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INDEX Historia del diseño

4-5

Varios diseñadores

6-13

Entrevista Andreas Preis

16-21

Entrevista Alex Troucht

22-27

Historia del diseño gráfico Luciano Moreno Entrevista a Andreas Grant Friedman Entrevista a Alex Graffica y M. Alejandra Guerra

HISTO RIA

DEL

DI SE ÑO

El ser humano ha tenido siempre la necesidad de comunicarse con sus semejantes, hasta tal punto que podemos afirmar que si el hombre es el ser más avanzado de la naturaleza, es debido en gran parte a la facilidad que ha tenido para hacer partícipe a los demás de sus ideas de una forma u otra.

Los orígenes del diseño gráfico los encontramos en las pinturas rupestres (15,000 a.C.), donde seres humanos y animales eran representados mediante símbolos con fines religiosos en las cavernas de la prehistoria.

Los antiguos egipcios, para poder comunicarse utilizaban signos tallados en piedra. Pero pronto buscaron otros materiales más prácticos como los papiros.

En la Edad media (500 d.C.) se descubre que las obras escritas en papel, gana poder comunicativo y belleza al aplicarles mayor colorido y elementos gráficos de forma armoniosa y equilibrada, de ahí que una de las aportaciones más importantes al campo del diseño en este periodo fue la confección de los incunables medievales, realizados en los monasterios, en los que se observa de forma clara la importancia de la “FORMA” (diseño) para transmitir un mensaje.

Los documentos y sus mensajes s fueron masificados gracias a Johan Gutenberg al inventar la imprenta. Artefacto capaz de reproducir en grandes cantidades un original.

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- Historia del Diseño -

Pronto empezaron a aparecer imprentas en las que se reproducían todo tipo de obras, cada vez más elaboradas. Se empezaron a usar nuevos materiales como soporte, nuevas tintas y nuevos tipos de letras, originando la aparición de unos profesionales especializados en su manejo, los tipógrafos y los cajitas, tal vez los primeros diseñadores gráficos como tal, ya que se encargaban de componer y maquetar los diferentes elementos que iban a formar una obra de forma que resultara lógica, clara, armoniosa y bella.

Otro gran impulsor del desarrollo del diseño gráfico fue la Revolución Industrial. Surgieron las fábricas y la economía de mercado, un gran número de personas se desplazó a las ciudades a trabajar, aumentaron las tiendas y los comercios y empezó la competitividad entre empresas por hacerse con una parte del mercado. Con ello apareció y se desarrolló una nueva técnica comercial: la publicidad, encargada de hacer llegar a los consumidores mensajes específicos que les convencieran de que un producto dado era mejor que otros análogos.

El desarrollo de la publicidad trajo consigo un desarrollo paralelo del diseño gráfico y de los soportes de comunicación. Había que convencer al público de las ventajas de un producto o marca, y para ello nada mejor que mensajes concisos, cargados de componentes psicológicos, con diseños cada vez más elaborados, que se hacían llegar al mayor número posible de personas. El cómo se transmitía la información llegó incluso a superar en importancia a la misma información transmitida.

En el siglo XX, hicieron su aparición los ordenadores, máquinas en un principio destinadas a un grupo reducido de técnicos y especialistas, pero poco a poco fueron ganando popularidad y con la aparición del ordenador personal se extendieron a todos los ambientes y grupos sociales.

El ordenador es útil porque permite el uso de programas informáticos capaces de realizar multitud de tareas. Pero estos programas tienen una estructura interna muy compleja, que la mayoría de las veces va más allá de los conocimientos que poseen los usuarios de los mismos.

Con la entrada en escena de Internet y las páginas web se hizo aún más patente el desfase de los diseñadores gráficos con el nuevo medio. Hacía falta ahora diseñar y construir interfaces de usuario muy especiales, condicionadas a pequeños tamaños de fichero y a un medio concreto de presentación, los navegadores web, que imponían serias limitaciones al diseño, que necesitaban sistemas de navegación entre páginas simples y entendibles.

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Haremos un repaso por la historia de la ilustración a través de los ilustradores mas destacados y reconocibles de cada época.

