somos buenos amigos, así que sería un placer.”

“Cuando vengo a Argentina, siento que todo el mundo tiene claro cuál es mi música”, nos explica e, incluso, reconoce que se siente como una estrella. Pero no ese tipo de estrellas que todos nos imaginamos. “Me siento como una estrella en el buen sentido. Son verdaderos fanáticos y siempre quiero venir y sorprenderlos. No hay fama ni nada de eso. Solo amor por la música y, para mí, ¡es algo único!”

UNA TERAPIA Aunque venga del underground Guy J ha conseguido emerger con su música.

Tal es así que ha llegado a las masas de la electrónica gracias a uno de los tríos más famosos del mundo. La cuarta edición de “Group Therapy Radio”, flamante radioshow de Above & Beyond, presentó el guest mix del israelí y, como si eso fuera poco, fue elegido por los británicos para formar parte del line up que celebró los primeros cincuenta episodios –sumando los 450 de su anterior radioshow “Trance Around The World”, el trío llegaba a los 500 programas radiales. Esto, celebrado por todos los que disfrutan de la buena música, sorprendió a algunos. “Nunca creí en categorizar la música y estaba muy preocupado antes de tocar porque no sabía si a la gente le iba a gustar lo que hago. Pero la fiesta fue increíble y el público era muy abierto de mente. Above & Beyond apoya mi música y cualquier tipo de apoyo es bueno. No importa de donde venga. Mientras hagas lo que siempre hacés, a la gente le va a gustar.”

Nos dice que, para él, lo mejor de todo es tocar tu propia música en una discoteca.

“Todo el mundo que crea música -no importa qué tipo de música- tiene el deseo de ver qué es lo que hace esa música en la gente”, piensa. Hay emociones en la música que causan un efecto en la gente, pensamos nosotros. “Poder hacer sonar tu música en un sistema de sonido poderoso y ver las caras de la gente es impagable.”

Para nosotros, lo mejor es escucharla… djmagla.com

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uy J tiene un encanto particular. Con origen en Tel Aviv, su sonido recorre el mundo entero con una personalidad única, propia de la desmesurada emotividad que desprenden sus producciones. Bajo el ala de John Digweed, y considerado una de las joyas de Bedrock, este artista parece dispuesto a conquistar la escena por completo y convertirse en el futuro ídolo de toda una generación. Dirigiendo Lost & Found, un sello que ya editó música de artistas como Hernán Cattaneo, Eelke Kleijn y Secret Cinema y que, constantemente, apoya a sus compatriotas Guy Mantzur y Sahar Z, reiterados participantes de los primeros showcases que organizó para su plataforma, se consolida como un artista del primer orden.

“Para mí, la música que escribo es algo muy personal. Es como si estuviéramos compartiendo un secreto.”

INCONDICIONAL

Consolidando su figura a base de producciones de calidad, Guy J transgredió las fronteras del underground y hasta se dio el lujo de tocar junto a Above & Beyond. Dispuesto a conquistar el mundo con sus emotivas melodías –y feliz de volver a Buenos Aires-, nos declara lo que siente por la Argentina…

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EL SONIDO DE TEL AVIV Desde niño, se inició en la música electrónica descubriendo en la radio diferentes sonidos que parecieron atraer su atención. Israel posee una fuerte escena y, aunque solía relacionársela únicamente –todavía ocurre- con el psy trance, muy diversa, por cierto. Sintonizando la radio correcta, podía escuchar artistas como James Holden o Way Out West e, incluso, con algo de suerte, ingresar con 14 años a un edición internacional de la imponente Love Parade –originaria de Alemaniaque se organizaba a las afueras de Tel Aviv. “Empecé a interesarme por la música electrónica a esa edad. Recuerdo haber estado en la Love Parade a los 14 años y escuchar todos esos tracks que, para mí, son clásicos, desde el progressive hasta el trance. En ese entonces fue algo tan original, una experiencia tan intensa. Algo así como descubrir a dios”, recuerda.

En el último tiempo, esta escena consiguió expandir sus horizontes con la fuerza de algunos artistas entre los que, por supuesto, él destaca. Pero, ¿qué ocurre en Israel? “No lo sé, realmente. Mucha gente pregunta por ‘el sonido de Tel Aviv’ pero me es muy difícil encasillarlo. Creo que ocurre porque es una ciudad pequeña y la escena es realmente buena. Así que la música electrónica es parte de la cultura de la ciudad y la gente tiende a hacer cosas creativas porque semana a semana pueden escuchar a los mejores DJs.” COMPARTIENDO EL SECRETO Uno de esos ‘mejores DJs’, es él. Hablamos un poco acerca de la música electrónica a nivel global y nos damos cuenta que tiene una visión muy particular acerca de la misma. "Espero encajar bien en la escena porque, para mí, cada artista tiene algo diferente para ofrecer. Yo escribo música desde el corazón y hay gente que se conecta y son esos los lugares a los que quiero volver. Para mí, la música que escribo es algo muy personal. Es como si estuviéramos compartiendo un secreto. En 2013 pude conocer muchos lugares y espero este año volver y poder regalarle un nuevo viaje musical a toda esa gente", nos cuenta. Además de viajar a nuevos destinos, el 2013 fue uno de los años más productivos del joven artista. “Creo que el 2013 fue el mejor año de mi vida hasta el momento”, sentencia. “Muchos sueños se convirtieron en realidad.”

Uno de las cosas más importantes de este año, nos dice, fue haber tocado back to back junto a Hernán Cattaneo en el legendario club Ministry Of Sound de Londres.

“Tocar back to back con alguien que respeto tanto es un gran logro”, explica. Ese respeto data de hace varios años, cuando el DJ argentino comenzó a apoyar su música antes que cualquiera. “Fue algo increíble porque Hernán fue el primero de los grandes nombres al que pude llegar y darle mi música. Tenía 18 años.”

Además, fue elegido por la serie Balance para compilar la segunda referencia de la nueva serie llamada “Balance presents…” y le fue de maravillas, presentando una mezcla de trece tracks. "Balance me eligió y me dio la libertad de hacer lo que yo quisiera. Creo que por eso es una tan buena serie de CDs. Cada álbum que saca representa en dónde está el artista en ese momento y es bueno ver que todavía hay sellos que apoyan la buena música e invierten en ella."

ENCONTRADO Sin dudas, es bueno que haya sellos que asuman responsabilidades y mantengan la calidad de la música como prioridad. Quién sino él para hablar de eso. Su propio sello Lost & Found ya suma más de diez referencias lanzadas y, bajo el ala del gigante Bedrock, continúa en ascenso. "Lost & Found empezó como idea de John Digweed. Él sabía que yo trabajaba mucho en la música y me dio la idea de comenzar mi propio sello así podía lanzar más material. Bedrock fue y sigue siendo mi casa pero hay tanta música para lanzar y tantos productores quieren aparecer en Bedrock... Ahora puedo elegir cuándo y qué lanzar. Nunca imaginé llegar al punto donde estoy lanzando música de Funk D'Void, Kevin Yost, Secret Cinema y más. ¡Estos son grandes productores que yo respeto mucho!”

Incluso, ha crecido tanto que dejó de verlo como una plataforma para ir desagotando su disco duro sino que pretende empezar a ayudar a los talentos jóvenes.

“Estoy orgulloso de cada uno de los lanzamientos que salieron por el sello. En este momento, creo que le está yendo tan bien al sello que es momento de apoyar artistas jóvenes y tratar de darle una plataforma para que se expresen”, y reconoce la situación de la Argentina, uno de sus amores… “Argentina tiene muchos productores que necesitan ese empujoncito para ser finalmente reconocidos. Y, si puedo ser ese paso para que puedan salir al mundo, ¿por qué no?"

CINCO PASOS PARA PRODUCIR…

1

PENSÁ ALGO ORIGINAL - ES BUENO INSPIRARSE CON LA MÚSICA DE OTRA GENTE PERO BUSCÁ TU PROPIA MANERA DE EXPRESAR TU SONIDO.

2

EXPLORÁ TUS EQUIPOS - APRENDÉ TODO LO QUE PUEDAS ACERCA DE LA TECNOLOGÍA QUE ESTÁS USANDO.

3

DEDICALE TIEMPO - POR SUPUESTO, TOMA TIEMPO ENCONTRAR IDEAS. HAY QUE SER PACIENTE CON LA MÚSICA.

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BUSCÁ LA MEJOR MANERA DE EMPEZAR - YO, USUALMENTE, EMPIEZO CON UNA LÍNEA DE BAJOS O CON ALGÚN SONIDO QUE ME GUSTE, PERO ES DIFERENTE PARA CADA UNO.

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NO PLANEES NADA ANTES DE EMPEZAR - NUNCA SÉ QUE TRACK VOY A HACER CUANDO COMIENZO.

ARGENTINA Como ocurre con muchos DJs –aunque no sabemos si con tanto entusiasmoArgentina se ha convertido en un fetiche para él. “Cada persona con la que hablo me dice lo mismo sobre Argentina”, asegura. “Es un lugar muy especial para mí. El amor por la música que tienen ahí es un sueño y la forma en que la aprecian es única. Me da energía para trabajar y ser más creativo.”

Y nos resulta imposible no volver a hablar de Hernán Cattaneo y le comentamos que hay mucha gente en la Argentina que espera una presentación de los artistas juntos acá, algún día. “Primero, es increíble que la gente pida eso. Y Hernán es el embajador de la música electrónica en la Argentina. Aprecio mucho el amor por mi música y ojalá pueda tocar junto a Hernán en su casa, algún día. Él apoya mucho mi música y somos buenos amigos, así que sería un placer.”

“Cuando vengo a Argentina, siento que todo el mundo tiene claro cuál es mi música”, nos explica e, incluso, reconoce que se siente como una estrella. Pero no ese tipo de estrellas que todos nos imaginamos. “Me siento como una estrella en el buen sentido. Son verdaderos fanáticos y siempre quiero venir y sorprenderlos. No hay fama ni nada de eso. Solo amor por la música y, para mí, ¡es algo único!”

UNA TERAPIA Aunque venga del underground Guy J ha conseguido emerger con su música.

Tal es así que ha llegado a las masas de la electrónica gracias a uno de los tríos más famosos del mundo. La cuarta edición de “Group Therapy Radio”, flamante radioshow de Above & Beyond, presentó el guest mix del israelí y, como si eso fuera poco, fue elegido por los británicos para formar parte del line up que celebró los primeros cincuenta episodios –sumando los 450 de su anterior radioshow “Trance Around The World”, el trío llegaba a los 500 programas radiales. Esto, celebrado por todos los que disfrutan de la buena música, sorprendió a algunos. “Nunca creí en categorizar la música y estaba muy preocupado antes de tocar porque no sabía si a la gente le iba a gustar lo que hago. Pero la fiesta fue increíble y el público era muy abierto de mente. Above & Beyond apoya mi música y cualquier tipo de apoyo es bueno. No importa de donde venga. Mientras hagas lo que siempre hacés, a la gente le va a gustar.”

Nos dice que, para él, lo mejor de todo es tocar tu propia música en una discoteca.

“Todo el mundo que crea música -no importa qué tipo de música- tiene el deseo de ver qué es lo que hace esa música en la gente”, piensa. Hay emociones en la música que causan un efecto en la gente, pensamos nosotros. “Poder hacer sonar tu música en un sistema de sonido poderoso y ver las caras de la gente es impagable.”

Para nosotros, lo mejor es escucharla… djmagla.com

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a sido el h 3 1 0 2 l e , e éxitos ieron d r f s u o s ñ a e u n q a v o Aunque lle W&W. El crecimient el house para e ia mejor año d ue tuvo su sonido hac ar en el puesto d q con el giro narios los llevó a que cosas… s ce grandes es 0, entre muchas otra 0 14 del Top 1 “Acabamos de terminar un mes de descanso sin viajar, trabajando muy duro en el estudio”, dicen Willem y Ward cuando empezamos a hablar. “Estamos contentos de volver al ruedo”, cuentan. Al parecer, tienen ganas de continuar con el ascenso que viven desde hace algunos años. El 2013 fue un excelente año para los jóvenes holandeses, que reconocen haber vivido el crecimiento de su música. "El 2013 fue un año impresionante para nosotros. Los eventos fueron siendo cada vez más grandes y estamos muy felices de que nuestra música haya crecido como lo hizo. Siempre deseamos que la energía de nuestra música se transmita a la pista y eso parece haber pasado mucho en este último año." Un año que los vio llegar a la edición argentina del Ultra Music Festival para presentarse en el Armada Stage junto a grandes artistas como Heatbeat, Aly & Fila y Markus Schulz y que los depositó en el puesto N°14 del ranking anual de DJ Mag. "Es genial haber llegado al puesto 14.

Por supuesto, es muy difícil comparar DJs porque es todo una cuestión de gustos pero, para nosotros, es excelente poder ver cuán entusiastas y fieles son nuestros fans." Las cosas están yendo bien para estos dos que, nos cuentan, tratan de mantenerse al tanto de todo “sin analizarlo demasiado”.

Los 5 temas del momento según W&W 1. W&W - Bigfoot 2. Jochen Miller - Cubic 3. Gareth Emery ft Bo Bruce – U (W&W Remix) 4. Steve Aoki & Autoerotique vs Dimitri Vegas & Like Mike Feedback 5. Andrew Rayel – Dark Warrior 028

djmagla.com

"Nunca dijimos 'cambiemos nuestro sonido'.

Simplemente, seguimos evolucionando y el cambio se dio naturalmente”, explican. “Nos dimos cuenta que, esta progresión, funcionó muy bien en las pistas y, además, nos ayudó a ser elegidos por muchos DJs. ¡Cosas que pasan!" En una escena muy movida, ellos hacen lo que aman e intentan hacerlo de la mejor manera posible. “Estamos influenciados por un montón de artistas diferentes. Pero lo mejor de todo es tocar la música nueva por primera vez y ver la reacción de la gente. Eso es algo increíble. Espacialmente, en grandes públicos.” Pero no siempre se presentaron frente a multitudes. Cuando comenzaron este largo recorrido eran solo dos jóvenes que escuchaban la radio en su Holanda natal. “Nos adentramos en el mundo de la música electrónica por las radios holandesas. La música de artistas como Armin Van Buuren y Tiesto siempre sonaba en muchas de las estaciones radiales e, inmediatamente, nos encantó ese sonido. Cuando teníamos unos 14 años empezamos a tocar y a producir." Desde muy pequeños empezaron a buscar este trabajo pero hubo un hecho puntual que les dio una idea de que lo que venía era algo serio.

“Desde pequeños pudimos hacer buenos amigos en la industria. Sin embargo, la primera experiencia que fue importante para nosotros fue, sin dudas, cuando Armin Van Buuren firmó nuestro primer single”, recuerdan. “Ese fue un punto de quiebre en nuestra carrera.”

Ward nació en Breda, la ciudad del sur de Holanda de donde salieron Hardwell y Tiesto, entre otros. Willem, por su parte, creció en Overveen, un pueblo costero donde, en la actualidad, ambos viven y tienen su propio estudio. “Es un hermoso lugar para mantener el foco en nuestra carrera y tomarse unos tiempos libres entre cada tour.” En 2007, luego de encontrarse en el festival “Trance Energy” se convirtieron en W&W y nunca más frenaron. Fusionando estilos y mezclando influencias, combinan los elementos melódicos del trance con la intensidad del electro house para crear increíbles producciones que hacen vibrar a las multitudes que se enfrentan en cada show. Incluso, han lanzado un sello llamado Mainstage Music, dejando en claro hacia dónde están apuntadas esas producciones. “Hemos podido lanzar excelente música de algunos artistas desconocidos y otra de grandes nombres como Markus Schulz. El sello está funcionando muy bien”, explican.

“Nos encanta encontrar nuevos talentos. ¡Tenemos muchos tracks excelentes alineados para lanzar en este 2014.” Incluso, hace algunos días lanzaron “Bigfoot” en su propia plataforma. “Vamos a seguir haciendo música y esperamos poder armar nuestro propio show en un futuro no muy lejano. Tenemos varias colaboraciones en las que estamos trabajando y no podemos esperar para que las escuchen."

Viviendo su sueño, Willem y Ward se la pasan por el mundo repartiendo su música, conquistando a los oyentes. Dominando escenarios…

a sido el h 3 1 0 2 l e , e éxitos ieron d r f s u o s ñ a e u n q a v o Aunque lle W&W. El crecimient el house para e ia mejor año d ue tuvo su sonido hac ar en el puesto d q con el giro narios los llevó a que cosas… s ce grandes es 0, entre muchas otra 0 14 del Top 1 “Acabamos de terminar un mes de descanso sin viajar, trabajando muy duro en el estudio”, dicen Willem y Ward cuando empezamos a hablar. “Estamos contentos de volver al ruedo”, cuentan. Al parecer, tienen ganas de continuar con el ascenso que viven desde hace algunos años. El 2013 fue un excelente año para los jóvenes holandeses, que reconocen haber vivido el crecimiento de su música. "El 2013 fue un año impresionante para nosotros. Los eventos fueron siendo cada vez más grandes y estamos muy felices de que nuestra música haya crecido como lo hizo. Siempre deseamos que la energía de nuestra música se transmita a la pista y eso parece haber pasado mucho en este último año." Un año que los vio llegar a la edición argentina del Ultra Music Festival para presentarse en el Armada Stage junto a grandes artistas como Heatbeat, Aly & Fila y Markus Schulz y que los depositó en el puesto N°14 del ranking anual de DJ Mag. "Es genial haber llegado al puesto 14.

Por supuesto, es muy difícil comparar DJs porque es todo una cuestión de gustos pero, para nosotros, es excelente poder ver cuán entusiastas y fieles son nuestros fans." Las cosas están yendo bien para estos dos que, nos cuentan, tratan de mantenerse al tanto de todo “sin analizarlo demasiado”.

Los 5 temas del momento según W&W 1. W&W - Bigfoot 2. Jochen Miller - Cubic 3. Gareth Emery ft Bo Bruce – U (W&W Remix) 4. Steve Aoki & Autoerotique vs Dimitri Vegas & Like Mike Feedback 5. Andrew Rayel – Dark Warrior 028

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"Nunca dijimos 'cambiemos nuestro sonido'.

Simplemente, seguimos evolucionando y el cambio se dio naturalmente”, explican. “Nos dimos cuenta que, esta progresión, funcionó muy bien en las pistas y, además, nos ayudó a ser elegidos por muchos DJs. ¡Cosas que pasan!" En una escena muy movida, ellos hacen lo que aman e intentan hacerlo de la mejor manera posible. “Estamos influenciados por un montón de artistas diferentes. Pero lo mejor de todo es tocar la música nueva por primera vez y ver la reacción de la gente. Eso es algo increíble. Espacialmente, en grandes públicos.” Pero no siempre se presentaron frente a multitudes. Cuando comenzaron este largo recorrido eran solo dos jóvenes que escuchaban la radio en su Holanda natal. “Nos adentramos en el mundo de la música electrónica por las radios holandesas. La música de artistas como Armin Van Buuren y Tiesto siempre sonaba en muchas de las estaciones radiales e, inmediatamente, nos encantó ese sonido. Cuando teníamos unos 14 años empezamos a tocar y a producir." Desde muy pequeños empezaron a buscar este trabajo pero hubo un hecho puntual que les dio una idea de que lo que venía era algo serio.

“Desde pequeños pudimos hacer buenos amigos en la industria. Sin embargo, la primera experiencia que fue importante para nosotros fue, sin dudas, cuando Armin Van Buuren firmó nuestro primer single”, recuerdan. “Ese fue un punto de quiebre en nuestra carrera.”

Ward nació en Breda, la ciudad del sur de Holanda de donde salieron Hardwell y Tiesto, entre otros. Willem, por su parte, creció en Overveen, un pueblo costero donde, en la actualidad, ambos viven y tienen su propio estudio. “Es un hermoso lugar para mantener el foco en nuestra carrera y tomarse unos tiempos libres entre cada tour.” En 2007, luego de encontrarse en el festival “Trance Energy” se convirtieron en W&W y nunca más frenaron. Fusionando estilos y mezclando influencias, combinan los elementos melódicos del trance con la intensidad del electro house para crear increíbles producciones que hacen vibrar a las multitudes que se enfrentan en cada show. Incluso, han lanzado un sello llamado Mainstage Music, dejando en claro hacia dónde están apuntadas esas producciones. “Hemos podido lanzar excelente música de algunos artistas desconocidos y otra de grandes nombres como Markus Schulz. El sello está funcionando muy bien”, explican.

“Nos encanta encontrar nuevos talentos. ¡Tenemos muchos tracks excelentes alineados para lanzar en este 2014.” Incluso, hace algunos días lanzaron “Bigfoot” en su propia plataforma. “Vamos a seguir haciendo música y esperamos poder armar nuestro propio show en un futuro no muy lejano. Tenemos varias colaboraciones en las que estamos trabajando y no podemos esperar para que las escuchen."

Viviendo su sueño, Willem y Ward se la pasan por el mundo repartiendo su música, conquistando a los oyentes. Dominando escenarios…

Quizás muchos no lo conozcan por su nombre pero Sebastian Mullaert lleva mucho tiempo en la escena electrónica. Primero, con el grupo Son Kite y, luego, como el reconocido Minilogue, siempre acompañado de su compañero Markus Henriksson.

Luego de unos 16 años escondido bajo la figura del dúo, el sueco decidió seguir su camino en solitario…

SU NATURALEZA Sebastian tuvo una infancia hermosa que, según nos cuenta, estuvo repleta de actividades musicales. “Me es imposible pensarlo de otra manera, ahora. Es parte de mí y de lo que expreso”, nos cuenta. De ahí viene toda su creatividad. “Es importante encontrar tu propia forma de ser creativo. Esto no significa que te vas a convertir en músico pero las diferentes maneras de expresar la creatividad son infinitas.” Él no cree que la educación musical sea importante para convertirte en artista e incluso deja en claro que hay muchos artistas que no están contentos con lo que hacen, buscando una imagen que proyectaron sobre ellos. “Lo importante es estar presente, y presentar lo que es presente. Ahí es donde está tu creatividad”, cierra. Sebastian vivió en el medio del bosque, casi sin vecinos, hasta que tuvo 16 años. Se mudó a un pequeño pueblo llamado Malmö, ubicado al sur de Suecia, para estudiar y, hace unos cuatro años, volvió a mudarse al medio del campo, donde vive con su familia cerca de unos hermosos parques nacionales.

“Amo la naturaleza. Vivir rodeado de ella y que se introduzca en mi vida es algo de lo que estoy muy agradecido”, explica. “El pueblo donde vivo tiene unos mil habitantes pero es un lugar muy especial, con gente diferente. Hay desde granjeros y trabajadores rurales hasta músicos, escritores, pintores y gente con educación académica. Nuestro compromiso social es muy especial. Tenemos nuestro propio autobús y hasta hemos comprado la vieja estación de tren, que hoy funciona como un gran restaurante y es el lugar donde organizamos conciertos y otro tipo de eventos artísticos. Incluso, empezamos una compañía para cuidar de los más ancianos en el pueblo, para asegurarnos de que sean tratados de la mejor manera posible."

El ex Minilogue Sebastian Mullaert decidió seguir su rumbo en solitario y vivir nuevas experiencias...

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UN HERMOSO DESAFÍO Este año será todo un desafío para Sebastian. Él lo sabe. Pero eso le gusta. Incluso, se da el lujo de analizar el presente de la escena electrónica global, y parece tener una clara idea. “Todo está creciendo. Es una regla universal. Cuando no hay más espacio para crecer, algo más ocurre. Y así es como funciona el universo. Pude ver cómo creció la música electrónica en diferentes aspectos durante los últimos veinte años y ha sido muy interesante ser parte de esta expresión. Hoy, hay música electrónica que es igual de famosa que el pop y el rock pero, también, tenemos música electrónica experimental y alternativa, parecida al jazz abstracto o a música más culta.” Y, como en todos sus comentarios, profundiza aún más. “Lo más fascinante es que, estos opuestos, de alguna manera, funcionan dentro de una misma escena y hasta convergen en algunos eventos. Esto es maravilloso. Cada uno juega su papel en la creación."

En este presente, Sebastian divide sus presentaciones entre el DJ set y sus performances live. Nos explica que, para él, son dos maneras completamente diferentes de expresarse y que son los diferentes lugares y momentos los que determinan qué se adapta más a cada situación. “Me gusta mucho tener la

UN

CAMBIO SALUDABLE Como Minilogue, junto a su compañero Markus, pudieron conseguir interesantes cosas. Incluso, el pasado 2013 lanzaron “Blomma”, un álbum de estudio en el sello Cocoon del legendario Sven Vath. El trabajo, nos dice, fue un desafío en muchos aspectos y determinó una nueva apreciación de la música electrónica moderna. “Yo siento que fue muy bien recibido”, aclara. “Es una zapada en el estudio. Todo fue improvisado y casi no lo editamos. Los ocho tracks del álbum fueron grabados en ocho diferentes días y, muchos de ellos, son la mejor parte de una secuencia mucho más larga. En la película 'Minilogue - As Human As Possible' mostramos y describimos cómo tocamos y cuál es el enfoque creativo detrás del álbum. El sonido del álbum es una mezcla de música electrónica emocional y deep, con música ambient un poco más libre. Con el buen recibimiento que había tenido ese trabajo, pocos creíamos que llegaría el fin de Minilogue. Pero, su vocación por explorar los llevó a elegir diferentes caminos. “Ha sido un viaje y creo que hemos logrado cosas increíbles. En nuestra relación musical, hemos explorado áreas que nos han interesado a ambos pero, por supuesto, hay algunas puertas que uno de los dos quería abrir y el otro no. Realmente, siento que hicimos todo lo que pudimos juntos y, para no repetirnos y mantenernos fieles a la creatividad, era importante seguir adelante y explorar el universo musical por separado, y en nuevas colaboraciones”, nos explica. Y lo resume con claridad: “Es muy fácil sentirse cómodo en una situación. A veces, es importante, y saludable, hacer un cambio significativo."

El día que hablamos, Sebastian había salido a caminar por el bosque, disfrutando de los paisajes nevados que existen

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cerca de su casa. “La vida es un regalo”, nos decía cuando comenzábamos a charlar.

La filosofía de Sebastian es clara. “No pienso mucho. Prefiero hacer y que las cosas sucedan. Poder adquirir esa experiencia cuando ocurre es algo hermoso.” Tuvo un 2013 muy agitado y se muestra muy contento con el presente. “El año terminó de manera espectacular. Puntualmente, lo terminé pasando música y lo empecé tocando en formato live en una fiesta de fin de año en Holanda.” Además, está entusiasmado porque recién terminó de montar su nuevo estudio en el campo donde vive, un detalle clave para darle ruedo a su carrera en solitario. “Ahora tengo una corta caminata por el medio del bosque entre mi casa y el estudio.” Y, además, nos cuenta que, los últimos meses, después de decidir seguir su carrera solo, se la ha pasado, la mitad de tiempo, armando el estudio y, la otra mitad, buscando al equipo de trabajo adecuado.

opción de tocar un DJ set y una performance en vivo. Mi sonido como DJ tiene muchas similitudes con la música que escribo en el estudio y que pongo en mis presentaciones live. Toco mucha de mi música inédita pero la mezclo con artistas que me gustan mucho y que se adecúan muy bien con mi música. Y ya empecé a tocar live shows en solitario, un hermoso desafío para mí. También he comenzado unas colaboraciones con diferentes artistas y DJs, cosas espontáneas... Nos damos una chance y vemos que pasa. ¡Me encanta hacer eso!"

En la próxima edición del Ultra Music Festival en Buenos Aires podremos disfrutar de una de sus presentaciones. Pero, ¿qué deberíamos esperar de él? “Seguro será un set corto. Este tipo de presentaciones pueden cambiar más seguido. Cuando tocás sets así, la importancia de la persona que toca después que vos es mayor. La energía y el karma de la persona que toca antes que vos siempre está muy viva la primera hora de tu set.” Y nos aclara: “Sin dudas, tocar sets largos es lo que más me gusta.

En esas ocasiones, podés ignorar esas cosas porque tenés tiempo de establecer otro viaje, si es lo que querés, o de continuar con el anterior.” Y nos responde la pregunta.

“Cuando tengo esos sets cortos trato de expresar lo que me gusta pero con menos paciencia.”

La última vez que Sebastian pasó por el país –por supuesto, como Minilogue- estuvo en Crobar en el marco de una “Cocoon Night” y aunque no recuerda mucho, algo quedó grabado. “Toqué en un lugar muy lindo. No recuerdo dónde era... Creo que era una noche del sello Cocoon. El ‘BA mix’ del tema 'Voices Around The Fire' lo hice en el hotel donde me hospedé, por eso no pude ver mucho la ciudad."

Volverá en un marco completamente diferente, con un presente distinto, pero con la misma energía y la misma pasión por la música. Reconocido fanático de citar frases, le otorgamos el cierre del encuentro para que nos deleite con una de sus favoritas.

“Me parece apropiado citar la última frase que digo en el documental: 'La libertad no es hacer lo que quieras, es ser libre mientras hacés lo tuyo.'"

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Quizás muchos no lo conozcan por su nombre pero Sebastian Mullaert lleva mucho tiempo en la escena electrónica. Primero, con el grupo Son Kite y, luego, como el reconocido Minilogue, siempre acompañado de su compañero Markus Henriksson.

Luego de unos 16 años escondido bajo la figura del dúo, el sueco decidió seguir su camino en solitario…

SU NATURALEZA Sebastian tuvo una infancia hermosa que, según nos cuenta, estuvo repleta de actividades musicales. “Me es imposible pensarlo de otra manera, ahora. Es parte de mí y de lo que expreso”, nos cuenta. De ahí viene toda su creatividad. “Es importante encontrar tu propia forma de ser creativo. Esto no significa que te vas a convertir en músico pero las diferentes maneras de expresar la creatividad son infinitas.” Él no cree que la educación musical sea importante para convertirte en artista e incluso deja en claro que hay muchos artistas que no están contentos con lo que hacen, buscando una imagen que proyectaron sobre ellos. “Lo importante es estar presente, y presentar lo que es presente. Ahí es donde está tu creatividad”, cierra. Sebastian vivió en el medio del bosque, casi sin vecinos, hasta que tuvo 16 años. Se mudó a un pequeño pueblo llamado Malmö, ubicado al sur de Suecia, para estudiar y, hace unos cuatro años, volvió a mudarse al medio del campo, donde vive con su familia cerca de unos hermosos parques nacionales.

“Amo la naturaleza. Vivir rodeado de ella y que se introduzca en mi vida es algo de lo que estoy muy agradecido”, explica. “El pueblo donde vivo tiene unos mil habitantes pero es un lugar muy especial, con gente diferente. Hay desde granjeros y trabajadores rurales hasta músicos, escritores, pintores y gente con educación académica. Nuestro compromiso social es muy especial. Tenemos nuestro propio autobús y hasta hemos comprado la vieja estación de tren, que hoy funciona como un gran restaurante y es el lugar donde organizamos conciertos y otro tipo de eventos artísticos. Incluso, empezamos una compañía para cuidar de los más ancianos en el pueblo, para asegurarnos de que sean tratados de la mejor manera posible."

cerca de su casa. “La vida es un regalo”, nos decía cuando comenzábamos a charlar.

La filosofía de Sebastian es clara. “No pienso mucho. Prefiero hacer y que las cosas sucedan. Poder adquirir esa experiencia cuando ocurre es algo hermoso.” Tuvo un 2013 muy agitado y se muestra muy contento con el presente. “El año terminó de manera espectacular. Puntualmente, lo terminé pasando música y lo empecé tocando en formato live en una fiesta de fin de año en Holanda.” Además, está entusiasmado porque recién terminó de montar su nuevo estudio en el campo donde vive, un detalle clave para darle ruedo a su carrera en solitario. “Ahora tengo una corta caminata por el medio del bosque entre mi casa y el estudio.” Y, además, nos cuenta que, los últimos meses, después de decidir seguir su carrera solo, se la ha pasado, la mitad de tiempo, armando el estudio y, la otra mitad, buscando al equipo de trabajo adecuado.

UN HERMOSO DESAFÍO Este año será todo un desafío para Sebastian. Él lo sabe. Pero eso le gusta. Incluso, se da el lujo de analizar el presente de la escena electrónica global, y parece tener una clara idea. “Todo está creciendo. Es una regla universal. Cuando no hay más espacio para crecer, algo más ocurre. Y así es como funciona el universo. Pude ver cómo creció la música electrónica en diferentes aspectos durante los últimos veinte años y ha sido muy interesante ser parte de esta expresión. Hoy, hay música electrónica que es igual de famosa que el pop y el rock pero, también, tenemos música electrónica experimental y alternativa, parecida al jazz abstracto o a música más culta.” Y, como en todos sus comentarios, profundiza aún más. “Lo más fascinante es que, estos opuestos, de alguna manera, funcionan dentro de una misma escena y hasta convergen en algunos eventos. Esto es maravilloso. Cada uno juega su papel en la creación."

En este presente, Sebastian divide sus presentaciones entre el DJ set y sus performances live. Nos explica que, para él, son dos maneras completamente diferentes de expresarse y que son los diferentes lugares y momentos los que determinan qué se adapta más a cada situación. “Me gusta mucho tener la

UN

CAMBIO SALUDABLE Como Minilogue, junto a su compañero Markus, pudieron conseguir interesantes cosas. Incluso, el pasado 2013 lanzaron “Blomma”, un álbum de estudio en el sello Cocoon del legendario Sven Vath. El trabajo, nos dice, fue un desafío en muchos aspectos y determinó una nueva apreciación de la música electrónica moderna. “Yo siento que fue muy bien recibido”, aclara. “Es una zapada en el estudio. Todo fue improvisado y casi no lo editamos. Los ocho tracks del álbum fueron grabados en ocho diferentes días y, muchos de ellos, son la mejor parte de una secuencia mucho más larga. En la película 'Minilogue - As Human As Possible' mostramos y describimos cómo tocamos y cuál es el enfoque creativo detrás del álbum. El sonido del álbum es una mezcla de música electrónica emocional y deep, con música ambient un poco más libre. Con el buen recibimiento que había tenido ese trabajo, pocos creíamos que llegaría el fin de Minilogue. Pero, su vocación por explorar los llevó a elegir diferentes caminos. “Ha sido un viaje y creo que hemos logrado cosas increíbles. En nuestra relación musical, hemos explorado áreas que nos han interesado a ambos pero, por supuesto, hay algunas puertas que uno de los dos quería abrir y el otro no. Realmente, siento que hicimos todo lo que pudimos juntos y, para no repetirnos y mantenernos fieles a la creatividad, era importante seguir adelante y explorar el universo musical por separado, y en nuevas colaboraciones”, nos explica. Y lo resume con claridad: “Es muy fácil sentirse cómodo en una situación. A veces, es importante, y saludable, hacer un cambio significativo."

El día que hablamos, Sebastian había salido a caminar por el bosque, disfrutando de los paisajes nevados que existen

opción de tocar un DJ set y una performance en vivo. Mi sonido como DJ tiene muchas similitudes con la música que escribo en el estudio y que pongo en mis presentaciones live. Toco mucha de mi música inédita pero la mezclo con artistas que me gustan mucho y que se adecúan muy bien con mi música. Y ya empecé a tocar live shows en solitario, un hermoso desafío para mí. También he comenzado unas colaboraciones con diferentes artistas y DJs, cosas espontáneas... Nos damos una chance y vemos que pasa. ¡Me encanta hacer eso!"

En la próxima edición del Ultra Music Festival en Buenos Aires podremos disfrutar de una de sus presentaciones. Pero, ¿qué deberíamos esperar de él? “Seguro será un set corto. Este tipo de presentaciones pueden cambiar más seguido. Cuando tocás sets así, la importancia de la persona que toca después que vos es mayor. La energía y el karma de la persona que toca antes que vos siempre está muy viva la primera hora de tu set.” Y nos aclara: “Sin dudas, tocar sets largos es lo que más me gusta.

En esas ocasiones, podés ignorar esas cosas porque tenés tiempo de establecer otro viaje, si es lo que querés, o de continuar con el anterior.” Y nos responde la pregunta.

“Cuando tengo esos sets cortos trato de expresar lo que me gusta pero con menos paciencia.”

La última vez que Sebastian pasó por el país –por supuesto, como Minilogue- estuvo en Crobar en el marco de una “Cocoon Night” y aunque no recuerda mucho, algo quedó grabado. “Toqué en un lugar muy lindo. No recuerdo dónde era... Creo que era una noche del sello Cocoon. El ‘BA mix’ del tema 'Voices Around The Fire' lo hice en el hotel donde me hospedé, por eso no pude ver mucho la ciudad."

Volverá en un marco completamente diferente, con un presente distinto, pero con la misma energía y la misma pasión por la música. Reconocido fanático de citar frases, le otorgamos el cierre del encuentro para que nos deleite con una de sus favoritas.

“Me parece apropiado citar la última frase que digo en el documental: 'La libertad no es hacer lo que quieras, es ser libre mientras hacés lo tuyo.'"

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UN VIEJO CONOCIDO Ferry Corsten vuelve a la Argentina para ser una de las figuras de la nueva edición de Ultra Music Festival. Charlamos con él acerca de su próxima presentación, del presente de la escena y de su proyecto New World Punx junto a su amigo Markus Schulz…

C

ómo muchos de sus colegas, Ferry decide tomarse las vacaciones en el mes de enero. Por eso, cuando hablamos de su futura presentación en Argentina, en el Ultra Music Festival de Buenos Aires, lo encontramos en su hogar. Disfrutando de su familia y de un largo periodo en el estudio.

“Gracias por la entrevista”, nos dice desde su computadora, respondiendo algunas de las miles de consultas que recibe en sus redes sociales.

“Siempre trato de mantenerme en contacto con mis fans lo más que puedo. Al final, toco para ellos así que siempre me siento curioso por saber qué piensan de los shows o de mis temas”, nos explica. “Manejo mis redes sociales lo más que puedo pero, a veces, cuando estoy volando o en medio de mis shows, es imposible mantenerme en contacto. Ahí es cuando me ayuda mi equipo.”

gustarle. “La gente se aburre porque muchos de esos tracks suenan parecido. No creo que se puedan comparar los dos estilos y creo que es muy difícil decir cómo se van influenciando uno del otro.” Bueno, es claro. No quiere relacionarse con esa corriente y hasta la considera momentánea. “Creo que es algo temporario. La burbuja se va a explotar en algún momento y, después, vendrá una nueva ‘gran movida’”, nos dice. Y, aunque él no recuerde otro fenómeno de esta magnitud, reconoce que el trance de fines de los ’90 hizo grandes cosas. “El trance se trata de melodías”, nos aclara. Y recuerda un poco el pasado. “Antes, la distinción de los géneros era bien clara. Creo que, con el paso del tiempo, los diferentes estilos han empezado a mezclar todo un poco. Podés encontrar muchísimos elementos del house en un track de trance, o viceversa, en estos días.”

realiza junto a su amigos Markus Schulz bajo el alias New World Punx. “Es un proyecto que empecé junto a Markus Schulz. Lo conozco desde hace mucho tiempo y somos muy buenos amigos.

Se suponía que íbamos a tocar uno después del otro pero decidimos hacerlo todo en formato back to back. Al público le gustó muchísimo eso y sentimos que habíamos logrado algo. De ahí en adelante fuimos construyendo todo”, explica.

Terminaron el 2013 con un tour por los Estados Unidos que, según nos dice, fue excelente. “¡Y lo vamos a continuar en 2014!”, agrega. Además están planeando el lanzamiento de una nueva serie de tracks bajo el alias New World Punx.

“Describiría la experiencia New World Punx con tres veces más energía que cualquier set regular que podríamos hacer por separado. Creamos una efecto sinérgico cuando estamos arriba del escenario que se proyecta en el público."

LA BURBUJA

NEW WORLD PUNX

LA VUELTA

Ferry responde todo tipo de comentarios que entran a diario en su página oficial de Facebook, que supera el millón de fanáticos.

Pide sugerencias para su radioshow, actualiza a sus fanáticos acerca de dónde se encuentra y hasta se enrosca en algunas discusiones acerca del presente de la música electrónica y del boom que sufrió con el EDM. “Creo que la gente se está aburriendo un poco de que toda la música suene igual y que todos etiqueten esto como EDM”, nos dice. Ferry es un verdadero guardián del trance old school. Género que, luego de la exposición que sufrió el EDM, se vio revitalizado por un grupo de artistas que volvieron a ponerlo en lo más alto. Pero esta perspectiva no parece

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Como muchos de los grandes DJs de trance que se involucraron en la industria musical el pasado milenio, Ferry continua al tope de la escena, agrandando su figura. Aunque reconozca que extraña mucho a su familia cuando los deja para ir a tocar por todo el mundo, Ferry está muy lejos de sentirse cansado. Es más, parece estar disfrutándolo más que nunca. “Es algo que siempre disfruté muchísimo. Para mí, realmente, es mucho más un hobby que un trabajo. Y, estés donde estés, es increíble ver cómo responde el público a tus propias producciones."

Del último año, destaca los dos especiales que realizó con su radioshow “Corsten’s Countdown”, sus propios shows llamados “Full On” y los que

Una energía que, sin dudas, encontraría respuesta en los públicos latinoamericanos.

“Hace poco estuve en Argentina. ¡El público está inmerso en la música y nunca quieren parar!”, dice. “Una vez estaba tocando allá y, cuando terminé mi set, el público no se quería ir de la discoteca así que decidí seguir tocando por unas dos o tres horas más. Fue un gran show y el público fue algo increíble”, recuerda. Por supuesto, hablamos de Ultra Music Festival que lo tendrá de nuevo en tierras argentinas. “Creo que va a hacer algo fabuloso. Ultra siempre tiene esa vibra especial que no se consigue en ningún otro evento. Estoy muy entusiasmado y espero que la gente también lo esté.”

DUROS R A M O D E D

TECHNO

los un estilo único, on o Embajadores deen n han revoluci ad hermanos Jans M bajo el alias Showtek. el mundo del EDntina por pr imera vez…

Llegan a la Arge

A LA CARTA

k oraciones de Showte Las 5 mejores colab e pero, también, toque diferent variedad “Todas tienen un La . tek ow Sh pa de tros tienen la estamde es nu de o un da de influencias haca ” te. len ce ex colaboradores sido lson Are Loud ft. Sonny Wi 1. Booyah – We sto 2. Get Loose –ll Tië Justin Prime 3. Cannonba -–Ha well 4. How We Do ackerd rs ssj Ba y!

5. He

Len Faki es una de las figuras más importantes del techno internacional. Antes de que llegue al Ultra Music Festival de Buenos Aires por segunda vez, hablamos de sus dos pasiones: el techno y la comida.

M

uchas veces es difícil darse cuenta que los artistas son personas comunes y corrientes, que están lejos de aquella imagen que nos creamos cuando los vemos aparecer en el escenario. Esta imagen creada se suele dar con artistas de la talla de Len Faki que, con una figura relacionada con el techno más brutal que lo llevó a liderar los charts del género por años, presenta siempre un sonido áspero y oscuro. Pero él no es así. Esa imagen de castigador, como si hubiera nacido en el infierno mismo, se viene abajo cuando nos cuenta la vida que lleva a diario cuando hablamos con él. “Me gusta correr. Afortunadamente, vivo cerca del parque donde puedo darme unas vueltas y respirar algo de aire fresco para mi cabeza”, nos dice. ¿Aire fresco? Pero, ¿este alemán no se la pasaba encerrado en sótanos haciendo bailar a aquellos que busquen una buena dosis de techno? Bueno, a veces lo hace. “Otra cosa que siempre me gustó fue el ping pong”, agrega. Y nos hace una invitación que a más de uno puede interesarle. “Estoy en busca de un buen compañero de entrenamientos así que, si alguien está interesado, contácteme", dice sonriendo.

INFECCIÓN INMEDIATA Nacido en Stuttgart, Levent Faki coqueteó con la música desde muy temprana edad. “Cuando tenía siete años, mis auriculares Walkman parecían ser parte de mi cuerpo”, nos dice. Él no lo recuerda pero es lo que suelen contar sus familiares, nos dice luego. Todo se dio desde el principio mediante un proceso que, nos cuenta, fue muy orgánico. “Estoy muy feliz de haber continuado fiel a mí mismo. Para mí, nunca fue una búsqueda de lo que quería hacer con mi vida.” Lo cierto es que, como sucede a veces, se introdujo en la electrónica gracias a un amigo que estaba emocionado con la música acid que estaba llegando a Stuttgart y lo 034

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llevó a una fiesta. “Y eso es todo”, nos dice. “No podía esperar a que llegue la semana próxima para volver a ir.

Quedé infectado inmediatamente.”

UNA HISTORIA DE AMOR A partir de allí, todo fue música para Len Faki.

Siguiendo sus agallas, con la mente y los sensores activados, siempre curioso y yendo a lugares desconocidos, fue sumando cada vez más adeptos a su música, algo que le permitió llegar a ser residente de Berghain, la emblemática discoteca alemana.

Este hito en su carrera lo marcó por siempre. “No puedo explicarte qué es Berghain. Es para todos los sentidos. Es para verlo, para sentirlo, para probarlo…

Me encantaría decirles como es pero creo que es imposible. Es como si te preguntaran por una historia de amor. ‘¿Qué es tan genial de esa otra persona?’.

No solo es su imagen. ¡Es la catedral! La altura de sus paredes, la atmósfera, la gente… Todo eso junto a muchas otras cosas más.” Ese amor que siente por Berghain, pudo imprimirlo en reiteradas ocasiones, produciendo música para el famosísimo sello de la discoteca: Ostgut Ton, donde lanzó, según él, su mejor proyecto. “El quinto aniversario del sello que incluyó mi tema ‘Kraft und Licht’ fue muy especial.

