FGT El Oriente en México

MARZO 2010

EL ORIENTE EN MÉXICO

MARZO 2010

EL ORIENTE EN MÉXICO

LOUIS&VUITTON& Histรณricamente, Vanguardista MURASAKI, Delicia,Nipona El,sol,naciente, de,NISSAN La,Sonrisa,de,MAJO El,Arte,Legendario, del,Japรณn PS3,Un,Guerrero, Indomable

EL ORIENTE EN MÉXICO Rosario Arrieta Ochoa Directora Editorial

Edna Barrientos Editora

Verónica González

Coordinación Editorial

Arturo Ramírez

Corrector de Estilo

DIRECTORIO

Osvaldo Acosta Diseñador Junior

Daniel Lozano

Coordinador Administrativo

Marva Sandoval

Coordinador Administrativo

Mónica Savage Dra. María Eugenia Vázquez Colaboradoras

Emma Lilia Martínez Jazmín López Jessica García Isaac Caporal Oscar Maurilio Soto Sandra Becerril Reporteros

Silvestre García Fotógrafo

EN PORTADA CONDUCTORA Y MODELO

María José Montemayor AGRADECIMIENTOS ESPECIALES

ZYANYA MODELS S.A. de C.V. Directora General Maricarmen Perera Vestuario: Bolsa, vestido y zapatos de LOUIS VUITTON Automóvil: NISSAN 370Z Andrea Bustos Hotel W: Danahe Monroy Maison Francaise De Thé CARAVANSERAI Coordinación: UMBRELLA imagen Dirección de Arte: UMBRELLA imagen Concepto y Diseño Editorial: UMBRELLA imagen 2

FUSION GT vida y estilo, revista bimestral marzo 2010.

Domicilio de la publicación: Tres Cruces Nº 80 Col. San Francisco Coyoacán C.P. 04100.

Publicación creada por UMBRELLA editorial.

5554-6397 / 5590-4402 / 8851-2367 Propiedad de UMBRELLA imagen.

Contacto Web: umbrellaimagen@yahoo.com.mx

CONTENIDO CARTA EDITORIAL

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TENDENCIAS

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Cada quien su propio estilo

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Recuerdos a través de un reloj

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De obra de arte clásica a tendencia moderna

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LOUIS VUITTON Históricamente vanguardista

GOURMET

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Murasaki delicia nipona

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BICENTENARIO

Prefacio a la insurgencia

EN PORTADA

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El sol naciente de NISSAN La sonrisa de MAJO

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BRUJULA CULTURAL

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Museo Taller Luis Nishisawa El alma de un pincel

56 El arte legendario de Japón

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Budismo Tibetano en México

PERSPECTIVA

La casa de las sensaciones

RESERVADO

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72 74

Bienvenidos al Hotel W de la Ciudad de México PS3 Un guerrero insuperable

78 81 89

Carta editorial

“Hoy en día creemos que las cosas fueron más fáciles en otros tiempos, sin embargo lo que nunca cambia es la necesidad del cambio. Los tiempos pueden ser diferentes, pero las circunstancias siguen siendo siempre las mismas, con otro panorama y diferentes protagonistas”.

En este año 2010, parece que todo va tan rápido, pero hay cosas que no pueden pasar desapercibidas, tal es el caso de la estela que deja el arte y la historia en nuestro país, desde la música, la gastronomía, la arquitectura, la danza, la pintura, etc. En la actualidad existen muchos medios que exponen las delicadas notas del artista y su obra, pero dejan en la inquietante incertidumbre los motivos y las necesidades de la expresión que declara el arte un movimiento digno de entenderse.

FUSIÓN GT vida y estilo lo guiará a través de la cultura de otros países asentadas en México y le mostrara la unión que han perfeccionado para crear las más exquisitas formas, aromas, sabores, texturas y estilos de vida, en sitios tan exóticos como repletos de riquezas naturales y culturales repartidos por toda la zona metropolitana de nuestra Ciudad de México.

Dirección Corporativa

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TENDENCIAS

Cada quien su propio estilo Por Emma L. Martínez

Desde tiempos remotos, la apariencia de las personas ha tenido un gran valor en nuestra sociedad. Todo tiene un significado: la ropa, el maquillaje, los zapatos, pero es en la forma de arreglarse el cabello lo que definitivamente marca una diferencia.

Bien podríamos hablar de los diferentes peinados que existen, ya que cada uno de ellos tiene una historia detrás, tal y como nos lo han demostrado a lo largo de la historia el peinado de las Geishas.

Una Geisha es una artista tradicional japonesa, que antiguamente se consideraba una profesional del entretenimiento, tal y como se le sigue considerando hoy en día, ellas usaban sus habilidades en diversas áreas del arte japonés. De esta forma, también tenemos a las Maiko que son aprendices de Geisha, y justamente aquí en las diferencias que surgen entre las geishas y las aprendices, existen unas muy significativas como el tipo de peinado que llevan cada una de acuerdo al grado que tienen, así como los adornos combinan con la estación del año en la que se encuentren.

Indudablemente el estilo del peinado ha ido cambiando a lo largo de los años, durante algún tiempo era común entre las Geishas usar el cabello suelto y en otros periodos recogido.

No obstante, hasta el siglo VII llega el peinado Shimada, estilo utilizado todos los días por las Geishas con algunas variaciones dependiendo de las ceremonias que surgieran durante el año.

Cabe mencionar que los peinados se dividen en dos categorías, es decir hay peinados específicamente para Geishas y otros para las Maiko, unos más usuales que otros y los menos utilizados son llevados una vez como mínimo en la carrera de ambas; esto sin dejar de lado que cada uno de ellos tiene un valor significativo como todo lo referente a la cultura japonesa.

A parte del ya mencionado peinado Shimada, existe el Taka shimada, un gran moño utilizado habitualmente por jóvenes solteras; también está el Uiwata que se conforma por un chignon (moño) vendado con una cinta de color; y finalmente encontramos el estilo Tsubushi shimada, moño más aplastado utilizado por mujeres mayores.

Mishidashi, es el peinado usado por las principiantes y también es llevado el día de su debut como Maiko; en tanto el Ofuku antiguamente representaba la pérdida de la virginidad de la Maiko que portaba el peinado, actualmente es utilizado por las Maiko avanzadas que se encuentran en sus dos últimos años. En lo que se refiere al peinado de las principiantes durante sus tres primeros años, está el Wareshinobu, que la diferencia con el Misiedashi se encuentra en el tamaño del Kanzashi (complementos que lucen en su peinado).

Dentro de los peinados de las Maiko también está el estilo Katsumaya, portado por aprendices a punto de convertirse en Geishas en el festival de Gion celebrado en julio; y el Yakko Shimada utilizado en Año nuevo.

Finalmente el más significativo para las aprendices, por representar la culminación de su carrera, es el Sakkou/Sakko, ya que es el peinado que utilizan su último día como aprendiz.

Un dato curioso acerca de los peinados, es que en el caso de las Maiko, estos son hechos con su propio cabello, mientras que una Geisha dispone de pelucas hechas con pelo natural, cada katsura (peluca) se hace a la medida para cada Geisha, y deben mandarse a peinar cada determinado tiempo para mantenerse intactas.

No cabe duda alguna que así como el Kimono es una característica muy representativa e importante de las Geishas y Maiko, su peinado tiene igual importancia para ellas, ya que de esa forma demuestran el grado que tienen dentro de este legendario oficio para convertirse en Geishas.

RECUERDOS A TRAVÉS DE UN RELOJ Por Emma L. Martínez

Desde que el ser humano entendió el valor de las cosas, ya sean materiales o emocionales, cada vez que adquiere un producto, por sentido común espera que si paga una cantidad elevada por éste, su funcionamiento tenga la misma calidad.

Para ejemplificar lo anterior, hablemos de relojes. Hoy en día hablar de ellos es hablar de un estilo de vida o de una posición social, ya que no solamente es un aparato que sirve para medir el tiempo, sino que para algunas personas el reloj significa más que eso, significa tradición, recuerdos, historias, sentimientos y calidad y si queremos calidad en relojería, no podemos dejar de mencionar a ORIENT. ORIENT es una empresa japonesa que se funda en 1950 y hoy es una marca mundial con mucho éxito, además de ser la primera empresa en hacer la transición del reloj de cuerda al reloj de cuarzo, por tanto no podía faltar su presencia en México.

La marca llegó al país en los años 70, cuando no se conocían otras marca que no fueran suizas, ORIENT entra al mercado mexicano con un novedoso reloj automático y con colores muy llamativos en las carátulas, logrando impactar principalmente a la población de zonas rurales, porque descubrieron un reloj al que no se le tenía que cambiar la pila; de esta forma también traen al mercado nacional el reloj de cuarzo y para colocarlo dentro del gusto del p ú b l i c o l o c o m i e n z a n a s u b s i d i a r, convirtiéndose en el producto más barato pero con mucha calidad.

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La demanda era tal que ORIENT nunca intento venderle a tiendas departamentales, ya que esa época los relojes se vendía en las relojerías las cuales se encontraban en los portales del Zócalo de la Ciudad.

Como cualquier marca, ORIENT tuvo una fuerte competencia pero siempre fue líder en las líneas de relojes automáticos y de cuarzo. Cabe mencionar que su colección se divide en dos grupos principales, los relojes mecánicos y los relojes de cuarzo.

