TIRANO by Enrique Centeno

TIRANO

No MX U.S.A

$100.00

$9. 25

TIRANO

CONTENIDO

Ds 6

Veta

Diseño Neoartesanal

Leif Podhajsky

Jacquemus

Tr 17

Diseño

Trend

Especial de: Ft

Fotografia

Asger Carlsen

Germinal Roaux

El Montero

Multidiciplinario

Shy Gestures

Ficciones: Pierre Huyghe

Despacio

SAVVY Estudio

Es 16

Estructuras R432

Abierto Méxicano de Diseño

Instalación Conmemorativa

Comunicado MUTEK

Voice Tunnel

ISAM 2.0

DIRECTOR GENERAL / EDITOR EN JEFE Ricardo Porrero rporrero@editorialtirano.com EDITORA Nadia Benavides Méndez nadia@editorialtirano.com EDITOR GRÁFICO Antonio Valverde antonio@editorialtirano.com

EQUIPO TIRANO

COORDINADORA EDITORIAL Sandra Reyes sandra@editorialtirano.com DISEÑADOR GRAFICO Heriberto Guerrero heriberto@editorialtirano.com COORDINADORA TIRANO.COM Elizabeth Gutierrez elizabeth@editorialtirano.com

LO LEGAL TIRANO 1

Julio

Septiembre de 2013

TIRANO es una publicacion trimestral editada y distribuida por Sistemas de Informacion Automática S.A. de C.V. Reserva de derechos al uso exclusivo de titulo No. 04-2003-12151774600690-102. Domicilio: Ámsterdam 219-A, despacho 202, Colonia Hipódromo Condesa. C.P. 06170. México D.F. Impresa por: Offset Santiago S.A. de C.V. Rio Joaquín No. 436 Colonia Ampliación Granada C.P. 11520 México D.F. Distribución en locales cerrados por Publicaciones Citem S.A. de C.V. Avenida del Cristo 101, Xochimilco, Tlanepantla, Edeo de México, C.P. 54080,Tel. 5238 0200. Derechos Reservados. Se prohibe la reproducción total o parcial del contenido por cualqueir sistema o método incluyendo electrónico o magnético sin previa autorización del editor. TIRANO no se hace responsable de las opiniones de sus colaboradores. No nos hacemos responsables por material no solicitado

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COORDINADORA DE SECCIÓN / FOTOGRAFIA Mari Carmen Ruiz maricarmen@editorialtirano. com CORRECCION DE ESTILO dn3editores / Israel Galina www.dn3editores.com INTERNO Alejando Salazar alejandro@editorialtirano.com

Shy Gestures Pequeños detalles dan toques divertido

VETA Mobiliario Personalizado

El estudio mexicano, Veta, diseña mobiliario y objetos personalizados que se ajustan a los interiores de la casa u oficina. Entre su catálogo cuentan con un simpática revistero bicolor. El Revistero Fold fue diseñado para la interacción como un elemento reversible. Una cara del objeto cuenta con chapa de madera de nogal; mientras la otra está lacada con color menta. El contraste cromático y de textura la convierten en una pieza original para las revistas consentidas. Veta, que por cierto hoy estrena nueva imagen en su página web, cuenta ya con tienda en línea, en donde se pueden encontrar todas sus piezas. 8

El trabajo de la artista nacida en Serbia Ana Kraš ganó la atención cuando era una niña. Como estudiante en Belgrado sin el beneficio de las computadoras, donde a menudo se hacen prototipos y diseños a mano, un hábito que llevas a la práctica hasta el presente. El enfoque de Kraš es diseñar frescantemente, simple - para que los objetos sean fáciles de usar y requieran la mínima producción posible. Diseñando de esta manera le permite centrarse en los pequeños detalles que le dan un toque diverti-

do a las piezas de un modo modesto. Kraš puede ser mejor conocida por sus lámparas "Bon Bon", cuidadosamente hechas a mano, en un proceso que es una meditación con ella. Ella se siente atraída por las combinaciones y la estética considerados convencionales y bonitos. En el video-reportaje de Avant Garde Diaries, Kraš nos adentra en el mundo privado de su creatividad, su estudio, su romance, y la propia ciudad de Nueva York, la metrópolis que ahora llama hogar.

2010 Imagenes: Cortesía Ana Kras

www.veta.mx info@veta.mx 01(55)4444 3440 9

Ficciones

Pierre Huyghe

Comisionado por el Museo Tamayo Arte Contemporáneo para hacer una pieza, Pierre Huyghe (París, 1962) se detiene a platicar con Tirano sobre el proyecto y sobre las tensiones que su obra crea entre la realidad y la ficción. Fuiste parte de dOCUMENTA (13) como miembro del Comité Consultivo Honorario, además de hacer una pieza en Karlsaue Park… Sí, llevé la posición del artista dentro del comité. Tuve algunas conversaciones informales con Carolyn acerca del arte, el conocimiento, la necesidad de una exhibición. Conforme el proceso avanzó, hablamos con las demás personas involucradas acerca de constituir una nueva estructura y sobre los diferentes protocolos de la exposición.

Esta participación cercana con la exhibición, ¿hizo que tu pieza fuera especial? No, tal vez absorbí los proyectos de los artistas sin darme cuenta (risas). Encontrarte con muchos trabajos que se están creando le da cierta energía al tuyo, es estimulante. Siempre soy receptivo al contexto y trato de entender las condiciones en las que algo puede existir o aparecer. Comprendí dOCUMENTA (13) como la coexistencia de pensamientos, no todos sometidos a la teoría y no todos antropocéntricos; por supuesto que tuvo alguna influencia. 10

Entiendo que esta nueva pieza para la reinauguración del Museo Tamayo está relacionada con varios viajes que has hecho a México. Este proyecto ha tenido muchos estados. En la época en que me invitaron al Museo Tamayo, estaba trabajando en Naica, un poblado cerca de Chihuahua, donde está la cueva de cristal. Es agradable el andar por ahi.

