Breve historia del arte moderno y contemporáneo

BREVE HISTORIA DEL ARTE MODERNO Y CONTEMPORÁNEO

Guía de bolsillo con los principales movimientos, las obras, los temas y las técnicas fundamentales

Susie Hodge

47 Land art

48 Street art

49 Neoexpresionismo

50 Escuela de Londres

51 Young British Artists (YBAs)

OBRAS

54 El taller del pintor, Gustave Courbet

56 La estación Saint-Lazare, Claude Monet

58 El pensador, Auguste Rodin

60 Un bar del Folies-Bergère, Édouard Manet

62 Retrato de Van Gogh, Henri de Toulouse-Lautrec

64 Campo de trigo con cipreses, Vincent van Gogh

68 Calma vespertina, Paul Signac

70 Tigre en una tormenta tropical (¡sorprendido!), Henri Rousseau

72 Arearea, Paul Gauguin

74 Los jugadores de naipes, Paul Cézanne

76 Madonna, Edvard Munch

78 Curva de la carretera (L’Estaque), André Derain

80 Retrato de Adele Bloch-Bauer I, Gustav Klimt

84 Las señoritas de Aviñón, Pablo Picasso

86 Mademoiselle Pogany, Constantin Brâncuși

88 Rueda de bicicleta, Marcel Duchamp

90

,

116 Autorretrato con collar de espinas y colibrí, Frida Kahlo

118 Pelagos, Barbara Hepworth

120 Alquimia, Jackson Pollock

122 Árbol de la vida, Henri Matisse

124 Just What Is It at Makes Today’s Homes So Di erent, So Appealing?, Richard Hamilton

126 1957, nº. 20, Mark Rothko

128 Tres banderas, Jasper Johns

130 Concepto espacial, Espera, Lucio Fontana

132 Latas de sopa Campbell’s, Andy Warholl

136 Lanzadera II, Bridget Riley

138 Sin título (12 caballos), Jannis Kounellis

140 Autorretrato con sangre, Ana Mendieta

142 TV cello, Nam June Paik

144 Sin título (cráneo negro), Jean-Michel

Basquiat

146 Tanque de tres balones en total equilibrio (dos Spalding serie Dr. J. Silver, Wilson Supershot), Je Koons

148 Re ejo (autorretrato), Lucian Freud

150 Lejos del rebaño, Damien Hirst

152 La materia del tiempo, Richard Serra

154 Mamá, Louise Bourgeois

156 Bangkok VI, Andreas Gursky

158 Masa levitada, Michael Heizer

160 Todo el amor que tengo por las calabazas, Yayoi Kusama

Art Nouveau

PRINCIPALES APORTACIONES

Al abandonar una decoración excesiva, la mayoría de los artistas de Art Nouveau creían que la función debía dictar la forma de un objeto, y representaban esa forma en temas orgánicos y composiciones asimétricas de estilo japonés. Alphonse Mucha (1860-1939), por ejemplo, se hizo famoso por sus pinturas y carteles de hermosas mujeres con el pelo largo y ondulado en colores delicados, a menudo con flores y otros elementos estilizados.

Arte y estilo de diseño internacional que perduró unos veinticinco años desde aproximadamente 1890, el Art Nouveau se desarrolló en el arte, la arquitectura y el diseño en varios países.

Unas formas naturales, líneas sinuosas y composiciones asimétricas y dinámicas son algunos de los elementos de diseño más destacados del Art Nouveau. Además de ser un intento por integrar la producción en serie con la artesanía y por superar la inquietud generada por la industrialización, el movimiento se oponía a la meticulosidad de muchos diseños contemporáneos. Los artistas y diseñadores asimilaron influencias de estilos como el movimiento Arts and Crafts, el arte celta, el neogótico, el rococó, el esteticismo, el simbolismo y el japonismo. Recibió distintos nombres en diferentes lugares: en Gran Bretaña fue el Art Nouveau; en España y Cataluña, el modernismo y modernisme, respectivamente; en Dinamarca, Noruega y Alemania, el Jugendstil, y en Italia, el estilo Liberty o Floreale. Al mismo tiempo, en algunas partes de Europa, artistas, arquitectos y diseñadores rompieron con las instituciones de arte oficiales y formaron grupos conocidos como Secesión. La Secesión de Múnich nació en 1892, y la Secesión de Viena, en 1897, encabezada por Gustav Klimt. El estilo secesionista fue una forma de Art Nouveau.