El proceso creativo del track en el estudio fue una experiencia hermosa. En ese momento de mi vida todo era frenético y estresante. Con ese tema tuve mi propia meditación techno.”

El alemán parece disfrutar mucho de la música y se refleja en sus palabras. Incluso en las plataformas que a lo largo de su carrera fue creando para darle lugar a esa nueva música que le interesaba “Tener un sello es perfecto para mí. Hay mucha música y buenos artistas ahí afuera, y me encanta sumar esas almas que lo sienten igual que yo. Por supuesto, requiere mucho tiempo y energía que se suma a la producción y a los constantes viajes pero no quiero perderme esto ni por un segundo."

APETITO Esos viajes tampoco los quiere perder. Mejor dicho: no se los va a perder. Mientras hablamos con él, está de vacaciones en lo que describe como “una isla hermosa”, luego de haberse paseado por todo el mundo en 2013. “Ahora que estoy de vacaciones puedo recapturar todo lo que pasó y sigo impresionado. El 2013 fue un viaje increíble, alucinante”, recuerda. “El cierre en Mandarine fue algo fascinante. Imposible describir en palabras”, nos cuenta acerca de la noche que cerró el Mandarine Club en Buenos Aires. Y recuerda al país. “Fui parte de la primera edición del Ultra que, además, fue mi primera vez en Argentina.

Fue muy fácil enamorarse de la gente y la energía.”

Y hablamos de Argentina y nos regala su reflexión.

“Argentina tiene muchos receptores musicales en sus genes. Es muy lindo ser testigo de cómo ha crecido ese apetito que tienen por el techno en este último período.” Y es ese mismo apetito el que lo llevó al lugar donde está. Y no solo hablamos del apetito musical. “No hace mucho tiempo, solía ser bueno para comer –lo sigo siendo. Era un especialista en saber a qué restaurantes ir para encontrar la mejor comida.

Pero, ahora, agregué algunas habilidades culinarias, también. Me gusta ir al mercado y preparar cosas en casa. Me gusta ponerme creativo ahí, también.”

Su amor por la comida es tan grande que -además de dejar en claro que para los shows no necesita nada más que un buen sistema de sonido y una buena cena previa a su presentación- él se describe a sí mismo como un plato de comida. Así es, como leyeron.

“Imaginen un tierno filete de carne argentino, seguido de un pastel belga –perdón, pero lo hacen mejor- de chocolate con helado de vainilla”, nos dice. “Si fuese comida, me gustaría imaginarme así.”

“

¡Mejor que no nos desilusionen!", nos amenazan. Es que, la próxima edición del Ultra Music Festival será la primera vez que lleguen a suelo argentino. “Nunca hemos estado ahí pero nos han contado grandes historias.”

Wouter y Sjoerd se han pasado todo el 2013 produciendo y lanzando algunos de los éxitos que los llevaron a conseguir la popularidad que, hoy en día, terminó de llevarlos a lo más alto de la escena. Comenzando el año con “Cannonbal”, una producción junto a Justin Prime que vio la luz en Spinnin’ Records, Showtek terminó de consolidar ese sonido particular. “Produciendo tracks como 'Booyah', 'Slow Down' y 'Cannonball' hemos logrado nuestro propio sonido que se destaca y la gente está empezando a reconocer eso."

Cuando “Cannonbal” explotó, ninguno de los dos estaba preparado para semejante éxito. “No lo vimos venir hasta que salió el tema. Se convirtió en una de las grandes canciones que sonaban en las radios de Holanda, Bélgica y Francia”, recuerdan.

“Probablemente, fue una de las canciones más tocadas en 2013.” Todo empezó a crecer desde ahí.

Después llegó “Booyah” –junto a We Are Loud y Sonny Wilson- y, con el ingreso en los charts del Reino Unido, terminaron de consolidar ese sonido tan particular. “El mejor momento del 2013 fue cuando ‘Booyah’ llegó a los charts del Reino Unido”, dicen. No quedan dudas 035

que, en el año que pasó, terminaron de asentar su figura como productores sólidos, saliendo del estudio con joyas cada vez mejor recibidas por el público. “Extrañamos el estudio un poco”, declaran. “Estamos viajando mucho en estos momentos. Este año vamos a volver a enloquecer en el estudio”, se auto convencen. Se influencian de todo –“cualquier emoción o energía”- y se la pasan buscando material nuevo que los inspire.

Incluso, empezaron un proyecto interesantísimo llamado “Crazy Collabs” o, en castellano, “Colaboraciones Locas”. Como lo explica el nombre, el proyecto tiene como premisa la coproducción de canciones junto a diferentes artistas del primer nivel.

Un ejemplo claro fueron sus trabajos junto a Hardwell y Tiesto. "Es genial haber colaborado con ellos porque, además, Hardwell tiene experiencia en trabajar con Tiesto. Hemos trabajado durante dos años detrás de la escena, en el estudio, haciendo tracks como 'Maximal Crazy' y 'Chasing Summers', así que hemos estado un poco más de lo que la gente imagina. Nos encanta trabajar con gente diferente y con diversas influencias."

IMPOSIBLES DE CONTROLAR Aunque parezca extraño, los hermanos Sjoerd y Wouter Jansenn empezaron a introducirse en el mundo de la música electrónica gracias a su madre que, nos dicen, un día apareció en su casa con un sintetizador. De ahí en adelante, confiesan, han estado haciendo música

casi a diario. “Cuanto teníamos 15 años empezamos a ir a bares y a discotecas y nos enamoramos de la música electrónica. Estaba en las radios holandesas desde los '90 pero, experimentarlo en persona, es otra cosa.

Incluso, hemos ido a diferentes fiestas y festivales y hemos bailado hasta las 7 de la mañana”, cuentan.

“Mientras tanto, producíamos nuestra propia música pero era muy básica. Wouter sabía tocar el piano y componía sus propios temas y Sjoerd era el que sabía crear y mezclar música en la computadora." Toda esa voluntad terminó dando sus frutos y hoy, además de triunfar como DJs y continuar evolucionando como productores, han creado su propia plataforma para lanzar música con el sello “Skink”. El nombre, en castellano “Escinco”, hace referencia a un extraño réptil. “El sello representa las características de este extraño animal. Elusivo e imposible de controlar, el escinco es un sobreviviente, y funciona como símbolo perfecto de nuestra evolución musical y de nuestra determinación de perdurar en el tiempo con esfuerzo”, explican. Con un excelente equipo que los ayuda, ambos tratan de escuchar todas las promos que les mandan. Pero todavía tienen otros objetivos. “Primero queremos establecer el sello y, después, vamos a empezar a lanzar música de futuros talentos.” Lo cierto es que, estos holandeses hermanos de sangre, tienen un estilo único, que se expande cada vez más.

Y no pretenden dejarlo de lado. “Vamos a hacer más música loca, seguiremos traspasando los límites y disfrutando de cada momento.” djmagla.com

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DUROS R A M O D E D

TECHNO

los un estilo único, on o Embajadores deen n han revoluci ad hermanos Jans M bajo el alias Showtek. el mundo del EDntina por pr imera vez…

Llegan a la Arge

A LA CARTA

k oraciones de Showte Las 5 mejores colab e pero, también, toque diferent variedad “Todas tienen un La . tek ow Sh pa de tros tienen la estamde es nu de o un da de influencias haca ” te. len ce ex colaboradores sido lson Are Loud ft. Sonny Wi 1. Booyah – We sto 2. Get Loose –ll Tië Justin Prime 3. Cannonba -–Ha well 4. How We Do ackerd rs ssj Ba y!

5. He

Len Faki es una de las figuras más importantes del techno internacional. Antes de que llegue al Ultra Music Festival de Buenos Aires por segunda vez, hablamos de sus dos pasiones: el techno y la comida.

M

uchas veces es difícil darse cuenta que los artistas son personas comunes y corrientes, que están lejos de aquella imagen que nos creamos cuando los vemos aparecer en el escenario. Esta imagen creada se suele dar con artistas de la talla de Len Faki que, con una figura relacionada con el techno más brutal que lo llevó a liderar los charts del género por años, presenta siempre un sonido áspero y oscuro. Pero él no es así. Esa imagen de castigador, como si hubiera nacido en el infierno mismo, se viene abajo cuando nos cuenta la vida que lleva a diario cuando hablamos con él. “Me gusta correr. Afortunadamente, vivo cerca del parque donde puedo darme unas vueltas y respirar algo de aire fresco para mi cabeza”, nos dice. ¿Aire fresco? Pero, ¿este alemán no se la pasaba encerrado en sótanos haciendo bailar a aquellos que busquen una buena dosis de techno? Bueno, a veces lo hace. “Otra cosa que siempre me gustó fue el ping pong”, agrega. Y nos hace una invitación que a más de uno puede interesarle. “Estoy en busca de un buen compañero de entrenamientos así que, si alguien está interesado, contácteme", dice sonriendo.

INFECCIÓN INMEDIATA Nacido en Stuttgart, Levent Faki coqueteó con la música desde muy temprana edad. “Cuando tenía siete años, mis auriculares Walkman parecían ser parte de mi cuerpo”, nos dice. Él no lo recuerda pero es lo que suelen contar sus familiares, nos dice luego. Todo se dio desde el principio mediante un proceso que, nos cuenta, fue muy orgánico. “Estoy muy feliz de haber continuado fiel a mí mismo. Para mí, nunca fue una búsqueda de lo que quería hacer con mi vida.” Lo cierto es que, como sucede a veces, se introdujo en la electrónica gracias a un amigo que estaba emocionado con la música acid que estaba llegando a Stuttgart y lo 034

djmagla.com

llevó a una fiesta. “Y eso es todo”, nos dice. “No podía esperar a que llegue la semana próxima para volver a ir.

Quedé infectado inmediatamente.”

UNA HISTORIA DE AMOR A partir de allí, todo fue música para Len Faki.

Siguiendo sus agallas, con la mente y los sensores activados, siempre curioso y yendo a lugares desconocidos, fue sumando cada vez más adeptos a su música, algo que le permitió llegar a ser residente de Berghain, la emblemática discoteca alemana.

Este hito en su carrera lo marcó por siempre. “No puedo explicarte qué es Berghain. Es para todos los sentidos. Es para verlo, para sentirlo, para probarlo…

Me encantaría decirles como es pero creo que es imposible. Es como si te preguntaran por una historia de amor. ‘¿Qué es tan genial de esa otra persona?’.

No solo es su imagen. ¡Es la catedral! La altura de sus paredes, la atmósfera, la gente… Todo eso junto a muchas otras cosas más.” Ese amor que siente por Berghain, pudo imprimirlo en reiteradas ocasiones, produciendo música para el famosísimo sello de la discoteca: Ostgut Ton, donde lanzó, según él, su mejor proyecto. “El quinto aniversario del sello que incluyó mi tema ‘Kraft und Licht’ fue muy especial.

El proceso creativo del track en el estudio fue una experiencia hermosa. En ese momento de mi vida todo era frenético y estresante. Con ese tema tuve mi propia meditación techno.”

El alemán parece disfrutar mucho de la música y se refleja en sus palabras. Incluso en las plataformas que a lo largo de su carrera fue creando para darle lugar a esa nueva música que le interesaba “Tener un sello es perfecto para mí. Hay mucha música y buenos artistas ahí afuera, y me encanta sumar esas almas que lo sienten igual que yo. Por supuesto, requiere mucho tiempo y energía que se suma a la producción y a los constantes viajes pero no quiero perderme esto ni por un segundo."

APETITO Esos viajes tampoco los quiere perder. Mejor dicho: no se los va a perder. Mientras hablamos con él, está de vacaciones en lo que describe como “una isla hermosa”, luego de haberse paseado por todo el mundo en 2013. “Ahora que estoy de vacaciones puedo recapturar todo lo que pasó y sigo impresionado. El 2013 fue un viaje increíble, alucinante”, recuerda. “El cierre en Mandarine fue algo fascinante. Imposible describir en palabras”, nos cuenta acerca de la noche que cerró el Mandarine Club en Buenos Aires. Y recuerda al país. “Fui parte de la primera edición del Ultra que, además, fue mi primera vez en Argentina.

Fue muy fácil enamorarse de la gente y la energía.”

Y hablamos de Argentina y nos regala su reflexión.

“Argentina tiene muchos receptores musicales en sus genes. Es muy lindo ser testigo de cómo ha crecido ese apetito que tienen por el techno en este último período.” Y es ese mismo apetito el que lo llevó al lugar donde está. Y no solo hablamos del apetito musical. “No hace mucho tiempo, solía ser bueno para comer –lo sigo siendo. Era un especialista en saber a qué restaurantes ir para encontrar la mejor comida.

Pero, ahora, agregué algunas habilidades culinarias, también. Me gusta ir al mercado y preparar cosas en casa. Me gusta ponerme creativo ahí, también.”

Su amor por la comida es tan grande que -además de dejar en claro que para los shows no necesita nada más que un buen sistema de sonido y una buena cena previa a su presentación- él se describe a sí mismo como un plato de comida. Así es, como leyeron.

“Imaginen un tierno filete de carne argentino, seguido de un pastel belga –perdón, pero lo hacen mejor- de chocolate con helado de vainilla”, nos dice. “Si fuese comida, me gustaría imaginarme así.”

“

¡Mejor que no nos desilusionen!", nos amenazan. Es que, la próxima edición del Ultra Music Festival será la primera vez que lleguen a suelo argentino. “Nunca hemos estado ahí pero nos han contado grandes historias.”

Wouter y Sjoerd se han pasado todo el 2013 produciendo y lanzando algunos de los éxitos que los llevaron a conseguir la popularidad que, hoy en día, terminó de llevarlos a lo más alto de la escena. Comenzando el año con “Cannonbal”, una producción junto a Justin Prime que vio la luz en Spinnin’ Records, Showtek terminó de consolidar ese sonido particular. “Produciendo tracks como 'Booyah', 'Slow Down' y 'Cannonball' hemos logrado nuestro propio sonido que se destaca y la gente está empezando a reconocer eso."

Cuando “Cannonbal” explotó, ninguno de los dos estaba preparado para semejante éxito. “No lo vimos venir hasta que salió el tema. Se convirtió en una de las grandes canciones que sonaban en las radios de Holanda, Bélgica y Francia”, recuerdan.

“Probablemente, fue una de las canciones más tocadas en 2013.” Todo empezó a crecer desde ahí.

Después llegó “Booyah” –junto a We Are Loud y Sonny Wilson- y, con el ingreso en los charts del Reino Unido, terminaron de consolidar ese sonido tan particular. “El mejor momento del 2013 fue cuando ‘Booyah’ llegó a los charts del Reino Unido”, dicen. No quedan dudas 035

que, en el año que pasó, terminaron de asentar su figura como productores sólidos, saliendo del estudio con joyas cada vez mejor recibidas por el público. “Extrañamos el estudio un poco”, declaran. “Estamos viajando mucho en estos momentos. Este año vamos a volver a enloquecer en el estudio”, se auto convencen. Se influencian de todo –“cualquier emoción o energía”- y se la pasan buscando material nuevo que los inspire.

Incluso, empezaron un proyecto interesantísimo llamado “Crazy Collabs” o, en castellano, “Colaboraciones Locas”. Como lo explica el nombre, el proyecto tiene como premisa la coproducción de canciones junto a diferentes artistas del primer nivel.

Un ejemplo claro fueron sus trabajos junto a Hardwell y Tiesto. "Es genial haber colaborado con ellos porque, además, Hardwell tiene experiencia en trabajar con Tiesto. Hemos trabajado durante dos años detrás de la escena, en el estudio, haciendo tracks como 'Maximal Crazy' y 'Chasing Summers', así que hemos estado un poco más de lo que la gente imagina. Nos encanta trabajar con gente diferente y con diversas influencias."

IMPOSIBLES DE CONTROLAR Aunque parezca extraño, los hermanos Sjoerd y Wouter Jansenn empezaron a introducirse en el mundo de la música electrónica gracias a su madre que, nos dicen, un día apareció en su casa con un sintetizador. De ahí en adelante, confiesan, han estado haciendo música

casi a diario. “Cuanto teníamos 15 años empezamos a ir a bares y a discotecas y nos enamoramos de la música electrónica. Estaba en las radios holandesas desde los '90 pero, experimentarlo en persona, es otra cosa.

Incluso, hemos ido a diferentes fiestas y festivales y hemos bailado hasta las 7 de la mañana”, cuentan.

“Mientras tanto, producíamos nuestra propia música pero era muy básica. Wouter sabía tocar el piano y componía sus propios temas y Sjoerd era el que sabía crear y mezclar música en la computadora." Toda esa voluntad terminó dando sus frutos y hoy, además de triunfar como DJs y continuar evolucionando como productores, han creado su propia plataforma para lanzar música con el sello “Skink”. El nombre, en castellano “Escinco”, hace referencia a un extraño réptil. “El sello representa las características de este extraño animal. Elusivo e imposible de controlar, el escinco es un sobreviviente, y funciona como símbolo perfecto de nuestra evolución musical y de nuestra determinación de perdurar en el tiempo con esfuerzo”, explican. Con un excelente equipo que los ayuda, ambos tratan de escuchar todas las promos que les mandan. Pero todavía tienen otros objetivos. “Primero queremos establecer el sello y, después, vamos a empezar a lanzar música de futuros talentos.” Lo cierto es que, estos holandeses hermanos de sangre, tienen un estilo único, que se expande cada vez más.

Y no pretenden dejarlo de lado. “Vamos a hacer más música loca, seguiremos traspasando los límites y disfrutando de cada momento.” djmagla.com

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line up, una increíble producción, escenarios, sonido, luces y visuales que crean una energía indescriptible. Tenés que estar ahí y vivir esa experiencia para entenderlo. ¡Realmente se siente la magia en el aire! “ Adam: “Es grande por una combinación de talentos y de producción, y por la experiencia que le hacemos vivir a los fanáticos. Sólo en la edición de Miami, vendemos tickets para más de 80 países.

La dedicación de nuestro equipo es insuperable. Trabajamos incansablemente todos los días par mantener nuestra prominencia.

Somos el festival electrónico líder de todo el mundo. Actualmente, estamos en 5 continentes, con 9 festivales” ¿Cuándo empiezan a pensar en la próxima edición?

Russell: “Siempre estamos trabajando y, ahora con Ultra en cinco continentes y nueve países, se ha convertido en un año completo de trabajo. Pero lo increíble es que nunca se siente como trabajo. Es una gran ventaja haber seguido una carrera que amás y que te apasiona.”

LOS CREADORES ussell Faibisch y Adam Russakoff son dos de las personalidades más importantes de la industria electrónica internacional. Faibisch puede alardear de haber sido el fundador del Ultra Music Festival, en el año 1999. Nacido y criado en Miami –“Siempre va a ser mi casa”, nos dice-, este joven empresario de 36 años vive en el camino. Su compañero y socio Russakoff, se unió en el 2005 a la familia Ultra para crear una alianza que llevó al festival a convertirse en una de las marcas globales de música electrónica más importantes y más conocidas del mundo. Pasando unos 10 meses fuera de casa por año, siguen el recorrido de Ultra Worldwide en todas sus sedes, y parece que el 2014 los tendrá aún más ocupados…

Russell, empezaste con Ultra en 1999… ¿Qué ocurría en ese entonces? ¿Por qué decidiste hacerlo?

Russell: “El primer festival Ultra se llevó a cabo el 13 de marzo de 1999, en las playas de Miami South Beach. Yo ya estaba produciendo eventos underground en Miami, unos años antes de empezar con el festival. Creé Ultra Productions en 1997 y todos los eventos anteriores al primer festival de 1999 estuvieron siempre llenos.

Quería seguir creciendo y hacer cosas más grandes. Crear algo original que no se había hecho antes en America. Ahí fue cuando mi hermano y yo tuvimos la idea de hacer un festival electrónico en la playa. Siempre me gustaron mucho los festivales y toda la experiencia que se vive en ellos. En 1998, pasé el verano en Europa, viajando a más de 15 países y asistiendo a festivales y fiestas en todos lados. Fue algo muy inspirador.” ¿Qué hacían antes de Ultra?

Russell: “Desde que tengo memoria, siempre tuve profunda devoción por la música electrónica. Me gustaba ir a fiestas y ser parte de esa cultura. Era muy joven en ese entonces y la verdad es que empecé Ultra Productions justo después de terminar la escuela.

Después de ir dos años a la universidad, decidí tomar un descanso y enfocarme en Ultra. Quería ver qué tan lejos podía ir. Tenía mucha presión porque debía ocuparme del negocio familiar, una empresa gigantesca de fianzas que mi padre había gastado unos 50 años en construir. Yo era un garante licenciado del estado de Florida y tenía una oficina en Miami para hacer algo de dinero. Los primeros años de Ultra fueron duros porque nadie creía que podía hacer algo serio de ello. Pero nunca dudé de mi mismo ni puse en duda mi visión.”

Adam: “Yo trabajaba con Made Events, con quienes convertimos el club Vinyl en Club Arc, y desarrollamos arreglos exclusivos con otras discotecas como Sound Factory y The Roxy, entre otras.”

036 djmagla.com

¿Y qué hacen dentro de Ultra? ¿Cuáles son las cosas más importantes con las que tienen que lidiar?

Russell: ”Tengo muchos títulos, creo. Me encargo y soy responsable de todo lo que tenga que ver con Ultra Music Festival. Estos días, uno de mis focos está puesto en la expansión global de Ultra.”

Adam: “Soy Productor Ejecutivo, Buscador de Talentos (“Talent Buyer”) y Director de Negocios.” ¿Qué cosas han cambiado desde los primeros años?

Russell: ”Desde los primeros años, he desarrollado un gran equipo.

Somos más una familia que una empresa tradicional. La pasión que se comparte acerca de lo que hacemos es parte fundamental del armado de Ultra, y los individuos que forman la familia Ultra son los mejores en lo que hacen. Uno de los mejores cambios a lo largo de los años, para mí, fue delegar autoridad a la gente correcta, en los sectores claves de Ultra. Eso me permite trabajar en lo macro del festival y enfocarme en expandir la marca.” ¿Por qué esa marca es tan grande?

Russell: ”No hay nada igual. Cada año, desde la primera edición de Ultra, hemos elevado el nivel, presentando de forma consistente a los mejores artistas con los más altos valores de producción. El armado del festival es único y no hay un lugar en el mundo con tanta magia como en Miami durante marzo. El lugar en sí es majestuoso.

Está ubicado en el medio de un centro urbano, en un hermoso parque frente al agua, inmerso entre rascacielos y el Océano Atlántico. Mientras el clima en muchas partes del mundo es horrible en ese momento, Ultra se trata de diversión, sol, mar, cielos celestes, palmeras, las mujeres más lindas que jamás verás juntas y gente que llega de más de 90 países. Todos juntos para pasar el mejor fin de semana de sus vidas. Todo esto, junto al más diverso y prestigioso

Y, ¿por qué decidieron expandirse a dos semanas el año pasado?

Russell: ”Lo de las dos semanas fue la mejor manera de celebrar los quince años de Ultra. Queríamos hacer algo que ningún otro festival electrónico hubiera hecho antes, en ningún lugar del mundo. Algo especial para nuestros fanáticos, los artistas y la industria que nos han apoyado en todos estos años.”

Adam: “El año pasado fue el décimo quinto aniversario así que debía ser especial, por eso lo hicimos en dos semanas. ¡Fuimos el primer festival electrónico en hacerlo así que fue algo realmente especial!

Fue algo mágico que pudo ser presenciado por más de 300.000 asistentes durante los seis días -o dos fines de semana. Además, tuvimos más de 11 millones de vistas desde nuestra transmisión en vivo, algo que nos demuestra que hemos compartido todo eso con millones de personas alrededor de todo el mundo.”

Adam: “Cuando empecé a trabajar con Ultra, ellos ya tenían una relación con un club en Ibiza. Nuestro modelo internacional se trata de ir hacia nuevos mercados donde vemos que la escena se está desarrollando y donde tenemos un destino sexy que creemos que la gente querrá explorar.” ¿En qué momento se dieron cuenta que la marca era lo suficientemente grande para viajar por el mundo?

Russell: ”Fue por el año 2003 o 2004, cuando empecé a darme cuenta cuántos países estaban siendo representados por fanáticos que llegaban al Ultra de todas partes del mundo. Realmente, se ha convertido en una marca internacional.”

Adam: “Por supuesto, cuando vimos visitantes internacionales que llegaban a Miami de más países de los que podíamos haber imaginado.” ¿Qué ciudades disfrutan del Ultra Music Festival hoy en día?

Russell: “Ciudad del Cabo y Johannesburgo en Sudáfrica. Buenos Aires, en Argentina. Ibiza, en España. Seul, en Corea del Sur. Split y la isla de Hvar en Croacia. Tokio en Japón. San Pablo, en Brasil, y Santiago, en Chile.” ¿Qué países ven con mayor crecimiento?

Russell: “Cada país tiene su propia calidad y cultura que lo hace único en su manera. Ultra ha sido muy bien recibido en todos los territorios donde ha viajado. Diría que la edición de Ultra Europa, en Croacia, es actualmente la más grande edición fuera de Miami.

Es una de las fiestas más lindas del mundo: el mar, las montañas, las islas… La gran diferencia entre Croacia e Ibiza es que la gente ha viajado a las fiestas de Ibiza por más de 30 años, y mucho se ha comercializado en este punto. Pero, en Croacia, todo es fresco, nuevo y muy emocionante.”

Adam: “Ultra Europa en Croacia ha tenido el mayor impacto en su primer año pero Buenos Aires está creciendo con una velocidad impresionante.”

Russel, ¿cuán importante fue Adam en el desarrollo del festival?

Russell: ”Adam y yo empezamos a trabajar juntos en Ultra en el año 2005. Ha jugado un papel fundamental en el continuo crecimiento del festival a lo largo de estos años. Compartimos una inquebrantable pasión por Ultra, por lo que hacemos y también compartimos la visión que tenemos acerca de hacia donde va el festival. Nunca había conocido a nadie que tenga esa pasión por Ultra más allá de mi persona. Él es el mejor en lo que hace y tengo mucho respeto por él. Estoy agradecido de que seamos socios y que sea parte del equipo central de la familia Ultra.”

Tendremos la edición de Buenos Aires en unos días… ¿Cómo describirían la edición argentina?

Russell: ”Ultra Buenos Aires es, definitivamente, una de las mejores ediciones de Ultra Worldwide. La ciudad, la gente, la cultura, la energía… No hay otro lugar igual a Buenos Aires. La hermosa locación en Puerto Madero es perfecta. El apoyo y el cariño que recibimos de los fanáticos de Argentina es abrumador. Ahora que presentamos la tercera edición de Ultra en Buenos Aires, es increíble ver como floreció la marca ahí en los últimos años. Ha crecido hasta convertirse en uno de los mejores festivales de Sudamérica.”

Adam: “Es un show muy especial para mi. Me encanta el público y lo dedicados que son hacia su propia escena. La escena estaba un poco viciada, necesitaba nueva energía así que estamos felices de haber podido llenar el vacío.”

¿Cuándo empezaron a pensar en Ultra Worldwide?

Russell: ”Mi plan de expansión se empezó a formar en 2003. Me tomó tiempo lanzar los primeros eventos. Comenzamos con Ultra Nueva York, en el Central Park de la ciudad de Nueva York en 2005 y 2006. Después, un evento en Puerto Rico en 2006. Luego llegaron los primeros eventos internacionales, como Ultra Brasil y Ultra Ibiza.

El resto es historia…”

Los 3 mejores momentos de Russell

Adam

"Definitivamente, la primera edición de Ultra en 1999, en la playa, al final de la noche, con Rabbit in the Moon y Paul Van Dyk cerrando el mainstage. Ese sentimiento que compartí con mis compañeros fue muy emocionante.

Sabía que habíamos creado algo muy especial."

1

"Madonna presentándose en el escenario junto a Avicii."

"Miami, el año pasado. Armar dos fines de semana después de todos los obstáculos que tuvimos que pasar fue épico."

2

"La última performance de los chicos de Swedish House Mafia."

"El tercero sería Buenos Aires, el año pasado. ¡La noche del sábado fue una locura! Llovió toda la noche y al público no parecía importarle. Se iba llenando y llenando cada vez más, hasta que se convirtió en un mar de gente. Los argentinos son intensos y saben como vivir una fiesta.”

3

"Los dos fines de semana que realizamos el año pasado."

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line up, una increíble producción, escenarios, sonido, luces y visuales que crean una energía indescriptible. Tenés que estar ahí y vivir esa experiencia para entenderlo. ¡Realmente se siente la magia en el aire! “ Adam: “Es grande por una combinación de talentos y de producción, y por la experiencia que le hacemos vivir a los fanáticos. Sólo en la edición de Miami, vendemos tickets para más de 80 países.

La dedicación de nuestro equipo es insuperable. Trabajamos incansablemente todos los días par mantener nuestra prominencia.

Somos el festival electrónico líder de todo el mundo. Actualmente, estamos en 5 continentes, con 9 festivales” ¿Cuándo empiezan a pensar en la próxima edición?

Russell: “Siempre estamos trabajando y, ahora con Ultra en cinco continentes y nueve países, se ha convertido en un año completo de trabajo. Pero lo increíble es que nunca se siente como trabajo. Es una gran ventaja haber seguido una carrera que amás y que te apasiona.”

LOS CREADORES ussell Faibisch y Adam Russakoff son dos de las personalidades más importantes de la industria electrónica internacional. Faibisch puede alardear de haber sido el fundador del Ultra Music Festival, en el año 1999. Nacido y criado en Miami –“Siempre va a ser mi casa”, nos dice-, este joven empresario de 36 años vive en el camino. Su compañero y socio Russakoff, se unió en el 2005 a la familia Ultra para crear una alianza que llevó al festival a convertirse en una de las marcas globales de música electrónica más importantes y más conocidas del mundo. Pasando unos 10 meses fuera de casa por año, siguen el recorrido de Ultra Worldwide en todas sus sedes, y parece que el 2014 los tendrá aún más ocupados…

Russell, empezaste con Ultra en 1999… ¿Qué ocurría en ese entonces? ¿Por qué decidiste hacerlo?

Russell: “El primer festival Ultra se llevó a cabo el 13 de marzo de 1999, en las playas de Miami South Beach. Yo ya estaba produciendo eventos underground en Miami, unos años antes de empezar con el festival. Creé Ultra Productions en 1997 y todos los eventos anteriores al primer festival de 1999 estuvieron siempre llenos.

Quería seguir creciendo y hacer cosas más grandes. Crear algo original que no se había hecho antes en America. Ahí fue cuando mi hermano y yo tuvimos la idea de hacer un festival electrónico en la playa. Siempre me gustaron mucho los festivales y toda la experiencia que se vive en ellos. En 1998, pasé el verano en Europa, viajando a más de 15 países y asistiendo a festivales y fiestas en todos lados. Fue algo muy inspirador.” ¿Qué hacían antes de Ultra?

Russell: “Desde que tengo memoria, siempre tuve profunda devoción por la música electrónica. Me gustaba ir a fiestas y ser parte de esa cultura. Era muy joven en ese entonces y la verdad es que empecé Ultra Productions justo después de terminar la escuela.

Después de ir dos años a la universidad, decidí tomar un descanso y enfocarme en Ultra. Quería ver qué tan lejos podía ir. Tenía mucha presión porque debía ocuparme del negocio familiar, una empresa gigantesca de fianzas que mi padre había gastado unos 50 años en construir. Yo era un garante licenciado del estado de Florida y tenía una oficina en Miami para hacer algo de dinero. Los primeros años de Ultra fueron duros porque nadie creía que podía hacer algo serio de ello. Pero nunca dudé de mi mismo ni puse en duda mi visión.”

Adam: “Yo trabajaba con Made Events, con quienes convertimos el club Vinyl en Club Arc, y desarrollamos arreglos exclusivos con otras discotecas como Sound Factory y The Roxy, entre otras.”

036 djmagla.com

¿Y qué hacen dentro de Ultra? ¿Cuáles son las cosas más importantes con las que tienen que lidiar?

Russell: ”Tengo muchos títulos, creo. Me encargo y soy responsable de todo lo que tenga que ver con Ultra Music Festival. Estos días, uno de mis focos está puesto en la expansión global de Ultra.”

Adam: “Soy Productor Ejecutivo, Buscador de Talentos (“Talent Buyer”) y Director de Negocios.” ¿Qué cosas han cambiado desde los primeros años?

Russell: ”Desde los primeros años, he desarrollado un gran equipo.

Somos más una familia que una empresa tradicional. La pasión que se comparte acerca de lo que hacemos es parte fundamental del armado de Ultra, y los individuos que forman la familia Ultra son los mejores en lo que hacen. Uno de los mejores cambios a lo largo de los años, para mí, fue delegar autoridad a la gente correcta, en los sectores claves de Ultra. Eso me permite trabajar en lo macro del festival y enfocarme en expandir la marca.” ¿Por qué esa marca es tan grande?

Russell: ”No hay nada igual. Cada año, desde la primera edición de Ultra, hemos elevado el nivel, presentando de forma consistente a los mejores artistas con los más altos valores de producción. El armado del festival es único y no hay un lugar en el mundo con tanta magia como en Miami durante marzo. El lugar en sí es majestuoso.

Está ubicado en el medio de un centro urbano, en un hermoso parque frente al agua, inmerso entre rascacielos y el Océano Atlántico. Mientras el clima en muchas partes del mundo es horrible en ese momento, Ultra se trata de diversión, sol, mar, cielos celestes, palmeras, las mujeres más lindas que jamás verás juntas y gente que llega de más de 90 países. Todos juntos para pasar el mejor fin de semana de sus vidas. Todo esto, junto al más diverso y prestigioso

Y, ¿por qué decidieron expandirse a dos semanas el año pasado?

Russell: ”Lo de las dos semanas fue la mejor manera de celebrar los quince años de Ultra. Queríamos hacer algo que ningún otro festival electrónico hubiera hecho antes, en ningún lugar del mundo. Algo especial para nuestros fanáticos, los artistas y la industria que nos han apoyado en todos estos años.”

Adam: “El año pasado fue el décimo quinto aniversario así que debía ser especial, por eso lo hicimos en dos semanas. ¡Fuimos el primer festival electrónico en hacerlo así que fue algo realmente especial!

Fue algo mágico que pudo ser presenciado por más de 300.000 asistentes durante los seis días -o dos fines de semana. Además, tuvimos más de 11 millones de vistas desde nuestra transmisión en vivo, algo que nos demuestra que hemos compartido todo eso con millones de personas alrededor de todo el mundo.”

Adam: “Cuando empecé a trabajar con Ultra, ellos ya tenían una relación con un club en Ibiza. Nuestro modelo internacional se trata de ir hacia nuevos mercados donde vemos que la escena se está desarrollando y donde tenemos un destino sexy que creemos que la gente querrá explorar.” ¿En qué momento se dieron cuenta que la marca era lo suficientemente grande para viajar por el mundo?

Russell: ”Fue por el año 2003 o 2004, cuando empecé a darme cuenta cuántos países estaban siendo representados por fanáticos que llegaban al Ultra de todas partes del mundo. Realmente, se ha convertido en una marca internacional.”

Adam: “Por supuesto, cuando vimos visitantes internacionales que llegaban a Miami de más países de los que podíamos haber imaginado.” ¿Qué ciudades disfrutan del Ultra Music Festival hoy en día?

Russell: “Ciudad del Cabo y Johannesburgo en Sudáfrica. Buenos Aires, en Argentina. Ibiza, en España. Seul, en Corea del Sur. Split y la isla de Hvar en Croacia. Tokio en Japón. San Pablo, en Brasil, y Santiago, en Chile.” ¿Qué países ven con mayor crecimiento?

Russell: “Cada país tiene su propia calidad y cultura que lo hace único en su manera. Ultra ha sido muy bien recibido en todos los territorios donde ha viajado. Diría que la edición de Ultra Europa, en Croacia, es actualmente la más grande edición fuera de Miami.

Es una de las fiestas más lindas del mundo: el mar, las montañas, las islas… La gran diferencia entre Croacia e Ibiza es que la gente ha viajado a las fiestas de Ibiza por más de 30 años, y mucho se ha comercializado en este punto. Pero, en Croacia, todo es fresco, nuevo y muy emocionante.”

Adam: “Ultra Europa en Croacia ha tenido el mayor impacto en su primer año pero Buenos Aires está creciendo con una velocidad impresionante.”

Russel, ¿cuán importante fue Adam en el desarrollo del festival?

Russell: ”Adam y yo empezamos a trabajar juntos en Ultra en el año 2005. Ha jugado un papel fundamental en el continuo crecimiento del festival a lo largo de estos años. Compartimos una inquebrantable pasión por Ultra, por lo que hacemos y también compartimos la visión que tenemos acerca de hacia donde va el festival. Nunca había conocido a nadie que tenga esa pasión por Ultra más allá de mi persona. Él es el mejor en lo que hace y tengo mucho respeto por él. Estoy agradecido de que seamos socios y que sea parte del equipo central de la familia Ultra.”

Tendremos la edición de Buenos Aires en unos días… ¿Cómo describirían la edición argentina?

Russell: ”Ultra Buenos Aires es, definitivamente, una de las mejores ediciones de Ultra Worldwide. La ciudad, la gente, la cultura, la energía… No hay otro lugar igual a Buenos Aires. La hermosa locación en Puerto Madero es perfecta. El apoyo y el cariño que recibimos de los fanáticos de Argentina es abrumador. Ahora que presentamos la tercera edición de Ultra en Buenos Aires, es increíble ver como floreció la marca ahí en los últimos años. Ha crecido hasta convertirse en uno de los mejores festivales de Sudamérica.”

Adam: “Es un show muy especial para mi. Me encanta el público y lo dedicados que son hacia su propia escena. La escena estaba un poco viciada, necesitaba nueva energía así que estamos felices de haber podido llenar el vacío.”

¿Cuándo empezaron a pensar en Ultra Worldwide?

Russell: ”Mi plan de expansión se empezó a formar en 2003. Me tomó tiempo lanzar los primeros eventos. Comenzamos con Ultra Nueva York, en el Central Park de la ciudad de Nueva York en 2005 y 2006. Después, un evento en Puerto Rico en 2006. Luego llegaron los primeros eventos internacionales, como Ultra Brasil y Ultra Ibiza.

El resto es historia…”

Los 3 mejores momentos de Russell

Adam

"Definitivamente, la primera edición de Ultra en 1999, en la playa, al final de la noche, con Rabbit in the Moon y Paul Van Dyk cerrando el mainstage. Ese sentimiento que compartí con mis compañeros fue muy emocionante.

Sabía que habíamos creado algo muy especial."

1

"Madonna presentándose en el escenario junto a Avicii."

"Miami, el año pasado. Armar dos fines de semana después de todos los obstáculos que tuvimos que pasar fue épico."

2

"La última performance de los chicos de Swedish House Mafia."

"El tercero sería Buenos Aires, el año pasado. ¡La noche del sábado fue una locura! Llovió toda la noche y al público no parecía importarle. Se iba llenando y llenando cada vez más, hasta que se convirtió en un mar de gente. Los argentinos son intensos y saben como vivir una fiesta.”

3

"Los dos fines de semana que realizamos el año pasado."

djmagla.com 037

DE LOCAL

Luego de un excelente 2013, Uner nos presenta su álbum de estudio “Tune432”. Un trabajo armónico que grabó íntegramente en la frecuencia natural del universo…

038

djmagla.com

Abanderado de la última ola de artistas españoles que se lanzaron por el mundo con un sonido consolidado, Manuel García Guerra, conocido bajo el alias Uner, ha transitado un 2013 realmente interesante. Sus presentaciones en la isla de Ibiza lo posicionaron en lo más alto del verano europeo y eso le permitió mantenerse firme en las fiestas “Ants” e “Insane” de la isla y así, también, ser convocado para compartir cabina junto a Carl Cox en “Space”, o ser parte de las fiestas de cierre de las “Neon Nights” de Solomun y de la discoteca “Ushuaia”, donde tocaron artistas como Loco Dice, Joris Voorn, Nic Fanciuli o Maya Jane Coles. “Amo esa isla”, deja en claro cuando abordamos sus logros del 2013. Lo cierto es que mucha gente ama esa isla y, para muchos, lo que ocurre ahí durante el verano europeo, es fundamental para la industria internacional. “Hemos tenido una conexión con el público de la isla que ha sido excelente, con mucha energía positiva. Hicimos grandes amigos. Pudimos trabajar y repetir sensaciones con grandes profesionales y, sobre todo, pude aprender aún más de lo que ya venía aprendiendo en años anteriores” nos dice el ganador del premio a “Artista Revelación” de los “DJ Awards” que se entregan en la isla, cuando llega el fin del verano. “Ganar el premio fue algo increíble.

Sobre todo, contando que la nominación es internacional. No pintaba nada fácil pero todo el esfuerzo y el trabajo duro del verano, culminó con la piedra verde”, haciendo referencia a la estatuilla que entregan los premios, a la que comúnmente llaman “criptonita”. Nominado junto a Andrea Oliva, Dannic, Francesca Lombardo, Hector, Hot Since 82, Mano Le Tough y Omnia, se dio el lujo de alzarse con el premio el 25 de septiembre y lo analiza con una visión particular. “Era realmente difícil.

Sobre todo, teniendo en cuenta que había dos artistas del mainstream. Y, sabiendo la cantidad de seguidores fieles que tienen, ya que la votación es pública, uno imaginaba que se iba a complicar… Pero nuestros seguidores fueron aún más fieles. Aún no me lo creo”. Y cuando él nos habla del mainstream, vamos por el underground y consultamos por aquellas fiestas nuevas que se concibieron en las grandes discotecas de la isla y la respuesta parece tener lógica.

“La verdad es que el underground ha tenido una gran fuerza este año. Aunque, desde mi humilde opinión, creo que había demasiadas fiestas. Yo creo que los ‘nuevos movimientos’ deben darse poco a poco. Y creo que el año que viene veremos desaparecer algunas de esas fiestas, para que otras se consoliden aún más. Es un proceso generacional que durará un par de años más, hasta que el underground esté al mismo nivel que el mainstream”, explica. “Vamos por el buen camino. Creo que es algo bueno y necesario para la escena en general ya que mucha de la gente que va a Ibiza está empezando a escuchar sonidos que no conocía y cambiando su tendencia hacia un sonido más serio.”

Es cierto que, aunque Ibiza ascienda como uno de los sitios más ricos en propuestas electrónicas, la escena española se ha encontrado, desde siempre, algo relegada con respecto a otras europeas, como la inglesa o la alemana. Incluso, aunque la isla forme parte de España, el 95% del

mercado ibicenco está controlado por artistas y promotores extranjeros. “¡Destacar en tu propia tierra siempre es un hito!”, se emociona. “Creo que este año, en general, hemos demostrado, no solo yo sino todos los artistas españoles, que estamos a la altura de las circunstancias y que tenemos el mismo nivel que cualquier otro artista”. ¡Nosotros pensamos igual! Y se lo hacemos saber… “Creo que, en unos años, estaremos a la cabeza de un movimiento y, con eso, que se preparen algunos europeos”, bromea.

De cualquier manera y aunque no esté ‘a la cabeza’, Uner puede estar tranquilo de que está haciendo bien su trabajo. Sus más de 100 presentaciones de este año, junto a su debut en tierras norteamericanas, lo indican. “Mi primer tour por América es una de las cosas que más me ha emocionado en los últimos tiempos, y que más me ha sorprendido. Sobre todo, por conocer un mercado tan gigante y que, para mí, era desconocido”. Y enseguida nos quiere conquistar: “¡Ahora toca conocer Sudamérica!”. Lugar que visitaría más adelante, presentándose en la discoteca “Joia” de Lima, “La Feria” en Santiago de Chile y “Casa Benalcazar” de la ciudad de Quito, en Ecuador, a mediados de enero.

FRECUENCIA NATURAL

Su nuevo álbum “Tune432” vio la luz el 3 de febrero en Diynamic, uno de los sellos orientados al house más importantes de la actualidad que es considerado, por él mismo, su segundo hogar.

“Lo lanzamos en Diynamic porque este álbum vendría a ser la culminación de estos primeros cuatro años de Uner. Así, marcar un paso más y mirar otros objetivos. ¿Y qué mejor que Diynamic para cerrar este ciclo? Fue el primer sello en el que edité como Uner, y la casa en la que hemos trabajado durante estos cuatro intensos años.”

En el pasado mes de agosto, el sello Diynamic, propiedad del productor alemán Solomun, lanzó el “Four Consecutive EP”. El lanzamiento que contaba con dos tracks inéditos del español, “LFO” y “Undisclosed”, era un pequeño adelanto de lo que vería la luz en el inicio de este 2014. Los sonidos analógicos que presentaban estas dos producciones y la energía que desprendían, nos obligaron a esperar bien atentos la salida de la obra completa. “Escogí esos dos temas porque, quizás, representan esa parte más analógica, y con miras al futuro, que quiero representar en el álbum. Un Uner 4.0.”

Según nos cuenta, de una selección de veintidós canciones que habían superado las “pruebas de calidad” para formar parte del álbum, terminó incluyendo trece de ellas en “Tune432”. “13 temas desde lo más profundo de mi alma.

Simplemente música. Sin etiquetas”, cuenta un Uner que se pasó más de un año trabajando en su opera prima.