¿Cómo descubriste Naica? Por accidente, mientras hacía una investigación. Me interesa el hecho de que hemos inventado una sedimentación de narrativas —en literatura, en cine, etcétera— acerca de ese tipo de formación geológica antes de tener conocimiento de ella. Por ejemplo, en Viaje al centro de la Tierra de Julio Verne, donde los personajes encuentran unos cristales gigantes en su viaje al inframundo, o en la Fortaleza de la Soledad, de Superman, o en experimentos científicos, en magia. La cueva de cristal ha existido fuera de nuestra percepción y conocimiento,

y cuando aparece en nuestra realidad, permanece influida por estas narrativas previas. Es algo que existe en sí mismo antes de existir para nosotros y permanece en sí mismo después de nosotros. Invité a siete personas —un chamán, un matemático, un cristalógrafo y un granjero— y los llevé a la cueva. No fueron los primeros testigos, pero sí algunos de los primeros en encontrar esta cosa que ya estaba en nuestra imaginación, que ya tiene una sedimentación de significados, discursos, ficciones, aun antes de que apareciera en nuestra realidad. 11

01 doCUMENTA (13) Imagenes: Cortesía Marian Goodman, Gallery, New York

¿Cuál fue el resultado del encuentro? Los testigos dieron su testimonio a través de la escritura, el dibujo, construyendo cosas. Todos los elementos se reunieron. Mi idea al principio era reconstruir la cueva, usando la grabación de la exploración que sería deformada por estos testimonios, por la memoria colectiva que le habría permitido a este objeto reaparecer, pero con las aberraciones humanas. Una capa de interpretación, como el recuerdo, no es un estado fijo, es un cambio constante hacia una versión ideal de ese primer encuentro. Estaba pensando en exhibir la diferencia entre la cueva y el testimonio, los ojos de los testigos. Al final abandoné esa idea e hice dos imágenes…

Mayor y al Cárcamo de Dolores, que tiene un mural de Diego Rivera. Siempre es algo subterráneo, algo que tienes que escarbar; está en la oscuridad, cubierto, en el tiempo.

Ese no fue tu primer viaje a México… No, vine a México en 1987, estaba tratando de hacer un viaje alrededor del mundo. Tenía una cámara Súper 8 y filmaba diferentes lugares. Cuando la invitación del Tamayo se volvió más precisa, me di cuenta de que había ido a un museo en 1987. Regresé a la cinta de Súper 8, vi que era el Tamayo y que filmé a la gente alrededor de las piezas de arte, fui testigo del ritual de la exposición. No recordaba eso. Ates-

tiguar el comportamiento de los visitantes estaba ya ahí inconscientemente: ver los visitantes, las cosas, los artefactos, las esculturas, así como atestigüé a un matemático o a un chamán viendo la cueva de cristal. Estoy viendo al testigo en el momento de la exhibición, la aparición, en la condición del encuentro y la separación. Ya sea cultural o natural, el acto de atestiguar permanece igual.

¿El inframundo en México te atrajo? No sé si el subterráneo es el inframundo. Mientras estaba en el patio del museo, el mismo que filmé en 1987, abrieron una compuerta en el piso, revelando los cimientos del museo, justo debajo del espacio de la exposición, donde las cosas están bajo la luz. No sólo vas debajo físicamente; también regresas en el tiempo, lo que equivale a una sedimentación geológica. Lo que estoy haciendo aquí existe, aunque no siempre esté exhibido. Existe sin ser expuesto, siempre cambiando, creciendo.

‘‘

Nunca me interesó representar, sino intensificar la presencia, la presentación, el testigo crudo, lo concreto, lo material y el protocolo de la separación entre las cosas y nosotros. ‘‘

¿Entonces la memoria —más precisamente los recuerdos de tus exploraciones en México— es el punto inicial de este proyecto? Es más la recurrencia accidental dentro de los diferentes viajes. Naica vino primero; después, mientras trabajaba en la exhibición, fui a Chichén Itzá y a los cenotes de Yucatán, y más recientemente al Templo

02 03 Typhliasina Pearsi, 2012. Imagenes: Cortesía Tamayo Arte Contemporanéo. Finley-Holiday Film, California

Entonces hay una instalación subterránea, un tanque con peces ciegos y rocas volcánicas. Esto me recuerda tus acuarios marinos y la intención de crear nuevos mundos con sus propias reglas. Sí, es un mundo con sus propias reglas, una vitalidad dentro de un cuerpo determinado. Y dentro de ese cuerpo estoy tratando de crear una vitalidad, con incertidumbre y un colapso potencial, pero también con la posibilidad de transformación. Estoy interesado en la aparición, la emergencia de algo. Cuando empecé los acuarios intenté crear la condición, pero no la relación entre estas entidades vivientes dentro de un espacio determinado. No defino las políticas, si ese cangrejo herradura se comerá a esa estrella de mar. Pero algunos comportamientos, y la forma en que se presentan a sí mismos, son recurrentes.

04 The Host and the Cloud 2010 Imagen: Cortesía Marian Goodman Gallery New York

Ves la entropía del sistema… Más bien la emergencia de la transformación y la contingencia dentro de un sistema. En este acuario hay peces ciegos de México, perdieron los ojos porque viven dentro de los cenotes. Son de diferentes cuevas que estuvieron selladas por miles de años, por lo que evolucionaron por separado. El gen que permite a la visión ser procesada por el cerebro perdió una parte específica en una cueva específica y una parte diferente en otra cueva. Ahora los genes complementarios en dos peces ciegos podrían permitir la reaparición de los ojos

‘‘

La exposición en sí misma, no es un fin sino un proceso, un pasaje, un estado. ‘‘

Una exhibición de escultura acompaña la instalación subterránea. En 1987 había una exposición de escultura en el patio. No quise reconstruirla ni imitarla. Las esculturas las escogimos Sofía Hernández Chong y yo por las diferentes fechas en que se hicieron. Todas son de la colección del museo y están hechas de minerales, mármol, granito y roca volcánica, como el suelo de la exposición y el museo. ¿Cómo funcionará la exhibición de esculturas? El museo está construido de forma que la luz natural que entra del amanecer al anochecer se mueve de la entrada del museo hacia el final del patio. Las esculturas, los artefactos y las cosas están colocadas de acuerdo con un momento específico del día, cuando la luz directa viene de la estructura del museo. Dónde está basado en cuándo. Cuando la luz alcanza el interior del acuario, ésta determina la posición de cada escultura en el lugar.

