N° 1
ABRIL 2017
RICARDO CAVOLO
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Editorial Esta es la primera edición de un trabajo que se ha llevado a cabo por un gran equipo, sobe un deseo que teníamos de brindar información relevante a un público que veíamos que carecía de esta fuente de información. Graff es una revista enfocada a la ilustración y a su aplicación en el arte urbano que nos rodea, así como su adaptación al interior. Se hablará de los ilustradores, sus diferentes técnicas y estilos individuales, y se compartirán sus obras. Entrevistas a artistas ayudarán a adentrarse más su mundo artístico. De la misma forma, así como se hablarán de ilustradores nuevos e innovadores, tocaremos los temas de los inicios del arte urbano y sus contribuyentes, desde los más conocidos hasta de los que no se suele hablar mucho. Esperamos en esta primera edición y en todas las que le seguirán mensualmente, podamos brindarles información de relevancia, inspiración para su trabajo, o simplemente disfruten de las maravillosas obras presentadas.
Rodéate de arte.
www.graff.com
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ÍNDICE Felice Varini -página 6
Okudart -página 10
Ricardo Cavolo -página 14
Graffiti Indoor -página 23
Keith Haring -página 26
Aaaron Glasson -página 32
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FELICE VARINI Por Daniel Morales
Todo es cuestión de perspectiva; aquellas personas quienes no están dispuestas a observar las cosas desde otro punto de vista están condenadas a mantenerse estáticas. La obra de Felice Varini tiene la peculiaridad de hacer que las personas vean su obra desde distintas perspectivas.
La anamorfosis es el arte de crear la ilusión de una forma plana geométrica sobrepuesta sobre un objeto tridimensional. Visto desde la perspectiva correcta, parecere como si estas formas estuvieran flotando en el aire. Distanciándose del lugar exacto, la ilusión se diluye, y todo lo que se ve son formas fragmentadas. Al entrar a las instalaciones de Varini, si el espectador no se encuentra en un punto determinado del lugar, este puede hallarse solamente frente a manchas y figuras de color al azar dispuestas sobre la arquitectura del lugar. Quizá, mientras camina y recorre el espacio en donde se encuentra la obra, que puede ser un cuarto, unas escaleras o hasta un pueblo entero, la obra continuará confusa y sin sentido. Pero es sólo en cierto punto, desde cierta perspectiva, que la obra logra visualizarse de forma coherente, transformando el lugar tridimensional en una instalación y obra geométrica bidimensional.
El juego con la luz, las texturas y las dimensiones son parte de la obra de Varini, quien lleva más de 30 años creando bidimensionalidad a partir de espacios que se interponen a metros de distancia. Para él, la gente debería poder encontrar el punto de perspectiva para ver la obra como un todo, pero, si no lo encuentra, contemplará, también parte de la obra.
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A partir de proyectores el artista encuentra los lugares en los que debe trazar su obra. El color y la luz son factores importantes, pues la pintura se superpone en distintos sitios con diferentes texturas e iluminación. Por esta razón, y para que la figura terminada pueda apreciarse con una sola tonalidad, el artista debe jugar con el color, el espacio, la luz natural y, por supuesto, la perspectiva del lugar. Un verdadero juego óptico impacta al espectador al ver la obra de Varini en el lugar ideal; las figuras crean una imagen que parece anteceder a la realidad conocida por el espectador.
El artista debe jugar con el color, el espacio, la luz natural y, por supuesto, la perspectiva. Círculos que cubren pueblos enteros y cortinas que no existen se interponen con escaleras, y más juegos ópticos se aprecian cada uno de diferente manera dependiendo el lugar donde el espectador se encuentre.
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OKUDART Por Kate Lismore
Oscar San Miguel, mĂĄs conocido como Okudart, es un street artist residente en Madrid que lleva aproximadamente desde el aĂąo 2000 haciendo lo que mejor sabe hacer, graffitis. Con un estilo definido como pop surrealista, sus obras se caracterizan por el uso de formas geomĂŠtricas y por la abundancia de color.
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Hace unos meses, impresionado por el lugar y el ambiente que se respira en este mismo, el artista cántabro Okouda San Miguel se puso en contacto con la Church Brigade -colectivo de skaters asturianos, responsables de la conversión de este antiguo polvorín de la Guerra Civil en un skatepark indoor- y decidieron poner en marcha este proyecto, completando así una reinterpretación de la iglesia como lugar de reunión y referencia artística y cultural en pleno siglo XXI.
