DOBLE FILO. Geografías y Palabras by Edith Monge

DOUBLE EDGE: Geographies

and words

Contenido / Contents

Prólogo Foreword Edith Monge Silva

Una nueva tierra, un nuevo horizonte A new land, a new horizon Nubia Abaji

Contornos Notas sobre la exposición “Doble filo: geografías y palabras” Contours. Notes about the exhibit “Double edge: geographies and words” Félix Suazo

Celebrando la Hispanidad en Coral Gables Celebrating Hispanidad in Coral Gables Yuneikys (Yuni) Villalonga

Artistas destacados Featured Artists

Argentina Jorge Luis Borgues Jorge Macchi

Chile Gabriela Mistral Ignacio Muv Paula Ábalos

Colombia Álvaro Mutis Carlos Castro

Contenido / Contents

Cuba José Lezama Lima | Dulce María Loynaz Diana Fonseca Fabián Peña

Ecuador César Dávila Andrade Janneth Méndez José Luis Macas

España Federico García Lorca Cristina Garrido Julia Montilla

México Octavio Paz Gabriel Rico Miguel Rodríguez Sepúlveda

Nicaragua Rubén Darío Ramiro Lacayo Deshon

Perú César Vallejo | Blanca Varela Cristina Flores William Córdova

Venezuela Rafael Cadenas Víctor Hugo Irazábal Iván Candeo Magüi Trujillo Miguel Braceli

PRÓLOGO EDITH MONGE SILVA

“Y bien, a fin de cuentas, ¿qué es la Hispanidad? Ah, sí yo la supiera… Aunque no, mejor es que no la sepa, sino que la anhele, y la añore, y la busque, y la presienta, porque es el modo de hacerla en mí”. Miguel de Unamuno ¿Qué significa ser hispano? ¿Qué tenemos en común, además del idioma y de la geografía que nos arropa, los países hispanos? El Festival de Arte Hispanoamericano, Hispafest, se erige como lugar de encuentro para responder desde la globalidad del arte a las preguntas que atañen a nuestra cultura, para celebrar la unidad en la diversidad, para conocernos y acercarnos, para comprender los códigos que nos rigen en un mundo cada vez más complejo. La inequívoca experiencia que ofrecen grandes urbes como Miami resulta enriquecedora por la oportunidad que representa. La oportunidad de integrarnos a un nuevo conglomerado, donde cada quien pueda contribuir a su fortalecimiento teniendo como base sus rasgos culturales originarios. El escritor y filósofo español Miguel de Unamuno, quien introdujo la palabra “hispanidad” en el año 1910, señalaba que “…nadie se conoce sino en cuanto conoce a los demás, todo pueblo que quiera conocerse debe estudiar a los

demás pueblos”. La historia pasada y reciente de nuestros países, nuestras formas de ser y de pensar, expresadas a través del lenguaje artístico, alcanzan una dimensión mayor. Ese “otro” con quien compartimos a diario, deja de ser distinto y sus acentos y modismos pasan de ser ajenos a ser nuestros. Esa es la bondad del arte, su universalidad. La exposición Doble filo: geografías y palabras, que constituye parte vertebral del programa de Hispafest, nos ofrece una muestra de estas voces que nos representan y que en este caso se han hecho vocablo, imagen y sonido; que son esencialmente una manifestación del alma hispanoamericana, de su memoria vibrante y emotiva, memoria que acompaña nuestro presente y nos ayuda a construir futuro. El conocimiento precede al respeto. Y el respeto facilita el diálogo, la convivencia. Celebramos la cercanía y el reencuentro, pero también honramos esta nueva comunidad formada en Miami que tiene sus propios códigos y su propia cultura. En este sentido, fomentamos la educación y el intercambio en torno a la hispanidad y su presencia en este gran país que nos acoge y en esta ciudad, Coral Gables, representativa de la excelencia de la huella hispánica.

FOREWORD

EDITH MONGE SILVA

recent history of our countries, our ways of being and thinking, expressed through the artistic language, reach a higher dimension. The “others” with whom we share on a daily basis, are no longer different and their accents and idioms are no longer alien but ours. That is the goodness of art: its universality.

“And then, after all, what is Hispanity? Oh, if I only knew… Although, it is best that I do not know it, but that I long for it, miss it, seek it and sense it, because that is a way to have it in me.” ~ Miguel de Unamuno What does being Hispanic mean? What do we Hispanics have in common, besides the language and the geography that wraps us? The Hispano-American Art Festival, Hispafest, becomes the meeting point for answering - through the global message of art-, all the questions pertaining to our culture, to celebrate our unity in our diversity, to know us and come closer, to understand the codes that rule us in an increasingly more complex world.

The exhibit Doble filo: geografías y palabras, (Double edge: geographies and words) that is a core part of the Hispafest program, offers a sample of these voices that represent us and that in this case have become word, image and sound and are essentially a representation of the Hispano-American soul, its vibrant and emotional memory, a memory that accompanies our present and helps us build a future.

The unmistakable experience offered by great cities like Miami, has been rich in opportunities. The opportunity of integrating a new conglomerate, where each may contribute to strengthening it based on their original cultural traits.

Knowledge precedes respect. And respect facilitates dialogue, coexistence. We celebrate our closeness and the reunion, but we also honor this new community formed in Miami, with its own codes and culture. In this regard, we promote education, exchange and dialogue about Hispanity and its presence within the context of the great nation that has welcomed us and of this city, Coral Gables, representative of the excellence of the Hispanic footprint.

Spanish writer and philosopher Miguel de Unamuno, who introduced the word “Hispanity” in 1910, said that “…we can only know ourselves to the extent we know others, people who wish to know themselves must study other peoples.” The past and

Una nueva tierra, un nuevo horizonte NUBIA ABAJI

Una nueva tierra, un nuevo horizonte, miles de oportunidades para florecer, esta vez con las bases de la experiencia, de lo ganado y lo perdido, del ímpetu que nace del reto y la exigencia de encajar en otro lugar. Trascender lo que somos, una historia compuesta de raíces y vivencias, una página en blanco que ya no se nutre de una sola fuente. Soñar en grande y unirse a otros soñadores sin miedo a hacer esos sueños realidad. Es aquí donde comienza el camino de Hispafest, un proyecto que busca impactar positivamente en la sociedad, impulsar la integración, el respeto mutuo y el sentido de pertenencia a esta nueva realidad llamada Miami. Hispafest es el punto de encuentro entre el arte y la cultura que nos hace sentir orgullosos de nuestras raíces, de nuestro país de procedencia o el de nuestros padres y abuelos, en fin, del origen que marca un estilo de pensar, de actuar y hasta de relacionarnos, que nos caracteriza e identifica en las diferencias, pero también nos une en las similitudes. Visto así, Hispafest es el encuentro de todo lo que nos ha traído hasta aquí y también es todo lo que viene de aquí en adelante. Con una amplia propuesta de charlas, talleres, exhibiciones, clínicas de arte, conciertos y un sin fin de actividades relacionadas, Hispafest reúne, durante el festival y luego a lo largo del año, a las distintas comunidades del Sur de la Florida para invitarlas en ese reconocimiento continuo de la diversidad y la integración. Jamás olvidaremos de dónde venimos como tampoco pasaremos por alto ser agradecidos con la tierra que nos da cobijo, la tierra de la libertad y de lo posible.

A new land, a new horizon NUBIA ABAJI A new land, a new horizon, thousands of opportunities to flourish, this time with the base of experience, of the earned and lost, from the momentum born from the challenge and need to fit in another place. Transcend what we are, a history made up of roots and experiences, a blank page now nurtured by more than one source. To dream big and join other dreamers without fear of making those dreams come true. Here is where the road to Hispafest begins, a project that seeks to leave a positive impact on society, drive integration, mutual respect and the sense of belonging to this new reality called Miami. Hispafest is the meeting point between art and culture that makes us feel proud of our native country or that of our parents and grand-parents, in short, the origin that marks our way of thinking, acting and even connecting with others that characterizes and identifies us in our differences, but also unites us in our similarities. Seen this way, Hispafest is the encounter of all that has brought us here and also of what goes on from here. With a broad proposal of presentations, workshops, exhibits, art clinics, concerts and countless related activities, Hispafest gathers, during the festival and afterwards throughout the year, the various communities of South Florida and invites them to continuously recognize themselves in their diversity and integration. We will never forget where we come from, but will also never forget the gratitude we owe to the land that has welcomed us, the land of liberty and possibilities.

Contornos.

Notas sobre la exposición “Doble filo: geografías y palabras”

FÉLIX SUAZO En Doble filo: geografías y palabras se yuxtaponen tres grandes cuerpos sensibles: objetos instalatorios, imágenes videográficas y escrituras. Cada uno de estos núcleos constituye un vector oscilante que se desliza en una u otra dirección para, entre todos, configurar un panorama abierto que abarca lugares, situaciones y formas de interlocución diversas. En conjunto, estas propuestas constituyen un compendio matizado de las afinidades y diferencias que articulan la cultura hispanoamericana. Aquí las palabras dichas o escritas se convierten en acciones y cosas, mostrando su doble perfil en cuanto imagen y dispositivo performático. La lengua es siempre un corte, un segmento legible en la entropía del mundo. Los artistas participantes en la exposición, cada uno desde su propia 8

óptica, proponen aproximaciones singulares a diversas problemáticas en las que el lenguaje, la visualidad y el territorio tienen un papel relevante. Sus indagaciones dan cuerpo sensible a imaginarios complejos.

que separa el hemisferio norte del sur. En Área (2014) de Miguel Braceli, la memoria y el poder atraviesan el significado del espacio público. Sin título # 8. De la serie El respiro del viento (20152018) de Magüi Trujillo enfoca la línea de encuentro de dos superficies de consistencia opuesta, justo entre la efervescencia espumosa de las olas y la solidez imperturbable de las rocas. Birds of Paradise (2003) de Julia Montilla recrea una arcadia distópica y estereotipada, donde la palabra se transforma en gorjeo y signo de distinción.

Entre las principales áreas de interés que prevalecen en esta selección de trabajos se encuentran los lugares, las palabras y las zonas de tránsito intermedial. A veces se cruzan, otras se distienden, buscando rutas, problemas, interlocuciones que trascienden el espacio y el lenguaje. De todas formas, lugares y palabras dan un “norte”, un “marco” o una “pauta” para ingresar a un panorama heterogéneo como el que proponen estas obras.

Palabras Las palabras pueden ser propias o ajenas, triviales o alegóricas, pero siempre sujetas a la complicidad de una lengua común. En los trabajos expuestos, los objetos, superficies e imágenes en movimiento sirven de soporte para dar paso a una verbalidad permeable y evocativa. Allí se encuentran palabras silenciadas, perdidas, furtivas. Palabras sin soporte, distópicas, incongruentes, frustradas. Dialectos creados con materia vital para acompañar los rituales del cuerpo; signos originarios que contienen un saber cifrado. Palabras estériles, sombrías, fantasmales.

Lugares Todo lugar viene precedido por la experiencia. No es, por tanto, una simple acotación en un mapa del cual no se tienen vivencias. Los sitios aquí referidos se encuentran en los itinerarios personales de cada autor; tienen que ver con situaciones e ideas vistas o conocidas. Son territorios donde la geografía toca sus límites invisibles, marcando fronteras inasibles pero de gran pregnancia simbólica: el norte y el sur, el arriba y el abajo, el pasado y el presente. De allí emergen zonas indeterminadas que ilustran irónicamente el comportamiento territorial de una cultura y estructuras que se pliegan y repliegan, abarcando la totalidad en espacios minúsculos.

Víctor Hugo Irazábal en Códice (2019) desarrolla una suerte de protoescritura vertical a partir de los grafismos de la cestería Yekuana. Janneth Méndez en Escritura orgánica (2001) construye su lenguaje con fluidos corporales, evocando deseos insatisfechos y pulsiones complejas que enlazan la palabra y el cuerpo. En Morir cada día un poco más (Poema 1), 2018, Cristina Flores reflexiona sobre el desprendimiento y la sanación del cuerpo, tomando como punto de partida un poema homónimo de Blanca Valera.

En Atlas (2011) de Gabriel Rico el mapa es la abstracción contenedora de un mundo circular cuyo centro está vacío. Katekilla 0° 0´ 0’’ (2014) de José Luis Macas Paredes pone en escena una frontera imaginaria, situada en el paralelo 9

William Córdova en Sin título (libros), 2011, propone un enlace entre los escritos del activista estadounidense George Jackson y el poeta español Miguel Hernández, quienes trascendieron con la palabra el confinamiento carcelario. No gracias. Trabajos para vivir del arte (2015) de Paula Abalos muestra autorretratos de la artista ejerciendo diferentes actividades de servicio para sostener sus gastos de vida en un ciclo continuado de necesidad, repetición y fatiga.

tridimensional que alude a la tensión estadística entre la publicidad y el arte en las revistas especializadas. Para Ramiro Lacayo, la pintura es un lenguaje, cuyos signos hablan sobre las emociones, pudiendo expresar incluso el “silencio”. Ignacio Muv en Silencio (2018) coloca la idea del “cuadro” en suspenso, en una zona expectante, haciendo de este un “velo afásico” sin bastidor ni soporte, hecho únicamente con la materia pictórica.

Esquema (2016) de Jorge Macchi prefigura la frágil arquitectura de un saber intangible, cuyo sentido se ha extinguido como la llama que le dio origen. Carlos Castro en Cosecha (2011) plantea una metáfora polivalente sobre los cultivos, la alimentación y la abstinencia forzada. Iván Candeo en Retrato populista (2009) enfoca el discurso demagógico del poder, yuxtaponiendo lo visual, lo oral y lo escrito.

