Baleares Palma Orquesta Sinfonica abono ene 2019 - 2 by editorialmic

TEMPORADA D’ABONAMENT 2018-2019 AUDITORIUM DE PALMA (CICLE BACH) | 31/ 01/ 19 | 20.00 H

35’

1A PART

Concert per a violí BWV 1041, la menor Johann Sebastian Bach (1685-1750) (Francisco Fullana) 1. 2. 3.

Allegro Andante Allegro assai

Concert per a violí BWV 1052r, re menor Johann Sebastian Bach (1685-1750) (Midori) 4. 5. 6.

15’

30’

Allegro Adagio Allegro

PAUSA 2A PART

Simfonia núm. 3 “Renana” op.97, mi bemoll major Robert Schumann. (1810-1856) Lebhaft

Scherzo, Sehr mäßig 8. Nicht schnell 9. Feierlich 10. Lebhaft 7.

15’

PAUSA (15 MIN.)

35’

3A PART

Concert per a violí BWV 1042, mi major Johann Sebastian Bach (1685-1750) (Midori)

Allegro 12. Adagio 13. Allegro assai 11.

Concert per a dos violins BWV 1043, re menor Johann Sebastian Bach (1685-1750) (Midori – Francisco Fullana) 14. Vivace 15. Largo

ma non tanto 16. Allegro

MIDORI, VIOLÍ FRANCISCO FULLANA, VIOLÍ PABLO MIELGO, DIRECTOR ORQUESTRA SIMFÒNICA ILLES BALEARS

NOTES AL

PROGRAMA

AMB SEGELL PROPI Bàrbara Duran

CAT

Es pot pensar que les classificacions dels erudits sobre escoles artístiques i influències o bé les anàlisis estilístiques són fruit d’elucubracions que poques vegades s’arriben a entendre del tot. Però quan es tasta la solidesa de l’escola compositiva alemanya i la llarga tradició d’harmonia i contrapunt edificada amb sistematització, aquestes són proves irrefutables i no elucubracions. Els dos compositors protagonistes d’aquest programa, Bach i Schumann, ho demostren. També cal explicar que, avui, tot ha de ser «original», «autèntic». I cada creador ha d’anar molt amb compte de no copiar res que recordi material d’un altre, perquè tot pot acabar en una demanda per qüestions de drets d’autor. Però temps enrere, els compositors copiaven sense remordiments cançons d’altres per tal d’aixecarne de noves. I, fins i tot, la més productiva de totes les còpies era la que es feien a ells mateixos: podien reciclar material propi infinitament i ningú no els podia acusar de res. Aquesta pràctica responia a diferents motius: molt sovint es veien obligats a fer-ho perquè havien d’entregar obres per a festivitats concretes gairebé cada setmana; altres cops eren editors o instrumentistes els que exigien les peces per a una data determinada. Tant Händel com Bach, per exemple, acudiren a aquest sistema «d’autoreciclatge», que els funcionava a la perfecció. Els concerts d’aquest programa en són una mostra: el de La menor BWV 1041, el de Mi M BWV 1042 per a violí i el de Re menor BWV 1043 per a dos violins es corresponen amb el de Sol menor BWV 1058, Re major BWV 1054 i Do menor BWV 1062 per a clavecí. Es pot observar que el mestre Bach transportava a una segona descendent —una nota per sota— els concerts de violí per ser tocats en clavecí. Sembla que el Concert 1052R fou, inicialment, un concert per a orgue que Bach creà els primers anys de Leipzig segons demostren diversos estudis. Un dels motius per reciclar 5

material era adaptar-lo per a diferents formacions instrumentals, a vegades amb intencions didàctiques. No obstant això, és important recordar que Bach va transcriure un nombre important de concerts italians, sobretot de Vivaldi, i els va adaptar per a orgue. Per què Bach volia transcriure obres d’autors italians si ell mateix tenia prou recursos compositius? Una resposta pot ser aquella herència compositiva alemanya esmentada abans, amb efectivitat i solidesa abans que «salsa». I de tots és sabut que, de «salsa», els músics italians en tenien de sobra. Transcriure les obres de Vivaldi o Marcello significava analitzar i copiar aquelles tècniques que feien saborosos els concerts italians. Bach aprofità aquest treball que reflectí en la seva música instrumental: perfecció harmònica i contrapuntística, gran bellesa melòdica, experimentació en el desenvolupament del material i, sobretot, síntesi: les seves elaboracions temàtiques esdevingueren un model de llenguatge instrumental. Les estructures de concert amb ritornello —exemplificat per la «Primavera» de Vivaldi— poden ser detectades aquí. La bellesa de les àries, expressives i cantabile, romanen en els segons moviments. L’energia indestructible apareix als tercers, dinàmics i entremaliats. Robert Schumann escriu la Simfonia núm. 3 (anomenada «Renana») a finals del 1850 i fou estrenada el 1851. L’optimisme lluminós del primer moviment i l’esperit suau i romàntic del segon condueixen a pensar en un possible programa descriptiu al darrere, però Schumann no era gaire amic d’explicar gratuïtament allò que alimentava la música. Escrita en cinc moviments, cosa inusual, la simfonia demostra que Schumann dominava l’orquestració; aquí compon motius deliciosos per a vent-metall, sobretot en el primer i quart moviment. Per cert, ell escriví per als joves músics que «El clave ben temperat de Bach sigui el teu pa de cada dia, ell tot sol bastarà per convertirte en el millor intèrpret». 6

