Nº 7 3,50 €
Textos: Internet y amoldados
Ilustraciones Autores: Ilustrados por Elixabet Aduriz
Cuadros: Ilustrado por Elixabet Aduriz
sumario Piet
M on drian
04
lau
rent jimĂŠnez
24
pa ul kl ee vasili kan dinsky
08
Jo
an Mi rĂł
18 14Gustabo Klimt 28
Piet Mon drian
Pieter Cornelis Mondriaan (Amersfoort, 7 de marzo de 1872 - Nueva York, 1 de febrero de 1944), conocido como Piet Mondrian, fue un pintor vanguardista neerlandés, miembro de De Stijl y fundador del neoplasticismo, junto con Theo van Doesburg. Evolucionó desde el naturalismo y el simbolismo hasta la abstracción, de la cual es el principal representante inaugural junto a los rusos Wassily Kandinski y Kazimir Malévich. Nació en una familia calvinista. Desde 1892 hasta 1908 estudió en la Academia Estatal de Ámsterdam, en la que su maestro fue August Allebé. Comenzó su carrera como maestro de educación primaria, pero mientras enseñaba
también
practicaba
la pintura. La mayor parte de su trabajo de este período naturalista o impresionista está constituida por paisajes.
*5*
Estas imágenes pastorales de su Holanda nativa representan molinos de viento, campos, y ríos, inicialmente de manera impresionista al estilo que hace al autor sucesor de Jongkind, y luego en una variedad de estilos y técnicas que documenta su búsqueda por un estilo personal. Las pinturas en las que predominan los colores malva, gris suave y verde oscuro son las más representativas de su momento inicial e ilustran la influencia de varios movimientos artísticos en Mondrian, incluso el puntillismo y los colores vívidos del fovismo, en los que se vuelca por influencia de Jan Toorop.
Otra pintura, Avond ("Tarde"), que presenta una escena de parvas (o niaras) en un campo durante el crepúsculo es un cuadro que ya deja intuir los desarrollos futuros de este pintor; en él usa una paleta que consiste casi exclusivamente en rojo, amarillo y azul. Aunque en ningún sentido es abstracto, "Avond" es el más temprano de los trabajos de Mondrian que da énfasis a los colores primarios.
*6*
Las pinturas más tempranas que muestran un vislumbre de la abstracción son una serie de cuadros de 1905 a 1907, en los cuales pinta escenas oscuras de árboles indistintos y casas con reflejos en agua que los hace casi aparecer como manchas de tinta de un proyectivo test de Rorschach. Sin embargo, aunque el resultado final deja ver el énfasis en las formas sobre el contenido, estas pinturas todavía se arraigan firmemente en la naturaleza, y es sólo por el conocimiento de estos logros de Mondrian que se llegan a reconocer las raíces de su abstracción futura.
*7*
Paul Klee
Paul Klee (Münchenbuchsee, Suiza, 18 de diciembre de 1879 - Muralto, Suiza, 29 de junio de 1940) fue un pintor alemán nacido en Suiza, cuyo estilo varía entre el surrealismo, el expresionismo y la abstracción. Klee nació en Münchenbuchsee, cerca de Berna, Suiza, en una familia de músicos, de padre alemán y madre suiza. De su padre obtuvo la ciudadanía alemana, que usaría toda su vida, dado que Suiza se negó a darle ciudadanía tras su exilio durante la persecución nazi. Estudió arte en Múnich con Heinrich Knirr y Franz von Stuck. A sus diecisiete años pintó a tinta Mi habitación (1896).
Klee trabajaba al óleo, acuarela, tinta y
otros
materiales,
generalmente
combinándolos en un solo trabajo. Sus cuadros frecuentemente aluden a la poesía, la música y los sueños, y a veces incluyen palabras o las notas musicales.
*9*
Al regresar de un viaje a Italia, se asentó en Múnich, donde conoció a Vasili Kandinski, Franz Marc y otras figuras de vanguardia, y se asoció al Blaue Reiter. En 1911 Wassily Kandinski y Franz Marc fundaron en Múnich un grupo de artistas vinculado al expresionismo. Paul Klee no era oficialmente miembro de esta asociación, pero con todo se sentía muy unido al círculo de artistas que la integraban y participó en sus exposiciones. Entre los miembros del Blaue Reiter se contaban August Macke, Gabriele Münter y Marianne von Werefkin.
* 10 *
Todos compartían un interés por el arte gótico y primitivo y por los movimientos modernos del fovismo y el cubismo. El nombre del grupo se deriva de una obra pictórica de Kandinsky de 1903 que a partir de 1912 sirvió de ilustración para los títulos de un anuario
Múnich, hasta el 1 de enero de 1912.
con ese mismo nombre. La primera de las dos
En ella se incluyeron 49 obras de Henri
exposiciones del Blaue Reiter se inauguró el
Rousseau, Albert Bloch, Heinrich
18 de diciembre de 1911 y permaneció en la
Campendonk,
Galería Moderna de Heinrich Thannhauser, en
Kandinsky, Klee y Macke.