En el video Ausencia de Diana Fonseca (2015) el cuerpo y la materia configuran una aproximación lírica a la cotidianeidad. Miguel Rodríguez Sepúlveda en Concierto para tres machetes (2011) presenta el registro de una acción en vivo donde un instrumento de trabajo, devenido en arma potencial, sufre el desgaste de su continuado acondicionamiento, mientras el sonido del esmerilado sobre las tres hojas metálicas sugiere el preludio de la faena por comenzar o de la confrontación que vendrá.

Zonas de tránsito (ni aquí, ni allá) A veces, la palabra y el lugar parecen estar suprimidos cuando en realidad son entidades implícitas en la obra. La gestualidad, los materiales y el sonido recomponen una sintaxis callada, no verbal y deslocalizada, que conduce a otras regiones de la sensibilidad que están fuera de lo visible.

Pliegues, fugas Las propuestas reunidas en la muestra Doble filo: geografías y palabras sugieren cosas incorpóreas e ideas tangibles, nociones oxímoron que se cruzan en un espectro heterogéneo. En general son metáforas que dicen algo sobre lo que significa la lengua y el lugar, sin siquiera mostrarlos. Al reunir estos trabajos en un mismo espacio y bajo un mismo planteamiento, se pretende mostrar la vastedad de pliegues y fugas que hay entre los

Coca-Cola del Olvido (2017) de Fabián Peña se estructura a partir de libros y revistas de su biblioteca personal comprimidos en botellas de refresco, cual si se tratara del mensaje de un náufrago. Cristina Garrido en Una alianza profana (2016) configura un modelo

bordes imprecisos, aunque determinantes, de una cultura marcada por rasgos diversos.

también proviene de una simiente común, de cuyo núcleo se desprenden dialectos mezclados. Articulación múltiple del lugar y la lengua, de la imagen y la palabra, del sonido y el silencio.

Así, territorio y lengua rememoran las magnitudes y cualidades de una cultura, al tiempo que remiten a los diferentes ámbitos en que ella se manifiesta: la política, el saber, la historia, los símbolos, etc. Sin embargo, tanto en la lengua como en la geografía hay zonas de tensión que comprometen los límites del sentido y el espacio. Las cosas no siempre significan lo que parecen y los lugares a veces no son más que quimeras o destinos imaginarios. Así, mitos y realidades, pueden cambiar su posición y significado, especialmente en la abigarrada genealogía cultural que congrega a la familia hispanoamericana.

Punto (… y seguido) Un poema es también una geografía de puntuación exacta, con itinerarios propios y contornos definidos, donde las palabras flotan, chocan, se fugan, hacia regiones inéditas. Ya lo decía Roland Barthes cuando hablaba de ese doble trayecto de la letra y la imagen, ambas contenedoras de un signo arraigado en la duplicidad de lo que se dice y lo que se ve; de lo que es significado y territorio a la vez. Y eso es también lo que sucede en la poesía hispana, asiento de majestuosas voces entre las que se encuentran las de Rubén Darío, Octavio Paz, Gabriela Mistral, José Lezama Lima, Dulce María Loynaz, Álvaro Mutis, César Vallejo, Rafael Cadenas, César Dávila Andrade y Blanca Valera. Sus escritos configuran también la geografia de una lengua ambivalente, de doble contorno, que oscila entre la palabra y el lugar.

Algo de esa tensión se encuentra en las prácticas visuales que tienen lugar en la región, en las cuales emergen toda clase de contradicciones, unas afincadas en la naturaleza de los medios y otras que se asientan en las complejidades del entorno. Género, poder, memoria, identidad, migración, cohabitan en el espacio múltiple de la lengua, la imagen y el territorio. La exposición Doble filo: geografías y palabras se coloca en el borde dicotómico que circunscribe esas realidades, a veces hostiles, en ocasiones serenas.

Por el momento, muchas preguntas acerca de la Hispanidad siguen abiertas, esperando certezas que, cada tanto, son enaltecidas o refutadas por la realidad. A veces parece que ni la geografía ni la lengua bastan para definir una cultura. Pero lo cierto es que, aún con sus variaciones, estas nociones constituyen un marco general de acogida para alrededor de 400 millones de personas en el planeta. La muestra Doble filo: geografías y palabras explora tácitamente el contorno plural de esa circunstancia.

Las obras están dentro de una cartografía en recomposición permanente, que evoca diferentes modos de estar, pensar y configurar lo real, desde una raíz común, aunque no exenta de conflictos. La gramática que las aglutina,

Contours.

Notes about the exhibit “Double edge: geographies and words” FÉLIX SUAZO

In “Double edge: geographies and words” three large sensitive bodies are juxtaposed: installation objects, videographic images and writings. Each of these cores is an oscillating vector that slides in one or another direction to form, among all, an open view that spans places, situations and various forms of dialogue. Altogether, these proposals form a tinged compendium of the affinities and differences that articulate the Hispanic-American culture.

Here, spoken and written words become actions and things, showing their double profile to a performing image and device. The tongue is always a cut, a legible segment in the world’s entropy. The artists that participate in the exhibit, each from their own perspective, propose singular approaches to various problem areas in which language, visual standpoint and territory play a major role. Their

inquiries lend a sensitive body to complex imaginaries.

Sin título # 8 of the series El respiro del viento (2015-2018) by Magüi Trujillo focuses on the meeting line of two surfaces with opposed consistencies, as between the foamy effervescence of the waves and the imperturbable solidity of the rocks. Birds of Paradise (2003) by Julia Montilla recreates a dystopic and stereotyped Arcadia, where the word becomes a twitter and sign of distinction.

Among the main areas of interest that prevail in this selection of works are the places, words and intermediate transit zones. Sometimes they cross, others they distend, seeking routes, problems, dialogues that transcend space and language. In all forms, places and words they provide a “north” bearing, a “frame” or a “guideline” to enter a heterogeneous horizon such as the one proposed in these works.

Words Words can be own or foreign, trivial or allegorical, but always subject to the complicity of a common language. In the works exhibited, the objects, surfaces and moving images serve as support to make way for a permeable and evoking verbality. There one finds silence, lost and furtive words. Words without support, dystopic, inconsistent, frustrated. Dialects created with vital matter to accompany the rituals of the body, original signs that contain a coded knowledge. Sterile, shady, ghostly words.

Places Every place is preceded by experience. Therefore, it is not a simple note on a map without experiences. The places referred to herein are related to situations and ideas seen or known. They are territories where the geography touches its invisible limits, marking unattainable borders impregnated with symbols: north and south, up and down, past and present. From there emerge indefinite zones that ironically depict the territorial behavior of a culture and structures that fold and unfold, covering the whole in minuscule spaces.

Víctor Hugo Irazabal in Códice (2019) develops a sort of vertical proto-writing starting from the graphisims in the Yekuana baskets. Janneth Méndez in Escritura orgánica (2001) constructs a language with bodily fluids, evoking unmet desires and complex pulsations that bind the work and the body. In Morir cada día un poco más (Poema 1), 2018, Cristina Flores reflects on the detachment and healing of the body, stemming from the homonymous poem of Blanca Valera.

In Atlas (2011) by Gabriel Rico, the map is the abstraction that contains a circular world with an empty center. Katekilla 0° 0´ 0’’ (2014) by José Luis Macas Paredes stages an imaginary frontier, located in the parallel that divides the north and south hemispheres. In Area (2014) by Miguel Braceli, memory and power travers the meaning of the public space.

William Córdova in Sin título (libros), 2011, proposes a link between the writings of U.S. activist George Jackson and Spanish poet Miguel Hernández, who trascended their prison confinement with words. No gracias. Trabajos para vivir del arte (2015) by Paula Abalos shows self-portraits by the artist in various job activities to support her living expenses in a continued cycle of need, repetition and tiredness.

a tridimensional model that refers to the statistical tension between advertising and art in specialized magazines. For Ramiro Lacayo, painting is a language whose signs speak about emotions, and can even express “silence.” Ignacio Muv in Silencio (2018) places the idea of the “painting” in suspense, in an expectant zone, making it an “aphasic veil” without frame or support, made only with paint materials.

Esquema (2016) by Jorge Macchi foreshadows the fragile architecture of an intangible knowledge, whose sense has been extinguished as the flame that originated it. Carlos Castro in Cosecha (2011) proposes a versatile metaphor about crops, nutrition and forced abstinence. Iván Candeo in Retrato populista (2009) focuses on the demagogic discourse of power, juxtaposing the visual, oral and written.

In the video Ausencia, by Diana Fonseca (2015), body and matter form a lyrical approach to everyday life. Miguel Rodríguez Sepúlveda in Concierto para tres machetes (2011) presents the recording of a live action in which a work tool that has become a potential weapon wears off due to its constant conditioning, while the grinding sound on the three metal blades suggests the prelude of the work to be started and the future confrontation.

Transit zones (neither here, nor there) Sometimes, the word and the place seem to be suppressed, when in truth they are entities that are implicit in the work. Gestures, materials and sound reshape a silent syntax, non-verbal and dislocated, that leads to other regions of sensitivity that are not visible.

Creases, leaks The proposals gathered in the show Doble filo: geografías y palabras suggest incorporal things and tangible ideas, oxymoron notions that cross each other in a heterogeneous spectrum. Generally, they are metaphors that say something about the meaning of the language and the place, without even showing them. By gathering all these works in a same space and under a same proposal, there is the intention of show the vast creases and leaks between indefinite,

Coca-Cola del Olvido (2017) by Fabián Peña is structured by books and magazines from his personal library, compressed in soda bottles, like a castaway’s message. Cristina Garrido in Una alianza profana (2016) forms

but determining, borders of a culture that is marked by various traits.

from a common seed, from whose core there spring mixed dialects. Multiple articulation of the place and the language, the image and the word, the sound and the silence.

Thus, territory and language recall the magnitudes and qualities of a culture, while reminding of the various domains in which it manifests: politics, knowledge, history, symbols, etc. However, both in language and in geography there are tension zones that compromise the limits of direction and space. Things not always mean what they seem and places sometimes are only chimera or imaginary destinations. Hence, myths and realities can change positions and meanings, especially in the motley cultural genealogy that gathers the Hispano-American family.

Period (… and onwards) A poem is also a geography of exact punctuation, with its own itineraries and defined contours, where words float, crash, flee, to unknown regions. Roland Barthes said this when he spoke of that double route of the letter and the image, both containing a signed rooted in the duplicity of what is said and what is seen; of both meaning and territory. And that also happens in Hispanic poetry, seat of majestic voices among which those of Rubén Darío, Octavio Paz, Gabriela Mistral, José Lezama Lima, Dulce María Loynaz, Álvaro Mutis, César Vallejo, Rafael Cadenas, César Dávila Andrade and Blanca Valera. Their writings also form the geography of ambivalent language, with double contour, that oscillates between the word and the place.

Part of that tension is found in the visual practices of the region, from which there emerge all sorts of contradictions, some based on the nature of the media and others on the complexities of the surroundings. Gender, power, memory, identity, migration, coexist in the multiple space of the language, the image and the territory. The exhibit Doble filo: geografías y palabras places itself in the dichotomy bordering those realities, sometimes hostile and others serene.

For the time being, many questions about Hispanity are left open, awaiting certainties that now and then are praised or refuted by reality. Sometimes it seems that neither geography nor language suffice for defining a culture. But the truth is that, even with its variations, these notions form the general frame for embracing about 400 million persons in the world. The show Doble filo: geografías y palabras tacitly explores the plural contours of this circumstance.

The works are within a cartography that is permanently reshaping, evoking various ways of being, thinking and forming what is real, from a common root that is not free of conflict. The grammar that binds them also comes

Celebrando la Hispanidad en Coral Gables YUNEIKYS (YUNI) VILLALONGA Al caminar por las calles de Coral Gables se puede escuchar más de una docena de acentos de español. Los matices en la pronunciación de las calles, con nombres de ciudades y provincias españolas como Granada y Andalucía, o importantes figuras históricas y literarias como Ponce de León y Cervantes, dan color a una arquitectura construida a principios del Siglo veinte, mientras se soñaba con España. Prósperos negocios ofrecen lo mejor de la comida latinoamericana, mientras los consulados de muchos de estos países radican allí. Estos atraen a una población hispana flotante, que se suma al número de residentes del mismo origen y que hacen más de la mitad de la población total. No hay dudas de que Coral Gables es un buen lugar para celebrar la riqueza y complejidad de la cultura hispana.

Emplazado en el mismo centro y con la misión primaria de celebrar “La Ciudad Bella”, el Museo de Coral Gables se enorgullece en acoger a un festival que reúne una gran variedad de gentes, artes y culturas hispanas: HispaFEST 2019. Concebido por las productoras culturales Nubia Abaji y Edith Monge Silva, esta primera edición del festival compila eventos de diferente naturaleza, desde conciertos hasta tours educativos, que complementan la exposición Doble Filo: Geografías y Palabras en el Community Meeting Room.

colectiva. La historia es apropiada y recontada en algunas de las piezas, mientras que en otras, los artistas hacen comentarios sobre dinámicas en el mundo del arte que los afectan. Suazo ha curado cuidadosamente un grupo de poemas de escritores de renombre que indagan acerca de una identidad hispanoamericana. En su mayoría, se trata de autores emblemáticos del Modernismo y Post-Modernismo del Siglo veinte. En los poemas seleccionados hay cantos al pasado y a la tierra; se celebra tanto la naturaleza y la tradición, como la diferencia. En otras piezas hay una relación ontológica entre el individuo y la poesía misma.

Doble Filo… es organizada por el curador cubano-venezolano Félix Suazo e incluye a más de treinta artistas plásticos y escritores de Latinoamérica y España. Al combinar piezas y poemas, Suazo establece interesantes diálogos alrededor del lenguaje y el territorio – para él, estos son factores comunes que unifican muchas historias y tradiciones hispanas.