CON SELLO PROPIO Bàrbara Duran

ESP

Se puede pensar que las clasificaciones de los eruditos sobre escuelas artísticas e influencias o bien los análisis estilísticos son fruto de elucubraciones que pocas veces se llegan a entender del todo. Pero cuando se prueba la solidez de la escuela compositiva alemana y la larga tradición de armonía y contrapunto edificada con sistematización, estas son pruebas irrefutables y no elucubraciones. Los dos compositores protagonistas de este programa, Bach y Schumann, lo demuestran. También hay que explicar que, hoy, todo tiene que ser «original», «auténtico». Y cada creador tiene que ir con mucho cuidado para no copiar nada que recuerde material de otro, porque todo puede acabar en una demanda por cuestiones de derechos de autor. Pero tiempo atrás, los compositores copiaban sin remordimientos canciones de otros con el fin de levantar otras nuevas. E, incluso, la más productiva de todas las copias era la que se realizaban a ellos mismos: podían reciclar material propio infinitamente y nadie los podía acusar de nada. Esta práctica respondía a diferentes motivos: muy a menudo se veían obligados a hacerlo porque tenían que entregar obras para festividades concretas casi cada semana; otras veces eran editores o instrumentistas los que exigían las piezas para una fecha determinada. Tanto Händel como Bach, por ejemplo, acudieron a este sistema de «autoreciclaje», que les funcionaba a la perfección. Los conciertos del presente programa son una muestra de ello: el de La menor BWV 1041, el de Mi M BWV 1042 para violín y el de Re menor BWV 1043 para dos violines se corresponden con el de Sol menor BWV 1058, Re mayor BWV 1054 y Do menor BWV 1062 para clavicémbalo. Se puede observar que el maestro Bach transportaba a una segunda descendiente —una nota por debajo— los conciertos de violín para ser tocados por clavicémbalo. Parece que el Concierto 7

1052R fue, inicialmente, un concierto para órgano que Bach creó los primeros años de Leipzig según demuestran varios estudios. Uno de los motivos para reciclar material era adaptarlo para diferentes formaciones instrumentales, a veces con intenciones didácticas. Sin embargo, es importante recordar que Bach transcribió un número importante de conciertos italianos, sobre todo de Vivaldi, adaptándolos para órgano. ¿Por qué Bach quería transcribir obras de autores italianos cuando él mismo tenía suficientes recursos compositivos? Una respuesta puede ser aquella herencia compositiva alemana mencionada antes, con efectividad y solidez antes que «salsa». Y de todos es sabido que, en cuanto a «salsa», los músicos italianos tenían de sobra. Transcribir las obras de Vivaldi o Marcello significaba analizar y copiar aquellas técnicas que hacían sabrosos los conciertos italianos. Bach aprovechó este trabajo que reflejó en su música instrumental: perfección armónica y contrapuntística, gran belleza melódica, experimentación en el desarrollo del material y, sobre todo, síntesis: sus elaboraciones temáticas se convirtieron en un modelo de lenguaje instrumental. Las estructuras de concierto con ritornello —ejemplarizado por la «Primavera» de Vivaldi— pueden ser detectados aquí. La belleza de las arias, expresivas y cantabile, permanecen en los segundos movimientos. La energía indestructible aparece en los terceros, dinámicos y traviesos. Robert Schumann escribe la Sinfonía nº 3 (llamada «Renana») a finales de 1850 y fue estrenada en 1851. El optimismo luminoso del primer movimiento y el espíritu suave y romántico del segundo conducen a pensar en un posible programa descriptivo detrás, pero Schumann no era demasiado amigo de explicar gratuitamente aquello que alimentaba la música. Escrita en cinco movimientos, cosa inusual, la sinfonía demuestra que Schumann dominaba la orquestación; aquí compone motivos deliciosos para viento-metal, sobre todo en el primero y cuarto movimiento. Por cierto, él escribió para los jóvenes músicos que «El clave bien templado de Bach sea tu pan de cada día, ello a solas bastará para convertirte en el mejor intérprete». 8

