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ACTITUD REBELDE
Nacida en la CDMX, Pita Amor fue la menor de siete hermanos. Falleció el 8 de mayo del 2000.
ESTE AÑO SE RECUERDAN 25 AÑOS DE LA MUERTE DE PITA AMOR, LA MUJER
EXTRAVAGANTE, HERMOSA MODELO Y POLÉMICA HACEDORA DE VERSOS
Por Azaneth Cruz azaneth.cruz@elheraldodemexico.com
Comenzó a escribir tarde, a los 27 años, pero sus versos lograron conquistar la literatura nacional. A un cuarto de siglo de la muerte de Guadalupe Amor (1918-2000), más conocida como Pita, su legado y su memoria continúan brillando con fuerza, resonando en las letras mexicanas. Mientras que sus versos, afilados como cuchillos y dulces como veneno, siguen anidando en los recovecos del alma. Autora de más de una treintena de libros, entre ellos Yo soy mi propia casa, Polvo y Décimas a Dios, su obra no sólo atestigua la grandeza de su escritura, sino también la huella imborrable de una mujer que nunca temió mostrar tanto su dolor como su alegría. Fue considerada una escritora de fuerza indomable, que vivió y escribió con una intensidad rara, difícil de encontrar.
El escritor Michael K. Schuessler, quien le dedicó el libro La undécima musa, la describe como una pluma afilada que desató una revolución literaria y que desafió las convenciones de su tiempo, ya que, su feroz independencia la convirtió en una mujer amada pero incomprendida, que se atrevió a ser diferente, con una excentricidad que se convirtió en su sello personal y en un escudo frente a las adversidades de la vida.
Pita incursionó tempranamente en el cine y en el teatro, disciplinas que, al igual que su pasión por la poesía, fueron influenciadas por figuras literarias como Francisco de Quevedo, Luis de Góngora y Sor Juana Inés de la Cruz, cuyo trabajo le recordaba que la poesía no sólo se escribe, sino que debe vivirse con todo el ser.
Hasta la fecha, sus obras, sus versos, constituyen una audaz defensa de ella misma y de su arte, ya que, con brillante lucidez, la poeta se reafirmó ante los fuertes ataques de quienes, dentro del ámbito intelectual dudaban de que una mujer joven, bella y extravagante como ella, pudiera escribir los poemas que publicaba.
Además de ser escritora, Guadalupe Amor
Desde muy joven incursionó como actriz en el cine y el teatro, antes que en la literatura.
Se distinguió por su personalidad avasalladora, en ninguna circunstancia se dejaba dominar por nadie.
EXCÉNTRICA.
Pita Amor fue conocida como la undécima musa. Foto: especial.
también fue actriz y musa de fotógrafos y pintores destacados como Diego Rivera, Juan Soriano y Raúl Anguiano, así como amiga de personalidades como Frida Kahlo, María Félix, Gabriela Mistral, Salvador Novo, Pablo Picasso, Juan Rulfo, Alfonso Reyes y Elena Garro, de quienes aprendió el valor de la amistad, la locura y la certeza.
Sin embargo, tras la pérdida de su hijo Manuelito, su poesía perdió el fulgor inicial, y muchos de sus libros pasaron desapercibidos en su tiempo. A pesar de ello, su obra logró fusionarse con el arte, dando lugar a una producción llena de belleza y reflexión que sigue siendo un testimonio de su genio literario. El duelo significó autoimponerse el silencio. Durante más de un lustro, la voz de Pita cesó, pero la ebullición poética continuó y en 1966 aparecieron Como reina de barajas y Fuga de negras, que se sumaron a los diez poemarios que ya había publicado.