Robert
Delaunay,
* 11 *
Foto sesiรณn El mejor fotografo del momento patrick pearson
Vasili Kan dinski
Vasili Vasílievich Kandinski —en ruso, Васи́лий Васи́льевич Канди́нский, translit.: Vasíli Vasílievič Kandínskij— (Moscú,16 de diciembre de 1866greg.-Neuilly-sur-Seine, 13 de diciembre de 1944) fue un pintor ruso, precursor de la abstracción en pintura, y teórico del arte. Se considera que con él comienza la abstracción lírica y el expresionismo.
* 15 *
El
desarrollo
de
Kandinski
hacia
la
abstracción encuentra su justificación teórica en Abstracción y empatía de Wilhelm Worringer, que se había publicado en 1908. Worringer argumenta que la jerarquía de valores al uso, basada en las leyes del Renacimiento, no es válida para considerar el arte de otras culturas; muchos artistas crean desde la realidad pero con un impulso abstracto, que hace que las últimas tendencias del arte se den en sociedades menos materialistas.
Kandinski, al igual que Piet Mondrian, estaba interesado también en la teosofía, entendida como la verdad fundamental que subyace detrás de doctrinas y rituales en todas las religiones del mundo; la creencia en una realidad esencial oculta tras las apariencias, proporciona una obvia racionalidad al arte abstracto.
* 16 *
Kandinski recuerda la fascinación por el color como un niño. Su fascinación por el simbolismo del color y la psicología continuó a medida que crecía. En 1889, formó parte de un grupo de investigación etnográfica que viajó a Vólogda al norte de la región de Moscú. En Mirada retrospectiva, relata que las casas e iglesias fueron decoradas con colores tan brillantes que al entrar en ellos, sentía que se movía en una pintura. Esta experiencia, y su estudio de arte popular de la región (en particular, el uso de colores brillantes sobre un fondo oscuro), se reflejó en gran parte de sus primeros trabajos. Unos años más tarde, primero comparó pintura para componer música de la manera por la cual se convertiría en señalar, escribiendo,
El color es la tecla. El ojo es el martillo. El alma es el piano. El artista es la mano que, con una u otra tecla hace vibrar el espíritu del ser humano.
* 17 *
Joan Mirรณ
Joan Miró i Ferrà (Barcelona, 20 de abril de 1893-Palma de Mallorca, 25 de diciembre de 1983) fue un pintor, escultor, grabador y ceramista español, considerado uno de los máximos representantes del surrealismo. En un principio mostró fuertes influencias fauves, cubistas y expresionistas, pasando a una pintura plana con cierto aire naïf, como lo es su conocido cuadro La Masía del año 1920. A partir de su estancia en París, su obra se vuelve más onírica, coincidiendo con los puntos del surrealismo e incorporándose a este movimiento. En numerosas entrevistas y escritos que datan de la década de 1930, Miró manifestó su deseo de abandonar los métodos convencionales de pintura, en sus propias palabras de
“matarlos,
asesinarlos
o
violarlos”, para poder favorecer una forma de expresión que fuese contemporánea, y no querer doblegarse a sus exigencias y a su estética ni siquiera con sus
compromisos
hacia
los
surrealistas.
* 19 *
Sí, Miró ha querido asesinar la pintura, la ha asesinado con medios plásticos, mediante una plástica que es una de las más expresivas de nuestro tiempo. La ha asesinado, quizá, porque no quería doblegarse a sus exigencias, a su estética, a un programa demasiado estrecho para dar vía libre a sus aspiraciones y a su sed.
A partir de aquí Miró dibujó y se dedicó intensamente a otra alternativa, el collage, que no realizó como habían hecho los cubistas recortando el papel con cuidado y encajándolo en el soporte, sino que sus formas son sin precisión y después de enganchadas en el soporte deja los bordes al aire y los enlaza con un grafismo; su búsqueda no es inútil, le abre las puertas a las esculturas que realizará a partir del año, 1930.
* 20 *
Solía recortar diarios en formas no regulares y pegarlas sobre láminas de papel, día tras día acumulé estas formas, Una vez hechos, los collages me servían como punto de partida de las pinturas. No copiaba los collages. Sencillamente dejaba que me sugirieren formas. A partir de enero de 1932 pasó a residir en Barcelona, con traslados frecuentes a París, formó parte de la asociación de Amics de l’Art Nou (ADLAN) junto a Joan Prats, Joaquim Gomis y el arquitecto Josep Lluís Sert, cuyo objetivo era dar a conocer la vanguardia artística internacional y promocionar la catalana. Realizó numerosas exposiciones en Barcelona, París, Londres, Nueva York, Berlín.