A SIGNATURE STYLE Bàrbara Duran

ENG

It is often believed that expert classifications according to artistic schools, influences or style analysis come from lucubrations that can rarely be fully understood. But as soon as you feel the strength of the German composition school and its long-standing tradition of harmony and counterpoint so systematically built, you are set before irrefutable evidence. Both stars in tonight’s programme, Bach and Schumann, prove it. It is also worth explaining that today everything has to be «original», «authentic», and creators have to be specially careful not to copy anything that may refer to another composer, otherwise they could end in a copyright lawsuit. However, long ago, composers remorselessly copied others’ songs so as to build their own new ones. And what is more: the most fruitful of all copies were the ones they performed of themselves they could recycle their own materials repeatedly and nobody would accuse them. Such practices were due to several motives: very often they just had to do it because they were obliged to hand in a new piece for a certain festivity almost every week, or because the publishers or instrumentalists fixed impossible deadlines. Both Händel and Bach, for instance, resorted to this self-recycling system that, for them, ran smoothly. Proof of that are tonight’s concerts. Concert in A Minor BWV 1041, E Major BWV 1042 for violin and D minor BWV 1043 for two violins correspond to the Concert in G minor BWV 1058, D Major BWV 1054 and C minor BWV 1062 for harpsichord. You will observe that maestro Bach transported his violin concerts a descending second —one note below— in order to be played by the harpsichord. Apparently, and according to several research studies, the Concert 1052R was initially an organ concerto, created by Bach during his early Leipzig years. Another of his reasons for recycling materials 9

was to adapt them to different musical ensembles, sometimes for educational or training purposes. Nevertheless, it is important to remember that Bach transcribed a number of Italian concerts, mainly Vivaldi’s, and adapted them to organ. Why would Bach transliterate works by Italian authors, possessing such a wide range of composition resources himself? It might have been his response to the German composition heritage that we mentioned before, more concerned about effectiveness and soundness than «salsa». And everyone knows that Italian musicians had plenty of that salsa: by transcribing Vivaldi’s or Marcello’s pieces, one had to analyse and copy those techniques that gave flavour to the Italian concertos. Bach took advantage of such work and reflected it in his instrumental music: perfection in harmony and counterpoint, great beauty in melody, experimentation in the development of his materials and, above all, synthesis. His themed works became a model in instrumental language; is concert structures with ritornello —exemplified in Vivaldi’s Spring— are perceived here; the beauty of his arias, expressive and cantabile, remain in the second movements; an indestructible energy appears in the third, which are dynamic and mischievous. Robert Schumann wrote Symphony No.3, Renana at the end of 1850, and it was premièred in 1851. The bright optimism in the first movement and the tender and romantic spirit in the second make you think there may be a descriptive programme behind, but he wasn’t one to openly display what had fed his music. Unusually written in five movements, the symphony proves that Schumann was a master of orchestration: here he composed delicious motives for the brasswind instruments, specially in the first and fourth movements. And, by the way, when addressing young musicians, Schumann counselled: «Make The Well». 10

MIDORI

MIDORI Violí

CAT

La violinista Midori va néixer a Osaka, Japó, el 1971, i va començar a estudiar violí amb la seva mare, Setsu Goto. Zubin Mehta la va escoltar tocar el 1982 i la va convidar a debutar amb la Filharmònica de Nova York en el seu Concert d’Any Nou. Midori ha tocat amb les orquestres més importants com la London Symphony, Staatskapelle Dresden, Mahler Chamber Orchestra, New York Philharmonic, Chicago Symphony, Atlanta Symphony, Orchestre Symphonique de Montreal, Cincinnati Symphony i Pittsburgh Symphony. Ha col·laborat amb els directors més rellevants com Péter Eötvös, Christoph Eschenbach, Daniele Gatti, Alan Gilbert, Susanna Mälkki, Robert Spano, James Conlon i Paavo Järvi, entre d’altres. Aquesta temporada destaca per la versatilitat dels seus concerts amb orquestres i grups de cambra, interpretant Txaikovski, Bernestein, Hindemith, Brahms i Enescu a Europa, Àsia i Amèrica. El 1992 va fundar a Nova York Midori & Friends, una organització sense ànim de lucre que porta programes d’educació musical a nins en situació econòmica precària; també col·labora amb Music Sharing al Japó i amb Partners in Performance als EUA. El Fòrum Econòmic Mundial la va reconèixer per la seva tasca i compromís amb l’educació als EUA, Europa i Àsia. I va ser nomenada Missatgera de la Pau pel secretari general de les Nacions Unides, Ban Ki-moon. En el seu compromís amb el repertori per a violí, Midori ha encarregat al llarg de la seva carrera diverses obres per a concert i per a recital. També ha afegit més enregistraments a la seva extensa discografia – un disc amb les Sonates i Partites de Bach i el Concert per a violí DoReMi escrit per a Midori pel compositor Péter Eötvös i gravat amb l’Orquestra Filharmònica de Ràdio França. El 2014, un enregistrament de Midori amb la seva interpretació del Concert per a violí de Hindemith amb l’Orquestra Simfònica de la NDR i la direcció de Christoph Eschenbach va ser guardonat amb un Grammy. Midori resideix a Los Angeles, on manté el seu lloc com a Distingida Professora de Violí i la càtedra Jascha Heifetz a la Universitat del Sud de Califòrnia Thornton School of Music. Toca un violí Guarnerius del Gesú “ex-Huberman” de 1734.