Ilustradores que en su momento destacaron, en alguna faceta de este estilo artístico tan minusvalorado y denostado, por su sátira, su estilo grotesco, su innovación estética, su desparpajo, su surrealismo o macabras historias. Hablaremos de ilustradores de moda, ilustradores infantiles, dibujantes de cómic, artistas, humoristas, entre otros.

TOM SCHAMP Nacido en los años 70 en Bélgica, Tom Schamp destaca por su obra en el mundo editorial, especializado en ilustrar libro infantil. Crea su propio mundo, un mundo lleno de historias y objetos, un mundo colorido y con toques surrealistas, con una influencia clara del mundo caribeño, su estética y color se ven presentes en toda su obra. Las ilustraciones de Schamp atraen a niños y adultos por igual. Aparte de su trabajo en el ámbito de los libros para niños, también ha hecho ilustraciones para revistas y periódicos y ha trabajado para varias agencias de publicidad.

MARK RYDEN Es uno de los artistas mas destacados de la escena Pop mundial. Su estética se desarrolla a partir de distintas fuentes: Ingres, David, entre otros clásicos franceses, los libros de la colección infantil Little Golden Books o todo lo que evoca misterio, juguetes viejos, animales disecados, esqueletos y objetos religiosos. Mark Ryden recrea en sus obras, los miedos, el inconsciente, los sueños, toda la psicología de sus personajes vomitados en una escena a través de una estética neoKitsch. Sus obras destacan por su hiperealismo, atmósferas densas, personajes con pieles satinadas y ojos gigantes.

GARY BASEMAN Gary Baseman es un artista contemporáneo, creador de series de dibujos animados para Disney, también trabaja como diseñador artístico como en Cranium, un popular juego de mesa. Su estética combina imágenes icónicas del arte Pop, motivos pre-y post-guerra vintage, mitología intercultural y arquetipos literarios y psicológicos. Es conocido por sus juguetonas criaturas que se repiten a lo largo de su obra, una obra muy gráfica, con un estilo infantil muy influenciada en la obra de Disney, pero añadiéndole una esencia morbosa e inquietante, gracias al surrealismo de sus composiciones.

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STORM THORGERSON Considerado por muchos como una de las mentes más creativas del Reino Unido. El diseñador gráfico, conocido por haber creado algunas de las portadas de los álbumes del grupo Pink Floyd, como “The Dark Side of the Moon”, inició su carrera con el grupo de diseño británico Hipgnosis, fundado en los pasados años sesenta, y el estilo de sus creaciones lo convirtieron en un artista destacado de su tiempo. Además de su trabajo con Pink Floyd, Thorgerson colaboró en las portadas de otras importantes agrupaciones y músicos como Led Zeppelin, Peter Gabriel, Phish, Styx, The Cranberries y Muse, entre otros. Muchas de sus creaciones tienen elementos del surrealismo, tanto que ha sido comparada con la de Salvador Dalí.

MARTIN JARRIE Martin Jarrie es otro ilustrador especializado en el mundo editorial infantil, aunque también trabaja en prensa para reconocidos periódicos como Le Monde o New Yorker, entre muchos otros y en publicidad. Su obra tiene una clara influencia del Surrealismo pictórico tanto, de los primitivos italianos, Art Brut como del Arte Contemporáneo, pero con un resultado gráfico mas coloritsa, plano, infantil y sin el trasfondo inquietante inherente al Surrealismo.

Es uno de los autores de libros infantiles mas conocidos del panorama editorial, junto a Tom Schamp, influenciando a la industria del libro infantil.

EDWARD GOREY Su obra marcó un antes y un después en el mundo de la ilustración, e influenció a muchos otros artistas entre ellos al conocido director de cine Tim Burton, tal fue su influencia que Burton rindió un homenaje a Gorey, en La melancólica muerte de chico ostra. Si hasta ahora hablábamos de una estética macabra, morbosa y con toques gore, Gorey se diferencia de estos por la ausencia de esa parte infantil, Pop e ingenua. Su obra es descarnada, oscura y densa, no solo por sus historias, sino por usar una gráfica densa, abarrocada y asfixiante, exclusivamente en blanco y negro, aunque todo ello esta regado de un gran sentido del humor negro.