Como la mayoría de los artistas incluidos en Doble Filo… viven, o vivieron y murieron, en sus países de origen, la exposición, y por extensión HispaFEST, plantean una aproximación en primera persona a las culturas de esas regiones. La multiplicidad de visiones y referencias retan la manera en que la cultura hispana es percibida en los Estados Unidos – especialmente en este momento en que existe una tendencia a emplear términos (como LatinX) que, a pesar de las buenas intenciones de incluir y representar todo género y ciudadanía latina, reducen y simplifican la riqueza de los mundos que conforman lo hispano.

A través de esculturas, instalaciones, videos y pintura, los artistas en el show abordan variados temas que giran en torno a la identidad. Para algunos de ellos, el cuerpo es la expresión mínima de territorio ocupado; éste puede ser un cuerpo personal, íntimo, o tratarse de un cuerpo social; se nos puede presentar literalmente o sugerírsenos a través de sus partes, fluidos orgánicos o simples acciones humanas. Otros creadores exploran la ideología y la política; destacan patrones que han dejado una marca en el individuo, y definido una “manera de ser”

HispaFEST es también un homenaje a la ciudad floreciente y multicultural que es Coral Gables, con profundas raíces y en constante actualización con las culturas hispanas.

Celebrating Hispanidad in Coral Gables YUNEIKYS (YUNI) VILLALONGA Walking down the streets of Coral Gables, one may hear over a dozen different Spanish accents. Theanuances in the pronunciation of streets named after Spanish cities and provinces such as Granada and Andalucia, or after important historical and literary figures like Ponce de Leon and Cervantes, bring colors to an architecture built at the turn of the twentieth century, while dreaming of Spain. Prosperous businesses offer the best Latin American foods, while the consulates from many of these countries are based in town. They attract a floating Hispanic population that adds to the number of residents of the same origin, totaling more than half of the overall population. There is no doubt that Coral Gables is a great venue to celebrate the richness and complexity of Hispanic culture.

Located in the heart of the City, and with the primary mission of celebrating “The City Beautiful”, the Coral Gables Museum is proud to host a festival that brings together a wide variety of Hispanic art, culture, and peoples: HispaFEST 2019. Conceived by cultural producers Nubia Abaji and Edith Monge Silva, this first edition of the festival brings to the city events of different nature, from concerts to educational tours, that complement the exhibition Doble Filo: Geografias y Palabras in the Museum’s Community Meeting Room.

have made a mark in the individual as well as defined a collective “way of being.” History is appropriated and re-told in some of the works (Rodriguez Sepulveda, Macchi) while in others, artists make comments on the dynamics of the artworld they relate to (Avalos, Garrido). Suazo has carefully curated a group of poems by all-star writers in search of a HispanicAmerican identity. Most authors are emblematic of the twentieth century Modernism and Postmodernism. In the selected poems, there are chants to the past and to the land; there is both a celebration of nature and tradition, and a celebration of difference. In some of the pieces, there is an ontological relationship between the individual and poetry itself (Paz, Varela.)

Doble Filo… is organized by Cuban-Venezuelan curator Felix Suazo and comprises over thirty renowned visual artists and writers from Latin America and Spain. With a combination of artworks and poems, Suazo establishes meaningful dialogues around language and territory – for him, these are common factors that unify the many Hispanic histories and traditions.

Since most of the featured artists are based, or lived and died in their countries of origin, Doble Filo… and, by extension, HispaFEST, bring to the table a first-person approach to the cultures of these regions. The multiplicity of views and references challenges the way in which Hispanic culture is seen in the US – especially at this time, when there is a trend to use terms (such as LatinX) that simplify the wealth of worlds embedded in Hispanidad.

Through sculptures, installations, videos and paintings, artists in the show address a myriad of themes that revolve around identity. For some of the artists, the body is the ultimate form of inhabited territory; it can be a personal, intimate body or a social one (Castro, Montilla); it may be presented to us literally, or suggested through parts, organic fluids (Mendez) or simple human actions (Fonseca). Other creatives explore ideology and politics (Candeo, Pena); they stress patterns that

HispaFEST is also an homage to a thriving, multicultural city such as Coral Gables, with deep roots and ever-renewing connections with Hispanic cultures.

A R G E N T I N A

¿Cuál de los dos escribe este poema de un yo plural y de una sola sombra? ¿Qué importa la palabra que me nombra si es indiviso y uno el anatema? Poema de los dones (fragmento). Jorge Luis Borges

Esquema 2016 Libros, madera, vela 135 x 80 x 145 cm (base y caja de vidrio incluida) Cortesía: Valeria Pecoraro. Galería Ruth Benzacar, Buenos Aires

Summary of the work

Esquema 2016 Books, wood, candle 135 x 80 x 145 cm (support and glass box included) Courtesy of Valeria Pecoraro. Galería Ruth Benzacar, Buenos Aires

“La pieza Esquema de la Historia Universal es una versión contemporánea de las vanitas barrocas: una vela consumida y apagada, dos libros cercanos a ella y una estructura de maderas que parecen reproducir la forma de la sombra que los mismos libros producían al ser iluminados por la vela ahora consumida. Aquí la referencia a la fugacidad y a la vacuidad está contradicha por la estructuración y materialización de las sombras y justamente por la palabra Historia, presente en el título de los dos tomos de la obra de Wells. Es una pieza que se estructura en dos tiempos: un efecto en el pasado y sus consecuencias cristalizadas en el presente.

“The piece Esquema de la Historia Universal is a contemporary version of the baroque vanitas: the remainder of an extinguished candle, two books close to it and a wooden structure that seems to reproduce the form of the shadow that the same books gave when illuminated by the extinguished candle. Here, the reference to fugacity and emptiness is contradicted by the structuring and materialization of the shadow and, precisely, by the word History in the title of the two volumes of Well’s work. It is a piece structured in two times: an effect of the past and its consequences crystallized in the present.

Esta pieza tiene un antecedente en la obra Historia Natural (2016), aunque en este caso la estructura de la sombra es más compleja y una campana de acrílico limita el espacio de la escultura y también la cantidad de oxígeno necesario para mantener la vela prendida”.

This piece has a precedent in the work Historia Natural (2016), although, in this case, the shadow’s structure is more complex and an acrylic bell limits the space of the sculpture and also the amount of oxygen needed to keep the candle burning.”

Jorge Macchi BUENOS AIRES, 1963 Estudió arte en la Escuela Nacional de Bellas Artes de Buenos Aires. En 1986 y 1987 formó parte del Grupo de la X.

Studied art at Escuela Nacional de Bellas Artes de Buenos Aires. In 1986 and 1987, he was part of Grupo de la X.

Entre sus muestras individuales se encuentran: Perspectiva, MALBA, Buenos Aires (2016), curada por Agustín Pérez Rubio; Espectrum, CRAC Montbeliard, Francia (2015), curada por Phillipe Cyroulnik; Music Stands Still en el Museo de Arte Contemporáneo SMAK en Gante, Bélgica (2011), curada por Thibaut Verhoeven; y Anatomía de la melancolía en Santander Cultural en Porto Alegre, como parte de la Bienal del MERCOSUR (2007), curada por Gabriel Pérez Barreiro, que se mostró posteriormente en el Museo Blanton en Austin (2007) y en el CGAC (Centro Gallego de Arte Contemporáneo en Santiago de Compostela, 2008).

Among his individual exhibits, there are: Perspectiva, MALBA, Buenos Aires (2016), curated by Agustín Pérez Rubio; Espectrum, CRAC Montbeliard, France (2015), curated by Phillipe Cyroulnik; Music Stands Still at the SMAK Museum of Conterporary Art in Gante, Bélgica (2011), curated by Thibaut Verhoeven; and Anatomía de la melancolía in Santander Cultural in Porto Alegre, as part of the MERCOSUR Biennale (2007), curated by Gabriel Pérez Barreiro, afterwards also shown at Blanton Museum of Art in Austin (2007) and at CGAC (Centro Gallego de Arte Contemporáneo in Santiago de Compostela, 2008).

Participó en las Bienales de Liverpool 2012, Sydney 2012, Lyon 2011, Estambul 2011, Auckland 2010, New Orleans 2008, Yokohama 2008, Porto Alegre 2007, San Pablo 2006, Venecia 2005, Praga 2005, San Pablo 2004, Estambul 2003, Porto Alegre 2003, Fortaleza 2002 y La Habana 2000. Representó a Argentina en la Bienal de Venecia 2005.

He participated in the Biennales of Liverpool 2012, Sydney 2012, Lyon 2011, Istambul 2011, Auckland 2010, New Orleans 2008, Yokohama 2008, Porto Alegre 2007, Sao Paulo 2006, Venice 2005, Prague 2005, Sao Paulo 2004, Istambul 2003, Porto Alegre 2003, Fortaleza 2002 and Havana 2000. He represented Argentina at the 2005 Venice Biennale.

Jorge Macchi es representado por Alexander and Bonin (New York), Galleria Continua (San Gimignano, Beijing, Les Moulins, Habana), Luisa Strina (São Paulo), Galerie Peter Kilchman (Zürich) y Ruth Benzacar Galería de Arte (Bs. As). Vive y trabaja en Buenos Aires.

Jorge Macchi is represented by Alexander and Bonin (New York), Galleria Continua (San Gimignano, Beijing, Les Moulins, Havana), Luisa Strina (São Paulo), Galerie Peter Kilchman (Zürich) and Ruth Benzacar Galería de Arte (Buenos Aires). He lives and works in Buenos Aires.

C H I L E

De lo que me robaron no fui desposeída: tengo la dicha fiel y la dicha perdida, y estoy rica de púrpura y de melancolía. Riqueza (fragmento). Gabriela Mistral

Silencio 2018 84 x 45 cm

Summary of the work

Silencio 2018 84 x 45 cm

“Mi arte nace de un proceso de transformación de la pintura. Me interesan los constantes cambios y movimientos de la condición humana, y lo materializo a través del arte. Yo creo las pieles de las pinturas, que espero hasta que se secan, luego las doblo y les doy vida. No pinto sobre lienzo, todo es pintura. El fundamento de mi obra no es material sino espiritual”. “My art is born from a transformation process of painting. I am interested in the constant changes and movements of human condition, and materialize it through art. I create skins made of paint, waiting until they dry, then fold them and give them life. I do not paint on canvas, all is paint. The core of my work is not material, but spiritual.”

Ignacio Muv CHILE, 1980

Realiza estudios en Arquitectura, es Artista Visual, Chef y Docente (Universidad Finis Terrae, Universidad Católica de Chile, Ecole Culinaire Francaise).

Studied Architecture, is a visual artista, chef and a teacher (Universidad Finis Terrae, Universidad Católica de Chile, Ecole Culinaire Francaise).

Aborda el potencial de la Pintura como material. Sus obras presentan la pintura desde su dimensión táctil, sensorial y virtual; donde el diálogo entre la pintura, el bastidor y tela es directo, suprimiendo las obligaciones formales en esa relación.

He approaches the potential of paints as material. His work present paintings from their tactile, sensory and virtual dimension; where the dialogue between the paint, the frame and the fabric is direct, suppressing the formal obligations in that relationship.

Ignacio literalmente se sumerge en la pintura y la habita desde dentro. Su obra es una extensión de la experimentación y transformación constante de los estados de la materia pictórica. En la ejecución de su trabajo propone un cruce con sus profesiones. Prepara sus pinturas así como un Chef sus platos y cuestiona los soportes tal como un Arquitecto sus estructuras.

Ignacio literally dives into painting and inhabits it from the inside. His work is an extension of the constant experimentation and transformation of the states of the pictorial matter. In executing his work he proposes a crossover with his professions. He prepares his paints as a chef prepares his dishes, and questions the supports as an architect does his structures.

Ignacio ha sido representado por galerías en NY y su obra ha sido exhibida en prestigiosas Ferias de Arte Contemporáneo (Art Southampton, Pulse Art NY - Miami, Art Miami, Scope Art, Art Tokio, entre otras). Sus piezas están en importantes colecciones privadas alrededor del mundo (EEUU, Alemania, España, Italia, Inglaterra, Francia, Kuwait, Australia, Argentina, Chile) y en colecciones públicas como Benetton en Italia. Ha obtenido reconocimiento dentro de su país e internacionalmente. Actualmente trabaja y reside en EEUU.

Ignacio has been represented by galleries in New York and his work has been shown in prestigious Contemporary Art Fairs (Art Southampton, Pulse Art NY - Miami, Art Miami, Scope Art, Art Tokyo, among others). His works are in important private collections around the world (USA, Germany, Spain, Italy, England, France, Kuwait, Australia, Argentina, Chile) and in Public Collections, such as Benetton in Italia. He has earned recognition in his country and internationally. He currently works and lives in the United States. 27

No gracias. Trabajos para vivir del arte 2015 3´02´´ No gracias. Trabajos para vivir del arte 2015 3´02´´

Summary of the work

“Esta obra está constituida por autorretratos de video que la artista realizó -sin autorización- con su teléfono celular durante las jornadas laborales de diferentes trabajos de servicio que ejecutó en paralelo a su quehacer artístico para producir el dinero para pagar los costos de vivir. En este video predomina un clip en que se le ve trabajando como promotora de supermercado, en el que se repite insistentemente (en loop) la acción de sonreír a un cliente cuando pasa al frente suyo. Este video pone su mirada en la docilidad del cuerpo en este tipo de trabajos, cómo este se moldea y automatiza al repetir la misma tarea durante horas. La acción de retratarse en estos trabajos es una búsqueda por rescatar y hacer propios los momentos en que arrienda su cuerpo a grandes empresas”. “This work consists of video self-portraits made by the artist –without authorization- with her cell phone during her wokdays in various jobs that she took in parallel with her artistic activities in order to earn money for her living expenses. This video highlights a clip of her working as a promoter in a supermarket, which insistently repeats (loop) the action of smiling to a client when it passes in front of her. This video focuses on the docility of the body in this type of jobs, how it shapes up and automatizes repeating the same task for hours. The action of taking her own picture in these jobs is a search to rescue and own the moments in which she leases her body to large corporations.”