MIDORI Violín

ESP

La violinista Midori nació en Osaka, Japón, en 1971, y empezó a estudiar violín con su madre, Setsu Goto. Zubin Mehta la escuchó tocar en 1982 y la invitó a debutar con la Filarmónica de Nueva York en su Concierto de Año Nuevo. Midori ha tocado con las orquestas más importantes incluyendo la London Symphony, Staatskapelle Dresden, Mahler Chamber Orchestra, New York Philharmonic, Chicago Symphony, Atlanta Symphony, Orchestre Symphonique de Montreal, Cincinnati Symphony y Pittsburgh Symphony. Ha colaborado con los directores más relevantes como Péter Eötvös, Christoph Eschenbach, Daniele Gatti, Alan Gilbert, Susanna Mälkki, Robert Spano, James Conlon y Paavo Järvi, entre otros. Esta temporada destaca por la versatilidad de sus conciertos con orquestas y grupos de cámara, interpretando a Tchaikovsky, Bernestein, Hindemith, Brahms y Enescu en Europa, Asia y América. En 1992 fundó en Nueva York Midori & Friends, una organización sin ánimo de lucro que lleva programas de educación musical a niños en situación económica precaria; también colabora con Music Sharing en Japón y con Partners in Performance en EEUU. El Foro Económico Mundial la reconoció por su labor y compromiso con la educación en EEUU, Europa y Asia. Y fue nombrada Mensajera de la Paz por el secretario general de las Naciones Unidas, Ban Ki-moon. En su compromiso con el repertorio para violín, Midori ha encargado a lo largo de su carrera varias obras para concierto y para recital. También ha añadido más grabaciones a su extensa discografía – un disco con las Sonatas y Partitas de Bach y el Concierto para violín DoReMi escrito para Midori por el compositor Péter Eötvös y grabado con la Orquesta Filarmónica de Radio Francia. En 2014, una grabación de Midori con su interpretación del Concierto para violín de Hindemith junto a la Orquesta Sinfónica de la NDR y la dirección de Christoph Eschenbach fue galardonada con un Grammy. Midori reside en Los Ángeles, donde mantiene su puesto como Distinguida Profesora de Violín y la cátedra Jascha Heifetz en la Universidad del Sur de California Thornton School of Music. Toca un violín Guarnerius del Gesú “ex-Huberman” de 1734.

MIDORI Violin

ENG

Violinist Midori was born in Osaka, Japan, in 1971, and began studying violin with her mother, Setsu Goto. In 1982, Zubin Mehta heard saw her perform, and invited her to play with the New York Philharmonic in his Ney Year’s Concert. Midori has played with the world’s main orchestras, including the London Symphony, Staatskapelle Dresden, Mahler Chamber Orchestra, New York Philharmonic, Chicago Symphony, Atlanta Symphony, Orchestre Symphonique de Montreal, Cincinnati Symphony and Pittsburgh Symphony. She has collaborated with some of the most important conductors, such as Peter Eötvös, Christoph Eschenbach, Daniele Gatti, Alan Gilbert, Susanna Mälkki, Robert Spano, James Conlon and Paavo Järvi, among others. The present season is very versatile, including concerts with orchestras and chamber ensembles interpreting Tchaikovski, Bernestein, Hindemith, Brahms, Schubert and Enescu, in Europe, Asia and America. In 1992, she founded Midori & Friends in New York, a non-profit organization that takes music education programmes to children of communities at financial risk. Midori also collaborates with Music Sharing in Japan, and Partners in Performance in the USA. The World Economic Forum acknowledged her work and commitment with education in the USA, Europe and Asia, and she was appointed Peace Messenger by the General Secretary of the UN, Ban Ki-moon. In her commitment to the violin repertoire, Midori has commissioned several pieces for concert and recital during her career. She has added more recordings to her already bid discography (an album with Bach’s Sonatas and Partitas, and the DoReMi Violin Concert by Peter Eötvös especially for her, and recorded with Radio France Philharmonic Orchestra). In 2014, Midori’s recording of her performance of Hindemith’s Violin Concerto, with the NDR Symphony Orchestra, and under Christoph Eschenbach, received a Grammy Award. Midori lives in Los Angeles, where she holds a post as Distinguished Violin Professor and the Jascha Heifetz Chair at the Thorton School of Music of University of Southern California. She plays a Guarnerius del Gesú “ex-Huberman” violin from 1734.

