introducTION If every spectator of a work of art had the opportunity to access the space of the artist who created it, he or she would discover a fascinating and unique world where the dialogue with beauty seems to be established from the perspective of a higher consciousness. Where do images come from? What is the common thread between ideas, emotion and expression? Why is it that our exposure to the magic of nature doesn’t always result in a painting or sculpture? The colorful visual work that fills these pages with endless and varied compositions speaks to us of diversity. Regardless of the geographic references that constitute the vastness of its territory, Latin American art gives us a visual language of multiple forms and unmatched beauty that boasts the lineage of its origins. The purpose of this book is to give a different voice to the work of the artists it brings together, whilst showcasing the spirit that animates their creative pursuits. Because that is who we are, infinite voices expressed in a same canvas Edith Monge Silva Editora
introducTION Si chaque spectateur d’un oeuvre avait l’opportunité d’ accéder à l’espace de l’artiste, il découvrirait un monde fascinant et unique dans lesquel le dialogue avec la beauté semblerait s’établir depuis la perspective d’une conscience supérieure. D’où proviennent les images? Quel est le fil conducteur entre l’ idée, l’émotion et l’expression ? Si nous sommes tous confrontés à la magie de la nature pourquoi ne la transposons-nous pas sur une toile ou dans une sculpture? Le travail de la couleur dans les Arts plastiques enrichit ces pages avec l’inspiration de ses compositions inépuisables et variées. Avec l’indépendance de ses références géographiques qui constituent l’immensité de son territoire, l’art d’Amérique latine nous offre un langage visuel aux formes multiples et à la beauté inégalable, qui atteste du lignage dont il provient. Le propos de ce livre est d’offrir une voix distincte à l’oeuvre de ceux qui se sont donnés rendez-vous ici avec le lecteur afin de montrer l’esprit qui anime leur acte de création. Parce que nous sommes les voix infinies qui ont plongé dans le même tableau.
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INTROUDDCIÓN Si cada espectador de una obra tuviese la oportunidad de acceder al espacio del artista, descubriría un mundo fascinante y único, donde el diálogo con la belleza pareciera establecerse desde la perspectiva de una conciencia superior. ¿De dónde provienen las imágenes? ¿Cuál es el hilo conductor entre la idea, la emoción y la expresión? ¿Por qué si todos estamos expuestos a la magia de la naturaleza, no la llevamos a un lienzo o a una escultura? El colorido trabajo plástico que enriquece estas páginas con sus inagotables y variadas composiciones nos habla de diversidad. Con independencia de las referencias geográficas que constituyen la vastedad de su territorio, el arte latinoamericano nos regala un lenguaje visual de múltiples formas e inigualable hermosura, que alardea del linaje de donde proviene. El propósito de este libro es dotar de una voz distinta la obra de quienes aquí se han dado cita con el lector y mostrar el espíritu que anima su acto creativo. Porque eso somos, voces infinitas vertidas en un mismo lienzo. Edith Monge Silva Editora
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Prólogo Si cada espectador de una obra tuviese la oportunidad de acceder al espacio del artista, descubriría un mundo fascinante y único, donde el diálogo con la belleza pareciera establecerse desde la perspectiva de una conciencia superior. ¿De dónde provienen las imágenes? ¿Cuál es el hilo conductor entre la idea, la emoción y la expresión? ¿Por qué si todos estamos expuestos a la magia de la naturaleza, no la llevamos a un lienzo o a una escultura? El colorido trabajo plástico que enriquece estas páginas con sus inagotables y variadas composiciones nos habla de diversidad. Con independencia de las referencias geográficas que constituyen la vastedad de su territorio, el arte latinoamericano nos regala un lenguaje visual de múltiples formas e inigualable hermosura, que alardea del linaje de donde proviene. El propósito de este libro es dotar de una voz distinta la obra de quienes aquí se han dado cita con el lector y mostrar el espíritu que anima su acto creativo. Porque eso somos, voces infinitas vertidas en un mismo lienzo. Edith Monge Silva Editora
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ALEXANDRA
