Distorsion_Cahier complet by Les Éditions CEC

1er cycle du secondaire

i t s s Di or on Cahier d ’ apprentissage en musique

Serah Langley Véronique Tiennot Michel Fortin

CONFORME À LA PROGRESSION DES APPRENTISSAGES

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25/03/10

11:18

Page 82

1er cycle du secondaire

i t s s Di or on Cahier d ’ apprentissage en musique

Serah Langley Véronique Tiennot Michel Fortin

9001, boul. Louis-H.-La Fontaine, Anjou (Québec) Canada H1J 2C5 Téléphone : (514) 351-6010 • Télécopieur : (514) 351-3534

Direction de l’édition Catherine Goyette

REMERCIEMENTS Les auteurs et l’Éditeur remercient les personnes suivantes, qui ont participé au projet.

Direction de la production Danielle Latendresse

Consultation scientifique François Jetté

Direction de la coordination Rodolphe Courcy

Consultation pédagogique Sylvain Codère, enseignant, Polyvalente Montignac Jean-Pierre Mailloux, enseignant, École secondaire La Camaradière Jean-François Massicotte, enseignant, École Saint-Romuald Christian Roussel, enseignant, École polyvalente La Pocatière

Charge de projet Sylvie Brousseau Révision linguistique Marie Auclair Correction d’épreuves Marie Théorêt

Sources iconographiques H Haut B Bas D Droite M Milieu FP Fond de page

Conception et production

Shutterstock III © Artush 1 © Spectrum Studio 2 © Sparkle 3 © jannoon028 4 H © tanewpix 4 de H en B © binik 5 BG © Archman BD © BEEE 10 © dgmata 15 © Vinogradov Illya 18 © Andrey_Popov 24 GH © Martin Kemp GB © shipfactory 26 © Andi Berger 27 © Stokkete 28 © Dmitry Skutin 29 © melis 30 © Horiyan 32 © Aaron Amat 34 © Dreamy Girl © Aliaksandr Radzko © Hein Nouwens © Abdurahman © Thumbelina © petrroudny43 © Ksanawo © Tshooter © Yoko Design © diskoVisnja © LANTERIA 36 © vector illustration 38 M © abstract 42 MD © dan8 B DoublePhoto studio 46 BD © Georgios Kollidas 49 G © moonfish8 M © Plutonius 3d D © Vereshchagin Dmitry 50 H © AR Pictures 54 © shipfactory 57 © Pavel L Photo and Video 58 H © JStone 63 de H en B © moonfish8 © Russell Marini © Robynrg © Sideways Design © ayzek © marijaf © optimarc © GrashAlex © Dario Sabljak 68 © Artem Furman 74 H © pixy 77 © DoublePHOTO studio 80 © nikitabuida 90 B © TDC Photography 94 MH © KathyGold 95 © Yeko Photo Studio 96 © Aaron Amat 98 G © Featureflash D © cinemafestival 99 © Mix3r 102 H © s_bukley 106 H © Roberto Marinello B © Featureflash 109 © donatas1205 110 B 1re © Maljalen B 2e © Pavels Arsenjans B 3e © Celso Pupo 112 © Andrii Muzyka 114 HG © Lack-O’Keen 117 © stockyimages 118 B © N. Sritawat 120 © Blaj Gabriel Corbis 38 H © Stephane Cardinale/People Avenue 46 H © Lebrecht Music & Arts/Lebrecht Music & Arts 50 B © Lebrecht Music & Arts/ Lebrecht Music & Arts 58 B © Neal Preston 62 © Armando Arorizo/ ZUMA Press 70 H © Bettmann 70 BG © ColouriserAL/Lebrecht Music & Arts/Lebrecht Music & Arts 74 B © Bettmann 78 H © Lebrecht Music & Arts/Lebrecht Music & Arts 82 H © MAXIM SHIPENKOV/epa 86 H © The Gallery Collection 86 B © Leemage 90 H © Bettmann 94 B © STR/epa MB © Sion Touhig/ Sygma 110 H 1re © CraSH imageSPACE/Splash News H 2e © Scott McDermott 114 HD © Condé Nast Archive B © Underwood & Underwood 122 D © Brian Cahn/ZUMA Press Getty images 66 H © Ted Williams M © Alain BENAINOUS 78 B © Yale Joel 94 H © Topical Press Agency Alamy 100 © World History Archive iStock. 102 B © 10Path2Advance Autres sources 54 H © François Boucher 66 B à venir 82 B Sophie Samsom 118 B © Melika Dez 122 G © Alexandre Donato Sources des partitions et des paroles Discombobulate (from « Sherlock Holmes ») Composed by HANS ZIMMER © 2009 WARNER-OLIVE MUSIC LLC (ASCAP) All Rights Administered by UNIVERSAL MUSIC CORP. (ASCAP) Exclusive Worldwide Print Rights Administered by ALFRED MUSIC All Rights Reserved ; Enfant de la terre, Auteurs : Samuel Tremblay, Dono Bel Charles ; Compositeur : Jean-Thomas Cloutier ; Interprète L Samian et H’Sao. Disques 7ième Ciel ; WALTZ NO. 2 from SECOND SUITE FOR VARIETY ORCHESTRA (JAZZ SUITE NO. 2), by Dmitri Shostakovich, Copyright © 1961 (Renewed) by G. Schirmer, Inc. (ASCAP). This arrangement © 2015 by G. Schirmer, Inc. (ASCAP), International Copyright Secured. All Rights Reserved. Used by Permission. À compléter

Production des partitions

mnigraphe

Illustrations Patrick Désilets

La Loi sur le droit d’auteur interdit la reproduction d’œuvres sans l’autorisation des titulaires des droits. Or, la photocopie non autorisée – le photocopillage – a pris une ampleur telle que l’édition d’œuvres nouvelles est mise en péril. Nous rappelons donc que toute reproduction, partielle ou totale, du présent ouvrage est interdite sans l’autorisation écrite de l’Éditeur.

Distorsion, 1er cycle du secondaire Cahier d’apprentissage © 2015, Les Éditions CEC inc. 9001, boul. Louis-H.-La Fontaine Anjou (Québec) H1J 2C5 Tous droits réservés. Il est interdit de reproduire, d’adapter ou de traduire l’ensemble ou toute partie de cet ouvrage sans l’autorisation écrite du propriétaire du copyright. Dépôt légal : 2015 Bibliothèque et Archives nationales du Québec Bibliothèque et Archives Canada ISBN 978-2-7617-7886-2 (Cahier d’apprentissage, 1er cycle) ISBN 978-2-7617-8304-0 (Carnet des savoirs, 1er cycle) ISBN 978-2-7617-8305-7 (Ensemble Cahier d’apprentissage et Carnet des savoirs, 1er cycle) ISBN 978-2-7617-8303-3 (Ensemble Cahier d’apprentissage et Carnet des savoirs, version MaZoneCEC, livraison électronique) ISBN 978-2-7617-7888-6 (Ensemble Cahier d’apprentissage et Carnet des savoirs, version MaZoneCEC, livraison postale) Imprimé au Canada 1 2 3 4 5 19

Table des matières Présentation du cahier........................................... V

Section 1

Théorie

musicale

Unite 1

Unite 3

Les notes, la portée et la clé....................2

Les tons et les demi-tons, les gammes et les intervalles................ 16

Les notes......................................................................... 2 La portée.......................................................................... 2

Les tons et les demi-tons............................................16

La clé................................................................................ 2

Les altérations................................................................18

Des trucs pour mémoriser les notes........................... 3

La gamme.......................................................................21

Les lignes et les interlignes supplémentaires.............. 6

L’accord..........................................................................21

Unite 2 Les figures de notes et de silences, la mesure et les chiffres indicateurs..............................................................7

L’arpège...........................................................................21 Les intervalles...............................................................23

Unite 4

Les figures de notes et les figures de silences.......... 7

Le tempo, les nuances, l’accentuation et la reprise.................... 24

La mesure et la barre de mesure................................. 9

Le tempo........................................................................24

Les chiffres indicateurs................................................. 9

Les nuances.................................................................. 25

La mesure à ................................................................10

Les signes et les termes d’accentuation...................26

Le point d’augmentation...............................................12

Les mouvements mélodiques......................................29

La mesure à ................................................................13

Les signes de reprise et de renvoi...............................31

La cellule rythmique......................................................14 La liaison de prolongation.............................................14 Mesure à 2 temps, à 3 temps ou à 4 temps.............. 15

III

Section 2

Exploration

musicale

Chapitre 1 À ton rythme !......................................................... 35 Œuvre : « New Soul » Artistes : Yael Naim et David Donatien Notions : La mesure à , la partition pour voix et piano, le thème, la forme ABA

Chapitre 2 Tout en contraste !.............................................. 43 Œuvre : « Valse no 2 » Artiste : Dmitri Chostakovitch Notions : La mesure à , des nuances et des signes d’intensité, le phrasé contrastant, le timbre des instruments

Chapitre 3 Chanter ses opinions.......................................... 51 Œuvre : « Bonyeu » Artiste : Les Colocs Notions : La forme couplet-refrain-instrumental, le tempo, les chiffres indicateurs C et C barré, la batterie

Chapitre 4 Le jazz : une fusion de styles......................... 59 Œuvre : « The Jazz Police » Artiste : Gordon Goodwin Notions : Les instruments du big band, le phrasé jazz, le swing, la notation musicale en anglais

Chapitre 5 Bach et l’effet miroir........................................ 67 Œuvre : « Canon 1 a 2 », Offrande musicale Artiste : Jean-Sébastien Bach Notions : La symétrie, l’augmentation, les altérations, la liaison de prolongation

Chapitre 6 Trouver sa voix… ................................................. 75

Chapitre 7 La virtuosité en action !.................................... 83 Œuvre : « Caprice no 24 » Artiste : Niccolò Paganini Notions : Les doubles croches, une façon efficace de s’exercer

Chapitre 8 « James Bond Theme » : les codes secrets d’un succès...................... 91 Œuvre : « The James Bond Theme » Artiste : Monty Norman Notions : Les codes du suspense dans la musique de film : chromatisme, riff de guitare, cuivre, phrasé

Chapitre 9 Les gammes majeures et mineures : une gamme d’émotions.................................... 99 Œuvre : « Discombobulate », Sherlock Holmes Artiste : Hans Zimmer Notions : La gamme majeure et la gamme mineure naturelle, le saute

Chapitre 10 Un accord de paix...............................................107 Œuvre : « Stand by me » Artiste : Playing for Change Notions : La construction des accords, la progression d’accords

Chapitre 11 Enfants de la Terre............................................ 115 Œuvre : « Enfant de la terre » Artiste : Samian Notions : Le rythme croche-deux doubles croches, la phrase musicale dans la musique pop et rap

Œuvre : « Summertime » Artiste : George Gershwin Notions : La tessiture vocale, les bases de la technique vocale, les signes de reprise et de renvoi

Présentation du cahier Structure et organisation du cahier La collection Distorsion comprend un cahier d’apprentissage ainsi qu’un Carnet des savoirs afin de développer les compétences et les savoirs essentiels relatifs à la musique au 1er cycle du secondaire, tels que ciblés dans la Progression des apprentissages (PDA). Le cahier comporte deux sections :

Section 1 La théorie musicale Cette section compte 32 pages divisées en 4 unités. On y présente les notions théoriques nécessaires à la construction des savoirs et au développement des compétences selon la PDA. Chaque notion théorique est accompagnée d’exercices de consolidation. Au besoin, d’autres exercices sont offerts sous forme de fiches reproductibles dans le guide. Les notions théoriques sont reprises, à titre de référence, dans le Carnet des savoirs.

Section 2 L’exploration musicale

Les nuances Les nuances indiquent l’intensité des sons. On utilise aussi très souvent l’italien pour les désigner. Voici les nuances les plus utilisées. Symbole ø

Théorie

π ∆ ∑

Terme italien

Signification

Pianissimo

Très doux

Piano

Doux

Mezzo-piano

Moyennement doux

Mezzo-forte

Moyennement fort

Forte

Fort

∂

Fortissimo

Très fort

Crescendo

De plus en plus fort

Decrescendo

De plus en plus doux

Crescendo et decrescendo

De plus en plus fort et de plus en plus doux

Exercices 1

Écris le nom italien de la nuance qui correspond aux exemples suivants. a) Le son que fait un train qui approche. b) Le son que fait un train qui s’éloigne.

Exercices

Écris le mot italien qui correspond aux symboles suivants. a) ø

c) ƒ

b) ∂ 3

f) ∆

a) 4

e) π

d) ∑

Quel est le terme employé pour décrire chacun de ces symboles ? b)

Joue la mélodie suivante en respectant le rythme et les nuances indiqués.

2 & b 4 œ œ F Lento

Cette section compte 88 pages divisées en 1 1 chapitres de 8 pages. On y présente chaque fois une oeuvre musicale (une piste audio et un extrait de partition). Les notions vues dans la section 1 sont ainsi mises en contexte afin d’être approfondies et concrètement réinvesties. On peut exploiter toute la section 1 avant la section 2 ou faire les deux sections en alternance (présenter certaines notions théoriques, puis les mettre en contexte à l’aide d’un chapitre).

? b 42 œ œ F Lento

œ œ œ œ

œ œ f

œ f

Exercices supplémentaires : voir Guide-corrigé.

œ œ œ œ

œ œ F

œ œ œ œ

œ œ f

œ œ

œ œ œ œ 25

Le groupe Vacarme Ce « band de garage » composé d’adolescents ouvre chacun des chapitres. Les membres du groupe sont confrontés à divers problèmes en lien avec la création et l’interprétation musicales. Cela permet d’annoncer, de façon ludique, le sujet principal du chapitre.

Karim Dominique (Doum) Bassiste (gauchère) Réservée, attentive, disciplinée. A une très bonne oreille musicale.

Noémie Chanteuse Énergique, déterminée, rassembleuse. A du leadership.

Guitariste Perfectionniste, créatif, obstiné. Dort avec sa guitare !

Manuel (Manu) Trompettiste Souriant, enthousiaste, curieux. S’y connaît en musique.

Tristan Batteur Rebelle, charismatique, drôle. Toujours pressé de jouer !

Au fil des chapitres 1 à 11 Chapitre 2

La rubrique J’analyse présente les notions musicales.

Tout en contraste ! Noémie, presque toutes les chansons de la planète sont en 4/4 ! Et si on s’appelle Vacarme, c’est pas pour jouer doux !

Je l’ai ! On fait une chanson super contrastante : des couplets doux en 3/4, et paf ! un refrain méga fort en 4/4 !

Ma guitare est même pas capable de faire des riffs en 3/4…

Ah ! Gang ! Faut essayer ! Les contrastes, c’est trop génial ! C’est quoi du 3/4 ?

C’est quoi du 3/4 ?

Sans contraste, la vie serait terne et la musique bien monotone ! C'est en jouant avec les contrastes que les compositeurs et les musiciens arrivent à rendre une œuvre vivante et agréable pour l'auditeur. Créer un contraste, c'est associer deux éléments opposés afin que chacun fasse ressortir l'autre. En musique classique, on mise souvent sur la particularité de chaque instrument pour obtenir un effet contrasté : par exemple, des notes longues jouées par des violons au timbre soyeux, suivies d'une explosion de croches accentuées par des cuivres puissants. En musique populaire, on oppose des couplets plus doux à un refrain endiablé ou on compose des riffs de guitare différents d’une partie à l’autre. Dans ce chapitre, tu vas explorer différentes façons de jouer avec les contrastes en musique. Tu travailleras à partir d'une valse à trois temps. Dans l'univers musical actuel, où le rythme en domine au point d'être surnommé le temps commun, une pièce en crée déjà un contraste intéressant pour les oreilles ! Alors, 1, 2, 3… c'est parti !

Brève introduction aux notions abordées dans le chapitre.

Riff: Court motif ou thème joué de manière répétitive dans une pièce musicale. En musique classique, on utilise le terme « ostinato ».

Il y a des contrastes dans tous les styles de musique !

Des contrastes, il en existe partout autour de toi… pas seulement en musique ! Donnes-en trois exemples. a)

analyse

La valse à 3 temps La « Valse nº 2 » de Chostakovitch est en , comme le précisent les chiffres indicateurs au début de la partition. Chaque mesure compte donc trois temps de noires ou l’équivalent.

Œ œœ ? b b 34 ˙ . b 1

Œ œœ ˙1 . 2

œœ

Œ œœ ˙. 1

œœ

Œ œœ ˙1 . 2

œœ

Les chiffres indicateurs assurent la stabilité rythmique d’une pièce musicale. Ils indiquent également les temps forts. Dans une mesure à , c'est le premier temps qui sera le plus appuyé. Dans la valse de Chostakovitch, le premier temps est marqué par les instruments graves.

La rubrique J’expérimente permet de mettre en pratique les notions abordées, à l’aide d’exercices ou d’une interprétation.

expérimente 1

Dans une mesure à : a) quelle figure de note représente l’unité de temps ? b) quelle figure de note vaut trois temps, soit toute la durée de la mesure ? c) il ne peut y avoir de ronde ; explique pourquoi.

Les exercices suivants doivent être exécutés par deux groupes d’instruments. Pour chacun des exercices, un groupe d’instruments joue la partie du bas (blanche pointée) et l’autre groupe, la partie du haut (soupir, noire, noire). Attention de bien respecter les nuances et les signes d’intensité demandés ! a)

œœ

3 Œ ã 4 .. ˙ . p

Œ ã 43 .. ˙ . f

Œ ˙.

Un pictogramme indique la piste audio à écouter. La rubrique Je découvre invite à découvrir une œuvre musicale.

découvre

observe Piste audio 4

Écoute la « Valse nº 2 » tirée de la Suite pour orchestre de variété nº 1 écrite en 1956 par le compositeur russe Dmitri Chostakovitch. Pendant l’écoute, essaie de faire des liens entre la musique que tu entends et les indications de la partition ci-dessous. Réponds ensuite aux questions de la page suivante.

Valse n 2 o

Allegretto poco moderato

Dmitri Chostakovitch

legato b 3 & b b 4 Œ œœ œœ Œ œœ œœ Œ œœ œœ Œ œœ œœ .. ˙ . ˙ œ ˙. œ œ œ œ. œ. œ. œ. œ. œ. œ. œ. 1. p 2. f Œ œ œ Œ œ œ Œ œ œ Œ œ œ ? b b 43 ˙ . ˙. .. ˙ . œ œ ˙ . œ œ ˙ . œ œ ˙ œ œ b ˙. ˙. . simile F

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Dmitri Chostakovitch

C’est incroyable ! Est-ce que toute la musique d’aujourd’hui est en 4/4 ?

Dmitri Chostakovitch

Un compositeur prolifique ! En plus de mener une carrière de pianiste, Chostakovitch a laissé une production riche et variée : il a composé des symphonies, des opéras, de la musique de jazz, des oeuvres pour le cinéma, de nombreux quatuors à cordes, de la musique traditionnelle russe, des pièces patriotiques, et même de la musique d’avant-garde ! On l’a surnommé le « Beethoven du 20e siècle » en raison de son écriture musicale méticuleuse et précise.

l’adolescence, Chostakovitch jouait du piano au cinéma pour accompagner les films muets. Grâce à cet emploi étudiant, il gagnait assez d’argent pour faire vivre sa famille !

musique Une tout en emotions /

Chostakovitch était apprécié du public de son pays, mais ses opinions sur le régime communiste, alors dirigé par Staline, lui ont valu d’être censuré. Certaines de ses oeuvres n’ont été découvertes qu’à la fin du siècle dernier. Il faut dire que Chostakovitch était un maître dans l’art d’exprimer ses sentiments en musique. Dans ses oeuvres, il a su refléter toute la douleur du peuple russe face à la Seconde Guerre mondiale et à la dictature du régime. « Une seule seconde de l’une de ses Symphonies ou de l’un de ses Quatuors suffit à fixer une époque, à capter un climat, à circonscrire une ambiance politique. Toute sa production est une page autobiographique qu’il a écrite avec des notes 1. »

Jeune, Chostakovitch était inspiré par la musique des pianistes romantiques : Beethoven (ci-contre), Schumann, Liszt, Chopin, etc. Voir les liens proposés à la page 3 du Guide-corrigé.

1. Le Beethoven du XX e siècle de Mikhail Rudy, Altamusica, propos recueillis par Stéphane Haik, www.altamusica.com.

Decrescendo

Blanche pointée

Doux (piano) et fort (forte)

Chiffres indicateurs

Jouer la note très courte (staccato)

La rubrique Qui est… présente une courte biographie et de l’information sur le compositeur ou l’interprète.

Références à des vidéos suggérées à la page 3 du Guide‑corrigé.

Clé de sol

Liaison de prolongation

Crescendo

Phrasé musical lié et chantant

apprécie

Si tu devais associer cette pièce à un événement spécial, comme une soirée, un rassemblement ou une fête, de quel type d’événement s’agirait-il ? Explique ta réponse. Événement : Explication :

Le thème principal de l’œuvre est interprété en solo (seul) par un instrument à vent au début de la pièce, puis repris vers la fin par un autre instrument à vent. Nomme ces deux instruments.

Encercle la bonne réponse. Le tempo de cette pièce est :

Nomme deux autres compositeurs de musique classique.

œ ˙.

Nomme trois adjectifs qui, à ton avis, qualifient bien cette œuvre.

Œ œœ œœ Œ œœ œœ Œ œ œ Œ œ œ ˙Œ œœ œœ Œ œœ œœ ˙. œ œ ˙ œ œ . ˙. ˙. ˙. .

1 b œ œ œœœœ œ œ œœ & b b œ œ œ œ œ œ œ œ œ œ œ Œ œ Œ œœ œ œ œ œ œ œ œ œ œœ œ œ œœœ œ œ Œ œ œ Œ œ œ Œ œ œ .. Œ œœ œœ œœ œœ œœ œœ œœ œœ ˙ ˙ ˙ ˙ ˙ ˙ ? b . ˙. b b ˙ Œ ˙ Œ ˙ Œ ˙ Œ ˙ Œ ˙ Œ ˙. ˙. ˙. .

est... Qui Qui est... Qui est...

Barres de reprise

œ ˙.

Œ œ œ œ œœœœ œ œœœœ œ Œ œ Œ œ œ F Œ Œ ˙ ? b ˙ œœ œœ ˙ œœ œœ ˙Œ . œœ œœ œœ Œ Œ ˙ Œ ˙ Œ ˙˙ Œ Œ ˙ bb . . ˙ ˙ œ

En te servant de tes connaissances, écris dans chaque cercle de la page précédente le nombre correspondant à l’expression appropriée. 1

Suite pour orchestre de variété no 1

Un extrait de partition ou des paroles sont présentés, et les élèves doivent y repérer des éléments.

Dmitri Chostakovitch (1906-1975) est un compositeur russe. Il a d’abord appris le piano avec sa mère puis, à l'âge de 13 ans, il est entré au conservatoire de musique. Très tôt, il s’est distingué par la qualité de son écriture musicale. Il a même reçu des félicitations des plus grands compositeurs de son époque lors de la création de sa Symphonie nº 1. Il avait alors à peine 20 ans !

lent

moyen

rapide

La rubrique Musique et société clôt chaque chapitre. Elle permet une ouverture sur l’histoire et la société, en lien avec la musique. La question en fin de page invite les élèves à une discussion.

La rubrique J’observe invite les élèves à recourir à leurs connaissances ou à la déduction afin de repérer les informations dans la partition. La rubrique J’apprécie propose des questions d’appréciation subjectives et objectives.