La
poeta
ETERNA
• Redacción ¦ Top 5
LA VIDA
ES TEATRO
ESTA ES UNA SELECCIÓN DE LIBROS SOBRE EL ARTE ESCÉNICO NACIONAL E INTERNACIONAL. DESTACAN AUTORES QUE HAN ESTABLECIDO LAS FORMAS DEL QUEHACER ACTORAL QUE CONOCEMOS AL DÍA DE HOY, ASÍ COMO LA HISTORIA DE LA ESCENA EN MÉXICO
HISTORIA MÍNIMA DEL TEATRO EN MÉXICO
EDUARDO CONTRERAS SOTO EL COLEGIO DE MÉXICO
● En esta obra se siguen las huellas del teatro a través de tres dimensiones: la historia de los actores, de las compañías teatrales y de la actuación; la de los dramaturgos, los directores y sus obras; y la de los espacios teatrales y de la escenografía. Toda esta riqueza se ha sintetizado para los interesados en el tema.
EL ARTE ESCÉNICO KONSTANTIN STANISLAVSKI SIGLO XXI
● Konstantin Stanislavski, figura fundamental del teatro mundial, revolucionó el arte de la actuación Este volumne reúne los 30 capítulos de su texto Sistema y métodos del arte creador. Además, incluye un ensayo sobre la ética teatral y otro sobre el rol que cumplía la improvisación en la producción escénica del actor y director de escena ruso.
Redacción cupula@elheraldodemexico.com
TIEMPO DE MUJERES EN EL TEATRO
MEXICANO DEL SIGLO XXI
ESTELA LEÑERO FRANCO UNIVERSIDAD AUTÓNOMA DE NUEVO LEÓN
● La valiosa —y poco conocida— aportación de las mujeres a los distintos lenguajes del teatro, esencialmente en México, se recoge en las páginas escritas por Estela Leñero Franco, quien comparte y da testimonio de las hazañas y acciones realizadas en los siglos XX y XXI por las teatreras, quienes desde su especialidad han sido y son el sustento, soporte y riqueza de la escena. Dramaturga, crítica, maestra, conductora y periodista, la autora pone al alcance un mapa conformado por diversos textos de investigación, ponencias internacionales, y artículos publicados entre el 2000 y 2022 en diversos medios.
HACIA UN TEATRO POBRE JERZY GROTOWSKI SIGLO XXI
● Nadie, desde Stanislavski, ha investigado la naturaleza de la actuación, su fenómeno, su significado, la ciencia y naturaleza de sus procesos mentales físicos y emocionales tan profunda y completamente como Grotowski. Su teatro, al que llama laboratorio, es un instituto consagrado a la investigación del dominio del arte teatral
TEATRO COMPLETO I Y II VICENTE LEÑERO FONDO DE CULTURAL ECONÓMICA
● El primer volumen reúne 12 piezas teatrales de Vicente Leñero, desde Pueblo rechazado hasta ¡Pelearán diez rounds!, y abarca los primeros 17 años de creación de este autor imprescindible en el género de la dramaturgia El segundo compila 11 piezas teatrales, abarcando igual número de años de producción literaria, de 1986 a 1997.
ESCRIBIR CON LUZ
#OPINIÓN
LEE MILLER: AL OTRO LADO DEL ESPEJO
CYNTHIA MILEVA
@cynthiamileva
LA PELÍCULA QUE ABORDA LA VIDA DE LA FOTOPERIODISTA DE GUERRA CONFRONTA DOS CARAS: LA DE LA BELLEZA Y LA DEL HORROR
En mi artículo anterior recomendé una lista de libros de fotoperiodismo bélico con la advertencia de la gran cantidad que existe y que, aunque lacrimosos, son de alto impacto por su capacidad evocadora de momentos dantescos. Estos días el tema vuelve a colación con la adaptación cinematográfica del libro de Antony Penrose, hijo de la fotógrafa, con el titulo original The Lives of Lee Miller Entre palomitas y tirones de la crítica, la película en streaming, Lee Miller. Retratos de una guerra es una biopic dirigida por Ellen Kuras y protagonizada por Kate Winslet. Con una exitosa carrera en el modelaje, un día Lee decide colgarse al pecho una cámara Rolleiflex, cruzar de continente y cambiar su rumbo. Atraída por las tendencias parisinas, en su etapa temprana capturó escenas surrealistas bajo la tutela de Man Ray, con quien sostuvo una relación y de cuya influencia se habla poco -como ha pasado con otras parejas a la sombra de la fama-. Luego de años con una madurez visual y un montón de decisiones difíciles, es enviada como corresponsal de guerra, donde documentó la crueldad de los campos de concentración y la vida en los límites de la violencia, periodo en el que surge su famosa imagen en la bañera de Hitler.
