Catalogo Marco Otero by Gus Muzzio Romano

de justificar mi existencia; no las puedo demostrar, y de eso se trata.. son como metáforas que me ayudan ha elaborarlas mediante el acto gestual de pintar, ella

ace

muchos

años,

final del prólogo

dan a mi inconsciente la excusa para procesar lo improbable: son la sinrazón. Se me ha preguntado sobre la influencia en mis trazos, de la escritura oriental. No tiene que ver conmigo, pues su filosofía se funda en la eliminación del

una

yo, mientras nosotros los occidentales lo proclamamos . Son

exposición

gestos congelados, no una caligrafía, es un grafito abstracto

“ sólo me queda, como el tiburón, nadar para mantenerme vivo, por eso sigo pintando". La edición de este libro decía

con mandato interior. Afirma mi identidad, una forma de acontecimiento, no propongo una estructura de fórmula repetidas de asociación. Prefiero las imágenes incone-

Mi búsqueda es lograr obras que anuncian riesgo, peligro y urgencias. La obra xas de mi inconsciente.

testimonia la persistencia y validez de esa certeza de supervivencia: estar vivo y pintando. La pintura es una de las formas de la magia y mi oficio de

comienza encriptada con la inexplicable metáfora de

pintor es convencer de la veracidad del truco.

creer en su propio caos , se detiene cuando yo como su cre-

Cuando lo hago, vació mi mente de prejuicios,

ador, acepto o rechazo, lo que he creado. No trabajo con un pro-

trato de expresarme en forma libre y subjeti-

yecto de obra o imagen, busco algo sin saber exactamente qué, pero

va con la máxima espontaneidad. Siento a mi mente como algo represivo rechazo

sé que ella está allí. Confío en las herramientas que me dio el oficio, que creo... bien aprendido, cuidándome que el len-

su autoridad sobre mi inconsciente

guaje no maquille ni endulce falsamente la obra.

festejo el azar y lo accidental, sin intervención de

La destreza que a veces se interpone en el riesgo que la obra

la razón. Mis imágenes son un acto de fe, una forma

debe asumir, exige de mi el control permanente par que no ocurra. Lo que no quise mostrar y está, tiene la magia de lo subyacente, que induce al observador a ser cómplice de mis imágenes y porque no de mis

silencios. Participar con él del milagro de la presencia de lo invisible. Día a día avanzó peligrosamente hacia el caos en forma consciente, trato de adueñarme de parcelas más

Que la obra sea inédita no es un mérito en sí, ya que lo es indefectiblemente, por el solo hecho de existir.

extensa de él, que me obligan a continuar, porque sé que aún, no tengo nada. Así obra tras obra, cuando las termino, ese instante del todo, veo también que llega la nada. Me da gusto dialogar con ellas. Muchas veces les cuento sobre la oligarquía de la vulgaridad a que seguramente serán expuestas, que entenderán separar lo

Por último, es mi pretensión, que los disparadores que pueda producir mi obra en el observador activen en él inexplicables sensaciones.

transitorio de lo trascendente y que muchas veces, alguna obra por buena que fuere no sobrevivirá impunemente. En mi obra para bien o para mal, se aloja el código genético del color y textura que he creado especialmente para ella. Mi obra tiene para mí muchas verdades que no pueden ser probadas, porque no existe el acceso a esas pruebas. El vín-

culo entre mi pintura y mi entorno es irreal, mi ruta es a espaldas de la realidad visible, transformo lo que siento en gestos de color. El acto de pintar en mi, necesita de la soledad que ronda lo desconocido de la forma, el color y la textura, que son totalmente independientes del mundo de los mandatos, conceptos y palabras.

www.marcootero.com.ar

any years ago, at the end of a prologue to an exhibition, I wrote “all I have left, is to swim like the shark, to remain alive; that is why I go on painting”. Publication of this book is a testimony to the persistence and validity of that survival certainty: to be alive and to go on painting. Painting is one of the forms of magic,

and my craft as a painter is to convince others that the trick is real. When I paint, I empty my mind of prejudice, I try to express myself freely and subjectively, with the utmost spontaneity. I feel my mind as something repressive and I reject its authority over my unconscious, I celebrate chance and the accidental, devoid of reason’s intervention. My images are an act of faith, a way to justify my existence; I can’t demonstrate them, and that is precisely the point…they are like metaphors that help me elaborate them through the gesture, the act of painting, they give to my unconscious the excuse to process the improbable: they are the unreason. I have been asked about the influence of oriental ideograms on my painting. They have nothing to do with me, because their philosophy is based on the elimination of the ego, which we proclaim in the west. My images are frozen gestures, not a calligraphy but rather an abstract graffiti with an inner mandate. They affirm my identity, a form of happening; I don’t propose a structure of repeated association formulas. I prefer the unconnected images of my unconscious. My quest is for works that announce risk, danger and urgency. Each work begins encrypted with the unexplainable metaphor of creating its own chaos, and it stops when I, its creator, accept or reject what I have created.

I don’t use a project of a work or an image,

I search for something without knowing exactly what, but I know it is there. I trust the tools my craft gave me, a craft…well learned, I think; I am careful to avoid

using language as make-up or to falsely sweeten my work. Skill is sometimes an obstacle to the risk the work must run, and I have to exert permanent control to keep this from happening.