05 The Forest, 2012. Imagenes: Cortesía Marian Goodman Gallery New York

soluto, una verdad, una literalidad. Estoy tratando de pensar acerca de algo que no pueda ser agotado por los discursos.

en la siguiente generación. ¿Y en algún momento cubrirás el tanque y dejarás que la pieza exista? En algún momento estará expuesta y ligada a la inauguración del museo. Estoy trabajando en la concordancia o discordancia con ese ritmo y el ritmo de desenterrar el acuario. Hay un pulso. El trabajo será cerrado en algunos meses, obras de arte serán expuestas sobre él, sólo algunos lo recordarán. Algo puede seguir creciendo y cambiando en un proceso constante, incluso cuando no esté expuesto.

En el contexto de tu trabajo, ¿cuál es la diferencia entre la ficción y una situación construida? Utilizo el término de situaciones construidas, algunas intencionales o sub-intencionales, más que ficción. ¿La ficción empieza cuando decides construir un edificio, es eso ya una ficción? Hay una diferencia entre ilusión y ficción, entre imaginario y realidad. Prefiero decir que en una imagen o una cosa, puede coexistir la factualidad y los discursos construidos.

¿De dónde viene el nombre del proyecto, El día del ojo? Del momento de ser testigo de algo y de potencialmente crecer ojos. Al intervenir en los roles colectivos, subvirtiendo las reglas de la cultura e incluso de la naturaleza, estoy pensando en El día del ojo, The Forest en la Opera de Sidney, la pieza de dOCUMENTA (13). ¿Te ves a ti mismo como un narrador? Creo que este asunto de la narración está entrando cada vez menos en mi trabajo. Estaba interesado en la forma en que un objeto puede existir sólo a través de la interpretación o del comentario acerca del objeto, esta sedimentación de discursos acerca de él, contrario al globo inflado de las narrativas y la forma en que se ha difundido en la sociedad, la política, los productos, donde todo tiene que ser narrado o se tiene que inventar un mito, el storytelling. Ahora me interesa más lo ab-

Después de experimentar con las relaciones entre ficción, documentación y repetición por tanto tiempo, ¿nos haces pensar y repensar la realidad que habitamos? Alguna vez he jugado con la idea de la representación, que es una diferencia muy importante. Nunca me interesó representar, sino intensificar la presencia, lo concreto, lo material y el protocolo de la separación entre las cosas y nosotros. 15

Mt 06 Not a time for dreaming, 2012. Imagenes: Cortesía Marian Goodman Gallery, New York

Ds DISEÑO NEOARTESANAL Centro de Produccion

DESPACIO 50.000 Wats de Potencia

Entras tantas noticias de James Murphy, la semana pasada salió a la luz uno de sus nuevos proyectos al lado de los hermanos Stephen y David Dewaele de Soulwax. Bautizado como Despacio, no se trata de una nueva banda, sino de un sistema de audio gigante que fue creado para el Festival Internacional de Manchester y que está cons16

truido a partir de elementos análogos, los cuales crean 50,000 watts de potencia. Este sistema de audio, que recibió también las manos de John Klett (el ingeniero de audio de cabecera de Murphy), fue utilizado para que los músicos puedan poner vinilos por tres noches consecutivas en el festival.

La Tora es el Centro de Producción de Diseño con sede en Madrid, España; un taller dedicado a la elaboración de productos de diseño neoartesanal y una empresa que se dedica a hacer realidad proyectos de creativos, entendiendo la profesión desde dentro, conociendo las dificultades que pueden surgir en la fabricación de los productos y las necesidades específicas de cada uno. La artesanía contemporánea consiste en la producción de objetos útiles y estéticos a partir de una nueva valoración de los oficios. En su producción se sincretizan los elementos técnicos y formales procedentes de otros contextos socioculturales y de otros niveles tecno-económicos. Culturalmente, estas artesanías tienen una característica de transición hacia la tecnología moderna o hacia la aplicación de principios estéticos de tendencia universal o académica. Tienden, además, a destacar la creatividad individual expresada en la calidad y originalidad del estilo.

www.latora.es info@latora.es @LaTora

EL MONTERO El Montero es un restaurante localizado en la ciudad de Saltillo, Coahuila «muy cerca de la línea fronteriza», su cocina representa lo mejor de los alrededores y cuenta con un menú inspirado en la comida regional integrada a la cocina contemporánea. Ubicado en el medio del desierto El Montero, es una edificación colonial considerada patrimonio nacional, el más

reciente proyecto de Anagrama, un lugar en el que el concepto puede ser apreciado en un 100% desde la forma en que se presenta la carta y los platillos (hasta el interiorismo) el cuál contiene elementos antiguos que se compenetran a la perfección con figuras contemporáneas logrando transmitir la misma idea que la gastronomía que se quiere ofrecer a sus comensales.

Cocina Rustica El salón principal cuenta con una lámpara elaborada con 4,000 kilometros de cadenas doradas, que logra captar tu atención a primera vista, puedes re-dirigir hacía los detalles colocados sobre las paredes blancas que se encuentran a los lados iluminadas con una tenue luz, creando así un ambiente más intimo para los visitantes que opten por la privacidad.

R432 Más de 54 pisos

Dotada de grandes camellones y glorietas, así como de alrededor de 12 km. de longitud, la Avenida Paseo de la Reforma es una de las más bellas e importantes de México; en ella se encuentran algunos de los monumentos y construcciones de gran simbolismo para una ciudad como el Distrito Federal «el Ángel de la Independencia o la fuente de la Diana Cazadora» y por supuesto emblemáticos edificios corporativos.