“La pintura, desde la época de las Cuevas de Altamira, es un arte total. El atractivo del lienzo inmaculado, la hoja en blanco o la pared vacía se mantendrá en el tiempo no obstante cualquier avance tecnológico imaginable. Es la seducción del espacio inexplorado donde el artista aún no ha dicho nada. Hacer una nueva obra es buscar cada vez, música y ritmos entre colores y temática. Es explorar un concepto, como la alteridad por ejemplo; pintar es una tarea intelectual y gestual. Pintar es
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Trapéziste en plein vol. Acrylic, mixed media with collage on paper. 30 x 26 cm. 2010. © Jean-Marie Aragon
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para mi una forma de narración (la poesía está presente en mi trabajo hasta en la escogencia final del título) y un acto ecológico, en el que se citan papel, colores naturales y collages de viejos dibujos míos (economía circular de mi propia obra)”. La inspira la hoja de papel virgen, lisa o con un grano específico, de un blanco perfecto con un pequeño toque ocre. Escoge el papel como lo hiciera con una manzana: selecciona el que le da más aliento. Le inspiran los pinceles. “Tengo la colección de pinceles japoneses de mi padre. Que continúe la filiación: esos pinceles son mi Stradivarius. Y ante todo, la poesía. Nada de realismo en lo mío. Mi pintura es el reflejo de Narciso en el agua. Pintar es domar los leones con quienes la cohabitación es difícil”. Le gusta utilizar el óleo con cierto tipo de papel grueso o sobre madera. El lavis tal como lo utilizan los asiáticos en sus dibujos, le resulta imprescindible. También disfruta con la técnica mixta y sus diferentes médiums como el acrílico, los lápices, el grafito y el collage que le dan riqueza a la obra.
Zebra Walk. Mixed media with collage on paper. 50 x 29 cm. 2010. © Jean-Marie Aragon
Der Tod un das Mädchen. (La muerte y la Doncella). Mixed media with collage on paper. 32 x 29 cm. 2010. © Jean-Marie Aragon
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eduardo
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Bloques de acrílico en distintos formatos.
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Eduardo Sanabria EDO, es un artista marcado por el color y atrapado por la música. Con formación académica en Diseño Gráfico, hace gala de un profundo sentido de solidaridad y una capacidad innata para establecer relaciones y multiplicar el tiempo. Una característica predominante en su especialidad, la caricatura, es la desproporción, la exageración de la realidad, la deformación de los rasgos. La caricatura carece de delicadeza en el mensaje. Es directa, es inmediata, es mordaz. Así cumple con su función moral y crítica. Es el interlocutor travieso que presta su voz a la mayoría. Las caricaturas de EDO, también humedecidas en las aguas de la sátira, son sin embargo amables. Quizás porque están impregnadas de color y sonido, o porque tenemos una cercanía afectiva con los personajes que pinta. The Beatles, Celia Cruz, The Rolling Stones… música y dibujo, dos elementos con resonancias infantiles que lo acompañan a toda hora. “Dibujo desde niño y a esos artistas los conozco bien porque un tío me regalaba sus discos. Mi forma de abordar una obra comienza con el conocimiento del personaje. Leo e investigo sobre él. Es un proceso que disfruto mucho, sin horarios. Puedo trabajar en un boceto hasta la madrugada, porque sencillamente me encanta”.
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Dimensiones sobrepuestas El espectador, segĂşn se ubique con respecto a la obra, puede disfrutar de un juego visual y una perspectiva distinta.
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CARLOS
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Claudia. Óleo sobre tela. 14” x 18”
El despertar de la conciencia implica un largo proceso de introspección cuyo norte no es otro que la espiritualidad como realidad alterna a los sentidos. Las representaciones pictóricas de Carlos Martínez León están signadas por la búsqueda de respuestas a la ancestral pregunta, ¿quién soy? Entender a Dios como parte de la esencia del hombre le permitió asumir que la existencia física es solo un instante en el proceso evolutivo del espíritu. En este sentido la pintura se convierte en un medio para entenderse a sí mismo, exteriorizar su mundo interno y adentrarse en posibilidades que se ubican por encima del ejercicio intelectual. Trabaja en silencio con plena consciencia de su necesidad de acceder a un lenguaje liberador en el que el tiempo espacio estético donde lo caótico se vuelve coherente. Formado en The Florence Academy of Art, Italia, utiliza como herramientas el grafito, el carbón y el óleo sobre tela o panel, aunque otras técnicas también pueden intervenir en sus obras. “Los pinceles son mis compañeros de cada día”. Ocasionalmente se vale de los recursos digitales para concretar una idea.