“Tenía muchas ganas de trabajar en un álbum para salir de la ‘rutina’ del trabajo de EP y explorar nuevos sonidos y nuevos conceptos como artista. En un EP, muchas veces estás limitado a hacer música para tocar. En un álbum, también puedes incluir cosas más personales e, incluso, música para escuchar y sentir. El

concepto es totalmente diferente, tanto en la idea, como en la sonoridad, como en la armonía.”

Y vaya si es diferente. Como indica su nombre, el álbum está íntegramente afinado a 432 hertz, una de las características que más llama la atención. ¿Por qué afinar todo a esa frecuencia?

“Para conseguir un sonido más dulce y natural”, nos responde. Lo cierto es que, esa frecuencia que quedará impresa para siempre en el título del primer álbum de estudio de Uner, es considerada la “frecuencia natural del universo” y, por esas características, permite una relación mucho más orgánica con el oyente.

HOY Y MAÑANA

Su trabajo en el estudio es incuestionable y los resultados están a las claras. Pero, ¿cómo sería ver a Uner en vivo? ¿Con qué nos encontraríamos?

“Hace un tiempo, justo antes del verano pasado, empecé un nuevo concepto que tiene que ver con mezclar el live set con el DJ set.” ¡No para de sorprendernos! “De cualquier manera, todo depende de los espacios físicos del club. Pero todo se mueve en torno al ‘Ableton’ y el ‘Traktor’, tocando música a cuatro pistas, mas ‘Maschine’ y mis temas en formato live. Para mí, es algo muy divertido. Y eso es lo que busco: divertirme en la cabina para hacer que la gente se divierta. No sé qué formato estaré utilizando dentro de un año pero, por ahora, este el que se adapta a lo que quiero hacer y hacia donde quiero llegar.” Y aunque habla del futuro, no quiere largar mucho. ¿Hacia dónde quiere llegar? Sabemos que está preparando un nuevo sello pero no parece querer decirnos nada acerca de eso. “No soy de pensar mucho en el futuro. Hay tantas cosas para hacer en el presente que prefiero concentrarme en ellas. Mis objetivos son seguir haciendo música, repartirla también con el nuevo sello, continuar reinventando a Uner en cada disco, en cada sesión y en cada idea que tenga en conjunto con mi equipo. Sorprender e, incluso, disgustar para crear esa reacción necesaria antes de la sorpresa.

Seguir viajando por todo el mundo y ser padre.”

Ojalá sea padre y, ojalá, siga viajando y podamos verlo en nuestras tierras más seguido.

“La escena latinoamericana es, para mí, una de las más dulces y a la vez más cercanas a la española. Somos de sangre caliente. Hace poquito tuve el privilegio de pasar por allá y fue algo maravilloso. Creo que también hay planes para Argentina. Realmente, es un lugar que me encantaría conocer, por su extraordinaria energía.” Y acá, lo vamos a esperar. “Guti, por ejemplo, es un buen amigo y artista que conozco de por allá. Aunque también (Hernán) Cattaneo se me venga a la cabeza. Un clásico.”

Coincidimos con él y le ofrecemos dejarle el cierre, preguntándole qué espera para este 2014.

“Mucha salud, mucha música y mucho amor.

Seguir trabajando con la gente que trabajo y, por supuesto, para la gente que trabajo en cada disco y en cada show: el público. Sin más pretensiones que disfrutar y seguir amando a la música por encima de todo.” djmagla.com

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DE LOCAL

Luego de un excelente 2013, Uner nos presenta su álbum de estudio “Tune432”. Un trabajo armónico que grabó íntegramente en la frecuencia natural del universo…

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Abanderado de la última ola de artistas españoles que se lanzaron por el mundo con un sonido consolidado, Manuel García Guerra, conocido bajo el alias Uner, ha transitado un 2013 realmente interesante. Sus presentaciones en la isla de Ibiza lo posicionaron en lo más alto del verano europeo y eso le permitió mantenerse firme en las fiestas “Ants” e “Insane” de la isla y así, también, ser convocado para compartir cabina junto a Carl Cox en “Space”, o ser parte de las fiestas de cierre de las “Neon Nights” de Solomun y de la discoteca “Ushuaia”, donde tocaron artistas como Loco Dice, Joris Voorn, Nic Fanciuli o Maya Jane Coles. “Amo esa isla”, deja en claro cuando abordamos sus logros del 2013. Lo cierto es que mucha gente ama esa isla y, para muchos, lo que ocurre ahí durante el verano europeo, es fundamental para la industria internacional. “Hemos tenido una conexión con el público de la isla que ha sido excelente, con mucha energía positiva. Hicimos grandes amigos. Pudimos trabajar y repetir sensaciones con grandes profesionales y, sobre todo, pude aprender aún más de lo que ya venía aprendiendo en años anteriores” nos dice el ganador del premio a “Artista Revelación” de los “DJ Awards” que se entregan en la isla, cuando llega el fin del verano. “Ganar el premio fue algo increíble.

Sobre todo, contando que la nominación es internacional. No pintaba nada fácil pero todo el esfuerzo y el trabajo duro del verano, culminó con la piedra verde”, haciendo referencia a la estatuilla que entregan los premios, a la que comúnmente llaman “criptonita”. Nominado junto a Andrea Oliva, Dannic, Francesca Lombardo, Hector, Hot Since 82, Mano Le Tough y Omnia, se dio el lujo de alzarse con el premio el 25 de septiembre y lo analiza con una visión particular. “Era realmente difícil.

Sobre todo, teniendo en cuenta que había dos artistas del mainstream. Y, sabiendo la cantidad de seguidores fieles que tienen, ya que la votación es pública, uno imaginaba que se iba a complicar… Pero nuestros seguidores fueron aún más fieles. Aún no me lo creo”. Y cuando él nos habla del mainstream, vamos por el underground y consultamos por aquellas fiestas nuevas que se concibieron en las grandes discotecas de la isla y la respuesta parece tener lógica.

“La verdad es que el underground ha tenido una gran fuerza este año. Aunque, desde mi humilde opinión, creo que había demasiadas fiestas. Yo creo que los ‘nuevos movimientos’ deben darse poco a poco. Y creo que el año que viene veremos desaparecer algunas de esas fiestas, para que otras se consoliden aún más. Es un proceso generacional que durará un par de años más, hasta que el underground esté al mismo nivel que el mainstream”, explica. “Vamos por el buen camino. Creo que es algo bueno y necesario para la escena en general ya que mucha de la gente que va a Ibiza está empezando a escuchar sonidos que no conocía y cambiando su tendencia hacia un sonido más serio.”

Es cierto que, aunque Ibiza ascienda como uno de los sitios más ricos en propuestas electrónicas, la escena española se ha encontrado, desde siempre, algo relegada con respecto a otras europeas, como la inglesa o la alemana. Incluso, aunque la isla forme parte de España, el 95% del

mercado ibicenco está controlado por artistas y promotores extranjeros. “¡Destacar en tu propia tierra siempre es un hito!”, se emociona. “Creo que este año, en general, hemos demostrado, no solo yo sino todos los artistas españoles, que estamos a la altura de las circunstancias y que tenemos el mismo nivel que cualquier otro artista”. ¡Nosotros pensamos igual! Y se lo hacemos saber… “Creo que, en unos años, estaremos a la cabeza de un movimiento y, con eso, que se preparen algunos europeos”, bromea.

De cualquier manera y aunque no esté ‘a la cabeza’, Uner puede estar tranquilo de que está haciendo bien su trabajo. Sus más de 100 presentaciones de este año, junto a su debut en tierras norteamericanas, lo indican. “Mi primer tour por América es una de las cosas que más me ha emocionado en los últimos tiempos, y que más me ha sorprendido. Sobre todo, por conocer un mercado tan gigante y que, para mí, era desconocido”. Y enseguida nos quiere conquistar: “¡Ahora toca conocer Sudamérica!”. Lugar que visitaría más adelante, presentándose en la discoteca “Joia” de Lima, “La Feria” en Santiago de Chile y “Casa Benalcazar” de la ciudad de Quito, en Ecuador, a mediados de enero.

FRECUENCIA NATURAL

Su nuevo álbum “Tune432” vio la luz el 3 de febrero en Diynamic, uno de los sellos orientados al house más importantes de la actualidad que es considerado, por él mismo, su segundo hogar.

“Lo lanzamos en Diynamic porque este álbum vendría a ser la culminación de estos primeros cuatro años de Uner. Así, marcar un paso más y mirar otros objetivos. ¿Y qué mejor que Diynamic para cerrar este ciclo? Fue el primer sello en el que edité como Uner, y la casa en la que hemos trabajado durante estos cuatro intensos años.”

En el pasado mes de agosto, el sello Diynamic, propiedad del productor alemán Solomun, lanzó el “Four Consecutive EP”. El lanzamiento que contaba con dos tracks inéditos del español, “LFO” y “Undisclosed”, era un pequeño adelanto de lo que vería la luz en el inicio de este 2014. Los sonidos analógicos que presentaban estas dos producciones y la energía que desprendían, nos obligaron a esperar bien atentos la salida de la obra completa. “Escogí esos dos temas porque, quizás, representan esa parte más analógica, y con miras al futuro, que quiero representar en el álbum. Un Uner 4.0.”

Según nos cuenta, de una selección de veintidós canciones que habían superado las “pruebas de calidad” para formar parte del álbum, terminó incluyendo trece de ellas en “Tune432”. “13 temas desde lo más profundo de mi alma.

Simplemente música. Sin etiquetas”, cuenta un Uner que se pasó más de un año trabajando en su opera prima.

“Tenía muchas ganas de trabajar en un álbum para salir de la ‘rutina’ del trabajo de EP y explorar nuevos sonidos y nuevos conceptos como artista. En un EP, muchas veces estás limitado a hacer música para tocar. En un álbum, también puedes incluir cosas más personales e, incluso, música para escuchar y sentir. El

concepto es totalmente diferente, tanto en la idea, como en la sonoridad, como en la armonía.”

Y vaya si es diferente. Como indica su nombre, el álbum está íntegramente afinado a 432 hertz, una de las características que más llama la atención. ¿Por qué afinar todo a esa frecuencia?

“Para conseguir un sonido más dulce y natural”, nos responde. Lo cierto es que, esa frecuencia que quedará impresa para siempre en el título del primer álbum de estudio de Uner, es considerada la “frecuencia natural del universo” y, por esas características, permite una relación mucho más orgánica con el oyente.

HOY Y MAÑANA

Su trabajo en el estudio es incuestionable y los resultados están a las claras. Pero, ¿cómo sería ver a Uner en vivo? ¿Con qué nos encontraríamos?

“Hace un tiempo, justo antes del verano pasado, empecé un nuevo concepto que tiene que ver con mezclar el live set con el DJ set.” ¡No para de sorprendernos! “De cualquier manera, todo depende de los espacios físicos del club. Pero todo se mueve en torno al ‘Ableton’ y el ‘Traktor’, tocando música a cuatro pistas, mas ‘Maschine’ y mis temas en formato live. Para mí, es algo muy divertido. Y eso es lo que busco: divertirme en la cabina para hacer que la gente se divierta. No sé qué formato estaré utilizando dentro de un año pero, por ahora, este el que se adapta a lo que quiero hacer y hacia donde quiero llegar.” Y aunque habla del futuro, no quiere largar mucho. ¿Hacia dónde quiere llegar? Sabemos que está preparando un nuevo sello pero no parece querer decirnos nada acerca de eso. “No soy de pensar mucho en el futuro. Hay tantas cosas para hacer en el presente que prefiero concentrarme en ellas. Mis objetivos son seguir haciendo música, repartirla también con el nuevo sello, continuar reinventando a Uner en cada disco, en cada sesión y en cada idea que tenga en conjunto con mi equipo. Sorprender e, incluso, disgustar para crear esa reacción necesaria antes de la sorpresa.

Seguir viajando por todo el mundo y ser padre.”

Ojalá sea padre y, ojalá, siga viajando y podamos verlo en nuestras tierras más seguido.

“La escena latinoamericana es, para mí, una de las más dulces y a la vez más cercanas a la española. Somos de sangre caliente. Hace poquito tuve el privilegio de pasar por allá y fue algo maravilloso. Creo que también hay planes para Argentina. Realmente, es un lugar que me encantaría conocer, por su extraordinaria energía.” Y acá, lo vamos a esperar. “Guti, por ejemplo, es un buen amigo y artista que conozco de por allá. Aunque también (Hernán) Cattaneo se me venga a la cabeza. Un clásico.”

Coincidimos con él y le ofrecemos dejarle el cierre, preguntándole qué espera para este 2014.

“Mucha salud, mucha música y mucho amor.

Seguir trabajando con la gente que trabajo y, por supuesto, para la gente que trabajo en cada disco y en cada show: el público. Sin más pretensiones que disfrutar y seguir amando a la música por encima de todo.” djmagla.com

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l ascenso de estos dos artistas belgas está muy relacionado con la exposición que consiguieron al ser residentes del festival Tomorrowland pero no se han quedado en eso. Dimitri y Michael han sabido imprimir el sonido del momento en sus producciones y, la locura, en sus presentaciones. Los encontramos de vacaciones en América Central, disfrutando de un merecido descanso, y hablamos con ellos acerca de su paso por Latinoamérica y el 2013 que terminó.

E

¿Cómo está todo en su tierra natal?

“Por lo que sabemos, bien. Probablemente, no tan soleado como acá.”

¿Cómo describirían a su familia?

DIFUNDIENDO! LA LOCURA El 2013 fue el año de los hermanos Thivaios.

Conocidos mundialmente como Dimitri Vegas & Like Mike, su fama creció cuando se convirtieron en los anfitriones de Tomorrowland. Este año, además de ubicar 7 producciones en el número 1 de Beatport, consiguieron el sexto puesto en el ranking de DJ Mag.

040 djmagla.com

“Somos muy unidos. Obviamente, somos hermanos y pasamos mucho tiempo juntos, y siempre recibimos mucho apoyo de nuestra familia. Si pueden ver el aftermovie que hicimos con ‘Smash the House’ de Tomorrowland van a ver que subimos a nuestros padres y a nuestros abuelos al escenario. ¡Incluso dejamos que nuestro papá mezclara un track!” ¿Qué música escuchaban cuando eran niños?

“Escuchábamos muchos géneros diferentes pero lo que más nos gustaba eran los pioneros del hip hop como Biggie Smalls y Tupac.” ¿Cómo llegaron a la música electrónica?

“Empezamos experimentando con la música a muy temprana edad. Yo modifiqué mi Walkman cuando era un niño así podía hacer cosas especiales y cambiar los tonos de algunos tracks. ¡De alguna manera hay que empezar!”

personas Angello. de vista de la cómo desarrollaron Swedish House Mafia. gran inspiración acerca hacer en este camino y en ¿Qué pasó en el estudio “Estabamos on fire. Parecía sacábamos un track atrás en el estudio y, apenas los la reacción a cada uno de increíble. Todavía tenemos material que no hemos -ni siquiera tocado- y será impresionante.

2013 con siete números y el último, el remix de ‘Eat

¿Quiénes fueron sus mayores influencias?

“Definitivamente, como Axwell y Steve Ambos, desde el punto producción y de todo el concepto de Esa ha sido una de lo que podés tus shows.” en el 2013? que de otro tirábamos, ellos era mucho lanzado sabemos que Terminamos el uno en Beatport Sleep Rave Repeat’,

fue el último número uno del 2013 y el primero del 2014. Una buena forma de terminar un año y de empezar otro.” ¿Ese éxito se produjo por un cambio en la producción o fue la exposición que tuvieron con sus presentaciones en los festivales?

“Creo que fue una culminación de cosas. Si, seguramente toda la exposición que tuvimos este año encabezando festivales y grandes clubes ha engordado nuestra base de fanáticos.

Nuestra página de Facebook supera los tres millones de fans, algo muy loco. Pero creo que nuestro sonido es, definitivamente, el sonido de ahora. El sonido que la gente quiere escuchar cuando está en la pista. Es grande, intrépido, tiene unas melodías matadoras y los drops y las líneas de bajos son incluso mejores. Nuestro sonido se volvió un poco más duro en los últimos doce meses. La música que hacemos corresponde con nuestras performances. Hacemos la música que queremos tocar y el sonido que estamos tocando se vuelve más firme.” ¿En dónde tienen el estudio?

“Tenemos el estudio armado en nuestra casa pero, como todos los veranos nos mudamos a Ibiza, construimos otro allá. ¡Sería imposible estar lejos de nuestro equipos por tanto tiempo!” ¿Siguen viviendo en el mismo lugar donde crecieron?

“Si, vivimos en Willebroek, la ciudad que le sigue a Boom. ¡No es lejos! Bélgica es un país muy pequeño, especialmente, comparado con muchos de los países latinoamericanos.

Cuando éramos chicos, solíamos ir a los campos de Boom donde ahora se hace Tomorrowland. Es muy loco que ahora seamos los anfitriones del festival que se lleva a cabo donde jugábamos de niños.” ¿Cuán importante es recibir el apoyo de un festival como Tomorrowland?

“Absolutamente vital. Para nosotros fue de lo mejor de nuestra carrera. Ser nombrados residentes y que explote como lo hizo y se convierta el festival más comentado del mundo, fue algo clave. Estamos muy orgullosos de habernos asociado con Tomorrowland y, por supuesto, ahora, TomorrowWorld. Es una relación que queremos mantener por muchos años.” ¿Cómo se convirtieron en anfitriones del evento?

“Cuando tocamos ahí por primera vez, llamamos la atención de la gente que organiza Tomorrowland -la compañía ID&T- y, también, que seamos de Bélgica -de hecho, bien cerquita de Boom-, fue afianzando la relación hasta donde estamos hoy.” ¿Cómo describirían a Tomorrowland y a TomorrowWorld?

“Tenés que experimentarlo para creerlo. Son un verdadero agasajo para los sentidos. La música, la gente, la atmósfera del lugar, la decoración... Es como un lugar mágico que, durante tres días, suspende la realidad y la gente de todo el mundo se junta para escuchar a los mejores artistas del mundo. Es magia. No hay nada parecido en la tierra. Hay algo acerca de Tomorrowland que lo diferencia de cualquier otro festival. Es muy difícil de explicar. Definitivamente, tenés que experimentarlo por tu cuenta.”

¿Trabajan juntos en el estudio?

“En realidad, tenemos nuestros propios estudios y solemos trabajar separados cuando hacemos música. Uno escribe una parte, el otro la escucha y hace algunos cambios, sugerencias, le agrega algo y va y vuelve hasta que estamos felices con el track.”

Parece que disfrutan mucho sobre el escenario. ¿Disfrutan con la misma energía cuando ven otras performances?

“Los dos amamos la música. Obviamente, es difícil para nosotros poder disfrutar las performances de otros porque estamos saliendo o tenemos entrevistas para hacer. Pero, si tenemos esa suerte, si, por supuesto. Los disfrutamos. Lo malo es que no podemos verlos desde la pista. No es lo mismo verlos desde el back stage.” ¿Siempre mantienen ese humor fiestero que demuestran en sus presentaciones?

“No somos todo ‘fiesta, fiesta, fiesta’. No podes ser así y llegar a la cima. Tenés que saber cuándo cambiar y lidiar con las cuestiones serias del negocio. No es lo mismo entrar al estudio que subir al escenario. Por suerte, no es difícil cambiar al ‘modo fiesta’ con un trabajo como el nuestro.” ¿Qué fue lo mejor del 2013?

“Definitivamente, fue ‘Bringing Home The Madness’, nuestro primer show grande. Fue la mejor forma de coronar este año.

Han sido, realmente, los mejores doce meses de nuestras vidas. Tuvimos siete números uno en Beatport, conseguimos la sexta posición en el ranking de DJ Mag... Han pasado grandes cosas este año.” ¿Qué nos pueden contar de “Bringing Home the Madness”? “¡Fue una locura! Fue el primer show que hicimos en solitario y, honestamente, fue algo fascinante. Además, la producción estuvo a cargo del equipo de Tomorrowland así que pueden imaginarse lo loco que fue. Fue una combinación mágica para nosotros.” ¿Qué pueden decirnos de las ediciones latinoamericanas de Creamfields? “¡Loco, loco, loco! Latinoamérica sabe cómo hacer una verdadera fiesta y, cuando tenés un evento como Creamfields, con toda esa gente, la experiencia es alucinante.

Definitivamente, queremos volver lo antes posible. La gente y la atmósfera fueron geniales. Realmente, sentimos el cariño y el apoyo de todos. En Argentina, cuando poníamos nuestros propios temas, la reacción del público era una locura. Todos cantando las melodías y saltando… Nos hizo sentir muy bienvenidos y parte de lo que estaba pasando.” ¿Qué esperan para este 2014?

“Seguir haciendo lo que amamos, viajar por el mundo, reventar escenarios, dar y recibir la energía de nuestras fans alrededor de todo el mundo y hacer más música.

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l ascenso de estos dos artistas belgas está muy relacionado con la exposición que consiguieron al ser residentes del festival Tomorrowland pero no se han quedado en eso. Dimitri y Michael han sabido imprimir el sonido del momento en sus producciones y, la locura, en sus presentaciones. Los encontramos de vacaciones en América Central, disfrutando de un merecido descanso, y hablamos con ellos acerca de su paso por Latinoamérica y el 2013 que terminó.

E

¿Cómo está todo en su tierra natal?

“Por lo que sabemos, bien. Probablemente, no tan soleado como acá.”

¿Cómo describirían a su familia?

DIFUNDIENDO! LA LOCURA El 2013 fue el año de los hermanos Thivaios.

Conocidos mundialmente como Dimitri Vegas & Like Mike, su fama creció cuando se convirtieron en los anfitriones de Tomorrowland. Este año, además de ubicar 7 producciones en el número 1 de Beatport, consiguieron el sexto puesto en el ranking de DJ Mag.

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“Somos muy unidos. Obviamente, somos hermanos y pasamos mucho tiempo juntos, y siempre recibimos mucho apoyo de nuestra familia. Si pueden ver el aftermovie que hicimos con ‘Smash the House’ de Tomorrowland van a ver que subimos a nuestros padres y a nuestros abuelos al escenario. ¡Incluso dejamos que nuestro papá mezclara un track!” ¿Qué música escuchaban cuando eran niños?

“Escuchábamos muchos géneros diferentes pero lo que más nos gustaba eran los pioneros del hip hop como Biggie Smalls y Tupac.” ¿Cómo llegaron a la música electrónica?

“Empezamos experimentando con la música a muy temprana edad. Yo modifiqué mi Walkman cuando era un niño así podía hacer cosas especiales y cambiar los tonos de algunos tracks. ¡De alguna manera hay que empezar!”

personas Angello. de vista de la cómo desarrollaron Swedish House Mafia. gran inspiración acerca hacer en este camino y en ¿Qué pasó en el estudio “Estabamos on fire. Parecía sacábamos un track atrás en el estudio y, apenas los la reacción a cada uno de increíble. Todavía tenemos material que no hemos -ni siquiera tocado- y será impresionante.

2013 con siete números y el último, el remix de ‘Eat

¿Quiénes fueron sus mayores influencias?

“Definitivamente, como Axwell y Steve Ambos, desde el punto producción y de todo el concepto de Esa ha sido una de lo que podés tus shows.” en el 2013? que de otro tirábamos, ellos era mucho lanzado sabemos que Terminamos el uno en Beatport Sleep Rave Repeat’,

fue el último número uno del 2013 y el primero del 2014. Una buena forma de terminar un año y de empezar otro.” ¿Ese éxito se produjo por un cambio en la producción o fue la exposición que tuvieron con sus presentaciones en los festivales?

“Creo que fue una culminación de cosas. Si, seguramente toda la exposición que tuvimos este año encabezando festivales y grandes clubes ha engordado nuestra base de fanáticos.

Nuestra página de Facebook supera los tres millones de fans, algo muy loco. Pero creo que nuestro sonido es, definitivamente, el sonido de ahora. El sonido que la gente quiere escuchar cuando está en la pista. Es grande, intrépido, tiene unas melodías matadoras y los drops y las líneas de bajos son incluso mejores. Nuestro sonido se volvió un poco más duro en los últimos doce meses. La música que hacemos corresponde con nuestras performances. Hacemos la música que queremos tocar y el sonido que estamos tocando se vuelve más firme.” ¿En dónde tienen el estudio?

“Tenemos el estudio armado en nuestra casa pero, como todos los veranos nos mudamos a Ibiza, construimos otro allá. ¡Sería imposible estar lejos de nuestro equipos por tanto tiempo!” ¿Siguen viviendo en el mismo lugar donde crecieron?

“Si, vivimos en Willebroek, la ciudad que le sigue a Boom. ¡No es lejos! Bélgica es un país muy pequeño, especialmente, comparado con muchos de los países latinoamericanos.

Cuando éramos chicos, solíamos ir a los campos de Boom donde ahora se hace Tomorrowland. Es muy loco que ahora seamos los anfitriones del festival que se lleva a cabo donde jugábamos de niños.” ¿Cuán importante es recibir el apoyo de un festival como Tomorrowland?

“Absolutamente vital. Para nosotros fue de lo mejor de nuestra carrera. Ser nombrados residentes y que explote como lo hizo y se convierta el festival más comentado del mundo, fue algo clave. Estamos muy orgullosos de habernos asociado con Tomorrowland y, por supuesto, ahora, TomorrowWorld. Es una relación que queremos mantener por muchos años.” ¿Cómo se convirtieron en anfitriones del evento?

“Cuando tocamos ahí por primera vez, llamamos la atención de la gente que organiza Tomorrowland -la compañía ID&T- y, también, que seamos de Bélgica -de hecho, bien cerquita de Boom-, fue afianzando la relación hasta donde estamos hoy.” ¿Cómo describirían a Tomorrowland y a TomorrowWorld?

“Tenés que experimentarlo para creerlo. Son un verdadero agasajo para los sentidos. La música, la gente, la atmósfera del lugar, la decoración... Es como un lugar mágico que, durante tres días, suspende la realidad y la gente de todo el mundo se junta para escuchar a los mejores artistas del mundo. Es magia. No hay nada parecido en la tierra. Hay algo acerca de Tomorrowland que lo diferencia de cualquier otro festival. Es muy difícil de explicar. Definitivamente, tenés que experimentarlo por tu cuenta.”

¿Trabajan juntos en el estudio?

“En realidad, tenemos nuestros propios estudios y solemos trabajar separados cuando hacemos música. Uno escribe una parte, el otro la escucha y hace algunos cambios, sugerencias, le agrega algo y va y vuelve hasta que estamos felices con el track.”

Parece que disfrutan mucho sobre el escenario. ¿Disfrutan con la misma energía cuando ven otras performances?

“Los dos amamos la música. Obviamente, es difícil para nosotros poder disfrutar las performances de otros porque estamos saliendo o tenemos entrevistas para hacer. Pero, si tenemos esa suerte, si, por supuesto. Los disfrutamos. Lo malo es que no podemos verlos desde la pista. No es lo mismo verlos desde el back stage.” ¿Siempre mantienen ese humor fiestero que demuestran en sus presentaciones?

“No somos todo ‘fiesta, fiesta, fiesta’. No podes ser así y llegar a la cima. Tenés que saber cuándo cambiar y lidiar con las cuestiones serias del negocio. No es lo mismo entrar al estudio que subir al escenario. Por suerte, no es difícil cambiar al ‘modo fiesta’ con un trabajo como el nuestro.” ¿Qué fue lo mejor del 2013?

“Definitivamente, fue ‘Bringing Home The Madness’, nuestro primer show grande. Fue la mejor forma de coronar este año.

Han sido, realmente, los mejores doce meses de nuestras vidas. Tuvimos siete números uno en Beatport, conseguimos la sexta posición en el ranking de DJ Mag... Han pasado grandes cosas este año.” ¿Qué nos pueden contar de “Bringing Home the Madness”? “¡Fue una locura! Fue el primer show que hicimos en solitario y, honestamente, fue algo fascinante. Además, la producción estuvo a cargo del equipo de Tomorrowland así que pueden imaginarse lo loco que fue. Fue una combinación mágica para nosotros.” ¿Qué pueden decirnos de las ediciones latinoamericanas de Creamfields? “¡Loco, loco, loco! Latinoamérica sabe cómo hacer una verdadera fiesta y, cuando tenés un evento como Creamfields, con toda esa gente, la experiencia es alucinante.

Definitivamente, queremos volver lo antes posible. La gente y la atmósfera fueron geniales. Realmente, sentimos el cariño y el apoyo de todos. En Argentina, cuando poníamos nuestros propios temas, la reacción del público era una locura. Todos cantando las melodías y saltando… Nos hizo sentir muy bienvenidos y parte de lo que estaba pasando.” ¿Qué esperan para este 2014?

“Seguir haciendo lo que amamos, viajar por el mundo, reventar escenarios, dar y recibir la energía de nuestras fans alrededor de todo el mundo y hacer más música.

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A o ica per s ú m a cía est a h e s nas o.” máqui estro sonid é u q u n o ni co os a crear n m ó c a m s ni ide o y aprendi o m a í h n “No te isamos muc v impro

N E A T E F O R A P R R E I T SU

s mek e J y U , o d n D del mu e quiso ser s o s o u ás fam persona q m s J a D n s o de lo Eslovenia. U n u r e lla en far… ás de s Adem adera estre poder triun rd a una ve escena par a ól se cre

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djmagla.com

unque parezca que no deja de trabajar, con su sello 1605 Music Therapy a mil, un tour de fin de año que constó de unas 22 fiestas en dos meses –con fechas en Argentina, Perú y Colombia– y una incesante producción de éxitos, lo agarramos en su mes de vacaciones. “Enero es, tradicionalmente, un mes donde no viajo. Tengo tiempo para relajarme un poco luego de los intensivos viajes del 2013, encontrarme con amigos y disfrutar un poco en las pistas de esquí. Por ahora, estamos mirando el cielo, esperando que caiga un poco de nieve porque hemos tenido un invierno bastante cálido y seco en Europa Central.”

Uros Umek es oriundo de Liubliana -capital de Eslovenia- y, desde que comenzó su carrera como artista, además de dejar su nombre de pila de lado para ser llamado Umek, ha ido desarrollando su figura junto a la escena eslovena, creciendo a la par de ella o, mejor dicho, haciéndola crecer. “En los primeros años de la década del noventa en Eslovenia, literalemente, no había una escena. Tuvimos que construir todo desde el principio: no había tiendas de discos así que haciamos unos 500 kilometros hasta Viena o Munich para comprar unos vinilos; tampoco había una esctructura de fiestas, así que empezamos a hacer las nuestras y aprendimos todo por nuestra cuenta. No teníamos ni idea cómo ni con qué máquinas se hacía esta música pero improvisamos mucho y aprendimos a crear nuestro sonido”, relata. Desde ese entonces, ha sido un pilar fundamental de la escena del país de Europa del Este, siendo parte de cada uno de los acontecimientos que tuvieron lugar allí. “No creo poder otorgarme todo el crédito por haber desarrollado la escena pero mi influencia ha sido muy fuerte porque siempre he estado -y lo sigo haciendo- involucrado en un montón de proyectos clave que hicieron crecer la escena eslovena”, se enorgullece.

LA OLA RAVER

“Siempre estuve enganchado con la música, desde muy pequeño. Cuando era adolescente escuchaba mucha música electrónica pop, como Modern Talking y Falco. Esos elementos electrónicos atrajeron mi atención. Así que no hubo sorpresas cuando me introduje de lleno en la electrónica una vez que la ola raver llegó a Eslovenia en los noventa.”

En ese entonces, cuando era solo un adolescente, su país abandonaba el sistema comunista y se desintegraba de Yugoslavia para emerger como nación independiente. Las fronteras se abrían y, de pronto, Eslovenia veía llegar la cultura pop proveniente del oeste. “Me enamoré de las fiestas electrónicas y, una vez que experimente este fenómeno yendo a las masivas fiestas en Alemania, decidí que tenía que convertirme en un DJ internacional. Aprendí a mezclar música y empecé a tocar”, nos cuenta. Para ese momento, con 17 años, era una gran promesa del basketball nacional.

Sin embargo, su pasión por la electrónica lo terminó de volcar hacia el mundo de las bandejas. “A los 17 años, me di cuenta que quería hacer esto como una carrera. Dejé la escuela y el básquet. Era un gran talento. ¡Me habían convocado para jugar en el equipo nacional! Pero no podía crecer en los deportes y la música al mismo tiempo así que tenía que elegir y me enfoqué en la música.”

Desde entonces, ha ido caminando a la par de los cambios tecnológicos que vivió la música electrónica. Como él mismo nos dice, la electrónica pasó de ser un movimiento a convertirse en un fenómeno global. “La música cambió.

La forma de producir, de tocar y de vender la música cambió. Todo mi equipamiento en el estudio y mi set up para tocar se volvió digital. Solía usar gramófonos clásicos, tocando tres o cuatro temas a la vez, mezclándolos en un mixer básico de cuatro canales. Ahora uso dos computadoras, un mixer y unas cosas más, y he actualizado lo que hago con diferentes edits que voy haciendo sobre la marcha. Mi estudio solía estar lleno de sintetizadores.

Ahora tengo sólo una pieza de hardware que es muy buena para producir vocales. Todo lo demás se ha vuelto digital. Y ni siquiera tengo que ir al estudio para producir. Puedo hacer todo en el camino con mi laptop y unos buenos auriculares. Y ni hablar de comprar música. Cuando empecé, tomaba meses, y hasta años, conseguir algunos tracks que quería. Ahora puedo hacer eso en Beatport cuando y como quiero, mientras tenga una conexión decente a internet. Y si no conozco algún tema, puedo usar el Shazam o buscar en internet.”

ETIQUETAS

Umek es el artista electrónico más famoso e influyente de Europa del Este.

Dirige el sello más fuerte y es dueño de una empresa que organiza casi todos los festivales grandes que se llevan a cabo en Eslovenia. “Una de las cosas por las que estoy más orgulloso es que hemos creado una escena por nosotros mismos”, dice. Esa escena, dominada históricamente por el techno, ha comenzado a mutar en los últimos años con la llegada de la música desde Holanda y Gran Bretaña, un hecho que parece preocuparle. “En los últimos años, los medios y los promotores no educaron bien a la gente y la escena hoy es bastante mala y debemos construirla casi toda de nuevo.” El EDM se ha colado en cada una de las escenas a nivel mundial y, como asegura Umek, ha conseguido dar un vuelco en las corrientes populares que esas escenas habían construido.

“Por lo que entiendo, el término EDM es el nombre común que le dieron al djmagla.com

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A o ica per s ú m a cía est a h e s nas o.” máqui estro sonid é u q u n o ni co os a crear n m ó c a m s ni ide o y aprendi o m a í h n “No te isamos muc v impro

N E A T E F O R A P R R E I T SU

s mek e J y U , o d n D del mu e quiso ser s o s o u ás fam persona q m s J a D n s o de lo Eslovenia. U n u r e lla en far… ás de s Adem adera estre poder triun rd a una ve escena par a ól se cre

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unque parezca que no deja de trabajar, con su sello 1605 Music Therapy a mil, un tour de fin de año que constó de unas 22 fiestas en dos meses –con fechas en Argentina, Perú y Colombia– y una incesante producción de éxitos, lo agarramos en su mes de vacaciones. “Enero es, tradicionalmente, un mes donde no viajo. Tengo tiempo para relajarme un poco luego de los intensivos viajes del 2013, encontrarme con amigos y disfrutar un poco en las pistas de esquí. Por ahora, estamos mirando el cielo, esperando que caiga un poco de nieve porque hemos tenido un invierno bastante cálido y seco en Europa Central.”

Uros Umek es oriundo de Liubliana -capital de Eslovenia- y, desde que comenzó su carrera como artista, además de dejar su nombre de pila de lado para ser llamado Umek, ha ido desarrollando su figura junto a la escena eslovena, creciendo a la par de ella o, mejor dicho, haciéndola crecer. “En los primeros años de la década del noventa en Eslovenia, literalemente, no había una escena. Tuvimos que construir todo desde el principio: no había tiendas de discos así que haciamos unos 500 kilometros hasta Viena o Munich para comprar unos vinilos; tampoco había una esctructura de fiestas, así que empezamos a hacer las nuestras y aprendimos todo por nuestra cuenta. No teníamos ni idea cómo ni con qué máquinas se hacía esta música pero improvisamos mucho y aprendimos a crear nuestro sonido”, relata. Desde ese entonces, ha sido un pilar fundamental de la escena del país de Europa del Este, siendo parte de cada uno de los acontecimientos que tuvieron lugar allí. “No creo poder otorgarme todo el crédito por haber desarrollado la escena pero mi influencia ha sido muy fuerte porque siempre he estado -y lo sigo haciendo- involucrado en un montón de proyectos clave que hicieron crecer la escena eslovena”, se enorgullece.

LA OLA RAVER

“Siempre estuve enganchado con la música, desde muy pequeño. Cuando era adolescente escuchaba mucha música electrónica pop, como Modern Talking y Falco. Esos elementos electrónicos atrajeron mi atención. Así que no hubo sorpresas cuando me introduje de lleno en la electrónica una vez que la ola raver llegó a Eslovenia en los noventa.”

En ese entonces, cuando era solo un adolescente, su país abandonaba el sistema comunista y se desintegraba de Yugoslavia para emerger como nación independiente. Las fronteras se abrían y, de pronto, Eslovenia veía llegar la cultura pop proveniente del oeste. “Me enamoré de las fiestas electrónicas y, una vez que experimente este fenómeno yendo a las masivas fiestas en Alemania, decidí que tenía que convertirme en un DJ internacional. Aprendí a mezclar música y empecé a tocar”, nos cuenta. Para ese momento, con 17 años, era una gran promesa del basketball nacional.

Sin embargo, su pasión por la electrónica lo terminó de volcar hacia el mundo de las bandejas. “A los 17 años, me di cuenta que quería hacer esto como una carrera. Dejé la escuela y el básquet. Era un gran talento. ¡Me habían convocado para jugar en el equipo nacional! Pero no podía crecer en los deportes y la música al mismo tiempo así que tenía que elegir y me enfoqué en la música.”

Desde entonces, ha ido caminando a la par de los cambios tecnológicos que vivió la música electrónica. Como él mismo nos dice, la electrónica pasó de ser un movimiento a convertirse en un fenómeno global. “La música cambió.

La forma de producir, de tocar y de vender la música cambió. Todo mi equipamiento en el estudio y mi set up para tocar se volvió digital. Solía usar gramófonos clásicos, tocando tres o cuatro temas a la vez, mezclándolos en un mixer básico de cuatro canales. Ahora uso dos computadoras, un mixer y unas cosas más, y he actualizado lo que hago con diferentes edits que voy haciendo sobre la marcha. Mi estudio solía estar lleno de sintetizadores.

Ahora tengo sólo una pieza de hardware que es muy buena para producir vocales. Todo lo demás se ha vuelto digital. Y ni siquiera tengo que ir al estudio para producir. Puedo hacer todo en el camino con mi laptop y unos buenos auriculares. Y ni hablar de comprar música. Cuando empecé, tomaba meses, y hasta años, conseguir algunos tracks que quería. Ahora puedo hacer eso en Beatport cuando y como quiero, mientras tenga una conexión decente a internet. Y si no conozco algún tema, puedo usar el Shazam o buscar en internet.”

ETIQUETAS

Umek es el artista electrónico más famoso e influyente de Europa del Este.

Dirige el sello más fuerte y es dueño de una empresa que organiza casi todos los festivales grandes que se llevan a cabo en Eslovenia. “Una de las cosas por las que estoy más orgulloso es que hemos creado una escena por nosotros mismos”, dice. Esa escena, dominada históricamente por el techno, ha comenzado a mutar en los últimos años con la llegada de la música desde Holanda y Gran Bretaña, un hecho que parece preocuparle. “En los últimos años, los medios y los promotores no educaron bien a la gente y la escena hoy es bastante mala y debemos construirla casi toda de nuevo.” El EDM se ha colado en cada una de las escenas a nivel mundial y, como asegura Umek, ha conseguido dar un vuelco en las corrientes populares que esas escenas habían construido.

“Por lo que entiendo, el término EDM es el nombre común que le dieron al djmagla.com

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sonido comercial que mezcla el house y el trance con elementos del electro, el dubstep y la música urbana.”, explica. “Para ser claros: el EDM es la etiqueta que los americanos usan para llamar a la música dance para grandes escenarios.” Luego, explica: “A algunos les gusta y a otros no. Esto pasa con toda la música. Nadie debería juzgar a nadie por la música que escucha. Es una elección personal y una cuestión de gustos. La electrónica nunca podría haber explotado como un fenómeno pop mundial si no hubiera desarrollado sonidos alternativos hacia corrientes más populares.

No existiría el EDM sin electrónica alternativa.

Además, los nichos electrónicos se ven beneficiados por esta explosión ya que la gente quiere ver evolucionar ese sonido y empieza a buscar algo más complejo o, simplemente, algo más.”

Lejos de estar incluido en esa corriente, Umek ha estado desde siempre emparentado con el underground y, cuando hablamos de esta nueva corriente popular nos lo deja en claro. “En primer lugar, no creo ser la persona correcta para contestar eso ya que vengo del otro lado o, mejor dicho, vengo del underground”, nos intercepta. Él quiere hablar de su música y nos parece bien.

Actualmente, su sonido está más emparentado con el tech house y, según él, se ha alejado un poco del techno más rigido y oscuro que solía hacer. Aunque no todos lo tengan claro. “La percepción del techno es diferente en algunos lugares. En Europa, la mayoría de la gente que va a las discotecas y a los festivales diferencia entre géneros como el house, tech house, techno, hard techno, hardstyle, hardcore... Y no es raro que alguien que escucha techno no escuche nada de tech house, o viceversa, ya que la escena es bien diversa. En los Estados Unidos, por el otro lado, los medios y la industria tienden a llamar techno a casi todo lo que no sea EDM, trance, drum & bass o house melódico. No me malinterpreten, es una visión general. No quiero ofender a la gente que está bien educada en materia electrónica. Pero, en mi caso, la mayoría de la gente de Estados Unidos -el público, los medios y los promotoresme ve como un artista techno mientras que, en Europa, soy considerado un artista del tech house por el sonido que vengo produciendo y tocando hace uno o dos años”, explica.

Esa dualidad comenzó a vivirla en carne propia

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cuando, en 2013, se mudó al país estadounidense para llevar a cabo un extenso tour de fin de año.

“El 2013, además de realizar ocho shows en seis discotecas diferentes de Ibiza, fue el año en que los grandes promotores de Estados Unidos comenzaron a introducirme en los mainstages de grandes festivales como el Electric Daisy Carnival.

Es raro tocar antes o después de las grandes estrellas del EDM pero, al mismo tiempo, me encantan ese tipo de desafíos. Disfruto mucho cuando presento mi música a una audiencia que no está orientada hacia el techno o el tech house.

Debo trabajar un poco más para que se muevan pero me encanta y la gente está respondiendo así que siento que lo estoy haciendo bien”, nos explica.

RELACIONES

Y, dentro de ese gigantesco tour, que lo vio pasar por festivales norteamericanos como “Beyond Wonderland” y “Electric Daisy Carnival”, se dio el lujo de pasar por Sudamérica para presentarse en Lima, Perú; Bogota y Pereira, en Colombia, y las ciudades argentinas de Córdoba, Buenos Aires, Mar del Plata y Rosario.

“Ahí si que tienen una buena idea acerca de lo que es el techno”, analiza nuestras tierras. Hace mucho tiempo que Umek visita Latinoamérica, nos dice. Más de 10 años. “Tenía una gran base de fanáticos, especialmente en el sur, cuando tocaba un sonido un poco más oscuro”, recuerda.

Lejos de haber quedado en el pasado, sus últimas experiencias sudamericanas confirmaron la pasión de los latinos por la música del esloveno y él nos lo confirma. “Nuestra apasionada relación se ha vuelta más grande en los últimos años”, y recuerda su aparición en los eventos del Ultra Music Festival que tuvieron lugar en Buenos Aires y en Santiago en febrero de 2013. “En Chile, se podía ver que recién se sumaban a la familia Ultra: el escenario era más pequeño, la escena aún no se encuentra tan desarrollada pero hay mucha pasión, típica de esas escenas que están emergiendo. Por otro lado, Argentina tiene una gran tradición con grandes eventos electrónicos y la pista estaba repleta cuando me subí al escenario. ¡La recepción fue genial y la respuesta a mi música también!”

Umek es una personalidad muy grande en toda la escena electrónica y eso se refleja en su país,

donde su figura es inmensa y hasta mantiene una relación directa con el presidente. “Nos conocimos por primera vez en uno de los eventos de ‘Party With a Cause’, antes de que se convierta en presidente, y un par de veces después. Es una persona muy curiosa, interesado en todo”, cuenta. “El año nuevo pasado estuvo de invitado en un programa de televisión y contó como le enseñe las diferencias entre el acid y el funky house.”

Con el apoyo de toda una nación, Umek continúa motivando la expansión de toda una escena a la que nunca dejó de lado. Nosotros agradecemos que haya dejado el básquet…

Desde hace más de una década, Umek organiza “Party With A Cause” en medio de su ciudad natal… ¿De que se trata “Party With A Cause”?

“Es una campaña solidaria anual con una gran fiesta al aire libre en la plaza centrar de Liubliana, mi tierra natal, que me tiene como único headliner y atrae a unas 30 mil personas.” ¿Cuándp se lleva a cabo?

“El último sábado del mes de agosto.” ¿Cómo se puede colaborar?

“Si querés participar y acceder a la fiesta, tenés que mandar un SMS y donar 1 euro para un fondo de caridad. Recibirás un SMS de regreso como confirmación de la donación y eso te servirá como ticket para ingresar a la fiesta.” ¿Con quién lo organizás?