HEYGATE MACKMURDO • CHARLES RENNIE MACKINTOSH • LOUIS COMFORT TIFFANY

Maude Adams como Juana de Arco , Alphonse Mucha, 1909, óleo sobre lienzo, 208,9 × 76,2 cm, Metropolitan Museum of Art, Nueva York, Estados Unidos

Realismo estadounidense

1890 –

1940

Automat, Edward Hopper, 1927, óleo sobre lienzo, 71,4 × 91,4 cm, Des Moines Art Center, Iowa, Estados Unidos (véase «Obras», pág. 106)

A principios del siglo XX en Estados Unidos, varios pintores, escritores y músicos empezaron a crear obras que reflejaban sus entornos urbanos en desarrollo.

Desde finales del siglo XIX, Estados Unidos había experimentado un enorme cambio industrial, económico, social y cultural. Los inmigrantes europeos y un creciente comercio internacional fomentaban la prosperidad, y los realistas estadounidenses trataron de plasmar las realidades sociales de la gente común y las ciudades. Entre ellos había dos grupos en concreto: la Escuela Ashcan, también denominadas The Eight (Los ocho), y The Ten American Painters, llamados también The Ten (Los Diez). Insatisfechos con el conservadurismo de los círculos artísticos estadounidenses, The Ten nacieron en 1898 para crear su propia sociedad de exposición, y expusieron durante veinte años en Nueva York, Boston,

Filadelfia y otras ciudades estadounidenses. Mientras, en la ciudad de Nueva York, artistas de la Escuela Ashcan pintaban escenas urbanas, en general con unas pinceladas enérgicas, para captar las imágenes de la vida cotidiana de las clases trabajadoras e inmigrantes. La modernidad como centro de atención y unos contenidos fuera de lo común se consideraron revolucionarios en Estados Unidos por aquel entonces.

PRINCIPALES APORTACIONES

Con unas pinturas de figuras solitarias en lugares impersonales, Edward Hopper encarna el realismo estadounidense. Su maestro Robert Henri (1865-1929) aconsejó a sus estudiantes: «No es el motivo en sí lo que cuenta, sino lo que te hace sentir». El principal tema de Hopper es la soledad, como se observa en Automat , donde aparece una mujer sentada sola en una cafetería de autoservicio.

PRINCIPALES EXPONENTES: ROBERT HENRI • GEORGE BELLOWS • EDWARD HOPPER • FRANK W. BENSON • CHILDE HASSAM • WILLIAM MERRITT CHASE

Bauhaus

La escuela de arte más influyente del siglo XX, la Bauhaus («casa en construcción», en alemán) tuvo una importante repercusión en el arte y el diseño durante mucho tiempo después de su clausura, en el año 1933. Fundada en 1919 por el arquitecto Walter Gropius (1883-1969), la Bauhaus tomó como referencia elementos del movimiento Arts and Crafts, que también pretendía que los oficios se situaran al mismo nivel que el arte, a la vez que se centraba en fusionar el arte con la industria. Conscientes de que muchos bienes fabricados en serie carecían de diseño, los artistas, diseñadores y arquitectos que enseñaban en la Bauhaus –entre ellos, Wassily Kandinsky, Josef Albers (18881976), Paul Klee (1879-1940), Annie Albers

(1899-1994), Marianne Brandt (1893-1983) y Marcel Breuer (1902-1981)– eran casi todos innovadores, y a la vez que la Bauhaus conservaba muchas tradiciones de la enseñanza de las bellas artes, ponía de relieve destrezas y oficios prácticos. Abrió nuevos caminos, introduciendo un gran número de ideas que inspiraron el arte, el diseño y la arquitectura a partir del siglo XX. En cuanto al funcionamiento de la escuela, destacaba su original currículo, que realzaba el funcionalismo a través de formas geométricas y la enseñanza de destrezas prácticas junto con el ejercicio de las bellas artes.