The Door. Óleo sobre tela. 18” x 24”
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The Scream. Óleo sobre tela. 22” x 30”
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INGRID
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Eligió la escultura porque le gusta la manera en que la obra se vincula con el espectador, quien tiene la facultad de rodearla e inclusive entrar en ella. La experiencia espacial que permite la obra tridimensional genera un vínculo, una vivencia integral, sensorialmente intensa por la posibilidad de tocar y desplazarse. La relación con la escultura va más allá del mero acto contemplativo. “A nivel subatómico toda la materia del universo comparte un mismo hilo conductor. Nuestros pensamientos y acciones repercuten en el entorno porque somos parte de esa trama de infinitas interconexiones donde orden y propósito son una realidad. Mis esculturas están formadas por distintos elementos que si bien son autónomos, al reunirse adquieren una nueva significación, la conjunción los redimensiona. Unidad no obstante la aparente diversidad”. La naturaleza es su fuente de inspiración principal, especialmente el mundo vegetal y el agua, en peligro constante de desaparición. Si bien es cierto que su trabajo siempre se ha asociado al ámbito de lo arquitectónico, esta situación ha sido consecuencia del tratamiento de los elementos formales tridimensionales, no la causa desde donde parten sus obras. www.ingridlozanopizano.com
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Luna roja. 2015. Acero soldado y policromado. 25 x 23 x 15 cm
Fragmento de esfera. Acero soldado. 52 x 45 x 15 cm. 2015.
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Torre 8. 2014. Bronce patinado. 50x15x12 cm
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jesús
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Serie La mirada I. Óleo/Canvas. 48” x 120” (Díptico). Obra ganadora Honor Mention 2014 Internatioonal Figure Painting Competition. New York, USA.
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Un comunicador de historias con colores, un cuenta-cuentos que se inspira en la gente, en la naturaleza y en lo que denomina “el reino extraño y enigmático que no podemos ver, porque sus códigos están más allá de todo entendimiento”, así se define Jesús Villarreal, para quien la abstracción del amor constituye su mayor fuente de inspiración. “Pinto porque es parte de mi ADN; porque vino conmigo impregnado en mis células, en mi cuerpo visible e invisible, en mi alma, es decir, en todo mi ser. No podría concebir mi vida sin pintar; es como si le pidieras al jilguero que deje de cantar. Pintar es dar color a un pensamiento; pintar es dejar escapar la música a través de
una pincelada; pintar es ver la tierra vestirse de cielo y el cielo vestirse de tierra; pintar es sinestesia donde el color se vuelve música y la música color”. Aunque no trata de llevar un mensaje, “termino siendo una paloma mensajera que no le teme a las fronteras; donde la nada se vuelve un parlante que apela a su propia voz. Comunico con una paleta de colores que tiene mi propio verbo; un verbo que conoce y desconoce a la vez, que viene de lo alto y preña mi pensamiento para dar origen a la siguiente obra de arte”. Usa técnica mixta, óleo con impasto y frotado y raspadura capa sobre capa aplicando el procedimiento del siglo XVII. También el acrílico y el pastel.
El Niño de la Máscara de Oro. Óleo/Canvas. 64” x 51”. Colección del Museo de Boca Ratón, Florida, USA.
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Los locos de Dios. Óleo/Lino. 72” x 96”. Colección del MEAM Museo Europeo de Arte Moderno, Barcelona, España.
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luis alberto
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Omni volorerchit, optatur aliquos abo. Xerfers pelendio magnime con nieniae venda quatur? Esed ut hil est lacid mil et lam auda plitius es consed quation eceperc hicitinctus min rem reperias exerem essunt fuga. Hariore vellacc ulparunt faccum in non et, am quidipissus cuptam earchil lorerum earum apelectur saperi rerenem fugit aut labor mo quamustinus.