“Hacemos esto en asociación con una gran empresa de telecomunicaciones y siempre nos apoya una gran campaña mediática que dura unos tres meses.” ¿A quiénes ayudan?

“Promovemos la no violencia, la conciencia social y la solidaridad entre la gente joven, y juntamos plata para varias cosas: víctimas de actos criminales, niños que luchan contra el cáncer, damos becas escolares a los que las necesitan...

Como contamos en el apoyo del alcalde de la ciudad, del presidente y de muchas empresas, podemos hacer algo muy interesante.”

El primer álbum del israelí fue, a su vez, el primero que editó el sello de Hernán Cattaneo.

Nos acercamos a Guy Mantzur para hablar de “Moments”…

LOS MOMENTOS DE

GUY MANTZUR

“Guy J me dijo hace algunos años que todos los géneros van y vienen pero el progressive siempre está, y siempre tiene una increíble cantidad de fanáticos. Antes no lo entendí pero ahora pienso en sus palabras y coincido cien por ciento.”

N

o todos los días Hernán Cattaneo te elige para inaugurar la lista de discos de larga duración que edita su sello Sudbeat.

De hecho, nunca había elegido a nadie. El oriundo de Tel Aviv puede alardear acerca de eso. DJ Mag Latinoamérica charló con uno de los productores de progressive house que más destacó en 2013 y que viene haciendo las cosas muy bien, tanto en Israel como en el resto del mundo.

Su opera prima, la relación con el DJ argentino, la vida nocturna de Tel Aviv y mucho más…

Sabemos que, desde chiquito, recibiste educación musical, ¿es así? ¿Cómo te sumergiste en el mundo de la música electrónica?

“Así es. Empecé tocando el piano desde que tenía seis años hasta los doce. Después seguí con la guitarra y el bajo, y empecé a escribir canciones y a grabarlas. A los veintidós años, lancé dos álbumes chill out pero siempre tuve un amor oculto por un sonido más para la pista y los beats...

Unos años después, decidí que había encontrado mi verdadero amor y esta es la música house que hago hoy.” ¿Cómo se dio la oportunidad de lanzar tu primer álbum de estudio en el sello de Hernán Cattaneo? ¿Qué significó que te haya dado esta oportunidad?

“Si, yo tuve la idea de hacer un álbum por un tiempo y decidí hablarlo con Hernán cuando lo vi en Tel Aviv. A él le gustó la idea y, después de unos meses, decidió empezar el proyecto y lanzarlo en Sudbeat. Para mí, fue un gran honor y fue muy divertido trabajar con él en el álbum porque aprecio mucho su manera de ver y de tocar la música. Tiene una gran visión y sabe exactamente cómo deberían sonar las cosas.” ¿Cuándo empezaste a trabajar en este álbum? ¿Cuál es el foco que quisiste darle a este trabajo?

“Empecé a trabajar en él en enero de 2013 pero lo tenía en la cabeza desde hacía mucho tiempo. Sabía cómo quería que suene. Quería que se sienta completo con todos los tracks y no pensar en qué género estaba de moda o qué iba a decir la gente.

Siempre quiero sentirme bien con lo que hago.”

Y, si tuvieras que describirlo, ¿cómo lo harías?

“Lo describo como un rompecabezas que armé con momentos que fui viviendo en estos últimos años.” ¿Qué relevancia tiene ser el primer artista en lanzar un álbum en Sudbeat?

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djmagla.com

“Para mí, haber tenido la opción de hacer el primer álbum de Sudbeat, fue una de las cosas más felices que me han pasado en el 2013. Y sabía que se me había presentado una oportunidad y que tenia que dar lo mejor de mi y entregar la mejor música que pudiera hacer.”

Y, ¿cuán importante es recibir este apoyo de parte de Hernán Cattaneo?

“Es un gran honor recibir el apoyo y el cariño de parte de Hernán porque lo admiro profesional y personalmente. Él es un buen ejemplo de aquellos grandes artistas que ayudan a desarrollar la industria de una buena manera. Es una persona muy querida en la escena porque siempre está dispuesto a ayudar y apoyar a nuevos artistas y su música. Estoy aprendiendo de él constantemente.” ¿Cómo se conocieron y qué relación tienen?

“Conocí a Hernán por primera vez hace algunos años cuando vino a tocar a Tel Aviv. Le di un CD con algunos tracks y mi email, y él me escribió unos días después. Desde entonces, me mantuve en contacto con él, empecé a lanzar música en Sudbeat y a mostrarle casi todos los tracks que hago.”

Mientras muchos productores empiezan a emigrar del progressive house hacia otros géneros, parece que ustedes dos se mantienen firmes, creyendo en ese sonido. ¿Qué cosas te influencian para crear esta música?

“Esto es algo muy interesante. Con respecto al temita del progressive, puedo decirte que Hernán y yo hacemos algo en lo que creemos y lo hacemos desde el corazón. Estos días, todos los géneros se están mezclando y muchos DJs de deep house están usando sonidos del progressive y tocando temas de progressive en sus sets. Así que todo se está mezclando y está bien. Creo que la gente debería hacer sólo lo que los emocione y no seguir la moda, porque eso cambia a cada rato. Guy J me dijo hace algunos años que todos los géneros van y vienen pero el progressive siempre está, y siempre tiene una increíble cantidad de fanáticos. Antes no lo entendí pero ahora pienso en sus palabras y coincido cien por ciento.” ¿Cómo es tu tierra natal? Han salido unos productores en el último tiempo que están consiguiendo grandes cosas… ¿Qué está pasando? ¿Siempre ha sido así?

“Tel Aviv, e Israel en general, está lleno de increíbles productores y DJs. Por supuesto, Guy J, Sahar Z, Khen, Lonya y otros grandes nombres son de Israel. Somos un grupo de buenos amigos que siempre se ayudan y apoyan entre ellos, algo que sirve mucho cuando sos músico o DJ. Ha sido así por mucho tiempo, desde aquellos días donde (Guy) Gerber, Chaim y (Shlomi) Aber solían vivir acá

y colaborar mucho con el desarrollo de la escena en conjunto.” ¿Qué es lo mejor de Tel Aviv?

Contanos acerca de “The Cat & The Dog”… ¿Qué importancia tiene esta discoteca en la ciudad?

“Hay un montón de cosas buenas acá.

El clima, la comida, los paisajes y su increíble vida nocturna. ‘The Cat & The Dog’ es el club electrónico líder de Tel Aviv. Nació hace unos seis años y está abierto los siete días de la semana.

Me encantaría que pudieran venir a una fiesta y sentir esa vibra increíble.

Los residentes somos Sahar Z, Lonya, Stephan Bazbaz, yo y algunos más, así que hay buena música y tres excelentes salones en los que tocar.”

TOP 5 TRACKS DE “MOMENTS”

¿Qué relación tienen entre ustedes?

“Somos todos muy buenos amigos y nos ayudamos uno a otro casi a diario, sin egos ni intereses egoístas. Hay algo verdadero y honesto en este grupo de productores que vivimos acá y es muy lindo.”

“Blackout Station”

¿Cómo llevás adelante una de tus presentaciones? ¿Con qué tocás?

“Es una pregunta difícil ya que siempre cambio. Toqué mucho con Traktor pero, últimamente, también uso Ableton porque me encanta ese sonido en vivo y los efectos que tiene.

Todavía no sé que voy a usar cuando toque en Argentina.”

“Moments Becoming

¿Cómo te está yendo con el tour del álbum hasta el momento? ¿Qué esperás para las fechas del 2014?

“Le está yendo muy bien y he tenido una excelente respuesta de parte del público y, para mi, es lo mejor que un artista puede recibir. Para el 2014 quiero conocer la mayor cantidad de lugares posibles y compartir buenos momentos con todos los amantes de la música. Estoy muy contento de volver a Argentina y pienso en eso casi a diario.”

– “Es el primer track que hice para el álbum”

Endless Time” – “Para mi era importante tener una canción así dentro del álbum porque vengo del mundo de escribir canciones así que ‘Moments’ es parte de mi pasado.”

“Necessity” – “Me gusta el groove y el viaje que genera este

track y espero que la gente también lo

Vas a estar en Bahrein el 14 de febrero… ¿Qué recordás de tu última presentación en febrero en Voodoo? ¿Qué esperabas de Argentina?

“Mi última visita, cuando vine a tocar a Voodoo, fue uno de los mejores shows que tuve en mi vida. Fue mi primera vez en Argentina y mis amigos me habían contado mucho de este mágico lugar. Vivir esa magia fue increíble. ¡Me encanta Argentina!

Escuché muchas cosas acerca de Bahrein y espero que sea una noche increíble con muy buena música.”

pueda sentir.”

¡Esperamos lo mismo! Sabemos que incluís muchas producciones de argentinos así que, ¿cómo describirías la vibra musical de los argentinos?

“Los productores y DJs argentinos son muy buenos. Siempre toco música de ellos y lo haré en mi próximo show en Bahrein, por supuesto. Me parece que tratan la música de manera muy seria y madura, y eso se siente.”

este, sentí que estaba

“Cumple Suenos” – “Había hecho muchos

tracks para el álbum y aún no sentía que tenía lo que necesitaba para que esté completo. Pero, después de terminar empezando a ver todo el panorama.”

“Outro” - “Si no fuese DJ, hubiera hecho un álbum completo con

”

este tipo de temas. djmagla.com

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El primer álbum del israelí fue, a su vez, el primero que editó el sello de Hernán Cattaneo.

Nos acercamos a Guy Mantzur para hablar de “Moments”…

LOS MOMENTOS DE

GUY MANTZUR

“Guy J me dijo hace algunos años que todos los géneros van y vienen pero el progressive siempre está, y siempre tiene una increíble cantidad de fanáticos. Antes no lo entendí pero ahora pienso en sus palabras y coincido cien por ciento.”

N

o todos los días Hernán Cattaneo te elige para inaugurar la lista de discos de larga duración que edita su sello Sudbeat.

De hecho, nunca había elegido a nadie. El oriundo de Tel Aviv puede alardear acerca de eso. DJ Mag Latinoamérica charló con uno de los productores de progressive house que más destacó en 2013 y que viene haciendo las cosas muy bien, tanto en Israel como en el resto del mundo.

Su opera prima, la relación con el DJ argentino, la vida nocturna de Tel Aviv y mucho más…

Sabemos que, desde chiquito, recibiste educación musical, ¿es así? ¿Cómo te sumergiste en el mundo de la música electrónica?

“Así es. Empecé tocando el piano desde que tenía seis años hasta los doce. Después seguí con la guitarra y el bajo, y empecé a escribir canciones y a grabarlas. A los veintidós años, lancé dos álbumes chill out pero siempre tuve un amor oculto por un sonido más para la pista y los beats...

Unos años después, decidí que había encontrado mi verdadero amor y esta es la música house que hago hoy.” ¿Cómo se dio la oportunidad de lanzar tu primer álbum de estudio en el sello de Hernán Cattaneo? ¿Qué significó que te haya dado esta oportunidad?

“Si, yo tuve la idea de hacer un álbum por un tiempo y decidí hablarlo con Hernán cuando lo vi en Tel Aviv. A él le gustó la idea y, después de unos meses, decidió empezar el proyecto y lanzarlo en Sudbeat. Para mí, fue un gran honor y fue muy divertido trabajar con él en el álbum porque aprecio mucho su manera de ver y de tocar la música. Tiene una gran visión y sabe exactamente cómo deberían sonar las cosas.” ¿Cuándo empezaste a trabajar en este álbum? ¿Cuál es el foco que quisiste darle a este trabajo?

“Empecé a trabajar en él en enero de 2013 pero lo tenía en la cabeza desde hacía mucho tiempo. Sabía cómo quería que suene. Quería que se sienta completo con todos los tracks y no pensar en qué género estaba de moda o qué iba a decir la gente.

Siempre quiero sentirme bien con lo que hago.”

Y, si tuvieras que describirlo, ¿cómo lo harías?

“Lo describo como un rompecabezas que armé con momentos que fui viviendo en estos últimos años.” ¿Qué relevancia tiene ser el primer artista en lanzar un álbum en Sudbeat?

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djmagla.com

“Para mí, haber tenido la opción de hacer el primer álbum de Sudbeat, fue una de las cosas más felices que me han pasado en el 2013. Y sabía que se me había presentado una oportunidad y que tenia que dar lo mejor de mi y entregar la mejor música que pudiera hacer.”

Y, ¿cuán importante es recibir este apoyo de parte de Hernán Cattaneo?

“Es un gran honor recibir el apoyo y el cariño de parte de Hernán porque lo admiro profesional y personalmente. Él es un buen ejemplo de aquellos grandes artistas que ayudan a desarrollar la industria de una buena manera. Es una persona muy querida en la escena porque siempre está dispuesto a ayudar y apoyar a nuevos artistas y su música. Estoy aprendiendo de él constantemente.” ¿Cómo se conocieron y qué relación tienen?

“Conocí a Hernán por primera vez hace algunos años cuando vino a tocar a Tel Aviv. Le di un CD con algunos tracks y mi email, y él me escribió unos días después. Desde entonces, me mantuve en contacto con él, empecé a lanzar música en Sudbeat y a mostrarle casi todos los tracks que hago.”

Mientras muchos productores empiezan a emigrar del progressive house hacia otros géneros, parece que ustedes dos se mantienen firmes, creyendo en ese sonido. ¿Qué cosas te influencian para crear esta música?

“Esto es algo muy interesante. Con respecto al temita del progressive, puedo decirte que Hernán y yo hacemos algo en lo que creemos y lo hacemos desde el corazón. Estos días, todos los géneros se están mezclando y muchos DJs de deep house están usando sonidos del progressive y tocando temas de progressive en sus sets. Así que todo se está mezclando y está bien. Creo que la gente debería hacer sólo lo que los emocione y no seguir la moda, porque eso cambia a cada rato. Guy J me dijo hace algunos años que todos los géneros van y vienen pero el progressive siempre está, y siempre tiene una increíble cantidad de fanáticos. Antes no lo entendí pero ahora pienso en sus palabras y coincido cien por ciento.” ¿Cómo es tu tierra natal? Han salido unos productores en el último tiempo que están consiguiendo grandes cosas… ¿Qué está pasando? ¿Siempre ha sido así?

“Tel Aviv, e Israel en general, está lleno de increíbles productores y DJs. Por supuesto, Guy J, Sahar Z, Khen, Lonya y otros grandes nombres son de Israel. Somos un grupo de buenos amigos que siempre se ayudan y apoyan entre ellos, algo que sirve mucho cuando sos músico o DJ. Ha sido así por mucho tiempo, desde aquellos días donde (Guy) Gerber, Chaim y (Shlomi) Aber solían vivir acá

y colaborar mucho con el desarrollo de la escena en conjunto.” ¿Qué es lo mejor de Tel Aviv?

Contanos acerca de “The Cat & The Dog”… ¿Qué importancia tiene esta discoteca en la ciudad?

“Hay un montón de cosas buenas acá.

El clima, la comida, los paisajes y su increíble vida nocturna. ‘The Cat & The Dog’ es el club electrónico líder de Tel Aviv. Nació hace unos seis años y está abierto los siete días de la semana.

Me encantaría que pudieran venir a una fiesta y sentir esa vibra increíble.

Los residentes somos Sahar Z, Lonya, Stephan Bazbaz, yo y algunos más, así que hay buena música y tres excelentes salones en los que tocar.”

TOP 5 TRACKS DE “MOMENTS”

¿Qué relación tienen entre ustedes?

“Somos todos muy buenos amigos y nos ayudamos uno a otro casi a diario, sin egos ni intereses egoístas. Hay algo verdadero y honesto en este grupo de productores que vivimos acá y es muy lindo.”

“Blackout Station”

¿Cómo llevás adelante una de tus presentaciones? ¿Con qué tocás?

“Es una pregunta difícil ya que siempre cambio. Toqué mucho con Traktor pero, últimamente, también uso Ableton porque me encanta ese sonido en vivo y los efectos que tiene.

Todavía no sé que voy a usar cuando toque en Argentina.”

“Moments Becoming

¿Cómo te está yendo con el tour del álbum hasta el momento? ¿Qué esperás para las fechas del 2014?

“Le está yendo muy bien y he tenido una excelente respuesta de parte del público y, para mi, es lo mejor que un artista puede recibir. Para el 2014 quiero conocer la mayor cantidad de lugares posibles y compartir buenos momentos con todos los amantes de la música. Estoy muy contento de volver a Argentina y pienso en eso casi a diario.”

– “Es el primer track que hice para el álbum”

Endless Time” – “Para mi era importante tener una canción así dentro del álbum porque vengo del mundo de escribir canciones así que ‘Moments’ es parte de mi pasado.”

“Necessity” – “Me gusta el groove y el viaje que genera este

track y espero que la gente también lo

Vas a estar en Bahrein el 14 de febrero… ¿Qué recordás de tu última presentación en febrero en Voodoo? ¿Qué esperabas de Argentina?

“Mi última visita, cuando vine a tocar a Voodoo, fue uno de los mejores shows que tuve en mi vida. Fue mi primera vez en Argentina y mis amigos me habían contado mucho de este mágico lugar. Vivir esa magia fue increíble. ¡Me encanta Argentina!

Escuché muchas cosas acerca de Bahrein y espero que sea una noche increíble con muy buena música.”

pueda sentir.”

¡Esperamos lo mismo! Sabemos que incluís muchas producciones de argentinos así que, ¿cómo describirías la vibra musical de los argentinos?

“Los productores y DJs argentinos son muy buenos. Siempre toco música de ellos y lo haré en mi próximo show en Bahrein, por supuesto. Me parece que tratan la música de manera muy seria y madura, y eso se siente.”

este, sentí que estaba

“Cumple Suenos” – “Había hecho muchos

tracks para el álbum y aún no sentía que tenía lo que necesitaba para que esté completo. Pero, después de terminar empezando a ver todo el panorama.”

“Outro” - “Si no fuese DJ, hubiera hecho un álbum completo con

”

este tipo de temas. djmagla.com

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“

UNA BÚSQUEDA INTERMINABLE

Pero, por favor. Espera un segundo.

Estoy escaneando unas cosas... Cosas de la Visa. Mi viejo agente solía hacer esto pero el nuevo no lo va a hacer. No creen en los DJs mimados.”

Es difícil imaginar a algún otro DJ con 20 años de carrera que esté feliz de hacer estas cosas por sí solo. Muchos de los grandes nombres se volverían locos si la persona equivocada les habla durante su set, o si la marca de champagne que le dieron no es lo suficientemente cara. Danny Howells no. Él es humilde a la perfección. Y más que eso, es honesto con él mismo y con su situación.

Siempre lo ha sido. A pesar de esa diabólica rabia anti-ambición (“Mi vida personal y privada es lo primario ante cualquier cosa, en oposición con lo que piensan la mayoría de los DJs”), se las ha arreglado para bancar varias tormentas y, en el 2013, tocó en las fiestas que él quiso -ni más, ni menos. “Hubo un tiempo donde tocar siempre venía primero”, dice el hombre de Hastings hablando rápido, con un cálido entusiasmo. “Pero pensé, ‘¿qué estoy ganando?’. Hubo un momento en el que empecé a enfermar, tenía problemas de la espalda y problemas de ansiedad, y fue decir: ‘¡a la mierda!’. Si sigues así te irás rápido al ataúd. Así que hice un balance de mi vida y ahora como sano, no fumo y me tomo tiempos libres.”

DE HOBBY A TRABAJO

Danny Howells no es el típico DJ. Fanático del rock pero experto en house y techno, no es ambicioso pero si un maestro en bandejas. Ha vuelto al combate luego de una temporada fuera del centro de la atención. Mientras prepara su magnífico nuevo mix para la serie Balance hablamos con él acerca del trabajo del DJ, la salud, su amor por la guitarra y de por qué es el momento de volver...

Texto: KRISTAN J CARYL 048

djmagla.com

Lo del djing empezó hace más de dos décadas atrás como un hobby pero, a diferencia de la mayoría de las estrellas actuales, Danny se pasó nueve años como aprendiz haciendo los warm ups de John Digweed en sus fiestas de Bedrock.

“Nunca lo hubiera logrado de otra manera”, dice sobre el período que Digweed llama la fase de “pulir la bola de espejos”. “Aprecio mucho lo que conseguí y lo que hice porque no fue algo instantáneo.”

A pesar de eso, el hobby duró mucho más de lo que se imaginan. Incluso en el año 2000, cuando Danny estaba sacando el mix “Nubreed” para Global Undergrond -una de las tantas compilaciones que definieron su carrera- seguía reacio a renunciar a su trabajo diario. “Yo no empecé para conseguir nada.

Todo se dio por el destino. Incluso cuando estaba haciendo compilaciones, remixes para gente como Robbie Williams y haciendo tours, todavía intentaba aferrarme a mi viejo empleo como enfermero psiquiátrico lo más que podía.

Amaba producir y ser DJ pero pensaba, ‘¿cuán seguro es esto?’ Como enfermero sabía que podía pagar el alquiler.”

Por supuesto, algo tenía que ceder y ser DJ se convirtió en la profesión full time de Danny.

Desde ese entonces, ha evolucionado por diferentes sonidos. Desde el italo house y el techno belga de antes, por un house mucho más deep y un cálido progre, hasta donde está hoy, mejor resumido por su nuevo mix de dos discos para la famosa serie Balance. Esta referencia encuentra al ex residente de Renaissance, Twilo y Home en la mejor forma de su vida, mezclando una sabia selección underground de house, bass, downtempo y techno de vanguardia en más de dos horas de un viaje electrónico lleno de dicha. Four Tet, Axel Boman, Lady Blacktronika, The Mole y muchos otros nombres acertados están incluidos pero en vez de poner el objetivo en reafirmarse o relanzarse en el moderno mercado de los DJs, Danny tiene unas razones diferentes para hacer el mix.”Sentí que era el momento”, manifiesta. “Tenía muchas canciones que quería mostrar y sentí que podía

conformar algo de lo que estuviera orgulloso, que es la razón principal por la que accedí a hacerlo. Yo exploro la música sin importarme que es lo cool, sin estar influenciado por lo que está pasando y solo haciendo lo que dicta tu corazón. En ese sentido, siento que estás más desconectado -cuando te pones viejo. En vez de buscar cosas para el mix de Balance, las cosas te empiezan a aparecer y, de pronto, me di cuenta que tenía una buena cantidad de temas que se llevaban bien. Este todavía lo escucho cuando voy al gimnasio, algo muy raro para mí.

Usualmente, ¡los descarto ni bien los termino!”

MÁS MELÓDICO

A lo largo del camino, hay algunas elecciones que Danny siente que han sido determinantes en su carrera pero DJ Mag reconoce que han sido reveses que, de hecho, lo han ayudado en el largo plazo. El primero tiene que ver con tener una tan diversa paleta de sonidos y mezclar unos DJ sets completamente distintos.

Esto puede ser una bendición y una maldición.

Por un lado, si tocás lo mismo todas las noches, la gente sabrá bien lo que ejecutás pero, de esa manera, corrés el riesgo de ser encasillado en algún lugar y, por ende, ser dado de baja. Por el otro lado, con todo lo bueno de abrir las alas cada vez que aterrizás en la cabina, es probable que alguna vez ganes y otras pierdas, en los oídos del público.

“Este año me encuentro en busca de cosas más melódicas y downtempo”, medita, aceptando estar entrando en su años más maduros.

“Siempre fui muy diverso en mis gustos musicales. Desde Stax Records a Los Beatles, Los Stones, cosas del pop, Motown, Slade, glam rock -no podía soportar la idea de saber solo de house, de rock o de punk. Para mi, la música es una búsqueda interminable para seguir entendiendo y escuchando lo máximo posible, encontrando nuevos caminos para transitar y descubrir.”

Y sabiendo que está a favor del delineador de ojos, admite que compra todas las revistas de rock y habla sin parar de cuando iba a ver a Prince y a The Cure en su juventud, hay que analizar si no es Danny un rockero de alma.

“Siempre me he sentido en la mitad”, dice.

“Me gustan cosas como Can y Neu!, y son rock y electrónica, realmente. Pero creo que hubo un período en los noventa donde la gente empezó a poner guitarras en la música dance y fue algo repugnante. Puedo llegar a tirar ‘Fool’s Gold’ o Bowie en algún afterparty, pero escuchar un himno dance con compases de rock detrás es horrible.”

Por supuesto, él hizo la mayoría de sus beats en su momento. Muchos de ellos llegaron en la última parte de la década anterior, durante un particular período fértil en la producción.

Salieron en su propio sello, Dig Deeper.

Plataforma que creó, increíblemente, porque no se sentía confiado enviando su música a otros DJs. Aunque, un día, encontró difícil crear música interesante para él. “En vez de buscar un colaborador o un co-productor y seguir produciendo para mantenerme en la vista del público dije ‘basta’, porque no me hubiera sentido cómodo con eso.”

Y con esto, su diabólica rabia anti-ambición emerge de nuevo. “Siempre tuve una visión realista de este trabajo. Nunca quise estar ahí afuera forzando todo con la gente. Sé que estás en la mira de todos por un momento y eso es todo. El resto... podés luchar contra eso y probar y seguir siendo relevante pero es un período corto de tiempo.”

EL TOP 5 LOS ALBUMES NO ELECTRÓNICOS DEL 2013 1.

Arcade Fire

‘Reflektor’ “Bueno, es bastante electrónico. Llegando al final del año, pareció darle cierre a lo que fue el mejor año para los álbumes desde los ‘70 y ‘80. Hubo tantos buenos lanzamientos, de todos los géneros, y ‘Reflektor’ llegó bien al final y me encantó.”

2.

Kurt Vile

‘Wakin’ On A Pretty Daze’ “Tuvimos un gran verano este año. Cada mañana me despertaba con el sol atravesando las ventanas y, por alguna razón, este álbum se convirtió en la perfecta banda de sonido de mis mañanas.”

3.

Pinkunoizu

‘The Drop’ “Hubo un gran movimiento psicodélico este año. Algo increíble.

Muchos y muy buenos álbumes y bandas que nunca había escuchado antes.”

4.

Hookworms

‘Pearl Mystic’ “Como dije más arriba, otra perla psicodélica que musicalizó mi verano.”

5.

Follakzoid

‘II’ “Grandes recuerdos de bandas como Can, Neu! y esas. Dos grandes pulgares arriba de mi parte. Nunca había escuchado nada de ellos y me los crucé en Spotify y ahora compro todo lo que hacen. Empezó un nuevo amor.”

djmagla.com

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“

UNA BÚSQUEDA INTERMINABLE

Pero, por favor. Espera un segundo.

Estoy escaneando unas cosas... Cosas de la Visa. Mi viejo agente solía hacer esto pero el nuevo no lo va a hacer. No creen en los DJs mimados.”

Es difícil imaginar a algún otro DJ con 20 años de carrera que esté feliz de hacer estas cosas por sí solo. Muchos de los grandes nombres se volverían locos si la persona equivocada les habla durante su set, o si la marca de champagne que le dieron no es lo suficientemente cara. Danny Howells no. Él es humilde a la perfección. Y más que eso, es honesto con él mismo y con su situación.

Siempre lo ha sido. A pesar de esa diabólica rabia anti-ambición (“Mi vida personal y privada es lo primario ante cualquier cosa, en oposición con lo que piensan la mayoría de los DJs”), se las ha arreglado para bancar varias tormentas y, en el 2013, tocó en las fiestas que él quiso -ni más, ni menos. “Hubo un tiempo donde tocar siempre venía primero”, dice el hombre de Hastings hablando rápido, con un cálido entusiasmo. “Pero pensé, ‘¿qué estoy ganando?’. Hubo un momento en el que empecé a enfermar, tenía problemas de la espalda y problemas de ansiedad, y fue decir: ‘¡a la mierda!’. Si sigues así te irás rápido al ataúd. Así que hice un balance de mi vida y ahora como sano, no fumo y me tomo tiempos libres.”

DE HOBBY A TRABAJO

Danny Howells no es el típico DJ. Fanático del rock pero experto en house y techno, no es ambicioso pero si un maestro en bandejas. Ha vuelto al combate luego de una temporada fuera del centro de la atención. Mientras prepara su magnífico nuevo mix para la serie Balance hablamos con él acerca del trabajo del DJ, la salud, su amor por la guitarra y de por qué es el momento de volver...

Texto: KRISTAN J CARYL 048

djmagla.com

Lo del djing empezó hace más de dos décadas atrás como un hobby pero, a diferencia de la mayoría de las estrellas actuales, Danny se pasó nueve años como aprendiz haciendo los warm ups de John Digweed en sus fiestas de Bedrock.

“Nunca lo hubiera logrado de otra manera”, dice sobre el período que Digweed llama la fase de “pulir la bola de espejos”. “Aprecio mucho lo que conseguí y lo que hice porque no fue algo instantáneo.”

A pesar de eso, el hobby duró mucho más de lo que se imaginan. Incluso en el año 2000, cuando Danny estaba sacando el mix “Nubreed” para Global Undergrond -una de las tantas compilaciones que definieron su carrera- seguía reacio a renunciar a su trabajo diario. “Yo no empecé para conseguir nada.

Todo se dio por el destino. Incluso cuando estaba haciendo compilaciones, remixes para gente como Robbie Williams y haciendo tours, todavía intentaba aferrarme a mi viejo empleo como enfermero psiquiátrico lo más que podía.

Amaba producir y ser DJ pero pensaba, ‘¿cuán seguro es esto?’ Como enfermero sabía que podía pagar el alquiler.”

Por supuesto, algo tenía que ceder y ser DJ se convirtió en la profesión full time de Danny.

Desde ese entonces, ha evolucionado por diferentes sonidos. Desde el italo house y el techno belga de antes, por un house mucho más deep y un cálido progre, hasta donde está hoy, mejor resumido por su nuevo mix de dos discos para la famosa serie Balance. Esta referencia encuentra al ex residente de Renaissance, Twilo y Home en la mejor forma de su vida, mezclando una sabia selección underground de house, bass, downtempo y techno de vanguardia en más de dos horas de un viaje electrónico lleno de dicha. Four Tet, Axel Boman, Lady Blacktronika, The Mole y muchos otros nombres acertados están incluidos pero en vez de poner el objetivo en reafirmarse o relanzarse en el moderno mercado de los DJs, Danny tiene unas razones diferentes para hacer el mix.”Sentí que era el momento”, manifiesta. “Tenía muchas canciones que quería mostrar y sentí que podía

conformar algo de lo que estuviera orgulloso, que es la razón principal por la que accedí a hacerlo. Yo exploro la música sin importarme que es lo cool, sin estar influenciado por lo que está pasando y solo haciendo lo que dicta tu corazón. En ese sentido, siento que estás más desconectado -cuando te pones viejo. En vez de buscar cosas para el mix de Balance, las cosas te empiezan a aparecer y, de pronto, me di cuenta que tenía una buena cantidad de temas que se llevaban bien. Este todavía lo escucho cuando voy al gimnasio, algo muy raro para mí.

Usualmente, ¡los descarto ni bien los termino!”

MÁS MELÓDICO

A lo largo del camino, hay algunas elecciones que Danny siente que han sido determinantes en su carrera pero DJ Mag reconoce que han sido reveses que, de hecho, lo han ayudado en el largo plazo. El primero tiene que ver con tener una tan diversa paleta de sonidos y mezclar unos DJ sets completamente distintos.

Esto puede ser una bendición y una maldición.

Por un lado, si tocás lo mismo todas las noches, la gente sabrá bien lo que ejecutás pero, de esa manera, corrés el riesgo de ser encasillado en algún lugar y, por ende, ser dado de baja. Por el otro lado, con todo lo bueno de abrir las alas cada vez que aterrizás en la cabina, es probable que alguna vez ganes y otras pierdas, en los oídos del público.

“Este año me encuentro en busca de cosas más melódicas y downtempo”, medita, aceptando estar entrando en su años más maduros.

“Siempre fui muy diverso en mis gustos musicales. Desde Stax Records a Los Beatles, Los Stones, cosas del pop, Motown, Slade, glam rock -no podía soportar la idea de saber solo de house, de rock o de punk. Para mi, la música es una búsqueda interminable para seguir entendiendo y escuchando lo máximo posible, encontrando nuevos caminos para transitar y descubrir.”

Y sabiendo que está a favor del delineador de ojos, admite que compra todas las revistas de rock y habla sin parar de cuando iba a ver a Prince y a The Cure en su juventud, hay que analizar si no es Danny un rockero de alma.

“Siempre me he sentido en la mitad”, dice.

“Me gustan cosas como Can y Neu!, y son rock y electrónica, realmente. Pero creo que hubo un período en los noventa donde la gente empezó a poner guitarras en la música dance y fue algo repugnante. Puedo llegar a tirar ‘Fool’s Gold’ o Bowie en algún afterparty, pero escuchar un himno dance con compases de rock detrás es horrible.”

Por supuesto, él hizo la mayoría de sus beats en su momento. Muchos de ellos llegaron en la última parte de la década anterior, durante un particular período fértil en la producción.

Salieron en su propio sello, Dig Deeper.

Plataforma que creó, increíblemente, porque no se sentía confiado enviando su música a otros DJs. Aunque, un día, encontró difícil crear música interesante para él. “En vez de buscar un colaborador o un co-productor y seguir produciendo para mantenerme en la vista del público dije ‘basta’, porque no me hubiera sentido cómodo con eso.”

Y con esto, su diabólica rabia anti-ambición emerge de nuevo. “Siempre tuve una visión realista de este trabajo. Nunca quise estar ahí afuera forzando todo con la gente. Sé que estás en la mira de todos por un momento y eso es todo. El resto... podés luchar contra eso y probar y seguir siendo relevante pero es un período corto de tiempo.”

EL TOP 5 LOS ALBUMES NO ELECTRÓNICOS DEL 2013 1.

Arcade Fire

‘Reflektor’ “Bueno, es bastante electrónico. Llegando al final del año, pareció darle cierre a lo que fue el mejor año para los álbumes desde los ‘70 y ‘80. Hubo tantos buenos lanzamientos, de todos los géneros, y ‘Reflektor’ llegó bien al final y me encantó.”

2.

Kurt Vile

‘Wakin’ On A Pretty Daze’ “Tuvimos un gran verano este año. Cada mañana me despertaba con el sol atravesando las ventanas y, por alguna razón, este álbum se convirtió en la perfecta banda de sonido de mis mañanas.”

3.

Pinkunoizu

‘The Drop’ “Hubo un gran movimiento psicodélico este año. Algo increíble.

Muchos y muy buenos álbumes y bandas que nunca había escuchado antes.”

4.

Hookworms

‘Pearl Mystic’ “Como dije más arriba, otra perla psicodélica que musicalizó mi verano.”

5.

Follakzoid

‘II’ “Grandes recuerdos de bandas como Can, Neu! y esas. Dos grandes pulgares arriba de mi parte. Nunca había escuchado nada de ellos y me los crucé en Spotify y ahora compro todo lo que hacen. Empezó un nuevo amor.”

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riundo de Sheffield, una importante ciudad del centro de Inglaterra, todo lo que quería Adam era que una de sus producciones llegase a las manos de sus DJs favoritos. No solo llegó a manos de Bryan Kearney, quien lo lanzó en su propio sello Kearnage, sino que, además, se convirtió en N°1 en el Top Trance de Beatport. Meses más tarde, su segunda producción original que tituló “Mandarine” -homenajeando a la discoteca porteña- volvió a posicionarse en la cima. Dos de dos para el joven Ellis… ¿Cómo es tu tierra natal?

“Sheffield es genial. Me encanta vivir acá. Toda mi familia y amigos están acá.” ¿Cómo fuiste entrando en el mundo de la música electrónica?

“Se fue dando solo a medida que fui creciendo. Escuchando los CDs de Clubland e investigando a Tiesto cuando era chiquito. Empezó todo desde ahí. Empecé a ir a las discotecas de música electrónica y cuando tenía 19 encontré al trance.” ¿Tenías algún tipo de educación musical?

“Aprendí a tocar la guitarra a un muy buen nivel cuando tenía 14 años pero, más allá de eso, nada...”

UN ASCENSO METEÓRICO

Y, ¿cómo iniciaste el camino en 2013? ¿Cuáles eran tus objetivos? ¿Qué cosas pasaban por tu cabeza y cómo terminaste lanzando tu primera producción en Kearnage?

“Para ser honesto, cuando empecé no tenía en la cabeza demasiadas cosas para conseguir. Solo una: quería producir un track de trance que fuera lo suficientemente bueno como para que lo pase algún DJ profesional. Lo logré con el remix que hice de ‘Bullet In The Gun’ de Planet Perfecto. Después de hacer eso, tuve la confianza de terminar mi track ‘Napalm Poet’. Lo terminé después de haberme comprado unos auriculares de alta calidad para ingenieros de sonido y se lo mandé a Bryan Kearney. A Bryan le encantó y todo empezó ahí. Firmamos el contrato una semana después.”

052 djmagla.com

Y ahí empezaron los viajes como DJ... ¿Dónde estuviste? ¿Qué lugares llamaron tu atención?

“He tenido mucha suerte de viajar este año y he visitado varios países. Por el momento, he estado en Escocia, Italia, Argentina y Estados Unidos. Mis mejores momentos fueron en Argentina y Estados Unidos, en Nueva York. La pasé genial en todos los lugares donde estuve pero estos dos lugares se me quedaron grabados.”

Así es. Estuviste en Argentina. ¿Cómo fue la experiencia en Mandarine? ¿Qué viviste en esa visita?

“Encontré a muchos amantes de la música apasionados, gente amigable, excelentes comidas y, lo mejor de todo, la mejor experiencia de mi vida. Es un lugar increíble y espero volver pronto en el 2014.”

Incluso, le dedicaste un track a esa fiesta ¿Por qué hiciste eso?

“Lo hice porque sentí que era lo que tenía que hacer. Estaba en el aeropuerto, yéndome de Argentina, y hablaba con John O’Callaghan sobre mi nuevo track.

Todavía no tenía nombres así que empezamos a discutir algunos. Soy bastante selectivo con los nombres y solo me gusta usar nombres únicos. ‘Mandarine’ no era el nombre más exclusivo pero, por otro lado, lo sentía único por la experiencia que había tenido ahí. Quedé anonadado cuando el track llegó al primer puesto en Beatport porque es muy especial para mí.”

Incluso “Napalm Poet” llegó al N°1 en Beatport y se colocó en el puesto N°22 en la lista del “Tema del año” de ASOT. “Sí. Ha sido un año increíble. No puedo creer en lo que se convirtió. ¡Muy feliz!”

Recibiste mucho apoyo, no solo de parte de Armin. John O’Callaghan te ha apoyado por completo. Sean Tyas, también. ¿Cómo manejás estas relaciones? ¿Qué se siente cuando gente como John O’Callaghan te reconoce todas estas cosas? ¿Qué relación tenés con él?

“Si, estos tipos me han ayudado muchísimo apoyando mi música y aconsejándome. John es muy bueno y siempre me da una respuesta honesta para seguir intentando y progresando en mi carrera. Él fue el que decidió llevarme a Mandarine, además, así que le debemos una. También hay que reconocer a Bryan Kearney. Si no hubiera sido por Bryan y sus esfuerzos en apoyarme como artista, no estaría donde estoy. Estoy muy agradecido por las oportunidades que me dieron y voy a seguir trabajando lo más que pueda para superar el gran 2013.”

El inglés Adam Ellis vivió un 2013 increíble.

Con 26 años, se propuso crear un track que llegue a los mejores DJs del universo. Y mucho no le costó… ¿Estudiaste algo con relación a la producción? ¿Lo creés necesario para ser exitoso como DJ? ¿Cómo producís?

“Si, hoy la producción se necesita 100%. Por el hecho de que es muy simple mezclar hoy en día, hay muchísimos DJs y, para destacarte, necesitás producir.

Es una lástima para los apasionados DJs que no tienen interés en producir, pero es así. Yo produzco con Logic 9 y una serie de sintetizadores digitales.

Tengo un título de grado en Producción Musical pero el curso no tiene que ver mucho con aprender a producir música trance. Para ser honesto, es bastante desilusionante. Aprendí a los golpes, en mi estudio durante largas noches...

Sin ingenieros ni gente ayudando. Solo tuve un objetivo y me dediqué a eso.

Ahora, con todo lo bueno que me está pasando, me siento muy orgulloso de todo lo que hice. Es difícil trabajar duro sin agarrar ningún atajo.”

Además, se te ve muy interactivo con las redes sociales… Te las ingeniás para responder todo y, a veces, armás algunas clases online. ¿Por qué hacés esto? ¿Te gusta enseñar?

“Todo el mundo dice eso. Trato de hacer lo mejor que puedo con las redes sociales. Es una gran curva de aprendizaje. He cometido errores antes y lo seguiré haciendo pero trato de dar lo mejor y mantenerme activo y que todos sepan que está pasando. Si, respondo preguntas a veces. No muy seguido porque siento que algunos pueden hacerse una idea errada de por qué lo hago. No quiero quedar como un arrogante y hacer que la gente se crea que me pienso superior. Me gusta enseñar. Hoy en día, es mi trabajo full time, y funciona bien.” ¿Y cómo es tu postura hacia el internet? Hemos visto cómo notabas que subían tus temas a YouTube… ¿Cómo se siente un artista cuando vive este tipo de cosas?

“Si, es una lástima. Pero es parte de la industria musical. El internet ha hecho muchas más cosas buenas que esas malas. Yo lo considero así.” ¿Cómo ves el presente de la música trance? ¿Qué está pasando con el género? ¿Dónde tenemos que ir para escuchar buena música trance?

“Creo que es excelente. El lado rápido del trance está volviendo y la cantidad de nuevos talentos que hay es increíble. Para encontrar buena música pueden escuchar mi show ‘The Void’, el de Bryan Kearney, Allan Morrow, Indecent Noise, Sneijder y más. AfterHours.FM es un canal de trance durante las 24 horas y lo recomiendo mucho.”

¿Cómo va a venir este 2014? ¿Qué vas a hacer?

“Muchas cosas van a pasar. Estoy dedicado a superar el 2013 con sólidos remixes y originales. Estoy colaborando con grandes nombres, también, y esperando a ver qué me trae el 2014.”

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riundo de Sheffield, una importante ciudad del centro de Inglaterra, todo lo que quería Adam era que una de sus producciones llegase a las manos de sus DJs favoritos. No solo llegó a manos de Bryan Kearney, quien lo lanzó en su propio sello Kearnage, sino que, además, se convirtió en N°1 en el Top Trance de Beatport. Meses más tarde, su segunda producción original que tituló “Mandarine” -homenajeando a la discoteca porteña- volvió a posicionarse en la cima. Dos de dos para el joven Ellis… ¿Cómo es tu tierra natal?

“Sheffield es genial. Me encanta vivir acá. Toda mi familia y amigos están acá.” ¿Cómo fuiste entrando en el mundo de la música electrónica?

“Se fue dando solo a medida que fui creciendo. Escuchando los CDs de Clubland e investigando a Tiesto cuando era chiquito. Empezó todo desde ahí. Empecé a ir a las discotecas de música electrónica y cuando tenía 19 encontré al trance.” ¿Tenías algún tipo de educación musical?

“Aprendí a tocar la guitarra a un muy buen nivel cuando tenía 14 años pero, más allá de eso, nada...”

UN ASCENSO METEÓRICO

Y, ¿cómo iniciaste el camino en 2013? ¿Cuáles eran tus objetivos? ¿Qué cosas pasaban por tu cabeza y cómo terminaste lanzando tu primera producción en Kearnage?

“Para ser honesto, cuando empecé no tenía en la cabeza demasiadas cosas para conseguir. Solo una: quería producir un track de trance que fuera lo suficientemente bueno como para que lo pase algún DJ profesional. Lo logré con el remix que hice de ‘Bullet In The Gun’ de Planet Perfecto. Después de hacer eso, tuve la confianza de terminar mi track ‘Napalm Poet’. Lo terminé después de haberme comprado unos auriculares de alta calidad para ingenieros de sonido y se lo mandé a Bryan Kearney. A Bryan le encantó y todo empezó ahí. Firmamos el contrato una semana después.”

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Y ahí empezaron los viajes como DJ... ¿Dónde estuviste? ¿Qué lugares llamaron tu atención?

“He tenido mucha suerte de viajar este año y he visitado varios países. Por el momento, he estado en Escocia, Italia, Argentina y Estados Unidos. Mis mejores momentos fueron en Argentina y Estados Unidos, en Nueva York. La pasé genial en todos los lugares donde estuve pero estos dos lugares se me quedaron grabados.”

Así es. Estuviste en Argentina. ¿Cómo fue la experiencia en Mandarine? ¿Qué viviste en esa visita?

“Encontré a muchos amantes de la música apasionados, gente amigable, excelentes comidas y, lo mejor de todo, la mejor experiencia de mi vida. Es un lugar increíble y espero volver pronto en el 2014.”

Incluso, le dedicaste un track a esa fiesta ¿Por qué hiciste eso?

“Lo hice porque sentí que era lo que tenía que hacer. Estaba en el aeropuerto, yéndome de Argentina, y hablaba con John O’Callaghan sobre mi nuevo track.

Todavía no tenía nombres así que empezamos a discutir algunos. Soy bastante selectivo con los nombres y solo me gusta usar nombres únicos. ‘Mandarine’ no era el nombre más exclusivo pero, por otro lado, lo sentía único por la experiencia que había tenido ahí. Quedé anonadado cuando el track llegó al primer puesto en Beatport porque es muy especial para mí.”