Paula Ábalos SANTIAGO DE CHILE, 1989

Su obra se desarrolla en el campo del video, instalación, performance y creación de libros foto-texto. Aborda temáticas en torno a la relación del cuerpo humano con el espacio, la vida cotidiana y el trabajo. Desde el 2015 trabaja en cine principalmente como Directora de Arte.

Her work is developed in the field of video, installation, performance and creation of photo-text books. She approaches topics dealing with the human body’s relationship with space, everyday life and work. Since 2015, she works in films, mainly as Art Director.

Actualmente reside en Leipzig, Alemania, en donde realiza estudios de Meistershüler en artes mediales en la clase de Cine expandido en la universidad Hochschule für Grafik und Buchkunst Leipzig, tras haber recibido una beca DAAD (Servicio Alemán de Intercambio Académico) y FONDART (gobierno chileno). Ha expuesto individualmente y en muestras colectivas en las que destacan: Galería Concreta Matucana 100 (Chile), Galería Die Ecke Barcelona, Metales Pesados (Chile), MAC Quinta Normal Museo Artes Contemporáneas Chile, Mala Dvorana Pogona Jedinstvo (Zagreb), Espacio el Cruce (Madrid), Galería Balmaceda Arte Joven (Chile, BAJ (Valparaíso), Centex de Valparaíso, Galería Sala Macchina (Chile) y Association culturelle (Paris). También ha participado en diferentes festivales de video arte, entre los que se destacan FIVA (Buenos Aires), City Screen Festival LOOP Barcelona, PROYECTOR (Madrid, Milán, Oaxaca, Coimbra), Festival Video de Babel (Perú). Obtuvo el Primer lugar (categoría video arte) en los Premios Municipales de Santiago 2015.

Se currently lives in Leipzig, Germany, where she studis a master’s cours in media arts in the expanded cinema class at the Hochschule für Grafik und Buchkunst Leipzig, after obtaining a scholarship from DAAD (German Academic Exchange Service) and FONDART (Chilean government). She has participated in individual and collective exhibits, among which: Galería Concreta Matucana 100 (Chile), Galería Die Ecke Barcelona, Metales Pesados (Chile), MAC Quinta Normal Museo Artes Contemporáneas Chile, Mala Dvorana Pogona Jedinstvo (Zagreb), Espacio el Cruce (Madrid), Galería Balmaceda Arte Joven (Chile, BAJ (Valparaíso), Centex de Valparaíso, Galería Sala Macchina (Chile) and at the Association culturelle (Paris). She also participated in various video-art festivals, especially FIVA (Buenos Aires), City Screen Festival LOOP Barcelona, PROYECTOR (Madrid, Milán, Oaxaca, Coimbra), Festival Video de Babel (Peru). She won the First prize (video-art category) at the Premios Municipales de Santiago 2015.

C O L O M B I A

Agua de sueĂąo, fuente de ceniza, piedra porosa de los mataderos, madera en sombra de las siemprevivas, metal que dobla por los condenados, aceite funeral de doble filo, cotidiano sudario del poeta, cada poema esparce sobre el mundo el agrio cereal de la agonĂa. Cada Poema (fragmento). Ă lvaro Mutis

Cosecha 2011 Dientes humanos y tuza de maíz Colección: Francisco de Castro Cortesía: Luis Ariztizabal, La Galería, Bogotá.

Summary of the work

Cosecha 2011 Human teeth and corncob Colection: Francisco de Castro Courtesy of Luis Ariztizabal, La Galería, Bogotá

“Cosas dispersas se reunifican y reconstruyen. Y también la posibilidad de volver a generar un fruto, una semilla. Un nuevo comienzo. En 300 dientes existe la historia de 300 bocas, de 300 personas diferentes. Una escultura social, una construcción compartida de intercambios” Santiago Rueda Fajardo, 2011 http://la-galeria.com.co/portafolios/portafolio_carloscastro.pdf “Disperse things re-unify and are reconstructed. Also, there is the possibility of generating a future again, a seed. A new beginning. In 300 teeth, there is the history of 300 mouths, 300 different persons. A social sculpture, a shared construction of interchanges.” Santiago Rueda Fajardo, 2011 http://la-galeria.com.co/portafolios/portafolio_carloscastro.pdf

Carlos Castro BOGOTÁ, 1976

El trabajo de Carlos Castro explora elementos que hacen parte de la identidad colectiva e individual y la noción del cuerpo como ente social y personal. A través de la recontextualización formal y simbólica de objetos e imágenes, Castro señala en sus obras narrativas y puntos de vista ignorados en el relato histórico. Castro estudió bellas artes en la Universidad Jorge Tadeo Lozano (2002) y una maestría en el San Francisco Art Institute (2010). Castro vive y trabaja entre San Diego, Tijuana y Bogotá. The work of Carlos Castro explores elements that are part of collective and individual identities, and the notion of the body as a social and personal entity. Through the formal and symbolic re-contextualization of objects and images, Castro shows in his narrative works and points of view ignored in the historical report. Castro studied fine arts at Universidad Jorge Tadeo Lozano (2002) and has a master’s degree from the San Francisco Art Institute (2010). Castro lives and works between San Diego, Tijuana and Bogota.

C U B A

Seguir con su paso en el abismo. Él no puede, no crea ni persigue, ni brincan sus ojos ni sus ojos buscan el secuestrado asilo al borde preñado de la tierra. Rapsodia para el muro (fragmento). José Lezama Lima

Rodeada de mar por todas partes, soy isla asida al tallo de los vientos... Nadie escucha mi voz, si rezo o grito: Puedo volar o hundirme... Puedo, a veces, morder mi cola en signo de Infinito. Criatura de isla (fragmento). Dulce María Loynaz

Ausencia 2015 Video en color con sonido, 5 minutos y 10 segundos. Edición de 5 con 2 APs (# 2/5). DFQ-14.2 Cortesía: Christian Gundin, El Apartamento, La Habana

Summary of the work

Ausencia 2015 Video in color with sound, 5 minutes and 10 seconds. Edition of 5 and 2 APs (# 2/5) DFQ-14.2 Courtesy of Christian Gundin, El Apartamento, Havana

“La práctica artística de Fonseca está construida sobre el uso de objetos comunes y experiencias simples de la vida diaria que emplea para diseñar narraciones que mezclan realidad y ficción. Dibujando momentos aparentemente regulares, cotidianos como afilar un lápiz o encender un fósforo, sus trabajos emplean poéticas metafóricas que con gran habilidad comentan sobre cuestiones sociales y las más universales aspiraciones de los seres humanos”. https://www.cubartours.com/es/ artistas/diana-fonseca-quinones

“Fonseca’s art is based on the use of common objects and simple everyday life experiences that she uses to design narrations mixing reality and fiction. Drawing apparently regular and daily moments, such as sharpening a pencil or striking a match, he works use metaphoric poetry that very ably speak about social issues and the most universal aspirations of human beings.” https://www.cubartours.com/ es/artistas/diana-fonsecaquinones

Diana Fonseca Quiñones LA HABANA, 1978

Se graduó en el Instituto Superior de Arte, La Habana, Cuba en 2005 y en la Academia de Bellas Artes de San Alejandro, La Habana, Cuba en 2000. Desde entonces, ha tenido tres exposiciones individuales en Cuba y ha aparecido en numerosas exposiciones internacionales, incluida la exposición colectiva de verano By the Book de Sean Kelly Gallery, NY, (2015); Biografía dilatada: narraciones cubanas contemporáneas en la Escuela del Museo de Bellas Artes de Boston (2013); Spray, The Hochhaus Kokerei Hansa Museum, Dortmund, Alemania (2011) y Inside Confluences, la segunda edición de Arte Contemporáneo Cubano en el National Hispanic Cultural Center, Nuevo México (2009). El trabajo de Fonseca se incluyó en la 12a Bienal de La Habana, en La Habana, Cuba (2015) y recibió el Premio de Arte EFG ArtNexus Latin America 2015.

She graduated from Instituto Superior de Arte de La Habana, Cuba in 2005 and from Academia de Bellas Artes de San Alejandro, Havana, Cuba in 2000. Since then, she has had three individual exhibits in Cuba and at numerous international exhibits, including the collective summer exhibit By the Book at Sean Kelly Gallery, NY, (2015); Biografía dilatada: contemporary Cuban narrations at the School of the Museum of Fine Arts, Boston (2013); Spray, The Hochhaus Kokerei Hansa Museum, Dortmund, Germany (2011) and Inside Confluences, the second edition of Contemporary Cuban Art at the National Hispanic Cultural Center, New Mexico (2009). Fonseca’s work was included in the XXII Havana Biennale, Havana, Cuba (2015) and received the EFG Latin America Art Award, ArtNexus 2015.

Coca-Cola del Olvido 2017 Papel comprimido y madera. (Libros y revistas de la biblioteca personal del artista en Cuba, incluidos los materiales utilizados durante su educación escolar y universitaria, transformados en la forma interior de las botellas de Coca-Cola) Colección: Elizabeth Cerejido, Miami, FL Crédito de la foto: David Castillo Gallery, FL

Summary of the work

Coca-Cola del Olvido 2017 Compressed paper and wood. (Books and magazines of the artist’s personal library in Cuba, including the materials used during his school and college education, transformed in the inner form of Coca-Cola bottles) Colection: Elizabeth Cerejido, Miami, FL Photo credits: David Castillo Gallery, FL

“(…) la obra de Peña se da a conocer a principio de los años 2000 y destaca en un primer momento dentro de su generación por la novedad de sus materiales. Moscas y mosquitos, a los que luego se van sumando cucarachas o cáscaras de huevos, papeles etc., constituyen algunos de los materiales empleados en sus obras, aportándole una singular fuerza simbólica. [Coca-Cola del Olvido] está hecha de papel impreso convertido en pasta que luego fue vaciando en moldes de botellas (…)

“(…) Peña’s work becomes known in the early 2000’s being noted within his generation due to the novelty of his materials. Flies and mosquitoes, to which he gradually adds cockroaches or eggshells, papers, etc., are some of the materials used in his works, giving them a singular symbolic force. [Coca-Cola del Olvido] is made on printed paper turned into paste that was later poured into bottle molds (…)

Visto en conjunto los materiales de la obra de Peña mantienen una relación directa con la biología de su entorno, con un habitar cotidiano. Por tanto, es una obra que se alimenta del archivo autobiográfico, de la perspectiva personal como proceso metabólico con su realidad”.

Seen as a whole, the materials of Peña’s work preserve a direct relationship with their surrounding biology, with a daily habitat. Therefore, it is a work that feeds from the autobiographical files, from the personal perspective as a metabolic process with its reality.”

Dennys Matos. Rev Art Nexus. N 105, 2017. Pp 103-4.

Fabián Peña LA HABANA, 1976

Graduado en el Instituto Superior de Arte en La Habana en 2003. A través de su trabajo en instalaciones, esculturas y dibujos, Peña transforma materiales orgánicos y desechados, como alas de cucarachas y moscas domésticas aplastadas, para explorar la memoria personal y colectiva, la identidad y el desplazamiento, la vida, la muerte, lo grotesco y lo sublime. Su trabajo intrincadamente elaborado ha sido mostrado en los Estados Unidos, Europa y América Latina. Entre sus exposiciones recientes se encuentran The Book, The Egg, and The Fly, en la Galería David Castillo, en Miami, y Liquid Sensibilities en la Fundación de Arte Cisneros Fontanals (CIFO), en Miami. Su trabajo ha sido mencionado y revisado por The New York Times, ARTnews y The Art Newspaper.

Graduated from Instituto Superior de Arte in Havana, in 2003. Through his work on installations, sculptures and drawings, Peña transforms organic and discarded materials, such as cockroach wings and smashed domestic flies, to explore the personal and collective memory, the identity and the displacement, live, death, the grotesque and the sublime. His intricately elaborated work has been shown in the United States, Europe and Latin America. Among his recent exhibits, there are The Book, The Egg, and The Fly, at David Castillo Gallery, in Miami, and Liquid Sensibilities at the Cisneros Fontanals Art Foundation (CIFO), in Miami. Her work has been mentioned and reviewed by the The New York Times, ARTnews and The Art Newspaper.