FRANCISCO

FULLANA

FRANCISCO FULLANA Violinista

CAT

Artista balear resident de l’Orquestra Simfònica de les Illes Balears (OSIB). Aclamat per les seves actuacions a Europa i als EUA, Francisco Fullana està gaudint d’una creixent carrera internacional, realitzant concerts i recitals, així com una àmplia gamma de col·laboracions com a músic de cambra. Elogiat per Gustavo Dudamel com «un violinista amb un gran talent», The Boston Globe l’ha descrit com «un violinista molt especial»; BBC music Magazine el qualifica com «una estrella en ascens», i el San Francisco Classical Voice el defineix com «un model de delicadesa musical». El 2018 va ser el primer violinista espanyol a ser guardonat amb el prestigiós Avery Fisher Grant. Entre les seves actuacions, cal destacar la interpretació dels concerts sota la batuta de Gustavo Dudamel i del mític Sir Colin Davis. Ha actuat com a solista en orquestres com la Bayerische Philharmonie, la Münchner Rundfunkorchester, l’Orquestra Filharmònica de Buffalo, l’OSIB, l’Orquestra Simfònica de la RTVE, la Simfònica de la ciutat de Birmingham, i a les orquestres simfòniques de Vancouver, Pacífic, Alabama, Maryland i Comunitat de Madrid, entre d’altres, amb directors com Adrian Leaper, Alosa de la Parra, Pablo Mielgo, Víctor Pablo Pérez, Christoph Poppen, Salvador Brotons, Josh Weilerstein, Álvaro Albiach, Elizabeth Schulze i Jeannette Sorrell. Actiu com a músic de cambra, es va unir a The Bowers Program del Lincoln Center (anteriorment CMS Two) la tardor de 2018. Ha participat en els festivals de música Marlboro, Music @Menlo, Mainly Mozart, Music in the Vineyards i Newport. Com a fundador i director del Classical Music Institute a San Antonio, Francisco Fullana potencia l’accés a l’educació musical per a joves sense recursos. El març de 2018 va publicar el CD A través de la lent del temps, que inclou la recomposició de Les quatre estacions de Vivaldi de Max Richter amb la City of Birmingham Symphony Orchestra sota la batuta de Carles Izcaray, i que és un viatge al cor de la música barroca de la mà de compositors contemporanis, entre ells Salvador Brotons, que s’inspirà en el compositor mallorquí Antoni Lliteres. El CD comptà amb el suport d’ILLENC i de l’Stiftung Lyra, fou “CD de la setmana” de la revista americana Forbes i ocupà els primers llocs de llistes com Apple Classical Music i Spotify. Francisco Fullana ha obtingut el primer premi en nombrosos concursos nacionals i internacionals: Japó Munetsugu; Pro Musicis International New York; Johannes Brahms; María Paula Alonsom, i Nacional Pablo Sarasate, entre d’altres. Com a violinista de l’Stiftung Lyra des de 2005, participa en les seves activitats i concerts. El Consell de Mallorca li va concedir el Premi Jaume II i l’Ajuntament de Palma ha reconegut oficialment la seva trajectòria concertística. Graduat a la Juilliard School de Nova York, finalitzà el seu Artist Diploma a la Universitat del Sud de Califòrnia amb la reconeguda violinista Midori Goto, la seva mentora i professora des de 2010. Va iniciar els seus estudis de violí als quatre anys amb el mestre Bernat Pomar i la professora Teresa Ripoll. Als set anys va ingressar al Conservatori Professional de Música de Balears i als quinze va obtenir el Títol Superior de Violí al Real Conservatori Superior de Música de Madrid, amb matrícula d’honor i Premi extraordinari fi de carrera, sota la tutela de Manuel Guillén Navarro. Des de 2013 és membre del selecte club de violinistes de la Societat Stradivari de Chicago. Actualment toca el violí de 1735 “Mary Portman”, ex-Kreisler Guarneri del Gesu, generosament cedit per Clement i Karen Arrison a través de la Stradivari Society. Més informació: http://franciscofullana.com/