A principios de los 90, la empresa sale del país porque Japón pierde el interés en México ya que en esa época había mucho mercado informal, razón por la cual desiste de tener presencia como empresa y deja una línea muy baja con algunos distribuidores.

Sin embargo, en el 2007 por medio de la compañía CITY TIME se hace el relanzamiento de la marca con otro concepto totalmente diferente, ya que la empresa advierte que la gente sigue buscando. Tal es el éxito del regreso de la marca, que muchas personas sobre todo gente mayor, acuden a la compañía para contarle su experiencia con ORIENT, ya sea por medio de e-mails u otro medio,

como el caso del Sr. Eduardo José Lores Maldonado quien dijo: “Yo soy feliz poseedor de un ORIENT EM4X-C0 conocido también como Doble Dolphins por tener el grabado de dos delfines en el fondo y quiero decirles que no le pide nada a mis otras piezas… es la marca que ofrece la mejor relación calidad-precio (al menos para mí)”.

Del mismo modo, y a pesar de que CITY TIME maneja un catálogo de 400 piezas de las cuales mantienen en el mercado las 150 mejores, el modelo más representativo de México es el ORIENT automático de acero, con su sello distintivo de la línea 3 estrellas. Cabe mencionar que ahora el punto de venta de la marca, no solamente está disponible en las relojerías sino que hoy día se pueden encontrar en tiendas departamentales de prestigio.

En palabras de Grace Kamaji, gerente de marca de CITY TIME, ORIENT se consolidará como marca líder en 7 años aproximadamente,

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Recuerda que el tiempo no es sino el espacio entre nuestros recuerdos, y si tu tiempo lo quieres medir con un buen reloj, la mejor opción es ORIENT, que más que ser un bien con un valor monetario, es un producto con una gran tradición e historia, desde el momento en que es incorporada la primera tuerca hasta que está en la mano del poseedor.

ya que confía en la calidad y selección del producto. “Es una combinación de servicio con punto de precios y calidad con que estas recibiendo por el rango de precios un producto que es bonito por fuera, que es bueno por dentro y además desde el momento que te dan un empaque acorde al producto, le están dando mucho valor agregado al producto” .

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De obra de arte clásica a tendencia moderna Por Emma L. Martínez

Actualmente nos encontramos en el periodo de la posmodernidad donde conforme más avanzamos de igual forma retrocedemos; y no sólo a nivel individual, sino también, en lo social y cultural, la evidencia más tangible de esta corriente, es la moda.

La moda es una costumbre o como lo llaman los diseñadores, un estilo de vida, en donde se marcan épocas, tendencias, marcas o prendas. Una de ellas, el Kimono, que más allá de ser una forma de vestir, es una obra de arte con mucha historia y diversos significados, por lo cual vale la pena indagar sus orígenes y cambios en el contexto de la expansión de la cultura oriental en todo el mundo.

En el antiguo Japón, previamente a la invención del Kimono, la primera indumentaria consistía en pantalones, faldas o camisas, en sí eran prendas de dos piezas y en ocasiones se utilizaban trajes de una sola pieza, a los cuales llamaron Kimonos. En sus inicios dicha vestimenta se confeccionaba con material rústico, pero con la influencia de la ropa Han de la cultura china, se introdujo la seda.

Gofuku ( ) que significa literalmente ropa del reino, era el nombre original del Kimono. Dicho atuendo se comenzó a utilizar durante el periodo Heian (724-1119), en donde la principal función que desempeñaba era la comodidad y funcionalidad, ya que se podían utilizar en cualquier época del año.

Conforme el paso del tiempo, en la época Muromachi (1338-1573), el Kimono comenzó a ganar terreno, convirtiéndose en todo un arte aparte de llegar a considerarse una pieza que bien valía la pena ser una herencia familiar. Hombres y mujeres lo utilizaban en colores llamativos, para resaltar el status social del portador de la prenda. Ahora bien, ya en el periodo Edo (1603-1867), estéticamente el Kimono cambió; la longitud de las mangas creció y comenzó a ser usado por mujeres solteras particularmente.

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Conforme el paso del tiempo, en la época Muromachi (1338-1573), el Kimono comenzó a ganar terreno, convirtiéndose en todo un arte aparte de llegar a considerarse una pieza que bien valía la pena ser una herencia familiar. Hombres y mujeres lo utilizaban en colores llamativos, para resaltar el status social del portador de la prenda.

Ahora bien, ya en el periodo Edo (1603-1867), estéticamente el Kimono cambió; la longitud de las mangas creció y comenzó a ser usado por mujeres solteras particularmente.

Sin embargo, lo más interesante de esta cultura japonesa es que no solamente se introdujo el Kimono como una prenda para vestir, sino que cada pieza tiene un significado particular dependiendo del tipo de Kimono y quien con este se viste.

Existen diferentes tipos de Kimono, los cuales varían según el sexo, edad, estado civil, evento y hasta época del año; pese a esto cabe resaltar que actualmente la indumentaria no es de uso diario, más bien es considerado un artículo de lujo o para usarse en ocasiones especiales.

El Kimono ( ) es un término japonés, en donde Ki proviene de kiru que significa “llevar” y mono que se define como “cosa”; esta vestimenta tiene forma de letra “T” y llega hasta los tobillos, cuenta con un cuello “V” y unas mangas muy amplias. El Kimono se viste de forma envolvente cubriendo todo el cuerpo y es sujetado por una faja ancha denominada Obi, que inicialmente era más funcional que decorativo, pero con el paso del tiempo llego a cumplir ambas funciones.

Otros de los accesorios que complementan el atuendo son los tabi, calcetines que separan el dedo pulgar del resto de los dedos, para calzar los geta que son unas sandalias de madera, con una cinta de cuero en el empeine, o en su caso los zori que también son sandalias de cuero y algodón.

De esta forma es una vestimenta que se divide en los siguientes modelos: Furisode, que es el kimono más formal y es utilizado por las mujeres jóvenes, en particular las solteras.

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Su principal característica son las largas mangas y los colores exuberantes, que sirven para atraer posibles pretendientes. El Homongi que literalmente se define como el Kimono de visita y lo pueden portar mujeres casadas y solteras en ocasiones semiformales.

El más informal es el Komon, el cual se puede utilizar diariamente, para salir de compras o con los amigos, ir a comer, etc. Pero si se trata de momentos tristes, el más adecuado es el Mofuku, ya que es considerado como ropa de luto por su color negro y sencillo sin ningún tipo de ornamentación, con excepción del escudo familiar. Por otro lado tenemos el Yukata, kimono hecho de algodón que puede ser elaborado para llevarse en festivales o fiestas típicas, o de forma sencilla para vestirlo a la hora de dormir.

Hoy por hoy, todas estas creencias sobre el uso de la indumentaria ya no tienen tanto significado como en el pasado; pese a esto lo que se logra rescatar es que, si bien la creación del Kimono ya no tiene la misma ideología de antes, si se ha difundido la cultura japonesa en cuanto a moda se refiere, siendo que se ha desatado una tendencia que rescata las características del Kimono, y que mejores representantes de este intento que los diseñadores más reconocidos, como Jotaro Saito el cual busca “el kimono como una moda combinada con el espacio moderno” y sus diseños son inspirados principalmente en el periodo Edo. Mamechiyo Modern también es una joven diseñadora que pretende reivindicar el Kimono para el uso diario. Asimismo, se encuentra Yuko Iwakuma que junto con la compañía Myyazaki Orimono encontraron la forma de crear kimonos de bajo costo, los cuales son fabricados a partir de un ordenador y con una impresora de tinta, obteniendo originales y novedosos diseños. Finalmente, Anna Niponica que es una firma de diseño de vestidos de noche y de boda, está revolucionando el campo de la moda, utilizando particularidades propias del Kimono para convertirlas en extraordinarios vestidos occidentales.

En definitiva, de ahora en adelante cada que mencionemos la palabra Kimono, no sólo estaremos hablando de simples trozos de tela que conforman una prenda, más bien se trata de la historia de toda una cultura, de su ideología y costumbres, las cuales no pudieron encontrar una mejor forma de expresión, que a través de algo que si bien puede pasar por ordinario, para ellos posee un gran significado y toda una herencia cultural.

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LOUIS VUITTON Históricamente vanguardista Por Verónica González

LOUIS VUITTON es una de las marcas más reconocidas por su alta calidad tanto en sus productos como en su diseño además de que su trabajo siempre se encuentra a la vanguardia de las nuevas manifestaciones artísticas.

Esta firma posee una larga historia en el mundo de la moda. Su comienzo se remonta a hace más de un siglo, en el año de 1854 cuando se abre la primera tienda en Rue Neuve des Capucines, París, con el mismo nombre de su fundador.

Gran diseñador de origen francés comenzó revolucionando las maletas de viaje en forma rectangular y no ovalada como eran comúnmente en aquel entonces. Después de ello, LOUIS VUITTON comenzó a obtener un gran prestigio ya que se dio a conocer internacionalmente obteniendo resultados satisfactorios como el abrir una tienda en 1885 en Oxford Street, Londres.