Musique

et société

Immortaliser

la chute du mur de Berlin

ans la nuit du 12 au 13 août 1961, on entreprend la construction d’un grand mur de 3,6 mètres de haut en plein cœur de la ville de Berlin. Le but : séparer physiquement la République démocratique d’Allemagne (RDA) de la République fédérale d’Allemagne (RFA), deux États issus de la division du pays après la Seconde Guerre mondiale. Ce mur est surveillé par plus de 14 000 gardes armés : quiconque tente de le franchir est fusillé. Il constitue l’une des pièces maîtresses du Rideau de fer, frontière de barbelés et de postes de garde entre les pays d’Europe de l’Est, alliés au régime communiste de l’URSS, et les pays d’Europe de l’Ouest, alliés aux Américains, aux Français et aux Britanniques. Il faudra attendre l’effondrement de l’URSS pour voir la chute du mur de Berlin, le 16 novembre 1989. Cet événement heureux est accueilli chaudement dans le monde entier. La chanson Wind of Change (« Le vent du changement ») du groupe Scorpions en devient rapidement le symbole. Dans le vidéoclip, on peut voir des images du démantèlement du mur. Véritable emblème de la réunification de l’Allemagne, cette chanson rassemble les générations dans un espoir lumineux envers l’avenir, « un vent de changement ». En plus d’être numéro 1 aux palmarès des ventes de disques dans plusieurs pays, elle est la chanson la plus vendue de tous les temps en Allemagne. La télévision allemande ZDF l’a même proclamée « chanson du siècle ».

Durant une grande partie de sa vie, Dmitri Chostakovitch a vécu dans la peur du régime communiste soviétique. En URSS, particulièrement pendant le règne de Staline, on ne pouvait pas dire tout haut ce que l’on pensait tout bas, de peur d’être exécuté. Chostakovitch a choisi de s’exprimer en musique et de laisser son art parler pour lui.

Crois-tu que la musique peut apporter des changements positifs dans le monde ou dans ta vie ? Donne des exemples.

Théorie

musicale

1, 2 et 3, 4

… deux croches noire, noire, noire…

… sol, si bémol, ré, ré, mi bémol…

Unite 1 Les notes, la portée et la clé Les notes La musique est l’art d’agencer des sons. Chaque son peut être défini par ses paramètres. • Hauteur : grave ou aigu

• Intensité : doux ou fort

• Durée : long ou court

• Timbre : qualités d’un son

Comme les mots, les sons possèdent leur propre alphabet, composé de sept notes.

ré

La portée On écrit les notes de musique sur la portée. C’est un ensemble de cinq lignes et quatre interlignes que l’on compte de bas en haut, soit du plus grave au plus aigu.

sol

œ œ œ œ œ œ œ œ œ Du grave

à l’aigu

La clé Placée au début de la portée, la clé précise le nom et la hauteur de la note associée à chaque ligne et à chaque interligne. On utilise différentes clés afin de tenir compte de l’étendue des sons que peuvent produire les divers instruments. • La clé de sol indique les sons aigus. Elle s’enroule autour de la deuxième ligne de la portée et donne son nom à la note placée sur cette ligne.

Note repère sol mi

fa la

sol si

ré si

do la

do mi

ré fa

sol mi

fa la

• La clé de fa indique les sons graves. Elle s’enroule autour de la quatrième ligne de la portée et donne son nom à la note placée sur cette ligne.

sol

ré

• La clé d’ut, ancien do. Son symbole est

B .

sol

Note repère

Des trucs pour mémoriser les notes Pour connaître les notes par cœur, commence par mémoriser les notes des lignes en clé de sol. Apprends ensuite les notes des interlignes en clé de sol. Une fois que tu connaîtras bien la clé de sol, apprends de la même façon les notes en clé de fa.

& &

? ?

sol

ré

sol

ré

Remarque bien : clé de sol + 2 notes = clé de fa. Par exemple, sur la ligne 1 : mi (en clé de sol) + 2 notes = sol (en clé de fa).

Une autre façon de t’aider à mémoriser les notes consiste à te servir de ta main comme repère. Chaque doigt correspond à une ligne, chaque espace entre les doigts, à un interligne. fa mi ré do

si la sol fa mi la sol fa

mi ré do si la sol

Exercices 1

Trace une clé de sol au début de la portée. Dessine une note sur chaque ligne, de bas en haut, puis écris son nom sous la portée.

Trace une clé de sol au début de la portée. Dessine une note dans chaque interligne, de bas en haut, puis écris son nom sous la portée.

Trace une clé de fa au début de la portée. Dessine une note sur chaque ligne, de bas en haut, puis écris son nom sous la portée.

Trace une clé de fa au début de la portée. Dessine une note dans chaque interligne, de bas en haut, puis écris son nom sous la portée.

Sur chacune des portées suivantes, encercle la note demandée. a) Si

œ œ

b) Mi

& œ ?

c) La

œ œ

? w

w w w

w w

w w w w

Sur chaque portée, dessine la note demandée. L = ligne, I = interligne. a)

b) 8

& w

Écris le nom des notes sous chacune des portées suivantes.

si L

ré L

do I

fa L

mi I

la I

sol L

fa L

si L

ré L

mi I

do I

la I

sol L

Quel est le nom de la note située : a) dans le 1er interligne, en clé de sol ? b) sur la 2e ligne, en clé de fa ? c) dans le 4e interligne, en clé de fa ? d) sur la 5e ligne, en clé de sol ? e) sur la 3e ligne, en clé de fa ? f) sur la 4e ligne, en clé de sol ?

Exercices supplémentaires : voir Guide-corrigé.

Les lignes et les interlignes supplémentaires Il arrive que l’on doive ajouter des lignes et des interlignes au-dessus ou en dessous de la portée pour écrire tout ce que la musique exige. Clé de sol

& &

wla

sol

Clé de fa

wré

I L I L I

ré

wfa

ré

I L I L I

sol

ré

Exercices 1

Écris le nom des notes sous chacune des portées suivantes. a)

w w

Devant chaque note, dessine la clé appropriée. fa si sol la do ré ré do fa mi

Exercices supplémentaires : voir Guide-corrigé.

Unite 2 Les figures de notes et de silences, la mesure et les chiffres indicateurs Les figures de notes et les figures de silences Le rythme d’une pièce musicale est déterminé par la durée des notes les unes par rapport aux autres, et par la durée des silences entre les notes. Sur la portée, la durée des notes est représentée par des figures de notes et celle des silences, par des figures de silences. Il y a sept figures de notes et sept figures de silences. Voici les cinq premières. Figures de notes

Ronde

Blanche

Noire

Figures de silences

Pause

Demi-pause

Soupir

Croche

Double croche

Demi-soupir Quart de soupir

La valeur des figures de notes est établie à partir de la ronde et celle des figures de silences, à partir de la pause. L’arbre rythmique ci-dessous montre la relation entre les figures de notes.

L’arbre rythmique ci-dessous montre la relation entre les figures de silences.

Tu peux constater que chaque figure vaut la moitié de la précédente et le double de la suivante : 1

= 16

= 4 = 8 = 16

=2 =4 =8

1 = 2 = 4

1 = 2

Exercices 1

Dessine les figures de notes demandées, sur la ligne ou dans l’espace de ton choix.

noire

blanche

double croche

croche

ronde

Écris le nom des figures de silences suivantes.

Pour chaque figure de silence, écris le nom de la figure de note qui lui correspond.

‰

≈

Pour chaque figure de note, écris le nom de la figure de silence qui lui correspond. a)

a) Combien y a-t-il de

dans une ?

b) Combien y a-t-il de

dans une ?

c) Combien y a-t-il de dans une ? d) Combien y a-t-il de

dans une

e) Combien y a-t-il de

dans une ?

f) Combien y a-t-il de dans une ? g) Combien y a-t-il de dans un ? h) Combien y a-t-il de

dans une ?

i) Combien y a-t-il de

dans une ?

j) Combien y a-t-il de dans un ? Exercices supplémentaires : voir Guide-corrigé.

La mesure et la barre de mesure Les mesures servent à diviser une pièce de musique en parties d’égale durée. Sur la portée, on sépare les mesures par des traits verticaux, que l’on nomme barres de mesure. Une mesure est l’espace compris entre deux barres de mesure. 1re mesure

2e mesure

3e mesure

4e mesure

Barre de mesure

On utilise une double barre de mesure pour indiquer la fin d’une pièce. On s’en sert aussi pour signaler un changement à l’intérieur d’une pièce, comme un changement de clé ou de chiffres indicateurs.

Double barre

Double barre finale

Les chiffres indicateurs On mesure la durée des sons en « temps ». Un temps, ou pulsation, correspond à un battement de métronome. Les chiffres indicateurs, placés après la clé, précisent le nombre de temps par mesure et la valeur de chaque temps.

& 44

• Le chiffre du haut, ou numérateur, indique le nombre de temps par mesure.

6 &8

& 42

& 43

Dénominateur

Unité de temps

Ronde

Blanche

Noire

Croche

• Le chiffre du bas, ou dénominateur, indique la figure de note qui vaut un temps. On appelle cette figure unité de temps.

C’est l’unité de temps qui détermine combien de temps valent les autres figures de notes et de silences. Par exemple, si l’unité de temps est la noire (dénominateur 4), voici combien de temps vaut chaque figure. Figures de notes Figures de silences

Ronde

Blanche

Noire

Croche

Double croche

4 temps

2 temps

1 temps

1/2 temps

1/4 temps

ou Pause

Demi-pause

Soupir

Demi-soupir Quart de soupir

La mesure à La mesure à

est la plus courante dans la musique d’aujourd’hui. Dans cette mesure :

• le chiffre du haut, ou numérateur, indique qu’il y a quatre temps par mesure ; • le chiffre du bas, ou dénominateur, indique que l’unité de temps est la noire. Il y aura donc quatre noires, ou l’équivalent, dans chaque mesure. Exemple :

& 44 œ 1

3 4

œ œ œ

1234

4 temps de noires par mesure Dans une mesure à , la ronde compte quatre temps. Elle dure donc toute la mesure : c’est ce qu’on appelle unité de mesure.

Il ne faut pas confondre unité de temps et unité de mesure ! Voici comment tu peux marquer le rythme dans une mesure à . Dis à haute voix ce que tu vois et, en même temps, frappe les pulsations dans tes mains.

Pulsations

& 44 w

Temps

ron - de - lon - gue 1

œ œ œ œ œœ œ œœ œ

blan anche blan anche noire noire noire noire 2 croch’ noire 2 croch’ noire 1

Exercices 1

Complète les phrases suivantes. Dans une mesure à : • le 4 du haut, soit le

, indique que la mesure compte

• le 4 du bas, soit le . 2

, indique que la

vaut

Dans la mesure à , combien peut-on trouver de : a) blanches ?

e) soupirs ?

b) croches ?

f) demi-pauses ?

c) noires ?

g) rondes ?

d) pauses ?

h) demi-soupirs ?

Complète les mesures en ajoutant une seule figure de note sur la ligne de ton choix.

& 44 ˙

œœ œœ

œ œ œJ

Écris les pulsations sous les cellules rythmiques suivantes.

Sous les portées suivantes, chiffre les temps aux bons endroits.

44 ou 4 ˙ œ

temps.

œ œ œ œ œ œ œœœœ œ j œ œœ ˙

& 44 ‰

4 œ &4 œœ œœ

œ œ œ œ

j ‰ œ œœœœ œ œœ œœ œ

˙ œœ

Œ œ

œœœœ œ œ Œ œ

œœ œœ Œ

œ Œ œ Œ j Œ ‰ œ œ Œ

Compose des mesures à avec les éléments indiqués au-dessus de chaque mesure. N = note ; S = silence.

& 44

4N+2S

2S+2N

3N+1S

Exercices supplémentaires : voir Guide-corrigé.

Le point d’augmentation Placé à droite d’une figure de note ou de silence, le point d’augmentation prolonge la durée de cette figure de la moitié de sa valeur. Figures de notes pointées

Figures de silences pointées

Ronde pointée

Pause pointée

Blanche pointée

Demi-pause pointée

Noire pointée

Soupir pointé

Demi-soupir pointé

Croche pointée

Pour calculer la durée d’une note ou d’un silence pointé : a) trouve la valeur (durée) de la note ou du silence ; b) trouve la valeur du point, soit la moitié de la valeur de la note ou du silence ; c) additionne la valeur de la note ou du silence à celle du point. Par exemple, dans une mesure où la noire est la mesure de temps, la blanche pointée vaut trois temps. + = 3 temps Blanche pointée = 2 temps 1 temps

II ne faut pas confondre le point d’augmentation et les deux autres points que l’on peut rencontrer en musique. • Le staccato, point placé au-dessus ou en dessous d’une note, indique de jouer la note courte et légère, bien détachée de la suivante. • Le point d’orgue, placé au-dessus ou en dessous d’une figure de note ou de silence, prolonge celle-ci selon les besoins de l’interprétation. Il est souvent utilisé à la fin d’une pièce musicale.

Exercices 1

Dans la mesure à : a) combien de temps vaut la blanche pointée ? b) combien la noire pointée vaut-elle de croches ? Exercices supplémentaires : voir Guide-corrigé.

La mesure à Dans une mesure à : • le chiffre du haut, ou numérateur, indique qu’il y a trois temps par mesure ; • le chiffre du bas, ou dénominateur, indique que l’unité de temps est la noire. Il y aura donc trois noires, ou l’équivalent, dans chaque mesure. Dans une mesure à , la blanche pointée constitue l’unité de mesure : c’est la figure de note qui dure toute la mesure, soit trois temps.

Exercices 1

Dans une mesure à , combien y a-t-il de : a) noires ?

d) croches ?

b) soupirs ?

e) demi-soupirs ?

c) blanches pointées ?

f) noires pointées ?

Écris les pulsations sous les cellules rythmiques suivantes.

Complète les mesures suivantes en ajoutant les notes (N) ou les silences (S) demandés.

43 ou 3 œ

œ œ œ œ œ

& 43 œ œ œ

‰ Ó

œ œ

œœœœ

œ œ œ œ œj

œœœœ œ œ œ

œ œ

Complète les mesures suivantes en ajoutant les notes indiquées et en utilisant les bonnes figures de notes. a) b)

˙.

j œ

& 43 ˙

3 & 4 œœ

œœ œœ

œ œ œœ œ

sol

œ œ œj

j œ

œ œ J

œ J

sol

j œœœœ œ

Place les barres de mesure au bon endroit pour obtenir des mesures à .

˙ & 43

Œ œœ œ

œœœœ

Exercices supplémentaires : voir Guide-corrigé.

Œ œœ Œ Œ œœ œ 13

La cellule rythmique Une cellule rythmique est un regroupement de différentes figures de notes. • La cellule rythmique composée d’une croche pointée suivie d’une double croche se prononce saute. Exemples :

sau – te noire

sau – te sau – te noire

• Le triolet est la division en trois parties égales d’une figure de note simple, c’est‑à-dire non pointée. On l’indique par une courbe et le chiffre 3 au-dessus ou en dessous des notes, selon la direction des tiges de notes. La durée du triolet est égale à sa valeur immédiatement supérieure. Par exemple, la valeur immédiatement supérieure à la croche est la noire, celle supérieure à la noire est la blanche, et ainsi de suite. Exemples :

Exercices 1

Réunis chacun des groupes de notes suivants par une ligne courbe et le chiffre 3. Indique ensuite sous le triolet la figure de note à laquelle il correspond.

œ œ œ

La liaison de prolongation La liaison de prolongation réunit deux ou plusieurs notes de même nom et de même hauteur. Elle indique de prolonger la durée de la première note de la durée de la seconde note, et de ne pas répéter cette dernière. En d’autres mots, le son est tenu pendant la durée totale des deux notes liées. Exemples :

&& 42 42˙ ˙ 1

œ œ Œ Œ 1

44 4w w && 4 1

˙ ˙ ˙ ˙

4 1

Mesure à 2 temps, à 3 temps ou à 4 temps Les mesures peuvent être à 2 temps, à 3 temps ou à 4 temps. Tous les autres types de mesures sont des variantes de ces trois mesures de base. Dans une mesure, tous les temps n’ont pas la même importance. Certains sont plus appuyés : on les appelle temps forts. Lorsque tu écoutes de la musique, tu peux les entendre et les ressentir : • Si les temps forts se produisent tous les 2 temps, il s’agit d’une mesure à 2 temps (ex. : ) ou à 4 temps (ex. : ) ; • S’ils se produisent tous les 3 temps, il s’agit d’une mesure à 3 temps (ex. : ). Les temps moins appuyés s’appellent temps faibles. Exemples : 1 2 3 4 fort faible fort faible 1 2 3 fort faible faible 1 2 fort faible

Exercices 1

Dans les mesures ci-dessous, indique les temps forts par un « F » et les temps faibles par un « f ».

& 42 œ

œ œ

44 œ

œ œ

42 œ œ œ œ

43 œ œ œ œ œ

Unite 3 Les tons et les demi-tons, les gammes et les intervalles Les tons et les demi-tons Pour trouver la distance entre deux notes, on se sert du ton et du demi-ton. Tu peux apprendre à reconnaître visuellement les tons et les demi-tons sur un clavier. T = ton, DT = demi-ton

2 do 1

4 ré 3

7 mi 5

fa 6 DT

9 sol 8

11 la 10

14 si 12

do 13 DT

• Si deux touches se suivent immédiatement sans qu’on puisse en placer une autre entre les deux, il y a un demi-ton. Exemples : 1 à 2 = demi-ton, 5 à 6 = demi-ton. • Lorsqu’on peut placer une seule touche, noire ou blanche, entre deux touches, on a la distance d’un ton. Exemples : 1 à 3 = ton, 5 à 7 = ton. Mémorise l’ordre des tons et des demi-tons de do à do (une octave plus haut). Cela te sera très utile pour comprendre les gammes majeures. do – ré – mi – fa – sol – la – si – do T

Tu peux aussi apprendre à reconnaître le ton et le demi-ton à l’audition, soit à l’aide de sons que te fera entendre ton enseignante ou ton enseignant, soit à l’aide d’une chanson connue. En voici un exemple. Frère Jacques

& 44 œ œ œ

œ œ œ œ

œ œ ˙

Frè - re Jac - ques Frè - re Jac - ques, dor - mez - vous T

œ œ ˙

dor - mez - vous DT

Exercices 1

Indique la distance entre les touches. T = ton, DT = demi-ton. 2 do 1

fa 6

sol 8

11 la 10

14 si 12

do 13

i) 12 – 13

b) 3 – 5

f) 11 – 12

j) 3 – 4

c) 8 – 10

g) 10 – 11

d) 6 – 8

h) 1 – 3

Dans les mesures suivantes, relie à l’aide d’une liaison les notes entre lesquelles il y a un demi-ton.

? œ œ

Complète chaque mesure suivante en écrivant, en noire, la note qui se trouve un demi-ton plus haut que la note représentée.

? ˙

Complète chaque mesure suivante en écrivant, en noire, la note qui se trouve un demi-ton plus bas que la note représentée.

& 42 œ

mi 5

e) 8 – 9

& 43 ˙

ré 3

a) 5 – 6

& 44 œ

? œ

Sur le clavier suivant : a) écris le nom des touches blanches ; b) indique, uniquement entre les touches blanches, les tons à l’aide d’un crochet ( et les demi-tons à l’aide d’une liaison ( ).

)

Exercices supplémentaires : voir Guide-corrigé.

Les altérations : bémol , dièse , bécarre Les touches blanches du clavier représentent les sons naturels. Les touches noires représentent les sons altérés, situés un demi-ton plus haut ou plus bas que la note naturelle voisine. ré¯ do≥

mi¯ ré≥

ré

sol¯ la¯ fa≥ sol≥

sol

si¯ la≥

ré¯ do≥

ré

Les trois principales altérations sont : • le dièse, ≥, qui hausse d’un demi-ton la note devant laquelle il est placé ; fa≥

& 44 ˙

#˙

?4 ˙ 4

#˙

• le bémol, ¯, qui abaisse d’un demi-ton la note devant laquelle il est placé ;

La même note peut avoir plusieurs noms. C’est ce qu’on appelle « enharmonie ». Exemples : fa ≥ ou sol ¯, si ¯ ou la ≥.

si¯

& 44 ˙

b˙

?4 4 ˙

b˙

• le bécarre, Î, qui annule l’effet du ≥ ou du ¯ et permet de revenir à la note naturelle.

& 43 œ # œ n œ

? 3 œ #œ nœ 4

Les altérations peuvent être accidentelles ou à l’armure. • L’altération accidentelle est placée immédiatement devant la note altérée, à la même hauteur que celle-ci. À moins d’indication contraire, elle s’applique à la note altérée et à toutes les notes du même nom qui la suivent dans la même mesure.

4 &4 œ ? 44 œ

Altération accidentelle

#œ #œ

œ œ

• L’armure, ou armature, est constituée des altérations placées au début de la portée, immédiatement après la clé. Elle s’applique à toute la pièce, à moins qu’il y ait un changement d’armure après une double barre de mesure. Elle détermine la tonalité de la pièce.

# & 44 œ

Altération à l’armure

?# 4 œ 4

L’armure peut contenir d’une à sept altérations, soit des dièses, soit des bémols, mais pas les deux à la fois. L’ordre des dièses est le suivant : fa ≥, do ≥, sol ≥, ré ≥, la ≥, mi ≥, si ≥. L’ordre des bémols est le suivant : si ¯, mi ¯, la ¯, ré ¯, sol ¯, do ¯, fa ¯. S’il y a un dièse à la clé, ce sera donc fa ≥ ; s’il y en a deux, ce sera fa ≥ et do ≥, et ainsi de suite. S’il y a quatre bémols, ce sera si ¯, mi ¯, la ¯ et ré ¯. Voici comment se placent les altérations à l’armure. Dièses

#### ## & #

? #### # ##

Bémols

b & b bbbbb

? bbb bbbb As-tu remarqué ? L’ordre des bémols est l’inverse de l’ordre des dièses !

Exercices 1

Quelle est l’altération qui : a) hausse la note d’un demi-ton ? b) abaisse la note d’un demi-ton ? c) annule l’effet du dièse ou du bémol ?

Pour chacune des notes ci-dessous, dessine l’altération accidentelle demandée.

bémol

dièse

bécarre

dièse

bémol

w bémol

À côté de chaque note, écris la note qui est enharmonique.

? 5

dièse

Au-dessus du clavier, écris les deux noms possibles de chaque touche noire.

#w #w

bw bw

#w #w

a) À la première mesure, dessine une clé de sol et deux bémols à l’armure. b) Après la double barre de mesure, dessine une clé de fa et trois dièses à l’armure. Respecte bien l’ordre et la position des altérations !

Exercices supplémentaires : voir Guide-corrigé.

La gamme Une gamme est une succession ascendante ou descendante de sons conjoints, à partir d’un son défini que l’on nomme tonique. Elle est habituellement majeure (M), mineure (m) ou chromatique. Il existe toutefois d’autres gammes de formes différentes : gammes par tons, gammes pentatoniques, gammes modales, etc. Une gamme majeure est composée de huit sons, et l’ordre des tons et des demi-tons entre eux est le suivant : Ton - Ton - Demi-ton - Ton - Ton - Ton - Demi-ton Piste audio 1

Tu connais déjà les notes de la gamme de do majeur :

Ascendante

Descendante

Une gamme chromatique est entièrement composée de demi-tons. Voici la gamme chromatique de do.

& w # w w #w w w #w w #w w #w w w w bw w bw w bw w w bw w bw w ? w #w w #w w w #w w #w w #w w w w bw w bw w bw w w bw w bw w Ascendante

Descendante

L’accord Un accord est l’émission simultanée de trois ou de plusieurs sons. Les accords de base sont constitués des première, troisième et cinquième notes d’une gamme majeure ou mineure. Les notes d’un accord sont placées l’une par-dessus l’autre sur la portée et sont jouées en même temps. Voici l’accord de do majeur.

