DEL
TÉCNICAS BUEN DISEÑO
Tips para la creatividad Si eres diseñador gráfico, ilustrador, artista o simplemente necesitas realizar un trabajo o tarea creativa y te encuentras en un momento de bloqueo mental y falta de ideas, te recomiendo seguir estos tips para una buena creatividad.
1. Busca inspiración (ojo que no copia) Ten a mano unas cuantas webs que te inspiren en tu área de trabajo. Las ideas de otros pueden atraer nuevas ideas en las que no habías caído. No se trata de copiar, se trata de desbloquear la mente y que surjan ideas nuevas. Puedes entrar a mirar qué hacen otros diseñadores en logopond, graphicriver o deviantart.
2. Tómate un descanso Deja lo que estés haciendo y tómate un respiro, de vez en cuando hay que descansar la mente para poder ser creativo y productivo. Sal a la calle o siéntate en el sofá.
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3. Garabatea sin sentido Tienes que hacer un logo, un catálogo, un poster... No te salen ideas y no sabes ni por dónde empezar... Prueba a garabatear y hacer formas sin lógica en un documento en blanco. Si lo que no te “sale” se trata de un texto, prueba a escribir frases que te vengan a la cabeza, aunque
no tengan nada que ver con el tema. Esto hará que empiecen a surgir ideas y más ideas hasta que sin darte cuenta estés en mitad del proceso creativo. Como en el punto anterior, es cuestión de arrancar y ponerse en marcha muchas veces.
4. Abre la mente Pasa que muchas veces sentimos que siempre hacemos lo mismo y que acabo muchas veces realizando diseños de “sota, caballo y rey”. Quizás lo que necesitas es renovarte y probar
algo diferente aunque no te convenza inicialmente. No pasa nada, nadie tiene por qué verlo, pero de esa idea “mala” seguro que pueden salir nuevas mejores.
5. Escucha música Si te gusta escuchar música mientras trabajas prueba a cambiar el disco, y busca una playlist diferente en Spotify ypuedes escuchar música relajante.
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6. Crea un nuevo documento y ponle nombre Cuando no te salen ideas para algún proyecto lo que puedes hacer para salir de ese “bucle” es abrir un nuevo documento en el programa donde tengas que hacer el diseño (illustrator, Photoshop, Dreamweaver...) y ponerle nombre. Es el primer paso para que empiece el proceso creativo y te destaques.
7. Elimina el estrés Si estas estresado y te bloqueas, elimina el estrés y relájate. si trabajas desde cada, Puedes bailar o cantar. y si estas en la oficina platica con tus compañeros sobre otros temas, o habla por telefono con tu prsona favorita. El estrés limita la creatividad y daña la salud
8. Levántate por agua y pasea hasta el baño Despégate del ordenador y date un paseo hasta el baño o la máquina de agua o de café. Moverte hace que se activen otras partes de tu cerebro y salgas de ese bloqueo mental.
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9. Pide feedback
10. Apunta todo
11. Cambia de tarea
Lo más sencillo, pide ayuda si te atascas. Las personas que te rodean pueden tener una perspectiva diferente a la tuya y pueden surgir ideas muy buenas haciendo una ronda de preguntas.
Hoy en día teniendo smartphones no hay excusa para apuntar las ideas que te venga a la cabeza en cualquier momento.
Hay veces que simplemente no nos encontramos en nuestro mejor momento y no nos sentimos creativos. Hay personas que rinden mejor en determinados momentos del día.
Haz incluso fotos si ves algún cartel o idea que te puedas inspirar en algún proyecto.
Busca tu momento creativo y mientras tanto cambia de tarea.
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UN
COMO LOGRAR
BUEN DISEÑO
A la hora de comenzar un trabajo de diseño hay que tener muy claros los conceptos que explico a continuación. Se trata de las reglas básicas de diseño gráfico que todo diseñador debe conocer para que sus trabajos sean profesionales.