FRANCISCO FULLANA Violinista

ESP

Artista balear residente de la Orquestra Simfònica de les Illes Balears (OSIB). Aclamado por sus actuaciones en Europa y en los EEUU, Francisco Fullana está disfrutando de una creciente carrera internacional, realizando conciertos y recitales, así como una amplia gama de colaboraciones como músico de cámara. Elogiado por Gustavo Dudamel como «un violinista con un gran talento»; The Boston Globe lo ha descrito como «un violinista muy especial»; BBC music Magazine lo califica como «una estrella en ascenso», y el San Francisco Classical Voice lo define como «un modelo de delicadeza musical». El 2018 fue el primer violinista español en ser galardonado con el prestigioso Avery Fisher Grant. Entre sus actuaciones, hay que destacar la interpretación de los conciertos bajo la batuta de Gustavo Dudamel y del mítico Sir Colin Davis. Ha actuado como solista en orquestas como la Bayerische Philharmonie, la Münchner Rundfunkorchester, la Orquesta Filarmónica de Buffalo, la OSIB, la Orquestra Sinfónica de RTVE, la Sinfónica de la ciudad de Birmingham, y en las orquestas sinfónicas de Vancouver, Pacífico, Alabama, Maryland y Comunidad de Madrid, entre otras, con directores como Adrian Leaper, Alondra de la Parra, Pablo Mielgo, Víctor Pablo Pérez, Christoph Poppen, Salvador Brotons, Josh Weilerstein, Álvaro Albiach, Elizabeth Schulze y Jeannette Sorrell. Activo como músico de cámara, se unió a The Bowers Program del Lincoln Center (anteriormente CMS Two) en otoño de 2018. Ha participado en los festivales de música Marlboro, Music @Menlo, Mainly Mozart, Music in the Vineyards y Newport. Como fundador y director del Classical Music Institute en San Antonio, Francisco Fullana potencia el acceso a la educación musical para jóvenes sin recursos. El marzo de 2018 publicó el CD A través de la lente del tiempo, que incluye la recomposición de Las cuatro estaciones de Vivaldi de Max Richter con la City of Birmingham Symphony Orchestra bajo la batuta de Carles Izcaray, y que es un viaje al corazón de la música barroca de la mano de compositores contemporáneos, entre ellos Salvador Brotons, que se inspiró en el compositor mallorquín Antoni Lliteres. El CD contó con el apoyo de ILLENC y de la Stiftung Lyra, fue “CD de la semana” de la revista americana Forbes y ocupó los primeros lugares de listas como Apple Classical Music y Spotify. Francisco Fullana ha obtenido el primer premio en numerosos concursos nacionales e internacionales: Japón Munetsugu; Pro Musicis International New York; Johannes Brahms; María Paula Alonsom, y Nacional Pablo Sarasate, entre otros. Como violinista de la Stiftung Lyra desde 2005, participa en sus actividades y conciertos. El Consell de Mallorca le concedió el Premi Jaume II y el Ayuntamiento de Palma ha reconocido oficialmente su trayectoria concertística. Graduado en la Juilliard School de Nueva York, finalizó su Artist Diploma en la Universidad del Sur de California con la reconocida violinista Midori Goto, su mentora y profesora desde 2010. Inició sus estudios de violín a los cuatro años con el maestro Bernat Pomar y la profesora Teresa Ripoll. A los siete años ingresó en el Conservatorio Profesional de Música de Baleares y a los quince obtuvo el Título Superior de Violín en el Real Conservatorio Superior de Música de Madrid, con matrícula de honor y Premio extraordinario fin de carrera, bajo la tutela de Manuel Guillén Navarro. Desde 2013 es miembro del selecto club de violinistas de la Sociedad Stradivari de Chicago. Actualmente toca el violín de 1735 “Mary Portman”, ex-Kreisler Guarneri del Gesu, generosamente cedido por Clemente y Karen Arrison a través de la Stradivari Society. Más información: http://franciscofullana.com/

FRANCISCO FULLANA Violinist

ENG

‘Balearic Artist in Residence’ at the OSIB, Fullana has been acclaimed in his performances around Europe and the EEUU. His international career is consistently growing through his concerts and recitals, and also through a great deal of collaborations as a chamber musician. He has been praised by Gustavo Dudamel as ‘a very talented violinist’, The Boston Globe described him as ‘a very special violinist’, The BBC Music Magazine stated he is ‘a rising star’ and San Francisco Classical Voice pictured him as ‘a model of musical delicacy’. In 2018, Fullana was the first Spanish musician to receive the prestigious Avery Fisher Grant. Amongst his recent performances, it is worth highlighting the concerts under the batons of Gustavo Dudamel and the great Sir Colin Davis. Fullana has performed as a soloist with orchestras like the Bayerische Philharmonie, Münchner Rundfunkorchester, Buffalo’s Philharmonic Orchestra, OSIB, ORTVE, the City of Birmingham Symphony Orchestra and the symphony orchestras in Vancouver, Pacific, Alabama, Maryland and Comunidad de Madrid, to name a few; and with such conductors as Adrian Leaper, Alosa de la Parra, Pablo Mielgo, Víctor Pablo Pérez, Christoph Poppen, Salvador Brotons, Josh Weilerstein, Álvaro Albiach, Elizabeth Schulze and Jeannette Sorrell. Fullana has been very active in chamber music as well: he joined The Bowers Program at The Lincoln Center (previously CMS Two) in autumn 2018. He has taken part in music festivals such as Marlboro, Music @ Menlo, Maiinly Mozart, Music in the Vineyards and Newport. In his role as founder and director of the ‘Classical Music Institute’ in San Antonio, Fullana promotes access to musical education for young players without financial resources. In March 2018, he released the CD album A través de la Lent del Temps (Through the lens of time), which features Max Richters’ recomposition of Vivaldi’s Four Seasons with the City of Birmingham Symphony Orchestra, under the baton of Carles Izcaray. It is a journey towards the heart of Baroque music, lead by contemporary composers, one of them being Salvador Brotons, who inspired Majorcan composer Antoni Lliteres. The CD has been published with support from ILLENC and Stiftung Lyra, and it was ‘Album of the Week’ in Forbes’ listings, as well as taking top 10 positions in Apple Classical Music and Spotify. Fullana has received first prizes in several national and international contests: Japan’s Munetsugu Japan, New York’s Pro Musicis International, Johannes Brahms, María Paula Alonso and Pablo Sarasate National Award, among others. Being a violinist in Stiftung Lyra since 2005, he also takes part in their activities and concerts. Governmental institutions in the Balearic Islands have praised his work too: the Consell de Mallorca awarded him the ‘Premi Jaume II’, and Ajuntament de Palma has publicly acknowledged his artistic career. Fullana graduated from New York’s Juilliard School and got an Artist Diploma at the University of South California with master violinist Midori Goto, his mentor and professor since 2010. He began studying violin at four with maestro Bernat Pomar and professor Teresa Ripoll. When he was seven, Fullana joined the Conservatori Professional de Música de Balears and, at fifteen years old, he finished a Superior Degree in Violin at Real Conservatorio Superior de Música de Madrid, with a distinction and a Final Extraordinary Prize, his tutor being Manuel Guillén Navarro. Since 2013, Fullana is member of the Stradivari Society in Chicago, a select violin club. He currently plays the 1735 ‘Mary Portman’ ex-Kreisler Guarneri del Gesu violin, generously loaned by Clement and Karen Arrison, through the Stradivari Society. More information at: http://franciscofullana.com/