Incluso “Napalm Poet” llegó al N°1 en Beatport y se colocó en el puesto N°22 en la lista del “Tema del año” de ASOT. “Sí. Ha sido un año increíble. No puedo creer en lo que se convirtió. ¡Muy feliz!”

Recibiste mucho apoyo, no solo de parte de Armin. John O’Callaghan te ha apoyado por completo. Sean Tyas, también. ¿Cómo manejás estas relaciones? ¿Qué se siente cuando gente como John O’Callaghan te reconoce todas estas cosas? ¿Qué relación tenés con él?

“Si, estos tipos me han ayudado muchísimo apoyando mi música y aconsejándome. John es muy bueno y siempre me da una respuesta honesta para seguir intentando y progresando en mi carrera. Él fue el que decidió llevarme a Mandarine, además, así que le debemos una. También hay que reconocer a Bryan Kearney. Si no hubiera sido por Bryan y sus esfuerzos en apoyarme como artista, no estaría donde estoy. Estoy muy agradecido por las oportunidades que me dieron y voy a seguir trabajando lo más que pueda para superar el gran 2013.”

El inglés Adam Ellis vivió un 2013 increíble.

Con 26 años, se propuso crear un track que llegue a los mejores DJs del universo. Y mucho no le costó… ¿Estudiaste algo con relación a la producción? ¿Lo creés necesario para ser exitoso como DJ? ¿Cómo producís?

“Si, hoy la producción se necesita 100%. Por el hecho de que es muy simple mezclar hoy en día, hay muchísimos DJs y, para destacarte, necesitás producir.

Es una lástima para los apasionados DJs que no tienen interés en producir, pero es así. Yo produzco con Logic 9 y una serie de sintetizadores digitales.

Tengo un título de grado en Producción Musical pero el curso no tiene que ver mucho con aprender a producir música trance. Para ser honesto, es bastante desilusionante. Aprendí a los golpes, en mi estudio durante largas noches...

Sin ingenieros ni gente ayudando. Solo tuve un objetivo y me dediqué a eso.

Ahora, con todo lo bueno que me está pasando, me siento muy orgulloso de todo lo que hice. Es difícil trabajar duro sin agarrar ningún atajo.”

Además, se te ve muy interactivo con las redes sociales… Te las ingeniás para responder todo y, a veces, armás algunas clases online. ¿Por qué hacés esto? ¿Te gusta enseñar?

“Todo el mundo dice eso. Trato de hacer lo mejor que puedo con las redes sociales. Es una gran curva de aprendizaje. He cometido errores antes y lo seguiré haciendo pero trato de dar lo mejor y mantenerme activo y que todos sepan que está pasando. Si, respondo preguntas a veces. No muy seguido porque siento que algunos pueden hacerse una idea errada de por qué lo hago. No quiero quedar como un arrogante y hacer que la gente se crea que me pienso superior. Me gusta enseñar. Hoy en día, es mi trabajo full time, y funciona bien.” ¿Y cómo es tu postura hacia el internet? Hemos visto cómo notabas que subían tus temas a YouTube… ¿Cómo se siente un artista cuando vive este tipo de cosas?

“Si, es una lástima. Pero es parte de la industria musical. El internet ha hecho muchas más cosas buenas que esas malas. Yo lo considero así.” ¿Cómo ves el presente de la música trance? ¿Qué está pasando con el género? ¿Dónde tenemos que ir para escuchar buena música trance?

“Creo que es excelente. El lado rápido del trance está volviendo y la cantidad de nuevos talentos que hay es increíble. Para encontrar buena música pueden escuchar mi show ‘The Void’, el de Bryan Kearney, Allan Morrow, Indecent Noise, Sneijder y más. AfterHours.FM es un canal de trance durante las 24 horas y lo recomiendo mucho.”

¿Cómo va a venir este 2014? ¿Qué vas a hacer?

“Muchas cosas van a pasar. Estoy dedicado a superar el 2013 con sólidos remixes y originales. Estoy colaborando con grandes nombres, también, y esperando a ver qué me trae el 2014.”

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Cuando Jimmy Van M tenía 8 años, su padre decidió vender el restaurante que tenía en el centro de Gent, en Bélgica, para mudarse a Orlando, Florida, en los Estados Unidos. “Vendió el restaurante y abrió una agencia de viajes en Orlando para traer clientes de Bélgica, Holanda y Francia”, recuerda Jimmy. “Yo trabajé con mi padre como guía de turismo llevando algunos clientes por diferentes zonas de Estados Unidos.” Su familia no tenía ninguna inclinación musical pero fue su hermano, como suele suceder, quien despertó en el artista el amor a la música. “Tenía una gran colección de CDs. Gracias a él conocí una amplia variedad de música”, nos dice. La lista es muy extensa e incluye todo tipo de influencias. Nombra desde Depeche Mode, Pink Floyd e INXS hasta Michael Jackson, Los Beatles y Beethoven, pasando por Front 242, The Beach Boys, Sex Pistols, Fleetwood Mac y Bach. “Teníamos unos parlantes en nuestro salón de entretenimientos que tenían forma de bolas de espejos. Y yo tocaba los vinilos de ABBA de mis padres.”

EL GEN INICIAL Jimmy volvía a Gent regularmente para visitar familiares y recuerda que algo empezaba a pasar los domingos por la noche en un club llamado Boccaccio.

“A los 14 años tuve mi primer experiencia con la música new beat ahí. En el lugar había gente de Holanda, Alemania, Francia, el Reino Unido y hasta Italia. Me acuerdo que estaba repleto y la gente levantaba las manos. Era algo que nunca había visto.”

La gente se vestía de colores y bailaba sin ponerse límites. Esa experiencia iba a cambiar la vida de Jimmy para siempre. Mientras tanto, en Norteamérica también se vivían cambios. “Musicalmente, en Orlando, parecía existir un universo paralelo. La escena también crecía ahí pero en un sentido diferente. Más oscura, más gótica, alternativa. Como Nitzer Ebb y Front 242”, cuenta.

De algo relativamente común vino algo extraordinario y Jimmy sentía que iba a cambiar el mundo. “Por supuesto, en retrospectiva es mucho más sencillo ver que todos estos elementos se iban dando. Hoy podemos ver la historia y entenderla. En ese entonces, parecía que todo iba surgiendo desde los parlantes…”

EL CONQUISTADOR

Jimmy Van M es uno de los máximos responsables de la actual expansión de la música electrónica. Su pasión lo llevó, en los noventa, a desarrollar la escena estadounidense como nadie lo había hecho, de la mano de John Digweed y Sasha. Hoy, casi dos décadas después, la historia se repite en territorio argentino…

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UNIENDO ESTADOS Cada vez fue adentrándose más en los pormenores de la electrónica hasta que conoció a los promotores -de la empresa Unity- Kimball Collins, Dave Cannalte y Stace Bass, quienes habían sido los primeros en llevar artistas internacionales a Orlando. “Conocí a Kimball porque, en ese entonces, yo le alquilaba sistemas de sonido a los clubes y necesitaban sonido extra para una gran fiesta de fin de año en ‘Aahz’.” Lo cierto es que Dave Cannalte, luego de que se conocieran, le dio algunas indicaciones para que aprenda a tocar, y la historia empezó a cambiar. “Era divertido porque ni sabía cómo usar el pitch. Después de seis meses aprendiendo a tocar, me dieron la oportunidad de hacer el warm up de una noche de lunes en una fiesta llamada Lift, donde Kimball era residente”, dice. Y, enseguida, recuerda algo que resultó fundamental para todo lo que vendría. “Al poco tiempo, cuando Sasha llegó a tocar a Orlando por segunda vez, no había habitaciones disponibles en ningún hotel. Esto deja en claro que era, realmente, el comienzo de la escena. Afortunadamente, yo tenía una gran casa de dos pisos y lo invité. Así nos convertimos en amigos. John Digweed, Sasha, Dave Seaman y muchos otros artistas que venían, pasaban a quedarse una semana, de vez en cuando. Mi casa se convirtió en el destino de los DJs que venían a Orlando. Ni hace falta decir lo bien que la pasábamos y todos los recuerdos increíbles que guardo de esa época.”

En ese entonces no había objetivos, nos dice. “Era una ola de sonido nuevo y queríamos absorverlo día a día, fiesta a fiesta. No había redes sociales ni marketing, ni nada de eso, realmente. Muy pocas cosas para preocuparse, excepto disfrutar el momento, el movimiento”, rememora. Para los artistas, en esos tiempos, se trataba de fiestas y afters, de hacer cosas estúpidas como recibir el pago en efectivo y olvidarlo esa misma noche en el baño del lugar. “Eso no pasaría nunca hoy”, afirma. El público llegaba de todos lados y se sentía la pasión que tenían por el arte. Incluso, recuerda una fiesta que organizó en Toronto llamada “Land of Milk and Honey” (“La tierra de la leche y la miel”) que reunió a unas 10 mil personas y duró más de 12 horas, y de la que Jimmy recuerda algo muy particular: “Fue algo increíble tener a Wesley Snipes en la cabina sacándose fotos con Sasha y John Digweed.”

LA ÉPOCA DORADA Después de eso, llegó uno de los momentos que quedarían grabados en la historia de la música electrónica para siempre. En el año 1995 abría la discoteca Twilo en Nueva York. Ubicada en el barrio de Chelsea -en la 27th street-, atraía de cinco a ocho mil personas todos los viernes y sábados a una pista al estilo warehouse, con el legendario sistema de sonido Phazon.

Twilo fue importante en la popularización de la música electrónica en los Estados Unidos. Especialmente por las residencias de artistas como Sasha, John Digweed y el propio Jimmy Van M. “Era un club antes de que se hagan estos cultos a los DJs y se convirtiera en ‘párense y miren al DJ como un

concierto’.”

El público, recuerda, bailaba allí no solo por la música sino por el público mismo.

“Era un evento larguísimo que atrajo fanáticos de todo el mundo. Fue un fenómeno cultural que elevó a los DJs a un status místico y abrió el camino a otra ola de DJs internacionales”, resume.

Luego de muchos años, en 2001, el club fue clausurado. Pero el cambio ya había tomado su rumbo. “En el 2001 Twilo cerró y nos mudamos al ‘Delta Heavy Tour’ con Sasha & John Digweed.

Fueron 45 días viajando con dos autobuses y dos camiones gigantes llenos de producción.

Era la primera vez que algo así se hacía en los Estados Unidos. Ese período marcó un cambio en la escena.”

El ‘Delta Heavy’ fue un tour de música electrónica pionero que presentaba los talentos de Sasha, John Digweed y Jimmy Van M. Visitando todos los lugares de Estados Unidos en el 2002, promovido por Clear Channel -que hoy es Live Nation-, recibió a unas 85.000 personas en 6 semanas y fue, sin dudas, el tour de DJs más importante que tuvo Estados Unidos. Producido por Kevin Lyman, las 31 fechas elevaron los parámetros para los eventos electrónicos de gran escala. “Marcó un cambio en la escena. Muchos DJs como Paul Oakenfold y Tiesto empezaron a gastar más tiempo viajando después del tour. Empujó mucho los sonidos comerciales, algo que se convirtió en una bola de nieve que no ha parado hasta el día de hoy.” djmagla.com

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Cuando Jimmy Van M tenía 8 años, su padre decidió vender el restaurante que tenía en el centro de Gent, en Bélgica, para mudarse a Orlando, Florida, en los Estados Unidos. “Vendió el restaurante y abrió una agencia de viajes en Orlando para traer clientes de Bélgica, Holanda y Francia”, recuerda Jimmy. “Yo trabajé con mi padre como guía de turismo llevando algunos clientes por diferentes zonas de Estados Unidos.” Su familia no tenía ninguna inclinación musical pero fue su hermano, como suele suceder, quien despertó en el artista el amor a la música. “Tenía una gran colección de CDs. Gracias a él conocí una amplia variedad de música”, nos dice. La lista es muy extensa e incluye todo tipo de influencias. Nombra desde Depeche Mode, Pink Floyd e INXS hasta Michael Jackson, Los Beatles y Beethoven, pasando por Front 242, The Beach Boys, Sex Pistols, Fleetwood Mac y Bach. “Teníamos unos parlantes en nuestro salón de entretenimientos que tenían forma de bolas de espejos. Y yo tocaba los vinilos de ABBA de mis padres.”

EL GEN INICIAL Jimmy volvía a Gent regularmente para visitar familiares y recuerda que algo empezaba a pasar los domingos por la noche en un club llamado Boccaccio.

“A los 14 años tuve mi primer experiencia con la música new beat ahí. En el lugar había gente de Holanda, Alemania, Francia, el Reino Unido y hasta Italia. Me acuerdo que estaba repleto y la gente levantaba las manos. Era algo que nunca había visto.”

La gente se vestía de colores y bailaba sin ponerse límites. Esa experiencia iba a cambiar la vida de Jimmy para siempre. Mientras tanto, en Norteamérica también se vivían cambios. “Musicalmente, en Orlando, parecía existir un universo paralelo. La escena también crecía ahí pero en un sentido diferente. Más oscura, más gótica, alternativa. Como Nitzer Ebb y Front 242”, cuenta.

De algo relativamente común vino algo extraordinario y Jimmy sentía que iba a cambiar el mundo. “Por supuesto, en retrospectiva es mucho más sencillo ver que todos estos elementos se iban dando. Hoy podemos ver la historia y entenderla. En ese entonces, parecía que todo iba surgiendo desde los parlantes…”

EL CONQUISTADOR

Jimmy Van M es uno de los máximos responsables de la actual expansión de la música electrónica. Su pasión lo llevó, en los noventa, a desarrollar la escena estadounidense como nadie lo había hecho, de la mano de John Digweed y Sasha. Hoy, casi dos décadas después, la historia se repite en territorio argentino…

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UNIENDO ESTADOS Cada vez fue adentrándose más en los pormenores de la electrónica hasta que conoció a los promotores -de la empresa Unity- Kimball Collins, Dave Cannalte y Stace Bass, quienes habían sido los primeros en llevar artistas internacionales a Orlando. “Conocí a Kimball porque, en ese entonces, yo le alquilaba sistemas de sonido a los clubes y necesitaban sonido extra para una gran fiesta de fin de año en ‘Aahz’.” Lo cierto es que Dave Cannalte, luego de que se conocieran, le dio algunas indicaciones para que aprenda a tocar, y la historia empezó a cambiar. “Era divertido porque ni sabía cómo usar el pitch. Después de seis meses aprendiendo a tocar, me dieron la oportunidad de hacer el warm up de una noche de lunes en una fiesta llamada Lift, donde Kimball era residente”, dice. Y, enseguida, recuerda algo que resultó fundamental para todo lo que vendría. “Al poco tiempo, cuando Sasha llegó a tocar a Orlando por segunda vez, no había habitaciones disponibles en ningún hotel. Esto deja en claro que era, realmente, el comienzo de la escena. Afortunadamente, yo tenía una gran casa de dos pisos y lo invité. Así nos convertimos en amigos. John Digweed, Sasha, Dave Seaman y muchos otros artistas que venían, pasaban a quedarse una semana, de vez en cuando. Mi casa se convirtió en el destino de los DJs que venían a Orlando. Ni hace falta decir lo bien que la pasábamos y todos los recuerdos increíbles que guardo de esa época.”

En ese entonces no había objetivos, nos dice. “Era una ola de sonido nuevo y queríamos absorverlo día a día, fiesta a fiesta. No había redes sociales ni marketing, ni nada de eso, realmente. Muy pocas cosas para preocuparse, excepto disfrutar el momento, el movimiento”, rememora. Para los artistas, en esos tiempos, se trataba de fiestas y afters, de hacer cosas estúpidas como recibir el pago en efectivo y olvidarlo esa misma noche en el baño del lugar. “Eso no pasaría nunca hoy”, afirma. El público llegaba de todos lados y se sentía la pasión que tenían por el arte. Incluso, recuerda una fiesta que organizó en Toronto llamada “Land of Milk and Honey” (“La tierra de la leche y la miel”) que reunió a unas 10 mil personas y duró más de 12 horas, y de la que Jimmy recuerda algo muy particular: “Fue algo increíble tener a Wesley Snipes en la cabina sacándose fotos con Sasha y John Digweed.”

LA ÉPOCA DORADA Después de eso, llegó uno de los momentos que quedarían grabados en la historia de la música electrónica para siempre. En el año 1995 abría la discoteca Twilo en Nueva York. Ubicada en el barrio de Chelsea -en la 27th street-, atraía de cinco a ocho mil personas todos los viernes y sábados a una pista al estilo warehouse, con el legendario sistema de sonido Phazon.

Twilo fue importante en la popularización de la música electrónica en los Estados Unidos. Especialmente por las residencias de artistas como Sasha, John Digweed y el propio Jimmy Van M. “Era un club antes de que se hagan estos cultos a los DJs y se convirtiera en ‘párense y miren al DJ como un

concierto’.”

El público, recuerda, bailaba allí no solo por la música sino por el público mismo.

“Era un evento larguísimo que atrajo fanáticos de todo el mundo. Fue un fenómeno cultural que elevó a los DJs a un status místico y abrió el camino a otra ola de DJs internacionales”, resume.

Luego de muchos años, en 2001, el club fue clausurado. Pero el cambio ya había tomado su rumbo. “En el 2001 Twilo cerró y nos mudamos al ‘Delta Heavy Tour’ con Sasha & John Digweed.

Fueron 45 días viajando con dos autobuses y dos camiones gigantes llenos de producción.

Era la primera vez que algo así se hacía en los Estados Unidos. Ese período marcó un cambio en la escena.”

El ‘Delta Heavy’ fue un tour de música electrónica pionero que presentaba los talentos de Sasha, John Digweed y Jimmy Van M. Visitando todos los lugares de Estados Unidos en el 2002, promovido por Clear Channel -que hoy es Live Nation-, recibió a unas 85.000 personas en 6 semanas y fue, sin dudas, el tour de DJs más importante que tuvo Estados Unidos. Producido por Kevin Lyman, las 31 fechas elevaron los parámetros para los eventos electrónicos de gran escala. “Marcó un cambio en la escena. Muchos DJs como Paul Oakenfold y Tiesto empezaron a gastar más tiempo viajando después del tour. Empujó mucho los sonidos comerciales, algo que se convirtió en una bola de nieve que no ha parado hasta el día de hoy.” djmagla.com

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CONQUISTANDO TERRITORIOS Entonces, podemos decir que Jimmy ha estado, desde los inicios, involucrado en la expansión que vive la electrónica al día de hoy. “Tuve la suerte de ser parte de la escena electrónica desde los inicios. Ir a una discoteca en ese entonces era algo difícil de describir y solo se puede entender si se vivió. Fue como si un imán gigante hubiera desviado la dirección de nuestras vidas y todos íbamos en la misma dirección”, relata.

“El sentimiento era que estábamos todos juntos, semana a semana, para escuchar que era lo que venía después y acompañar el movimiento.

Participar en un fenómeno global desde sus comienzos es una de las cosas más increíbles que le pueden pasar a un ser humano. Había una sensación de que habíamos viajado juntos a muchos lugares, y que íbamos a viajar más, disfrutando los bello y lo extraño de todo eso.”

Desde que tocó por primera vez en la Argentina, en el año 1998, estuvo seducido por la idea de mudarse para acá. “En la Argentina, ese mismo espíritu se puede sentir. Cada lugar a donde voy, veo gente descubriendo esta música por primera vez y es algo hermoso para poder presenciar y para ser parte. Me siento muy afortunado. Aprecio mis experiencias pasadas, por supuesto, pero también puedo apreciar las primeras experiencias de otros. Es parte de lo que hace a esta experiencia algo tan duradero y le da ese atractivo mágico.” Jimmy nos describe lo increíble que se siente recorrer un país y ver las caras de los clubbers que van sintiendo esa conexión.

Pero, ¿él no había contribuido a la expansión de la música electrónica en los Estados Unidos a principios de milenio? Exactamente. Así que, ya sea por un simple cambio de rumbo o por el hambre de seguir conquistando territorios, el destino lo volvió a poner al frente de una expansión musical. Lo cierto es que Jimmy decidió mudarse a la Argentina hace un poco más de un año y medio. “Me mudé por amor”, cuenta.

Además, desde que llegó, conoció a Luxor T, un talentoso músico y productor con quien ha estado haciendo música. “Una de nuestras últimas producciones llamada “Dreams” -junto con Affkt- fue seleccionada por Bedrock y llegó al Top 10 de techno en Beatport”, se enorgullece. Y nos damos cuenta que el cariño que siente por Argentina es grande. Jimmy se introdujo de lleno en las vísceras de una escena en crecimiento, poniéndose a la par de los talentos locales, que parece conocer a la perfección. “Los grandes artistas de Argentina son Guti y Hernán Cattaneo, quienes no necesitan introducción. Después hay grandes talentos como Adrian Hour, con quien hemos terminado una colaboración junto a Mark Knight y Ant Brooks. Brian Gros fue descubierto por Richie Hawtin, Santiago García, que dirige los streaming en vivo de ‘Between US’, Martín García, Facundo Mohrr, Deep Mariano, Jay West, Festa Bros y sus fiestas Together, David Calo, Sound Process, Guille Quero, Romina Cohn y varios más. Además de otras leyendas que han estado siempre como DJ Paul, Spitfire, Bad Boy Orane, Zuker, Facu Carri, Big Fabio y Carlos Alfonsín.

Una de las mejores cosas de Argentina son los DJs locales que

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desarrollan muy bien sus habilidades para saber en qué momento de la noche están tocando.

Lo que significa que se logran grandes shows, de principio a fin. El comienzo, la cumbre y la euforia del final. Muchos DJs internacionales tienen siempre cosas muy buenas que decir acerca de los actos locales de este país.” Y aunque las tierras latinoamericanas disfruten de tenerlo cerca, el verano europeo demanda. “La realidad indica que, por mi carrera, debo pasar tiempo en Europa también, así que voy a irme a vivir a Europa del Este a fines de marzo, para el verano. Planeo volver para el verano de acá, a fines del 2014.”

CÓMO LLEGAR Con todas estas credenciales, posee un lugar privilegiado en la industria internacional. Su habilidad para tocar lo convierte en una gran propuesta para cualquier ocasión y le otorga un status de DJ que se logra con muchos años de trabajo pero, ¿qué significa ser un DJ? “Imaginen esto: estás tocando tus tracks favoritos en uno de los mejores clubes de Buenos Aires. Está lleno, la gente está enloquecida y pensás ‘no fue hace mucho que tocaba en mi cuarto y afinaba mis habilidades mientras experimentaba esa ansiedad previa a las charlas con los promotores de los clubes’”, explica. Eso es lo que sueñan la mayoría de los DJs, dice. “Todos sueñan con tocar por el mundo pero solo unos pocos saben como convertir eso en realidad.”

Cuando los DJs tienen éxito global, uno se pregunta cómo lo hicieron. ¿Hizo trampa o algún truco para conseguir más fans o más shows? “En cierto grado, esta pregunta se puede justificar porque muchos DJs si que toman atajos para llegar al éxito. Pero, los que lo hacen,

descubren que no mucho tiempo después empiezan a caer. Todos quieren tocar en los mejores clubes del mundo, pero la mayoría no está dispuesta a trabajar para eso. Entonces, ¿qué se necesita para ser un verdadero DJ? Si sabés por qué estás interesado en tocar, sos positivo y persistente, entonces empezaste con el pie derecho.” Nos dice que una de las claves para progresar es saber dónde querés estar y explica alguno de los procesos que pueden determinar ese éxito. “Quizás no sepas cómo llegar pero, en algún momento, va a pasar. Tenés que trabajar duro y ser capaz de hacer pequeñas tareas diarias como mantener tus redes sociales actualizadas, empezar a producir y buscar introducir esos tracks en algún sello. La persistencia es, probablemente, lo más importante para un DJ exitoso”, nos enseña. “Si te rechazan o fallás, tomalo como una experiencia y volvé a intentarlo. Ahí es cuando demostrás de lo que estás hecho. Hay que mantenerse optimista, buscar las cosas buenas y aprender qué hacer cuando las cosas no siguen lo planeado. La experiencia es muy valiosa.” Y agrega algo que, en él, se ve a simple vista: “Mantenerse siempre humilde.”

Jimmy ha experimentado todos los cambios que sufrió el mundo de la electrónica. No solo en su esencia y en su repercusión sino, también, en la evolución tecnológica, de la que muy pocos han podido quedan al margen. “Hoy, hay muchas mas herramientas para incorporar elementos en vivo, más el uso de los efectos”, dice. En seguida nos explica que el uso excesivo de esos efectos podría resultar demasiado y que, para él, sería interesante que “los DJs de hoy” hagan sus sets con vinilos o compacteras, sin la posibilidad de tocar el botón sync. “No le hace bien a los DJs, ni al arte, pensar que queda todo en manos de la tecnología o, incluso, sólo en las mezclas.

Decir que un DJ es tan bueno como lo que ocurre durante los minutos que dura una mezcla es decir, básicamente, que es mecánico y no humano.”

LO QUE UNO AMA No por nada es considerado uno de los maestros del warm up, elegido constantemente para dar inicio a los eventos electrónicos más importantes. Desde esas primeras experiencias en Twilo hasta el día de hoy, celebrando los 15 años de Bedrock, calentando la pista para el mismísimo John Digweed en el “Room 1” de la discoteca londinense Fire. “Si estoy haciendo el primer set de la noche, armando la atmósfera para el siguiente DJ, será importante crear cierta tensión. Darle al público algo de energía, después volver a un groove más estable y seguir desarrollando el set así. Si el público responde bien a mi set y luego el lugar explota cuando sigue el próximo DJ, entonces fue una noche perfecta”, resume. Parece fácil. “Se siente bien hacer lo que uno ama. Manteniendo una vida simple, trabajando duro y pasándola bien.”

B

eltek es la primera persona de su familia que se involucró en la música.

Nacido como Martin Bijelic, es oriundo de la capital eslovena Liubliana, al igual que su amigo Umek, con quien ha trabajado en reiteradas ocasiones, realizando colaboraciones y lanzando música en su sello 1605 Music Therapy. “Tengo un hermano mayor que trabaja en una empresa de telefonía celular y mis padres están jubilados. Ninguno de ellos estuvo involucrado en la música en ningún sentido. Soy el primero de la familia”, cuenta. Antes de introducirse de lleno en la industria musical, Martin trabajaba en un depósito y producía música cuando podía. Su hermano había comenzado a llevar unas cintas de música electrónica a su hogar y, poco a poco, se fue introduciendo en el hermoso mundo de los repetitivos beats a prueba y error. “Desde entonces, estoy enamorado de la música electrónica.”

Luego de una larga y autodidacta formación en la producción, Beltek logró dar el paso para convertirse en un artista electrónico a tiempo completo. Fue en el año 2007, luego de ganar un concurso de producción que organizaba el legendario DJ británico Pete Tong, cuando pudo ver que todo ese trabajo duro empezaba a rendir sus frutos. El track ganador se llamó “Copacabana” y fue el punto de partida desde donde Beltek construyó su carrera. “Cuando gané el concurso de productores de Pete Tong se cumplieron mis sueños. Conseguí muchísima exposición a partir de eso así que fue una buena forma de empezar mi carrera.”

Influenciado por una amplia variedad de sonidos, Beltek se abre camino en la industria electrónica internacional.

Arrastrado al éxito de

Hoy, mientras vive junto a su novia en un apartamento en la capital de su país, goza de un status privilegiado. De esos que le permiten viajar por el mundo entero, tocando frente a diferentes públicos. “Honestamente, me encanta mi vida. Estoy tan feliz de poder vivir mi sueño. Lo único malo de todo esto son los viajes y los vuelos.

Especialmente cuando tenés esos vuelos largos de más de 14 horas, terminás muy cansado. Pero, al final, cuando aterrizás y llegás a la discoteca o al festival donde vas a tocar y recibís el apoyo del público, todo se vuelve positivo.”

“Cada lugar tiene su propia atmósfera que, como DJ, la tenés que sentir y acompañar.

Me gusta tocar en grandes festivales y en lindas discotecas. Siempre trato de encontrar la vibra del lugar en donde estoy tocando y de probar al público con algunas canciones y, si toco un set de 2 o 3 horas, me gusta pasearme con tracks desde el house al techno, al trance e, incluso, al breakbeat, de vez en cuando.”

SIGUE SU CAMINO la mano de Pete Tong, Beltek sigue con su paso firme…

Su presente parece ser inmejorable y el 2013 ha sido su mejor año al día de la fecha.

Además de tocar en Ibiza, en el legendario club londinense Ministry Of Sound y haber conocido lugares como Corea o la India, pasó por las ediciones sudamericanas del Ultra Music Festival –también por la edición norteamericana- y hasta fue parte del primer tour 3D que tuvo lugar en los Estados Unidos y Canadá, acompañando a Morgan Page.

“Tocar en el mainstage del Ultra Music Festival en Buenos Aires fue una experiencia inolvidable. Pasé un muy buen momento, especialmente con el público. ¡Me encantó!

Me gusta mucho la vibra de esa ciudad. Es mágica.” Y también vivió la experiencia del público bonaerense en un recinto cerrado en julio, cuando se presentó en Mandarine. “¡Esa fiesta fue una locura! La gente bailaba y gritaba como si fueran locos.

Definitivamente, fue uno de los highlights del año”, relata.

Otro de los grandes momentos, nos dice, se dio en su ciudad natal que, según él, se ha perdido un poco en esta última explosión electrónica. “La escena local cambió mucho por toda la popularidad que adquirió la música electrónica y ahora no es tan respetada. Pero las cosas están cambiando de manera positiva ahora y me pone contento.” Y él pretende ayudar, desde dónde pueda. “Organicé una fiesta con mi equipo llamada ‘Coming Home’ en Liubliana, mi tierra natal, para mis fans. Lo hice porque no había tocado ahí por mucho tiempo. Las entradas se agotaron y fue uno de los mejores shows de mi carrera.”

Habiendo irrumpido en la escena por sus características en la producción, Beltek reconoce disfrutar de todos los aspectos que lleva adelante como artista electrónico.

“Me considero un híbrido entre los mundos del DJ y de la producción, porque ambas cosas me gustan mucho. Producir un track y poder probarlo ese mismo día en una discoteca o un festival es algo impresionante. Me gusta probar cosas nuevas todo el tiempo. Mis influencias suelen ir cambiando de vez en cuando porque, como dije antes, siempre estoy probando nuevas cosas. Cuando escucho una buena canción, sea house, trance, techno, drum & bass, rock o clásico, o lo que sea, me va a influenciar muchísimo si está bien realizada.”

Seducido por todas estas cosas, Martin Bijelic se ha hecho un nombre en la escena internacional. Sea como DJ, productor o ambos, no hay que perderle el rastro…

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CIFCO, SAN SALVADOR, EL SALVADOR

EN LA PISTA

EN LA PISTA

‘Aokify’ pasó por El Salvador

Antes que termine el 2013 nos fuimos a vivir la llegada del tour de Steve Aoki a la capital de El Salvador. Acompañado del israelí Borgore, el norteamericano presentó un show sin precedentes en una de las crecientes ciudades electrónicas latinoamericanas.

Música, champagne y pasteles de la mano de un experto showman…

E

ntre volcanes y un cielo de plata , la brisa tibia de El Salvador le da la bienvenida a los primeros fanáticos de la creciente escena electrónica del país que, aún en horas de la tarde, van llegando al Centro Internacional de Ferias y Convenciones, que todos llamamos CIFCO, vestidos de colores y estampados dignos de un verdadero raver. Las largas horas de preparación y montaje disponen un ambiente festivo entre las gradas y el enigmático dancefloor del anfiteatro, el cual ha visto pasar una infinidad de eventos musicales durante años pero que, este 29 de diciembre, busca su graduación con la llegada del DJ N°8 del mundo, productor y dueño de DimMak Records, Steve Aoki. Como nunca antes lo habíamos visto, Istmo Music - la compañía detrás de todas las exitosas ‘Istmo Nights’ - había logrado levantar las expectativas de final de año...

Como un relojito suizo, las puertas se abren a las 7 PM con una fila que, a simple vista, parece no tener fin. Algunas luces azules se encienden en el escenario, dando inicio a la última ‘Istmo Night’ 060 djmagla.com

del 2013, y el warm up de DJ Escobar comienza su viaje por ritmos profundos y elocuentes, que mueven los pies de los primeros en llegar a las vallas que dividen al público del escenario.

Apenas unos pocos minutos pasan y ya es sencillo apreciar esa vibra que generan miles de personas reunidas por la música que nos apasiona, y de aquellos otros que demuestran con sus ojos como se van enamorando del género. Mientras la gente sigue ingresando en la sala, el warm up pasa a manos del artista salvadoreño Faceless22, un joven de 18 años que no es ajeno a los escenarios y que, a pesar de su temprana edad, cuenta con una vasta seguidores que admiran su trabajo como productor. De cualquier manera, las expectativas las guardamos para los dos artistas internacionales que llegaron a la capital de El Salvador…

Pasadas las 10 de la noche, el arribo de Borgore parece dar inicio a la verdadera locura. Con su gorra hacia atrás y ese aspecto skater, algo descuidado, no hay dudas que el impacto de Borgore tiene su fuerte en el sector femenino.

“Yoo! El Salvador! WhatThe F** is up ya’ll”. Se presenta ante todos y al instante suelta “That Lean” - la producción de trap que lanzó este año en su propio sello Buygore – y el murmullo de la gente se transforma en griterío. Definitivamente, comienza la locura. El sonido que define las presentaciones del israelí es una mezcla que engloba todo lo que exista entre el dubstep y el trap, con esporádicas sorpresas que incluyen beats electro, y breves comentarios al micrófono, haciendo las veces de ‘MC’. Incluso se da el lujo de pasar el inconfundible “Trap Remix” que Kennedy Jones realizó del famoso “Suavemente” de Elvis Crespo, agregando ese toque latino que pocas veces se encuentra en sus performances. Cuando llega el final, el artista sonríe y se dirige a las vallas para devolver algo de calor a los fervientes salvadoreños…

Son las 11.30 y aún esperamos por el verdadero headliner del evento. El murmullo que se eleva debido al silencio que genera el intervalo se hace cada vez más intenso, mientras comienzan las corridas detrás del escenario. “A-O-KI”, deletrea

la gigantesca pantalla una y otra vez, y el ruido de la gente vuelve a ser ensordecedor. Las luces se prenden y, mágicamente, con sus manos en el aire aparece el excéntrico Steve Aoki. Aunque

tenemos claro de qué se tratan sus presentaciones, la energía que imprime con gritos y saltos nos sorprende. “¿Cuánto tiempo podrá sostener esa actitud?”, nos preguntamos. Lo cierto es que no va a parar. Y no solo eso. La va a compartir. Al compás de sus conocidas producciones, que van desde “Boneless” y su remix de “Get Ready” de 2 Unlimited, hasta su colaboración con Linkin Park “A Light That Never Comes” – esta la celebra abriendo una botella de champagne y rociando a todos –, el norteamericano va repartiendo esa energía. Esos condimentos exagerados, que nada tienen que ver con la música, son las que hacen de este un show especial. La gente se suma a la locura e intenta subirse a los inflables que el artista preparó para hacer su famoso crowd surfing. Ni hablar del momento inexplicable para nosotros - en el que el artista

hace gala de una serie de pasteles con el logo de Dim Mak listos para aterrizar en la cara de quien lo desee. ¿Un tortazo? Así es. Varios.

Cuando llega el final – luego de que el público le reclame “una más” y el artista cumpla con ese pedido -, Aoki baja en cueros a devolver un poco de todo ese cariño por el que son bien reconocidos los salvadoreños. Mientras va tomando celulares y cámaras para tomarse selfies con sus fanáticos, los encargados de seguridad se vuelven locos frente a las constantes avalanchas que se generan en el público que quiere llegar a su ídolo.

“Es difícil encontrar un público con tanta energía como los de El Salvador. Podría ser de mis mejores shows de la gira en Centro América y México”, resume el propio Aoki. Dillon Anderson, tour manager de Steve Aoki agrega: “El Salvador nos dio una tremenda fiesta e Istmo Music ha sido el mejor crew de producción con el que alguna vez hemos trabajado en Latinoamérica.”

Con fotos, balsas y pasteles, el show que brinda Aoki va mucho más allá de la energía y la potencia que desprende su música. El público local se va satisfecho con lo que brindó el artista. Nosotros, enamorados del público salvadoreño. djmagla.com 061

CIFCO, SAN SALVADOR, EL SALVADOR

EN LA PISTA

EN LA PISTA

‘Aokify’ pasó por El Salvador

Antes que termine el 2013 nos fuimos a vivir la llegada del tour de Steve Aoki a la capital de El Salvador. Acompañado del israelí Borgore, el norteamericano presentó un show sin precedentes en una de las crecientes ciudades electrónicas latinoamericanas.

Música, champagne y pasteles de la mano de un experto showman…

E

ntre volcanes y un cielo de plata , la brisa tibia de El Salvador le da la bienvenida a los primeros fanáticos de la creciente escena electrónica del país que, aún en horas de la tarde, van llegando al Centro Internacional de Ferias y Convenciones, que todos llamamos CIFCO, vestidos de colores y estampados dignos de un verdadero raver. Las largas horas de preparación y montaje disponen un ambiente festivo entre las gradas y el enigmático dancefloor del anfiteatro, el cual ha visto pasar una infinidad de eventos musicales durante años pero que, este 29 de diciembre, busca su graduación con la llegada del DJ N°8 del mundo, productor y dueño de DimMak Records, Steve Aoki. Como nunca antes lo habíamos visto, Istmo Music - la compañía detrás de todas las exitosas ‘Istmo Nights’ - había logrado levantar las expectativas de final de año...

Como un relojito suizo, las puertas se abren a las 7 PM con una fila que, a simple vista, parece no tener fin. Algunas luces azules se encienden en el escenario, dando inicio a la última ‘Istmo Night’ 060 djmagla.com

del 2013, y el warm up de DJ Escobar comienza su viaje por ritmos profundos y elocuentes, que mueven los pies de los primeros en llegar a las vallas que dividen al público del escenario.

Apenas unos pocos minutos pasan y ya es sencillo apreciar esa vibra que generan miles de personas reunidas por la música que nos apasiona, y de aquellos otros que demuestran con sus ojos como se van enamorando del género. Mientras la gente sigue ingresando en la sala, el warm up pasa a manos del artista salvadoreño Faceless22, un joven de 18 años que no es ajeno a los escenarios y que, a pesar de su temprana edad, cuenta con una vasta seguidores que admiran su trabajo como productor. De cualquier manera, las expectativas las guardamos para los dos artistas internacionales que llegaron a la capital de El Salvador…

Pasadas las 10 de la noche, el arribo de Borgore parece dar inicio a la verdadera locura. Con su gorra hacia atrás y ese aspecto skater, algo descuidado, no hay dudas que el impacto de Borgore tiene su fuerte en el sector femenino.

“Yoo! El Salvador! WhatThe F** is up ya’ll”. Se presenta ante todos y al instante suelta “That Lean” - la producción de trap que lanzó este año en su propio sello Buygore – y el murmullo de la gente se transforma en griterío. Definitivamente, comienza la locura. El sonido que define las presentaciones del israelí es una mezcla que engloba todo lo que exista entre el dubstep y el trap, con esporádicas sorpresas que incluyen beats electro, y breves comentarios al micrófono, haciendo las veces de ‘MC’. Incluso se da el lujo de pasar el inconfundible “Trap Remix” que Kennedy Jones realizó del famoso “Suavemente” de Elvis Crespo, agregando ese toque latino que pocas veces se encuentra en sus performances. Cuando llega el final, el artista sonríe y se dirige a las vallas para devolver algo de calor a los fervientes salvadoreños…

Son las 11.30 y aún esperamos por el verdadero headliner del evento. El murmullo que se eleva debido al silencio que genera el intervalo se hace cada vez más intenso, mientras comienzan las corridas detrás del escenario. “A-O-KI”, deletrea

la gigantesca pantalla una y otra vez, y el ruido de la gente vuelve a ser ensordecedor. Las luces se prenden y, mágicamente, con sus manos en el aire aparece el excéntrico Steve Aoki. Aunque

tenemos claro de qué se tratan sus presentaciones, la energía que imprime con gritos y saltos nos sorprende. “¿Cuánto tiempo podrá sostener esa actitud?”, nos preguntamos. Lo cierto es que no va a parar. Y no solo eso. La va a compartir. Al compás de sus conocidas producciones, que van desde “Boneless” y su remix de “Get Ready” de 2 Unlimited, hasta su colaboración con Linkin Park “A Light That Never Comes” – esta la celebra abriendo una botella de champagne y rociando a todos –, el norteamericano va repartiendo esa energía. Esos condimentos exagerados, que nada tienen que ver con la música, son las que hacen de este un show especial. La gente se suma a la locura e intenta subirse a los inflables que el artista preparó para hacer su famoso crowd surfing. Ni hablar del momento inexplicable para nosotros - en el que el artista

hace gala de una serie de pasteles con el logo de Dim Mak listos para aterrizar en la cara de quien lo desee. ¿Un tortazo? Así es. Varios.

Cuando llega el final – luego de que el público le reclame “una más” y el artista cumpla con ese pedido -, Aoki baja en cueros a devolver un poco de todo ese cariño por el que son bien reconocidos los salvadoreños. Mientras va tomando celulares y cámaras para tomarse selfies con sus fanáticos, los encargados de seguridad se vuelven locos frente a las constantes avalanchas que se generan en el público que quiere llegar a su ídolo.

“Es difícil encontrar un público con tanta energía como los de El Salvador. Podría ser de mis mejores shows de la gira en Centro América y México”, resume el propio Aoki. Dillon Anderson, tour manager de Steve Aoki agrega: “El Salvador nos dio una tremenda fiesta e Istmo Music ha sido el mejor crew de producción con el que alguna vez hemos trabajado en Latinoamérica.”

Con fotos, balsas y pasteles, el show que brinda Aoki va mucho más allá de la energía y la potencia que desprende su música. El público local se va satisfecho con lo que brindó el artista. Nosotros, enamorados del público salvadoreño. djmagla.com 061

PLAYA DEL CARMEN, MÉXICO

EN LA PISTA

EN LA PISTA

Wisdom Of The Glove - Cassy Briton - foto: Danilo Lewis

BPM

SCI TEC con Hot Since 82 y Dubfire - foto: DOUG VAN SANT

FeddeLeGrand - foto: Doug Van Sant

Con más de 350 artistas divididos en los 10 días de festival, las costas mexicanas de Playa del Carmen fueron testigos de uno de los encuentros de música electrónica más fascinantes del mundo entero. Sol, arena y mar Caribe, combinados con una amplia y bien variada dosis de lo mejor del underground.

D

e por sí, las cálidas costas de Playa del Carmen, ubicadas en el sureste de México, son un atractivo natural que convoca turistas de todo el mundo desde hace más de dos décadas. Las aguas celestes, las arenas blancas y la extensa propuesta de discotecas, hoteles, bares y restaurantes orientada al ocio, le otorgan el título de ciudad que no descansa. Sumada a la

realizar eventos en un lugar así. Nos gusta intentar, y asegurarnos, brindar variedad con múltiples eventos de día y de noche. Siempre manteniendo una visión fresca y original con respecto a la forma de producir y organizar musicalmente el festival“, cuentan desde México.

Y no hay dudas que proponen variedad. La última edición, que tuvo lugar del 3 al 12 de enero, reunió a unos 350 artistas en más de 70 fiestas

“DESDE QUE LA MÚSICA ELECTRÓNICA HA EXPLOTADO, CREO QUE ES IMPORTANTE QUE LA GENTE CONOZCA ESTO. ESTE LADO MÁS UNDERGROUND DE LA MÚSICA QUE ES, AL FIN Y AL CABO, DE DONDE TODO HA SALIDO.” FEDDE LE GRAND propuesta festiva que desprende fieles seguidores, la localidad es el corazón de la Riviera Maya y nos permite recorrer la historia de una de las civilizaciones más antiguas del territorio americano. Es por ello que, gracias a estas características, Playa del Carmen es un gran destino turístico, con una afluencia anual de viajeros que supera los dos millones de visitantes.

Con todos estos condimentos se entiende porque, desde hace ya 7 años, un pequeño grupo de promotores canadienses que ya llevaba unos diez años inmerso en la producción de eventos en su tierra natal, decidió apostar a este pequeño paraíso.

“Todo empezó como una idea entre amigos, porque algunos se habían comprado propiedades en Playa del Carmen. Pensamos que sería lindo 062 djmagla.com

que, cuidadosamente, se diagramaron a lo largo de toda la grilla de eventos que proponía el extenso festival.

“Se convirtió en uno de los lugares principales de la industria, ¿sabés? Está la ‘Winter Music Conference’ en Miami, el ‘ADE’ en Amsterdam y el otro lugar que le sigue es el BPM”, dice el jefe de Saved, Nic Fanciulli, quien celebró su propia fiesta “Saved 100” junto a Robert Dietz, Subb-An, Mark Fanciulli y Lauren Lane. “La realidad es que podés

encontrarte con más gente de la industria que en cualquier otro lado. Es lo más parecido a Ibiza.

Podés ir a tres o cuatro fiestas en una noche y encontrarte con mucha gente. De eso se trata el BPM, por eso la gente vuelve año tras año”. La variedad es una de sus mayores virtudes. Nada pasa desapercibido en los terrenos arenosos de Fusion Beach Club, mientras el techno y el house suenan en las pistas de los locales más importantes como Coco Maya y Blue Parrot. Las discotecas de la noche, Lost y Tabu, ofrecen a los fans una opción más íntima y Mamita’s y Kool Beack se ubican sobre la playa, acompañadas de la brisa del mar. Por último, las locaciones más misteriosas son Alux Cave y Blue Venado, escondidas en medio de la selva.