En 2015 se erigirá un nuevo edificio sobre Paseo de la Reforma. Con más de 54 pisos y 204 metros de altura la Torre R432 es el último y más reciente proyecto urbano que pretende convertirse en un símbolo arquitectónico sustentable e innovador de esta ciudad, ya que se convertirá en el primer rascacielos residencial de México, la cual se encuentra en construcción desde 2008 y pretende ser inaugurado en 2015, con una inversión de 110 millones de dólares. 18

ojkindarquitectos.com +(52) 55 52808396 @rojkind_arq

‘‘ Nuestra tarea para el desarrollo de la marca, fue desarrollar una personalidad en donde pudiéramos enaltecer los valores de la cocina tradicional, la cual aprovecha la simplicidad de la materia prima regional. ‘‘

ojkindarquitectos.com +(52) 55 52808396 @rojkind_arq

ANAGRAMA 19

INSTALACION

Es CONMEMORATIVA Para celebrar su 140 aniversario, Heineken creó una instalación de luz en Ámsterdam en la que 5 mil botellas funcionan como pixeles. Desde su página de Facebook, quien lo desee puede enviar un mensaje o una imagen que se proyectará en el muro La intención de los creadores es compartir un brindis de celebración con todos los amantes de Heineken en el mundo. Además, la marca convocó a un concurso para diseñar su botella de aniversario de edición especial. Entre seis finalistas y más de 30 mil partici-

pantes, resultó ganador el diseño realizado por el mexicano Rodolfo Kusulas de Monterrey y el australiano Lee Dunford, de Sidney. El diseño muestra la icónica estrella roja de Heineken formada por los cinco continentes.

VOICE TUNNEL En esta ocasión la atracción principal es la pieza del artista Rafael Lozano-Hemmer, Voice Tunnel (2013), situada en Park Avenue Tunnel. Los proyectos de Lozano-Hemmer incitan una experiencia directa con el espectador. Entre arquitectura, performance y tecnología, invita a los asistentes a jugar en sus espacios en

una experiencia estética, ética y, en muchos casos, hasta política. El Park Avenue Tunnel se convertirá en una reverberante instalación sonora que celebra “la libertad de discurso”. Al inicio del túnel —que por primera vez se convierte en espacio peatonal— se encuentra un interfón a la espera de los comen20

tarios de los transeúntes. Los mensajes se transmiten por el tunel a través de ondas de sonido, acompañados por una instalación de luces teatrales. De este modo, los participantes podrán “apoderarse del espacio que normalmente no es accesible y poblarlo”. “Pienso que es muy importante para la gente apropiarse de

su ciudad”, menciona Lozano-Hemmer. El foco del trabajo del artista se encuentra en la interacción. “Muchas de las nuevas tecnologías de interacción requieren manuales. En este caso la voz funciona como un vehículo natural y nos remite a nociones de libertad de discurso; es expresivo y muy efectivo”, explica.

LIEF PODHAJSKY

02 Innerspeaker, Tame Impala, 2010 Imagen: Cortesía Lief Podhajsky, Melburne Australia

‘‘ Leif Podhajsky se ha convertido en uno de los diseñadores gráficos más prolíficos de la industria. Es conocido por su versión moderna de arte psicodélico clásico, empleando imágenes geométricas repetitivas y amontonando patrones naturales. Se puede reconocer su trabajo en cualquier número de portadas de discos aprobados por Pitchfork, incluyendo LP’s de Tame Impala, Grimes, Foals, entre otros. La página web de Podhajsky dice que su trabajo explora temas de conectividad, la relevancia de la naturaleza y la experienece psicodélica o alterada. Los temas que más están presentes en la obra de Leif son el infinito, la importancia de la naturaleza y los estados alterados de la percepción, que bien puede ser una referencia directa

a lo psicodélico, pues en los títulos de sus obras menciona drogas como el DMT. Una de las herramientas más utilizadas por este artista es el efecto del espejo, en el cual se crea a partir de la reflexión de la luz en una superficie especular, una imagen que aparentemente es idéntica a la reflejada pero que esta al revés, esto tiene mucho que ver con la simetría de la naturaleza y las posibilidades que nos puede dar estéticamente, esto se puede ver en la naturaleza en un lago o en algunos minerales, sin embargo Podhajsky los manipula digi22

No tenia ni idea que haría ilustraciones para musicos. ‘‘

01 Imagen: Cortesía Lief Podhajsky Melburne Australia

talmente para crear imágenes psicodélicas, uno de los recursos que utiliza normalmente en sus videos son samples de la serie de la BBC, Planet Earth. Podhajsky hizo recientemente el arte para el próximo álbum de Mount Kimbie, e incluso dirigió el video musical para el sencillo adictivo de Kimbie “Made To Stray”. Nos encontramos con el Australiano para aprender un poco sobre la conciliación de ser adicto a el trabajo y la naturaleza, así como algunas de esas bandas que le gustaría colaborar en el futuro.

¿Cuál fue la primera obra por la que te pagaron? La primera obra que me pagaron… fue probablemente re-haciendo un formulario médico [risas]. Estaba completamente aburrido y era sólo diseño y creo que me pagaron cien dólares. ¿Cuál fue la primer banda a la que le diseñaste algo? Creo que en realidad fue Tame Impala. No tenia ni idea que haría ilustraciones para musicos. Un día comencé a subir cosas a internet que yo estaba haciendo en ese momento y me contactaron de la nada, para hacer el arte de su álbum. Eso fue un golpe de suerte.

Estudiaste arte en la universidad, ¿dibujabas mucho cundo eras niño? ¿Qué te llevó a esta carrera? Siempre estaba dibujando, pero estudié diseño gráfico en la universidad y entre a un estudio en Melbourne durante unos años, aprendí algunas técnicas extras y entonces, empecé a hacer cosas totalmente mías.

‘‘ El trabajo es mi pequeño

¿Necesitas cierto ambiente para trabajar; en la oficina ó en casa, por ejemplo, o puedes trabajar en cualquier lugar desde una laptop? Tengo una oficina en casa, pero estoy a punto de entrar en un estudio. En realidad, no me importa mucho. Soy sencillo y he viajado mucho, así que siempre tengo una laptop. Aveces ya ni recordaba a donde debía llegar, porque viaja a Berlín, México, Nueva York, Londres, o de nuevo en Australia, aunque de alguna forma era una buena manera de seguir trabajando. Es bueno ser un poco más sedentario. Creo que es más fácil sentar cabeza.

santuario y me mantiene de buen humor. No quiero traducir esa energía negativa en toda la obra. ‘‘

Artist Minigolf / Granta Books Imagen: Cortesía Lief Podhajsky, Melburne Australia

Podhajsky ha sido nominado a premios varias veces; con portadas como Innerspeaker (Tame Impala), Future Primitive (The Vines) y Mejor Arte de Vinyl el año pasado con Melt (Young Magic).