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Elesequaspit et as derspelia doluptatus, quiam etur? Et ut est at re occus aliquodipsum dolorestiis nos sedicto odipien ditaque ne ipiduci volo doluptatem quae voluptate verions equibust estibus coressi tiumqui net adis aut lanihictur as eum inciet vollit aperio des idesti ut as moluptae sinullu ptatusdam ipsandior sunda consequunto quae re natem quiae quo omnihic ipidel molupta que perum hilicatquae officti volorem rem adit ut exerovit ut eiciet adisquae seratios volupta tiistia speribusdam esequodi dis que parum cupta volorro ium qui ilitiusa volupta eceres dolorruptas nis simet ommodit exerum suntur remperu ptatur, nis re ex et harum et quiae parcilit ped quat reribus mos elissedicia nonseque autas dolecup taturiam fugitatibusa cumquas vendam, ut quiaepe riaescid qui toria dolupic ienteni milignam, utem etur modic temporpor sam, omni ande pelit aut elestios aborum nobita volupta sunt fugiaer cientus enimende nistrum, consed quam evendig eniminullent est liqui deliae nestinc ilique endus estrum intia ide as pra si quia denimen ihiciis dolorpos volest, antibus ut liquo moditatet ommolup tatecti usaped maximust veliquiam, sapis ea voluptat quationsedia nime et quibus reiciendi ra consequam re velicipis maxim latur assi dolenis qui ipsa ius, sequam
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luis miguel
Viajero de muchos mundos, los pasos de Yarum se cuentan por miles en la colección de imágenes que narran sus andanzas. En sus manos la cámara actúa como el espacio donde la irracionalidad adquiere lógica. El documentalismo nos regala realidades sin maquillaje con trasfondos y paisajes inenarrables. Y rostros y más rostros de distintas procedencias hermanados por el lenguaje de la condición humana. “La fotografía siempre me gustó. Desde pequeño. Cuando por primera vez vi una cámara, me llamó tanto la atención que un tiempo después un tío me la dio como regalo. Así comencé en este océano de imágenes”. Del rollo de película a la fotografía digital. Del juego de luces y sombras de la nocturnidad al street photo, el gesto ambulante que agita el ojo con la convulsión de la ciudad. “Más que expresar algo en particular lo que quiero es entrar en contacto con todo lo que me rodea. A mi sorprende desde lo más simple hasta lo más complejo. Me gusta la vida, la calle, la gente, la naturaleza. Como artista siempre estoy cambiando mi fuente de inspiración”. www.yarumphotos.net
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Viejo y niño. Impresión químico digital en papel fotográfico.
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El vendedor de opio. Impresión químico digital en papel fotográfico
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Tamunangue. Impresión químico digital en papel fotográfico.
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magui
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De la serie “Entre Cielo y Tierra”. Fotografía analógica B/N. Impresión digital. 50 x80 cm.
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La contemplación no es solo un verbo en el lenguaje de Magui Trujillo, sino un estado del Ser. Así, con mayúscula. Y esta contemplación solo es posible cuando existe el silencio mental, cuando cesa el parloteo y se impone la mirada interior. Desde esa inflexión mística se produce el encuentro con la imagen. El lente se detiene en las texturas, las formas abstractas, el agua, la piel... La calidad y el rigor forman parte del trabajo de Magui. Pureza en las formas que parecen deslastrarse de todo accesorio inútil dejando solo la sugerente desnudez. “En el desarrollo de mi obra el lugar geográfico y el tiempo no son importantes. Me sirvo de la fotografía para el ejercicio de la introspección y también como herramienta que me permite tejer un lazo estrecho con los símbolos que se desprenden de cada uno de mis trabajos”.
De la serie “Entre Cielo y Tierra”. Fotografía analógica B/N. Impresión digital. 50 x80 cm.
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De la serie “Entre Cielo y Tierra”. Fotografía analógica B/N. Impresión digital. 50 x80 cm.
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Martin G
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“¡Me inspira la vida! Todo lo que se mueve, todo lo que vibra, todo lo que causa un efecto. Me inspiran los colores y sus diferentes tonalidades. Me inspira la naturaleza, lo abstracto, la arquitectura, la música, las personas.... me inspira todo lo que me rodea y todo lo que veo se transforma en figuras geométricas”. El colorido de la obra de Martin G. Schoffel y sus inagotables composiciones geométricas nos sumergen en un ámbito de infinitas posibilidades. Un espacio al que llegó muy joven, de modo espontáneo, sin que hubiese tenido relación previa con el arte cinético.