5 3 1

ww w

www

5 3 1

www

L’arpège L’arpège est l’émission successive des notes d’un accord majeur ou mineur. Voici l’arpège ascendant et descendant de l’accord de do majeur.

w 1

w 3

w 5

w 3

w 1

? w 1

w 1

Exercices 1

Sur les portées ci-dessous, écris, en rondes, la gamme majeure de sol et la gamme majeure de ré en suivant les consignes ci-dessous. a) Utilise au besoin les altérations dièse et bémol à l’armure. b) Ajoute les chiffres indicateurs et les barres de mesure.

? 2

Gamme majeure de sol ascendante et descendante

Gamme majeure de ré ascendante et descendante

Écris, en rondes, les notes des accords demandés. Utilise, au besoin, l’armure appropriée.

4 & 4

Accord de do majeur

4 & 4

Accord de sol majeur

4 & 4

Accord de ré majeur

Écris, en rondes, les notes de l’arpège ascendant et descendant des accords majeurs de sol et de ré. Utilise, au besoin, l’armure appropriée.

4 & 4 4 & 4

? 4

Arpège de sol majeur

? 4

Arpège de ré majeur

Exercices supplémentaires : voir Guide-corrigé.

Les intervalles Un intervalle est la distance entre deux sons. On nomme l’intervalle selon le nombre de notes qu’il contient, en incluant la première et la dernière note.

Piste audio 2

Exemple : De do à mi, il y a trois notes (do - ré - mi), c’est un intervalle de tierce. Les principaux intervalles sont : Seconde

& w w 2de

? w w

Tierce

Quarte

Quinte

Sixte

Septième

Octave

w w w w w w w w w w w w

w w w w w w w w w w w w 3ce

4te

5te

6te

8ve

L’intervalle peut être ascendant ou descendant selon qu’on le mesure du grave à l’aigu ou vice versa. Quarte

&& w w w w Ascendante

Quarte

ww ww

Descendante

Quarte

ww ww

Ascendante

Descendante

Exercices 1

À partir des notes écrites, complète les intervalles demandés. a) ascendants

sixte

quarte seconde octave

b) descendants

tierce

seconde septième octave

w quinte

tierce

Écris le nom des intervalles suivants et précise pour chacun s’il est ascendant ou descendant.

& w

Unite 4 Le tempo, les nuances, l’accentuation et la reprise Le tempo Tempo est un mot d’origine italienne qui désigne la vitesse à laquelle on exécute une pièce de musique. Au pluriel, on dit des tempi ou des tempos. Le tempo est toujours indiqué en haut et à gauche de la première mesure d’une pièce de musique. On l’écrit très souvent en italien. Le tableau ci-contre donne quelques exemples de termes souvent utilisés.

Terme

Signification

Lento

Lent

Moderato

Modéré

Allegro

Rapide

Presto

Très rapide

De nos jours, le tempo est plus souvent exprimé en nombre de pulsations, ou battements, par minute (bpm). Pour jouer une pièce au tempo indiqué, on peut utiliser un métronome. Cet appareil marque le rythme en faisant entendre un petit son régulier. On peut le régler à différentes vitesses. Réglé à 60, il émettra 60 pulsations par minute. Pour les besoins de l’interprétation, il arrive souvent que l’on doive accélérer ou ralentir le tempo. Voici quelques termes italiens utilisés pour indiquer la façon de faire ces changements. Terme Métronomes

Abréviation

Signification

Ritenuto

Rit.

Retenir

Ritardando

Ritard.

Retarder

Rallentando

Rall.

Ralentir

Accelerando

Accel.

Accélérer

A tempo

Tempo 1°

Retourner à la vitesse initiale

Exercices 1

Écris le nom d’un tempo rapide.

Quel terme utilise-t-on pour indiquer le retour à la vitesse initiale ?

Quelle est l’abréviation du mot rallentando ?

Les nuances Les nuances indiquent l’intensité des sons. On utilise aussi très souvent l’italien pour les désigner. Voici les nuances les plus utilisées. Symbole

Terme italien

Signification

Pianissimo

Très doux

Piano

Doux

∆

Mezzo-piano

Moyennement doux

∑

Mezzo-forte

Moyennement fort

Forte

Fort

∂

Fortissimo

Très fort

Crescendo

De plus en plus fort

Decrescendo

De plus en plus doux

Crescendo et decrescendo

De plus en plus fort et de plus en plus doux

Exercices 1

Écris le nom italien de la nuance qui correspond aux exemples suivants. a) Le son que fait un train qui approche. b) Le son que fait un train qui s’éloigne.

Écris le mot italien qui correspond aux symboles suivants. a) ø

c) ƒ

b) ∂ 3

d) ∑

f) ∆

Quel est le terme employé pour décrire chacun de ces symboles ? a)

e) π

Joue la mélodie suivante en respectant le rythme et les nuances indiqués.

& b 42 œ œ F Lento

? b 42 œ œ F Lento

œ œ œ œ

œ œ f

œ f

œ œ œ œ

œ œ F

œ œ œ œ

œ œ f

œ œ œ œ 25

Les signes et les termes d’accentuation Certaines notes d’une phrase musicale doivent être plus ou moins accentuées. Cela permet de donner du relief et du caractère à la phrase musicale. Les accentuations sont indiquées au moyen de signes ou de termes italiens. Ton enseignante ou ton enseignant chantera ou jouera les exemples de cette page. • La liaison de phrasé ou coulé réunit deux ou plusieurs notes de noms différents. Elle indique qu’il faut lier les notes entre elles et en soutenir le son (liaison de legato). Elle se place au-dessus ou en dessous des notes. Seule la note au début de la liaison doit être articulée (Ta). Par exemple, une liaison entre trois noires est l'équivalent d'une blanche pointée. Exemples :

˙ & 43 œ œ œ œ ˙ œ ˙ . Moderato

Ta - a Ta-a-a Ta - a

? 43 ˙ œ œ œ œ ˙ œ ˙. Moderato

Ta - a Ta-a-a Ta - a

• Le staccato est un petit point placé au-dessus ou en dessous d’une ou de plusieurs notes. Il indique que l’on doit jouer les notes courtes et légères, bien détachées.

& 44 œ œ œ œ . . . . Tit

? 44 œ œ œ. œ. . . Tit

œ. œ. ˙

œ. œ. œ œ . .

œ. œ. œ. œ.

œ. œ. ˙

• L’accent, >, indique une accentuation forte suivie immédiatement d’une diminution du son. Il se place au-dessus ou en dessous des notes.

> & b 43 œ

œ œ œ

Ta - ta - ta - ta

>. ˙

? b 43 œ >

Le signe > touche une seule note, alors que le signe touche plusieurs notes.

œ œ œ

Ta - ta - ta - ta

˙. >

• On utilise le marcato, , pour accentuer plus fortement une ou plusieurs notes par rapport aux notes précédentes ou aux notes suivantes. C’est un accent fort et court. Ton enseignante ou ton enseignant chantera ou jouera l’exemple suivant.

# œ^ œ œ œ & 44

? # 44 œ^ œ œ œ

œ^

œ^ œ œ œ

œ œ œ

˙>.

œ^ œ œ œ

˙>.

• Le symbole Í (forte piano) signifie d’attaquer le son de manière forte et de le diminuer immédiatement. Ton enseignante ou ton enseignant chantera ou jouera l’exemple suivant.

?4 ? 44 w & 44 w & 44 w 4 w Í Í Í Í • Le symbole ß (sforzando) signifie de donner tout à coup plus de force au son. . . ? 4 œ œ # œ. œ. 4

Ton enseignante ou ton enseignant chantera ou jouera l’exemple suivant.

. . & 44 œ œ # œ. œ. œ Œ ˙ ß

• Voici des exemples de termes d’accentuation. Terme Legato

Abréviation leg.

Forte piano Marcato

Signification Lié Fort et subitement doux

marc.

Sforzando Staccato

œ Œ ˙ ß

Marqué En donnant subitement plus de force

stacc.

Court, détaché

Exercices 1

Chante ou joue l’exercice suivant en tenant bien compte des liaisons, des nuances ainsi que du tempo.

# # Moderato & 43 ˙ œ F

? ## 3 ˙ 4 F

Moderato

œ œ œ

˙.

œ œ œ

˙.

Chante ou joue l’exercice suivant en tenant compte des signes d’accentuation et des nuances. La virgule (,) indique une respiration.

> 4 ˙ b & 4 f Lento

œ. œ.

Lento ? b 44 ˙> f

> ˙

˙>

˙ ˙

œ. œ. œ. œ . p

, . œ. . œ œ œ. p

,> ˙ f , > ˙

^ ^ œ œ

œ^ œ^

> ˙.

>˙ .

Œ Œ

Ton enseignante ou ton enseignant jouera ou chantera ces courtes phrases musicales. Écris au bon endroit les signes d’accentuation entendus. a)

œ œ & 42 œ œ œ œ # œ œ

& 44 ˙

œ ˙ 4 &b 4 œ œ œ

Allegro

Moderato

œ œ ˙ Ó

? 42

Allegro

? 44 ˙

œ œ œ œ œ #œ œ œ

Moderato

œ œ ˙

Moderato œ ˙ ? b 44 œ œ œ

Exercices supplémentaires : voir Guide-corrigé.

Les mouvements mélodiques Les mouvements mélodiques sont de courtes ou de longues phrases musicales. Ils peuvent êtres ascendants ou descendants, conjoints ou disjoints. Ton enseignante ou ton enseignant jouera ou chantera les exemples de cette page.

• Le mouvement mélodique est ascendant lorsque la mélodie va vers l’aigu et descendant lorsque la mélodie va vers le grave. Exemple :

# & 42 œ œ

œ œ

Ascendant

œ œ

Descendant

• Le mouvement mélodique est conjoint lorsque les notes se suivent de près, comme dans une gamme. CA = conjoint ascendant, CD = conjoint descendant. Exemple :

# & 44 œ œ œ œ

œ œ œ œ

œ œ œ œ CA

j œ. œ ˙ CD

• Le mouvement mélodique est disjoint lorsque les notes sont éloignées les unes des autres, séparées par au moins une autre note. dA = disjoint ascendant, dD = disjoint descendant. Exemple :

& b 43 œ œ œ

˙.

œ œ œ dD

˙.

Exercices 1

Indique si le mouvement mélodique est ascendant (A) ou descendant (D).

& 44 œ .

a) 2

43 œ

b) c)

˙ & 44

44 ˙

& b 44 œ

Dans chacune des mesures suivantes, détermine si le mouvement mélodique est : CA = conjoint ascendant CD = conjoint descendant dA = disjoint ascendant dD = disjoint descendant

# & 44 œ

j œ ˙

44 œ .

Indique si le mouvement mélodique est conjoint (C) ou disjoint (d).

a) 3

œ ˙ J

b) c)

f) g)

Ton enseignante ou ton enseignant jouera six courtes phrases musicales. Indique le genre de mouvement mélodique qui caractérise chacune d’elles. CA = conjoint ascendant CD = conjoint descendant dA = disjoint ascendant dD = disjoint descendant a) b) c) d) e) f)

Les signes de reprise et de renvoi Pour éviter d’avoir à copier les mêmes éléments plusieurs fois, les compositeurs utilisent des termes ou des signes particuliers de reprise ou de renvoi. • Les doubles barres de reprise

La double barre de reprise

indique de reprendre la musique depuis le début.

Lorsqu’il y a deux doubles barres de reprise . comprise entre elles.

Exemple :

& .. ˙

(

œ œ

), il faut reprendre la musique w

Doubles barres de reprise • Les boîtes de reprise Les boîtes de reprise indiquent de jouer la musique jusqu’à la fin de la premère boîte, puis de reprendre la même musique et d’aller directement à la deuxième boîte, en omettant la première. Exemple : On joue les mesures 1 à 4, puis 1, 2, 5 et 6.

& b 44 ˙ 1

œ œ ˙ 3

.. ˙

• Le Dal Segno al Fine ou D.S. al Fine

Le Dal Segno (D.S.) indique de retourner au signe % et de jouer de nouveau la musique jusqu’au mot fin (Fine). Exemple : On joue toutes les mesures, puis on reprend les mesures 3 à 6 inclusivement.

11 . ˙ œ 3 œ œ œ b Œ œ œ œ œ œ œ œ œ & 4 ˙ ˙ œ œ œ œ ˙ ˙- ˙ ˙ œ f 1

6 Fine 7

D.S. al Fine

• Le Da Capo al Fine ou D.C. al Fine

Le Da Capo (D.C.) indique de retourner au début et de jouer jusqu’au mot fin (Fine). Exemple : On joue toutes les mesures, puis on reprend les mesures 1 à 4 inclusivement.

D.C. al Fine 3 4Fine 5œ 6 7 # 21 œ. . 2 œ œ œ œ œ œ 8œ Œ & 4 œ œ. œ œ œ œ œ œ . ‰ œ . F p

• Le Dal Segno al Coda ou D.S. al Coda

Le Dal Segno (D.S.) indique de retourner au signe % et de jouer de nouveau la musique jusqu’au signe de Coda ﬁ. Ce dernier renvoie au même signe ﬁ situé au début de la Coda (conclusion). Exemple : Les mesures sont jouées dans l’ordre suivant : 1 à 9, puis 3, 4, 5, 6, 10 et 11.

Exercices 1

%3 1 2 4 5 6> 2 œ b ‰ œ œ œ œ œ œ œ œ- œ œ œ œ ˙ & 4 œœœ œœ . œ. . œ. F 7 9 D.S. al Coda ﬁ 10 11 . œ. . 8 œ œ b ‰ ‰ œœœ œ- œ œ œ œ & œ œ >˙ f

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Indique l’ordre des mesures dans lequel tu exécuterais cette mélodie. 2 3 4 #1 & 42 œ œ œ œ œ .. œ œ œ œ œ œ

Moderato

.. . œ œœœœ œ œ . œ œœ ˙

Réponse : 2

Indique l’ordre des mesures dans lequel tu chanterais cette mélodie. 2 # 2Allegro œ œ œ œ œ œ & 4 œ 1

œ œ œ œ œ

.. œ

6 œ œ œ œ œ

Réponse : 3

Dans quel ordre exécuterais-tu ces mesures ?

4 Fine %2 3 4 œ w Ó Œ œ & 4 œ œ œ œœœ œœœ 1

Moderato

˙ ˙

7 ˙ œ œœ ˙ ˙

˙. Œ

8 D.S. al Fine

Réponse : Exercices supplémentaires : voir Guide-corrigé.

Exploration musicale

L’orchestre symphonique et les familles d’instruments Il existe de nombreux types de regroupements de musiciens, qu’on appelle ensembles. Avec des effectifs pouvant aller jusqu’à cent, et même plus, l’orchestre symphonique est le plus grand d’entre eux. Dirigé par un chef d’orchestre, il est formé de quatre d’instruments : les cordes, les bois, les cuivres et les percussions. familles d’instruments : Familles d’instruments Cordes Bois Cuivres

Cors d'harmonie

Percussions

Timbales

Trompettes Trombones Tuba

Percussions

Piano

Contrebasses

Harpe

Premiers violons Clarinettes

Bassons

Violoncelles

Chef d’orchestre Seconds violons Flûtes

Altos Hautbois

Chapitre 1

À ton rythme ! C’est ta pub pour l’école, Karim ? C’est trop compliqué !

On avait dit simple et accrocheur !

Ouin. Juste un 44 avec des temps forts bien marqués !

Toute musique est un agencement de sons et de rythmes. De nos jours, la plupart des chansons populaires sont écrites dans un rythme de , c’est-à-dire un rythme qui comporte quatre temps ou pulsations par mesure. Pour t’en convaincre, tu peux faire une expérience toute simple. Allume la radio et syntonise une station diffusant de la musique pop. Écoute attentivement quelques chansons. Dans la plupart d’entre elles, tu pourras probablement ressentir le rythme et compter les temps : 1, 2, 3, 4, 1, 2, 3, 4…

Nomme trois chansons populaires sur lesquelles tu peux compter facilement le rythme : 1, 2, 3, 4.

Sur la partition d’une chanson populaire, tu verras donc les chiffres indicateurs au début de la pièce, à moins qu’ils ne soient remplacés par leur abréviation : = . Ce rythme est si répandu qu’on le surnomme temps commun ou common time. Dans ce chapitre, tu approfondiras ta compréhension de la mesure à chanson populaire : « New Soul », de Yael Naim.

Ce n’est pas un hasard si le batteur d’un groupe rock compte « 1, 2, 3, 4 » au début de chaque chanson !

à partir d’une

découvre Piste audio 3

Écoute la chanson « New Soul », composée par Yael Naim et David Donatien en 2007. Pendant l’écoute, essaie de suivre la musique sur l’extrait suivant de la partition. Réponds ensuite aux questions de la page 37.

« New Soul »

Modéré q = 100

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4 &4 Œ ? 44 œ

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1. I’m a

learn a bit ’bout how to give and learn a bit ’bout what is true and

new soul, 2. young soul

take. fake.

&œ œ œ œ œ œ œ œ œ œœ œ ? œ ‰ œj œ ‰ j œ œ œ

the fear. ni - cate

&œ ?

j œœ ‰ Œ œ ‰ j œ œ

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Couplets 1 et 2

& œ œ œ œ œ œ œ .Œ œ œ œ

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j œœ ‰ Œ œ ‰ j œ œ

Paroles et musique Yael Naim et David Donatien

œ œ œ œ œ

I came to this strange world in this ver - y strange world

‰

œ ‰ œj œ œœ J

But since I But why all

œ œ œ. œ œ

came here, this hate?

j‰ ‰ j œ œ œœ œ œœ œ ‰ œj œ ‰ œj œ

mak- ing ev - ’ry pos - si - ble mis - take. love is not al- ways eas - y to make.

œœœ œ œ œœœ œ œ œ œœœ œ œ œ œœ œ œ œ ‰ j ‰ j œ ‰ jœ ‰ j œ œ œ œ œ œ

j‰ œœœ ‰ j œ

œ œ œ œ

hop - ing I could hop - ing I could

œœœ œ œ œœ œ œ ‰ j ‰ j œ œ œ œ œ œ œ

felt the joy and Try to com - mu -

œœ œ œ œœ œ œ j ‰ œ œ ‰ œj

Œ œ œ œ œ œ œ œ œ œ œ œ œ œ œ.

find - ing my - self find - ing trust and

j œœ ‰ Œ œ ‰ j œ œ

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La la

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‰ jœ œ œ œ œ

Pour la traduction des paroles de la chanson, voir le Guide-corrigé. Voir le lien proposé à la page 3 du Guide-corrigé.

observe 1

En te servant de tes connaissances, écris dans chaque cercle de la page précédente le nombre correspondant à l’expression appropriée. 1

Barre de mesure

Clé de sol

Demi-soupir

Chiffres indicateurs

Croches

Noire

Clé de fa

Demi-pause

Soupir

Nomme trois instruments que tu entends dans cette chanson.

Cette chanson est écrite dans un rythme à . Le piano marque clairement les temps forts, soit le premier et le troisième temps, et les temps faibles, soit le deuxième et le quatrième temps. Quel autre instrument marque aussi les deuxième et quatrième temps ?

apprécie 4

Parmi les adjectifs suivants, entoure celui qui, selon toi, qualifie le mieux cette œuvre. Explique ta réponse. Joyeuse Répétitive Morose Percutante Endiablée Drôle

Explication :

À la fin de la chanson, un chœur chante une mélodie sans paroles. Qu’est-ce que ce genre de musique évoque pour toi ?

a) Si tu devais utiliser cette chanson dans un message publicitaire, à quel genre de public ta publicité serait-elle destinée ? Entoure ta ou tes réponses. Enfants Adolescents Adultes Personnes âgées

b) Explique ton choix.

. . . t s e i u Q Qui est... Qui est... Yael Naim

L’auteure-compositrice-interprète Yael Naim est née en France, en 1978, de parents d’origine tunisienne de confession juive. À l’âge de quatre ans, elle déménage en Israël, dans un village situé près de Tel Aviv. Elle y demeure jusqu’au début de la vingtaine.

David Donatien et Yael Naim

La découverte de la musique

Le tournant

La jeune Yael se passionne pour la musique après avoir vu le film Amadeus, une biographie de Mozart. Pendant dix ans, elle suit des cours de piano classique, puis, à l’adolescence, elle s’ouvre à d’autres styles : pop, jazz, folk, rock, etc.

En 2004, Yael Naim rencontre le musicien, producteur et réalisateur David Donatien. C’est le début d’une longue et fructueuse collaboration. Les deux artistes sortent un premier opus en 2007, intitulé simplement Yael Naim et David Donatien, sur lequel figure la pièce « New Soul ». Suivra She was a boy en 2010.

Pendant ses années de service militaire, obligatoire pour tout jeune Israélien, elle fonde un groupe, The Anti Collision, avec lequel elle se produit sur différentes scènes de son pays. En 2000, la jeune musicienne revient en France et s’installe à Paris afin de se consacrer à la composition. Elle écrit ses propres textes, en hébreu et en anglais. Elle participe aussi à des comédies musicales. Un directeur de maison de disques la remarque et lui propose de produire son premier album : In a Man’s Wombs sort en 2001, mais le succès n’est pas au rendez‑vous.

Une bonne pub

ès sa sortie, « New Soul » tourne beaucoup en France, mais c’est le fait d’avoir été choisie par la multinationale Apple comme thème de la publicité du MacBook Air qui propulse son auteure et interprète sur les scènes internationales. Une autre chanson de Yael Naim, « Come home », a été utilisée dans une publicité de nourriture pour bébé.

analyse

Le rythme de « New Soul » La chanson « New Soul » est en , comme le précisent les chiffres indicateurs placés au début de la pièce. Cela signifie que chaque mesure compte quatre temps de noires ou l’équivalent.

?4 4

expérimente 1

Dans chaque mesure ci-contre, nomme les figures de notes et de silences, puis indique combien de temps (T) dure chacune. Additionne la valeur des figures pour t’assurer que chaque mesure compte bien quatre temps.

Ex.: 1 noire = 1 T

œ œ

Œ œ œ .. œ œ œ œ œ œ œ œ œ œ œ œ œ œ œ œ œ œ œ œ

œ œ Œ Œ œ œ ..

Voici les mêmes mesures, cette fois avec la hauteur des notes. Écris le nom des notes sous les mesures.

& 44 Ó

e ‰ œj œ ‰ œj c

Indique les pulsations à l’aide de petits traits au-dessus des mesures suivantes. Lis ensuite le rythme en tapant les pulsations dans tes mains. N’oublie pas les reprises !

44 Ó

g 4 Ó &4

Œ œ œ .. œ œ œœœœ œ œ œœœœ

œ œ œœ œ œ œœ œ œ

Œ Œ œ œ ..

Habituellement, les instruments marquent les temps forts d’une mesure, soit les premier et troisième temps dans un .

44 >1œ

>œ

Par contre, la batterie marque souvent les temps faibles, soit les deuxième et quatrième temps dans un .

44 œ1

>œ2

>œ4

analyse

La partition pour voix et piano L’accompagnement musical d’une chanson sert à soutenir et à agrémenter la mélodie. Il peut être exécuté par un ou plusieurs instruments. Dans la chanson « New Soul », il y en a plusieurs. La partition de la page 36, reprise en partie ci-dessous, montre les parties de la voix et de l’accompagnement au piano. La portée supérieure est pour la voix. Elle indique les notes qui doivent être chantées. Les paroles sont écrites en dessous. Les deux portées inférieures, reliées par une accolade, sont pour le piano. Clé de sol = main droite Clé de fa = main gauche

Elle est composée de trois portées placées l’une au-dessus de l’autre et reliées par une ligne indiquant de les jouer en même temps.

& Ó & Œ ?