MILLER ROMPIÓ ATADURAS DE SU ÉPOCA, DE SU GÉNERO Y DE SU PROPIA CURIOSIDAD
La fascinante historia de Lee Miller es la de una mujer que rompió ataduras de su época, de género y de su propia curiosidad creativa. Su tenacidad la llevó de ser un bello rostro frente a la cámara, a ser el ojo activo detrás del visor, pero también de moverse destacadamente entre géneros fotográficos tan dispares como el artístico, el publicitario y el fotoperiodismo de guerra, que no es poca cosa. Aunque la crítica ha sido dura con ella, la película vale la inversión del tiempo por sumarle al coleccionismo de la cultura fotográfica, por conocer los dos lados del mismo espejo: el de la belleza y el del horror, a través de la mirada de una fotógrafa hoy revisada.
DURANTE EL ANUNCIO DE LA PRÓXIMA PUESTA EN ESCENA DE MISANTROPÍAS , EL AUTOR REFLEXIONÓ SOBRE LAS APORTACIONES DEL QUE CONSIDERA EL PRIMER DIRECTOR MODERNO DEL TEATRO NACIONAL
H15 AÑOS
Por Luis de Tavira ACTOR, DIRECTOR Y DRAMATURGO cupula@elheraldodemexico.com
Héctor Mendoza es el primer director moderno de México. Empezó siendo un dramaturgo precoz, vinculado al proyecto de crear una dramaturgia nacional en la impronta posterior a la búsqueda de una expresión cultural de lo mexicano Comenzó con una obra que hablaba de sus compañeros en la Escuela Nacional Preparatoria y tuvo un éxito rotundo: él tenía 18 años cuando escribió Las cosas simples
Fue, a su vez, arropado por los pioneros que buscaban la posibilidad de que existiera un teatro público en México. Su maestro, Celestino Gorostiza, fue quien lo estrenó, otro hombre de teatro al que tanto le debe la escena mexicana y el país.
Empezó como dramaturgo y la empresa, la iniciativa del teatro, lo fue llevando a esa crisis que vive el teatro mundial y de la que México no es ajena: el cambio de identidad y de concepción de la estética teatral —una vez que el teatro, que siempre se explica por su relación con la sociedad, tiene que cambiar su lugar en ella, lejos de seguir siendo considerado un arte ancillar a la literatura, en donde la actuación queda después y los directores son ilustradores de texto y los actores declamadores de texto—, en ese momento difícil, donde el teatro tiene que reubicarse, en México y el mundo, —porque está condenado a desaparecer después de la emergencia del cine y después de la televisión— regresa con una fuerza brutal a partir de la creación de las grandes vanguardias que emergieron al final de los 50 y los años 60, para redefinir el hecho teatral como la puesta en escena. Ese concepto moderniza al teatro en el mundo y, en México, supone un aliento poderosísimo de sobrevivencia al que le debemos la vitalidad del teatro, porque el teatro hoy está más vivo que nunca, si bien ha cambiado su lugar en la sociedad. Mendoza entra en el proceso de las grandes vanguardias a partir de una dialéctica fundamental que es volver a la tradición. No hay vanguardia si no hay apropiación de la tradición, esa tradición a la que se vuelve fue ese movimiento que se dio en la Universidad Nacional, que conocemos con el nombre de Poesía en Voz Alta, y que después llevó a Mendoza a crear ese prodigioso espectáculo absolutamente
renovador, hito en la teatralidad de nuestro país: el montaje de Don Gil de las calzas verdes de Tirso de Molina, en el Frontón Cerrado.