• Ten claro el concepto y mensaje El diseño tiene que transmitir un mensaje c l a r o y v i s u a l . H ay q u e c o n o c e r b i e n e l s e c t o r, la empresa /marc a y el p ú b l i c o o b j e t i v o, p a r a a s i poder presentar un buen concepto y un mensaje que le haga transmitir un s e n t i m i e n t o.
•Simplifica y no te extiendas
•Lo sencillo facilita la comprensión del mensaje. •Haz que tu diseño tenga un único estilo y las tipografías, colores e imágenes justas y necesarias. •Utiliza textos cortos. •No utilices fondos demasiado complejos. •Es mejor una imagen impactante que 5 que no digan nada
•No rellenes huecos por rellenar El diseño tiene que tener espacios vacíos y “aire” para que todos los elementos f luyan y quede visualmente equilibrado. No tenemos que rellenar todos los huec os que nos parezc a que están vacíos.
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•Elige y combina bien los colores
Hay que tener muy en cuenta el significado de los colores y lo que transmitimos con ellos. No se deben meter colorines sin sentido porque nos parezca bonito. No todo tiene que ser un carnaval. Hay que adaptar la gama cromática al mensaje que se desea transmitir.
•Errores en la combinación de colores: Hay que evitar contrastes y mezclas de color que hagan que no se pueda leer bien los textos y/o que hagan daño a la vista.
•Elegir la paleta de colores: Podemos ayudarnos de esta rueda cromática para seleccionar colores que no “se maten” entre sí y elegir bien una gama cromática que tenga una continuidad: Adobe Color CC
•No distorsiones las imágenes Por último pero no menos importante: Si tienes que escalar una imagen para ajustarlo a cierto ancho o alto que sea siempre manteniendo la proporción.
•Alinea
•Agrupa y equilibra
El texto y los elementos del diseño deben estar bien alineados. Eso no significa que tenga que existir una simetría, pero sí nos tenemos que asegurar de que cada elemento esté en el sitio que debe estar y no puesto al azar. Dará uniformidad y
Organiza la información agrupando elementos relacionados. Intenta que tu diseño tenga entre 3 - 5 grupos de elementos. Entrecierra los ojos para encontrar los grupos de elementos como si fueran formas para dar con un diseño equilibrado.
organización a nuestro diseño.
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NUMEROGRAFÍA Un proyecto tipográfico de Miquel Vila
El joven artista del lettering Miquel Vila tiene un proyecto muy especial: ha completado una antigua tipografía adaptándola a su experiencia personal. Tras descubrir una vieja tipografía dedicada a personajes famosos, pero a la que le faltaban todos los numerales, Vila decidió completar ese hueco diseñando él mismo los números del 0 al 9. Pero estos, en vez de incluir el nombre de personas célebres, incluirían el de amigos y familiares suyos, haciendo así que Vila combinase la práctica tipográfica con la reinterpretación y apropiación personal de la obra artística de otros.
El resultado son diez piezas que hasta cierto punto respetan los intrincados ‘patterns’ de la tipografía original de Midolle pero que tampoco tienen miedo de introducir referentes personales, como algunos diseños de influencia asiática. ¿Qué opinas de este proyecto tipográfico tan personal? ¿Crees que es interesante su proceso de recuperación de una tipografía antigua?
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¿Qué representan estas texturas? Son texturas que intentaban seguir lo que hacía Midolle hasta que me cansé y decidí darle un toque más multicultural. Entonces empecé a mirar diferentes culturas, distintas religiones y sus respectivas arquitecturas (japonesa, musulmana). Se nota especialmente la influencia asiática en el pattern superior del 8 y del 3.
¿Por qué le has dado este amarillo?