Œ j œœœ ‰ Œ

‰ jœ œ

. œ œ .œ

1. I’m a

new 2. young

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soul. soul

I came to this strange world in this ver - y strange world

‰ jœ œ

‰ j œ œ

œ œ œ œ

hop- ing I could hop- ing I could

œ œ œœ œ œ

‰ j œ œ

‰ j œ

Le thème Un thème est une phrase musicale qui se répète dans une pièce. Il peut y en avoir plusieurs dans un morceau de musique. On identifie chaque thème par une lettre : thème A, thème B, etc. Un procédé de composition très utilisé, appelé thème et variations, consiste à reprendre un thème en le modifiant. On désigne les variations par la même lettre que le thème principal, suivie du symbole prime : « ’ ». Exemples : thème = A ; 1re variation = A’ ; 2e variation = A’’.

Dans « New Soul », le thème principal est chanté, mais aussi joué au piano par la main droite (voir les notes orangées ci-dessus). La main gauche joue ce qu’on appelle la basse.

La forme ABA On appelle forme musicale la façon dont une œuvre est organisée ou structurée. Il existe de nombreuses formes. Par exemple, une pièce composée d’un thème A, d’un thème B, puis du retour du thème A est de forme ABA.

L’introduction, le pont et la coda • La partie qui ouvre une pièce musicale s’appelle l’introduction. Son but est d’installer le tempo, le rythme et le caractère de l’œuvre afin d’annoncer la mélodie. • Le pont est un court passage qui sert de transition entre deux thèmes ou deux parties d’une pièce musicale. • La coda est la conclusion, c’est-à-dire la fin d’une pièce musicale.

expérimente Écoute de nouveau la chanson « New Soul » en observant la partition, puis réponds aux questions suivantes. 1

Dans « New Soul », la voix chante deux thèmes différents, A et B. Combien de fois le thème A est-il chanté au début ? Attention ! Il peut être chanté sans paroles.

Quel instrument joue l’introduction ?

De combien de mesures l’introduction est-elle composée ?

Quel est le but de cette introduction ?

Décris dans tes mots en quoi la coda de « New Soul » diffère du reste de la pièce.

Place dans le bon ordre tous les éléments de la forme musicale de la chanson. Coda Introduction Pont (silence/chant d’oiseaux) Pont instrumental Thème A (2 fois) Thème A’ (4 fois) Thème A (8 fois) Thème B – B’- B’’ 1

Musique

et société

Musique et publicité :

ces notes qui nous accrochent

a musique est un élément clé d’une bonne publicité. Elle peut avoir un impact déterminant sur la façon dont le public perçoit le produit qu’elle sert à vendre. Voilà pourquoi les publicitaires choisissent avec soin les pièces musicales de leurs messages. Quels sont leurs critères ?

• Une mélodie accrocheuse. • Un rythme généralement en . • Un style musical en accord avec le produit à promouvoir et les

goûts du public cible. Une pièce classique, par exemple, reflétera bien le caractère luxueux d’un produit, alors qu’une musique à la mode fera ressortir son côté « branché ».

Vendre ou ne pas vendre sa chanson Yael Naim est loin d’être la seule à avoir accepté que l’une de ses chansons serve à des fins publicitaires ! Tu as peut-être déjà entendu, par exemple, « Blue Jeans », de Lana Del Rey, associée à une marque de café, « Love Generation », de Bob Sinclar, choisie pour vendre des produits de loterie ou « Ensemble », de Cœur de pirate, dans une publicité de téléphone intelligent. Vendre des droits sur sa chanson comporte un avantage économique certain pour un auteur. Cela peut également aider à révéler au public un nouvel artiste, comme ce fut le cas pour Yael Naim. Une telle décision présente toutefois quelques risques. D’une part, les auditeurs peuvent se lasser d’entendre la pièce. D’autre part, l’artiste peut être critiqué si sa chanson est associée à un produit mal perçu par ses fans. C’est ce qui est arrivé au groupe québécois Karkwa, en 2011, lorsque l’une de ses chansons a servi dans une pub de boisson gazeuse bien connue. Les membres du groupe se sont défendus : entre conscience sociale et survie économique, le choix n’est pas toujours facile !

Si on te demandait la permission d’utiliser l’une de tes chansons dans une publicité de voiture, accepterais-tu ? Explique ta réponse.

Chapitre 2

Tout en contraste ! Je l’ai ! On fait une chanson super contrastante : des couplets doux en 3/4, et paf ! un refrain méga fort en 4/4 !

Noémie, presque toutes les chansons de la planète sont en 4/4 ! Et si on s’appelle Vacarme, c’est pas pour jouer doux ! Ma guitare est même pas capable de faire des riffs en 3/4…

Ah ! Gang ! Faut essayer ! Les contrastes, c’est trop génial !

C’est quoi du 3/4 ?

Riff: C ourt motif ou thème joué de manière répétitive dans une pièce musicale. En musique classique, on utilise le terme « ostinato ».

Il y a des contrastes dans tous les styles de musique !

Des contrastes, il en existe partout autour de toi… pas seulement en musique ! Donnes-en trois exemples. a)

découvre Écoute la « Valse nº 2 » tirée de la Suite pour orchestre de variété nº 1 écrite en 1956 par le compositeur russe Dmitri Chostakovitch. Pendant l’écoute, essaie de faire des liens entre la musique que tu entends et les indications de la partition ci‑dessous. Réponds ensuite aux questions de la page suivante.

Piste audio 4

Suite pour orchestre de variété no 1 Allegretto poco moderato

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Valse n o 2

Dmitri Chostakovitch

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observe 1

En te servant de tes connaissances, écris dans chaque cercle de la page précédente le nombre correspondant à l’expression appropriée. 1

Barres de reprise

Decrescendo

Blanche pointée

Doux (piano) et fort (forte)

Chiffres indicateurs

Jouer la note très courte (staccato)

Clé de sol

Liaison de prolongation

Crescendo

Phrasé musical lié et chantant

apprécie 2

Nomme trois adjectifs qui, à ton avis, qualifient bien cette œuvre.

Encercle la bonne réponse. Le tempo de cette pièce est : lent moyen rapide

Nomme deux autres compositeurs de musique classique.

. . . t s e i u Q Qui est... Qui est...

Dmitri Chostakovitch

C’est incroyable ! Est-ce que toute la musique d’aujourd’hui est en 4/4 ?

Dmitri Chostakovitch

l’adolescence, Chostakovitch jouait du piano au cinéma pour accompagner les films muets. Grâce à cet emploi étudiant, il gagnait assez d’argent pour faire vivre sa famille !

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Jeune, Chostakovitch était inspiré par la musique des pianistes romantiques : Beethoven (ci-contre), Schumann, Liszt, Chopin, etc. Voir les liens proposés à la page 3 du Guide-corrigé.

1. Le Beethoven du XX e siècle de Mikhail Rudy, Altamusica, propos recueillis par Stéphane Haik, www.altamusica.com.

analyse

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expérimente 1

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Œ 3 . ã 4 . ˙. f

Œ ˙.

analyse

Des nuances et des signes d’intensité Chostakovitch utilise les nuances et les signes d’intensité pour rendre sa « Valse nº 2 » plus contrastante. Il a recours à deux nuances principales : • Le piano, qui signifie « doux ». Son symbole est π. • Le forte, qui signifie « fort ». Son symbole est ƒ. Les nuances permettent également de transmettre des émotions. Au début de la valse, par exemple, il y a peu d’instruments qui jouent, notamment pour laisser place au solo de saxophone alto, mais aussi pour créer une ambiance mélancolique et dramatique. Tous les violons reprennent ensuite le thème principal en jouant forte. On ressent alors un effet de puissance. Parfois, le compositeur désire que le changement de nuances se fasse progressivement plutôt que subitement. Deux signes d’intensité sont alors utilisés : • Le crescendo, qui indique de jouer progressivement de plus en plus fort, de piano à forte, par exemple. Son symbole est <. • Le decrescendo, qui indique de jouer progressivement de plus en plus doux, de forte à piano, par exemple. Son symbole est >.

3 &4 ˙ p

Crescendo

œ Decrescendo

˙. p

expérimente 1

À ton avis, pourquoi jouer piano représente-t-il un défi pour un musicien ?

Pour mettre en pratique les nuances ( p, f ) et les signes d’intensité (crescendo, decrescendo), joue ou chante les deux exercices suivants. Attention : le crescendo et le decrescendo doivent être exécutés de façon progressive. Joués en équipe, ces exercices ont encore plus d’effet ! a)

ã 43 .. œ p ã 43 .. œ f

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œ p

œ f

analyse

Le phrasé contrastant En musique, une phrase musicale peut être interprétée de différentes façons : notes longues, courtes, sautillantes, accentuées… Deux phrasés principaux sont utilisés dans la « Valse nº 2 » : • Le legato, qui signifie « jouer lié ». • Le staccato, qui signifie « jouer détaché ». Le thème est interprété legato, tandis que l’accompagnement se joue staccato :

b 3 & b b 4 ˙.

˙ œ ˙. œ ? b 3 Œ œœ. œœ. Œ œœ. œœ. Œ œœ. œœ. Œ bb 4

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Des points placés en dessous ou au‑dessus des notes indiquent que celles‑ci doivent être courtes et détachées.

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. . . . œœ. Œ œœ œœ Œ n œœ œœ

Une longue liaison reliant tout un passage signifie que les notes doivent être longues, tenues, sans articulation entre elles.

Le timbre des instruments Le timbre représente les caractéristiques ou les qualités du son d’un instrument qui permettent de le reconnaître. Pour décrire le timbre d’un instrument, on utilise souvent un adjectif comme clair, chaud, froid, velouté, riche, puissant, rond, etc.

expérimente 1

Écoute de nouveau la « Valse no 2 » et prête attention aux instruments qui interprètent le thème principal. Celui-ci est d’abord joué au saxophone alto, puis aux violons. Plus loin, il est confié au trombone et, finalement, les violons le reprennent. À l’aide d’un adjectif de ton choix, décris le timbre du trombone.

En te servant des notions que tu as étudiées dans ce chapitre, explique pourquoi, à ton avis, Chostakovitch a choisi des instruments différents pour interpréter le thème de la valse.

Musique

et société

Immortaliser

la chute du mur de Berlin

ans la nuit du 12 au 13 août 1961, on entreprend la construction d’un grand mur de 3,6 mètres de haut en plein cœur de la ville de Berlin. Le but : séparer physiquement la République démocratique d’Allemagne (RDA) de la République fédérale d’Allemagne (RFA), deux États issus de la division du pays après la Seconde Guerre mondiale. Ce mur est surveillé par plus de 14 000 gardes armés : quiconque tente de le franchir est fusillé. Il constitue l’une des pièces maîtresses du Rideau de fer, frontière de barbelés et de postes de garde entre les pays d’Europe de l’Est, alliés au régime communiste de l’URSS, et les pays d’Europe de l’Ouest, alliés aux Américains, aux Français et aux Britanniques. Il faudra attendre l’effondrement de l’URSS pour voir la chute du mur de Berlin, le 16 novembre 1989. Cet événement heureux est accueilli chaudement dans le monde entier. La chanson Wind of Change (« Le vent du changement ») du groupe Scorpions en devient rapidement le symbole. Dans le vidéoclip, on peut voir des images du démantèlement du mur. Véritable emblème de la réunification de l’Allemagne, cette chanson rassemble les générations dans un espoir lumineux envers l’avenir, « un vent de changement ». En plus d’être numéro 1 aux palmarès des ventes de disques dans plusieurs pays, elle est la chanson la plus vendue de tous les temps en Allemagne. La télévision allemande ZDF l’a même proclamée « chanson du siècle ».

Crois-tu que la musique peut apporter des changements positifs dans le monde ou dans ta vie ? Donne des exemples.

Chapitre 3

Chanter ses opinions Karim ! C’est quoi, ça ? ! ? !

Pour sauver la planète Prends ta débarbouillette

Tu veux parler d’un sujet lourd, avec notre musique festive ? Une compo contre la pollution !

Pourquoi pas ? !

De nombreux textes de chansons traitent de problèmes comme la pauvreté, la violence, les conflits, la dépendance à la drogue, etc. La musique de ces chansons est souvent sombre, faite de riffs de guitare en distorsion ou de mélodies moroses. Certains artistes réussissent pourtant à créer un heureux mariage entre sujets graves et musique festive. C’était le cas des Colocs, groupe québécois très populaire dans les années 1990. Dans ses chansons, ce groupe s’est permis d’aborder des problèmes comme l’itinérance, le sida, la violence conjugale et le fossé entre les plus démunis et les mieux nantis. Même si ses textes traitaient de réalités sociales douloureuses, la musique des Colocs était généralement joyeuse, mêlant pop, percussions d’Afrique et cuivres jazzés. Dans ce chapitre, à partir de la chanson « Bonyeu », des Colocs, tu vas découvrir la forme musicale couplet-refrain-instrumental et explorer différents tempos.

De la musique qui swingue et des paroles qui brassent ! J’adore !

Nomme deux autres artistes ou groupes québécois qui parlent de problèmes sociaux dans leurs chansons.

découvre Écoute la chanson « Bonyeu », des Colocs. Pendant l’écoute, suis les paroles reproduites ci-dessous. Réponds ensuite aux questions de la page 53.

Piste audio 5

« Bonyeu », des Colocs (Instruments à vent) Bonyeu donne-moé une job Faut que j'fasse mes paiements Amener ma blonde au restaurant Pis tchéquer les numéros gagnants Bonyeu donne-moé une job J'vas payer l'loyer du mois passé J'vas r'brancher l'téléphone Les collecteurs vont pouvoir me r'trouver Pis si jamais tu m'donnes une job Tu me r'verras à l'église À genoux devant l'curé Bonyeu laisse-moé pas tomber Bonyeu donne-moé une job Chu prêt à commencer en bas d'l'échelle Ch'pas pire avec les chiffres Pis j'sais m'servir de ma cervelle Bonyeu donne-moé une job Pis j'te jure que j'vas m'caser J'vas m'lever tôt tous les matins Pis j'te promets d'arrêter d'chialer

Bonyeu donne-moé une job Chu prêt à bûcher comme un Viet Y faut que j'fasse de quoi de moé Ch’tanné d'attendre après mon chèque Pis si jamais tu m'donnes une job Tu me r'verras à l'église À genoux devant l'curé Bonyeu laisse-moé pas tomber Bonyeu donne-moé une job N'import'laquelle f'rait mon affaire N'importe où n'importe quand Pour me sortir de mon calvaire Bonyeu donne-moé une job J'envoie mon C.V. à saint Pierre Parlez-y d'moé si vous voulez Un pourcentage sur mon salaire Pis si jamais tu m'donnes une job Tu me r'verras à l'église À genoux devant l'curé Bonyeu laisse-moé pas tomber

(Instruments à vent)

Pis si jamais tu m'donnes une job Tu me r'verras à l'église À genoux devant l'curé Bonyeu laisse-moé pas tomber

(Instruments à vent)

Pis si jamais tu m'donnes une job Tu me r'verras à l'église À genoux devant l'curé Bonyeu laisse-moé pas tomber

Bonyeu donne-moé une job J'veux travailler avec le public Chu bon vendeur j'arrive à l'heure Pis j'bois moins qu'un alcoolique

(Instruments à vent) Okay !

Voir le lien vidéo proposé à la page 3 du Guide-corrigé.

observe 1

En te servant de tes connaissances, écris, dans chaque cercle de la page précédente, la lettre C si le paragraphe correspond à un couplet, R s’il s’agit du refrain et I pour une partie instrumentale.

apprécie 2

Quel est le sujet de la chanson « Bonyeu » ?

Encercle l’adjectif qui, selon toi, qualifie le mieux cette chanson. Entraînante Déprimante Répétitive Amusante Touchante

Explique ta réponse.

Deux instruments à vent se partagent la partie instrumentale de la chanson. Quels sont-ils ?

Encercle la bonne réponse. Le tempo de cette pièce est : lent moyen rapide

As-tu aimé cette chanson ? Explique ta réponse.

J’adore les paroles et le rythme rapide de cette chanson !

. . . t s e i u Q Qui est... Qui est...

Le groupe Les Colocs

Formé en 1990 par le charismatique André « Dédé » Fortin, le groupe Les Colocs a marqué la scène musicale québécoise. Les textes ironiques et mordants de Dédé abordaient des problèmes sociaux graves dans un langage simple et populaire. L’auteur et chanteur dénonçait les injustices et se portait à la défense des laissés-pour-compte de la société. La plupart du temps, la musique qui accompagnait ses propos était néanmoins dynamique et entraînante. Les Colocs

Un riche métissage musical L’apport de musiciens aux influences et aux origines culturelles variées créait un rock métissé et festif. Le blues mélancolique de l’harmonica de Patrick Esposito di Napoli, musicien d’origine française, se mêlait aux riffs dynamiques de la guitare de Mike Sawatzky, un Cri de Saskatchewan. Le batteur Jimmy Bourgoing alliait habilement son rock syncopé au style jazz du premier bassiste, Serge Robert (aujourd’hui Mononc’ Serge), puis aux influences reggae du second bassiste, le Belge André Vanderbiest. À ce noyau principal se greffaient régulièrement d’autres musiciens et des danseurs.

eecs ennie nesu d U cc de Le groupe Les Colocs s'est d’abord fait connaître sur scène, où l’énergie communicative de ses membres ne passait pas inaperçue. Son premier album s’est vendu à plus de 150 000 exemplaires. En 1995, les musiciens ont lancé leur deuxième opus, Atrocetomique, le jour même du référendum sur la souveraineté du Québec. Le résultat négatif du vote a constitué une amère déception pour Dédé, souverainiste convaincu. Les textes particulièrement sombres de l’album Dehors novembre ont révélé les tourments intérieurs de leur auteur. Dédé est mort le 8 mai 2000. Après ce décès tragique, le groupe a cessé ses activités.

Des retrouvailles En 2009, d’anciens Colocs et de nouveaux invités ont redonné vie aux chansons du groupe le temps d’un spectacle. Une tournée a suivi en 2013. L’engagement social et communautaire des Colocs est toujours présent : une partie des profits de la tournée va au développement de la relève musicale.

analyse

La forme couplet-refrain-instrumental La musique d’aujourd’hui est souvent structurée de la même façon : des refrains accrocheurs et dynamiques, entrecoupés de couplets moins rythmés et de mélodies instrumentales. • Un refrain est un groupe de mots et une mélodie répétés à plusieurs reprises dans une chanson. Il contient généralement le message principal de la pièce. C’est la partie qu’on retient le plus facilement.

Impressionnant comme la musique du passé est toujours présente !

• Un couplet est une partie du texte qui raconte l’histoire de la chanson. D’un couplet à l’autre, les paroles changent, mais la mélodie, différente du refrain, reste généralement la même. • Un passage instrumental est une partie sans paroles interprétée par un ou plusieurs instruments. Il se distingue du solo, toujours joué par un seul instrument et mettant en avant la virtuosité de l’interprète.

En musique classique, on appelle rondo l’alternance d’un refrain répété (thème A) et de couplets variés (thèmes B, C, D, etc.). Cette forme musicale est très répandue dans les symphonies et les concertos, par exemple.

expérimente En équipe de quatre élèves, vous devez écrire un couplet et un refrain sur l’air de la chanson « Bonyeu ». Votre texte doit traiter d’un problème vécu par les jeunes de votre école. Attention de bien faire concorder les paroles et la musique. Dans les paroles de « Bonyeu », Dédé Fortin emploie, par exemple, des contractions de mots : « J’vas m’lever tôt tous les matins » au lieu de « Je vais me lever tôt tous les matins ».

analyse

Le tempo La chanson « Bonyeu » possède un tempo rapide. On indique le tempo d’une pièce au début de la partition, soit par un mot, soit en nombre de pulsations, ou battements, par minute (BPM). Par exemple, = 120 signifie que la pièce doit être jouée à la vitesse de 120 noires, ou l’équivalent, à la minute. On dit aussi « 120 à la noire ». Si la partition indique = 60, la vitesse d’exécution prévue est 60 blanches, ou l’équivalent, à la minute. On peut compter les pulsations à l’aide d’un métronome.

Un métronome

expérimente 1

Avant l’invention du métronome, les compositeurs avaient recours à des mots en italien pour indiquer le tempo. Le tableau suivant en montre quelques exemples. Remplis-le à l’aide d’une recherche dans Internet. Vocabulaire, en italien

Signification

Lento Adagio Andante Moderato Allegro Presto Prestissimo

Lent Assez lent Avec de l’allant Modéré Vif Rapide Très rapide

Nombre de pulsations par minute

Joue la séquence rythmique suivante à un tempo de 60 à la noire, puis de 120 à la noire.

Le rythme de la batterie dans « Bonyeu » est toujours le même :

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Clé de percussion et notes en « x » = sons de hauteur indéterminée

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a) Exécute ce motif rythmique en tapant des mains à un tempo de 120 à la noire. Refais ensuite l’exercice à un tempo de 192 à la noire, le tempo réel de « Bonyeu ». b) Réécoute la chanson et exécute le motif rythmique en tapant des mains sur chaque temps. c) Écoute la chanson de nouveau et exécute encore le motif rythmique en tapant des mains, mais cette fois uniquement sur le premier et le troisième temps de chaque mesure.

analyse

Les chiffres indicateurs C et C barré Tu t’es probablement rendu compte qu’il est plus facile de taper uniquement sur le premier et le troisième temps de « Bonyeu » que de taper sur chaque temps. En effet, il est difficile de compter cette chanson en à un tempo de 192 à la noire en raison de sa rapidité. Pour alléger la tâche, on compte plutôt à la moitié de la vitesse, soit 86 à la blanche. Les chiffres indicateurs de la mesure sont donc . Le rythme est le même, seule la pulsation change.

ã 22 Œ

h = 86

Deux temps de blanche par mesure

On remplace souvent les chiffres indicateurs la moitié du temps commun.

ãC Œ

par l’abréviation « C barré », qui signifie

ã 22 Œ

Comme tu l’as vu au chapitre 1, le temps commun est le est « C ».

ãc Œ

et son symbole abrégé

ã 44 Œ

La batterie Dans la plupart des styles musicaux actuels, le rythme est marqué par une batterie. Celle-ci regroupe un ensemble d’instruments percussifs joués par le même musicien, le batteur. La batterie moderne est née aux États-Unis au début du vingtième siècle, en même temps que le jazz, mais chaque élément qui la compose a son origine propre. En fait, les percussions sont parmi les premiers instruments du monde ! Des tambours et des cymbales sont représentés dans les peintures et les sculptures des civilisations antiques, entre autres en Égypte. En Grèce et en Turquie, les cymbales servaient, semble-t-il, à repousser les mauvais esprits. Au Moyen Âge, déjà, on a vu apparaître des hommes-orchestres jouant de plusieurs instruments en même temps. À l’aide d’un système de ficelles, ils pouvaient frapper la grosse caisse accrochée dans leur dos.

Wow ! Heureusement que les pédales ont remplacé les ficelles !

Musique

et société

L’art

qui change le monde

l n’y a pas que le groupe Les Colocs qui a su conjuguer art et engagement social. Un grand nombre d’artistes d’ici et d’ailleurs prêtent leur voix à des causes qui leur tiennent à cœur. C’est le cas, par exemple, de l’auteur-compositeurinterprète Richard Desjardins. Son engagement social se reflète dans ses chansons, mais également dans ses prises de position publiques et dans ses films. Il a coréalisé, entre autres, en 1999, L’Erreur boréale, documentaire dénonçant les coupes à blanc pratiquées dans les forêts du Nord-du-Québec. À l’époque, André Fortin des Colocs avait d’ailleurs exprimé son appui à Richard Desjardins et à son projet visant à sauvegarder la forêt boréale. Les débats entourant le film ont incité le gouvernement à modifier la loi afin que nos forêts soient gérées de façon plus responsable.