Things that I did

not mean to show, and still are there, have the magic of the underlying, which induces the viewer to be an accomplice of my images, and also, why not, of my silences. I participate with him in the miracle of the presence of the invisible. Day after day, I move forward perilously and consciously towards chaos, I try to own greater fragments of it, that force me to pursue, because I know that I still have nothing. And so, in work after work, as I finish it, in that instant of wholeness, I also see the arrival of nothingness. The dialogue with my works gives me pleasure. Very often I tell them about the oligarchy of vulgarity to which they will certainly be exposed, that they will try to separate the transient from the transcendent, and that often one work, no matter how good, will not survive with impunity. For better or for worse, my work encloses the color and texture genetic code that I have especially created for it.

My work contains many truths for me,

Finally, it is my hope

which can not be proved, because there is no access to such proof. The link between my paintings and my environment is unreal, my path turns its back on visible reality, I transform what I feel into gestures of color. For me, the act of painting requires the solitude that surrounds the unknown of shapes, colors and textures, which are totally independent from the world of mandates, concepts and words. The fact of the work being â&#x20AC;&#x153;differentâ&#x20AC;? is not a merit in itself, since it is so indefectibly, for the mere fact of existing.

that my work can activate triggers in the viewer, capable of awakening in him unexplainable sensations.

Through an arbitrary shape, evocative of openwork, I tried to communicate the assumption that it is a sector of a larger work, that only shows part of it, like a window that looks on a forest, but only lets us see some of its trees

Testimonial of the pure action of gestures on the canvasâ&#x20AC;Śfrozen notes, part of a symphony

The backgrounds I paint are almost real, frozen folds and creases that support moving gestures

Absence of Academia, use of unorthodox materials, disconnected references to the chaos of the unconscious 58

LA PINTURA DE MARCO OTERO:

Una recreación de experiencias vitales E D U A R D O

M Á R C E L E S

D A C O N T E

i tuviéramos que encontrar antecedentes en la pintura de Marco Otero tendríamos que remontarnos a la década del cincuenta cuando se desarrolló en Estados Unidos la llamada Escuela de Nueva York cuyos protagonistas encontraron en el expresionismo abstracto un manantial de ideas y argumentos que encontraron en su momento una feliz aceptación de la crítica, los espacios de exposición, los coleccionistas y los observadores del arte en general. Pero no todos coincidían en intereses y técnicas, aunque original en su concepción estética, la pintura de Otero se asociaría más a la obra de Franz Kline, Robert Motherwell o incluso Helen Frankenthaler, pilares excepcionales de esta maravillosa tendencia quienes cultivaron una pintura de contenido poético que inspiró a generaciones de artistas en el mundo entero. Sin embargo, la obra de este pintor y fotógrafo argentino se diferencia de sus antecesores por cuanto sus composiciones recuerdan una arquitectura gráfica o una caligrafía oriental, quizás los ideogramas chinos o japoneses, logrados con brochazos negros, verticales u horizontales, en un contexto de colores sutiles que muchas veces se ubican en segmentos divididos por un horizonte de oscuras premoniciones. Suele incluir una interesante sugerencia de papel arrugado que contrasta con la densidad de gruesas franjas, chorreados y aspersiones cromáticas, aunque también experimenta con entramados de bordes esfumados o erizados de púas que proyectan una idea de dramáticas consecuencias. Los títulos de algunas de sus obras, Big Bang o Memorias, dan a entender una génesis de grandes explosiones de creación física o de recuerdos de su vida personal que remiten a símbolos de alegrías y tristezas o, citando a Kline, Otero está “pintando experiencias”. En este sentido es una pintura autobiográfica que de alguna manera remite a una metáfora en donde los colores gestuales y luminosos son la esperanza vital en tanto que el negro se perfila como un emisario de los momentos cruciales e inciertos de una existencia. Su pintura, entonces, tiene esa virtud tan difícil de lograr que es la ambigüedad, esa polisemia que sólo alcanzan a tener las obras que brotan del profundo inconsciente para reflejar el sentir de una humanidad en la encrucijada de la vida.

The paintings of Marco Otero: A recreation of vital experiences Eduardo Márceles Daconte If we were to search for the precursors of Marco Otero’s paintings, we would have to go back in time to the ‘50s, when the so-called School of New York flourished in the United States. Its protagonists found in abstract expressionism a source of ideas that met at the time with a favorable reception by art critics, galleries, collectors and art lovers in general. But they did not all share the same interests or techniques, and although Otero’s paintings are based on an original esthetic conception, they are more closely related to the work by Franz Kline, Robert Motherwell or even Helen Frankenthaler, outstanding pillars of this marvelous trend, who cultivated a painting style of poetic content that inspired generations of artists all over the world. However, the work of this Argentine painter and photographer is unlike that of his predecessors: his compositions evoke graphic architecture or oriental calligraphy, perhaps Chinese or Japanese ideograms, achieved with black brushstrokes, vertical or horizontal, in a context of subtle colors. often placed in segments, divided by a horizon of dark premonitions. He sometimes includes an interesting suggestion of crumpled paper, in contrast with the density of thick bands, chromatic spurts and sprinklings, although he also experiments with crisscrossed textures ending in blurred borders or bristling with barbs that project a feeling of dramatic forebodings. The titles of some of his works, Big Bang or Memories, suggest a genesis of great explosions of physical creation, or memories from his personal life, that refer to symbols of joys or sadness, or, to quote Kline, Otero “paints experiences”. In this sense, his art is autobiographical, and in a way suggests a metaphor, where luminous and gesturing colors represent vital hope, while black appears as the emissary of crucial and uncertain moments in an existence. His paintings, then, have the rare quality to achieve ambiguity, the polysemy that is only achieved by works that emerge from the deep unconscious, to reflect the feelings of humankind at the crossroads of life.