Aunque haya habido lluvias inesperadas y el clima haya estado nublado en los primeros días, la gente salió a disfrutar del surtido de artistas que presentaba el festival. “Los fanáticos estuvieron increíble y la pasé muy bien. Incluso, la lluvia resultó ser algo positivo”, dice Pleasurekraft luego de su showcase “Kraftek” el día de apertura.

“Siento que la lluvia fue nuestra anfitriona de hoy. Todos nos involucramos con ella y se

“EL BPM FUE ALGO QUE EMPEZÓ POR ALGUNOS AMIGOS MIOS DE CANADÁ. Y, LUEGO, EVOLUCIONÓ NATURALMENTE. ESA ES LA BELLEZA DEL FESTIVAL. NO FUE ALGO QUE SE SÚPER PLANEO EN UNA OFICINA. CRECIÓ DE MANERA NATURAL Y ES POR ESO QUE ENCONTRAMOS ESA VIBRA QUE NO SE DA EN TODOS LADOS.” DUBFIRE

Mamitas - foto: Pearcey Proper

MusicOn MarcoCarola - Mamitas - foto: DOUG VAN SANT

“EL BPM ES UNO DE LOS FESTIVALES MÁS IMPORTANTES DE CENTRO Y SUDAMÉRICA. A VECES, ES DIFÍCIL TENER LA POSIBILIDAD DE ESCUCHAR A TODOS LOS ARTISTAS QUE ESTÁN ACÁ EN UNA SEMANA. ASÍ QUE, LA MAYORÍA, LLEGA PARA DISFURTAR DE TODOS ELLOS EN UN SOLO LUGAR. YO CREO QUE BUSCAN ESO. BUENA COMIDA, ALGUNOS BAILES Y MUCHA DIVERSIÓN.” LUCIANO convirtió en algo especial.” De cualquier manera, la lluvia no duraría para siempre y, el segundo fin de semana, las nubes se escaparían para dejarle lugar al sol.

festival, nos explica de que se trata: “No es mi primera vez en el BPM Festival. Debe ser la quinta o sexta vez que vengo. Es un gran grupo de personas que se juntaron con un muy buen gusto musical y el foco alejado de lo comercial.”

Muchos de los DJs eligen el tiempo del festival para pasarlo con sus familias y amigos, mientras Con un gran crecimiento de fanáticos en sus redes descansan luego de sus abarrotadas temporadas, sociales, hubo un aumento significativo de repletas de aviones y aeropuertos. “Estuvimos visitantes en este 2014. “El festival consigue una viajando todo el año así que, venir acá y mezcla entre mexicanos, sudamericanos, desconectarse un poco es algo hermoso. Y hacerlo norteamericanos y muchos europeos que con familiares y amigos es aún mejor”, dicen los empezaron a venir para acá”, cuenta John Martinez Brothers luego de tocar back to back Digweed. junto a Seth Troxler en el showcase “Tuskegee”.

Esos que experimentan el BPM saben por qué es Casi a diario, las aplicaciones para móviles del diferente del resto y por qué ubica a México festival nos avisan de los artistas sorpresa que dentro del circuito electrónico internacional. Con llegan a las diferentes fiestas y hasta podemos ir una vez, uno siempre querrá volver. disfrutar gratis de la masiva fiesta “Techno & Tacos”, encabezada por Richie Hawtin y “SI QUIEREN EXPERIMENTAR EL Dubfire en “El Fogón”.

VERDADERO SONIDO DEL UNDERGROUND, El veterano Lee Burridge, anfitrión de dos fiestas “All Day I Dream” en esta edición del VENGAN AL BPM” ROGER SANCHEZ

SethTroxler - Mamitas - foto: DANILO LEWIS djmagla.com 063

PLAYA DEL CARMEN, MÉXICO

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Wisdom Of The Glove - Cassy Briton - foto: Danilo Lewis

BPM

SCI TEC con Hot Since 82 y Dubfire - foto: DOUG VAN SANT

FeddeLeGrand - foto: Doug Van Sant

Con más de 350 artistas divididos en los 10 días de festival, las costas mexicanas de Playa del Carmen fueron testigos de uno de los encuentros de música electrónica más fascinantes del mundo entero. Sol, arena y mar Caribe, combinados con una amplia y bien variada dosis de lo mejor del underground.

D

e por sí, las cálidas costas de Playa del Carmen, ubicadas en el sureste de México, son un atractivo natural que convoca turistas de todo el mundo desde hace más de dos décadas. Las aguas celestes, las arenas blancas y la extensa propuesta de discotecas, hoteles, bares y restaurantes orientada al ocio, le otorgan el título de ciudad que no descansa. Sumada a la

realizar eventos en un lugar así. Nos gusta intentar, y asegurarnos, brindar variedad con múltiples eventos de día y de noche. Siempre manteniendo una visión fresca y original con respecto a la forma de producir y organizar musicalmente el festival“, cuentan desde México.

Y no hay dudas que proponen variedad. La última edición, que tuvo lugar del 3 al 12 de enero, reunió a unos 350 artistas en más de 70 fiestas

“DESDE QUE LA MÚSICA ELECTRÓNICA HA EXPLOTADO, CREO QUE ES IMPORTANTE QUE LA GENTE CONOZCA ESTO. ESTE LADO MÁS UNDERGROUND DE LA MÚSICA QUE ES, AL FIN Y AL CABO, DE DONDE TODO HA SALIDO.” FEDDE LE GRAND propuesta festiva que desprende fieles seguidores, la localidad es el corazón de la Riviera Maya y nos permite recorrer la historia de una de las civilizaciones más antiguas del territorio americano. Es por ello que, gracias a estas características, Playa del Carmen es un gran destino turístico, con una afluencia anual de viajeros que supera los dos millones de visitantes.

Con todos estos condimentos se entiende porque, desde hace ya 7 años, un pequeño grupo de promotores canadienses que ya llevaba unos diez años inmerso en la producción de eventos en su tierra natal, decidió apostar a este pequeño paraíso.

“Todo empezó como una idea entre amigos, porque algunos se habían comprado propiedades en Playa del Carmen. Pensamos que sería lindo 062 djmagla.com

que, cuidadosamente, se diagramaron a lo largo de toda la grilla de eventos que proponía el extenso festival.

“Se convirtió en uno de los lugares principales de la industria, ¿sabés? Está la ‘Winter Music Conference’ en Miami, el ‘ADE’ en Amsterdam y el otro lugar que le sigue es el BPM”, dice el jefe de Saved, Nic Fanciulli, quien celebró su propia fiesta “Saved 100” junto a Robert Dietz, Subb-An, Mark Fanciulli y Lauren Lane. “La realidad es que podés

encontrarte con más gente de la industria que en cualquier otro lado. Es lo más parecido a Ibiza.

Podés ir a tres o cuatro fiestas en una noche y encontrarte con mucha gente. De eso se trata el BPM, por eso la gente vuelve año tras año”. La variedad es una de sus mayores virtudes. Nada pasa desapercibido en los terrenos arenosos de Fusion Beach Club, mientras el techno y el house suenan en las pistas de los locales más importantes como Coco Maya y Blue Parrot. Las discotecas de la noche, Lost y Tabu, ofrecen a los fans una opción más íntima y Mamita’s y Kool Beack se ubican sobre la playa, acompañadas de la brisa del mar. Por último, las locaciones más misteriosas son Alux Cave y Blue Venado, escondidas en medio de la selva.

Aunque haya habido lluvias inesperadas y el clima haya estado nublado en los primeros días, la gente salió a disfrutar del surtido de artistas que presentaba el festival. “Los fanáticos estuvieron increíble y la pasé muy bien. Incluso, la lluvia resultó ser algo positivo”, dice Pleasurekraft luego de su showcase “Kraftek” el día de apertura.

“Siento que la lluvia fue nuestra anfitriona de hoy. Todos nos involucramos con ella y se

“EL BPM FUE ALGO QUE EMPEZÓ POR ALGUNOS AMIGOS MIOS DE CANADÁ. Y, LUEGO, EVOLUCIONÓ NATURALMENTE. ESA ES LA BELLEZA DEL FESTIVAL. NO FUE ALGO QUE SE SÚPER PLANEO EN UNA OFICINA. CRECIÓ DE MANERA NATURAL Y ES POR ESO QUE ENCONTRAMOS ESA VIBRA QUE NO SE DA EN TODOS LADOS.” DUBFIRE

Mamitas - foto: Pearcey Proper

MusicOn MarcoCarola - Mamitas - foto: DOUG VAN SANT

“EL BPM ES UNO DE LOS FESTIVALES MÁS IMPORTANTES DE CENTRO Y SUDAMÉRICA. A VECES, ES DIFÍCIL TENER LA POSIBILIDAD DE ESCUCHAR A TODOS LOS ARTISTAS QUE ESTÁN ACÁ EN UNA SEMANA. ASÍ QUE, LA MAYORÍA, LLEGA PARA DISFURTAR DE TODOS ELLOS EN UN SOLO LUGAR. YO CREO QUE BUSCAN ESO. BUENA COMIDA, ALGUNOS BAILES Y MUCHA DIVERSIÓN.” LUCIANO convirtió en algo especial.” De cualquier manera, la lluvia no duraría para siempre y, el segundo fin de semana, las nubes se escaparían para dejarle lugar al sol.

festival, nos explica de que se trata: “No es mi primera vez en el BPM Festival. Debe ser la quinta o sexta vez que vengo. Es un gran grupo de personas que se juntaron con un muy buen gusto musical y el foco alejado de lo comercial.”

Muchos de los DJs eligen el tiempo del festival para pasarlo con sus familias y amigos, mientras Con un gran crecimiento de fanáticos en sus redes descansan luego de sus abarrotadas temporadas, sociales, hubo un aumento significativo de repletas de aviones y aeropuertos. “Estuvimos visitantes en este 2014. “El festival consigue una viajando todo el año así que, venir acá y mezcla entre mexicanos, sudamericanos, desconectarse un poco es algo hermoso. Y hacerlo norteamericanos y muchos europeos que con familiares y amigos es aún mejor”, dicen los empezaron a venir para acá”, cuenta John Martinez Brothers luego de tocar back to back Digweed. junto a Seth Troxler en el showcase “Tuskegee”.

Esos que experimentan el BPM saben por qué es Casi a diario, las aplicaciones para móviles del diferente del resto y por qué ubica a México festival nos avisan de los artistas sorpresa que dentro del circuito electrónico internacional. Con llegan a las diferentes fiestas y hasta podemos ir una vez, uno siempre querrá volver. disfrutar gratis de la masiva fiesta “Techno & Tacos”, encabezada por Richie Hawtin y “SI QUIEREN EXPERIMENTAR EL Dubfire en “El Fogón”.

VERDADERO SONIDO DEL UNDERGROUND, El veterano Lee Burridge, anfitrión de dos fiestas “All Day I Dream” en esta edición del VENGAN AL BPM” ROGER SANCHEZ

SethTroxler - Mamitas - foto: DANILO LEWIS djmagla.com 063

MARQUEE NIGHTCLUB, LAS VEGAS, ESTADOS UNIDOS

EN LA PISTA

EN LA PISTA

¡Enter llegó al Marquee!

El jefe supremo del techno Richie Hawtin se presentó en el “Marquee Nightclub” de Las Vegas y fue una gran sorpresa pero ¿cambia el juego?

L

as tres de la mañana es un momento donde la mayoría de las ciudades son tranquilas y oscuras pero aquí, en el famoso Las Vegas, no hay verdaderos cambios entre el prime time y cuando faltan escasas horas para el amanecer. Dentro del “Cosmopolitan”, el casino sigue lleno de jugadores, los restaurantes continúan atendiendo clientes hambrientos y los turistas siguen recordando, embriagados, las aventuras de la otra noche. Y, aunque la mayoría de los DJs headliners finalizaron sus sets, los fiesteros ya vaciaron las cuentas de sus bancos comprando alcohol y las mujeres no pueden continuar con los zapatos puestos ni un minuto más, una nueva ola de juerguistas va de camino al club. El “Marquee Nightclub” unió fuerzas con el rey imperante del minimal, Richie Hawtin, para un evento inaugural de 3 a 5 am, que mucha gente espera que sea el comienzo de una nueva era de la música electrónica en Vegas.

Durante los últimos tres años, Las Vegas jugó un papel importante en lo que muchos han llamado el boom del “EDM” en los Estados Unidos. La música electrónica fue sacada de un oscuro nicho (en Norteamérica) 3hacia una industria que propulsa algunos de los clubes más taquilleros del mundo.

Las Vegas se convirtió en un catalizador por popularizar el género y transformar a los DJs en superestrellas. Carteleras con los nombres más convocantes de la electrónica inundan “La Franja” de Las Vegas, los locales se pelean por firmar con los DJs del momento y los artistas brindan sus sets al estilo Vegas, para abastecer a un público que, siendo generosos, está compuesto por tan solo un 064 djmagla.com

50% de verdaderos fanáticos. Precisamente, esto es por qué Las Vegas se mira tan escépticamente por los seguidores de antaño. Todos ellos se encuentran desmotivados por las típicas residencias y ven el principio del fin bien cerca.

De cualquier manera, el nombre de Richie Hawtin, y su cara adornando la ciudad en una gigantesca pantalla de LED sobre el boulevard, tiene a la comunidad electrónica preguntándose si esta flamante performance de madrugada en el “Marquee Nightclub” puede llegar a ser el comienzo de un movimiento underground en el corazón de Las Vegas. Aunque la idea parezca noble, la pregunta es ¿cómo le irá a Richie Hawtin y su música de avanzada en Las Vegas?

Llegando al “Marquee Nightclub” a las 2.30 de la madrugada, la escena en la puerta es similar a la de las regulares horas pico de esa discoteca. Sin embargo, las despedidas de solteros y las vestimentas estruendosas que merecen alfombra roja fueron modificadas por un inquieto, oscuro y más sofisticado público. La diferencia crucial, además de las vestimentas, es que ese público no cayó accidentalmente en el “Marquee” porque sí.

Esta gente vino específicamente a ver a Richie Hawtin.

Adentro, en el local de 5.760 metros cuadrados parece que todo es normal para los estándares de Las Vegas, con los asistentes bebiendo y balanceándose frente al set de apertura de un inocuo progressive house a cargo del DJ local Brett Rubin. El público es una nueva combinación de aquellos grandes consumidores de siempre en sus mesas, los turistas de Las Vegas y un grupo de fanáticos de la música dance que, de a poco,

comienzan a ser la mayoría en el lugar. Poco después de las 3, Richie Hawtin aparece detrás de las bandejas y los fanáticos llenan la pista central.

El logo circular de ENTER aparece en las pantallas LED de cuatro niveles, la música da un giro drástico y el club se sumerge en el enigmático mundo de Richie Hawtin.

DJ Mag mantiene su atención en el público y los constantes latidos del corazón emergen. Mientras Hawtin lanza una mezcla de beats de house y techno que mantiene a todos, fanáticos y novatos, capturados en su vorágine musical, parece que el éxito del evento es algo evidente.

Los servicios de mesa desfilan por la zona VIP del “Marquee” bien pasadas las cuatro de la mañana, una muestra de que el experimento ha funcionado.

La integridad artística del género y la veta comercial del club permanecen en armonía. De hecho, el evento viene tan bien que Richie Hawtin continúa una hora después del cierre pactado para las 5 de la mañana. La performance de Hawtin fue un sueño hecho realidad para los fanáticos de la música electrónica. Estar situado en un lugar tan artístico como el “Marquee”, escuchando la historia musical que presenta Hawtin, es una experiencia obligatoria para cualquier seguidor.

Pero la pregunta sigue dando vueltas: ¿hubo algún giro hacia el underground esa noche? La verdad… no lo hubo.

Una mirada más amplia revela una historia diferente sobre el estado actual de la electrónica en la región. Este fin de semana en particular, Richie llevó su show ENTER a uno de los más grandes clubes del EDM en Los Ángeles, tocó en el

festival “Escape from Wonderland” horas antes de esta presentación en el “Marquee” y, el pasado junio, tuvo el honor de estar en el escenario principal del “Electric Daisy Carnival Las Vegas”.

Estos factores muestran cuanto terreno ha ganado Hawtin en los Estados Unidos, convirtiéndose en parte de la corriente principal. Aunque aún se lo ubique en los terrenos del underground, las evidencias sugieren lo contrario. La creciente popularidad de Richie Hawtin y el aparente éxito en el “Marquee” refleja que, quizás, los gustos de los fanáticos y la industria del EDM están siendo subestimados.

El supuesto boom de Estados Unidos no se dio en los clubes de Las Vegas en los últimos años. Se construyó, por décadas, gracias a los fanáticos que compraron entradas, apoyaron a sus DJs favoritos y se mantuvieron bailando hasta llegado el amanecer en discotecas que todavía siguen siendo fuertes. Las raíces hicieron al EDM y continuarán dándole fuerza a través de los cambios futuros. El fin de semana de Richie Hawtin, con su final en Vegas, muestra que el paladar americano se vuelve más refinado y prueba que los fanáticos quieren explorar los subgéneros de la música electrónica, si les dan la chance.

El “Marquee Nightclub” y Richie Hawtin han dado un paso más para asegurar la continuidad de la música electrónica, expandiéndose más allá de lo convencional, creyendo en los seguidores e invirtiendo en futuros fanáticos que se sumarán a

los amantes del old school. Hawtin formará parte de la clase de DJs que en Las Vegas, y los Estados Unidos, serán fundamentales para mantener esa burbuja que todos están preocupados de que explote, mientras la electrónica sigue creciendo.

La música electrónica llegó para quedarse y es la corriente principal, querramos admitirlo o no. Y, mientras las chances de una irrupción no aparezcan en un futuro previsible, puede que el

ambiente se envicie si no aparecen artistas como Richie Hawtin para acompañar el movimiento.

Entonces, aunque no haya causado ningún cambio sísmico hacia el underground en Las Vegas, comenzó a fundar una base más sólida para el futuro…

KELLY ALANBAY djmagla.com 065

MARQUEE NIGHTCLUB, LAS VEGAS, ESTADOS UNIDOS

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¡Enter llegó al Marquee!

El jefe supremo del techno Richie Hawtin se presentó en el “Marquee Nightclub” de Las Vegas y fue una gran sorpresa pero ¿cambia el juego?

L

as tres de la mañana es un momento donde la mayoría de las ciudades son tranquilas y oscuras pero aquí, en el famoso Las Vegas, no hay verdaderos cambios entre el prime time y cuando faltan escasas horas para el amanecer. Dentro del “Cosmopolitan”, el casino sigue lleno de jugadores, los restaurantes continúan atendiendo clientes hambrientos y los turistas siguen recordando, embriagados, las aventuras de la otra noche. Y, aunque la mayoría de los DJs headliners finalizaron sus sets, los fiesteros ya vaciaron las cuentas de sus bancos comprando alcohol y las mujeres no pueden continuar con los zapatos puestos ni un minuto más, una nueva ola de juerguistas va de camino al club. El “Marquee Nightclub” unió fuerzas con el rey imperante del minimal, Richie Hawtin, para un evento inaugural de 3 a 5 am, que mucha gente espera que sea el comienzo de una nueva era de la música electrónica en Vegas.

Durante los últimos tres años, Las Vegas jugó un papel importante en lo que muchos han llamado el boom del “EDM” en los Estados Unidos. La música electrónica fue sacada de un oscuro nicho (en Norteamérica) 3hacia una industria que propulsa algunos de los clubes más taquilleros del mundo.

Las Vegas se convirtió en un catalizador por popularizar el género y transformar a los DJs en superestrellas. Carteleras con los nombres más convocantes de la electrónica inundan “La Franja” de Las Vegas, los locales se pelean por firmar con los DJs del momento y los artistas brindan sus sets al estilo Vegas, para abastecer a un público que, siendo generosos, está compuesto por tan solo un 064 djmagla.com

50% de verdaderos fanáticos. Precisamente, esto es por qué Las Vegas se mira tan escépticamente por los seguidores de antaño. Todos ellos se encuentran desmotivados por las típicas residencias y ven el principio del fin bien cerca.

De cualquier manera, el nombre de Richie Hawtin, y su cara adornando la ciudad en una gigantesca pantalla de LED sobre el boulevard, tiene a la comunidad electrónica preguntándose si esta flamante performance de madrugada en el “Marquee Nightclub” puede llegar a ser el comienzo de un movimiento underground en el corazón de Las Vegas. Aunque la idea parezca noble, la pregunta es ¿cómo le irá a Richie Hawtin y su música de avanzada en Las Vegas?

Llegando al “Marquee Nightclub” a las 2.30 de la madrugada, la escena en la puerta es similar a la de las regulares horas pico de esa discoteca. Sin embargo, las despedidas de solteros y las vestimentas estruendosas que merecen alfombra roja fueron modificadas por un inquieto, oscuro y más sofisticado público. La diferencia crucial, además de las vestimentas, es que ese público no cayó accidentalmente en el “Marquee” porque sí.

Esta gente vino específicamente a ver a Richie Hawtin.

Adentro, en el local de 5.760 metros cuadrados parece que todo es normal para los estándares de Las Vegas, con los asistentes bebiendo y balanceándose frente al set de apertura de un inocuo progressive house a cargo del DJ local Brett Rubin. El público es una nueva combinación de aquellos grandes consumidores de siempre en sus mesas, los turistas de Las Vegas y un grupo de fanáticos de la música dance que, de a poco,

comienzan a ser la mayoría en el lugar. Poco después de las 3, Richie Hawtin aparece detrás de las bandejas y los fanáticos llenan la pista central.

El logo circular de ENTER aparece en las pantallas LED de cuatro niveles, la música da un giro drástico y el club se sumerge en el enigmático mundo de Richie Hawtin.

DJ Mag mantiene su atención en el público y los constantes latidos del corazón emergen. Mientras Hawtin lanza una mezcla de beats de house y techno que mantiene a todos, fanáticos y novatos, capturados en su vorágine musical, parece que el éxito del evento es algo evidente.

Los servicios de mesa desfilan por la zona VIP del “Marquee” bien pasadas las cuatro de la mañana, una muestra de que el experimento ha funcionado.

La integridad artística del género y la veta comercial del club permanecen en armonía. De hecho, el evento viene tan bien que Richie Hawtin continúa una hora después del cierre pactado para las 5 de la mañana. La performance de Hawtin fue un sueño hecho realidad para los fanáticos de la música electrónica. Estar situado en un lugar tan artístico como el “Marquee”, escuchando la historia musical que presenta Hawtin, es una experiencia obligatoria para cualquier seguidor.

Pero la pregunta sigue dando vueltas: ¿hubo algún giro hacia el underground esa noche? La verdad… no lo hubo.

Una mirada más amplia revela una historia diferente sobre el estado actual de la electrónica en la región. Este fin de semana en particular, Richie llevó su show ENTER a uno de los más grandes clubes del EDM en Los Ángeles, tocó en el

festival “Escape from Wonderland” horas antes de esta presentación en el “Marquee” y, el pasado junio, tuvo el honor de estar en el escenario principal del “Electric Daisy Carnival Las Vegas”.

Estos factores muestran cuanto terreno ha ganado Hawtin en los Estados Unidos, convirtiéndose en parte de la corriente principal. Aunque aún se lo ubique en los terrenos del underground, las evidencias sugieren lo contrario. La creciente popularidad de Richie Hawtin y el aparente éxito en el “Marquee” refleja que, quizás, los gustos de los fanáticos y la industria del EDM están siendo subestimados.

El supuesto boom de Estados Unidos no se dio en los clubes de Las Vegas en los últimos años. Se construyó, por décadas, gracias a los fanáticos que compraron entradas, apoyaron a sus DJs favoritos y se mantuvieron bailando hasta llegado el amanecer en discotecas que todavía siguen siendo fuertes. Las raíces hicieron al EDM y continuarán dándole fuerza a través de los cambios futuros. El fin de semana de Richie Hawtin, con su final en Vegas, muestra que el paladar americano se vuelve más refinado y prueba que los fanáticos quieren explorar los subgéneros de la música electrónica, si les dan la chance.

El “Marquee Nightclub” y Richie Hawtin han dado un paso más para asegurar la continuidad de la música electrónica, expandiéndose más allá de lo convencional, creyendo en los seguidores e invirtiendo en futuros fanáticos que se sumarán a

los amantes del old school. Hawtin formará parte de la clase de DJs que en Las Vegas, y los Estados Unidos, serán fundamentales para mantener esa burbuja que todos están preocupados de que explote, mientras la electrónica sigue creciendo.

La música electrónica llegó para quedarse y es la corriente principal, querramos admitirlo o no. Y, mientras las chances de una irrupción no aparezcan en un futuro previsible, puede que el

ambiente se envicie si no aparecen artistas como Richie Hawtin para acompañar el movimiento.

Entonces, aunque no haya causado ningún cambio sísmico hacia el underground en Las Vegas, comenzó a fundar una base más sólida para el futuro…

KELLY ALANBAY djmagla.com 065

CLUB LA FERIA, SANTIAGO DE CHILE, CHILE

por Sebastián Pérez-Canto

EN LA PISTA

Club La Feria, la definición de súper Club.

“Club La Feria es un sueño de toda mi vida. Desde hace muchos años que me imaginaba crear un club de categoría mundial y creo que lo estamos logrando. Esto, de todas maneras, es gracias a que hay un gran equipo detrás. Son los mejores en cada una de sus áreas e, incluso, trabajan más de día que de noche.” Fernando Díaz, dueño de Club La Feria.

P

ara escuchar y disfrutar buena música electrónica en Santiago, la opción número uno, sin duda alguna, es Club La Feria. Con más de 16 años de historia –en el año 2012 sufrió un cambio de dueños que dio vida a un nuevo concepto-, este pequeño pero importante y reconocido club, ubicado a un costado del Barrio Bellavista, se ha convertido en el único referente de la música electrónica en Chile.

Llegar a Club La Feria para muchos es aún un misterio. No tiene un letrero en la puerta que señale su ubicación, no hay afiches en las calles que la rodean ni tampoco hay “relacionadores públicos” -concepto usado de muy mala forma en Chile- regalando frees o haciendo eternas listas de invitados. Dos guardias, vestidos de rigurosos trajes negros, reciben a los visitantes que llegan hasta la puerta del mítico club. Muchos no logran cruzar esta bienvenida cuando preguntan por los precios de la fiesta de turno, acostumbrados a los precios de discotecas normales donde, en muchas ocasiones, no se paga por entrar.

Pero, los que ya han escuchado lo que significa vivir la experiencia de estar una noche en Club La Feria, saben que el valor de la entrada tiene una perfecta relación entre la talla de los artistas que se presentan y su fina selección musical, un buen servicio y, por sobre todo, una calidad de sonido inigualable.

La Feria fue el primer club en Sudamérica en implementar el sistema de audio Funktion One, uno de los mejores sistemas de audio para clubes del mundo. La marca es tan recelosa del cuidado de su imagen, que ellos deciden a quienes le venden y qué sistema de sonido se implementa. Fernando Díaz, dueño de Club La Feria, nos cuenta que la compra de los equipos significó una serie de 066 djmagla.com

correos y llamadas a Europa, para que los ingleses consideraran la implementación en su club, y varios meses de espera hasta que finalmente la compra fue aprobada. “Vinieron a Chile, hicieron mediciones de los metros cuadrados del espacio, la altura y los materiales del lugar y, en base a todas estas mediciones, nos dijeron qué sistema podíamos implementar. No había alternativas para elegir. Ellos toman la decisión para asegurar que la calidad del sonido cumpla con el sello Funktion One.” Tardaron un par de meses en desarrollar la acústica del lugar. No sólo desde la implementación y selección de equipos sino, también, en su búsqueda por disminuir a cero las molestias hacia los vecinos, aislando sonoramente los muros y el techo del club e, incluso, instalando puertas de metal que evitan que el sonido despierte al vecindario.

Desde el punto de vista de los artistas que han pasado por este club, se ha hecho un gran trabajo de booking de DJs chilenos y extranjeros. Y no estamos hablando del artista mainstream que viene a festivales para miles de asistentes, ni del DJ de turno que encabeza los rankings mundiales.

Hubo una prolija selección de artistas de primera línea -como Layo & Bushwacka, quienes llegaron justo antes de separarse, o Kevin Saunderson, uno de los padres del techno de Detroit- que ha hecho que el prestigio de este club siga creciendo y que las recomendaciones para tocar en él lleguen, ahora, desde los propios artistas. Chris Liebing, Carl Craig, Paco Osuna, Nick Curly, Robert Dietz, Jon Rundell, Pig & Dan y John Digweed son solo algunos de los que visitaron La Feria durante el segundo semestre de 2013. “Cuando escuchas a Dubfire o Marco Carola decir que Club La Feria está entre sus cinco lugares favoritos de todo el mundo para tocar y que les gustaría ser residentes, te das

cuenta que las cosas las estamos haciendo bien.

Lamentablemente, hay otros nombres importantes de la escena mundial que no pueden venir a tocar a nuestro club porque una productora en Chile no les permite, lo que es una pena”, comenta Fernando.

“La primera visita de Juan Atkins fue, sin dudas, una gran noche pero, a partir de ese evento, hemos tenido tantos buenos eventos que es muy complicado seleccionar sólo algunos. El aniversario de La Feria marcó un antes y un después para nosotros. Fue la primera vez que quedó fuera del club la misma cantidad de gente que estaba adentro. La capacidad estaba realmente al límite y estaba Josh Wink encabezando la jornada. ¡Un tremendo lujo de aniversario! El 11 de octubre fue otro gran momento: ese día celebramos mi cumpleaños y el DJ de esa noche fue Danny Tenaglia que, por primera vez, visitaba Chile.

Calzar ambas fechas fue una coincidencia y un cumpleaños imborrable. Y, para cerrar el ranking, Dubfire y Chris Liebing estuvieron espectaculares.

Las entradas estaban agotadas con días de anticipación y las mesas estaban todas vendidas.

Otro hito importante, que no podemos dejar fuera, fue el hecho de traer desde Europa a uno de los fundadores del Club: el DJ chileno Marcelo Umaña”, cuenta el dueño de La Feria.

Una de las claves que podemos destacar de Club La Feria es que todos pagan por su entrada. Se entregan muy pocas invitaciones, algo que ha ayudado a educar al público con respecto a que, para recibir un buen servicio, hay que pagar. Esto se traduce en pocos reclamos en la puerta y, como bien dijimos, buenos artistas y un ambiente inmejorable dentro del club. Los que tenemos la suerte de ir seguido, nos sentimos como en casa porque somos parte de la familia, y sabemos que nuestros amigos van a estar allá todos los fines de semana.

MUTE , MAR DEL PLATA, ARGENTINA

EN LA PISTA

EN LA PISTA

A toda costa…

John Digweed volvió a la Argentina en el mes de enero, reeditando sus últimas presentaciones junto a Martín García.

Partimos hacia la ciudad de Mar del Plata para vivir la segunda de estas presentaciones en Mute…

U

na de las cosas más lindas que tiene el verano argentino son sus playas.

Durante los tres meses que dura la estación, visitantes de todo el país llegan a la Costa Atlántica para disfrutar del fresco Mar Argentino y sus abarrotadas playas. De todas esas ciudades, la más visitada es la extensa Mar del Plata. Ubicada a unos 400 kilómetros de la capital del país, la ciudad costera recibe varios millones de turistas al año.

Cuando llegamos, la ciudad está abarrotada. Y no son solo aquellos que llegaron para disfrutar de unos días en playa. Ese mismo sábado 18, la ciudad recibe uno de los eventos deportivos más importantes del mundo. Boca Juniors y River Plate juegan el primero de una serie de partidos de verano en el principal estadio marplatense. Y se puede ver a simple vista. La gente se pasea por las calles con las remeras de los equipos, mientras las bocinas que emergen de las calles se mezclan con el sonido del mar.

Otra de las grandes atracciones, tendrá lugar en la 068 djmagla.com

otra punta de la ciudad. Es la llegada de un DJ inglés que, al parecer, es bastante requerido por el público argentino. ¿O es el público requerido por el DJ? Ambas podrían encajar a la perfección. John Digweed parece haberse enamorado por completo del público argentino que, desde hace tiempo, cayó rendido ante la estampa musical del artista. El lugar elegido es Mute, un pintoresco espacio multifunción, que hace las veces de parador, discoteca y restaurante y, a veces, con la llegada del verano se transforma en un extenso predio sobre la arena que alberga fiestas electrónicas de calibre internacional.

Mandarine Park y el Metropolitano de Rosario en el mes de septiembre. Por algo es elegido por John Digweed para abrir sus conciertos en la Argentina.

Elegantes beats salen disparados del gigantesco sistema de sonido que desplegó Mute para esta noche mientras la gente busca su lugar en la pista para no sufrir el frío que se hace presente estando a metros del mar.

Elevando las temperaturas, el argentino despliega su arsenal como suele hacerlo. Sin apuros, disfrutando del momento. Como si tuviera las cosas claras mucho antes de hacerse cargo de las bandejas. Un verdadero viaje sonoro.

Llegamos pasada la medianoche, minutos después de que hayan abierto las puertas el predio, y el extenso acceso –la entrada está sobre la calle, a cientos de metros del escenario- parece desarrollarse sin complicaciones. La gente llega a caudales mientras Martín García ya se encuentra musicalizando la noche que encabeza el jefe de Bedrock, repitiendo la dupla que se hizo presente en las presentaciones que tuvieron lugar en

Se hacen las dos de la mañana y la pista, que no es más que un pedazo de playa parcelada, ya se encuentra repleta. A diferencia del año pasado - el escenario se ubicaba entre el público y el mar-, la gente que mira al DJ tiene el mar a su izquierda.

Pero nadie está mirando al mar. Todos tienen su atención puesta en la cabina, donde esperamos el ingreso de la estrella de la noche. Mientras suena “No One Gets Left Behind” del francés DJ Yellow

junto al dúo canadiense Flowers and Sea Creatures, John Digweed aparece en escena. Volvemos a disfrutar de una presentación del inglés. John Digweed sabe bien qué hacer con el público argentino. Se trata, simplemente, de hacer lo suyo.

Esa fina selección musical, que arranca bien deep, le da inicio a un viaje que, sabemos, durará algunas horas. Su calidad de mezcla está intacta. Las transiciones que realiza, incluso, paseándonos por varios géneros, es envidiable y, esa noche que arrancó deep, ya se encuentra sumergida en el progressive house que lo vio emerger hace unos veinte años.

El sol se suma a la fiesta. Una fiesta que continúa y ya viró hacia un sonido más techno, impactando de lleno en los cuerpos que se aglutinan frente al gran escenario que montaron sobre la arena. La disposición gubernamental que dictó la provincia de Buenos Aires no permite que las fiestas duren más allá de las 6 de la mañana. Algo que hace que todos -excepto aquellos que se pierden en el viaje sonoro que regala el DJ- estemos pendientes de la cuenta regresiva hacia el final.

2011- y todos aplauden. Algunos desprevenidos esperan que la fiesta siga, acostumbrados a aquellas eternas noches que terminan luego de varias horas de sol. Hoy no va a ser así. El silencio se hace presente y la multitud encara la salida a

paso lento. John Digweed pasó por Mar del Plata y volvió a demostrar su calidad, regalando cuatro horas de la mejor música. Nosotros ya esperamos por su vuelta…

Cuando dan las 6, ya no hacemos la cuenta regresiva. Digweed cierra su set con “Opa” -la joya que lanzó el danés Kölsch en el sello Kompakt en djmagla.com 069

MUTE , MAR DEL PLATA, ARGENTINA

EN LA PISTA

EN LA PISTA

A toda costa…

John Digweed volvió a la Argentina en el mes de enero, reeditando sus últimas presentaciones junto a Martín García.

Partimos hacia la ciudad de Mar del Plata para vivir la segunda de estas presentaciones en Mute…

U

na de las cosas más lindas que tiene el verano argentino son sus playas.

Durante los tres meses que dura la estación, visitantes de todo el país llegan a la Costa Atlántica para disfrutar del fresco Mar Argentino y sus abarrotadas playas. De todas esas ciudades, la más visitada es la extensa Mar del Plata. Ubicada a unos 400 kilómetros de la capital del país, la ciudad costera recibe varios millones de turistas al año.

Cuando llegamos, la ciudad está abarrotada. Y no son solo aquellos que llegaron para disfrutar de unos días en playa. Ese mismo sábado 18, la ciudad recibe uno de los eventos deportivos más importantes del mundo. Boca Juniors y River Plate juegan el primero de una serie de partidos de verano en el principal estadio marplatense. Y se puede ver a simple vista. La gente se pasea por las calles con las remeras de los equipos, mientras las bocinas que emergen de las calles se mezclan con el sonido del mar.

Otra de las grandes atracciones, tendrá lugar en la 068 djmagla.com

otra punta de la ciudad. Es la llegada de un DJ inglés que, al parecer, es bastante requerido por el público argentino. ¿O es el público requerido por el DJ? Ambas podrían encajar a la perfección. John Digweed parece haberse enamorado por completo del público argentino que, desde hace tiempo, cayó rendido ante la estampa musical del artista. El lugar elegido es Mute, un pintoresco espacio multifunción, que hace las veces de parador, discoteca y restaurante y, a veces, con la llegada del verano se transforma en un extenso predio sobre la arena que alberga fiestas electrónicas de calibre internacional.

Mandarine Park y el Metropolitano de Rosario en el mes de septiembre. Por algo es elegido por John Digweed para abrir sus conciertos en la Argentina.

Elegantes beats salen disparados del gigantesco sistema de sonido que desplegó Mute para esta noche mientras la gente busca su lugar en la pista para no sufrir el frío que se hace presente estando a metros del mar.

Elevando las temperaturas, el argentino despliega su arsenal como suele hacerlo. Sin apuros, disfrutando del momento. Como si tuviera las cosas claras mucho antes de hacerse cargo de las bandejas. Un verdadero viaje sonoro.

Llegamos pasada la medianoche, minutos después de que hayan abierto las puertas el predio, y el extenso acceso –la entrada está sobre la calle, a cientos de metros del escenario- parece desarrollarse sin complicaciones. La gente llega a caudales mientras Martín García ya se encuentra musicalizando la noche que encabeza el jefe de Bedrock, repitiendo la dupla que se hizo presente en las presentaciones que tuvieron lugar en

Se hacen las dos de la mañana y la pista, que no es más que un pedazo de playa parcelada, ya se encuentra repleta. A diferencia del año pasado - el escenario se ubicaba entre el público y el mar-, la gente que mira al DJ tiene el mar a su izquierda.

Pero nadie está mirando al mar. Todos tienen su atención puesta en la cabina, donde esperamos el ingreso de la estrella de la noche. Mientras suena “No One Gets Left Behind” del francés DJ Yellow

junto al dúo canadiense Flowers and Sea Creatures, John Digweed aparece en escena. Volvemos a disfrutar de una presentación del inglés. John Digweed sabe bien qué hacer con el público argentino. Se trata, simplemente, de hacer lo suyo.

Esa fina selección musical, que arranca bien deep, le da inicio a un viaje que, sabemos, durará algunas horas. Su calidad de mezcla está intacta. Las transiciones que realiza, incluso, paseándonos por varios géneros, es envidiable y, esa noche que arrancó deep, ya se encuentra sumergida en el progressive house que lo vio emerger hace unos veinte años.

El sol se suma a la fiesta. Una fiesta que continúa y ya viró hacia un sonido más techno, impactando de lleno en los cuerpos que se aglutinan frente al gran escenario que montaron sobre la arena. La disposición gubernamental que dictó la provincia de Buenos Aires no permite que las fiestas duren más allá de las 6 de la mañana. Algo que hace que todos -excepto aquellos que se pierden en el viaje sonoro que regala el DJ- estemos pendientes de la cuenta regresiva hacia el final.

2011- y todos aplauden. Algunos desprevenidos esperan que la fiesta siga, acostumbrados a aquellas eternas noches que terminan luego de varias horas de sol. Hoy no va a ser así. El silencio se hace presente y la multitud encara la salida a

paso lento. John Digweed pasó por Mar del Plata y volvió a demostrar su calidad, regalando cuatro horas de la mejor música. Nosotros ya esperamos por su vuelta…

Cuando dan las 6, ya no hacemos la cuenta regresiva. Digweed cierra su set con “Opa” -la joya que lanzó el danés Kölsch en el sello Kompakt en djmagla.com 069

EN LA PISTA

LONDON ELECTRONIC ARTS FESTIVAL, LONDRES, INGLATERRA

EN LA PISTA Terry Farley, Norman Jay MBE, Keith Reilly, Dave Swindells & James Priestley

Giorgio Moroder

Un nuevo Festival de Artes Electrónicas en Londres

La nueva conferencia de música de Londres celebra el lugar que ocupa la capital en el centro de la cultura dance.

V

amos a arriesgarnos a afirmar que la vida nocturna de Londres es, probablemente, la mejor del mundo.

Claro que Berlín se ha mantenido como la meca de los clubes nocturnos pero, dejando de lado las discotecas más importantes, no existe lugar en la tierra que se compare con la capital inglesa en lo que respecta a la variedad o a la ética del “hágalo usted mismo”. Incluso, a pesar de las medidas severas que se vienen aplicando a la concesión de permisos en esa ciudad. Sin embargo, parece extraño que el Reino Unido, que hace alarde de una cantidad inmensa de festivales con múltiples carpas en formatos outdoor, no cuente con una conferencia de música electrónica que se realice en diferentes predios para competir con Miami, Ámsterdam o Barcelona.

En un intento de revertir esta situación, este año se verá el lanzamiento del proyecto más reciente de Rob da Bank y Ben Turner, nombre que hace ya un largo tiempo se asocia a este tipo de eventos.

El Festival de Artes Electrónicas de Londres (LEAF, por sus siglas en inglés) es una combinación de eventos nocturnos, música e instalaciones artísticas, cuyo supuesto objetivo es destacar la variada cultura de clubes nocturnos de la ciudad que se encuentra en permanente evolución y homenajear su impacto sin rival en la música dance.

La fiesta de inauguración del festival, el jueves por la noche, incluye una gran variedad de actividades en poco tiempo y, el hecho de que empiece temprano y termine temprano, crea una vibra un tanto peculiar. Se trata de un público joven y, en la Shoreditch Electric Light Station, tanto los espectadores como el frío CircusSpace se toman un tiempo para entrar en calor. Es un espacio donde, generalmente, se presentan 072 djmagla.com

trapecistas más que DJs pero las paredes de ladrillo al descubierto y el techo imponente, entrecruzado por vigas de acero, crean una atmósfera industrial adecuada de esas que, para verlas, normalmente habría que dirigirse a un distrito de plantas siderúrgicas abandonadas.

Definitivamente, no es algo que solamos poder disfrutar en un distrito tan hipster.

Como un guiño a la variedad de eventos que se presentarán el fin de semana, da Bank y compañía prefirieron que los condimentos fueran escasos.

Un escenario, algunas luces azules detrás y unos parlantes tremendamente ruidosos. Después de todo, no querrías que una bola gigante de espejos o unos cañones de humo te distrajeran mientras Giorgio Moroder cuenta una anécdota. A las ocho de la noche de un jueves, la atmósfera no es exactamente la de un club nocturno y, con la mayoría de los espectadores temblando con sus abrigos puestos, se genera la leve sensación de estar en una discoteca juvenil. Hasta que Monki toma las bandejas.

Sus espectáculos en Radio 1 son una mezcla gloriosa que incluye todo lo que va desde la música grime al techno, el drum & bass y el 2 step.

Durante su espacio de treinta minutos, pasea entre “Do You Really Like It” y el remix de Paul Woolford de “Friend Within” bajo su alias de Special Request, con esos estrepitosos saltos y un fragmento de “Renegade Master” que hace que todos apunten los índices al techo. Es un set lleno de spinbacks -Monki va desde Missy Elliott y Sean Paul con “Ghetto Superstar” y “Roxanne”– que, con solo pestañear, te hará perderte el remolino de ritmos y sonidos que rápidamente hacen saltar a la multitud. Todo está cargado de diversión pero, el hecho de que hayamos bailado estas mismas canciones en nuestra adolescencia, nos sobresalta. Ciertamente, ella es demasiado joven

para haber escuchado la mayoría de esos temas en las fiestas que se daban en los colegios, cuando estaban en su apogeo. Pero, desde nuestro lugar de ventaja, se siente un poco extraño ver a los jóvenes de apenas 20 años intentando bailar -y fallando en su intento.

Para el momento en que Duke Dumont sube al escenario con su propio proyector, que muestra su nombre con luces LED intermitentes, los abrigos y los bolsos se encuentran apilados por todo el lugar. Desde que “Need U (100%)” invadió los primeros puestos de los rankings el año pasado, él atrajo a un público un tanto más joven y sonriente. Todavía lo recordamos tocando “Lean and Bounce” en algún galpón de Sheffield, con su gesto duro, en medio de un set que se centraba en Bodycode y Underground Resistance. Pero poco puede verse aquí de ese Duke Dumont. Está plenamente concentrado en hacer que los agitadores bailen y, para eso, explota el uso de bajos.

Luego de su tocar su exitosa producción, encaja el house vibrante de Romanthony con “Ministry of Love” y la versión de MK de “Storm Queen”, que siguió a Duke Dumont en la cima de los rankings comerciales algunas semanas después. Todo está vocalmente cargado y lleno de subs, mientras los adolescentes fingen tocar un piano Rhodes y se tiran sidra entre ellos. Mientras Duke Dumont concluye su set apaleando a la multitud con el sonido de tambores tribales antes de que se retiren para llegar a sus camas a la medianoche, nosotros nos encontramos tan envueltos por la excitación de discoteca juvenil como cualquier otra persona.