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ANDREAS PREIS Pese a su corta edad, su nombre ha comenzado a ganar terreno en Alemania y en otros países europeos. Es un ilustrador y diseñador gráfico de Berlín, de esos que nacen con un don: el del arte. Desde pequeño siempre supo que era visualmente creativo, y también supo que quería ser un pintor sin un jefe que lo estuviera molestando. Durante los últimos años empresas como Adidas, Nike, TNT, Atomic, Bruce Dunlop & Associates, CK one, DC Comics, Digitalarts, ESPN Classic, entre otras firmas lo han ido a buscar para que sea el autor de sus nuevas campañas. Su estilo se caracteriza por plasmar con aerosoles y acrílicos retratos de personas y animales. Traza líneas y las encima, abusa de ellas y combina figuras geométricas con irregulares.

BOB KANE Bob Kane fue un dibujante y escritor estadounidense de cómics, considerado legalmente como el creador del superhéroe Batman para DC Comics. El historiador de cómics Ron Goulart se refiere a Batman diciendo que es “creación del artista Bob Kane y del escritor Bill Finger”. Su estética Pop, contundente y desenfadada a la vez, inspiró a grandes artistas. Su obra, y sus grandes personajes Batman y Robin, son un hito en la historia de la ilustración, creando escuela, creando una nueva estética, aunque ya otros usaban estos recursos, Kane con su estilo lo acabó de perfilar encumbrándolo a la gloria, todos nosotros hemos vivido de su estética, es un referente para los artistas y para la cultura popular.

GEORGE GROSZ George Grosz, de nombre real Georg Ehrenfried, es un pintor alemán de la época expresionista. Su trabajo como ilustrador va desde dibujos caricaturescos hacia visiones urbanas apocalípticas y violentas con una politización bastante clara, que se integró en el movimiento que se denominó Nueva Objetividad, de la cual fue uno de los principales maestros. Sus dibujos, muchos de los cuales están realizados con tinta o acuarela han contribuido notablemente a la imagen que muchas personas tienen de la Alemania de los años 1920. Delirante, grotesca, absurda, desquiciada son algunos de los adjetivos que usaría para describir la maravillosa obra de este autor, retrata con fealdad las falsas apariencias.

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DR. ALDRETE Nacido al sur de la Patagonia, Jorge Aldrete a sus 18 años emigró a Buenos Aires para estudiar de ahí a México, donde lleva viviendo los últimos 15 años.

Este artista asegura que su estilo no es una limitación, si existen algunas tendencias que le parezcan atractivas va sobre ellas. Es unas de las leyendas de la ilustración y diseño en América Latina. Su imaginación ha formado parte de la portada de muchos discos de grandes músicos. Su afición por la lucha libre acompaña sus trabajos. Muchas de sus creaciones surgen de la fantasía, aunque también ha realizado dibujos relacionados con personas reales.

MILTON GLASER Glaser nació en 1929. Estudió con el pintor Giorgio Morandi en Bolonia, y es un portavoz elocuente de la práctica ética del diseño. Pese a su edad, sigue produciendo obras en muchos campos del diseño contemporáneo. El intelecto de Milton lo ha convertido en uno de los diseñadores más importantes de los Estados Unidos. Fue co-fundador de Pushpin Studios, y creó la reconocida revista New York Magazine junto con Clay Felker. Se asoció con Walter Bernard en WBMG, en donde rediseñó periódicos como The Washington Post, La Vanguardia y O’Globo. Según el artista, sus diseños no se aferran a un estilo fijo, pero en general, se caracterizan por ser directos, simples y originales.

Una de sus creaciones más emblemáticas es el famoso logotipo: I Love New York (INY).

ALEX TROCHUT Trochut nació en Barcelona. Se dice que este hombre lleva el diseño y la tipografía grabados en el ADN. Y es que su abuelo, Joan Trochut, fue un respetable tipógrafo allá por los años cuarenta. Sus creaciones conocidas internacionalmente han catapultado al joven diseñador gráfico catalán hasta convertirlo en toda una referencia en la materia, en Europa. Sus diseños están cargados de una tendencia minimalista, tiene trazos elegantes, detallados, a tal grado de transmitir indulgencia. La tipografía mezclada con otros elementos es algo que siempre destacará en su trabajo. Alex reconoce que esas ganas de expresarse le llevaron a pensar en el diseño gráfico como vía de escape.