M A R C O

O T E R O :

Sabiduría de la libertad P O R

J .

M .

T A V E R N A

I R I G O Y E N

Marco Otero no es un pintor matérico, como tampoco puede ubicárselo dentro de la gestualidad.Su abstracción informalista lo revela, ante todo, como un artista sensible a los colores de vital desplazamiento. Su paleta de azules tímbricos, de rojos restallantes, de blancos que se desprenden del soporte y negros que agitan la convulsión de órdenes internos, es una paleta que carga la energía del plano y la proyecta perceptualmente. El mismo está dentro del cuadro (como proponía Pollock) y va ensamblando las fuerzas subjetivas de ritmos, de dinámicas matéricas, de contrapuntos expresionistas. En tal presupuesto, su pintura goza -más allá de las auras de Motherwell, de Fautrier, de de Kooning, Wols y Kline- de esa sabiduría plena y a la vez inquietante que es la libertad. La mancha y el gesto, la linealidad y el signo, el dreaping y el vacío, distribuyen su idealidad de fuerzas sobre un plano de grandes dimensiones. Porque sus obras (tanto los dípticos y trípticos, como las unitarias) se ofrecen como dilatados espacios cromáticos en los que los colores están en práctica ebullición. Así lo muestra y de-muestra en la notable exposición de cincuenta pinturas, que ocupa seis grandes salas del Museo Provincial Rosa Galisteo de Rodríguez, de Santa Fe. Obra reciente, del último lustro, se exhiben planteos que, por sobre una severa coherencia integradora, proponen sin embargo la persitencia de la investigación. De pronto, el plano fractura su ortodoxia y asume la irregularidad en sus proporciones. Otras veces, collages de metal o de madera, penetran la sacralidad del rectángulo y sugieren una secreta connivencia. Y en otras, el expresionismo abstracto (caso de "Tormentoso", pinturas de la serie "Magmas", o de la nominada "Elementos") puede conducir al ojo a la asociación de paisajes u otras intertextualidades. En cada caso, la abstracción de Marco Otero está indisolublemente ligada a la potencialidad cromática, al despliegue de toques negros que inscriben violentas dinámicas, al goce casi sensual de una materia tocable. Después de años de residencia en Paris, su reenncuenntro argentino lo muestra en una etapa de plenitud, de vitalidad conceptiva, de libre pensamiento artístico. MARCO OTERO: THE WISDOM OF FREEDOM by J. M. Taverna Irigoyen Marco Otero is not a matter-oriented painter, nor can he be defined as gesture-oriented. His informal abstraction reveals him primarily as an artist sensitive to the vital displacement of colors. His palette of nuanced blues, vibrant reds, whites that fly away from the canvas and blacks that agitate the convulsions of inner order, is a palette that loads the plane with energy and projects it towards perceptions. He is himself within the painting (as proposed by Pollock) and he gradually assembles the subjective forces of rhythms, of dynamic matters, of expressionistic counterpoints. From such a postulation, his paintings radiate –beyond the auras of Motherwell, Fautrier, de Kooning, Wols and Kline– the full-blown, but also unsettling, wisdom of freedom. The stain and the gesture, linearity and signs, drippings and voids, all distribute his ideality of forces on a large plane. Because his works (his diptychs and triptychs but also his single unit paintings) offer themselves as dilated chromatic spaces, where colors are practically boiling. This is revealed and demonstrated in his outstanding exhibition of fifty paintings, that occupies the six large rooms of the Provincial Museum Rosa Galisteo de Rodríguez, in Santa Fe. These recent works, from the last five years, include some paintings that, beyond their integrating coherence, nevertheless suggest the persistence of investigation. Abruptly, the plane fractures all orthodoxy and assumes irregular proportions. At times, metal or wooden collages infringe the sacredness of the rectangle and suggest a secret connivance. In still other cases, as in "Tormentoso" [Stormy], or in the series called “Magmas" and the one entitled "Elements", abstract expressionism can steer our eyes to associations with landscapes or other inter-textual connections. In every case, Marco Otero’s abstraction is indissolubly linked to his chromatic potential, to the deployment of black touches that inscribe violent dynamics, to the almost sensual enjoyment of a touchable substance. After years of living in Paris, his Argentine reunion shows him at a stage of plenitude, conceptual vitality and freedom of his artistic inspiration.

a obra de Marco Otero es el reflejo de un arte manifiesto y expresado sin ocultamientos ni sofisticadas técnicas, que él como excelente alquimista de su oficio, bien podría hacer. Ella es la presencia transparente de un artista que goza pintando, hasta el extremo de tener que sugerirle que hiciera un espacio al silencio visual. Pero cabeza dura, él crea su silencio trabajando. Lo atestiguan sus propias palabras: "Solo rne queda, como el tiburón, nadar para mantenerme vivo". Sus gestos son libres, espontáneos y aleatorios. Un trazo expresivo sigue a los otros, sin dudas, ni retórica formal, ni cromática. Nada es matemático pero en su aparente caos informal hay una perfección poética que nos remite al "saber original". Marco Otero no es esclavo del espacio ni de las formas. Sus obras planas ó tridimensionales palpitan libertad. Una libertad que no es el producto extremo de un razonamiento conceptual. Y no lefaltarían argumentos para ese saber, ¡ es arquitecto!!