03 Black Up, Shabazz Palaces 2011 Imagen: Cortesía Lief Podhajsky, Melburne Australia

He leído en tus entrevistas pasadas, que describes tu arte como una conexión entre naturaleza, estados alterados, técnicas digitales y resultados orgánicos. ¿Pasas mucho tiempo en la naturaleza para explorar mas con tu arte y creatividad? Desearia pasar más tiempo. En realidad estoy atrapado detrás de la computadora demasiado tiempo. Siempre estoy tratando de darme tiempo para salir. De he estado saliendo a muchas excursiones los domingos. Es mi pequeño escape porque Londres es una locura. Sé que haz estado en casi todo el mundo, pero ¿tienes un lugar al aire libre que sea tu preferido? Yo tendría que decir que crecí en Byron Bay. Es una selva en la parte posterior de Byron. Varios amigos tienen por ahí casas muy bonitas, así que me gusta ir y quedarme allí - cascadas, plantas, animalillos-. Es probablemente el lugar más her24

moso que he estado y me crié ahí, así que es especial. También he leído varias veces que has dicho que el amor influye en tu trabajo. ¿Hablas de, amor como el que se siente por alguien o simplemente el concepto de romanticismo y el afecto? El amor en general. El amor hacia los demás es importante. Todos lo apreciamos y todos lo necesitamos por lo que es un factor básico en la forma de comunicarnos y expresarnos creativamente. Trato de poner buenos sentimientos en mi trabajo y creo que vienen a través de la composición y el color.

Entonces, ¿cómo haces que resulte tu trabajo, cuando estas en un estado mental negativo, si te sientes deprimido o angustiado? ¿Continuas creando o evitas trabajar con ese tipo de mentalidad? Creo que trato de evitarlo. El trabajo es mi pequeño santuario y me mantiene de buen humor. No voy a empezar algún trabajos u obra

de arte si estoy de mal humor. No quiero traducir esa energía negativa en toda la obra. Algunos de mis obras son bastante oscuras y hay temas más oscuros; y con eso solo muestro el lado opuesto al amor que yo siempre quiero explorar. ¿Qué otros medios te inspiran? ¿Hay alguna literatura o fotografía que te guste? A veces, tus obras me recuerdan a la película La Montaña Sagrada. Si. Mucho me ha influido. Mucho. ¿Por dónde empezar? Tengo un blog llamado Visual Melt, muchas de mis influencias están ahí. Y si hablamos de literatura, Murakami. Él es uno de mis favoritos, también. ¿Has leído 25

Crónica del Pájaro que da Cuerda al Mundo? Eso está en mi escritorio en este momento, se lo di a mi novia a leer. Es hipnotizante y el choque. También me gusta Herman Hesse y él me hizo sentir de la misma manera. Un artista muy sabio, y, que me gusta sin duda es Storm Thorgerson, ya falleció. Siempre me ha inspirado. También me gusta mucho Killian.

¿Qué programas digitales utilizas para crear sus diseños? No puedo decir si es básicamente Photoshop, o ...? Para las ilustraciones de álbums, suelo usar Photoshop pero trato de usarlo de manera extraña para tratar de romper ciertos esquemas. Trato de llegar a resultados que por lo general no saldrían de Photoshop. Para el video Mount Kimbie use Adobe Premiere y mi amigo Colby me ayudó a hacer los datos maceración. No estoy seguro de qué programa se utiliza, pero se pueden obtener datos de maceración y básicamente empalman dos videos y elimina ciertos frames que causan fallan. Trabajé con él en eso y el lo agregó a Premiere.

Parece que haz trabajado con muchas de tus bandas y artistas favoritos. ¿Hay algún artista con el que no hayas colaborado y te llame la atención? Hay una banda llamada The Couple Holydrug. Son muy pequeños y me gustaría hacer algo por ellos. Parece que estos son todos los mejores proyectos independientes que he conocido, ¿pero alguna vez has pensado en convertirlo en una agencia creativa o participar en alguna galería? Sí, tuve una exposición en Londres y fue algo así como mi primer paso en eso.

¿Fue un proceso tedioso? Era bastante tedioso. Conseguir que todos los efectos de capas tomen cierto tiempo. Estoy acostumbrado al flujo de Photoshop es muy sencillo. Pero esto fue muy diferente a mis otros proyectos.

¿Que galería? Pertwee Anderson and Gold. Fue una exposición en grupo con otro muchacho. Sin duda me gustaría empezar a hacer eso mas seguido.

Este fue tu primer video, ¿verdad? He hecho algunos experimentos muy pequeños de vídeos, pero este es mi primer video real. ¿Te ves haciendo más vídeos en un futuro? ¿Tal vez algo en vivo o stop-motion? Creo que sí. Es muy divertido. Seria como probar todo. He hecho varios visuales para las bandas de algunos amigos. ¿Entonces cuales son sus técnicas preferidas para trabajar? En una gran parte de mi trabajo estoy cursando una simbiosis entre las técnicas digitales y conseguir resultados con percepcion organica. Trabajo mucho en el ámbito digital. También me gusta usar algo mas orgánico, como texturas, dibujos, fotos, los escaneo o digitalizo cuando voy a comenzar algo. Pero creo que la principal técnica es mi imaginación, esta es la herramienta más poderosa que tengo para explorar y realizar mi trabajo.

08 09 Made to Stray. Mount Kimbie 2013 Imagen: Cortesía Lief Podhajsky, Melburne Australia

¿Te enfocarías en gráficos o en otro tipo de arte visual? Me encantaría pasar a otros tipos, como la escultura. Me encantaría empezar a mostrar mis cosas en plataformas de gran escala y más galerías. El acoplamiento entre el modo digital y físico podría ser muy interesante mostrarlo en una galería. Basado en su estética, tengo que preguntar: ¿Alguna vez haz trabajado en un estado psicotropico; me refiero a si fumas hierba o tomas alguna droga al iniciar un proyecto? No, Nunca he trabajado así, la verdad es que no me parece correcto el usar drogas mientras trabajo.