Después de la muerte de su padre Georges Vuitton, crea el monograma que ahora acompaña a la marca en todos sus diseños. La historia de esta prestigiosa marca se ha caracterizado por un desarrollo constante por su innovación y colaboración con otros artistas de renombre como lo han sido arquitectos de la talla de Jun Aoki, Kumiko Inui o Peter Marino; o incluso fotógrafos de gran prestigio como Jean Larivière, Annie Leibovitz o Inez Van Lamsweerde.

Por la larga historia de la marca, recientemente se editó un libro exclusivo en el que se presentan las principales colaboraciones con artistas, arquitectos, diseñadores, estilistas y fotógrafos de prestigio internacional. El libro lleva por nombre Louis Vuitton: Arte, Moda y Arquitectura.

Dicho ejemplar nos ofrece por primera vez una selección de ensayos e imágenes donde la marca desea evidenciar el intercambio constante entre el arte y la moda dándonos un paseo por la exclusividad, la creación y el lujo.

El diseñador del libro, Takashi Murakami también es parte del elenco de grandes artistas que participa en las creaciones e innovaciones de la prestigiosa marca. Cabe mencionar que Takashi Murakami es uno de los artistas más importantes de los años 90 debido a que es un artista contemporáneo renombrado y gran crítico social que ha revolucionado el arte. Sus creaciones se caracterizan por la gran influencia del manga y a menudo sus trabajos hacen una mirada crítica al consumismo y el fetichismo sexual que se desarrolló con la influencia occidental en la cultura japonesa tras la post-guerra.

Recientemente el artista japonés participó con el director creativo de LOUIS VUITTON, Marc Jacobs, con el fin de crear bolsos, carteras y demás accesorios con el sello del artista. Pero tal vez la creación más significativa fue el de diseñar el libro exclusivo de la marca.

Su colaboración es inconfundible, ya que el manejo de colores y diversas figuras muestran la influencia del manga, el anime, el superflat y el pop art; pero además se identifica por la bidimensionalidad de las figuras. Tan sólo el monograma de la marca está creado bajo la corriente cultural superflat lo que la hace más actual, arriesgándose a la irreverencia y rompiendo con la sobriedad que siempre había guardado la marca, pero sin perder su elegancia y originalidad.

Sin duda LOUIS VUITTON siempre ha estado a la vanguardia de la moda de manera propositiva y lo ha hecho estando al pendiente de las nuevas propuestas artísticas combinando elementos como arte, diseño, vanguardia y sofisticación los cuales han llevado a la marca por un camino de más de un siglo de éxito.

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GOURMET

Murasaki delicia nipona Por Verónica González

¿Te has preguntado alguna vez que sabor tiene Japón? Pues ya no tienes que viajar más de doce horas para probar la auténtica comida japonesa. En la Ciudad de México existe un lugar donde podrás probar las delicias de esta gastronomía oriental.

Kazu Kumoto viajó de Japón a México cuando apenas tenía 22 años. Ella creía que su estancia sería breve pero ahora, como encargada del restaurante de comida japonesa, Murasaki, la Chef sabe que su vida está completamente hecha en nuestro país.

Murasaki se encuentra dentro del Restaurante Syrah, en el Centro Comercial Antara. Al entrar, inmediatamente el ambiente se percibe acogedor y familiar.

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Es un espacio donde predomina la madera, donde la calidez se trasmite a través de los olores y la estética visual del lugar.

El mejor lugar para degustar los platillos es junto a la barra pues desde ahí podemos oler la preparación de los mismos, envolviendo y deleitando el olfato del comensal desde antes de comenzar a saborear. Pero no sólo el olor nos invita a probar, también el sonido de la vajilla japonesa es armonioso para nuestros oídos, la cual es traída también desde el oriente.

Estudiando lo pasado, se aprende lo nuevo Proverbio Japonés

En Murasaki podemos encontrar la armonía de los cuatro elementos de la comida tradicional japonesa: el olor, el sabor, la estética y la presentación. El buen servicio te hace sentir como en casa, como en Japón, ya que el interior tan acogedor nos da una sensación familiar, a pesar del estilo occidentalizado.

“La cocina japonesa es una forma de disfrutar la materia prima de cada estación” afirma la Chef Kazu Kumoto. En la comida japonesa debe haber una armonía entre las cuatro estaciones del año, se relaciona con la naturaleza y con la forma, costumbre de servir y comer los platillos del oriente. Incluso el vestuario, nos comenta la Chef, con el cual se sientan a comer debe ir de acuerdo a la estación del año en la que nos encontramos, pues la hora de la comida, para la costumbre nipona, es una forma de disfrute y de entablar una relación con la naturaleza.

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El Kaiseki

El deleite

En la gastronomía japonesa existe un término llamado Kaiseki que consiste en la expresión de cada estación tanto de los colores como de la materia prima en numerosos platillos. Es decir, en la mesa nipona no se acostumbran los tiempos para servir los platillos. Todos se sirven en un solo momento, a lo que nuestra experta nos explica: “No hay tiempo preciso para comer cada platillo, se sirven simultáneamente en la mesa en el mismo momento. Deben incluir materia prima de la estación y expresarla en cinco colores. En el inicio se sirve sake (frío o caliente depende del gusto, la estación o tipo de sake) y se degustan todos los platillos al mismo tiempo poco a poco.”

Al comer en Murasaki podremos descubrir sabores y sensaciones innovadoras para nuestro paladar, por ejemplo, en el sashimi encontramos una armonía visual con la variedad de colores y la presentación tan artística que se muestran en el platillo, en él se degustan diferentes tipos de pescado crudo como son el salmón, el atún, el róbalo, el huachinango, el pulpo, la macarela, el kura y la hueva de salmón. Estos pescados a pesar de ser tan diferentes en cuanto a sabor y textura hacen una perfecta combinación gastronómica ya que las sensaciones experimentadas con este platillo son tan diversas que nos invita a continuar probándolo. Es un descubrimiento en cada bocado, ya sea el tempura, el cual es una combinación de camarón mexicano y verduras capeadas envolviéndonos en dos sensaciones principales: lo crujiente y lo suave, o el Sushi Futomaki el cual “es un platillo muy representativo para los japoneses pues lo consideran el auténtico rollo” afirma la Chef Kazu Kumoto, por lo que es casi imprescindible no probarlo.

También existe un protocolo muy importante.

En la comida japonesa generalmente se sirve arroz por lo que se deben alternar los bocados entre éste y los demás platillos ya que “una gran diferencia entre la comida japonesa y la occidental es que se da mucha importancia al arroz, todos los platillos son para acompañarlos con este grano” nos afirma la Chef.

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¿Sake o Té verde?

En Japón las bebidas más tradicionales son el té verde y el Sake. El Té verde es una bebida que se caracteriza por su alto contenido de antioxidantes ya que en su procesamiento las hojas nos son fermentadas, como sucede con el té negro. Estas substancias actúan como poderosos antioxidantes y son los responsables de muchos de los beneficios del té verde. En este caso, la Chef Kazu Kumoto nos recomienda tomar una taza de té verde para acompañar el sushi.

Sin embargo, no puedes dejar de probar el Sake que es una bebida de arroz fermentado que generalmente se bebe caliente. Su sabor se caracteriza por ser suave pero a la vez cálido el cual combina bien con el sashimi.

La Chef Kazu Kumoto ama su trabajo y como naturalmente es una mujer emprendedora y curiosa constantemente está ocupada con algún proyecto.

Ahora se encuentra desarrollando un nuevo concepto de restaurante, para acoplarse a las nuevas exigencias del mercado juvenil pero sin dejar de elaborar tradicionalmente sus platillos.

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BICENTENARIO

Prefacio a la Insurgencia Dra. María Eugenia Vázquez Semadeni* Instituto de Investigaciones Históricas, UNAM

El proceso conocido como “la independencia de México” no comenzó el 15 de septiembre de 1810 con el grito de Miguel Hidalgo en Dolores.

La crisis política que ocasionó la disolución de la monarquía hispana, de lo cual a la larga derivó la independencia, inició dos años antes, en 1808, cuando el ejército de Napoleón Bonaparte ocupó la Península Ibérica. Tras este suceso, la familia real (los Borbones), que se encontraba prisionera en Bayona, cedió los derechos del trono del imperio español a Napoleón, quien designó como monarca a su hermano, José Bonaparte.

Las reacciones ante la ocupación napoleónica y la abdicación del rey fueron diversas, tanto en la metrópoli como en los dominios americanos.

Mientras el ejército español combatía a las tropas francesas, algunos grupos políticos aceptaron el gobierno de José Bonaparte, otros formaron juntas que pretendían gobernar el imperio ante la ausencia del rey (Fernando VII) o aprovechar la coyuntura para obtener autonomía, y otros eligieron los movimientos armados, ya fuera contra las autoridades locales o contra las juntas peninsulares que se pretendían soberanas. Algunas de estas insurrecciones pugnaban por la independencia y otras juraban su lealtad al monarca ausente.

Ante la proliferación de juntas, la resistencia española contra Napoleón decidió formar una Junta Suprema Central, con representantes de los reinos hispanos de Europa y América. Por Nueva España fue electo, en octubre de 1809, Miguel de Lardizábal y Uribe.