Entre la asunción volitiva y existencial nace el gesto. Pero un gesto vital siempre late. Por ello difiero cuando en uno de sus escritos dice: "los míos son gestos congelados". El gesto es espíritu en expansión, es poesía. Contrariamente al ademán que sí nace congelado. El gestó acaricia sacralmente, el ademán adocenado lastima y es manifestación de los estereotipado y profano. Aunque la obra de Marco Otero esté contenida entre bastidores o limitada espacialmente, liberará siempre el hacer existencial donde palpita con todo vigor eP'vivir sintiendo". En Otero el espacio pareciera dilatarse visualmente creando un virtualismo fuera del campo plástico de encierro. Su hacer, aún diferenciado, camina paralelamente al del chino Zao-wao-ki y a al de los españoles Cuixart, Millares, Tapies, Guinovart y Clavé. También con el de los japoneses del Grupo Gutai, en especial Jiro Joshihara y con el de los nuestros Kemble y Kasuya Sakai. Pero ellos solo son lejanos compañeros de un sincrónico andar que enaltece su obra. Su expresionismo abstracto, lírico, gestual y poético encierra al igual que libera, la anquilosada imaginación historicista. Razón tiene este artista cuando sostiene que él nada tiene que ver con la escritura oriental. Los Kanji, Hiragana y Katakana cuando emergen de la tela o el papel llevan consigo un poema, un axioma, una máxima, una metáfora o un refrán, bellamente hermoso, sujetos a ese decir: "Busco algo sin saber exactamente qué" (Otero). Él intuye que las imágenes están allí, invisibles, latentes, expectantes, aguardando ingresar a la vida en el impromptu expresivo de su creador.Se lanza a este espacio vacío de formas conceptuales, de estructuras clonizadas, de oficios muertos, de temas "puntuales" y su hacer nace entonces musicalmente, aleatoriamente libre en una obra lírica, revelada y creada por un artista que deja impreso en cada una de sus obras la huella del amor y la alegría de la vida asumida en cada instante. Frente a ella tenemos la posibilidad de percibir (y más allá de nuestra carga existencial) que al recorrerlas vamos cambiando y entrando sutilmente en una vibración interna. Marco Otero nos deja señalado el camino invisible del "goce estético". Ante tanta grandeza solo resta participar y agradecer.

César López Osornio DIRECTOR GENERAL MACLA MUSEO DE ARTE CONTEMPORÁNEO LATINO AMERICANO

he works of Marco Otero are the reflection of an art which is manifest and openly expressed, without attempts at hiding anything or at sophisticated techniques, to which he might resort, as an excellent alchemist of his craft. His work reflects the transparent presence of an artist who is happy when he paints, to the point of suggesting he needs to make space for visual silence. But hard-headed as always, he creates his silence by working. He proves it in his own words: "All I can do is to swim like the shark, to keep alive". His gestures are free, spontaneous and random. One expressive brushstroke follows the other, with no doubts, no formal rhetoric, and no chromatics. Nothing is mathematical but in his apparent informal chaos there is a poetic perfection that refers us to the “original knowledge”. Marco Otero is neither a slave of time nor of shapes. Both his flat and 3D works project freedom: a freedom that is not the ultimate pro-

duct of a conceptual rationale. And yet, he might well have arguments to use reason: he is an architect!! The gesture is born between the willful and the existential assumption. But a vital gesture always has a heartbeat. That is why I disagree when he writes: “my paintings are frozen gestures”. A gesture is an expansion of the spirit, it is poetry, it is not like the attitude, which is born frozen. The gesture caresses in a sacred manner, the common attitude hurts and is a manifestation of the stereotyped and the profane. Even though the works of Marco Otero are contained into a frame, or limited in space, they will always emanate existential being, with its vigorous heartbeat of “living by feeling”. In Otero’s work, space seems to dilate visually, thus creating a virtual field beyond the confining plastic sphere. His style, even if different, is parallel to the path of China’s Zao-wao-ki and Spain’s Cuixart, Millares, Tapies and Clavé. There is also an echo of Japan’s Gutai Group, in particular Jiro Joshihara and also of Argentines Kemble and Kasuya Sakai. But they are only distant comrades in a synchronic journey that enhances his work. His abstract expressionism, lyrical, in movement and poetic, both confines and releases the ankylosis of historicist imagination. He is right when he states that he has no kinship to oriental calligraphy. When Kanji, Hiragana and Katakana emerge from the canvas or the paper, they carry with them a poem, an axiom, a maxim, a metaphor or a proverb gorgeously beautiful, linked to the saying: “I look for something without knowing exactly what” (Otero). He senses that the images are there, invisible, latent, expectant, waiting to enter life in the expressive impromptu of their creator. He soars into this space, empty of conceptual shapes, of cloned structures, of dead crafts, of “specific” issues, and his art then emerges musically, randomly free, to become a lyric work, revealed and created by an artist who leaves on each one of his works the trace of love and of the joy of living ceaselessly felt. When facing his paintings, we have the possibility to perceive (beyond our existential burden) that as we view them, we gradually change and enter into a subtle state of inner vibration. Marco Otero shows us the invisible path to “esthetic joy”. When faced with such greatness, all we can do is to participate and be thankful.