E C U A D O R

Ya puedes tú mirarla; tú que vives arriba y que tal vez no eres inconmovible. Poema número 1(fragmento). Cesar Dávila Andrade

Summary of the work

Serie escritura orgánica # 1 2001 Leche materna y lienzo 26,6 x 24 cm

Serie escritura orgánica # 1 2001 Breastmilk and canvas 26,6 x 24 cm

Serie escritura orgánica #10 2001 Cabello 26,6 x 20 cm

Serie escritura orgánica # 10 2001 Hair 26,6 x 20 cm

Serie escritura orgánica # 13 2001 Semen, cera abeja y lienzo 32 x 26,6 cm

Serie escritura orgánica # 13 2001 Semen, beeswax and canvas 32 x 26,6 cm

“En la serie Escritura Orgánica, mediante fluidos orgánicos humanos (sangre, semen, leche materna) y cabello, construyo un lenguaje particular de signos, fonemas y frases extraídas de textos autobiográficos escritos en el 2001. Recurro a la palabra escrita, al lenguaje verbal, en contraste con el uso de elementos corporales que evocan deseo, pulsiones, pasiones, represiones, cicatrices, confiriendo a este material un importante volumen significativo. Los cuadros aquí expuestos # 1 (leche materna/lienzo, 26,6 x 24 cm), # 10 (cabello, 38 x 28 cm), y # 13 (semen, cera de abeja/lienzo, 32 x 26,6 cm) son parte de las 15 piezas de dicha serie, con la que inicié mi investigación artística respecto al cuerpo”. 42

“In the series Escritura Orgánica (Organic Writing), I use organic human fluids (blood, semen, breastmilk) to construct a particular language of signs, phonemes and phrases extracted from autobiographical texts written in 2001. I resort to the written word, to verbal language, in contrast with the use of bodily elements that evoke desires, drives, passions, repressions, scars, giving a significant volume to this material. The works exposed here, # 1 (leche materna/lienzo, 26,6 x 24 cm), # 10 (cabello, 38 x 28 cm), y # 13 (semen, beeswax/canvas, 32 x 26,6 cm) are part of the 15 pieces of this series, with which I began my artistic research of the body.”

Janneth Méndez CUENCA, 1976 Magíster en Artes con mención en Dibujo, Pintura y Escultura, 2011-2013, Facultad de Artes Visuales, Universidad de Cuenca. Licenciada en Artes Visuales, 1994-2001, Facultad de Artes Visuales, Universidad de Cuenca.

Master of Arts with a major in Design, Paint and Sculpture, 2011-2013, Faculty of Visual Arts, Universidad de Cuenca. Bachelor in Visual Arts, 1994-2001, Faculty of Visual Arts, Universidad de Cuenca.

Ha realizado las siguientes exposiciones individuales: Yo misma, Saladentro. Espacio Cultural Multifuncional (Cuenca, 2018), Ceniza, Museo de Arte Moderno (Cuenca, 2017), Red, Galería Proceso (Cuenca, 2013), Escritura orgánica, Alianza Francesa (Quito, 2008), Galería Proceso (Cuenca, 2007), Libreta telefónica, Galería Animal (Santiago de Chile, 2005), Miel, Alianza Francesa (Cuenca, 2002), Línea, Casa de la Cultura (Cuenca, 2002), y más de 50 exposiciones colectivas. Entre las más relevantes se encuentran: Chawpi-Aequator. Curadores: Bernard Marcadé y Santiago Reyes (París, 2016), Poéticas del Presente. Curador: José Luis Corazón Ardura (Cuenca, 2015), Erotopías. Curador: Cristóbal Zapata (Cuenca 2014, Guayaquil, 2013), En Construcción, Flacso (Quito, 2007), Neologismo Encarnado, Centro Cultural Borges (Buenos Aires, 2006), VIII Bienal de Cuenca (Cuenca, 2004), Vestido de Mujer, dpm Arte Contemporáneo (Guayaquil, 2003), Corporal, Florida Atlantic University, (Florida, 2003), Arte Contemporáneo del Ecuador, Museo Pedro de Osma, (Lima, 2002).

Individual exhibits: Yo misma, Saladentro. Espacio Cultural Multifuncional (Cuenca, 2018), Ceniza, Museo de Arte Moderno (Cuenca, 2017), Red, Galería Proceso (Cuenca, 2013), Escritura orgánica, Alianza Francesa (Quito, 2008), Galería Proceso (Cuenca, 2007), Libreta telefónica, Galería Animal (Santiago de Chile, 2005), Miel, Alianza Francesa (Cuenca, 2002), Línea, Casa de la Cultura (Cuenca, 2002), and more than 50 collective exhibits, among the most relevant of which are: Chawpi-Aequator. Curators: Bernard Marcadé and Santiago Reyes (Paris, 2016), Poéticas del Presente. Curador: José Luis Corazón Ardura (Cuenca, 2015), Erotopías. Curador: Cristóbal Zapata (Cuenca 2014, Guayaquil, 2013), En Construcción, Flacso (Quito, 2007), Neologismo Encarnado, Centro Cultural Borges (Buenos Aires, 2006), VIII Bienal de Cuenca (Cuenca, 2004), Vestido de Mujer, dpm Arte Contemporáneo (Guayaquil, 2003), Corporal, Florida Atlantic University, (Florida, 2003), Arte Contemporáneo del Ecuador, Museo Pedro de Osma, (Lima, 2002).

Obtuvo el Tercer y Segundo Premio del Salón de Julio en 2009 y 2004, respectivamente, en 2004, Mención de Honor en el IX Salón Nacional de Arte Contemporáneo Fundación El Comercio, en 2002; elPrimer Premio en el VIII Salón Nacional de Arte Contemporáneo Fundación El Comercio entre otros.

Recognitions: the Third and Second Prizes of the Salón de Julio, in 2009 and 2004, respectively; in 2004, the Honor Award at the IX Salón Nacional de Arte Contemporáneo Fundación El Comercio; in 2002, the First Prize at VIII Salón Nacional de Arte Contemporáneo Fundación El Comercio, among others. 43

Katekilla 0° 0´ 0´´ Cerro Katekilla, San Antonio de Pichincha, 2014 Acción / Video arte 13´

Summary of the work

Katekilla 0° 0´ 0´´ Cerro Katekilla, San Antonio de Pichincha, 2014 Action / Video-art 13´

“Esta acción reflexiona en torno al cerro Katekilla, sitio arqueológico situado exactamente al 0˚0´0´´, así como al concepto geográfico “Ecuador” no tanto como una línea imaginaria sino como una territorialidad de encuentro y tensión. Utilizo el juego de ecuavoley (versión ecuatoriana del voleibol) como elemento cuestionador de la administración de este territorio. El cerro Katekilla brinda un panorama de 360˚, esto define un posicionamiento clave en relación con la espacio-temporalidad, su relación con los astros, el sentido de estos en la cosmovisión andina y su episteme, aspectos que, a pesar de los borramientos coloniales, todavía laten en la actualidad de este territorio. En esta ocasión me ha interesado subrayar la importancia de la visualidad de la relación lugar -juego -ritual - disputas de sentido. Con la ayuda de un GPS la acción es registrada sobre la línea ecuatorial en el desarrollo de un partido de este juego de tradición ecuatoriana. Cada equipo se encuentra en un hemisferio diferente sobre el ecuador terrestre. Durante el juego se experimenta la emergencia de distintas tensiones entre norte y sur evocando relaciones geopolíticas de los hemisferios en los imaginarios fronterizos contemporáneos”. 44

“This action reflects on the mountain of Katekilla, an archeological site located exactly at 0˚0´0´´, and on the geographical concept of “ecuador” (equator in english), not only as an imaginary line, but as a territory of encounters and tension. I use the game of ecuavoley (Ecuadorian version of volley ball) as an element for questioning the administration of this territory. The Katekilla mountain offers a 360º panoramic view, defining a key space-time positioning, its relationship with the stars, their meaning within the Andean cosmological view of the world and the knowledge thereof, aspects that, in spite of the colonial erasures, are still alive in this territory. On this occasion, I was interested in underlining the importance of viewing the relationship of place-game-ritual-disputes about meanings. With the help of a GPS, the action is recorded on the line of the equator during a game of this traditional Ecuadorian game. Each team is in a different hemisphere over the Earth’s equator. During a game, we feel the emergence of various tensions between north and south, evoking the geopolitical relationship between the hemispheres in the contemporary imaginary borders.”

José Luis Macas Paredes QUITO, 1983

Artista visual, profesor e investigador en la Carrera de Artes Visuales de la Pontificia Universidad Católica del Ecuador (PUCE). Tiene una maestría en arte en el espacio público y multimedia de la Academia Real de Bellas Artes de Bruselas. Es miembro del colectivo de performance sonoro 0°1533, colaborador del colectivo de artistas kichwas Sumakruray y coordinador de Chawpi, espacio sociocultural y laboratorio de creación en Quito. Ha expuesto su trabajo en Ecuador, Perú, Colombia, Bolivia, Argentina, Francia, Estados Unidos, España, Italia, Bélgica y Alemania. Visual artista, profesor and researcher in career of Visual Arts at Pontificia Universidad Catolica del Ecuador (PUCE). He has a master’s degree in art in public spaces and multimedia from the Royal Academy of Fine Arts in Brussels. He is member of the collective of “performance sonoro 0°1533”, a collaborator of the Sumakruray collective of Kichwas artists, and coordinator of Chawpi, a sociocultural space and creative laboratory in Quito. He has shown his works in Ecuador, Peru, Colombia, Bolivia, Argentina, France, United States, Spain, Italy, Belgium and Germany.

E S PA Ă&#x2018; A

Sobre el monte pelado un calvario. Agua clara y olivos centenarios. Pueblo (fragmento). Federico GarcĂa Lorca

Una alianza profana 2016 Revistas de arte, pegamento Dimensiones variables Cortesía: Carlos G., Galería Curro, Guadalajara, México

Summary of the work

Una alianza profana 2016 Art magazines, glue Variable dimensions Courtesy of Carlos G., Galería Curro, Guadalajara, Mexico

“Este trabajo analiza las revistas de arte y compara el número de páginas dedicadas a la publicidad con el contenido textual y de imagen, creando un gráfico en 3D que visualiza formalmente la tensión entre dos mundos interdependientes y, a menudo, entrelazados.

“This work analyzes art magazines and compares the number of pages that are dedicated to ads with the text and image content, creating a 3D graph that formally visualizes the tension between two interdependent –and often intertwined- worlds.

Las páginas de cada revista se reconstruyen en dos volúmenes esféricos a la manera del papel maché al triturar su papel, que se muestra horizontalmente al lado de la columna vertebral de cada revista”.

The pages of each magazine are reconstructed in two spherical volumes in the fashion of papier mâché by crushing the paper, shown horizontally on the side of the spine of each magazine.”

Cristina Garrido MADRID, 1986

Tras cursar estudios de Bellas Artes en la Universidad Complutense de Madrid (20042009) y el Camberwell College of Art (Londres, 2007-2008), obtuvo un MA Fine Art en el Wimbledon College of Art (Londres, 2010-2011) con una beca de la Fundación “la Caixa” para Estudios de Postgrado en Gran Bretaña. Ha sido galardonada con el premio Generación 2015 Proyectos de Arte Fundación Montemadrid y, recientemente, ha obtenido la Beca Fundación Botín de Artes Plásticas (2017-2018) y el Premio ARCO para jóvenes artistas (2018).

After studying Fine Arts at Universidad Complutense de Madrid (2004-2009) and Camberwell College of Art (Londres, 2007-2008), she obtained her MA in Fine Arts from Wimbledon College of Art (Londres, 2010-2011) with a scholarship from Fundación “la Caixa” for Graduate Studies in Great Britain. She was awarded the prize Generación 2015 Proyectos de Arte Fundación Montemadrid and, rececently, she obtained the scholarship granted by Fundación Botín de Artes Plásticas (2017-2018) and the Premio ARCO for young artists (2018).

Su trabajo ha sido expuesto en el British Museum (Londres), Centro de Arte Dos de Mayo (Móstoles), Centro Andaluz de Arte Contemporáneo (CAAC) (Sevilla), Centrale for Contemporary Art (Bruselas), Contemporary Art Museum of Estonia - EKKM (Tallín), l´ISELP - Institut supérieur pour l’étude du langage plastique (Bruselas), Fundación Luis Soane (A Coruña), Centro de Desarrollo de las Artes Visuales (La Habana), Espacio Odeón (Bogotá), Taxispalais Kunsthalle Tirol (Innsbruck), La Conservera (Murcia), MAC Birmingham (Birmingham), Frestas - Trienal de Artes (Sorocaba/ São Paulo), La Casa Encendida (Madrid), Banner Repeater (Londres), Spike Island (Bristol), Matadero (Madrid) y AKV St. Joost (Den Bosch), entre otros. Recientemente, ha realizado residencias en Casa Maauad (Ciudad de México), Artista X Artista (La Habana) y: BARIL (Cluj-Napoca).

Her work has been shown at the British Museum (London), Centro de Arte Dos de Mayo (Móstoles), Centro Andaluz de Arte Contemporáneo (CAAC) (Seville), Centrale for Contemporary Art (Brussels), Contemporary Art Museum of Estonia - EKKM (Tallín), l´ISELP - Institut supérieur pour l’étude du langage plastique (Brussels), Fundación Luis Soane (La Coruña), Centro de Desarrollo de las Artes Visuales (Havana), Espacio Odeón (Bogota), Taxispalais Kunsthalle Tirol (Innsbruck), La Conservera (Murcia), MAC Birmingham (Birmingham), Frestas - Trienal de Artes (Sorocaba/ São Paulo), La Casa Encendida (Madrid), Banner Repeater (London), Spike Island (Bristol), Matadero (Madrid) and AKV St. Joost (Den Bosch), among others. Recently, she was artist-in-residence at Casa Maauad (Mexi), Artista X Artista (Havana) and BARIL (ClujNapoca). 49

Birds of Paradise 2003 MiniDV 4´16´´

Summary of the work

Birds of Paradise 2003 MiniDV 4´16´´

“Birds of Paradise tiene en apariencia el carácter de un documental sobre el aspecto específico del canto de los pájaros. En el video se utilizan las convenciones narrativas de este género en lo que a construcción y contenidos se refiere, pero las imágenes que ilustran el relato son parodias en las que distintas mujeres emulan el trinar de los pájaros en apartados como el cortejo, el habitat o la defensa territorial. Birds of Paradise tiene como precedentes los paralelismos que se han venido haciendo desde las artes plásticas y la literatura entre mujer y pájaro. El video es una parodia en clave documental de la imagen de esas “pajaracas” que aterrorizaron a algunos intelectuales y artistas a mediados y finales del siglo XIX, cuando surgieron los primeros movimientos feministas y se disparó la prostitución. Un tributo a las Liliths, sirenas, harpías, lamias y otras bellas alimañas de sexualidad libre, que un siglo y medio después parecen condenadas a seguir lustrando sus plumas”. 50

“Birds of Paradise appears to be a documentary about the scientific aspects of the birds’ songs. The video uses narrative conventions of this gender with regard to construction and contents, but the images that illustrate the story are parodies in which different women emulate the tweets of birds when courting, in their habitat or defending their territory. The precedents of Birds of Paradise are the parallelisms that made in visual arts and literature between women and birds. This video is a parody in documentary key of the image of those “ugly birds” that terrorized some intellectuals and artists in mid and late 19th century, when there arose the first feminist movements and prostitution soared. A tribute to the Liliths, sirens, harpies, Lamias, and other beautiful vermin of free sexuality, who one and a-half centuries later appear to be sentenced to continue buffing their feathers.”