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GEORGE BARBIER George Barbier fue un pintor francés, diseñador de moda y uno de los más importantes ilustradores del Art Decó en Francia. Es un icono de la ilustración de moda, trabajó para las grandes revistas de moda de la época, ilustrando escenas donde los personajes de la alta sociedad, vestían las últimas tendencias. Fue famoso por sus trajes de escena para los Ballets Rusos, también diseñó ex libris, cabe destacar las ilustraciones que realizó para la obra de Charles Baudelaire, también trabajó en publicidad y estuvo vinculado a varias casas de moda entre ellas Jeanne Lanvin, y el joyero Cartier. Su obra maestra es el “Almanaque de las modas pasadas, presentes y futuras”. Barbier se nutre de la estética griega, las miniaturas indias, las obras de Aubrey Beardsley y Léon Bakst que marcaron profundamente su estilo preciso y diligente, típico del Art Decó, aunque mas femenino, fresco y desenfadado.

HEINRICH KLEY Heinrich Kley, de la lista el mas antiguo en la historia, pero el mas actual de todos. Fue un caricaturista alemán. Aunque sus primeras obras son retratos convencionales, paisajes, naturalezas muertas, escenas de la ciudad y pinturas históricas, en su tiempo libre se dedica a hacer lo que le gusta y donde se muestra su mayor creatividad, Kley alcanzó mayor notoriedad con estos dibujos a pluma con un estilo abierto e inacabado, así como su vena humorística, erótica y satírica, a la que se une su imaginación delirantes, son los ingredientes que hacen de él un artista ideal tanto para la crítica social y política, creando escenas totalmente surrealistas. Publicó muchos dibujos en revistas satíricas como Jugend y Simplicissimus.

El dibujante Joe Grant hizo llegar la obra de Kley a Walt Disney, quien construyó una colección privada muy amplia. Las primeras producciones de Disney, como Fantasía, revelan una clara inspiración de Kley. Debido al interés y reimpresiones por Dover Publications Disney, Kley todavía se conoce. George Grosz y Heinrich Kley son los antecedentes, la fuente de inspiración de la ilustración más actual, estos dos maestros crearon escuela.

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ENTREVIS TA A

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ANDEAS PREIS

Recientemente, tuve la oportunidad de hablar con Andreas Preis, un ilustrador con sede en Alemania, y Psdtuts + autor, que ha trabajado para una variedad de clientes, incluyendo Adidas, DC Comics, ESPN Classic, Nike, y muchos más. Durante la entrevista, hablamos de una variedad de temas, incluyendo por qué prefiere el uso de técnicas tradicionales de dibujo, lo que sus herramientas favoritas son, la forma de ganar algo de dinero extra en el lateral, utilizando los medios sociales, y aun lo que piensa acerca de las personas tatuar su trabajar a sus cuerpos. ¡Vamos a ver!

P. Hola Andreas, gracias por tomarte el tiempo para hablar con nosotros hoy. ¿Nos puede contar un poco acerca de sus antecedentes? ¿De donde eres? ¿Cómo consiguió su comienzo como ilustrador?.

Hey Grant! No hay problema, gracias por invitarme.

Mi nombre es Andreas y yo soy un diseñador gráfico e ilustrador que actualmente vive y trabaja en Berlín. Al principio yo nací en el sur de Alemania, en el campo de Baviera. Desde que era pequeño siempre me ha gustado dibujar, pintar o simplemente de alguna manera “crear” cosas.

Así que después de la escuela decidí estudiar diseño de las comunicaciones. Durante ese tiempo trabajé un poco en la publicidad, pero nunca me acostumbré a ella, así que me convirtí en un profesional independiente, centrándome sobre todo en mi ejemplo en este momento.

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P. En el tutorial que hace poco que hicieron por Psdtuts +, que dio a nuestros lectores alguna información valiosa sobre cómo produces tu arte. Las técnicas que se utilizan implican una mezcla de dibujo tradicional y el arte digital. ¿Por qué prefieres trabajar de esa manera? ¿Cómo se siente que mejora el aspecto de su obra, en lugar de trabajar en un flujo de trabajo digital 100%?.