César López Osornio DIRECTOR GENERAL MACLA MUSEO DE ARTE CONTEMPORÁNEO LATINO AMERICANO

EXPERIENCIA

DEL

ARTE

Marco Otero, pintor, escultor y arquitecto, comenzó a exponer en 1960 en Buenos Aires; eran los años de mayor despliegue de la poética del informalismo. Luego, afincado en Caracas, Venezuela, volvió a mostrar sus trabajos en 1975; siempre en la misma ciudad siguió exhibiendo sus pinturas hasta 1979. Ese mismo año se trasladó a París y expuso en el Salon d’Automme; permaneció en Francia durante un tiempo. Cuando retornó a Buenos Aires, luego de tan prolongada ausencia, era un desconocido y comenzó, cada vez con mayor asiduidad, a presentar su obra en exposiciones individuales y colectivas, en salones y ferias de arte. Otero es un artista que se caracteriza, entre otras cosas, por su capacidad para producir una obra en la que, más allá de los cambios formales, posee una coherencia inamovible de la identidad. Nunca hay amnesia o desistimiento frente a lo anterior. Su pintura, en particular, es siempre un ejercicio de libertad, con giros de audacia, con trazos enrevesados y a la vez con cuidada composición. El color aparece en sus telas como una luminosa eclosión, con articulaciones complejas, oculto en su esplendor por grandes trazados negros. En su producción más reciente, por cierto abundante, se suceden series como Papiros, Opus, Elementos, todas caracterizadas por el énfasis gestual, por las amplias grafías y, en algunos casos, por el cromatismo de fuertes contrastes. En Elementos, el marco de encierro adquiere el carácter del “marco recortado”, de manera que la forma (pintada) y el formato (soporte) actúan como partes activas de la composición. En 2003, Marco Otero expuso en el Centro Cultural Recoleta de Buenos Aires. Presentó la serie Magmas y algunas otras obras en la que se advierten rasgos permanentes y otros renovados: entre los primeros, la acostumbrada libertad, el refinamiento y la cuidada composición; entre los segundos, las gamas cromáticas saturadas y la materia heterodoxa, por momentos con la inclusión de resinas. Las obras de las últimas series reafirman el interés del artista por la estricta especificidad de lo pictórico y por el desarrollo de su poética –sin contradicciones- ligada a una abstracción lírica atemporal y a una organización espontánea pero sosegada de la imagen. No por ello abandona lo azaroso, lo accidental, lo inesperado que surge en el acto mismo de pintar. Abundan, además, los detalles semiocultos por veladuras de color, oscuras o iluminadas. Marco Otero, auténtico “homo faber”, trabaja también en el campo tridimensional de la escultura. En estas piezas abstractas se perciben como evidencias las tensiones internas y externas del volumen. Utiliza para estos trabajos chapa industrial, madera y otros elementos. Pero no son obras de montaje, sino construcciones en el espacio con elementos maleables, curvados, truncados, con cortes intencionados, con espacios abiertos o cerrados, con texturas. Todo está policromado con el mismo énfasis y con la misma libertad que caracterizan sus telas. La pintura y la escultura son dos vías imbricadas en la producción de Marco Otero. Ambas le ofrecen la posibilidad de ejercer su indagación práctica y artesanal; también son campos aptos para la especulación analítica y reflexiva. Sin duda, en las dos prácticas podrá ensayar muchas propuestas renovadas; con su acostumbrado talante experimental, es seguro que ya estará concibiendo alguna de ellas.

JORGE LÓPEZ ANAYA

THE

EXPERIENCE

ART

Marco Otero is a painter, a sculptor and an architect. He was first exhibited in 1960 in Buenos Aires, during the years when the poetics of informalism was at its peak. Later, while living in Caracas, Venezuela, he again showed his work between 1975 and 1979. On that year he moved to Paris, where his work was presented at the Salon d’Automne; he remained in France for a time, and on his return to Buenos Aires, after such a long absence, although he was a virtual unknown, he began to show his work increasingly often at individual and collective exhibitions, salons and art fairs. Otero is an artist characterized, among other things, by his capacity to produce work that, beyond formal changes, has an unmovable coherent identity. There is never amnesia or renouncement of what came before. In particular his paintings always are an exercise in freedom, with audacious features and convoluted strokes but nevertheless, a meticulous composition. Color appears in his canvasses as a luminous outburst, with complex relationships, its splendor hidden among large black strokes. In his most recent and copious production, we see a succession of series such as Papiros, Opus, Elementos, Magmas and Memorias all of them characterized by emphatic gestures, by ample graphics and, in some cases, by highly contrasting chromatics. In Elements, the surrounding frame acquires the nature of a “cut-out frame”, so that the painted form and the support format both act as active parts of the composition. In 2003, Marco Otero was exhibited at the Recoleta Cultural Center of Buenos Aires. He presented his series entitled Magmas and some other works where we can perceive some traits that remain permanent, while there is a renewal in others: among the first ones, we notice the usual freedom, the refinement and the careful composition; among the latter, saturated chromatic ranges and the heterodox material, which at times includes resins. Works in his most recent series reaffirm the artist’s interest in a strict specificity of pictorial art and the development of his poetics –with no contradictions- linked to a timeless lyrical abstraction and a spontaneous but serene organization of the image. And yet, he does not abandon the random, the accidental, the unexpected, which emerge from the act of painting itself. Moreover, there is an abundance of details, half hidden by veils of color, dark at times, luminous at other times. Marco Otero, an authentic “homo faber”, also works in the three-dimensional field of sculpture. In these abstract pieces, we perceive the evidence of internal and external tensions created by volume. For his sculptures, he uses industrial metal sheets, wood and other elements. But they are not montage works, but rather constructions in space, with malleable materials, curved, truncated, with intentional cuts, open or closed spaces, a variety of textures. The whole is polychromous, and possesses the same emphasis and the same freedom that characterize his paintings. Painting and sculpture are two intertwined pathways in Marco Otero’ production. Both offer him the possibility of exercising his investigation, of both a practical and artisan nature; they also are adequate fields for analytical and reflective speculation. Undoubtedly, both disciplines enable him to venture into many renewed proposals; with his usual experimental tendency, he is certainly already conceiving some of them.