Julia Montilla BARCELONA, 1970

Licenciada en Bellas Artes por la Universidad de Barcelona (1994). Taller con Antoni Muntadas en L’ENSB, Paris (1994). Máster Producciones Artísticas e Investigación, Universidad de Barcelona (2010-12).

Bachelor in Fine Arts of Universidad de Barcelona (1994). Workshop with Antoni Muntadas in L’ENSB, Paris (1994).Master’s in Artistic Productions and Research from Universidad de Barcelona (2010-12).

Su trabajo está conformado a través de múltiples medios de expresión que se han interrelacionado en el seno de la cultura de masas, desde el vídeo a la fotografía pasando por las publicaciones. En su enfoque metodológico se cruzan la semiología, la historia del arte y la antropología.

Her work is formed by various expression media inter-related in the bosom of mass culture, from video to photography, going through publications. Her methological approach crosses semiology, art history and anthropology.

Ha recibido numerosas becas de creación y publicación, como la beca MoMA - ps1 (200203) y las otorgadas por la Generalitat de Catalunya (2004-05, 2006-07 y 2009) o la Fundación Botín (2011-12). Su obra forma parte de las colecciones del Centro Galego de Arte Contemporánea en Santiago de Compostela, Artium en Vitoria-Gasteiz y el MUSAC de León, entre otras.

She has been awarded numerous scholarships for creation and publication, such as the MoMA - ps1 (2002-03) and those granted by Generalitat de Catalunya (2004-05, 200607 y 2009) and Fundación Botín (2011-12). Her work is part of the collections of Centro Galego de Arte Contemporánea in Santiago de Compostela, Artium in Vitoria-Gasteiz and the MUSAC of Leon, among others.

M Ă&#x2030; X I C O

No es un decir: es un hacer. Es un hacer que es un decir. Decir, Hacer (fragmento). Octavio Paz

Atlas 2011 Papel doblado Altura: 30 x 250 (diámetro) cm Cortesía: Melissa Timarchi. Galerie Perrotin, Nueva York / Diego Arguelles. Estudio Gabriel Rico

Summary of the work

Atlas 2011 Folded paper Height: 30 x 250 (diameter) cm Courtesy of Melissa Timarchi. Galerie Perrotin, New York / Diego Arguelles. Estudio Gabriel Rico

“Esta es una escultura que estudia las posibilidades de composición de una sola palabra y sus diversos significados según el contexto. En este caso, la palabra “Atlas” es el título de esta pieza, esta palabra se refiere a la condición física de un libro compuesto de mapas. Describiendo la superficie de la tierra y de la acción de deshojar, fragmentar o destruir, propongo una nueva forma morfológica y estética para leer este objeto y la palabra en sí, formando un círculo en el suelo hecho con hojas de ese libro dobladas en 4 partes, una figura geométrica que aún mantiene el sentido figurativo de la palabra, que también es todo el conocimiento contenido en el libro, conocimiento que se usa normalmente para definir la geografía de un planeta. Esta pieza también habla sobre el principio de conservación de la información del físico teórico Leonard Susskind, quien dice que la información no se pierde, solo cambia su forma, se transforma”.

“This is a sculpture that studies the composition possibilities of a single word and its various meanings depending on the context. In this case, the word “Atlas” is the title of this piece, and refers to the physical condition of a book made up of maps. Discovering the surface of the Earth and the action of defoliating, fragmenting or destroying, I propose a new morphological and aesthetic way of reading this object and the word itself, forming a circle on the ground made of pages from that book folded in 4 parts, a geometrical figure that still maintains the figurative sense of the word, which is also all the knowledge in the book, a knowledge that is normally used to define the geography of a planet. This piece also speaks of Leonard Susskind’s conservation of information principle, stating that information is not lost, but only changes its form and transforms.”

Gabriel Rico LAGOS DE MORENO | MÉXICO, 1980

Vive y trabaja en Guadalajara, México. Su trabajo se caracteriza por la interrelación de objetos aparentemente dispares. El autoproclamado “ontólogo con una metodología heurística”, los pares de Gabriel Rico encontraron, recopilaron y fabricaron materiales para crear esculturas que invitan a los espectadores a reflexionar sobre la relación entre los seres humanos y nuestro entorno natural. Rico utiliza con frecuencia neón, taxidermia, cerámica, ramas y más piezas personales de su pasado para crear una ecuación o formulación. Sus obras logran una geometría precisa a pesar del carácter orgánico, aproximadamente el mismo carácter de sus materiales. Sus instalaciones, irónica y poéticamente, combinan formas naturales y antinaturales, insistiendo en una necesaria contemplación de su asimetría, así como nuestras propias fallas culturales y políticas.

Lives and works in Guadalajara, Mexico. His work is characterized by the interrelation of apparently disparate objects. The self-proclaimed “ontologist with a heuristic methodology,” the pairs of Gabriel Rico are found, compiled and manufacture materials to create sculptures that invite the spectators to reflect on the relationship between human beings and our natural surroundings. Rico frequently uses neon, taxidermy, ceramic, branches and the most personal pieces of his past to create an equation or formula. His works achieve a precise geometry in spite of their organic nature, approximately the same as his materials. His installations, ironically and poetically, combine natural and anti-natural forms, insisting on a necessary contemplation of their asymmetry, as well as our own cultural and political failures.

Gabriel Rico estudió arquitectura y obtuvo su licenciatura de ITESO en 2004 y recibió el premio ASU Art Museum & CALA Alliance en 2017. Ha expuesto en varios museos y galerías, incluyendo Perrotin en Seúl, Corea del Sur, 2019; El Museo de Arte de Aspen en Colorado, 2019; Perrotin en Nueva York, 2017; La central eléctrica en Dallas, Texas, 2017; Museo de Arte ASU en Tempe, Arizona, 2017; y el Centro de Creación Gyeonggi en Ansan-do, Corea del Sur, 2016. Su trabajo se incluye en la 58a Bienal Internacional de Venecia.

Gabriel Rico studied architecture and obtained his degree from ITESO in 2004 and he received the ASU Art Museum & CALA Alliance award in 2017. He has shown his work in several museums and galleries, including Perrotin, in Seoul, South Korea, , 2019; Aspen Art Museum in Colorado, 2019; Perrotin in New York, 2017; The Power Station in Dallas, Texas, 2017; ASU Art Museum in Tempe, Arizona, 2017; and the Gyeonggi Creation Center in Ansan-do, South Korea, 2016. His work is also included in the 58th Venice Biennale. 55

Concierto para tres machetes 2011 Video monocanal HD a color con audio Registro de acción sonora en Ex Teresa Arte Actual, México 30´´ Crédito de la foto: Gerardo Sánches, cortesía de Ex Teresa Arte Actual

Summary of the work

Concierto para tres machetes 2011 Monochannel HD video in color with audio Recording of sound action in Ex Teresa Arte Actual, México 30´´ Photo credit: Gerardo Sánches, courtesy Ex Teresa Arte Actual

“Registro en un canal de video de la acción sonora “Concierto para tres machetes” la cual consistió en afilar tres machetes siguiendo cada uno una diferente partitura compuesta por tres mensajes en código morse. La acción se repite por media hora hasta que el proceso de afinar la herramienta / arma las deja inútiles”. “Recording in a video cannel the sound action “Concierto para tres machetes” (Concert for three machetes), which consisted of sharpening three machetes, each following a different sheet music consisting of three messages in Morse code. The action is repeated during half-an-hour until the process of sharpening the tool/weapon renders it useless.”

Miguel Rodríguez Sepúlveda TAMPICO, TAMAULIPAS, 1971

De 1986 a 2003 radica en Monterrey, N.L. Allí estudia arquitectura, fotografía profesional y empieza su carrera en las artes. Su obra investiga la manera en que influyen los mecanismos de transformación y auto-percepción de la sociedad como un ente dinámico. Utiliza como recurso la metamorfosis de íconos paradigmáticos en la construcción del imaginario colectivo y patrimonio emocional. Ha expuesto individual y colectivamente en México, Estados Unidos, España, Argentina, Colombia y Brasil, entre otros países.

From 1986 to 2003, he lived in Monterrey, N.L. There, he studied architecture, professional photography and began his career in art. His work researches the influence of transformation mechanisms and the selfperception of society as a dynamic entity. He resorts to the metamorphosis of paradigmatic icons in the construction of collective imagination and emotional heritage. He has exhibited his works individually and collectively in Mexico, United States, Spain, Argentina, Colombia and Brazil, among other countries.

N I C A R A G U A

(…) en la hacienda fecunda, plena de la armonía del trópico; paloma de los bosques sonoros del viento, de las hachas, de pájaros y toros salvajes, yo os saludo, pues sois la vida mía. XL Allá lejos (fragmento). Rubén Darío

Octubre I, Rojo 018 2014 Mixta sobre tela 120 x 140 cm Cortesía: Silvia Ortiz / Americas Collection Gallery, Coral Gables, FL Octubre I, Rojo 018 2014 Mixed on canvas 120 x 140 cm Courtesy of Silvia Ortiz / Americas Collection Gallery, Coral Gables, FL

Summary of the work

“Paradójicamente, encuentro la abstracción más expresiva, y aunque un poco compleja, más comunicativa. Aunque no estamos contando una anécdota, transmitimos sentimientos cálidos, sensaciones. Cada pintura es sobre algo: una emoción, un estado de ánimo. Son golpes que provienen del subconsciente. Suelo observar que mis cuadros dialogan con el espectador en diferentes niveles. ¿No sería ideal comunicarse entre sí de una psique a otra? Es importante que la pintura hable, que comunique algo, incluso silencio, porque si no te afecta, no vale la pena” “Ramiro Lacayo: Conversations In and Around Painting”. Entrevista con Raisa Clavijo. En: ARTPULSE. http://artpulsemagazine.com/ramiro-lacayo-conversations-in-and-around-painting. “Paradoxically, I find abstraction to be more expressive and, although somewhat more complex, more communicative. Even if we are not retelling an event, we transmit warm feelings, sensations. Each painting is about something: an emotion, a mood. They are knocks from the subconscious. I usually note that my paintings have a dialogue with the spectator at various levels. Wouldn’t it be ideal to communicate from one soul to the other? It is important for the painting to speak, to communicate something, even silence, because if it doesn’t affect you, it isn’t worth the while.” “Ramiro Lacayo: Conversations In and Around Painting”. Interview with Raisa Clavijo. In: ARTPULSE. http://artpulsemagazine.com/ramiro-lacayoconversations-in-and-around-painting. 60

Ramiro Lacayo MANAGUA, NICARAGUA, 1952

Pintor, escritor y cineasta. Estudió Humanidades en la Universidad Centro Americana (UCA) y arquitectura en The Catholic University of America, Washington D.C. Ha realizado exposiciones personales y colectivas en Nicaragua, Centro América, EEUU y Dinamarca. Ha publicado un libro de cuentos, Nadie de Importancia (1984) y las novelas Así en la tierra (Uruk, 2009) y El tejedor de vientos (Uruk).

Painter, writer and filmmaker. He studied Humanities at Universidad Centro Americana (UCA) and architecture at The Catholic University of America, Washington D.C. He has presented his works in personal and collective exhibits in Nicaragua, Central America, the United States and Denmark. He published a book with stories, Nadie de Importancia (1984) and novels Así en la tierra (Uruk, 2009) and El tejedor de vientos (Uruk).

P E R Ú

Y en esta hora fría, en que la tierra trasciende a polvo humano y es tan triste, quisiera yo tocar todas las puertas, y suplicar a no sé quién, perdón, y hacerle pedacitos de pan fresco aquí, en el horno de mi corazón...! El pan nuestro (fragmento). César Vallejo

Un poema como una gran batalla me arroja en esta arena Ejercicios (fragmento). Blanca Varela

Morir cada día un poco más

(Poema 1) 2018 Video-arte Duración 1´08´´

Morir cada día un poco más (Poema 1) 2018 Video-art Duration 1´08´´

Summary of the work

“Videoarte inspirado en el poema “Morir cada día un poco más”, de la poeta peruana Blanca Varela (1926-2009), es una reinterpretación personal sobre lo que significa desprenderse del propio cuerpo. En esta propuesta de poesía audiovisual, Cristina Flores hace referencia al concepto parte-todo desde la utilización de su propio cuerpo como eje cíclico celularuniversal, y al mismo tiempo lo advierte vulnerable frente a la incertidumbre de las biopsias, a las que posteriormente tendrá que someterse para obtener algún diagnóstico médico frente a una enfermedad cutánea. “Morir cada día un poco más” es el primer videoarte de la serie “Poemas” en las que Cristina Flores, a modo de diario íntimo y emocional, analiza su propio cuerpo y piel para someterlos a un proceso de sanación y regeneración”.