Chanter pour mettre fin à l’apartheid

Partager sa popularité De nombreux artistes sont sollicités pour devenir porte-parole d’une campagne ou d’un organisme. Grâce à leur popularité, ils donnent de la visibilité à la cause qu’ils soutiennent. Parmi ceux qui ont accepté de jouer un tel rôle, citons entre autres Céline Dion, marraine nationale de Fibrose kystique Canada et de la Fondation de l’hôpital Sainte‑Justine ; Martin Deschamps, porte-parole de la Semaine québécoise des personnes handicapées ; Samian, porte-parole du Wapikoni mobile. S’unir pour nourrir le monde En 1985, dans le but de recueillir des fonds pour lutter contre la famine en Éthiopie, Michael Jackson et Lionel Richie écrivent la chanson « We Are the World ». Pour l’interpréter, ils réunissent plus d’une quarantaine de stars. Vendue à plus de 20 millions d'exemplaires, la chanson a permis de récolter 63 millions de dollars !

En 1987, Johnny Clegg, surnommé le zoulou blanc, compose « Asimbonanga ». Dans cette chanson, le musicien dénonce ouvertement l’emprisonnement de Nelson Mandela, célèbre opposant au régime de ségrégation raciale qui prévaut alors en Afrique du Sud. Le message est d’autant plus percutant que le groupe de Clegg est formé de Blancs et de Noirs et que les paroles de la chanson sont en zoulou et en anglais. Frappée de censure dans un pays où le nom même de Mandela est interdit de mention, la chanson devient un hymne à la lutte contre l’apartheid.

Si tu devenais une personnalité connue, pour quel genre de cause accepterais-tu d’être porte-parole ?

Chapitre 4

Le jazz : une fusion de styles Du… jazz ? C’est dépassé ! Mes grands-parents écoutent ça !

J’pourrais même pas jouer des riffs méchants !

Vous vous trompez ! Écoutez ma toune : vous allez voir.

Le jazz a pris racine dans le sud des États-Unis au début du vingtième siècle. Ce sont les Afro-Américains qui en ont posé les premiers jalons. Forcés de travailler durement, malgré la fin de l’esclavage, ils exprimaient leur souffrance dans leurs chants, à l’église (spiritual et gospel) et au travail (work songs). Aux rythmes hérités de leurs ancêtres se mêlaient des éléments empruntés à la musique traditionnelle américaine et à celle des immigrés européens. Les premiers orchestres de jazz se sont formés dans les rues de La Nouvelle‑Orléans, où de nombreux musiciens noirs jouaient dans les fanfares accompagnant les événements sociaux. Les clarinettes, trombones et trompettes, typiques de ces formations, sont devenus des instruments emblématiques du jazz. En plus d’un siècle d’existence, le jazz a connu une évolution constante, fusionnant plusieurs styles et influençant toute la musique occidentale moderne. Bien que très diversifiées, les compositions jazz partagent certaines caractéristiques : • un déplacement de l’accent rythmique (swing, syncopes et contretemps) ; • l’importance de l’improvisation mélodique et rythmique. Dans ce chapitre, tu exploreras ce genre musical très riche à l’aide d’une pièce composée en 2003 par Gordon Goodwin : « The Jazz Police ». Attention : ce morceau pourrait te faire aimer le jazz !

Nomme deux autres genres musicaux modernes.

Exemples de réponses : Rock, pop, reggae, métal, etc.

découvre Piste audio 6

Écoute la pièce « The Jazz Police », de Gordon Goodwin et son Big Phat Band. Pendant l’écoute, essaie de suivre la partition de trompette ci-dessous. Réponds ensuite aux questions de la page 61.

The Jazz Police Gordon Goodwin

1st B Trumpet Rock’n Roll = 176

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observe 1

En te servant de tes connaissances, écris dans chaque cercle de la page précédente le nombre correspondant à l’expression appropriée. Au besoin, tu peux consulter les pages 24 à 28 de ton cahier. 1

Accent

Forte

Mesures de silence

Barre de reprise

Glissando long

Staccato

Boîte de reprise

Liaison de prolongation

Tempo

Crescendo

Marcato (note courte et accentuée)

Tenuto (note tenue)

apprécie 2

Au début de la pièce, un instrument interprète un riff, accompagné par la batterie. De quel instrument s’agit-il ? La guitare électrique.

Nomme un instrument à vent qui joue en solo dans la pièce. Le saxophone.

Encercle la bonne réponse. Le tempo de cette pièce est : moderato allegro presto

À ton avis, qu’est-ce qui rend cette pièce entraînante ? Exemples de réponse : Le tempo rapide. La mélodie dynamique (notes courtes et marquées).

As-tu aimé cette pièce ? Explique ta réponse. Réponse personnelle.

Cette pièce ressemble-t-elle à ce que tu pensais du jazz avant de l’écouter ? Réponse personnelle.

. . . t s e i u Q Qui est... Qui est...

Gordon Goodwin

Gordon Goodwin est un compositeur, pianiste et saxophoniste américain. Il est né au Kansas, en 1954. Il est le fondateur et directeur du Big Phat Band.

Du studio à la scène En 1999, Goodwin réunit dix-huit musiciens chevronnés dans l’unique but d’enregistrer un disque. Il n’a pas l’intention de monter sur scène avec ce groupe, craignant que la gestion des horaires de chacun ne devienne un véritable casse-tête. Une première invitation à jouer en concert changera le cours des choses. L’auditoire est enivré par la musique rythmée de Goodwin et par la virtuosité des interprètes. Pour ces musiciens de studio, habitués à un travail plutôt solitaire, renouer avec le public a un effet électrisant ! Dès lors, le groupe se produira en spectacle et lancera plusieurs albums, qui recevront de nombreux prix et nominations, entre autres aux Grammy Awards.

Gordon Goodwin

Un travail

d equipe

Malgré quelques changements, le Big Phat Band est demeuré assez stable au fil des ans. La plupart de ses membres continuent de travailler également comme musiciens de studio, collaborant à l’enregistrement d’albums en tous genres et de trames sonores pour le cinéma ou la télévision. Ce type de travail exige une grande connaissance de la musique et une parfaite maîtrise de son instrument. Il faut pouvoir passer aisément d’un style musical à un autre et avoir une excellente lecture à vue. Aux yeux du directeur, toutefois, la principale qualité pour faire partie du groupe est l’esprit d’équipe. Chacun doit pouvoir mettre de côté son ego pour le bien de l’ensemble !

En accord avec l’air du temps Bien qu’inspirés de l’époque des big bands des années 1940, les arrangements du Big Phat Band sont modernes et dynamiques, avec une touche rock qui plaît à un jeune public. Voilà pourquoi les œuvres de Goodwin sont fréquemment jouées dans les écoles secondaires, les cégeps et les universités du Québec.

analyse

Les instruments du big band Le Big Phat Band est un orchestre de type big band, aussi appelé stage band. Ce type de formation est traditionnellement composé de quatre familles ou sections d’instruments.

expérimente 1

Le tableau ci-dessous illustre les instruments habituels du big band. Remplis-le en indiquant : a) le nom de chaque section ; b) le nom de chaque instrument illustré ; c) son registre, c’est-à-dire la hauteur des sons qu’il peut produire (grave, moyen ou aigu) ; d) la clé (de sol ou de fa) utilisée pour cet instrument.

a) Nom de la section Section des saxophones

b) Instrument 1

2 3

c) Registre

d) Clé

Saxophone alto

Aigu

Clé de sol

Saxophone ténor

Moyen

Clé de sol

Saxophone

Grave

Clé de sol

baryton Section des Trompette

trompettes Section des

Trombone

trombones Section rythmique

Grave

Clé de sol

Clé de fa

Piano

Grave, moyen et aigu

Clés de sol et de fa

Guitare

Moyen et aigu

Clé de sol

Basse Batterie

Aigu

Grave Indéterminé

Clé de fa Clé de percussion

analyse

Le phrasé jazz Comme tu l’as sans doute remarqué, la partition de la pièce « The Jazz Police », à la page 60, comporte plusieurs signes et symboles. Chacun d’eux donne des indications sur la façon dont le compositeur souhaite que la pièce soit interprétée. En voici quelques-uns :

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expérimente 1

À l’aide des expressions ci-dessous, complète les définitions. courte

courte et puissante

lentement

tenue

puissante

rapidement

a) L’accent (>) demande une attaque diminution immédiate du son.

puissante

suivie d’une

rapidement b) Le glissando court ( ) indique de passer de la note écrite à une note plus basse indéterminée, en jouant les notes qui les séparent et en diminuant le son.

lentement c) Le glissando long ( ~~~~~~~~ ) indique de passer de la note écrite à une note plus basse indéterminée, en jouant les notes qui les séparent et en diminuant le son.