JORGE LÓPEZ ANAYA

o r e t O o c r Ma

ecto / arquit e t n e c o o/d en贸graf c s e / r sculto ntor / e i p / 1 194 tina en n e g r A ca, 铆a Blan h a B n Naci贸 e

Was bo rn in 1 941 in Bahia B lanca, Argenti na / pa inter, / photogr apher / theatric al desig ner / te acher / archite ct

E X P O S I C I O N E S

2010 Galería Etra Fine Art, Miami, Florida USA. Mia Miami Art Fair, Miami, Florida USA. 2009 Galería Foro de Arte, Buenos Aires, Argentina Shanghái Art Fair, Latin American Master,China

Abu Dhabi. Cultural Fundation Emirates Palace, Emiratos Arabes Galeria Etra Fine Art. Miami. USA Consulado Argentino en New York. USA 2008 Galería Etra Fine Art. Miami. USA. Palacio Duhau-Park Hyatt. Buenos Aires. Argentina Shanghai Art Fair, Latin American Master,China Natan. Buenos Aires, Argentina Fería Arte Múltiplo, Palais de Glace. Buenos Aires, Argentina Galería Ars Duo. Pilar, Pcia de Buenos Aires, Argentina Galería Objeto A. Buenos Aires, Argentina Galería Armory Arte Contemporánea, Perugia , Italia ArteBa XVIII Feria de Arte Contemporáneo. Buenos Aires, Argentina Art Madrid. Salón Arte Moderno y Contemporáneo, Galería BEAUX ARTS. Usa Abu Dhabi. Cultural Fundation Emirates Palace, Emiratos Arabes Palm Beach Contemporary 3. Galería Extra Fine Art, Miami, Florida . USA 2007 Galería Contempo. Emiratos Arabes. Dubai Galería Chez Esteban, Artiste Contemporain d¨Amerique Latine. Paris Galería Extra Fine Art. Miami. USA Buenos Aires Foto 2007, Argentina Galería Jack-Philippe Ruellan , Carnac, Francia Expotrastiendas VII. Buenos Aires, Argentina Etra Fine Arts. Miami USA Feria de Arte Contemporáneo, Palm Beach, Florida, USA Galería Grillo, Punta del Este Republica Oriental de Uruguay

E X P O S I C I O N E S

2006 Etra Fine Arts Miami USA Expotrastiendas VI . Buenos Aires, Argentina Galería Jack-Philippe Ruellan , Vannes, Francia La Maison de L Amerique Latine, Paris, Francia

Galería Grillo, Punta del Este Republica Oriental de Uruguay 2005 Expotrastienda V . Buenos Aires, Argentina Arteba XIII Feria de Arte Contemporáneo. Buenos Aires, Argentina Galería Jorge Sory - Coral Gable, Miami, USA. Galería Etra Fne Art – Miami. USA Galeria Palatina, Buenos Aires, Argentina. III Bienal Paloma Alonso, Buenos Aires, Argentina. Museo Municipal de Arte Contemporáneo Latinoamericano de La Plata Macla, Argentina Museo Nacional de Bellas Artes, Buenos Aires, Argentina. 2004 Museo Municipal de Bellas Artes de Rafaela, Pcia de Santa Fe, Argentina Citibank Miami Beach , Miami USA Galería Akhrus Pcia de Santa Fe, Argentina ExpoTrastienda IV. Buenos Aires, Argentina Bolsa de Comercio de la Ciudad de Buenos Aires, Argentina. Expoantiquaria IV . Buenos Aires, Argentina ArteBa XIII Feria de Arte Contemporáneo. Buenos Aires, Argentina Salón Nacional de Artes Plásticas – Buenos Aires, Argentina. Feria de Arte – Museo Municipal de Arte Moderno de Mendoza, Argentina. XI Salao de Arte y Antiguidades de Sao Paulo – Brasil Homenaje a Paul Klee – Embajada de Suiza Buenos Aires. XXXIII Salón Nacional de Arte Sacro de Tandil Argentina. Museo Provincial de Bellas Artes Rosa Galisteo de Rodriguez Pcia. Santa Fe Galería Hoy en el Arte Pinamar, Pcia de Buenos Aires, Argentina.

E X P O S I C I O N E S

2003 Expotrastienda III, Buenos Aires, Argentina. Centro Cultural Recoleta. Buenos Aires, Argentina Galería VYP, Argentina. Buenos Aires, Argentina.