* 21 *
arcoiris Una auténtica experiencia Hippie. En ella podrás vivir en plena naturaleza en la única comuna existente. Cada día se crean diferentes actividades para interactuar, conocerse más a fondo y entablar amistad o lo que surja. FB.: ComunaArcoiris
Localización: Alicante, España
www.comunahippie_arcoiris.com
Lau rent JimĂŠnez
Laurent Jiménez-Balaguer, nació el 14 de enero de 1928 en Hospitalet de Llobregat, Barcelona (Cataluña, España). Vive y trabaja en París. En los años 50 se convirtió en uno de los más destacados pintores del Arte Catalán como iniciador de un lenguaje privado. Pertenece al Expresionismo Abstracto y al Informalismo europeo. Estas vanguardias posmodernas se han caracterizado por su reivindicación multicultural mediante sus texturas pictóricas, así como por la necesidad de inventar una nueva mente.
Jiménez-Balaguer
construye
un conocimiento del psiquismo humano basándose en el modelo del lenguaje de Saussure afín de mostrar que la pintura es un medio para el conocimiento del sujeto. Insiste sobre la idea de una construcción necesaria del Yo y en su visualización-proyección, ya que el interior humano no es ni un alma impalpable ni un ego inmaterial invisible.
* 25 *
Su concepción de la creación y de la sociedad lo inscriben en un proceso de revolución permanente, desde la cual el sujeto tiene que luchar para la construcción de su Yo. Su obra plantea que el Yo es un acto performativo. José María Moreno Galván le consideró en 1960 como uno de los veinte pintores más importantes del Arte Contemporáneo Catalán y del Informalismo. Dos arquetipos fundamentales estructuran su campo de investigación: el Cuerpo-Memoria y el Exterior-Interior.
Al principio, pinta figuras humanas que infunden sentimiento
metafísico.
Sus
obras
tratan
de
entrar en el interior del individuo, el cual no está determinado solamente por un género sexual o una identidad cultural peculiar. Como El Greco, busca el aspecto trascendental del ser. En 1955, abandona definitivamente la descripción del mundo para focalizarse en el problema de transformar lo invisible en visible. Según Jiménez-Balaguer, la pintura permite un acto de conocimiento exacto de uno mismo, con la proyección de una materia prima mediante una representación espontánea.
* 26 *
Al seguir los parámetros de la tradición filosófica occidental, piensa que toda expresión es expresión de algo, por lo tanto, el signo se refiere a una realidad que construye el objeto en el mismo tiempo que la significación.
Según la tradición occidental, todo está relacionado, teniendo sus redes de correspondencias: todo está conectado y la significación se construye por analogía. De aquí surge su concepto de Otra Realidad, y su trabajo sobre las fronteras y el concepto de límite. Lo Real, entendido simbólicamente, está ubicado entre el Interior y el Exterior, entre la Corporeidad y la Memoria. Una de sus grandes aportaciones al arte contemporáneo y a la pintura del siglo XXI fue referirse a esta “ Otra Realidad ” con un signo lingüístico-pictórico.
* 27 *
Gus tabo Klimt
Gustav Klimt (Baumgarten, 14 de julio de 1862-Alsergrund, 6 de febrero de 1918) fue un pintor simbolista austríaco, y uno de los más conspicuos representantes del
movimiento
modernista
de
la
secesión vienesa. Klimt pintó lienzos y murales con un estilo personal muy ornamentado, que también manifestó
numerosos apuntes y esbozos a lápiz, en
a través de objetos de artesanía,
cierto modo herederos de la tradición de
como los que se encuentran reunidos
dibujos eróticos de Rodin e Ingres. Klimt
en la Galería de la Secesión vienesa.
se convirtió en un personaje muy notable
Intelectualmente afín a cierto ideario
en la alta sociedad vienesa, y estuvo
romántico, Klimt encontró en el desnudo
relacionado de un modo u otro con los
femenino una de sus más recurrentes
más notables círculos intelectuales del
fuentes de inspiración. Sus obras están
momento, en una época en la que Viena
dotadas de una intensa energía sensual,
estaba dejando de ser la capital mundial
reflejada con especial claridad en sus
del arte.
* 29 *
Klimt nació en una pequeña ciudad, Baumgarten, cerca de Viena, el segundo de siete hijos (tres chicos y cuatro mujeres). Ya desde la infancia, los tres hijos varones mostraron inclinaciones artísticas, que podían haber heredado tanto de su padre, Ernst Klimt (1864-1892) que era grabador de oro como de su madre, Anna Klimt (Finster, de soltera), cuya ambición frustrada era dedicarse al canto.
* 30 *
Una vez admitido un encargo, el artista iniciaba su particular método de trabajo, tras largas meditaciones y aún más
pública de la burguesía vienesa. Klimt
prolongadas sesiones de posado de
nunca destacó por su carácter teórico.
modelos. La naturaleza abiertamente
No escribió apenas nada sobre su
erótica
verse
visión artística o sus métodos. Del
“suavizada” por un enfoque alegórico, o
mismo modo, nunca llevó un diario, y
simbólico, que la hacía de algún modo
su correspondencia se limita a algunas
más admisible para la pacata opinión
postales enviadas a Flöge.
de
sus
obras
solía
* 31 *
mejorama Mantenimiento, mejoras y reformas de edificios.