PRINCIPALES APORTACIONES

Los artistas y diseñadores vanguardistas que enseñaban en la Bauhaus eran habilidosos y originales. Algunos exploraban el color de formas novedosas, mientras que otros creían que la tecnología se podía usar con el arte y el diseño para mejorar la sociedad. La Bauhaus marcó de un modo profundo y duradero el arte, la arquitectura, el diseño gráfico, el diseño interior, el diseño industrial y la tipografía.

En el óvalo claro, Wassily Kandinsky, 1925, óleo sobre cartón, 73 × 59 cm, Museo Nacional Thyssen-Bornemisza, Madrid, España (véase «Obras», pág. 104)

Realismo mágico

PRINCIPALES EXPONENTES: ALBERTO SAVINIO • PAUL CADMUS • PAUL DELVAUX • IVAN ALBRIGHT • GEORGE TOOKER

Oficina del gobierno, George Tooker, 1956, temple al huevo sobre plancha con imprimación de gesso, 49,8 × 75,2 cm, Metropolitan Museum of Art, Nueva York, Estados Unidos

El realismo mágico fue un movimiento artístico y literario que expresó ideas ambiguas mediante motivos contemporáneos, a menudo con unos ambientes en apariencia extraños. El término «realismo mágico» fue acuñado en 1925 por el fotógrafo e historiador y crítico de arte alemán Franz Roh (1890-1965) para describir las pinturas que se habían creado desde 1920 y parecían realistas pero, a la vez, oníricas. No hubo un único grupo de realismo cohesionado, y el movimiento se desarrolló primero en Europa y, más tarde, en América. En Europa, se originó a partir del movimiento Die Neue Sachlichkeit («La Nueva Objetividad») y fue, en parte, una reacción contra el arte moderno. En América formó parte de lo que se conoce como escena americana. Mientras que muchos cuadros del realismo mágico son muy reales y tienen un enfoque nítido y profuso en detalles, otros son simples en cuanto al estilo.

En ambas corrientes ejercieron una marcada influencia Henri Rousseau y Giorgio de Chirico, y a través de los significados oníricos y secundarios subyacentes de los cuadros, las ideas influyeron, a su vez, en el surrealismo. Entre los seguidores del realismo mágico en Europa cabe destacar a Alberto Savinio (1891-1952) y a Alexander Kanoldt (18811939). En Estados Unidos encontramos a Paul Cadmus (1904-1999), Ivan Albright (1897-1983) y George Tooker (1920-2011).

PRINCIPALES APORTACIONES

Los realistas mágicos querían plasmar lo que percibían como realidades ocultas en la sociedad, poniendo de manifiesto que lo que puede parecer evidente no siempre lo es. Uno de los realistas mágicos más célebres, George Tooker, usó pintura al temple para crear unos interiores con una luz misteriosa, como se puede apreciar en Oficina del gobierno , con unas figuras anónimas y unos cubículos claustrofóbicos.

Surrealismo

PRINCIPALES EXPONENTES: RENÉ MAGRITTE • SALVADOR DALÍ • JOAN MIRÓ

• MAX ERNST • ANDRÉ MASSON • LEONORA CARRINGTON

1924

La traición de las imágenes (Ceci n’est pas une pipe), René Magritte, 1929, óleo sobre lienzo, 60,3 × 81 × 2,54 cm, Los Angeles County Museum of Art, California, Estados Unidos (véase «Obras», pág. 110)