¿Conoces Brian Lewis Saunders?, tiene una serie donde realiza autorretratos bajo el efecto de diferentes sustancias. He visto los dibujos que hacen las personas cuando están en ácido o lo que sea y es interesante ver la diferencia en lo que sale. Una vez dibujé un par de cosas - hace años -, en un viaje de ácido. ¿Cómo resultan? Eran pequeños garabatos y algunas palabras, pero era bastante interesante. Fueron sobre todo palabras. En realidad no me gusta mirar una computadora drogado. 27

10 Made to Stray. Mount Kimbie 2013 Imagen: Cortesía Lief Podhajsky, Melburwwne Australia

Creo que tu arte no es solo muy psicodélico, sino también un poco oscuro. ¿Cómo reaccionas ante la religión? La religión es una pregunta difícil, no soy creyente. A pesar de que soy una persona espiritual y creo en ciertos elementos que no pueden ser “explicados” científicamente. Creo que cada uno de nosotros somos nuestros propios dioses y que existe una gran cantidad de sabiduría y fuerza vital en otras frecuencias o “dimensiones”. Dinos tres nuevos músicos que estás escuchando en este momento.

Escuchó Shigeto, Matthew David, Shabazz Palaces también nuevos ritmos bastante mágicos. Y tres películas favoritas? Tres colores, trilogía: Rojo, Blanco, Azul. ¿Cuáles son tus planes para el futuro? Seguir creando, espero ser feliz y tener el amor, la alegría y la compasión en mi vida. Esto es lo que quiero, aunque a veces realmente parece demasiado difícil de conseguir, o tal vez ya lo tiengo y ni siquiera lo se. Eso es una mierda. Puto universo es tramposo, “la risa cósmica”.

JACQUEMUS Crudo, Directo y Sencillo

Simon Jacquemus es un diseñador francés de apenas 22 años que está tomando el camino de los grandes. Después de haber estado un tiempo en la escuela Esmod de París, convenció a un taller de costura para producir su primera colección. Sus cortes son sobrios, sencillos y utiliza los colores en bloque. Su concepción de la mujer es fresca y natural. Viene de Provenza (Sureste de Francia) y en general sus colecciones nos llevan en una atmósfera totalmente distinta a lo que evoca esta región de Francia. La Provenza y su madre son sus mayores inspiraciones, aunque si utilizara la Provenza en todas sus colecciones, campañas y videos sería un poco aburrido. Prefiere empezar a partir de una mujer, de una historia y crear trajes para esta. Define su colección, Le Chenil como: cruda, directa y sencilla. Es lino, da un aspecto viejo a la prenda sin llegar a ser una pieza vintage.

www.jacquemus.fr info@jacquemus.com

02 03 Le Chenil 2012 Imagen: Cortesía Simon Jacquemus Provenza, Francia

generalmente se contempla como la “simple” producción de objetos que existen en el mercado, pero no se toma en cuenta la importancia que está detrás de los mismos, como el diseñador y el proceso, que observándolo desde un punto de vista industrial, el diseño se ha convertido en el 8% del producto interno bruto, y aún así no se le ha dado el impulso necesario para consolidarlo como un elemento clave en el desarrollo del país–. Actualmente son 30 profesionales y profesionistas en diferentes disciplinas promotoras los se han sumado ya al Abierto Mexicano de Diseño, cada uno

Tr ENTIDAD CREATIVA ESTA POR

NACER

Abierto Mexicano de Diseño herramienta cultural y económica, colocando a México en un contexto internacional. El Abierto Mexicano de Diseño es una entidad colaborativa que se configura como la primera edición de un Festival Internacional en la Ciudad de México, dedicado a celebrar todos los aspectos del diseño tomando como objetivo: acercarlo a la sociedad. Organizado por un consejo heterogéneo de más de 30 diseñadores, comunicadores, arquitectos, curadores y entusiastas, el AMD pretende ser un esfuerzo en el que se encuentre la oportunidad de aproximar a gran parte de estas industrias creativas

como herramientas culturales, sociales y económicas –poniendo como prioridad la oportunidad de colocar a nuestro país en un contexto internacional de diseño realmente–. Esta jornada consistirá en una variedad de eventos concentrados durante toda una semana en la ciudad «y siendo el primer año» se eligió al Centro Histórico como el epicentro y eje primordial de todas las actividades. El Abierto Mexicano de Diseño sucede del 23 al 27 de octubre de 2013. Basado en las necesidades 30

sociales e industriales de conglomerar una verdadera semana de diseño, así como a todo el sector, el proyecto inició en octubre del 2012 bajo la idea de 8 de sus integrantes «fundadores» a partir de la manera y la percepción de estos, sobre cómo se celebran los grandes eventos de diseño en México a comparación de otros alrededor del mundo: “Es difícil exponer el diseño al público cuando sólo se entiende de una manera empírica”, indica Alfonso Maldonado (consejero fundador), –En nuestro país 31

enriqueciendo el evento con el propósito de alimentar el diseño desde diferentes puntos de vista y con el objetivo de democratizar, mostrar, sumar, gestar y hacer de esta disciplina algo más tangible en el imaginario social. Entre los consejeros podemos contar nombres y personalidades como: Francisco Torres, Rene Serrano, Regina Pozo, Ariel Rojo, Marina Peniche, Carlos Ortega, Normal Müller, Bibiana Ruíz Esparza, Gerardo Zaldívar del Angel, Ana Elena Mallet, Alberto Arango, Cítrico Gráfico, Emiliano Godoy, Valentin Garal, Gala Fernández, Greta Arcila o Lorenzo Álvarez, por sólo mencionar algunos.

ASGER CARLSEN Hester ,Wrong, y Baxter

El fotógrafo danés Asger Carlsen comenzó su carrera a los 16 años, cuando vendió al periódico local, una foto que tomó de la policía gritándoles a él y a sus amigos por quemar una cerca. Durante los siguientes diez años, Asger trabajó como fotógrafo de crímenes antes de comenzar a fotografiar para anuncios de revista. Después, un día mientras perdía el tiempo en su computadora, creó una imagen de una cara con varios ojos que lo llevó a las fotografías distorsionadas por las que ahora es conocido. Su tétrico y a frecuentemente divertido trabajo hace cuestionarnos lo que es humano, y ha sido exhibido y publicado internacionalmente. A través de sus series, nos introduce en un mundo grotesco y provocador, un mundo en el que lo deforme se transforma en cotidiano. Provocar al espectador, desde mi punto de vista, debe ser una de las principales premisas de todo buen

artista, y más si la fotografía es el modo de expresión elegido. En el caso de Carlsen, esa provocación viene dada por una serie de pequeños detalles que son introducidos de forma sutil en un mundo en blanco y negro y atemporal, en escenarios cotidianos y mezclados con gente aparentemente normal. Las cosas no son como deberían de ser, y son presentadas como un resultado azaroso en el que todo es posible. Los pechos pueden estar en las nalgas, la gente puede ser bicéfala o el amor puede ser demostrado ante una masa amorfa y pegajosa, y todo es normal y común dentro de la fotografía. Y como todo en el mundo del arte y la fotografía, se puede prestar a tantas y variadas interpretaciones como se quiera. Puede gustar o puede parecer repelente, pero si cumple el objetivo de no dejar indiferente ya cumple ese papel artístico por el que fue creado. ¿O no?