Ahí aparece ya, pues, el establecimiento del concepto de puesta en escena, cuyo ejercicio modernizará al teatro, pero que le exigirá cambiar la práctica del arte de la actuación, lo cual lo llevará becado a Yale, en donde conocerá el método Stanislavski; trabajará en la escuela de Strasberg, para volver a México y convertirse en el más importante maestro de actuación que ha dado este país en el último siglo. Maestro de los mejores actores y actrices que han llenado los cuadros del cine, la televisión y por supuesto el teatro. Pero Mendoza es también un hombre que procede siempre en este impulso de apropiación de la tradición para transformarla, no es un autor que monte los textos de la tradición buscando un imposible respeto, porque el teatro es en escena y no sabremos nunca, sabemos que sobrevivió el poema de Edipo, atribuido al poeta trágico Sófocles, pero no tenemos idea de quién fue el primer Edipo, no tenemos idea de cómo se actuaba; el teatro no es susceptible de ser historiografiado porque es el arte de la vida, de manera que una reconstrucción arqueológica de los textos de la tradición es una ilusión que el ejercicio de la modernidad cambió. Para montar el patrimonio universal de la tradición, a la que todos tenemos derecho porque es nuestra, es necesario el compromiso de la creación para escenificarlo y eso implica asumir la radicalidad de lo que es el teatro, que es pura actualidad. Ese ejercicio llevó a Mendoza continuamente a un diálogo con ciertos autores, empezando por Tirso, cuya escenificación supuso transformarlo y proponer una lectura totalmente apropiada y actual. Así renueva la estética, renueva el lenguaje, renueva las exigencias del arte. Es al mismo tiempo un caso excepcional en nuestra dramaturgia, tan pródiga en autores de piezas realistas o de melodramas y muchísimo de farsas. No se ha dado en nuestro teatro una poderosa dramaturgia de la comedia, no hay escritores de comedia en este país, con excepción brillantísima de Ibargüengoitia o de Héctor Mendoza. Mendoza es un comediógrafo maravilloso que nos pone enfrente la posibilidad de contemplarnos a la luz de ese realismo subvertido que es la comedia y que es cruel y despiadada, pero dentro del realismo y no de la tentación no realista, ya sea del melodrama o de la farsa, como se ha acostumbrado habitualmente, por eso su vuelta a ciertos autores de la comedia se vuelve entrañable.
MAESTRO HÉCTOR MENDOZA,
SINESTESIA
#OPINIÓN
CINE CON IMPACTO ESTOMACAL
TOMÁS LUJAMBIO
@tlujambiot
EN ENTREVISTA, EL DIRECTOR MICHEL FRANCO HABLA DE SU ÚLTIMA CINTA, MEMORY, DONDE APELA DIRECTAMENTE A LA SENSIBILIDAD
os años después de haber filmado, la última película de Michel Franco, Memory, llega a México con el sello distintivo del director mexicano. La obra explora el dolor como un trauma que invade a la memoria y trastoca en el afecto, tanto de una madre soltera como de un viudo con inicios de demencia. De esta forma, Franco postula la comunicación entre los dos protagonistas como el método ideal para reconstruir los huecos del recuerdo e integrar nuestro dolor en el presente sin perdernos en el intento. Esta entrevista ha sido editada para garantizar mayor claridad y fluidez en el texto.
Pregunta (P) Más allá de abordar la memoria como tema central, tu última película retrata la forma en que el dolor termina por afectar cómo nos relacionamos con nuestros recuerdos. Me interesa saber: ¿cómo llegó a ti esta idea?
Respuesta (R) . Lo primero que se me ocurrió es esta secuencia en donde ella va a la reunión escolar y el tipo la sigue hasta su casa sin decir nada, cosa que es bastante inquietante. Empecé a entender que ella no podía dejar atrás memorias traumáticas de su infancia y que él está tratando de no olvidar quién es. A partir de ahí, me pareció que las condiciones en las que se presentan estos personajes podrían detonar mucho de lo que mencionas. Creo que es terrible cuando la industria te obliga a resumir tu obra en una oración. Más bien, es al revés: el buen cine debe apreciarse de inicio a fin.