ArteBA XII Feria de Arte Contemporáneo, Buenos Aires Argentina. Galería Praxis Internacional Santiago, Chile. 2002 Galería VYP. Buenos Aires, Argentina. Salón Nacional de Artes Plásticas. Buenos Aires, Argentina. Expotrastiendas II, Centro Cultural Borges. Buenos Aires, Argentina Galería Hoy en el Arte. Buenos Aires, Argentina ArteBA - XI Feria de Arte Contemporáneo. Buenos Aires, Argentina 2001 Bienal Arte de Sacro Universidad Católica del Salvador, Argentina IV Bienal de Pintura, Paloma Alonso, Galería Hoy en el Arte. Argentina Galería Espacio Acevedo, Madrid. España Kenneth Raymond Gallery, Boca Raton P. Beach, Florida U.S.A Universidad Nac. de Córdoba, Inst. de Ext. Universitaria, Argentina. Salas Nacionales de Cultura , Palais de Glace. Buenos Aires, Argentina 2000 Salón Nacional de Artes Plásticas. Buenos Aires, Argentina 6ta Bienal de la Universidad de Morón. Pcia de Bs As, Argentina Salón Casella, III Edición Italia-Argentina 1era Bienal de Pintura Holliday Inn Cuix Art. Córdoba, Argentina 1996 Cámara de Comercio de Bahia Blanca.Pcia de Bs As, Argentina 1984 Galería Palatina. Buenos Aires, Argentina 1983 Universidad de Belgrano. Buenos Aires, Argentina 1982 Universidad de Belgrano. Buenos Aires, Argentina

E X P O S I C I O N E S

1981 Galería Praxis. Buenos Aires, Argentina 1980 Galería Rodrigo Carmona. Buenos Aires, Argentina

III Bienal de Pintores Arquitectos. Buenos Aires, Argentina 1979 Salón Nacional de Artes Plásticas. Buenos Aires, Argentina Institut Audio Visuel. Paris, Francia. 1979 Salón Grands et Jeunes D/Auodhui. Paris, Francia. 1978 Salón D/ Automme. París, Francia Galería 7/7. Caracas, Venezuela 1978 II Salón de Artistas Jóvenes de Estudio Fecha. Venezuela 1977 Salón de Arte Fondane. Isla Margarita, Venezuela Salón Arturo Michelena. Caracas, Venezuela 1977 Galería Euroamericana. Caracas, Venezuela 1977 Salón Artistas Jóvenes. Caracas, Venezuela 1976 Salón Armando Reverón. Caracas, Venezuela 1975 Salón C.A.V.N. Caracas, Venezuela 1960 Galería Rousseau. Buenos Aires, Argentina.

PREMIOS OBTENIDOS O

1960 Premio Galería Rousseau, Buenos Aires, Argentina 1977 Primer Premio María Guevara, Caracas 1979 Premio Fondene, Venezuela - 1978: Premio Francisco de Miranda, Caracas Venezuela 1979 XXXVI Salón de Artes Plásticas Arturo Michelena Venezuela 1979 Premio de Escultura nueva Esparta Venezuela 1980 Primer Premio “III Bienal de Pintores Arquitectos”. Buenos Aires, Argentina 1996 Tercer Premio de la Cámara de Comercio de Bahía Blanca, Pcia de Bs As, Argentina 2001 Mención Premio IV Bienal de Pintura Paloma Alonso. Buenos Aires, Argentina 2004 Mención de Honor Universidad de Morón 8º Bienal de Pintura Pcia. Bs As, Argentina 2007 Seleccionado y publicado por Photo Francia.

COLECCIONES PUBLICAS Y PRIVADAS P U B L I C

A N D

P R I V A T E

C O L L E C T I O N S

Museo de Escultura Narváez.Venezuela. Colección Universidad de Belgrano. Buenos Aires, Argentina Museo Provincial de Bellas Artes Dr. Genaro Pérez. Córdoba-, Argentina. Museo Municipal de Bellas Artes . Bs. As. Eduardo Sívori. Buenos Aires, Argentina Ministerio de Educación. Patrimonio Ministerio de Relaciones Exteriores. Cancillería Argentina Museo Municipal de Bellas Artes de Tandil, Argentina. Museo Provincial de Bellas Artes Rosa Galisteo de Rodríguez Santa Fe, Argentina Museo Nacional de Bellas Artes Buenos Aires. Argentina Museo Municipal de Bellas Artes de Rafaela Santa Fe, Argentina Universidad Nacional de San Luis, Argentina, Museo Provincial de Arte Contemporáneo Latinoamericano de La Plata ( Macla).Argentina. Pulitzer Collection USA

PAG 17 ELEMENTOS 2 MIXTA S. TELA 88X130 CM (34.6 X 51.2 INCH) 2003

PAG 18

PAG 19

ELEMENTOS 14 MIXTA S. TELA 172X137 CM (67.7 X 53.9 INCH) 2003

ELEMENTOS 5 MIXTA S. TELA 120X89 CM (47.2 X 35 INCH) 2003

PAG 20

PAG 21

PAG 23

ELEMENTOS 4 MIXTA S. TELA 152X180 CM (59.8 X 70.8 INCH) 2003

ELEMENTOS 13 MIXTA S. TELA 158X180 CM (62.2 X 70.8 INCH) 2003

ELEMENTOS 10 MIXTA S. AGLOMERADO 83X130 CM (32.6 X 51.1 INCH) 2003

OPUS 213 mixta s. tela 100x130 cm (39.4x 51.2 inch) 2009

PAG.29 IZQ PAG.29 DER

PAG.28 IZQ PAG.28 DER

OPUS 200 mixta s. tela 140x170cm (55x70 inch) 2008

OPUS 206 mixta s. tela 95x110 cm (37.4x 43.3 inch) 2008

PAG.30 OPUS 19 mixta s. tela 110x140 cm (43.3 x 50 inch) 2004

OPUS 118 mixta s. tela 120x110 cm (47.2 x 43.3 inch) 2004

80 mixta s. tela PAG.31 OPUS 110x200 cm (43.3 x 78.7 inch) 2004 119 mixta s. tela 195 OPUS 153 mixta s. tela 150x200 cm PAG.32 OPUS x195 (76.7 x 76.7 inch) 2004 PAG.33 (59 x 78.7 inch) 2006