Siete días ha tardado el artista multidisciplinar Okuda en pintar el interior de la iglesia de Llanera (Asturias) conocida como La Iglesia Skate. Siete jornadas de intenso trabajo -12 horas al díaque han llenado este singular espacio de formas geométricas, color y algunas de las constantes de la obra de este reconocible creador. Una obra única que ya esta lista para admirar y patinar. El primer skater en estrenar estas rampas de la conocida como La Iglesia Skate, ha sido el atleta de Red Bull, Danny León, quien con tan solo 21 años se encuentra en el ranking de los 10 mejores patinadores del mundo. Sus trucos, saltos e increíbles giros sobre el monopatín han sido el complemento perfecto para este espacio, del que el rider madrileño comentaba:
“Es increíble patinar aquí dentro, mire donde mire, descubro nuevas formas, nuevos detalles; Un lugar único convertido en obra de arte y un nuevo punto nacional de peregrinaje skater.”
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Ricardo Cavolo Por Coral Flores
Ricardo Cavolo es un ilustrador de Salamanca que ha logrado transmitir historias utilizando las técnicas tradicionales para ilustrarlas. Sus ilustraciones son atractivas debido a su uso de colores intensos y trazos simples, sin importar que sean tan realistas. También, se ha preocupado por crear símbolos que cuentan algo más de lo que se ve a simple vista.
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Ricardo Cavolo es un ilustrador, nacido en Salamanca el 31 de enero de 1982. Es licenciado en Bellas Artes, Técnico Superior de Imagen y profesor de dibujo en Secundaria. Ha pintado desde que era tan solo un niño y veía a su padre trabajar en su estudio de pintura. Después de un tiempo en Madrid, actualmente vive y trabaja en Brighton. Desde que era pequeño, ha querido transmitir sus historias de algún modo. En vista que la escritura no era su fuerte, decidió probar a contarlas mediante la pintura. Sus ilustraciones narrativas son de estilo naïf; estilo que nace tras sus primeros proyectos profesionales ilustrando libros infantiles empleando colores brillantes e intensos, así como una gran cantidad de figuras y elementos compositivos. Al ver el impacto visual que producían aquellas ilustraciones de carácter agresivo y directo, decidió seguir empleándolo para sus futuros trabajos, ya que ésta, según el ilustrador, era la mejor manera para hacer llegar claramente sus mensajes.
Desde que Cavolo conoció el art brut y el arte outsider, siempre ha trabajado pensando en esos movimientos.
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La evolución de su estilo ha desencadenado ilustraciones llenas de simbolismo y códigos internos que utiliza para contar historias emotivas de la parte menos normal de la vida. Uno de los recursos que emplea para contar historias es incluir en la piel de sus personajes tatuajes que aportan más información sobre éste a modo de biografía. Otro de los recursos protagonistas en su obra son las narices y los mofletes rojos. Este recurso, según el ilustrador, tiene la finalidad de aportar mucha vida a cada retrato. El padre de Ricardo Cavolo le trasladó el placer por el proceso artesanal mediante técnicas tradicionales como lápices de colores, acuarelas, tintas líquidas con pincel, pluma e incluso la técnica de la pirografía. Solo emplea el medio digital para trasladar su trabajo al mundo online.
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El trabajo de Ricardo Cavolo abarca diferentes ámbitos, desde la ilustración editorial hasta la pintura mural, pasando por el diseño gráfico y obras realizadas mediante la pirografía. Ha ilustrado libros como ‘Cocina Inide’ y ‘Cocina Pop’, ha trabajado en diversas portadas de discos, ha pintado murales en diversas ciudades de Europa y América (murales para marcas como Urban Outfitters, Cirque du Soleil, Nike o Montreal’s Airport), ha colaborado en el mundo de la moda y ha realizado numerosas exposiciones de su trabajo. También ha publicado una novela gráfica y un libro titulado Historia ilustrada de la Música. 100 artistas sin los que no podría vivir en el que, tanto el texto como las ilustraciones son del mismo Ricardo Cavolo. Como ilustrador, Ricardo Cavolo, además de realizar proyectos para particulares y exposiciones en circuitos nacionales e internacionales, ha trabajado en agencias de publicidad como Sra. Rushmore, Ogilvy, Young & Rubicam y Leo Burnett entre otras, trabajando en campañas publicitarias para marcas como Nike, Converse, Dockers o Levi’s… Ha ilustrado piezas de ropa para Custo Barcelona, para editoriales como SM, Periférica, Lunwerg y Límina. Y ha realizado colaboraciones con otras entidades como el Circo del Sol (2010) o Aiga (American Institute of Graphic Arts).