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Más tarde, esa junta nombró un Consejo de Regencia y decidió convocar a Cortes – conocidas como las Cortes de Cádiz–, que estarían formadas por diputados de todos los territorios de la monarquía, europeos y americanos, y tendrían como finalidad ejercer la soberanía durante la ausencia del rey.

En Nueva España, ante las noticias de la invasión francesa a la Península, también se intentó crear una junta, pero algunos sectores sociales –en especial los comerciantes y los miembros de la Real Audiencia– temían que el virrey, José de Iturrigaray, quedara sólo al frente del gobierno, pues la junta estaba integrada por sus partidarios políticos. Por vía de las armas, Iturrigaray fue derrocado, en septiembre de 1808, y sustituido por Pedro Garibay. Poco después, la Junta Suprema Central nombró como virrey al arzobispo Francisco Xavier de Lizana y Beaumont.

Muchos novohispanos de distintos sectores sociales (principalmente eclesiásticos, militares y abogados) consideraron ilegítimo a ese nuevo gobierno, por lo que comenzaron a formar reuniones, en las que buscaban mecanismos para destituirlo, y al mismo tiempo para protegerse de los posibles abusos del gobierno peninsular, así como para evitar que Nueva España cayera en manos de los franceses si éstos triunfaban definitivamente en la metrópoli.

Una de estas reuniones tuvo lugar en Valladolid, a partir de septiembre de 1809, y fue comandada por Mariano Michelena. Ignacio Allende e Ignacio Aldama fueron invitados a participar, y aunque no asistieron, le otorgaron su apoyo y trataron de buscarle adeptos.

Cuando a finales de 1809 esta reunión fue descubierta, se le consideró una conspiración independentista, aunque no hay la certeza de que lo haya sido.

Algunos de los que participaban en ella fueron apresados y otros procesados durante los últimos días de diciembre de 1809. En enero de 1810, el arzobispo virrey tomó medidas de defensa, como fortificar a sus tropas, pero prefirió apelar a la unión.

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En una proclama dada el día 23 de ese mismo mes, señaló que todos los americanos tendían al mismo fin, es decir a preservar la religión, las leyes y al soberano. Aseguró, por tanto, que los sucesos acaecidos en Valladolid carecían de malignidad, por lo que los involucrados no merecían castigo.

Esto permitió que los inconformes siguieran trabajando. Allende decidió organizar un grupo más sólido, con más partidarios y con r a m i fi c a c i o n e s e n d i s t i n t a s c i u d a d e s : Guanajuato, Querétaro, Dolores e incluso la ciudad de México. Desde enero de 1810 invitó a Miguel Hidalgo a unirse a dicho grupo, lo que el cura de Dolores aceptó después de cerciorarse de que contaban con los medios necesarios para llevar a cabo los planes. Los cabecillas se reunían en Querétaro, tolerados, e incluso apoyados, por el corregidor, Miguel Domínguez. Al parecer, este nuevo grupo sí pugnaba por la independencia, pero no respecto a la monarquía de Fernando VII, sino a la España dominada por Bonaparte y a la

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gobernada por la Regencia y las Cortes de Cádiz, cuya legitimidad no reconocía.

Mientras tanto, en la Península, la Junta Suprema Central emitía, el 1 de enero de 1810, la convocatoria a Cortes, designando el número de diputados que correspondería a cada parte integrante de la monarquía. Poco después, el 14 de febrero del mismo año, el Consejo de R e g e n c i a e x p i d i ó u n d e c re t o c o n l a s instrucciones para la elección de los diputados americanos. En dicho decreto, la Regencia señalaba: “Desde este momento, españoles americanos, os veis elevados a la dignidad de hombres libres.” Con ello, implícitamente reconocía la condición de subordinación en la que se encontraba América, pues “desde ese momento” le ofrecía igualdad ante los europeos. Sin embargo, la convocatoria no reflejaba esa pretendida igualdad, pues concedía menos diputados a los territorios ultramarinos que a los peninsulares.

Pese a ello, enero y febrero fueron meses cruciales en el proceso de disolución de la monarquía hispana, que a la larga culminó en la independencia de la América Septentrional, que más tarde constituiría la entidad política llamada México. Por una parte, porque el orden político sufrió cambios fundamentales, pues se dieron los primeros pasos hacia un gobierno representativo y constitucional. Por otra, porque se iniciaron las reuniones en Querétaro que conjugaron los elementos y reunieron las condiciones que dieron lugar al estallido de la insurgencia comandada por Hidalgo, con la que comenzaría una guerra civil en Nueva España que duró once años.

* Doctora en Historia por El Colegio de Michoacán. Actualmente realiza una estancia posdoctoral en el Instituto de Investigaciones Históricas de la UNAM. En 2010 aparecerá su libro dedicado al análisis del debate público mexicano sobre la masonería en la década de 1820, que será publicado por el Instituto de Investigaciones Históricas y El Colegio de Michoacán.

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EN PORTADA

El sol naciente de NISSAN Por Jazmín López

Imaginemos un auto estacionado sobre la acera. El reflejo de los faroles de la calle sobre el brillo deslumbrante de la pintura nueva. Un diseño excelente y memorable; fácil de identificar para los conocedores por su tradición y presencia. Antes de decidirnos a entrar en él, damos una vuelta alrededor. Observamos ese diseño exquisito de la carrocería que refleja un legado desde 1969, año del 240Z y su versión Japonesa, el Fairlady de Datsun. Tenemos frente a nosotros la obra maestra de NISSAN, excelente en potencia y en diseño, pero sobre todo, inigualable en legado y tradición.

Desde los años del 240Z y un poco más tarde, en 1974 el 260Z de NISSAN, el valor de las tres líneas del logotipo Z reflejan la fusión perfecta entre el estilo europeo, la fuerza americana y la calidad nipona, que en conjunto ofrecen una conveniencia global, bandera de la compañía alrededor del mundo.

Según el propio Carlos Ghosn, principal cabeza de NISSAN, el resurgimiento en los inicios del milenio del Z significó para la compañía lo mismo que su resurgimiento comercial después de la crisis que los llevó casi a la bancarrota por los mismos años. Después del 300Z y el 300ZX generaciones que se comenzaron a comercializar desde 1984 y hasta finales de la década de los 90 sin cambios relevantes, NISSAN necesitaba urgentemente un cambio, ya con varios años de no producir Z, el giro estaba a la vuelta de la esquina.

Para este nuevo milenio el Z buscaba una renovación definitiva. Que significarÍa del todo el SHIFT: el cambio que NISSAN había adquirido como slogan de comercialización.

Pero que al mismo tiempo, hiciera honor a la tradición de años de la compañía motora. Esos fueron los tiempos del 350Z.

El legado Z Para 2008 la renovación llegó nuevamente. El Salón del Automóvil de Los Ángeles, después de casi un año de expectativa por fin mostró un Z renovado, listo para ser lanzado en 2009. El 370Z. Un auténtico auto deportivo. El modelo 2009, con el que NISSAN presentó su 370Z ofrecía únicamente el coupé de dos plazas.

Para este año tendremos también la versión roadster, que ofrece un giro al diseño y dependiendo de los gustos de los seguidores.

En sus inicios es 240Z se equipó con un motor V6 de 2.4 L. Siguiendo está tradición en el nombre el nuevo Z lleva un motor V6 DOHC de 3.7 L y tracción trasera. También parte del mismo legado.

En lo que respecta a ingeniería. El 370Z 2010 como auto totalmente deportivo cumple a la perfección con una potencia de 332 HP @ 7,000 RPM, un potente rugido de motor a partir de las 3,000 revoluciones, frenos ABS en 4 ruedas, distribución electrónica de frenado y dirección de hidráulica asistida electrónicamente a la velocidad. Sólo para darnos una idea de los rasgos más sobresalientes.

En cuanto a diseño, es equipo de NISSAN tampoco ha escatimado en esfuerzo. Las líneas básicas de su antecesor siguen presentes mostrando un coupé fuerte, de capó ancho y perfectamente alineado, desde cada uno de los asientos las líneas del cofre te llevan directo al centro de la carretera.

El maletero alto y forzado en línea casi recta con el toldo. El diseño inigualable y siempre reconocible de un Z. Se mantiene el detalle vertical de chapas y luces delanteras y traseras ahora con una estilizada línea en forma de boomerang a diferencia del 300Z. Cuenta con llantas y rines asombrosos de aluminio de 18”. Éste es nuestro auto. Recordemos que nos encontramos sobre la cera, a punto de entrar a nuestro automóvil.

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El valor Z Después de esta vuelta de reconocimiento sobre el auto, al acercarnos a la puerta, la llave inteligente desbloquea los seguros y con un botón, el auto te reconoce y te da la bienvenida. El olor de la piel nueva de los asientos y el volante, la suavidad de la gamuza en las puertas y la comodidad de los espacios también te invitan a entrar. Antes de arrancar, queremos dar un vistazo al interior, ajustamos los espejos electrónicamente, la luces se encienden en automático, ajustamos el volumen de nuestro sistema de audio BOSE, admiramos el diseño del tablero, rozamos los pedales de aluminio, tocamos la palanca de velocidades de piel. Estamos listos para arrancar, aunque, falta algo…

El espejo de vanidad, demos un vistazo, uno rápido al espejo, sólo para recordad que la imagen reflejada es la nuestra.