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“De niño acompañaba a mi papá en sus visitas a las galerías. Aunque no entendía exactamente de qué se trataba todo eso, sí disfrutaba la atmósfera y su admiración por el arte. Irónicamente nunca vi un Cruz-Diez o un Soto en mi casa. Todo era un Tomás Golding, un Moncada. Ávilas y paisajismo. Ahora en mi mente, lo que veo se transforma en figuras geométricas. La secuencia de las hojas de una palmera, por ejemplo. Las aspas de un ventilador, los marcos de las ventanas. Y en todo hay luz y color transformando estas figuras continuamente, sugiriendo el movimiento”.
Dimensiones sobrepuestas El espectador, según se ubique con respecto a la obra, puede disfrutar de un juego visual y una perspectiva distinta.
Geometría y color. Esta pieza elaborada sobre aluminio permite múltiples efectos ópticos que se producen por el juego de la geometría y la gama de colores. El espectador puede así disfrutar de la obra al experimentar con sus diversas interpretaciones.
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miguel
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Collage Bar 3 Fotomontaje. 3.93 x 7.84 ft.
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Las ciudades, la arquitectura, la historia... Miguel Acosta utiliza el collage para involucrar la ciudad y la arquitectura con las demás formas del arte. “La ciudad me interesa como un territorio en donde el ser humano se demuestra, se comprueba. Esa comprobación está en la historia. Pero para verla así, hay que verificar de dónde viene. El crecimiento de una ciudad es similar al de una célula que se subdivide y apodera, prolifera, invade y se multiplica…para descifrarla se requiere de las herramientas del acto creativo, mediante el dibujo, la pintura, la fotografía, etc., y a través del collage como sistema de asociación forzada”. En estos trabajos pueden apreciarse secuencias de montajes artificiales sobre fondos naturales y viceversa: encuentros sorpresivos de te-
mas y medios expresivos cuyo soporte visual es la serialidad vertical, en una secuencia de lectura natural de un extremo a otro de la composición. “Se trata de montajes intervenidos digitalmente con fotos de trabajos previos – dibujos, grafismos, pinturas, esculturas – sometidos a distorsiones, producto de compresiones y extensiones transformadas en barras verticales las cuales fungen de soporte y contención. El blanco y el negro participan como pausas en la serie”. Estos planteamientos, unidos a su labor de muchos años como profesor en la Facultad de Arquitectura y Urbanismo en la Universidad Central de Venezuela, señalan una aproximación a la comprensión del fenómeno de la ciudad como hecho cultural y testimonial de las relaciones del hombre con su entorno físico y estético.
Collage Bar 1 Fotomontaje. 3.93 x 7.84 ft.
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Collage Bar 2 Fotomontaje. 3.93 x 7.84 ft.
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MILIXA
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Trasladarse a otros tiempos, sentir que forma parte de culturas pasadas y que hay proximidad con sus rituales y dogmas es un ejercicio de inspiración diaria para esta artista nacida en Valencia, Venezuela, que transpira una serena lejanía y que cree que su lenguaje visual viene desde la niñez. Siente que la mejor manera de expresarse es la pintura. Se esfuerza en la creación de una imagen icónica inolvidable, cuya narrativa no tenga tiempo ni lugar y trascienda el género y la cultura. “Realmente espero dejar mis reflexiones en la mente de las personas”. Formada académicamente en Florencia, Italia, sigue el método de los maestros del siglo XIX aplicando una visión contemporánea a sus trabajos. El medio preferido es el óleo -por su plasticidad y nobleza- sobre lino o tabla, aunque también el carboncillo, el lápiz y punta de plata. Prefiere los hechos a mano porque tienen la consistencia que le gusta además de ser más puros y de mayor calidad. Frecuentemente combina materiales y texturas dependiendo del tema que desarrolle. “Me interesa particularmente desvelar el misterio que envuelve a cada personaje que involucro en mis proyectos. Me hago una con sus agonías, victorias y derrotas. Vivo sus historias. Experimento su poder. Asimismo me siento atraída por la mitología y sus representaciones simbólicas, por todo aquello que nos habla de creencias y costumbres. Eso me permite adentrarme en la naturaleza humana que es una forma de adentrarme en mi propia naturaleza”.