PABLO

MIELGO

PABLO MIELGO Director

CAT

Pablo Mielgo, director d’orquestra de Madrid, és un ciutadà del món amb esperit emprenedor i amb una missió: fer que la música estigui a l’abast de tots. En l’actualitat és director de l’Orquestra Simfònica de les Illes Balears (OSIB) i ha estat contractat per orquestres de tot el món. Estudià al Conservatori Reial de la seva ciutat natal, al Col·legi Reina Sofia i a l’Escola de Música del London Guildhall. A més, creà una xarxa de nombroses amistats musicals entre Berlín i Qatar, Lucerne i Los Angeles, amb músics de renom que ara enriqueixen els programes de concerts de l’OSIB. Pablo Mielgo ha estat assistent de directors com James Conlon, Jesús López Cobos, Daniel Barenboim i Claudio Abbado. Ell dirigeix regularment als grans escenaris d’Europa, com el Wiener Musikverein, als EUA, com el Carnegie Hall de Nova York, a Amèrica Llatina i a l’Orient Mitjà. En estreta col·laboració artística, el madrileny treballa amb orquestres com la Simfònica de Simón Bolívar, the Arena di Verona i la Filharmònica de Qatar, amb artistes com Juan Diego Flórez, les germanes Labeque, Pierre-Laurent Aimard, Julian Rachlin i Radovan Vlatkovic. . Des de 2005 és director musical i artístic de la Fundació SaludArte, amb l’objectiu de generar un canvi social a través de la música. Pablo Mielgo va promoure diversos esdeveniments musicals amb gran reconeixement internacional, com el Festival Espanya-Veneçuela, el Festival Internacional de Música de Madrid “Madrid em sona”, la gira de l’Orquestra Juvenil Iberoamericana per Espanya i els Estats Units, IberOpera i “En viu, connectant el món a través de la música”. Col·laborà amb institucions com el Teatre Reial de Madrid, la Miami New World Symphony, el Sistema a Veneçuela i la Florida Grand Opera, amb artistes de renom com Plácido Domingo, Gustavo Dudamel, José Antonio Abreu i Michael Tilson Thomas, entre d’altres. Pablo Mielgo està especialment dedicat a la promoció de joves talents. Des de 2011, el director artístic de la Filharmònica de Medellín s’esforça per brindar als joves músics accés a l’educació musical, independentment dels ingressos dels pares. A més, el director ha fundat tres orquestres juvenils des de 2003: l’Orquestra Juvenil Presjovem, que reuneix els millors joves músics espanyols, l’Orquestra Juvenil Iberoamericana i l’Orquestra Simfònica Harmonia. En cooperació amb Sir Colin Davis, va fundar la BandArt Orchestra. Com a director titular de l’OSIB, des de 2014, ha promogut amb èxit el desenvolupament de l’orquestra en diversos aspectes, sobre la base de la seva experiència internacional. Pablo Mielgo ha millorat la qualitat de l’orquestra i els seus programes, ha augmentat les vendes d’entrades i ha desenvolupat la seva xarxa amb actuacions de convidats, programes per a joves i artistes de primer nivell.