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Después de darnos ese pequeño lujo estamos listos para arrancar.

Un pequeño detalle, presionar el botón START y arrancar el auto. La noche es nuestra y la carretera es también. En 5.3 segundos hemos llegado ya ha 100 km/h. El modelo Z más rápido de la historia. Una, dos, seis velocidades, potencia y velocidad al máximo ¿Podremos llegar a los 250 k/h que nuestro motor nos permite? Ahora las palabras no lo pueden definir. Ésa es nuestra decisión.

El largo recorrido nocturno llega a su fin, el sol nace en el oriente y pega sus primeros rayos.

Hemos llegado a nuestro destino. Tenemos un auténtico auto deportivo frente a nuestros ojos.

Un exquisito coupé de dos plazas símbolo de la fuerza de su compañía. “NISSAN como el sol naciente de Japón y la zaga Z como el sol naciente de NISSAN”.

El Nissan 370Z en concreto Combustible Potencia máxima Tracción Medidas, largo-alto-ancho (mm) Distancia ente ejes (mm) Distancia al piso (mm) Peso (kg) Consumo de combustible (l/100 km) Velocidad máxima (km/h) Aceleración de 0-100 km/h (seg) Emisiones de CO2 (g/km) Distribución Número de cilindros Válvulas por cilindro Torque (lb/pie) Transmisión Suspensió delantera Suspensió trasera Llantas Frenos Frenos delanteros Frenos traseros

Gasolina Premium recomendada 332 hp @ 7 000 RPM Trasera 4,226 – 1,845 – 1,315 2,550 123 1,498 Medio 10.5 – ciudad 15.3 – carretera 7.8 250 km/h 5,3 249 DOHC V6. 60º 4 270 @ 5,200 RPM Manual 6 vel. Auto 7 vel.

Doble horquilla con barra estabilizadora Independiente Multi-link con barra estabilizadora Yokohama ADVAN Sport R18 W Disco ventilado 355 mm x 32 mm. 4 pistones 350 mm x 20 mm.2 pistones

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La sonrisa de Majo Por$Jazmín$López María José Montemayor es una joven modelo mexicana que a pesar de tener una carrera de más de 10 años en el modelaje, comenzó a sobresalir hasta este pasado 2009 cuando canales como Fashion TV, Footschool TV y Telehit la tomaron en cuenta para mostrar su talento.

Licenciada en Ciencias de la Comunicación, egresada de la UVM comenzó su carrera cuando participó en un concurso de modelaje cuando tenía 15 años, de ahí empezó a laborar en Contempo Models y en Shock Modeling. Ha hecho anuncios para Telcel, Koblenz, Coca Cola, Fresca, Papermate, condujo el certamen de Nuestra Belleza México y participo en el reallity show de TV Azteca que se llamó La Bella y el Nerd. Pero el gran salto lo dio en 2004 cuando participó en el concurso de la chica E! de Entertainment.

Al entrevistarla para Fusion GT, Majo, como se le conoce en el medio del modelaje, se envuelve en su chamarra para soportar el frío, toma un sorbo de su café con leche y sonríe, la mirada pícara delata su ansiedad por hacer lo que más le gusta hacer: posar.

“Me encanta que me tomen fotos, me fascina. Imagínate, cuando comencé yo tenía a todo un grupo de gente atrás de mí tomándome fotos y yo decía ¿cómo? ¿Cuánto les debo? ¿O cómo le hacemos no? Yo estaba encantada con esto del modelaje”.

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Respecto a lo que le motiva todos los días, nos dice: “ mi inspiración es eso, hacer lo que me gusta, el modelaje y la conducción son cosas que me gustan mucho, me la paso muy contenta y he aprendido mucho a lo largo de este tiempo”.

En cuanto a los retos y dificultades a los que se ha enfrentado, comenta: “Al principio mis papás me decían no, como eso del modelaje, y se oponían pero la verdad me apoyaron mucho.

Cuando yo terminé la carrera, yo no veía oportunidades en la conducción porque este medio se recicla a sí mismo, ven a una persona talentosa y la usan todo el tiempo, comerciales, conducción, radio y en general hay pocas oportunidades para que otros demuestren lo talentosos que también son. Es muy difícil que te den la oportunidad si no conoces a nadie o si eres nueva en esto. Yo decía, ¿trabajar en producción? Pero no quiero, a mi me ofrecieron muchas ofertas de producción y nunca las acepté.

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Yo esperaba que pudiera entrar en la conducción. Y a veces los productores son muy difíciles, por qué vas a un casting y te tienen ahí horas esperando, luego por alguna razón no te quedas o simplemente no le gustaste al productor y pierdes la oportunidad”.

Majo siempre piensa positivamente para superar las dificultades, “pensar que de alguna manera las oportunidades se van a seguir dando. Porque cuando fue lo de la chica E!, yo no le dije a nadie, yo solita me inscribí y fui.

Porque decía, que tal si no gano me va a dar pena que me vean así, que no gané nada. Pero afortunadamente, si hay oportunidades y en particular este año me ha ido muy bien con lo de Foot School TV, he aprendido mucho, yo no sabía nada de foot ball pero he ido aprendiendo bastante. Y pues, pensar positivo, no dejar que las cosas te sobrepasen y hacer lo que te gusta”. Majo siempre piensa positivamente para superar las dificultades, “pensar que de

alguna manera las oportunidades se van a seguir dando. Porque cuando fue lo de la chica E!, yo no le dije a nadie, yo solita me inscribí y fui. Porque decía, que tal si no gano me va a dar pena que me vean así, que no gané nada.

Pero afortunadamente, si hay oportunidades y en particular este año me ha ido muy bien con lo de Foot School TV, he aprendido mucho, yo no sabía nada de foot ball pero he ido aprendiendo bastante. Y pues, pensar positivo, no dejar que las cosas te sobrepasen y hacer lo que te gusta”.

Al preguntarle por su relación con Poncho Vera, desvía la mirada pero no deja de sonreír: Majo está feliz. “Me siento súper contenta, muy feliz la verdad, llevo casi un año con mi novio y nos llevamos muy padre, nos queremos mucho y yo estoy feliz de la vida con él porque es una persona muy linda, me entiende y me da mi espacio además también está en esto de los medios entonces sabe de estas cosas. Entre semana casi no nos podemos ver, es muy difícil porque pues yo tengo mis proyectos y él también, pero los fines de semana si nos la pasamos súper padre los dos.

Algo que igualmente le apasiona es el Shopping: “Me encanta verme a la moda, por ejemplo yo voy a muchos eventos y reuniones la mayoría por trabajo. Pero pienso como me quiero ir vestida, y me imagino a mi misma de un color, y pues voy a las tiendas, veo el vestido, los accesorios que combinan con ese vestido. Tengo mis marcas que son mis preferidas y me fascina comprar. Y también me gusta mucho viajar, me encanta viajar y conocer lugares, mi propósito es conocer por lo menos un lugar nuevo cada año. Ya sea dentro del país o en el extranjero”.

Después de tener un año lleno de trabajo y satisfacciones, Majo proyecta lo que desea para el año que recién inicia: “Vivir por fin sola, comprar un departamento, pensar como lo quiero decorar. Es más responsabilidad, yo misma tengo que cocinar, limpiar, va a ser más complicado pero es algo que quiero hacer.

Ahora eso me tiene muy ocupada”.

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BRÚJULA CULTURAL

Museo Taller Luis Nishizawa El alma en un pincel Por Oscar M. Soto “Mi primer contacto con las artes plásticas fue cuando tenía 2 años. Recuerdo en mi casa una mesa cubierta por un mantel y muchas flores. A la vez que me preguntaba por qué tantas flores, admiraba atónito sus colores. Después supe que en los pueblos, cuando muere un niño, la mesa se cubre de flores y que allí se pone el ataúd con el cuerpo. No sabía nada de la muerte pero al siguiente día vi a mi padre cargar la cajita de madera que estaba encima de la mesa. Tampoco sabía que mi hermano estaba muerto. Lo único de lo que estoy seguro es que era otoño porque las flores tenían un amarillo oscuro. Nunca pensé que sería pintor, sin embargo, siempre llevo este recuerdo a la hora que pinto o cuando escucho música”.

Luis Nishizawa, de origen japonés por parte de su padre, Kenji Nishizawa, y mexicano por parte de su madre, María de Jesús Flores, comenzó con el arte de la orfebrería, en una joyería cuyos dueños eran padrinos de su madre. Su vena artística la forjó con sus estudios en la Academia de San Carlos, actualmente Escuela Nacional de Artes Plásticas (ENAP) de la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM), donde tuvo como maestros a Julio Castellanos, José Chávez Morado, Alfredo Zalce y Benjamín Coria, entre otros. Luis Nishizawa se graduó en 1947 con el título de Maestro en Artes Plásticas y en 1955 ingresó como docente a la ENAP, donde a sus más de 90 años, continúa compartiendo sus técnicas con ya muchas generaciones de artistas.

Entre las múltiples condecoraciones que ha recibido, se enumeran los nombramientos como Maestro Emérito y Doctor Honoris Causa por la Universidad Nacional Autónoma de México, además de recibir el Premio Nacional de las Artes en 1996. Asimismo, el gobierno de Japón lo condecoró con el “Tesoro Sagrado del Dragón”.