Es difícil saber cuántos de los fiesteros del jueves

también asisten al programa abarrotado de conferencias, pero a juzgar por el vello facial y el clima de asentimiento solemne que llena el salón durante el día, apostamos a que hicieron otros planes. Quizás estén todos castigados por salir hasta tan tarde. Cualquiera sea el motivo, se lo están perdiendo. Rob da Bank ha reunido algunos nombres realmente especiales: Giorgio Moroder, Terry Farley, William Orbit y el director creativo del festival, Dinos Chapman hablaron a lo largo de los cuatro días, y es este aspecto el que pone al LEAF a la altura del Sonar y de la Winter Music Conference de Miami.

Pero el festival está claramente enfocado al público más que a la industria. Los escenarios similares al de la International Music Summit de Ibiza o al del Amsterdam Dance Event holandés pueden inclinarse hacia los entendidos, pero las entrevistas a New Order, Giorgio Moroder y otros, están plagadas de anécdotas sorprendentes, más que de conversaciones acerca de la “distribución sinérgica” y “las multiplataformas de contenidos”, que es lo que motiva a los ejecutivos de las compañías discográficas hoy en día.

El elemento más esclarecedor del programa, y aquel que parece el más cercano a cumplir con la supuesta misión del LEAF de resaltar la cultura de discotecas de la capital, es una mesa redonda que cuenta con algunos de los promotores más destacados de la escena de las últimas dos décadas. Terry Farley, Keith Reilly, James Priestley y Norman Jay se pasan una hora analizando el impacto de Londres en las discotecas del mundo y la tensión entre los creativos de la vida nocturna y la elite, que ha hecho que áreas como Shoreditch pasaran de ser lugares que uno evita a convertirse en lugares

Eats Everything

típicos de discotecas y, luego, observaran cómo los ravers eran expulsados, mientras que los cafés, las agencias de publicidad y los carísimos departamentos ocupaban su lugar.

“Si la gente no hubiera organizado fiestas, esta parte de Londres seguiría desolada,” afirma Farley y continúa detallando sus experiencias sobre la organización de las noches a pesar de las presiones de la municipalidad. Existe una genuina sensación de enojo por el modo en el que se obliga a los artistas creativos a alejarse cada vez más de la ciudad y por la falta de reconocimiento del papel iniciador que tienen en la recuperación de ciertas áreas que los respetables ciudadanos de Londres no habrían pisado ni muertos después de las ocho de la noche. “Pero nos estamos quedando sin agujeros que reparar,” dice. Todos asienten con un movimiento triste.

Sin embargo, todavía hay optimismo. Al preguntarle al panel en qué lugar les parece que se va a dar la siguiente ola de discotecas, la opinión general es que el este está acabado y que es momento de mirar al sur. Los cambiantes hipsters son, después de todo, una especie de señal de alarma y parece que sus bicicletas están

rodando hacia Peckham, donde lugares del estilo de Rhythm Section y el Bussey Building están a la vanguardia del crecimiento del área como una fuerza nocturna. El panel culpó, en parte, a las políticas antidrogas demasiado exigentes, que demonizan a los promotores y hacen que el mantenimiento de las discotecas en el centro de la ciudad sea prohibitivamente caro.

Teniendo en cuenta que esta discusión es muy interesante e informativa, es una pena que el LEAF no mantenga el foco en Londres a lo largo del programa. Existe una mezcla de ideas variadas en los genes del festival —una pizca de charlas de artistas de la RBMA, algo de la variedad del programa y de los múltiples espacios del Sonar— pero se siente un tanto fuera de foco.

Existe también un problema geográfico. A pesar de que el festival se centra en Shoreditch, la movida musical nocturna está repartida por todo Londres, desde el East End hasta Brixton. Con suerte, el año que viene el libro negro de Rob da Bank recibirá invitados del mismo calibre, pero estarán organizados con una meta más clara.

TOM BANHAM djmagla.com 073

EN LA PISTA

LONDON ELECTRONIC ARTS FESTIVAL, LONDRES, INGLATERRA

EN LA PISTA Terry Farley, Norman Jay MBE, Keith Reilly, Dave Swindells & James Priestley

Giorgio Moroder

Un nuevo Festival de Artes Electrónicas en Londres

La nueva conferencia de música de Londres celebra el lugar que ocupa la capital en el centro de la cultura dance.

V

amos a arriesgarnos a afirmar que la vida nocturna de Londres es, probablemente, la mejor del mundo.

Claro que Berlín se ha mantenido como la meca de los clubes nocturnos pero, dejando de lado las discotecas más importantes, no existe lugar en la tierra que se compare con la capital inglesa en lo que respecta a la variedad o a la ética del “hágalo usted mismo”. Incluso, a pesar de las medidas severas que se vienen aplicando a la concesión de permisos en esa ciudad. Sin embargo, parece extraño que el Reino Unido, que hace alarde de una cantidad inmensa de festivales con múltiples carpas en formatos outdoor, no cuente con una conferencia de música electrónica que se realice en diferentes predios para competir con Miami, Ámsterdam o Barcelona.

En un intento de revertir esta situación, este año se verá el lanzamiento del proyecto más reciente de Rob da Bank y Ben Turner, nombre que hace ya un largo tiempo se asocia a este tipo de eventos.

El Festival de Artes Electrónicas de Londres (LEAF, por sus siglas en inglés) es una combinación de eventos nocturnos, música e instalaciones artísticas, cuyo supuesto objetivo es destacar la variada cultura de clubes nocturnos de la ciudad que se encuentra en permanente evolución y homenajear su impacto sin rival en la música dance.

La fiesta de inauguración del festival, el jueves por la noche, incluye una gran variedad de actividades en poco tiempo y, el hecho de que empiece temprano y termine temprano, crea una vibra un tanto peculiar. Se trata de un público joven y, en la Shoreditch Electric Light Station, tanto los espectadores como el frío CircusSpace se toman un tiempo para entrar en calor. Es un espacio donde, generalmente, se presentan 072 djmagla.com

trapecistas más que DJs pero las paredes de ladrillo al descubierto y el techo imponente, entrecruzado por vigas de acero, crean una atmósfera industrial adecuada de esas que, para verlas, normalmente habría que dirigirse a un distrito de plantas siderúrgicas abandonadas.

Definitivamente, no es algo que solamos poder disfrutar en un distrito tan hipster.

Como un guiño a la variedad de eventos que se presentarán el fin de semana, da Bank y compañía prefirieron que los condimentos fueran escasos.

Un escenario, algunas luces azules detrás y unos parlantes tremendamente ruidosos. Después de todo, no querrías que una bola gigante de espejos o unos cañones de humo te distrajeran mientras Giorgio Moroder cuenta una anécdota. A las ocho de la noche de un jueves, la atmósfera no es exactamente la de un club nocturno y, con la mayoría de los espectadores temblando con sus abrigos puestos, se genera la leve sensación de estar en una discoteca juvenil. Hasta que Monki toma las bandejas.

Sus espectáculos en Radio 1 son una mezcla gloriosa que incluye todo lo que va desde la música grime al techno, el drum & bass y el 2 step.

Durante su espacio de treinta minutos, pasea entre “Do You Really Like It” y el remix de Paul Woolford de “Friend Within” bajo su alias de Special Request, con esos estrepitosos saltos y un fragmento de “Renegade Master” que hace que todos apunten los índices al techo. Es un set lleno de spinbacks -Monki va desde Missy Elliott y Sean Paul con “Ghetto Superstar” y “Roxanne”– que, con solo pestañear, te hará perderte el remolino de ritmos y sonidos que rápidamente hacen saltar a la multitud. Todo está cargado de diversión pero, el hecho de que hayamos bailado estas mismas canciones en nuestra adolescencia, nos sobresalta. Ciertamente, ella es demasiado joven

para haber escuchado la mayoría de esos temas en las fiestas que se daban en los colegios, cuando estaban en su apogeo. Pero, desde nuestro lugar de ventaja, se siente un poco extraño ver a los jóvenes de apenas 20 años intentando bailar -y fallando en su intento.

Para el momento en que Duke Dumont sube al escenario con su propio proyector, que muestra su nombre con luces LED intermitentes, los abrigos y los bolsos se encuentran apilados por todo el lugar. Desde que “Need U (100%)” invadió los primeros puestos de los rankings el año pasado, él atrajo a un público un tanto más joven y sonriente. Todavía lo recordamos tocando “Lean and Bounce” en algún galpón de Sheffield, con su gesto duro, en medio de un set que se centraba en Bodycode y Underground Resistance. Pero poco puede verse aquí de ese Duke Dumont. Está plenamente concentrado en hacer que los agitadores bailen y, para eso, explota el uso de bajos.

Luego de su tocar su exitosa producción, encaja el house vibrante de Romanthony con “Ministry of Love” y la versión de MK de “Storm Queen”, que siguió a Duke Dumont en la cima de los rankings comerciales algunas semanas después. Todo está vocalmente cargado y lleno de subs, mientras los adolescentes fingen tocar un piano Rhodes y se tiran sidra entre ellos. Mientras Duke Dumont concluye su set apaleando a la multitud con el sonido de tambores tribales antes de que se retiren para llegar a sus camas a la medianoche, nosotros nos encontramos tan envueltos por la excitación de discoteca juvenil como cualquier otra persona.

Es difícil saber cuántos de los fiesteros del jueves

también asisten al programa abarrotado de conferencias, pero a juzgar por el vello facial y el clima de asentimiento solemne que llena el salón durante el día, apostamos a que hicieron otros planes. Quizás estén todos castigados por salir hasta tan tarde. Cualquiera sea el motivo, se lo están perdiendo. Rob da Bank ha reunido algunos nombres realmente especiales: Giorgio Moroder, Terry Farley, William Orbit y el director creativo del festival, Dinos Chapman hablaron a lo largo de los cuatro días, y es este aspecto el que pone al LEAF a la altura del Sonar y de la Winter Music Conference de Miami.

Pero el festival está claramente enfocado al público más que a la industria. Los escenarios similares al de la International Music Summit de Ibiza o al del Amsterdam Dance Event holandés pueden inclinarse hacia los entendidos, pero las entrevistas a New Order, Giorgio Moroder y otros, están plagadas de anécdotas sorprendentes, más que de conversaciones acerca de la “distribución sinérgica” y “las multiplataformas de contenidos”, que es lo que motiva a los ejecutivos de las compañías discográficas hoy en día.

El elemento más esclarecedor del programa, y aquel que parece el más cercano a cumplir con la supuesta misión del LEAF de resaltar la cultura de discotecas de la capital, es una mesa redonda que cuenta con algunos de los promotores más destacados de la escena de las últimas dos décadas. Terry Farley, Keith Reilly, James Priestley y Norman Jay se pasan una hora analizando el impacto de Londres en las discotecas del mundo y la tensión entre los creativos de la vida nocturna y la elite, que ha hecho que áreas como Shoreditch pasaran de ser lugares que uno evita a convertirse en lugares

Eats Everything

típicos de discotecas y, luego, observaran cómo los ravers eran expulsados, mientras que los cafés, las agencias de publicidad y los carísimos departamentos ocupaban su lugar.

“Si la gente no hubiera organizado fiestas, esta parte de Londres seguiría desolada,” afirma Farley y continúa detallando sus experiencias sobre la organización de las noches a pesar de las presiones de la municipalidad. Existe una genuina sensación de enojo por el modo en el que se obliga a los artistas creativos a alejarse cada vez más de la ciudad y por la falta de reconocimiento del papel iniciador que tienen en la recuperación de ciertas áreas que los respetables ciudadanos de Londres no habrían pisado ni muertos después de las ocho de la noche. “Pero nos estamos quedando sin agujeros que reparar,” dice. Todos asienten con un movimiento triste.

Sin embargo, todavía hay optimismo. Al preguntarle al panel en qué lugar les parece que se va a dar la siguiente ola de discotecas, la opinión general es que el este está acabado y que es momento de mirar al sur. Los cambiantes hipsters son, después de todo, una especie de señal de alarma y parece que sus bicicletas están

rodando hacia Peckham, donde lugares del estilo de Rhythm Section y el Bussey Building están a la vanguardia del crecimiento del área como una fuerza nocturna. El panel culpó, en parte, a las políticas antidrogas demasiado exigentes, que demonizan a los promotores y hacen que el mantenimiento de las discotecas en el centro de la ciudad sea prohibitivamente caro.

Teniendo en cuenta que esta discusión es muy interesante e informativa, es una pena que el LEAF no mantenga el foco en Londres a lo largo del programa. Existe una mezcla de ideas variadas en los genes del festival —una pizca de charlas de artistas de la RBMA, algo de la variedad del programa y de los múltiples espacios del Sonar— pero se siente un tanto fuera de foco.

Existe también un problema geográfico. A pesar de que el festival se centra en Shoreditch, la movida musical nocturna está repartida por todo Londres, desde el East End hasta Brixton. Con suerte, el año que viene el libro negro de Rob da Bank recibirá invitados del mismo calibre, pero estarán organizados con una meta más clara.

TOM BANHAM djmagla.com 073

ANZU, SAN PABLO, BRASIL

Fotos: GUI URBAN

EN LA PISTA

Chuckie

Lee Foss

Otto Knows

Glamour en la pista La nueva propuesta del Conrad Hotel & Casino de Punta del Este.

O

tuvo un ingreso lento pero seguro a los sonidos del underground para los clientes de las discotecas brasileras. Y sabe tan rico...

L

Sin embargo, parece haber evidencia suficiente de que el país más grande de Sudamérica se está inclinando hacia los sonidos más sutiles de las fiestas electrónicas.

Puede que sea la noche anterior a que Fatboy Slim presente su épico show “Big Beach Boutique” en vivo en Brasil -en Guaruja-, pero también es la noche siguiente a la que el nombre de Ellen Allien se haga presente en un line-up que llenó los tres recintos del D-Edge en San Pablo.

Esta noche en Anzu -repetimos: damasco en japonéses la fiesta previa al XXXperience, otro gran festival EDM que se celebra mañana, debido al feriado nacional, y nos encontramos en las frondosas afueras de San Pablo. Ubicado en el puesto 23 de nuestra encuesta del año pasado sobre las mejores 100 discotecas, Anzu comenzó como un restaurante de sushi pero creció como una marca más asociada a las estrellas que llenan espacios grandes como Steve Angello, Alesso e, incluso, Skrillex. Esta noche, los W&W se adueñan del horario principal del mainfloor.

Durante los últimos seis meses, sin embargo, ha habido un esfuerzo coordinado para utilizar el espacio exterior -un lugar iluminado con estilo, que solía ser un estacionamiento, rodeado por una cerca de bambúpara fines más explorativos. Este es el lugar que fue testigo de las presentaciones de Danny Daze y de Adriatique, recientemente, y que esta noche presenta a Lee Foss, antes de que llegue Solomun, la semana siguiente. Algunos clientes de las discotecas del Reino Unido podrían mirar con desprecio a aquellos que pregonan la palabra underground hoy en día, pero, sinceramente, estos lugares son tan oscuros como la palabra misma.

076 djmagla.com

Después de ver al residente Ulisses Nunes pasar un tema de Tommy Trash & Sebastian Ingrosso, una versión mejorada de Man With The Red Face de Laurent Garnier y una nueva versión de la canción EDM Song Two ante la gente enloquecida en esa gigante pista principal, nos dejamos llevar entre las masas, más allá de unas plataformas para sentarse, situadas y espaciadas a diferentes alturas sobre un largo puente metálico suspendido que asciende hacia un recinto oscuro y vacío, con una barra que está cerrada esta noche pero que, generalmente, está reservada para el hip-hop y el R&B. Es aquí, desde arriba, donde realmente reconocemos el tamaño considerable del vientre de Anzu. Sus entrañas son una variedad de caños de acero, pasarelas de hierro y armazones de metal que cuelgan de los techos impresionantemente altos, que se extienden sobre hordas de personas presentes. Más ancho que la mayoría, el aspecto clave que distingue al interior de Anzu de los espacios industriales típicos de las discotecas como Berghain -aparte de la música, claro- es el show de luces épico que se despliega en el centro del lugar; y un fuego ardiente que los presentes absorben como una nube densa de polillas que agitan sus puños.

Mientras tanto, el espacio exterior es mucho más tranquilo y allí se congregan varios cientos de personas. A pesar de que no hay música, el lugar está repleto y hay una sensación tangible de que la gente está a la espera de algo.

Más cerca de la cabina, la multitud se encuentra frente a un corajudo cartel que dice ‘Respeten al DJ’, instando a que la gente tenga la mente abierta para la música que están por oír. Parado en la cabina, esperando

EN LA PISTA

Adam Saville

Una fruta extraña Tomando su nombre de la traducción japonesa de “damasco”, el Club Anzu a palabra underground ya casi perdió sentido en el mundo dance de hoy en día.

Los fanáticos de la música, en sus escenas aisladas, siempre tienen una visión de lo que está dentro, o fuera, del radar de la corriente principal. En el momento en que algo se vuelve popular, inmediatamente, alguien lo descarta. Pero aquello que está de moda en un círculo aislado, no se vuelve automáticamente popular en otros círculos, y viceversa.

Tomemos el caso de Brasil, por ejemplo. La gente se queja porque es una nación de discotecas anulada por los valores VIP y dominada por el rock, el pop y la música Latina, o la música dance del tipo EDM.

OVO NIGHTCLUB, CONRAD HOTEL & CASINO, PUNTA DEL ESTE, URUGUAY

romper el silencio con el primer tema -alrededor de las 3 de la mañana-, al DJ lo incitan a que comience a tocar más de una vez -“no queremos la música de ahí dentro,” un entusiasta señala la doble puerta de la pista principal, desde donde resuenan las sirenas del EDM. “¡Queremos que sea underground!”- mientras otros levantan sus teléfonos pidiendo temas de artistas como Solomun y Hot Since ‘82.

En cuanto el primer 4/4 ataca, una erupción de aclamaciones lo acompaña. Temas como “Realtime” de Midland, “Love Your Illusion” de Eric Volta y “We Groove” de Martin Landsky reciben silbidos de apoyo, mientras se acumula la excitación a la espera del hombre por el que todos están acá; la figura moderna y entusiasta de Lee Foss.

Agitando el ambiente con un house al estilo garage, mientras que el sol de la madrugada se asoma, él tira bombas amigables como “Careless” de Dusky y la versión de Dennis Ferrer de “Mind Your Step” a una multitud que no para de saltar. Sin embargo, es el remix que hizo MK de “Storm Queen” -un tema que llegó a la cima de los rankings del Reino Unido recientemente- el que obtiene la mejor reacción. Lo que demuestra que, si bien lo que algunos consideran “underground” puede ser el pop de otros, Anzu está dando un paso audaz y ambicioso - y, claramente, los resultados son buenos. ADAM SAVILLE

Lee Foss & ??????

vo es la nueva megadisco top que llegó para musicalizar las glamorosas noches de Punta de Este con la mejor electrónica. Ubicada dentro del famoso Conrad Hotel & Casino, esta nueva propuesta incluye, además de una tremenda grilla de artistas de la elite internacional, un sistema de sonido y una iluminación que ponen a prueba los sentidos del público, más todo el servicio de sus barras y sectores VIPs que propone el hotel 5 estrellas. Inaugurada en diciembre de 2013, la discoteca logró posicionarse como una de las más requeridas. Situada en uno de los balnearios más exclusivos de Sudamérica, con mayoría de público brasileño en las primeras fechas del verano -en año nuevo Punta del Este es uno de los destinos favoritos de los que llegan de Brasil-, el club terminó de ganarse el mote de internacional con la llegada de clientes desde Argentina, Uruguay, Chile, Estados Unidos y diversos puntos de Europa.

nuestra celebración por la salida de la edición impresa junto a la música del DJ Top 10. El fin de semana siguiente, el carnaval llegará de la mano de varios DJs. El viernes 28, Roger Sanchez encabezará la noche junto a Life is a Loop, el domingo 2 de marzo llegará el ídolo del trance Dash Berlin junto a HIIO y Tommy Jacobs y, el martes 4, será el turno del francés Bob Sinclair junto a Eric Hagleton y Chris Klein.

Más allá de su fantástica ambientación y de su asistencia cosmopolita, el éxito de la flamante discoteca tuvo que ver con la presencia de los mejores DJs del momento. Martin Solveig llenó la pista el sábado 28 de diciembre con todos sus hits, la leyenda del trance Paul Van Dyk también pasó por Ovo, agotando las localidades y Otto Knows, uno de los productores del momento, se encargó de musicalizar la velada de año nuevo. Sumados a estos, Chuckie se presentó el 10 de enero, como también lo hicieron Thomas Gold, EDX y el británico Nick Warren durante esta primera temporada de verano. La identidad, sin embargo, se la dieron los DJs sudamericanos que pasaron por el club. Fueron los tradicionales Tommy Jacobs, DJ Mina, Diego Harispe y Fernando Picon quienes conformaron el sonido de Ovo. Sumado a ellos, Gonzalo Solimano & Richie Hell llevaron el sonido de su sello Unlock Recordings y Carlos Diaz celebró sus 30 años de DJ. También hubo grandes presentaciones de los brasileños Fabricio Peçanha, Mary Zander y Pic Schmitz, con una gran afluencia de público pero la gran performance estuvo a cargo de Antonio Eudi, músico, DJ y productor que, con su combinación de teclados en vivo y su DJ set mezclando estilos musicales, fue la gran sorpresa y se llevó una verdadera ovación.

El flamante nightclub forma parte de una gran remodelación que llevó a cabo el prestigioso Conrad que, además, creó el Bar Ovo Day. Un espacio que opera las 24 horas, con una propuesta de tragos, comidas, café y WiFi. Se modernizó el casino para completar una experiencia de entretenimiento completo donde, además de disfrutar de la hospitalidad del hotel, se puede jugar, comer y bailar en una pista llena de glamour.

Martin Solveig

Con esta catarata de aristas del primer nivel que engalanan las bandejas de Ovo, tenemos que destacar el equipamiento técnico que se armaron con la gente de Pioneer. Los CDJ-2000 Nexus Platinum Edition con multiefectos RMX-1000 limited, además del sistema Pioneer Kuvo que transmite en tiempo real la información de los tracks de los DJs, se alinean con el sistema de sonido JBL Vertec Line Array. La iluminación Martin y las pantallas LED de última generación completan la lista.

Paul van Dyk

Para el cierre de la temporada de verano, llegarán más platos fuertes. El 22 de febrero, junto a Pioneer DJ, será la presentación de DJ Mag Latinoamérica con la presencia de Nicky Romero, en una fiesta que reunirá djmagla.com 077

ANZU, SAN PABLO, BRASIL

Fotos: GUI URBAN

EN LA PISTA

Chuckie

Lee Foss

Otto Knows

Glamour en la pista La nueva propuesta del Conrad Hotel & Casino de Punta del Este.

O

tuvo un ingreso lento pero seguro a los sonidos del underground para los clientes de las discotecas brasileras. Y sabe tan rico...

L

Sin embargo, parece haber evidencia suficiente de que el país más grande de Sudamérica se está inclinando hacia los sonidos más sutiles de las fiestas electrónicas.

Puede que sea la noche anterior a que Fatboy Slim presente su épico show “Big Beach Boutique” en vivo en Brasil -en Guaruja-, pero también es la noche siguiente a la que el nombre de Ellen Allien se haga presente en un line-up que llenó los tres recintos del D-Edge en San Pablo.

Esta noche en Anzu -repetimos: damasco en japonéses la fiesta previa al XXXperience, otro gran festival EDM que se celebra mañana, debido al feriado nacional, y nos encontramos en las frondosas afueras de San Pablo. Ubicado en el puesto 23 de nuestra encuesta del año pasado sobre las mejores 100 discotecas, Anzu comenzó como un restaurante de sushi pero creció como una marca más asociada a las estrellas que llenan espacios grandes como Steve Angello, Alesso e, incluso, Skrillex. Esta noche, los W&W se adueñan del horario principal del mainfloor.

Durante los últimos seis meses, sin embargo, ha habido un esfuerzo coordinado para utilizar el espacio exterior -un lugar iluminado con estilo, que solía ser un estacionamiento, rodeado por una cerca de bambúpara fines más explorativos. Este es el lugar que fue testigo de las presentaciones de Danny Daze y de Adriatique, recientemente, y que esta noche presenta a Lee Foss, antes de que llegue Solomun, la semana siguiente. Algunos clientes de las discotecas del Reino Unido podrían mirar con desprecio a aquellos que pregonan la palabra underground hoy en día, pero, sinceramente, estos lugares son tan oscuros como la palabra misma.

076 djmagla.com

Después de ver al residente Ulisses Nunes pasar un tema de Tommy Trash & Sebastian Ingrosso, una versión mejorada de Man With The Red Face de Laurent Garnier y una nueva versión de la canción EDM Song Two ante la gente enloquecida en esa gigante pista principal, nos dejamos llevar entre las masas, más allá de unas plataformas para sentarse, situadas y espaciadas a diferentes alturas sobre un largo puente metálico suspendido que asciende hacia un recinto oscuro y vacío, con una barra que está cerrada esta noche pero que, generalmente, está reservada para el hip-hop y el R&B. Es aquí, desde arriba, donde realmente reconocemos el tamaño considerable del vientre de Anzu. Sus entrañas son una variedad de caños de acero, pasarelas de hierro y armazones de metal que cuelgan de los techos impresionantemente altos, que se extienden sobre hordas de personas presentes. Más ancho que la mayoría, el aspecto clave que distingue al interior de Anzu de los espacios industriales típicos de las discotecas como Berghain -aparte de la música, claro- es el show de luces épico que se despliega en el centro del lugar; y un fuego ardiente que los presentes absorben como una nube densa de polillas que agitan sus puños.

Mientras tanto, el espacio exterior es mucho más tranquilo y allí se congregan varios cientos de personas. A pesar de que no hay música, el lugar está repleto y hay una sensación tangible de que la gente está a la espera de algo.

Más cerca de la cabina, la multitud se encuentra frente a un corajudo cartel que dice ‘Respeten al DJ’, instando a que la gente tenga la mente abierta para la música que están por oír. Parado en la cabina, esperando

EN LA PISTA

Adam Saville

Una fruta extraña Tomando su nombre de la traducción japonesa de “damasco”, el Club Anzu a palabra underground ya casi perdió sentido en el mundo dance de hoy en día.

Los fanáticos de la música, en sus escenas aisladas, siempre tienen una visión de lo que está dentro, o fuera, del radar de la corriente principal. En el momento en que algo se vuelve popular, inmediatamente, alguien lo descarta. Pero aquello que está de moda en un círculo aislado, no se vuelve automáticamente popular en otros círculos, y viceversa.

Tomemos el caso de Brasil, por ejemplo. La gente se queja porque es una nación de discotecas anulada por los valores VIP y dominada por el rock, el pop y la música Latina, o la música dance del tipo EDM.

OVO NIGHTCLUB, CONRAD HOTEL & CASINO, PUNTA DEL ESTE, URUGUAY

romper el silencio con el primer tema -alrededor de las 3 de la mañana-, al DJ lo incitan a que comience a tocar más de una vez -“no queremos la música de ahí dentro,” un entusiasta señala la doble puerta de la pista principal, desde donde resuenan las sirenas del EDM. “¡Queremos que sea underground!”- mientras otros levantan sus teléfonos pidiendo temas de artistas como Solomun y Hot Since ‘82.

En cuanto el primer 4/4 ataca, una erupción de aclamaciones lo acompaña. Temas como “Realtime” de Midland, “Love Your Illusion” de Eric Volta y “We Groove” de Martin Landsky reciben silbidos de apoyo, mientras se acumula la excitación a la espera del hombre por el que todos están acá; la figura moderna y entusiasta de Lee Foss.

Agitando el ambiente con un house al estilo garage, mientras que el sol de la madrugada se asoma, él tira bombas amigables como “Careless” de Dusky y la versión de Dennis Ferrer de “Mind Your Step” a una multitud que no para de saltar. Sin embargo, es el remix que hizo MK de “Storm Queen” -un tema que llegó a la cima de los rankings del Reino Unido recientemente- el que obtiene la mejor reacción. Lo que demuestra que, si bien lo que algunos consideran “underground” puede ser el pop de otros, Anzu está dando un paso audaz y ambicioso - y, claramente, los resultados son buenos. ADAM SAVILLE

Lee Foss & ??????

vo es la nueva megadisco top que llegó para musicalizar las glamorosas noches de Punta de Este con la mejor electrónica. Ubicada dentro del famoso Conrad Hotel & Casino, esta nueva propuesta incluye, además de una tremenda grilla de artistas de la elite internacional, un sistema de sonido y una iluminación que ponen a prueba los sentidos del público, más todo el servicio de sus barras y sectores VIPs que propone el hotel 5 estrellas. Inaugurada en diciembre de 2013, la discoteca logró posicionarse como una de las más requeridas. Situada en uno de los balnearios más exclusivos de Sudamérica, con mayoría de público brasileño en las primeras fechas del verano -en año nuevo Punta del Este es uno de los destinos favoritos de los que llegan de Brasil-, el club terminó de ganarse el mote de internacional con la llegada de clientes desde Argentina, Uruguay, Chile, Estados Unidos y diversos puntos de Europa.

nuestra celebración por la salida de la edición impresa junto a la música del DJ Top 10. El fin de semana siguiente, el carnaval llegará de la mano de varios DJs. El viernes 28, Roger Sanchez encabezará la noche junto a Life is a Loop, el domingo 2 de marzo llegará el ídolo del trance Dash Berlin junto a HIIO y Tommy Jacobs y, el martes 4, será el turno del francés Bob Sinclair junto a Eric Hagleton y Chris Klein.

Más allá de su fantástica ambientación y de su asistencia cosmopolita, el éxito de la flamante discoteca tuvo que ver con la presencia de los mejores DJs del momento. Martin Solveig llenó la pista el sábado 28 de diciembre con todos sus hits, la leyenda del trance Paul Van Dyk también pasó por Ovo, agotando las localidades y Otto Knows, uno de los productores del momento, se encargó de musicalizar la velada de año nuevo. Sumados a estos, Chuckie se presentó el 10 de enero, como también lo hicieron Thomas Gold, EDX y el británico Nick Warren durante esta primera temporada de verano. La identidad, sin embargo, se la dieron los DJs sudamericanos que pasaron por el club. Fueron los tradicionales Tommy Jacobs, DJ Mina, Diego Harispe y Fernando Picon quienes conformaron el sonido de Ovo. Sumado a ellos, Gonzalo Solimano & Richie Hell llevaron el sonido de su sello Unlock Recordings y Carlos Diaz celebró sus 30 años de DJ. También hubo grandes presentaciones de los brasileños Fabricio Peçanha, Mary Zander y Pic Schmitz, con una gran afluencia de público pero la gran performance estuvo a cargo de Antonio Eudi, músico, DJ y productor que, con su combinación de teclados en vivo y su DJ set mezclando estilos musicales, fue la gran sorpresa y se llevó una verdadera ovación.

El flamante nightclub forma parte de una gran remodelación que llevó a cabo el prestigioso Conrad que, además, creó el Bar Ovo Day. Un espacio que opera las 24 horas, con una propuesta de tragos, comidas, café y WiFi. Se modernizó el casino para completar una experiencia de entretenimiento completo donde, además de disfrutar de la hospitalidad del hotel, se puede jugar, comer y bailar en una pista llena de glamour.

Martin Solveig

Con esta catarata de aristas del primer nivel que engalanan las bandejas de Ovo, tenemos que destacar el equipamiento técnico que se armaron con la gente de Pioneer. Los CDJ-2000 Nexus Platinum Edition con multiefectos RMX-1000 limited, además del sistema Pioneer Kuvo que transmite en tiempo real la información de los tracks de los DJs, se alinean con el sistema de sonido JBL Vertec Line Array. La iluminación Martin y las pantallas LED de última generación completan la lista.

Paul van Dyk

Para el cierre de la temporada de verano, llegarán más platos fuertes. El 22 de febrero, junto a Pioneer DJ, será la presentación de DJ Mag Latinoamérica con la presencia de Nicky Romero, en una fiesta que reunirá djmagla.com 077

TECH

TECH En El Estudio con Solomun texto: MICK WILSON

¿Es ese el proceso que adoptaste en tu último EP, ‘YesNoMaybe’?

“La realización de este fue un experimento para mí. Mi manager invitó al estudio a un cantante de R&B que tenía algunos éxitos en su haber, porque yo tenía mucho interés en intentar trabajar con alguien proveniente del mundo del R&B. Grabamos las sesiones en el estudio de Stimming, uno de los artistas de mi discográfica. Claro que fue una aventura, y una muy interesante, porque no tuve que explicarle lo que quería. Él simplemente me dio cinco versiones diferentes de la pista. Yo crecí con el funk y el soul, el R&B y el hip-hop, y esto me influenció, especialmente cuando era más joven. Luego, el techno y el house llegaron y fue bastante interesante combinar todos estos estilos”. ¿Cómo es para vos una sesión típica en el estudio?

“Generalmente, hago la mayoría de mis trabajos de producción solo en mi computadora. Pero cuando siento que una melodía necesita desarrollo o un empujón extra, invito a músicos para que intenten implementar las ideas que tengo en la cabeza. Puede ser un bajista que venga a tocar la línea de bajos que grabé en la computadora. También es muy inspirador llevar cantantes al estudio y dejarse llevar por su energía. Y luego, al final, buscar el mejor arreglo, y es aquí donde comienza el trabajo real y te encuentras solo nuevamente.

Con los remixes es diferente. Siempre necesito dos o tres días para conocer el tema antes de decidir remixarlo, porque necesito un tiempo para sentir las voces del tema original. Si no las siento, no puedo remixarlo.”

CON LA TÉCNICA DEL SLAP

El DJ y productor Solomun conquistó la escena en los últimos años.

Con destacadas presentaciones, producciones, remixes y sus discográficas Diynamic y 2DIY4, ha tomado los cimientos del house y los ha reconstruido con sensibilidad, dándoles un giro fresco y ultramoderno. ¿Cómo lograste desarrollarte como artista a lo largo de tu carrera como productor y DJ? “Esa es una pregunta difícil desde el vamos. ¿Cómo me he desarrollado? Hacía unos años que era DJ cuando comencé a producir música, así que estimo que mi perspectiva al producir fue más desde la del DJ. Especialmente, al principio. Como soy amante de la música desde hace muchos años -de todas las direcciones musicales- he estado coleccionando y comprando música durante años así que, después de haber sido DJ por un buen tiempo, mi deseo era realizar mis propias producciones y volverme cada vez más fuerte en ese aspecto.”

080 djmagla.com

¿Estás permanentemente buscando redefinir tu sonido?

“Sí, claro. Intento evolucionar cuanto sea posible y asumo riesgos, a los que no les temo. Porque a veces funciona y a veces no pero siempre tenés que intentarlo para averiguarlo. Lo que no hago es producir bajo diferentes seudónimos. A todo lo que hago le pongo mi nombre.

Creo que quizás sea así porque siempre digo que ‘la música son momentos’ y cada momento es diferente -y ese es el mismo proceso que adopto al grabar. Ya sea una melodía en mi cabeza, una línea de bajos o algo que oiga en la radio, o algo de un género completamente diferente, luego pienso ‘deberías incorporar esto a tu sonido’. Esos son momentos de inspiración.”

¿Qué usas actualmente para trabajar en tu estudio?

“En este momento, uso una MacBook Pro Quad Core con un Logic de 2,66 GHz como secuenciador principal. Como placa de sonido, tengo una RME alimentando mi convertidor Lynx Aurora. En las entradas del Aurora tengo conectados algunos sintetizadores y la salida alimenta el controlador del monitor Gain Train, desde el cual controlo el nivel de mis monitores Barefoot MM 27. Cuando viajo, utilizo una MacBook Pro con pantalla retina y una placa de sonido RME Babyface, monitores Genelec 6010 y una tarjeta satelital UAD. Como paso mucho tiempo viajando, hago muchas cosas en mi notebook.

Utilizo una pequeña selección de hardware hoy en día. No quiero excederme con la cantidad de aparatos. Por ejemplo, el Nord Stage reproduce de todo, desde el sonido de un Rhodes hasta un piano o sonidos de cuerdas. También me gusta usar bajos reales. Hace algunas semanas, por ejemplo, tuve que viajar a Hamburgo para la boda de mi mejor amigo y tenía en mente que Roisin Murphy y yo habíamos hablado sobre cuánto nos gustaba el sonido del slap bass, cuando conversamos sobre nuestro nuevo trabajo juntos.

Yo tenía un tema casi terminado pero estaba en mi computadora y, el día después de la boda, invité a un bajista para que adaptara la melodía de la línea del sintetizador a un bajo tocado con la técnica de slap y se lo envié inmediatamente a Roisin. Ese se convirtió en el primer tema de nuestro trabajo juntos, que saldrá en cualquier momento”.

djmagla.com 081

TECH

TECH En El Estudio con Solomun texto: MICK WILSON

¿Es ese el proceso que adoptaste en tu último EP, ‘YesNoMaybe’?

“La realización de este fue un experimento para mí. Mi manager invitó al estudio a un cantante de R&B que tenía algunos éxitos en su haber, porque yo tenía mucho interés en intentar trabajar con alguien proveniente del mundo del R&B. Grabamos las sesiones en el estudio de Stimming, uno de los artistas de mi discográfica. Claro que fue una aventura, y una muy interesante, porque no tuve que explicarle lo que quería. Él simplemente me dio cinco versiones diferentes de la pista. Yo crecí con el funk y el soul, el R&B y el hip-hop, y esto me influenció, especialmente cuando era más joven. Luego, el techno y el house llegaron y fue bastante interesante combinar todos estos estilos”. ¿Cómo es para vos una sesión típica en el estudio?

“Generalmente, hago la mayoría de mis trabajos de producción solo en mi computadora. Pero cuando siento que una melodía necesita desarrollo o un empujón extra, invito a músicos para que intenten implementar las ideas que tengo en la cabeza. Puede ser un bajista que venga a tocar la línea de bajos que grabé en la computadora. También es muy inspirador llevar cantantes al estudio y dejarse llevar por su energía. Y luego, al final, buscar el mejor arreglo, y es aquí donde comienza el trabajo real y te encuentras solo nuevamente.

Con los remixes es diferente. Siempre necesito dos o tres días para conocer el tema antes de decidir remixarlo, porque necesito un tiempo para sentir las voces del tema original. Si no las siento, no puedo remixarlo.”

CON LA TÉCNICA DEL SLAP

El DJ y productor Solomun conquistó la escena en los últimos años.

Con destacadas presentaciones, producciones, remixes y sus discográficas Diynamic y 2DIY4, ha tomado los cimientos del house y los ha reconstruido con sensibilidad, dándoles un giro fresco y ultramoderno. ¿Cómo lograste desarrollarte como artista a lo largo de tu carrera como productor y DJ? “Esa es una pregunta difícil desde el vamos. ¿Cómo me he desarrollado? Hacía unos años que era DJ cuando comencé a producir música, así que estimo que mi perspectiva al producir fue más desde la del DJ. Especialmente, al principio. Como soy amante de la música desde hace muchos años -de todas las direcciones musicales- he estado coleccionando y comprando música durante años así que, después de haber sido DJ por un buen tiempo, mi deseo era realizar mis propias producciones y volverme cada vez más fuerte en ese aspecto.”

080 djmagla.com

¿Estás permanentemente buscando redefinir tu sonido?

“Sí, claro. Intento evolucionar cuanto sea posible y asumo riesgos, a los que no les temo. Porque a veces funciona y a veces no pero siempre tenés que intentarlo para averiguarlo. Lo que no hago es producir bajo diferentes seudónimos. A todo lo que hago le pongo mi nombre.

Creo que quizás sea así porque siempre digo que ‘la música son momentos’ y cada momento es diferente -y ese es el mismo proceso que adopto al grabar. Ya sea una melodía en mi cabeza, una línea de bajos o algo que oiga en la radio, o algo de un género completamente diferente, luego pienso ‘deberías incorporar esto a tu sonido’. Esos son momentos de inspiración.”

¿Qué usas actualmente para trabajar en tu estudio?

“En este momento, uso una MacBook Pro Quad Core con un Logic de 2,66 GHz como secuenciador principal. Como placa de sonido, tengo una RME alimentando mi convertidor Lynx Aurora. En las entradas del Aurora tengo conectados algunos sintetizadores y la salida alimenta el controlador del monitor Gain Train, desde el cual controlo el nivel de mis monitores Barefoot MM 27. Cuando viajo, utilizo una MacBook Pro con pantalla retina y una placa de sonido RME Babyface, monitores Genelec 6010 y una tarjeta satelital UAD. Como paso mucho tiempo viajando, hago muchas cosas en mi notebook.

Utilizo una pequeña selección de hardware hoy en día. No quiero excederme con la cantidad de aparatos. Por ejemplo, el Nord Stage reproduce de todo, desde el sonido de un Rhodes hasta un piano o sonidos de cuerdas. También me gusta usar bajos reales. Hace algunas semanas, por ejemplo, tuve que viajar a Hamburgo para la boda de mi mejor amigo y tenía en mente que Roisin Murphy y yo habíamos hablado sobre cuánto nos gustaba el sonido del slap bass, cuando conversamos sobre nuestro nuevo trabajo juntos.

Yo tenía un tema casi terminado pero estaba en mi computadora y, el día después de la boda, invité a un bajista para que adaptara la melodía de la línea del sintetizador a un bajo tocado con la técnica de slap y se lo envié inmediatamente a Roisin. Ese se convirtió en el primer tema de nuestro trabajo juntos, que saldrá en cualquier momento”.

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TECH Traktor Kontrol X1 MK2 texto: LUKE PEPPER

EVOLUCIÓN DE LAS ESPECIES La versión actualizada del Traktor Kontrol X1 MK2 de Native Instruments es la evolución de su popular controladora Traktor...

N

ative Instruments tiene un arsenal de fantásticos y creativos productos pensados para el usuario que se las arreglan para cubrir las necesidades de los DJs, especialmente en cuanto a calidad de sonido y precio respecta. En los últimos tiempos, su gama de controladores -entre ellos el F1, Z1 y X1- recibieron una masiva aprobación de la comunidad DJ y, en DJ Mag Tech, el único momento en que nuestras F1 y Z1 no están conectadas en el escritorio de casa es cuando están de gira por alguna fiesta.

Así que las novedades que Native Instruments nos depara con su Traktor Kontrol X1 MK2 serán de gran interés para muchos DJs, sin contarnos a nosotros en DJ Mag, quienes estábamos esperando ansiosos por este nuevo y compacto controlador.

Esta nueva versión MK2 del Traktor Kontrol X1 es una actualización evolucionada del original.

Mantiene su formato pero suma nuevas e interesantes cualidades. El tamaño de la X1 MK2 es, exactamente, del mismo que el original. Una gran noticia para todos aquellos que tenían la X1, ya que es totalmente compatible con los soportes y las fundas del original.

Configurar la Traktor Kontrol X1 MK2 es pan comido, como todos los plug and play. Y, siempre y cuando la última versión de Traktor esté instalada, el controlador funcionará tan pronto sea conectado, sin mucho alboroto. Por supuesto, este controlador es totalmente compatible con MIDI. Así que, las funciones extra pueden ser “mappeadas” a los controles con Traktor. Así como, también, existe la posiblidad de usar la X1 con otro software compatible con MIDI. La parte superior del controlador, destinada al control de efectos, ha cambiado poco frente a la versión original, con los mismos cuatro botones retroiluminados y sus cuatro perillas. De todas formas, algunas funciones cambiaron, como el nuevo control “Mode” que cambia el manejo de los efectos de uno a tres modos. Justo debajo del control de efectos se encuentra la sección de búsqueda de tracks y loops totalmente renovada, con unas lindas y nuevas características que excitarán a los aficionados a Native Instruments, representadas en dos nuevos displays para los loops y un control alineado sensible al tacto que brinda unas nuevas opciones de uso bien inteligentes. Algunos estereotipos existen por una razón, y en un estilo típicamente alemán, NI cambió las dos perillas de browsing y upload que existían en la original, por una única y más sensible perilla con un nuevo sistema de rotación. Esto cambia la forma de buscar en la pantalla.

084 djmagla.com

VEREDICTO CALIDAD USABILIDAD FUNCIONES PRECIO - CALIDAD CALIDAD DE SONIDO

8.5 8.5 9.0 8.0 -

PRO

Innovadoras características que incluyen pantallas LED para loops, nuevos y coloridos botones LED y una fantástica sección touch multi-funcional.

CONTRAS Dos nuevos botones con flechas son los que cargan los tracks en las pistas izquierda y derecha. Gracias a esta innovadora combinación de controles en una sola perilla, el espacio que sobra con respecto a la original es utilizado para ubicar las pantallas de rango de loop.

Las dos pantallas LED, las cuales muestran la longitud del loop llegan como uno de los mejores avances del conjunto de funciones de la X1 y se ubican por encima de sus propios codificadores, lo cual provee controles sobre el tamaño del loop y su posición. La rediseñada sección Transport, ubicada en la parte inferior del controlador fue beneficiada con nuevos y multicolores luces de LED retroiluminados para el cue, con diferentes colores que indican el tipo y la posición. Algunos botones encontrados en la original X1 ya no están pero pocos, o nadie, los extrañarán.