d) Le marcato (^) demande de jouer la note

courte et puissante

e) Le staccato ( . ) indique que la note doit être

courte

f) Le tenuto ( - ) indique que la note doit être

tenue

Interprète les exercices suivants, seul ou en équipe. Ton enseignante ou ton enseignant t’expliquera la technique de chaque phrasé en fonction de ton instrument. a)

~~~

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analyse

Le swing Le swing désigne un style de jazz, mais aussi un rythme dans lequel les croches ne sont pas jouées de manière conventionnelle. En effet, dans une mesure à , chaque croche vaut normalement la moitié d’un temps. Dans le swing, la première croche vaut plutôt deux tiers du temps et la deuxième croche en vaut un tiers. C’est comme jouer un triolet de croches, mais en omettant la deuxième croche.

ŒÂ = Si tu as de la difficulté à comprendre cette division du temps, cherche dans Internet des pièces swing et écoute-les. C’est la meilleure façon de ressentir le rythme dansant du swing et d’arriver ensuite à le reproduire ! Voir les liens vidéo proposés à la page 3 du Guide-corrigé.

expérimente Rejoue les exercices de la page précédente en essayant de faire « swinguer » les croches !

analyse

Le nom des notes en anglais Dans les pays anglophones, les notes ne sont pas désignées par les syllabes do, ré, mi, fa, sol, la, si. On utilise plutôt les sept premières lettres de l'alphabet, en majuscules. Do

Ré

Sol

Attention : la première note en anglais, le A, ne correspond pas au do, mais plutôt au la.

Musique

et société

Une musique multiforme

e jazz a constamment évolué et une multitude de courants se sont ainsi développés au fil du temps. Voici un petit aperçu de certains des plus marquants.

Bebop : à vos métronomes ! Dans les années 1940, la domination du swing et des big bands a pris fin. Certains musiciens, souhaitant plus de liberté pour innover, improviser et jouer des solos, ont commencé à se regrouper en petites formations. Leurs explorations musicales ont donné naissance au bebop. Caractérisé par des tempos extrêmement rapides, des phrases mélodiques complexes et de longs solos improvisés, ce style de jazz exigeait des musiciens une grande maîtrise de leur instrument. Le trompettiste Dizzy Gillespie et le saxophoniste Charlie Parker ont été les chefs de file de ce mouvement.

Charlie Parker et Dizzy Gillespie

Cool : stoppez les machines ! En réaction au caractère peu accessible du bebop, un courant beaucoup plus calme et mélodieux a vu le jour dans les années 1950 : le cool jazz. Misant sur des mélodies plus harmonieuses et un son feutré, il a touché un vaste auditoire. Miles Davis, formidable trompettiste, fut l’un des plus illustres représentants de ce courant. Miles Davis

Rockons le jazz… ou l’inverse ? Vers la fin des années 1960, le rock, qui a déjà envahi la planète, s’est invité dans la musique jazz, faisant naître le jazz fusion. Grâce à son mélange de mélodies accrocheuses, de riffs dynamiques, de solos explosifs et de sonorités électriques, ce courant a réussi à conquérir bien plus que les adeptes du jazz. Le groupe UZEB en a été l’une des figures marquantes au Québec. Encore populaire aujourd’hui, le jazz fusion élargit constamment ses horizons en puisant dans toutes les musiques du monde. Voir les liens vidéo suggérés à la page 3 du Guide-corrigé.

UZEB : Michel Cusson, Paul Brochu et Alain Caron

Ce chapitre a-t-il changé ton opinion sur le jazz ? Explique ta réponse. Réponse personnelle.

Chapitre 5

Bach et l’effet miroir C’est bon, ce riff-là, Karim ! Ouais, mais pour la suite, j’suis bloqué.

Si on reprenait ton thème ensemble : toi, à l’endroit, moi, à l’envers ?

Un vieux truc de Bach… On essaye ?

Tu connais peut-être déjà le palindrome de lettres, c’est-à-dire un mot ou une phrase qui se lit dans les deux sens, comme Laval, ici, non, tôt, serres. Certains de ces mots ont une signification différente, par exemple tracé/écart. Le palindrome existe aussi en musique ! Il s’agit d’une phrase musicale écrite pour être lue à l’endroit et à l’envers. Pour la jouer, deux musiciens placés face à face posent la partition entre eux : l'un d’eux la lit à l'endroit, l'autre, à l'envers. C’est ce qu’on appelle une « lecture en miroir ». Bach a utilisé le palindrome dans son Offrande musicale, une œuvre contenant plusieurs pièces, notamment le « Canon 1 a 2 ». D’autres ont aussi eu recours à ce procédé de composition, entre autres Mozart dans la pièce Musique de table pour deux violons.

Le palindrome existe aussi en mathématique. Donne trois exemples de palindromes de nombres.

Voir le lien vidéo proposé à la page 3 du Guide-corrigé.

découvre Piste audio 7

Écoute le « Canon 1 a 2 », l’une des pièces de l’Offrande musicale de Bach. Pendant l’écoute, essaie de faire des liens entre la musique que tu entends et les indications de la partition ci-dessous.

Canones diversi super thema regium

Canon a 2

Départ de la main droite

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Départ de la main gauche

Voir le lien vidéo proposé à la page 3 du Guide-corrigé.

observe 1

Dans les cercles entourant la partition de la page 68, écris le nombre correspondant à l’expression appropriée. 1

Bémols à l’armure

Indicateur de mesure

Barre de mesure

Liaison de prolongation

Clé d’ut

Noire

Clé d’ut à l’envers

Note bécarre

Croche

Note dièse

a) Observe le point de départ de chacune des mains. Que constates-tu ?

b) À quel procédé mathématique cela te fait-il penser ?

apprécie 3

À quel tempo cette pièce est-elle jouée ? Encercle ta réponse. Lento Moderato Allegro

Parmi les qualificatifs ci-dessous, choisis-en deux qui, selon toi, s’appliquent bien à cette pièce. Explique ton choix. Calme

Énergique

Légère

Percutante

Compliquée

Grandiose

Lugubre

Rigoureuse

Élégante

Joyeuse

Lumineuse

Surprenante

Qualificatifs :

Explication :

Tu as probablement déjà chanté ou entendu des gens chanter en canon. Explique dans tes mots ce que signifie « chanter en canon ».

. . . t s e i u Q Qui est... Qui est...

Jean-Sébastien Bach

Jean-Sébastien Bach (1685–1750) est un compositeur et musicien allemand. Dans sa famille, on était musicien de père en fils depuis cinq générations ! Quatre de ses enfants sont, eux aussi, devenus des musiciens renommés.

Un compositeur autodidacte ! Orphelin à l’âge de neuf ans, c’est surtout auprès de son frère aîné et de son oncle que le jeune Jean-Sébastien a appris le violon, l’orgue, le clavecin et le chant. Mais c’est par ses propres moyens, en étudiant et en copiant les partitions d’autres compositeurs allemands, français et italiens, qu’il a développé l’art de la composition.

Jean-Sébastien Bach

Un beau defi !

Il a écrit plus de mille pièces ! Pourtant, à son époque, il était surtout célèbre pour ses talents d’organiste. Après sa mort, ses compositions sont pratiquement tombées dans l’oubli. Ce n’est qu’au dix-neuvième siècle que son immense héritage a été redécouvert. Il est maintenant considéré comme l’un des plus grands génies musicaux de tous les temps.

Anna Magdalena, seconde épouse de Bach, aidait ce dernier à copier ses partitions pour les musiciens. Certains analystes prétendent qu’elle serait l’auteure de quelques-unes des grandes œuvres attribuées à son mari.

Bach était un fervent pratiquant et il a dédié une très grande partie de son œuvre à Dieu. Il a tout de même composé de la musique profane, comme son Offrande musicale, l’une de ses œuvres majeures. Ce grand artiste l’aurait écrite pour répondre à un défi du roi Frédéric II de Prusse et lui prouver qu’il était encore en pleine maîtrise de son art. Le « Canon 1 a 2 », malgré une rythmique apparemment simple, demande à son exécutant une grande prouesse intellectuelle, puisqu’il doit lire la partition dans les deux sens en même temps !

arié deux fois, Jean-Sébastien Bach a eu vingt enfants, dont dix sont morts à la naissance ou en bas âge. On raconte que, chaque soir, pour s’endormir, il demandait à l’un de ses enfants de lui jouer de la musique.

analyse

La symétrie Un canon est une pièce à plusieurs voix ou parties, qui sont généralement interprétées de façon décalée. Comme son nom l’indique, le « Canon 1 a 2 » est un canon à deux voix, mais la seconde, au lieu d’être décalée, est jouée à l’envers. Bach a écrit un thème sur une seule ligne ; cette phrase musicale est jouée une première fois, puis reprise à rebours par la seconde voix. Cette méthode s’inspire du procédé mathématique appelé symétrie. Bach s’amusait avec différentes formes de symétries pour écrire des pièces à plusieurs voix pouvant être jouées en même temps ou de façon décalée. C’est ce qu’on appelle le contrepoint. En voici un exemple : Thème

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Rétrograde

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œ œ œ œ œ

œ œœœ œ

Inversion

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Rétrograde inversion

• Le thème : La ligne mélodique est jouée à l’endroit. • Le rétrograde : La ligne mélodique est jouée à l’envers à partir de la dernière note. • L’inversion : On inverse les intervalles du thème. Par exemple, entre les deux premières notes du thème ci-dessus, il y a un intervalle ascendant de cinq notes : do – ré – mi – fa – sol ; entre les deux premières notes de l’inversion, il y a encore un intervalle de cinq notes, mais descendant : do – si – la – sol – fa. • Le rétrograde inversion : L’inversion est jouée à l’envers.

expérimente 1

Écris les notes manquantes du rétrograde, de l’inversion et du rétrograde inversion du thème ci-dessous. Thème

& 44 œ

4 & 4

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œ Inversion

Rétrograde

œ œ

Rétrograde inversion

analyse

L’augmentation L’augmentation est un autre procédé de composition. On part du thème principal, puis on le reprend en augmentant la valeur de chacune des notes : par exemple, chaque noire devient une blanche. Thème

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& 44 Œ ˙

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Thème en augmentation décalé d’un temps

Bach utilisait souvent ce procédé dans ses œuvres. Il pouvait même l'associer à celui de la symétrie, ce qui donnait des œuvres extrêmement riches et complexes.

Dans L’art de la fugue, Bach a construit un de ses thèmes en utilisant les lettres de son nom. Dans la notation allemande, différente de la notation anglaise que tu as vue au chapitre 4, B-A-C-H donne : si -la-do-siΩ.

expérimente 1

Écris l’augmentation du thème suivant. Thème

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œ œ ˙

Thème en augmentation

& 44

analyse

Les altérations

Pour connaître l’ordre des altérations, consulte la page 19 de ton cahier.

Altérer une note, c’est lui attribuer une fréquence d’un demi-ton plus haut ou plus bas que sa hauteur naturelle. • Le dièse, ≥, indique d’augmenter la note d’un demi-ton.

• Le bémol, ˉ, indique de diminuer la note d’un demi-ton. • Le bécarre, Ω, indique de revenir à la note naturelle.

Les altérations peuvent être accidentelles ou placées à l’armure. Dans le « Canon 1 a 2 », Bach a écrit trois bémols à l'armure. Cela signifie que le si, le mi et le la seront bémols.

expérimente 1

Sur une guitare, on augmente d’un demi-ton à chaque case en partant des clés. Écris les notes manquantes sur le manche de guitare représenté ci-dessous. sol ré si fa do sol

mi si sol ré la mi

la do

mi mi

fa≥

si ré

ré

fa la

analyse

La liaison de prolongation La liaison de prolongation réunit deux ou plusieurs notes de même hauteur. Elle prolonge la durée de la première note de la durée des notes liées. Tu peux en voir des exemples dans la version en clé de sol, ci-dessous, de la partition du « Canon 1 a 2 » de Bach. Exemple : œ

b & b b 44

œ dure deux temps

˙ ˙

Œ œ œ #˙ nœ œ n˙ bœ œ œ bœ œ n˙

Musique

et société

Bach,

inventeur du jazz ?

e grand compositeur de la période baroque aurait-il réussi à voyager dans le temps ? Lorsqu’on analyse la musique de Jean-Sébastien Bach, créée au dix-huitième siècle, et le jazz, né au vingtième siècle, on en vient à la conclusion que ces styles musicaux différents ont au moins un point commun : l’improvisation ! Improviser, c’est créer de la musique sur le coup, au moment même où elle est jouée. Cet art tient une place prépondérante dans le jazz. Or, Bach le maîtrisait à la perfection. Habile musicien et créateur inventif, il pouvait improviser une musique à trois voix sans aucune préparation, en accentuant les temps faibles de la mesure, tout comme le fait aujourd’hui un musicien de jazz ! C’est d’ailleurs en improvisant des variations sur un thème soumis par le roi Frédéric II de Prusse qu’il a créé son Offrande musicale. L’écriture et l’achèvement de cette composition sont venus par la suite.

Improviser pour prier C’est souvent lors des célébrations liturgiques, entre autres à titre de compositeur à la Chapelle royale, que Bach était appelé à improviser. Il s’agissait alors pour cet homme pieux de générer une phrase musicale spirituelle en remerciement à Dieu.

J.-S. Bach et Louis Armstrong

Louis Armstrong

Qu’ont en commun Jean-Sébastien Bach et Louis Armstrong, un des plus grands trompettistes de jazz ? Non seulement ces deux musiciens étaient d’excellents improvisateurs, mais tous deux ont repoussé les limites de leur instrument respectif en matière de virtuosité.

Chapitre 6

Trouver sa voix… Stop ! C’est trop bas pour moi. Doum, tu devrais la chanter ! Ta voix est plus basse.

Heu ! Oubliez ça ! Moi, j’chante pas !

J’vais te donner des trucs, ça va aller !

Ouin… OK, j’vais essayer.

Chanter est un fabuleux moyen d’expression. Ce qui est encore plus fabuleux, c’est que la voix est un instrument accessible à tous ! Avec une bonne technique et de la persévérance, toute personne qui le désire peut améliorer sa voix. Quand l’interprétation est juste et sincère, pas besoin d’avoir une voix exceptionnelle pour que la magie opère. Dans ce chapitre, tu exploreras la voix humaine en tant qu’instrument de musique. Tu apprendras même quelques notions de technique vocale. Tu travailleras aussi les notions de reprise et de renvoi à l’aide de la partition pour voix de la chanson « Summertime », de George Gershwin. En pleine mutation Tu dois savoir que la puberté a un impact direct sur la voix. Ses effets sont plus marqués chez les garçons, qui peuvent passer des sons aigus de leur voix d’enfant aux sons plus graves de leur voix d’adulte en une fraction de seconde… contre leur volonté ! C’est ce que l’on appelle la mue. Ce phénomène s’explique par l’épaississement des cordes vocales, situées dans le larynx. Plus la corde vocale est fine, plus elle vibre rapidement, ce qui génère un son aigu ; plus elle est épaisse, plus sa vibration est lente, donnant un son plus grave.

Truc no 1 pour bien chanter : fais-toi confiance !

Aimes-tu chanter ? Explique ta réponse.

découvre Piste audio 8

Écoute la chanson « Summertime », du compositeur George Gershwin, interprétée par Ella Fitzgerald. Essaie de suivre la partition ci-dessous, puis réponds aux questions de la page 77.

Summertime Intro Dm6

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Dm6

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look - ing. harm you.

and the cot-ton is and you’ll take to the

So hush, lit - tle ba - by, Don’t you With Dad - dy and Mam-my stand - ing Improvisation A7

time morn - ings

B b maj 7

and your ma is good there’s noth-ing can

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Dm6

Œ œœœœœ

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Dm6

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Eø

A+

Fish are jump - ing Then you’ll spread your wings,

Dm6

Your dad - dy’s But ‘til that

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George Gershwin

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high. sky.

Dm6

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Sum - mer

Dm6

‰ œ œJ b œ œ œ œ # œœ ˙˙ Dm

Dm6

Voir les liens proposés à la page 3 du Guide-corrigé.

observe 1

En te servant de tes connaissances, écris dans chaque cercle de la page précédente le nombre correspondant à l’expression appropriée. 1

Aller à la Coda

Boîte 1

Couplet 2

Altération à la clé

Boîte 2

Dal Segno

Barres de reprise

Couplet 1

Liaison de prolongation

apprécie 2

Combien de thèmes la chanson « Summertime » comporte-t-elle ?

Nomme les instruments que tu entends dans cet enregistrement.

Que remarques-tu de particulier par rapport au rythme et au tempo de cette pièce ?

À quel genre musical associes-tu cette version de « Summertime » ?

Comment appelle-t-on le rythme adopté dans la deuxième partie de la pièce ? Un petit indice : il en a été question au chapitre 4...

Nikki Yanofsky, en concert à Ottawa en 2010. Née à Montréal en 1994, la chanteuse de réputation internationale a enregistré, à l’âge de 14 ans, un album intitulé Ella... of Thee I Swing, en hommage à Ella Fitzgerald.

. . . t s e i u Q Qui est... Qui est...

George Gershwin

George Gershwin (1898 – 1937) est un compositeur et pianiste américain. Bien qu’il soit décédé jeune, il a laissé une œuvre immense, comprenant des pièces classiques et de la musique pour des comédies musicales et des films. Ses chansons, dont les textes ont presque tous été écrits par son frère Ira, sont devenues des standards de jazz et sont encore fréquemment interprétées de nos jours.

Un talent naturel Né à New York au sein d’une famille juive originaire de Russie, le jeune Gershwin fit preuve très tôt d’un talent inné pour la musique. À l’âge de quinze ans, il fut engagé comme pianiste démonstrateur dans un commerce de partitions musicales : toute la journée, il jouait des pièces afin de les faire connaître aux clients. Ce travail l’a beaucoup aidé à parfaire ses connaissances en musique.

Une grande dame du jazz Ella Fitzgerald (1917–1996) est l’une des plus grandes chanteuses de l’histoire du jazz. Sa carrière a pourtant commencé par hasard, à l’âge de 17 ans. Alors qu’elle s’apprêtait à monter sur scène pour présenter un numéro de danse à un concours amateur, elle a plutôt décidé de chanter et a remporté le premier prix ! Celle qui a été surnommée « La grande dame de la chanson » était reconnue pour son étendue vocale remarquable et son sens unique du scat, forme d’improvisation où les paroles sont remplacées par des onomatopées. En 50 ans de carrière, Ella a enregistré plus de 200 albums et a remporté 13 prix Grammy.

Un air , d opera

Summertime » est l’un des airs de l’opéra Porgy and Bess, composé par Gershwin en 1935. Dans cette œuvre, le compositeur a innové en combinant jazz et opéra classique. « Summertime » est une berceuse que l’un des personnages chante à son enfant au début de l’opéra. Cette chanson a été enregistrée plus de 50 000 fois, par de nombreux interprètes et dans presque tous les styles musicaux ! Gershwin fut le premier Blanc à exiger que seuls des artistes noirs chantent et jouent cet opéra sur les plus grandes scènes, alors que les ÉtatsUnis étaient en pleine période de ségrégation raciale.

Voir le lien proposé à la page 3 du Guide-corrigé.

analyse

La voix On classe les voix adultes en deux genres : les voix de femmes et les voix d’hommes. On subdivise ces genres en tessitures, selon la hauteur de la voix. Les six principales tessitures de la voix humaine Voix de femmes

Voix d’hommes

Soprano Mezzo-soprano Alto

Aiguë Médium Grave

Ténor Baryton Basse

L’échelle des sons correspondant à chaque tessiture est représentée ci-dessous. Do central

basse

baryton

ténor

do3 mi

do2

soprano mezzo-soprano alto

sol

do4

do5

Savais-tu que le fait de travailler la voix permet, avec le temps, d’atteindre un plus grand éventail de notes ?

expérimente 1

Avec l’aide de ton enseignante ou de ton enseignant, essaie de déterminer ta tessiture en suivant les consignes ci-dessous. a) À partir du do central, chante les notes de la gamme de do ascendante. Quelle est la note la plus aiguë que tu peux atteindre sans difficulté ? b) À partir du do central, chante les notes de la gamme de do descendante. Quelle est la note la plus grave que tu peux atteindre sans difficulté ? c) Sur l’échelle des tessitures ci-dessus, indique par un X la note la plus haute et la note la plus basse que tu peux atteindre. À quelle tessiture ton étendue vocale actuelle semble-t-elle correspondre ?

analyse

Les bases de la technique vocale La voix est produite par l’air qui sort des poumons et fait vibrer les cordes vocales. Mais quand tu chantes, c’est tout ton corps qui devient ton instrument ! Les conseils suivants t’aideront à chanter avec plus d’aisance.

expérimente Chante debout !

Prends une posture droite, mais détendue. Pense à baisser les épaules et à desserrer les mâchoires. Masse ton visage. Tu bâilles ? C’est bon signe ! Tes muscles se relâchent. Comment te sens-tu dans cette position ? Regarde droit devant toi

Ta tête doit être alignée avec ton corps, ton menton ne doit être ni avancé ni trop reculé. Commence par faire l’expérience suivante. a) Penche la tête vers l’avant, menton vers le sternum. b) Relève la tête graduellement jusqu’à ce que tu regardes droit devant toi, puis continue un peu vers l’arrière (mais pas trop). Redescends la tête graduellement. c) Tout au long des mouvements, chante « o ». Remarques-tu une différence de son quand ta tête est droite ?

Respire !

L’exercice suivant t’aidera à avoir une respiration calme et profonde. a) Observe ta respiration. Qu’est-ce qui bouge quand tu inspires : tes épaules, ta poitrine, tes côtes, ton ventre ? b) Vide tes poumons en expirant lentement et en rentrant un peu le ventre. c) Relâche : l’inspiration se fera naturellement. Ton ventre doit se gonfler et tes côtes s’élargir. d) Quand tu as fini d’inspirer, chante « o » sur la note de ton choix. Laisse le son s’écouler longuement en un débit régulier, comme un filet d’eau. Garde tes côtes bien larges le plus longtemps possible pour empêcher l’air de sortir trop vite. e) Observe de nouveau ta respiration : notes-tu des changements ? Explique ta réponse.

Souris !

Chanter doit rester un plaisir, alors relaxe et, surtout, fais-toi confiance !

analyse

Les signes de reprise et de renvoi La partition de « Summertime » contient des barres de reprise et des signes de renvoi. Dans ce cas, il faut exécuter les barres de reprise en premier, puis les renvois. • Les doubles barres de reprise des mesures 6 et 21 indiquent de chanter une première fois jusqu’à la mesure 21, puis de reprendre à partir de la mesure 6. • Les boîtes de reprise : à la reprise, il faut chanter de la mesure 6 à la mesure 20, puis aller directement à la boîte 2 et continuer. Les paroles à chanter sont celles du deuxième couplet. De la mesure 23 à la mesure 37, il n’y a pas de notes : la chanteuse ou le chanteur doit improviser ! • À la mesure 38, l’indication D.S. al Coda indique de retourner au signe Dal Segno …, à la mesure 6. Il faut alors chanter de nouveau la musique jusqu’à l’indication To Coda ˇ, mesure 19, puis aller directement à la Coda, mesure 39.

4 &b 4 Intro

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high. sky.

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And the liv-ing is you’re goin’ to rise up

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eas - y. sing - ing.

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Fish are jump - ing Then you’ll spread your wings,

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To Coda

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So hush, lit - tle ba - by, Don’t you With Dad - dy and Mam-my stand - ing

cry. by.

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and the cot-ton is and you’ll take to the

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time morn - ings

look - ing. harm you. 2.

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One of these

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Improvisation 24

D.S.

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‰ œ Jœ b œ œ œ œ # œœ ˙˙

expérimente 1

En équipe, résumez l’ordre dans lequel il faut chanter les mesures de « Summertime », à partir de la mesure 5, en tenant compte des reprises et des renvois.

En groupe classe, apprenez à chanter la chanson « Summertime », sous la direction de votre enseignante ou de votre enseignant. Pour la partie où il est indiqué d’improviser, chantez simplement la mélodie en remplaçant les mots par le son « m ».

Musique

et société

Éclats de voix Voix masquées Savais-tu qu’il existe des logiciels très performants grâce auxquels on peut modifier la voix d’une chanteuse ou d’un chanteur ? Cette technologie permet, entre autres, de corriger les fausses notes ou d’embellir la voix en lui donnant, par exemple, un timbre plus riche. De nos jours, la plupart des artistes ont recours à ces outils technologiques lorsqu’ils enregistrent un album. Que penses-tu de cette façon de faire ?

Voix contestataires De tout temps, des chanteuses et des chanteurs ont été censurés parce qu’ils utilisaient leur voix pour dénoncer des situations qu’ils jugeaient inacceptables. C’est le cas, notamment, du groupe russe Pussy Riot. En 2012, ces artistes féministes et politiquement engagées ont chanté une « prière punk » dans une cathédrale orthodoxe pour Pussy Riot manifester leur opposition au président de la Russie, Vladimir Poutine. Trois membres du groupe ont écopé d’une peine de deux ans d’enfermement dans un camp de travail pour ce geste. Voix guérisseuses Un des effets remarquables du chant est qu’il peut aider les personnes atteintes de bégaiement. En effet, très souvent, ces personnes ne bégaient plus ou presque plus lorsqu’elles chantent ! L’auteur -compositeur -interprète québécois Luc De Larochellière en témoigne : « Moi, je suis bègue ; ainsi, la dernière chose que je me voyais faire, c’était de monter sur une scène ! Mais, ô miracle ! quand je chante, je ne bégaie pas. Je me suis donc mis à chanter mes textes parce que c’était le seul moyen que j’avais, jusqu’au début de la vingtaine, de m’exprimer de façon fluide1. »

Plusieurs experts prétendent que le fait de chanter a des effets bénéfiques. À ton avis, quel effet positif le chant pourrait-il apporter dans ta vie ? Explique ta réponse.

Luc De Larochellière

1. François Couture, Luc De Larochellière : Quand on aime, on a toujours…, Voir, 11 janvier 2007, http://voir.ca/musique/2007/01/11/luc-de-larochelliere-quand-on-aime-on-a-toujours-2/.

Chapitre 7

La virtuosité en action ! Ah ! Je serai jamais un virtuose ! J’peux même pas jouer ce solo !

Voyons, Karim, sois patient !

L’as-tu joué len-te-ment pour commencer ?

L’as-tu répété, au moins, ton solo ?

Persévère, tu vas l’avoir ! Mouais…

À toutes les époques, des musiciens ont été reconnus pour la qualité de leur jeu. Bach, Mozart et Beethoven, par exemple, étaient non seulement des compositeurs de génie, mais également de grands virtuoses. Maîtrisant leur instrument à la perfection, ils pouvaient exécuter avec brio des passages musicaux complexes. Le Québec a eu son propre petit « Mozart » : le compositeur André Mathieu (1929–1968). Très jeune, celui-ci s’est distingué en tant que pianiste prodigieux. Il a donné son premier concert public à l’âge de cinq ans, interprétant un concertino qu’il avait lui-même composé ! Il a brillé sur les scènes de Paris, New York et Montréal, et sa musique a séduit de grands compositeurs de son époque, tels Sergueï Rachmaninov et Arthur Honegger. Il est malheureusement tombé dans l’oubli à la fin des années 1940. Le public québécois a redécouvert son œuvre, vers 2006, en grande partie grâce au travail de l’un de ses plus fervents admirateurs, lui-même grand virtuose : le pianiste Alain Lefèvre. Mais la virtuosité n’est pas réservée qu’aux musiciens classiques ! Les membres du groupe rock canadien Rush, par exemple, composent et interprètent des pièces d’une grande complexité. Dès leurs débuts, en 1968, leur talent exceptionnel a influencé plusieurs autres groupes rock, dont Metallica et Dream Theater. Dans ce chapitre, tu découvriras des trucs pour jouer des pièces plus exigeantes, notamment celles qui comportent plusieurs doubles croches. Tu travailleras à partir d’une œuvre de Paganini, un compositeur dont le nom même est synonyme de virtuosité.

Nomme une musicienne ou un musicien que tu considères comme une ou un virtuose.

découvre Écoute le « Caprice n° 24 » de Niccolò Paganini en essayant de faire des liens entre le début de la pièce et l’extrait de la partition ci-dessous. Réponds ensuite aux questions de la page 85.

Piste audio 9

Caprice no 24

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Niccolò Paganini

Tema

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observe 1

En te servant de tes connaissances, écris dans chaque cercle de la page précédente le nombre correspondant à l’expression appropriée. 1

Accent

Dièse

Legato

Appoggiature (ornement)

Doubles barres

Quart de soupir

Bémol

Doubles croches

Staccato

À ton avis, pourquoi le « Caprice n° 24 » de Niccolò Paganini exige-t-il de la virtuosité ?