N i s h i z a w a re c o n o c e c o m o p r i n c i p a l e s influencias a José Clemente Orozco y Rembrandt. Sus primeras obras se apegaron a los temas de los grandes muralistas. Es reconocida la sutileza con la que plasma la atmósfera y la textura. Ha explorado también el arte poético del Hai-Ku, en una exposición de varios cuadros en donde tomó como principio la brevedad de estos poemas de 17 silabas.

Destaca también por su estilo dentro de la figuración.

En su obra, Nishizawa retrata un exquisito y expresivo realismo. Conocedor de diversas técnicas y materiales con los que ha realizado su obra mural, el maestro declara acerca de la cerámica: "El fuego es el artesano del color y forjador de la última sorpresa, porque el arte deja abierta la puerta a la imaginación y es como el canto de un pájaro, que a pesar de no entenderlo nos agrada". En un tono más general, el creador de Vacas Flacas, Sueños Rotos asegura buscar que “el espectador entre en mi mundo, la materia pictórica es en sí una forma sensorial, un gozo por expresar y conservar la naturaleza y especialmente es algo que empieza en las manos, luego va al corazón convirtiéndose en una inquietud que quiero compartir a manera de eco".

Los paisajes de Nishizawa, las llanuras abiertas, subliman la tierra, el viento, los sinuosos horizontes lejanos. Los matices de sus delicadas atmósferas juegan entre la realidad y la fantasía, cruzan barrancas violetas o rojas de donde se elevan cumbres.

La visión del paisaje de Nishizawa libera la forma de los extremos geográficos a los que pertenece su espíritu, con técnica Sumi-e resuelve en esfumados la profundidad, el fino pincel japonés dibuja los contornos de las montañas y describe ágilmente elementos en los primeros planos; arboledas, maizales, llanos donde el ganado pasta marcando con su presencia

la monumentalidad del espacio; con la técnica Soiboku el colorido de su paleta se apoya en armonías y contrastes, de tal suerte encontramos verdes junto a violetas, azules junto a colores tierra, así nuestro altiplano se matiza en sus gentiles ojos para que sus manos fundan sutilmente esa doble energía mexicanajaponesa.

Como un reconocimiento a la vasta creación plástica del pintor, a su legado artístico, al patrimonio cultural nacional que representa y a su labor docente realizada durante 50 años; en 1992, el gobierno del Estado de México crea el Museo Taller Nishizawa. Se encuentra en una casona de fines del siglo XVIII. Lo céntrico de su ubicación en la ciudad de Toluca permite tener el ambiente idóneo para disfrutar una mañana, una tarde en este espacio dedicado a la obra del maestro. A lo largo de sus habitaciones se descubren nuevas facetas del pintor, se recorren y exploran de su mano los caminos tomados en su arte.

La directora del Museo Taller Nishizawa, Margarita García Luna, asegura que la vitalidad en ese espacio cultural se debe a que “tenemos un programa que se llama Platicas de Café en donde al maestro Nishizawa le organizamos su plática con grupos de gente; han venido aquí desde académicos de altísimo nivel hasta los vendedores del mercado, los niños de la calle, los chicos que tienen problemas de drogas, enfermeras, agentes de tránsito carboneros, todo mundo, el maestro tiene un gran compromiso humano con la comunidad”.

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Margarita García Luna, sentada, erguida desde su escritorio y rodeada de paisajes, retratos, autorretratos y acuarelas de Nishizawa, nos habla sobre el estilo y la técnica del maestro.

“Se caracteriza por manejar una amplia variedad de estilos que van desde el figurativo hasta el abstracto, él maneja paisajes, maneja también retratos, naturalezas muertas, todo esto dentro de la pintura y el grabado. Dentro de la plástica, su campo de acción es muy vasto; incluye pintura y cerámica con diferentes técnicas y procedimientos, durante más de 50 años ha sido maestro en la UNAM, entonces es una persona que tiene una gama muy amplia, todo un abanico tanto de estilos como de técnicas y eso a él lo caracteriza, en ocasiones también es expresionista, es abstraccionista, es paisajista, es retratista y maneja muchas técnicas”. Dentro de sus más reconocidas y

conocidas creaciones, se encuentra el mural El aire es vida y la salud es la mayor riqueza de esta vida para engalanar el vestíbulo principal del Centro Médico Nacional Siglo XXI del IMSS. Cabe destacar que en 1969 el artista elaboró otra obra monumental para el Instituto Mexicano del Seguro Social, el cual se encuentra en el Hospital General de Zona No. 4, en la ciudad de Celaya, Guanajuato, y lleva por nombre El Nacimiento de la Vida, elaborado con la técnica de cerámica de alta temperatura.

Además del Seguro Social, la obra de este artista mexicano, de este artista mexiquense, está en instituciones como el Centro Cultural Martí, el Centro Cultural Universitario, el Archivo General del Estado de México, -en Toluca-, la Procuraduría General de la República y la Secretaría de Educación Pública; incluso, en la estación del metro Keisei de Narita, Japón.

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1. BiografĂ­a de Luis Nishizawa, http://www.cuautitlan.gob.mx

El arte legendario del Japรณn

Por Sandra Becerril Hablar de arte en Japón nos remonta al periodo Edo (1600 a 1868), tiempo durante el cual floreciera la cultura y economía del país bajo el régimen de la dinastía Tokugawa, fue precisamente en este lapso que Japón permaneció cerrado al exterior y mantuvo una rígida jerarquía feudal, permitiéndole alcanzar grandes riquezas.

Como producto del periodo Edo, surgió el teatro Kabuki o drama popular moderno, que alcanzó su máximo esplendor en los siglos XVIII y XIX. Este género dramático fue acogido pronto por el pueblo convirtiéndose en el arte más popular de esa época, permitiéndole seguir vigente hasta nuestros días.

El teatro Kabuki, es un tipo de representación basado en la acción combinada con la literatura, el canto y la danza, es un teatro de actores, más que de autores, y el público va a él no por la literatura de las obras, sino a recibir la impresión de determinados momentos y a sentir con el actor una emoción común.

Las primeras obras del Kabuki fueron adaptaciones de los dramas de Chikamatsu Monzaemon y demás autores contemporáneos, obras que fueran escritas originalmente para el teatro de marionetas, más tarde se traducirían obras de Shakespeare como Romeo y Julieta.

Este arte escénico, en sus inicios era representado solamente por mujeres, pero pronto empezaron a intervenir hombres, sin embargo, a consecuencia de actos inmorales, se prohibió a las mujeres que actuaran en las representaciones teatrales y desde ese momento hasta la actualidad los papeles femeninos son desempeñados por actores afeminados.

El teatro Kabuki, a lo largo de su historia, ha sido una escuela de actores, la entrada de un joven a la fraternidad del Kabuki, supone la instrucción adquirida desde la infancia, convirtiéndose en herederos del arte que apasionó a las masas populares del periodo Edo.

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Y es en esta misma época donde se tienen los primeros indicios de la historieta japonesa, o lo que se conoce en la actualidad como el manga (cómic japonés) teniendo como antecedentes los Ukiyo-e “pintura del mundo flotante”; este género de pintura se convirtió en el más representativo en esta etapa.

Uno de los representantes más importantes fue Hokusai Katsushika, pintor y grabador japonés, autor de obras como el cuaderno de dibujos, en 13 volúmenes, Hokusai manga (1814), con el cual se estableció el uso del vocablo manga; asimismo, tiene en su haber la serie de grabados conocida como Fugaku sanjurokkei (Treinta y seis vistas del monte Fuji, 1826-1833), de las cuales sobresaliera “La gran ola de Kanagawa” que más tarde tendría repercusión en muchos pintores occidentales.

Hokusai, se caracterizó por su gran creatividad y después de haber tocado todos los aspectos del Ukiyo-e (surimonos, estampas sueltas, libros de ilustraciones, narraciones históricas, libros eróticos, pinturas y dibujos) empezó a editar libros de dibujo, los manga, reproduciendo la vida y actividad del pueblo en sus tareas cotidianas, además de series con escenas mitológicas de animales, plantas y paisajes.

Actualmente, otro digno representante de arte japonés es Takashi Murakami, quien ha llevado la cultura nipona popular y del cómic manga, a los museos, muestra de ellas lo característico, creando una nueva vertiente de arte pop en el siglo XXI, denominado Nuevo Pop. Su obra se apoya en el Nihoga, que mezcla la pintura tradicional japonesa con el arte occidental, las corrientes contemporáneas de su país como el anime y el manga y de la cultura americana fundamentalmente la corriente pop.

Entre sus obras, destaca su álter ego llamado DOB, creado en 1993, su obra transmite una visión crítica de la sociedad japonesa actual, asimismo, la tradición cultural del país.

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Otra expresión artística del periodo Edo, fue su caligrafía, Shodo, y es en esta época en la que más se desarrolló esta disciplina, ya que, la copia de virtuosas escrituras era la principal forma de educación para todas las clases sociales.

La caligrafía japonesa, destaca por la belleza de sus trazos, sin embargo, cada línea y cada punto son muy importantes, su inicio, su dirección, su forma y su término, el balance entre todos los elementos, y hasta el espacio vacío significa mucho.

El Shodo, es un de las bellas artes más populares que destaca no sólo por su parte estética, sino por el sentido filosófico y la sabiduría milenaria que posee.