Algunos de los cambios más destacables de esta última encarnación de la Traktor Kontrol X1 es su multi funcional sección touch, que controla una increíble cantidad de opciones reducidas a un pequeño espacio. Dependiendo del modo seleccionado, la franja touch puede ser utilizada como pitch, con su costado izquierdo controlando la pista izquierda y el derecho su correspondiente pista derecha, brindando un control al estilo DVS. Presionando el boton shift convertimos esta sección en un control de búsqueda al estilo CDJ2000.

Cuando se utilizan loops, presionando el centro de la fila touch y la parte superior de los codificadores activaremos el control de loops. El manejo de los

No hay software de controlador de dispositivo incluido y no funcionará con Traktor DJ para iOS.

RESUMEN

Una nueva y mejorada versión del controlador que Native Instruments ha logrado mantener con la ergonomía de la original, sumando nuevas e inteligentes modificaciones.

8.5/10 CONTACTO

native-instruments.com parámetros de efectos puede también ser controlada con la fila touch manteniendo presionado el centro de ella y seleccionando el efecto a utilizar.

El resultado de los cambios implementados por Native Instruments en la X1 es una superficie rediseñada, fiel al estilo minimalístico de X1 y nos presenta un rápido y fácil acercamiento añadiendo funciones extra sin sobrecargar el espacio. Para mantener el elegante y compacto estilo, Native Instruments quitó algunas de las características encontradas en la X1 original, pero esto pasará desapercibido por la mayoría y siempre podrán ser “mappeadas” para quienes sientan su ausencia.

De esta forma, el Traktor X1 MK2 es un controlador fantástico y seguramente se venda como pan caliente.

TECH

TECH

En El Estudio con Despacio texto: MICK WILSON fotos: BABYCAKES ROMERO

¡SUPER SÓNICO!

James Murphy y 2manyDJs quieren introducirte en el sonido más puro con su nuevo proyecto “Despacio”. Hablamos con ellos para saber todo...

D

espacio es el nuevo proyecto del ex LCD Soundsystem y jefe de DFA James Murphy, con un poco de ayuda de los hermanos Dewaele, más conocidos como Soulwax o 2 Many DJs, y el legendario ingeniero de estudio neoyorquino John Klett. Es una noche dedicada a los buenos tiempos y a la buena música, que se experimenta a través de un gigantesco sistema de sonido, diseñado para envolver a los que asisten en una experiencia que, generalmente, no se da en los clubes. La idea es que, una vez que te ubiques en la pista, experimentes la música como se pretende que lo hagas, apreciando cada matiz y detalle sin alteraciones. Todo esto, más la musicalización a cargo de tres de los DJs más requeridos en todo el mundo, tocando algunas de sus canciones favoritas durante toda la noche. Suena como si fuera una de esas noches para recordar. Pero no te quedes con lo que te decimos. Hablamos con ellos para saber aún más... ¿Cómo nació el proyecto “Despacio”?

James: “Despacio” se nos presentó hablando con Dave y Steph de 2 Many DJs, en una cena o en un vuelo de avión. No lo recuerdo bien. Una de esas cosas que hablamos y no sabemos si van a llegar a algún lado. Generalmente, compartimos ideas y, mientras las mías nunca se concretan, parece que las de ellos siempre lo hacen. He trabajado con John Klett por 20 años. Siempre estuvo a cargo de las consolas en mis viejos estudios de DFA y ha diseñado cosas para mí, desde siempre. Estamos transitando el camino de nuevo y parece que todos los que estamos involucrados seremos grandes socios en esto.”

Dave: “Empezó a crecer al punto en el que nos dimos cuenta que teníamos todo un equipo junto a nosotros que estaba feliz de subirse a bordo y ver qué pasaba.”

John: “De algún modo, se puede decir que hemos trabajado en algo así desde mediados de los ‘90 pero, si tenemos que poner una fecha sobre este sistema específico, yo diría que fue justo después del último lanzamiento de LCD... Puedo posicionar ese inicio alrededor de mayo de 2010, desde donde todo empezó a evolucionar.” ¿Eso fue lo que los hizo querer comenzar con este proyecto?

James: “Si, esa fue una de las cosas. Me gusta escuchar diferentes historias de cuando la gente va a los clubes y destaca diferentes elementos de la noche. Que no hablan todos acerca de lo mismo, que disfrutan diferentes experiencias a lo largo de toda la 086 djmagla.com

cruzadas en cinco bandas, así que tenemos los subs, los bajos, medios bajos, medios altos y las UHF. Utilizamos amplificadores ‘McIntosh’ para todo menos para los subwoofers. Esos son unidades construidas aparte y tenemos dos de ellas por columna. Los parlantes de bajos y medios bajos son cajas ventiladas con dos drivers de 15” metidos en una caja de 10 cm3, para los bajos, y dos de 12” en cajas de 4 cm3, para los medios bajos. Las cajas son rectangulares y las ventilaciones no están entubadas –eso significa que la longitud de la ventilación es sólo el grosor del bafle delantero.

Las ventilaciones siguen un paradigma de diseño que se relaciona con los antiguos gabinetes reflex. La velocidad de la ventilación es baja y los gabinetes están por debajo de lo que los usamos.

Los parlantes de los medios altos y su driver son ‘JBL’, los drivers de UHF son conos de 40 grados de ‘Faital’, una compañía italiana.”

noche. Eso queríamos hacer con ‘Despacio’.”

Dave: “La idea original nunca fue ‘hagamos un sistema de sonido’. Siempre vino de la idea de ‘hagamos una noche donde los tres podamos tocar juntos, y nadie más que nosotros’, en vez de lo que hacemos semanalmente, en donde no es necesario preparar todo para tocar la música que tocamos en ‘Despacio’. Un poco por el sistema de sonido y, otro, por las condiciones de las fiestas, donde la cultura de los clubes hoy en día impone que haya un headliner, con otros tres DJs o más. Con ‘Despacio’ queríamos hacer algo que fuera especial, una noche entera en donde cada detalle está hecho como nosotros queremos. Desde la cabina del DJ, los temas que pasamos, por supuesto, las luces, el bar y, también, el sistema de sonido. Y, fuera de todo

este concepto, nuestra mejor arma es el sistema de sonido. De cualquier manera, es una configuración increíblemente extensa, que vale mucho dinero.

Tener un sistema de sonido así es algo increíble pero no deja de ser parte de toda la idea.”

James: “Además, generalmente, no me gusta como suenan los sistemas de sonido y tampoco muchos de los set-ups que tienen los clubes. David, Steph y yo nos hemos quejado siempre por estas cosas. Y, como soy un diseñador, sentí que lo correcto era probar y ver si podíamos diseñar un sistema para la noche.” ¿Y cuál la tecnología que lleva el set-up de “Despacio”?

John: “Sin ponernos muy técnicos, el sistema tiene ocho pilas de parlantes y amplificadores. Están

John: “El objetivo no es hacer el sistema de sonido más fuerte pero, como una buena consecuencia de lo que hacemos, se vuelve ridículamente ruidoso.

He podido medir algunos niveles máximos que son bastante altos. Quiero decir, tenemos unos 10.000 watts por cada nivel -sacando los subwoofers, ellos tienen su propio universo. Esto hace que sea un sistema muy fuerte y poderoso. En práctica, lo usamos unos 15 o 20 decibeles por debajo de lo que el sistema es capaz de soportar por lo que viene haraganeando un poco y corriendo sin problemas, sin esfuerzos... Ese es el punto: sin estrés, tomarlo con calma, relajarse y disfrutar. Se trata realmente de un sonido relajado.”

Entonces el sistema de sonido se ha convertido en el elemento más importante de ‘Despacio’...

James: “Sí y no. Imagino que uno solo quiere un sonido que esté bien para la fiesta. Para mí, la gente que empieza a tocar se encuentra más en festivales o en escenarios... Ahí hay todos unos arreglos que son muy buenos para las bandas pero no se sienten bien para los DJs. No te envuelven en el sonido, no te sumergen en él. Simplemente, te golpean en la cara con el sonido. Nosotros pensamos en cómo solían ser las discotecas, algo que tenía que ver con que la gente la pase bien entre ella. Eso era lo más importante para mí: ¿la están pasando bien? Ahí es donde quería volver.

Parece ser un sistema de sonido fuerte…

James: “Si, es fuerte y puede lanzarnos un sonido que es muy alto, en serio. Pero ese no es el punto. Para nosotros, es cómo manejar un muscle car pasado de moda en vez de un auto deportivo moderno perfectamente afinado, con todo su sistema computarizado. Muchos de los nuevos sistemas tienen demasiados procesos digitales antes de llegar al amplificador y esto complica todo. Se entromete en la salida del sonido. Con nuestro sistema es, simplemente, un gran sonido puro. Tenemos toneladas de poder encerrado ahí pero no necesitamos ostentar eso. Sabemos que está ahí pero podemos controlarlo. No tenemos por qué llevarlo hasta el rojo. No vas a llegar a ningún lado calando en el rojo, sería demasiado poder infundado. Significa que podemos permitirle al sonido que se mueva a través del sistema.

Una canción moderna va a sonar mucho más fuerte que una de Fleetwood Mac pero nuestro sistema tiene la habilidad de tocar los dos al mismo nivel de volumen, sin comprometernos con lo que podemos llegar a dar.” djmagla.com 087

TECH

TECH

En El Estudio con Despacio texto: MICK WILSON fotos: BABYCAKES ROMERO

¡SUPER SÓNICO!

James Murphy y 2manyDJs quieren introducirte en el sonido más puro con su nuevo proyecto “Despacio”. Hablamos con ellos para saber todo...

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espacio es el nuevo proyecto del ex LCD Soundsystem y jefe de DFA James Murphy, con un poco de ayuda de los hermanos Dewaele, más conocidos como Soulwax o 2 Many DJs, y el legendario ingeniero de estudio neoyorquino John Klett. Es una noche dedicada a los buenos tiempos y a la buena música, que se experimenta a través de un gigantesco sistema de sonido, diseñado para envolver a los que asisten en una experiencia que, generalmente, no se da en los clubes. La idea es que, una vez que te ubiques en la pista, experimentes la música como se pretende que lo hagas, apreciando cada matiz y detalle sin alteraciones. Todo esto, más la musicalización a cargo de tres de los DJs más requeridos en todo el mundo, tocando algunas de sus canciones favoritas durante toda la noche. Suena como si fuera una de esas noches para recordar. Pero no te quedes con lo que te decimos. Hablamos con ellos para saber aún más... ¿Cómo nació el proyecto “Despacio”?

James: “Despacio” se nos presentó hablando con Dave y Steph de 2 Many DJs, en una cena o en un vuelo de avión. No lo recuerdo bien. Una de esas cosas que hablamos y no sabemos si van a llegar a algún lado. Generalmente, compartimos ideas y, mientras las mías nunca se concretan, parece que las de ellos siempre lo hacen. He trabajado con John Klett por 20 años. Siempre estuvo a cargo de las consolas en mis viejos estudios de DFA y ha diseñado cosas para mí, desde siempre. Estamos transitando el camino de nuevo y parece que todos los que estamos involucrados seremos grandes socios en esto.”

Dave: “Empezó a crecer al punto en el que nos dimos cuenta que teníamos todo un equipo junto a nosotros que estaba feliz de subirse a bordo y ver qué pasaba.”

John: “De algún modo, se puede decir que hemos trabajado en algo así desde mediados de los ‘90 pero, si tenemos que poner una fecha sobre este sistema específico, yo diría que fue justo después del último lanzamiento de LCD... Puedo posicionar ese inicio alrededor de mayo de 2010, desde donde todo empezó a evolucionar.” ¿Eso fue lo que los hizo querer comenzar con este proyecto?

James: “Si, esa fue una de las cosas. Me gusta escuchar diferentes historias de cuando la gente va a los clubes y destaca diferentes elementos de la noche. Que no hablan todos acerca de lo mismo, que disfrutan diferentes experiencias a lo largo de toda la 086 djmagla.com

cruzadas en cinco bandas, así que tenemos los subs, los bajos, medios bajos, medios altos y las UHF. Utilizamos amplificadores ‘McIntosh’ para todo menos para los subwoofers. Esos son unidades construidas aparte y tenemos dos de ellas por columna. Los parlantes de bajos y medios bajos son cajas ventiladas con dos drivers de 15” metidos en una caja de 10 cm3, para los bajos, y dos de 12” en cajas de 4 cm3, para los medios bajos. Las cajas son rectangulares y las ventilaciones no están entubadas –eso significa que la longitud de la ventilación es sólo el grosor del bafle delantero.

Las ventilaciones siguen un paradigma de diseño que se relaciona con los antiguos gabinetes reflex. La velocidad de la ventilación es baja y los gabinetes están por debajo de lo que los usamos.

Los parlantes de los medios altos y su driver son ‘JBL’, los drivers de UHF son conos de 40 grados de ‘Faital’, una compañía italiana.”

noche. Eso queríamos hacer con ‘Despacio’.”

Dave: “La idea original nunca fue ‘hagamos un sistema de sonido’. Siempre vino de la idea de ‘hagamos una noche donde los tres podamos tocar juntos, y nadie más que nosotros’, en vez de lo que hacemos semanalmente, en donde no es necesario preparar todo para tocar la música que tocamos en ‘Despacio’. Un poco por el sistema de sonido y, otro, por las condiciones de las fiestas, donde la cultura de los clubes hoy en día impone que haya un headliner, con otros tres DJs o más. Con ‘Despacio’ queríamos hacer algo que fuera especial, una noche entera en donde cada detalle está hecho como nosotros queremos. Desde la cabina del DJ, los temas que pasamos, por supuesto, las luces, el bar y, también, el sistema de sonido. Y, fuera de todo

este concepto, nuestra mejor arma es el sistema de sonido. De cualquier manera, es una configuración increíblemente extensa, que vale mucho dinero.

Tener un sistema de sonido así es algo increíble pero no deja de ser parte de toda la idea.”

James: “Además, generalmente, no me gusta como suenan los sistemas de sonido y tampoco muchos de los set-ups que tienen los clubes. David, Steph y yo nos hemos quejado siempre por estas cosas. Y, como soy un diseñador, sentí que lo correcto era probar y ver si podíamos diseñar un sistema para la noche.” ¿Y cuál la tecnología que lleva el set-up de “Despacio”?

John: “Sin ponernos muy técnicos, el sistema tiene ocho pilas de parlantes y amplificadores. Están

John: “El objetivo no es hacer el sistema de sonido más fuerte pero, como una buena consecuencia de lo que hacemos, se vuelve ridículamente ruidoso.

He podido medir algunos niveles máximos que son bastante altos. Quiero decir, tenemos unos 10.000 watts por cada nivel -sacando los subwoofers, ellos tienen su propio universo. Esto hace que sea un sistema muy fuerte y poderoso. En práctica, lo usamos unos 15 o 20 decibeles por debajo de lo que el sistema es capaz de soportar por lo que viene haraganeando un poco y corriendo sin problemas, sin esfuerzos... Ese es el punto: sin estrés, tomarlo con calma, relajarse y disfrutar. Se trata realmente de un sonido relajado.”

Entonces el sistema de sonido se ha convertido en el elemento más importante de ‘Despacio’...

James: “Sí y no. Imagino que uno solo quiere un sonido que esté bien para la fiesta. Para mí, la gente que empieza a tocar se encuentra más en festivales o en escenarios... Ahí hay todos unos arreglos que son muy buenos para las bandas pero no se sienten bien para los DJs. No te envuelven en el sonido, no te sumergen en él. Simplemente, te golpean en la cara con el sonido. Nosotros pensamos en cómo solían ser las discotecas, algo que tenía que ver con que la gente la pase bien entre ella. Eso era lo más importante para mí: ¿la están pasando bien? Ahí es donde quería volver.

Parece ser un sistema de sonido fuerte…

James: “Si, es fuerte y puede lanzarnos un sonido que es muy alto, en serio. Pero ese no es el punto. Para nosotros, es cómo manejar un muscle car pasado de moda en vez de un auto deportivo moderno perfectamente afinado, con todo su sistema computarizado. Muchos de los nuevos sistemas tienen demasiados procesos digitales antes de llegar al amplificador y esto complica todo. Se entromete en la salida del sonido. Con nuestro sistema es, simplemente, un gran sonido puro. Tenemos toneladas de poder encerrado ahí pero no necesitamos ostentar eso. Sabemos que está ahí pero podemos controlarlo. No tenemos por qué llevarlo hasta el rojo. No vas a llegar a ningún lado calando en el rojo, sería demasiado poder infundado. Significa que podemos permitirle al sonido que se mueva a través del sistema.

Una canción moderna va a sonar mucho más fuerte que una de Fleetwood Mac pero nuestro sistema tiene la habilidad de tocar los dos al mismo nivel de volumen, sin comprometernos con lo que podemos llegar a dar.” djmagla.com 087

TECH Queríamos crear un sistema ‘en ronda’ donde la música que queríamos tocar -que no eran los grandes ni los últimos hits, sino cualquier cosa que quisiéramos tocar- pudiera impactar en la gente con la suficiente fuerza corporal y con la claridad necesaria para hacer algo muy lindo y bien físico.

Era acerca de darle a la gente la chance de vivir una experiencia diferente a la hora de escuchar esa canción. Eso sonaría algo flojo en un club normal ya que la mayoría ofrecen un sonido que está bastante comprimido. Queríamos ofrecer un sonido que refleje lo bueno en un rango musical amplio. ¿Por qué sólo en vinilo?

James: “Lo del vinilo no fue que tratamos de hacer una campaña o de decir ‘el vinilo es lo único’... Yo toco tracks digitales también, está bien. Cuando estás tocando en un mixer moderno, la diferencia entre el vinilo y el CD o el archivo digital no es tan grande. Pero, si querés tomar alguna ventaja del sistema que tenemos, definitivamente, necesitás algo que suene lo suficientemente bien como para sacar esa ventaja. No creo que con las compacteras o algo digital puedas mezclar con un sonido tan bueno y, con un sistema así, definitivamente notarías eso y sería un desperdicio.” ¿Cómo fue ese evento en el Manchester International Festival?

James: “¡Fue genial! Tocamos tres veces: jueves, viernes y sábado. Todos fueron bastante diferentes.

El jueves fue muy abierto, divertido, muy relajado. El viernes fue una noche al estilo ‘Trainspotting’, con la gente mirándonos. Ahí hubo un poco más de trabajo.

Y, el sábado fue perfecto. La gente se dejó llevar y fue más abierta, pasaron un buen momento con la música y la experiencia ‘Despacio’.” ¿Y por dónde van a estar con “Despacio”?

James: “Esperamos hacer algo más por el Reino Unido. Glasgow, Londres o algo... Pero necesitamos hacer tres noches porque es muy caro de armar y debería darse en una discoteca que albergue entre 700 y 1200 personas. No es para diez mil fanáticos.

Así que se trata de ir encontrando espacios y darnos cuenta cómo queremos hacerlo, o nosotros mismos

088 djmagla.com

o con promotores. Por mi parte, eventualmente, espero que encuentre un hogar en Ibiza.”

Dave: “Si, la idea original era hacer una fiesta semanal en Ibiza y tocar lo que llamamos la verdadera música baleárica -una mezcla entre ese extraño disco new wave, temas viejos, cosas innovadoras, acid house... Todas esas cosas que, para nosotros, son verdaderamente baleáricas. Ibiza

no se nos dio y terminamos haciendo el “Manchester International Festival”. La atención está en el sistema de sonido pero, para nosotros, se trata de un todo. Es algo muy especial en nuestras vidas y estamos felices de hacerlo. Así que buscamos hacer más shows o eventos. Pero tienen que ser de la manera correcta.”

TECH

TECH

Gemini G4V

texto: LUKE PEPPER

tienen tantas funciones como la sección de mezcla, con algunos detalles agradables que resultan sorprendentes para un controlador con un precio tan razonable. Los faders de tempo tienen largo recorrido, lo que los hace perfectos para realizar mezclas precisas, mientras que las cuatro perillas sobre las secciones de los canales simplifican el ajuste de las posiciones del loop, la realización de sampleos de volumen y el modo slip.

El keylock y el FX cuentan con botones luminosos propios para apagarlos. Los ocho botones al estilo pad tienen un buen tamaño y funcionan bien, a pesar de que, al accionarlos, den la leve sensación de un producto ordinario.

Los botones de los modos hotcue, auto loop, sample y loop roll completan el buen diseño y funcionamiento de la sección de canales. Los diales (jogwheels) tienen un buen tamaño y son fáciles de accionar gracias a las marcas típicas de vinilos que tienen en la parte superior. El hecho de que sean pesadas las hace prácticas para los DJs que mezclan, pero la presión para detener los interruptores que ya se usaron le resta algo de calidad a este controlador.

EL RESURGIMIENTO DE GEMINI ¿Podrá el económico controlador para DJs de cuatro canales “G4V” de Gemini impulsar la marca a la cima en este saturado mercado de DJs?

Ú

ltimamente, parece que no pasa ni un mes sin que salga al mercado un nuevo controlador para DJs, cuya razón de ser es la de tentar a la comunidad de DJs a salir a gastar el dinero que tanto les cuesta ganar.

Por supuesto, el hecho de tener más opciones, es siempre algo positivo para los consumidores pero, en este mercado saturado, los nuevos productos deben ofrecer algo único para escapar del destino de quedar juntando polvo en algún estante.

Entonces, ¿por qué los DJs deberían interesarse en el “G4V” de Gemini?

Para comenzar, es un controlador que cuenta con un mixer de cuatro canales, con grandes diales (o jogwheels), con botones al estilo pad y con una tarjeta de sonido de 24 bits incorporada, todo a un valor menor de 350 euros. La gran pregunta es: ¿puede un controlador tan económico

094 djmagla.com

estar a la altura de las circunstancias al compararlo con sus competencias de precio superior?

Normalmente, la compra de un controlador económico implica sacrificar algunas funciones. Todos sabemos que cuanto mayor es la cantidad de funciones, mayor es el precio, ¿verdad? Resulta que dicha creencia, cierta en la mayoría de los casos, ha encontrado la excepción a la regla con el Gemini “G4V”, que cuenta con todas las funciones que uno espera de los controladores con precios superiores, sin las dolorosas sumas de dinero que suelen conllevar.

La sección de mezcla tiene cuatro canales con un ecualizador de tres bandas, gain y filtros para cada canal, además del crossfader asignable y las dos secciones de control. Ambas tienen diales de buen tamaño, faders de pitch de largo recorrido y ocho

botones luminosos del tipo pad.

Para completar el paquete de la mejor manera, el chasis está hecho totalmente de metal y tiene un peso considerable, lo que nos da unas primeras impresiones favorables en lo que respecta a la calidad del cuerpo de la consola.

Al diseñar el panel de control del “G4V”, Gemini no intentó reinventar la rueda. Escogieron un diseño común, con las secciones de mezcla en el medio de la superficie de control, entre dos secciones de control de dos canales. El panel de control es muy similar a la superficie de control del DDJ-SX de Pioneer, lo que no es algo tan malo. La sección de mezcla del “G4V” es algo impactante, con cuatro canales, cada uno con su propio medidor UV de cinco segmentos, una perilla de control de gain, un ecualizador de tres bandas, un botón cue, un fader y unas grandes

perillas para controlar los filtros.

El medidor de salida principal, que se encuentra en el medio de los faders, es un generoso arreglo de LED de diez segmentos y tiene perillas de booth y master volume con salidas separadas para cada una. Para la búsqueda de las pistas hay una perilla que también funciona como botón y se encuentra en la parte superior de la sección de mezcla, con un botón para volver atrás y botones separados dedicados a las pistas cargadas ubicados en la parte superior de cada canal de mezcla, para que el trabajo sea simple pero efectivo. La calidad de sonido del mezclador es decente y no refleja el precio del “G4V”, pero el hecho de que no pueda funcionar como mezclador independiente y de que tenga una sola entrada de audio auxiliar sin ecualizador probablemente lo hagan.

Con una lista de funciones impresionante, el precio no se refleja en el aspecto de este controlador, que logró mantener los costos bajos debido al uso de determinados componentes. Esto si se evidencia en los diales (jogwheels) que, con un buen tamaño, peso y sensibilidad, la parte superior da una sensación poco natural, que ejerce presión hacia abajo para detener el canal. Este se agita y tambalea cada vez que uno toca los diales y es probable que deje a los DJs deseando diales del estilo Pioneer o Numark cuando mezclan. Otro motivo de discordia son los pads que, aún perfectamente útiles, no tienen una buena acción y son todos azules, en oposición a los LED multicolores que se ven en varios de los controladores del momento. Mientras que estos asuntos pueden ser un posible motivo de disgusto, no impactan sustancialmente en el funcionamiento de este controlador y es muy posible

que aquellos con un presupuesto apretado los perdonen fácilmente.

La mayor queja potencial por parte de los dueños del “G4V” no tiene que ver con los defectos del hardware, sino más bien con un tema del software. Concretamente, con la elección del Virtual DJ LE como el foco del controlador. Si bien el Virtual DJ Pro no es el más popular, es un programa decente que tiene todas las posibilidades de utilizarse para crear mezclas extraordinarias en las manos correctas. Sin embargo, el “G4V” viene solamente con el Virtual DJ LE, contra las que, algunos dicen, serían las opciones más populares como el Serato Intro, el Traktor LE de Native Instruments e, incluso, el Mixvibes Cross. La actualización a la versión Pro del Virtual DJ tiene un costo adicional de unos 150 euros, lo que aumenta mucho el precio, en comparación con el aparente precio inicial, y lo pone a la altura de controladores como el Pioneer DDJ-T1 (que está disponible por menos de 500 euros).

Afortunadamente, han salido mapas del Traktor para controladores, lo que significa que los dueños del “G4V” tienen la alternativa mucho más económica de comprar el “Traktor Pro” por 66 euros. Esta propuesta es muy atractiva y tiene un precio relativamente decente.

Teniendo todo esto en cuenta, el “G4V” de Gemini es un buen controlador a un precio ridículamente bajo y ofrece una excelente relación calidad-precio para un nicho específico de DJs. Este nicho corresponde a aquellos DJs que ya tienen la versión del “Virtual DJ Pro” compatible con este controlador o a aquellos que quedan satisfechos con el “Virtual DJ LE” y no están interesados en actualizar el software.

Los DJs que utilizan el Traktor y están en busca de un controlador con una buena relación calidad-precio, sin duda, también se verán atraídos por el “G4V” de Gemini, y con buena razón.

La calidad del cuerpo de la consola es excelente en relación al precio y las pequeñas decepciones que nos genera el controlador son fácilmente perdonables cuando vemos su valor.

VEREDICTO CALIDAD DEL CUERPO FACILIDAD DE USO FUNCIONES PRECIO - CALIDAD CALIDAD DE SONIDO

7.5 8.0 9.0 9.0 7.5

VENTAJAS

Mixer de cuatro canales con secciones de canales con grandes diales y ocho botones del tipo pad a un precio muy económico.

DESVENTAJAS

La presión que se debe ejercer para detener los interruptores en la parte superior de los diales molestará a algunos DJs y, el modo en que se accionan los pads, es un tanto ordinario.

La “G4V” de Gemini reúne el tipo de funciones que suelen ser típicas de unidades mucho más caras en un conjunto que funciona bien y está bien construido.

8.2/10 CONTACTO

geminidj.com

Las secciones de canales del “G4V”

djmagla.com 095

TECH

TECH

Gemini G4V

texto: LUKE PEPPER

tienen tantas funciones como la sección de mezcla, con algunos detalles agradables que resultan sorprendentes para un controlador con un precio tan razonable. Los faders de tempo tienen largo recorrido, lo que los hace perfectos para realizar mezclas precisas, mientras que las cuatro perillas sobre las secciones de los canales simplifican el ajuste de las posiciones del loop, la realización de sampleos de volumen y el modo slip.

El keylock y el FX cuentan con botones luminosos propios para apagarlos. Los ocho botones al estilo pad tienen un buen tamaño y funcionan bien, a pesar de que, al accionarlos, den la leve sensación de un producto ordinario.

Los botones de los modos hotcue, auto loop, sample y loop roll completan el buen diseño y funcionamiento de la sección de canales. Los diales (jogwheels) tienen un buen tamaño y son fáciles de accionar gracias a las marcas típicas de vinilos que tienen en la parte superior. El hecho de que sean pesadas las hace prácticas para los DJs que mezclan, pero la presión para detener los interruptores que ya se usaron le resta algo de calidad a este controlador.

EL RESURGIMIENTO DE GEMINI ¿Podrá el económico controlador para DJs de cuatro canales “G4V” de Gemini impulsar la marca a la cima en este saturado mercado de DJs?

Ú

ltimamente, parece que no pasa ni un mes sin que salga al mercado un nuevo controlador para DJs, cuya razón de ser es la de tentar a la comunidad de DJs a salir a gastar el dinero que tanto les cuesta ganar.

Por supuesto, el hecho de tener más opciones, es siempre algo positivo para los consumidores pero, en este mercado saturado, los nuevos productos deben ofrecer algo único para escapar del destino de quedar juntando polvo en algún estante.

Entonces, ¿por qué los DJs deberían interesarse en el “G4V” de Gemini?

Para comenzar, es un controlador que cuenta con un mixer de cuatro canales, con grandes diales (o jogwheels), con botones al estilo pad y con una tarjeta de sonido de 24 bits incorporada, todo a un valor menor de 350 euros. La gran pregunta es: ¿puede un controlador tan económico

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estar a la altura de las circunstancias al compararlo con sus competencias de precio superior?

Normalmente, la compra de un controlador económico implica sacrificar algunas funciones. Todos sabemos que cuanto mayor es la cantidad de funciones, mayor es el precio, ¿verdad? Resulta que dicha creencia, cierta en la mayoría de los casos, ha encontrado la excepción a la regla con el Gemini “G4V”, que cuenta con todas las funciones que uno espera de los controladores con precios superiores, sin las dolorosas sumas de dinero que suelen conllevar.

La sección de mezcla tiene cuatro canales con un ecualizador de tres bandas, gain y filtros para cada canal, además del crossfader asignable y las dos secciones de control. Ambas tienen diales de buen tamaño, faders de pitch de largo recorrido y ocho

botones luminosos del tipo pad.

Para completar el paquete de la mejor manera, el chasis está hecho totalmente de metal y tiene un peso considerable, lo que nos da unas primeras impresiones favorables en lo que respecta a la calidad del cuerpo de la consola.

Al diseñar el panel de control del “G4V”, Gemini no intentó reinventar la rueda. Escogieron un diseño común, con las secciones de mezcla en el medio de la superficie de control, entre dos secciones de control de dos canales. El panel de control es muy similar a la superficie de control del DDJ-SX de Pioneer, lo que no es algo tan malo. La sección de mezcla del “G4V” es algo impactante, con cuatro canales, cada uno con su propio medidor UV de cinco segmentos, una perilla de control de gain, un ecualizador de tres bandas, un botón cue, un fader y unas grandes

perillas para controlar los filtros.

El medidor de salida principal, que se encuentra en el medio de los faders, es un generoso arreglo de LED de diez segmentos y tiene perillas de booth y master volume con salidas separadas para cada una. Para la búsqueda de las pistas hay una perilla que también funciona como botón y se encuentra en la parte superior de la sección de mezcla, con un botón para volver atrás y botones separados dedicados a las pistas cargadas ubicados en la parte superior de cada canal de mezcla, para que el trabajo sea simple pero efectivo. La calidad de sonido del mezclador es decente y no refleja el precio del “G4V”, pero el hecho de que no pueda funcionar como mezclador independiente y de que tenga una sola entrada de audio auxiliar sin ecualizador probablemente lo hagan.

Con una lista de funciones impresionante, el precio no se refleja en el aspecto de este controlador, que logró mantener los costos bajos debido al uso de determinados componentes. Esto si se evidencia en los diales (jogwheels) que, con un buen tamaño, peso y sensibilidad, la parte superior da una sensación poco natural, que ejerce presión hacia abajo para detener el canal. Este se agita y tambalea cada vez que uno toca los diales y es probable que deje a los DJs deseando diales del estilo Pioneer o Numark cuando mezclan. Otro motivo de discordia son los pads que, aún perfectamente útiles, no tienen una buena acción y son todos azules, en oposición a los LED multicolores que se ven en varios de los controladores del momento. Mientras que estos asuntos pueden ser un posible motivo de disgusto, no impactan sustancialmente en el funcionamiento de este controlador y es muy posible

que aquellos con un presupuesto apretado los perdonen fácilmente.

La mayor queja potencial por parte de los dueños del “G4V” no tiene que ver con los defectos del hardware, sino más bien con un tema del software. Concretamente, con la elección del Virtual DJ LE como el foco del controlador. Si bien el Virtual DJ Pro no es el más popular, es un programa decente que tiene todas las posibilidades de utilizarse para crear mezclas extraordinarias en las manos correctas. Sin embargo, el “G4V” viene solamente con el Virtual DJ LE, contra las que, algunos dicen, serían las opciones más populares como el Serato Intro, el Traktor LE de Native Instruments e, incluso, el Mixvibes Cross. La actualización a la versión Pro del Virtual DJ tiene un costo adicional de unos 150 euros, lo que aumenta mucho el precio, en comparación con el aparente precio inicial, y lo pone a la altura de controladores como el Pioneer DDJ-T1 (que está disponible por menos de 500 euros).

Afortunadamente, han salido mapas del Traktor para controladores, lo que significa que los dueños del “G4V” tienen la alternativa mucho más económica de comprar el “Traktor Pro” por 66 euros. Esta propuesta es muy atractiva y tiene un precio relativamente decente.

Teniendo todo esto en cuenta, el “G4V” de Gemini es un buen controlador a un precio ridículamente bajo y ofrece una excelente relación calidad-precio para un nicho específico de DJs. Este nicho corresponde a aquellos DJs que ya tienen la versión del “Virtual DJ Pro” compatible con este controlador o a aquellos que quedan satisfechos con el “Virtual DJ LE” y no están interesados en actualizar el software.

Los DJs que utilizan el Traktor y están en busca de un controlador con una buena relación calidad-precio, sin duda, también se verán atraídos por el “G4V” de Gemini, y con buena razón.

La calidad del cuerpo de la consola es excelente en relación al precio y las pequeñas decepciones que nos genera el controlador son fácilmente perdonables cuando vemos su valor.

VEREDICTO CALIDAD DEL CUERPO FACILIDAD DE USO FUNCIONES PRECIO - CALIDAD CALIDAD DE SONIDO

7.5 8.0 9.0 9.0 7.5

VENTAJAS

Mixer de cuatro canales con secciones de canales con grandes diales y ocho botones del tipo pad a un precio muy económico.

DESVENTAJAS

La presión que se debe ejercer para detener los interruptores en la parte superior de los diales molestará a algunos DJs y, el modo en que se accionan los pads, es un tanto ordinario.

La “G4V” de Gemini reúne el tipo de funciones que suelen ser típicas de unidades mucho más caras en un conjunto que funciona bien y está bien construido.

8.2/10 CONTACTO

geminidj.com

Las secciones de canales del “G4V”

djmagla.com 095

TECH Altavoz Sonos PLAY:1 Texto: BEN MURPHY

VEREDICTO CALIDAD FACILIDAD DE USO FUNCIONES PRECIO - CALIDAD CALIDAD DE SONIDO

9.0 9.0 9.0 9.0 9.0

VENTAJA

Abarca toda tu música, tus estaciones de radio y tus servicios de música en Internet en un solo dispositivo de reproducción poderoso. Además, luce fantástico.

DES VENTAJA

Uno solo no es costoso, pero para agregar cualquier otro altavoz PLAY en la casa tendríamos que pedir un préstamo bancario. Y de seguro vas a quererlo...

DEJA SONAR LA MÚSICA

Sonos apunta a revolucionar el modo en el que escuchamos música en casa y con su nuevo altavoz inalámbrico PLAY:1, que es más económico, puede que lo haya logrado...

L

os DJ son amantes de la música por naturaleza. Dedicar tu vida a compartir y mezclar un gusto superior en melodías sugiere una seria pasión por el sonido. La mayoría exige los mejores equipos para tocar en público pero ¿qué hay de cuando lo hacen en sus casas? ¿Qué usan los DJs y los fanáticos del dance para escuchar las mezclas y los temas, especialmente, en espacios reducidos?

Cada vez más gente se vuelca a lo digital.

No solo en sus elecciones de equipos de DJs sino, también, en la manera en la que escuchan música. Pero el sonido de muchos altavoces que reproducen música de las computadoras, o de dispositivos inteligentes, suele ser mediocre. Está claro que es una brecha de mercado y Sonos se ha esforzado por llenarla desde que surgieron por primera vez los revolucionarios altavoces inalámbricos de alta fidelidad y sus componentes de audio.

Hasta el momento, Sonos nos ha sorprendido con una gama de diferentes tipos de altavoces de alta fidelidad y componentes diseñados para ocupar un lugar en los distintos espacios de la casa.

El PLAY:5, un altavoz súper poderoso con una potente respuesta a los bajos, diseñado para espacios grandes, el PLAY:3, un poco más pequeño, pero casi igual de intenso, el PLAY:BAR, más enfocado a la reproducción de sonidos de home cinema o televisión, y el estremecedor SUB, que, como su nombre sugiere, reproduce ondas de respuesta a los bajos. Hasta ahora, el más barato era el PLAY:3, pero hay una

nueva incorporación en su gama de productos que, por primera vez, hace que la experiencia Sonos sea más accesible: el PLAY:1.

ENGAÑOSAMENTE PODEROSO Para tener una idea de cómo funciona Sonos hay que pensar en el concepto de un sistema de música integrado que vierte sonidos por toda su casa, con cada cuarto con la capacidad de reproducir diferentes pistas y estilos, todo controlado por un control remoto fácil de usar. Hasta hace poco, todo esto resultaba excesivamente caro, pero con la llegada de mejores conexiones inalámbricas a internet, Sonos refuta por completo la necesidad de tal cosa. De hecho, la perfecciona.

El PLAY:1, pequeño pero sólido, con una rejilla metálica que recubre la mayor parte de la superficie y una parte superior color blanco mate (también disponible en negro, que le da un aspecto más elegante y serio), pocos botones e indicadores luminosos, es un dispositivo engañosamente poderoso.

Con un diseño hermoso y sencillo, y una superficie de control intuitiva y simple, es, en esencia, un altavoz inalámbrico.

Pero es la calidad del sonido lo que nos deja atónitos. Comiencen por conectar el BRIDGE (un accesorio de Sonos que viene gratis con el PLAY:1) a un router; descarguen la aplicación gratuita de Sonos a su computadora, tablet o smartphone, y está listo. Ridículamente fácil de usar, simplemente, asigne el PLAY:1 a un ambiente específico de la casa (cocina, habitación principal, living,

etc.) y podrá acceder a toda la música almacenada en múltiples computadoras dentro del rango de alcance, utilizando un teléfono o la computadora como control inalámbrico. Es tan simple como apretar un botón. Y, como Sonos utiliza su propia red inalámbrica, no hay peligro de que la música se corte por culpa de la interrupción de la señal inalámbrica.

EXPLOSIÓN DE LA NUBE Y se pone mejor: Sonos no sólo accede a toda tu música, sino que, además, aprovecha al máximo su capacidad de conexión a Internet y puede conectarse a todas las estaciones de radio digitales, a las estaciones de Internet e, incluso, a los drives almacenados en la nube para obtener la música directamente.

Conéctate a Napster, Spotify, Last FM y otros servicios de música en línea: las posibilidades son innumerables.

En oposición a los altavoces metálicos de computadora que se colocan en los escritorios, el PLAY:1 tiene un sonido que, como mínimo, es poderoso. Y reúne dos drivers diseñados a medida, con amplificadores digitales dedicados clase D, un tweeter y un woofer de 3,5 pulgadas/9 cm para las frecuencias medias y los bajos. Controle el volumen con su teléfono o tablet y verá que, al subirlo, la unidad relativamente pequeña pero robusta reproducirá un sonido que fácilmente llenará la habitación.

Simple, clara, indefectiblemente sin

Una solución musical económica que incluye todo lo necesario. Este altavoz inalámbrico es hermoso, ofrece una multitud de funciones fantásticas y alcanza todo su potencial cuando se lo utiliza junto a los otros altavoces de la línea PLAY.

9/10 CONTACTO

sonos.com

interrupciones, le infunde una nueva vida a las bibliotecas de música. Un solo PLAY:1 es suficiente para un ambiente, pero aquellos que deseen llevar el sonido al próximo nivel pueden conectar un segundo parlante en el mismo ambiente para crear un sonido estéreo completamente envolvente. Incluso se puede obtener un sonido surround 5:1 agregando un PLAYBAR y un SUB al equipo: felicidad sónica sin precedentes.

Económico, fácil de usar y con un sonido brillante, el PLAY:1 de Sonos es tan bueno que podría ser el altavoz que convierta a los ariscos ludistas del vinilo...

djmagla.com 097

ALI LOVE

“Es un track hermoso. Vino de la nada, me tomó por sopresa”, reflexiona Ali Love, con su habitual postura desinteresada, acerca de su lanzamiento en Crosstown Rebels, ya considerado clásico, “Another”. Sus suaves y distintivos vocales empujan y van a la par de unas melodías bendecidas de un techno lleno de soul. Músico, escritor, DJ, productor y cantante, Love se encarga de mezclar sus proyectos independientes con sus participaciones en Hot Natured e Infinity Ink – este año, con una fuerte conexión con públicos más grandes como “un MC que, además, canta”.

“Lo que amo es la música “, dice Ali. “Lo bueno de la música house es que, para un vocalista, hay muchísima libertad.”

DJ Mag tuvo una conversación con Love en una semana que se guardó para dedicar a su álbum solista. Él prefiere trabajar de manera análoga.

Primero, grabando con un multitrack antes de finalizar las producciones en su computadora. “Me gusta poder mirar en mi interior. Cuando trabajas en una computadora, la música se convierte en pequeños bloques”. Es todo acerca de la estética, que mucho tiene que ver con el video que acompaña el single.

Feliz de mezclar géneros, los gustos musicales de Love se dan en todos los ámbitos, ubicándolo en un muy buen lugar para revelar sus 7 de la suerte. texto: HELENE STOKES

¿Cuál es el track que te recuerda a tu juventud? ”Lo primero que se me cruza por la cabeza es ‘Looking For The Perfect Beat’’ de Afrika Bambaataa. Me recuerdo tratando de bailar breakdance en el cuarto de mi hermano. No sé por qué, pero tengo una conexión muy fuerte. Dicen que el primer tema musical que escuchas cuando eres niño es el que más se te pega. Mi hermano solía tocarlo, yo era muy joven. Así fue como escuché la nueva ola de música house y todo eso. ‘French Kiss’, en 12 pulgadas, me voló la cabeza también. Es algo hermoso para escuchar cuando eres joven.”

¿Cuál fue el primero disco que compraste?

“O fue un single de Demon Boys llamado “International Karate” o un álbum de Big Daddy Kane llamado ‘Taste of Chocolate’. No puedo recordarlo. En vinilo, por supuesto.

Los Demon Boys eran un grupo de rap de jóvenes de Londres. Lo compré por la tapa, aparecían haciendo movimientos de kung-fu en ella. Y Big Daddy Kane es mi rapero favorito de la old school. Me parece que es maravilloso. Fue masivo en ese entonces.”

¿Cuál es la canción más pizzera de tu colección?

“Es un track llamado ‘Take Me Up’ de la banda italo pop de los ’80 llamada Scotch. A Luca (su compañero en Infinity Ink) y a mí nos gusta pero solo a nosotros dos. Solo recibo miradas de terror cuando lo pongo en las regulares sesiones de after-parties en YouTube. Quiero dejar en claro que estoy profundamente a favor de esa música denominada pizzera y me encanta esa fusión del jazz y el funk. ¡Así que no me molesten!”

¿Cuál es la canción te hace llorar?

“La cancion de Boyzone ‘Love Me For A Reason’. Estoy en un grupo de música electrónica y esta es mi inspiración original.

Estos chicos son mi razón para hacer música y existir. No pasa un solo día sin que llore ante la belleza de esta reliquia.”

Y, últimamente, ¿qué álbum estás escuchando?

“Uno de Tame Impala llamado ‘Lonerism’. Los ví 098 djmagla.com

en Glastonbury y me voló la cabeza. Me gusta que tengan eso de que es un solo tipo con su visión. Se acercan al dance con esos tambores, son enroscados y siguen sonando como una banda de rock de los ’70. Usan muchos acordes del jazz como solían usar bandas como Steely Dan. Es una mezcla muy interesante. Y con una puesta en escena de ensueño.”

¿Cuál es la canción en tu colección que más adoras?

“En realidad, es una canción que hice en el 2004 con la banda electrónica Ignition llamada ‘Love Is War’. Hicimos una ridícula tapa al estilo Miami Vice. Uno de los de la banda, desafortunadamente, falleció. Ian, un reconocido productor de techno, y el otro integrante no me hablan más. No sé qué pasó. Así que, si estás leyendo Marcus, llámame maldito gruñón. Tengo montones de música en vinilo. Si algo me gusta, me aseguro de comprarlo en vinilo.”

¿Cuál es tu track favorito de todos los tiempos?

“Bueno, canción favorita de boogie es ‘Beat the

Street’ de Sharon Redd. De reggae es ‘Pressure Drop’ de Toots & the Maytals. Mi favorito de jungle es “Spiritual Aura” de DJ Rap; de house, ‘Tears’ de Robert Owens; de rap, ‘Float’ de Big Daddy Kane. Es una pregunta imposible pero el favorito del

momento, que no puedo dejar de tocar, es ‘I Can’t Take My Eyes Off You’ de Glimpse y mi viejo amigo Giles Smith. La hermana de Chaka Khan, Taka, hace los vocales. Es el típico super deep redondo que nunca falla.”

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