PABLO MIELGO Director

ESP

Pablo Mielgo, director de orquesta de Madrid, es un ciudadano del mundo con espíritu emprendedor y con una misión: hacer que la música esté al alcance de todos. En la actualidad es director de la Orquesta Sinfónica de las Illes Balears (OSIB) y ha sido contratado por orquestas de todo el mundo. Estudió en el Conservatorio Real de su ciudad natal, en el Colegio Reina Sofía y en la Escuela de Música del London Guildhall. Además, creó una red de numerosas amistades musicales entre Berlín y Qatar, Lucerne y Los Ángeles, con músicos de renombre que ahora enriquecen los programas de conciertos de la OSIB. Pablo Mielgo ha sido asistente de directores como James Conlon, Jesús López Cobos, Daniel Barenboim y Claudio Abbado. Él dirige regularmente en los grandes escenarios de Europa, como el Wiener Musikverein, en EE. UU., como el Carnegie Hall de Nueva York, en América Latina y en Oriente Medio. Con una estrecha colaboración artística, el madrileño trabaja con orquestas como la Sinfónica de Simón Bolívar, the Arena di Verona y la Filarmónica de Qatar, con artistas como Juan Diego Flórez, las hermanas Labeque, Pierre-Laurent Aimard, Julian Rachlin y Radovan Vlatkovic. Desde 2005 es director musical y artístico de la Fundación SaludArte, con el objetivo de generar un cambio social a través de la música. Pablo Mielgo lanzó varios acontecimientos musicales de gran reconocimiento internacional, incluyendo el Festival España-Venezuela, el Festival Internacional de Música de Madrid “Madrid me suena”, la gira de la Orquesta Juvenil Iberoamericana por España y Estados Unidos, IberOpera y “En vivo, conectando el mundo a través de la música”. Colaboró con instituciones como el Teatro Real de Madrid, la Miami New World Symphony, el Sistema en Venezuela y la Florida Grand Opera, con artistas de renombre como Plácido Domingo, Gustavo Dudamel, José Antonio Abreu y Michael Tilson Thomas entre otros. Pablo Mielgo está especialmente dedicado a la promoción de jóvenes talentos. Desde 2011, el director artístico de la Filarmónica de Medellín se esfuerza para brindar a los jóvenes músicos acceso a la educación musical, independientemente de los ingresos de los padres. Además, el director ha fundado tres orquestas juveniles desde 2003: la Orquesta Juvenil Presjovem, que reúne a los mejores jóvenes músicos españoles, la Orquesta Juvenil Iberoamericana y la Orquesta Sinfónica Armonía. En cooperación con Sir Colin Davis, fundó la BandArt Orchestra. Como director titular de la OSIB desde 2014, ha promovido con éxito el desarrollo de la orquesta en varios aspectos, sobre la base de su experiencia internacional. Pablo Mielgo ha mejorado la calidad de la orquesta y sus programas, ha aumentado las ventas de entradas y ha desarrollando su red con actuaciones de invitados, programas para jóvenes y artistas de primer nivel.

PABLO MIELGO Conductor

ENG

Pablo Mielgo, a conductor from Madrid, is a true world citizen with an entrepreneurial spirit and the mission to make music accessible to everyone: the agile chief of the Orquestra Simfònica de les Illes Balears (OSIB) was immediately engaged by orchestras around the world after his studies at the Royal Conservatory of his hometown, the Reina Sofia School and the London Guildhall School of Music. Moreover, he created a network of numerous musical friendships between Berlin and Qatar, Lucerne and Los Angeles, with renowned musicians, who are now enriching the OSIB concert programs. Pablo Mielgo has assisted conductors such as James Conlon, Jesus Lopez Cobos, Daniel Barenboim and Claudio Abbado. He regularly conducts on the great stages of Europe such as the Wiener Musikverein, the USA such as Carnegie Hall New York, Latin America and the Middle East. In close artistic collaboration, the Madrilenian works with orchestras such as the Simon Bolívar Symphony, the Arena di Verona and the Qatar Philharmonic as well as with artists such as Juan Diego Florez, the Labeque sisters, Pierre-Laurent Aimard, Julian Rachlin and Radovan Vlatkovic. Since 2005 he has been the musical and artistic director of the SaludArte Foundation, which aims to bring about social change through music. Pablo Mielgo launched several musical events with great international acclaim including the Festival España-Venezuela, the International Music Festival of Madrid “Madrid me suena”, the tour of the Ibero-American Youth Orchestra through Spain and the USA, IberOpera as well as “Live, connecting the world through music”. He collaborated with institutions such as the Teatro Real Madrid, the Miami New World Symphony, El Sistema in Venezuela and the Florida Grand Opera, as well as with renowned artists, Placido Domingo, Gustavo Dudamel, José Antonio Abreu, and Michael Tilson Thomas among others. Pablo Mielgo is especially dedicated to the promotion of young talents. Since 2011 the co-artistic director of the Medellin Philharmonic Academy strives to give young musicians access to musical education regardless of parental income. Furthermore, the conductor has founded three youth orchestras since 2003: the Presjovem Youth Orchestra bringing together the best young Spanish musicians, the Iberoamerican Youth Orchestra and the Harmonia Symphony Orchestra. In cooperation with Sir Colin Davis, he founded the BandArt Orchestra. As chief conductor of the OSIB since 2014, he has promoted the orchestra’s development in several aspects successfully on the basis of his international experience: Pablo Mielgo has improved the quality of the orchestra and its programs, increased ticket sales and developed his network with guest performances, youth programs and first-rate artists.

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