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Ipazia. Óleo/Lino. 32” x 22”
Gaia. Óleo/Lino. 50” x 48”
There is no way out. Óleo/Lino. 40” x 35”
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NIDIA DEL
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A través de la escultura ha podido expresar de la vida, los encuentros y desencuentros, los sueños, las añoranzas, los afectos, su país, su continente y contenido, lo inconmensurable del universo y lo sublime del espíritu. Valores importantes para la creación de otra realidad, la de la escultura que se traduce en símbolos de fuerza, lealtad y amor. “Como mujer me siento comprometida, complacida y agradecida de la época que me ha tocado vivir donde no existen fronteras de nacionalidad, lengua, sexo y pensamiento para dejar con mi obra un legado de mi existencia”. La naturaleza, el espacio y el tiempo, presentes como fundamento primordial en la creación del concepto y las formas. La madera es la materia protagónica, aunque lo metálico también se manifiesta en algunas piezas que rinden tributo al avance tecnológico del siglo xx. En otras propuestas lo territorial se expresa en formas decantadas, signadas por la geometría y las texturas agrestes y negras “que hablan de este territorio que habitamos los venezolanos, el del oro negro, el petróleo”. En la realización técnica utiliza herramientas tradicionales como la gubia para la talla, la motosierra para los cortes, el taladro y los pernos para el ensamblaje. Las pátinas reflejan las huellas del tiempo.
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Umbral. Hierro oxidado y madera teñida. 2.00 m x 40 x 15 cm.
Columna Fragmentada. Madera y resina. 2.10 m x 30 cm.
De la serie Territorio Mineral. Madera quemada y patinada. 70 x 30 x 80 cm.
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NICOLE
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Como dijo Picasso, “pintar es otra manera de llevar un diario”, así que en cierta forma la pintura también retrata los estados de ánimo del artista. Cada una de las obras de Nicolle Cure se sitúa en una etapa, como banderas que marcan conquistas en su vida. Los pinceles, el lápiz y la tinta entran en juego para expresar las múltiples imágenes, pensamientos y sentimientos que la palabra no alcanza a abarcar. “Me inspiran mis propias vivencias las buenas y las malas. Las interacciones diarias con familiares amigos y desconocidos que se cruzan por mi camino para darme enseñanzas que a primera vista parecen insignificantes, pero que al final terminan teniendo un gran impacto en mi vida”. A lo largo de su trayectoria como artista, ha utilizado muchas técnicas y materiales con predominio de los acrílicos y las tintas. No se limita a pintar sobre lienzos o tablones sino también sobre superficies irregulares como figuras de madera, vidrio, tela o metal, incorporando tridimensionalidad a las obras. “Trato de encontrar un balance acorde con el equilibrio existente en el universo y ubicar mi misión espiritual para conmigo y mis semejantes”.
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Spectrum Dance. Pintura acrílica sobre lienzo. 30” x 48”
Blossom of Dreams. Pintura acrílica sobre lienzo. 48” x 36”
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Femeninity of Samba. Pintura acrílica sobre lienzo. 30” x 48”
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RAFAEL
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Déjame asomarme a ver. 36” x 42”. Serie de 3 y prueba de artista.2015. Intervención Gráfica Digital. Impresión profesional en “6 SubliJet IQ Ink”, calidad museográfica, sobre substrato de aluminio.