Gracia Estudio

ENDÉMICO

01 02 03 Imagenes Cortesía Gracia Estudio 2012 Baja California

GRACIA STUDIO es un despacho de arquitectura con sede en la Región de Tijuana/San Diego fundado en el 2004 por Jorge Gracia y dedicado a desarrollar proyectos privados y comerciales -entre los que se encuentran la serie de almacenes Liverpool en La Paz, Cancún y Playa del Carmen, así como Perisur o la Culinary Art School, en Tijuana, Baja California, México-. Uno de los últimos proyectos firmados por este despacho es el

Hotel Endémico en el Valle de Guadalupe en Ensenada, el cual es el complejo que da forma al nuevo integrante de la cadena de Hoteles Boutique de Grupo Habita. “Encuentro Guadalupe” también llamado, es en total un conjunto de 20 Eco-Lofts o habitaciones independientes de 20m2 cada una, todas localizadas en una superficie de 94 hectáreas y del que también forma parte una vinícola y una zona

residencial. El planteamiento del proyecto es único en su tipo, ya que se busca el contacto directo con la naturaleza de manera sofisticada y no intervenir directamente el terreno en términos de construcción y estructuras. Aquí te presentamos algunas de las imágenes en dónde se observa la conformación de lo que se preve esté funcionando de manera integral en el segundo semestre del 2012.

www.graciaestudio.com 619-795-7864 Calle Coahuila #8206, Interior 201, Zona Centro, Tijuana, BC, CP 22100

ISAM

Es El espectáculo multimedia que acompaña al músico electrónico Amon Tobin en la edición 2013 del festival MUTEK formará parte de una tendencia en que la música e imagen eclosionan. En junio de 2011, Amon Tobin estrenó su espectáculo ISAM en Mutek Montreal. Se trata de una estructura de cubos que rodea al artista metido en una especie de cabina, sobre la que se van proyectando diversas imágenes más bien abstractas y con resonancias de ciencia ficción, que en ocasiones parecen objetos reales moviéndose ante el espectador. El proyecto fue concebido por

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un equipo numeroso, donde destacan V Squared Labs en colaboración con Leviathan, que se encargaron del diseño de contenido y el mapeado de las proyecciones, y Vita Motus Design Studio que se ocupó del diseño escenográfico. La empresa Derivative, que creó el entorno de programación TouchDesigner a partir del cual se generó la aplicación para proyectar y reproducir imágenes en ISAM, publicó un extenso reportaje sobre su desarrollo técnico. Aunque un porcentaje significativo de las proyecciones que acompañan a Tobin ya vienen grabadas, las interaccio-

nes con un controlador Kinect también le permiten “pintar” sobre la estructura en tiempo real con solo mover la mano: música, cine, pintura y escultura se superponen pues en este show. Un antecedente notable es Plastikman Live (ahora 1.5.) donde la música cobra fuerza gracias al espectáculo envolvente. Espectáculos como el de Tobin, o los shows en tres dimensiones de Plastikman, DJ Shadow o Chris Cunningham reivindican un papel central para el DJ creador musical que además domina un espacio que se proyecta, aquí y ahora, hacia el futuro.

Savvy Studio 3 proyectos destacados

01 Imagenes: Cortesía Savvy Studio Monterrey México

A pesar de ser un estudio joven, tiene en su haber más de 20 proyectos.

Savvy Studio es un despacho multidisciplinario mexicano dedicado al desarrollo de experiencias de marca, como ellos mismos se definen. Con sede en la ciudad de Monterrey, este equipo conformado por especialistas en mercadotecnia, diseño gráfico, diseño industrial y arquitectura, entre otras disciplinas, busca generar vínculos muy estrechos entre los clientes y su público, a quienes hacen partícipes de su proceso de trabajo. A pesar de ser un estudio joven, tiene en su

haber más de 20 proyectos que van desde la identidad corporativa de una empresa hasta diseño de empaque. Además colaboran con artistas y diseñadores nacionales e internacionales, lo cual les permite ofrecer soluciones creativas e innovadoras con una esencia global y competitiva, pieza clave que los posiciona como una de las propuestas más frescas en la escena del diseño de nuestro país. A continuación te mostramos tres de sus proyectos más destacados:

MPBA Es el primer libro conmemorativo del Museo del Palacio de Bellas Artes, concebido como un tributo en todos los sentidos. El libro-objeto es un reflejo del museo y su naturaleza elegante, dinámica y atemporal. Su contenido es una compilación de imágenes de archivo, bitácoras, entrevistas con empleados y ex directores del Museo, un ensayo visual del arte que ha estado en exhibición en el Museo desde sus inicios y ensayos acerca de sus representativos murales, junto con una re interpretación de ellos a cargo de artistas contemporáneos. El proyecto MBPA fue desarrollado en colaboración con Caviar Izquierda y el Instituto de Bellas Artes.

02 03 04 Imagenes: Cortesía Savvy Studio Monterrey México Fotografias: Coke Bartrina

GOMEZ Gomez es un bar que responde a una necesidad básica en la vida nocturna de una ciudad, un lugar donde se escucha buena música y se bebe bien. El concepto creativo detrás de este recinto es muy sencillo: mezclar la escénica clásica de un pub común con elementos gráficos y plásticos modernos; una suerte de conciliación entre lo tradicional y lo vanguardista. Para el lenguaje de identidad, se desarrolló una iconografía que refuerza el lenguaje amigable y moderno del lugar. Un ejemplo de su aplicación es el papel tapiz que cubre gran parte del interior, dándole al lugar un sentido clásico de pub, pero con un giro psicodélico. Estos íconos también se pueden encontrar en elementos como el menú, la publicidad y la señalética del espacio.