Al principio no iba a utilizar este color. Estuve probando varias combinaciones de colores pero no funcionaban porque no permitían ver los detalles de la ilustración. Así que opté por el amarillo porque era el que más contrastaba y permitía ver bien los detalles. Además, el color amarillo, con varias tonalidades y sombras, le daba un rollo barroco kitsch que parecía que iba con las ilustraciones (aunque bromeaba con algunos amigos de que podría ser también un homenaje en clave a los presos políticos catalanes). En cada número hay un apellido o una palabra. ¿Por qué? El alfabeto original que tomé otorgaba a cada letra un personaje ilustre de aquella época. Como no podía otorgar un personaje ilustre a un número, pensé en dedicarlos a gente importante en mi vida o en este
proyecto en concreto. Así que fui preguntando a mis amigos y a personas de mi familia cuáles eran sus números preferidos, se los fui otorgando y puse su apellido en cada uno. También hay un detalle para Midolle: a él le dedico el número 0, el número que da comienzo a todo.
Aunque, por supuesto, respetando las excentricidades que Midolle hizo: cuando un apellido no le cabía porque era demasiado largo, lo ponía en minúsculas y así ganaba espacio. Me pareció una solución muy chapucera, pero que le da su encanto.
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EL MUNDO DE LAS LETRAS El diseño busca comunicar, y hay algo que resulta elemental por su combinación de estética y funcionalidad: la letra. La letra comunica por sí sola, pero la manera en la que está escrita o dibujada es capaz de transmitirnos significados que van mucho más allá del lenguaje y que pueden comprenderse aunque desconozcamos el idioma o el alfabeto con el que han sido escritas. Es ahí, en esa porción central que se dibuja en el diagrama de venn que forman el lenguaje y el diseño, donde residen disciplinas como el lettering, la caligrafía y la tipografía. Campos tan distintos entre sí y al mismo tiempo conectados por el uso de la palabra. Son muchos los amantes de las letras y el diseño, aunque a cada uno le gustan las letras a su manera, ¿con cuál te quedas tú?
Lettering
Es el arte de dibujar letras, al contrario que con las formas tradicionales de caligrafía, que requieren ligaduras y una escritura continua, el lettering se realiza dibujando las formas y contraformas de las letras. Los expertos en su realización recomiendan a todo aquel que quiere iniciarse que no piensen en las letras como letras en sí, sino como formas. Uno de esos expertos es Martina Flor (@martinaflor), quien asegura que “dibujar letras es algo que todo el mundo puede aprender”. En el curso Los secretos dorados del lettering, nos introduce en este arte a través de los principios y técnicas más efectivas para idear, dibujar y crear una pieza de lettering desde cero.
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Caligrafía Es el arte de escribir la letra, entendiéndose como un conjunto de rasgos que caracterizan la escritura, como la forma de escribir, que se hace de un solo trazo. Iván Castro (@ivancastro) es un auténtico rockstar de la caligrafía, con un estilo atrevido que engalana su amor por las letras y se ha convertido en uno de los calígrafos y letristas más reconocidos. En el curso Caligrafía y Rock’n’Roll te enseña a ponerte manos a la obra, pincel en mano, para descubrir las posibilidades y la expresividad de la caligrafía, aprendiendo a dominar las formas de las letras escritas. Según el propio Castro:
Tipografía
Por tratarse de una disciplina puramente digital podría parecer que se encuentra algo desconectada del lettering y la caligrafía, pero si atendemos a la expresividad de la letra caemos enseguida en la cuenta de que la tipografía tiene un poder de comunicación increíble. Diseñar tipografías es diseñar un conjunto de letras,
números y signos que tienen características comunes, que se han creadas bajo un mismo estilo. La tipografía es pintar con palabras. - Paula Scher. Quique Ollervides (@quique_ollervides), diseñador, ilustrador y tipógrafo de marcas como Google, Microsoft, MTV, Cartoon Network o Nike,
es uno de los diseñadores con mejor manejo de tipografía del mundo, y en su curso Tipografía y Branding: Diseño de un logotipo icónico, nos enseña a diseñar una tipografía desde cero, realizando un logotipo en base al desarrollo tipográfico. Un ejemplo perfecto del poder comunicativo de la tipografía.