Un pincel de bambú, tinta china y papel arrocero, son los elementos necesarios que permitirán crear una verdadera obra de arte.

La caligrafía japonesa es considerada una de las prácticas del budismo Zen, igual que el arte de la ceremonia de té. Actualmente esta disciplina se enseña como una materia a los niños japoneses durante su educación primaria.

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Además agrega: “El propósito principal de Casa Tíbet México, es promover en México y en el habla hispana la riqueza de la religión, filosofía, ciencias, valores y arte de la cultura tibetana. Al mismo tiempo se esfuerza promoviendo la defensa de los derechos humanos, primordiales del pueblo tibetano, sus garantías de libre culto y difundir e informar a la sociedad sobre situación política por la que atraviesa la pequeña comunidad asiática”.

Budismo Tibetano en México Por Jessica García El Dalai Lama Tenzin Gyatso, líder espiritual y temporal del pueblo tibetano y también ganador del el premio Nobel de la Paz, decidió crear centros de dharma es decir, sedes de estudio sobre budismo y así preservar y promover los valores fundamentales de la cultura tibetana en el mundo.

De esta forma, el Gobierno tibetano en el exilio y la Oficina del Tíbet en Nueva York, crearon en 1989 la Casa Tíbet México, siendo la primera representación cultural oficial del pueblo tibetano en Latinoamérica y la tercera institución de su tipo fundada en el mundo después de Casa del Tíbet Nueva Delhi y Tíbet House New York. Actualmente tiene nuevas sedes en Europa tanto en Barcelona, París, Londres e Italia.

El director y fundador de la sede mexicana, Marco Antonio Karam, nos comenta que “Casa Tíbet México es una institución cultural educativa no sectaria y debido a que México es uno de los países más importantes de Latinoamérica en cuanto a sus valores familiares, se decidió abrir aquí la primera sede de Casa Tíbet en America Latina”.

Esta institución de corte Budista ayuda a mejorar la calidad de vida de su comunidad así como todo lo que lo rodea, a través del desarrollo de programas, a c t i v i d a d e s , seminarios, conferencias, exhibiciones, conciertos, impartidos en sus diferentes sedes dentro de la ciudad ( Orizaba 93, Colonia Roma) como en el interior del país. El propósito fundamental es mejorar la calidad de vida de los seres humanos para su bienestar, ayudando a erradicar el aferramiento, la inestabilidad, hostilidad, así como la falta de tolerancia, ya que se genera a través de los patrones mentales que sufren los individuos, estos factores se pueden eliminar poco a poco por medio de la sabiduría y de los valores.

La sede de la Ciudad de México se encuentra en una edificación construida como un monasterio tibetano, y posee la iconografía e imágenes tradicionales del Tíbet, haciéndola de esta manera un templo.

Los muebles que forman parte de la decoración dentro de Casa Tíbet México están elaborados y simulan a los utilizados dentro de la dinastía imperial Yarlung, cuya dinastía gobernó durante el siglo VII al IX en el Tíbet. La decoración esta constituida por diferentes figuras representativas de la cultura Budista como lo es Vaijravana la cual representa la orientación y peticiones de la naturaleza principalmente las económicas.

Otras de las figuras que conforman la decoración de Casa Tíbet, se encuentra las figuras de los señores de las cuatro direcciones esta pieza se localiza a la entrada del templo budista ya que su propósito es fundamental ya que ilustrar la idea de transformación de las cuatro direcciones en lugares sagrados o de poder, generando en cada individuo una sensación de transición entre el universo ordinario y el universo sagrado; también cuenta 69

con la imagen de Kalachakra denominado "el de los ciclos del tiempo", donde el tiempo funciona como una máquina que conduce a los seres hacia la iluminación.

Algunos de los propósitos educativos con la institución es ayudar a la búsqueda de la felicidad genuina y la creación de un mundo mejor en los cuales el factor principal es el amor y la compasión los cuales ayudarán a sirvan para difundir el sectarismo, las ideologías con las que cada uno de los individuos cuenta. Estos se lleva a cabo por medio de la difusión, construcción, fomentación, la práctica y compartir el legado de la cultura tibetana a cada uno de los individuos.

El compromiso social que ha adquirido Casa Tibet con la sociedad a través de estos 20 años, ha sido recaudar fondos para algunos programas nacionales como tibetanos: La Aldea de Niños Tibetanos – Dharamsala India La Aldea de Niños Tibetanos – Dharamsala India.

Fundación Tarahumara AC Fundación para los Niños de México AC Fundación para la Paz AC Monasterio de Sera – Tíbet Monasterio de Shechen – Katmandú, Nepal Buen Corazón AC Los problemas a los cuales se ha tenido que enfrentar Casa Tíbet México han sido por la falta de información referente a la cultura tibetana, dificultades financieras y la oposición de religión católica. Con el transcurso de los años poco a poco se ha podido debilitar cada uno de estos inconvenientes.

Actualmente Casa Tíbet México cuenta con 1500 miembros activos, así como 12 centros que se encuentran localizados en diferentes estados de la República Mexicana y uno en Guatemala. Comités de trabajo orientados a satisfacer los objetivos de esta institución, los cuales están guiados por grupos de voluntarios, convencidos en ayudar y transmitir sus tan valiosos conocimientos a todo aquel que este interesado en su bienestar.

Fuentes: Director y Fundador de Casa Tíbet: Marco Antonio Karam -http://www.casatibet.org.mx/index.php?option=com_frontpage&Itemid=1

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PERSPECTIVA

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La casa de las sensaciones Por Mónica Savage Halo Arquitectos dan una nueva luz a la arquitectura mexicana al crear nuevos espacios habitacionales y revolucionar no sólo los estilos, sino también las técnicas de construcción; las cuales invitan al Universo a entrar, en forma de rayo de sol, tanto al corazón de una casa, como también al corazón de quienes habitan los espacios, generando en ellos toda clase de emociones, como la felicidad, la soledad e incluso la tristeza.

La primera pregunta que formulan al iniciar un proyecto, tanto Julio como Alberto, los dos jóvenes arquitectos que integran Halo, es: Cómo transformar las sensaciones de una persona desde una obra arquitectónica?

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La respuesta la obtienen cuando inician cada proyecto y su creatividad y profesionalismo se centran en los espacios, su luz y sus dimensiones. Con esa intención construyeron una majestuosa casa en el fraccionamiento Sumiya, ubicado en el municipio de Jiutepéc, al suroriente del Estado de Morelos.

Con alternativas ecológicas, como una planta de tratamiento de agua, instalaciones pensadas para optimizar recursos primordiales como agua y luz, sistema de bombeo por gravedad, control de fugas, utilización de muebles artesanales, jardines estilo Tadaho Ando, puertas ocultas y con muebles europeos, esta obra arquitectónica invita a cualquiera a vivir ahí para siempre.

La casa cuenta con 800 metros cuadrados, cuya entrada principal, construida de metal, con oscuridad abrumadora, indica la primera intención por generar una sensación específica: asombro.

Después, al llegar al vestíbulo se da una sensación de reducción, lo cual permite adivinar que pronto llegará la luz y con ella la libertad, justo estas impresiones se viven cuando se abre la puerta mágica del vestíbulo al espacio principal de la casa.

Inspirados por la arquitectura oriental y también por el famoso arquitecto mexicano Luis Barragán, el interior de la casa cuenta con un espejo de agua con una fuente, cuya intención es integrar un espacio de paz y de meditación.

Justo en ese lugar, que inspira a lo sagrado, a las 12 del medio día, en primavera, se genera un triángulo iluminado. Este espacio es considerado por sus autores como el lugar en el que habita el espíritu de la casa y es quizá una de las áreas con mayor influencia oriental.

En entrevista exclusiva para esta revista, Julio y Alberto narraron que una de las estrategias para hacer un espacio arquitectónico con capacidad para experimentar la sensación de paz e inmensidad consistió en manejar trazos sencillos: horizontales y verticales. Asimismo consistió en incluir paredes blancas y el uso del cristal para generar la sensación de transparencia. De entre sus secretos se encuentra el no incluir herrajes e incluir espacios con puertas ocultas, como el closet de visitas.

Espacios abiertos Una vez que se pasa el espejo de agua, se ingresa a la sala, comedor y espacio de recreación. De forma rectangular, estas tres estancias se distinguen por la integración de un ventanal que se puede abrir y combinarse con el jardín exterior; así, toda la casa se convierte en una terraza.

En la zona de descanso, al lado de la alberca, de forma rectangular, se puede apreciar un estanque y un jacuzzi. En esta área se combinan a la perfección tres materiales naturales: mármol, madera y agua.

El jardín exterior cuenta con tres niveles de vegetación, årboles altos, arbustos y flores. De entre los tipos de plantas se encuentran: helechos, palmeras pequeñas y la yuca.

Además, se pueden aprecian flores, como la azalea.

La cocina cuenta con un ventanal con vista a la terraza. Si algo la distingue es su practicidad, tan necesaria en una cocina. Cuenta con una estufa-isla, con parrilla y un desayunador en forma de barra y un horno para preparar los más deliciosos platillos, sin faltar la alacena y los muebles con repisas.