Para mí, personalmente, no me gusta quedarme en frente de mi equipo todo el día. Me gusta hacer realmente cosas con mis manos, siempre estoy un poco feliz cuando todavía hay un poco de pintura en los dedos un par de días después de que trabaje en un proyecto. Por otro lado no me gusta realmente el trabajo 100% digital. Creo que una gran cantidad de veces que las personas se acercan demasiado perdiendo todo el proceso y las técnicas, por lo que se olvidan de la creación de ideas. Hay cosas digitales tanto perfectamente ejecutado afuera, pero la mayoría de las veces que no podía reconocer un “artista” de la otra.

Siempre me dan la impresión de que es difícil integrar cualquier tipo de personalidad si todo se filtra a través de 1s y 0s.

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P. Puesto que utilizas una combinación de técnicas tradicionales y digitales para crear tu arte, ¿Podrías vivir sin tus herramientas?.

Todo comienza con lápices y papel. Sí, definitivamente los necesito! Por supuesto, también, trazadores de líneas finas, marcadores, aerosoles, etc. Pero no es como si sólo utiliza un tipo especial. Lo que me ponga las manos que funciona, lo voy a utilizar en el futuro ... Aparte de eso, yo diría que sobre todo necesito un escáner y Photoshop!

P. Parece que recibe muchas peticiones de los aficionados para utilizar su trabajo como un tatuaje. Mientras que usted dice en su FAQ que no crea arte del tatuaje, que no parece estar en contra de las personas que utilizan su trabajo para decorar sus cuerpos. ¿Por qué crees que hay tanta gente quiere tatuarse a sí mismos con tus obras de arte? ¿Has elaborado algún tatuaje para ti?.

Una gran cantidad de mis cosas es mucho blanco y negro, sin necesidad de utilizar diferentes tonos de gris. Por lo tanto, la clase funciona muy bien para los tatuajes, supongo.

Además, los animales siempre han sido un tema popular para los tatuajes. Cuando era más joven, hice un montón de cosas de la tribu. Justo lo que un niño de 15 años hace, sorteo de monstruos, cráneos y las tribus. Creo que esto tiene todavía alguna influencia en mi trabajo y a la gente parece que le gusta. Hice algunos diseños para mis amigos que eran los primeros en obtener tatuado con mis cosas.

La gente a veces me escriben historias muy particulares acerca de por qué eligieron esto y aquello. Si les gusta y están contentos con ello, bien por mí. Al final, lo veo como una especie de reconocimiento de mi trabajo. En lo personal, me gustaría una pieza única y me gustaría tener el artista del tatuaje también involucrada de alguna manera (y no sólo decirle lo que debe hacer...). Pero creo que es bastante fácil de decir, si estás acostumbrado a dibujar todo el tiempo... He dibujado un montón de tatuajes para mí, pero ninguno de ellos lo he hecho todavía! Aunque en este momento, finalmente he encontrado un artista del tatuaje que me gustaría trabajar aquí, así que espero que esto funcione muy pronto...

- Pantone - AndreasPreis · 19

P. Pareces ser bastante activo en Facebook. ¿Cómo se usan las redes sociales para ayudar a promover tus obras? ¿Tienes algún consejo cómo para un artista pueda construir un fuerte seguimiento y el uso de los medios sociales en su propio beneficio?.

Para ser honesto, nunca me gustó Facebook (o cualquier tipo de red de medios de comunicación social para el caso). Yo estaba muy cerca de eliminar mi cuenta por completo antes de empezar a construir mi página de artista. No me gusta todo el proceso de perder totalmente cualquier tipo de privacidad. Todavía casi no lo uso para mi vida privada... Pero de todos modos, después de hacer algunas investigaciones por el control de artistas que me gustan, me di cuenta de que puede ser realmente muy útil.

Cuando se inicia como ilustrador, en primer lugar nadie te necesita. No son más que suficientes artistas ya, así que hay que tienes que construir tu mismo un nombre de algún modo. Facebook te puede ayudar mucho la difusión de su trabajo en todo el mundo, que es realmente genial. Yo creo que hay que descubrir qué gente le gusta y todo lo que van a compartir. Por ejemplo, imágenes siempre funcionan mejor que los videos, una imagen es mucho más rápido.

También: Demasiado texto en realidad no ayuda, siempre es la primera visual.

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P. Como artista, es importante no sólo tener una sólida lista de clientes, sino que también tienen un ingreso pasivo, también. ¿Hay algunas cosas que haces para ayudar a generar ingresos pasivos?