Embebido en el dadaísmo, la pintura metafísica, el realismo mágico, el marxismo y los recientes descubrimientos sobre el inconsciente, el surrealismo fue en sus inicios un movimiento artístico y literario. Nació en París en 1924 con la publicación del Manifiesto del surrealismo de André Breton (1896-1966). En él escribió que el surrealismo era «un automatismo psíquico puro, por el cual se intenta expresar verbalmente, por escrito o de cualquier otro modo, el funcionamiento real del pensamiento». El libro La interpretación de los sueños del psicoanalista Sigmund Freud (1856-1939), publicado en 1899, y las ideologías de Karl Marx (1818-1883) tuvieron una notable influencia. Los surrealistas, convencidos de que la mente racional inhibe la imaginación, pretendían reprimir sus pensamientos conscientes. Algunos, como René Magritte (1898-1967) y Salvador Dalí (1904-1989),

estudiaron los sueños y los símbolos del subconsciente en imágenes realistas, figurativas y subjetivas, mientras que otros como Joan Miró (1893-1983) usó métodos freudianos del automatismo psíquico o la asociación libre, trabajando en cuasiestados de trance o en sueños, y produjeron palabras o imágenes de forma inconsciente. De este modo, gran parte del surrealismo resulta desconcertante, extraño y, a veces, incómodo.

PRINCIPALES APORTACIONES

Al examinar sus propios pensamientos inconscientes y sueños, los surrealistas creaban unas obras de arte que eran figurativas y abstractas a la vez, y a menudo plasmaban yuxtaposiciones ilógicas o asociaciones inesperadas. Las pinturas de Magritte a menudo ponían en entredicho la diferencia entre las pinturas y los objetos reales, como sucede en La traición de las imágenes (Ceci n’est pas une pipe) . Su estilo pictórico tan realista plasma a conciencia esta confusión.

Expresionismo abstracto

PRINCIPALES EXPONENTES: JACKSON POLLOCK • LEE KRASNER • ARSHILE GORKY • FRANZ KLINE • HELEN FRANKENTHALER • JOAN MITCHELL • LOUISE NEVELSON

Expresivo y no figurativo, el expresionismo abstracto nació en Estados Unidos en 1943 y se mantuvo hasta mediados de la década de 1950.

Después de la segunda guerra mundial, Estados Unidos ocupaba una posición de poder, y el expresionismo abstracto fue el primer movimiento artístico totalmente estadounidense que logró tener una repercusión internacional. Conocido en sus inicios como «Escuela de Nueva York», empezó con un reducido grupo de artistas poco cohesionado que compartían unas ideas totalmente nuevas sobre el arte y organizaban sus propias exposiciones. En líneas generales, los estilos pictóricos se pueden dividir en dos grupos principales – action painting («pintura de acción») y Colour Field («campos de color»)–,

mientras que la escultura puso en tela de juicio las tradiciones con unas estructuras abiertas a gran escala, a menudo de materiales poco convencionales. Los pintores de acción recurrían a gestos espontáneos y dinámicos para expresar sus sentimientos sobre las atrocidades de la guerra, a menudo mediante la técnica del automatismo, y permitían que sus mentes inconscientes tomaran las riendas del proceso creativo y plasmaran sus emociones íntimas. Todos los planteamientos de los artistas tenían como nexo de unión su contenido emocional o expresivo. A Jackson Pollock se le apodó «Jack el Salpicador» por su método intuitivo de verter, gotear y salpicar pintura sobre enormes lienzos tendidos en el suelo.

PRINCIPALES APORTACIONES

Al desvincularse de las limitaciones que implicaba tratar de representar el mundo real, los expresionistas abstractos transmitían sus sentimientos subconscientes, a menudo usando métodos, materiales y herramientas inesperados, como cuchillos, palas, pintura de uso doméstico y técnicas de soldadura. Joan Mitchell (1925-1992), por ejemplo, creó grandes abstracciones llenas de luz con pinceladas sueltas y vigorosas de colores vivos.

Paisaje urbano, Joan Mitchell, 1955, óleo sobre lino, 203,2 × 203,3 cm, Art Institute of Chicago, Illinois, Estados Unidos