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DUAL
BRUSH
pens Set de 96 colores
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GRAFFITI INDOOR Por Sara Hormigo
Los grafitis se han reinventado y ahora son uno de los recursos decorativos que son tendencia en interiorismo. Cuenta con tantos fans como detractores, lo que no ha impedido que evolucione para colarse también en nuestras casas. ¿Te atreves con el street art? Muchos consideran los graffiti obras de arte urbanas, aunque también despiertan mucha controversia porque muchos otros lo consideran un acto de vandalismo...
Sea lo que sea (no nos vamos a meter en ese debate), ¿por qué no pueden funcionar también como un elemento más dentro de la decoración de interiores hoy en día?
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¿Cómo incorporar un graffiti en casa?
La mezcla de colores vitales y enérgicos, así como las formas redondeadas y asimétricas, proporcionan a nuestro hogar un toque callejero más informal, original y divertido.
Pero, ¡no te asustes! porque existen una serie de técnicas que te ayudarán a suavizar el efecto grafiti en casa para que tu hogar siga siendo tu lugar de descanso preferido. UNA ÚNICA PARED
Puedes utilizar esta tendencia tanto en paredes y cuadros como en muebles. Normalmente, lo más indicado para acercarnos poco a poco a esta inusual decoración es reservar una única pared para el grafiti (ya sea en cuadro o pintado en la propia pared). Lo estaremos descontextualizando del resto de la estancia por lo que será menos agresivo.
TONOS NEUTROS
Otra opción es incorporar un grafiti que vaya en consonancia con los colores de la estancia. Utilizar por ejemplo tonos neutros hará que el efecto se suavice y se integre de una forma más sutil en nuestra casa.
DISEÑOS PERSONA LIZ ADOS
Una de las ventajas de este tipo de decoración es que podrás hacerlos a tu propio gusto. Tú podrás elegir la palabra, el dibujo, el significado, los colores, el tamaño... ¡up to you!
MATERIA LES CON LOS QUE ENCAJA
Las paredes de ladrillos, el cemento, las vallas de acero o paredes de efecto viejo son los soportes ideales para poder incorporar un grafiti.
COLORES VIVOS
Si por el contrario, lo que quieres es dar vida a una estancia que ves más neutra o apagada los colores vivos serán la mejor opción para incorporar en tu grafiti. Al más puro estilo urbano tu habitación cobrará más vida que nunca.
EN LOS MUEBLES
El street art puede ser un buen recurso para la restauración de muebles y es que si tienes algún armario o cómoda al que quieras darle otro sentido para la decoración de tu dormitorio o sala de estar, puedes romper con el resto de la decoración e incorporar un grafiti en la pieza.
¿Te atreves a darle un toque diferente a tu casa a golpe de spray?
Empieza
algo
nuevo
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Keith Haring Por Julenne Esquinca
Admirado por muchos y quizá por otros no tanto debido a su forma de ser irreverente, Keith Haring, uno de los artistas más polémicos del siglo XX, gracias a su fuerte sentido de crítica hacia la sociedad en general y por su marcado activismo social, contribuyó al nacimiento de la generación pop.
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La transición del graffiti al arte urbano fue posible gracias a quienes de algún modo legitimaron el movimiento como una nueva expresión artística. En la Nueva York de los 80, el graffiti se volvió una vía para hablar sobre las inequidades sociales en las que vivía el país más poderoso del mundo. Puesto que el graffiti invadía el espacio público, se volvió popular. Así, los artistas más receptivos –y ávidos– de opciones lo emplearon como un medio más para seguir creando arte. Algunos de los casos más conocidos son Jean-Michel Basquiat, Kenny Scharf y por supuesto Keith Haring. Mientras que Basquiat trasladó nociones del art brut y el dripping de Pollock a los muros, Haring utilizó colores brillantes y dio un rol principal a la línea. Originario de Pennsylvania, los primeros pasos artísticos de Haring fueron en la Ivy School of Professional Art en Pittsburgh.