Cette pièce est de forme thème et variations. Explique ce que cela signifie.

L’extrait de la partition présenté à la page précédente comprend le thème et les trois premières variations. Écoute de nouveau la pièce et nomme trois éléments musicaux qui sont différents dans les variations par rapport au thème principal.

Comment t’y prends-tu pour réussir à jouer correctement un morceau ou un passage que tu trouves difficile ?

À la première mesure de la deuxième variation, il y a un dièse devant le premier sol. Le deuxième sol de la mesure est-il altéré lui aussi ou reste-t-il naturel ? Explique ta réponse.

À la deuxième mesure de la deuxième variation, il y a un dièse devant le premier ré. Le troisième ré de la mesure est-il altéré lui aussi ou reste-t-il naturel ? Explique ta réponse.

. . . t s e i u Q Qui est... Qui est...

Niccolò Paganini

Compositeur et musicien italien de l’époque romantique, Niccolò Paganini (1782-1840) est reconnu comme l’un des plus grands violonistes de tous les temps.

Un garçon surdoué Son père entreprend son éducation musicale alors que Niccolò a cinq ans, avant de le confier à d’illustres professeurs. Peu d’entre eux se montrent à la hauteur des immenses capacités de cet élève surdoué, qui fera donc seul une part de son apprentissage. Il faut dire qu’en plus de posséder un talent hors du commun, ce garçon est un travailleur acharné, s’astreignant à jouer parfois plus de dix heures par jour ! Dès l’adolescence, Paganini effectue des tournées de concerts en Italie, puis dans d’autres pays d’Europe. On le remarque tant pour sa virtuosité que pour son habileté à faire ressentir l’émotion d’une pièce. Certaines personnes le soupçonnent d’avoir fait un pacte avec le diable pour pouvoir jouer si divinement ! En vérité, Paganini doit une part de ses capacités exceptionnelles à ses caractéristiques physiques : ses poignets sont plus flexibles que la normale et l’une de ses épaules est plus basse que l’autre, ce qui facilite son jeu de violon.

« À l’adolescence, je jouais du violon au moins dix heures par jour. En ferais-tu autant ? »

Niccolò Paganini

Au-dela de la

performance Paganini a influencé de grands compositeurs de son époque, dont Franz Liszt. On a d’ailleurs souvent comparé le pianiste austrohongrois au violoniste italien en raison de leurs prouesses sur scène, mais aussi parce qu’on les considère tous deux comme des innovateurs ayant révolutionné la façon de jouer de leur instrument respectif. Paganini laisse une oeuvre importante, notamment ses « 24 Caprices pour violon solo », composés entre 1802 et 1817. Le no 24, en la mineur, a été retranscrit pour de nombreux instruments. Plusieurs guitaristes de heavy métal en ont même fait des versions électrisantes !

Franz Liszt

Voir les liens proposés à la page 3 du Guide-corrigé.

analyse

Les doubles croches Tu as appris à distinguer tempo et rythme : le premier correspond à la vitesse d’exécution d’une pièce musicale, alors que le second dépend plutôt de la relation entre les figures de notes. Toutefois, une figure de note est souvent associée à la notion de vitesse : la double croche. En effet, elle vaut seulement 41 de temps : c’est bref ! Une série de doubles croches suppose donc une certaine vitesse d’exécution. Quatre doubles croches regroupées valent une noire. La figure ≈ de silence qui vaut 41 de temps, comme la double croche, est le quart de soupir .

ØÊÊÊ = Œ

expérimente Les quatre premières mesures du thème du « Caprice no 24 », ci-dessous, te permettront de t’exercer à jouer les doubles croches et les quarts de soupir. Commence par lire le rythme, puis la hauteur des notes. Joue ensuite les mesures à l’instrument, en respectant les consignes suivantes : a) Exécute cet exercice à un tempo lent. Quand tu le maîtriseras bien, tu pourras le jouer plus rapidement. b) Prête attention aux quarts de soupir : bien que très courts, ces moments de silence doivent être entendus ! c) Respecte le phrasé musical : legato, staccato, accent, altérations (dièses) et nuance (piano). d) N’oublie pas la barre de reprise à la fin ! Instruments en Do

Instruments en Si

Instruments en Mi

Instruments en Fa

Instruments en Do

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As-tu trouvé cet exercice facile ou difficile à exécuter ? Explique ta réponse.

analyse

Moi, j’aime mieux répéter dix minutes tous les jours plutôt qu’une heure par semaine.

Une façon efficace de s’exercer Voici quelques suggestions pour profiter le plus possible de ton travail à l’instrument. Organise ton travail Pour répéter, choisis un horaire qui te convient. Fixe-toi des buts que tu peux atteindre dans un délai raisonnable. Chaque petit défi que tu relèveras t’encouragera à continuer. Prends ton temps Pour travailler un passage difficile, il faut du temps… et de la patience ! Commence par jouer lentement et rejoue le passage aussi souvent que nécessaire… en restant calme ! Utilise un métronome !

J’utilise une application de métronome sur mon cellulaire. C’est pratique !

Souvent, lorsqu’on apprend une pièce musicale, on ralentit quand c’est difficile et on accélère quand c’est facile. Le métronome aide à maintenir une vitesse régulière et à jouer au bon tempo. Subdivise ! On dit souvent que la musique est liée de près aux mathématiques : la subdivision en est un exemple. Il s’agit de diviser chaque temps d’une mesure en petites parties égales. C’est très utile pour apprendre un passage comportant des rythmes complexes. Pendant que tu travailles la subdivision de chaque temps, ton cerveau mémorise les doigtés à l’instrument. La variation II du « Caprice no 24 » est presque entièrement constituée de doubles croches.

j j œ œ j. j > œ œ œ# œ œ œœ > j > œœ œ#œ œœœ > n œ 2 œ . œ œ # œ œ œ bœ œ n œ & 4 . œ # œ œ œ bœ œ n œ Jœ . . pF Var. II

J’aimerais tout apprendre du premier coup, mais c’est impossible !

Pour parvenir à la jouer, subdivise chaque mesure, comme dans l’exercice de la page suivante.

Pour s’améliorer, il faut jouer !

Pas trop difficile comme mathématiques, tu vas voir !

expérimente 1

Avec ton instrument, joue chaque étape suivante à un tempo moyen. a) Commence par jouer uniquement les notes placées sur les temps.

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b) Ajoute chaque note qui est sur le « et » du temps : elle devient une croche.

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c) Joue maintenant les doubles croches du premier temps. Attention au legato et à l’accent.

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d) Divise en deux le deuxième temps de chaque mesure. Respecte le phrasé et n’oublie pas la barre de reprise.

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e) Travaille maintenant les doubles croches du deuxième temps.

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f) Divise le premier temps en croches.

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g) Finalement, mets ensemble tout ce que tu as travaillé !

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Voir les partitions transposées dans le Guide-corrigé.

Musique

et société

Gauches adroites !

té 1914. L’Europe est posée sur un baril de poudre. Le moindre événement peut déclencher un affrontement entre la TripleEntente (France, Russie et Grande-Bretagne) et la Triplice (Allemagne, Autriche-Hongrie et Italie). Le 28 juin, on assassine l’héritier du trône d’Autriche, l’archiduc François-Ferdinand. L’étincelle est allumée : le 4 août, l’Europe entière bascule dans la guerre, entraînant avec elle la plupart des pays du monde. Parmi les 60 millions de personnes prenant part aux combats, 9 millions sont tuées et 20 millions sont blessées. Le pianiste autrichien Paul Wittgenstein est l’une de ces victimes. Après un assaut en Pologne, il doit être amputé du bras droit. Malgré cette terrible perte, il continue de jouer du piano ! Il commande même des œuvres à plusieurs grands compositeurs, dont Maurice Ravel (1875–1937).

Paul Wittgenstein

Concerto pour virtuose Répondant au vœu de Wittgenstein, Ravel compose une œuvre pour piano et orchestre exigeant beaucoup de virtuosité : le « Concerto pour la main gauche ». Aujourd’hui encore, les interprètes qui présentent cette œuvre en concert doivent jouer uniquement de la main gauche. Batteur du tonnerre ! Le batteur du groupe rock britannique Def Leppard, Rick Allen, a perdu son bras gauche à la suite d’un accident de la route. Celui que l’on surnomme « Thunder God », le dieu du tonnerre, est néanmoins considéré comme l’un des meilleurs batteurs de rock. Il joue sur une batterie spécialement conçue pour lui. Des pédales lui permettent de compenser l’absence de son bras. Jason Barnes, un autre batteur ayant perdu une partie de son bras droit, utilise pour sa part une prothèse très perfectionnée qu’il a conçue avec l’aide de l’Institut de technologie de Géorgie. Rick Allen

Essaie de jouer de ton instrument d’une seule main, puis raconte ton expérience.

Chapitre 8

« James Bond Theme » :

les codes secrets d’un succès On fait une compo genre film d’espionnage ! Oh ! Oui ! Je lance un roulement sourd…

Ok ! Je joue une ligne chromatique, pour l’effet de suspense…

J’ajoute un air de trompette mystérieux…

Moi, un riff avec de la distorsion ! Et moi, des sons aigus, comme des cris !

Tu connais probablement déjà « James Bond Theme », la pièce instrumentale que l’on entend au début de tous les films de James Bond. En effet, cette œuvre est aussi célèbre que le super agent 007 lui-même ! Souvent, quelques notes suffisent pour qu’on la reconnaisse, même si elle a été maintes fois réarrangée. As-tu remarqué à quel point cette musique reflète parfaitement le suspense et les péripéties explosives qui vont se dérouler à l’écran ? Dans ce chapitre, tu découvriras les codes secrets qui produisent cet effet : chromatisme répétitif, riff accrocheur et éclats de cuivres. En fait, la pièce « James Bond Theme » est si efficace qu’elle a inspiré de nombreux autres compositeurs de musique de films. Les bandes originales de Mission impossible et de La panthère rose en sont de très bons exemples.

Souvent, je devine le genre d’un film à sa musique, sans voir les images !

Nomme un autre film dont la musique te semble bien adaptée à l’histoire ou au genre (film romantique, d’aventure, d’horreur, etc.). Explique ta réponse.

découvre Piste audio 10

Écoute la pièce « James Bond Theme », composée par Monty Norman. Essaie de faire des liens entre ce que tu entends et l’extrait de la partition ci-dessous. Réponds ensuite aux questions de la page 93.

James Bond Theme Bright q = 126-130 CONDUCTOR C Flute/C Piccolo

B b Clarinet E b Alto Saxophone/ Horn in E b B b Tenor Saxophone/ Baritone T.C.

1 B b Trumpets 2

Trombone

Baritone (B.C.)

(Opt. 2nd Trombone) Tuba

Bells

Xylophone

Snare Drum

Quad-Toms

Bass Drum/ Tenor Drum

Cymbals

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By Monty Norman Arranged by Mike Story

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Hold for Snare (Ride Cym.)

observe 1

En te servant de tes connaissances, écris dans chaque cercle de la page précédente le nombre correspondant à l’expression appropriée. 1

Accent

Decrescendo

Marcato

Staccato

Clé de fa

Fortissimo

Mezzo forte

Tenuto

Crescendo

Legato

apprécie 2

Pour quelles familles d’instruments la partition de la page précédente est-elle écrite ?

Nomme une autre famille d’instruments que tu peux entendre dans l’enregistrement de cette pièce et qui ne figure pas sur la partition de la page précédente.

Écoute de nouveau la partie qui suit immédiatement les deux premières mesures de l’introduction : a) Quelle différence remarques-tu entre les accentuations des violons et celles des cuivres dans cette partie ? b) Quels temps sont plus accentués dans cette partie de la pièce ? Souligne ta réponse. Le premier et le troisième temps Le deuxième et le quatrième temps

c) Quelles familles d’instruments jouent sur les temps plus accentués ? d) À quel style musical associes-tu la pièce « James Bond Theme » ?

As-tu aimé cette pièce ? Explique ton appréciation en utilisant au moins deux mots parmi ceux qui te sont suggérés ci-dessous. Accents Arrangement Changement Demi-ton Fortissimo Instruments Nuances Répétition Riff Rythme

. . . t s e i u Q Qui est... Qui est...

Monty Norman

Né à Londres le 4 avril 1928, le compositeur britannique Monty Norman entame sa carrière comme chanteur. Parallèlement à son travail d’interprète, il commence à écrire des chansons, puis décide de se consacrer uniquement à la composition. Au début des années 1960, deux producteurs de cinéma lui proposent de composer la musique d’un film. Les deux hommes viennent d’acheter de l’auteur Ian Fleming les droits pour produire des films basés sur sa série de romans Monty Norman et son épouse r James Bond. Le premier opus s’intitulera D No (en français, James Bond 007 contre D r No). Pour convaincre Norman d’accepter leur proposition, les producteurs l’invitent à assister au tournage, en Jamaïque. Personne, à ce moment-là, ne peut prédire l’immense succès qu’obtiendront les films de la série James Bond et leurs bandes originales.

Recherche de paternité Pour écrire la pièce « James Bond Theme », Norman sort de ses tiroirs une composition qu’il destinait au départ à une comédie musicale. Malgré son potentiel accrocheur, cette musique n’a pas tout à fait la couleur qui convient au film et au personnage de Bond. Les producteurs font donc appel à un arrangeur : le compositeur John Barry. Le nom de Barry devient si étroitement associé à la pièce « James Bond Theme » que Monty Norman devra se battre pour faire reconnaître ses droits d’auteur. Ce n’est qu’en 2001, au terme d’une longue saga judiciaire, que les tribunaux concluent que Norman en est le compositeur et Barry, l’arrangeur.

i est... Quest... Qui Qui est... John Barry

John Barry (1933-2011) est un grand compositeur de musique de film. Après avoir créé l’arrangement de la pièce « James Bond Theme » et composé les autres musiques de D r No, il signe la musique de plusieurs autres James Bond, mais également celle de plusieurs œuvres cinématographiques en tous genres. Ses bandes originales lui valent de recevoir de nombreux prix prestigieux, notamment un Oscar pour Out of Africa, en 1986, et Dances with Wolves, en 1991.

John Barry

analyse

Le chromatisme : pour le suspense ! La pièce « James Bond Theme » est constituée de plusieurs parties. Après une brève introduction où les cuivres semblent lancer un avertissement, le suspense s’installe. Celui-ci est créé par le mouvement chromatique répétitif que jouent les violons. Le chromatisme est une suite de demi-tons ascendants et descendants. Il crée naturellement un effet de tension. Voilà pourquoi les compositeurs l’utilisent abondamment dans les thrillers ou les films d’horreur.

expérimente 1

a) Sous la portée suivante, écris le nom de chacune des notes. b) Au-dessus de la portée, écris la distance séparant chacune des notes : ton (T) ou demi‑ton (DT). Relie les tons par un crochet et les demi-tons par une courbe. Au besoin, consulte la page 16 de ton cahier.

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c) Comment nomme-t-on ce mouvement mélodique ? Explique ta réponse.

analyse

Un riff de guitare pour camper le personnage ! Tandis que les violons continuent leur mouvement chromatique, ponctué par les cuivres sur les deuxième et quatrième temps, le riff de guitare fait son entrée. C’est en quelque sorte la signature du personnage de James Bond : l’espion toujours aux aguets, prêt à l’action, mais qui ne perd jamais son sang-froid.

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analyse

Les cuivres explosent : action ! Dans la partie suivante, les cuivres, qui s’étaient déjà annoncés, explosent et prennent toute la place. Ici, l’action bat son plein ! Le changement de rythme dans l’accompagnement contribue aussi au sentiment de passage à l’action : alors que la basse jouait en blanches et suivait le mouvement chromatique des violons dans la partie précédente, dans celle-ci, elle joue chaque temps de la mesure, en noires. Par ce jeu, qu'on appelle walking bass, elle impose le tempo à l'orchestre. Dans la réduction pour piano ci-dessous, l'accompagnement illustre « la basse qui marche ».

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Le phrasé Dans toute musique de film, les nuances et les accents jouent un rôle primordial. Ils soulignent les émotions et appuient l’intrigue.

expérimente 1

En te reportant à la partition qui convient à ton instrument, interprète les deux premières mesures de l'introduction de la pièce « James Bond Theme ». Instruments en do (flûte, guitare, violon) Instruments en si b (clarinette) Instruments en mi b (sax alto) Instruments en si b (sax ténor) Instruments en si b (trompette) Instruments en do (trombone, basson)

Instruments en do (tuba, basse)

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Un réalisateur t’invite à composer une pièce de quatre mesures qui jouera chaque fois que le héros du film sera en danger. Ta mélodie doit comporter un mouvement chromatique d’au moins quatre notes. Ajoute les nuances et les accents que tu juges nécessaires pour refléter les émotions que tu veux faire ressentir.

4 &4

Musique

et société

Les musiques de James Bond : un travail d’équipe !

u-delà de la pièce d’ouverture, chaque bande originale des films de James Bond possède sa propre chanson-titre et contient plusieurs morceaux qui accompagnent l’intrigue. Toute cette musique est le fruit d’un travail d’équipe ! La composition Composer, c’est créer une pièce musicale. En plus d’être l’arrangeur de la pièce « James Bond Theme », John Barry a composé onze des vingt-quatre bandes originales des films du célèbre agent 007. David Arnold en a signé cinq, les autres étant l’œuvre de différents compositeurs. L’arrangement ou l’orchestration Arranger ou orchestrer, c’est adapter une pièce musicale afin de lui donner une « couleur » et un style particuliers. Cela se fait en choisissant les instruments, mais aussi en jouant avec divers éléments comme les harmonies, le tempo, le rythme et les nuances. Ce travail demande une bonne connaissance du timbre des instruments et des règles d’harmonisation. La composition et l’arrangement peuvent être faits par une seule et même personne, mais ce n’est pas toujours le cas. L’interprétation Toutes les chansons-titres des films de James Bond ont été interprétées par des artistes très en vue au moment de la réalisation de l’œuvre cinématographique. Plusieurs d’entre eux ont également composé la chanson ou, du moins, collaboré à son écriture. Parmi les interprètes marquants, on trouve Paul McCartney and the Wings (Live and let die, 1973), Madonna (Die Another Day, 2002) et Adele (Skyfall, 2012).

Madonna

Adele

Quelle musique de film ou de jeu vidéo te plaît particulièrement ? Explique ta réponse.

Voir les liens proposés à la page 3 du Guide-corrigé.

Chapitre 9 Les gammes majeures et mineures :

une gamme d’émotions Ah… L’intro me fait pleurer ! Ben voyons, y’ a même pas de paroles !

Tristan, pas besoin de mots. Pense à un film… Ouin, souvent la musique commence et paf ! t’es triste, joyeux ou stressé.

L’intro est en mineur, Noémie, ce qui donne un effet triste.

En mineur ? Bon, c’est quoi ça, encore ! ?

Musique et cinéma sont tellement liés qu’il est difficile d’imaginer un film sans musique. À ses débuts, le cinéma était muet, mais déjà des pianistes jouaient pendant les représentations, improvisant au fur et à mesure que l’histoire défilait à l’écran. Cela avait pour but d’agrémenter le spectacle, mais aussi de couvrir le bruit des appareils de projection ! Rapidement, des compositeurs ont commencé à écrire pour le septième art. Camille Saint-Saëns (1835-1921) a été le premier à le faire, en 1908. Comme tu l’as vu au chapitre 8, la bande originale d’un film peut accompagner l’action et les rebondissements du scénario, refléter les sentiments des personnages et susciter des émotions précises chez le spectateur. Les compositeurs choisissent donc avec soin les éléments musicaux qui leur permettent d’obtenir l’effet recherché. L’utilisation d’une tonalité majeure ou mineure est l’un de ces éléments. Dans ce chapitre, tu approfondiras ta connaissance des gammes et tu découvriras la différence entre une gamme majeure et une gamme mineure. Ton exploration commencera par l’écoute de « Discombobulate », la pièce d’ouverture du film Sherlock Holmes, sorti en 2009. Le mot anglais discombobulate signifie « déconcerter » ou « chambouler ». Voilà précisément ce qu’accomplit le célèbre détective créé par l’écrivain Arthur Conan Doyle (1859-1930) : chambouler les plans des criminels grâce à son intelligence déconcertante !

À ton avis, un film sans musique peut-il être intéressant ? Explique ta réponse.

découvre Piste audio 11

Écoute la pièce « Discombobulate », de Hans Zimmer. Pendant l’écoute, essaie de faire des liens entre la musique que tu entends et les indications de la partition ci-dessous. Réponds ensuite aux questions de la page 101.

Discombobulate — Sherlock Holmes = 70

Arrangement par Olivier Lavigueur

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observe 1

Dans les cercles entourant la partition de la page précédente, écris le nombre correspondant à l’expression appropriée. 1

Clé de fa

Forte

Piano

Tempo allegro

Clé de sol

Fortissimo

Saute

Tempo lento

apprécie 2

Que remarques-tu de particulier dans le tempo de cette pièce ?

À ton avis, pourquoi le compositeur a-t-il fait ce choix ?

Cette pièce est structurée autour d’un seul thème et de quelques variations. Pourtant, elle n’est pas monotone. Nomme deux éléments musicaux que le compositeur a utilisés pour lui donner du relief.

Nomme deux instruments utilisés dans cette pièce.

Coche la case correspondant à la série de qualificatifs qui, selon toi, s’appliquent le mieux à cette pièce. Sombre, mélancolique, inquiétante Lumineuse, joyeuse, rassurante

À quoi te fait penser l’accompagnement dans la partie rapide de la pièce ?

101

. . . t s e i u Q Qui est... Qui est... Hans Zimmer

Avec plus d’une centaine de bandes originales à son actif, Hans Zimmer est sans contredit l’un des plus importants compositeurs de musique de film. Né en Allemagne en 1957, il vit à Los Angeles depuis 1989.

Un musicien autodidacte

Une grande variete

Passionné de musique, le jeune Hans préfère toutefois apprendre par lui‑même plutôt que de suivre des cours. À l’adolescence, il quitte son pays natal pour l’Angleterre. C’est là qu’il fait son entrée dans le monde de la musique de film, au début des années 1980. À cette époque, Zimmer crée des refrains publicitaires pour un studio spécialisé dans la musique destinée à la télévision et au cinéma. Il y fait la rencontre du compositeur de musique de film Stanley Myers, qui devient son mentor. Le travail de Zimmer attire l’attention d’un réalisateur américain qui l’invite à écrire la musique de son prochain film, Rain Man (1989). Ce film remporte quatre Oscars. Dès lors, le compositeur devient l’un des préférés d’Hollywood.

de styles

Afin de créer l’ambiance qui convient à chaque film, Hans Zimmer s’inspire des musiques de toutes les époques et de toutes les cultures. Il manipule avec brio les orchestrations variées, mêlant musique électronique et instruments traditionnels. Il excelle à créer des ambiances épiques, où des cuivres et des tambours éclatants contrastent avec des cordes dramatiques. Parmi les innombrables bandes originales qu’il a écrites, seul ou avec des collaborateurs, figurent Le Roi Lion (1994), pour lequel il a remporté un Oscar, Gladiateur (2000), Spirit, l'étalon des plaines (2002), la série des Pirates des Caraï bes (2003 à 2011) et Batman – L'ascension du chevalier noir (2012).

Dans la tête de Sherlock Holmes La musique de Sherlock Holmes évoque les idées qui fusent à toute vitesse dans la tête du détective. Elle reflète également le mélange chaotique de plaisir et de danger qui s’insinue dans les rues de Londres la nuit. Zimmer fait appel à des instruments rappelant la musique des Roms, souvent appelée « musique tzigane ». Il utilise notamment le santour, instrument traditionnel iranien apparenté au cymbalum et à la cithare sur table ; il est composé d’au moins soixante-dix cordes, sur lesquelles l’instrumentiste frappe à l’aide de deux petits marteaux.

102

analyse

La gamme majeure et la gamme mineure naturelle Une gamme est une succession ascendante ou descendante de sons conjoints. Le premier son s’appelle tonique. Chaque gamme porte le nom de sa tonique. • Une gamme majeure est composée de huit sons ; l’ordre des tons et des demi‑tons entre eux est le suivant : Gamme de do majeur ascendante

ré T

mi T

fa DT

sol T

la T

si T

w T

• Une gamme mineure naturelle est aussi composée de huit sons ; l’ordre des tons et des demi-tons entre eux est le suivant : Gamme de do mineur naturelle ascendante mi

ré T DT

fa T

b &b bw

sol

T DT T

w T

La gamme de do mineur naturelle comporte trois bémols : si, mi et la. On place ces altérations à l’armure.

Les degrés d’une gamme On appelle degré l’ordre des notes dans une gamme. On identifie les degrés par des chiffres romains. Exemple : les degrés de la gamme de do majeur ascendante

& Degrés :

III

VII

On précise gamme de la mineur naturelle parce qu’il existe d’autres formes de gammes mineures. Elles ne sont pas à l’étude, mais tu dois savoir que la distance entre les degrés II et III est d’un demi-ton dans toutes les gammes mineures. En majeur, la distance entre les degrés II et III est d’un ton. C’est cette différence qui donne une couleur joyeuse ou lumineuse à une pièce en majeur, et une couleur triste ou sombre à une pièce en mineur.

103

expérimente 1

Complète les phrases suivantes. a) Entre les degrés II et III de la gamme majeure, il y a un

b) Entre les degrés II et III de la gamme mineure naturelle, il y a un 2

a) Sur la portée ci-dessous, écris, en rondes, la gamme de la mineur naturelle ascendante. Au besoin, place les altérations requises (dièses ou bémols). b) Indique les tons par un crochet et les demi-tons par une liaison. c) Sous la portée, écris les degrés.

& Degrés : d) Quelles altérations cette gamme comporte-t-elle ?

Tu remarqueras que la gamme de do majeur et celle de do mineur naturelle n’ont pas la même armure. Par contre, la gamme de do majeur et la gamme de la mineur naturelle ont la même armure.

La pièce « Discombobulate » est écrite en ré mineur. a) Sur la portée ci-dessous, écris, en rondes, la gamme de ré mineur naturelle ascendante. Au besoin, place les altérations requises (dièses ou bémols). b) Indique les tons par un crochet et les demi-tons par une liaison. c) Sous la portée, écris les degrés.

& Degrés : d) Quelles altérations cette gamme comporte-t-elle ? 4

Voici la première mesure de l’accompagnement de la pièce « Discombobulate ».

? 44

a) Nomme les trois notes entourées.

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b) À quels degrés de la gamme de ré mineur naturelle ces trois notes correspondent-elles ?

104

analyse

La cellule rythmique croche pointée double croche La pièce « Discombobulate » comporte la cellule rythmique composée d’une croche pointée suivie d’une double croche que l’on surnomme saute : œ . œ

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expérimente 1

Indique les pulsations sous les mesures suivantes, puis chante le rythme, sans tenir compte des hauteurs de notes.

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œ œ. #œ ˙

Un réalisateur de films te demande de composer deux courtes mélodies de quatre mesures chacune pour l’un de ses courts-métrages. La première sera utilisée pendant une scène où l’amitié entre deux personnes semble brisée et la seconde, dans une scène d’amitié retrouvée. a) Pour la première mélodie, tu dois utiliser les degrés I, II, III, V et VI de la gamme de do majeur. b) Pour la deuxième mélodie, tu dois utiliser les degrés I, II, III, V et VI de la gamme de ré mineur naturelle. N’oublie pas de placer les altérations à l’armure. c) Utilise au moins une fois la formule rythmique « saute » dans chacune de tes compositions. d) N’oublie pas d’ajouter la clé et les chiffres indicateurs de ton choix, ainsi que les nuances ou les accentuations que tu juges nécessaires. e) Tu devras interpréter tes deux mélodies en classe. Pièce en do majeur

Pièce en ré mineur

105

Musique

et société

Inspiration ou plagiat ?