“Video-art inspired in the poem “Morir cada día un poco más” (Dying a little more each day) of Peruvian poet Blanca Varela (1926-2009), is a personal re-interpretation of what it means to detach oneself of one’s body. In this audiovisual poetry proposal, Cristina Flores refers to the part-whole concept going from using her own body as a cyclic cellular-universal axis, and at the same time, to feeling it vulnerable in the uncertainty of the biopsies that she will undergo later to obtain a medical diagnosis regarding a skin disease. “Morir cada día un poco más” is the first video-art of the series “Poemas,” in which Cristina Flores, in the style of an intimate and emotional journal, analyzes her own body and skin to then submit them to a process of healing and regeneration.”

Cristina Flores LIMA, 1986

Cristina Flores (Lima, 1986). Es Licenciada en Pintura por la Pontificia Universidad Católica del Perú en 2017. Su propuesta artística nace desde la experimentación constante con diferentes medios y materiales que emplea como metáforas y extensiones de su propio cuerpo. Así reflexiona sobre los cambios y síntomas a partir de su experiencia vinculada a la enfermedad (cáncer a la piel) y su cuerpo como memoria.

Cristina Flores (Lima, 1986). A Bachelor of Arts in painting graduated from the Pontificia Universidad Catolica del Peru ax, in 2017. Her art proposal is born from constantly experimenting with various media and materials used as metaphors and extensions of her own body. Thus, she ponders upon the changes and symptoms related to her illness related experience (skin cancer) and her body as a memory.

Desde el 2008 ha participado en exposiciones en diversos espacios nacionales de los que destacan “Hilo Matriz” (2017) en el Instituto Cultural Peruano Norteamericano; “Lazos” (2017) en el Centro Cultural Ricardo Palma; “Cosmovisión tejida” (2017) en el Museo del Convento de Santo Domingo Qorikancha, Cuzco; y “Haciendo contexto III” (2019) en Proyecto Amil.

Since 2008, she has participated in exhibits at various national venues, for instance, “Hilo Matriz” (2017) in the Peruvian-American Cultural Institute of Lima; “Lazos” (2017) at Centro Cultural Ricardo Palma; “Cosmovisión tejida” (2017) at Museo del Convento de Santo Domingo, Qorikancha, Cuzco; and “Haciendo contexto III” (2019) in Proyecto Amil.

En cuanto a exposiciones internacionales, destaca su participación en la Bienal Internacional de Arte SIART 2018 en La Paz, en la cual resultó ganadora como parte del Laboratorio Textil.

Among her international exhibits, there stands out her participation at the Bienal Internacional de Arte SIART 2018 in La Paz, Bolivia, where she obtained an award as part of Laboratorio Textil.

Untitled (libros), 2011 Madera, pintura, papel. 34” x 17.75” x 9” (86.4 x 45.1 x 22.9 cm) variable WC 12363 Cortesía: Meg Malloy, Sikkema Jenkins & Co, Nueva York

Summary of the work

Untitled (books), 2011 Wood, paint, paper. 34” x 17.75” x 9” (86.4 x 45.1 x 22.9 cm) variable WC 12363 Courtesy of: Meg Malloy, Sikkema Jenkins & Co, Nueva York

En 1960, a la edad de dieciocho años, George Jackson (1941-1971) fue acusado de robar $ 70 de una gasolinera en Los Ángeles. Sus cartas desde la cárcel fueron publicadas como una colección en Soledad Brother.

In 1960, when he was 18 years old, George Jackson (1941-1971) was accused of stealing $70 from a gas station in Los Angeles. His letters from jail were published as a collection in Soledad Brother.

Miguel Hernández fue poeta y dramaturgo a principios del siglo XX, encarcelado durante la Guerra Civil Española como republicano. Su libro Cancionero y romancero de ausencias contenía una colección de poemas que escribió mientras estaba en prisión.

Miguel Hernández was a poet and playwright in the early 20th century, incarcerated during the Spanish Civil War for being a republican. His book Cancionero y romancero de ausencias contains a collection of poems that he wrote while in prison.

La escultura de Córdoba se puede ver como una conmemoración de las palabras de Jackson y Hernández, sostenidas por sus propios manuscritos que fueron transmitidos más allá de los confines de la celda de la prisión.

Cordoba’s sculpture may be seen as a celebration of the words of Jackson and Hernandez, sustained by their owned manuscripts, transmitted beyond the boundaries of their prison cells.

William Córdova LIMA, PERÚ, 1971

Se graduó con un BFA en el Instituto de la Escuela de Arte de Chicago en 1996 y obtuvo un MFA de la Universidad de Yale en 2004. Ha participado en numerosas residencias de artistas como Artpace, San Antonio, TX; El programa Core, Museo de Bellas Artes, Houston, TX; Woodstock Center for Photography, NY, The Headlands Center for the Arts, Sausalito, CA; El Studio Museum en Harlem, NY; Escuela de Pintura y Escultura de Skowhegan, Skowhegan, Maine; y la Academia Americana en Berlín, Alemania.

He graduated with BFA degree at SAIC – School of the Art Institute of Chicago in 1996 and obtained his MFA from Yale University in 2004. He has participated in numerous artists residences, such as Artpace, San Antonio, TX; The Core Program, Museum of Fine Arts, Houston, TX; Woodstock Center for Photography, NY, The Headlands Center for the Arts, Sausalito, CA; The Studio Museum in Harlem, NY; Skowhegan School of Painting and Sculpture, Skowhegan, Maine; and the American Academy in Berlin, Germany.

Las exposiciones individuales recientes de la obra de Córdova incluyen Ceiba: reconsideración de espacios efímeros en Davidson College, Davidson, NC (2016); Yawar Mallku: metafísica del tiempo y el espacio en 80M2, Lima, Perú; y Swing / SPACE / Miami: William Córdova - Ceiba: reconsiderando espacios efímeros, MDC Museum of Art + Design en Miami Dade College, Miami, FL (2014). Su trabajo está incluido en colecciones del Museo Whitney de Arte Americano, Nueva York; Museo Solomon R. Guggenheim, Nueva York; Universidad de Harvard, Cambridge, MA; Galería de Arte Yale, New Haven; Museo de Arte de Lima, Perú; Fundación Ellipse, Cascais, Portugal; Museo de Arte Contemporáneo, Miami; y La Casa de las Américas, La Habana, Cuba; entre otros.

Córdova’s most recent individual exhibits include Ceiba: reconsideración de espacios efímeros at Davidson College, Davidson, NC (2016); Yawar Mallku: metafísica del tiempo y el espacio en 80M2, Lima, Peru; and Swing / SPACE / Miami: William Córdova - Ceiba: reconsiderando espacios efímeros, MDC Museum of Art + Design en Miami Dade College, Miami, FL (2014). His works are part of collections of the Whitney Museum of American Art; Solomon R. Guggenheim Museum, New York; Harvard University, Cambridge, MA; Yale Art Gallery, New Haven; Museo de Arte de Lima, Peru; Fundación Ellipse, Cascais, Portugal; Museum of Contemporary Art, Miami; and La Casa de las Americas, Havana, Cuba, among others.

V E N E Z U E L A

Si el poema no nace, pero es real tu vida, eres su encarnaciรณn. Habitas en su sombra inconquistable. Una Isla (fragmento). Rafael Cadenas

Retrato populista 2009 2´33´´ Retrato populista 2009 2´33´´

Summary of the work

“Se presenta un video inspirado en las formas discursivas atribuidas al pueblo y trasmitidas a este -como receptor- por líderes populistas -emisores- a lo largo de la historia en Venezuela y en otros países de América Latina desde hace más de medio siglo. Los líderes emiten explícitamente calificativos, caracterizaciones o definiciones sobre su receptor, bien sea como pueblo, o masa, o venezolanos, o latinoamericanos, o clases populares, o adeptos. Sus menciones lo retratan como ente pasivo, lo describen como mero receptor de cosas y lo definen por sus carencias. Algunos calificativos que se le dedican son: hambriento, votante, organizado, luchador, pobre, ignorante. El pueblo se ha asumido como una presencia omnipresente, homogénea, que no sólo es conceptuada sino que se le nulifica al asignarle eufemismos, calificativos y sinónimos propios de los discursos populistas. (…). En el video, estas representaciones son presentadas en tres dimensiones: visual, oral y escrita, que se yuxtaponen, se entremezclan y se nutren mutuamente. De esta manera, la previa deconstrucción de las formas discursivas en tres partes busca develar las formas y luego desarticular sus diferentes relaciones, para finalmente rearticularlas en una obra denunciante”. 70

A video inspired by the discursive forms ascribed to people and transmitted to them –as receiversby populist leaders –transmittersthroughout the history of Venezuela and in other countries of Latin America for more than half a century. Leaders issue messages that are explicitly descriptions, characterizations or definitions about their receiver, either as a people, or a mass, or Venezuelans, or Latin Americans, or popular classes or adepts. Their references depict them as passive entities, they describe them as mere receivers of things and define them according to what they lack. Some descriptions given are: hungry, voter, organized, fighter, poor, ignorant. The notion of people has been assumed as an omnipresent, homogeneous presence, which is not only judged, but nullified by ascribing euphemisms, adjectives and synonyms to them that are typical of populist speeches. (…). In the video, these representations are portrayed in three dimensions: visual, oral and written, and are juxtaposed, mixed and mutually nurtured. This way, the prior deconstruction of the discursive forms into three parts seeks to show the forms and then take apart their various relationships, to finally re-articulate them in an accusing form.”

Iván Candeo CARACAS, 1983 Desde 2004 formó parte de un grupo de estudio independiente integrado por artistas venezolanos de distintas generaciones. En 2008 obtuvo el título de profesor, con la especialización en artes plásticas, cursó estudios en el Máster de Historia y Teoría de las Artes Plásticas en la U.C.V. y en el Diplomado de Historia Contemporánea de Venezuela en la Fundación Rómulo Betancourt. También ha realizado estudios complementarios de “cine experimental” en el Aula Xcèntric del CCCB BCN y en el Laboratorio de Prácticas Audiovisuales Contemporáneas, Máster LAV, Madrid. Además, participó en la residencia artística Lugar a Dudas, en Cali, Colombia. Entre sus exposiciones individuales destacan: Sin Acto, Galería Carmen Araujo Arte, Caracas, Venezuela (2018); Correspondencias del Ultramar #2: Núria Güel e Iván Candeo. Sala Mendoza, Caracas, Venezuela (2017); Corte En Movimiento. Oficina #1, Caracas, Venezuela (2015) e Identidad y Ruptura. Casa Sin Fin, Madrid, España (2014). Ha participado en muestras colectivas en diversos espacios de Latinoamérica, Estados Unidos, Canadá y Europa. Entre ellas: “When a Painting Moves… Something Must Be Rotten!” (Museo Sternesen, Oslo, Noruega); Unresolved Circumstances: Video Art from Latin America (MOLAA-Museum of Latin-American Art, California, 2010); 8ª Bienal do Mercosul: ensaios de geopoética (Brasil, 2011); Moving image, un abedécédaire contemporain/ Alteration”, (Gaîté Lyrique, Paris, 2012); Colonia apócrifa. Imágenes de la colonialidad en España, (MUSAC, Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León, 2014); Ibi Et Nunc: sobre paradojas democráticas LOOP. (Barcelona, 2016), entre otros.

Since 2004, he was part of an independent study group made up of Venezuelan artists of various generations. In 2008, he earned the title of professor, specializing in visual arts; he obtained a Master’s degree in History and Theory of Visual Arts from U.C.V. and the Diploma on Venezuelan Contemporary History from Fundación Rómulo Betancourt. He also completed supplementary courses at Aula Xcèntric del CCCB BCN and at the laboratory of contemporary audiovisual practices, Master LAV, Madrid. Additionally, he was artist-in-residence of Lugar a Dudas, in Cali, Colombia. Among his individual shows, are: Sin Acto, Galería Carmen Araujo Arte, Caracas, Venezuela (2018); Correspondencias del Ultramar #2: Núria Güel and Iván Candeo. Sala Mendoza, Caracas, Venezuela (2017); Corte En Movimiento. Oficina #1, Caracas, Venezuela (2015) and Identidad y Ruptura. Casa Sin Fin, Madrid, España (2014). He participated in several collective exhibits in various venues in Latin America, the United States, Canada and Europe. Among these: “When a Painting Moves… Something Must Be Rotten!” (Sternesen Museum, Oslo, Norway); Unresolved Circumstances: Video Art from Latin America (MOLAA-Museum of Latin Ame- rican Art, California, 2010); 8ª Bienal do Mercosul: ensaios de geopoética (Brazil, 2011); Moving image, un abedécédaire contemporain/ Alteration”, (Gaîté Lyrique, Paris, 2012); Colonia apócrifa. Imágenes de la colonialidad en España, (MUSAC, Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León, 2014); Ibi Et Nunc: sobre paradojas democráticas LOOP (Barcelona, 2016), among others. 71

Sin título # 8. De la serie Respiro del viento 2015-2018. Video 7’ Edición de 5 Cortesía: Gady Alroy /José Antonio Navarrete. Artmedia Gallery, FL

Summary of the work

Sin título # 8. De la serie Respiro del viento 2015-2018. Video 7’ Edit of 5 Courtesy of Gady Alroy /José Antonio Navarrete. Artmedia Gallery, FL

El viento actúa en el conjunto visual como un agente transformador, tanto de los elementos naturales, como de mi propia experiencia perceptiva e íntima. Respiro del viento, tiene su origen en un viaje en bote por el Mediterráneo en el cual descubrí la línea producida por el golpe del agua en la roca, momento en el cual el viento respira, circula y potencia su acción transformadora. También hice muchas fotografías desde el lugar opuesto, de las rocas al mar… Otra vez, el viento, el agua, la roca, la intensidad y grandeza de la naturaleza, tanto en sus manifestaciones macro, como micro. La serie fotográfica la he complementado con tres videos. Cada uno de ellos se basa en una fotografía a color, que ha sido animada con el movimiento de la cámara y acompañada del sonido de mi propio respiro, mezclado con efecto de una viola de gamba. Este trabajo prosigue mi búsqueda en las relaciones entre mi yo íntimo y la naturaleza, mi exploración en las sensaciones y percepciones que se producen en el encuentro entre uno y otra. Por eso, las imágenes se localizan entre ambos universos. 72

The wind acts in the visual compound as agent that transforms both the natural elements and my own perceptive and intimate experience. Respiro del viento, (The Breath of the Wind) originated on a boat trip through the Mediterranean, in which I discovered the line produced by the beating of water against the rock, the moment when the wind breathes, circulates and powers its transforming action. I also took many pictures from the other side, from the rocks that overlook the sea… Again, the wind, water, rock, the intensity and greatness of nature, both in the macro and the micro manifestations. I have supplemented the photographic series with three videos. Each is based on a color photograph, animated by the movement of the camera and tied to the sound of my own breath mixed with the effects of a viola de gamba. This work continues my search in the relationships between my intimate self and nature, my exploration of sensations and perceptions caused by the meeting of both. That is why the images are located in both universes.