LA OBRA EXPLORA EL DOLOR COMO UN TRAUMA QUE INVADE A LA MEMORIA
P ¿A qué te inclinas más durante el proceso de filmación: a la sensibilidad o al intelecto?
R Cuando escribo cine, más que apelar al corazón o a la cabeza busco llegar al estómago del espectador. El cine que es únicamente intelectual me aburre mucho. Creo que lo que se recuerda de una película no es en qué te hizo pensar, sino en cómo te hizo sentir.
P. Me da la impresión de que el plano secuencia forma parte importante de la atmósfera cinematográfica que has logrado sedimentar con los años. ¿De dónde viene ese interés?
R Hay varios directores que recurren al plano secuencia precisamente porque permite que los actores, el guion y los movimientos de cámara sean los que narran la historia, en lugar de depender sólo del corte tras corte. Al final, creo que el plano secuencia permite que la relación con la cámara y la temporalidad del plano sean las que expresan las emociones.
P. En tu opinión, ¿cuál es la labor de un cineasta?
R. Bresson dijo que el cinematógrafo "no debería tener alma de ejecutante". Es decir, el proceso de filmación nunca debe de estar centrado únicamente en la ejecución. Hay que ir a crear, a escuchar, a hacer algo que esté vivo. El cine no debe ser un trabajo metódico, sino algo donde lo humano tenga más peso que la técnica. Lo que realmente se queda y se recuerda de una película no es solo en qué te hizo pensar, sino cómo te hizo sentir.
Comediógrafo
Es el caso de Misantropías, en donde se trata también de hacer un homenaje a Molière, a esa obra fundamental, quizá cúspide del gran Molière, sinónimo del teatro donde hace una cruel autoconfesión en una paradoja terrible, es decir, el hacedor de teatro siempre está impulsado por la más genuina filantropía, porque si no es filantropía lo que nos lleva a hacer teatro no se explica, el hombre de teatro, el filántropo por excelencia, el creador de la contemplación de lo que somos es él en lo personal: un hombre terriblemente misántropo, pero esa misantropía empieza con él mismo.
Es un hombre que se ubica ante el desafío de ir hasta las últimas consecuencias de lo que ha intentado plantear en su visión cómica del ser humano, y eso es el valor de la sinceridad. Pero ser sincero trae muchos problemas. El personaje de Misantropías, que es un retrato del propio Molière, es el retrato de un misántropo, de un hombre implacablemente sincero frente a ciertos valores con los que no piensa transigir y que son los de la justicia, que es patente, que no debe discutirse sino imponerse sola, porque aquello que se litiga y se gana a través de una ar-
ACTOS. 1. Montaje de Pascua. 2. Mendoza y Luis de Tavira en la sede de la Compañía Nacional de Teatro. 3. El maestro, dramaturgo y director. 4. Durante su sepelio, en diciembre de 2010. Fotos: Cuartoscuro, INBAL.
gumentación es otra cosa y no lo que es palmariamente la justicia. También los valores en donde no transigirá nunca son los del valor estético ¿en dónde está el valor estético?, ¿en dónde está eso que llamamos el enigma del talento? y, ¿cuál es el elemento fundamental del criterio frente a ello? En ello también se mostrará implacable ante sus convicciones de lo que es el valor artístico. Finalmente esto queda envuelto en otro enigma humano tremendo: las relaciones con quienes se hace el teatro. El teatro se hace con cómplices, el teatro se hace con personas con las cuales se establecen relaciones enormemente entrañables, peligrosas, a veces promiscuas, en donde queda exhibida una de las funciones de las que Mendoza fue más perspicaz, y que reencuentra en Molière, la de la inconstancia del corazón. El corazón frente a la pasión erótica que llamamos amor es profundamente inconstante, ahí está el dilema brutal de esto que nadie elige y luego se convierte en decisión de un acto libre, y que tiene que ver con el enigma de lo que llamamos el amor o la pasión del amor, que fue un tema que Mendoza trató repetidas veces en varias de sus obras. Aquí hay un homenaje al teatro, un homenaje a los actores, un homenaje a Molière, un homenaje a la sinceridad, y también un maravilloso homenaje a este hombre de teatro que ha sido Héctor Mendoza, a quien todos tanto le debemos y que ojalá consigamos sintonizar con ese extraño sentido de lo humano que percibió su teatro.