MERCADO SAN COSME SHOWROOMS MÍSTICOS

08 09 10 Imagenes: Cortesía Savvy Studio Monterrey México Fotografias: Coke Bartrina

Mercado San Cosme es un espacio inspirado por elementos icónicos de la cultura mexicana, su Modernismo arquitectónico y su mágica bebida ancestral: el mezcal. Esta escénica mística, colorida y acogedora, ahora es revisitada en un nuevo espacio en la capital alemana. En el showroom parte de los productos son exhibidos en un gran anaquel cubiertos con una celosía. El espacio del bar posee una

05 06 07 Imagenes: Cortesía Savvy Studio Monterrey México Fotografias: Coke Bartrina

mística atmósfera inspirada en los espacios llenos de sentimiento del Arquitecto Luis Barragán. Un muro-cactus de madera con espinas de color sirve para colgar abrigos, mientras que otro muro ostenta gráfica geométrica con motivos decorativos. Con espacios privados para probar las distintas variedades de mezcal artesanal que se ofrecen, sirviendo a la vez como un espacio para difundir y comunicar todo acerca de esta bebida,

un espacio de estar con un piso con patrones geométricos típicos de los pueblos mexicanos, así como un sistema de mobiliario hecho a la medida. En las paredes se colocaron serigrafías con imágenes prehispánicas en colores vivos. Mercado San Cosme es una embajada del mezcal y el diseño mexicano en Alemania y Europa. En colaboración con Pablo Limón & NANO 4814.

GERMINAL ROAUX Nacido el 08 de agosto 1975 en Lausana (Suiza), Roaux Germinal concluye todos sus estudios en la Universidad Rudolf Steiner en Lausana. Se inicia a la edad de 16 años, en la fotografia, (que posteriormente continuará durante el resto de su vida como una de sus pasiónes mas grandes) asi como tambien se intereso en la producción audiovisual, la publicidad, y el rodaje New-Yorkino. En 1994, termina su primer documental sobre el problema de la desertificación en Burkina, llamado; “Una lluvia de los hombres.” De regreso en Suiza, en 1995, se convirtió en un fotógrafo y periodista para revistas ilustradas como RP y L’Hebdo (Suiza), donde trabaja en “freelance” desde hace más de 10 años. En 2000, fue galardonado con el Primer Premio Suva Medios por una serie de reportajes relacionados con el autismo en niños y adultos, en el Museo de Elysée de Lausana. En 2002, se convirtió en un colaborador habitual de revistas modo Edelweiss y el tipo para el que traba-

jó como fotógrafo de estudio. En 2003, Germinal Roaux dirigió su primera pelicula/documental, “Un montón de cosas”, un film de 28 minutos sobre la integración de los discapacitados mentales en nuestra sociedad. Pierre Assouline en Le Monde escribió sobre la película: “28 minutos de gracia absoluta. Más pasión... “ En 2007, su segunda película “Icebergs”, ganó en el Festival Internacional de Cine de Locarn Hope, como el Mejor Cortometraje Suizo del Año en la 43ª Edicion. El mismo año Germinal Roaux comenzó su diario fotográfico que publica cada mes en Internet. Un diario en blanco y negro, bajo el título de “Never Young Again” donde regleja en sus fotografias cosas que cautivan la atención de jovenes aspectos espaciales y naturales. “Me encanta fotografiar a los jóvenes que piensan ser grandes, o los jóvenes que han recibido una gran responsabilidad, y en sus ojos siempre son niños.” Un proyecto que vale la pena prestar toda la atencion posible.

COMUNICADO

MUTEK MUTEK es una plataforma para la diseminación y el desarrollo de la creatividad digital en el sonido, la música y las artes audio-visuales. Su mandato es proveer una plataforma para los artistas más originales y visionarios que actualmente trabajan en estos campos, con la intención de proveer un espacio de iniciación y descubrimiento para las audiencias que deseamos desarrollar. Durante la década en la que la plataforma de MUTEK ha operado en México, hemos formado parte de un desarrollo constante, siempre sostenido por un creciente público que busca explorar los márgenes de la música electrónica y de la creatividad digital. No ha sido un camino fácil; México presenta grandes retos dentro del ámbito de la música independiente. A pesar de esto, hoy somos una organización robusta y entregada, hemos logrado la creación de puentes que permiten la existencia de un festival sólido, lleno de innovación visual y musical. Este año estamos orgullosos de completar una década de trabajo intenso y de haber establecido, junto con ustedes, un festival que integra artistas nacionales e internacionales dentro del contexto de la música y del arte digital en nuestro país. MUTEK México ha implicado un tremendo trabajo en equipo. Pero más importante aún, nuestros logros han sido fruto de un profundo sentido de la amistad y del entendimiento, mismos que nos han permitido hacer reales nuestras más delirantes ambiciones.

Durante estos diez años, nuestro festival ha ayudado a establecer un sentido crítico y creativo ante los flujos y cambios constantes que la tecnología trae a nuestras vidas. A la par de otras organizaciones y festivales internacionales, MUTEK México ha fomentado una conversación entre los talentos más importantes de nuestro país. Al mismo tiempo, ha logrado establecerse en la Ciudad de México y en otros lugares del país como un espacio abierto para el desarrollo de nuevos públicos y para el entendimiento de los temas que tanto nos apasionan. La décima edición de MUTEK en México tendrá lugar a partir del 30 de septiembre y hasta el 6 de octubre de 2013. Para celebrar nuestro décimo aniversario tenemos preparada una programación llena de sorpresas que reflejará nuestra característica y constante exploración, y que, como siempre, ayudará a ampliar el panorama de las diferentes tendencias y mutaciones que caracterizan a la creatividad digital y la música electrónica. Agradecemos infinitamente a todos los artistas, socios y amigos que han ayudado a MUTEK México a crecer y prosperar durante esta primera década. Y a quienes apenas nos descubren, los invitamos a ser parte de esta experiencia y acompañarnos en la búsqueda de nuevos territorios.