Tales como una tienda online? ¿Cuáles son algunos de tus artículos más vendidos?.

Yo uso Society6 y algunas otras tiendas desde hace bastante tiempo, pero eso es realmente sólo una cantidad muy pequeña de mis ingresos. Siempre tengo la sensación de que la gente le gusta mucho más, si consiguen impresiones o camisas directamente de mí. Así que si asisto a una muestra de arte o algún tipo de mercado, normalmente vendo más en un día de lo que lo haría si no en dos meses.

También es bueno si se puede comprobar la calidad de todo lo producido por su cuenta. Tengo algunas piezas que parecen funcionar muy bien, como por ejemplo, mi león y mi panda.

De todos modos, estoy pensando en la construcción de mi propia tienda en línea desde hace meses, para poder trabajar con más ediciones firmadas y limitadas y también algunos originales. Pero, ¿quién sabe cuánto tiempo que me llevará ...

P. ¿Estás trabajando en algún proyecto muy interesante que desees compartir con nuestros lectores?.

Recientemente he terminado un proyecto personal llamado “El efecto mariposa”, donde he creado diferentes mariposas de tamaño real, incluyendo algunos mensajes en sus alas. Fuera de esa idea surgió otro proyecto en el que he traído esas mariposas a la calle.

He producido alrededor de 1500 de ellos hasta hoy y he dejado casi ninguno.

Durante la carrera (un arte urbano Mostrar local en Berlín) por sí sola, regalé unos 800 de ellos, que era un poco frío. Tengo algunas ideas para el hogar otros nuevos que puedan aparecer en los próximos meses, vamos a ver...

P. Gracias por tomarte el tiempo para hablar conmigo hoy. Cualquier pensamiento de cierre?.

Muchisimas gracias por entrevista! Y gracias a todos los que les gusta y son compatibles con mi trabajo en cualquier forma. Realmente lo aprecio mucho!.

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ENTREVISTA A

ALEX TROU CHUT

Alex Trochut, considerado uno de los diseñadores más y mejor reconocidos de la industria creativa en la actualidad. Viene para hablarnos de su carrera profesional, sus logros, su metodología de trabajo, su manera de asumir los retos, y la importancia de estar siempre atento y confiar en tu trabajo. Su manera positiva y encantadora de ver el mundo, son verdaderamente una inspiración y motivación dentro de la industria creativa.

P. ¿Qué consideras que se debería enseñar en las escuelas de diseño y no se enseña?

Pienso que la escuela es una base necesaria, pero realmente lo que te define es el mundo profesional. Me pregunto si sería posible una mayor incorporación del mundo laboral dentro de la enseñanza. Aprendiendo a adaptarte a las necesidades y sabiendo ser uno mismo dentro del encargo.

P. Un diseñador gráfico, un tipógrafo y un director de arte a quien admiras o es para ti un referente.

Diseñador gráfico y director de arte: Jonathan Zawada, MM Paris, Mat Maitland y NonFormat. Tipógrafo: Christian Schwarz, Íñigo Jerez, Toni Dispigna y Ale Paul.

P. Tu abuelo era Joan Trochut, un célebre impresor y tipógrafo catalán. ¿Hasta qué punto consideras que esa herencia familiar ha influido en la elección de tu profesión?

Mas allá de una ‘memoria genética instintiva’ hubo poco de decisión consciente acerca de repetir los pasos de mi abuelo. Descubrí más en la escuela que estaba estudiando lo que en realidad era la profesión de mi abuelo.

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P. ¿Recuerdas el primer trabajo profesional por el que te pagaron?

Recuerdo que no me lo pagaron, y que trabajé mucho y que lo único que me dijeron fue que como no lo usaron no tenían por qué pagarme. Los principios nunca son fáciles…

Ahora me río, pero en ese momento me frustraba mucho no encontrar al cliente que supiera valorar lo que para mí tenía un valor.

P. Desde entonces hasta hoy, ¿cómo ves tu evolución?

La veo como una curva de aprendizaje continua, y que espero que siga avanzando.

Espero poder seguir soprendiéndome siempre y seguir teniendo desafíos nuevos a los que poder ponerme a prueba.