Un escalera rectangular que incluye un barandal de vidrio te introduce a las habitaciones, dos recámaras secundarias y una principal. Las dimensiones de cada una son distintas y todas cuentan con vestidor y baño completo con tina.

En el área de habitaciones, también se encuentra el cuarto de televisión, en el cual se puede colocar un sofá, escritorio, mesa de trabajo e incluye un ventanal con vista a la terraza superior o ruff garden, lugar ideal para que los niños puedan estar.

La recámara principal cuenta con una pequeña sala y mesa. Asimismo integra un sistema de aire acondicionado y cuenta también con un ventanal con vista a Tepoztlán y también con vista a los volcanes Popocatépetl e Iztaccihuatl, que se pueden observar desde su balcón, también con ventanal de cristal, para no bloquear la vista.

Los arquitectos de esta hermosa casa diseñaron dentro de la recámara principal un vestidor que cuenta con luz natural para vestuario y también con lámparas tipo boutique, dos espejos de cuerpo completo, bancos para cambiarse, espacios para guardar playeras, shorts, y cajones para la ropa interior.

También se diseñaron espacios especiales para colgar trajes y vestidos. Hay una zona especial para las botas y guardado de bolsas y la parte superior para las maletas.

El baño de la recámara principal incluye como material principal el mármol. Para el diseño de los m u e b l e s d e b a ñ o a c u d i e ro n c o n f a m o s o s diseñadores, como Phillipe Starck.

En la planta bajo, al lado de la cocina, se encuentra la zona de servicios, la cual incluye una zona de lavado, closet de guardado, cuarto techado para secado de ropa y un cuarto de servicio con dos camas y un baño. En ese mismo lugar se encuentra la cisterna, que tiene una capacidad para contener 30 mil litros de agua. Asimismo, incluye una bodega de trabajo y un taller.

Esta es sin lugar a dudas una casa que incluye sencillez, buen gusto y comodidad, pero sobre todo es un espacio arquitectónico capaz de producir sensaciones.

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RESERVADO

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Bienvenidos al Hotel W de la Ciudad de México Por Jessica García El Hotel W de la Ciudad de México, ubicado en Campos Elíseos, es el segundo de la firma fuera de los Estados Unidos y el primero que se creó en Latinoamérica. Abrió sus puertas en diciembre del 2003 y se localiza entre boutiques, restaurantes, museos y galerías.

Esta obra arquitectónica cuenta con una mezcla sofisticada de estilo, confort y tecnología, está basado en una arquitectura moderna y atrevida, su estilo es minimalista y modernista a la vez.

Algo que distingue al W es que siempre se encuentra a la moda, siendo una característica el color rojo, que prevalece en cada una de sus habitaciones y en algunas de sus áreas comunes. Sus elegantes instalaciones lo hace inconfundible, lleno de confort y vanguardia, predominando en cada uno de los rincones la música lounge, aromas y esencias que transportan a los sentidos a un éxtasis de relajación y equilibrio.

El W cuenta con el restaurante insignia Solea, que se especializa en platos contemporáneos preparados con frutos de mar costeros combinando la gastronomía mexicana y asiática.

El gimnasio Sweat tiene la más alta tecnología, como son equipos cardiovasculares, pesas libres y sistemas con pesas integradas. El Away-Spa tiene una piscina de relajación, la sala de vapor, el jacuzzi, la sala para tomar el sol y el sauna. Cada uno de los especialistas, son expertos en el arte de la armonía y el equilibrio, combinando rituales milenarios con equipos de alta tecnología para restablecer tu serenidad interior y devolverte a un estado de maravilla.

Este moderno Hotel cuenta con 237 habitaciones que multiplican un perfecto estado entre la modernidad y el lujo; mismas que están decoradas en un intenso rojo cereza y un delicado contraste blanco en las camas, generando un perfecto halo de comodidad con matices muy mexicanos. Como un toque extra, están decorada con pisos traídos desde el Estado de Yucatán, así como las hamacas que se encuentran en el baño. Dentro de todo este lujo no podían faltar las comodidades como son los teléfonos inalámbricos de dos líneas, un área de trabajo, un mini componente de CD y DVD, minibares, TV de 29 pulgadas, conexión a iPhone y acceso inalámbrico a Internet, lo hacen que te sientas como en casa.

La filosofía de servicio de los Hoteles W es "WHATEVER / WHENEVER", que ofrece a los huéspedes, satisfacer los deseos de lo que sea y cuando sea, con sólo presionar un botón del teléfono. Otro de los servicios con los que cuenta es el BEST-FRIENDLY, donde las mascotas son bienvenidas.

Independientemente de si viajas por trabajo o por placer, ellos también reciben un servicio especial que incluye un juguete, un regalo, una placa, cama especial, agua, comida y un paseo, si es que el huésped así lo solicita.

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El W es el único Hotel de la Ciudad de México que cuenta con servicio de temascal en la tradicional choza de adobe, brindando a sus clientes una experiencia única acompañada de tradición y cultura. Para las personas que van p o r n e g o c i o s , o f re c e n u e v e s a l a s d e conferencias de alta tecnología con capacidad para 400 personas, siendo un completo centro de negocios pues están especialmente equipados con material para audiovisuales de vanguardia, teléfono/fax, TV de pantalla plana y conexión para computadoras personales.

Dentro de sus servicios no podía faltar los bares diseñados con el fin de complacer a todos y cada uno de sus huéspedes, como lo es el "The Whiskeys", "Terrace" bar de noche y el “Red Lounge” que cuenta con los mejores martinis de la Ciudad, y con los mejores Djs Mexicanos e internacionales, los días miércoles, jueves, viernes y sábado. También cuenta con la mejor música chillout, una coctelería de primera, colores brillantes, aire urbano, sillones profundos y juegos para quienes buscan una noche relajada o de fiesta hasta altas horas de la madrugada. Lo que hace de este espacio en la Ciudad de México, una experiencia sensorial en el lujo, la comodidad y la vanguardia.

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INNOVACIÓN

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PS3 Un Guerrero Insuperable Por Jazmín López El pasado 27 de diciembre, la compañía Stuart Hughes subastó una Consola PS3 con una gran peculiaridad, la carcasa tiene un baño de oro de 22 kilates y cuenta con 58 diamantes que rodean la entrada del lector de discos. Su precio base se fijó en $320,000.00 dls y sólo se fabricaron tres consolas.

Hablar de este tipo de lujos puede sonar un poco excéntrico. Sin embargo, alejándonos un poco del baño de oro y las incrustaciones de diamante podemos decir que el PS3 de Sony es por sí mismo un esplendor digno de reconocerse. Un sistema bastante original.

La llamada tercera generación de consolas de videojuego de lanzada a lo largo del año pasado por distintos fabricantes ha dado un gran salto en lo que se refiere a comodidad, valor y funcionalidad. Para este 2010 la consola PS3 en su edición Slim es simplemente la culminación de este logro tecnológico. Las características que lo hacen tan seductor tienen que ver con el diseño, pero sobre todo con la tecnología y la funcionalidad.

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IBM y TOSHIBA diseñaron un microprocesador llamado Cell Broadband EngineTM, el cerebro de esta nueva tecnología. En conjunto con un procesador de gráficos RSX diseñado por Nvidia que ofrece resolución de pantalla de hasta 1080i para una experiencia Full HD. Además de 256 MB de memoria XDR y 256 MB de memoria de video. La mejor experiencia de rendimiento entre las consolas de la actualidad.

En comparación con su antecesora, la consola Slim reduce sus dimensiones y su peso en alrededor del 35% para dejarla con 290 mm de alto y ancho, 65 mm de grosor y un peso de 3.2 kg aproximadamente. La capacidad del disco duro se extiende a 120 GB mejorando la mayoría de las versiones anteriores y se espera un modelo de capacidad de 250 GB aproximadamente.

La consola PS3 es la única en la actualidad que incluye lector de discos BlueRay, otra máxima de su oferta superior, además de poder leer CD y DVD, dos entradas USB 2.0, lector multitarjetas, salida de video HD, salida de audio digital por fibra óptica, Bluetooth 2.0 y controles inalámbricos con función vibratoria y pila interna que ofrece más de 30 horas de juego continua.

Lo que hace una extensa combinación de oportunidades insuperables con el máximo rendimiento de un aparato tan completo como el que Sony nos ofrece.

La experiencia del PS3 inicia desde su exquisito y elegante diseño en color negro y cromo. Nos envuelve con un diseño exclusivo de la marca y se ve aderezada con su experiencia en línea al disfrutar de Playstation Network y la próxima comunidad en línea llamada HOME. La cantidad de opciones que ofrece el PS3 en cuanto a reproducción de películas en alta definición, un navegador web, visor de imágenes, reproductor de música de 8.1 canales de audio compatibles con los Home Theater de última generación, juegos, envolvimiento, sensorialidad y rendimiento hacen toda una experiencia del entretenimiento en casa.

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EL ORIENTE EN MÉXICO

A LA MEMORIA DE REBECA&TOLEDO&PÉREZ GRACIAS POR ENSEÑARME A SOÑAR Y NO DARME POR VENCIDO AÚN CUANDO EL CAMINO FUERA LARGO, POR EL AMOR QUE ME DISTE, POR LA VIDA Y POR SER MI MAMÁ.

S.O.T

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