a musique classique a toujours tenu une grande place au cinéma. D’une part, les réalisateurs intègrent souvent des extraits d’œuvres classiques dans leurs films, soit à la place d’une bande originale, soit comme musique complémentaire. D’autre part, les compositeurs de musique de film sont fortement influencés par le répertoire classique. Il leur arrive même d’emprunter des éléments d’une autre œuvre, comme un motif, une forme ou une idée. De tout temps, des musiciens se sont inspirés d’une musique existante pour créer, sur cette base, une œuvre nouvelle. Ce procédé de composition est tout à fait légitime, dans la mesure où l’on peut vraiment distinguer les deux morceaux. Mais la ligne entre emprunt et plagiat est parfois mince… En 2006, Hans Zimmer a été poursuivi par la fondation qui gère les droits d’auteur du compositeur britannique Gustav Holst (1874-1934). Celle-ci prétendait que la pièce d’ouverture du film Gladiateur était un plagiat du premier mouvement de la pièce « The Planets », créée par Holst en 1918. Zimmer reconnaît s’en être inspiré, mais affirme néanmoins avoir créé une œuvre originale. Le litige a été réglé à l’amiable. Même les grandes étoiles… John Williams est un autre très grand compositeur de musique de film américain, peut‑être même le plus célèbre. En près de soixante ans de carrière, il a écrit plus d’une centaine de bandes originales, pour lesquelles il a obtenu quarante-neuf nominations aux Oscars ; il en a remporté cinq. Il a également composé plusieurs œuvres pour les Jeux olympiques et pour d’autres célébrations importantes. Parmi ses œuvres marquantes figurent les musiques des films de la saga Star Wars. Dans la pièce « Star Wars Theme », l’influence des opéras de Richard Wagner est indiscutable. Dans d’autres pièces, on reconnaît des morceaux de Gustav Holst, d’Igor Stravinsky, d’Edward Elgar et de George Frideric Handel. Même les étoiles les plus brillantes peuvent refléter la lumière d’autres étoiles…

John Williams

Que penses-tu du fait que des compositeurs s’inspirent d’une musique existante pour créer une nouvelle œuvre ? Explique ta réponse.

106

Chapitre 10

Un accord de paix Je commencerais sur un accord de la mineur…

Ah non ! Ce serait mieux un accord de mi mineur ! Hum, je dirais plutôt do majeur…

Essayez les trois accords et on votera ! D’accord ?

D’accord !

Z’êtes pas d’accord, on dirait…

Les accords font partie intégrante de la musique depuis la Renaissance ( 1475-1600), même si on ne les appelait pas encore ainsi à l’époque. Ils servent à soutenir la mélodie et, selon leurs qualités, ils apportent une couleur particulière à la pièce. Certains compositeurs parviennent à transmettre des émotions puissantes grâce à leur maîtrise de l’harmonisation, c’est-à-dire l’art d’agencer les accords. Jouer un accord, c’est produire simultanément au moins trois sons. On peut le faire au piano ou à la guitare, par exemple, parce que ce sont des instruments dits polyphoniques, c’est-à-dire capables d’émettre plus d’un son à la fois. Pour obtenir un accord avec des instruments monodiques, comme la flûte traversière, la clarinette ou la trompette, plusieurs instruments doivent jouer chacun une note de l’accord : on dit alors qu’ils jouent en harmonie. Dans ce chapitre, tu te familiariseras avec la construction des accords majeurs et mineurs. Tu découvriras aussi ce qu’est une progression d’accords à partir de « Stand by Me », chanson populaire écrite au début des années 1960 et reprise en 2009 par le collectif Playing for Change.

En te basant sur la définition d’un instrument polyphonique, décris dans tes mots ce qu’est un instrument monodique.

107

découvre Écoute la chanson « Stand by Me », composée par Ben E. King et interprétée par le collectif Playing for Change. Réponds ensuite aux questions de la page 109.

[Guitare] Oh yeah, oh my darlin' stand by me C No matter who you are Amin No matter where you go in life F G You gonna need somebody C To stand by you C No matter how much money you got Amin Or the friends you got F G You gonna need somebody C To stand by you When the night has come And the land is dark And that moon is the only Light we’ll see No, I won't be afraid, no I won’t Shed one tear Just as long as the people come And stand by me Darlin', darlin' stand by me, oh, oh, oh Stand by me Oh stand, stand (stand by me) Come on, stand by me (stand by me) Oh, when that sky that we look upon Well should tumble and fall Oh the mountains, they should crumble Into the sea

Piste audio 12

I won't cry, I won't cry, no I won't shed a tear Just as long as you stand Stand by me So darling, darling stand by me, oh Stand by me Please stand, stand by me, Stand by me And darling, darling stand by me, oh Stand by me Please stand, stand by me, stand by me, oh baby, baby [Guitare] [Harmonica] So darlin', darlin', stand Oh, oh, oh, stand Oh, stand, oh, stand, stand Come on, stand by me, stand by me So darlin', darlin', stand Oh, oh, oh, stand Oh, stand, oh, stand, stand Come on, stand by me, stand by me When the night has come [avec saxophone alto] And the land is dark And the moon is the only Light we’ll see I won't be afraid I won't be afraid Not as long, not as long as you Stand by me

Voir le lien vidéo proposé à la page 3 du Guide-corrigé.

108

observe 1

En te servant de tes connaissances, écris la lettre appropriée dans chaque cercle de la page précédente : I pour l’introduction, C pour un couplet, R pour le refrain et S pour un solo.

À quoi correspondent les lettres majuscules écrites en bleu au-dessus des paroles de la chanson à la page précédente ?

apprécie 3

Nomme sept instruments que tu as reconnus dans la chanson « Stand by Me ».

Encercle la bonne réponse. Le tempo de cette pièce est : moderato allegro presto

Des musiciens des quatre coins du monde ont participé à l’enregistrement de cette version de la chanson. Que penses-tu de cette idée ? Explique ta réponse.

109

. . . t s e i u Q Qui est... Qui est...

Playing for Change

Playing for Change est un projet collectif réunissant des musiciens du monde entier. Les participants ont pour but de véhiculer un message de paix et d’amasser des fonds afin d’ouvrir des écoles de musique, en particulier dans les régions les plus pauvres du globe.

Connectés par la musique C’est en 2004 que l’idée de ce projet a germé dans la tête de Mark Johnson, producteur et ingénieur de son américain. S’arrêtant pour écouter deux musiciens dans une station de métro de New York, Johnson a été fortement touché de constater à quel point les passants étaient « connectés » par la musique, même s’ils ne se connaissaient pas et ne parlaient pas la même langue. Dans l’espoir de créer une telle connexion à l’échelle mondiale, Johnson a décidé d’aller à la rencontre de musiciens de partout sur la planète. Il leur a proposé d’enregistrer, dans leur environnement, des reprises de chansons populaires de différents pays. Plus de cent musiciens ont participé au premier album du collectif Playing for Change, Songs Around the World. En intégrant une grande diversité de langues, de cultures, de styles musicaux et d’instruments de musique, Playing for Change a touché un très vaste auditoire. De 2008 à la fin de 2014, le vidéoclip de la chanson « Stand by Me » a été vu 70 millions de fois !

Des instruments inusit é s Voici quelques-uns des instruments que tu peux entendre dans la version du collectif Playing for Change. La planche à laver est un instrument à son frotté originaire de La Nouvelle-Orléans. Elle servait au départ à faire la lessive ! On y ajoute parfois des petites cymbales. Le pandeiro est un instrument percussif très populaire au Brésil. Il ressemble au tambour de basque. Le cavaquinho est une petite guitare à quatre cordes pincées utilisée principalement dans les danses brésiliennes, comme la samba.

110

Qui est Ben E. King ? Le chanteur américain de rythm and blues Ben E. King a connu une certaine popularité dans les années 1960. La chanson « Stand by Me », qu’il a coécrite en 1961, reste son plus grand succès. La pièce a été reprise par un grand nombre d’artistes, notamment par John Lennon en 1975.

analyse

La construction des accords Un accord de base est formé de la première, de la troisième et de la cinquième note d’une gamme majeure ou mineure. • Accord majeur : – La première note, appelée tonique, donne son nom à l’accord. Accord majeur – La deuxième note, appelée tierce majeure, se trouve 2 tons plus haut tonique + 2 tons + 1 21 ton que la première. – La troisième note, appelée quinte, se trouve 1 21 ton plus haut que la deuxième. • Accord mineur : – La première note, appelée tonique, donne son nom à l’accord. Accord mineur – La deuxième note, appelée tierce mineure, se trouve 1 21 ton plus haut tonique + 1 21 ton + 2 tons que la première. – La troisième note, appelée quinte, se trouve 2 tons plus haut que la deuxième. Exemples : Accord de do majeur

Accord de do mineur mi

mi 2T

sol 1 21 T

La quinte est toujours située 3 21 tons plus haut que la tonique. La tonique correspond au degré I de la gamme, la tierce au degré III et la quinte au degré V.

expérimente 1

À l’aide du clavier ci-dessous, ajoute les deux notes manquantes dans chaque accord.

a) La mineur :

– Do –

c) Sol majeur : Sol – e) Si majeur : Si – g) Fa mineur : Fa –

– – –

b) Fa majeur :

–

– Do

d) Ré mineur : Ré – f) Mi mineur : h) Mi mineur :

– –

– Si

– Sol –

Les accords des chansons populaires sont presque toujours écrits selon la notation anglaise : C pour do, D pour ré, etc.

111

analyse

La progression d’accords de « Stand by Me » On peut construire un accord de base à partir de chaque degré d’une gamme. Voici, par exemple, les accords que l’on peut construire à partir de la gamme de do majeur, en passant par tous les degrés :

& 44 www I

www II

www

III

www

Bdim

www

VII

• Les accords des degrés I, IV et V ci-dessus sont majeurs ; ils ont une sonorité plutôt joyeuse. • Les accords des degrés II, III et VI sont mineurs ; ils ont donc une sonorité plutôt triste. On ajoute l’abréviation « m », ou « min », après la lettre désignant l’accord. Ex. : Dm ou Dmin, Em ou Emin, Am ou Amin. • L’accord du degré VII est diminué (abréviation : « dim »). Tu étudieras ce type d’accord si tu poursuis ta formation en musique. Comme toutes les chansons populaires, « Stand by Me » est accompagnée d’une série d’accords qui reviennent à chaque couplet et à chaque refrain. C’est ce qu’on appelle progression d’accords. La progression des accords de cette pièce est la suivante : I-VI-IV-V.

& 44 www I

ww w

ww w V

Les accords de la chanson sont donc : C, Am, F et G.

112

expérimente 1

En équipe de trois élèves, jouez la note de basse (la première note) de chaque accord de « Stand by Me ». Jouez à un tempo moderato. N’oubliez pas la barre de reprise ! Instruments en Do

Instruments en Si

Instruments en Mi

Instruments en Fa

Instruments en Do 2

4 & 4 w w # 4 & # 4 w ### 4 & 4 w

w w

w w w

# 4 4

w 4 w 4

w w

w w w

w w

w w w

a) Sur la partition qui convient à ton instrument, dessine les deux notes manquantes dans chaque accord de « Stand by Me ». Instruments en Do

Instruments en Si

Instruments en Mi

Instruments en Fa

Instruments en Do

& 44 w w # & # 44 w ## & # 44 w

w w

w w w

# 4 4

w 4 w 4

.. ..

b) En équipe de trois, jouez les accords de « Stand by Me » : un élève joue la première note de chaque accord, un autre joue la deuxième et le dernier joue la troisième.

113

Musique

et société

Imagine… la paix

près la Deuxième Guerre mondiale, plusieurs conflits ont continué de déchirer la planète. Afin de contrer ces affrontements armés, de nombreux groupes pacifistes ont vu le jour. John Lennon (1940-1980), célèbre chanteur britannique du groupe The Beatles, et sa femme Yoko Ono, artiste multidisciplinaire, se sont engagés activement dans la promotion de la paix. Ils ont organisé des événements médiatiques spectaculaires afin d’encourager le dialogue et la non‑violence. En 1971, Lennon a écrit « Imagine », chanson dans laquelle il diffusait son message de paix et d’unité. Il nous invitait à imaginer le monde tel qu’il le voyait : un monde sans frontières où tous les humains ne feraient qu’un. Ce succès planétaire a été repris par des dizaines d’artistes populaires, tels que Céline Dion, Michael Jackson, Madonna, Peter Gabriel, Lady Gaga et, bien sûr, le collectif Playing for Change. Un instant de paix Lors de la clôture des Jeux olympiques de Londres, en 2012, « Imagine » a été chantée par un chœur d’enfants, tout de blanc vêtus, tandis qu’une vidéo de John Lennon interprétant la chanson était projetée sur écran géant. Un grand moment d’émotion ! Un groupe mythique The Beatles a été l’un des groupes les plus populaires et les plus influents du vingtième siècle. Bien que ses membres l'aient dissous en 1970 et que deux d’entre eux soient décédés (dont John Lennon), ses albums continuent de se vendre et ses chansons sont constamment rééditées. Paul McCartney, bassiste du groupe et l’un des chanteurs, est toujours actif et connaît encore beaucoup de succès.

Toi, comment imagines-tu ton monde idéal ? Écris un refrain de quatre lignes pour le décrire.

114

Chapitre 11

Enfants de la Terre

J’veux écrire une chanson sur nos origines.

Sur le fait qu’on a des origines différentes ?

Moi, je trouve que nos différences nous enrichissent…

Oui. Nos influences apportent des couleurs intéressantes. C’est vrai, mais malgré nos différences, on est tous des humains.

Dehors différents, mais tous pareils en dedans. Des enfants de la même mère, des enfants de la Terre…

À toutes les époques, la musique d’un pays s’est enrichie au contact d’autres cultures. Aujourd’hui, les moyens de communication modernes nous permettent de connaître rapidement ce qui se fait partout dans le monde, si bien que toute la musique est imprégnée de multiples influences. La musique québécoise prend sa source dans les traditions musicales de la France et d’autres pays européens. L’apport de la musique autochtone a été minime, les colonisateurs français et anglais ayant imposé aux Inuits et aux Amérindiens leur religion et leur culture. De nos jours, les peuples autochtones font revivre leurs langues et leurs traditions culturelles. Plusieurs artistes renouent avec leurs racines, tout en gardant les pieds dans la modernité et en ayant le regard tourné vers l’avenir. C’est le cas de l’auteur - compositeur - interprète Samian, d’origine algonquine et québécoise. À partir de sa chanson « Enfant de la terre », tu approfondiras ta connaissance de la structure des chansons pop et rap, puis tu te familiariseras avec une nouvelle figure rythmique appelée « croche deux doubles ».

Tes origines influencent-elles le genre de musique que tu écoutes ? Explique ta réponse.

115

découvre Écoute la chanson « Enfant de la terre »* en suivant les paroles ci‑dessous, puis réponds aux questions de la page 117.

Piste audio 13

Instruments et voix Niang Loueu ni HO Kiang loueu ni m’beiga HOHO Kiang ere Nie ho Niang ere nie ho Traa koni ong ho Traa kogeng ong n’dang kong ba Na n’da be krandeni kang ho Ka ere youeugu’a m’bei ho Mon pays n’a pas de frontière, il n’a pas de couleurs Je suis un enfant de la terre Sur la terre sacrée on a marché pieds nus Au fil des saisons, on a compté les lunes On a su lire le ciel en guise de boussole Acquis le respect, car l’homme n’est pas seul On calculait le temps grâce au soleil Transmettait notre histoire de bouche à oreille Mon pays n’a pas de drapeau Car on est tous les mêmes derrière nos couleurs de peau Connectés à la voix du créateur Guidés par les oiseaux migrateurs Aborigène, à mes ancêtres j’ai obéi Lié à la terre en parfaite harmonie Porté par elle, je retournerai poussière Je suis un enfant de la terre

Mon pays, je le porte à l’intérieur de moi Et je n’oublie pas les peuples d’autrefois On n’hérite pas de la terre de nos parents On l’emprunte à nos enfants De toute façon cette terre n’est pas à nous On est à elle, on forme un tout Ici, je suis qu’une âme passagère Je suis un enfant de la terre

Niang Loueu ni HO…

Une mère nourricière porteuse de vie Des forêts en guise de pharmacie Depuis toujours on se nourrit de la terre, d’air De la mer, des lacs et des rivières Des millénaires sans besoin matériel Juste un chemin éclairé par le ciel Une poussière qui a fait naître l’âme Un souffle de vie porté par la femme

Niang Loueu ni HO… Ici c’est chez moi, c’est chez toi Tout ce qui compte c’est de savoir où l’on va Un cycle de vie, toujours en mouvement Des nomades transportés par le vent Au climat on a su s’adapter Dans les pires conditions la femme a dû enfanter À la famine on a survécu Malheureusement certains peuples ont disparu Nos erreurs ont servi d’apprentissage Autour d’un feu on écoutait les vieux sages Une sagesse connectée à l’esprit Leur voix était utile à la survie À mon pays je reste enraciné Dans ma tête résonne la voix des aînés Un jour j’irai rejoindre mon père Je suis un enfant de la terre

Guitare Niang Loueu ni HO… Nous sommes des enfants de la terre Nous sommes des enfants de la terre

* Paroles : Samian et H’sao ; Musique : Delicate Beats

116

observe 1

En te servant de tes connaissances, écris la lettre appropriée dans chaque cercle de la page précédente : I pour l’introduction, C pour un couplet, R pour le refrain, S pour un solo et F pour la finale.

Quels sont les chiffres indicateurs de la chanson « Enfant de la terre » ?

Combien de phrases comporte : a) chaque couplet ? b) le refrain ?

apprécie 4

Nomme quatre instruments utilisés dans l’arrangement de cette chanson.

Que remarques-tu de particulier au sujet de la façon dont les couplets sont interprétés ?

À quel genre musical associes-tu « Enfant de la terre » ?

Voici la traduction du texte du refrain : D’où venons-nous ? D’où venez-vous ? Où allez-vous ? Où allons-nous ? Ce n’est pas notre terre Ce n’est ni la vôtre Laissons-la à nos enfants Pour qu’ils la cultivent encore Décris dans tes mots le message de cette chanson.

117

. . . t s e i u Q Qui est... Qui est... Samian

Le rappeur Samuel Tremblay, mieux connu sous le nom de Samian, est d’origine algonquine par sa mère et québécoise par son père. Né en 1983, il a grandi dans le village autochtone de Pikogan, en Abitibi-Témiscamingue.

Des mots à la scène Adolescent, Samian écrit déjà de la poésie. À son insu, sa soeur l’inscrit à un concours : le jeune poète remporte le premier prix ! Invité à présenter son texte en public, il choisit de le rapper. L’année 2004 marque un tournant dans sa vie. Le studio Wapikoni mobile étant de passage dans sa communauté, il a l’occasion d’enregistrer plusieurs chansons et vidéoclips. Cette expérience l’amène à représenter le projet Wapikoni à de nombreux festivals, au Québec et en France. La même année, il rencontre les membres du groupe Loco Locass, qui l’invitent à monter sur scène avec eux. Depuis, Samian a conquis le public et se produit partout au Québec et ailleurs dans le monde. Il a présenté ses chansons dans le cadre de plusieurs événements importants : le Festival International de Jazz de Montréal, les FrancoFolies, les célébrations du 400e anniversaire de Québec et les Jeux olympiques de 2010, à Vancouver.

Le projet Wapikoni : l’espoir en marche Samian est le porte-parole du Wapikoni mobile, organisme cofondé par la cinéaste Manon Barbeau en 2004. Le Wapikoni est un studio ambulant qui circule dans les communautés autochtones afin d’offrir aux jeunes des ateliers de réalisation de courts métrages et d’oeuvres musicales. Aller vers les jeunes, dans leur milieu, permet de leur offrir des ateliers adaptés à leur réalité et à leur culture.

118

Samian

Metissage reussi

n premier album voit le jour en 2007 : Face à soi-même. Suivent Face à la musique, en 2010, et Enfant de la terre, en 2014.

Inspiré par le rap et la musique traditionnelle algonquine, Samian marie ces deux univers à sa façon. Il reste près de ses racines, utilisant des instruments et des chants autochtones, mais il ancre le tout dans un son résolument contemporain. Même métissage pour ce qui est des textes, où le français et l’algonquin se côtoient avec bonheur. Ses chansons, empreintes d’espoir, parlent des défis passés, présents et futurs de son peuple, ainsi que de réconciliation entre Autochtones et Québécois. Les membres des Premières Nations voient en lui l’un des plus ardents défenseurs de leurs droits.

analyse

Le rythme croche, deux doubles croches Dans le refrain de la chanson « Enfant de la terre », un rythme revient constamment : une croche suivie de deux doubles croches, cellule rythmique appelée croche deux doubles. La croche vaut 21 temps et chaque double croche vaut 41 de temps : la cellule rythmique vaut donc un temps, soit l’équivalent d’une noire. Les trois figures de notes sont liées pour faciliter la lecture de la durée. croche deux doubles

œ œ œœ= noire œœ œ

Écoute de nouveau le refrain de la chanson en suivant les mesures ci-dessous, et en essayant de ressentir le rythme croche deux doubles.

b œ œ œ œ œ œ & b 44 Niang Lou-eu ni

œ œ œ œ œ œ œ œ œ. J

Kiang lou-eu

ni m’bei - ga HO -

expérimente 1

Toutes les séquences suivantes comportent le rythme croche deux doubles. Interprète-les à un tempo moderato. a) b) c) d)

ã 4 œ œœ œ

2 ã 4 œ œœ Œ 3

ã 4 ˙

œ œœ œ œ œœ œ œ œœ ˙

œ œœ Œ

ã 4 œœœœ œ œœ œœ œ

œ œœ

œ œœ Œ

œ œœ œ œ Ó

œ œœ

œ œœ œ

œ œ œ œ œ œ ..

œ œœ œ

œ œ œ Œ

œ œ

œ œœ œ

œ œ œ œ œ œ Œ œ œ œ œ œ œ œ œ œ œ œ œ œ ..

En équipe de deux élèves, une personne joue la séquence a) et l’autre, la séquence d) ci-dessus. Vous devez garder le tempo moderato tout au long des séquences.

En équipe de deux élèves, composez une séquence rythmique qui comporte, entre autres, les cellules rythmiques croche deux doubles œ œ œ et quatre doubles croches œ œ œ œ . Interprétez ensuite votre composition en tapant dans vos mains.

4 ã 4

119

analyse

La phrase musicale dans la musique pop et rap Les différentes parties d’une chanson pop ou rap, qu’il s’agisse de l’introduction, d’un couplet, d’un refrain, d’un passage instrumental ou d’un solo, ont généralement une caractéristique commune : elles comportent un nombre pair de mesures. Voici un rappel pour t’aider à repérer chaque partie. Tu en auras besoin pour faire les exercices de la page suivante. • L’introduction : C’est le début de la chanson. Elle sert à installer l’ambiance. Souvent, cette partie n’a pas de paroles. • Le couplet : Chaque couplet fait avancer l’histoire de la chanson. Les couplets sont tous différents et sont généralement plus calmes que le refrain. • Le refrain : Il sert à transmettre le message principal de la chanson. Conçu pour être facile à retenir, il est plus puissant que les couplets : il comporte plus d’instruments, la voix est plus forte et, souvent, il est chanté en harmonie (plusieurs voix en même temps). • La finale, ou conclusion : C’est la partie qui conclut la chanson. Elle diffère beaucoup d’une chanson à l’autre : elle peut être instrumentale ou vocale, reprendre une section du refrain, finir simplement en decrescendo, etc. La progression d’accords peut aussi te servir de guide pour repérer le début et la fin de chaque partie. En effet, les accords durent souvent quatre temps chacun, soit l’équivalent d’une ronde ; lorsque la progression d’accords recommence, c’est habituellement le signe qu’on entame une nouvelle partie. Le rythme de la batterie est généralement clair et précis, puisqu’il donne le tempo et assure la stabilité de la chanson. Il te permet de compter les pulsations et de repérer les changements de mesure. Tu peux entendre, par exemple, le rythme suivant :

4 ã 4 œ

Grosse caisse

120

Caisse claire

Grosse caisse

Caisse claire

expérimente 1

Réécoute la chanson « Enfant de la terre », de Samian. Combien de mesures comporte : a) l’introduction ? b) chaque couplet ? c) chaque refrain ? d) le solo ?

Forme une équipe avec un autre élève et suivez les consignes ci-dessous. a) Trouvez l’enregistrement et les paroles d’une chanson pop que vous aimez. Attention ! Vous devez choisir une chanson qui ne comporte aucune vulgarité. b) Imprimez ou copiez les paroles de la chanson. Repérez-en les différentes parties et encadrez chacune d’une couleur différente. c) Écoutez la pièce et comptez le nombre de mesures de chaque partie, puis notez-le sur la feuille des paroles. d) Comparez vos résultats avec ceux des autres équipes de votre classe. Que remarquezvous de particulier en ce qui concerne le nombre de mesures de chaque partie ?

Ton enseignante ou ton enseignant t’indiquera la partition d’une pièce que vous jouez en classe, d’un autre style que pop ou rap. a) Dans cette partition, repère le début et la fin de chaque section, et compte le nombre de mesures qu’elle comporte. Écris ce nombre au-dessus de la portée, à la fin de la section. b) Que remarques-tu de particulier en ce qui concerne le nombre de mesures de chaque partie ?

Après avoir fait les trois exercices précédents, quelle conclusion peux-tu tirer quant à la structure des pièces, qu’elles soient pop, rap ou d’un autre style ?

Dans l’écriture d’une chanson, il est plus facile de marier la musique et les paroles lorsque les deux possèdent la même structure rythmique.

121

Musique

et société

Le slam : poésie vivante

ne forme d’art s’est frayé un chemin au Québec au cours des dernières années : le slam. Mélange de poésie et d’art oratoire, le slam consiste à déclamer sur scène, de façon dynamique, un poème qu’on a écrit. Un slam de poésie est un événement rassemblant plusieurs slameuses et slameurs. Un jury formé de spectateurs choisit la meilleure performance de la soirée. D’un événement à l’autre, les règles peuvent varier, mais le slam ne doit généralement pas dépasser trois minutes et doit être présenté sans musique, sans décor et sans accessoires. Dépoussiérer la poésie Fidèles à l’esprit du poète américain Une slameuse. Marc Smith, qui a organisé les premières soirées slam au milieu des années 1980, ces événements visent à démocratiser la poésie. Voilà pourquoi le micro est ouvert à tous les poètes qui acceptent les règles du jeu… et pourquoi le public a son mot à dire ! Le slam au Québec

Le slameur Ivy

Slamontréal a été le premier organisme voué à la production et à la promotion du slam au Québec. Il a été créé en 2006 par le slameur Ivy (Ivan Bielinski). Un an plus tard naissait la Ligue québécoise de slam (LIQS), association réunissant les équipes de différentes régions du Québec, dont Slamontréal.

Le bruit des mots Poète et rappeur, Samian est aussi un adepte du slam. On a d’ailleurs fait appel à lui pour aider de jeunes slameurs dans la création et la présentation de leurs textes dans le cadre du webdocumentaire Le bruit des mots, diffusé sur le site Internet de Radio-Canada.

À ton avis, quelles qualités sont nécessaires pour participer à un slam de poésie ? Explique ta réponse.

Voir le lien vidéo proposé à la page 3 du Guide-corrigé.

122

Le cahier Distorsion est un outil unique pour l’enseignement de la musique au premier cycle du secondaire. Il permet aux élèves de développer d’une manière dynamique et innovatrice leurs connaissances des notions musicales et de les réinvestir en contexte à l’aide d’œuvres variées et intéressantes. Ce cahier s’inscrit dans le cadre du Programme de formation de l’école québécoise, musique et s’arrime aussi avec la Progression des apprentissages (PDA) en musique. On trouve dans le cahier :

On trouve dans le guide-corrigé :

Le cahier de l’élève est divisé en 2 sections :

• le corrigé du cahier d’apprentissage ;

1. théorie musicale : contient les notions théoriques de base avec une série d’exercices pour mieux consolider les notions. Toutes les notions de cette section sont reprises dans le Carnet des savoirs ;

• des exerciseurs et des activités supplémentaires ;

2. exploration musicale : à partir d’œuvres musicales d’époques, de genre et d’origines variées, elle permet à l’élève un apprentissage en contexte des notions musicales.

• des mini tests et une évaluation par chapitre ; • un tableau proposant des hyperliens vers des vidéos et d’autres pistes audio en lien avec chaque thème des chapitres ; • des partitions vierges ; • un CD présentant les 11 œuvres à l’étude.

Le Carnet des savoirs Distorsion est offert gratuitement avec les cahiers ; vous y trouverez l’ensemble des notions musicales présentées dans le cahier. De plus, le Carnet des savoirs présente une ligne du temps sur la musique, un tableau sur l’apparition des styles musicaux contemporains, un visuel sur l’organisation de l’orchestre symphonique et les familles d’instruments.

VERSIONS NUMÉRIQUES Le cahier pour l’enseignant Pour l’animation en classe et la correction collective, la version numérique de chaque cahier vous permet : – de projeter, d’annoter et de feuilleter le cahier en entier ; – d’afficher le corrigé du cahier, question par question ; – de partager des notes et des documents avec vos élèves ; – de corriger leurs réponses directement dans la version numérique de leur cahier ; – de travailler directement dans votre matériel sans connexion Internet ; – d’accéder à tout le matériel reproductible au fil des pages ; – d’accéder à des hyperliens vidéo au fil des pages ; – d’accéder aux bandes audio des œuvres ; – d’accéder à la théorie du Carnet des savoirs.

Les cahiers d’apprentissage pour les élèves La version numérique de chaque cahier permet à l’élève : – de feuilleter et d’annoter chaque page ; – d’écrire ses réponses dans son cahier ; – d’avoir accès directement au contenu ciblé du Carnet des savoirs ; – de travailler dans son matériel sans connexion Internet ; – d’accéder à des hyperliens vidéo au fil des pages ;

CODE DE PRODUIT : 218454

ISBN 978-2-7617-7886-2

9 782761 778862