P. Cuando te encargan un proyecto nuevo, ¿Donde sueles ir a buscar tus referentes? ¿Tienes alguno al que siempre recurras?

Si tengo que nombrar uno, definitivamente sería Jonathan Zawada. Siempre. Él ya ha saltado al mundo del arte, y es una persona muy atenta a lo que hace y que a la vez tiene mucha capacidad de sorprender a su público no sólo por la manera de contar las cosas sino por las cosas que cuenta. Yo creo que en el mundo del diseño gráfico, la publicidad, y la creatividad, todo está en decirlo distinto, en la manera como lo cuentas, mientras que cuando con el arte te llevan a un sitio en el que te preguntas “¿Qué es esto? ¿Como es que está tan bien hecho?”, creo que es una situación que te sorprende mucho, es un tanto mágico. Aparte del arte, el cine es algo que disfruto mucho y evidentemente también la naturaleza.

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P. Has dejado claro que no eres ni diseñador, ni tipógrafo, ni ilustrador…

Entonces, ¿qué eres?

Soy un artesano digital. Hago un poco de todo, y mi proceso involucra el papel, pero definitivamente lo que domino es el ordenador y si tuviera que entregar un trabajo final en papel, tendría que confiar mucho en una metodología muy concreta. No me considero una persona que pueda tener muchos estilos dentro de lo analógico, y claramente el mundo digital me permite ser más camaleón. Nunca sabes en realidad que es lo que te está ayudando a rendir mejor, no tengo claro qué es lo que fabrica el músculo de la creatividad, y por eso estoy siempre con los ojos muy abiertos y con una actitud positiva y ganas de descubrir cosas.

P. Tu perfil abarca el diseño gráfico, la tipografía, ilustración… ¿En qué faceta te encuentras más a gusto?

Me gusta crear imágenes y trabajar con lenguajes visuales distintos, el medio me parece menos importante.

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P. ¿Cómo crees se complementan todas esas disciplinas en tu trabajo?

Se cruzan a menudo, la suma de distintas técnicas y disciplinas es lo que muchas veces crea una manera de hacer personal y como uno suma niveles a la ahora de visualizar la imagen a su manera.

P. Todo diseñador tiene un estilo. ¿Cómo definirías el tuyo, el estilo de Álex Trochut?

Mi filosofía de trabajo tiene mucho que ver con la variedad y el cambio de técnica a la hora de abarcar un proyecto, aunque al final se puede ver una manera de hacer, busco un estilo que sea lo más variado posible.

Por eso, para mí es importante no basar mi trabajo en sólo una manera de visualizar, siendo la manera de mostrar algo muchas veces el objetivo en sí del proyecto.

P. La frase o la petición más disparatada que te ha dicho algún cliente o alguien por tu trabajo…

Lo oigo casi en cada brief, y casi nunca es verdad. Muchas veces los clientes necesitan ver algo para poder definir lo que necesitan.

«Haz lo que quieras, ¡libertad total!»

P. Un diseño que consideras decisivo en tu carrera o por el que sientes especial cariño…

El primero que puse en mi web. Me refiero a este trabajo, Liquid, que fue el primero en el que empecé a trabajar con líquidos, en el 2003.

P. Actualmente vives en Nueva York. Desde allí, ¿cómo se ve el diseño que se hace en España? ¿Te ofrece otro punto de vista? ¿Crees que goza de buena salud?

El diseño en España está en plena forma y no tiene absolutamente nada que envidiar al que se pueda hacer en Estados Unidos o cualquier otro país. Calidad la hay, y mucha, lo que hay son menos medios y un mercado mucho más duro, e incapaz de absorber el talento que ofrece nuestro gremio.

P. ¿Qué te aporta Nueva York que no obtienes en España u otras ciudades?

Me aporta estar en una atmósfera de reto constante, de gente que decide conscientemente no quejarse nunca ya que sabe que eso no le va a ayudar en nada en un sistema que no protege a nadie. Todo el mundo se examina cada día, sin importar el pasado ni méritos de su pasado, sólo se vive en el presente y se valora mucho la inmediatez, con lo cual provoca que sea un ambiente de mucha intensidad.

P. Un diseñador con el que te gustaría trabajar…

Mat Mailand, MM Paris, y a ver quién más…

- Pantone - AlexTroucht · 27