Magüi Trujillo

Magüi Trujillo vive y trabaja en París. Su fotografía y producción de video se han incluido en exposiciones colectivas e individuales en Francia, Alemania, Estados Unidos, Portugal, Marruecos, Inglaterra, España y Venezuela, su país de nacimiento. Su serie Silencio Plural fue seleccionada en 2002 para formar parte de la Colección de la Biblioteca Nacional de Francia. Respiro de viento (The Breath of the Wind) fue seleccionada para la edición de un libro en el evento Book Machine, Paris Photo 2015, Francia. Sus video-artes están en la colección permanente del Museo de Arte Contemporáneo de Caracas. Su última exposición Respiro del Viento, Fotografía y Video de Magüi Trujillo, se presentó en Artmedia Gallery, Miami, Florida, 2019.

Magüi Trujillo lives and works in Paris. Her photography and video production have been included in collective and individual exhibits in France, Germany, United States, Portugal, Morocco, England, Spain and Venezuela, where she was born. Her series Silencio Plural was selected in 2002 to become part of the France’s National Library Collection. Respiro del Viento was selected for the publication of a book in the event named Book Machine, Paris Photo 2015, France. Her video-arts are in the permanent collection of the Museo de Arte Contemporáneo de Caracas. Her last exhibit Respiro del Viento, Fotografía y Video de Magüi Trujillo, was presented in Artmedia Gallery, Miami, Florida, in 2019.

Área 2014 Plaza Caracas, 2014 400 metros lineales de cinta de polietileno, 70 participantes, lluvia 15 mm

Summary of the work

Área 2014 Plaza Caracas, 2014 400 linear meters of polyethylene strip, 70 participants, rain 15 mm

¿Cuáles son las dimensiones de la ciudad y cuáles las de su cuerpo social? ¿Cómo se dibujan estas relaciones desde sus habitantes? ¿Cómo se miden las tensiones entre las formas del espacio urbano sobre las cargas culturales que soporta? ¿Cuáles son las dimensiones de lo público? ¿Hasta dónde llegan sus bordes y cuáles son sus contenidos? Esta es una obra realizada en el espacio público para construir estas preguntas desde el intercambio y la confrontación. ÁREA es el término cuantitativo para evidenciar el contenido cualitativo de las cargas sociales, políticas y culturales que los espacios públicos contienen. Son estos contenidos los límites generadores de ciudades paralelas, fronteras intangibles que esta obra -desde los desplazamientos y la participación colectiva- quiso desdibujar. Acción que se alcanza en la construcción de una nueva área común en el centro de la ciudad”. 74

What are the dimensions of the city and what are those of its social body? How do you draw these relationships from its inhabitants? How do you measure the tensions of the forms of the urban space over the cultural loads it supports? What are the dimensions of the public? What is the span its boundaries and what are its contents? This is a work made in the public space to construct these questions out of exchange and confrontation. ÁREA is the quantitative term to evidence the qualitative content of the social, political and cultural loads contained by public spaces. These contents are the boundaries that generate parallel cities, intangible frontiers that this work –from the displacements and collective participation- wants to blur. This action achieved in the construction of a new common area in the center of the city.”

Miguel Braceli CARACAS, 1983

Su trabajo abarca las prácticas sociales y los modelos educativos a través de medios tales como la performance, la instalación, el video y la fotografía. La mayor parte de su trabajo se ha desarrollado en obras efímeras de gran formato sobre el espacio público, realizando intervenciones y exponiendo en países tales como Argentina, Bolivia, Chile, Colombia, Costa Rica, Estados Unidos, España y Venezuela. Entre sus reconocimientos se encuentran el Premio de Arte Joven del Principado de Asturias (2017), Premio de Arte Público de Extremadura Supertrama (2017), Premio “Artista Internacional 2017” y “Artista Emergente 2014” de la Asociación Internacional de Críticos de Arte; Premio del Salón Jóvenes con FIA/XVII Edición (2014); entre otros. Ha conducido distintos proyectos de educación, organización y participación con distintas Instituciones, tales como el MoMA, la Embajada Americana, Matadero Madrid y el Museo de Bellas Artes de Caracas. Actualmente reside y trabaja en Estados Unidos, mientras se encuentra realizando estudios de postgrado en Bellas Artes en Maryland Institute College of Arts con una beca Fulbright.

His work covers social practices and education models through media such as performances, installations, videos and photographs. Most of his work has been ephemeral works of large format over public spaces, making interventions and exhibits in countries such as Argentina, Bolivia, Chile, Colombia, Costa Rica, United States, Spain and Venezuela. Among the recognitions he has earned are the Young Arts Award of the Principality of Asturias (2017), the Public Arts Award of Extremadura Supertrama (2017), the “International Artist 2017” and “Emerging Artist 2014” awards from the International Association of Art Critics; the Youth Exhibit Award at FIA/XVII Edition (2014); among others. He has directed various projects of education, organization and participation with different Institutions, such as the MoMA, the American Embassy, Matadero Madrid and Museo de Bellas Artes de Caracas. Currently, he lives and works in the United States, while taking graduate courses in Fine Arts at the Maryland Institute College of Arts as a Fulbright scholar.

Códice Yekuana 2019 Acrílico en tela Polipicto: Seis piezas de aproximadamente 340 x 40 c/yach Foto: Nana Irazábal / Edición fotográfica: Marvic Ruiz. Códice Yekuana 2019 Acrylic on canvas Polyptych: Six pieces, measuring approximately, 340 x 40 cm each Photo: Nana Irazábal / Photographic edit: Marvic Ruiz

Summary of the work

“Parto de la esencia de los signos estructurados en el tejido de las cestas de la cultura Yekuana, conformo una especie de protoescritura a la manera de un códice vertical. Los signos de estos códices se desarrollan dentro de una libertad multidireccional. Conforman una geometría sensible la cual convoca, a lo largo de su diseño estructural, a una especie de tejido donde lo propio y lo ajeno se encuentran generando posibilidades de interrelaciones entre signos que se superponen o yuxtaponen. Cada uno de ellos, en su convivencia, se conecta con el otro, sin olvidarse del todo. De esta manera desarrollo una protoescritura expresada a la manera de seis códices enrollables”. “I start from the essence of the signs structured in the weave of baskets of the Yekuana culture, I form a sort of proto-writing in the form of a vertical code. The signs of these codes are developed within a multidirectional freedom. They form a sensitive geometry that calls for a sort of fabric throughout its structural design, where the own and the foreign meet, generating possibilities of relationships between signs that are superimposed or juxtaposed. In their coexistence, each connects with the other without forgetting the whole. This way, I develop a proto-writing expressed in the manner of six rolled-up codes.” 76

Víctor Hugo Irazábal CARACAS, VENEZUELA, 1945

Víctor Hugo Irazábal. Artista visual y docente. Licenciado en Comunicación Social, UCV, Caracas, 1980. Maestría en Comunicación Visual y Diseño, Pratt Institute. Brooklyn, New York. USA. Inicia su carrera expositiva 1964. Premio Nacional de Artes Plásticas, 1999.

Víctor Hugo Irazábal. Visual artist and teacher. A Bachelor in Social Communications, UCV, Caracas, 1980. Master’s in Visual Communication and Design from Pratt Institute, Brooklyn, New York. USA. He began exhibiting his works in 1964. Premio Nacional de Artes Plásticas, 1999.

Entre sus exposiciones individuales se encuentran: Tieztos, Sala TAC, Caracas, Venezuela, 2018. Shapono, Cesta República, Madrid, España, 2017; Frágil, Sala Magis de Arte Contemporáneo del Centro Cultural de la Universidad Católica Andrés Bello Caracas, 2016; El Lenguaje de los Diablos. Libro y Exposición. Ciudad Banesco. Caracas, 2014; Abrasiones. Galería Parenthesis, Caracas, 2011. Su obra hace parte numerosas colecciones nacionales e internacionales.

Some individual exhibits: Tieztos, Sala TAC, Caracas, Venezuela, 2018. Shapono, Cesta República, Madrid, España, 2017; Frágil, Sala Magis de Arte Contemporáneo del Centro Cultural de la Universidad Católica Andrés Bello Caracas, 2016; El Lenguaje de los Diablos. Book and exhibit. Ciudad Banesco. Caracas, 2014; Abrasiones. Galería Parenthesis, Caracas, 2011. His work is part of numerous national and international collections.

Reconocimientos | Acknowledgements Amigos de Hispafest – Hispafest Friends Alirio Torrealba, Allan Neira, Andrea V. Gonzalez Abaji, Arlette Dueñas , Beatriz Ayala Cherubin, Eladio Roca, Humberto Ramírez, Isabella V. Gonzalez Abaji, Juan Pizarro,, María Ignacia Arcaya, María Isabel Fagúndez, Nubia E. Pineda Lizarazo, Orlando Barros Monge, Ricardo Andres A. Gonzalez Abaji, Ricardo J. Gonzalez Hernandez, Silvia Ortiz, Valentina Coriat.

Especiales agradecimientos | Special Thanks Consulados de: ARGENTINA. Min. Leandro Fernández Suarez - Cónsul General, Juliana Hecker - Culture Affairs, María Guillermina D’onofrio - Cónsul Adjunto. COLOMBIA. Pedro Agustine Valencia Laserna - Cónsul General, Regina Victoria Aruachan - Cónsul de Comunidad, Mónica Margarita Trujillo Burgos - Asuntos Culturales. CHILE. Hernán Nuñez Montenegro - Cónsul General, España Berrios Fernández - Cultural Affairs. CUBA. Diáspora cubana. ECUADOR. Pamela Jalil García - Cónsul General, Erika Giovanna Chavez - Gestión Cultural. ESPAÑA. Cándido Creis Estrada - Cónsul General, Mercedes Lubreras - Administrative Official. MEXICO. Jonathan Chait Auerbach - Cónsul General, Araceli Grave - Directora del Instituto General de México en Miami. NICARAGUA. Diáspora nicaraguense. PERÚ. Lucy Giovanna Camacho Cónsul General, José David Hurtado Fudinaga - Cónsul Adscrito. VENEZUELA. Carlos Vecchio Embajador de Venezuela en Estados Unidos. Alberto Cavalieri, Gady Alroy / José Antonio Navarrete. Artmedia Gallery, Carlos Guizar. Galería Curro, Claudia Andrade, Christian Gundin. El Apartamento, Cristóbal Zapata, David Castillo Gallery, Daleysi Moya. El Apartamento, Diego Arguelles. Estudio Gabriel Rico, Dorian Hung – Hungerstein, Elizabeth Cerejido, Francisco de Castro, Luis Aristizábal. La Galería, Marco Caridad, Marvic Ruiz, Meg Malloy, Sikkema Jenkins & Co, Melissa Timarchi. Galerie Perrotin, Nana Irazábal, Nancy Farfán. El Anexo / Arte Contemporáneo, Pablo Cardozo, Rafael Gil, Silvia Ortiz. The Americas Collection Gallery, Valeria Pecoraro, Galería Ruth Benzacar.

Exhibición / Exhibition

Publicación / Publication

Investigación, curaduría y texto reflexivo /Research, curatorship and reflective text Félix Suazo

Este libro se publica con motivo de la exposición Doble Filo. Geografías y palabras, realizada en el marco del Festival de Arte Hispanoamericano, Hispafest. Coral Gables Museum, agosto 21 – septiembre 10, 2019. This book is published on the occasion of the exhibition Double Edge. Geographies and words within the framework of the Festival of Hispano-American Art, Hispafest. Coral Gables Museum, August 21 – September 10, 2019.

Texto Yuni Villalonga Curadora en jefe / Chief Curator, Coral Gables Museum Organización y recaudación de fondos Organization and fundraising Edith Monge Silva Nubia Abají Samira Montoya Ninoska La Rosa

Editores / Editors Edith Monge Silva Nubia Abaji Diseño / Design: Mary Henríquez

Curator Félix Suazo

Director Creativo / Creative Director Dorian Hung – Hungerstein

Chief Curator Coral Gables Museum Yuneikis (Yuni) Villalonga

Coordinación Samira Montoya Corrección y traducción de textos Proofreading and English translation María Elena Peña Printed Panamericana Formas e Impresos All rights reserved. No part of this publication may be reproduced in any form (including photocopying, recording, or by another system) without permission from the publisher and authors. 2019, Hispafest

ISBN 978-1-73338-131-4