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NOVA ARTE Diseño 3D
El diseño 3D seguirá siendo tendencia en 2020. La combinación 3D con otras realidades como fotografías y objetos bidimensionales será muy habitual.
Color monocromático
Si en 2019 hablamos de la tendencia de los duotonos, en 2020 se tenderá hacia el uso monocromático tanto en fotos como en composiciones gráficas y elementos independientes.
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Efecto metal Muy enfocado a la identidad de marca y el diseño de productos, con tendencia hacia el uso del oro y grabados para dar la sensación de lujo y exclusividad.
Collages El o b j et i vo e s m ezc l a r i m á g e n e s c o n i l u st r ac i o n e s q u e n o te n g a n n a d a q u e ve r, r e s a l t a n d o p a r te s c o n c r et a s y p r ovo c a n d o u n c h o q u e d e e st i l o s di fe r e nte s. E st a s e r á u n a d e l a s te n d e n c i a s p r i n c i p a l e s d e di s e ñ o g r áf i c o e n 2 0 2 0.
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MUNDO ARTE Félix Beltrán Y el arte convertir el cartel en icono El diseñador cubano tiene muy claras cuáles son las claves de un buen diseño: sencillez y crítica social Hablamos con Félix Beltrán (La Habana, 1938) considerado el padre del cartel cubano y uno de los mayores referentes del diseño gráfico latinoamericano. Su trabajo se extiende a lo largo de más de cinco décadas de cartelismo, ilustración, publicaciones, libros y premios. Es difícil reducirle a la mínima expresión, que es justo en lo que él es especialista: absorber ideas complejas y sintetizarlas. Estudió diseño gráfico en la School of Visual Arts de New York (EEUU) en los años 50 y algunos de sus carteles más conocidos han llegado a convertirse en iconos internacionales como el del Che, Angela Davis o la Cruz Roja Suiza. Para Beltrán sus obras se vuelven perennes “porque no buscan modas que son transitorias”; son eternas, porque son sencillas y en la sencillez reside su atemporalidad. “Simple es lo que no tiene demás y no tiene de menos. Lo complejo es lo que no se ha posicionado y no ha quedado claro.” Pensamiento sencillo, carteles poderosos Su método de trabajo, reconoce, es la “inconformidad, porque siempre hay que aspirar a más”. Se define como un perfeccionista incansable, que aún a los 80 años, tiene mucho por aprender y enseñar.
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Vicente Morillo El diseñador ecléctico que conquista a las grandes marcas Conversamos con él sobre los orígenes de su talento multidisciplinario y sus procesos de creación Vicente García Morillo es director creativo, diseñador gráfico e ilustrador. Su trabajo recorre la publicidad, la moda y el diseño digital, acercándose muchas veces al arte. Su carrera en el mundo de la creatividad comenzó en la Escuela de Artes de Mérida (España), y una vez decidido que quería vivir de la creación decidió estudiar Bellas Artes en Sevilla. Ahí conoció y desarrolló disciplinas artísticas que realzan su trabajo como son la pintura, el grabado y la escultura. En la etapa final de sus estudios se especializó en diseño gráfico y comenzó a trabajar con varias marcas y proyectos, como Nike, Ministry of Sound, Urban Outfitters, Condé Nast y Adobe. En vista del éxito de su trabajo, en 2016, fundó su propio estudio de diseño multidisciplinar localizado en Nueva York, Burn & Broad, junto con el ex director de arte de Nike, Eugene Serebrennikov. El trabajo de Vicente Morillo es un ejemplo de habilidad para combinar ilustración, diseño gráfico y tipografía con un estilo que por momentos nos remite al Bauhaus y al Art déco. Son también muy habituales las texturas y colores que hacen referencia a tendencias visuales de la era digital como la apariencia acuosa.
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