• Azaneth Cruz ¦ Arte emergente
Encarna la
MEMORIA
LA OBRA DE ELENA MANERO ES UNA EXPLORACIÓN PERSONAL Y COLECTIVA
QUE SE CONECTA CON LO FAMILIAR; CON SUS LIENZOS CUESTIONA LA FORMA EN QUE SE MOLDEA LA IDENTIDAD
Por Azaneth Cruz azaneth.cruz@elheraldodemexico.com
ARTISTA. La autora y una de las piezas de la exposición Proyecciones de la memoria inaprensible. Fotos: cortesía.
La artista visual Elena Manero (Ciudad de México, 1990) centra su obra en su propio archivo fotográfico familiar, investigando la conexión entre el cuerpo, la memoria y las imágenes, profundizando así en cómo las personas registran, documentan y comparten sus historias a lo largo del tiempo.
En entrevista, la también ilustradora contó que siempre ha estado inmersa en el arte, gracias a su abuela,
MÁS DE ELLA
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quien pintó toda su vida, creando una conexión que le permitió comprender que la identidad no es un concepto únicamente personal sino también colectivo y que, además, “influye en la construcción de lo que somos”.
“Mi obra nace de una inquietud al preguntarme quiénes somos, cómo nos formamos y cómo se moldea la identidad a partir de la interacción sociocultural, en un contexto determinado, pero también, al cuestionar los estereotipos y normas sociales, reconociendo que ésta no es estática, sino que evoluciona con el tiempo”, sostiene
En su más reciente trabajo, Proyecciones de la memoria inaprensible, exposición que permanece en la Galería Aldama Fine Art hasta el 28 de marzo, Manero presenta 33 piezas que incluyen tanto pinturas como monotipos “una técnica de grabado en la que sólo se puede obtener una copia única de cada imagen, lo cual, se relaciona simbólicamente con la memoria como un registro irrepetible”
En este proyecto, la artista digitaliza y edita fotografías familiares, que luego proyecta sobre modelos que sirven de lienzo, creando una interacción simbólica entre la memoria, el cuerpo y la historia, a través de la pintura. Además, cuestiona el proceso de recordar, olvidar y reconstruir el pasado.
“Mi trabajo es proceso de autoexploración, pero también una invitación para que los observadores reflexionen sobre su memoria, entendida en términos individuales y colectivos, y que comprendan cómo el pasado es esencial para conectarse con el presente y proyectar el futuro”, finalizó.
Con su obra la artista desafía el naturalismo pictórico, proponiendo una visión poética y metafórica de la realidad, donde la proyección actúa como una metáfora visual que corporeiza las memorias heredadas y la construcción de la identidad personal, a la vez que refleja un desplazamiento hacia el futuro. Así, la pintura le otorga cuerpo, textura y porosidad a cada imagen, encarnando la memoria.
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Elena Manero ha participado en numerosas exposiciones colectivas y espacios de relevancia como la Academia de San Carlos y la Fundación Sebastián. De manera individual, la artista presentó la muestra Orillas de lo invisible en el Museo de Antropología de Xalapa, Veracruz (2019), y Contingencias en la Artbug Gallery en Los Ángeles, California (2022).
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Su obra ha sido reconocida en residencias artísticas internacionales, como en la China Central Academy of Fine Arts en Beijing. Ha formado parte de más de 10 exposiciones individuales.