PAG.34 IZQ

PAG.34 DER

PAG.35

PAG.36

OPUS 148 mixta s. tela 95x113 cm (37.4 x 44.4 inch) 2006

OPUS 210 mixta s. tela 95x130 cm (37.4 x 51.18 inch) 2008

OPUS 174 mixta s. tela 150 x210cm (59 x 82.6 inch) 2007

OPUS 125 mixta s. tela 200x150 cm (78.7 x 59 inch) 2004

PAG.37

PAGS.38 -39

OPUS 167 mixta s. tela 150x200 cm (59 x 79 inch) 2007

OPUS 156 (DIPTICO) mixta s. tela 150x390 cm (59 x 153.3 inch) 2006

PAG.41 ARR.

OPUS 227 mixta s. tela 120x120 cm (47.2x47.2 inch) 2 0 0 9

OPUS tela (80.7 2

OPUS 204 mixta s. tela 150x150 cm (59 x 59 inch) 2 0 0 8

127 mixta s. 205x147 cm x 57.8 inch) 0 0 5

PAG.40 IZQ ARRIBA PAG.40 DER. ARRIBA

PAG.40 DER. ABAJO OPUS 181 mixta s. tela 185x115cm (72.8 x 45.2 inch) 2 0 0 7

OPUS 128 mixta s. tela 200x140 cm (78.7 x 59 inch) 2 0 0 4

OPUS 190 mixta s. tela 125x190 cm (49.2 x 74.8 inch) 2 0 0 7

PAG.41 ABAJ.

PAG.40 IZQ ABAJO

PAG 48 MEMORIAS 12 acrílico s. tela 145x195 cm (57 x 76.7 inch) 2004

PAG 49 MEMORIAS 19 ( díptico) acrílico s. tela 200x300 cm (78.7 x 118 inch) 2004

PAG 50 IZQ

PAG 50 DER MEMORIAS 136 acrílico s. tela 130x95 cm (51.2 x 37.4 inch) 2009

PAG 52 MEMORIAS 109 ( díptico) acrílico s. tela 200x300cm (78.7 x 118 inch) 2007

MEMORIAS 36 acrílico s. tela 160x125 (62.9 x 49.2 inch) 2005

MEMORIAS 11 acrílico s. tela 195x195cm (76.7 x 76.7 inch) 2004

PAG 53 DER

MEMORIAS 100 acrílico s. tela 220x165 cm (86.6 x 65 inch) 2007

PAG 51

MEMORIAS 33 acrílico s. tela 196x145 cm (77 x 57 inch) 2005

PAG 47 DER

PAG 47 IZQ

MEMORIAS 135 acrílico s. tela 95x130 cm (37.4 x 51.2 inch) 2009

PAG 53 IZQ

PAG 46

PAG 54-55

PAG 45

MEMORIAS 126 acrílico s. tela 140x170 (55 x 67 inch) 2008

MEMORIAS 137 acrílico s. tela 95x130cm (37.4 x 51.2 inch) 2009

MEMORIAS 102 acrílico s. tela 120x100 (47.2x39.4inch) 2007

MEMORIAS 116 (díptico) acrílico s. tela 150x400cm (59 x 157.4 inch) 2008

PAG 62 PAG 59

PAG 61

DNA 22 mixta s. tela 142x97cm (55.9 x 38.1 inch) 2008

DNA 24 mixta s. tela 184x178cm (72.4 x 70 inch) 2008

DNA 17 mixta s .tela 200x141 cm (78.7 x 55.5 inch) 2007

PAG 63 DNA 31 mixta s. tela 200x153 cm ( 78.7 x 60.3 inch) 2008

PAG 60 DNA 15 mixta s. tela 139x200cm (54.7 x 79 inch) 2007

PAG 64

PAG 65

DNA 29 mixta s. tela 76x105 cm ( 29.9 x 41.3 inch) 2008

DNA 6 mixta s tela 150x200cm (59 x 78.7 inch) 200

PAG 66

PAG 67

DNA 12 mixta s. tela 121x61cm (47.6 x 24 inch) 2007

DNA 35 mixta s. tela 194x144 cm (76.3 x 56.6 inch) 2008

Impresión y encuadernación: Grupo Maori S.A. Av. Mitre 3027 (B1606 DEB) Munro Pcia. de Buenos Aires, Argentina. Tel/Fax: 4762-0300 info@grupomaori.com www.grupomaori.com

Otero, Marco Marco Otero : by Marco Otero . - 1a ed. - Munro : Grupo Maori , 2010. 96 p. ; 30x22 cm. ISBN 978-987-25710-1-6 1. Otero Marco Obra Artística. I. Título CDD 700.92 Fecha de catalogación: 15/04/2010

Hecho el depósito que marca la ley 11.723 Prohibida su reproducción total o parcial, sin la autorización del autor. Este libro se terminó de imprimir en Buenos Aires, Argentina en los talleres gráficos de Grupo Maorí S.A. en abril de 2010.

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