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En este sitio, dio cuenta de que no quería ser un diseñador comercial, así que decidió estudiar artes en la Escuela de Artes Visuales de Nueva York, ciudad donde finalmente entraría en contacto con el graffiti. Artistas que influyeron en las producciónes de Keith Haring fueron Jean Dubuffet, Pierre Alechinsky, William Burroughs y Robert Henri. Gracias a estos autores, se atrevió a desarrollar su lenguaje gráfico propio en el que la línea era el personaje principal. Este artista también fue afectado por las intervenciones monumentales de Christo, así como la estética visual del pop art del famoso Andy Warhol. Haring inició sus experimentos con el graffiti en 1980 cuando notó que existían algunos espectaculares en el metro cubiertos con papel negro. Decidió intervenir estos espacios con gis blanco produciendo cientos de dibujos que empleaban composiciones básicas y sintéticas a partir de un trazo único.
El metro se volvió su campo de juegos y laboratorio. Aquí, el artista encontraba soluciones ingeniosas para experimentar con algo tan simple como la línea. En definitiva, reflejó como ninguno la muerte, el nacimiento, el sexo, las drogas, la tecnología, la música rap, disco, las culturas cubanas y africanas. Mezcla de influencias que han inmortalizado sus obras a través del tiempo en varios géneros, incluyendo murales, escultura, posters y pintura corporal. Su más famosa aparición artística fue cuando en el año de 1986 pintó el muro de Berlín. Su preocupación por los problemas sociales en el mundo siempre fue algo que lo incentivó a tomar medidas, por lo que creó tres años después la Fundación Keith Haring. A la edad de 31 años murió en Nueva York víctima del sida en 1990. De los ingresos procedentes de licencias que generaban la venta de sus productos, todavía se destina hoy en día un porcentaje a la investigación del Sida.
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ARCO madrid
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FERIA INTERNACIONAL DE ARTE CONTEMPORÁNEO I N T E R N AT I O N A L CONTEMPORARY A R T FA I R 22-26 FEB 2017 MADRID
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AARON GLASSON Por Itzel Rojas Sosa
Fractales llenos de color, plantas, animales, mar, viajes cósmicos, personajes místicos y mágicos. Así es la obra de Aaron Glasson. En sus murales nunca falta un elemento natural que nos refiera la personalidad del artista neozelandés, que actualmente reside en México.
Ha intervenido repetidas veces nuestro país, dejando los muros más brillantes contagiados de la mística natural que en sus obras plasma. El artista se identifica como “artivista”, movimiento que busca concientizar a través del arte. Uno de sus trabajos más recientes en nuestro país en colaboración con el artista japonés Yoh Nagao, fue en Sea Walls: Murals for Oceans. Festival que busca crear conciencia sobre la conservación y cuidado de los océanos, en esta ocasión Isla Mujeres se coloreo con murales de artistas nacionales en internacionales, siendo el de Aaron Glasson el más colorido y uno de los más destacados del festival.
Aaron Glasson es miembro de PangeaSeed, organización internacional que cuenta con la colaboración de artistas internacionales para que por medio del arte puedan crear conciencia acerca de la conservación de especies marinas en peligro de extinción. El neozelandés comenzó a pintar con este propósito en Colombo, Sri Lanka, después empezó a pintar en muchos países y así fue como llegó a México en Sea Walls: Muralls for Oceans. También, podemos darnos el lujo de ver uno de sus murales en la colonia Roma, trabajo que hizo para el festival de arte urbano Art Walk el pasado mes de agosto.
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Una de las virtudes de Aaron Glasson es que logra que su arte se identifique con el lugar en donde está interviniendo.
El colorido de su obra se acomoda muy bien al folklore de nuestro país. Sus obras en Cholula, Puebla y la calle de Chihuahua en la Roma, se pueden identificar muy mexicanos. Otro de sus trabajos en tierras chilangas es el OvnibusRoma, en la colonia Roma que junto con Celeste Byers pintó para la transformación del autobús. Se trata de un autobús abandonado que fue intervenido para convertirse en una biblioteca. Ahora que Aaron Glasson está en nuestro país no hay que perderle la pista, pues sus obras en las calles son un deleite para la vista e imaginación.
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