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No hay duda del abrazo de Rafael Muci a la calidez del bossanova, ritmo armónico y colorido saturado de saudade, esa dulce nostalgia de recuerdos gravitando una y otra vez en la memoria, marcando el compás creativo. Artista visual, utiliza la pintura y el dibujo incorporados a la fotografía, así como la manipulación digital, para distorsionar la imagen y crear nuevas texturas y dimensiones. El color y la saturación alineados con emociones subconscientes, permiten distintos niveles de resonancia y vibración en el discurso óptico. El resultado es un producto de alto contenido gráfico y poético. “Pintar es un proceso visceral, constante más no instantáneo. Una manera de vivir el mundo y expresarlo sin verbo ni palabra. El porqué de mi oficio es un vestido que llevo puesto, es el color del cielo, es el tráfico en la calle, la noticia, mi historia... El porqué pinto se resume, quizá, en ¿por qué existo?...” Cuando trabaja en una impresión, utiliza la técnica de “impresión gráfica de museo con calidad de archivo”, estampa de alto lustro, con protección UV, que por lo general fija a una lámina de aluminio, resultando una imagen donde las sombras y las luces añaden profundidad al mensaje, mientras el aluminio le mantiene sobrio y elegante. Si la obra tiene connotaciones figurativas y es manipulada digitalmente, imprime en lienzos de algodón o lona, que posteriormente vuelve a intervenir. Para los dibujos y pinturas sobre papel o lienzo usa tintas indelebles y acrílicos. “Disfruto experimentando con materiales y substratos distintos. Descubrir nuevas texturas es descubrir nuevos vocablos plásticos”. www.rafamuci.com
ARTISTAS I Imagen y Palabra
El frutero. 48”x 48”. Serie de 3 y prueba de artista.2014. Intervención Gráfica Digital. Impresión profesional en “6 SubliJet IQ Ink”, calidad museográfica, sobre substrato de aluminio.
J-G Stark. 48”x 24”. Serie de 3 y prueba de artista. 2013. Intervención Gráfica Digital. Impresión profesional en “6 SubliJet IQ Ink”, calidad museográfica, sobre substrato de aluminio.
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SANTIAGO
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La escultura vista como eje y misión de vida, como espacio donde el artista comulga con la materia y la transmuta, adquiere ante el espectador una resonancia distinta, un tinte de sacralidad ineludible. En Santiago Aguirre, las líneas puras y los elementos triangulares dan inicio a un discurso estético que idealiza la cosmología, componiendo y simbolizando los astros y planetas, los efectos astronómicos. Son representaciones estelares que se materializan en esculturas con una visión mucho más abstracta y purista. “Me inspira un buen libro, una cálida conversación, una buena película, lo no comprendi-
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do… Me atrae lo etéreo, los pequeños detalles que pasan desapercibidos para la mayoría y donde a veces encuentro mi musa. Y sobre todo me atrae la música, que me lleva de forma consciente a mi estado ideal de creación”. Aunque proviene de la formación y tradición de la talla en madera, durante los últimos años Santiago Aguirre trabaja con la técnica de la soldadura eléctrica, el hierro y la oxidación en esculturas y relieves con pátinas con ácido. Eventualmente también utiliza los colores primarios con acabados industriales para pintar las obras.
Desde mi ventana - Tributo al Ávila. 90 x 125 x 20 cm. Acero soldado patinado. 2016.
Hacia el pinรกculo. 155 x 77 x 77 cm. Acero soldado patinado. 2013.
Portal. 40 X 20 X 22 cm. Acero soldado patinado. 2015
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WILFREDO
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Pinto porque está dentro de mí el don de crear y es a través de la pintura que expreso mi pensar y mi sentir. Pinto porque es una expresión del alma, y es la forma de plasmar mis pensamientos. Pinto porque por la inocencia de la pincelada me permite demostrar mi sentir. Sencillamente pinto porque nací para pintar y nací pintando.
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Me inspiro en la naturaleza, en el perfecto fondo del mar, en su flora marina y lo virgen de sus paisajes. Me inspiro en el movimiento de las aguas. Me inspiro en el canto de los pájaros, en los amaneceres y atardeceres. Poder sentir la inspiración dentro de mí es sentir un motivo para vivir. Deseo comunicar un mensaje de alerta para la preservación de los mares. Deseo que muchos entiendan que Dios nos regaló los mares sin contaminación, y por la inconsciencia de muchos, ese paisaje está desapareciendo. Debemos aprender a dejar un legado de amor a las generaciones futuras y no de destrucción, mi pintura es mi aporte, mi grano de arena en el mar. Utilizo principalmente telas, cartón, madera. Trabajo sobre distintas superficies siempre que su textura me permita expresar mis ideas. Utilizo diversos pigmentos acrílicos y tintas a base de resinas también acrílicas, materiales no tóxicos diluidos con agua.
Esferas de mar. Acrílico sobre tela. Técnica mixta. 68.5” x 27.1”
Acuarios. Acrílico sobre tela. Técnica mixta. 76.5” x 35,20”
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Algas y Corales. Acrílico sobre tela. Técnica mixta. 70” x 31”
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